Русская галерея by Игорь Чуриков

СОДЕРЖАНИЕ/CONTENTS

Новости искусства Art news 04

Решение высокого жюри Ежегодного всероссийского конкурса о присуждении Национальной премии в области современного изобразительного и декоративного искусства России «Русская галерея — XXI век» за 2009 год Decision of All-Russian Competition High Jury to award 2009 «Russian Gallery — XXI Century» National Prize for Russian Contemporary Fine and Decorative Art

Золотая медаль Национальной премии в области современного изобразительного и декоративного искусства России «Русская галерея — XXI век» вручена народному художнику СССР, Президенту Российской академии художеств З.К. Церетели. Gold Medal of «Russian Gallery — XXI Century» National Prize for Russian Contemporary Fine and Decorative Art Bestowed on Z.K. Tsereteli, People’s Artist of the USSR and President of the Russian Academy of Arts

Слово о Зурабе Церетели A Word on Zurab Tsereteli

10 22 24 26 28 30 31 32 34

Зураб Церетели / Zurab Tsereteli Константин Трапицын / Konstantin Trapitsyn Валерий Филиппов / Valery Philippov Николай Шиняев / Nickolay Shinyaev Валерий Шиляев / Valeriy Shilyaev Александр Масловский / Aleksandr Maslovsky Михаил Бусев / Mikhail Busev Владимир Заборовский / Vladimir Zabarovskiy Надо помогать! Help Needed!

СОДЕРЖАНИЕ/CONTENTS

«ЦДХ — 2010. Большое в малом» «Central House of Artists — 2010. The Big in the Small»

Персональная художественная выставка Алексея Зуева «Графика» Alexei Zuyev’s Personal Art Show «Graphics»

Групповая выставка «Современный реализм» «Contemporary Realism» Group Exhibition

Премия Кандинского KandinskyPrize

Выстояли и победили! They Stayed it Out and Won!

Художники — ветераны Великой Отечественной войны Veteran artists Great Patriotic War Б.М. Неменский / B.M. Nemenskiy В.Н. Корбаков / V.N. Korbakov В.И. Переяславец / V.I. Pereyaslavets А.П. Белых / A.P. Belykh С.П. Ткачев / S.P. Tkachev

«Мы помним…». Тема войны в современном искусстве «We remember…». А war theme in the modern art A.A. Клюев/ A.A. Klyuyev Е.И. Щербинин / E.I. Shcherbinin Е.А. Ткачева / E.A. Tkacheva Л.А. Давыдова / L.A. Davydova Е.А. Корнеев / E.A. Korneev А.Н. Ковальчук / A.N. Kovalchuk В.И. Кошелев / V.I. Koshelev

Живопись Painting 66

Мастер цвета. Василий Птюхин Colour Master. Vasiliy Ptyukhin

Мифотворчество Cергея Полякова Myth Creation by Sergey Polyakov

Художник и муза. Максим Наумов Artist and Muse. Maxim Naumov

СОДЕРЖАНИЕ/CONTENTS

Русские просторы Тамары Харченко Russian Expanses by Tamara Kharchenko

Ритмы города Наталии Новиковой City Rhythms by Natalia Novikova

Символ и образ Владимира Симонова Vladimir Simonov’s Symbols and Images

Неожиданное из привычного. Александр Шалагин From the Habitual to the Unexpected. Aleksandr Shalagin

Не останавливаться на достигнутом. Владимир Козьмин Never Rest on Your Laurels. Vladimir Kozmin

100

Мастер гобелена. Елена Галактионова Gobelin Master. Elena Galaktionova

104

Дорога в Раифу. Владимир Савельев Way to Raifa. Vladimir Savelyev

Школа юного художника School of the Young Artist 108

Две судьбы одного художника. Бочаров Михаил Ильич One Artist’s Two Fates. Mikhail Ilyich Bocharov

110

Классик советского авангарда. Валерий Иванович Доррер Soviet Avant-Garde Classic. Valeriy Ivanovich Dorrer

112 116 118

Группа «Наби» / Nabi Group Имприматура / Imprimatura Как защитить холст от внешних воздействий Ways to protect canvases against environmental factors

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

РЕШЕНИЕ ВЫСОКОГО ЖЮРИ ЕЖЕГОДНОГО ВСЕРОССИЙСКОГО КОНКУРСА О ПРИСУЖДЕНИИ НАЦИОНАЛЬНОЙ ПРЕМИИ В ОБЛАСТИ СОВРЕМЕННОГО ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО И ДЕКОРАТИВНОГО ИСКУССТВА РОССИИ «РУССКАЯ ГАЛЕРЕЯ — XXI ВЕК» ЗА 2009 ГОД DECISION OF ALL-RUSSIAN COMPETITION HIGH JURY TO AWARD 2009 «RUSSIAN GALLERY — XXI CENTURY» NATIONAL PRIZE FOR RUSSIAN CONTEMPORARY FINE AND DECORATIVE ART 1. В номинации «За выдающиеся заслуги в развитии современного искусства России» Золотая медаль присуждена Президенту Российской академии художеств, академику-секретарю Отделения дизайна — Действительному члену, Герою Социалистического Труда, народному художнику СССР, Грузинской ССР и Российской Федерации, лауреату Ленинской премии, Государственных премий СССР (2 премии) и Государственной премии Российской Федерации, профессору, президенту Международного центра дизайна, Международной академии информатизации, Московского отделения Международного фонда содействия ЮНЕСКО; Послу доброй воли ЮНЕСКО, члену-корреспонденту Академии изящных искусств Франции, академику, члену-корреспонденту Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо (Испания), кавалеру Ордена Почетного легиона Франции, действительному члену Академии Кыргызской Республики Церетели Зурабу Константиновичу.

2. В Номинации «Портрет» За работу «Шах» (Портрет художника Н. Сивенкова) и серию портретов серебряная медаль присуждена живописцу, члену Союза художников России Трапицыну Константину Николаевичу (г. Сочи).

3. В номинации «Жанровая живопись» За серию работ, посвященных жизни российского села, взаимоотношениям человека и природы серебряная ме-

1. In the category: For great contribution to Russian contemporary art development Gold medal has been awarded to Zurab Konstantinovich Tsereteli, President of Russian Arts Academy, Secretary Academician of Design Department — its current member, Hero of Socialist Labour, People’s Artist of the USSR, Georgian SSR, and the Russian Federation, Laureate of Lenin Prize, State Prizes of the USSR (2 prizes) and the State Prize of the Russian Federation, Professor, President of the International Design Centre, International Academy of Informatization, and Moscow Branch of UNESCO Assisting Fund, UNESCO Goodwill Ambassador, Corresponding Member of the Academy of Fine Arts in France, Corresponding Member and Academician of the Royal Academy of Fine Arts in San Fernando (Spain), and Current Member of The Academy of Kyrgyz Republic.

2. In the category: Portrait The silver medal has been awarded to Konstantin Nikolayevich Trapitsyn (Sochi) for his «Shah» painting (Portrait of N. Sivenkov, the Painter) and a series of portraits.

3. In the category: Genre painting The silver medal has been awarded to the painter Valeriy Mikhailovich Philippov (Tolyatti), Honoured Artist of the Russian Federation, member of the Union of Russian Artists, and a member of the board of Tolyatti Branch of the Union of Russian Artists, for a series of works dedicated to life of Russian countryside and human relationships.

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

даль присуждена живописцу, заслуженному художнику Российской Федерации, члену Союза художников России, члену правления Тольяттинского отделения СХР Филиппову Валерию Михайловичу (г. Тольятти).

4. В номинации «Духовная живопись» За серию работ на библейские сюжеты серебряная медаль присуждена живописцу, художнику-монументалисту, члену Союза художников России, члену правления Оренбургского отделения СХР Масловскому Александру Васильевичу (г. Оренбург).

5. В номинации «За развитие традиционного национального искусства народов России» За серию работ, посвященной жизни калмыцкого народа и верность национальным традициям, серебряная медаль присуждена живописцу, заслуженному художнику России, заслуженному деятелю искусств Калмыкии, члену Союза художников России, председателю правления ТСХ России Шиняеву Николаю Улановичу (г. Элиста).

6. В номинации «Марина (морской жанр)» За масштабный цикл, посвященный истории Российского военно-морского флота и освоению Дальнего Востока серебряная медаль присуждена художнику-маринисту, члену Союза художников России, лауреату Почетного знака Государственной Думы России Шиляеву Валерию Ивановичу (Приморский край, поселок Преображение).

7. В номинации «Искусствознание. Критика. Теория» За серию сборников «Искусство в современном мире» и большой вклад в искусствоведческую науку серебряная медаль присуждена заместителю директора по науке НИИ теории и истории изобразительных искусств Российской академии художеств, кандидату искусствоведения, членукорреспонденту РАХ, члену Президиума РАХ Бусеву Михаилу Алексеевичу (г. Москва).

8. Специальная премия «За выдающийся вклад в организацию выставочной деятельности по пропаганде изобразительного искусства России» Cеребряная медаль присуждена директору Центрального музея Великой Отечественной войны 1941—1945 гг., генерал-лейтенанту запаса, академику Международной академии духовного единства народов мира Забаровскому Владимиру Ивановичу.

Председатель жюри Ежегодного всероссийского конкурса на присуждение Национальной премии в области современного изобразительного и декоративного искусства России «Русская галерея — XXI век», народный художник России, профессор, первый секретарь Союза художников России Н.И. Боровской.

4. In the category: Spiritual painting The silver medal has been awarded to Aleksandr Vasilyevich Maslovsky (Orenburg), painter, monumental artist, member of the Union of Russian Artists, and a member of the board of Orenburg Branch of the Union of Russian Artists, for a series of works dedicated to biblical plots.

5. In the category: For development of traditional national art of Russian peoples The silver medal has been awarded to Nickolay Ulanovich Shinyaev (Elista), painter, Honoured Artist of Russia, Honoured Art Figure of Kalmykia, member of the Union of Russian Artists, and Chairman of the board of the Creative Union of Russian Artists for a series of works dedicated to life of Kalmyk people and adhesion to national traditions.

6. In the category: Marine (marine genre) The silver medal has been awarded to Valeriy Ivanovich Shilyaev (Primorskiy Region, Preobrazhenie Village), marine painter, member of the Union of Russian Artists, and a Laureate of the Badge of Honour of Russian State Duma, for a scale cycle dedicated to the history of Russian Navy and reclamation of the Far East.

7. In the category: Art History. Criticism. Theory. The silver medal has been awarded to Mikhail Alexeevich Busev (Moscow), Vice Research Director of Research Institute of Theory and History of Fine Arts of Russian Arts Academy, Ph. D. in art history, Corresponding Member of Russian Arts Academy, and a member of the Presidium of Russian Arts Academy

8. Special Prize for great contribution to arrangement of exhibitions to popularize Russian fine art The silver medal has been awarded to Vladimir Ivanovich Zabarovskiy, director of the Central Museum of the Great Patriotic War 1941—1945, retired lieutenant-general, and an Academician of the International Academy of Spiritual Unity of Peoples of the World.

N.I. Borovskoy, Chairman of the Jury of Annual AllRussian Competition to award «Russian Gallery — XXI Century» National Prize for Russian Contemporary Fine and Decorative Art, People’s Artist of Russia, Professor, First Secretary of the Board of the Union of Russian Artists

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

ЗОЛОТАЯ МЕДАЛЬ НАЦИОНАЛЬНОЙ ПРЕМИИ В ОБЛАСТИ СОВРЕМЕННОГО ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОГО И ДЕКОРАТИВНОГО ИСКУССТВА РОССИИ «РУССКАЯ ГАЛЕРЕЯ — XXI ВЕК» ВРУЧЕНА НАРОДНОМУ ХУДОЖНИКУ СССР, ПРЕЗИДЕНТУ РОССИЙСКОЙ АКАДЕМИИ ХУДОЖЕСТВ З.К. ЦЕРЕТЕЛИ GOLD MEDAL OF «RUSSIAN GALLERY — XXI CENTURY» NATIONAL PRIZE FOR RUSSIAN CONTEMPORARY FINE AND DECORATIVE ART BESTOWED ON Z.K. TSERETELI, PEOPLE’S ARTIST OF THE USSR AND PRESIDENT OF THE RUSSIAN ACADEMY OF ARTS Шестого апреля в Белом зале Российской академии художеств (Москва, ул. Пречистенка, д. 21) золотой медалью и званием лауреата Национальной премии в области современного изобразительного и декоративного искусства России «Русская галерея — XXI век» за выдающиеся заслуги в развитии современного изобразительного искусства России был удостоен народный художник СССР, Президент Российской академии художеств Зураб Константинович Церетели. Награду вручал председатель жюри конкурса, народный художник России, профессор, первый секретарь Союза художников России Николай Иванович Боровской. Церемония награждения лауреатов Национальной премии в области современного изобразительного и декоративного искусства России «Русская галерея — XXI век» за 2009 год серебряными медалями состоится 18 мая 2010 года в выставочном пространстве музея Великой Отечественной войны 1941—1945 гг. на Поклонной горе.

2. Председатель жюри конкурса, народный художник России, первый секретарь Союза художников России Н.И. Боровской вручает золотую медаль лауреата Национальной премии в области современного изобразительного и декоративного искусства России «Русская галерея — XXI век» в номинации «За выдающиеся заслуги в развитии современного изобразительного искусства России» народному художнику СССР, Президенту Российской академии художеств Зурабу Константиновичу Церетели N.I. Borovskoy, Chairman of the Jury of the Competition, People’s Artist of Russia, and the First Secretary of the board of the Union of Artists of Russia, bestowing a gold medal of «Russian Gallery — XXI Century» National Prize for Russian Contemporary Fine and Decorative Art in the category For Great Contribution to Development of Russian Contemporary Fine Art on Zurab Konstantinovich Tsereteli, People’s Artist of the USSR and President of the Russian Academy of Arts.

1. Лауреат золотой медали Национальной премии в области современного изобразительного и декоративного искусства России «Русская галерея — XXI век», народный художник СССР, Президент Российской академии художеств З.К. Церетели с сотрудниками Некоммерческого фонда содействия развитию национальной культуры и искусства России и председателем жюри конкурса, народным художником России, первым секретарем Союза художников России Н.И. Боровским The laureate of a gold medal of «Russian Gallery — XXI Century» National Prize for Russian Contemporary Fine and Decorative Art Z. K. Tsereteli, People’s Artist of the USSR and President of the Russian Academy of Arts, surrounded by employees of Non-Commercial Trust of Assistance to Development of Russian National Culture and Art, and N. I. Borovskoy, Chairman of the Jury of the Competition, People’s Artist of Russia, and the First Secretary of the board of the Union of Artists of Russia

On 6 April the White Hall of the Russian Academy of Arts (Moscow, Prechistenka Ul., 21) welcomed the ceremony to award Zurab Konstantinovich Tsereteli, People’s Artist of the USSR and President of the Russian Academy of Arts, with a gold medal and the title of a laureate of «Russian Gallery — XXI Century» National Prize for Russian Contemporary Fine and Decorative Art for eminence in development of Russian contemporary fine art. The award was bestowed by Professor Nickolay Ivanovich Borovskoy, Chairman of the Jury of the Competition, People’s Artist of Russia, and the First Secretary of the board of the Union of Artists of Russia. The ceremony to award 2009 laureates of «Russian Gallery — XXI Century» National Prize for Russian Contemporary Fine and Decorative Art with silver medals will be held in exhibition space of a museum of the Great Patriotic War 1941—1945 on a grief Poklonnoj at the 18 May 2010.

на правах рекламы

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

СЛОВО О ЗУРАБЕ ЦЕРЕТЕЛИ A WORD ON ZURAB TSERETELI Решением Высокого жюри Национальной премии в области современного изобразительного и декоративного искусства России «Русская галерея — XXI век» большая золотая медаль лауреата премии 2009 года присуждена народному художнику СССР и России, академику и Президенту Российской академии художеств Зурабу Константиновичу Церетели за выдающиеся заслуги в развитии современного искусства России. Церетели — всемирно известный творец, по степени известности, думаю, он один такой в мире. Проведите эксперимент (а я его проводил): назовите трех самых выдающихся, по вашему мнению, художников и скульпторов России из числа ныне живущих и спросите у случайного прохожего, знает ли он их. К большому сожалению, не знает никто и никого! Никого, кроме Церетели! И ведь не то, чтобы он проводил какие-то PR-акции, «подогревал» интерес к себе и своим работам. Ничего подобного. Другое дело, что плоды его творчества крайне интересны и журналистам, и простым людям. Почему? Я не искусствовед, поэтому просто расскажу три истории из жизни моей семьи. История первая. Лет десять назад мы с семьей — моя жена Лариса, мой младший сын Григорий и тесть Владимир Григорьевич — гуляли на Поклонной горе в центре Москвы, где (если кто не знает) расположен огромный Мемориал, посвященный Победе в Великой Отечественной войне 1941—1945 гг. Мы пришли туда впервые. Григорий залезал на танки и пушки тех времен, установленные вдоль дорожек, тесть осматривал Центральный музей Великой Отечественной войны, ну а затем мы пошли перекусить у одного из павильонов, расположенных при входе в Мемориал. Отовсюду была видна статуя древнегреческой богини Победы — Ники, вознесенная на 141,8 метра (по десять сантиметров за каждый день войны) в небеса неким подобием солдатского штыка, вздымавшегося из земли. Мой тесть — участник той войны, добровольцем ушедший на фронт, много раз раненый в боях, инвалид войны, кавалер многих орденов и медалей, артиллерист. Из любопытства я спросил у него: «Что Вы скажете о памятнике, Владимир Григорьевич?». — Кирилл, — сказал мне тесть, ветеран Великой войны, — это просто здорово — и памятник, и парк, и музей! — Помолчал и добавил: «А обелиск очень необычный. И большой, и легкий». Потом мы гуляли по Парку Победы, а когда уходили, богиня Победы как будто провожала ветерана долгим и пристальным взглядом. История вторая. Когда немного улеглись страсти по поводу памятника Петру Первому работы Зураба Церетели, мы с супругой поехали на берег Москвы-реки, где установлен этот монумент. Сначала подошли к нему со стороны Крымской набережной — почти к самому основанию. Памятник поражал! Это был настоящий колосс: голова Петра уходила куда-то под облака, гигантская рука мощно сжимала огромный штурвал корабля. Было пасмурно, накрапывал дождь. Вдруг показалось, что мы с Ларисой в Балтийском море, и корабль плывет...

As per decision of the High Jury of «Russian Gallery — XXI Century» National Prize for Russian Contemporary Fine and Decorative Art the large gold medal of 2009 laureate of the Prize has been awarded to Zurab Konstantinovich Tsereteli, People’s Artist of the USSR and Russia, academician, and President of the Russian Academy of Arts, for eminence in development of Russian contemporary art. Tsereteli is an internationally acclaimed creator. To me, his fame makes him unique in the country. Try an experiment (I have): name three currently living artists and sculptors from Russia you consider the most distinguished and then ask a passer-by, whether he knows them. Sadly, nobody knows any of them except Tsereteli! Not but that he carried out any advertising campaigns or fuelled interest in him or his works. It is no such matter. It is another matter that fruits of his art seem extremely interesting to both journalists and general public. Why? I am not an arts critic, so I will just share three stories of my family life. Story one. Ten years ago my family including my wife Larisa, my younger son Grigoriy and father-in-law Vladimir Grigoryevich, and I strolled along Poklonnaya Gora (Poklannaya Mountain) in the centre of Moscow, where (for those who might not know) a huge Memorial dedicated to the Victory in the Great Patriotic War of the 1941— 1945s is located. It was the first time that we went there. Grigoriy climbed war-time tanks and cannons located along alleys, my father-in-law saw over the Central Museum of the Great Patriotic War, and then we all went to have lunch at one of the pavilions arranged at the entry to the Memorial. From every side we could see the statue dedicated to Nike, ancient Greek Goddess of Victory, rising 141.8 meters high (every ten centimeters for each war day) into the sky as a soldier’s bayonet shooting out of the ground. My father-in-law is a veteran of the war. He volunteered to go to the front and suffered multiple wounds. He is a disabled veteran, holder of numerous orders and medals, and an artillerist. Out of curiosity I asked him: «What do you think of the monument, Vladimir Grigoryevich»? «Kirill», — my father-in-law, veteran of the Great War replied — «It is all just great — the monument, the park, and the museum». He then went quiet for a moment and added: «And the obelisk is very unusual. It is big and light at the same time». We then walked around the Victory Park, and when we were leaving the Goddess of Victory seemed to gaze after the veteran long and intently. Story two. When the dust settled after all the disputes over the monument dedicated to Peter the Great by Zurab Tsereteli, my wife and I went to the bank of the Moscow River, where the monument had been put up. We first came up to it from Krymskaya Quay - almost to its very basement. The monument looked stunning! It seemed a true colossus: Peter’s head was somewhere in the clouds, the gigantic hand squeezed the huge steering wheel. It was a dull day, gentle rain dropped. It sud-

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

Потом мы перешли по Крымскому мосту на другую сторону Москвы-реки, прошли по набережной и остановились напротив бронзового Петра. ...Возвышаясь над огромным Президент-Отелем, над заводскими корпусами на берегу Москвы-реки, упираясь мачтой в пасмурное московское небо, Петр всё так же уверенно и мощно держал в могучих руках штурвал корабля. Я спросил у жены: «Ну, как тебе?». Она подумала и ответила: «Мне нравится». За двадцать прожитых вместе к этому времени лет Лариса ни разу не сказала даже мне, что я ей нравлюсь. Так что в устах моей сдержанной на эмоции супруги это было сильной оценкой творения Церетели. История третья. В самом центре нашей столицы, под стенами Кремля, расположилась Манежная площадь. Свое название она получила по Манежу — зданию для занятий конной выездкой, построенному в начале XIX века, которое и находится на этой площади. Сегодня Манеж — это огромный выставочный зал. Несколько лет назад в подземном пространстве площади разместили торгово-культурный центр, а саму площадь украсили фонтанами с симпатичными скульптурами — героями русских сказок. Рядом с площадью находится Александровский сад — излюбленное место прогулок москвичей — от детишек до пенсионеров, и эти скульптуры и фонтаны пришлись им по душе. Как-то пришел посмотреть на эти скульптуры и я. Не доев булку, купленную в киоске неподалеку, я решил подкормить птичек, усевшихся у подножия скульптуры «Медведь-рыболов», где огромный мишка держал выловленную (видимо, в фонтане) огромную рыбу. Надо сказать, что назавтра мне предстояло сделать одно важное дело. ...Голуби поклевали угощение, а я, осмотрев скульптуры, отправился по своим делам. На следующий день то важное дело было сделано очень хорошо. С тех пор, когда предстоит что-то важное, я езжу к «Медведюрыболову» работы Зураба Церетели — кормлю голубей. И вы знаете — помогает. Последний раз я был у бронзового мишки за неделю до вручения большой золотой медали лауреата Национальной премии в области современного изобразительного и декоративного искусства России «Русская галерея — XXI век» за 2009 год Зурабу Константиновичу Церетели за большой личный вклад в развитие современного искусства России — хотелось, чтобы всё прошло хорошо. Ну, а 6 апреля председатель жюри премии народный художник России Н.И. Боровской вручил в Белом зале Российской академии художеств большую золотую медаль премии «Русская галерея — XXI век» Президенту PAX Зурабу Константиновичу Церетели видимо, мишка опять помог... ...Великий композитор М.П. Мусоргский говорил: «Искусство — не самоцель, а средство общения с народом». Как видите, в моей, в общем-то, простой семье немало запомнившихся моментов жизни связано с искусством Зураба Церетели — воистину народного художника и воистину великого таланта. Спасибо Господу Богу, спасибо родителям Зураба Церетели за то, что этот замечательный художник живет и творит на этой Земле! И долгих лет творческой жизни Вам, дорогой Зураб!

denly seemed to us that Larisa and I were at the Baltic Sea, that we could see a ship sailing… Then we crossed the Krymskiy Bridge to get to the other side of the Moscow River, went along the quay, and stopped in front of the bronze Peter. Rising above the huge President Hotel, factory buildings on the Moscow River banks, and running into the dull Moscow sky with its mast, Peter still held the steering wheel in the powerful hands with the same confidence and power. I asked my wife: «Well, what do you think»? After a minute of thinking she said: «I like it». For twenty years we had lived together by the time Larisa never even said she liked me. So it sounded as an exceptional appraisal of Tsereteli’s creation in the mouth of my restrained in her emotions spouse. Story three. In the very heart of our capital city, under the walls of the Kremlin, expands Manezh Square. It was named after the Manege — a building for dressage built in the early XIX century, which is now located on the square. Today Manezh is a huge exhibition hall. A few years ago underground area of the square was first used for a shopping and culture centre and the square itself was decorated with fountains featuring lovable sculptures — characters of Russian fairy-tales. Next to the square stretches Aleksandrovskiy Sad (the Aleksandrov Garden), a place where all Moscow dwellers including children and pensioners love to walk. And they do like the sculptures and the fountains. Once I too decided to have a look at those sculptures. I left some of the bagel I had bought in a stall nearby for birds sitting at the basement of «bear angler» sculpture with a huge bear holding a huge fish (it must have caught in the fountain). It has to be mentioned that the following day I was to do an important business. …Pigeons kept picking their treat and after seeing the sculptures I went to do whatever I had to. The following day the important business went really well. Ever since whenever I have to do something important I always visit the «bear angler» by Zurab Tseretely and feed pigeons. And you know it does help. I visited the bronze bear last a week before the ceremony to award the Large Gold Medal of 2009 laureate of «Russian Gallery — XXI Century» National Prize for Russian Contemporary Fine and Decorative Art Zurab Konstantinovich Tsereteli for his great personal contribution to development of Russian contemporary art in hope that everything would go well. So on 6 April N.I. Borovskoy, Chairman of the Prize Jury and People’s Artist of Russia, bestowed the Large Gold Medal of «Russian Gallery — XXI Century» Prize on Zurab Konstantinovich Tsereteli, President of the Russian Academy of Arts, in the White Hall of the Russian Academy of Arts. …The great composer M. P. Musorgsky once said: «Art is not an end in itself, but a means to communicate with people». As you see a lot of memorable life moments of my pretty much simple family have to do with art by Zurab Tsereteli — a truly people’s artist and a person of great talent. We are grateful to Zurab Tsereteli’s parents and God for this wonderful artist that has lived and created on Earth! We wish you many years of creative life, dear Zurab!

