Melómano 235

Número 235 | noviembre 2017 | Año XXII

VIDAS

Nueva web de Melómano digital CLAVES

David del Puerto:

18 cuerdas en el ADDA

Sinfonía n.º 1 de Edward Elgar LIbroS DE MúSICA

Cartas de amor de músicos

David del Puerto:

NOVIEMBRE 2017

ENTREVISTA

ENTREVISTA

David del Puerto: 18 cuerdas en el ADDA..............................

18 cuerdas en el ADDA ■

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Ander Tellería, nuevos sonidos para el acordeón..................... 12

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de ser un guitarrista excepcional, tengo muy buena amistad y feeling musical y personal con él. Cuando volví a hablar con Josep su idea era mucho más grande de lo que yo había pensado: él estaba hablando de un proyecto sinfónico. Cuando me lo confirmó, que fue inusitadamente rápido, me quedé muy sorprendido ya que me dijo que sería para gran orquesta, y que lo estrenaría la Orquesta del Palau de les Arts de Valencia, dirigida además por el propio Josep Vicent. Aquello tomaba unas dimensiones que yo no me imaginaba. Él me dijo que podía escoger la plantilla que quisiese, y me decidí por maderas a dos, con tres clarinetes, cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones y tuba, tres percusiones, las tres guitarras solistas, y la sección de cuerda.

LA ÓPERA DEL MES

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Claves para disfrutar de la música

VIDAS

Sinfonía n.º 1 en La bemol mayor Op. 55 de Edward Elgar: la esencia y su profundidad .............................................. 32

INFORMAR

por Pedro Téllez

Melómano Digital es una publicación online, surgida a partir de la revista Melómano, centrada en la actualidad del mundo de la música clásica, recogiendo la línea marcada por su hermana en papel. En sus más de 15 años de vida, Melómano Digital ha ido pasando por diversas etapas y adaptándose a los tiempos y recoge a día de hoy en torno a 2000 artículos publicados. Este mes, la web comienza una nueva etapa, con un diseño más atractivo e intuitivo, contenidos actualizados y nuevas secciones que hacen de Melómano Digital la web de referencia de la música clásica en castellano.

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Lanzamiento de la nueva web de Melómano Digital

Agenda de conciertos

Educación Musical

Esta sección, igual que la anterior Agenda de conciertos, es una novedad en

estudiantes, aficionados y profesionales tendrán acceso a la mayor base de datos actualizada de centros oficiales de música. Asimismo, si un centro no se localiza en dicha base de datos o sus datos han cambiado, podrá enviarnos la información para poder incluirla en la web lo más rápidamente posible.

rrano (enseñanzas no regladas). En esta sección de la web se recogerán todos aquellos artículos que se han ido publicando en papel a lo largo de la historia de Melómano, así como noticias de actualidad referentes a educación, concursos, premios y becas.

Tienda

Igual que en la web anterior, aquí se podrá enlazar a la tienda de Orfeo Ediciones, donde se encuentran todos los productos de la editorial: Melómano en papel, Melómano en PDF, Libro de Oro de la Música en España, Más Jazz en papel, Más Jazz en

Concursos, premios y becas

En esta sección también puede encontrarse la base de datos, en actualización constante, que recoge todos los concursos, premios y becas que se ofrecen tanto a estudiantes como a recién graduados o profesionales en España.

Al igual que en la base de datos de conservatorios, los organizadores de dichas actividades podrán enviarnos su información actualizada para incluirla en la web.

Noticias y artículos

Melómano es la única revista en papel de música clásica que dedica todos los meses una sección específica a las Enseñanzas Musicales, contando con tres colaboradoras de primerísimo nivel: Encarnación López de Arenosa (encargada de lo relativo a Enseñanzas Superiores), Ana Pilar Zaldívar (Enseñanzas Profesionales) y Mª Ángeles García Se21

las damas chinas de Gluck y Metastasio ■

por Fabiana Sans Arcílagos @fabianasans

El 2 de noviembre en el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia se interpretará en versión concierto Le cinesi, de Christoph Willibald Gluck. La Orquestra de la Comunitat Valenciana, dirigida por Fabio Biondi, será la encargada de acompañar a la mezzosoprano española Silvia Tro Santafé, quien interpretará a Lisinga, a la soprano Désirée Rancatore, en el papel de Sivene, mientras que Ann Hallenberg y Anicio Zorzi Giustiniani darán vida a Tangia y Silango, respectivamente.

Breve visión de China en la cultura occidental En la época en la que se escribió Le cinesi, China era un paraje completamente exótico. La curiosidad de los europeos por esta cultura y su sociedad se remonta a los escritos de Marco Polo, pero el verdadero interés empieza a producirse gracias a los misioneros jesuitas y sus informes de viajes entre los siglos XVII y XVIII. Así, el país asiático va a idealizarse y se convertirá “en una proyección de las necesidades europeas”. Según Antonio García Montalbán, la presencia de “lo chino” proliferó en lo que se denominó chinoiserie, que era un estilo de diseño europeo presente en el mobiliario, cerámicas, textiles, jardines, porcelanas, bordados, uso de las formas asimétricas y los colores azul y blanco, entre otras. Esta presencia asiática llegó hasta la literatura y la música, haciéndose presente en diversas obras, como Il gran Tamerlano de Cesare Corradi y música de Marco Antonio Ziani, o Le Roi de la Chine, fiesta de máscaras efectuada por Luis XIV en 1700 para celebrar el nuevo siglo, y en algunas obras de Pietro Metastasio, como L’eroe cinese y Le cinesi.

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SERVICIO DE SOCORRO ................................................................

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Premios en las aulas: Teresa Catalán Premio Nacional 2017...... 56

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LA MÚSICA EN EL CINE

ÓPERA

Le cinesi,

Internacional......................................................................

Orquestas .........................................................................

Auditorios..........................................................................

Noticias ............................................................................

ENSEÑANZAS MUSICALES

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©Michele Crosera

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Le cinesi, las damas chinas de Gluck y Metastasio ................ 26

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Melómano Digital ofrece la agenda de conciertos de música clásica más completa de internet. Queremos ofrecer la posibilidad de acceder a una agenda de conciertos unificada, de forma que los usuarios no tengan que hacer múltiples búsquedas en diferentes páginas para saber qué eventos de música clásica van a tener lugar en España en un día en concreto. Las distintas entidades organizadoras de conciertos, festivales, ciclos, etc., podrán enviarnos sus temporadas completas para que estas sean añadidas a la agenda y así conseguir abarcar todo el espectro de la actividad musical de nuestro país.

Sonido propio..................................................................... 18 Lanzamiento de la nueva web de Melómano Digital ................. 20

Háblanos sobre la obra en sí misma.

Una de las cosas que yo quería era que cada uno de los solistas tuviera un lenguaje adecuado a su mundo estético original. La ciudad de Alicante, el “alto blanco” sobre el mar, está siempre ahí al fondo, como inspiración de esta unión de 18 cuerdas. Juntar tres instrumentos que representan tres mundos estéticos aparentemente tan distintos es un reto, pero sin embargo es algo que me resulta casi natural en mi manera de escribir hoy en día, de tal manera que me lancé a la idea de tirar sin tapujos del mundo de cada uno de los instrumentos. Quise hacer una

esta nueva etapa de Melómano Digital, manteniendo nuestra idea de ayudar a los jóvenes talentos e impulsar la educación Tras más de 15 años de existencia, Melómano Digital ha sufrido musical en España, ofreciendo recursos de calidad, información una profunda renovación, tanto a nivel estético como conceptual, actualizada tanto para el profesional como para el docente o que en este mes de noviembre se presenta por fin al público con el estudiante. su nueva dirección: www.melomanodigital.com La idea de este nuevo espacio digital dedicado a la música clásica Conservatorios de España (base de datos) es ofrecer contenido exclusivo y recoger los mejores contenidos Melómano Digital ofrece la base de datos más completa de de su homónima en papel, Melómano, así como mantener actuaconservatorios superiores, profesionales y centros autorilizados a sus lectores a través de la publicación diaria de noticias, zados de música en España. Mediante nuestra página web, artículos, reseñas discográficas, agenda de conciertos, etc. Pasamos a detallar las Concierto de flauta de Federico el Grande en Sanssouci, Adolph von Menzel. secciones que nuestros lectores podrán encontrar en la nueva web:

CLAROSCUROS

VIDAS, HECHOS Y OTROS ASUNTOS

vidas, hechos y otros asuntos

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PROMESAS CUMPLIDAS

por Susana Castro

Después de años de trabajo y éxitos, hablamos en Melómano con el compositor y guitarrista David del Puerto. El momento no podría ser más oportuno, ya que tiene cantidad de estrenos a la vista y, entre ellos, uno que le hace especial ilusión y que tendrá lugar este mes de noviembre: su triple concierto para guitarra clásica, guitarra flamenca, guitarra eléctrica y orquesta Leukante, encargo del Auditorio de la Diputación de Alicante (ADDA), y dedicado a la ciudad de Alicante.

