Melómano 243

Número 243 | julio/agosto 2018 | Año XXIII

Lisette Oropesa:

Grandeza sin divismo

INFORMAR

Nuevas temporadas y festivales de verano VIDAS

Leonard Bernstein, primer centenario CLAVES

Sinfonía núm. 9 de Gustav Mahler

Sumario

JULIO/AGOSTO 2018

243

ENTREVISTA

ENTREVISTA

ENTREVISTA

número

Lisette Oropesa: Grandeza sin divismo..................................

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PROMESAS CUMPLIDAS

Lisette Oropesa:

Alfredo Ferre, embajador del chelo español.................................... 12

Grandeza sin divismo

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por Susana Castro

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El pasado mes de junio comenzaban en el Real las representaciones de la producción de Lucia di Lammermoor, de Donizetti, de Daniel Oren (dirección musical) y David Alden (dirección escénica), con la soprano Lisette Oropesa al frente del elenco. Aprovechando su estancia en Madrid, nos sentamos con ella para hablar de sus roles favoritos, sus sueños, sus rutinas y también de sus proyectos futuros.

Aunque nacida en Estados Unidos, sus padres son cubanos, y culpables de que irradie pasión latina por todo su cuerpo. Nada de divismos, muchas ganas de aprender, una gran humildad y una magnífica voz que nos permiten afirmar que esta mujer tiene un gran futuro por delante. De momento, Pessaro, Venecia, París, Roma y el Liceu la esperan.

M

Lucia es uno de sus grandes roles, que ha interpretado ya en numerosas ocasiones, la última en la Royal Opera House. ¿Podemos decir que es una de sus heroínas favoritas?

Sí, me encanta este papel. Depende de la interpretación que el director haga del papel de Lucia, ya que cambia la actuación, la forma en la que uno canta, se mueve, la expresión, las emociones, etc. Hay distintas formas de interpretar este papel. Por ejemplo, una de las preguntas que yo siempre les hago a los directores es si Lucia está loca desde el principio o si la locura es fruto de un choque. Algunos dicen que está loca desde el inicio y otros apuestan por que se vuelve loca durante la ópera. Otra pregunta que también hago es si Raimondo, el capellán, es malo o bueno, porque en la escena en la que ellos se

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La voz en el teatro.............................................................. 18 VIDAS, HECHOS Y OTROS ASUNTOS

Leonard Bernstein (1918-1990), primer centenario de un músico total....................................................................... 20

© Crystal Green

Vuelve al Teatro Real, donde ya la pudimos ver como la Gilda de Rigoletto en 2015, pero ahora como la protagonista de Lucia di Lammermoor, el más celebrado drama de Donizetti, ¿se encuentra cómoda en este escenario?

Me encanta este teatro. La gente que trabaja aquí ama la ópera. Conocen las óperas palabra por palabra, se saben todas las escenas, conocen a los cantantes que han hecho las distintas producciones y siento que aquí hay mucho que aprender. En los ensayos la gente me conoce y parece que somos una familia. Te hacen sentir muy querida. Y eso no pasa en todos los teatros, solo se encuentra en teatros en los que la gente que trabaja allí ama de verdad la ópera y a los cantantes. Estoy muy contenta y me siento muy amada en el Real.

CLAROSCUROS

LA ÓPERA DEL MES

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La metamorfosis de Acis y Galatea.......................................... 26

VIDAS

vidas, hechos y otros asuntos

INFORMAR

primer centenario de un músico total

■ por

Sinfonía núm. 9 en Re Mayor, de Gustav Mahler .......................... 32

© Michal Novak

Leonard Bernstein (1918-1990),

CLAVES PARA DISFRUTAR DE LA MÚSICA

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David del Puerto

Leonard Bernstein, “Lenny”, fue un músico total, un genio de magnitud clásica que se desenvolvió a la mayor altura en los tres frentes principales del arte musical: la composición, la interpretación —por cierto, además de director de orquesta universal y carismático, fue un extraordinario pianista— y la enseñanza.

SERVICIO DE SOCORRO ................................................................

Apuntes biográficos

Un artista de la talla de Leonard Bernstein debe ser no ya recordado o valorado, sino paladeado y disfrutado a diario: la celebración del centenario, que se haga lo que se haga quedará en menos de lo merecido, no debería ser sino una pequeña parada festiva en el gran viaje sonoro que organizó para todos el inmenso Lenny, a través de un país espiritual que atraviesa imaginariamente no solo los Estados Unidos, sino todo el continente americano, a cuyo territorio sur tan hondamente estaba vinculado por su esposa, y por su pasión por el universo sonoro latino, que magistralmente M

retrató en la más conocida de sus obras, el musical West Side Story.

Un vistazo a vuelapluma a la partitura completa de West Side Story nos abre las puertas principales del universo Bernstein: música desbordante de energía, danzante, imparable, ligada a lo popular de una forma espontánea, llena de imaginación, alejada de cualquier tipismo superficial, pero también de cualquier pedantería “estilo siglo XX”. Una montaña de música cuya orquestación sorprende, deslumbra… El oficio certero e implacable de Bernstein se exhibe en esta obra en toda su magia y poder.

Nació el 25 de agosto de 1918 en Lawrence (Massachusetts) en el seno de una familia de inmigrantes judíos ucranianos.

Es curioso que el otro gran icono de la música sinfónica estadounidense, George Gershwin, sea también hijo de inmigrantes judíos, rusos en este caso, y por tanto, igualmente americano de primera generación. ¡Parece claro que la auténtica —y poderosa— identidad cultural norteamericana solo nace y se explica por vía de la inmigración!

