Melómano 244 by ORFEOEDICIONES

(IVA incluido)

Número 244 | septiembre 2018 | Año XXIII PVP: 7,00 €

Carlos Garcés: siguiendo los pasos de Odón Alonso

VIDAS

Pau Casals, 45 años de su muerte ÓPERA DEL MES

Les Huguenots de Giacomo Meyerbeer

TOMANDO NOTAS

“Morir, tremenda cosa” 00244

Sumario

SEPTIEMBRE 2018

244

ENTREVISTA

Carlos Garcés: siguiendo los pasos de Odón Alonso................

Carlos Garcés:

Cantoría, la nueva generación de la Música Antigua....................... 12

6 por Paz Ramos

Mirador del Museo Pau Casals.

Jordi Pardo Director general de la Fundació Pau Casals

Pau Casals —Pablo Casals— (El Vendrell, 29 de diciembre de 1876-Puerto Rico, 22 de octubre de 1973). Cada año El Vendrell, su población natal, celebra esta efeméride con un programa de actos culturales y conciertos. Pero su recuerdo se mantiene vivo en muchos lugares del mundo. Su enorme legado musical y humanístico no tiene fronteras.

Un músico extraordinario

Pau Casals —Pablo Casals— nació en el seno de una familia modesta en El Vendrell (Tarragona) en 1876. Su padre, organista del Vendrell, y especialmente su madre, Pilar Defilló, fueron decisivos en su carrera profesional. Arrimado al piano de su

Cyber Bird Concerto para saxofón y orquesta, de Takashi Yoshimatsu ........................................................................ 32

INFORMAR

Pau Casals, 45 años de su muerte

El compromiso de la música con la vida

los necesitados y mantuvo una relación de coherencia vital con sus convicciones y valores. Se negó a interpretar en la Rusia comunista al saber de las persecuciones políticas. De la misma forma, se negó a tocar en la Alemania nazi después de la ascensión al poder de Adolf Hitler. Ayudó a centenares de miles de refugiados españoles de los campos de concentración en el sur de Francia, y se exilió voluntariamente en Francia y posteriormente en Puerto Rico, manteniendo su compromiso de no volver a su tierra hasta que España fuera de nuevo una democracia. Por esa razón, el 24 de octubre de 1971, en la que fue su tercera visita oficial a la Asamblea General de Naciones Unidas para dirigir la interpretación del Himno que el Secretario General U-Than le había encargado, le fue concedida la primera Medalla de la Paz de la ONU.

CLAVES PARA DISFRUTAR DE LA MÚSICA

VIDAS

vidas, hechos y otros asuntos

Pau Casals fue uno de los violonchelistas más importantes del siglo XX. Fue un innovador y un virtuoso en la interpretación del violonchelo, con una técnica que fue adoptada por violonchelistas de todo el mundo, dando un impulso decisivo para convertir el cello en un instrumento solista. A su faceta de intérprete se le debe unir la de director de orquesta, con una reputación internacional indiscutible. Dirigió un gran número de orquestas de todo el mundo, y al instalarse en Barcelona después de residir hasta 1919 en New York, en 1920 creó la Orquesta Pau Casals, que obtuvo un gran prestigio internacional. Aunque su faceta como compositor es menos conocida, tiene un repertorio muy interesante, y su obra más conocida, el oratorio “El Pesebre” fue su estandarte de una cruzada internacional en favor de la paz y los derechos humanos hasta su muerte, en 1973. Fueron más de setenta conciertos en cuarenta ciudades de todo el mundo. Su periplo dirigiendo “El Pesebre” fue una muestra más de la intensidad de su actividad hasta el último momento de su larga vida. A su legado artístico como músico excepcional se le une su compromiso con la paz, la democracia y los derechos humanos. Siempre ayudó a

Pau Casals, 45 años de su muerte. El compromiso de la música con la vida............................................................................. 20

Les Huguenots, de Giacomo Meyerbeer........................................ 26

■ por

VIDAS, HECHOS Y OTROS ASUNTOS

LA ÓPERA DEL MES

No olviden este nombre, Carlos Garcés Fuentelsaz, un joven, y ya gran director, lleno de imaginación y que ha sido elegido nuevo director de la Banda Sinfónica “Santa Cecilia” y la Orquesta Sinfónica de Cullera. Es soriano, y ya había creado en su ciudad la Orquesta Lira Numantina y posteriormente la Orquesta Ciudad de Palencia. Opina que los músicos tienen que quitarse el frac y acercarse más al público. Este mes de septiembre dirigirá a la Orquesta Sinfónica de Bilbao en una gala lírica con Ainhoa Arteta, debutará con la Orquesta Sinfónica de Navarra y saldrá a la venta el disco Bajo la piel de lobo, con la Orquesta Sinfónica del Principado de Asturias, y un disco monográfico de Rafael Talens junto con la Sinfónica de Cullera. Con la Orquesta Lira Numantina de Soria y Numancia fue galardonado con el Melómano de Oro. Carlos rinde continuo homenaje a su amigo, y referente en lo musical y en lo personal, nuestro recordado Odón Alonso. M