Hablamos con él sobre todos sus proyectos compositivos, su resurgida faceta interpretativa y, por supuesto, su labor como docente y pedagogo, que le acompaña y nutre desde hace décadas. No podíamos dejar pasar la oportunidad de preguntarle por cómo ve él la música actual, y hacia dónde cree que nos dirigimos. Empezamos…

El próximo sábado 11 de noviembre tendrá lugar en el Auditorio de la Diputación de Alicante (ADDA) el estreno mundial de Leukante, un concierto para orquesta con tres solistas poco convencionales: guitarra clásica, guitarra flamenca y guitarra eléctrica. ¿Cómo surge el encargo?

El encargo surge de un reencuentro muy feliz en el jurado del Certamen Intercentros Melómano con el director de orquesta Josep Vicent, que también es director del Auditorio de la Diputación de Alicante. Mientras tanto, se da la circunstancia de que Alicante, que es una ciudad (como toda la Comunitat Valenciana) terriblemente guitarrística, ha instituido en el Auditorio un máster anual dirigido por el gran guitarrista clásico Ignacio Rodes, por el cual pasan las grandes figuras a nivel internacional. Allí se ha podido disfrutar de Manuel Barrueco, David Russell, etc. El máster tiene conexión con el Auditorio, que es ahora el gran foco musical de la ciudad, y Josep al verme allí, y siendo yo guitarrista, me dijo que teníamos que buscar la forma de conectar el Auditorio con el máster y conmigo.

Josep, con su nervio y su vitalidad, instantáneamente cogió el teléfono y me puso al habla con Ignacio. Esa misma noche, cuando habíamos acabado el Certamen, me comentó que se le había ocurrido un proyecto en el que mezclar distintas guitarras en una obra. Por un lado la guitarra clásica, con Ignacio Rodes, y guitarra eléctrica conmigo mismo; y al pensar en incorporar la guitarra flamenca, Cañizares me vino a la mente de inmediato, ya que aparte

número

235

© Elena Castro

© Elena Castro

Sumario

Argumento Acto único. La acción transcurre en una ciudad de la China. Lisinga, joven de familia acomodada, se encuentra reunida con sus amigas Sivene y Tangia, que toman el té para pasar el rato y acabar con el hastío. Silango, hermano de Lisinga, acaba de regresar de un viaje por Europa y quiere ver a su amada Sivene. El joven, ansioso por reencontrarse con su amor, se escabulle por los salones destinados únicamente para el uso de las mujeres, pero se acerca demasiado a la puerta para escuchar la conversación que mantienen las amigas y es sorprendido por las damas. Las tres chicas deciden ocultar al joven por “el qué dirán” hasta que pueda salir sin ser visto.

Mientras, todos permanecen en el salón y deciden jugar a interpretar papeles ficticios de escenas teatrales basadas en la antigua tradición occidental. La primera, una tragedia clásica interpretada por Lisinga, quien encarna el drama de Andrómaca —de la guerra de Troya— al llorar la pérdida de su marido Héctor. Sigue el turno para Sivene, quien cambia a la temática pastoril interpretando a la ninfa Lycoris, que se burla de los sentimientos del pastor Tyrsis, personaje encarnado por Silango. Finalmente, le corresponde el turno a Tangia, que interpreta a una presumida muchacha que

Clásico: The Disappearance of Garcia Lorca......................... 62 Novedades.......................................................................... 63

LIBROS DE MÚSICA

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Cartas de amor de músicos. “Mi ángel, mi todo, mi yo …” y Pilar Lorengar. Una aragonesa de Berlín .............................. 64

TOMANDO NOTAS

La cajita de música ............................................................ 65 Christoph Willibald Gluck.

ANÉCDOTAS Y CURIOSIDADES ...................................................

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Fondazione Teatro la Fenice.

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Sinfonía n.º 1

en La bemol mayor Op. 55

de Edward Elgar:

la esencia y su profundidad ■

por Marco Antonio Molín Ruiz

Esta obra será interpretada por la Orquesta Sinfónica de Galicia bajo la dirección de Diego Martín Etxebarría los próximos días 17 y 18 de noviembre en el Palacio de la Ópera de A Coruña.

La carreta de heno de John Constable (1821).

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GUÍA DE ORQUESTA

La flauta travesera.............................................................. 68

CLAVES Introducción Edward Elgar da con su Primera Sinfonía el paso firme al género después de prudentes tentativas a finales del siglo XIX. Debutar en la sinfonía con 50 años denota una humildad y una madurez realmente singulares entre los compositores; su bagaje en lo camerístico y lo coral sirvió para depurar su arte, concebido como entrega total a una omnipresente música de la que cada uno toma lo apetecible. Su aspiración de obra abstracta sin apelativos ni detalles secundarios más propios de otras estéticas se logra en esta composición, escrita paso a paso, con el sabio ardor que reserva para el último momento la belleza secreta, esa profunda razón de ser del hombre infatigable y soñador desde la honestidad de su trabajo. El mundo contemporáneo la aclamó entusiasta después de un estreno, que depararía los suculentos frutos de cien interpretaciones en el espacio de pocos meses.

Elgar había estado planeando una sinfonía durante diez años y el anuncio de que la había concluido al fin despertó un enorme interés. El compositor menciona una sinfonía en 1898, una especie de Heroica inspirada por el General Gordon, el héroe famoso e idealista caído en el sitio de Jartum hacia 1885. A finales de 1899 Elgar ya había compuesto un tema. En una carta de 1901 habla de la sinfonía que pretende componer, música que quiere dedicarle a Hans Richter, cuyas interpretaciones de las variaciones Enigma y la obertura Cockaigne le dieron gran reputación. Hacia el verano de 1907 las cartas de su esposa mencionan que Elgar había escrito un bellísimo tema y una encantadora pieza acuática, subrayando el ilustrativo efecto del viento que sopla en la superficie de un río.

La familia Elgar viajó a Roma en diciembre de 1907, y en el intervalo de esa estancia, prolongada hasta mayo del año siguiente, el compositor escribió el primer movimiento. De vuelta a Londres, la tarea fue más ágil, y a finales de septiembre la obra ya estaba terminada. Aunque en un principio se sintió atraído por circunstancias históricas concretas, abandonó la idea de una sinfonía Gordon, en favor de una obra en absoluto programática.

Aspiró definitivamente a música abstracta como cumbre de la composición orquestal.

En 1905 pronunció una conferencia sobre la Tercera Sinfonía de Brahms, donde dijo que cuando la música era simplemente una descripción de cualquier cosa conllevaba un arte más lejos de aquello por que tenía afecto. Elgar pensaba que la música, como mero arte, era sin descripciones, al igual que en Brahms. Esta es la razón por la que muchos contemporáneos y estudiosos posteriores han establecido un paragón muy argumentado con el compositor de Hamburgo.

La Sinfonía n.º 1 en La bemol mayor Op. 55 de Elgar es una obra edificada concienzudamente a partir de un sereno tema inicial que acaba exaltándose en el Finale. El compositor usa una paleta orquestal de gran poderío que alcanza cotas altísimas. Las líneas instrumentales se engarzan en un discurso frondoso con sutiles modulaciones, riqueza rítmica y encanto melódico. Música desligada decididamente de lo descriptivo o programático y lejos de convencionalismos recurrentes que propicien el tarareo. Brahms, Chaikovski y Liszt son fuentes que compactan de manera concluyente un estilo donde presenciamos un apasionante drama interior, como si de una narración se tratase. La atípica tonalidad, La bemol mayor, es un rasgo original que abre en el oyente otras dimensiones trascendiendo las trilladas opciones en el panorama postromántico.

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DVD............................................................................................................

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BUSQUE ESTE DISCO

Little Great Stories ............................................................ 71

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ENCAJADO

Monique Haas, milestones of a legend.................................. 72

Recomendados .............................................................................