El padre de Leonard, hombre de negocios, se opuso a que cursara estudios de piano, y el joven Bernstein se los cos-

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La metamorfosis de Acis y Galatea por Fabiana Sans Arcílagos @fabianasans

Este año el Festival Castell Peralada apuesta por dos de las óperas más representativas de Haendel: Rinaldo y Acis y Galatea. Esta última, podrá disfrutarse en el Claustro del Carmen en una única función el 8 de agosto a las 22 horas. Con la dirección musical de Fausto Nardi y Rafael R. Villalobos en la dirección de escena, el Festival estrenará una nueva producción, constituida por la orquesta barroca Vespres d’Arnadí y las voces de Roger Padullés, Lucía Martín-Carton, Víctor Sordo, Hugo Bolívar y Josep-Ramon Olivé.

Argumento y mitología Una de las creaciones más relevantes de la tradición literaria, considerada una de las primeras obras maestras, es la que narra la historia del origen del mundo hasta el catasterismo de Julio Cesar denominada Metamorphoseon o, como se ha traducido y dado a conocer, Las metamorfosis de Ovidio. Compuesto en hexámetros, sus doscientos cincuenta cuentos son divididos en quince libros que relatan las aventuras, epopeyas y transformaciones de los dioses o los semidioses para conseguir sus fines.

Una de las características de este libro ha sido su difícil clasificación dentro de un género específico, dado a que el autor se “pasea” tanto por temas épicos y elegíacos, como por tragedias y pastorales. Lo que sí queda claro es el tema recurrente: el amor, del que (según los relatos) ni los dioses quedan exentos, gracias a los flechazos de Cupido.

Cada uno de los libros está sujeto a una temática, subdividiendo los quince libros en cuatro bloques: el primero corresponde a la Divina Comedia, el segundo a la venganza de los dioses, el tercero se lo dedica al Pathos del amor y, finalmente, los libros del doce al quince a las reglas de las deidades y Roma.

En este último bloque, en el libro XIII, podemos encontrar el relato de Galatea, Acis y el cíclope Polifemo.

Galatea, hija de Nereo y Doris, era una ninfa del mar. Es descrita como la más blanca y bella de las nereidas que habitan en el mar. Por otra parte, Polifemo es un cíclope hijo de Poseidón y la ninfa Toosa, un monstruo de un solo ojo enamorado perdidamente de la bella ninfa, pero rechazado

Paisaje costero con Acis y Galatea, Claude Lorrain (1657).

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Nuevas arquitecturas pedagógicas para el aprendizaje musical del siglo XXI. Soundcool: cuando la creatividad desborda.......... 56

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LA MÚSICA EN EL CINE

ÓPERA

ÓPERA DEL MES

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ENSEÑANZAS MUSICALES

teó dando clases. Tras la High School, estudió música en Harvard con Walter Piston (cuyos tratados de Armonía y Orquestación reposan en las mesas de los músicos de medio mundo), ingresando después en el prestigiosísimo Curtis Institute of Music, en Filadelfia, obteniendo en su calificación final el único sobresaliente que Fritz Reiner diera nunca en sus cursos de dirección orquestal. En 1940 entró a estudiar con Serguéi Kusevitski en el Instituto de Verano de la Sinfónica de Boston, en Tanglewood, consolidando una larga relación con el maestro ruso y la Orquesta de Boston.

A la muerte de Kusevitski en 1951, Bernstein sería nombrado director de Tanglewood. El último concierto de Ber-

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Orquestas ......................................................................... 38 Auditorios.......................................................................... 48 Festivales........................................................................... 50

Clásico: 249. La noche en que una becaria encontró a Emiliano Revilla....................................................................... 62 Novedades: Sgt. Stubby: An American Hero, Thi Mai, rumbo a Vietnam y Han Solo: Una historia de Star Wars .................................. 63

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LIBROS DE MÚSICA

Mis recorridos musicales alrededor del mundo, La música en México y notas autobiográficas, Música Clásica. Para los que aún no saben que les gusta la Música Clásica y Pedro Sosa López (1887-1953). Biografía, estilo compositivo y catálogo de obras .... 64

TOMANDO NOTAS

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Di tanti palpiti ................................................................... 65

CLAVES

Claves para disfrutar de la...

Sinfonía núm. 9 en Re Mayor, de Gustav Mahler

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ANÉCDOTAS Y CURIOSIDADES ...................................................

GUÍA DE ORQUESTA Y CORO

por Lucía Martín-Maestro Verbo

Cuando hablamos de la producción sinfónica de autores románticos y postrománticos, es inevitable hacer mención a la “maldición” inherente al nueve, presagio casi indiscutible de que un trágico final podría estar cerca. Cuenta la leyenda que Mahler, llevado por la superstición, nunca quiso numerar de esta manera a la que, por orden lógico y cronológico, hubiera sido su novena sinfonía, que no es otra sino la celebérrima La Canción de la Tierra. Ya por esta creencia o porque La Canción de la Tierra puede englobarse en el género del lied sinfónico, lo cierto es que la décima de sus grandes obras sinfónicas pasó a convertirse en la novena sinfonía, siendo, curiosamente, la última que el compositor llegaría a culminar, ya que falleció en plena composición de su décima sinfonía. Debido al hecho de que esta sinfonía fue el último trabajo que Mahler terminó, es habitualmente considerada como su despedida. Así, la Sinfonía núm. 9 en Re menor ha sido descrita como un canto elegíaco y de redención hacia la muerte, tal vez como un presagio de su propia desaparición.

La voz de mezzosoprano...................................................... 68

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DVD............................................................................................................

Saint-Saëns: Orchestral Works............................................. 72 75

¿QUÉ QUIERE USTED SABER DE...

El Temerario remolcado a su último atraque para el desguace, de Turner (1838).

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BUSQUE ESTE DISCO

RECOMENDADOS .............................................................................

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SIGMA Project? .................................................................. 78

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Editorial

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Orfeo Ediciones

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Jefa de Redacción

Festivales de verano Los meses de julio y agosto son tradicionalmente aprovechados por muchas ciudades, grandes y pequeñas, y muchísimos pueblos, pequeños y grandes, para ofrecer a sus habitantes habituales, pero también a los veraneantes de turno, una amplia gama de posibilidades que incluye afortunadamente la música clásica.