Кирилл Москаленко, председатель Некоммерческого фонда содействия развитию национальной культуры и искусства, шеф-редактор журнала «Русская галерея – XXI век», генеральный директор ИД «Панорама»

Chairman of the Trust of Assistance to National Culture and Art Development, сhief Editor of «Russian Gallery – XXI century» Magazine, director General of «PANORAMA» Publishing House Kirill Moskalenko

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

Зураб ЦЕРЕТЕЛИ Zurab TSERETELI номинация — «За выдающиеся заслуги в развитии современного искусства России» сategory — «For great contribution to Russian contemporary art development» Президент академии, директор музея, художник Президент Российской академии художеств Зураб Константинович Церетели давно и хорошо известен как создатель сверкающих мозаик и эмалей, излучающих свет витражей, грандиозных композиций из литого и чеканного металла и в то же время выдающегося художника-живописца с запоминающимся и ярким стилем станковых произведений. Более сорока лет назад стремительно и мощно начал свою художественную деятельность, и чем далее идет она, тем более удивительным кажется непрерывный подъем и расширение диапазона его творчества. Идут годы, совершаются политические и экономические перемены, сменяются

President, Museum Director, Artist Zurab Konstantinovich Tsereteli, President of the Russian Academy of Arts, has long been known as a famous creator of shiny mosaics and enamel works, light-radiating glass paintings, colossal compositions of cast and embossed metal, and an outstanding painter with a spectacular arresting style of easel works. Over forty years ago he made a rapid powerful start and began his artistic career. And the further it develops, the more amazing constant rise and extension of his art range seem. Despite all the years going by, despite all alterations in the political and economic situation, and even despite change of historical epochs, Zurab Tsereteli keeps doing his titanic work, which has become even more large-scale and significant. The artist reclaims one city after another, one country after another. His monumental creations appear in Tokyo and Brazil, Paris and London, New-York and Seville. His creative work acquires a pronounced global character with him remaining invariably faithful to national tendencies of art in Georgia and Russia, which have nurtured him. Zurab Konstantinovich Tsereteli was born into the family of a Georgian intellectual that maintained ancient traditions in Tbilisi on 4 January, 1934. His father Konstantin Georgievich was a well-known Georgian constructing engineer. The inquisitive susceptible child was much influenced by his uncle Georgiy Nizharadze, his mother’ brother and a well-known painter. His house, where the boy spent most of his time, was often visited by the greatest culture figures and acclaimed artists like David Kakabadze, Sergo Kobuladze, Ucha Japaridze, and many others. They were the first teachers of the young man that took an interest in fine art. In 1952 Z. Tsereteli entered Tbilisi Academy of Arts. He did not have to spend much time on choosing a profession, since his vocation came out when he was still very young — talks with the greatest masters made him sure of his eagerness to become an artist. Then the Academy of Arts in Tbilisi was one of the main centers, where classic art culture was maintained. Besides the already mentioned masters, a whole range of acclaimed St. Petersburg Academy of Arts professors, that had had to leave for the Caucasus worked there as teachers. They taught Z. Tsereteli the richest traditions of Russian art culture that remained in their oeuvre from the “Silver Century”. A particularly important role in it was played by Professors Iosif Adolfovich Sharleman and Vasiliy Ivanovich Shukhaev, masters of classic painting art. With the help of his teachers Z. Tsereteli acquired superb knowledge of academic techniques he would maintain all his life despite his constant strive for creative search. In 1958, his final year at Tbilisi Academy, his love of experiments and strive for new means of expression resulted in the artist’s confrontation with the official trend in painting art. Although his graduation work “Song about Tbilisi” had been cordially approved by M. Saryan, it was not allowed to be

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

целые исторические эпохи — титаническая работа Зураба Церетели продолжается и становится все масштабнее и значительнее. Художник «побеждает» город за городом, одну страну за другой, его монументальные произведения появляются в Токио и Бразилии, Париже и Лондоне, Нью-Йорке и Севилье. Его творческая работа приобретает ярко выраженный глобальный характер, и в то же время он неизменно остается верен национальным устремлениям искусства Грузии и России, которые его воспитали. Зураб Константинович Церетели родился 4 января 1934 года в Тбилиси в семье грузинского интеллигента, сохранявшей старинные традиции. Его отец Константин Георгиевич известен в Грузии как инженер-строитель. Заметное влияние на пытливого и восприимчивого ребенка оказал дядя, брат его матери известный живописец Георгий Нижарадзе. В его доме, где мальчик провел значительную часть своего времени, постоянно бывали крупнейшие деятели культуры, видные художники — Давид Какабадзе, Серго Кобуладзе, Уча Джапаридзе и многие другие. Они стали первыми учителями увлекавшегося изобразительным искусством юноши. В 1952 году З. Церетели поступил в ТбилисПамятник писателю Оноре де Бальзаку. Бронза, высота — 2,8 м. Агда, Франция. 2003 The Writer Honore de Balzac Monument. Bronze, height 2.8m. Agde, France. 2003

defended because of «elements of conventionality». Then Z. Tsereteli showed another his feature that he would maintain all his life. In a matter of days he made another graduation project by creating a portrait of one of his friends, which was accepted by the Academy. No wonder Z. Tsereteli’s first place of employment was the Institute of History, Archeology, and Ethnography of Georgian Academy of Sciences. It gave him an opportunity to study folk art and acquire a taste for its brightness and age-old images that had been generalized by generations of masters. It greatly helped the painter to develop as a monumental artist. Zurab Tsereteli started working as a monumental artist in Georgia in the 1960s. In Pitsunda the master acted as a creator of some monumental works and, what is more, as the senior artist of the whole huge complex. Along with architects he developed a concept of the whole ensemble — the largest one that could be then found in the Soviet Union — based on interaction of dozens of diverse art elements both inside the buildings, and outside them — in parks and at the sea. So, finally they created spectacular artistic environment. Besides multiple decorative elements, it fea-

Мемориальный комплекс на Поклонной горе, посвященный 50-летию Победы СССР в Великой Отечественной войне. Художественнодизайнерское решение Центрального музея Великой Отечественной войны, художественное убранство храма Георгия Победоносца, создание обелиска Победы. Бронза, высота — 141,8 м. Москва, Россия. 1995 Memorial Complex at Poklonnaya Gora (Poklonnaya Mountain) dedicated to the 50th anniversary of Victory of the USSR in the Great Patriotic War. Artistic design of the Central Museum of the Great Patriotic War, art dеcor of St. George the Victorious Cathedral, Victory Obelisk. Bronze, height 141.8m. Moscow, Russia. 1995

Скульптурная композиция «Жены декабристов. Врата судьбы». Бронза. Галерея искусств З. Церетели, Москва, Россия. 2008 «Decembrists’ Wives. Destiny’s Gate» Sculpture Composition. Bronze, Z. Tsereteli Gallery of Arts, Moscow, Russia. 2008

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

Памятник Папе Римскому Иоанну Павлу II. Плоэрмель, Франция. 2006 Pope John Paul II Monument. Ploermel, France. 2006

скую академию художеств. Ему не пришлось долго выбирать себе профессию: призвание рано проявило себя, общение с крупнейшими мастерами утвердило его в желании стать художником. В те годы Академия художеств в Тбилиси была одним из основных центров, где сохранялась классическая художественная культура. Здесь преподавали не только уже упоминавшиеся знаменитые мастера, но и целый ряд прославленных профессоров Академии художеств в Петербурге, вынужденных уехать на Кавказ. Они передали З. Церетели богатейшие традиции российской художественной культуры, сохранившиеся в их творчестве со времени Cеребряного века. Особенно значительную роль сыграли в этом профессора Иосиф Адольфович Шарлемань и Василий Иванович Шухаев, мастера классического рисунка. Благодаря своим учителям, З. Церетели получил великолепную академическую школу, которую сохранил на всю жизнь, несмотря на постоянное стремление к творческим поискам. В 1958 году уже при выпуске из Тбилисской академии его тяга к эксперименту, к стремлению найти новые средства выражения привели художника к конфликту с официальным направлением в живописи. Его дипломная работа «Песнь о Тбилиси», получившая горячее одобрение М. Сарьяна, тем не менее не была допущена до защиты из-за «элементов условности». З. Церетели проявил еще одно качество, которое пройдет через всю его жизнь. В считанные дни он написал для диплома портрет одного из своих друзей и был принят Академией. Неслучайно местом первой работы З. Церетели стал Институт истории, археологии

tured symbolic content. From then on creation of such environment would be one of the main principles of Zurab Tsereteli’s Monumentalism. The success he achieved in Pitsunda much determined the master’s future work concepts. By developing them he created gorgeous mosaics in Trade Unions Centre and “Aragvi” restaurant in Tbilisi, which have taken their place in the monumental art of XX century. In them he managed to achieve true cosmogony of artistic ideas by using numerous mythological images of folk art in contemporary context. At that perfect mosaics and bright harmonious colours gave a special significance to outlook on life expressed by the master. In mid 70s Zurab Tsereteli found new forms of mosaic art. Decorating the building of a bus station and Victory Park in Tbilisi he elaborated a technique of mosaic relief and while creating monumental works for a Black Sea resort in Adler he turned to threedimensional mosaic technique and used it to make three-dimensional sculpture compositions that made him famous both in Russia, and abroad, and excited admiration in the acclaimed master of mosaics of XX century Mexican Alfaro Siqueiros. In the late 70s and 80s the artist focused on work with metal. He developed creative methods that allowed to actively use large metal high reliefs in architecture for both erecting individual buildings, and town planning. He used the technique to create many-meters-high stela “Man and the Sun” in Tbilisi, monument on Digomi Mountain, monument in the capital city of Georgia, monument dedicated to Special Olympic Games for Disabled Children in Brockport, USA, grand frieze of a hotel complex in Izmailovo erected for Olympic Games in Moscow, design of “Yalta” hotel in the Crimea, and, finally, a monumental composition boasting superb artistic quality and consisting of dozens of sculptures surrounding the artist’s Tbilisi studio, all covered with mosaics. One of the master’s greatest achievements of the late 70s — early 80s was restoration of the ancient cloisonne enamel technique, which became possible only after many years of hard work and endless technological search. It was a true creative application of traditions. Potentials of old enamels boasting clear expressive contours and opalescent shine were used by Zurab Tsereteli in contemporary monumental art. He had found ways to add new scale to enamel compositions, so for the first time ever in art history they be-

Монумент, посвященный борьбе с международным терроризмом. Бронза, хром, никель, титан. Высота — 30 м. Установлен в городе Байон, штат НьюДжерси (США), напротив места трагедии 11 сентября 2001 в Нью-Йорке. 2006 Monument dedicated to struggle against international terrorism. Bronze, chrome, nickel, titanium. Height 30m. The monument was put up in Bayonne, New Jersey, USA opposite the site of September 11, 2001 tragedy in New-York. 2006

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

и этнографии Академии наук Грузии. Она раскрыла перед ним возможность изучить народное искусство, получить вкус к его яркости и вековым, обобщенным поколениями мастеров образам. Это существенно помогло художнику в его становлении как монументалиста. Зураб Церетели начал свою работу в качестве художника-монументалиста в Грузии в 1960-х годах. В Пицунде мастер выступил не только создателем отдельных монументальных произведений, но и был главным художником всего огромного комплекса. Вместе с архитекторами им была разработана концепция всего ансамбля — крупнейшего в Советском Союзе той эпохи, основанного на взаимодействии многих десятков разнообразных художественных элементов как внутри зданий, так и снаружи, в парках и у моря. Возникла целая и яркая художественная среда не только декоративно-насыщенная, но и наполненная символическим содержанием. Создание такой среды станет с этих пор одним из основных принципов монументализма Зураба Церетели. Успехи, достигнутые в Пицунде, во многом определили дальнейшее направление работы мастера. Развивая их, он создал великолепные мозаики Дворца профсоюзов и ресторана «Арагви» в Тбилиси, прочно вошедшие в историю монументального искусства XX века. Здесь он сумел достигнуть подлинной космогоничности художественного замысла, широко используя в современном контексте мифологические образы народного искусства. При этом совершенство мозаики, яркость и гармоничность цветов придали особую значительность взгляду на мир, выраженному мастером. В середине 70-х годов Зураб Церетели находит

Памятник, посвященный 300-летию Российского флота, или императору Петру Первому. Бронза, высота — 96 м. Москва, Россия. 1997 Monument dedicated to the 300th anniversary of the Russian Navy or Emperor Peter the Great. Bronze, height 96m. Moscow, Russia. 1997

Памятник генералу де Голлю. Москва. 2005 General de Gaulle Monument. Moscow. 2005

came means to enrich artistic images of architectural environment. At the same time Zurab Tsereteli kept creating glass paintings never ignoring experiments in the field. He started using massive broken glass, so it appeared in glass paintings of Trade Unions Centre in Tbilisi and Georgian Embassy in Moscow, matte semi-transparent glass surfaces and large shiny festive sparkling glass blocks, which could be found in USSR Embassy in Tbilisi and the Museum of the Great Patriotic War in Moscow. In the late 80s — 90s the artist was still actively engaged in monumental art. At that his works appeared in streets and squares of numerous cities around the globe. Near the United Nations office in New-York he created a sculpture symbolizing victory of good over evil. In the City of London he erected a sculpture dedicated to changes going on in the today’s world and symbolizing the end of the Cold War — a composition titled “Man Breaking the Wall”. To mark the 500th anniversary of discovery of America the master created a colossal monument dedicated to Christopher Columbus in Seville, Spain. Those works of his combined his creative search of the previous years and boasted new features including the artist’s clear eagerness to fully express his ideas, which was not typical of him under the totalitarian regime, since they did not fit the ideology that had prevailed. In his works that have been created in recent years meaningful concepts become more and more important. Despite particular success all over the world the main events in Zurab Tsereteli’s creative career happen in Moscow. His latest grand creations in Russian capital are undoubtedly the main embodiment of our epoch peculiarities in monumental art and expression of the tense historical moment we now undergo. While a lot of artists have given up before the time, Zurab Tsereteli has got even more strength, power, and indomitable creative passion from it. He is in focus of current transformation of Moscow and his monumental creations determine the image of the Russian capital city of the turn of millennia. They include an ensemble at Poklonnaya Gora (Poklonnaya Mountain), Manezh Square, and Peter the

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

новые формы мозаичного искусства. В оформлении здания автовокзала и Парка Победы в Тбилиси он вырабатывает технику мозаичного рельефа, а создавая монументальные произведения для черноморского курорта в Адлере, он обращается к объемной мозаике, делая в этой технике трехмерные скульптурные композиции, принесшие ему известность как в России, так и за рубежом, вызвавшие восхищение у известнейшего из мастеров мозаики XX века мексиканца Альфаро Сикейроса. Во второй половине 70-х и в 80-х годах художник уделяет особое внимание работе в металле. Он разрабатывает творческие приемы, позволившие активно использовать крупные металлические горельефы в архитектуре как при создании отдельных зданий, так и на градостроительном уровне. В этой технике им были исполнены многометровая стела «Человек и солнце» в Тбилиси, монумент на горе Дигоми в столице Грузии, памятник в честь Специальных Олимпийских игр детей-инвалидов в Брокпорте в США, грандиозный фриз гостиничного комплекса в Измайлове, возведенного для Олимпийских игр в Москве, оформление гостиницы «Ялта» в Крыму, наконец, изумительная по своему художественному качеству, состоящая из десятков скульптур, монументальная композиция, окружающая сплошь покрытое мозаикой здание мастерской художника в Тбилиси. Одним из выдающихся достижений мастера конца 70-х — начала 80-х годов стало возрождение техники древней перегородчатой эмали. Оно стало возможным лишь благодаря упорной многолетней работе, бесконечным технологическим поискам. Это было подлинное творческое применение традиций. Возможности старинных эмалей с их четкими, выразительными контурами и переливчатым блеском Зураб Церетели использовал в современном монументальном искусстве. Были найдены способы придания нового масштаба композициям из эмали, они впервые в истории искусства стали средствами обогащения художественных образов архитектурной среды. Одновременно Зураб Церетели продолжал создание витражей, также широко экспериментируя в этой области. Он стал применять массивное колотое стекло в витражах Дворца профсоюзов в Тбилиси и в здании посольства Грузии в Москве, матовые полупрозрачные стеклянные поверхности, сверкающие, праздничные искрящиеся крупные стеклянные блоки — в здании посольства СССР в Тбилиси и в Музее Великой

Great Monument. His rare persistence and remarkable vitality become apparent in monuments, sculpture compositions, and interiors the master has been creating. His works make up an essential part of natural or architectural environment, adopt the major role of the leading art theme, and stand out due to bright colours, flamboyant sculpture shapes, rich silhouette compositions, clear decorativeness, precise ideas, and use of associative thinking, mythology, folk legends, and traditions of classic art. His works are imbued with a sense of exultant joy of life and confidence in the fact that people can build their happiness with their own hands. It may be this unquenchable optimism — this statement of being as a gift — that seems the most appealing feature of works by Zurab Tsereteli. And today people also need this unconditional, overt, and sincere joy which imbues

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

Отечественной войны в Москве. В конце 80-х и в 90-х годах художник продолжает активно работать в области монументального искусства, причем его произведения появляются на улицах и площадях многих городов мира. В Нью-Йорке у здания Организации Объединенных Наций он создает скульптуру, символизирующую победу добра над злом. В лондонском Сити встает его скульптура, посвященная переменам, происходящим в сегодняшнем мире, обозначающая конец холодной войны, — композиция «Человек проходит сквозь стену». К пятисотлетию Америки мастер возводит в Испании в Севилье грандиозный монумент в честь Христофора Колумба. В этих его работах сфокусировались творческие искания предшествующих лет, но появились и новые черты, прежде всего отчетливое стремление художника обозначить в полной мере свою идейную позицию, что для него было не характерно при тоталитарном режиме, поскольку она не соответствовала господствовавшей идеологии. В его работах последних лет содержательная концепция приобретает все большее значение. Несмотря на громкие успехи во всем мире, основные события в творчестве Зураба Церетели совершаются в Москве. Его последние грандиозные работы в столице России, несомненно, являются главным воплощением в монументальном искусстве особенностей нашей эпохи, выражением того напряженного момента истории, который мы переживаем. Многие художники отступили под натиском времени, Зурабу Церетели оно придало еще больше сил и энергии, неукротимой творческой страсти. Он находится в самом центре происходящего преобразования Москвы, и его монументальные произведения определяют то, каким останется в истории облик столицы России рубежа тысячелетий — ансамбль на Поклонной горе, Манежная площадь, монумент Петру Великому. Редкое упорство и недюжинная жизненная сила ощущаются в монументах, скульптурных композициях, интерьерах, создаваемых мастером. Его произведения весомо входят в природное или архитектурное окружение, берут на себя ответственную роль ведущей художественной темы, выделяются яркостью красок, броскостью скульптурных форм, богатством силуэтной ком-

monumental works by the master. Another important peculiarity of Zurab Tsereteli is his unprecedented creative activity and constructive temperament. He is not one of those sluggish poetic personalities that may nurture an idea for years without sometimes finding a way to put it into practice. It all simply seems boring to him. Obsessed with eagerness to decorate life the artist like a sportsman at a starting line is always in the state of absolute mobilization of his energy and abilities. His ideas are endless. They dawn upon him one after another and then develop in series or in parallel with each other until they are finally realized to then with no interruption be changed for new ones. Diversity and polyphony of the artist’s works seem really amazing. It is really hard to come up with a genre or a technique he has not yet tried his hand at. He has tried all possible types of art including mosaics, embossing, sculptures of sheet copper, bronze, and marble, as well as glass paintings of simple, broken, and optic glass, cloisonne enamels, design, and many other. He is fond of mastering new techniques, learning expressive potential of new materials, combining new tricks with traditional ones, restoring lost methods, and searching for new ones at the intersection of types and genres of plastic arts. And what he finds particularly engaging is new means of art he has been constantly inventing. After inventing something he undoubtedly puts it in practice. All his life Zurab Tsereteli has been fond of large-scale compositions that arrange space. Perceived differently on the move, they form complex artistic unity. His art resembles architecture that forms living environment. This is particularly evident in his Moscow works including creations at Poklonnaya Gora (Poklonnaya Mountain), Manezh Square, and the grand monument dedicated to the Emperor Peter the Great. But although the artist’s works are not limited by current boundaries, they clearly show traces of deep national roots — both Georgian, and Russian. His art harmoniously combines these two great tradi-

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

позиции, отчетливой декоративностью, четким замыслом, использованием ассоциативного мышления, мифологии, народных преданий, традиций классического искусства. Его творчество пронизано ощущением ликующей радости жизни, уверенностью в том, что счастье делается своими собственными руками. Наверное, этот неиссякаемый оптимизм — это утверждение бытия как дара — больше всего привлекает в работах Зураба Церетели. И сегодня людям тоже нужна именно радость, безоговорочная, открытая, искренняя, которой проникнуты монументальные произведения мастера. Важная особенность Зураба Церетели состоит в его беспримерной творческой активности и созидательном темпераменте. Он не относится к тем медлительным поэтическим натурам, которые годами способны вынашивать идею, иногда так и не найдя способа ее осуществить. Для него это просто скучно. Одержимый стремлением украсить жизнь, художник, как спортсмен на старте, все время находится в состоянии полной мобилизации своих сил и возможностей. Его замыслы неиссякаемы. Они возникают один за другим, развиваются последовательно или параллельно, пока не находят своего завершения, чтобы без всякого перерыва смениться новыми. Поражает многообразие, полифонизм творчества художника. Трудно придумать жанр и технику, еще им не испробованную. Мозаика, чеканка, скульптура из листовой меди, бронзы, мрамора, витражи из простого, колотого или оптического стекла, перегородчатые эмали, работы в области дизайна и многое другое. Он любит осваивать новую технику, постигать выразительные возможности новых материалов, использовать в сочетании с традиционными новые приемы, возрождать утраченные, искать новое на стыке видов и жанров пластических искусств. Но особенно увлекают его новые художественные средства, которые он постоянно придумывает, а если придумал, значит осуществил. Зураб Церетели сохранил на всю жизнь любовь к масштабным композициям, организующим пространство, по-разному воспринимаемым в процессе движения и образующим сложное художественное единство. Его искусство смыкается по своему характеру с архитектурным творчеством, формирующим жизненную среду. Это особенно заметно в его работах в Москве — на Поклонной горе, Манежной площади, грандиоз-

tions. They become apparent virtually in all his works, which is undoubtedly one of the main reasons for their appeal. Traces of these traditions can be easily found in each work by the artist, however innovative its idea, form, or technique is. Sense of originality blends with tendencies of contemporary world art and serves as a basis for development of his easel art. He creates paintings with almost equal persistence isolating himself in solitude or warding off immediate problems he has to deal with. He creates superb graphic sheets right at meetings he has to attend, celebrations, and while traveling — always. But it would be a mistake to think that he creates paintings in snatches. Instead, the moment he sees a canvas and paints he leaves everything behind. He resolutely applies dark broad lines of contours which accurately convey the character of nature at once. And then he takes his time to apply sensual juicy colours. On finishing a painting the master tries to start a new one at once. Portraits are superseded by still-lifes which then give way to fantastic compositions, landscapes, and particularly often — flowers. Zurab Tsereteli’s pictorial and graphic heritage is enormous indeed. Nobody including the artist himself knows how many paintings he has created during his life. They overfill his capacious studios and adorn expositions of multiple museums, galleries, and private collections of our acclaimed contemporaries. And still every creation is registered, which makes you feel that the master finds it hard to part with any of his works. He presents his easel creations on particularly rare and exceptional occasions and even if he does, he only presents those paintings that he has specially created for his close friends. It seems doubtless that Zurab Tsereteli is constant and purposeful as far as his main ideas and elated business-like attitude to life are concerned, though his search for a better way to express his impressions and thoughts are quite diverse. He always sets clear and precise tasks. In his art he always makes rhythmical and constructive arrangement of the composition definite and structured. He does it even in those cases, when shapes he depicts acquire a most fanciful romanticized image. Most of his works look festive and elated, which turns them into precious interweaving of shining colour spots. This, however, does not only have to do with just artistic tasks. This feature directly has to do with exuberant perception of nature typical of the artist. Naturally it also has to do with the exceptional role played by colours in art by Zurab Tsereteli. Unlike those who have been deprived

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

ном монументе императору Петру Великому. Однако, несмотря на то, что творчество художника не связано рамками существующих границ, в них отчетливо прослеживаются глубокие национальные корни, как грузинские, так и российские. В его творчестве органично соединяются эти две великие традиции. Они дают о себе знать практически во всех работах, что, безусловно, служит одной из важных причин их привлекательности. Эти традиции легко прослеживаются в каждой работе художника, какой бы новаторской по замыслу, форме и технике она ни была. Ощущение своеобразия, сплавляясь с веяниями современного мирового искусства, служит тем фундаментом, на котором развивается и его станковое творчество. Он создает картины едва ли не с равным упорством, замкнувшись в уединении или отбиваясь от одолевающих его неотложных дел. А графические листы великолепного качества он создает прямо на заседаниях, на которых вынужден присутствовать, на торжествах, во время путешествий — всегда. Причем будет неверно думать, что он пишет урывками. Напротив, все остальное отступает в тот момент, когда перед ним появляются полотно и краски. Решительной рукой он наносит широкие, темные линии контура, сразу и точно передающие характер натуры. Потом долго, чувственно, сочно ложатся под его кистью цвета. Окончив одну картину, мастер стремится сразу же начать другую. Портрет сменяет натюрморт, вслед за ним фантастическая композиция, пейзаж, особенно часто — цветы. Живописное и графическое наследие Зураба Церетели поистине огромно. Никто не знает, даже сам художник, сколько картин он создал за свою жизнь. Они переполняют его просторные мастерские, украшают экспозиции многих музеев, галерей и частных собраний наших прославленных современников. Однако каждое полотно на счету. Создается впечатление, что мастеру нелегко расстаться хотя бы с одним из них. Он очень редко и только в совершенно исключительных случаях дарит свои станковые произведения и то лишь специально написанные для близких друзей. Можно с уверенностью сказать, что Зураб Церетели постоянен и целеустремлен в своих основных установках, в своем приподнятом деятельном отношении к жизни, хотя его поиски лучшего способа выражения своих впечатлений и мыслей весьма разносторонни. Его всегда отличают четкость и ясность поставленной задачи. Ритмическая и конструктивная организация композиции всегда в его творчестве определенна и структурна, даже в тех случаях, когда изображаемые формы приобретают самый причудливый романтизированный облик. Праздничность, приподнятость большинства его работ, превращающая их в драгоценное переплетение сверкающих цветовых пятен, связана, однако, не только с чисто художественными задачами. Такая черта непосредственно вытекает из мажорного восприятия натуры, свойственного художнику. Естественным образом связана с этой особенностью и та исключительная роль, которую играет цвет в творчестве Зураба Церетели. В отличие от тех, кто природой лишен счастья видеть цвет, и от тех, кто видит его обычно, буднично, Зураб Церетели обладает способностью колористического видения. Окружающее пространство, люди и вещи встают перед ним в радуге ярких красок, и он стремится донести до нас эту сказку. Цвет превращается в существенное средство передачи состояния пространства, ритма, светотени, наконец, формы. Главное то, что цветовая композиция приобретает качества основного источника настроения, рождаемого картиной. Художник как бы мыслит в цвете, добиваясь высокого умения найти сильные аккорды колористической гармонии. Его краски могут сверкать, но могут быть сдержанными и утонченными. Характер-

of the happiness to see colours by nature and those who see them in a usual routine way, Zurab Tsereteli has a gift of coloristic vision. His environment, people, and things appear to him as a rainbow of bright colours, so he tries to convey this magic to us. Colours turn into an important means to convey the state of space, rhythm, chiaroscuro, and finally the form. What is particularly important is that colour compositions acquire features of the main source of atmosphere the painting creates. The artist seems to be thinking in colours achieving the sophisticated skill to find powerful accords of colour harmony. His colours may shine and may also be restraint and refined. It is also typical of Zurab Tsereteli to prefer overt, bright, and ringing colours that seem decorative due to their tension and appear to be able to declare optimism of his mood and feelings. Portraits by Zurab Tsereteli make up an important part of his art and form a vast gallery of diverse faces — though all of them are recognizable. Thinking of these works, you first picture faces that the artist makes larger than they really are. Colours in portraits he creates fade into insignificance. Instead the main role is played by powerful lines that often appear broad and define contours of the form. At that they can convey light and shade relationship. The master’s work over a portrait reminds of copper embossing. He seems to use a hammer instead of a brush to deliver blows and make prominent cheek-bones, superciliary arches, and nasal folds. So portraits turn into a physiognomic hyperbole. All people Z. Tsereteli depicts acquire a special monumental image. They seem even majestic and impervious to life troubles. At that portraits maintain their distinguishing features. The artist manages to convey resemblance very accurately, though the image of a model always communicates the master’s attitude to it. Most often it is good-nature, sometimes tenderness, some teasing, and emphasis of comic features that become apparent here. This of course refers to men. To women