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¿QUÉ QUIERE USTED SABER DEL...

Sax-Ensemble y su 30 aniversario? ..................................... 78

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Editorial

Melómano es una publicación editada por

Orfeo Ediciones

Teléfono: 91 351 02 53 www.orfeoed.com | gerencia@orfeoed.com

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Terreno abonado

Hace un par de semanas, recibimos en la redacción de Melómano una nota de prensa remitida por la oficina de comunicación de la Orquesta y Coro Nacionales de España, titulada así: “Récord histórico de abonos en la Temporada Redenciones 17/18”. Es una noticia que alegra a cualquiera y, tratándose de la Orquesta Nacional, puede considerarse no solo emblemática sino simbólica y representativa de lo que está sucediendo en casi todos los rincones del país: los abonados crecen de nuevo. Después de la crisis y de las caídas desastrosas que se sufrieron como consecuencia de la falta de dinero y del consiguiente, y lógico, pánico generalizado, los programadores y máximos responsables de teatros, orquestas y festivales han hecho un esfuerzo homérico por volver a convertir el terreno baldío en terreno fértil. Y lo están consiguiendo, más allá de grandes instituciones como la OCNE, el Teatro Real o el Liceu y más allá de los números que nos presentan, pues tampoco es que un 4% sea como para lanzar las campanas al vuelo (si bien es cierto que, por ejemplo, el Teatro Real casi ha multiplicado por dos sus abonados desde que lo regenta Matabosch). Y decimos que más allá porque el fin de la crisis no es el único abono de esta tierra empobrecida. La imaginación, el buen hacer en la gestión, la calidad artística, el trabajo en equipo y la ilusión son los minerales y fertilizantes que enriquecen nuestro musical jardín. No puede negarse que todos estos elementos no bastaron para mantenerlo verde durante los años de penuria, aunque algunos de ellos, como por ejemplo la ilusión, estaban en horas bajas por razones obvias.

Sea como fuere, ahora resurgen con fuerza y hacen florecer de nuevo el interés por la música.

Hace pocos días, pudimos escuchar a la Orquesta Nacional en un interesantísimo programa que abría el Ciclo Sinfónico del ADDA (Auditorio de Alicante) que incluía la compleja y maravillosa Sinfonía n.º 12 de Shostakóvich. El público abarrotaba la sala para ver a su Orquesta Nacional. Y la verdad es que acertó.

Acertó tanto como su director artístico, Josep Vicent, al programarla. Expliquemos estas dos afirmaciones. La ONE pasa por un excelente momento (motivo por el cual, también incrementa su número de abonados). Además sonó redonda y brillante en manos de un director solvente, carismático, expresivo y musical como pocos, como es el titular de la Orquesta Filarmónica de Málaga, el Maestro Manuel Hernández Silva. Sonó empastada, delicada, ajustada y flexible, algo que no muchos saben hacer como este director, pero que solo puede hacerse si el instrumento (la orquesta en este caso) es de primera calidad. Esto demuestra que Josep Vicent no se equivoca al programar orquestas y artistas españoles en el ADDA, cosa que hace con frecuencia, combinando su presencia con la de grandes agrupaciones y solistas internacionales. Y no se equivoca en ninguno de sus conciertos, pues también los abonados del ADDA abarrotan ya la sala de forma cotidiana (no solo para escuchar a la ONE) tras poco más de un año de gestión de su nuevo director.

Pero no olvidemos que las grandes instituciones musicales beben con frecuencia de las pequeñas. El público que accede a ellas, quizás animado por aquel pequeño festival local, o después de asistir a un concierto con aquella otra orquesta, casi por casualidad, a ver un concierto pedagógico, familiar o, simplemente, entretenido. Así, podemos constatar que el Festival de Tres Cantos, un festival que centra sus esfuerzos en poner en valor la música de nueva creación, al cierre de estas líneas llevaba tres llenos absolutos en otros tantos conciertos; o que la Orquesta Camerata Musicalis aporta permanentemente un número indeterminado, pero no pequeño, de nuevos melómanos a través de su ciclo ¿Por qué es especial?, siempre lleno hasta la bandera.

Nuevo público, nuevos abonados. El terreno está abonado. ¿Quién lo desaprovechará? n M

Director Alfonso Carraté

direccion@orfeoed.com

Jefa de Redacción

Susana Castro Para envíos de libros, discos y DVD: redaccion.melomano@orfeoed.com

Fotografía de portada Elena Castro

Redacción

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Paloma Amores Diego Manuel García Leticia Martín

Discos

Coordinadora sección discográfica: Susana Castro Luis Agius | Francisco J. Balsera | Pablo F. Cantalapiedra | Cecilia Mª González Zango | Lucía Martín-Maestro Verbo | Antonio Pardo Larrosa | José Prieto Marugán | Anahí Quirós | Ana R. Colmenarejo | Pedro Téllez

Colaboran

Luis Agius Alberto Alpresa Manuel Ballestero Gregorio Benítez Suárez Paula Coronas Iciar L.Yllera (ilustraciones) Tomás Marco Sofía M. Gascón Lucía Martín-Maestro Verbo Rut Martínez Amparo Molero Marco Antonio Molín Ruiz Alejo Palau Antonio Pardo Larrosa Luis Ponce de León José Prieto Marugán Mónica Raga Paz Ramos Laura Recio Isabel Royán González Andrés Sánchez Alonso Fabiana Sans Arcílagos José Ramón Tapia Pedro Téllez Sección Enseñanzas musicales: Mª Ángeles García Serrano | Encarnación López de Arenosa | Ana Pilar Zaldívar Gracia Ventana a Europa: Antonio Narejos

Suscripciones y números atrasados admon@orfeoed.com www.orfeoed.com/tienda

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Classic Vet, Producciones y Comunicación Maquetación y diseño: Mario Moreno Cortina ISSN: 2531-0879

Esta revista ha recibido una ayuda a la edición del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte.

|4 Melómano no se hace responsable de las opiniones vertidas en los reportajes e informaciones firmadas.Todos los derechos reservados. Esta publicación no puede ser reproducida ni en todo ni en parte, ni registrada en, ni transmitida por cualquier sistema sin el permiso previo por escrito de la editorial.

© Elena Castro

David del Puerto: 18 cuerdas en el ADDA ■

por Susana Castro

Después de años de trabajo y éxitos, hablamos en Melómano con el compositor y guitarrista David del Puerto. El momento no podría ser más oportuno, ya que tiene cantidad de estrenos a la vista y, entre ellos, uno que le hace especial ilusión y que tendrá lugar este mes de noviembre: su triple concierto para guitarra clásica, guitarra flamenca, guitarra eléctrica y orquesta Leukante, encargo del Auditorio de la Diputación de Alicante (ADDA), y dedicado a la ciudad de Alicante.

Hablamos con él sobre todos sus proyectos compositivos, su resurgida faceta interpretativa y, por supuesto, su labor como docente y pedagogo, que le acompaña y nutre desde hace décadas. No podíamos dejar pasar la oportunidad de preguntarle por cómo ve él la música actual, y hacia dónde cree que nos dirigimos. Empezamos…

El próximo sábado 11 de noviembre tendrá lugar en el Auditorio de la Diputación de Alicante (ADDA) el estreno mundial de Leukante, un concierto para orquesta con tres solistas poco convencionales: guitarra clásica, guitarra flamenca y guitarra eléctrica. ¿Cómo surge el encargo?

El encargo surge de un reencuentro muy feliz en el jurado del Certamen Intercentros Melómano con el director de orquesta Josep Vicent, que también es director del Auditorio de la Diputación de Alicante. Mientras tanto, se da la circunstancia de que Alicante, que es una ciudad (como toda la Comunitat Valenciana) terriblemente guitarrística, ha instituido en el Auditorio un máster anual dirigido por el gran guitarrista clásico Ignacio Rodes, por el cual pasan las grandes figuras a nivel internacional. Allí se ha podido disfrutar de Manuel Barrueco, David Russell, etc. El máster tiene conexión con el Auditorio, que es ahora el gran foco musical de la ciudad, y Josep al verme allí, y siendo yo guitarrista, me dijo que teníamos que buscar la forma de conectar el Auditorio con el máster y conmigo.