PROMESAS CUMPLIDAS

siguiendo los pasos de Odón Alonso

■

número

padre, creció con música y la incorporó como expresión natural desde su infancia. A los 5 años empezó a estudiar piano, violín y flauta con su padre. A los 6 años realizó su primera composición. Pedía tocar el órgano que su padre interpretaba en la iglesia parroquial del Vendrell, un magnífico órgano de Ludwig Scherrer de 1777. A los 9 años llegó el momento esperado. Más tarde se inició con el violonchelo en El Vendrell, continuando estudios en el Conservatorio de Barcelona con el profesor Josep Garcia. Isaac Albéniz le escuchó interpretar en el Café Tost de Barcelona e, impresionado, redactó una carta para el conde Guillermo de Morphy, consejero privado de la reina María Cristina de Austria. Gracias a su intervención, la reina le dio una audiencia para escuchar al joven violonchelista. La reina le concedió una beca que le permitió estudiar en el Conservatorio de Madrid con el profesor Jesús de Monasterio. Fueron dos años decisivos en su carrera artística y personal. Estableció una relación de aprecio y admiración con la reina, a quien consideró como una segunda madre, y de amistad con un jovencísimo Alfonso XIII. En 1897 coincidió en Barcelona con Camille Saint-Saëns y se integró en el cuarteto de cuerda Crickboom.

En 1899 Pau Casals viajó a París invitado por la renombrada soprano norteamericana Emma Nevada con quien interpretó en conciertos en París y Londres. Interpretó en el Crystal Palace y en un concierto privado para la reina Victoria de Inglaterra. El mismo año debutó con el célebre director Charles Lamoureaux, en un concierto que fue su confirmación como músico excepcional. Célebre ya en las principales salas de concierto de Europa, realizó su primer viaje a Estados Unidos en 1901 con gran éxito en una gira que se extendió hasta 1902. En 1903 interpretó en las principales ciudades de América del Sur, y en 1904 fue invitado para interpretar en la Casa Blanca por el presidente Theodore Roosevelt. Muchos años después, el 11 de noviembre de 1961, fue invitado por segunda vez a la Casa Blanca para interpretar en un concierto ofrecido por el presidente John F. Kennedy. En 1906 creó el Trío Cortot-Thibaud-Casals. Los conciertos en Londres y otras ciudades de Inglaterra, San Petersburgo, Moscú, Viena y Budapest formaron parte de sus giras habituales. En 1914 se estableció en Nueva York, y se casó con la soprano Susan Metcalfe. Residió en Estados Unidos hasta finales de 1919. Allí desarrolló una actividad musical muy intensa, manteniendo sus conexiones y compromisos internacionales.

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Internacional .................................................................... 36 Orquestas ......................................................................... 38 Auditorios.......................................................................... 40 Festivales........................................................................... 44 Noticias............................................................................. 48 SERVICIO DE SOCORRO ................................................................

ENSEÑANZAS MUSICALES

Premios y centenario.............................................................. 56

LA MÚSICA EN EL CINE

Clásico: In the heart of the sea............................................. 62

ÓPERA

ÓPERA DEL MES

LIBROS DE MÚSICA

Les Huguenots de Meyerbeer llegó a ser la ópera más famosa de todo el siglo XIX. El 21 de marzo de 1903 llegó a las 1000 representaciones en la Ópera de París, algo no conseguido hasta aquella fecha por ninguna otra obra. Pero después de este gran éxito empezó su decadencia, hasta llegar al 28 de noviembre de 1936, en que se presentó por última vez en el Palais Garnier. Han pasado más de 80 años y el próximo octubre la ópera volverá a París, esta vez a la Ópera de la Bastilla, después de su glorioso pasado en la desaparecida sala Peletier y la citada Garnier. Argumento El argumento histórico de esta obra se basa en las guerras de religión francesas del siglo XVI entre católicos y protestantes (hugonotes). En el verano de 1572, el matrimonio entre Enrique de Navarra (hugonote) y Margarita de Valois (católica) tenía que sellar la paz, pero todo acabó en una brutal matanza por las calles de París el día de San Bartolomé. Acto I - Verano de 1572. Castillo del Conde de Nevers en Touraine. En una amplia estancia, Nevers y sus amigos celebran una desenfrenada fiesta; el conde tiene previsto casarse al día siguiente. Los invitados se impacientan ya que aún no se ha servido la cena. Nevers les informa que se espera a un invitado especial, un caballero hugonote. Todos se muestran reticentes ante tal visita, pero Nevers les ruega lo traten con cordialidad. Esa es la voluntad del rey, que desea la paz entre católicos y hugonotes. Llega el esperado invitado, el joven Raoul de Nangis, agradecido por ser admitido entre los caballeros de la corte. Ya en la mesa se brinda por la felicidad y las conquistas amorosas. La languidez del chico hace sospechar al resto de que está enamorado. Raoul les explica que ha quedado totalmente prendado de una desconocida a quien salvó cerca de Amboise a punto de M