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

но, однако, и то, что Зураб Церетели предпочитает открытые, яркие, звонкие цвета, декоративные своей напряженностью, способные декларировать оптимизм его настроений и чувств. Портреты Зураба Церетели, одна из важнейших частей его творчества, составляют обширную галерею разнообразных, но всякий раз запоминающихся лиц. Когда думаешь об этих работах, предстают, прежде всего, именно лица, которые художник изображает в масштабе, большем натуральной величины. В созданных им портретах цвет отступает на второй план. Главную роль играет линия, сильная, часто очень широкая, обозначающая грани формы, и в то же время способная передать светотеневые отношения. Работа мастера над портретом напоминает чеканку по меди. Будто бы мощными ударами, молотом, а не кистью, делаются выпуклые скулы, надбровные дуги, складки у носа. Портрет превращается в «физиономическую гиперболу». Любой из тех, кого рисует 3. Церетели, приобретает особый монументальный облик. Он становится даже величественным, стоящим выше треволнений жизни. И в то же время портрет не теряет своей характерности. Художник очень точно передает сходство, правда всегда облик модели несет в себе отношение к ней мастера. Чаще всего здесь проявляются добродушие, иногда нежность, некоторое подтрунивание, акцентировка комических черточек. Конечно, это касается мужчин. К женщинам проявляется благородная любезность. На портретах они становятся строгими, решительными, ласковыми, могут быть ребячливыми или царственными, смешными — никогда. Художник удивляется и радуется вместе со своими героями и зрителями тому, как гармонично устроен мир, как много значит в нем человек, способный внимать симфонии мироздания. Так Зураб Церетели, начавший свою художественную работу констатацией локальных впечатлений, рождаемых в нем конкретной природой и людьми, раздвигает рамки своего творчества, включая в них философское осмысление жизни. Но он также попрежнему обращается к изображению вещей и цветов, зданий и деревьев, людей, гор, моря — разномасштабных составляющих окружающего мира. Выработав свое художественное отношение ко многим проявлениям природы и жизни человека, он создал свой собственный стиль, соответствующий его темпераменту и дарованию. В его картинах возникают яркие, декоративные и одушевленные образы, входящие в созданный им художественный мир. Он постоянно и неуклонно ширится и становится все более интересным. Всю эту совершенно невероятную по своим масштабам художественную деятельность Зураб Константинович Церетели сочетает со столь же монументальной и обширной общественной деятельностью в России и во множестве других стран мира. В 1997 году он был избран Президентом Российской академии художеств. Перед ним стали задачи преобразования Ака-

he shows noble politeness, so in his portraits they look austere, decisive, and tender. They sometimes appear childlike and royal, but never ridiculous. Together with his characters and viewers the artist gets surprised and feels happy about harmonious structure of the world and the important role of a person who can heed the symphony of the universe in it. So Zurab Tsereteli that started his artistic career by ascertaining local impressions prompted in him by specific nature and people broadens the boundaries of his art introducing philosophical contemplation of life into it. But he also still turns to depiction of objects and flowers, buildings and trees, people, mountains, and the sea, which make up different-scale components of the surrounding world. By elaborating his own artistic attitude to multiple phenomena of nature and people’s life he has created his own style that suits his temperament and gift. His paintings show bright, decorative, and animated images that make up the artistic world he has created. Constantly and steadily this world becomes larger and more interesting. Zurab Konstantinovich Tsereteli combines all this artistic activity of amazing scale with equally monumental and extensive social activity in Russia and many other countries of the world. In 1997 he was elected President of the Russian Academy of Arts. He had to transform the Academy in the transition period of history which was so tough to all Russia. The Academy of Arts established according to plans of Peter the Great and a decree of Empress Elizabeth of Russia has functioned for more than two and a half centuries now. Over the time it guaranteed realization of state policy in art by educating masters of all creative professions and remaining in contact with them all their life. Besides it managed performance of large state orders and took care of the whole system of art education in Russia and development of science about art. During Perestroika years the role of the Academy became less clear. The institution turned out to be broken in certain issues. So by the time when Z. K. Tsereteli was elected its President it had needed a new boost for further progress. Being its President Z. K. Tsereteli primarily focuses on maintaining traditions of the Academy and restoring the lost heritage. In recent years prestige of the Russian Academy of Arts has risen both in this country, and abroad, which is primarily the result of the thesis about “concentration of all art powers around the Academy”, which has been proclaimed by Z. K. Tsereteli and gradually implemented. Another principle that has become particularly important is a principle of maximally possible openness and adoption of multiple different and new trends in art. The Academy remains true to art values and still welcomes daring and interesting search. As its President Z. K. Tsereteli, tries to encourage artists’ search in creative sphere and technological experiments as well. Z. K. Tsereteli guides work over development of academic art education. His system including primary art school, college

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

демии в трудный для всей России переходный исторический период. Академия художеств, основанная по мысли Петра I, в соответствии с указом императрицы Елизаветы Петровны, насчитывает уже два с половиной века своей истории. На протяжении всего этого времени она обеспечивала проведение в жизнь государственной политики в области искусства: готовила мастеров всех творческих специальностей и сохраняла с ними контакт на протяжении всей их жизни, руководила исполнением крупных государственных заказов, заботилась обо всей системе художественного образования в России и о развитии науки об искусстве. В годы перестройки роль Академии стала менее ясной, в чем-то она оказалась ослабленной, и к тому моменту, когда З.К. Церетели был избран ее Президентом, нуждалась в новом импульсе для дальнейшего движения вперед. З.К. Церетели как Президент прежде всего уделяет много внимания сохранению традиций Академии, возрождению того, что было утрачено. За последние годы вырос престиж Российской академии художеств как в нашей стране, так и за рубежом. Это удалось сделать в значительной степени благодаря провозглашенному З.К. Церетели тезису о «единении вокруг Академии всех художественных сил», что последовательно проводится в жизнь. Также чрезвычайно важным стал принцип возможно большей открытости, принятия многочисленных разных и новых направлений в искусстве. Академия сохраняет свою приверженность художественным ценностям и в то же время приветствует смелые и интересные поиски. З.К. Церетели и сам в качестве Президента стремится поощрять искания художников как собственно в творческой области, так и технологические эксперименты. Под руководством З.К. Церетели ведется работа по развитию академического художественного образования. Его система, идущая от начальной художественной школы через лицейские курсы к вузовской подготовке и затем к совершенствованию в мастерских и аспирантуре Академии, — одна из величайших ценностей российской культуры. Здесь сохраняются традиции, но в то же время новые условия жизни общества требуют перемен, которые готовятся при непосредственном участии З.К. Церетели. Есть все основания надеяться, что благодаря этому российская художественная школа займет присущее ей заметное место в мире. Крупнейшим делом Президента и всей Академии было восстановление Храма Христа Спасителя в Москве. Трудно найти аналогию этому грандиозному предприятию в мировой художественной практике XX века. Для России возрождение Храма Христа Спасителя означало переосмысление истории страны, искупление вины народа перед Богом и са-

courses, university education, and skill-honing at studios and postgraduate courses of the Academy is one of the greatest values of Russian culture. It maintains traditions, but at the same time new conditions of society’s life require changes that are prepared with direct participation of Z. K. Tsereteli. There is every reason to hope that with its help Russian art school will again move to the fore in the world. The greatest achievement of President and the whole Academy was restoration of the Cathedral of Christ the Saviour in Moscow. It is hard to find an analogue of this grand event in the world art of XX century. For Russia, restoration of the Cathedral of Christ the Saviour meant rethinking of country’s history and expiation of people’s guilt before God and themselves, drastic transformation of the system of values that communicate perception of development of the country and the nation. It marked the beginning of recovery of important features of traditional Orthodox model of the world that has replaced Soviet ideology in Russia. Thus the persistence with which Russian Orthodox Church has insisted on precise following of the lost historical model becomes clear. This is supposed to help to go back to the epoch of the fullest flower of the Russian State of the latter XIX century. It is also important to mention that the edifice to be restored was created by K. Ton in Byzantine and Russian style reflecting perception of Russian State and the role of Orthodoxy in it. Despite initial doubts on the possibility to realize such a grand undertaking it ended with emphatic success. Boasting a powerful structure the cathedral strengthened the whole centre of the city and restored the lost balance between the Kremlin zone and the overgrown centre. Restoration of art decoration of the Cathedral of Christ the Savior became one of the greatest challenges of Russian art. And it was honourably solved by the Russian Academy of Arts to mark the 2000th anniversary of Christ's Nativity. The art decoration of the cathedral meets high aesthetic requirements and, what is more it has become more durable than used to be. It is no secret that a lot of things in the previous cathedral had to be restored soon after its creation in the early XX century. Therefore all those numerous technological experiments Z. K. Tsereteli had insisted on and search for optimal solutions that would eventually bear fruit were necessary. During the recent storm that damaged a lot of buildings in the city even the grand crosses rising above the Cathedral of Christ the Savior remained absolutely intact. A special mechanism mounted by Z. K. Tsereteli allows them to withstand vibration amplitude up to three and a half meters — virtually any storm. Constructors used the latest achievements of aerodynamics guaranteeing durability of creations. Choosing materials for sculptures was no less important. They were supposed to be resistant to quick destruction under effects of modern city atmosphere. Bronze, which had been initially included into K.

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

Ton’s cathedral construction plans, mostly met the requirement that the material to be used for erecting the Cathedral should be virtually everlasting and feature great plastic features. Organization of all art work in the Cathedral of Christ the Saviour and its management is one of the greatest — or may be the greatest — achievement of Z.K. Tsereteli, his great contribution to Russian culture, and its spirituality revival. He managed to attract the best creative figures of Russia, so the work was done on an urgent basis with the highest quality. Coordination of efforts of nearly four hundred artists and their numerous assistants, as well as contact with constructors became a true masterpiece of arranging unprecedented art work of such grand scale. Reconstruction of the Cathedral became a symbol of recovery and maintenance of Russian spiritual and art traditions. Another event that appeared signifi-

мим собою, радикальным преобразованием системы ценностей, передающих представление о развитии государства и нации. Этим было начато восстановление важных черт традиционной православной модели мира, которая пришла сегодня в Россию на смену советской идеологии. В этой связи становится понятным упорство, с которым Русская православная церковь настаивала и продолжает настаивать на точном следовании утраченному историческому образцу. Время, благодаря этому, должно как бы вернуться в эпоху наивысшего расцвета Российского государства во второй половине XIX столетия. Причем важно, что воссоздавалась постройка, выдержанная К. Тоном в византийско-русском стиле, выражающем представление о Российском государстве и роли в нем православия. Несмотря на первоначальные сомнения в осуществимости столь грандиозного начинания, оно завершилось несомненным успехом. Собор своей могучей структурой укрепил всю сердцевину города, установил утраченное соотношение кремлевской зоны и разросшегося центра. Воссоздание художественного убранства Храма Христа Спасителя стало одной из крупнейших задач российского искусства. И она была с честью исполнена Российской академией художеств к 2000-летию Рождества Христова. Художественное убранство храма не только отвечает высоким эстетическим требованиям, но стало более долговечным, чем раньше. Не секрет, что в прежнем храме многое пришлось реставрировать уже вскоре после его создания, в начале XX века. Поэтому и были необходимы многочисленные тех-

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

нологические эксперименты, на которых настаивал З.К. Церетели, поиски оптимальных решений, которые принесли свои плоды. Во время урагана, нанесшего ущерб многим зданиям в городе, в Храме Христа Спасителя остались совершенно нетронутыми даже грандиозные кресты, возносящиеся над ним. Специальный механизм, заложенный З.К. Церетели, позволяет им выдерживать амплитуду колебаний в три с половиной метра, практически ураган любой силы. Здесь были применены последние достижения аэродинамики, обеспечивающие долговечность создаваемого. Неменьшее значение имел и выбор материала для скульптур, неподверженного быстрому разрушению под воздействием атмосферы современного города. Бронза, которая, кстати, и была предусмотрена в первых предложениях по строительству собора еще К. Тоном, в наибольшей степени отвечает требованию, чтобы материал, из которого возводится Храм, был практически вечным и обладал высокими пластическими свойствами. Организация всех художественных работ в Храме Христа Спасителя и руководство ими — одно из крупнейших, если не самое значительное достижение З.К. Церетели, его огромный вклад в российскую культуру и возрождение ее духовности. Он сумел сделать так, чтобы в ней участвовали лучшие творческие силы России, а работы были исполнены в кратчайшие сроки и с наивысшим качеством. Координация деятельности почти четырех сотен художников, множества их помощников, контакты со строителями — все это стало поистине шедевром организации художественной работы столь грандиозного масштаба, не имеющим прецедентов. Возрождение Храма стало символом восстановления и сохранения российских духовных и художественных традиций. Также весьма существенным для отечественной культуры стало создание усилиями З.К. Церетели Московского музея современного искусства. Потребность в подобном крупном центре проведения, фиксации и «музеефикации» самых последних художественных поисков существовала давно в столице России. Подобными музеями обладает большинство крупных городов мира, однако у нас попытки действий в этом направлении не приходили к успешному завершению, пока за организацию музея не взялся З.К. Церетели, внеся в данный процесс личные средства и коллекцию произведений искусства XX века, которую он собирал всю жизнь. 15 декабря 1999 года Московский музей современного искусства, находящийся под эгидой Российской академии художеств, открылся для публики в тщательно отреставрированном доме Губина на Петровке, в выдающемся памятнике московского классицизма. Его торжественные архитектурные формы подчеркивают достоинство представленной обширной коллекции как российских, так и зарубежных произведений живописи, графики, скульптуры, декоративно-прикладного искусства. З.К. Церетели стал первым директором музея, который быстро развивается, вступает в сеть международного сотрудничества центров современного искусства и, как можно надеяться, будет полезен для развития российской художественной культуры. Здесь дан лишь краткий очерк творческой и организаторской деятельности Зураба Константиновича Церетели. Он постоянно и упорно работает. Скоро появятся его новые произведения в различных жанрах и видах искусства. Крупные начинания Президента Российской академии художеств предполагают дальнейшее развитие этого старейшего художественного и научного учреждения страны, переживающего эпоху своего кардинального обновления. Дмитрий Швидковский, архитектор, доктор искусствоведения, профессор, действительный член Российской академии художеств, действительный член Российской академии архитектуры и строительных наук, заслуженный деятель искусств РФ

cant to domestic culture was creation of Moscow Museum of Contemporary Art by Z. K. Tsereteli’s efforts. Russian capital city had long been in need for such a large centre for arrangement, fixation, and museification of results of the latest artistic search. Such museums can be found in most large cities of the world, but in this country such efforts had taken to nowhere, until Z. K. Tsereteli decided to establish such museum and added his own money and a collection of works of XX century art he had been collecting all his life to the process. On 15 December 1999 Moscow Museum of Contemporary Art that is currently under the aegis of the Russian Academy of Arts opened its doors to the public in a thoroughly restored Gubin’s house in Petrovka Street, an outstanding sample of Moscow Classicism. Its solemn architectural shapes highlight advantages of the vast collection of Russian and foreign works of painting, graphics, sculpture, and decorative and applied art presented there. Z. K. Tsereteli became the first director of the museum. It now quickly develops and joins the network of international collaboration of Contemporary Art Centers, so hopefully it will be good for development of Russian art culture. This article is just a short summary of Zurab Konstantinovich Tsereteli’s creative and organizational activity. His constant and persistent work guarantees that he will soon create new works of different genres and types of art. Great undertakings of President of the Russian Academy of Arts suggest further development of the oldest artistic and scientific institution of the country that currently undergoes the epoch of its revolutionary renewal. Dmitriy Shvidkovsky, Architect, Doctor of Art History, Professor, full member of the Russian Academy of Arts Full member of the Russian Academy of Architecture and Construction Sciences, Honoured Art Figure of the Russian Federation

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

Константин ТРАПИЦЫН Konstantin TRAPITSYN номинация — «Портрет» сategory — «Portrait» Константин Трапицын родился в Краснодаре в 1948 году. Высшее образование получил в Харьковском художественно-промышленном институте в 1975 году. Член Союза художников России, участник многих отечественных и зарубежных выставок. Даже беглое знакомство с работами художника убеждает, что творческий мир Константина Трапицына удивительно многогранен. Помимо пейзажей и натюрмортов, художник также увлекается написанием портретов, обнаженной натуры. Среди безусловных достижений мастера поистине выдающимся можно назвать тонкое чувство цвета. При всем цветовом спокойствии и лаконичности художественного языка картины Трапицына можно рассматривать очень долго, постепенно улавливая бесконечное многообразие цветовых оттенков, смакуя невероятное количество тонов серого, синего, коричневого и даже белого. 1

Konstantin Trapitsyn was born in the city of Krasnodar on 26 January 1948. He got higher education at Kharkov Institute of Art and Industry obtaining his Diploma in 1975. He is a member of the Union of Artists of Russia. He took part in many domestic and foreign exhibitions. He lives and works in the city of Sochi. Even a cursory acquaintance with the artist’s works convinces that Konstantin Trapitsyn’s artistic world is astonishingly multifaceted. Besides landscapes and still-lives the artist also takes an interest in creating portraits, and depicting naked nature. Among the master’s undoubted merits one may mark out his truly outstanding feeling of colour. Despite the colour restraint and laconic artistic manner one can look at paintings by Trapitsyn for a very long time gradually catching the endless variety of colour shades, and savoring the incredible quantity of shades of grey, blue, brown, and even white. The most important objective for any artist is to express the genuine vivid feeling, to make

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

the audience have the same emotions, and in some way to make them see the world through the artist’s eyes. Trapitsyn’s works boast such a gentle feeling of life that the audience can unmistakably identify what the artist intended to say. They give the audience joy and give rise to an inspiring feeling of trust and gratitude to the artist that favored them with such a unique feeling of harmony with the world around. 4 1. К. Трапицын. Шах (портрет художника Н. Сивенкова). 2008. Х., м. 151х125 K. Trapitsyn. Shah (The Portrait of the Artist N. Sivenkov). 2008. Canvas, oil. 151x125 2. К. Трапицын. Банкет. 2008. Х., м. 110х140 K. Trapitsyn. The Banquet. 2008. Canvas, oil. 110x140 3. К. Трапицын. Сочи. Дендрарий. 2007. Х., м. 110х90 K. Trapitsyn. Sochi. Tree Nursery. 2007. Canvas, oil. 110x90 4. К. Трапицын. Натюрморт с торсом. 2008. Х., м. 130х140 K. Trapitsyn. Still-life with a Torso. 2008. Canvas, oil. 130x140

Для художника главное — выразить живое, настоящее чувство, заставить зрителей переживать те же эмоции, как бы увидеть мир его глазами. Работы Трапицына отмечены таким трепетным ощущением жизни, что зритель безошибочно определит, что хотел сказать художник. Они радуют зрителей и рождают светлое чувство доверия и благодарности художнику, подарившему им свое отношение к людям и природе — уникальное чувство гармонии с окружающим миром. Живет и работает в городе Сочи.

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

Валерий ФИЛИППОВ Valery PHILIPPOV номинация — «Жанровая живопись» сategory — «Genre painting» Валерий Филиппов родился в 1941 году в селе Туарма Самарской области. Активная творческая деятельность Валерия Филиппова началась на Алтае в 1967 году, где он писал натюрморты, пейзажи предгорного Алтая, участвовал в выставках, организуемых Алтайской организацией Союза художников. Переехав в 1971 году в Тольятти, бурно развивавшийся в то время, он стал работать в системе художественного фонда РСФСР. Писал Волжские пейзажи, натюрморты. Участвовал в выставках, организуемых Куйбышевской организацией Союза художников. Начиная с 1976 года, стал постоянным экспонентом всероссийских выставок, затем выставок, организуемых по программе Международной конференции ЮНЕСКО «Культура молодых городов» во Франции и Германии. Произведения

Valery Philippov was born in the village of Tuarma, Samara region, in 1941. Valery Philippov’s active creative work started in Altai in 1967, where he painted still-lives and landscapes of piedmont Altai regions, and took part in exhibitions organized by Altai Branch of the Union of Artists of Russia. In 1971 he moved to the city of Togliatti, which was developing fast at the time, to work in the system of the art collection of RSFSR. He created Volga landscapes, and still-lives. Besides, he took part in exhibitions held by Kuybyshev Organization of the Union of Artists. Since 1976 he has been a permanent exhibitor at AllRussian art shows, and consequently at art shows organized within the framework of «Culture of Young Cities» UNESCO international conference in France and Germany. Works by

1. В. Филиппов. Лавка. 2008. Х., м. 106х163 / V. Philippov. The Bench. 2008. Canvas, oil. 106x163

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

2. В. Филиппов. Утренница. 2007. Х., м. 106х160 V. Philippov. Distant Lighting. 2007. Canvas, oil. 106x160 3. В. Филиппов. Сельская кузница. 2001. Оргалит, м. 94х112 V. Philippov. The Village Forge. 2001. Fiberboard, oil. 94x112 4. В. Филиппов. Зимний день (однажды зимой). 2004. Х., м. 86х104 V. Philippov. Winter Day (Once in Winter). 2004. Canvas, oil. 86x104 3

Philippov are held in collections of art museums of Vologda, Samara, Togliatti, Chinese city of Loyan, and private collections in the USA, Germany, and Italy. In 1977 Valery Philippov was granted membership of the Union of Artists of Russia, and since 1990 he has been an unchallenged board member of Togliatti branch of the Union of Artists. In 2003 by decree of V. Putin, President of Russia, Vladimir Philippov was awarded with the title «Honoured Artist of Russia». The artist works as a painter and a graphic artist trying his hand at the genres like still-life, landscape, and genre painting. He adheres to the realistic trend. His works are mostly dedicated to the life of the Russian village, and relationships between man and nature. 4

Филиппова находятся в собраниях художественных музеев Вологды, Самары, Тольятти, китайского города Лоян, а также в частных коллекциях США, Германии, Италии. В 1977 году Валерий Филиппов был принят в члены Союза художников России, а с 1990 года он является бессменным членом правления Тольяттинского отделения СХ. В 2003 году В. Филиппову было присвоено звание «Заслуженный художник Российской Федерации». Художник работает как живописец и график в жанрах натюрморта, пейзажа, жанровой картины. Придерживается реалистического направления. Его произведения посвящены преимущественно жизни российского села, взаимоотношениям человека и природы. Живет и работает в городе Тольятти.

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

Николай ШИНЯЕВ Nickolay SHINYAEV номинация — «За развитие традиционного национального искусства народов России» сategory — «For development of traditional national art of Russian peoples» Родился в 1949 году. Живописец. Заслуженный художник России. Заслуженный деятель искусств Калмыкии. Окончил Астраханское художественное училище в 1972 году и факультет живописи Московского института права и искусства. Член Союза художников СССР. Председатель правления Творческого союза художников России. Участник международных, всесоюзных, всероссийских, зональных, региональных выставок. Произведения находятся в различных музеях России, в частных коллекциях США, Франции, Германии, Монголии, Японии, Вьетнама, Финляндии. Выдвинут фондом Содействия развитию национальной культуры и искусства (Россия) на соискание Государственной премии Российской Федерации в области литературы и искусства за 2009 год. Живет и работает в городе Элисте.

2. Н. Шиняев. Тишина. 2009. Х., м. 50х60 N. Shinyaev. Silence. 2009. Canvas, oil. 50x60

3. Н. Шиняев. Аранзал. 2009. Х., м. 50х70 N. Shinyaev. Aranzal. 2009. Canvas, oil. 50x70

1. Н. Шиняев. Амулечка. 2009. Х., м. 120х100 N. Shinyaev. Amulechka. 2009. Canvas, oil. 120x100

Born in 1949. Painter. Honoured Artist of Russia. Honoured worker of arts of Kalmykia. He graduated from Astrakhan Art College in 1972 and Moscow Institute of Law and Art obtaining a Diploma in painting Member of the Union of Artists of the USSR. Chairman of the Board of the Creative Union of Artists of Russia. He has taken part in international, All-Union, All-Russian, zonal, and regional art shows. His works are held in different museums in Russia and private collections in USA, France, Germany, Mongolia, Japan, Vietnam, and Finland. Put forward by Non-Profit Trust of Assistance to National Culture and Art Development (Russia) in candidacy for 2009 Russian Federation State Prize for literature and art. He lives and works in the city of Elista.

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

4. Н. Шиняев. Розовые сны. 2007. Х., м. 50х80 N. Shinyaev. Rose-Coloured Dreams. 2007. Canvas, oil. 50x80

5. Н. Шиняев. Ээжин дун. Заслуженная артистка Калмыкии Д. Шалханова. 2009. Х., м. 80х120 N. Shinyaev. Eedjin Dun. Honored Actress of Kalmykia D. Shalkhanova. 2009. Canvas, oil. 80x120

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

Валерий ШИЛЯЕВ Valeriy SHILYAEV номинация — «Марина (морской жанр)» сategory — «Marine (marine genre)» Валерий Шиляев родился в1948 году в селе Шаранга Кировской области в семье военнослужащего. Учился в Челябинске-65 в городском училище на оформительском отделении, в 1971 году окончил учебу в мастерской Е. Горохова и Ю. Мезенцева со специализацией «Художественная обработка металла». 1979 год — начало выставочной деятельности, участие в областных художественных выставках. С 1982 года живет в Приморье. С 2001 года живет в своем доме в поселке Преображение Лазовского района Приморского края, работает в мастерской на берегу бухты Соколовской. Главная тема творчества Валерия Шиляева — стихия моря и корабли. Она решается им через историю дальневосточного российского флота, военного, торгового, рыбацкого, старинного и современного. В живописи В. Шиляев работает в манере, близкой позднему академическому романтизму русской живописи середины XIX века, но продолжая, в основном, традиции морского пейзажа и батальной живописи, заложенные И.К. Айвазовским, он одновременно использует опыт всей русской и европейской маринистической живописи.

Valeriy Shilyaev was born into the family of a military man in the village of Sharanga, Kirov Region, in 1948. He studied decoration art at a city college in Chelyabinsk-65. Eventually in 1971 he obtained his Diploma in art metal working of a studio run by E. Gorokhov and Y. Mezentsev. In 1979 he started taking part in exhibitions and regional art shows. In 1982 he settled in Primorsky (Maritime) Region. Since 2001 he has been living in his own house in the village of Preobrajenye (Transfiguration) located in the vicinity of Lazo settlement in Primorsky Region, working in his studio on the bank of Sokolovskaya Bay. The main subject of Valeriy Shilyaev’s art is the sea element and ships, which he interprets through the history of Russian Far Eastern Fleet including the navy, merchant fleet, fishing boats, old and modern fleet. In his paintings V. Shilyaev uses a style that resembles the late academic romanticism of the Russian painting art of the mid 19th century. However following traditions of marine landscapes and battle paintings laid by I. K. Aivazovskiy, he also uses the experience of the whole Russian and European marine painting art.

1. В. Шиляев. Волна за волной. 2009. Х., м. 45х60 V. Shilyaev. Wave after Wave. 2009. Canvas, oil. 45x60

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

2. В. Шиляев. Шхуна Хеда у берегов Камчатки. 2008. Орг., м. 50х70 V. Shilyaev. Kheda Schooner at Kamchatka Shores. 2008. Fiberboard, oil. 50x70 3. В. Шиляев. Голубая волна. 2007. Орг., м. 70х100 V. Shilyaev. Blue Wave. 2007. Fiberboard, oil. 70x100 4. В. Шиляев. Японское море. 2007. Орг., м. 70х100 V. Shilyaev. The Sea of Japan. 2007. Fiberboard, oil. 70x100 5. В. Шиляев. Неспокойное море. 2008. Орг., м. 70х100 V. Shilyaev. Turbulent Sea. 2008. Fiberboard, oil. 70x100 6. В. Шиляев. Солнечный день на море. 2008. Х., м. 60х80 V. Shilyaev. Sunny Day at the Seashore. 2008. Canvas, oil. 60x80

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

Александр МАСЛОВСКИЙ Aleksandr MASLOVSKY номинация — «Духовная живопись» сategory — «Spiritual painting » Живописец и художник-монументалист Александр Масловский родился в 1952 году в городе Дудинка Красноярского края. Александр Масловский окончил монументальное отделение Московского государственного художественного института им. В.И. Сурикова. Религиозная тема активно присутствует в творчестве художника, он расписывал и церковные интерьеры — домовую церковь Татьяны, делал мозаику для Никольского кафедрального собора, церкви села Новониколь1 ское Александровского района, церкви Иоанна Богослова, Свято-Троицкого Серафимо-Дивеевского женского монастыря Нижегородской области. Работает над циклом картин на библейские сюжеты. Художнику удалось найти свою, легко запоминающуюся зрителю творческую манеру. И если его ранние работы стилистически перекликаются с картинами мастеров «сурового стиля» Андронова, Никонова, Васнецова и др., то в более зрелый период стилистика художника заметно смягчилась, а цветовая палитра стала сдержанней и тоньше. Александр Масловский — член Союза художников СССР с 1983 года, а сегодня — член правления Оренбургского отделения Союза. Также художник активно участвует в общественной жизни, преподает в Оренбургском государственном университете, часто экспонирует свои произведения на городских, областных, республиканских и международных выставках. Работы Александра Масловского находятся в музеях Оренбурга, Перми, Легницы (Польша), в частных собраниях в России, Болгарии, Польше, Германии, Израиле, Франции, Японии, Турции. Живет и работает в городе Оренбурге.