Josep, con su nervio y su vitalidad, instantáneamente cogió el teléfono y me puso al habla con Ignacio. Esa misma noche, cuando habíamos acabado el Certamen, me comentó que se le había ocurrido un proyecto en el que mezclar distintas guitarras en una obra. Por un lado la guitarra clásica, con Ignacio Rodes, y guitarra eléctrica conmigo mismo; y al pensar en incorporar la guitarra flamenca, Cañizares me vino a la mente de inmediato, ya que aparte M

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de ser un guitarrista excepcional, tengo muy buena amistad y feeling musical y personal con él. Cuando volví a hablar con Josep su idea era mucho más grande de lo que yo había pensado: él estaba hablando de un proyecto sinfónico. Cuando me lo confirmó, que fue inusitadamente rápido, me quedé muy sorprendido ya que me dijo que sería para gran orquesta, y que lo estrenaría la Orquesta del Palau de les Arts de Valencia, dirigida además por el propio Josep Vicent. Aquello tomaba unas dimensiones que yo no me imaginaba. Él me dijo que podía escoger la plantilla que quisiese, y me decidí por maderas a dos, con tres clarinetes, cuatro trompas, tres trompetas, tres trombones y tuba, tres percusiones, las tres guitarras solistas, y la sección de cuerda.

Háblanos sobre la obra en sí misma.

Una de las cosas que yo quería era que cada uno de los solistas tuviera un lenguaje adecuado a su mundo estético original. La ciudad de Alicante, el “alto blanco” sobre el mar, está siempre ahí al fondo, como inspiración de esta unión de 18 cuerdas. Juntar tres instrumentos que representan tres mundos estéticos aparentemente tan distintos es un reto, pero sin embargo es algo que me resulta casi natural en mi manera de escribir hoy en día, de tal manera que me lancé a la idea de tirar sin tapujos del mundo de cada uno de los instrumentos. Quise hacer una

© Elena Castro

ENTREVISTA

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© jmbielsa

Ander Tellería,

nuevos sonidos para el acordeón ■ por Paz Ramos

Ander Tellería tiene pasión por el instrumento que ha elegido como músico: el acordeón. Nace en San Sebastián y empieza a estudiar acordeón a los 10 años y su maestro y acordeonista de referencia es Iñaki Alberdi. A los 15 años inicia su trayectoria de concertista. Es un apasionado de la música antigua y combina estilos y épocas en los programas que elige para sus conciertos. Su interés por la música antigua le ha llevado a investigar en este campo, abriendo nuevos caminos sonoros al acordeón y creando el acordeón mesotónico, un instrumento cuya afinación y construcción le asemejan a las sonoridades del Renacimiento español.

Ha obtenido el Premio Internacional de Música Contemporánea John Cage, Premio Nacional Arrasate, Premio Juventudes Musicales de España y Premio Internacional de Acordeón en Croacia, entre otros muchos. Ha grabado dos discos, el primero en solitario, “Ancient doors” (Orpheus Classical) y el segundo con IBS Classical, junto a otros acordeonistas e intérpretes. Desde 2013 es profesor de acordeón en el Conservatorio Superior de Música de Aragón (CSMA). El pasado mes de octubre estrenó la versión para acordeón de Relief Nr2.Abtasten (J. Schachtner) y actuó en el Festival Musikagileak, en la Fundación Oteiza y en el Auditorio Nacional de Música como acordeón solista interpretando Nosferatu, de Sánchez Verdú, junto a la Orquesta Nacional de España, dirigida por Nacho de Paz.Ahora se encuentra impartiendo clases magistrales en Novi Sad (Serbia).

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PROMESAS

¿Cuándo decides que el acordeón es tu instrumento más preciado?

En el País Vasco tenemos mucha tradición de acordeón. Unos primos de mi padre tenían una trikitixa en su casa y nos la dieron a probar para ver si me gustaba. Como me gustó mucho fue el instrumento que escogí. Empecé en la Escuela de Música de San Sebastián, y en esa misma ciudad también realicé mis estudios de Grado Medio y Superior. En Musikene estudié con Iñaki Alberdi y para el Máster me fui a Alemania a estudiar con Stefan Hussong.

Con solo 15 años empezaste tu actividad como concertista.

Sí, en una ocasión fui con mis padres a casa de unos amigos suyos.

El hijo de estos estudiaba piano y tocó allí una obra de Chopin. Yo me quedé boquiabierto y en el viaje de vuelta les dije a mis padres: “quiero ser músico”. Como en mi familia no hay ningún músico, no

le dieron mucha importancia, pero cuando llevaba ya tres o cuatro años estudiando acordeón empecé a estudiar como un loco y a montar repertorio. Después fueron saliendo conciertos.

Hay mucho repertorio para acordeón, un instrumento que ha ido evolucionando desde 1829. En su evolución se le añade un segundo manual en la parte izquierda que permite un sonido por cada botón frente al primero que ofrecía un acorde por botón.

En el acordeón tenemos cada vez más repertorio y, sobre todo, hay mucho interés por parte de los compositores actuales, que escriben frecuentemente para acordeón. Es un instrumento muy reciente si lo comparamos con otros como el violín o el piano, es tan reciente que el repertorio original que tenemos es el llamado contemporáneo (siglos XX y XXI). Todas las semanas surgen estrenos de obras para acordeón en el mundo 13

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CLAROSCUROS

Sonido propio n por Tomás Marco

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a búsqueda de la perfección en la emisión del sonido, tanto vocal como instrumental, ha sido una obsesión en la tradición musical de Occidente, la llamada “música clásica”. Obtener un buen sonido ha sido una preocupación basada en el estudio y la práctica constantes y una exigencia mínima a la hora de presentarse ante un público.

No se crea que esa característica deriva simplemente del momento en que se expande el concierto público ante una audiencia de pago, es algo connatural al oficio de músico que intenta llegar a su más alta expresión, y ya las capillas de las catedrales rivalizaban en obtener el mejor sonido e imponerse a los de otras. En el nacimiento de la orquesta barroca nos encontramos el mismo fenómeno, y todo un Vivaldi utilizaba a las talentosas chicas del Ospedale della Pietà para tener un banco de pruebas en sus experiencias compositivas y explotar sus cualidades sonoras. Si en la primera parte del siglo XVIII la Orquesta de Mannheim consiguió fama internacional fue precisamente porque su capacidad técnica y su sonido superaban a las de cualquier otra parte.

Hasta bien entrado el siglo XX, el sonido de un instrumentista era no solamente la expresión de su perfección técnica, sino la manera en que afloraba su propia personalidad. La fama de artistas como Arthur Rubinstein tocando Chopin al piano, o Arthur Grumiaux interpretando a Mozart al violín, se basaba en la cualidad personal de su sonido, más que en su gran competencia técnica. Rivalidades pianísticas en una misma escuela se producían por la personalidad del sonido. Era lo que ocurría en Alemania con Gieseking y Kempff o en la Unión Soviética con Richter y Guilels. Esa comparaciones se extendían también a las orquestas, y se sabía perfectamente que el sonido de la Filarmónica de Viena tenía un sonido propio distinto del de la Filarmónica de Nueva York.

Y, por supuesto, a los directores, siendo evidente que el sonido de Toscanini difería bastante del que conseguía Furtwängler. Luego ya estaban los temas de gusto, preferencias y aficiones, pero lo importante era tener el mejor sonido, y que ese sonido fuera propio.

Está claro que a nivel individual, el sonido particular de los principales artistas era su carta de presentación. Pero, pre-

Ilustración del Ospedale della Pietà en tiempos de Vivaldi.

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cisamente por eso, podían distinguirse claramente escuelas interpretativas. La manera en que tocaba un violinista soviético provenía de su propia escuela que, sin duda, era distinta de la de un italiano; igualmente ocurría con los pianistas y a veces era muy posible rastrear dónde había estudiado un determinado intérprete por la características de su sonido. Otra cosa es que, a partir de su escuela, cada uno tratara de obtener un sonido propio que le caracterizase. No era seguramente muy fácil pero sí se hacia poco menos que imprescindible.

Una cuestión en la que creo que están de acuerdo la mayoría de los especialistas es que hoy día la técnica instrumental ha progresado hasta límites insospechados, y se toca con una perfección técnica que no se había dado nunca en la historia musical.

Los jovencísimos pianistas que ganan los grandes concursos internacionales poseen unos mecanismos deslumbrantes que seguramente superan con creces los de grandes solistas del pasado. La perfección de la afinación violinística ha alcanzado grados de absoluta justeza. Hoy no se le perdona a ningún joven talento cosas que eran normales en los virtuosos de hace algunos años. Existen grabaciones de artistas famosos, como Kreisler, por ejemplo, que desde ese punto de vista se permite unas licencias que hoy día se rechazarían, y gran parte del éxito mundial de un Heifetz se basó en que su esplendoroso mecanismo iba acompañado de una claridad de afinación entonces infrecuente.