En Melómano tenemos vocación de servicio público. De ahí que sea prioritario para nosotros difundir y apoyar las iniciativas más modestas, lo que no quiere decir de ningún modo menos importantes o de menor calidad. Entre las páginas 50 y 54 de este número podrán encontrar información detallada de algunas de ellas. No son todos lo que están ni están todos los que son, ya que el tiempo y el espacio son limitados. Sin embargo, resulta palpable nuestro afán de poner en primer plano algunas de los festivales más imaginativos, novedosos y serios en sus planteamientos, y eso no siempre coincide con los que disponen de mayores presupuestos para su realización. Festivales como los de Granada, Santander o la Quincena Donostiarra son bien conocidos por el melómano de toda la vida. Sus programadores disponen de grandes cantidades de dinero para llevar a cabo sus propuestas y antaño eran únicos en su especie. Facilitaban el acceso del público a artistas y orquestas que era imposible ver en nuestro país si no era asistiendo a sus programaciones. Pero todo aquello ha cambiado considerablemente en los últimos años. Actualmente, el mejor programador o el mejor director de un festival no es el que sabe cómo gastar un gran presupuesto (eso, en realidad, puede hacerlo cualquiera) sino el que presenta una programación estimulante sin contar con los medios económicos deseables para hacerlo. Esto, a su vez, se convierte en un arma de doble filo pues facilita a los responsables políticos la excusa perfecta para no mejorar sus aportaciones. Si el festival es tan bueno, para qué vamos a dotarlo de un presupuesto más digno.

Luego está el problema de los patrocinios de índole privada. Como el dinero llama al dinero, resulta mucho más fácil captarlos para los grandes que para los pequeños, y así estos últimos mantienen su actividad siempre a base de inventiva y genio. Basten ejemplos como el del Festival de Música Antigua de los Pirineos (FEMAP), el de Guadix o el MurciArt para saber de lo que hablamos. Así, el FEMAP es el festival con mayor número de conciertos de su especialidad distribuidos en 37 municipios del Pirineo Catalán, que combina su oferta musical con la del paisaje y la arquitectura románica inigualables propias de la zona. Todo ello con un presupuesto que, no siendo ínfimo, está a años luz de los mencionados anteriormente. Por su parte, MurciArt o Guadix son ejemplos de propuestas valientes, que con ayuda de artistas locales de talla internacional (algo que también hace el FEMAP) entre sus invitados, sacan adelante una programación de calidad contrastable, apoyando sus respectivos festivales con una oferta de clases magistrales a cargo de sus figuras más destacadas, algo que se hace cada vez con más frecuencia, y con éxito considerable en la mayor parte de los casos.

Al final, el debate es el de siempre. ¿Programar a base de estrellas internacionales es la única forma de ofrecer lo mejor al público? La respuesta es rotundamente no y así lo prueban muchos de los festivales sobre los que se habla en nuestras páginas informativas.Y, además, no debería hacerse con dinero público. Peralada es un magnífico ejemplo de lo que decimos. Se trata de un festival que se lleva a cabo casi de forma exclusiva con dinero privado. Los ingresos por taquilla son indispensables y con el dinero privado, cada uno hace lo que le viene en gana. Pero el apoyo público es otro asunto: es imprescindible utilizarlo para apoyar a las nuevas generaciones, a los artistas españoles, la nueva creación y las propuestas innovadoras. El público sabrá apreciar la calidad allá donde se le presente. Ustedes son el público. Viajen este verano a lugares recónditos, disfruten de nuestra gastronomía, de nuestra geografía y de nuestra arquitectura. Y, sobre todo, disfruten de la buena música, que hay mucha en todos los rincones de nuestro país. ■ M

Susana Castro Para envíos de libros, discos y DVD: redaccion.melomano@orfeoed.com

Fotografía de portada Crystal Green

Redacción

redaccion@orfeoed.com Fernando Calatayud Diego Manuel García Beatriz Prado Jorge Sabugal

Discos

Coordinadora sección discográfica: Susana Castro Francisco J. Balsera Pablo F. Cantalapiedra | Diego Manuel García Cecilia Mª González Zango | Lucía MartínMaestro Verbo | Abelardo Martín Ruiz Antonio Pardo Larrosa | José Prieto Marugán Anahí Quirós | Ana R. Colmenarejo Pedro Téllez | Enrique Pastor Morales

Colaboran

Alberto Alpresa Gregorio Benítez Suárez Paula Coronas Luciano González Sarmiento Iciar L.Yllera (ilustraciones) Tomás Marco Sofía M. Gascón Carolina Martínez Huarte Lucía Martín-Maestro Verbo Rut Martínez Amparo Molero Marco Antonio Molín Ruiz Alejo Palau Antonio Pardo Larrosa Luis Ponce de León José Prieto Marugán David del Puerto Paz Ramos Laura Recio Isabel Royán González Gloria Sánchez Andrés Sánchez Alonso Fabiana Sans Arcílagos José Ramón Tapia Sección Enseñanzas Musicales: Encarni Alises Camacho Mª Ángeles García Serrano Antonio Narejos Ana Pilar Zaldívar Gracia

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ClassicVet, Producciones y Comunicación Maquetación y diseño: Mario Moreno Cortina ISSN: 2531-0879

Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.

|4 Melómano no se hace responsable de las opiniones vertidas en los reportajes e informaciones firmadas.Todos los derechos reservados. Esta publicación no puede ser reproducida ni en todo ni en parte, ni registrada en, ni transmitida por cualquier sistema sin el permiso previo por escrito de la editorial.