1. А. Масловский. Пруд. 1994—1995. Х., м. 90х75 A. Maslovskiy. The Pond. 1994—1995. Canvas, oil. 90x75 2. А. Масловский. Грехопадение. 1997. Х., м. 180х130 A. Maslovskiy. The Fall. 1997. Canvas, oil. 180x130 3. А. Масловский. Изгнание из рая. 1997. Х., м. 180х130 A. Maslovskiy. The Expulsion from Paradise. 1997. Canvas, oil. 180x130

Aleksandr Maslovsky, a painter and a monumental artist, was born in the city of Dudinka near Krasnoyarsk in 1952. He has obtained a Diploma in monumental painting of V. I. Surikov State Art Institute in Moscow. The painter’s art actively explores religious subjects. He has decorated church interiors like Tatiana house church, created mosaics for Nikolsky cathedral, a church in the village of Novonikolskoe in Alexandrovsky Region, the church of St. John the Divine, and for Serafimo-Diveevsky Convent of the Holy Trinity (Svyato-Troitsky) in Nizhniy Novgorod Region. He works over a cycle of paintings dedicated to Biblical plots. The artist has managed to discover his own memorable creative manner. So while the style of his early works has something in common with the manner of the tough style masters like Andronov, Nikonov, Vasnetsov, and other, works he created at a more mature age feature a gentler style and more restraint and subtle colours. Aleksandr Maslovsky has been a member of the Union of Artists of the USSR since 1983. And today he is a member of the managing board of Orenburg Branch of the Union. The artist also takes an active part in social life, works as a teacher at Orenburg State University, and often shows his works at city, regional, republican, and international displays. Aleksandr Maslovsky’s works are held in museums of Orenburg, Perm, Legnitzy (Poland), and private collections in Russia, Bulgaria, Poland, Germany, Israel, France, Japan, and Turkey. 2

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

Михаил БУСЕВ Mikhail BUSEV номинация — «Искусствознание. Критика. Теория» сategory — «Art History. Criticism. Theory» Кандидат искусствоведения. Родился в 1951 году в cеле Новый Ропск Брянской области. Живет в Москве. Учился: МГУ, исторический факультет, отделение искусствоведения (1970—1975), аспирантура ВНИИ искусствознания (1977—1980). В 1987—1988 годах стажировался на факультете пластических искусств и искусствознания университета «Париж-1. Сорбонна» и в Высшей национальной школе изящных искусств в Париже. Член-корреспондент РАХ (2007), член Президиума РАХ (2007). Кандидат искусствоведения (1994). Научный сотрудник Отдела современного западного искусства ВНИИ искусствознания (с 1981). Заместитель директора по науке НИИ теории и истории изобразительных искусств РАХ (2000). Приглашенный профессор Университета г. Нанси (Франция, 2000). Член Правления АИС. Член редколлегий журналов «Искусствознание», «Художественный совет», «Русская галерея — XXI век», серии сборников «Западное искусство. XX век». Ученый секретарь Научного совета по историко-теоретическим проблемам искусствознания Отделения историко-филологических наук Российской академии наук (с 1996). Руководитель научного семинара по западному искусству XX века при Научном совете по историко-теоретическим проблемам искусствознания Отделения историко-филологических наук Российской академии наук и НИИ теории и истории изобразительных искусств РАХ. Основные труды: монография «Теоретико-методологические проблемы семиотического подхода к искусству» (1978), статьи о проблемах творчества западноевропейских мастеров конца XIX—XX веков: Гогена, Пикассо, Матисса, Дали, Армана, Сезара, Христо, Ива Клена и др. Защитил кандидатскую диссертацию «Художественное наследие в творчестве Пикассо». Ответственный редактор и автор концепций ряда сборников: «Пикассо и окрестности» (2006), «Искусство в современном мире» (вып. 1—3, 2004, 2006, 2009), «Сальвадор Дали и мировая художественная культура» (2009), «Искусство скульптуры в XX веке: проблемы, тенденции, мастера» (2009). Награжден медалью «Защитник свободной России» (1993), медалью РАХ «Достойному» (2007).

Ph. D. In Art History. Busev was born in the village of Noviy Ropsk, Bryansk Region, in 1951. He lives in Moscow. He studied art history at the history department of Moscow State University (1970—75) and did a postgraduate course at All-Union Research Institute of Art History (1977—80). In the 1987—88s he did an internship course at the department of plastic arts and art history at the University «Paris-1. Sorbonne» and the Higher National School of Fine Arts in Paris. He is a corresponding member of the Russian Academy of Arts (2007) and a member of the Presidium of the Russian Academy of Arts (2007). He is a Ph. D. in Art History (1994). He has been a research officer of the Department of Contemporary Western Art of All-Union Research Institute of Art History since 1981. He is a deputy director for research of the Research Institute of Fine Art Theory and History of the Russian Academy of Arts (2000). He is an invited professor at the University of Nancy (France 2000). He is a member of the board of the Arts Academy. He is a member of the editorial board of a number of magazines like «Art History», «Art Council», and «Russian Gallery — XXI Century», as well as of a series of publications titled «Western Art. XX Century». He has been an academic secretary of the Scientific Council on Historical and Theoretical Issues of Art History of the Department of History and Linguistics of the Russian Academy of Sciences since 1996. He is the head of the scientific seminar on the Western art of XX century of the Scientific Council on Historical and Theoretical Issues of Art History of the Department of History and Linguistics of the Russian Academy of Sciences and the Research Institute of Fine Art Theory and History of the Russian Academy of Arts. His main works include a monograph titled «Theoretical and Methodological Issues of Semiotic Approach to Art» (1978), articles on art of the Western European masters of the latter XIX — XX centuries including Gauguin, Picasso, Matisse, Dali, Armand, Cesar, Christo, Yves Klein, and other, as well as his Ph. D. thesis «Art Heritage in Picasso’s Art». He is an executive editor and the author of concepts of a number of publications like «Picasso and the Suburbs» (2006), «Art in Modern World» (Issues 1—3, 2004, 2006, 2009), «Salvador Dali and World’s Art Culture» (2009), «Sculpture Art in XX Century: Problems, Tendencies, and Masters» (2009). His awards include «Guardian of Free Russia» (1993) medal and a medal of the Russian Academy of Arts «To the Dignified» (2007).

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

Владимир ЗАБОРОВСКИЙ Vladimir ZABAROVSKIY Специальная премия за выдающийся вклад в организацию выставочной деятельности по пропаганде изобразительного искусства России Special Prize for great contribution to arrangement of exhibitions to popularize Russian fine art Владимир Иванович Забаровский как руководитель военноисторического музея всегда акцентирует главное направление в работе Художественной галереи — формирование исторической памяти и воспитание чувства глубокого патриотизма у подрастающего поколения. Многочисленные выставки, организованные им, только подтверждают это. Первая региональная выставка ЦМ ВОВ была создана по инициативе В.И. Забаровского, который лично выезжал в Великий Новгород, договорился с городской администрацией о выделении денег на транспортировку произведений живописи. Выставка «Диалог о Великом Новгороде» пользовалась огромным успехом у посетителей. К 60-летию контрнаступления советских войск под Москвой в декабре 1941 г. музей открыл выставку «Защитникам Москвы посвящается», где была представлена историческая перспектива защитников этого великого города: Дмитрий Донской, М.И. Кутузов, К. Минин и Д. Пожарский. Конечно, доминировали защитники Москвы в 1941 г.: Г. Жуков, К. Рокоссовский, ополченцы московских заводов. Все герои московской битвы были представлены в произведениях изобразительного искусства. В 2007 году ко Дню Победы открылась выставка «Под небом России», где в талантливых произведениях художника Е.А. Корнеева была воплощена идея гармоничного соединения человека и природы. В живописных образах были представлены вечные ценности: мужество и подвиг, одухотворенность и преодоление. Выставка В.И. Формозова «Моя малая Родина» также вызвала большой интерес у посетителей. С 2008 году началось сотрудничество музея с Издательским Домом «Панорама» и журналом «Русская галерея — ХХI век». За три года было создано несколько художественных проектов:

Выставку «Поклонимся великим тем годам…» (выставка работ лауреатов и номинантов 2008 — 2009 года Национальной премии в области современного изобразительного и декоративного искусства России «Русская галерея — XXI век») открывают: директор Центрального музея Великой Отечественной войны 1941—1945 гг., генерал-лейтенант запаса, академик Международной академии духовного единства В.И. Забаровский и председатель Некоммерческого фонда содействия развитию национальной культуры и искусства, генеральный директор Издательского Дома «ПАНОРАМА» К.А. Москаленко An exhibition «We Will bow to great those years …» (an exhibition of works of winners and nominees 2008—2009 of the National award in the field of modern graphic and decorative art of Russia «Russian gallery — the XXI century») open: the director of the Central museum of the Great Patriotic War 1941—1945, the general — the lieutenant of a stock, the academician of the International academy of spiritual unity V.I. Zabarovsky and the chairman of fund of Assistance to development of national culture and art, the general director of the Publishing House «PANORAMA» of K.A. Мoskalenko

Managing a museum of military history Vladimir Ivanovich Zabarovskiy has always urged the Art Gallery to concentrate on forming historical memory and nurturing a feeling of sincere patriotism in the younger generation. The multiple exhibitions he has arranged are another proof of it. The first regional exhibition of the Central Museum of the Great Patriotic War was arranged on the initiative of V. I. Zabarovskiy, who personally arrived in Veliky Novgorod to settle all matters with the city authorities for allocation of funds to transport paintings. The art show «Dialogue about Veliky Novgorod» was particularly popular among visitors.

ЛАУРЕАТЫ/LAUREATES

Директор Центрального музея Великой Отечественной войны 1941—1945 гг., генерал-лейтенант запаса, академик Международной академии духовного единства народов мира Владимир Иванович Забаровский The director of the Central museum of the Great Patriotic War 1941—1945, the general-the lieutenant of a stock, the academician of the International academy of spiritual unity of nations of the world Vladimir Ivanovich Zabarovsky

выставка «Русская галерея — ХХI век», выставка к 400-летию добровольного вхождения Калмыкии в состав Российского государства «Степная сюита», выставка «Я люблю тебя, Россия». В преддверии 65-летия Победы музей и «Русская галерея — ХХI век» открыли выставку «Поклонимся великим тем годам...». В 2009 году по инициативе В.И. Забаровского были созданы два интересных проекта: Д.А. Белюкин «Тихая моя Родина...» и П.В. Рыженко «Любимая Россия». Оба автора являются продолжателями традиций русского реализма, идеи которого близки директору военноисторического музея генерал-лейтенанту запаса, академику Международной академии духовного единства народов мира В.И. Забаровскому.

In celebration of the 60th anniversary of Soviet troops’ counteroffensive at Moscow in 1941 the museum presented an exhibition titled «Dedication to Moscow Defenders» which explored a historical perspective featuring defenders of the great city including Dmitry Donskoy, M. I. Kutuzov, and K. Minin and D. Pozharsky. Of course it mostly included personalities that defended Moscow in 1941 including G. Zhukov, K. Rokossovsky, and militia men from Moscow factories. All heroes of Moscow battle were presented in works of fine art. In 2007 another exhibition «Under Russian Sky» was arranged to mark the Victory Day. The art show featured spectacular works by the artist E. A. Korneev, who had embodied the idea of harmonious combination of man and nature. His pictorial images conveyed eternal values like courage and feats, spirituality and solution. An exhibition of works by V.I. Formozov titled «My Home Land» seemed pretty interesting to visitors as well. Since 2008 the Museum has been collaborating with «Panorama» Publishing House and «Russian Gallery — XXI Century» Magazine. Several projects that have been carried out over these three years include «Russian Gallery — XXI Century» art show, «Steppe Suite» exhibition dedicated to the 400th anniversary of the voluntary accession of Kalmykia to Russia, and «I Love You, Russia» exhibition. In the run-up to the 65th anniversary of the Victory Day the Museum and «Russian Gallery — XXI Century» Magazine have opened a display titled «Let Us Bow to Those Grand Years…» In 2009 V. I. Zabarovskiy put forward an initiative to arrange two interesting projects including «My Quiet Motherland» display of works by D. A. Belyukin and «My Beloved Russia» art show of works by P.V. Ryzhenko. Both of the authors follow traditions of Russian Realism V. I. Zabarovskiy, director of the museum of military history, retired lieutenant general, and an academician of the International Academy of Spiritual Unity of Peoples of the World, feels congenial to.

Выставку «СТЕПНАЯ СЮИТА», посвященную 400-летию добровольного вхождения Калмыкии в состав России, открывают: глава Республики Калмыкия К.Н. Илюмжинов и директор Центрального музея Великой Отечественной войны, генерал-лейтенант запаса, академик Международной академии духовного единства В.И. Забаровский An exhibition «STEPPE SUITE» — devoted to the 400 anniversary of voluntary occurrence of Kalmykia in structure of Russia open: the head of Republic Kalmykia K.N.Ilyumzhinov And the director of the Central museum of the Great Patriotic War, the general — the lieutenant of a stock, the academician of the International academy of spiritual unity V.I. Zabarovsky

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

НАДО ПОМОГАТЬ! HELP NEEDED! Все мы, наверное, знаем замечательные произведения русских живописцев Брюллова, Иванова, Крамского, Саврасова, Левитана, Шишкина и многих других. Они вошли в нашу жизнь из помещений музеев, из репродукций, с красивых открыток. Сегодня в России тоже творят хорошие и даже замечательные художники. Но мы не знаем ничего ни о них, ни об их работах. Тому есть свои причины. …Проводя очередные отпуска в одном из российских южных городов, я люблю иногда зайти в художественный салон — там продают, и очень недорого, произведения местных художников, как правило членов Союза художников России (СХР). Цены такие: четыре, пять, шесть тысяч рублей за полотно. И это при том, что авторы работ получают половину, а половина идет на содержание салона — аренду, свет, зарплату сотрудников и т.д. Не так давно мне приглянулись работы одного художника — назовем его Костя. Около его работ, висевших в зале салона, был укреплен буклетик. Из него явствовало, что у Кости высшее художественное образование, он — член Союза художников, его работы есть в различных музеях. Свежий, прозрачный и очень красивый цвет, легкий, свободный мазок, мастерское владение формой — все это отличало работы Кости. Я купил несколько его полотен. А вскоре познакомился с художником лично. На площади перед городским музеем по выходным дням местные художники устраивают свой вернисаж. Тут я и встретил Костю. Он оказался вдумчивым, несуетливым, интеллигентным человеком. Пригласил меня к себе. Мы сели на автобус. Поехали на окраину, потом поднимались на пятый этаж старенькой «хрущевки». В однокомнатной квартире, служившей Косте и мастерской, и пристанищем, было пусто и бедно. Стол, три старых стула, продавленный диванчик. У стен — картины. Я стал их смотреть. Особенно хорош был «Натюрморт с розами и флейтой». Краски на этой картине ярко, но и нежно светились. Я спросил у Кости о цене. «100 баксов», — сказал он. Я удивился дешевизне — работа-то музейная. «Музеи сейчас не платят, а народ не очень покупает», — грустно сказал Костя. Работу я купил, заплатив побольше. Потом Костя, как водится, решил меня угостить (я, не подумав, ничего не прихватил с собой). «Пойдем рыбку

We all probably know the wonderful works by Russian painters Bryullov, Ivanov, Kramskoy, Savrasov, Levitan, Shishkin, and many others. They came into our life from museum halls, reproductions, and beautiful postcards. Modern Russia has many good — even outstanding — artists too. However, we don’t know anything either of them, or their works. And there are reasons for this. …Spending regular holidays in one of southern Russian cities I often drop in art salons, where works by local artists, who usually have membership in the Guild of Artists of Russia (GAR), are sold at low prices. One canvas may cost four, five, or six thousand rubles. And that is despite the fact that the authors can get only a half of this sum, and another half goes to the salon maintenance — rent, electricity, employees’ wages, etc. Some time later I took the fancy of works by an artist, let us call him Kostya. Near his works hanging in the salon there was a booklet. It said that Kostya had a higher art education, was a member of the Guild of Artists of Russia, and his works were held in different museums. Fresh, transparent and very beautiful colour, light and free brush-stroke, thorough mastery of the form — this is what distinguished Kostya’s works. I bought some of his canvases. And soon I got acquainted with the artist. On the square in front of the city’s museum every weekend local artists organize a vernissage. This is where I met Kostya. He turned to be a thoughtful, non-fussy, educated person. He invited me to his place. We got into a bus, and went to a suburb. Then we ascended to the fifth floor of an old Khrushchev-era 5 storey building. One roomed apartment, which served Kostya as a studio and a shelter, looked empty and poor. There were a table, three old chairs, and a saggy couch in it. Near the walls there were paintings. I started looking at them. Most of all I liked «Still Life with Roses and a Flute». Colours in this work shone brightly, and at the same time very gently. I asked Kostya how much it cost. «One hundred bucks», he replied. I was surprised at the cheapness of it, as it really was a museum work. «Museums do not pay, and people rarely buy paintings now», Kostya noticed sadly. I bought the canvas, and paid a little more for it. After that Kostya, as is the custom, decided to give me a treat (I hadn’t thought of it beforehand and had nothing with me). «Let’s go fishing», he said and made his way towards a combined bathroom and toilet. In a small bathtub

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

половим», — сказал он и направился в совмещенный санузел. В маленькой ванне «плавала», а точнее отмокала, килька. Ее было много. «Бочку списанной купил. Отмокает, а то соленая очень. А чачу из деревни прислали». Больше у Кости, большого художника, на закуску не было ничего, кроме хлеба. Потом у директора салона я поинтересовался, как Костины дела. «Не очень, — сказала она. — Сейчас вот забор кому-то красил. А так — у кинотеатра сидит, портреты отдыхающих рисует». Я стал интересоваться, выяснять, и оказалось, что многие российские художники находятся в достаточно бедственном положении. Когда-то действовала система закупок в госфонды произведений искусства, были дома творчества, где отдыхали и работали художники. Сейчас художник — один на один с покупателем. Но художники — не коммерсанты. Музеи требуют сказать «Спасибо», если что-то берут (не покупают!) в экспозицию. А покупатель «с улицы» пока или не «созрел» или элементарно не знает что купить. И вот, подумав и все взвесив, мы на Совете директоров Издательского Дома «ПАНОРАМА» решили помочь нашим художникам и с января 2006 года начали издавать журнал «Русская галерея — XXI век». Это журнал не о давних, великих художниках, а о сегодняшних, талантливых, но часто бедных творцах. Журнал на собственные средства издаем вместе с Союзом художников России, его отделениями на местах. Они оказывают определенную методическую помощь. В каждом номере публикуем статьи с иллюстрациями о 10—12 авторах, талантливых, перспективных — их кандидатуры рекомендуют отделения СХР. За собственный счет рассылаем журнал во все отделения СХР (чтобы знали, например в Нечерноземье, о работах сибиряков), в российские и зарубежные художественные галереи с надеждой на помощь в продвижении работ наших мастеров, в музеи России. Не только подготовка, печать, но и рассылка «влетает» в копеечку. Печатается журнал в одной из лучших столичных типографий и цена на него, конечно, намного меньше наших затрат. Это — благотворительное издание. … В первом же номере опубликовали статью о работах художника Кости. Сразу же откликнулись один областной музей и галерея, предложили организовать персональные выставки-продажи. А у него работ маловато — нет денег на краски и холсты… Вы можете помочь российским художникам, да и просто получать интересное, красивое (единственное в России) издание о нашем сегодняшнем прекрасном искусстве — посмотреть, почитать его в семье, детям и родителям, подписавшись на журнал «Русская галерея — XXI век» в любом отделении связи, а может быть, и перечислить средства в Благотворительный фонд (тел. 8 (495) 97061-23) или купив понравившуюся работу (http://PANOR. RU/BUY) все это поможет поддержать художников.

there «swam», or to be more precise soaked in water sprat. There were a lot of sprat in it. «I bought a written-off cask of sprat. They have to soak in water, as they are too salty. And chacha was sent to me by my relatives from the country». Kostya, a great artist, had nothing else for the last bit, but bread. Afterwards I asked the director of the salon, how Kostya was doing. «Not so well», was her answer. «Recently he has painted someone’s fence. And usually he sits near the cinema and draws portraits of tourists». I became interested and found out that Many Russian artists lived in distress. Some time ago there existed a system of purchase of works of art to State Funds, there were art houses, where artists could rest and work. Today the artist is left face to face with the purchaser. But artists are not businessmen. Museums demand artists to say «Thank you» to them, if they take (not purchase!) some works into an exposition. And purchasers «in the street» either have not become ready, or simply do not know what to buy. So having thought and considered everything the Board of Directors of «PANORAMA» Publishing house decided to help our artists and since January 2006 we have published «Russian Gallery — XXI century» Magazine. This periodical is not about great acknowledged artists, but about today’s talented, though often very poor artists. We publish the magazine for our own money together with the Guild of Artists of Russia, and its local branches. They render us some methodical help. In each issue we publish articles with illustrations about 10—12 talented and promising authors, their candidatures are recommended by UAR branches. At our own expense we send out issues to all branches of GAR (for those that live in the non-Black Earth Belt to know about the works by Siberians), Russian museums, and Russian and foreign art galleries hoping they will help to promote works by our masters. It is not only preparation, printing, but also the distribution costs us a pretty penny. The magazine is printed in one of the best Moscow printinghouses, and definitely its price is much less than our inputs. It is a charity periodical. …In the very first issue we published an article about the works by the artist Kostya. Straight off responded a regional museum and a gallery with a proposal to organize his solo trade exhibitions. And he did not have enough works, as he has no money to buy paints and canvases… You can help the Russian artists, and simply receive interesting, beautiful (the only thing in Russia) the edition about our today's fine art — to look, esteem it in a family, to children and parents, having subscribed for « Russian Gallery — XXI century» Magazine in any post office оr maybe and to transfer means in welfare fund (Ph. 8 (495) 970-6123) or to purchase pleasant work (http://PANOR.RU/BUY) all it will help to support artists.

Chairman of the Trust of Assistance to National Culture and Art Development, сhief Editor of «Russian Gallery — XXI century» Magazine, director General of «PANORAMA» Publishing House Kirill Moskalenko

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

«ЦДХ — 2010. БОЛЬШОЕ В МАЛОМ» «CENTRAL HOUSE OF ARTISTS — 2010. THE BIG IN THE SMALL» Прошедший в Центральном доме художника 13-й Московский международный художественный салон был посвящен авторскому рисунку. С 19 по 28 марта в Москве в Центральном доме художника прошел очередной, уже тринадцатый по счету Московский международный художественный салон «ЦДХ — 2010». Этот счастливый салон организаторы решили посвятить оригинальному рисунку. Как призналась М.П. Карлова, куратор Салона, эта общая идея сложилась из множества составляющих мыслей, но главным толчком послужил проект красноярского художника В.Ф. Капелько, посвященный древним петроглифам, высеченным на камнях рисунках первобытных времен. Этот красноярский художник не только изобрел уникальный эстампажный метод копирования петроглифов, он на протяжении почти всей своей жизни занимался поисками, изучением, копированием и сохранением древнего художественного наследия. Кстати, символичным оказалось и размещение этого проекта в экспозиции Салона: огромные листы микалентной бумаги, на которые, предварительно намочив их, Капелько собственноручно переносил рисунки древних петроглифов, были выставлены в огромном холле первого этажа Центрального дома художника. Красота и наивысшая художественная гармония древних писаниц по задумке (вполне оправданной!) организаторов ЦДХ — 2010 должна была настроить зрителей, пришедших посмотреть очередной ежегодный салон, на восприятие сложного, но тонкого и изысканного искусства рукотворного рисунка. Весь второй этаж был отдан под экспозиции союзов художников бывших республик, некоммерческие проекты и специальную

The thirteenth Moscow International Art Salon, which ran at the Central House of Artists, was dedicated to auteur pictures.

From 19 to 28 March Moscow Central House of Artists hosted another thirteenth Moscow International Art Salon Central House of Artists — 2010. And this lucky salon as had been intended by the organizers was dedicated to auteur pictures. According to M.P. Karlova, the curator of the Salon, the idea came to life as a result of intense thinking, yet the main stimulus

На открытии выставки председатель Союза художников России, член президиума Совета при Президенте РФ по культуре, народный художник России А.Н. Ковальчук, Почетный председатель Союза художников России, президент Международной конфедерации союзов художников, народный художник СССР В.М. Сидоров A.N. Kovalchuk, People’s Artist of Russia, Chairman of the Union of Artists of Russia, and member of the Presidium of Russian President’s Council on Culture; V.M. Sidorov, People’s Artist of the USSR, honorary Chairman of the Union of Artists of Russia, and President of the International Confederation of Unions of Artists

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

экспозицию, практически отдельную выставку в составе общей выставки — «Рисунок 1920—1990 из фондов Международной конфедерации союзов художников». Фонвизин, Митурич, Чекрыгин, Чернышов, Попков, Ульянов, Моисеенко, Герасимов, Иогансон, Боровский, Нина и Дмитрий Жилинские, Салахов, Голицын — эти и многие другие имена были представлены в этой уникальной экспозиции. Живописцы, графики, скульпторы, театральные художники, представители русского авангарда, советские и современные художники — что объединяет их всех? Организаторы Салона ответили на этот вопрос — рисунок. Центром, смысловым и физическим, прошедшего Салона, как и всех предыдущих, являлись экспозиции союзов художников СНГ и стран Балтии, раньше объединенных Союзом художников СССР, а ныне его правопреемником — Международной конфедерацией союзов художников. Тринадцать лет назад ежегодный мартовский Салон в ЦДХ был задуман именно для союзов художников бывших союзных республик с целью возродить и сохранить единое художественное пространство бывшего СССР. За прошедшие с момента основания годы Салон ЦДХ претерпел значительные изменения: значительно увеличена часть экспозиции, посвященная некоммерческим проектам, усовершенствованы экспозиции союзов художников бывших союзных республик. К последнему Салону организаторы не только настаивали, чтобы от союзов были выставлены преимущественно рисунки, но и чтобы на стенде было представлено творчество одного художника. Большинство союзов художников СНГ и стран Балтии пошли навстречу и благодаря этому общее впечатление, оставшееся от прошедшего Салона, было чрезвычайно благоприятным. Приятно с каждым годом наблюдать качественное развитие Салона из ярмарки-продажи в серьезный смотр современного традиционного искусства. Особенно сильными были стенды Академии художеств (рисунки Виктора Калинина), Союза художников России (печатная графика Николая Воронкова), Санкт-Петербургского союза художников (скульптура и графика Александра Молева и рисунки Александра Сайкова), а также Союза художников Кыргызской Республики (художники А. Байтереков, А. Биймырзаев, К. Давлетов, Н. Конгурбаев, Т. Усубалиев, Ю. Шыгаев). Как всегда, по-европейски эффектно выглядели стенды прибалтийских союзов художников.

for it was a project of Krasnoyarsk artist V. F. Kapelko, which was dedicated to ancient hieroglyphs and images etched in prehistoric stones. This Krasnoyarsk artist invented a unique embossing method of copying hieroglyphs, and what is more searched, studied, copied, and tried to maintain ancient art heritage almost all his life. And the arrangement of the project in the Salon exposition was symbolic too: enormous presoaked sheets of mica-coated paper with images of ancient hieroglyphs applied by Kapelko with his own hand were presented in a huge hall on the first floor of the Central House of Artists. The organizers of the Central House of Artists — 2010 believed (quite justifiably!) that beauty and high art harmony

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

Союзные экспозиции фланкировали стенды так называемых специальных проектов. И здесь также хватало известных фамилий и любопытных произведений. «Ранние работы Кибрика» — так назывался проект, в рамках которого были показаны ранние листы известного академика, профессора Московского художественного института им. В.И. Сурикова, который в ранние свои годы был учеником и последователем Н. Филонова. «Рисунки Ивана Лубенникова» — заслуженный и популярный живописец сделал серию рисунков специально для Салона ЦДХ. «Окраина» — фотохудожник В. Близнюк на этот раз продемонстрировал не только свои фотографии, но и рисунки. Среди других некоммерческих проектов были представлены несколько династий художников: графики Аввакумовы (Н. и М. Аввакумовы и О.Волкова), Попковы (В. и Ю. Попков и К. Калинычева), Яушевы (З., О. и Р. Яушев), Бирштейн (М. и А. Бирштейн, Н. Ватолина), Мамоновы (К. и Б. Мамоновы и Н. Литвина), живописцы Борисовы (В., С. и Н. Борисовы), а также семейство скульпторов Суровцевых. Интересно, что на этот раз художники из бывших союзных республик были представлены не только в рамках собственных республиканских стендов, но и некоторые из них были вынесены в Проектную часть Салона. Так, латвийская «Галерея 21» представила проект «Контрасты», а узбекский художник А. Мирзо — проект «Природа и человек». Среди галерей и художников, представляющих свои персональные экспозиции в рамках Салона, в этом году было много представителей российской провинции и даже европейских стран. Свои экспозиции представили галереи из Санкт-Петербурга, Самары, Волгограда, Балашихи, а также художник из Чехии. Среди персональных экспозиций особое внимание зрителей привлекали произведения художников И. Баклановой, Е. Гришиной, Б. Дембовского, И. Мустафина и др. Специально хочется отметить дизайнерское решение оформления экспозиций, которое с каждым годом становится все более изысканным. При всей своей простоте и лаконичности (белые стены, простые темные рамы, гофрокартон вместо паспарту для графики) общее впечатление от прошедшего салона вполне сравнимо с впечатлениями от мировых художественных ярмарок современного искусства, как, например, «Арт-Базель» в Швейцарии или VIENNAFAIR в Австрии. Мария Липатова, искусствовед

of ancient images should set the viewers that would come to see another annual salon for comprehension of complex, but subtle and exquisite art of man-made pictures. The whole second floor was occupied by expositions arranged by Artists’ Unions of the former republics, non-commercial projects, and a special exposition which seemed like a separate exhibition as part of the general exhibition titled «Pictures of 1920—1990s from Funds of the International Confederation of Artists’ Unions». The unique exposition featured works by many artists including Fonvizin, Miturich, Chekrygin, Chernyshov, Popkov, Ulyanov, Moiseenko, Gerasimov, Ioganson, Borovskiy, Nina and Dmitriy Zhilinskiys, Salakhov, Golitsyn, and other. What could unite painters, graphic artists, sculptors, theatre designers, representatives of Russian avant-garde, as well as Soviet and modern artists? The organizers of the Salon found an answer to the question — the picture. The conceptual and the physical core of the latest Salon, like of all the previous ones, was expositions presented by Unions of Artists of the CIS and Baltic States that were formerly united by the Union