Lo dicho, hoy se toca técnicamente a un nivel que nunca se había conocido. Sin embargo, no son pocas las voces que se quejan de la interpretación actual, y la mayoría de las veces de lo que se le acusa es de una cierta falta de personalidad, lo que equivale a una falta de sonido propio. Posiblemente no habría que exagerar pensando que ese es un problema muy generalizado, pero sí es cierto que los síntomas apuntan hacia esa dirección, y que a muchos aficionados se les hace

vidas, hechos y otros asuntos

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por Pedro Téllez

Melómano Digital es una publicación online, surgida a partir de la revista Melómano, centrada en la actualidad del mundo de la música clásica, recogiendo la línea marcada por su hermana en papel. En sus más de 15 años de vida, Melómano Digital ha ido pasando por diversas etapas y adaptándose a los tiempos y recoge a día de hoy en torno a 2000 artículos publicados. Este mes, la web comienza una nueva etapa, con un diseño más atractivo e intuitivo, contenidos actualizados y nuevas secciones que hacen de Melómano Digital la web de referencia de la música clásica en castellano.

Lanzamiento de la nueva web de Melómano Digital

esta nueva etapa de Melómano Digital, manteniendo nuestra idea de ayudar a los jóvenes talentos e impulsar la educación musical en España, ofreciendo recursos de calidad, información actualizada tanto para el profesional como para el docente o el estudiante.

Tras más de 15 años de existencia, Melómano Digital ha sufrido una profunda renovación, tanto a nivel estético como conceptual, que en este mes de noviembre se presenta por fin al público con su nueva dirección: www.melomanodigital.com La idea de este nuevo espacio digital dedicado a la música clásica Conservatorios de España (base de datos) es ofrecer contenido exclusivo y recoger los mejores contenidos Melómano Digital ofrece la base de datos más completa de de su homónima en papel, Melómano, así como mantener actuaconservatorios superiores, profesionales y centros autorilizados a sus lectores a través de la publicación diaria de noticias, zados de música en España. Mediante nuestra página web, artículos, reseñas discográficas, agenda de conciertos, etc. Pasamos a detallar las Concierto de flauta de Federico el Grande en Sanssouci, Adolph von Menzel. secciones que nuestros lectores podrán encontrar en la nueva web:

Agenda de conciertos

Melómano Digital ofrece la agenda de conciertos de música clásica más completa de internet. Queremos ofrecer la posibilidad de acceder a una agenda de conciertos unificada, de forma que los usuarios no tengan que hacer múltiples búsquedas en diferentes páginas para saber qué eventos de música clásica van a tener lugar en España en un día en concreto. Las distintas entidades organizadoras de conciertos, festivales, ciclos, etc., podrán enviarnos sus temporadas completas para que estas sean añadidas a la agenda y así conseguir abarcar todo el espectro de la actividad musical de nuestro país.

Educación Musical

Esta sección, igual que la anterior Agenda de conciertos, es una novedad en M

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©Michele Crosera

Le cinesi,

las damas chinas de Gluck y Metastasio ■

por Fabiana Sans Arcílagos @fabianasans

El 2 de noviembre en el Palau de Les Arts Reina Sofía de Valencia se interpretará en versión concierto Le cinesi, de Christoph Willibald Gluck. La Orquestra de la Comunitat Valenciana, dirigida por Fabio Biondi, será la encargada de acompañar a la mezzosoprano española Silvia Tro Santafé, quien interpretará a Lisinga, a la soprano Désirée Rancatore, en el papel de Sivene, mientras que Ann Hallenberg y Anicio Zorzi Giustiniani darán vida a Tangia y Silango, respectivamente.

Fondazione Teatro la Fenice.

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ÓPERA Breve visión de China en la cultura occidental En la época en la que se escribió Le cinesi, China era un paraje completamente exótico. La curiosidad de los europeos por esta cultura y su sociedad se remonta a los escritos de Marco Polo, pero el verdadero interés empieza a producirse gracias a los misioneros jesuitas y sus informes de viajes entre los siglos XVII y XVIII. Así, el país asiático va a idealizarse y se convertirá “en una proyección de las necesidades europeas”. Según Antonio García Montalbán, la presencia de “lo chino” proliferó en lo que se denominó chinoiserie, que era un estilo de diseño europeo presente en el mobiliario, cerámicas, textiles, jardines, porcelanas, bordados, uso de las formas asimétricas y los colores azul y blanco, entre otras. Esta presencia asiática llegó hasta la literatura y la música, haciéndose presente en diversas obras, como Il gran Tamerlano de Cesare Corradi y música de Marco Antonio Ziani, o Le Roi de la Chine, fiesta de máscaras efectuada por Luis XIV en 1700 para celebrar el nuevo siglo, y en algunas obras de Pietro Metastasio, como L’eroe cinese y Le cinesi.

Argumento Acto único. La acción transcurre en una ciudad de la China. Lisinga, joven de familia acomodada, se encuentra reunida con sus amigas Sivene y Tangia, que toman el té para pasar el rato y acabar con el hastío. Silango, hermano de Lisinga, acaba de regresar de un viaje por Europa y quiere ver a su amada Sivene. El joven, ansioso por reencontrarse con su amor, se escabulle por los salones destinados únicamente para el uso de las mujeres, pero se acerca demasiado a la puerta para escuchar la conversación que mantienen las amigas y es sorprendido por las damas. Las tres chicas deciden ocultar al joven por “el qué dirán” hasta que pueda salir sin ser visto.

Mientras, todos permanecen en el salón y deciden jugar a interpretar papeles ficticios de escenas teatrales basadas en la antigua tradición occidental. La primera, una tragedia clásica interpretada por Lisinga, quien encarna el drama de Andrómaca —de la guerra de Troya— al llorar la pérdida de su marido Héctor. Sigue el turno para Sivene, quien cambia a la temática pastoril interpretando a la ninfa Lycoris, que se burla de los sentimientos del pastor Tyrsis, personaje encarnado por Silango. Finalmente, le corresponde el turno a Tangia, que interpreta a una presumida muchacha que

Christoph Willibald Gluck.

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Sinfonía n.º 1

en La bemol mayor Op. 55

de Edward Elgar:

la esencia y su profundidad ■

por Marco Antonio Molín Ruiz

Esta obra será interpretada por la Orquesta Sinfónica de Galicia bajo la dirección de Diego Martín Etxebarría los próximos días 17 y 18 de noviembre en el Palacio de la Ópera de A Coruña.

La carreta de heno de John Constable (1821).

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CLAVES Introducción Edward Elgar da con su Primera Sinfonía el paso firme al género después de prudentes tentativas a finales del siglo XIX. Debutar en la sinfonía con 50 años denota una humildad y una madurez realmente singulares entre los compositores; su bagaje en lo camerístico y lo coral sirvió para depurar su arte, concebido como entrega total a una omnipresente música de la que cada uno toma lo apetecible. Su aspiración de obra abstracta sin apelativos ni detalles secundarios más propios de otras estéticas se logra en esta composición, escrita paso a paso, con el sabio ardor que reserva para el último momento la belleza secreta, esa profunda razón de ser del hombre infatigable y soñador desde la honestidad de su trabajo. El mundo contemporáneo la aclamó entusiasta después de un estreno, que depararía los suculentos frutos de cien interpretaciones en el espacio de pocos meses.

Elgar había estado planeando una sinfonía durante diez años y el anuncio de que la había concluido al fin despertó un enorme interés. El compositor menciona una sinfonía en 1898, una especie de Heroica inspirada por el General Gordon, el héroe famoso e idealista caído en el sitio de Jartum hacia 1885. A finales de 1899 Elgar ya había compuesto un tema. En una carta de 1901 habla de la sinfonía que pretende componer, música que quiere dedicarle a Hans Richter, cuyas interpretaciones de las variaciones Enigma y la obertura Cockaigne le dieron gran reputación. Hacia el verano de 1907 las cartas de su esposa mencionan que Elgar había escrito un bellísimo tema y una encantadora pieza acuática, subrayando el ilustrativo efecto del viento que sopla en la superficie de un río.

