Melómano 234

(IVA incluido)

Número 234 | octubre 2017 | Año XXII PVP: 7,00 €

CLAVES

¿Por qué nos conmueve la música?

VIDAS

Karel Mark Chichon: un nuevo líder para la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria

Rusia, 1917: visiones fugitivas ÓPERA DEL MES

I masnadieri, el primer estreno internacional de Verdi

Sumario

Karel Mark Chichon:

OCTUBRE 2017

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ENTREVISTA

ENTREVISTA

Karel Mark Chichon: un nuevo líder para la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria..........................................

un nuevo líder para la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria

por Alfonso Carraté

Tras haber sido nombrado director artístico y titular de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, el británico Karel Mark Chichon comparte con Melómano sus deseos e ilusiones acerca de este nuevo proyecto. Se confiesa un enamorado de España y espera llenar la programación de talento español, ya sea invitando a colaborar con la Orquesta a intérpretes y directores españoles de éxito, como programando repertorio español de todos los tiempos, con un guiño especial a la música de nuestro tiempo.

Su objetivo es conseguir que la OFGC obtenga reconocimiento internacional y consolide su proyecto, sin defraudar al espectador habitual, pero abriendo diferentes caminos que acerquen la Orquesta a nuevos públicos.

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PROMESAS CUMPLIDAS

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número

En la pasada primavera usted fue nombrado nuevo director artístico y titular de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria. Por lo visto, tenía otra oferta para una orquesta alemana. ¿Qué le hizo decantarse por la OFGC? El proyecto de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria me produce una especial ilusión. Se trata de una orquesta con un gran potencial artístico del que ya tenía conocimiento previo, al haberla dirigido tanto desde el foso operístico como en concierto, dos terrenos que domina plenamente. Era consciente de que con ella podía llevar a cabo un trabajo serio y profundo. Y me consta que la Orquesta desea trabajar en la misma línea. Mi propósito es realizar un trabajo conjunto en el que, a través del respeto

Inspiración-transpiración..................................................... 18 Rusia, 1917: visiones fugitivas ............................................... 20

Usted había dirigido antes la Orquesta en dos ocasiones como invitado. ¿Cuáles fueron sus primeras impresiones?

Al dirigir a la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria tuve la sensación de hallarme ante un conjunto con M 7

CLAROSCUROS

VIDAS, HECHOS Y OTROS ASUNTOS

mutuo y el esfuerzo, seamos capaces de sacar lo mejor de cada músico y de sentir el legítimo orgullo de formar parte de la orquesta. Cuento además con el respaldo político del Cabildo de Gran Canaria a través de su presidente, Antonio Morales, y el consejero de Cultura, Carlos Ruiz, quienes me han encomendado una tarea que conlleva ampliar el conocimiento de la orquesta en su entorno y potenciar su dimensión social.

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Pablo Díaz: músico de nacimiento........................................ 12

LA ÓPERA DEL MES

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I masnadieri, el primer estreno internacional de Verdi ........... 26

VIDAS

Rusia, 1917:

Claves para disfrutar de la música

¿Por qué nos conmueve la música? ...................................... 32

visiones fugitivas ■

por Luciano González Sarmiento

INFORMAR

Adolf von Menzel, The Iron Rolling Mill (Modern Cyclopes), 1872-1875.

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Cuando en 1917 los cañones del crucero naval Aurora tronaban contra el Palacio de Invierno de Petrogrado, residencia del gobierno provisional tras la abdicación del Zar Nicolás II (1868-1918), Serguéi Prokófiev (1891-1953) rubricaba con su Lento irreal la culminación de sus Visiones fugitivas, que había iniciado dos años antes. Todo un presagio: el año 1917, Rusia culminó una “Revolución anunciada” (1905) que llevaría al país a una cruenta guerra civil, heterogénea y compleja contienda, y daría lugar a la Unión de Repúblicas Soviéticas, proclamada el año 1922 y extinguida en 1991; Europa estaba inmersa en su “gran guerra” iniciada en 1914, pero ya en 1917 se habían involucrado todas las potencias mundiales, configurándose así la primera guerra mundial de la historia de la humanidad; los grandes imperios, aún en pie, se desmoronan como naipes y la belle Époque desvanecía sus ensoñaciones ante la realidad inexorable de la debacle, aunque ni los cañones del Aurora, ni la Revolución iniciada por los bolcheviques alteraron lo más mínimo el curso evolutivo de la música en Rusia.

Esto lo intentaría más tarde Iósif Stalin (1878-1953), alias el Soso Yugashvili, el bolchevique georgiano, tras la muerte de Lenin y la toma del poder autocrático por parte del dictador.

Claramente lo resumía León Trotski unos meses después de fallecer Lenin, en el marco de una reunión del Comité Central del PCUS (mayo de 1924): “una de las consecuencias inmediatas de octubre ha sido… que los poetas y los artistas han enmudecido”. Quizás no enmudecieron, pero muchos sí huyeron de la debacle que se les venía encima, y otros aceptaron la “involución” como “modus vivendi”. El año 1917 no fue el inicio de la historia de Rusia, como algunos sectores revolucionarios quisieron divulgar, sino un episodio más en la dilatada y compleja historia de Rusia, episodio que, según algunas interpretaciones fue tan efímero como ¿innecesario?

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Internacional......................................................................

Orquestas .........................................................................

Auditorios..........................................................................

Festivales ..........................................................................

Noticias ............................................................................

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SERVICIO DE SOCORRO ................................................................

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ENSEÑANZAS MUSICALES

La acción eTwinning en el Conservatorio Profesional de Música de Zaragoza .......................................................... 56

ÓPERA

I masnadieri,

LA MÚSICA EN EL CINE

el primer estreno internacional de Verdi

Clásico: Niña sombra.......................................................... 62

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I masnadieri.

LIBROS DE MÚSICA

Voces paralelas y El compositor asturiano Ramón Garay (1761-1823) .................................................................... 64

TOMANDO NOTAS ■

por Fabiana Sans Arcílagos @fabianasans

I masnadieri, undécima ópera de Verdi, abrirá la temporada 66.º de la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera y, con ella, continuarán con el proyecto Tutto Verdi. La producción estará a cargo del Teatro Regio di Parma, encabezado por Leo Muscato como director de escena. Por su parte, el destacado director español Miguel Ángel GómezMartínez será el encargado de la dirección musical, mientras que el tenor italiano Vincenzo Costanzo y la soprano Carmen Giannattasio interpretarán el rol de Carlo y Amalia, con los que debutan en este escenario. Las representaciones se llevarán a cabo los días 21, 24, 27 y 30 de octubre.

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Pinceladas verdianas Giuseppe Verdi, nacido en Le Roncole (Parma) el 10 de octubre de 1813, estuvo a lo largo de su vida sumergido en un sinfín de cambios políticos de gran influencia nacionalista, que terminaron por caracterizar alguna de sus obras como Nabucco, I Lombardi o La battaglia di Legnano. Pero, a pesar de la temática, Verdi fue desarrollando desde sus inicios un estilo compositivo propio, en el que “en gran parte de su escritura musical existe una simplicidad y energías totalmente nuevas” (Plantinga, 1992, p. 325).