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

of Artists of the USSR and now by its successor — the International Confederation of Artists’ Unions. Thirteen years ago the annual March Salon in the Central House of Artists was designed for Artists’ Unions of the former Soviet Union republics in particular to restore and maintain consolidated art space of the former USSR. Since its establishment the Central House of Artists’ Salon has undergone significant changes: the section of the exposition dedicated to non-commercial projects has been greatly enlarged and expositions of Artists’ Unions of the former Union republics have been perfected. The organizers of the latest Salon insisted that Unions should present primarily pictures. Besides, it was recommended to exhibit single artist’s creations at one stand. Most of the Artists’ Unions of the CIS and Baltic States met the requirements making the general impression of the latest Salon particularly favourable. It is a pleasure to see the Salon transform from a fair into a sound display of contemporary traditional art over the years. The most impressive stands included stands of the Academy of Arts (pictures by Viktor Kalinin), Union of Russian Artists (prints by Nickolay Voronkov), Saint-Petersburg Union of Artists (sculptures and graphic works by Aleksandr Molev and pictures by Aleksandr Saikov), and the Union of Artists of Kyrgyz Republic (including works by the artists A. Baiterekov, A. Biymyrzaev, K. Davletov, N. Kongurbayev, T. Usubaliev, and Y. Shygaev). Stands by Baltic Artists’ Unions looked Europeanly spectacular, as they always do. Unions’ expositions were flanked by stands of the so-called special projects. And here again there were a lot of familiar names and fascinating works there. A project titled «Early Works by Kibrik» explored early sheets by the acclaimed academician and Professor of V. I. Su-

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

rikov Art Institute in Moscow, who was a student and a follower of N. Filonov in his early years. Another project titled «Pictures by Ivan Lubennikov» included a series of pictures created by the honoured and popular painter intentionally for the Central House of Artists’ Salon. Presenting his «Suburb» project the photo artist V. Bliznyuk demonstrated his photographs, and what is more — his pictures. Other non-commercial projects included works by a number of artists’ dynasties like the graphic artists Avvakumovs (N. and M. Avvakumovs, and O. Volkova), the Popkovs (V. and Y. Popkovs, and K. Kalinycheva), the Yaushevs (Z., O., and R. Yaushevs), the Birstein (M. and A. Birstein, and N. Vatolina), the Mamonovs (K. and B. Mamonovs, and N. Litvina), the painters Borisovs (V., S., and N. Borisovs), and the family of the sculptors Surovtsevs. The interesting point is that this time again works by artists from former Union republics were presented at republican stands; furthermore some of them were included into the Project section of the Salon. Thus the Latvian «Gallery 21» presented the project «The Contrasts» and the Uzbek artist A. Mirzo presented the project «Man and Nature». This year galleries and artists representing their solo expositions at the Salon included a lot of representatives of Russian province and even European countries. Expositions were also presented by galleries from Saint-Petersburg, Samara, Volgograd, Balashikha, and an artist from Czech Republic. The most appealing solo expositions included works by artists like I. Baklanova, E. Grishina, B. Dembovskiy, I. Mustafin, and other. What should be particularly noted is the expositions’ design, which has become more and more exquisite over the years. Despite its simplicity and laconism (white walls, simple dark frames, and corrugated board instead of passe-partout for graphic works), the overall impression of the latest Salon is purely comparable with impressions of world’s art fairs of contemporary art like Art Basel in Switzerland and VIENNAFAIR in Austria. Maria Lipatova, arts critic

на правах рекламы

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

ПЕРСОНАЛЬНАЯ ХУДОЖЕСТВЕННАЯ ВЫСТАВКА АЛЕКСЕЯ ЗУЕВА «ГРАФИКА» / ALEXEI ZUYEV’S PERSONAL ART SHOW «GRAPHICS» 1

1. А. Зуев. На Фонтанке. 2010. Б., тушь. 40х50 A. Zuyev. At the Fontanka. 2010. Paper, ink. 40x50

From 25 March to 15 April 2010 «The New Gallery» (Exhibition Hall of Samara Organization of the Union of Russian Artists) in Samara hosted an exhibition of graphic works by Alexei Zuyev. The art show presented nearly 60 author’s creations revealing the world of the artist’s images that came to life in everyday life and during travels (to Karelia, Saint-Petersburg, Abkhazia, The Volga, and Zhigulevskie Mountains) to the audience. The graphic artist Alexei Zuyev (Tolyatti) was born in the city of Almetyevsk on 24 February 1982. He graduated from Tolyatti State University and obtained a Diploma in fine art with honours. While studying he mastered engraving (etching, dry point technique, and linoleum printing) and chose graphic art to be the main trend of his creative activity. Since 2008 he has been a member of All-Russian Creative Public Organization «Union of Russian Artists». Since 2007 he has been doing annual internship courses at «Chelyuskinskaya Art Centre» (in Moscow). Art by Alexei Zuyev shows evident traces of romantic understanding of the world and belief in original harmony of being which is often hidden among dramatic life collisions. This harmony is perhaps the sacred mystery of the universe, which a talented artist may sometimes grasp.

2. А. Зуев. От века к веку. 2010. Б., сепия. 30х40 A. Zuyev. From One Century to the Next. 2010. Paper, sepia. 30x40 3. А. Зуев. Зима в городке. 2010. Б., гуашь. 30х40 A. Zuyev. Winter in a Small Town. 2010. Paper, gouache. 30x40

С 25 марта по 15 апреля 2010 года в городе Самаре в «Новой галерее» (Выставочный зал Самарской организации Союза художников России) проходила выставка графических произведений Алексея Зуева. Выставка представила около 60 произведений автора, раскрывающих зрителю мир образов художника, родившихся в повседневной жизни и путешествиях (Карелия, Санкт-Петербург, Абхазия, Волга и Жигулевские горы). Алексей Зуев, художник-график (Тольятти), родился 24 февраля 1982 года в городе Альметьевске. В 2004 году окончил с отличием факультет изобразительного искусства и дизайна Тольяттинского государственного университета. За время обучения получил знания в области гравюры (офорт, сухая игла, линогравюра) и определил графику и эстамп как основное направление в творческой деятельности. С 2008 года член Всероссийской творческой общественной организации «Союз художников России». С 2007 года совершает ежегодные стажировки в Доме творчества «Челюскинская» (г. Москва). В творчестве Алексея Зуева мы находим несомненные признаки романтического мироощущения, а также веру в изначальную гармонию бытия, часто скрытую за драматическими коллизиями жизни. Эта гармония, возможно, и является той заветной тайной мироздания, к которой иногда может прикоснуться талантливый художник. Маргарита Тихонова, искусствовед

Margarita Tikhonova, arts critic 2

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

ГРУППОВАЯ ВЫСТАВКА «СОВРЕМЕННЫЙ РЕАЛИЗМ» «CONTEMPORARY REALISM» GROUP EXHIBITION

Почетный председатель Союза художников России, народный художник СССР, лауреат Государственных премий СССР, РСФСР, РФ и стран СНГ, действительный член Российской академии художеств, президент Международной конфедерации союзов художников, профессор В. М. Сидоров, живописец, народный художник РФ, профессор, председатель Комиссии по работе с молодыми художниками и студентами С.А. Гавриляченко с участниками выставки. Professor V. M. Sidorov, People’s Artist of the USSR, Laureate of USSR, RSFSR, RF, and CIS Countries State Prizes, Current Member of Russian Academy of Arts, and President of the International Confederation of Artists’ Unions and Professor S. A. Gavrilyachenko, painter, People’s Artist of the Russian Federation, Chairman of the Young Artists and Students Commission with participants of the exhibition

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

В Союзе художников России прошла групповая выставка молодых современных художников Москвы и Перми, работающих в жанре «большой картины». В экспозиции было представлено около 80 реалистических полотен на современную тематику, портреты, жанровые картины, произведения, посвященные Великой Отечественной войне, пейзажи. Участники выставки: Е. Зайцев, Д. Шмарин, А. Косничев, Д. Петров, Э. Петрова, А. Смирнов, А. Дроздов, Е. Степура, А. Боганис, В. Куракса, И. Ребров, М. Юсупова, Е. Загарских, М. Фаюстов, О. Иващенко, А. Очнев. Выставка проходила с 10 по 26 марта в выставочном зале Союза художников России (Покровка, 37).

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

The Union of Russian Artists welcomed a group exhibition of works by young contemporary artists from Moscow and Perm working in the «large painting» genre. The exposition presented nearly 80 realistic creations dedicated to up-to-date themes, portraits, conversation pieces, works dedicated to the Great Patriotic War, and landscapes. Participants of the art show included E. Zaytsev, D. Shmarin, A. Kosnichev, D. Petrov, E. Petrova, A. Smirnov, A. Drozdov, E. Stepu-

ra, A. Boganis, V. Kuraksa, I. Rebrov, M. Yusupova, E. Zagarskikh, M. Fayustov, O. Ivashchenko, and A. Ochnev. The exhibition ran in the exhibition hall of the Union of Russian Artists (Pokrovka, 37) from 10 to 26 March.

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

ПРЕМИЯ КАНДИНСКОГО KANDINSKYPRIZE Это частная премия, учрежденная культурным фондом «Артхроника» в 2007 году. В 2009 году в номинации «Проект года» премию (40 000 евро) получил Вадим Захаров за инсталляцию «Гарнитур Святой Себастьян возле кипящей овсяной каши». В разделе «Медиаарт-проект года» приз (10 000 евро) получили художники Аристарх Чернышев и Алексей Шульгин за выставку «КРИТИ-ПОП». Лучшим молодым художником года назван 23-летний художник из Тувы Евгений Антуфьев за работу «Объекты защиты». Работы номинантов на премию Кандинского экспонировались на третьем этаже в Центральном доме художника при совершенном отсутствии зрителей. «Что здесь происходит?» — задавали вопрос редкие случайно зашедшие посетители, увидев палки, свисающие на веревках с потолка. Трудно было объяснить, что это выдающиеся произведения современного искусства. Явления актуального искусства — это часть общемирового космополитического процесса, стремящегося к всеобщей глобализации. Отсюда — стирание национальных особенностей и колорита. На эту тенденцию обратил внимание самый молодой из лауреатов Евгений Ануфьев: «Сейчас мне кажется актуальным возвращение к пластическим ценностям. К тому же у меня есть некоторые проблемы с восприятием работ многих русских художников. Я не чувствую, что это русское искусство. Ведь у русского искусства есть свои корни, концептуализм — он русский, авангард — тоже, а сейчас многие просто калькируют западные практики. Мне кажется, что актуальным будет возвращение к корням нашего искусства». Полемизировать и противостоять глобализации в борьбе за души людей берет на себя смелость вечный поборник справедливости, выдающийся художник и скульптор Михаил Шемякин. Является ли мебельный гарнитур с проекцией кипящей овсяной каши, выполненный по эскизам художника, живущего в Германии, наиболее ярким достижением современного отечественного искусства? Думаю, что слишком узок был спектр произведений, рассматриваемых жюри. Ведь Василий Кандинский, чьим именем названа премия, был замечательным живописцем, рукотворным мастером, поднимавшим вопросы «О духовном в искусстве». Пока что в сфере актуального искусства мы чаще сталкиваемся с проблемой бездуховного.

This is a privately owned award instituted by «Artkhronica» Culture Fund in 2007. In 2009 «The Best Project» prize (40 000 Euros) went to Vadim Zakharov for his installation «Saint Sebastian Set near Boiling Porridge». «The Best Media Art Project» prize (10 000 Euros) went to the artists Aristarkh Chernyshev and Alexei Shulgin for the exhibition «KRITI-POP». «The Best Young Artist» award went to the 23-year-old Tuva artist Evgeniy Antufyev for his creation «Objects of Protection». Works by Kandinsky Prize nominees were exhibited on the third floor of the Central Artists’ House with absolutely no visitors. «What is going on here?» — this was the question often asked by rare visitors who came to see sticks hanging on ropes from the ceiling. It was really hard to explain that it was an outstanding piece of contemporary art. Up-to-date art works make up a part of the global cosmopolitan process that tends to universal globalization leading to elimination of national peculiarities and trademarks. The tendency was noted by the youngest laureate Evgeniy Antufyev, who said that «I think nowadays it seems reasonable to go back to plastic values. Besides, works by many Russian artists still confuse me. I do not think it is really Russian art, since Russian art has its own roots. Thus Conceptualism is Russian, Avant-Garde is Russian too, and now a lot of artists simply copy Western practices. I believe it would be rational to go back to the origins of our art». Polemic and confrontation with antihuman globalization in an attempt to save people’s souls have been ventured by the constant believer in justice, the outstanding artist and sculptor Mikhail Shemyakin. Can a furniture set with a projection of boiling porridge created according to sketches by the artist that currently lives in Germany be considered the most spectacular achievement of contemporary domestic art? I think the range of works considered by the Jury was too limited. Since Wassily Kandinsky, after whom the prize was named, had been a wonderful painter and a true master, who brought up issues of «spiritual art». And so far it is more common for us to face the problem of the spiritless.

Оксана Ермолаева-Вдовенко, искусствовед

Oksana Yermolayeva-Vdovenko, arts critic

Выстояли и победили! They Stayed it Out and Won!

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

ВЫСТОЯЛИ И ПОБЕДИЛИ! THEY STAYED IT OUT AND WON! Тема защиты Отечества — вечная в изобразительном искусстве и одна из наиболее почитаемых в российской художественной культуре. Она имеет глубокие традиции, восходящие к древнерусскому наследию, к вершинам русской живописи XIX—XX столетий. Освободительная борьба против фашистских захватчиков вызвала в народе всплеск духовных и физических сил, превратилась в смысл и содержание жизни: во что бы то ни стало выстоять и победить! С этими чувствами прошли войну и деятели искусства — художники, артисты, кинематографисты, писатели. Своё служение Родине они видели в создании произведений, мобилизующих духовные силы общества. Как оказалось, художественные произведения могут быть и стали могучим оружием и эффективным агитационным средством в великой битве против фашизма. На фронтах Великой Отечественной сражалось множество художников — профессионалов и начинающих авторов. Наравне с фотографами, их творческим трудом была создана впечатляющая изобразительная летопись войны. В натурных рисунках и этюдах, сделанных в окопах, во время боев, в медсанбатах и госпиталях, в партизанских отрядах, в подразделениях пехоты, штурмовой авиации, разведки, в расположениях танковых войск и артиллерии ими создана галерея сильных народных характеров. Сохранившиеся фронтовые рисунки и этюды — уникальные исторические свидетельства военного лихолетья. В таких произведениях, как правило, почти нет изображений людей — эти пейзажи не нуждаются в добавочных деталях. В них — эмоциональный драматический рассказ художников-очевидцев. Родина, война, смерть и бессмертие, боевое братство и товарищество, любовь и верность, мечта о победе, раздумья о судьбе народа — вот основные мотивы искусства военной поры. Но военное время потребовало не только драматических и трагических красок. Оно обострило потребность людей в человеколюбии, гуманности, что не могло не сказаться в искусстве. Произведения 1944—1945 годов отразили новое восприятие людьми не только своей необъятной страны, но и «малой родины», где они родились, самих себя, своего народа. Война вызвала впечатляющие примеры нравственной силы рядовых солдат и офицеров, проявивших героизм и самопожертвование. Это подняло в искусстве на новую высоту тему защиты Отечества, выдвинуло на первый план героя-освободителя. На многие десятилетия эта тема стала одной из главных в изобразительном искусстве страны. В XXI столетии она продолжает жить в творчестве российских живописцев, скульпторов, графиков самых разных поколений. О Великой Отечественной войне пишут сыновья и внуки тех, кто ее прошел. Они хорошо помнят подвиги своих отцов и дедов, знают фронтовые события 65-летней давности, заново осмысливают историю Великой Победы. Праздник 65-летия разгрома фашизма встречают в городах России около 200 художников-ветеранов. Чем дальше в прошлое уходят от нас события, участниками которых они были, тем величественнее и ярче воспринимается их солдатский подвиг. Т.И. Бойцова, искусствовед, заслуженный деятель искусств РФ, начальник отдела информации Союза художников России В публикации использованы материалы, предоставленные Союзом художников России

Fatherland defense is an eternal subject of fine art and one of the most respected themes in Russian art culture. It has deep roots dating back to Old-Russian heritage and masterpieces of the Russian painting art of XIX-XX centuries. The liberation struggle against fascist invaders prompted a boost of spiritual and physical energy among people and turned into the essence and contents of life: stay it out and win whatever it takes! During the war years such feelings were shared by art figures as well. They included artists, actors, cinematographers, and writers. They believed they served their Motherland by creating pieces of art that could mobilize society’s spiritual power. It turned out that art works could be a powerful weapon and effective agitation means in the great battle against fascism. And they really were. The Great Patriotic War battlefields saw a lot of artists including professionals and budding authors. Along with photographers they worked to create an impressive descriptive chronicle of the war. Their nature drawings and sketches made in trenches, during battles, in medical and sanitary battalions, hospitals, partisan units, infantry divisions, assault aviation divisions, reconnaissance groups, and armored force and artillery orders make up a gallery of strong people’s characters. Front drawings and sketches that have remained till nowadays represent unique historical evidence of the troubled years of the war. These works normally feature no images of people, since such landscapes do not require any extra details. They convey emotional drama stories told by artists that have witnessed it all. The main motifs of war art include the motherland, war, death and immortality, battle brotherhood and fellowship, love and faithfulness, dreams of victory, and contemplations of nation’s destiny. War time, however, required more than just dramatic and tragic colours. It intensified people’s need for benevolence and humanity, which could not but influence art. Works created during the period from 1944 to 1945 reflected people’s new understanding of their boundless country and, what is more, their homeland, where they had been born, as well as themselves and their people. The war offered impressive illustrations of moral power of ordinary soldiers and officers that showed heroism and self-sacrifice. It all took the subject of fatherland defense to a new level in art and brought heroic liberators to the fore. For decades the subject remained one of the main themes in fine art of the country. In XXI century it can still be seen in art by Russian painters, sculptors, and graphic artists of different generations. The Great Patriotic War is now depicted by sons and grandsons of people that survived it. They do remember their fathers’ and grandfathers’ feats, know battlefield events that happened 65 years ago, and rethink the history of the Great Victory. The festival dedicated to the 65th anniversary of the crushing defeat of fascism will be celebrated by nearly 200 veteran artists in different Russian cities. The further the events they once took part in are, the more exalted and the more vivid their soldier’s feat seems. T.I. Boytsova, arts critic, Honoured Art Figure of the Russian Federation, Head of the Information Department of the Union of Artists of Russia The article includes data rendered by the Union of Artists of Russia.

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

Борис Михайлович НЕМЕНСКИЙ Boris Mikhailovich NEMENSKIY Народный художник РСФСР, лауреат Государственных премий СССР и РФ, лауреат премии Президента РФ, премии «Сокровищница Родины», японской премии «Сакура», действительный член Российской академии художеств и Российской академии образования, профессор.

Professor Nemenskiy is a People’s Artist of the RSFSR, laureate of State Prizes of the USSR and the Russian Federation, winner of the Russian Federation President Prize, winner of the «Treasury of the Motherland» prize, winner of the Japanese «Sakura» prize, and a current member of the Russian Academy of Arts and the Russian Academy of Education.

Родился 24 декабря 1922 года в Москве. Живописью Борис Неменский серьезно увлекся еще в детстве, после школы учился в Московском художественном училище имени 1905 года. В 1942 году он окончил Саратовское художественное училище, был призван в армию и направлен для прохождения службы в Студию военных художников имени Грекова. Начались длительные командировки в действующую армию: в Панфиловскую ди-

Boris Nemenskiy was born in Moscow on 24 December 1922. The artist took a lively interest in painting when he was still a kid. After finishing school he studied at 1905 Art College in Moscow. In 1942 he graduated from Saratov Art College to be eventually drafted into the army and sent to do his duty at Grekov Studio of Military Artists. He started going on long business trips to army field forces including Panfilovskaya division, units fighting for Velikie Luki

1. Б.М. Неменский. Земля опаленная. 1957. Х., м. Государственная Третьяковская галерея B.M. Nemenskiy. The Scorched Land. 1957. Canvas, oil. State Tretyakov Gallery

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

визию во время сражения за Великие Луки и боев на Смоленском направлении, на Украинский, Белорусский, Ленинградский фронты. Неменский принимал участие в боях на реке Одер и в штурме Берлина. В многочисленных фронтовых зарисовках он воссоздал горько-поучительный образ войны. Его работы ведут зрителя по фронтовым дорогам. Рука художника запечатлела на бумаге и картоне солдат, командиров, санитаров, повозки с ранеными, военную технику, разрушенные войной жилища, лежащие в руинах города. Художественной документальностью ценен его «Берлинский дневник» (1945). В нем, кроме лаконичных хронологических записей, — десятки графических рисунков и живописных этюдов. В 1951 году Б.М. Неменский окончил Московский художественный институт имени В.И. Сурикова. Из правды жгучих военных лет родились многие его картины, начиная с первой из них — работы «Мать» (1945), которая создана еще до поступления в институт. Тонкое, возросшее мастерство живописца проявилось в картине «О далеких и близких» (1950). Своеобразным продолжением исследования роли женщины в войне в творчестве Б.М. Неменского стало полотно «Машенька», или «Сестры наши». Сродни известной песне «Соловьи, соловьи, не тревожьте солдат...» его картина «Дыхание весны» (1955). Живописная сюита о человеке на войне продолжена работой «Земля опаленная» (1957). В суровой, экспрессивной манере исполнена художником «Безымянная высота», символично звучат его композиции «Мир тревожен» (1964) и «Тишина» (1965). С новой силой талант живописца проявился в полотне «Судьбы» («Женщины моего поколения»). Нескрываемой болью за человека, его судьбу пронизана картина Б.М. Неменского «Солдаты» (1967—1971), в суровой и сдержанной манере написаны работы «Здесь твой сын (Ради жизни)» (1980), «Память Смоленской земли» (1984) и «Дом друга моего» (1985). Заботой о нравственности молодого человека, об ответственности перед жизнью продиктован живописный цикл «Поколение» (1976—1978). Публицистиче-

and along Smolensk axis, as well as Ukrainian, Byelorussian, and Leningrad fronts. Nemenskiy took part in battles on the Oder River and the assault on Berlin. His numerous front sketches show a bitter and educative image of the war. His creations lead the audience along front roads. The artist used paper and cardboard to depict soldiers, commanders, aid men, carriages full of wounded people, military weaponry, houses destroyed by the war, and cities lying in ruins. This is pictorial actuality that makes his «Berlin Diary» (1945) so valuable. It features laconic chronological notes and, what is more, dozens of graphic drawings and pictorial sketches. In 1951 B. M. Nemenskiy graduated from Surikov Art Institute in Moscow. The truth of those frenzied war years gave rise to many of his paintings including the first one titled «Mother» (1945), which had been created before he even entered the Institute. The painter’s subtle high mastery is evident in the painting «About Strangers and Relatives» (1950). B. M. Nemenskiy’s attempts to ex-

2. Б.М. Неменский. День Победы. 9 мая 1945 года. Х., м. Из серии «Берлинские этюды» B.M. Nemenskiy. Victory Day. 9 May, 1945. Canvas, oil. «Berlin Sketches» Series 3. Б.М. Неменский. 9 мая 1945 года. Х., м. Из серии «Берлинские этюды» B.M. Nemenskiy. 9 May, 1945. Canvas, oil. «Berlin Sketches» Series

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

4. Б.М. Неменский. Кони Клодта в Берлине. Май 1945 года. Х., м. Из серии «Берлинские этюды» B. M. Nemenskiy. Klodt’s Horses in Berlin. May, 1945. Canvas, oil. «Berlin Sketches» Series 5. Б.М. Неменский. Колонна Победы. 12 мая 1945 года. Х., м. Из серии «Берлинские этюды» B. M. Nemenskiy. Victory Column. 12 May, 1945. Canvas, oil. «Berlin Sketches» Series

ски остро воспринимается картина «Собеседники» (1984). Б.М. Неменский является автором циклов картин: «Притча об инакомыслии» (1992—1998), «Чужие жизни» (2004). Картины художника находятся в постоянной экспозиции Третьяковской галереи, во многих музеях России и мира. Б.М. Неменский — постоянный участник различных художественных выставок как в России, так и за ее пределами. Его персональные выставки прошли во многих городах мира. С 1957 года важное место в жизни Бориса Михайловича занимает педагогическая деятельность. В течение ряда лет он заведовал кафедрой в Московском педагогическом институте имени В.И. Ленина, а с 1966 года является профессором художественного факультета Всесоюзного государственного института кинематографии. С 1994 года Борис Михайлович возглавляет Центр непрерывного художественного образования при Департаменте образования города Москвы. За эти годы Б.М. Неменским разработано целостное направление художественной педагогики «Художественное образование как духовная культура» и на его основе — программа для общеобразовательных школ «Изобразительное искусство и художественный труд», реализацией которой он активно занимается. Он — автор книг «Тревоги большого пути», «Распахни окно», «Доверие», «Мудрость красоты», «Познание искусством», «Приглашение к диалогу (друзья, ученики, соратники)», «Педагогика искусства», а также многих статей по проблемам эстетического воспитания средствами изобразительного искусства. Б.М. Неменский награжден медалями «За боевые заслуги», «За победу над Германией» и другими, болгарским орденом Кирилла и Мефодия I степени. Живет и работает в городе Москве.

plore the role of women in the war resulted in his painting «Mashenka» or «Our Sisters». His painting «Breath of Spring» (1955) reminds of the well-known song «Nightingales, Nightingales, Do Not You Bother the Soldiers…» He continued his pictorial suite about a man at war with another creation titled «The Scorched Ground» (1957). The artist’s «The Unnamed Height» painting seems austere and expressive, whereas his compositions like «The Anxious World» (1964) and «Silence» (1965) appear pretty symbolic. And his creation «Destinies» («Women of My Generation») shows new verges of the painter’s talent. B. M. Nemenskiy’s painting «Soldiers» (1967— 1971) is imbued with undisguised anguish at people and their fate. And his works like «Your Son is Here» («For Life») (1980), «Memory of Smolensk Land» (1984), and «My Friend’s House» (1985) look austere and restraint. His pictorial cycle titled «The Generation» (1976-1978) is all dedicated to morals of young people and their responsibility before life. His painting «Interlocutors» (1984) seems publicistically acute. B. M. Nemenskiy has created a number of pictorial cycles like «The Parable about Dissidence» (1992-1998) and «Others’ Lives» (2004). The artist’s paintings have been included into the constant exposition of the Tretyakov Gallery and are held in many museums of Russia and the world. B. M. Nemenskiy has been regularly taking part in different art shows in Russia and abroad. His solo exhibitions have been held in many cities of the world. Since 1957 Boris Mikhailovich has dedicated most of his time to teaching. For several years he headed a department of V. I. Lenin Teaching Institute in Moscow. Since 1966 he has been a Professor of the art department of All-Union State Institute of Cinematography. Since 1994 Boris Mikhailovich has headed the Centre of Continuous Art Education of Moscow Education Department. Over the years B. M. Nemenskiy has developed a comprehensive trend of art teaching called «Art Education as Spiritual Culture». He used it as a basis to elaborate his «Fine Art and Artwork» program for secondary schools, which he currently actively tries to realize. He has written several books like «Troubles of the Long Way», «Break the Window Open», «Trust», «Beauty Wisdom», «Learning with Art», «Invitation to a Dialogue (Friends, Students, and Associates)», and «Teaching Art». He has also written a lot of articles on aesthetic education by means of fine art. B. M. Nemenskiy has been awarded with several medals including the Distinguished Service Medal, «For the Victory over Germany» medal, and other. He has also been awarded with the 1st Degree Cyril and Methodius Bulgarian Order. He lives and works in Moscow.

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

Владимир Николаевич КОРБАКОВ Vladimir Nikolayevich KORBAKOV Народный художник России, Почетный гражданин города Вологды, член-корреспондент Российской академии художеств, награжден Государственной наградой «За заслуги перед Отечеством» II степени, лауреат Государственной премии по Вологодской области в области литературы и искусства за 2005 год за живописный цикл «Страницы истории», посвященный 100-летию Русско-японской войны 1904—1905 годов, действительный член Российской академии художеств, награжден золотой медалью Российской академии художеств, золотой медалью Союза художников России.

Korbakov is a People’s Artist of Russia, Honorary Citizen of Vologda City, and a Corresponding Member of the Russian Academy of Arts. He has been awarded with the 2nd degree Merit for the Motherland State Prize. He is a laureate of 2005 Vologda Region State Prize in the field of literature and art for his pictorial cycle “History Pages” dedicated to the 100th anniversary of Russo-Japanese War of 1904-1905s and a current member of the Russian Academy of Arts. He has been awarded with a Gold Medal of the Russian Academy of Arts and a Gold Medal of the Union of Artists of Russia.