La familia Elgar viajó a Roma en diciembre de 1907, y en el intervalo de esa estancia, prolongada hasta mayo del año siguiente, el compositor escribió el primer movimiento. De vuelta a Londres, la tarea fue más ágil, y a finales de septiembre la obra ya estaba terminada. Aunque en un principio se sintió atraído por circunstancias históricas concretas, abandonó la idea de una sinfonía Gordon, en favor de una obra en absoluto programática.

Aspiró definitivamente a música abstracta como cumbre de la composición orquestal.

En 1905 pronunció una conferencia sobre la Tercera Sinfonía de Brahms, donde dijo que cuando la música era simplemente una descripción de cualquier cosa conllevaba un arte más lejos de aquello por que tenía afecto. Elgar pensaba que la música, como mero arte, era sin descripciones, al igual que en Brahms. Esta es la razón por la que muchos contemporáneos y estudiosos posteriores han establecido un paragón muy argumentado con el compositor de Hamburgo.

La Sinfonía n.º 1 en La bemol mayor Op. 55 de Elgar es una obra edificada concienzudamente a partir de un sereno tema inicial que acaba exaltándose en el Finale. El compositor usa una paleta orquestal de gran poderío que alcanza cotas altísimas. Las líneas instrumentales se engarzan en un discurso frondoso con sutiles modulaciones, riqueza rítmica y encanto melódico. Música desligada decididamente de lo descriptivo o programático y lejos de convencionalismos recurrentes que propicien el tarareo. Brahms, Chaikovski y Liszt son fuentes que compactan de manera concluyente un estilo donde presenciamos un apasionante drama interior, como si de una narración se tratase. La atípica tonalidad, La bemol mayor, es un rasgo original que abre en el oyente otras dimensiones trascendiendo las trilladas opciones en el panorama postromántico.

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Noticias

Mario Prisuelos presenta Tomás Marco: Piano works

Es un disco monográfico homenaje al compositor español en su 75 cumpleaños

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ras el éxito de su disco anterior con música romántica de Marcial del Adalid, el pianista Mario Prisuelos, considerado por crítica y público como uno de los intérpretes más sobresalientes de su generación, recibe el otoño con su última grabación. Fiel a su compromiso con la composición contemporánea, presenta un disco monográfico editado por IBS Classical dedicado a la música para piano del compositor Tomás Marco, recientemente galardonado como “Premio SGAE de la Música Iberoamericana Tomás Luis de Victoria”.

Tomás Marco: Piano works es un homenaje al compositor en su 75 cumpleaños, e incluye: Movilidad de la escultura (2014), obra dedica-

da a Mario Prisuelos, y estrenada por él en 2016; Soleá (1982), escrita con motivo del Centenario de Joaquín Turina; Fetiches (1967), la segunda obra de su catálogo pianístico; la sonata dedicada a Joaquín Achúcarro, Sonata en forma de Cármenes (2012); y la obra subtitulada Sonata de Madrid (2006), compuesta para conmemorar el 250 aniversario de la muerte de Scarlatti. La pequeña colección Tres Piezas Minuto, y la virtuosa obra escrita a petición del pianista argentino Horacio Lavandera, Toccata in moto perpetuo (2014) completan el repertorio. La presentación del disco tuvo lugar el pasado 7 de octubre en el marco 17º Festival de Música de Tres Cantos “Diacronías”. n

XII Encuentro Internacional de Guitarra “Norba Caesarina” Se celebra en Cáceres, del 13 al 19 de noviembre

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n año más, el Encuentro Internacional de Guitarra “Norba Caesarina” se celebrará en la ciudad de Cáceres, incluyendo conciertos, clases magistrales y el VI Concurso Internacional Infantil y Juvenil “Ángel Iglesias”.

Ricardo Gallén

Los conciertos serán impartidos por jóvenes guitarristas de Extremadura y por guitarristas de amplia pro-

yección internacional: el día 13 de noviembre, tendrá lugar el primer “Concierto de jóvenes intérpretes extremeños”, con Isabel Mendo y Cecilia González y el día 14 el segundo, con Javier Lucío y Juan José Rodríguez. El día 15 de noviembre será el turno del guitarrista cubano Alí Arango; el día 16 del intérprete chino Xianji Liu; y se cierran el 17 con el guitarrista de Linares Ricardo Gallén.

Por otra parte, Alí Arango, Xianji Liu y Ricardo Guillén impartirán sendas clases magistrales en el día de sus respectivos conciertos en el Conservatorio Oficial de Música “Hermanos Berzosa” de Cáceres.

Además, se llevará a cabo el VI Concurso Internacional Infantil y Juvenil “Ángel Iglesias”, con tres modalidades: A, hasta 10 años; B, de 11 a 14 años; y C, de 15 a 18 años. n

| INFORMAR

El Festival Kuraia 2017 estrena Apokalipsis Celebra su 24ª edición y el XX aniversario del Ensemble

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urante los meses de noviembre y diciembre tendrá lugar en el País Vasco el Festival Kuraia. Organizado por el Ensemble Kuraia de Bilbao, el Festival llega a su 24ª edición, convirtiéndose en el más veterano de la región, y con él Kuraia celebra su XX aniversario. Las actividades se desarrollarán en Bilbao y en San Sebastián, con una programación centrada en la creación musical de vanguardia en Argentina.

El Festival empieza el día 6 con el dúo integrado por el pianista Oscar Edelstein y la cantante Deborah Claire Procter (Argentina). Presentarán el estreno de su nuevo espectáculo, Huellas digitales sobre ríos lejanos. El día 13 será el turno del Ensemble Kuraia con un programa que incluye dos estrenos de compositores argentinos (Dante Grela y Sergio Santi) y obras de compositores vascos (Mikel Chamizo y Xabier Otaolea). La programación de noviembre se cierra el día 27 con la ópera multimedia Apokalipsis-una metáfora revelada, la última creación de la compositora María Eugenia sobre el Apocalipsis de San Juan. El libreto, integralmente en euskera, ha sido coescrito por el poeta guipuzcoano Juan Kruz Igerabide y la compositora. El estreno correrá a cargo del Grupo Vocal Kea y el Ensemble Kuraia bajo la dirección musical de Andrea Cazzaniga y la dirección escénica de Josu Rekalde. n

© Álvaro Ledesma María Eugenia Luc.

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Noticias

| INFORMAR

Mercaseguros colabora con el 16º Certamen «Intercentros Melómano» Con su seguro de instrumentos musicales “CLAVE DE SOL”

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ras un año de andadura junto a Hiscox, ofertando y dando a conocer a todos aquellos que aman la música y sus instrumentos “CLAVE DE SOL”, el seguro de instrumentos musicales más completo del mercado nacional, Mercaseguros quiere celebrar su primer aniversario cerca de sus clientes, los músicos, colaborando con el Certamen Nacional de Interpretación «Intercentros Melómano».

Esta correduría de seguros especializada hará entrega en el Certamen de este año, tanto para la categoría de Grado Profesional como para la categoría de Grado Superior, de un seguro anual “CLAVE DE SOL” para instrumento valorado hasta 12.000 euros y con ámbito geográfico de España al Segundo Clasificado, y para el Tercer Clasificado, de un seguro anual “CLAVE DE SOL” para instrumento valorado hasta 10.000 euros y con ámbito geográfico de España.

El producto “CLAVE DE SOL” es un Seguro a “Todo Riesgo” consensuado con profesionales de la música para adaptarse a sus necesidades. Es el único seguro de

instrumentos musicales en España que asegura los instrumentos a valor concertado y sin depreciaciones por antigüedad o franquicias. Es decir, que el valor del mismo lo fija su dueño, que es quien mejor lo conoce. Permite incluir en la misma póliza todos los instrumentos que posea el músico, así como sus complementos (boquillas, fundas, etc.). Si durante un viaje se produce pérdida o daños se envía a cualquier punto del país en 10 horas un instrumento de sustitución y, en caso de no ser posible, se paga el alquiler del mismo para que pueda celebrar el evento. Para más información se puede consultar, tarificar y contratar on-line en www.mercaseguros.com.

