Melómano 240 by ORFEOEDICIONES

Número 240 | abril 2018 | Año XXIII

EDITORIAL

Real y Zarzuela, ¿dos teatros en uno? LA MÚSICA EN EL CINE

Especial Predator TOMANDO NOTAS

La Carmen, en rojo

Joel Prieto,

el tenor mozartiano, y más…

Sumario

ABRIL 2018

240

ENTREVISTA

número

Joel Prieto, el tenor mozartiano, y más…..............................

PROMESAS CUMPLIDAS

Joel Prieto,

el tenor mozartiano, y más… ■

por Paz Ramos

El tenor Joel Prieto protagonizó uno de los acontecimientos de esta temporada en el Teatro Real, el estreno en febrero de Street Scene de Kurt Weill, primera ópera del compositor en Estados Unidos. Volverá al Real con esta producción del 26 de mayo al 1 de junio. Joel Prieto nació en Madrid, pero se crió y formó en Puerto Rico. Fue ganador de Operalia, The World Opera Competition en 2008. Mozart es su compositor fetiche, ha cantado desde El rapto en el serrallo, Così fan tutte, La flauta mágica o el Réquiem, dentro del Festival Casals de Puerto Rico. En abril llevará el Don Giovanni a Santiago de Chile. Ha conseguido continuos éxitos en las óperas de Varsovia, Los Ángeles, Toulouse o Berlín, donde debutó en la Deutsche Oper en 2006.

Raquel García-Tomás, más allá del sonido...................................... 12

CLAROSCUROS

El veneno del teatro............................................................ 18 VIDAS, HECHOS Y OTROS ASUNTOS

En el centenario de Astrid Varnay......................................... 20 LA ÓPERA DEL MES

M 7

El Demonio, de Rubinstein................................................... 26

|M 7

Claves para disfrutar de la música

VIDAS

vidas, hechos y otros asuntos

En el centenario de

Concierto para violín y orquesta núm. 2 de Lee Holdridge ............ 32

INFORMAR

Siegfried und Brunnhilde de Charles Ernest Butler, 1909.

Astrid Varnay ■ por

Diego Manuel García

El próximo 25 de abril se cumplirá el centenario del nacimiento de la soprano Astrid Varnay (Estocolmo, 25 de abril de 1918 - Múnich, 6 de septiembre de 2006), una de las más grandes intérpretes del repertorio wagneriano. Por su imponente vocalidad y gran temperamento dramático fue apodada “la Callas del norte”.

Primeros pasos

Hija de padres húngaros, el tenor Alexander Varnay y la soprano María Jabor, cantantes itinerantes, el nacimiento de Astrid Varnay se produjo en Estocolmo debido a que sus padres estaban en esos momentos actuando allí. En 1919, Alexander Varnay fue contratado para ocuparse de la gerencia de un pequeño teatro en Kristiania (Noruega), allí se produjeron importantes representaciones de ópera, como un Otello de Verdi, interpretado por el famoso tenor checo Leo Slezak, junto a una jovencísima soprano noruega Kirsten Flagstad, destinada a convertirse en una gran intérprete wagneriana, y que en diferentes momentos iba a jugar un papel importante en la carrera de Astrid Varnay. En 1922 la familia Varnay abandonó noruega emigrando a Argentina, y más tarde a Nueva York, donde llegaron en noviembre de 1923. Alexander Varnay murió poco tiempo después. María Jabor volvió a casarse fijando definitivamente su residencia en Nueva York. La joven Varnay demostró gran interés por la música, comenzando estudios de piano en la New Jersey Musical College. A los 18 años decidió aprender canto e inició sus primeros estudios con su madre. Entre tanto, Kirsten Flagstad había debutado en el Metropolitan, en 1935, con un extraordinario éxito. Fue ella quien recomendó a María Jabor que su hija continuara sus estudios con el maestro Hermann Weigert M

(muy relacionado con el Teatro Metropolitan), quien se ocupará de la formación vocal y escénica de la joven Varnay, cuya facilidad para los idiomas (hablaba con fluidez húngaro, inglés, alemán, francés e italiano) fue un factor determinante para que su maestro la introdujera en el conocimiento de diferentes repertorios, sobre todo el wagneriano. Con una importante formación vocal y escénica, en mayo de 1941, Astrid Varnay consiguió una audición ante Edward Johnson, director general del Metropolitan, quien, impresionado por las cualidades de la joven soprano, la contrató como miembro de la compañía de ese teatro por un período de tres años. Su debut estaba previsto para el 9 de enero de 1942, donde iba a interpretar a Elsa de Lohengrin. Sin embargo, ese debut se produjo un mes antes, el sábado 6 de diciembre de 1941 (víspera del ataque japonés a Pearl Harbor), interpretando el papel de Sieglinde de Die Walküre (La Valquiria). La joven debutante, de solo 23 años, había sido llamada la víspera de la representación para sustituir a una indispuesta Lotte Lehmann, quien estaba previsto interpretase Sieglinde, junto a otras legendarias figuras del canto wagneriano: Lauritz Melchior (Siegmund), Friedrich Schörr (Wotan), Alexander Kipnis (Hunding), Kerstin Thorborg (Fricka) y Helen Traubel (debutando como Brünnhilde). Aquella representación iba a ser retransmitida en directo por radio. La joven Varnay, mostrando gran valentía, no se dejó

SERVICIO DE SOCORRO ................................................................ impresionar por la presencia de estos grandes cantantes, ni de realizar su debut sin haber ensayado el papel con orquesta junto al resto de los intérpretes. Solamente, la víspera de la representación, había cantado todo su papel acompañada al piano por Erich Leindorf, quien era el encargado de dirigir la representación. En el arrebatado dúo de amor con Siegmund del final del Acto I mostraba sus magníficas condiciones vocales y una intensa capacidad

interpretativa. Cuando coincidía en escena con Helen Traubel, daba la impresión de que los papeles se intercambiaban: Astrid Varnay tenía la vocalidad de Brünnhilde y Helen Traubel parecía Sieglinde. La joven Varnay consiguió un gran triunfo siendo muy alabada por público y crítica. Seis días después, en una segunda representación de Die Walküre, y por indisposición de Helen Traubel, interpretó el papel de Brünhilde, con idéntico éxito.