ENTREVISTA

Lisette Oropesa: Grandeza sin divismo ■

por Susana Castro

El pasado mes de junio comenzaban en el Real las representaciones de la producción de Lucia di Lammermoor, de Donizetti, de Daniel Oren (dirección musical) y David Alden (dirección escénica), con la soprano Lisette Oropesa al frente del elenco. Aprovechando su estancia en Madrid, nos sentamos con ella para hablar de sus roles favoritos, sus sueños, sus rutinas y también de sus proyectos futuros.

Aunque nacida en Estados Unidos, sus padres son cubanos, y culpables de que irradie pasión latina por todo su cuerpo. Nada de divismos, muchas ganas de aprender, una gran humildad y una magnífica voz que nos permiten afirmar que esta mujer tiene un gran futuro por delante. De momento, Pessaro, Venecia, París, Roma y el Liceu la esperan.

Vuelve al Teatro Real, donde ya la pudimos ver como la Gilda de Rigoletto en 2015, pero ahora como la protagonista de Lucia di Lammermoor, el más celebrado drama de Donizetti, ¿se encuentra cómoda en este escenario?

Me encanta este teatro. La gente que trabaja aquí ama la ópera. Conocen las óperas palabra por palabra, se saben todas las escenas, conocen a los cantantes que han hecho las distintas producciones y siento que aquí hay mucho que aprender. En los ensayos la gente me conoce y parece que somos una familia. Te hacen sentir muy querida. Y eso no pasa en todos los teatros, solo se encuentra en teatros en los que la gente que trabaja allí ama de verdad la ópera y a los cantantes. Estoy muy contenta y me siento muy amada en el Real.

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Lucia es uno de sus grandes roles, que ha interpretado ya en numerosas ocasiones, la última en la Royal Opera House. ¿Podemos decir que es una de sus heroínas favoritas?

Sí, me encanta este papel. Depende de la interpretación que el director haga del papel de Lucia, ya que cambia la actuación, la forma en la que uno canta, se mueve, la expresión, las emociones, etc. Hay distintas formas de interpretar este papel. Por ejemplo, una de las preguntas que yo siempre les hago a los directores es si Lucia está loca desde el principio o si la locura es fruto de un choque. Algunos dicen que está loca desde el inicio y otros apuestan por que se vuelve loca durante la ópera. Otra pregunta que también hago es si Raimondo, el capellán, es malo o bueno, porque en la escena en la que ellos se

© Crystal Green

ENTREVISTA

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Alfredo Ferre,

embajador del chelo español ■ por Paz Ramos

A pesar de su juventud, Alfredo Ferre ha demostrado ser una figura excepcional entre los jóvenes músicos actuales. La fuerza del sonido que extrae a su violonchelo le ha hecho triunfar en escenarios como el Auditorio Nacional de Música, el Teatro Real, el Gran Teatre del Liceu, el Palau des les Arts, el Auditorio de la Diputación de Alicante-ADDA, el Auditorio Nacional de Croacia (Zagreb) o el Auditorio Nacional de Santo Domingo (República Dominicana) y en festivales como la Kronberg Academy (Alemania) o “Conques, La Lumière du Roman” (Francia).

Uno de sus últimos galardones es el Primer Premio y cuatro premios especiales en la Antonio Janigro International Cello Competition de Zagreb (Croacia), o en el Festival de Verbier (Suiza). Los días 2 y 3 de julio tiene una cita con el Teatro La Fenice de Venecia (Italia). Después, podremos verlo también en el Festival Clásicos en Verano de la Comunidad de Madrid.

Alfredo Ferre a sus 23 años tiene ya una brillante carrera como chelista y ha ganado numerosos premios, entre ellos un Segundo Premio el Intercentros Melómano de 2009. ¿Te ayudó la oportunidad de participar en este concurso?

Fue una experiencia muy positiva. Fue mi primer “contacto” con el gran nivel musical que hay en España, y ese premio me motivó para seguir estudiando y mejorando. Tengo muy buen recuerdo de esa etapa, justo antes de ingresar en la Escuela Reina Sofía en Madrid.

En 2011 entras en la Escuela Reina Sofía y en el año 2015 fuiste el alumno más sobresaliente en la cátedra de violonchelo, ¿eras muy joven?

Fueron cinco años inmejorables en la Escuela. Me siento privilegiado por haber tenido la oportunidad de estudiar con Natalia Shakhovskaya, me hizo crecer mucho como músico y como persona. Creo que los violonchelistas en España le debemos mucho. 2015 fue un año muy bueno M

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para mí, tanto por el premio al alumno más sobresaliente de la cátedra de violonchelo como por mi debut en el Auditorio Nacional de Música como solista con la orquesta de la Escuela y Günter Pichler.

Ganaste un importante concurso internacional de violonchelo en Croacia.

Sí, en 2016 recibí el Primer Premio y cuatro distinciones en el Concurso Internacional “Antonio Janigro”, en Zagreb. Desde entonces vuelvo a Croacia cada año a tocar con distintas orquestas, como los solistas de Zagreb o la Varazdin Chamber Orchestra, me parece un país increíble. Me ha ayudado mucho en mi carrera, como también el premio Nicolas Firmenich que me otorgó el festival de Verbier el pasado año y que han recibido antes grandes músicos a los que admiro.

©Tato Baeza

© Noelia Abenza

PROMESAS

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vidas, hechos y otros asuntos

Leonard Bernstein (1918-1990), primer centenario de un músico total

■ por

David del Puerto

Leonard Bernstein, “Lenny”, fue un músico total, un genio de magnitud clásica que se desenvolvió a la mayor altura en los tres frentes principales del arte musical: la composición, la interpretación —por cierto, además de director de orquesta universal y carismático, fue un extraordinario pianista— y la enseñanza.