Con esta colaboración Mercaseguros quiere aportar su pequeño grano de arena a un Certamen que a lo largo de sus quince ediciones ha tenido y tiene muy presente la idea de servir como experiencia práctica a los músicos, para que puedan enfrentarse a un público y a un jurado que valora su interpretación, no únicamente su destreza técnica. n

La comprometida gestión del CNDM

El Centro Nacional de Difusión Musical sustenta las temporadas de León y Santiago

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artes. Estarán presentes numerol Centro Nacional de Difusión Musical coproduce el sas formaciones y artistas galleXXXIV Festival Internaciogos durante esta actividad, que nal de Órgano de la Catedral de pretende exponer y difundir las León (FIOCLE) y una nueva temúltimas tendencias, favorecienporada de su ciclo de conciertos do a la renovación del ámbito enfocados a las músicas históricas musical. en el Auditorio Ciudad de León, así Además, el CNDM presenta el como la séptima edición del curso ciclo Beethoven Actual, junto a de carácter universitario gestionala Fundación Baluarte de Pamdo al unísono con la Universidad plona, integrándolo en Circuide León (ULE) y del Curso Interna- Antonio Moral (director del CNDM) y Félix Palomero tos del CNDM. Abrió sus puertas (gerente de la Fundación Baluarte). el 15 de octubre y se mantendrá cional de Interpretación Vocal Barroca al mando de Eduardo López hasta el 5 de junio de 2018, y Banzo. Estas actividades muestran el compromiso del nueve de sus conciertos tendrán lugar en la Sala de CNDM por difundir y recuperar el patrimonio musical Cámara del Auditorio Baluarte. El CNDM representa antiguo, gracias a su programación en veintiocho ciudaun fuerte apoyo para la difusión de la música, al redes españolas y diez internacionales. cuperar obras sumamente populares y redescubrirlas Por otro lado, El CNDM coproduce las Xornadas de desde un nuevo punto de mira, no obstante, no se Música Contemporánea 2017 en Santiago de Composrestringe al ámbito clásico, dada su presente apuesta tela por sexta vez, las cuales se están llevando a cabo por las composiciones contemporáneas, así como el desde el 7 de octubre y continuarán hasta el 25 de noaplauso que brinda a jóvenes promesas del momento viembre, comprendiendo dieciocho conciertos que alque buscan construirse un nombre en la esfera mubergan la confluencia de la música actual con diversas sical. n

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ENSEÑANZAS MUSICALES

Premios en las aulas: Teresa Catalán Premio Nacional 2017 Me alegra mucho poder rendir homenajes, en esta sección, a docentes que realizan grandes trabajos, que culminan sus carreras o que son noticia por sus premios, como en esta ocasión.

En noviembre,Teresa Catalán, conocida compositora y docente recibe el Premio Nacional de Música en Composición con la valoración del jurado sobre “su importante labor pedagógica y de difusión de la música contemporánea y su larga dedicación a la educación musical”.

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Teresa Catalán El currículum de Teresa Catalán está orientado en tres vertientes muy importantes: la creación, la difusión de la música contemporánea y la docencia.

Leyendo la interesante y emotiva autobiografía que Teresa Catalán escribió para la Revista Internacional de los Estudios Vascos ( publicada en 2011) tenemos un reflejo muy tierno de unas etapas muy especiales de nuestro país a través de una niña curiosa por el arte en general y sobre todo por la música, que siempre estuvo en ella, a la espera de unos buenos profesores que la llenaron de alegría por dejarla expandirse.

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Su decisión a los 6 años de querer ser músico, que culminó con sus estudios en el recién estrenado Conservatorio “Pablo Sarasate” de Pamplona con Fernando Remacha, son recuerdos tan importantes para ella que nos dice: “los años de conservatorio dejaron mis mejores recuerdos del paso de mi infancia a mi adolescencia”. ¡Ojalá todos los alumnos que pasan por nuestras aulas, escriban en sus biografías una frase tan hermosa! © Javier Ecay, Ars Incognita

Los Premios Nacionales de Música 2017 os Premios Nacionales de Música, uno para cada una de las modalidades de Interpretación y Composición y Músicas Actuales, recompensan la meritoria labor de una persona o entidad en el ámbito de la música, puesta de manifiesto preferentemente a través de una obra o interpretación hecha pública o representada durante el año 2016.

Para la concesión de los Premios se tiene en cuenta la calidad de las obras o actividades recompensadas y su significación como aportaciones sobresalientes e innovadoras al sector de la música.

El jurado ha otorgado el premio de Composición a Teresa Catalán “por su amplio y diverso catálogo de obras, abarcando desde la canción lírica hasta piezas sinfónicas. Destacando en los últimos años los estrenos de Printzesaren Dantza o Aldonza y Crésida”.

También han sido galardonados con el Premio Nacional de Música en Interpretación 2017 la pianista Rosa Torres Pardo reconocida por “su extraordinario trabajo de difusión de la música española como intérprete”. Y Javier Ruibal, con el Premio Nacional de las Músicas Actuales 2017 por “su excelencia como compositor, cantante y guitarrista, con un lenguaje propio que ha influenciado a artistas de varias generaciones”.

Felicitamos a los tres premiados y nos centramos en nuestra homenajeada.

Teresa Catalán.

Recuerdos que se hacen intensos al nombrar a todos sus profesores y compañeros, que le hacen sentirse muy afortunada y “aprovechar ese privilegio”. Viendo aquellos ejemplos tan queridos, le llevaba a sentir “la obligación de devolver a la sociedad algo de lo mucho que me ha dado, quizá de ahí mi permanente interés con la docencia”. Y por ese amor por aprender y enseñar, diría

La música en el cine Título: The Disappearance of Garcia Lorca Director: Marcos Zurinaga Música: Mark Mckenzie

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las cinco de la tarde.

Eran las cinco en punto de la tarde.

Un niño trajo la blanca sábana a las cinco de la tarde.

De esta forma comienza uno de los poemas más conocidos del poeta; de Federico García Lorca; mirada y viento de Granada; alma y llanto de una España yerma que mató al hombre e inmortalizó al genio.

Sobre este comienzo articula el director portorriqueño Marcos Zurinaga su particular visión de la vida de un hombre que cantó a la muerte desde el tablao del amor, feudo de gitanillos, duendes y quejíos… The Disappearance of Garcia Lorca narra la historia de Ricardo, un niño amante de bodas y romanceros que tres décadas después del asesinato de Lorca vuelve a España para descubrir la verdad de uno de los acontecimientos más oscuros de nuestra historia reciente. El punto de partida de la historia es la pasión que el joven protagonista siente por Lorca, un amor que se esconde tras los versos del poeta…

Un ataúd con ruedas es la cama a las cinco de la tarde.

Huesos y flautas suenan en su oído a las cinco de la tarde.

Esta pasión le sirve de pretexto a Mckenzie para escribir una de las elegías (de sangre y arena) más bellas de la música cinematográfica de los últimos tiempos.

El músico compone su elegía sobre tres cuadros muy bien definidos que se arrebolan sobre el amor, la pasión y la muerte (con el poema de fondo), constantes que acompañaron los últimos pasos del poeta.

El amor a la poesía, a la profunda obra de M

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The Disappearance of Garcia Lorca Lorca, queda impresa en la arrebatadora obertura —For Love of a Poet—, melodía que define el dramatismo de una historia que partió la cultura de nuestro xenófobo país en dos. La pasión de una inocente mirada introduce el leitmotiv más bello de toda la obra —Ricardo´s Theme/I want your feel to work—, melodía que muestra el encuentro de Federico y Ricardo.

Elegía de Sangre y Arena

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Lorca: ¿Cómo te llamas?

Niño: Ricardo Fernández. Mis amigos… (dubitativo) tenemos todos sus libros, ¡todos! Yo soy de Granada, quiero entender, sentir su obra…

Lorca: Si eres de Granada ya sientes mi obra; Granada es nuestra, la llevas en el alma y en el cuerpo; esa es mi obra… entiendes.

Quizá esta sea la melodía más efímera de la partitura, la más liviana de todas, ya que se circunscribe a la primera parte de la historia, la que narra con inocencia el descubrimiento que Ricardo y sus amigos hacen de la obra de Lorca. Un teatro, unas bodas y una mirada provocan que la melodía adquiera un estado sobrenatural que redefine con delicadeza la admiración que todos ellos sienten por el poeta. El piano, el arpa y la flauta cantan a la elegancia de un poeta —¡nuestro!—, que entre versos y suspiros, consonancias y ritmos, cantó al amor y a la muerte desde las entrañas de la vida. El

piano, el arpa y la flauta… ¡qué bien recitáis al poeta! ¡Y la muerte!, amiga de lunas y sombras que brillan sobre los alientos grises de la anónima madrugada… tercer y último cuadro de la obra que sobre el tablao de las seis cuerdas, los quejíos de los duendes gitanos y el son del bordón llama a la sinrazón de un régimen que asesinó al poeta de Granada. Las cuerdas, rasgadas con uñas de cristal, gritan sin consuelo mientras las nocturnas voces del Albaicín, morada de tahúres y ramilletes, se cuelan a hurtadillas entre la pólvora y la sangre de una España de vergüenza.