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¿Hacia dónde van nuestras enseñanzas?................................ 56 LA MÚSICA EN EL CINE

Clásico: Predator................................................................ 62

LIBROS DE MÚSICA

El Demonio,

La música de Benet Casablancas. Arquitecturas de la emoción ...... 64

de Rubinstein

por Fabiana Sans Arcílagos @fabianasans

En un año repleto de estrenos escénicos en España, llega por primera vez al Gran Teatre del Liceu la ópera The Demon, del famoso pianista y compositor Antón Rubinstein. Bajo la dirección musical de Mikhail Tatarnikov, tendremos la oportunidad de disfrutar de esta gran producción realizada por la Helikon Ópera de Moscú, la Staatstheater de Nürnberg, la Ópera de Bordeaux y el propio Liceu. El reparto de voces está encabezado por Asmik Grigorian y Egils Silins, acompañados por Alexander Tsymbalyuk, Igor Morosow y Yuriy Mynenko, junto a la Orquesta Sinfónica y el Coro del Gran del Teatre del Liceu (dirigido por Conxita Garcia). Las funciones se realizarán desde el lunes 23 de abril y se extenderán hasta el vienes 11 de mayo.

Han pasado 113 años desde la primera función de The Demon en España y vale la pena recordar algunos datos de este evento. La ópera, basada en la rendición del Diablo al amor, compuesta por Rubinstein, se estrenó al final de la temporada de verano en Barcelona, concretamente el 10 de octubre de 1905 en el Teatro Novedades. El montaje fue realizado por la compañía italiana de Francisco Castellano y contó en su reparto con la participación de las cantantes Adelina Agostinelli, Esposito y Garanani, y los cantantes Fernando Carpi,Arrighetti, Vecchioni y Mauceri.

Teatro Bolshói de Moscú.

Argumento Acto I En un paisaje salvaje del Cáucaso, bajo una incesante tormenta, un coro de espíritus infernales invoca al Demonio y le solicita que destruya la creación de Dios. Por su parte, el coro de la

naturaleza suplica que se aparte la tormenta y, poco a poco, se ve aparecer un resplandor de luz en el cielo, alabando las maravillas del creador. El Demonio se persona en la cima de un acantilado y expresa el odio que siente por ese mundo que lo rodea, lleno de humanos débiles e insignificantes; él solo desea destruir la Tierra. De repente, un ángel hace su aparición, e invita a que el Demonio se reconcilie con la obra de Dios. Ante el rechazo de este, el ángel le advierte que no debe tocar nada que sea querido por el cielo. Los dos desaparecen. En la orilla del río Aragva, a un lado de las torres del príncipe Gudal, las jóvenes llenan sus cántaros de agua. La princesa Tamara llega corriendo y se une a sus amigas. Entonces, el Demonio vuelve a presentarse y se sorprende por la belleza de la joven doncella; mientras, la princesa, a pesar de que no puede ver a la siniestra criatura, se siente oprimida por la presencia de algo extraño. Para disipar su angustia, su criada le recuerda que el príncipe Sinodal, con

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TOMANDO NOTAS

La Carmen, en rojo ............................................................ 65

ANÉCDOTAS Y CURIOSIDADES ...................................................

El coro............................................................................... 68

Gaspar Fernández & Alonso de Bonilla: Chanzonetas.............. 72

Concierto para violín y orquesta núm. 2 de Lee Holdridge ■

por Antonio Pardo Larrosa

Más allá del medio, la música es música… Más allá del músico, la música es música… Más allá del foro, la música es música… ¡La música es música!

La moviola Basado en consideraciones meramente subjetivas Utilizando este curioso artefacto ideado por Iwan Serrurier allá por el año 1917, se puede constatar la gran cantidad de músicos cinematográficos que en una u otra época decidieron dar el salto a las salas de conciertos, sacrosantos lugares que solo unos pocos consiguieron conquistar. Como si de un arqueólogo se tratase, la labor de documentación que

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CLAVES

Claves para disfrutar de...

GUÍA DE ORQUESTA Y CORO

DVD............................................................................................................

ENSEÑANZAS MUSICALES |M

ÓPERA

ÓPERA DEL MES

■

Internacional...................................................................... 38 Orquestas ......................................................................... 39 Auditorios.......................................................................... 44 Festivales........................................................................... 46 Noticias ............................................................................ 48

RECOMENDADOS .............................................................................

¿QUÉ QUIERE USTED SABER DE...