Verdi destaca por ser uno de los compositores “puente” entre el belcantismo italiano de Rossini o Bellini, y el verismo, además

Silencio ............................................................................. 65

de incorporar distintos efectos músico-teatrales en sus óperas, como el gesto orquestal o la música de escena, con los que buscaba “subrayar, mediante procedimientos convencionales, los grandes hechos que se narraban” (Mila, 1992, p. 36) en el escenario; o como el empleo de los temas recurrentes para ciertos personajes o el coro, sin llegar al leitmotiv wagneriano —un ejemplo de ello se deja ver en la ópera I due Foscari, donde los temas “sufren alteraciones a medida que sufren los personajes” (Mila, 1992, p. 36)—; o la utilización violenta de contrastes rítmicos y sonoros utilizados, por ejemplo, en el IV acto de I masnadieri. Finalmente, se puede decir que a medida que fueron pasando los años, el propósito de Verdi era

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ANÉCDOTAS Y CURIOSIDADES ...................................................

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GUÍA DE ORQUESTA

CLAVES

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¿Por qué nos conmueve la música?

por Francis Wolff Autor de Pourquoi la musique?, ed. Fayard, 2016 Traducción de Juan Córdoba

La música es el arte más abstracto y el que más efectos concretos surte. Con unos simples sonidos insignificantes nos hace movernos, bailar, marcar el paso. Nos conmueve. A veces hasta las lágrimas.

Pongamos, pues, por caso que vienen a visitarnos seres de otro planeta, en todo punto semejantes a nosotros… Con la salvedad de que no conocen la música. Imaginémoslos tratando de entender por qué, entre nosotros los humanos, existe eso: música. Sus etnólogos, libretilla en mano, recorrerían nuestra Tierra en busca de informantes capaces de arrojar algo de luz sobre tan peregrinos fenómenos. “¿Qué pretendéis con tanto extraño sonido como sale de vuestros ingenios y gargantas?, nos preguntarían. ¿Qué explicación tiene que los jóvenes de vuestro planeta escuchen embobados y sonrientes secuencias de sonidos que les hacen balancear la cabeza? ¿Por qué os reunís en grandes salas cerradas para escuchar en silencio eso que llamáis ‘conciertos’, o sea, una mezcolanza de sonidos de todo tipo que salen de instrumentos sofisticados, concebidos, a todas luces, con ese único fin?

Eso sí, no cabe duda de que os agrada, ya que manifestáis ruidosamente vuestro entusiasmo al terminar. Pero, ¿qué provocará la ‘música’ en vosotros?”.

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Les diríamos así, poco más o menos: “Si hay música por estos pagos, es por eso mismo, porque nos provoca algo”.

Primero están las emociones más banales, las de los sonidos que oímos, así, sin escucharlos: esos que dan sosiego a los pasajeros cuando se instalan en la cabina del avión, o los que inducen a comprar en los grandes almacenes.

También están las emociones que son fruto de la agregación de afinidades: los entusiasmos y vivencias compartidos (las aglomeraciones de los conciertos de rock), reconocer a su comunidad en determinadas piezas (un himno nacional, un canto de partisanos), la sensación de poderío que embarga al que canta hasta desgañitarse en una comunidad espiritual o al que silba con desenfado ante la muerte. La música funciona en estos casos como seña de identidad: “¡Esta música somos nosotros!”. Me identifico con ese “nosotros” que manifiesta, en la música, ser más fuerte que “yo”.

Luego están esas asociaciones de emociones que se cuelan por las impredecibles rendijas de la memoria involuntaria. “¿Te acuerdas, cariño? Es la canción de nuestro primer beso”. Dichas emociones, fugaces o insistentes, ligadas a fragmentos de vida, son a la fuerza privadas. La nostalgia se manifiesta en ellas como lo hace en cualquier otra experiencia vivida, con una diferencia, y es que 33

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Los violines segundos.......................................................... 68 DVD............................................................................................................

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BUSQUE ESTE DISCO

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XII Sonates del Pare Antoni Soler ........................................ 72

ENCAJADO

Maria Callas Live. Remastered recordings 1949-1964........... 74

Recomendados .............................................................................

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¿QUÉ QUIERE USTED SABER DE...

IBS Classical? .................................................................... 78

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Editorial

Melómano

Melómano es una publicación editada por

Orfeo Ediciones

Teléfono: 91 351 02 53 www.orfeoed.com | gerencia@orfeoed.com

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Director Alfonso Carraté

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Jefa de Redacción Susana Castro

Para envíos de libros, discos y DVD: redaccion.melomano@orfeoed.com

Fotografía de portada Marco Borggreve

Redacción

redaccion@orfeoed.com

Una avalancha de música

La música en el mes de octubre suele llegar como una tromba de agua primaveral, a pesar de que acaba de entrar el otoño. Y, si bien es cierto que climatológicamente hablando, las lluvias otoñales empapan lentamente el campo, propiciando la ansiada recogida de setas y níscalos, desde el punto de vista musical, el comienzo de la temporada invade la vida de los melómanos tras lo que para muchos ha supuesto un seco descanso estival. Bien es cierto que la proliferación de festivales de verano hace posible mantenerse musicalmente activo como oyente, sin largas carencias para los amantes de la música, pero también hay que recordar que la oferta propia de los festivales difiere mucho de los rituales conciertos de abono, de la proximidad de la que uno considera su orquesta o su butaca. No olvidemos que entre todos sus abonados, las orquestas y teatros españoles reunirán en torno a 35000 o incluso 40000 personas. Y es ahora cuando todos ellos pueden regresar a la plácida rutina de sus conciertos de fin de semana, o de los jueves, o del día que le corresponda a cada cual. Algunos se encontrarán con la sorpresa de que su orquesta de toda la vida ha cambiado de teatro porque el suyo, el de siempre, está en obras, como les ha sucedido a los abonados de la ORTVE con el Teatro Monumental, en Madrid. Obras necesarias, de las que todos se alegrarán cuando hayan finalizado, pero que a nadie le hacen gracia mientras duran, pues nos obligan a salir de esa cómoda rutina y a sentarnos en una butaca nueva cuyo grado de comodidad ignoramos por el momento.