Un artista de la talla de Leonard Bernstein debe ser no ya recordado o valorado, sino paladeado y disfrutado a diario: la celebración del centenario, que se haga lo que se haga quedará en menos de lo merecido, no debería ser sino una pequeña parada festiva en el gran viaje sonoro que organizó para todos el inmenso Lenny, a través de un país espiritual que atraviesa imaginariamente no solo los Estados Unidos, sino todo el continente americano, a cuyo territorio sur tan hondamente estaba vinculado por su esposa, y por su pasión por el universo sonoro latino, que magistralmente M

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retrató en la más conocida de sus obras, el musical West Side Story.

Un vistazo a vuelapluma a la partitura completa de West Side Story nos abre las puertas principales del universo Bernstein: música desbordante de energía, danzante, imparable, ligada a lo popular de una forma espontánea, llena de imaginación, alejada de cualquier tipismo superficial, pero también de cualquier pedantería “estilo siglo XX”. Una montaña de música cuya orquestación sorprende, deslumbra… El oficio certero e implacable de Bernstein se exhibe en esta obra en toda su magia y poder.

© Michal Novak

VIDAS

Apuntes biográficos

Nació el 25 de agosto de 1918 en Lawrence (Massachusetts) en el seno de una familia de inmigrantes judíos ucranianos.

Es curioso que el otro gran icono de la música sinfónica estadounidense, George Gershwin, sea también hijo de inmigrantes judíos, rusos en este caso, y por tanto, igualmente americano de primera generación. ¡Parece claro que la auténtica —y poderosa— identidad cultural norteamericana solo nace y se explica por vía de la inmigración!

El padre de Leonard, hombre de negocios, se opuso a que cursara estudios de piano, y el joven Bernstein se los cos-

teó dando clases. Tras la High School, estudió música en Harvard con Walter Piston (cuyos tratados de Armonía y Orquestación reposan en las mesas de los músicos de medio mundo), ingresando después en el prestigiosísimo Curtis Institute of Music, en Filadelfia, obteniendo en su calificación final el único sobresaliente que Fritz Reiner diera nunca en sus cursos de dirección orquestal. En 1940 entró a estudiar con Serguéi Kusevitski en el Instituto de Verano de la Sinfónica de Boston, en Tanglewood, consolidando una larga relación con el maestro ruso y la Orquesta de Boston.

A la muerte de Kusevitski en 1951, Bernstein sería nombrado director de Tanglewood. El último concierto de Ber21

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ÓPERA DEL MES

La metamorfosis de Acis y Galatea ■

por Fabiana Sans Arcílagos @fabianasans

Este año el Festival Castell Peralada apuesta por dos de las óperas más representativas de Haendel: Rinaldo y Acis y Galatea. Esta última, podrá disfrutarse en el Claustro del Carmen en una única función el 8 de agosto a las 22 horas. Con la dirección musical de Fausto Nardi y Rafael R. Villalobos en la dirección de escena, el Festival estrenará una nueva producción, constituida por la orquesta barroca Vespres d’Arnadí y las voces de Roger Padullés, Lucía Martín-Carton, Víctor Sordo, Hugo Bolívar y Josep-Ramon Olivé.

Paisaje costero con Acis y Galatea, Claude Lorrain (1657).

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ÓPERA

Argumento y mitología Una de las creaciones más relevantes de la tradición literaria, considerada una de las primeras obras maestras, es la que narra la historia del origen del mundo hasta el catasterismo de Julio Cesar denominada Metamorphoseon o, como se ha traducido y dado a conocer, Las metamorfosis de Ovidio. Compuesto en hexámetros, sus doscientos cincuenta cuentos son divididos en quince libros que relatan las aventuras, epopeyas y transformaciones de los dioses o los semidioses para conseguir sus fines.

Una de las características de este libro ha sido su difícil clasificación dentro de un género específico, dado a que el autor se “pasea” tanto por temas épicos y elegíacos, como por tragedias y pastorales. Lo que sí queda claro es el tema recurrente: el amor, del que (según los relatos) ni los dioses quedan exentos, gracias a los flechazos de Cupido.

Cada uno de los libros está sujeto a una temática, subdividiendo los quince libros en cuatro bloques: el primero corresponde a la Divina Comedia, el segundo a la venganza de los dioses, el tercero se lo dedica al Pathos del amor y, finalmente, los libros del doce al quince a las reglas de las deidades y Roma.

En este último bloque, en el libro XIII, podemos encontrar el relato de Galatea, Acis y el cíclope Polifemo.

Galatea, hija de Nereo y Doris, era una ninfa del mar. Es descrita como la más blanca y bella de las nereidas que habitan en el mar. Por otra parte, Polifemo es un cíclope hijo de Poseidón y la ninfa Toosa, un monstruo de un solo ojo enamorado perdidamente de la bella ninfa, pero rechazado 27

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Claves para disfrutar de la...

Sinfonía núm. 9 en Re Mayor, de Gustav Mahler

El Temerario remolcado a su último atraque para el desguace, de Turner (1838).

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CLAVES ■

por Lucía Martín-Maestro Verbo

Cuando hablamos de la producción sinfónica de autores románticos y postrománticos, es inevitable hacer mención a la “maldición” inherente al nueve, presagio casi indiscutible de que un trágico final podría estar cerca. Cuenta la leyenda que Mahler, llevado por la superstición, nunca quiso numerar de esta manera a la que, por orden lógico y cronológico, hubiera sido su novena sinfonía, que no es otra sino la celebérrima La Canción de la Tierra. Ya por esta creencia o porque La Canción de la Tierra puede englobarse en el género del lied sinfónico, lo cierto es que la décima de sus grandes obras sinfónicas pasó a convertirse en la novena sinfonía, siendo, curiosamente, la última que el compositor llegaría a culminar, ya que falleció en plena composición de su décima sinfonía. Debido al hecho de que esta sinfonía fue el último trabajo que Mahler terminó, es habitualmente considerada como su despedida. Así, la Sinfonía núm. 9 en Re menor ha sido descrita como un canto elegíaco y de redención hacia la muerte, tal vez como un presagio de su propia desaparición.