Korbakov was born in the village of Kazarinovo, Sokolskiy Region, near Vologda, on 5 June 1922. The artist spent his childhood and youth in Vologda. On finishing a seven-grades school in 1940 he started studying at a studio of the Union of Artists and as early as 1941 he found a job in an Art Fund studio. In 1941 Vladimir Korbakov volunteered to go to the front. He was severely wounded in a battle near Moscow in 1942. After a yearand-a-half leave he was back in the lines to serve as a sailor of the White Sea Fleet. For taking part in battle actions V. Korbakov was awarded with the 3rd degree Order of Glory, the Great Patriotic War Order, and numerous medals. Off duty he used to illustrate posters, create panels, and send many of his works to All-Army exhibitions of amateur art activities. Seeing the sailor’s passion to art commanders sent him to Moscow Art School of World War II Disabled Veterans, where he studied from 1946 to 1951. In 1951 he finished the School with honours to become a student of V. I. Surikov State Art Institute in Moscow. In 1958 the artist went back to Vologda and in 1959 he was granted membership of the Union of Artists. In 1972 he was awarded with the title of an Honoured Artist of the RSFSR. Korbakov was one of the creators and the longstanding head (from 1964 to 1977) of Vologda Organization of the Union of Russian Artists. Vladimir Nikolayevich Korbakov’s art is one of the most spectacular illustrations of traditions and tendencies of today’s development of fine art in Vologda Region. For nearly half a century art by Korbakov has been a major focus of interest for his artist colleagues, specialists, connoisseurs, and collectors of paintings. Since 1956 the artist’s creations have been regularly exhibited

1. В.Н. Корбаков. Свободный полет над Вологдой. 1999. ДВП., м. Вологодская областная картинная галерея V.N. Korbakov. Free Flight above Vologda. 1999. Particle board, oil. Vologda Regional Picture Gallery

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

Родился 5 июня 1922 года в деревне Казариново Сокольского района Вологодской области. Детство и юность художника прошли в Вологде. Окончив семилетнюю школу, в 1940 году пошел учиться в студию при Союзе художников и уже в 1941 году устроился на работу в мастерскую Художественного фонда. В 1941 году Владимир Корбаков добровольцем ушел на фронт. В 1942 году в боях под Москвой был тяжело ранен. После полуторагодового отпуска вернулся в строй и служил матросом в Беломорской флотилии. За участие в боевых действиях В. Корбаков награжден орденом Славы III степени и орденом Отечественной войны, многими медалями. В свободное от службы время он оформлял стенгазеты, писал панно, не раз посылал свои работы на всеармейские выставки художественной самодеятельности. Видя страсть матроса к искусству, командование направило его в Московское художественное училище инвалидов Великой Отечественной войны, где он проходил обучение с 1946 по 1951 год. В 1951 году с отличием закончил училище и стал сту-

at large and small art shows in Russia and abroad. Paintings by Korbakov cannot leave anybody indifferent. They have always been a subject of talks, disputes, and articles. The artist is both praised and criticized. V. Korbakov has always been a daring pioneer and a bold passionate seeker of new ways to renew art techniques of contemporary art. Korbakov works in almost all genres of painting art primarily thinking of expressing his emotions and bright unusual visual impressions. V. N. Korbakov’s life has always been related to Vologda land. For over half a century he has created nearly 1000 pictorial and graphic works. The artist’s creations are held in the Tretyakov Gallery, State Historical Museum, Central Museum of the Great Patriotic War at Poklonnaya Gora (Poklonnaya Mountain) in Moscow, Landscape Museum in Plyos at the Volga River, and many Russian cities (including Tver, Petrozavodsk, Tyumen, and Syktyvkar). The largest collection is held in Vologda Regional Picture Gallery. 87-year-old Vladimir Korbakov is full of energy, amazing working capacity, and kind-heartedness to people around him. He

2. В.Н. Корбаков. Украденная победа. 1995. Х., м. Вологодская областная картинная галерея V.N. Korbakov. Stolen Victory. 1995. Canvas, oil. Vologda Regional Picture Gallery

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

дентом Московского государственного художественного института им. В.И. Сурикова. В 1958 году художник вернулся в Вологду, в 1959 году его приняли в члены Союза художников, в 1972 году ему присвоено звание заслуженного художника РСФСР. Корбаков был одним из создателей и многолетним руководителем (с 1964 по 1977 год) Вологодской организации Союза художников России. Творчество Владимира Николаевича Корбакова — одно из наиболее ярких проявлений традиций и тенденций современного развития изобразительного искусства Вологодского края. Почти полвека искусство Корбакова находится в центре внимания коллег-художников, специалистов, любителей и собирателей живописи. Произведения художника с 1956 года постоянно экспонируются на больших и малых художественных выставках России и за рубежом. Картины Корбакова никого не оставляют равнодушными — о них говорят, спорят, пишут, художника хвалят и критикуют. В. Корбаков всегда был и остается смелым новатором, дерзким и страстным искателем новых путей обновления художественного языка современного искусства. Корбаков работает почти во всех жанрах живописи, исходя прежде всего из желания выразить волнение души и передать яркие, необычные зрительные впечатления. Вся жизнь В.Н. Корбакова связана с вологодской землей. Более чем за полвека труда выполнено около 1000 живописных и графических произведений. Работы художника находятся в Третьяковской галерее, Государственном историческом музее, в Центральном музее Великой Отечественной войны на Поклонной горе в Москве, в Музее пейзажа в Плесе на Волге и во многих городах России (Тверь, Петрозаводск, Тюмень, Сыктывкар). Самая большая коллекция хранится в Вологодской областной картинной галерее. В свои 87 лет Владимир Корбаков полон энергии, удивительной работоспособности и отзывчивости к окружающим людям. Он всегда в курсе всех дел, событий, планов и проблем области. Он не только болеет, но и радеет за сохранение культуры, за нравственное благосостояние общества. Главное заключается в том, что Владимир Николаевич всегда находится в движении, в поиске, в работе. Постоянно живет и работает в Вологде. С.М. Корбакова, заведующая Музейно-творческим центром «Дом Корбакова» 3

3. В.Н. Корбаков. Писатель-фронтовик Виктор Астафьев. 2010. Х., м. V.N. Korbakov. Veteran Writer Viktor Astafyev. 2010. Canvas, oil 4. В.Н. Корбаков. «Обветшалые гнутся стропила, И по лестнице шаткой во мрак, Чтоб нечистую выпугнуть силу, С фонарем я иду на чердак» (Н. Рубцов. «Зимняя сказка»). 2006. Х., м. Российская академия художеств V.N. Korbakov. «Ramshackle chevrons bend, So I go to the garret with a light, Down unsteady stairs into darkness, To frighten away evil spirits» (N. Rubtsov. «Winter Fairy Tale»). 2006. Canvas, oil. Russian Academy of Arts

has always been on to all affairs, events, plans, and problems of the region. He supports and prompts the idea to preserve culture and advocates moral healthiness of the society. The most important thing is the fact that Vladimir Nikolayevich is always on the move. He keeps searching and working. He constantly lives and works in Vologda. S.M. Korbakova, Head of the Museum and Creative Centre «Korbakov’s House»

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

Владимир Иванович ПЕРЕЯСЛАВЕЦ Vladimir Ivanovich PEREYASLAVETS В.И. Переяславец — народный художник Российской Федерации, заслуженный художник РСФСР, член-корреспондент Российской академии художеств. Награжден орденами Красной Звезды, «Знак Почета», медалью «За победу над Германией», серебряной медалью имени М.Б. Грекова, дипломом Российской академии художеств.

V.I. Pereyaslavets is a People’s Artist of the Russian Federation, Honoured Artist of the RSFSR, and a Corresponding Member of the Russian Academy of Arts. He has been awarded with the Red Star order, the Badge of Honour order, “For Victory over Germany” medal, M. B. Grekov silver medal, and a certificate of the Russian Academy of Arts.

1. В.И. Переяславец. Налетался. 1957. Х., м. / V.I. Pereyaslavets. Flown Enough. 1957. Canvas, oil

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

2. В.И. Переяславец. Потомки А.С. Пушкина — участники Великой Отечественной войны. 1957. Х., м. V.I. Pereyaslavets. Descendants of A. S. Pushkin — Veterans of the Great Patriotic War. 1957. Canvas, oil

Родился 22 ноября 1918 года на станции Мироновка (ныне город Мироновка) Шевченковского района Киевской области Украинской ССР. Отец Переяславца скончался, когда Владимиру не было и года. После его смерти мать переезжает в станицу Тимашевку, а в 1924 году они вместе переселились в Краснодар. В 1930 году после смерти матери Володя попадает в детский дом №1 Краснопресненского района Москвы. В 1933 году он знакомится с известным русским живописцем П.П. Кончаловским. Эта встреча оказала огромное влияние на весь дальнейший ход жизни юноши. В 1936—1937 годах Владимир учится на рабфаке Московского архитектурного института, а в 1938—1939 годах — в Средней художественной школе при Институте живописи, скульптуры и архитектуры Всероссийской академии художеств в Ленинграде. В начале Великой Отечественной войны В. Переяславец поступает в Центральный аэроклуб имени В. И. Чкалова в Москве и с марта по май 1942 года служит в 12-й отдельной эскадрилье ночных полетов в г. Самарканде. Потом направляется на учебу в школу летчиков-истребителей, эвакуированную из Одессы во Фрунзе. В 1944 году после окончания учебы Владимир Переяславец попадает на фронт. В составе 1-й авиаэскадрильи 119-го истребительного авиаполка 104-й истребительной авиадивизии 1-й Воздушной армии он проходит службу на Северном фронте. Служба в армии продолжалась и после войны вплоть до 1946 года. После демобилизации Владимир Переяславец поступает в Московский государственный художественный институт им. В.И. Сурикова, где учится в мастерской В.Н. Яковлева. В 1949 году В.И. Переяславца призывают в армию для переподготовки летного состава. На протяжении 9 лет он участвует в воздушных парадах, посвященных Дню авиации на Тушинском аэродроме в Москве, в спортивной группе на само-

Pereyaslavets was born at Mironovka railway station (currently the town of Mironovka), Shevchenkovskiy Region, Kiev Province, Ukraine SSR, on 22 November 1918. Pereyaslavets’ father had been gone, when Vladimir was not even a year old. After his death his mother moved to Timashevka Cossack village and in 1924 they all moved to Krasnodar. In 1930 after his mother’s death Vladimir found himself at orphanage #1 in Krasnopresnenskiy Region of Moscow. In 1933 he met the acclaimed Russian painter P.P. Konchalovskiy. The meeting had a great effect on the young man’s whole future life. From 1936 to 1937 Vladimir studied at worker’s department of Moscow Institute of Architecture. And from 1938 to 1939 he studied at a secondary school of the Institute of Painting, Sculpture, and Architecture of All-Russian Academy of Arts in Leningrad. When the Great Patriotic War broke out V. Pereyaslavets joined V.I. Chkalov Central Flying Club in Moscow, so from March 1942 to May 1942 he served as a member of the 12th separate squadron of night flying in the city of Samarkand. Eventually he was sent to study at an air fighters school which had been evacuated from Odessa to Frunze. In 1944 on completing his studies Vladimir Pereyaslavets found himself in the lines. As a member of the 1st aviation squadron of the 119th fighter wing of the 104th fighter aviation division of the 1st air army he served at the Northern Front. After the war he remained in the service up to 1946. After deactivation Vladimir Pereyaslavets entered V.I. Surikov State Art Institute in Moscow, where he studied under the guidance of V.N. Yakovlev. In 1949 V.I. Pereyaslavets was drafted into the army for recurrent training of the aircrew. For nine years he took part in flight displays dedicated to the Aviation Day at Tushinskiy airdrome in Moscow as a member of a sports group flying Yak-18-P airplanes. In 1950 he joined the team of M.B. Grekov Studio of Military Artists and in 1957 he became

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

3 3. В.И. Переяславец. Сирень в мастерской. 1977. Х., м. V.I. Pereyaslavets. Lilac in the Studio. 1977. Canvas, oil 4. В.И. Переяславец. Письмо из командировки (портрет Ирины Поповой). 1949. Х., м. V.I. Pereyaslavets. Letter from a Business Trip (Portrait of Irina Popova) 1949. Canvas, oil

летах Як-18-П. В 1950 году он становится членом коллектива Студии военных художников имени М.Б. Грекова, а в 1957 году — членом Союза художников СССР. С 1953 года начал участвовать во всесоюзных, республиканских, московских художественных выставках, а также выставках, организуемых Студией военных художников имени М.Б. Грекова в частях и подразделениях Советской Армии и ВоенноМорского флота. Творческая жизнь художника-грековца В.И. Переяславца — это бесчисленные поездки в воинские части и на флот, на пограничные заставы, работа во Вьетнаме в 1966 году, десятки творческих командировок по всему миру. Все эти события, как в зеркале, отражены в его живописи, где главное место занимает галерея портретов. Эти портреты несут в себе не только достоверные образы изображенных людей, но и неизъяснимое обаяние самой творческой личности художника. В послевоенные годы любимыми героями живописи В.И. Переяславца являются летчики. И уже тогда формируется характерный для него тип портрета в среде. Он как бы оторван от общей тенденции парадного портрета 50-х годов. Художник создает свои исполненные живым чувством композиции, где каждая личность раскрыта панорамно, во всей широте своего жизненного проявления. Правда жизни, а не парадная ее сторона, естественность проявления чувств — главные модули сюжетного начала портретов Переяславца, которые в большей части своей можно назвать портретами-картинами. Портреты военных летчиков, моряков, солдат, пограничников художник пишет всю свою жизнь, с какой-то страстной настойчивостью, мечтая о дружбе между военными, о мирном наступлении людей этой суровой профессии. Однако о нем нельзя говорить только как о мастере портрета. Его дар многообразен. В жанре пейзажа и натюрморта произведения В.И. Переяславца поражают подчас то масштабной широтой, то сокровенной камерностью какого-нибудь городского мотива. Улицы Москвы, Гаваны, Камчатка, цветущий Гурзуф или фантастическая красота горного водопада в Корее сливаются на холстах мастера в симфонию цвета и света. Одна из лучших картин Владимира Ивановича — «Налетался», которая как бы олицетворяет собой мечту всего послевоенного поколения советских мальчишек, стала подлинной классикой русской советской живописи.

a member of the Union of Artists of the USSR. In 1953 he started taking part in All-Union, republican, and Moscow art shows and exhibitions that M. B. Grekov Studio of Military Artists arranged at units and divisions of the Soviet Army and Navy. Creative career of the artist V.I. Pereyaslavets, member of Grekov Studio, included numerous trips to troop commands, Navy bases, and frontier pickets. Besides in 1966 he worked in Vietnam. And what is more he went on dozens of creative business trips all around the globe. The events have been reflected in his paintings like in a mirror. His art is mostly portraits that convey true images of people he depicts and, what is more, inexplicable charm of the artist's creative individuality. In post-war years V. I. Pereyaslavets mostly depicted pilots. It was then that he developed his typical portrait in the environment manner. He seems to have been separated from the general tendency of the ceremonial portrait genre of the 50s. Then the artist created his compositions boasting lively emotions with all personalities depicted panoramically in all their broad aspects. It is the truth of life, rather than its ceremonial aspect, and naturalness of feelings display that make up the main components of subjects featured by Pereyaslavets’ portraits. Most of them can be called pictorial portraits. The artist has been creating portraits of military pilots, sailors, soldiers, and frontiersmen all his life. He has been doing his job with some passionate persistence dreaming of friendship among military men and peaceful advance of people doing this tough job. However he is not only a master of portraits. He is a man of versatile talents. Landscapes and still-lifes by V.I. Pereyaslavets may impress with large-scale expanses and inmost chamber city motifs. Streets of Moscow and Havana, as well as Kamchatka, blooming Gurzuf, and fantastic beauty of a mountain waterfall in Korea the master’s creations boast give rise to a symphony of colours and light. One of the best paintings by Vladimir Ivanovich is “Flown Enough”. It seems to embody the dream of the whole post-war generation of Soviet boys. It has become a true classic of Soviet painting art. 4

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

Алексей Павлович БЕЛЫХ Alexei Pavlovich BELYKH Народный художник Российской Федерации. Алексей Павлович Белых родился в 1923 году. После окончания учебы в Московском государственном художественном институте им. В.И. Сурикова в1958 году приезжает в Кострому, где работает преподавателем Костромского художественного училища, а с 1960 года — преподавателем специальных дисциплин на кафедре художественно-графического факультета Костромского государственного педагогического института им. Н.А. Некрасова. В 1965 году ему присвоено почетное звание «Заслуженный художник России», в 1974 году — почетное звание «Заслуженный деятель искусств РСФСР». В 1975 году утвержден в ученом звании профессора кафедры изобразительного искусства. В 1981 году ему присвоено почетное звание «Народный художник РСФСР». В 2001 году А.П. Белых присвоено звание «Почетный гражданин города Костромы». С 1959 года Алексей Павлович активно участвует в областных, республиканских и международных художественных выставках. Основной темой творческих работ художника на 1

2 1. А.П. Белых. Спасают знамя. 1941 год. В лесах Белоруссии. 2004. Х., м. A.P. Belykh. Saving the Colours. 1941. In Byelorussian Woods. 2004. Canvas, oil 2. А.П. Белых. Автопортрет. 1999. Х., м. A.P. Belykh. Self-Portrait. 1999. Canvas, oil

People’s Artist of the Russian Federation Alexei Pavlovich Belykh was born in 1923. On graduation from V.I. Surikov State Art Institute in Moscow in 1958 he moved to Kostroma, where he worked as a teacher in Kostroma Art College. In 1960 he started teaching special courses at the department of arts and graphics of N. A. Nekrasov State Teaching Institute in Kostroma. In 1965 he was awarded with the honorary title of Honoured Artist of Russia. In 1974 he was awarded with the honorary title of Honoured Art Figure of the RSFSR. In 1975 he got the academic rank of Professor of the department of fine art. In 1981 he was awarded with the honorary title of People’s Artist of the RSFSR.

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

3. А.П. Белых. Партизаны. В лесах Белоруссии. 2004. Х., м. A.P. Belykh. Guerillamen. In Byelorussian Woods. 2004. Canvas, oil. 4. А.П. Белых. Автопортрет. О друзьях боевых. 1999. Х., м. A.P. Belykh. Self-Portrait. About Friends in Arms. 1999. Canvas, oil

протяжении многих лет стал благородный созидательный труд человека. Старинному русскому городу Костроме, его славной истории посвящены несколько полотен. Особое место занимает в творчестве А.П. Белых тема династии Романовых. Большое историческое полотно «Прибытие московского посольства к царю Михаилу Романову в Кострому 14 марта 1613 года» находится в здании администрации города Костромы. Глубокому уважению памяти тех, кто не вернулся с войны, посвящена целая серия картин. Тема войны продолжает волновать художника. Гармоничное, радостное восприятие жизни открывает зрителю художник в своих замечательных пейзажах. Для его почерка характерны мощная манера письма, удивительная свежесть живописи, ее пленэрность и воздушность. А.П. Белых плодотворно сочетает творческую и общественную деятельность. С 1962 по 1986 год он был председателем правления Костромского отделения Союза художников РСФСР. В 1968 году избран членом правления Союза художников РСФСР, где работал до 1986 года. В 1997 году избран членом Комиссии художников-ветеранов Великой Отечественной войны при Секретариате правления Союза художников России. Указами Президиума Верховного Совета СССР он награжден орденами Великой Отечественной войны I и II степени, орденом Красной Звезды, орденами «Знак Почета» и Дружбы народов, боевыми и юбилейными медалями. За большой вклад в развитие изобразительного искусства России, участие во всероссийских и международных художественных выставках неоднократно награждался Советом министров РСФСР, Министерством культуры РСФСР, Секретариатом Союза художников Российской Федерации, почетными грамотами, дипломами и медалями.

In 2001 A.P. Belykh was awarded with the title of Honorary Citizen of Kostroma City. Since 1959 Alexei Pavlovich has been taking an active part in regional, republican, and international art shows. For many years the main subject of the artist’s creations has been man’s noble creative labour. 4

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

5. А.П. Белых. Вести с фронта. 1985. Х., м. A.P. Belykh. News from the Battlefield. 1985. Canvas, oil 6. А.П. Белых. Заросший прудик. 2002. Х., м. A.P. Belykh. Weed-Grown Pond. 2002. Canvas, oil

Картины А.П. Белых находятся в центральных музеях Москвы, Санкт-Петербурга, Читы, Тулы, Пскова, Чугуева, Лозовой, Калининграда, Костромы. Его произведения приобретены для галереи советского реалистического искусства в Оверланде (США), муниципалитета г. Хювинкяя в Финляндии, частных коллекций Англии, Италии, Испании, Германии. Живет и работает в городе Костроме. М.А. Салмов, председатель Правления КООВТОО «Союз художников России» 6

Some of his works are dedicated to the old Russian city of Kostroma and its glorious history. A special place in A. P. Belykh’s art is held by the theme of the Romanov dynasty. The large historical work “Arrival of Moscow Embassy at Tsar Mikhail Romanov’s in Kostroma on 14 March 1613” is held in the office of Kostroma authorities. A whole series of works is dedicated to sincere respect to the memory of those people that never came back from the war. The war theme has remained interesting to the artist. The painter’s wonderful landscapes reveal his harmonious cheerful understanding of life. His style is distinguished by a powerful depiction technique, amazingly fresh, plein-air, and airy paintings. A. P. Belykh fruitfully combines creative and social activity. From 1962 to 1986 he was Chairman of the board of Kostroma Organization of the Union of Artists of the RSFSR. In 1968 he was elected a member of the board of the Union of Artists of the RSFSR, where he worked up to 1986. Eventually in 1997 he was elected a member of the Commission of Great Patriotic War Veteran Artists of the front office of the board of the Union of Artists of Russia. By Decrees of the Supreme Soviet of the USSR he was awarded with the Great Patriotic War Order of the 1st and 2nd grade, Red Star Order, Badge of Honour Order, Friendship of Peoples Order, as well as combat and jubilee medals. For his great contribution to development of Russian fine art and participation in All-Russian and international art shows he has been awarded with multiple prizes of the Soviet of Ministers of the RSFSR, Ministry of Culture of the RSFSR, Front Office of the Union of Artists of the Russian Federation, Certificates of Merit, Diplomas, and medals. Paintings by A.P. Belykh are held in central museums in Moscow, Saint-Petersburg, Chita, Tula, Pskov, Chuguyev, Lozovaya, Kaliningrad, and Kostroma. His creations have been purchased for the Gallery of Soviet Realistic Art in Overland (USA), town council in the city of Hyvinkaa in Finland, and private collections in England, Italy, Spain, and Germany. He lives and works in Kostroma. M.A. Salmov, Chairman of the board of Kostroma Creative Organization «Union of Artists of Russia»

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

Сергей Петрович ТКАЧЕВ Sergey Petrovich TKACHEV Лауреат Государственных премий СССР и России, народный художник СССР, академик Российской академии художеств

Tkachev is a laureate of State Prizes of the USSR and Russia, People’s Artist of the USSR, and an Academician of the Russian Academy of Arts.

Родился 10 ноября 1922 года в селе Чучуновка Брянской области. К искусству Сергей пристрастился с малых лет. Ему он отдавал каждую свободную минуту. В начале 30-х годов старший брат привел Сергея и младшего Алексея в изокружок Бежицкого дома пионеров, где они — будущие академики живописи — получили первые профессиональные навыки рисования. В 1938 году Сергей поступил в Витебское художественное училище. В училище часто организовывали персональные студенческие выставки. На одной из них были представлены работы Сергея. Однако все планы перечеркнула война. 27 июня вместе с товарищами он бежал из объятого пламенем Витебска в направлении Брянска. После призыва в действующую армию Сергея Ткачева направили на учебу в Львовское военное училище, эвакуированное в Киров. Однако лейтенантского звания Сергей так и не получил — не успел. Летом 1942 года курсантов срочно направили в Загорск, где после кровопролитных боев на переформировании находилась 21-я Гвардейская дивизия. Ткачев попал в 5-й Гвардейский отдельный пулеметный батальон прорывного действия, и вскоре его часть направили на передовую. В окрестностях прифронтовой станции Охват он получил первое боевое крещение — бомбежка эшелона, первые потери. Надолго запомнился С. Ткачеву бой в районе деревни Ежевицы (южнее Великих Лук) в ночь с 26 на 27 ноября 1942 года. Не только потому, что пришлось снова и снова видеть, как погибают товарищи, но и тем, что в этом бою сам Ткачев был ранен. После лечения в госпитале Сергей Ткачев — снова в действующей армии. На фронте Сергей не расставался с альбомом. Ему приходилось оформлять боевые листки, рисовать с натуры солдат. Эти рисунки, сложенные в треугольник, они посылали родным. В ноябре 1942 года в одном из боев в районе Великих Лук был тяжело ранен. После госпиталя — снова на фронт. Воевал Сергей Ткачев до самого конца войны, награжден орденом Отечественной войны II степени, медалями «За отвагу», «За боевые заслуги», «За победу над Германией». Сергей Петрович — инвалид 2-й группы. В ноябре 1945 года после демобилизации Ткачев вернулся в Свердловск и поступил в Свердловское художественное училище. В 1946 году он перевелся в Московский художественный институт имени В.И. Сурикова на факультет живописи. За исполнение дипломной работы «За мир» Сергей Ткачев был удостоен звания художника-живописца и в 1952 году после

Tkachev was born in the village of Chuchunovka, Bryansk Region, on 10 November 1922. Sergey acquired a taste for art when he was still a little boy. He spent every spare minute on it. In the early 30s Sergey’s elder brother brought Sergey and his young brother Alexei to an art studio of Bezhitsk pioneers’ centre, where the future academicians of painting art got their initial professional painting skills.

1. А.П. Ткачев, С.П. Ткачев. Товарищи. 2002—2003. Х., м. Из цикла картин «Они сражались за Родину» A.P. Tkachev, S.P. Tkachev. Comrades. 2002-2003. Canvas, oil. «They Fought for Their Country» cycle of paintings

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

2. А.П. Ткачев, С.П. Ткачев. Мать солдата. 2002—2005. Х., м. Из цикла картин «Они сражались за Родину» A.P. Tkachev, S.P. Tkachev. Soldier’s Mother. 20022005. Canvas, oil. «They Fought for Their Country» cycle of paintings

окончания института был направлен на работу в Минск. Здесь (совместно с братом Алексеем) начал творческую деятельность. Тогда родился знаменитый дуэт — художники братья Ткачевы. В 1952 году они впервые приняли участие во Всесоюзной художественной выставке в залах Государственной Третьяковской галереи. В 1953 году Сергей Ткачев был принят в Союз художников СССР. В 1957 году братья Ткачевы были награждены серебряной медалью Министерства культуры СССР за картины «Прачки», «Ветреный день», «В трудные годы», «Портрет матери», а в 1961 году — серебряной медалью Академии художеств СССР. Их работы размещены в собраниях Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, десятков областных и республиканских галерей, а также в частных коллекциях Бельгии, Великобритании, Германии, Италии, Канады, Китая, Нидерландов, США, Тайваня, Франции, Южной Кореи, Японии. Живет и работает в городе Москве.

In 1938 Sergey entered Vitebsk Art School which often arranged solo students’ exhibitions. One of them presented Sergey’s works. All the plans, however, were cancelled by the war. On 27 June together with his comrades he escaped Vitebsk, which was all aflame, and headed to Bryansk. After he had been drafted into the army field forces, Sergey Tkachev was sent to study at Lvov Military School which had been evacuated to Kirov. However, Sergey was never promoted to lieutenant grade — he simply did not have enough time. In the summer 1942 cadets were urgently sent to Zagorsk, where the 21st guards division underwent reformation following bloody battles. Tkachev found himself in the 5th guards separate machinegun breakthrough squadron to be soon sent to the front. In the neighborhood of the front-line station Okhvat he took part in his kindergarten combat and witnessed bombardment of his serial and the first losses. What really stuck to S. Tkachev’s memory was a battle in the vicinity of Ezhevitsy village (to the South of Velikiye Luki), which happened on the night of the 26th/ 27th November 1942. It was not only because he had to see more of his mates die, but also because Tkachev himself was wounded. After a course of treatment at a hospital Sergey Tkachev was sent to the army field forces again. At the front Sergey never parted with his sketchbook. He had to illustrate combat posters and draw soldiers from life. They then folded those pictures into triangles and sent to soldiers’ relatives. In November 1942 he was severely wounded in the course of a battle in the vicinity of Velikiye Luki. After hospital he was again sent to the front. Sergey Tkachev fought till the very end of the war. He has been awarded with the 2nd degree Great Patriotic War Order, Bravery Medal, Distinguished Service Medal, and the Medal For The Victory Over Germany. Sergey Petrovich is a disabled person of group II. In November 1945 following his demobilization Tkachev went back to Sverdlovsk and entered Sverdlovsk Art School. In 1946 he transferred to V. I. Surikov Art Institute in Moscow to study painting art. For his graduation work “For Peace” Sergey Tkachev was awarded with the title of a painter and in 1952 on graduation from the Institute he was appointed to a job in Minsk. There (together with his brother Alexei) he started his creative career. It was then that the famous duet known as the artists Tkachev brothers first appeared. In 1952 for the first time ever they took part in All-Union Art Show which was held in halls of the State Tretyakov Gallery. In 1953 Sergey Tkachev was granted membership of the Union of Artists of the USSR. In 1957 the Tkachev brothers were awarded with a silver medal of the Ministry of Culture of the USSR for their paintings “The Laundrywomen”, “The Windy Day”, “During Tough Years”, and “The Portrait of Mother”. And in 1961 they were awarded with a silver medal of the Academy of Arts of the USSR. Their works are held in collections of the State Tretyakov Gallery, State Russian Museum, dozens of regional and republican galleries, and private collections in Belgium, Great Britain, Germany, Italy, Canada, China, Netherlands, USA, Taiwan, France, South Korea, and Japan. He lives and works in Moscow.