Volviendo ahora al paralelismo entre música y clima con que abríamos este editorial, la diferencia radica en que la tromba músico-otoñal, aun siendo tromba, puede producir efectos benéficos para la música, empapar ciertos espíritus indecisos y hacer que con el tiempo proliferen aficionados y melómanos como setas y hongos a primeros de noviembre. Porque no solo de abonados viven las orquestas, sino de nuevos públicos, oyentes cautos que se acercan poco a poco a la más etérea de las artes, hasta que ya no pueden librarse de ella. Y es esa oferta más que abundante que surge a primeros de octubre la que desborda los cauces de ríos infinitos de música. No hay mas que echarle un vistazo a la abundante publicidad del presente número de Melómano para tener una pequeña muestra de la cantidad y diversidad a que nos enfrentamos: temporadas de orquestas y teatros, convocatoria de concursos, ciclos de música, festivales de otoño, discos... cada uno de ellos con su particular forma de atraer al público: quién ofrece la presencia de grandes estrellas, quién nos presenta artistas menos conocidos pero de gran solvencia (en muchas ocasiones superior a las grandes estrellas, buena forma de que el oyente se acostumbre a lo bueno como algo mejor que lo conocido), unos y otros, en definitiva, utilizan las armas que consideran más oportunas para ir calando pacientemente en los corazones ávidos de emoción. Pues, citando al doctor Wolff, autor del trabajo ¿Por qué nos conmueve la música? que publicamos en nuestra sección Claves para disfrutar de la música de este mes, “… cuando nuestra razón se deja guiar por las fantasías sonoras que le dicta la imaginación es cuando nos emocionamos”. Desde la fantasía sonora de una gran composición hasta la que nos embarga con unas interpretación sublime, todas se convierten en torrente de goces inefables para el buen amante de la música. n M

Begoña Arrechederra Diego Manuel García Leticia Martín Andrea P. González

Discos

Coordinadora sección discográfica: Susana Castro Luis Agius | Francisco J. Balsera | Pablo F. Cantalapiedra | Cecilia G. Zango | Lucía Martín-Maestro Verbo | Marco Antonio Molín Ruiz | José Prieto Marugán | Anahí Quirós | Ana R. Colmenarejo | Pedro Téllez

Colaboran

Luis Agius Alberto Alpresa Manuel Ballestero Gregorio Benítez Suárez Paula Coronas Luciano González Sarmiento Iciar L.Yllera (ilustraciones) Tomás Marco Sofía M. Gascón Lucía Martín-Maestro Verbo Rut Martínez David Mata Amparo Molero Marco Antonio Molín Ruiz Alejo Palau Antonio Pardo Larrosa Luis Ponce de León José Prieto Marugán Paz Ramos Laura Recio Isabel Royán González Andrés Sánchez Alonso Fabiana Sans Arcílagos José Ramón Tapia Francis Wolff Sección Enseñanzas musicales: Mª Ángeles García Serrano | Encarnación López de Arenosa | Ana Pilar Zaldívar Gracia Ventana a Europa: Antonio Narejos

Suscripciones y números atrasados admon@orfeoed.com www.orfeoed.com/tienda

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Classic Vet, Producciones y Comunicación Maquetación y diseño: Mario Moreno Cortina ISSN: 2531-0879

Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.

|4 Melómano no se hace responsable de las opiniones vertidas en los reportajes e informaciones firmadas.Todos los derechos reservados. Esta publicación no puede ser reproducida ni en todo ni en parte, ni registrada en, ni transmitida por cualquier sistema sin el permiso previo por escrito de la editorial.

Karel Mark Chichon:

un nuevo líder para la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria

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por Alfonso Carraté

Tras haber sido nombrado director artístico y titular de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria, el británico Karel Mark Chichon comparte con Melómano sus deseos e ilusiones acerca de este nuevo proyecto. Se confiesa un enamorado de España y espera llenar la programación de talento español, ya sea invitando a colaborar con la Orquesta a intérpretes y directores españoles de éxito, como programando repertorio español de todos los tiempos, con un guiño especial a la música de nuestro tiempo.

Su objetivo es conseguir que la OFGC obtenga reconocimiento internacional y consolide su proyecto, sin defraudar al espectador habitual, pero abriendo diferentes caminos que acerquen la Orquesta a nuevos públicos.

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ENTREVISTA

En la pasada primavera usted fue nombrado nuevo director artístico y titular de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria. Por lo visto, tenía otra oferta para una orquesta alemana. ¿Qué le hizo decantarse por la OFGC? El proyecto de la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria me produce una especial ilusión. Se trata de una orquesta con un gran potencial artístico del que ya tenía conocimiento previo, al haberla dirigido tanto desde el foso operístico como en concierto, dos terrenos que domina plenamente. Era consciente de que con ella podía llevar a cabo un trabajo serio y profundo. Y me consta que la Orquesta desea trabajar en la misma línea. Mi propósito es realizar un trabajo conjunto en el que, a través del respeto

mutuo y el esfuerzo, seamos capaces de sacar lo mejor de cada músico y de sentir el legítimo orgullo de formar parte de la orquesta. Cuento además con el respaldo político del Cabildo de Gran Canaria a través de su presidente, Antonio Morales, y el consejero de Cultura, Carlos Ruiz, quienes me han encomendado una tarea que conlleva ampliar el conocimiento de la orquesta en su entorno y potenciar su dimensión social.

Usted había dirigido antes la Orquesta en dos ocasiones como invitado. ¿Cuáles fueron sus primeras impresiones?

Al dirigir a la Orquesta Filarmónica de Gran Canaria tuve la sensación de hallarme ante un conjunto con M 7

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© Javier Torres Calleja

Pablo Díaz:

músico de nacimiento

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PROMESAS ■ por Susana Castro

El interés de Pablo Díaz por la música le viene de familia. Hijo de pianistas y sobrino de compositora, con 5 años Pablo sintió la llamada del violín y, un poco más tarde, se despertó su interés por la composición. Desde los 13 años compagina ambas actividades, y espera seguir haciéndolo por mucho tiempo, además de seguir disfrutando de la música de cámara.

Este octubre estrena en el 17º Festival de Música de Tres Cantos “Diacronías” su Sonata para saxofón y piano Op. 9 —encargo del propio Festival— y tiene pendiente de estreno también su Cuarteto de Cuerda n.º 1 en Re sostenido menor, así como una serie de pequeñas piezas para violín solo inspiradas en poemas de Miguel Hernández, que serán recitados por el actor Manuel Galiana.

Con solo 20 años su carrera despega imparable, algo de lo que son muy responsables su gran madurez y sus ganas de hacer disfrutar al público.

¿Cómo fueron tus primeros pasos en la música? ¿Existía tradición musical en tu familia?

Sí, he escuchado música clásica desde que estaba en la tripa de mi madre, porque mis padres son los dos pianistas y mi tía es compositora, así que parecía lógico que luego yo me fuese a dedicar a algo relacionado con la música clásica.

Empecé con el violín a los 5 años, lo pedí yo, y luego a los 6 años pedí empezar con el piano. Estuve estudiando de manera oficial los dos instrumentos a la vez hasta los 13 años, pero llegó un momento en el que se hacía muy difícil mantenerlos. Me decanté por el violín.