ser forzada por unos estudiantes. La narración se interrumpe bruscamente cuando aparece Marcel, el viejo criado de Raoul. El anciano, un acérrimo hugonote, critica abiertamente al joven el hecho de que se mezcle con católicos. Estos se toman a risa el carácter extraño y malhumorado de Marcel. Se anuncia que una misteriosa dama quiere hablar con Nevers. El conde, ante la posibilidad de una nueva aventura, abandona a sus invitados. Estos se las ingenian para espiarlo a través de una ventana. Cuando Raoul mira descubre que la dama no es otra que la mujer desconocida de quien se enamoró en Amboise. El joven caballero se siente entonces traicionado, ya que piensa que es la amante del conde. Nevers regresa e informa a sus invitados de que la dama era su futura prometida, pero la reina Margarita ha ordenado inesperadamente la escisión del compromiso matrimonial. A pesar de la rabia, el noble ha accedido por lealtad a los deseos de la soberana. Otro curioso personaje llega al festín. Es Urbain, un paje que está buscando a Raoul para entregarle un mensaje. En este se le explica que al día siguiente, al atardecer, tiene que acudir a una misteriosa cita con los ojos vendados. El joven se lo toma a broma, pero los cortesanos se fijan que el mensaje lleva el sello de la reina. A partir de entonces abruman a Raoul agasajándolo con cumplidos, ya que lo ven como el favorito de la reina. El acto acaba en un gran jolgorio.

Les Huguenots

por Dani Cortés Gil

Cyber Bird Concerto para saxofón y orquesta de Takashi Yoshimatsu

por Ezequiel Marín

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DVD............................................................................................................

Brahms & Franck................................................................ 72

Collected Haïku Poèmes (Genki, 1793).

Resulta complejo, desde el punto de vista musical de occidente, entender la enorme diversidad de culturas que podemos vislumbrar dentro de la música culta nipona. Dicha diversidad es uno de los puntos fundamentales del ideal compositivo de Takashi Yoshimatsu y de la mayoría de compositores japoneses de la segunda mitad del siglo XX. Ya en su formación como compositor, encontramos influencias de la música tradicional japonesa, popular y culta occidental, que cobrarán vida a través de la figura del pájaro en su obra Cyber Bird Concerto. En dicha obra expresará sentimientos e ideas personales y reflejará el continuo enfrentamiento de la música tradicional y culta en Japón por alcanzar un camino propio.

La voz de soprano............................................................... 68

BUSQUE ESTE DISCO

Ezequiel Marín interpretará este concierto el próximo 15 de octubre a las 12 horas en el Auditorio del Centro Cultural “Adolfo Suárez” de Tres Cantos (Madrid) como parte de la Tribuna para Jóvenes Intérpretes de la Fundación Sax-Ensemble, en el marco del 18º Festival de Música de Tres Cantos “Diacronías”.

El canto de los pájaros y su influencia en Yoshimatsu La utilización del canto del pájaro no es un elemento novedoso introducido por Takashi Yoshimatsu en su obra, puesto que ha sido utilizado durante siglos dentro de la música occidental. De hecho, compositores tan importantes como Vivaldi, Haendel, Schubert y Stravinski utilizan ya este recurso en algunas de sus obras. En el caso de Takashi Yoshimatsu, la principal influencia para la utilización del canto de los pájaros es Olivier Messiaen. Este compositor fue un gran conocedor y aficionado al canto de los pájaros, por lo que se dedicaba a trascribir el canto de las aves durante los diversos viajes que realizó por todo el mundo. Messiaen, de hecho, aplicó muchas transcripciones que realizaba a obras tan importantes como Le merle noir (1952), Réveil des oiseaux (1953), así como Catalogue d’oiseaux (1958). Esta influencia es tomada por Takashi Yoshimatsu, que concibe las aves como una fuente de inspiración para componer y entender la música:

GUÍA DE ORQUESTA Y CORO

CLAVES

Claves para disfrutar de la...

Takashi Yoshimatsu es un compositor japonés de música neoclásica que nace en Tokio en el año 1953. A pesar de que nunca llega a recibir educación formal en este ámbito, se inició en el mundo de la música con apenas 19 años. Posteriormente, estudia con Teizo Matsumura, poeta y compositor japonés que destaca por la influencia de occidente en sus composiciones y por la creación de haikus. Matsamura influye en Yoshimatsu en la admiración por la naturaleza, la cual va a tener gran importancia dentro de su obra, formada por seis sinfonías, diez conciertos, sonatas y música para obras de teatro, entre otras piezas. El estilo musical de Yoshimatsu está relacionado de una forma determinante por el compositor Jean Sibelius y marcado por diversas influencias: jazz, música tradicional japonesa y, sobre todo, por la utilización de las aves y su canto como leitmotiv de su repertorio.

ANÉCDOTAS Y CURIOSIDADES ...................................................

Ópera de Niza.

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TOMANDO NOTAS

“Morir, tremenda cosa” ...................................................... 65

de Giacomo Meyerbeer ■

Falla, noche en los confines de España. 1931-1939, El baúl de los genios. El despertar del músico olvidado e Historia de la música en España e Hispanoamérica. La música en España en el siglo XIX ................................................................................... 64

RECOMENDADOS .............................................................................

¿QUÉ QUIERE USTED SABER DEL...