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

«МЫ ПОМНИМ…» ТЕМА ВОЙНЫ В СОВРЕМЕННОМ ИСКУССТВЕ «WE REMEMBER …» A WAR THEME IN THE MODERN ART 1 1. В.И. Кошелев. С поля боя. 1985 V.I. Koshelev. From the Battlefield. 1985 2. A.A. Клюев. Солдаты. 1995. Х., м. A.A. Klyuyev. Soldiers. 1995. Canvas, oil 3. Е.И. Щербинин. Отец. 1995. Х., м. E.I. Shcherbinin. Father. 1995. Canvas, oil

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

4. Л.А. Давыдова. Мой дед — две фотографии на память. Диптих. 2005. Х., м. L. A. Davydova. My Grandfather — Two Photographs Kept as a Remembrance. Diptych. 2005. Canvas, oil 5. Скульптор А.Н. Ковальчук. Архитектор М.В. Корси, А.К. Тихонов. Памятник летчикам 18-го авиаполка «НормандияНеман». 2007. Москва Sculptor A.N. Kovalchuk. Architect M.V. Korsi, A.K.Tikhonov. Monument to pilots of 18th aviaregiment «Normandy-Neman». 2007. Moscow 6. Скульптор А.Н. Ковальчук. Архитектор Н.А. Ковальчук. Памятник «Воинамдорожникам». 2002. Минское шоссе. Московская область A.N. Kovalchuk, the sculptor. N.A. Kovalchuk, the architect Monument dedicated to «Military Road Workers». 2002. Minskoe Highway. Moscow Region 7. Е.А. Ткачева. Однополчане. Ветераны 21-й Гвардейской стрелковой дивизии М.И. Атаманов и С.П. Ткачев. 2004—2005. Х., м. E.A. Tkacheva. Brother Soldiers. Veterans of the 21st Guards Rifle Division M.I. Atamanov and S.P. Tkachev. 2004-2005. Canvas, oil

ЖИВОПИСЬ/PAINTING Мастер цвета. Василий Птюхин Colour Master. Vasiliy Ptyukhin Мифотворчество Cергея Полякова Myth Creation by Sergey Polyakov Художник и муза. Максим Наумов Artist and Muse. Maxim Naumov Русские просторы Тамары Харченко Russian Expanses by Tamara Kharchenko Ритмы города Наталии Новиковой City Rhythms by Natalia Novikova Символ и образ Владимира Симонова Vladimir Simonov’s Symbols and Images Неожиданное из привычного. Александр Шалагин From the Habitual to the Unexpected. Aleksandr Shalagin Не останавливаться на достигнутом. Владимир Козьмин Never Rest on Your Laurels. Vladimir Kozmin Мастер гобелена. Елена Галактионова Gobelin Master. Elena Galaktionova Дорога в Раифу. Владимир Савельев Way to Raifa. Vladimir Savelyev

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

1. В. Птюхин. Русский север. 2008. Х., м. 80х120. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» V. Ptyukhin. Russian North. 2008. Canvas, oil. 80x120. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection

МАСТЕР ЦВЕТА COLOUR MASTER Василий Птюхин Vasiliy Ptyukhin Художник-живописец Василий Птюхин родился в 1948 году на острове Итуруп на Курилах у подножья вулкана Иван Грозный. Окончил Дальневосточный институт искусств по специальности «Живопись». Сейчас живет и работает в старинном русском городе Вологда. Член Союза художников России. Участник краевых, областных, региональных и зарубежных выставок. Его работы находятся в частных коллекциях России, Англии, Франции, США, Германии, Венгрии и республик бывшей Югославии. Художник работает в манере реалистической школы живописи, направления, которое тяготеет не к максимально натуралистическому изображению, а к символическому осмыслению сюжета.

The painter Vasiliy Ptyukhin was born on Iturup, one of the Kurily Islands, at the foot of Ivan Grozniy (Ivan the Terrible) Volcano in 1948. He studied at the Far Eastern Institute of Arts to obtain his Diploma in painting. Now he lives and works in the old Russian city of Vologda. He is a member of the Union of Artists of Russia. He has taken part in regional, provincial, district, and foreign art shows. His works are held in private collections in Russia, England, France, USA, Germany, Hungary, and Yugoslavia. In his work the artist follows principles of realistic painting school and to be more precise of the trend that tends to symbolic re-evaluation of the plot, rather than to maximally naturalistic depiction.

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

2. В. Птюхин. Солнечный луч. 2009. Х., м. 80х120. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» V. Ptyukhin. Sunray. 2009. Canvas, oil. 80x120«Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection 3. В. Птюхин. Камерата. 1991. Х., м. 180х130 V. Ptyukhin. Kamerata. 1991. Canvas, oil. 180x130

Прежде всего, стоит отметить сам факт обращения художника к историческим темам, столь нехарактерного для современного искусства. Фрагменты античной истории, евангельский сюжет, сцены из русской истории стали темами для работ Василия Птюхина. Немногословные и лаконичные композиционно, в достаточной мере условные по цвету, они приближаются к некой знаковости (таковы, к примеру, полотна «Брут», «Игра в кости», «Амазонки, купающие лошадей»). Ассоциативно символичны и портреты, исполненные художником: портрет сына («Мальчик на радуге»), портрет супруги, автопортрет, «Камерата», портретное изображение музыкально-поэтического квартета. Эмоциональная выразительность работ Василия Птюхина строится на использовании практически открытого цвета (откровенности красного в «Царской невесте», яркости желтого в пейзаже «Архиерейский пруд»). В целом цветовая насыщенность и декоративность свойственны и пейзажам, и натюрмортам художника. Монументальные по форме, локальные по цвету, композиционно тяготеющие к знаку-символу работы Василия Птюхина неизменно находят своего зрителя среди любителей искусств. К. Калугина, искусствовед, член Ассоциации искусствоведов

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

4. В. Птюхин. К новым берегам. 1998. Х., м. 120х120 V. Ptyukhin. To New Shores. 1998. Canvas, oil. 120x120

5. В. Птюхин. Домициан, ты не прав. 1995. Х., м. 80х100 V. Ptyukhin. Domitianus, You are Wrong. 1995. Canvas, oil. 80x100 6. В. Птюхин. Пейзажист Кочерыгин. 2007. Х., м. 150х100 V. Ptyukhin. The Landscape Painter Kocherygin. 2007. Canvas, oil. 150x100 7. В. Птюхин. Царская невеста. 1998. Х., м. 120х120 V. Ptyukhin. The Tsar’s Bride. 1998. Canvas, oil. 120x120

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

8. В. Птюхин. Диспут. 1996. Х., м. 100х180 V. Ptyukhin. Dispute. 1996. Canvas, oil. 100x180 9. В. Птюхин. Михаил Сопин. 2010. Х., м. 80х60 V. Ptyukhin. Mikhail Sopin. 2010. Canvas, oil. 80x60 10. В. Птюхин. Набат. 2007. Х., м. 100х120 V. Ptyukhin. The Alarm Bell. 2007. Canvas, oil. 100x120

The first thing to be noted is the very fact that the artist turned to historical subjects, which does not seem really typical of contemporary art. Fragments of antique history, evangelic plots, and scenes from Russian history serve as themes for works by Vasiliy Ptyukhin. Featuring laconic compositions and rather conventional colours, his concise paintings boast some symbolism (like «Brutus», «Dice», and «Amazons Bathing Horses» paintings). The artist’s portraits seem associatively symbolic too. They include the portrait of the son («The Boy on the Rainbow»), the portrait of his spouse, the self-portrait, and the portrait-like depiction of a quartet of musicians and poets «Kamerata». Emotional expressiveness of Vasiliy Ptyukhin’s works is based on the use of virtually open colours (like sensual red in «The Tsar’s Bride» and bright yellow in «The Pontifical Pond»). On the whole bright colours and decorativeness are typical of both landscapes, and still-lifes by the painter. Works by Vasiliy Ptyukhin featuring monumental forms, local colours, and symbolic sign-related compositions invariably attract their own viewers among art connoisseurs. K. Kalugina, arts critic, member of the Association of Arts Critics

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

МИФОТВОРЧЕСТВО СЕРГЕЯ ПОЛЯКОВА MYTH CREATION BY SERGEY POLYAKOV Сергей Поляков родился в 1956 году в городе Гомеле (Белоруссия). С 1968 года живет в Москве. С 1976 по 1980 год учился в Московском художественном училище памяти 1905 года. В 1981 году закончил первый курс Строгановского училища (факультет интерьера). Высшее образование получил в мастерской портрета в Московском художественном институте имени В.И. Сурикова. Выставки: в США прошло около восьми выставок в здании ООН, персональная выставка в Линкольн-центре, в галереях Сохо в Нью-Йорке. В Москве состоялись персональные выставки в ЦДХ, Новом Манеже, Бахрушинском музее, Академии художеств, в музеях Беларуси, Казани. Работы находятся в Третьяковской галерее, Бахрушинском музее, Музее современного 1

1. С. Поляков. Весна. 2004. Х., м., а. 100х80. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» S. Polyakov. Spring. 2004. Canvas, oil, acrylic. 100x80. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection 2. С. Поляков. Икар. 2002. Х., м., а. 80х100. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» S. Polyakov. Icarus. 2002. Canvas, oil, acrylic. 80x100. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection

Sergey Polyakov was born in the city of Gomel (Byelorussia) in 1956. He has lived in Moscow since 1968. He studied at Moscow Art College named in memory of the 1905 Revolution from 1976 to 1980. He completed his first year at Stroganov School where he had studied interior art in 1981. And finally he got his Diploma in portrait painting art of V. I. Surikov Art Institute in Moscow. He has taken part in a number of art shows including nearly eight exhibitions in a UN office in the USA and his solo exhibitions in Lincoln Centre and Soho Galleries in New York. He also held his solo exhibitions in Moscow including art shows in Central Artists’ House, Noviy Manezh, Bakhrushin Museum, and the Academy of Arts. Besides he arranged his solo displays in museums of Byelorussia and Kazan. His works are held in the Tretyakov Gallery, Bakhrushin Museum, Museum

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

искусства Москвы, в музеях Ярославля, Казани, Национальном музее Беларуси, в галереях и частных собраниях США, Швейцарии, Японии, Словакии и других стран. Сергей Поляков — мастер, работающий в разных стилях и жанрах, экспериментирующий с реальностью и фантазией, создающий свой сложный и многообразный художественный мир. Продолжая поиск в различных техниках, сюжетах, стилистиках, он варьирует приемы в зависимости от специфики настроения того или иного образа, не останавливаясь на узком круге освоенных навыков. Художнику присущи некий универсализм мышления, стремление показать в своем творчестве разнообразные стороны бытия. В начале своего творческого пути Сергей Поляков обратился к области духовной жизни человека через мир сказок и мифов, героику эпоса и легенд. Это масштаб фантасмагорической космичности, впечатление волшебной таинственной зачарованности мира. Водоворот цветовых отношений и символов стал личным путем познания прошлого и настоящего. Дипломной работой художника в Суриковском институте стала картина «Древнерусский языческий праздник» (1987). В изображении праздника осеннего солнцеворота художник показывает всевозможные атрибуты языческого культа на фоне панорамы идиллического бытия. Это веселый праздник, торжество 3

4 3. С. Поляков. Человек дождя. 2008. Орг., а. 120х80 S. Polyakov. The Rain Man. 2008. Fiberboard, acrylic. 120x80 4. С. Поляков. Где я, а где жизнь. 2008. Х., а., колл. 80х65 S. Polyakov. Life and I are Two Incomparable Things. 2008. Canvas, acrylic, collage. 80x65

of Moscow Contemporary Art, museums of Yaroslavl and Kazan, National Museum of Byelorussia, as well as galleries and private collections in the USA, Switzerland, Japan, Slovakia, and other countries. Sergey Polyakov is a master that uses different styles and genres in his work, experiments with reality and fantasy, and creates his own complex and diverse art world. He goes on with his search exploring various techniques, plots, and styles, and varies techniques according to mood specificity of one or another image, not limiting himself to a narrow range of the skills he has mastered. The artist has a streak of some thinking universalism and eagerness to show different aspects of being in his art. At the beginning of his creative career Sergey Polyakov turned to people’s spiritual life through the world of fairy-tales and myths, and heroics of epos and legends. This is a scale of phantasmagoric spatiality and an impression of magic mysterious charm of the world. This whirlpool of colour relationships and symbols has become his personal way to comprehend the past and the present. The painter’s graduation work at Surikov Institute was «Old-Russian Pagan Festival» painting (1987). Depicting the festival of autumn solstice the artist shows various attributes of pagan cult against a panorama of idyllic being. This is a cheerful festival celebrating manifestation of sacred aspects of Slavic thinking and lifestyle. Paganism refers to mystique of conscience, pre-

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

проявления сокровенных сторон славянского мышления и образа жизни. Язычество — это не только мистичность сознания, предопределенность человеческой судьбы и рок, но также и торжество чувственного начала, инстинктивного порыва, связи с природой. В своих работах С. Поляков обращается к темам, встречающимся в живописи В. Васнецова, Е. Поленовой, М. Врубеля, Н. Рериха, а также английских прерафаэлитов, французских символистов, представителей австрийского модерна. Но это не столько заимствование и влияние живописных традиций, сколько попытка переосмысления «классики» и соперничество с ней, переживание творчества «великих», не лишенное самоиронии и гротеска. Рассматривая искусство С. Полякова, можно говорить о необыкновенной легкости и органичности усвоения разных стилей, о свободе перехода от одного стиля к другому, о способности находиться на одном уровне с художниками прошлых эпох, о своеобразном соревновании с ними. Многие критики отмечают в творчестве С. Полякова стремление проявить в живописи свойства других искусств, достижение синтеза — это театрализация, вмещающая сказочность, литературность, музыкальные и поэтические ассоциации, гротеск и недосказанность как приемы выражения тех или иных чувств. Мотивы и сюжеты, взятые из реального мира, возвращаются к реальности в виде неких знаков, обыденное приобретает эстетическое значение. Для творчества художника характерно стремление к зрелищному началу — будь то материал из национальной истории, маскарадные, карнавально-праздничные сюжеты серии «ню». Художника много лет привлекали декоративность цвета, его чувственность, интерес к живописной фактуре, контрастные сопоставления. Интересна «карнавальная» серия полотен — это работы «Танец», «Судья», «Диалог». В картине «Диалог» есть противо-

determinacy of human destiny, and fate, and what is more triumph of sensual principles, instinctive impulses, and connection to nature. In his works S. Polyakov uses subjects reflected in paintings by V. Vasnetsov, E. Polenova, M. Vrubel, N. Rerich, English Pre-Raphaelites, French Symbolists, and Austrian Art Nouveau representatives. But it is not so much adoption or effect of pictorial traditions, as an attempt to interpret classic art, compete with it, and get an insight into great masters’ art boasting some self-deprecating humour and grotesque. Art by S. Polyakov features extraordinary lightness and harmony of adoption of different styles, effortless change of styles, capability to match artists of the past epochs, and peculiar competition with them. A lot of arts critics believe art by S. Polyakov shows signs of his eagerness to depict features of other arts in painting and achieve synthesis, which is evident in theatricalization with features of fairytales and literature, musical and poetical associations, as well as grotesque and understatement as methods to express feelings. Motifs and subjects of the real world return to reality as signs with routine acquiring aesthetic significance. The painter’s art tends to spectacular principles — whether it be a subject of national history or fancy, carnival, and festive plots of his Art Nude series. For many years the artist has been interested in decorativeness of colours and their sensuality, as well as pictorial texture and contrasting comparisons.

5. С. Поляков. Дуновение. 2008. Х., м. 90х70 S. Polyakov. Whiff. 2008. Canvas, oil. 90x70 6. С. Поляков. Судья. 1998. Х., м. 100х80 S. Polyakov. The Judge. 1998. Canvas, oil. 100x80

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

поставление темного и светлого начал жизни, дня и ночи, добра и зла, инь и ян на фоне нарождающейся жизни — младенца, чистого, непорочного существа. «Танец» — эмоциональный, чувственный порыв — цветовой вихрь, в котором просматриваются фигуры танцующих. Изображение основывается на цветовом пятне, ярких декоративных красках. Эффект «текущей краски» достигается в работах «Человек дождя» и «Обида». Технология этих работ такова: наносится краска на холст, потом смачивается растворителем или разбавителем, и холст начинает вращаться. А в картине «Обида» есть эксперимент с подрамником, неровные края которого подчеркивают и соперничают с текущей краской. Тема библейского золотого тельца просматривается в картинах «Искушение» и «Дуновение», подчеркивается эфемер-

8 7. С. Поляков. Искушение. 2001. Х., м. 120х110 S. Polyakov. Temptation. 2001. Canvas, oil. 120x110 8. С. Поляков. Танец. 1999. Х., м. 120х100 S. Polyakov. The Dance. 1999. Canvas, oil. 120x100

His carnival series, which includes works like «The Dance», «The Judge», and «The Dialogue», seems particularly interesting. The painting «The Dialogue» shows opposition of the dark and light life principles, of the day and night, kind and evil, as well as Yin and Yang against a newly-emerging being — a baby, a pure innocent creature. «The Dance» is an emotional sensual outburst. It is a whirlwind of colours showing blurred figures of dancers. The picture is based on a colour spot and bright decorative colours. The effect of flowing colours is 9

9. С. Поляков. Жара. 2004. Х., м., а. 60х130 S. Polyakov. Heat. 2004. Canvas, oil, acrylic. 60x130

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

ность накопительства, тщетность и иллюзорность материального начала. В произведениях «Жара» и «На закате» художник обращается к теме «ню» — это работа с формой, чистая пластика, преображение натуры. Здесь художнику важно световое напряжение, эффект освещения подчеркивает контур женских фигур. С. Полякову присуща метафоричность художественного языка, создание некой системы игры, уподобления, символов, стилизации. Соединение реальности и вымысла, натуры и ее преображения — суть мышления художника. Метафорическая сущность искусства художника, связанная с преображением реальности, определяет многие особенности его стиля, его тяготение к мышлению символами и аллегориями, его обращение к фантастическому началу, к мифу. Ему свойственны не только определенные формальные приемы, но и своя философия искусства — своеобразное мифотворчество, раскрепощенность фантазии, образование новых непредсказуемых фантастических смыслов. Л. Кандалова, искусствовед

10. С. Поляков. Из диалогов. 2005. Орг., м., а. 78х122 S. Polyakov. From Dialogues. 2005. Fiberboard, oil, acrylic. 78x122 11. С. Поляков. Настя. 2001. Х., м. 120х40 S. Polyakov. Nastya. 2001. Canvas, oil. 120x40

11 10

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

12. С. Поляков. Обида. 2008. Х., м. 100х80 S. Polyakov. Offence. 2008. Canvas, oil. 100x80 13. С. Поляков. На закате. 2001. Х., м. 120х40 S. Polyakov. At Sunset. 2001. Canvas, oil. 120x40 14. С. Поляков. Семья. 2008. Х., м., а. 120х65 S. Polyakov. The Family. 2008. Canvas, oil, acrylic. 120x65

achieved in works like «The Rain Man» and «Offence». The technology of these creations is as follows: paint is applied onto the canvas to be then moistened with dissolvent or thinner, and then the canvas is rotated. And the «Offence» painting is an experiment with the canvas-stretcher — its ragged edges emphasize flowing colours and compete with them. The theme of Biblical golden calf is used in paintings like «Temptation» and «Whiff». They highlight evanescence of moneymaking and futility and delusiveness of the material principle. In works like «Heat» and «At Sunset» the artist turns to Art Nude working with the form, pure plastic art, and transformation of nature. Here the artist minds light tension, since illumination effect emphasizes contours of women’s figures. S. Polyakov is distinguished by a metaphorical art style and a certain system of play, assimilation, symbols, and stylization. Combination of reality and invention, nature and its transformation makes up the essence of the artist’s thinking. This metaphorical core of the painter’s art which has to do with transformation of reality accounts for many of his style peculiarities, his tendency to think with symbols and allegories, his resort to fantastic principles and myths. He is distinguished by certain formal tricks, and what is more by his own philosophy of art — peculiar myth creation, unfettered imagination, and development of new unpredictable fantastic meanings. L. Kandalova, arts critic

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

ХУДОЖНИК И МУЗА ARTIST AND MUSE Вятское региональное отделение Союза художников России Vyatka Regional Branch of the Union of Russian Artists

Максим Наумов Maxim Naumov Родился в1981 году в городе Кирове (Вятка). В 2001 году окончил педагогическое отделение Вятского художественного училища им. А.А. Рылова (художник-педагог). С 1996 года — участник городских, областных, региональных, общероссийских и международных выставок. В 2005 году окончил факультет дизайна Кировского филиала Московского гуманитарно-экономического института. С 2006 года — член Союза художников России. С 2007 года — председатель Молодежного объединения при Вятском творческом отделении объединения Союза художников России. В 2008 году введен в состав правления Вятского регионального отделения Союза художников России. Работы хранятся в частных собраниях России, Польши, Австрии, Франции, США. Как художник, Максим Наумов прошел весь классический путь становления: «учебный период» с постижением и усвоением грамоты ремесла, период «влияний» и «увлечений», поиск «собственного почерка» и «своей темы». Стилистически художник пробовал постичь различные художественные системы: обобщенный «суровый стиль», яркий и насмешливый русский лубок, ироничный язык поколения молодых художников начала XXI столетия. Максима также интересует европейский модерн, Венский Сецессион и его рафинированный эстетизм. Он не боится цитировать: в работах узнаются Модильяни, Шиле, Климт. Тематически же у Максима всегда был один определенный и ярко выраженный интерес — человек, и в большинстве случаев это — женщина: его вдохновляет МУЗА.

1. М. Наумов. Осеннее настроение. 2006. Х., а. 50х40 M. Naumov. Autumn Mood. 2006. Canvas, watercolours. 50x40

Naumov was born in the city of Kirov (Vyatka) in 1981. In 2001 he obtained his Diploma in teaching of A. A. Rylov Art School in Vyatka (he is a teacher and an artist). Since 1996 he has taken part in city, regional, All-Russian, and international art shows. In 2005 he graduated from Kirov Branch of Moscow Institute of Humanities and Economy, where he had studied design. Since 2006 he has been a member of the Union of Russian Artists. Since 2007 he has been a chairman of the Youth Union of Vyatka Creative Branch of the Union of Russian Artists. In 2008 he was introduced into the board of Vyatka Regional Branch of the Union of Russian Artists. His works are held in private collections in Russia, Poland, Austria, France, and USA. As an artist Maxim Naumov has passed all the classic stages of development including the period of training with mastering craft basics, the period of influences and devotion, and the period of searching for his own style and subject. While searching for his style the artist tried to master different pictorial systems including the generalized Austere Style, the bright sarcastic Russian popular prints, and the ironic manner of the young artists of the early XXI century. Maxim also takes an interest in European modern and the Vienna Secession with its refined aestheticism. He has no fear of reciting, so his works feature evident traces of art by Modigliani, Schiele, and Klimt. As for subjects, Maxim has always had one definite pronounced interest — a human being and mostly woman: he is inspired by a muse.

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

Максим — портретист, художник портрета-картины. Почти за каждой его работой чувствуется особенный человек, некая произошедшая история либо некие отношения. Однако литературность и повествовательность в работах отсутствуют вовсе: безответные вопросы делают работы еще более притягательными. Обнаженная модель — отдельная тема в творчестве Максима. Для провинциального города достаточно смело писать ню в таком количестве и столь откровенно. При этом модели Максима написаны с натуры, вполне портретны и чаще всего узнаваемы. И все же некоторые предпочтения художника возможно выявить. Как правило, Муза Максима меланхолична, эротична, гибка и отстраненна; у нее золотые волосы, тонкие пальцы и узкие запястья. Она одета в струящиеся полупрозрачные ткани. От полотен исходит ощущение утонченности и неги. Его свет без тени, а цвета — белый, золото и серебро, его линия подвижна и изощренна. Одно из важнейших выразительных средств художника — фактура, и язык его искусства необычайно декоративен. Игра фактур — его метод, благодаря которому обнаженное женское тело на работах странным образом трансформируется в орнамент и наоборот.

Maxim is a portraitist. He is an artist of portrait paintings. Almost all his works reveal features of a special man, a story, or a relationship. However they all lack any signs of literature or narration: questions remain unanswered making his works even more appealing. Nude models are a special theme in Maxim’s art. For a provincial city it is rather a daring move to create so many and so immodest nude paintings. At that Maxim’s models are depicted from life and seem quite portrait-like and mostly recognizable. And still some artist’s preferences can be revealed. Normally Maxim’s muse is melancholic, erotic, flexible, and aloof. She has golden hair, thin fingers, and narrow wrists. She is clad in streamy semi-transparent cloths. His canvases boast a feeling of subtlety and bliss. His light has no shadow, his colours include white, gold, and silver, and his lines are flexible and intricate. One of the artist’s most important expressive means is texture. And the style of his art is astonishingly decorative. His method is texture play which helps woman’s nude body his works feature to oddly transform into an ornament and vice versa. Natalia Krivosheina, arts critic, Ph. D. in art history

2. М. Наумов. Сны Венеры-2. 2009. Х., а. 40х30. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» M. Naumov. Venus's Dreams-2. 2009. Canvas, watercolours. 40x30. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection

Наталия Кривошеина, искусствовед, кандидат искусствоведения

3. М. Наумов. Сны Венеры-6. 2009. Х., а. 40х30. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» M. Naumov. Venus's Dreams-6. 2009. Canvas, watercolours. 40x30. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection 2

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

РУССКИЕ ПРОСТОРЫ ТАМАРЫ ХАРЧЕНКО RUSSIAN EXPANSES BY TAMARA KHARCHENKO Родилась в 1948 году в Тверской области. В настоящее время живет и работает в Подмосковье. Любимые мотивы творчества: цветы своего сада, русская деревня и впечатления от путешествий по Европе, Азии и Африке. Художник Тамара Харченко работает в традициях русского реализма. Эти традиции всегда обращали русских художников к человеческой душе и влюбленности в свою среду обитания — от необозримых русских просторов до интерьера деревенских изб. 1

2 1. Т. Харченко. Крик осени. 2006. Х., м. 90х70. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» T. Kharchenko. Autumn Cry. 2006. Canvas, oil. 90x70. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection 2. Т. Харченко. Зимние сумерки. 2004. Х., м. 40х50. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» T. Kharchenko. Winter Twilight. 2004. Canvas, oil. 40x50. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection

Kharchenko was born in Tver Region in 1948. She currently lives and works in Moscow Region. A teacher by profession, she is fond of depicting flowers from her garden, Russian villages, and impressions of traveling around Europe, Asia, and Africa. The artist Tamara Kharchenko sticks to traditions of Russian Realism. Those traditions have always drawn Russian artists’ attention to human soul and fondness of their environment including endless Russian expanses and interiors of rural huts. In her works the artist creates a spiritual image marked with special reverence and lyricism. She finds landscapes, still-lifes, and genre paintings congenial to her.