En ese momento estudiaba en Katarina Gurska, en Madrid, donde cursé el Grado Elemental y el Grado Profesional de violín, ya que mis padres impartían clase en este centro. Mi profesor era Sergey Teslya, que es un violinista excepcional, de lo mejor que tenemos en España. Después hice las pruebas para estudiar en la Escuela Reina Sofía, ya que quería estudiar con Marco Rizzi, porque además su asistente era Sergey. Tuve la suerte de entrar y llevo ahí cuatro años, ya que entré con 16. Ahora mismo estoy cursando 3º de Grado Superior. ¿Y cuál es tu relación actual con el piano, después de haber estudiado esos años?

No lo he dejado del todo, de vez en cuando me entran ganas de tocar y me animo, pero es más como un hobby. El hecho de haber tenido una base en piano (cursé estudios hasta 2º de Grado Profesional) es muy importante a la hora de componer, porque te facilita el trabajo de una forma impresionante. Tampoco compongo únicamente probando con el piano, pero desde luego es una ayuda enorme.

Entonces, ¿cuándo decides empezar con la composición?

En realidad me interesa desde muy pequeñito. Como mi padre, Gustavo Díaz-Jerez, también es compositor, hay ahí una influen-

cia importante. Me gustaba mucho jugar a videojuegos con 6 o 7 años, y ya intentaba transcribir la música que oía y hacer mis propias cositas. Mi padre me enseñó a utilizar el Sibelius cuando tenía 7 años, así que me pasaba temporadas probando experimentando con el programa. Pero yo considero que escribí mi primera obra con 13 años.

Desde que estoy en la Escuela Reina Sofía, estudiando con David del Puerto, sí que le he dado un empujón fuerte a la composición. Él era mi profesor de Armonía y Análisis, y tuvimos rápidamente una conexión total. Hace dos años comenzamos a dar clase de forma particular. Compaginar violín y composición a un nivel alto es muy difícil, porque hay que dedicarle muchas horas. ¿Y hacia dónde te quieres encaminar, hacia el violín o hacia la composición?

Uf, esa es una pregunta muy peliaguda. Desde luego yo no quiero dejar el violín, y voy a seguir tocando mientras pueda, pero es muy difícil hoy en día poder dedicarse a él como concertista.

No me llama tanto el tocar dentro de una orquesta, pero en cambio sí me gusta mucho la música de cámara, y es una actividad que me gustaría mantener a nivel profesional. Esto querría compaginarlo con la composición, tanto en formato de música de concierto, con estrenos y demás, como dedicarme a la música de cine o audiovisuales. Todavía tengo que explorar este tema un poco…

Con solo 20 años ya has ofrecido numerosos conciertos, en salas como el Auditorio Nacional de Música, o el Palacio Real de la Granja de San Ildefonso de Segovia. ¿Cuál fue tu primera experiencia escénica?

En realidad tengo recuerdos del escenario desde bien pequeño, por ejemplo en el Centro Cultural Nicolás Salmerón. Con 13

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Rusia, 1917: visiones fugitivas â–

por Luciano GonzĂĄlez Sarmiento

Adolf von Menzel, The Iron Rolling Mill (Modern Cyclopes), 1872-1875.

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VIDAS

Cuando en 1917 los cañones del crucero naval Aurora tronaban contra el Palacio de Invierno de Petrogrado, residencia del gobierno provisional tras la abdicación del Zar Nicolás II (1868-1918), Serguéi Prokófiev (1891-1953) rubricaba con su Lento irreal la culminación de sus Visiones fugitivas, que había iniciado dos años antes. Todo un presagio: el año 1917, Rusia culminó una “Revolución anunciada” (1905) que llevaría al país a una cruenta guerra civil, heterogénea y compleja contienda, y daría lugar a la Unión de Repúblicas Soviéticas, proclamada el año 1922 y extinguida en 1991; Europa estaba inmersa en su “gran guerra” iniciada en 1914, pero ya en 1917 se habían involucrado todas las potencias mundiales, configurándose así la primera guerra mundial de la historia de la humanidad; los grandes imperios, aún en pie, se desmoronan como naipes y la belle Époque desvanecía sus ensoñaciones ante la realidad inexorable de la debacle, aunque ni los cañones del Aurora, ni la Revolución iniciada por los bolcheviques alteraron lo más mínimo el curso evolutivo de la música en Rusia.

Esto lo intentaría más tarde Iósif Stalin (1878-1953), alias el Soso Yugashvili, el bolchevique georgiano, tras la muerte de Lenin y la toma del poder autocrático por parte del dictador.

Claramente lo resumía León Trotski unos meses después de fallecer Lenin, en el marco de una reunión del Comité Central del PCUS (mayo de 1924): “una de las consecuencias inmediatas de octubre ha sido… que los poetas y los artistas han enmudecido”. Quizás no enmudecieron, pero muchos sí huyeron de la debacle que se les venía encima, y otros aceptaron la “involución” como “modus vivendi”. El año 1917 no fue el inicio de la historia de Rusia, como algunos sectores revolucionarios quisieron divulgar, sino un episodio más en la dilatada y compleja historia de Rusia, episodio que, según algunas interpretaciones fue tan efímero como ¿innecesario?

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I masnadieri,

el primer estreno internacional de Verdi

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por Fabiana Sans Arcílagos @fabianasans

I masnadieri, undécima ópera de Verdi, abrirá la temporada 66.º de la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera y, con ella, continuarán con el proyecto Tutto Verdi. La producción estará a cargo del Teatro Regio di Parma, encabezado por Leo Muscato como director de escena. Por su parte, el destacado director español Miguel Ángel GómezMartínez será el encargado de la dirección musical, mientras que el tenor italiano Vincenzo Costanzo y la soprano Carmen Giannattasio interpretarán el rol de Carlo y Amalia, con los que debutan en este escenario. Las representaciones se llevarán a cabo los días 21, 24, 27 y 30 de octubre.

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ÓPERA

I masnadieri.

Pinceladas verdianas Giuseppe Verdi, nacido en Le Roncole (Parma) el 10 de octubre de 1813, estuvo a lo largo de su vida sumergido en un sinfín de cambios políticos de gran influencia nacionalista, que terminaron por caracterizar alguna de sus obras como Nabucco, I Lombardi o La battaglia di Legnano. Pero, a pesar de la temática, Verdi fue desarrollando desde sus inicios un estilo compositivo propio, en el que “en gran parte de su escritura musical existe una simplicidad y energías totalmente nuevas” (Plantinga, 1992, p. 325).