Festival Música Sur? ........................................................... 78 © Metropolitan Museum of Art defiende que el movimiento, canto y presentación visual de un pájaro son inigualables para desarrollar rítmica y melódicamente una obra. Cyber Bird Concerto es un claro ejemplo de la utilización de este recurso motívico. De hecho, la influencia de los pájaros en las obras de Yoshimatsu no se limita a esta composición, puesto que gran parte de su repertorio contiene esta temática: Threnody to Toki (1980), La Era de las Aves (1986), Oda a las aves y al arcoíris (1994), Preludio a la celebración de las aves (2000), entre otras muchas obras más.

El jazz por y para Cyber Bird Concerto La influencia del jazz en la obra de Takashi Yoshimatsu va a expresarse con máximo esplendor en Cyber Bird Concerto. En este sentido, y a pesar de que la improvisación sea una de las características del jazz que más definen el estilo, este recurso no es exclusivo de este género musical. Así, la improvisación musical ya se desarrollaba en la música culta, donde destacan Beethoven, Mozart, Bach o Clementi como grandes maestros de este recurso. 33

Editorial

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Una vez derogado el Real Decreto de fusión del Teatro Real y el Teatro de la Zarzuela, con la entrada del nuevo gobierno del PSOE y con José Guirao al frente del Ministerio de Cultura (sí, sí, solo de Cultura; bueno también de Deporte, pero ya no está unido a Educación, loados sean los dioses), las aguas van volviendo a su cauce y cada mochuelo a su olivo. Por su parte, el Teatro Real hizo público a comienzos del verano un documento titulado: “El Teatro Real, fuerza generadora de cultura y motor económico de su entorno”, un informe sobre el impacto económico y social del Teatro Real en 2017, tras el cierre de sus cuentas anuales. De los abundantes datos que aportaba el documento, creemos que destacan dos: en primer lugar el hecho de que “por tercer año consecutivo, el Teatro Real cierra su balance económico, correspondiente al año 2017, con resultados positivos”; y, en segundo lugar, la afirmación siguiente: “Los ingresos por ventas y patrocinio representaron 7 de cada 10 euros, poniendo de manifiesto la enorme capacidad de autofinanciación de la institución: 75 % de su presupuesto”. Nadie podrá poner en duda que la gestión del Real está siendo acertada en el aspecto económico. Pero, además, y quizás más importante todavía, el éxito de taquilla, con un 92 % de ocupación, y la suscripción de acuerdos con comunidades autónomas para llevar espectáculos del Real a centros culturales y escolares, todo ello unido a la apuesta por las grandes retransmisiones que permite que óperas como Madama Butterfly lleguen a más de un millón de personas, suponen una consolidación definitiva de la rentabilidad social de una institución como el Teatro Real. Como dijo en su momento Gregorio Marañón, la institución puede caminar felizmente sola, sin necesidad de fusiones. Al mismo tiempo, el Teatro de la Zarzuela volvía a la normalidad (tras semanas de desasosiego, paros y situaciones traumáticas), sacaba pecho, y con razón, poniendo en escena un espectáculo de insólito atractivo y calidad como 24 horas mintiendo y dejaba bien clara su capacidad de autogobierno, aprovechando la última función de la temporada para lanzar a los cuatro vientos sus propósitos de “afianzar su condición básica que le convierte en un teatro único en el mundo y para todos, y de paso para reforzar la proyección internacional del patrimonio musical español”, en palabras de los responsables del propio Teatro. Esto fue posible el sábado 24 de julio gracias a la emisión en directo a través de Facebook Live, y de forma gratuita, de 24 horas mintiendo. Fue, sin duda, el broche de oro de una temporada especialmente intensa. El resultado inmediato fue de 41.748 personas alcanzadas, 16.470 reproducciones del vídeo, que permanece en la página de Facebook del Teatro, así como 3.691 reacciones, comentarios o comparticiones, o 5.990 clics en publicaciones. Durante el streaming, aparte de público de todas partes de España, se sumaron espectadores en diversas localizaciones en Italia,Austria, Puerto Rico, México, Perú, Colombia,Argentina, Uruguay, Guatemala, Chile o EE. UU, entre otros. Parece que las cosas pueden irle bastante bien a La Zarzuela, también en solitario. Con todo, el nuevo ministro había tomado su decisión tras analizar las incertidumbres jurídicas, técnicas y operativas que implicaba la fusión propuesta, sobre todo en relación con la subrogación de los trabajadores tras escuchar a los representantes sindicales (CCOO, UGT y CSIF) y a los responsables del Teatro Real y del Teatro de la Zarzuela.Así, el propio Decreto de derogación establecía la puesta en marcha de un Grupo de Trabajo, que tendrá como objetivo el estudio de la reforma de los centros artísticos dependientes del INAEM. Con ello se pretende mejorar la gestión de este organismo autónomo vinculado al Ministerio de Cultura y Deporte y adaptarlo a la naturaleza de sus actividades, potenciando también la labor de difusión nacional e internacional de las artes escénicas y musicales que tiene entre sus fines. La sesión constitutiva de este Grupo de Trabajo tuvo lugar a mediados de julio, presidida por la nueva directora general del INAEM, Amaya de Miguel, e integrado por los directores de los centros de creación artística del INAEM (Auditorio Nacional de Música, Ballet Nacional de España, Centro Dramático Nacional, Centro Nacional de Difusión Musical, Compañía Nacional de Danza, Compañía Nacional de Teatro Clásico, Joven Orquesta Nacional de España, Orquesta y Coro Nacionales de España y Teatro de la Zarzuela) y por representantes del Ministerio de Cultura y Deporte, y de las centrales sindicales. El Real Decreto establece que el Grupo de Trabajo analizará un variado número de cuestiones como: el régimen jurídico y organigrama más adecuados para los fines y actividades de los unidades de producción del INAEM; la dotación de recursos humanos y económicos; los mecanismos para la obtención de ingresos y recursos propios, como el patrocinio, el mecenazgo, las tasas y precios públicos; las modalidades de contratación del personal y los convenios y acuerdos laborales; la racionalización y organización del trabajo en sede y en gira; la estructura retributiva; la difusión digital y retransmisión de los espectáculos o la modernización de las infraestructuras y equipamientos del INAEM, entre otros temas. Vamos, que “a río revuelto…” puede que al final, si se hacen las cosas bien, los sufrimientos de unos y otros no hayan sido en vano. Aguardaremos pacientemente a la elaboración del informe. Luego, opinaremos. ■ M