Brillant Magnus Quintet? .................................................... 78

cualquiera puede llevar a cabo sobre este particular resulta ser una empresa titánica, de ahí que sea más fácil si se escogen las obras de unos pocos, hecho que ayuda a vislumbrar la escasa presencia que hoy día tienen estas composiciones en las programaciones de los auditorios, teatros y templetes patrios. Esta labor de arqueología doméstica se puede iniciar en la época dorada de Hollywood, años en los que músicos de la talla de Miklos Rozsa, Franz Waxman o 33

Editorial Real y Zarzuela, ¿dos en uno? A mediados del pasado mes de marzo saltaba a la prensa, fruto de una filtración, la noticia de la fusión inminente del Teatro Real y el Teatro de la Zarzuela en una fundación que gestionaría a partir de ahora ambas instituciones. En pocos días las reacciones de los diferentes estamentos del sector se multiplicaron y fueron objeto de noticias, entrevistas y declaraciones por parte de unos y otros en numerosos medios de comunicación, especializados y generalistas. Como Melómano es una revista mensual y este editorial se escribe el viernes 16 de marzo con el fin de que todos ustedes puedan leer la revista el día 1 de abril, la evolución de los acontecimientos para esta fecha podría haber hecho que todo lo que digamos careciera de sentido en el momento de su publicación si nos limitásemos a relatar la actualidad. Por este motivo, creo mucho más prudente aprovechar la ocasión para lanzar algunas preguntas al aire y dar mi opinión sobre lo que sería más beneficioso para los aficionados y para la zarzuela, como género, por encima de los intereses más o menos egoístas de las partes implicadas. A fecha de hoy conocemos, por la asamblea de trabajadores del INAEM y de sus diferentes unidades de producción, la intención de convocar con carácter indefinido una serie de paros parciales estratégicos, en fechas y horarios muy concretos, algo que podría paralizar gran parte de la actividad cultural madrileña de forma muy peligrosa. El presidente del Comité de Empresa del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, Javier Figueroa, manifestó su esperanza de que estas movilizaciones sirvieran para paralizar el proyecto y sentarse a negociar. Pero para que tengan lugar estas conversaciones con el Ministerio, el asunto a tratar no debe ser en ningún caso, en palabras de Figueroa, la forma de traspasar la gestión de La Zarzuela a una fundación, sino cómo mejorar su gestión desde la propia administración pública. El secretario de Estado de Cultura, Fernando Benzo, ha dejado claro que, en su opinión, el Teatro de la Zarzuela no debe ser gestionado por el INAEM, y que su integración en una fundación como la que gestiona el Teatro Real puede beneficiar de forma notoria su funcionamiento. Aun suponiendo que esto fuera cierto, mi primera pregunta es ¿por qué integrarlo en la Fundación del Teatro Real en lugar de crear una fundación específica para La Zarzuela? y ¿a quién beneficia esa integración? El intento de vendernos la imagen de París como modelo a seguir, con la gestión unificada de dos de sus teatros más importantes, me parece sencillamente una gazmoñería provinciana de marca mayor. Ni el hecho de que los parisinos tengan ese modelo lo convierte en bueno, ni, puestos a mirar otros modelos europeos, como el berlinés, podemos afirmar que sea el único que funciona ni que sea más deseable que otro en el que cada institución mantenga su independencia. Es más, mi opinión rotunda al respecto es que es indispensable que cada teatro mantenga sus respectivos equipos intactos. Ni el Real, con Matabosch al frente, ni La Zarzuela, con Daniel Bianco, han conocido momentos más dulces que el actual en su historia reciente. Los logros de cada uno de ellos en su campo de juego respectivo son más que sobresalientes y eso está fuera de toda duda. El solo hecho de que ciertos medios de comunicación hablen de París, con Lissner a la cabeza, pone de punta los pocos pelos que quedan en la mía. A punto de concluir el contrato del afamado más que eficiente Lissner en París, ya se le hace un guiño para que vuelva a aparecer por nuestros pobres teatros líricos.Y me pregunto yo, ¿qué sabe este señor de zarzuela? Y ¿qué sería del Teatro Real y su apuesta por los cantantes españoles con un Lissner al frente? No hubo mayor penuria en este terreno, en todos los años de la nueva era del Real, que cuando otro extranjero se hizo cargo de su dirección artística.Todavía recuerdo estremecido los años del señor Mortier. Cada mochuelo, a su olivo.Y si fuera realmente inevitable la fusión administrativa, si realmente esto sirviera para mejorar la gestión económica de La Zarzuela y sus presupuestos, así como la difusión del género y su refuerzo ante la sociedad española y también fuera de nuestro país, si realmente se respeta el estatus laboral de los trabajadores y se mantiene a cada dirección artística en su lugar, si se aprovecha la situación para mejorar el rendimiento de cuerpos estables obsoletos en su funcionamiento como lo es el Coro del Teatro de la Zarzuela, si se mantienen los precios populares para los ciudadanos que quieren acercarse a nuestro género lírico, si no cunde el ejemplo y el INAEM acaba siendo desmantelado… si todas estas condiciones se dan y sale algo bueno del cambio, Melómano podría llegar a aplaudir la iniciativa. Tan intolerable resulta a mis ojos la imposición de un nuevo modelo para satisfacer oscuros intereses que nunca saldrán a la luz como la defensa a ultranza y la demagogia utilizada por algunos, dando por hecho que cualquier cambio habría de significar una catástrofe, antes de conocer los detalles. La precipitación de los acontecimientos ha sido nefasta en todos los sentidos. Algo así no debería plantearse nunca a mitad de una temporada, sin consultar con todos los implicados y sin asesorarse adecuadamente.Y, si el secretario de Estado se ha asesorado, ya le digo yo que cambie de asesores. ¿Dos en uno?, depende de cómo y cuándo. Pero así, no. Alfonso Carraté M