Verdi destaca por ser uno de los compositores “puente” entre el belcantismo italiano de Rossini o Bellini, y el verismo, además

de incorporar distintos efectos músico-teatrales en sus óperas, como el gesto orquestal o la música de escena, con los que buscaba “subrayar, mediante procedimientos convencionales, los grandes hechos que se narraban” (Mila, 1992, p. 36) en el escenario; o como el empleo de los temas recurrentes para ciertos personajes o el coro, sin llegar al leitmotiv wagneriano —un ejemplo de ello se deja ver en la ópera I due Foscari, donde los temas “sufren alteraciones a medida que sufren los personajes” (Mila, 1992, p. 36)—; o la utilización violenta de contrastes rítmicos y sonoros utilizados, por ejemplo, en el IV acto de I masnadieri. Finalmente, se puede decir que a medida que fueron pasando los años, el propósito de Verdi era

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CLAVES

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¿Por qué nos conmueve la música?

por Francis Wolff Autor de Pourquoi la musique?, ed. Fayard, 2016 Traducción de Juan Córdoba

La música es el arte más abstracto y el que más efectos concretos surte. Con unos simples sonidos insignificantes nos hace movernos, bailar, marcar el paso. Nos conmueve. A veces hasta las lágrimas.

Pongamos, pues, por caso que vienen a visitarnos seres de otro planeta, en todo punto semejantes a nosotros… Con la salvedad de que no conocen la música. Imaginémoslos tratando de entender por qué, entre nosotros los humanos, existe eso: música. Sus etnólogos, libretilla en mano, recorrerían nuestra Tierra en busca de informantes capaces de arrojar algo de luz sobre tan peregrinos fenómenos. “¿Qué pretendéis con tanto extraño sonido como sale de vuestros ingenios y gargantas?, nos preguntarían. ¿Qué explicación tiene que los jóvenes de vuestro planeta escuchen embobados y sonrientes secuencias de sonidos que les hacen balancear la cabeza? ¿Por qué os reunís en grandes salas cerradas para escuchar en silencio eso que llamáis ‘conciertos’, o sea, una mezcolanza de sonidos de todo tipo que salen de instrumentos sofisticados, concebidos, a todas luces, con ese único fin?

Eso sí, no cabe duda de que os agrada, ya que manifestáis ruidosamente vuestro entusiasmo al terminar. Pero, ¿qué provocará la ‘música’ en vosotros?”.

Les diríamos así, poco más o menos: “Si hay música por estos pagos, es por eso mismo, porque nos provoca algo”.

Primero están las emociones más banales, las de los sonidos que oímos, así, sin escucharlos: esos que dan sosiego a los pasajeros cuando se instalan en la cabina del avión, o los que inducen a comprar en los grandes almacenes.

También están las emociones que son fruto de la agregación de afinidades: los entusiasmos y vivencias compartidos (las aglomeraciones de los conciertos de rock), reconocer a su comunidad en determinadas piezas (un himno nacional, un canto de partisanos), la sensación de poderío que embarga al que canta hasta desgañitarse en una comunidad espiritual o al que silba con desenfado ante la muerte. La música funciona en estos casos como seña de identidad: “¡Esta música somos nosotros!”. Me identifico con ese “nosotros” que manifiesta, en la música, ser más fuerte que “yo”.

Luego están esas asociaciones de emociones que se cuelan por las impredecibles rendijas de la memoria involuntaria. “¿Te acuerdas, cariño? Es la canción de nuestro primer beso”. Dichas emociones, fugaces o insistentes, ligadas a fragmentos de vida, son a la fuerza privadas. La nostalgia se manifiesta en ellas como lo hace en cualquier otra experiencia vivida, con una diferencia, y es que 33

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INFORMAR

| Festivales

Tierra 47 llega a Madrid

Los nuevos territorios del arpa se explorarán los días 20 y 21 de octubre en el Museo Reina Sofía

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l novedoso Festival Tierra 47 pretende desafiar los límites del arpa y aspira a proyectarla y difundirla entre un público no habitual que pueda descubrir a través del Festival todo el potencial de este instrumento y la gran variedad de posibilidades que se están explorando en la actualidad, tanto en ejecuciones en solitario como en colaboración con otros músicos y artistas. Se establece como una cita bienal ineludible, con el objetivo de difundir el arpa entre un público no habitual.

El concierto de apertura, El Espíritu de Nicanor Zabaleta, tendrá lugar el viernes 20 de octubre a cargo de arpistas como Baltazar Juárez o Isabelle Perrin junto a la Camerata Antonio Soler. El día 21 se celebrarán los conciertos De Viaje: Terra Nostra. Aquí hay dragones; Tierra de ida y vuelta; Tierra Nueva; y Tierra de origen, con el que se clausurará el Festival.

Se contará además con una masterclass impartida por Isabelle Perrin, un espectáculo orientado al público infantil y la conferencia ¿Por qué la música?, del filósofo francés Francis Wolff.

Tendrá lugar también un concurso internacional, en el que se invitará a todos los arpistas a enfrentarse a una improvisación sobre un tema iberoamericano. El concurso destaca por su espíritu transgresor, así como su mecánica, apoyada en las nuevas tecnologías, y abierto al mundo, con información en varios idiomas, incluyendo el mandarín. n

“Espíritu de Nicanor Zabaleta”.

Baltazar Juárez e Isabelle Perrin.

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El Festival de Música de Tres Cantos celebra su decimoséptima edición

Su programación se extenderá hasta el 28 de octubre

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Marco a través de un concierto del piaon el lema “Diacronías” y dirigido por Alfonso Carraté, el nista Mario Prisuelos y la presentación Festival de Múde un disco monográfico sica de Tres Cantos prededicado al compositor. senta una programación Se apostará también por ecléctica y compromelas jóvenes promesas de tida con la música de la música, con un connueva creación, con el cierto del saxofonista objetivo de acercarla al Pablo de la Fuente, acomgran público. pañado por Sebastián Se interpretarán obras Mariné al piano. Asimisde más de 40 composimo, destacados artistas tores españoles de los sidel panorama musical de Mario Prisuelos y Tomás Marco. glos XX y XXI a lo largo nuestro país, como Pablo de sus siete conciertos. Contará, adeGarcía-López (tenor), Aurelio Viribay más, con fines de semana temáticos, (piano), Daniel del Pino (piano), Bartomeu Jaume (piano) y el coro de voces presentaciones didácticas y un curiguales VokalArs, dirigido por Nuria so de composición impartido por Fernández, serán también protagonisel pedagogo y compositor Eduardo tas de esta edición.

Soutullo.

La clausura contará con la interEl Festival se inauguró el pasado 30 de septiembre con el concierto Música de pretación de una versión para dos cine en familia de la mano de Pascual pianos de West Side Story a cargo de Osa al frente de la Orquesta y Coro FiIberian & Klavier, en el marco de la larmonía de Madrid. Durante el mes de celebración del Centenario de Leooctubre, se rendirá homenaje a Tomás nard Berstein. n

COMA’17, la mejor oportunidad para descubrir la nueva creación madrileña

Celebra su decimonovena edición con 19 conciertos y más de 150 intérpretes

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l Festival de Música Contemporánea de Madrid, COMA’17, ofrecerá entre el 10 de septiembre y el 17 de enero una generosa muestra del panorama de la música contemporánea de la Comunidad de Madrid de la mano de la Asociación Madrileña de Compositores (AMC).

Contará con 80 compositores de distintas edades y estéticas, 19 conciertos en los que se disfrutará de 42 estrenos absolutos y más de 150 intérpretes.