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Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.

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ENTREVISTA

Carlos Garcés:

siguiendo los pasos de Odón Alonso

■

por Paz Ramos

ENTREVISTA

Cantoría,

la nueva generación de la Música Antigua

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PROMESAS

■ por Susana Castro

En sus dos años de historia el ensemble Cantoría, de Murcia, ha logrado una proyección internacional increíble. Premiados en el programa de ensembles europeos emergentes EEEmerging 2018 y seleccionados para el programa International Young Artist’s Presentation en 2017, entre otros proyectos, su meteórica trayectoria se estructura sobre el rigor musical e histórico y el disfrute sobre el escenario, en el que dicen sentirse muy cómodos y lograr una conexión con el público realmente especial. Acaban de ser seleccionados para formar parte del Proyecto MusaE, un proyecto del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte y Acción Cultural Española que aúna música y patrimonio museístico de la mano de jóvenes intérpretes españoles, y continuarán esta temporada realizando distintas residencias artísticas internacionales. 13

vidas, hechos y otros asuntos Mirador del Museo Pau Casals. ■ por

Jordi Pardo Director general de la Fundació Pau Casals

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Un músico extraordinario

VIDAS Pau Casals, 45 años de su muerte

El compromiso de la música con la vida

ÓPERA DEL MES

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ÓPERA

Les Huguenots de Giacomo Meyerbeer ■

por Dani Cortés Gil

Ópera de Niza.

Claves para disfrutar de la...

Cyber Bird Concerto para saxofón y orquesta de Takashi Yoshimatsu

■

por Ezequiel Marín

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CLAVES

Collected Haïku Poèmes (Genki, 1793).

© Metropolitan Museum of Art defiende que el movimiento, canto y presentación visual de un pájaro son inigualables para desarrollar rítmica y melódicamente una obra. Cyber Bird Concerto es un claro ejemplo de la utilización de este recurso motívico. De hecho, la influencia de los pájaros en las obras de Yoshimatsu no se limita a esta composición, puesto que gran parte de su repertorio contiene esta temática: Threnody to Toki (1980), La Era de las Aves (1986), Oda a las aves y al arcoíris (1994), Preludio a la celebración de las aves (2000), entre otras muchas obras más.

INFORMAR

| FESTIVALES

18º Festival de Música de Tres Cantos

Por primera vez en la historia del Festival se programa una ópera, junto a seis estrenos y música de todos los tiempos

l Festival de Música de Tres Cantos “Diacronías” celebrará su decimoctava edición del 30 de septiembre al 27 de octubre, en el Auditorio y Teatro del Centro Cultural “Adolfo Suárez” del municipio madrileño. Su director, Alfonso Carraté, ha programado, en esta ocasión, un total de siete conciertos con seis estrenos absolutos (cuatro serán encargos del propio festival) y cuatro estrenos de versión, además de numerosas segundas audiciones. Zulema de la Cruz, Carlos Cruz de Castro, Juan de Dios López Aguilera y Hugo Gómez Chao protagonizarán los estrenos absolutos encargados por el Festival. También se incluirá un estreno absoluto del compositor docente del 5º Curso de Composición, Israel López Estelche y otro de Romà Escalas. La variada programación del 18º Festival de Música de Tres Cantos, en el que participarán 33 artistas y ensembles procedentes de siete comunidades autónomas diferentes, se completa con las tradicionales presentaciones didácticas, un concierto para escolares en colaboración con la Tribuna Sax Ensemble y el citado Curso de composición, en colaboración con el Centro Nacional de Difusión Musical (CNDM). No se echará en falta una de las señas de identidad del Festival bajo la dirección de Carraté: el apoyo a la promoción de jóvenes valores, ya que se contará, Sandra Pastrana. como se verá a continuación, con la participación de diferentes jóvenes artistas, algunos de ellos recientemente premiados. Esta nueva edición presenta una interesante novedad: “Ópera en Familia”; en la sesión inaugural, y por primera vez en la historia del Festival, se representará una ópera, producción del propio Festival: El gato con botas de Xavier Montsalvatge, con firma escénica de Rita Cosentino, el pianista Sebastián Mariné en la dirección musical (también como pianista) y un reparto formado por la mezzosoprano Sandra Ferrández (El Gato), la soprano Sandra Pastrana (La Princesa), el barítono Tomeu Bibiloni (El Molinero), el barítono Javier Povedano (El Rey) y el bajo Walter Bartaburu (El Ogro), junto al coreógrafo y bailarían Aarón Martín.