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ENTREVISTA

ENTREVISTA Joel Prieto,

el tenor mozartiano, y más… ■

por Paz Ramos

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Ganadora del Premio “El Ojo Crítico” de Música Clásica 2017, la compositora catalana Raquel García-Tomás lleva a sus espaldas más de una década de trabajo y experimentación. Aunque comenzó con el piano, pronto empezó a dar muestras de su alma creativa, y empezó a estudiar composición en la Escola Superior de Música de Catalunya. Luego vendrían un máster y su doctorado en el Royal College of Music de Londres, siempre con la investigación como eje vertebrador de su producción. Raquel encuentra en la ópera —la unión de todas las artes— su espacio perfecto de creación, aunque lo combina con encargos para ensembles contemporáneos, instalaciones audiovisuales y obras de cámara. Tiene la agenda cargada de proyectos, que combina con su faceta pedagógica, ya que es profesora de composición aplicada y técnicas de composición en la Escuela Superior del Taller de Músics de Barcelona. Charlamos con ella días después de recibir el “Ojo Crítico” de manos de Guillermo Pastrana y Eduardo Fernández.

¿Cómo te iniciaste en el mundo de la composición? Empecé a estudiar música cuando tenía 10 años en las clases extraescolares del colegio. Al principio no era especialmente buena tocando el piano, al ser zurda no tenía demasiada soltura en la mano derecha, pero siempre tuve mucha curiosidad por analizar partituras y crear mis propias obras. En ese momento no estudiaba composición, sin embargo, esa inquietud siempre se mantuvo y duró hasta finalizar el Grado Medio. Cuando quise hacer las pruebas para el Grado Superior —por aquel entonces la mano derecha ya me iba bien y yo quería ser concertista de piano (risas)— sufrí una tendinitis que me impidió tocar durante dos años. Lo de componer siempre había sido para mí algo paralelo a tocar al piano, algo natural, como aquel que aprende a redactar en el colegio para explicar una historia. Intenté por todos los medios acceder al Superior de piano pero debido a la tendinitis no lo conseguí. Sí que accedí al Superior de Composición, por lo que decidí matricularme para no perder un año de estudio. Así entré en la Escola Superior de Música de Catalunya (ESMUC), al principio con la idea de hacer las pruebas para piano al año siguiente, pero al cabo de unos meses me di cuenta de que tenía más perfil de compositora que de concertista.

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¿Cuándo te diste cuenta de que tus creaciones iban más allá de lo musical? Al empezar mis estudios en la ESMUC tuve un periodo de adaptación, descubrí muchas cosas sobre la música contemporánea y sobre los enfoques personales de los profesores de la escuela. Tuve unos años de aterrizaje, de darme cuenta de dónde estaba. Conseguí afianzar la seguridad en mí misma, aprendí muchísima música y técnica, pero ya tenía la idea de expandirme. Había empezado la carrera de Bellas Artes antes de entrar al Superior, así que crear visualmente y componer para mí eran lo mismo: crear, al fin y al cabo. Siempre lo había tenido todo muy atado en el cerebro, ya que desde pequeña tengo sinestesia, cuando compongo me imagino colores, movimientos, gestos, así que estaba presente todo esto. Cuando acabé cuarto curso decidí dejar el proyecto final para hacerlo al año siguiente, ya que quería estar un año más estudiando con Agustín Charles, y me propuse hacer una ópera. Cogí el libreto de La serva padrona y rehíce toda la música. El proyecto se titulaba La ópera como integración de las artes, en él hacía una comparativa entre el teatro de la commedia dell’arte y la opera buffa de la que partía que me servía para desarrollar la psicología de mis personajes y explorar diversos caracteres y técnicas vocales. En el proyecto, había tanta convivencia de artes que tuve que buscar, aparte

PROMESAS Raquel García-Tomás, más allá del sonido

vidas, hechos y otros asuntos

En el centenario de

Astrid Varnay ■ por

Diego Manuel García

Primeros pasos

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VIDAS Siegfried und Brunnhilde de Charles Ernest Butler, 1909.

impresionar por la presencia de estos grandes cantantes, ni de realizar su debut sin haber ensayado el papel con orquesta junto al resto de los intérpretes. Solamente, la víspera de la representación, había cantado todo su papel acompañada al piano por Erich Leindorf, quien era el encargado de dirigir la representación. En el arrebatado dúo de amor con Siegmund del final del Acto I mostraba sus magníficas condiciones vocales y una intensa capacidad

ÓPERA DEL MES

El Demonio, de Rubinstein

■

por Fabiana Sans Arcílagos @fabianasans

Teatro Bolshói de Moscú.

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ÓPERA

Claves para disfrutar de...

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CLAVES Concierto para violín y orquesta núm. 2 de Lee Holdridge ■

por Antonio Pardo Larrosa

Más allá del medio, la música es música… Más allá del músico, la música es música… Más allá del foro, la música es música… ¡La música es música!