Distintos compositores y orquestas, madrileños de nacimiento o residencia, ofrecerán recitales en los Teatros del Canal, la Real Academia de Bellas

Artes de San Fernando, CentroCentro Cibeles, el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y la Sala Manuel de Falla de la SGAE. Se trata, por tanto, de una inmejorable oportunidad para dejar constancia de la calidad musical que se vive en España, y descubrir las propuestas musicales más novedosas y arriesgadas. Además, todos los conciertos programados serán de carácter gratuito, con la finalidad de contribuir a la difusión de la música contemporánea.

La programación completa puede consultarse en http://amcc.es n

servicio de socorro

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Por Amparo Molero Maza

■ ¿Cómo podemos relacionar la música y la química? ¿Existe algún tipo de relación entre ambos campos?

Pregunta enviada por Mariano Cuellar de Castilla.

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n principio estas dos disciplinas aparentemente lejanas parecen no tener mucha relación entre sí, sin embargo, si nos paramos a pensar en el proceso de construcción de los diferentes instrumentos, podemos darnos cuenta de que son campos mucho más cercanos de lo que creemos.

Antonio Stradivari.

La evolución de los instrumentos musicales, hasta llegar a los que actualmente conocemos, ha ido de la mano de investigaciones dentro del mundo de la química. Desde las aleaciones utilizadas para crear los instrumentos de viento metal, los barnices utilizados para tratar la madera de los instrumentos, hasta los maletines donde se guardan y transportan (hechos de polímeros como el nylon y forrados con espuma de poliuretano).

Si nos centramos en el trabajo realizado por los lutieres y la construcción de instrumentos de madera (concretamente los instrumentos de cuerda frotada), todos somos conscientes de que calidad de la madera es indispensable para conseguir un buen instrumento. Sin embargo, no somos tan conscientes de que el clima, la humedad, los cambios bruscos de temperatura, la altitud de los bosques de donde se extrae dicha madera, la sequedad, entre otros factores, influyen en la calidad de la madera que buscamos. Por lo tanto, las propiedades químicas son importantes en la elección de una madera u otra para empezar a construir un instrumento.

Pero cuando realmente interviene la química más que nunca es en el proceso de aplicar el barniz para conseguir el mejor sonido posiM

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ble a dicho instrumento. Estudios recientes han demostrado que el sonido de los violines Stradivarius se debe en gran medida al barniz utilizado en su construcción.

También debemos tener en cuenta que las cañas utilizadas en los instrumentos de viento-madera. Así como la importancia que supuso el descubrimiento de nuevas aleaciones en la construcción de los instrumentos de viento metal y otros instrumentos, así como las aleaciones con las que son construidos (latón, bronce, acero, plata níquel…).

Pero no solo debemos hablar del “cuerpo” del instrumento en sí. También en las cuerdas que generan la vibración y, por consiguiente, el sonido. Tradicionalmente las cuerdas se realizaban de tripas, pero gracias a los nuevos materiales introducidos tras investigaciones en el mundo de la química la organología musical avanza. Las primeras guitarras con cuerdas de aleación de hierro aparecieron en 1890, las de polímeros sintéticos como el nylon, lo hicieron en los años 30. En los 90, llegaron las cuerdas metálicas recubiertas con un polímero, y lo más actual es la fabricación de cuerdas mediante el uso de varias capas de polímeros naturales o bien sintéticos. Sin embargo, estas capas pueden llegar a afectar a la viveza de los sonidos debido a la pérdida de resonancia de las vibraciones, lo cual supone un gran deterioro en la calidad del sonido, especialmente en el caso de las guitarras. Este problema

les, como por ejemplo la ópera El príncipe Igor, desarrolló una extraordinaria carrera en el ámbito de las ciencias químicas. Tras una apacible infancia se graduó en la Escuela de Medicina de San Petersburgo, donde comenzó las prácticas de medicina, sin embargo, posteriormente se dedicó a la investigación en química, en el laboratorio de Emil Erlenmeyer en Heidelberg.

Posteriormente ocupó el puesto de profesor de química en la Escuela de Medicina de San Petersburgo, donde desarrolló la carrera investigadora que daría su mayor fruto: el descubrimiento de la reacción aldólica (junto con Charles-Adolphe Wurtz).

Esta reacción consiste en la formación de enlaces carbono – carbono, y sigue siendo de gran relevancia hoy en día en la química orgánica. Por ejemplo, la reacción aldólica se encuentra en pasos clave de la glicólisis, ruta metabólica que se encarga de oxidar la glucosa para obtener energía en la célula.

Por último, no podemos olvidar las reacciones químicas que se generan en nuestro cerebro y que se relacionan con las emociones que sentimos al escuchar o producir música.

Las sustancias que se secretan y proporcionan estados de placer, angustia o exaltación, relacionada a su vez con la asociación de recuerdos o vivencias que llegan al cerebro a través del oído por escuchar una música. El hecho de que la música nos reporte placer y de que posea cierto carácter reconstitu-

Reacción aldólica.

fue solucionado en los años 90 con el uso de politetrafuoretileno (PTFE) alrededor de las cuerdas tradicionales.

Por otra parte, nos gustaría destacar el caso del ruso Alexandre Borodin (perteneciente al “Grupo de los cinco”) que además de compositor de grandes obras musica-

yente a nivel emocional va completamente ligado a esta reacción bioquímica. Es por ello que se ha generalizado como una terapia más en el trato de enfermedades o complicados pasajes físicos y psicológicos, hablamos en este caso de las investigaciones en el campo de la musicoterapia. n

La música en el cine Título: Niña sombra Director: María Teresa Larraín Música: Jorge Aliaga

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iempre he pensado que la vida es como un gran teatro de sombras; nada parece ser lo que es y todo acaba siendo imaginado… Difusas y lejanas, con contornos de paja, son las imágenes de una vida en el exilio (cotidianas) que acaban siendo víctimas de la propia realidad, argumento que le sirve a la cineasta chilena María Teresa Larraín —El juicio de Pascual Pichún (2007)— para explicar la poética del dolor, del coraje, de la candidez y del distanciamiento que su cine tiene con las imágenes de un tiempo prestado que acabará, como suelen terminar las buenas historias, con un gran fundido en negro. Dolor, coraje, candidez y distanciamiento son las pequeñas luciérnagas que Larraín encuentra en el camino —recuerdo de una vida cuasi olvidada— y que tienen en la música de Jorge Aliaga a su fiel lazarillo, guía incondicional que acompaña a la cineasta chilena en su última travesía.