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Una vez más, la música española será una de las grandes protagonistas en la edición de este año, con un fin de semana temático dedicado a la guitarra española, con las guitarras de Sara Guerrero Aguado, ganadora del Premio “Intercentros Melómano”, y Eugenio Tobalina. En este bloque temático se podrán escuchar desde estrenos, como los Tres nocturnos de López Aguilera y el Romance épico de Cruz de Castro hasta clásicos de todos los tiempos de Tárrega, Albéniz, García Abril, así como Brower o Piazzola, entre muchos otros. La música de Bach tendrá una especial presencia en esta edición, con el fin de semana temático “No solo Bach”, compuesto por dos conciertos de gran interés: el 19 de octubre “Under Construction”, interesante y ameno programa presentado por el Windu Quartet, reconocido recientemente por la Asociación de Grupos Españoles de Música Antigua (GEMA) con los premios Innovación, Mejor Grupo Joven y Premio del Público al Mejor Grupo de Música Antigua de España. Y el día 20, un homenaje a Ramón Barce en el 10º aniversario de su fallecimiento, a cargo del Sax-Ensemble, grupo residente del Festival. En este concierto, junto al estreno de La colina de viento de Zulema de la Cruz, sonarán cuatro estrenos de instrumentación sobre obras de Bach, encargados a Bernardino Cerrato, Jesús Legido, Carme Fernández Vidal y Alejandro Román, además de obras del propio Barce o dedicadas a él. En el fin de semana de su clausura, titulado “Finde Danza y Cine”, el Festival se abrirá a otras disciplinas artísticas. Así, el día 26, Tres Cantos recupera el espectáculo Oratorios de Viento, con obras de Monteverdi y David del Puerto, y la presencia del gran bailarín y coreógrafo Jesús Pastor. El Festival finaliza con el espectáculo “Chaplin Musicalis” del Trío Musicalis y la proyección de la película Armas al hombro de Chaplin durante la interpretación de la Historia del soldado de Stravinski, en el centenario de la creación de ambas cumbres de sus respectivas artes. El concierto se completa con obras de Schumann, Greco y Torres, además del último estreno: Todo ese gris que sombrea el blanco de Hugo Gómez Sandra Ferrández. Chao. n

servicio de socorro

Por Amparo Molero Maza

■ ¿Cuándo surge la música aleatoria? ¿Cuáles son sus características? ¿Quiénes son los principales compositores? Pregunta enviada por Roberto Antonio Manglar.

Herma, de Xenakis.

n el diccionario musical Grove podemos encontrar definida música aleatoria como aquella “cuya composición o performance es, en mayor o menor medida, indeterminada por el compositor” (Griffiths, Paul. “Aleatory”, Grove Musica Online). Desde el punto de visa etimológico, la música aleatoria remite a obras musicales creadas a partir de tiradas de dados, ya que podemos traducir la palabra latina alea como dado. Sin embargo, en la actualidad esta definición de aleatoriedad se queda un poco corta, incluyendo en esta clasificación obras en las que se utiliza el azar como principio constructivo de la composición, independientemente del método utilizado. La música aleatoria entendida como un estilo musical relevante surge en la mitad del siglo pasado, hacia 1950, como reacción contra el serialismo integral que pretendía fijar racionalmente todos los parámetros musicales de una composición. Sin embargo, existen algunos antecedentes de obras musicales generadas mediantes procesos de azar. Una de las primeras composiciones con rasgos aleatorios es la Missa Cuiusvis Toni de Johannes Ockeghem, compuesta hacia finales del siglo XV. En esta obra el compositor deja abierta la posibilidad de que la partitura se toque en distintos modos eclesiásticos, de tal manera que la obra cambia dependiendo del modo en el que se interprete. Durante el Clasicismo (segunda mitad del siglo XVIII) fueron muy populares entre la nobleza de Europa Occidental los pasatiempos musicales que consistían en componer obras sencillas destinadas a la danza, como valses y polonesas. Por ello se desarrollaron numerosos juegos con diferentes mecánicas para generar música aleatoria entre los cuales destacaron aquellos en los que se utilizaban dados. Fueron varios artistas los que desarrollaron este tipo de juegos, sin embargo el

más conocido de todos fue el publicado por Nikolaus Simrock, llamado Juego de dados musical (Musikalisches Würfelspiel) y para el que en 1777, Mozart compuso 176 compases. Para proceder a la composición del juego, se deben lanzar dos dados para cada uno de los 16 compases del minueto, y sumar el resultado de los mismos. Se buscan los resultados de sumar los dos dados en una tabla compuesta por 11 filas (que indican las posibles sumas de los dos dados, del 2 al 12) y 16 columnas (que indican el número de tirada, es decir, el número de compás). A continuación se buscan los compases resultantes entre los 176 compases que había escrito Mozart y se escriben en el orden que hayamos obtenido tras las tiradas de los dados. Estos juegos tienen interés musical ya que están considerados propulsores de la música algorítmica. Otras piezas conocidas son El compositor de polonesas y minuetos siempre preparado, de Johann Philipp Kirnberger, y la Broma filarmónica, de Joseph Haydn.