Las heridas quemaban como soles a las cinco de la tarde, y el gentío rompía las ventanas a las cinco de la tarde.

A las cinco de la tarde. ¡Ay, qué terribles cinco de la tarde! ¡Eran las cinco en todos los relojes! ¡Eran las cinco en sombra de la tarde!

La obra de Mckenzie, lejos de ahondar en las razones político/militares que llevaron a Federico García Lorca a la tumba, muestra con cierto romanticismo la pasión y el amor que parte de esta España nuestra sentía por la obra de un poeta que, como dice Mckenzie: inventó algunos vientos para volar… n

TOMANDO NOTAS

■ Texto: Sofía M. Gascón Instagram: sofia_sorna Ilustración: Iciar L. Yllera

La cajita de música Hace muchos años que llueve en este pueblo.

Constante, inclemente, sin pausa ni para tomar aliento, desde hace ya mucho tiempo. Hace muchos años ya que se mojan los cristales de mi casa, y las gotas caen plomizas golpeando las ventanas. Hace tiempo que llueven ríos de sapos y cucarachas por las calzadas de las calles, los caminos, los campos y los huertos.

Los árboles rabian de verde y gris, nebulosos.

Oscuros como las nubes que aúllan en la tormenta que habita en mi pecho. Ahí también llueve desde hace ya largo tiempo.

Mis manos, cubiertas de trazos temblorosos por las palmas, tientan a la gravedad y al equilibrio sosteniendo un vaso de whisky y un anillo. Un whisky de esos que amargan en la boca y escuecen en los labios. De esos que se beben sin sed, y de los que bebes un trago por cada día del calendario.

Y en mi chimenea solo quedan las cenizas, de lo que soy, de lo que fuiste, del fuego que en mí prendiste. Siempre apagado, sin brasas, llamas ni humo. ¿Será que de los dos

ya solo queda uno? Y no hay fuego que me caliente estos viejos huesos tan llenos de lluvia y de musgo.

Y menos mal que ya no estás aquí para verlo, porque desde que te fuiste, la casa habita en una eterna noche sin luna, polvorienta y eterna. Vacía de estrellas y de luciérnagas. Menos mal que ya no estás aquí para ver cómo tu sofá se ha ensombrecido con el tiempo y cómo las telas de araña rasgan su tapiz. Menos mal que no ves mi nariz alérgica de polvo y mis ojos alérgicos de añoranza. Y menos mal que el tiempo te llevó antes que a mí, para que no sufrieses por mí lo que sufrimos yo y los cielos por ti, siempre lloviendo siempre tronando.

Pero ojalá pudieses ver algunas cosas. Ojalá vieses cómo tu gato sigue buscándote entre los cojines de tu butacón. Ojalá le oyeses maullar al ver tu ausencia. Ojalá pudiese enseñarte lo que han hecho las lluvias con nuestro jardín. Tanto llorar, tanto llorar ha llenado entero el césped de flores. Ojalá pudiese decirte que desde que te fuiste, la

Si quiere escuchar este texto narrado por su autora, visite su cuenta Soundcloud: https://soundcloud.com/user-745383001

cama no huele igual que antes, ni me calienta el alma lo que antes. Ojalá volvieses para ver al cielo teñirse de violeta y naranja un día más, de mi mano. Pero ojalá no me vieses a mí, todo teñido de gris, de azul y de negro.

Llueve mucho aquí, y hace mal tiempo. El viento sacude temerario las tejas de mi techo. Un rugido, un crujido, estallan de nuevo. Las luces tintinean figuras espectrales entre las nubes. Ruge de nuevo. Otra sacudida de viento, y estalla un trueno.

Dentro de casa también llueve. Pero… una cajita de luz. Un soniquete tintinea entre trueno y trueno. Una melodía tenue aletea en silencio.

Entonces no se oye nada más que eso. Una luz naranja y violeta limpian de polvo y de sombra la sala y tú estás ahí de nuevo, en tu sofá recogidita, con las piernas dobladas, obnubilada como una niña con su cajita de música y la bailarina que gira, baila que baila.

Y se te ve tan nítida, te siento tan clara, que solo se me ocurre tomarte de la mano y bailar juntos de nuevo esa balada. ■

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GUÍA DE ORQUESTA

La flauta travesera ■

por Mónica Raga

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© Sofía M. Gascón

on el nombre de flauta se pueden encontrar innumerables tipos y variedades: están las flautas dulces, fabricadas en diferentes registros y tesituras; las flautas de pan, que existen desde la antigua Grecia, han dado mucho juego en el terreno mitológico y aún hoy se puede tener el privilegio de escuchar en algún pueblecito cuando viene el afilador; también las hay oblicuas, y un largo etcétera; pero hoy nos centraremos en mi especialidad: la flauta travesera y su familia, que incluye, de más aguda a más grave, el flautín, la flauta en do, la flauta en sol, la flauta baja y la flauta contrabaja, aunque estas dos últimas no se suelen escuchar en el repertorio sinfónico. Sí que es posible escucharlas en alguna obra contemporánea de música de cámara y en las orquestas o ensembles de flautas, si bien es cierto que recuerdo haber tocado en una ocasción la flauta baja con amplificación en la Orquesta.

La flauta conoció una época dorada hacia el siglo XVIII, cuando los más grandes compositores comenzaron a incluirla en

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el repertorio sinfónico y operístico dado el color y la textura que aportaba al conjunto, y es a finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX el momento en el que se suceden progresivas mejoras. Fueron Quantz y Hotteterre quienes impulsaron una mejora en la mecanización, más tarde contribuyeron Ribock, Tromlitz y Potter, en una continua sucesión de cambios por conseguir un instrumento que cumpliera con varios requisitos, como el de una afinación equilibrada y homogeneidad de sonido en las diferentes octavas. Estos cambios desembocan, casi a mediados del siglo XIX, en la moderna flauta de Böhm, llamada así por su inventor, el músico y compositor bávaro Theobald Böhm, que se basó en principios científicos para crear un novedoso sistema de llaves para cada orificio y un diseño más ligero, permitiendo al flautista tocar con mayor facilidad. Esa es la flauta que ha llegado sin más cambios considerables hasta nuestros días.

El sonido de la flauta puede variar dependiendo del material con el que esté

fabricada. Tradicionalmente siempre fue en madera, y actualmente vuelve a estar muy en boga. Se puede utilizar granadillo, ébano y boj, pero desde hace más de un siglo se suelen construir principalmente en metal, como la plata y el oro, también con aleaciones de dos metales, por ejemplo, plata/platino, plata/oro, y varios tipos de baño o recubrimiento. Así nos podemos encontrar flautas de níquel con baño de plata, flautas de plata con baño de oro, etc., todo un mundo de posibilidades para elegir. Personalmente he elegido una flauta con una aleación de plata y oro en proporción 85-15.

A grandes rasgos se puede decir que las flautas de metal tienen un timbre más potente y brillante, lo cual es necesario para interpretar Shostakóvich, Mahler, Bruckner, etc., y obras contemporáneas que requieren grandes y súbitos cambios de sonoridad. Por otra parte, las flautas de madera poseen un sonido más dulce y fácil de empastar, perfecto para interpretar Telemann, Bach, Haendel, Haydn, Mozart, etc., aunque es el flautista quien

PRÓXIMO NÚMERO PRÓXIMO NÚMERO | DICIEMBRE 2017 febrero 2017

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EN PORTADA PORTADA EN .Entrevista n■Entrevista FahmiMahúgo Alqhai Yago por Alfonso Carraté Por Alejo Palau

■ . Ópera del mes n Ópera del mes

Andrea Chenier de Giordano Billy Budd, de Britten por Diego Manuel García

Por Fabiana Sans Arcilagos

■ . Claves para disfrutar de la músicapara disfrutar de la n Claves Concierto para piano n.º 5, EmpeSuite piano de Albéniz radorpara de Beethoven porPaula Gregorio Benítez Por Coronas

Vidas, hechos hechos yyotros n■ .Vidas, otros asuntos asuntos René Kollo, en su 80 aniversario La Escolanía de El Escorial por Diego Manuel García

Domicilio ......................................................................................................... Teléfono: ....................................................................................

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