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INFORMAR

| ORQUESTAS

José Sanchís dirige a la OSBankia en el Miguel Delibes La agrupación ofrece una serie de conciertos por Castilla y León

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osé Sanchís se pondrá al frente de la Orquesta Sinfónica de Bankia en el Auditorio Miguel Delibes de Valladolid el próximo día 1 de julio. Será en el tercero de los conciertos de la gira que la formación realizará durante los meses de junio y julio y que también les llevó a actuar en el Auditorio Lienzo Norte de Ávila y el Palacio de Congresos de Salamanca los días 29 y 30 de junio respectivamente.

La OSBankia de la mano de su director titular abordará la obertura de El Barbero de Sevilla de G. Rossini, arias y obertura de Don Giovanni de W. A. Mozart con la soprano Blanca Valido y la Sinfonía núm. 4 “Italiana”, de F. Mendelssohn.

La orquesta, creada en el año 2015, y presentada de forma abierta y oficial el pasado febrero de este mismo

año, cuenta con José Sanchís como director titular y artístico, el cual también está implicado en la dirección de la Orquesta Sinfónica de la UCM, con la cual ha dado varios conciertos.

La última vez donde se pudo ver a parte de la orquesta fue el pasado 3 de junio, cuando el Cuarteto de Cuerda de la OSB ofreció el programa Música en el Jardín , dentro del programa cultural del Real Jardín Botánico, donde interpretaron obras de Mozart, Mendelssohn, Elgar, Turina y Giacchino.

Con la OSB, Bankia pone en marcha una agrupación musical de carácter profesional compuesta por 52 integrantes, en cuyo programa de actividades se impulsa el empleo joven y la finalidad artística y social, acercando la música como lenguaje universal al conjunto de la sociedad. n

De los grandes clásicos a la música actual con la Metropolitana Estrenarán un concierto para acordeón de Alejandro Vivas

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esde los títulos más populares de la música clásica a obras maestras prácticamente desconocidas y que apenas se interpretan integran la VIII temporada de conciertos (2018-2019) de la Orquesta Metropolitana y el Coro Talía, que incluye, además, un concierto para familias y el estreno de una obra española creada expresamente para el debut de una joven promesa.

La temporada se inaugura el 13 de octubre con El aprendiz de brujo de Paul Dukas y Carmina Burana de Carl Orff. Despedirán el año el 28 de diciembre con un una selección de temas que han hecho historia tanto en Broadway como en Hollywood.

El tercer concierto de abono, que tendrá lugar el 9 de marzo, plantea tres visiones del destino a través de la música: la obertura de La forza del destino de Verdi, La canción del destino de Schicksalslied y la Sinfonía núm. 5 de Beethoven.

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El cuatro concierto de abono tendrá lugar el 18 de mayo y comenzará con El caballero negro de Edward Elgar, acompañada por la Suite núm. 1 de Peer Gynt. Finalizarán con Pinos de Roma de Ottorino Respighi.

La Orquesta Metropolitana y Coro Talía presentan una nueva edición de Música y juguetes con un concierto que tendrá lugar el 2 de febrero.

En un segundo concierto extraordinario programado para el 1 de junio, la Orquesta Metropolitana de Madrid, en su formación de cámara, interpretará la obertura de La scala di seta o La escala de seda de Rossini, y la Sinfonía núm. 40 de Mozart. Se estrenará el Concierto indálico para acordeón, del compositor español Alejandro Vivas, una obra pensada especialmente para la joven acordeonista Marta Cubas Hondal, ganadora del Certamen “Intercentros Melómano” (Grado Profesional) en 2016. n

GUÍA DE ORQUESTA Y CORO

La voz de mezzosoprano por Carolina Martínez Huarte

© Foto RTVE/Luis de Grado

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a voz de la mezzosoprano es, respecto a las voces femeninas, la voz intermedia, entre soprano y contralto. Su tesitura media y su timbre cálido hacen de ella una voz muy especial. A lo largo de la historia de la ópera la mezzo ha sido utilizada para muy distintos tipos de personajes: desde niños o jóvenes varones (roles masculinos), a madres, madrastras, brujas, gitanas o mujeres mayores.

Podríamos distinguir dos tipos de mezzosoprano: coloratura, con gran flexibilidad vocal, capaz de cantar pasajes rápidos y altamente ornamentados. Los personajes de las óperas de Haendel, originariamente cantados por castrati, como Ariodante y Julio Caesar, pertenecen a este subgrupo. También encontramos las denominadas mezzos rossinianas por su especialización en la producción operística de Rossini; y la mezzo dramática, de voz más grave y poderosa que la anterior, más próxima a la voz de contralto. Personajes operísticos de Verdi como Azucena de Il Trovatore, Carmen de Bizet u otros de carácter más ligero como Cherubino en Las bodas de Fígaro se enmarcan en este subgrupo.

La voz de contralto destaca por la rica sonoridad y amplitud de su registro grave. Es una voz difícil de encontrar por lo que generalmente es la mezzosoprano la que realiza los pocos papeles destinados a ellas.

La definición de mezzosoprano lleva implícita el estudio del bel canto. Este estilo de

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emisión vocal lleva consigo una serie de características que, aplicadas a otros estilos musicales como el jazz o la música popular, pueden resultar algo impropias o extrañas.

Cada estilo musical conlleva unos requisitos estéticos que lo enriquecen y lo diferencian.

La cuerda de mezzos se sitúa, tomando como referencia la figura del director, a la derecha de sopranos, por delante de la cuerda de bajos y barítonos.

Mi voz se podría situar dentro de la mezzosoprano coloratura, mostrando más afinidad con el repertorio barroco.