INFORMAR

| AUDITORIOS

Programación para todos los gustos en el Liceu Encabezada por Demon de Anton Rubinstein

bril se presenta con una programación variada y para todos los gustos en el Gran Teatre del Liceu. En el apartado lírico, los días 6 y 8 se representará la ópera Attila de Giuseppe Verdi en versión concierto. Este recital contará con un reparto de lujo, encabezado por el bajo Ildar Abdrazacov, en el que también encontramos a Vasily Ladyuk, Anna Pirozzi, Josep Bros, Josep Fadó e Ivo Stanchev. Los días 23, 26 y 29 se interpretará la obra maestra de Anton Rubinstein, Demon (ver nuestra sección La ópera del mes). Una obra sobre la obsesión amorosa del demonio, con dirección musical de Mikhail Tatarnikov y escénica de Dmitry Bertman. El reparto está encabezado por Alexander Tsymbalyuk (Príncipe Gudal) y Asmik Grigorian (Tamara). Los días 24 y 25 se presenta en el Liceu Josep Pons. Shen Yun que, con su visión artística única, convierte la experiencia teatral en un viaje multidimensional e inspirador a través de

uno de los mayores tesoros de la humanidad: los cinco milenios de cultura tradicional china. Por su parte, el Suite Festival traerá el día 5 los emotivos acordes de la estadounidense Norah Jones, que presentará su nuevo álbum, Day Breaks. Tomará el relevo el sábado 7 Luz Casal, que llegará para deslumbrar con su fuerza y su energía. Pablo López acudirá al teatro barcelonés el día 27, dentro de su gira Santa Libertad, así como Antonio José, que acudirá el próximo día 28. El viernes 20 de abril también conquistará el escenario del Liceu el polifacético Charles Aznavour, nombrado el artista “del Siglo” por la CNN. Tras el éxito de la primera edición, Off Liceu - Diálogos musicales afronta desde el mes de febrero su segunda edición, que se extenderá hasta el mes de junio. El 13 de abril se presentarán la compositora Nuria Núñez, con Sotto l’ombrello delle fantasia (ópera de cámara inspirada en el trabajo del escritor, poeta, periodista y pedagogo Gianni Rodari); Martí Carreras y La Maternidad de Elna, dirigida por Reverté; y Carles Pedragosa con El rapto de Europa. El día 28 el director Josep Pons se pondrá al frente de la Orquesta Sinfónica del Gran Teatre del Liceu, junto a la soprano Jacquelyn Wagner. Se interpretarán las obras Till Eulenspiegels lustige Streiche opus 28, Vier letzte Lieder y Tod und Verklärung opus 24 de Richard Strauss. n

Javier Perianes vuelve al Maestranza La ROSS ofrecerá un concierto especial para inaugurar la Feria de Abril

l Teatro de la Maestranza comienza el mes de abril con un concierto de la Joven Orquesta de Andalucía, que, bajo la batuta de Pedro Halffter, interpretará la Sinfonía núm. 6 en La menor de Mahler. Los días 4 y 5, como parte del didáctico Proyecto Zarza, se llevará a cabo una representación de La Revoltosa de Ruperto Chapí. La dirección musical está a cargo de David Rodríguez, y la dirección escénica de José Luis Arellano. También didáctico, el día 8 se representará una función para familias de La Cenicienta de Rossini. Turno para la danza los días 10 y 11 de abril, con la actuación de la Asociación Andaluza de Compañías y Creadores de Danza Contemporánea, que presenta Vertebración VIII. El día 24, la Dresden Frankfurt Dance Company, con Jacopo Godani como director artístico, representa un programa contemporáneo, con el pianista Svjatoslav Korolev. Los dos conciertos de abono de la Real Orquesta Sinfónica de Sevilla tendrán lugar los días 12 y 13, y el 26 y 27, respectivamente. En el primero, la pianista Victoria Vassilenko interpretará junto a la ROSS el Concierto para piano núm. 1 en Re menor y la Sinfonía núm. 2 en Re mayor de Brahms. Estará dirigido por su titular, John Axelrod. En el segundo, dirigida por Junichi Hirokami,

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la Orquesta acompañará a la soprano Berna Perles y la pianista Tatiana Postnikova para interpretar obras y arias de Mozart y Beethoven. El día 15 la ROSS ofrece un concierto especial con motivo de la Feria de Abril. El programa estará compuesto por obras de Albéniz, Falla, Rafael de León, Manuel López-Quiroga, Antonio Quintero o Ruperto Chapí. Contarán con la dirección de Alfonso Casado y la colaboración especial de la cantante Erika Leiva. El pianista Javier Perianes visitará La Maestranza los días 19 y 20 para interpretar junto a la Sinfónica de Sevilla, con John Axelrod a la batuta, el Concierto para piano núm. 2 en Si bemol mayor de Brahms. El día 28 la ROSS dedicará un programa especial a la figura de Bernstein, con diferentes obras del compositor y director. El mes se cerrará con el concierto de cámara del quinteto de viento Ábrego, que interpretará obras de Bernstein, Carter, Barber y Medaglia. n