Su terrible historia está marcada por el infortunio, ya que a su madre le diagnosticaron la misma enfermedad que ahora deja en las tinieblas la vida —talento incluido— de una realizadora muy interesante. Esta ceguera, que el estagirita definió desde la privación (Según Aristóteles, a la ceguera se la debe llamar privación de la vista en el ojo (ópseos stéresin en ophthalmoi), pues es preciso que el que da bien la explicación de qué es (to ti esti), dé también la de qué es (tinos estín) la privación y qué es (tí esti) lo que está privado (to estereménon)”. Y, “así como la ceguera se opone a la vista, así también el ser ciego se opone al tener vista”), es el hilo conductor que utilizan los cineastas (directora/músico) para contar la historia de Niña Sombra, un conmovedor documental que narra en primera persona el irreversible cami-

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Niña sombra no de María Teresa Larraín hacia el mundo de las sombras.

Rodado con un realismo exacerbado, la directora recorre, junto a la escatológica (profunda) música de Jorge, el camino de regreso a casa, un viaje al pasado que la conducirá hacia una especie de catarsis, tan necesaria como dolorosa, provocada por la muerte de su madre. Esta desgarradora pérdida la lleva hacia las calles de Santiago, su Chile natal, donde descubre fascinada un mundo distinto, el de las sombras… enigmático lugar habitado por un grupo de personajes fantásticos (El hombre pájaro y los vendedores ambulantes ciegos de la Alameda), que al igual que ella deben hacer frente a la realidad de un modo muy distinto.

La directora afronta con cierta esperanza el vértigo de saber que su ceguera es irremediable, que de un modo u otro las sombras, tan cercanas, tan lejanas, llegarán a ser meros recuerdos del ayer. Un abismo al que se encarama desde las experiencias que este peculiar grupo de personajes le regala en su particular odisea. Para ello la directora ha contado con la participación de uno de los últimos poetas del pentagrama, un músico dotado de una sensibilidad tal, que las mismas notas lloran sus descon-

soladas melodías. Jorge Aliaga es el mejor lazarillo posible, el guía idóneo para narrar esta historia de coraje, dolor y esperanza… Como ya escribí en cierta ocasión, a propósito de su obra Leontina, Jorge es “el poeta que las musas envidian y los dioses desean”.

A priori, la premisa podría parecer sencilla a tenor de lo expuesto por María Teresa en el documental, pero la realidad es que la profunda, luminosa y trabajada música de Aliaga roza la excelencia arrojando luz sobre la progresiva ceguera de la protagonista. Ahí está el quid de la cuestión, “la madre del cordero”: ¿cómo dibujar sobre el pentagrama los sonidos y las texturas (melodías) de este privativo ente de razón que lleva a la directora a narrar su propio descenso a los infiernos?; o, no menos importante: ¿cómo conectar con la historia sin que el espectador sospeche el desenlace final por muy evidente que este parezca?

Estas y otras cuestiones quedan planteadas y resueltas a través del contraste que supone el diálogo que el músico y la directora entablan desde el comienzo de esta autobiografía.

Todo empieza con una pequeña y sencilla mentira, piadosa, pero mentira, al fin y al

■ Texto: Sofía M. Gascón Instagram: sofia_sorna Ilustración: Iciar L. Yllera

TOMANDO NOTAS

Silencio Se presenta al tribunal: Antonio Fernández Braso. Varón de 32 años, nacido y residente en El Escorial, Madrid. Se le acusa de homicidio en segundo grado por la muerte de María Braso López. …Mi madre….

El incidente no fue muy distinto a como lo pintan, a decir verdad, y lo cierto es que no me disgusta la idea de cargar con la culpa, en cierto modo.

Las pruebas señalan que se encontró al individuo en cuestión con un cuchillo jamonero entre las manos, y una incisión en el abdomen de la víctima, que entonces yacía entre sus brazos tras el previo forcejeo.

El abogado me desprecia. Yo también me desprecio, pero supongo que por motivos distintos.

Me resulta curioso cómo todos se ciñen a los hechos pero solo a aquellos a los que la sangre hubiese salpicado, cuando para mí, lo que más resuena de aquella tarde cálida de septiembre fue la radio, y el compás ajetreado que entonaba, con mi pieza favorita de música clásica. Veréis… es mi favorita porque de alguna forma siempre he sentido que me hace justicia. Llena de silencios melodiosos entre nota y nota, de

esos en los que se contiene la respiración para poder fluir un instante después. Nunca he sido demasiado hablador, más bien callado. Pero mi madre era la única que veía la musicalidad en mi silencio.

A las 19:30, el marido de la víctima, el señor Gonzalo Fernández Martín, volvió a casa y se encontró con la escena. Más tarde, (“tras unas cervezas”) realizó la llamada a la policía.

Nadie se para a pensar en que la llamada no fuese inmediata, nadie se pregunta por qué no llamó a la ambulancia, nadie se pregunta nada. Porque todos preferimos el ruido de una respuesta sonora, al fatídico silencio de una pregunta interna. ¡Orden en la sala! Siga, letrado.

Mi madre no era una persona feliz. Nunca lo fue. Siempre enjaulada en la misma mentira de que mi padre la quería. ¿Sabéis? Si buscas en internet encontrarás distintos tipos de silencios. Y dice así: ‘La noción de silencio hace referencia a la ausencia de ruido o de sonido.

Una nota sin ejecución. Un paso que se piensa, pero que no se da’.

Si quiere escuchar este texto narrado por su autora, visite su cuenta Soundcloud: https://soundcloud.com/user-745383001

Mi padre, sin saberlo, había aprendido mucho de mis silencios. Parece ser que tanto, que se había hecho dueño de los míos y hasta había creado silencios propios. ¿La defensa desea llamar a algún testigo?

No señoría.

No señoría.

Nadie se pregunta acerca de los detalles. Sobre qué inspiraría al compositor a crear tal obra, si estaba enamorado o si estaba solo… Nadie se pregunta la verdad, porque lo cierto siempre es más complicado de cuadrar con el día de hoy.

Mi padre no quería a mi madre, siempre prefirió a Michel. El día en que mi madre se enteró de aquello fue cuando decidió acabar con su propia vida. Y la historia concluye en que a mi padre le pesó tanto en el alma que calló para siempre, hizo oídos sordos a la culpa y decidió ignorar los silencios de sus preguntas internas y acatar las verdades ruidosas. Verdades en las que yo maté a mi madre y no tú, papá. ¿No quiere usted subir al estrado, don Gonzalo?

Y… silencio de redonda. ■ 65

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GUÍA DE ORQUESTA

Los violines segundos por David Mata

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l violín que tengo la suerte de tocar cada día fue construido en la ciudad italiana de Bolonia por G. F. Guidanti hacia 1750. Cuenta con un sonido de gran belleza, propio de los instrumentos italianos del siglo XVIII, que me permite en todo momento disfrutar de mi trabajo tanto en la Orquesta como en las diferentes formaciones camerísticas en las que participo habitualmente. Además, aporta su calidad a la del conjunto orquestal, factor muy importante, ya que el sonido de una orquesta viene dado, entre otros parámetros, por la calidad de los instrumentos que se utilizan en ella. Me sorprende que pueda haber músicos que reserven sus mejores instrumentos para las actividades que desarrollan fuera de la orquesta; creo que es una falta de respeto a sí mismos el no dar a su trabajo lo mejor de que disponen.