Cualquier persona que se quiera dedicar al canto, ya sea como solista o como cantante de coro, debe tener una buena formación tanto técnica como musical. Otro de los aspectos que debe asimilar un joven cantante de coro es la humildad y la disciplina coral. Al igual que un deportista realiza un calentamiento previo a la competición, el cantante de coro debe adaptar su cuerpo y su mente al trabajo que va a desempeñar. Nuestro calentamiento consiste en ejercicios vocales breves que, apoyados en consonantes y vocales, van aumentando en intensidad y velocidad. También debemos vigilar nuestra postura al realizarlos; una mala posición puede crear tensiones musculares que modifiquen nuestra calidad del sonido y creen contracturas en espalda y cuello.

Como todos sabemos, la voz es el instrumento más complicado porque ni lo podemos ver,

ni lo podemos tocar. Nos tenemos que basar en las explicaciones de los maestros y en nuestras propias sensaciones. Y ahí está la grandeza y la idiosincrasia de nuestro instrumento. Y es también el más personal y más delicado, ya que una vez dañado es muy difícil recuperarlo.

Mantener las cuerdas vocales hidratadas, limitar el tiempo del uso de la voz, evitar elevarla por encima de situaciones ruidosas, no fumar, una buena alimentación, dormir las horas necesarias, etc., en definitiva, mantener una vida sana, hará que, acompañada de una buena técnica vocal y un estudio continuo, nuestra voz nos de grandes satisfacciones.

En Pamplona hay una gran tradición coral y es extraño no haber tenido contacto con alguna formación vocal en algún momento de tu vida. Con 8 años ya cantaba en el coro de la parroquia, y unos años después seguí los pasos de mi hermana mayor y me animé a probar suerte en el Orfeón Pamplonés. Lo de la música como profesión no lo tenía por entonces muy claro. El Orfeón decidió un día contar con una profesora de canto para que nos diese una pautas vocales para mejorar, y ahí se puede decir que se cimentó mi carrera. La persona en cuestión era la catedrática de Canto del Conservatorio Superior, Carmen Arbizu, gran profesional con grandes inquietudes, que supo enseñarnos y motivarnos. Me escuchó y me “ordenó” que hiciera pruebas para entrar en el Conservatorio. A partir de ahí, una carrera dura, intensa pero increíble, que no hubiera sido posible sin el apoyo incondicional de mi madre, que siempre creyó en mí. Mi formación como solista ha ido siempre paralela a mi formación coral. Puedo asegurar que llevo más de treinta años disfrutando del trabajo en equipo.

Lo cierto es que no me queda mucho tiempo libre entre el trabajo y la familia, pero siempre surgen nuevas proposiciones musicales.

Dentro del propio Coro RTVE se realizan audiciones para papeles solistas y tenemos la oportunidad de presentarnos. En las últimas audiciones he sido seleccionada por el maestro Juanjo Mena para un pequeño papel en la ópera La vida breve de Manuel de Falla, que en unos días grabaremos con la Orquesta Sinfónica de la BBC en Manchester.

En cuanto a mis preferencias musicales, elijo como solo de mezzo en una obra sinfónico coral, “Urlicht”, cuarto movimiento de la

LA MÚSICA EN EL CINE Película: 249. La noche en que una becaria encontró a Emiliano Revilla Director: Luis María Ferrández Música: José Sánchez-Sanz

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ay un dicho bastante antiguo que asegura que todas las cosas, por pequeñas que estas sean, sostienen algo… Esto que puede parecer una obviedad se vuelve casi un dogma en la música cinematográfica desde el Pleistoceno. Estas cosas de las que hablo, tangibles o no (los conceptos o ideas también sostienen) determinan en última instancia que los objetos a los que me refiero soporten sobre su propia nomenclatura el peso de la responsabilidad narrativa. Traducido al cristiano de andar por casa, esto, que no es otra cosa que palabrería, es lo mismo que decir que una buena partitura debe sostener a las imágenes a las que sirve. En esta necesaria tesitura se encuentran (el imperativo es el único modo viable) algunas de las mejores bandas sonoras de la historia del cine, con independencia de la calidad de las propias cintas; ¡y si no, que se lo digan a Goldsmith!; el Atlas de la música cinematográfica que mejor sostuvo sobre sus hombros la mediocridad de unos cuantos directores.

Por esto, y supongo que por otras muchas cosas, es de obligado cumplimiento que la música tenga una estructura sólida que de sentido a lo que las imágenes tratan de mostrar, hecho que determina la implicación que tiene la música con el resto de los elementos que dan forma a una determinada película.

Como todo tiene una finalidad (¡esto es teleológico!, que decían los metafísicos), la de la música es la de sostener parte del argumento tejiendo un complejo sistema de códigos no verbales que ayuden a descodificar mejor la historia. En esta interesante tesitura, más teleológica que metafísica, se encuentra la composición de José Sánchez-Sanz para la película 249. La noche en

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Sostenido que no es poco

que una becaria encontró a Emiliano Revilla, una especie de documental dirigido por Luis María Ferrández que tiene en la música a su principal aliado. El músico hace suyo el epígrafe que unas líneas más arriba daba comienzo a este texto y que reza: sostenido que no es poco; y es que la partitura de José Sánchez sostiene con acierto la trama urdida por el director.

La historia se centra en una sola noche; en unas cuantas horas del 30 de octubre de 1988: “Son las horas más intensas del secuestro del empresario Emiliano Revilla por parte de ETA, el cual ha durado 249 días y ha mantenido en vilo a todo el país.

María José. Ella sabe que tiene la noticia del año, pero también que las cosas no van a ser nada fáciles, ya que no se puede dar la exclusiva hasta pasadas unas horas. La ex becaria de la agencia EFE será protagonista de una noche de acción, suspense, tensión y, sobre todo, mucha emoción”; elementos narrativos que se desarrollan bajo el cedazo de una interesante partitura que implica

al espectador con la historia consiguiendo esa simbiosis perfecta que solo el lenguaje musical sabe transmitir.