INFORMAR

| NOTICIAS

López Cobos fallece a los 78 años en Berlín

El maestro, figura clave en la historia de la dirección en España, falleció a consecuencia de un cáncer

l director Jesús López Cobos, nacido en Toro en 1940, murió el pasado 2 de marzo a los 78 años en Berlín, donde residía, víctima de un cáncer. López Cobos, capaz de extraer toda la sutileza a Mozart, Beethoven o Brahms, fue un director perteneciente a una generación de músicos nacidos en plena posguerra. Su espíritu crítico se afianzó como alumno de Filosofía y Letras en los años 70, cuando se licenció en la Universidad Complutense de Madrid, pero decidió entregarse a la música y formarse como director, junto a Franco Ferrara y Hans Swarowski, y compositor. Dirigió la Ópera de Berlín entre 1981 y 1990, la Sinfónica de Cincinnati y la Orquesta de Cámara de Lausana. Prosiguió su carrera internacional hasta que lo

sedujo un proyecto en el Teatro Real. Quería que la institución fuera dotada de orquesta y coro. Su trabajo se centró en proporcionar flexibilidad a una orquesta poco entrenada en el repertorio operístico. Aunque se había apartado una temporada del género, lo recuperó con vigor y en ese periodo vivió grandes noches y catapultó a grandes estrellas emergentes, jóvenes voces e intérpretes. Tras su salida de Madrid, regresó a España para afrontar alguna hazaña más, como dirigir las nueve sinfonías de Beethoven en el Auditorio Nacional de Música o a la Orquesta Sinfónica de Galicia. Recibió el Premio Príncipe de Asturias en 1981, cuando contaba 41, años y ya figuraba entre los grandes de la historia de la dirección en España. n

Carlos Checa dirigirá “Symphonic Ríos” Una gira sinfónica por España junto al rockero Miguel Ríos

arlos Checa, director de la Orquesta Sinfónica de la discográfica Universal Music, dirigirá a partir del mes de junio una nueva gira sinfónica que lleva por nombre “Symphonic Ríos”, un proyecto que fusiona la orquesta sinfónica con el rock del mítico artista español Miguel Ríos. El proyecto nació el pasado año de la mano del maestro Josep Pons y fue grabado por la Orquesta Sinfónica Ciudad de Granada y los Black Betty Boys. El disco y DVD se han presentado en Madrid junto con el lanzamiento de la gira por destacados festivales y teatros de España. El primer concierto será en Barcelona, el 21 de junio, a este seguirán actuaciones en lugares emblemáticos como el Teatro Real de Madrid, Festival Starlite de Marbella, Salamanca, Valladolid, Sevilla, Valencia, Murcia, Santander, entre otros. El director de orquesta barcelonés actualmente combina la dirección titular y artística de la Jove Orquestra Simfònica de Barcelona (JOSB) —orquesta formada por jóvenes valores de la música que con el apoyo del Ayuntamiento de Barcelona y otras entidades privadas, que desarrolla un proyecto educativo, social y cultural, en el marco de una temporada estable de música clásica desde el año 2015—

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con la dirección musical, desde noviembre de 2016, de la Orquesta Sinfónica de la prestigiosa discográfica Universal Music. De su trayectoria profesional destaca su salto a la escena internacional en China, en 2005, dirigiendo la City Chamber Orchestra de Hong Kong. En 2009 debutó con excelentes críticas al frente de la Royal Philharmonic Orchestra de Londres y, por invitación personal del maestro Gustavo Dudamel, en mayo de 2014 hizo su debut en Venezuela en “El Sistema”. Ha dirigido la Wroclaw Phliharmonic, Pomeranian Philharmonic de Bydgoszcz (Polonia), muchas de las orquestas sinfónicas españolas como la ORTVE, Real Filharmonía de Galicia, sinfónicas de Tenerife, Extremadura, Córdoba, Murcia o Baleares, entre otras, y numerosas formaciones en América. Checa ha dirigido también estrenos sinfónicos de compositores españoles como Paco Toledo, Andrés Valero o Albert Carbonell y en el terreno de la ópera ha cosechado éxitos con La flauta mágica de Mozart y el Pequeño deshollinador de Britten. Ha dirigido también proyectos sinfónicos con artistas como Isabel Pantoja. n

LA MÚSICA EN EL CINE Título: Predator Director: John McTiernan Música: Alan Silvestri

El descubrimiento de la amenaza odo gran descubrimiento implica un gran conflicto, y en ocasiones, una amenaza que en Predator, imagen de una inteligencia superior y desconocida, se presenta al público de una manera hostil. Esta cosa o idea que constituye una posible causa de riesgo o perjuicio para alguien o algo ha sido utilizada a lo largo de las décadas como leitmotiv principal de algunas de las producciones cinematográficas más taquilleras —cantidad y calidad no siempre van de la mano— de la promiscua cartelera de cine norteamericana. Películas tan significativas e importantes dentro del género de la ciencia ficción como Alien (Ridley Scott, 1979), The Thing (John Carpenter, 1982) o War of the worlds (Steven Spielberg, 2005) ahondan en esta idea, donde la amenaza articula los entresijos de la historia presentando al protagonista principal de una manera indeterminada, definida más por la ausencia que por la presencia. Esto que a priori puede parecer un galimatías no lo es tanto si este leitmotiv se criba a través de la música, condición sine qua non para que estas puedan desarrollarse por sí mismas dentro de la trama argumental, pero vayamos por partes. Si hay una característica común a todas ellas esa es la de introducir un elemento diferenciador que personifica dicha amenaza a través de la música. Ese rasgo, único e irrepetible, tiene la particularidad de anticipar la amenaza a la presencia de la misma, es decir, se asume que esta —suele ser un leitmotiv sencillo y directo— representa a ese algo que está por llegar condicionando la respuesta del espectador, sujeto activo de la acción. Si en Alien fue la imaginación de Goldsmith la que dio vida a ese ser de otro planeta, y en The Thing,