Mi labor en la Orquesta como solista de violines segundos, puesto que desempeño junto a mi compañera María Saiz, consiste en organizar, atendiendo a las indicaciones de la partitura y de los directores que semanalmente trabajan con nosotros, colaborando con el concertino y los demás solistas de cuerda (viola, violonchelo y, en menor medida, contrabajo), dicha sección, aportando la mayor calidad técnica y musical posible a la interpretación final.

La colocación habitual de los violines segundos en la Orquesta Sinfónica RTVE es entre la sección de violines primeros y la de violas, si bien algunos directores prefieren enfrentar las secciones de violines, colocándolos a derecha e izquierda del director. Hay argumentos convincentes para elegir cualquiera de ambas opciones, aunque yo me decanto como instrumentista por la segunda en el caso de prácticamente toda la música compuesta antes de la Segunda Guerra Mundial.

Creo que la mayoría de los compositores anteriores a esta fecha tenían esta disposición en mente a la hora de componer su música orquestal. De esta forma, se potencia el efecto estereofónico, las respuestas antifonales tan frecuentes en el Clasicismo, o la oposición dialéctica, el enfrentamiento entre iguales que, a mi juicio, es buscado de manera clara por los diferentes compositores (Brahms, Mahler, Bruckner, R. Strauss, Schoenberg, etc.). En cierta ocasión un colega de la Orquesta de la Radio de Baviera me comentó, apoyando mi preferencia hacia la disposición de secciones de violines enfrentadas, que las orquestas muniquesas

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tuvieron que abandonar dicha colocación estereofónica de la cuerda cuando comenzaron las retransmisiones radiofónicas, por los problemas que tenían en la captación del sonido los micrófonos que se usaban entonces, rudimentarios en comparación con los actuales.

En cualquier caso, y sea la que sea la disposición orquestal adoptada, la gran mayoría de las obras que interpretamos son tan buenas que no hay día en que no medite sobre la enorme suerte que supone el haber elegido la música como profesión, tanto por el disfrute, la emoción y el asombro que me produce la interpretación o la audición de tantas obras maestras, como por la posibilidad de, al pertenecer a la Orquesta Sinfónica RTVE,

transmitirlo a un público muy amplio, no solo el que asiste a nuestros conciertos en el Teatro, sino también al que por diversas razones no puede desplazarse a la sala de conciertos y lo puede disfrutar desde su casa por radio, internet o televisión (lástima que esta última opción esté restringida a los madrugadores, dada la muy temprana hora de retransmisión de nuestras interpretaciones ).

Y todo ello gracias a que mis padres me matricularon en el Conservatorio de Madrid con 10 años. Fue una gran suerte que lo hicieran con Francisco Martín, muy buen profesor, que tenía la costumbre de organizar con mucha frecuencia conciertos de alumnos, cosa no muy habitual en aquellos tiempos, y que contaba con © Foto RTVE

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¿QUÉ QUIERE USTED SABER DE...

IBS Classical? © Carmen Navarro Aparicio

Entrevista a su director, Paco Moya El sello IBS Classical lleva en activo desde el año 2011, ¿cuál es el balance de estos años?

Aunque veníamos trabajando desde 2005 en el ámbito técnico de la grabación, fue en 2011 cuando decidimos crear el sello discográfico, dada la necesidad de difusión de los trabajos que estábamos realizando junto a intérpretes y compositores. El comienzo fue duro, con especial dificultad a la hora de conseguir una red importante de distribución internacional. La confianza de grandes intérpretes en nuestro sello, y la especial incidencia por nuestra parte en la difusión de música inédita han hecho que la sociedad tome atención en IBS Classical como un sello que continuamente se preocupa por aportar novedades al mundo del clásico. Del poco más de media docena de publicaciones en 2011, hemos llegado a alcanzar un ritmo actual de más de treinta discos publicados al año, todos ellos con una entidad propia y con un lugar en el mercado. ¡El balance y evolución de nuestro trabajo no puede ser más positivo! ¿Cuáles son los principales objetivos e intereses de IBS Classical?

La prioridad máxima de IBS Classical, sin duda, es ofrecer la mayor calidad posible en nuestras producciones discográficas. Calidad que buscamos en todos los ámbitos: el repertorio para difundir, la interpretación, la calidad de la propia grabación, la documentación y textos que acompañan los proyectos, la imagen corporativa de cada producción y, sobre todo, la distribución. Sobre el repertorio, tenemos diferentes intereses: por un lado, aquella música inédita o menos grabada, especialmente la M

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española de compositores que sufren del olvido a pesar de la calidad de sus creaciones, en IBS Classical intentamos recuperarlos día a día, obra a obra…; de la misma forma, nos interesan las nuevas composiciones actuales, en España se dan hoy día varias generaciones simultáneas de compositores, todos ellos con una calidad al mayor nivel internacional.

IBS Classical tiene una línea de producciones especialmente dirigida a la difusión de estos compositores, con numerosos discos en este ámbito.

No renunciamos a la inclusión en nuestro sello de las grandes obras de la historia, lo que nosotros llamamos el “legado de los intérpretes”.

Grandes músicos en su mejor momento de madurez con los que realizamos integrales y monográficos, que quedarán para la posteridad de manera monumental. Nos interesa también potenciar y apoyar los nuevos valores en la interpretación, por ello atendemos propuestas de intérpretes que necesitan del disco para difundir su valía y calidad. Nos preocupa que el público conozca a fondo el proyecto con notas al disco realizadas por musicólogos y especialistas que ilustran al oyente sobre el repertorio y la interpretación del mismo. En suma, el mayor objetivo de IBS Classical es hacer un trabajo de calidad que lo haga imprescindible en el ámbito de la cultura musical. ¿Qué servicios ofrece exactamente IBS? Básicamente IBS Classical ofrece el esfuerzo para que una idea, el trabajo del intérprete, el de los compositores, tenga la mayor difusión posible en nuestra sociedad. Primero ayudamos a construir esa idea a los intér-

PRÓXIMO NÚMERO PRÓXIMO NÚMERO | NOVIEMBRE 2017 febrero 2017

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EN PORTADA PORTADA EN .Entrevista n■Entrevista DavidMahúgo del Puerto Yago por Susana Castro Por Alejo Palau

© Beatriz Amorós

■ . Ópera del mes n Ópera del mes

Le cinesi de Gluck Billy Budd, de Britten por Fabiana Sans Arcílagos

Por Fabiana Sans Arcilagos

■ . Claves para disfrutar de la músicapara disfrutar de la n Claves Sinfonía nº 1 de Elgar Suite para piano de Albéniz por Marco Antonio Molín Ruiz Por Paula Coronas

■ . ¿Qué quiere usted saber n Vidas, de... hechos y otros ...Sax Ensemble en su 30 aniverasuntos sario?, entrevista a su director, Francisco Martínez La Escolanía de El Escorial

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