La música de la película se despersonaliza a medida que se van sucediendo los acontecimientos con una clara finalidad, la de trans-

mitir esa sensación de angustia que no solo sufren el empresario y los protagonistas por mor del secuestro, sino que también es la que experimenta el espectador (sujeto activo de la narración) a medida que se van desarrollando los hechos. El músico compone un discurso más objetivo que subjetivo cuya intención es la de ahondar en las sensaciones que rodearon al secuestro y posterior liberación del empresario. La cuerda, el piano (cuasi minimalista) y un inteligente uso de las percusiones, a la maniera de Powell y

su aclamada Bourne, tensan la trama provocando la incertidumbre del espectador a sabiendas de que esta es una historia conocida por todos. Quizá sea esta una de las grandes virtudes de la obra Sánchez-Sanz, su discurso a posteriori, es decir, la de hacer que nos olvidemos por completo del desenlace metiéndonos en una trama que a todas luces parece original.

Solo es al final de la película cuando la música se torna más emotiva o subjetiva, según se prefiera, dando cumplimiento al feliz desenlace que tuvo uno de los secuestros más mediáticos de la democracia española. Huelga decir, y después de lo expuesto con anterioridad, que la música del compositor José Sánchez-Sanz sostiene con mucho criterio la historia trenzada por el director y guionista Luis María Ferrández. n

■ Texto: Sofía M. Gascón Ilustración: Iciar L. Yllera

TOMANDO NOTAS

Di tanti palpiti

Hubo una noche en aquel julio de 1813 en la que no se movió una brizna de viento, y el agua de los canales venecianos apenas hacía más que vibrar, húmeda, en el aliento del aire. La noche tenía un negro obtuso y torpe que luchaba contra la luz de las farolas que rallaban la calzada con dorados y sombras. Allá, por la avenida más amplia, una muchedumbre reía, cantaba, bailaba, y se dispersaba como hormigas tras un severo pisotón. Mientras tanto, las terrazas de un afamado restaurante de la zona se dibujaban iluminadas de flores en lo alto de una fachada cubierta por una cristalera de vidrio tembloroso y madera vieja.

De esas que huelen a historia, cuero y vela, a vino vertido, a coñac, a queso curado y fresas.

Y allí arriba en lo alto, de donde partía la nada hacia el todo, una hormiguita distinta a las demás se disponía a cobrarse una buena cena.

—Buenas noches. Tengo mesa reservada para dentro de…

—mira el reloj— dos minutos.

—¿Me permite su nombre, caballero?

—Rossini. Gioachino Antonio Rossini. Pero si no le importa, o no desea enemistarse conmigo, le ruego no me llame ni Antonio ni Gioachino. Basta con Rossini.

—Cómo no, señor Rossini. ¿Desea mesa solo para uno, como siempre?

—Por ahora.

—Bien, acompáñeme. Le hemos guardado su mesa del balcón.

Espero que sea de su gusto.

—Muy bien.

—Le traeré la carta.

—No es necesario. Pediré… Pediré unos…

—Macarrones —le interrumpe risueño el camarero.

Rossini alza la mirada hacia el muchacho con desconcierto.

—¿Por qué macarrones?

—Bueno, señor, es que usted siempre hace lo mismo. Siempre viene aquí los viernes a las 20.00 horas con puntualidad inglesa.

Siempre cena en la misma mesa, solo, los mismos macarrones. No vaya usted a pensar que eso es algo malo. En absoluto, solo quería decir que es usted un hombre de rutinas.

Rossini farfulla, incómodo…

—Muy bien, pues hoy crearemos algo nuevo. ¿te parece? Hoy voy a permitirme la licencia de reinventarme. Pediré un risotto.

—Muy bien, señor. Si me permite recomendarle algo de la carta, de postre tenemos unas uvas fantásticas.

—No, gracias. No me gusta el vino en pastilla. Pero te agradeceré que me traigas mi vino de siempre.

—Muy bien, señor. Aquí tiene. ¡Ah! Me advierten en cocina de que debo avisarle de que el risotto tardará todavía unos cuantos minutos.

—No me importa, esperaré componiendo.

Qué extraños seres son los humanos. Qué banales y efímeros… A mi alrededor todos ríen, y ni siquiera tengo claro que haya algo concreto que sea lo que les produce esa risa. Solo ríen porque quieren ser felices, una sonrisa es algo barato y al alcance de cualquiera. Aunque está claro que hay veces que es mejor no sonreír. Como esa señora, por ejemplo…

Se le ha quedado un trozo de tomate de sus macarrones entre los dientes… diablos… debería haber pedido macarrones.

Por otro lado, no me imagino lo que será vivir en sus mentes. En la mía no hay cabida para lo extraordinario más allá de la música. Y es que esta nueva ópera que tengo entre manos sé que triunfará. Solo necesito acabar el aria “Di tanti palpiti” de mi próxima obra, Tancredi. Mientras tanto, este chico solo se preocupa de entender por qué siempre pido macarrones. Diablos… ¿pues por qué será? Porque me gustan y así no tengo que pensar si me habré equivocado o no, ni tendré estas estúpidas conversaciones en mi cabeza mientras trato de acabar el aria de mi obra.

Y tras una extensa verborrea mental, una exclamación de alegría corta el aire.

—¡Camarero! Ya he terminado el aria. Ya me he reinventado lo suficiente por esta noche. Así que ahora, por favor, tráigame mis macarrones. ■ 65

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PRÓXIMO NÚMERO | SEPTIEMBRE 2018

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EN PORTADA ■.

Entrevista Carlos Garcés por Paz Ramos

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Ópera del mes Los hugonotes por Dani Cortés

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Vidas, hechos y otros asuntos

Pau Casals, en el 45 aniversario de su muerte por Jordi Pardo ■.

Promesas cumplidas

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