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Predator fue la originalidad de Morricone quien hizo lo propio; en Predator, la responsabilidad de tan magno proyecto recayó sobre Alan Silvestri, músico que supo entender la responsabilidad —reflexionar, administrar, orientar, analizar y valorar— que suponía traducir en música la idea de esta amenaza, compromiso que el músico solventó con oficio escribiendo uno de los scores de acción más interesantes e intensos del cine moderno. Puede, y esto es solo una conjetura basada en la experiencia, que Predator sea, junto a Alien del malogrado James Horner y Outbreak del camaleónico James Newton Howard, la obra más intensa de cuantas se han escrito para este género que hoy día no atraviesa por su mejor momento, en parte debido a la feroz industrialización que ha sufrido la música en los últimos años; pero eso es harina de otro costal. Tomando como cierta la idea que entendía esa amenaza como el leitmotiv principal, se distinguen en la partitura de Predator dos o tres temas más que completan la visión general de la obra. El primero, genérico y descriptivo, dedicado a la criatura —Yautja, cazador de trofeos humanos—, tiene escasa incidencia narrativa a lo largo del metraje; y el segundo, marcial y explicativo, dedicado al protagonista principal y su sanguinario grupo de mercenarios, es el que contextualiza la naturaleza y procedencia de dicho grupo. Huelga decir que de todos ellos es el dedicado a la amenaza el que explica y mantiene con más rigor la intensidad, jugando con la percepción del espectador, que queda atrapada en ese discurso de contrarios —ausencia/presencia— que da sentido al primer leitmotiv de la partitura. Podría decirse, salvando las distancias, que este recurso narrativo basado en la ausencia/presencia se asemeja al que se utiliza para musicalizar a los superhéroes del cómic —Superman (1978)—, que utilizan cuatro o cinco notas para anticipar su presencia: “[…] Suena y no hace falta la comparecencia del superhéroe para saber que este va a aparecer”. Es en este sentido

donde se desarrolla la melodía de Silvestri, unas cuantas notas atrapadas en los metales que anticipan la presencia de la amenaza alienígena. La escena inicial con la llegada del protagonista en helicóptero a Centroamérica —Main title—, y la preparación de la trampa final —Dutch builds trap—, son dos ejemplos que muestran esa manera tan inteligente de narrar la historia. El cazador cazado A diferencia de lo que cabría esperar, Silvestri no adjudica un leitmotiv definido al Yautja, como suele ser costumbre, una idea sencilla y directa que lo defina dentro de la propia historia como héroe o anti-héroe elevándolo a la categoría de protagonista —idea que sí le otorga al concepto de la amenaza—, sino que le concede un trato secundario mostrando a través de la cuerda —Predator— su alienígena procedencia. Utilizando una textura bastante similar a la que después desarrollaría en Abyss —James Cameron (1989)—, el músico compone una breve sinfonía espacial que tiene escasa presencia en la película pero que sirve para contar de la mejor manera posible el principio de la historia. Este sencillo leitmotiv tiene su primera aparición al comienzo de la película cuando el Predator llega en su nave espacial al planeta tierra, escena que nos descubre —al espectador en oposición a los protagonistas— la existencia del Yautja. Esta secuencia tiene su continuación tiempo

■ Texto: Sofía M. Gascón Ilustración: Iciar L. Yllera

TOMANDO NOTAS

La Carmen, en rojo Tras el inmenso ventanal de la suite del Hotel Reina Sofía, una melodía araña sus paredes. Algo ocurre. Se escuchan burbujas estallar en el cielo del agua de esa rebosante bañera de cristal, y en el salón, una botella de champán se desperdicia sobre la alfombra. Aún se escucha cómo traga aire por última vez. Un vestido yace, deshecho en el suelo, y el perfume caliente del jabón del baño llena la habitación de lavanda. Mientras, en el salón, unas rosas arden llenas de rojo.Y en el dormitorio, unos susurros deshilachan ese puzle perfecto de silencio y de quietud. —Ya está, tranquila. Tranquila mi amor. Todo va a salir bien. Mírate, estás preciosa. Nunca te había visto tan resplandeciente como hoy, ¿sabías? Pareces un ángel, así, tan quieta y calladita… Oh, mi amor, no me mires así. Ya sabes que lo he hecho por nosotros, por ti ¿No lo ves? Ella también arde de rojo. —Tenías razón. Así, de rojo, estás mejor. Siempre te ha favorecido. Eres tan

pálida y angelical, que el rojo pasión te contrasta. Te da carácter, ¿entiendes? Oh, mi amor. Te quiero tanto… ¿Tú también me quieres a mí, verdad? —Sonríe—. Ven anda, abrázame. El líquido aún caliente que recubre su cuerpo, la hace resbalar entre sus manos. —Jajaja. Ay, cielo. Pareces un pescadito. La cama, deshecha de besos, aún palpita roja y blanca. —Dios, es que… Estoy tan enamorado de ti… ¿Lo sabes, no? Desde el día en que te vi, toda pizpireta, llenita entera de inocencia. A veces te portabas mal conmigo, pero ahora los dos hemos aprendido a querernos y a respetarnos, ¿verdad? Hay veces que a uno le resulta difícil comprender que la persona que tiene ante sus ojos es el amor de su vida.Y tú… eres tan niña, que te daba miedo dejarte querer, ¿verdad? Ay, mi niña… Ahora ya no hay por qué preocuparse, mi amor. Formaremos una familia, tú y yo juntos. Viviremos en

una casa en el campo, sin nadie que nos moleste, y seremos felices para siempre. Sonríe y acaricia su pelo lacio color cobre, sus manos lacias color claro, sus mulsos lacios estrellados, y le deposita cuidadoso un beso en cada ojo, llenos de noche, repletos de luna. —Ven, vamos a darnos un baño juntos, ¿quieres? Ya he preparado la bañera, como a ti te gusta.Vamos, te llevaré en brazos. Un reguero les acompaña, sinuoso, sobre la moqueta de la habitación, sobre la alfombra del salón, y finalmente llega hasta el marmolado suelo del baño. —Entra tú primero, que te estás quedando helada, mi vida. Yo mientras, voy poniendo la música. —Oh, la Carmen me retrotrae tanto a nuestros inicios. ¿A ti no te encanta? La bañera se tiñe de rojo opaco, y tal vez por la música o tal vez por la esperanza, un aleteo aún consigue hacer palpitar el agua. ■ 65