Erratum Musical, de Marcel Duchamp.

A comienzos del siglo XX, el artista Marcel Duchamp creó una composición musical llamada Erratum Musical. En la partitura se aprecian unas notas musicales de diferentes alturas pero sin duración precisa, se dice que el artista escribió tres conjuntos de 25 tarjetas cada una con una sola nota musical escrita, las metió en un sombrero, las mezcló y fue sacando tarjetas para hasta escribir las notas musicales en la partitura. La obra está escrita para tres voces, pero sin especificar si deben cantar juntas o por separado. Tampoco hay indicaciones de tempo o dinámica. Por tanto, solo está delimitada la altura, el resto de parámetros musicales deberán ser definidos a la hora de interpretar la obra, de este modo surgirá una obra nueva cada vez que se interprete. Es frecuente, en consecuencia, la composición musical de obras aleatorias en las que el ejecutante determina la estructura final de la obra, mediante la reordenación de cada una

de las secciones de la misma, o incluso mediante la interpretación simultánea de varias de ellas. Algunos de los compositores más importantes que incluyen la aleatoriedad como medio de creación musical son el estadounidense John Cage con Music of Changes o 4’33”, el alemán Karlheinz Stockhausen en su obra Hymnen, los italianos Bruno Maderna y Franco Donatoni, el español Luis de Pablo, los argentinos Alberto Ginastera y Mauricio Kagel, y el francés Pierre Boulez. Como hemos comentado anteriormente, existen diversos métodos compositivos para general música aleatoria. Citaremos algunos, pero es importante tener en cuenta que no son los únicos. Por ejemplo: - Utilización de procedimientos aleatorios para generar música “fijada” de manera convencional, es decir, mediante una partitura que permanece intacta a la hora de interpretarla, como es el caso de la obra Herma de Xenakis, creada mediante procedimientos estocásticos. - Uso de recursos compositivos que le permiten al intérprete tomar decisiones, pero bajo un marco compositivo claramente delimitado (por ejemplo, partituras que trabajan con módulos intercambiables como la que hemos comentado de Mozart o la obra Eclat de Pierre Boulez, en la que los músicos deciden el orden de las secciones de la pieza.) - Establecer situaciones que llevan al intérprete a crear por sí mismo el material sonoro a la hora de interpretar la obra, sería lo más cercano a una performance. En este caso se utilizan partituras no convencionales, por ejemplo la obra de La Monte Young originalmente creada para ser interpretada por David Tutor. n

Juego de dados musical, de Mozart.

LA MÚSICA EN EL CINE Película: In the heart of the sea Director: Ron Howard Música: Roque Baños

Qué es el arte?, le preguntó el acólito a su maestro… Esta pregunta por sencilla que parezca ha vertido durante siglos numerosas definiciones que de una u otra forma han intentado dar respuesta a tan prolija pregunta. Tomando como punto de partida la etimología del propio concepto —del latín ars, artis, o del griego, τέχνη, téchnē—, la definición se presta a profundas disputas, dado que su naturaleza está abierta a múltiples interpretaciones que varían según la cultura, la época, el movimiento o la sociedad para la cual el término tiene un determinado sentido. De ahí que la definición más académica del término, aquella que lo presenta como la actividad en la que el hombre recrea, con una finalidad estética, un aspecto de la realidad o un sentimiento en formas bellas valiéndose de la materia, la imagen o el sonido, quede por omisión —fría y mecánica— descartada de esta pequeña disertación que trata, en última instancia, de definir la música de In the heart of the sea, la última partitura de Roque Baños. Buscando esa compleja explicación que de sentido a lo expuesto por el músico murciano debemos descartar aquellas definiciones que juegan con la razón, como la de Tomás de Aquino; o con aspectos de la sociología, como la de John Ruskin; o por qué no, con la propia filosofía, como la de Marcel Duchamp, definiciones que nada aportan a la dimensión artística de la obra. Quizá sea la interpretación poética del término, esa que lo define como el encantamiento para consuelo de desencantados, la que describe con autenticidad la realidad última del arte. Pues bien, de esta lírica definición se infiere que el elemento que la sustenta y la define es la emoción;

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In the heart of the sea

sentimiento intenso de alegría o tristeza producido por un hecho, una idea, un recuerdo, o como en este caso, una melodía (The White Whale Chant), onírica y mágica a partes iguales, que traspasa el umbral de la razón para adentrarse, con encantamiento o sin él (¡qué más da!) en el interior de nuestra impresionable realidad. Por tanto, y a modo de resumen, se puede decir que el arte en su dimensión musical es sinónimo de emoción, sentimiento que Roque sabe esculpir sobre las imágenes que dan sentido a tan mágico encantamiento. Durante años el director Ron Howard se ha rodeado de los mejores músicos para contar sus historias, John Williams (Far and away), James Horner (Willow) o Hans Zimmer (Backdraft) han sido los garantes de una forma de hacer y producir cine que ha seducido al espectador durante décadas. Ahora, y gracias a In the heart of the sea, le toca el turno a nuestro Roque Baños, el músico más versátil, prolífico, y por qué no decirlo, más interesante —que no se me enfaden los seguidores de Alberto Igle-

sias— de cuantos ha parido nuestra madre patria. Descubrir a estas alturas del negocio la obra de Roque me parece una estupidez, de ahí que me limite a apuntar solo dos o tres claves que han hecho del jumillano el mejor embajador de la música patria. Como he mencionado con anterioridad, es la versatilidad, primero, y la irregularidad, después —condición sine qua non para prolongarse en el tiempo—, las dos características que definen la personalidad de un músico extraordinario que ha cruzado el océano, como el capitán Ahab en busca de Moby Dick, para encontrar el lugar que se merece. Ahora bien, más allá de la versatilidad o la regularidad, si hay algo que define la música de Baños es la enorme capacidad que tiene para emocionar a todo aquel que se acerca a ella sin prejuicios, pues son muchos los que le achacan una evidente falta de originalidad que redunda, a su vez, en una manifiesta falta de estilo, afirmación que carece de todo fundamento si se echa un simple vistazo a su extensa obra. Trabajos tan destacados como El Séptimo día, Segunda piel o El Maquinista dan buena cuenta de ello. Como se suele decir en la lengua vernácula, Roque, tú eres “genio y figura”. Grosso modo, y con la intención de no desviar demasiado la atención, In the heart of the sea narra los terribles sucesos que acontecieron en el crudo invierno de 1820 cuando el ballenero de Nueva Inglaterra, Essex, fue golpeado por algo a lo que nadie podía dar crédito, una ballena (cachalote) de tamaño y voluntad descomunal con un sentido de

TOMANDO NOTAS

Allí, en lo alto de la oscuridad, un foco le alumbra abriendo una brecha de silencio en el murmurar de centenares de ojos. Y allí, plantada, una figurilla mortal cargada con una sombra de gigante aguarda. Y en la espera de la rotura de su silencio se enjuagan un millón de aplausos. En los ojos del barítono se dibujan el negro y la tragedia, vestidos de un disfraz teñido de teatro. Está nervioso. Las piernas no responden, un sudor frío le abrillanta el rostro y las notas le titilan en la garganta. Se acercaba el canto ahogado de una víctima que aún no le había visto los dientes al lobo. Ya viene… se acerca… y entonces…al fin, la voz. —¿Quién es ese, mamá?— Susurra una vocecilla aguda en los asientos de la novena fila. —Es el barítono Leonard Warren. —No, pero no digo eso. Es que no entiendo lo que le pasa. ¿Le va a pasar algo malo? —Sí, mi amor, ya te he contado antes de lo que iba la ópera… está preocupado porque cree que van a matarle. Esto que está cantando es un aria que se llama “Morir, tremenda cosa…”. —Pero es de broma, ¿no? —Claro, cariño. Son actores. Y ahora estate calladito, ¿vale? —Vale mami, pero…— una tos ronca, se escupe desde el escenario. —¡Cállate, está a punto de acabar la parte más bonita de toda la ópera! La Metropolitan Opera nunca ha vivido una agonía tan sentida antes. Poco a poco, la voz va perdiendo el terciopelo y convirtiéndose en alcohol. Y paso a paso la sombra de gigante de ese pequeño

■ Texto: Sofía M. Gascón Ilustración: Iciar L. Yllera

mortal se desdibuja entre tropiezo y tropiezo… las notas se hacen gárgaras amargas en la garganta y el chorro de voz se convierte en escupitajo. Las negras, las corcheas y los silencios empiezan a entrelazarse hasta quedar deshechos. Un dolor ulceroso mana del cuerpo retorcido del personaje. Y un grito desgarrador se hace eco en el techo hasta enmudecer por completo. Y se queda quieto. Allí plantado, tembloroso y sin aliento. Sin tener los pies fijos al suelo. Con las rodillas blandas y los ojos muy abiertos. —Me muero… ayuda, me muero…— Y al fin se rinde a la gravedad y vierte su cuerpo en el suelo. Una oleada de aplausos llenos de sentimientos llenan el auditorio. Y el actor sigue quieto. —¡¡Bravoooooooooo!! Todos rabian de emoción y de ruido. Todos salvo un asiento en la novena fila que se queda muy callado, muy quieto. —¿Qué pasa, cielo? ¿No te ha gustado? —No, mamá… ¿se ha muerto de verdad? —Claro que no. Ya te lo he explicado antes… es un actor. Y aquella vocecilla aguda se mantuvo muy atenta esperando una respuesta, un suspiro, un movimiento, una sonrisa, un aliento… con los ojos bien abiertos. Se cerró el telón y el barítono permaneció con ellos bien cerrados… callado, inmóvil, con los labios sellados y de fondo una horda de aplausos. ■

“Morir, tremenda cosa”

PRÓXIMO NÚMERO | OCTUBRE 2018

EN PORTADA ■.

Entrevista Marco Armliato por Paz Ramos

■.

Ópera del mes

Il turco in Italia, de Rossini por Fabiana Sans ■.

Claves para disfrutar del

Concierto núm. 5 para violín, Turco, de Mozart por Marco Antonio Molín ■.

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