GUÍA DE ORQUESTA Y CORO

El coro ■

por Javier Corcuera, director titular del Coro RTVE

ay varios tipos de coro, se pueden hacer distintas clasificaciones. En base a sus componentes: coro de niños, jóvenes, adultos; coros de voces iguales o mixtas. Según su tamaño: coro de cámara, orfeón, etc. Atendiendo al repertorio que cantan: coro lírico, sinfónico, música antigua. etc. Además, hay coros amateurs y coros profesionales. El Coro RTVE es una agrupación profesional sinfónico-coral, aunque también interpreta repertorio a capela o con agrupaciones de cámara. Es el decano de los coros profesionales en España. Fue fundado en 1950 con el nombre de Los

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Cantores Clásicos, denominándose posteriormente Coro de Radio Nacional de España. En relación con la orquesta, lo que distingue al coro es el timbre que aporta el coro al conjunto, el de la voz humana, potenciado gracias al trabajo conjunto, al empaste de las voces. Además, el coro añade un elemento más a la música: el texto. El coro suele ubicarse detrás de la orquesta y en la colocación más tradicional, las mujeres se sitúan delante y los hombres detrás; voces agudas (sopranos y tenores) a la izquierda del director y las graves (contraltos y bajos) a su derecha,

de la misma manera que la sección de cuerda. La voz como instrumento musical En Bilbao, como en todo el País Vasco, hay mucha tradición coral y de cantar en general, algo con lo que he disfrutado desde que tengo memoria. Al poco de empezar mis estudios musicales entré a cantar en un coro de niños, luego de jóvenes, adultos, etc. y creo que siempre tuve claro que iba a estudiar canto. Toda esta trayectoria coral me llenó a su vez de inquietud por estudiar dirección y poder asumir la responsabilidad de la interpretación.

¿QUÉ QUIERE USTED SABER DE...

Brillant Magnus Quintet tiene catorce años de historia, ¿cómo comenzaron su andadura? La historia del Brillant Magnus es una historia de amor y amistad. Hace más de veinte años que hicimos nuestro primer grupo de trompetas y percusión que resultaría ser el germen del actual quinteto. Jugábamos a ser intérpretes y teníamos muchas ganas de abrirnos camino en el mundo de la

música, pero, sobre todo, manteníamos una amistad profunda y una admiración plena entre todos los componentes. Pasábamos horas estudiando, hablando de música, disfrutando de la compañía. La base de este grupo fueron las trompetas y la percusión, pero muy pronto llegó el órgano (y el piano) para conformar la composición que actualmente tiene el grupo. El primer concierto que ofrecimos fue para doscientos directores de banca. Ellos no sabían nada de Britten o Zelenka y nosotros no sabíamos nada ni de banca, ni de economía de medios, ni de cómo tratar al público. Después de ese concierto dimos varios más para Juventudes Musicales y dimos tantos para otros ciclos que nos expedientaron en el propio conservatorio. De sus ganas de echarnos salió nuestra firme decisión de dedicarnos a esto. Engordábamos con la idea de pensar que los catedráticos de un conservatorio se reunían para hablar de nosotros. La plantilla del quinteto es bastante particular (tres trompetas, órgano (piano) y percusión), ¿de dónde surgió esta idea? No existe una idea definida, es una evolución. El Brillant Magnus fue en origen un grupo en el que podían tocar tres, cuatro y hasta cinco trompetas, dos percusionistas, una soprano, un trombón… Poco a poco fuimos descubriendo las posibilidades sonoras, las texturas, los gustos individuales. En el BMQ todo ha fluido hasta ahora sin necesidad de etiquetarlo. De los gustos individuales, de la manera de afrontar la interpretación, de la manera de sentir el hecho musical se produjo una selección natural que permitió definir el grupo con la plantilla estable de tres trompetas, órgano (piano) y percusión. Descubrimos que teníamos todo lo necesario para pasarlo muy bien. ¿Cómo recibe el público esta sonoridad tan distinta? Con sorpresa y agrado. Siempre hemos tenido muy buena acogida de público en nuestros conciertos con órgano, agotando entradas, arrancando aplausos en lugares a priori muy difíciles. La diferencia de este grupo con respecto a otros la

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Entrevista a sus componentes Alejandro y Nacho Lozano, Luis Martínez, Carlos Hugo Paterson y Eva María Sánchez

PRÓXIMO NÚMERO | MAYO 2018

EN PORTADA ■ .Entrevista Cristóbal Soler por Paz Ramos

■ . Claves para disfrutar de... La Sinfonía núm. 39 de Mozart por José Ramón Tapia

■ . Ópera del mes Street Scene de Kurt Weill por Fabiana Sans Arcílagos

■ . Claroscuros Géneros y especialidades

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por Tomás Marco

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