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

3. Т. Харченко. Забытая деревня. 2005. Х., м. 40х80. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» T. Kharchenko. The Forgotten Village. 2005. Canvas, oil. 40x80. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection

В своих работах художник создает одухотворенный образ, отмеченный особой трепетностью и лиризмом. Ей близки жанры пейзажа, натюрморта, жанровой картины. Тематика пейзажного цикла Тамары Харченко разнообразна, но наибольшим душевным теплом на ее холстах согреты сельские пейзажи средней полосы России — ее родной Тверской области с незатейливыми деревенскими мотивами, размытыми дорогами, речушками и перелесками, с деревенскими избами, особым размеренным укладом деревенского быта с церквями как необходи4

Subjects of Tamara Kharchenko’s landscape cycle are diverse. But her most sincere canvases include rural landscapes of Central Russia — her native Tver Region with its simple rural motifs, water-worn roads, small rivers and groves, village huts, special level way of rural everyday life, and churches as an integral part of Russian landscapes. With her subtle understanding of nature, the artist intensifies and highlights her impressions of reality. She keeps remembering the quote from Fyodor Tyutchev: «Nature is not a mould, not a soulless face; it has a soul; it has freedom; it has love; it has a tongue». Tamara Kharchenko creates her works grasping the inner meaning of the objects she depicts and finding harmony of Russian landscape lyrics which originates from Savrasov, R. Vasilyev, and Levitan. The master’s works show different states of nature in different seasons and atmosphere of Russian landscapes like humid spring air, mellow autumn, summer meadow aromas, and midday forests filled with sunlight and air. Relying on sketches created from life and filled with fresh and ingenuous feelings, the author creates landscapes to think over and gen4. Т. Харченко. Осенняя распутица. 2002. Х., м. 70х50 T. Kharchenko. Autumn Impassability. 2002. Canvas, oil. 70x50 5. Т. Харченко. Метель. 2006. Х., м. 50х70. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» T. Kharchenko. Snowstorm. 2006. Canvas, oil. 50x70. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection 5

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

6. Т. Харченко. Ожидание. 2003. Х., м. 70х90 T. Kharchenko. Expectation. 2003. Canvas, oil. 70x90 7. Т. Харченко. Поздние васильки. 2002. Х., м. 50х35 T. Kharchenko. Late Horse-Knops. 2002. Canvas, oil. 50x35 7

мой частью русского пейзажа. Тонко чувствуя природу, художница усиливает и концентрирует впечатления от действительности. Она постоянно вспоминает слова Федора Тютчева, что природа «не слепок, не бездушный лик — в ней есть душа, в ней есть свобода, в ней есть любовь, в ней есть язык». Тамара Харченко создает свои произведения с проникновением во внутреннюю суть изображаемого, отыскивая созвучность лирической линии русского пейзажа, идущей от Саврасова, Р. Васильева, Левитана. В работах мастера запечатлены различные состояния природы разных времен года, настроения русских пейзажей: сырой воздух весны, золотая осень, ароматы летних лугов, наполненные солнцем и воздухом полуденные леса. Основываясь на натурных этюдах, полных свежести и непосредственности чувства, автор создает пейзажные полотна, в которых осмысливает и обобщает увиденное, претворяет натуру в правдивый и гармоничный художественный образ. Особенно художнице удается тема русской зимы. В картинах «Зимние сумерки», «Метель», «Забытая деревня», «Сретенье Господне», «Первый снег» Тамара ощущает тончайшие переливы снежных полутонов, написанных то мягко и нежно, то плотно и насыщенно. Близки Тамаре Харченко жанровые сценки жизни русской деревни: это и деревенские избы в картине «Деревенька моя», кони в полотне «На рассвете», деревенский натюрморт «В поле». Замечательна картина «Ожидание», в которой изображена фигура матери художницы, стоящей посреди деревенской дороги — как символ русской женщины посреди России, как символ русского характера с его мудростью, терпением и трудолюбием. Картины Тамары Харченко наполнены искренностью и щедростью бытия, они несут настоящую светлую радость и мягкую грусть от ощущения потери чего-то очень важного для тех, кто живет в современных городах. В последнее время художница много путешествует по миру. Когда есть возможность встретиться с сокровищами музеев Рима, Афин, Парижа, это придает ей заряд творческой энергии.

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

eralize what she has seen, and transform nature into a true harmonious artistic image. The artist is particularly good at portraying Russian winter. Tamara’s paintings like «Winter Twilight», «Snowstorm», «The Forgotten Village», «The Presentation of the Lord in the Temple», and «The First Snow» show the subtlest play of snowy half-tones applied either in a gentle and tender way, or in a dense and rich manner. Genre scenes of Russian rural life appear to be congenial to Tamara Kharchenko too: they include rural huts in the painting «My Dear Village», horses in the painting «At Dawn», and the rural stilllife «Out in the Field». Another remarkable creation of hers is «Expectation» painting featuring the figure of the artist’s mother standing in the centre of a road in the country. It represents a symbol of Russian woman in the heart of Russia, a symbol of Russian character with its wisdom, patience, and industry. Paintings by Tamara Kharchenko are filled with sincerity and generosity of being. They convey genuine serene joy and gentle sadness due to the feeling of loss of something very important to those who live in modern cities. Lately the artist has been traveling a lot around the globe, when she has an opportunity to see museum treasures in Rome, Athens, and Paris, which gives her a boost of creative energy.

8. Т. Харченко. 90 лет. 2007. Х., м. 100х90 T. Kharchenko. 90 Years. 2007. Canvas, oil. 100x90 9. Т. Харченко. Старый дом. 2007. Х., м. 50х70 T. Kharchenko. The Old House. 2007. Canvas, oil. 50x70 8 9

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

10. Т. Харченко. Деревенька моя. 2005. Х., м. 40х80 T. Kharchenko. My Dear Village. 2005. Canvas, oil. 40x80 11. Т. Харченко. Лето в березах. 2006. Х., м. 50х70 T. Kharchenko. Summer in Birches. 2006. Canvas, oil. 50x70

Особым жанром для мастера являются натюрморты с цветами, особенно с ее любимой сиренью. Натюрморты с цветами — это восторг живописца перед простотой и богатством форм, цветовым великолепием вещественного мира. Это садовые и хрупкие полевые цветы. Влюбленность в мир цветов отражается во всех работах, и средствами живописи передается характер каждого цветка. Щедрость души, искренность, природная одаренность, огромная работоспособность помогают Тамаре Харченко в высоком служении подлинному искусству. Работы находятся в частных коллекциях России, США, Швейцарии, Израиля, Польши, Исландии.

Another special genre in the master’s art is still-lifes with flowers, especially with her favourite lilac. Still-lifes with flowers represent the painter’s fascination with form abundance and simplicity, as well as splendor of the material world. They include both garden flowers and fragile wild flowers. Her fondness of the world of flowers is reflected in all her works, and each flower’s nature is conveyed with the means of painting art. Her generous soul, sincerity, natural talent, and great industry help Tamara Kharchenko to nobly serve true art. Her works are held in private collections in Russia, USA, Switzerland, Israel, Poland, and Island.

Людмила Кандалова, искусствовед

Lyudmila Kandalova, arts critic

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

РИТМЫ ГОРОДА НАТАЛИИ НОВИКОВОЙ CITY RHYTHMS BY NATALIA NOVIKOVA Наталия Новикова родилась 9 ноября 1976 года в Москве. Первым своим педагогом считает руководителя изостудии «Радуга» Алексея Алексеевича Клейдинса. Учась в изостудии, много работала в различных техниках — графика, гуашь, акварель, пастель. Участвовала в городских выставках. В 1993 году окончила Московскую городскую педагогическую гимназию. В 1998 году окончила художественнографический факультет Московского педагогического государственного университета им. В.И. Ленина. В 1999 году вступила в Международный художественный фонд. В мае 2006 года стала членом Союза дизайнеров Москвы. Работы находятся в частных собраниях в России, на Украине, в Белоруссии, США, Венгрии, Великобритании, Японии, Израиле. Городские виды Наталии Новиковой стилистически принадлежат к реалистической школе живописи с ее особенностями цветовой гаммы, тонкой передачей колорита и света. Наталия много работает на натуре, выезжая на пленэр, и это, несомненно, придает ее произведениям особенную силу впечатления во всей его непосредственности, свежести и чисто1

2 1. Н. Новикова. Зима за городом. 2008. Х., м. 70х60. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» N. Novikova. Winter in the Country. 2008. Canvas, oil. 70x60. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection 2. Н. Новикова. Дупло. 2005. Х., м. 50х40. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» N. Novikova. Hollow. 2005. Canvas, oil. 50x40. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection

Natalia Novikova was born in Moscow on 9 November 1976. She believes her first teacher was Alexei Alexeevich Kleindis, head of «Raduga» Art Studio. While studying at the art studio she tried her hand at different techniques including graphics, gouache, watercolour, and pastel techniques. Then she also used to take part in city exhibitions.

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

3. Н. Новикова. Мотоциклисты. 2008. Х., м. 30х60 N. Novikova. The Motorcyclists. 2008. Canvas, oil. 30x60 4. Н. Новикова. Собор Ильи Пророка. 2001. Х., м. 50х60 N. Novikova. Cathedral of Ilya the Prophet. 2001. Canvas, oil. 50x60 4

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

те. Среди городских пейзажей встречаются виды Москвы, Суздаля, Переславля-Залесского, Ярославля, Костромы, Углича и многих зарубежных городов. Кредо Наталии — поиск, она показывает знакомые московские улочки новым, удивительно чистым взглядом художника. Обычно объектом изображения в картинах является человек, а остальное — лишь фон. Наталия меняет точку зрения и глядит на мир глазами города. Город с его домами и улицами словно наблюдает за человеческим хаотичным движением, взирая на городскую суету. В московских пейзажах автора нет методичного и обстоятельного повествования, но есть нечто такое, что сближает ее пейзажи со стихами, с четко заданным ритмом, с разнообразным эмоциональным звучанием от созерцательного до лирического. В картине «Белорусский вокзал» люди приезжают и уезжают, торопятся куда-то. Они лишь легкие тени, скользнувшие по могучим стенам здания. Их жизнь — миг, жизнь города — вечность. Вот мотоциклисты пронеслись вдоль Кремля, оставив за собой пыль и отблески фар, а стены и башни Кремля величественно взирают на них. Стремящаяся на первое свидание красавица в красном платье словно мимолетный ветерок пробежала по мосту над Москвой-рекой. Она в своем движении кажется зыбкой, как воды реки, и столь же нереальной, как отражение в воде. Люди как будто уносятся ветром или смываются дождем, их очертания размыты, лица неузнаваемы, существование быстротечно. Если перефразировать Ролана Барта, то можно сказать, что живопись Наталии Новиковой есть некий удивительный

5. Н. Новикова. Летнее кафе. 2005. Х., м. 50х40 N. Novikova. Summer Cafeteria. 2005. Canvas, oil. 50x40 6. Н. Новикова. Кострома. 2007. Х., м. 50х60. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» N. Novikova. Kostroma. 2007. Canvas, oil. 50x60. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection

In 1993 she finished Moscow City Teaching Gymnasium. A few years later in 1998 she obtained her Diploma in arts and graphics of V.I. Lenin State Teaching University in Moscow. In 1999 she joined members of the International Art Fund. In May 2006 she became a member of Moscow Designers’ Union. Her works are held in private collections in Russia, Ukraine, Byelorussia, USA, Hungary, Great Britain, Japan and Israel. Stylistically city views by Natalia Novikova belong to the realistic painting school with its peculiar colours and subtly conveyed coloration and light. Natalia works a lot from life going on plein-air trips, which undoubtedly gives her works a special power of impressions at their straightforward, fresh, and pure best. City landscapes include views of Moscow, Suzdal, Pereslavl-Zalesskiy, Yaroslavl, Kostroma, Uglich, and a lot of foreign cities. Natalia’s credo is search. She shows familiar Moscow backstreets as viewed from surprisingly pure artist’s perspective. Normally the object of depiction in her paintings is a person with everything else being just background. Natalia changes her viewpoint to see the world through city’s eyes. Cities with their houses and streets seem to be watching people’s chaotic movements and contemplating city bustle. Moscow landscapes by the author lack any systematical or detailed narration. Instead they boast something that makes her landscapes similar to poetry, accurately preset rhythm, and diverse emotional tinges including meditative and lyrical ones. «Byelorusskiy Railway Station» painting features people arriving, departing, and rushing somewhere. They are nothing but light

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

shades that appeared for a second on great walls of the building. Their life is a fleeting moment, whereas city life is eternity. You can see motorcyclists rushing past the Kremlin and leaving behind dust and light blinks with walls and towers of the Kremlin looking proudly at them. You can also see a beauty in a red raincoat rushing onto her first date and running along the bridge over the Moscow River like a wisp of wind. Movements make her look rippled like the river waters and unreal like reflection in water. People seem to be gone by the wind or washed away with the rain. Their silhouettes are blurred, their faces are unrecognizable, and their existence is swift-flowing.

7. Н. Новикова. Набережная Москвы-реки. 2008. Х., м. 60х80 N. Novikova. The Moscow River Quay. 2008. Canvas, oil. 60x80 7

8. Н. Новикова. Москвичка. 2008. Х., м. 80х60 N. Novikova. Moscow Dweller. 2008. Canvas, oil. 80x60

медиум, новая форма иллюзорности, ложной на фоне восприятия, истинной на уровне времени, разделяемой образом, о который потерлась реальность. В работах художника ощущается мощный эффект экспрессивной мгновенности, столь характерной для истинных романтиков.

9. Н. Новикова. Хитров переулок. 2001. Х., м. 40х30 N. Novikova. Khitrov Alleyway. 2001. Canvas, oil. 40x30

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

If you rephrase the famous quote by Roland Barthes, you can say that paintings by Natalia Novikova are a certain surprising medium, new form of illusiveness, which is false against perception and true at time level. It is separated by the image reality has rubbed against. The artist’s works boast a great effect of expressive immediacy which is so typical of true romanticists. During her canvas journeys Natalia Novikova tries to change the march of time, so the emotional tension the audience feel following the artist is quite explicable — since they manage to be both in truly tangible being and virtual reality that has rubbed against it. Colours in Natalia Novikova’s creations are one of the main means to communicate the idea and the content. Conveying a meaning, they have an effect on emotional perception of the painting. Thus the crucial feature of «The Motorcyclists» painting is plastic expressiveness of brush-strokes and form creation with the help of colours. Brush-strokes acquire a lot of functions including colour, rhythmic, and dynamic ones. This is why Natalia manages to achieve complete unity of the form and the colour, coloration and composition — essential features of painting integrity. And in her «Moscow Dweller» painting colours seem to flow down the canvas as if washed away with the rain. Creations by Natalia Novikova offer a new view of the city and its people, so they change the audience’s ideas of city landscapes in painting art. Each picture reflects a complete range of feelings fixed in colours removing barriers between the reality and the space on the canvas. L. Kandalova, arts critic

10. Н. Новикова. Белорусский вокзал. 2008. Х., м. 70х60 N. Novikova. Byelorusskiy Railway Station. 2008. Canvas, oil. 70x60 10

11. Н. Новикова. Набережная Яузы. 2007. Х., м. 60х80 N. Novikova. The Yauza Quay. 2007. Canvas, oil. 60x80

В своих путешествиях на холсте Наталия Новикова пытается изменить ход времени так, что эмоциональное напряжение, которое испытывает зритель, следуя за художником, вполне объяснимо — ведь ему довелось пребывать одновременно и в реально осязаемом бытии, и в «потертой» об него виртуальной реальности. Цвет в работах Наталии Новиковой является одним из главных средств передачи идеи и содержания, он имеет смысловую нагрузку, влияет на эмоциональное восприятие картины. Например, в картине «Мотоциклисты» большое значение имеет пластическая выразительность мазка, создание формы с помощью цвета. Мазок приобретает множество функций — цветовую, ритмическую, динамическую. Поэтому Наталии удается достигать полного единства формы и цвета, колорита и композиции — необходимых признаков цельности картины. А в картине «Москвичка» краска словно легко стекает с полотна, как будто смывается дождем. В своих произведениях Наталия Новикова по-новому взглянула на город и людей в нем, изменив представление зрителя о городском пейзаже в живописи. Каждая картина отражает полный диапазон чувств, зафиксированный в красках, разрушая барьеры между реальностью и пространством на холсте. Л. Кандалова, искусствовед

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

СИМВОЛ И ОБРАЗ ВЛАДИМИРА СИМОНОВА VLADIMIR SIMONOV’S SYMBOLS AND IMAGES Владимир Симонов родился в Москве в 1958 году. Закончил МВХПУ (б. Строгановское). Член Московского союза художников (секция живописи). Член Международного совета музеев (ICOM). Участник многочисленных выставок в России и за рубежом. Работы художника находятся в Музее современного искусства (Москва) и в музее «Kunst und Museum» (Holfeld, Германия). Избегая монохромных решений, Владимир Симонов привлекает эмоциональной звучностью палитры, фактурностью полотен. Художник предпочитает работать сериями. Вдохновляясь старыми фотографиями, создал ряд картин под названием «Дагерротипы». Этот цикл характеризует ретроспективизм. Здесь живописец много внимания уделяет цветовому решению полотен, контрастным сочетаниям красного и зеленого. Минималистические аскетические натюрморты, берущие начало в бодегонесах Веласкеса, преломленные драматической деформацией немецкого экспрессионизма, помимо близкой последнему линеарности, построены не на кричащих цветовых сочетаниях, а на гармонии пастельных цветовых оттенков. 1

2 1. В. Симонов. Из серии «Реставрация. Раскрытие образа». 1997. Х., м. 105х100 V. Simonov. From the Restoration Series. Image Elaboration. 1997. Canvas, oil. 105x100 2. В. Симонов. Утро. 2007. Х., м. 85х70. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» V. Simonov. The Morning. 2007. Canvas, oil. 85x70. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection

Vladimir Simonov was born in Moscow in 1958. He has graduated from Moscow Higher School of Art and Industry (former Stroganov Institute). He is a member of Moscow Union of Artists (painting department) and the International Council of Museums (ICOM). He has taken part in numerous art shows in Russia and abroad. The artist’s works are held in the Museum of Contemporary Art (Moscow) and «Kunst und Museum» Museum (Holfeld, Germany).

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

3. В. Симонов. Черное море. 2007. Х., к., м. 50х60 V. Simonov. The Black Sea. 2007. Canvas, cardboard, oil. 50x60 4. В. Симонов. Пейзаж с мостом. 2007. К., м. 40х50 V. Simonov. The Landscape with a Bridge. 2007. Cardboard, oil. 40x50 5. В. Симонов. Из серии «Дагерротипы II». 2009. Б., смеш. техн. 42х30 V. Simonov. From the Daguerreotypes II Series. 2009. Paper, mixed technique. 42x30

Тот же аскетизм, граничащий с лаконизмом детского рисунка, характерен при изображении моделей и пейзажа. Нарочито небрежно обращаясь с цветовыми плоскостями, временами оставляя незакрашенным подмалевок, художник весь акцент сосредоточивает на драматургии цветовых взаимоотношений, гармонии глобальных колористических плоскостей. Апогеем цветовых экспериментов является пейзажный цикл. Здесь несвойственная для натюрмортов напряженная динамика («Пейзаж с деревом») соседствует с замесами голубовато-серой гам4

Avoiding monochromatic interpretations Vladimir Simonov seems appealing due to emotional colours and textured canvases. The artist prefers working in series. Deriving inspiration from old pictures he has created a number of paintings titled «Daguerreotypes». While making this cycle boasting retrospective features the artist focused on colours of the paintings and contrasting combinations of red and green colours. Minimalist austere still-lifes originating from bodegons by Velasquez and refracted by dramatic deformity of German Expressionism are based on linearity typical of the latter and, what is more, on harmony of pastel colour shades, rather than flamboyant colour combinations. The same austerity trenching on laconism of children’s pictures is typical of model and landscape depiction. Treating colour planes with deliberate negligence, leaving some undercoats unpainted, the artist focuses on drama of colour relationships and harmony of global colour planes. The apogee of his colour experiments is his landscape cycle, where tense dynamics alien to still-lifes («The Landscape with a Tree») is found side by side with blue and grey batches («The Landscape with a Bridge») and deliberate primitivism («The Black Sea») with the name of the depicted object being read literally and its being painted with black paint just as literally. Art nude is another aspect V. Simonov pays much attention to. His models either become objects of the artist’s pictorial research efforts including intense and almost monochromatic ones, or appear as participants of conventionally ornamental compositions. His «Restoration» series has to do with Vladimir Simonov’s second profession as a fine art restorer. The paintings’ composition is based on a technique similar to layer-by-layer cleaning of icons or old paintings, when dark layers of lat-

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

ter depictions reveal ringing cheerful colours. Inspired by communion at hallows of Saint Seraphim of Sarov, V. Simonov filled his paintings of the series with philosophical content and shared his thoughts of the victim and self-sacrifice in life and art issue: «Although wonderful, the world dies under the harrow of human sins. We all can at least temporarily stop its sheer fall into the abyss by realizing our depravity and shriving. However it is hard to live in God, so we keep leaving our Heavenly Father and coming back to him». The paintings this series consists of express an idea of personal Orthodox penance. No wonder, if you look closely at them, you will be able to recognize selfportrait features of the painter in some of them. 8

6 6. В. Симонов. Девушка с длинными волосами. 2007. К., м. 50х40. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» V. Simonov. The Girl with Long Hair. 2007. Cardboard, oil. 50x40. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection 7. В. Симонов. Натюрморт с розовой бутылкой. 2007. К., м. 40х50 V. Simonov. The Still-Life with a Pink Bottle. 2007. Cardboard, oil. 40x50 8. В. Симонов. День. 2009. Б., смеш. техн. 42х30 V. Simonov. Day. 2009. Paper, mixed technique. 42x30

мы («Пейзаж с мостом») и нарочитым примитивизмом («Черное море»), где название объекта изображения прочитывается буквально и столь же буквально раскрашивается черной краской. Ню — еще один аспект пристального внимания В. Симонова, где модели становятся либо объектами живописных исследований художника, от интенсивных до почти монохромных, либо предстают участницами условно-орнаментальных композиций. Серия «Реставрация» связана со второй специальностью Владимира Симонова — художника-реставратора. Композиция картин решена через прием, напоминающий послойную расчистку икон, либо старой живописи, когда под темными слоями поздних записей обнажаются поющие жизнерадостные краски. Вдохновленный причастием у мощей Серафима Саровского, наполняя картины серии философским содержанием, В. Симонов делится своими размышлениями о проблеме жертвы и самопожертвования в жизни и искусстве: «Мир прекрасен, но он гибнет от тяжести человеческих грехов. Каждый из нас может хотя бы приостановить его стремительное

ЖИВОПИСЬ/PAINTING

10 9. В. Симонов. Из серии «Реставрация. Грешница». 1997. Х., м. 90х105 V. Simonov. From the Restoration Series. The Sinner. 1997. Canvas, oil. 90x105 10. В. Симонов. Модель. 2000. Х., а. 40х50 V. Simonov. The Model. 2000. Canvas, acrylic. 40x50 11. В. Симонов. Модели. 2006. Х., м. 85х95. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» V. Simonov. The Models. 2006. Canvas, oil. 85x95 «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection

падение в пропасть осознанием собственной греховности и покаянием. Но жить в Боге трудно, и постоянно мы то покидаем Отца нашего, то возвращаемся к нему». В картинах из этой серии выражена идея личного христианского покаяния. Неслучайно, приглядевшись, можно узнать в некоторых персонажах автопортретные черты живописца. К близкому евангельски-библейскому циклу можно отнести и картину «Райское дерево», где художник, наделяя сакральным смыслом силуэт, отдаленно напоминающий дерево, выстраивает перед зрителем логическую цепочку: дерево — древо — древо жизни. Изображенное плодоносное древо близко лаконичностью силуэта Чаше Грааля, а также подобно другим евхаристическим объектам натюрморта, изображенным художником в этой серии. Примечательна текстура этого небольшого полотна, фактурно-осязаемая, словно дошедшая из глубины веков, с выступившими на ней свежими блестящими плодами — каплями крови, будто мироточащими из древней иконы или «состарившейся» фрески. Полифоничность этой картины характеризует идейное содержание как цикла, так и всего творчества художника, акцентирующего символическую многозначность мира, которую он старается отразить на своих полотнах. Оксана Ермолаева-Вдовенко, искусствовед, член Союза художников России

Another painting that could be included into the evangelic-biblical cycle is «Eaglewood Tree», where the artist gave sacral meaning to a silhouette that slightly resembles a tree to set the following string of logic: tree — Tree — Tree of Life. By its silhouette laconism the fruit-bearing tree resembles the Holy Grail and other Eucharistic still-life objects depicted by the author in the series. Another fascinating feature of the small canvas is its texture. It looks textured and tangible and seems to have come from time immemorial. Besides it features emerged fresh shiny fruit — blood drops that seem to ooze out of an old icon or an old fresco. This painting’s polyphony characterizes ideas of the cycle and, what is more, the whole art of the painter that highlights symbolic ambiguity of the world he tries to convey on his canvases. Oksana Yermolayeva-Vdovenko, arts critic member of the Union of Russian Artists 11

ГРАФИКА/GRAPHICS

1. А. Шалагин. Весна в Находке. Три грации. 2008. Б., гравюра на пластике, акварель. 55х40. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» A. Shalagin. Spring in Nakhodka. Three Gratia. 2008. Paper, etched plastic, watercolours. 55x40. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection

НЕОЖИДАННОЕ ИЗ ПРИВЫЧНОГО FROM THE HABITUAL TO THE UNEXPECTED Рекомендован Находкинской организацией ВТОО «Союз художников России» Recommended by Nakhodka Organization of the All-Russian Creative Organization «Union of Russian Artists»

Александр Шалагин Aleksandr Shalagin Александр Шалагин родился 1955 году на станции Мостовой Улан-Удэнского района Бурятии. В 1979 году окончил Художественное училище в городе Владивостоке. Член Союза художников России. С 1980 года проживает в городе Находка. Впервые увидев работы графика Александра Шалагина, влюбляешься в них раз и навсегда: столько в них изящества, фантазии, многослойности, иронии и…загадки. Именно эта загадка заставляет взгляд возвращаться к изображению снова и снова, рассматривать, делать маленькие открытия, обнаруживая нечто незамеченное ранее, удивляться и снова всматриваться. И неважно, какую именно работу Мастера видишь — небольшой

Aleksandr Shalagin was born at Mostovaya Station, Ulan-Ude Region in Buryatia, in 1955. He obtained his Diploma of an Art College in the city of Vladivostok in 1979. He is a member of the Union of Russian Artists. Since 1980 he has lived in the city of Nakhodka. When you first see works by the graphic artist Aleksandr Shalagin, you cannot but fall for them once and for all: they boast so much gracefulness, imagination, multilayeredness, irony, and mystery. It is this mystery that makes you look at the image again and again, contemplate it, make little discoveries, find something you have missed before, marvel, and gaze again. And it does not really matter what work by the master you see — be it a small humble drawing or a

ГРАФИКА/GRAPHICS

скромный рисунок или огромное панно в холле солидной компании: в обоих случаях щедрая порция загадок и открытий зрителю гарантирована. Все, что Шалагин хочет сказать людям и всему миру, говорит не словами, а цветами, оттенками, фактурами. Еще точнее — их непредсказуемыми, завораживающими сочетаниями. Откуда же такая страсть к смешиванию разнородного, такое желание создавать нечто? Один из коллег Шалагина по Находкинскому отделению Союза художников России, живописец Виталий Лаханский, уверен — «виной» тому сочетание сибирского характера и влияния дальневосточной природы. Изначально художник работал в основном акварелью (сам он говорит: «Так любил акварель, аж дрожал»), тушью, пером, а излюбленным жанром его был натюрморт. Однако с каждым годом неугомонный Шалагин расширял свой авторский диапазон, с увлечением экспериментируя с разными поверхностями, материалами и техниками. В итоге родилась своеобразная, ни на что не похожая и с первого взгляда узнаваемая, «шалагинская» смешанная техника. Ее отличают легкая, ироничная простота сюжета, и в то же время многоплановость, многофактурность, замысловатость исполнения. Автор словно старается усложнить плоскость, фактуру, тем самым делая изображение, событие, впечатление значимее. Ну чего, казалось бы, интересного, изобразить одну рыбину. Однако за счет фантазии, мастерства художника она превращается в некую Рыбу-Вселенную, притягивающую взгляд 4

3 2. А. Шалагин. Раковины (из серии «Морское дно»). 2007. Б., т. смеш. техн. 45х30. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» A. Shalagin. Shells (Sea Bottom Series). 2007. Paper, mixed technique. 45x30. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection 3. А. Шалагин. Рыба-сноб (из серии «Рыбы»). 2007. Б., смеш. техн. 35х22. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» A. Shalagin. Snob Fish (Fish Series). 2007. Paper, mixed technique. 35x22. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection 4. А. Шалагин. Ветер странствий. 2008. Б., чернила. 53х38 A. Shalagin. Wind of Wanderings. 2008. Paper, ink. 53x38 5. А. Шалагин. Рыбацкий натюрморт. 2007. Б., воскография. 35х55. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» A. Shalagin. Fishing Still-Life. 2007. Paper, wax graphics. 35x55. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection 5

ГРАФИКА/GRAPHICS

6. А. Шалагин. Морская фантазия. 2006. Б., акрил, смеш. техн. 55х40. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» A. Shalagin. Marine Fantasy. 2006. Paper, acrylic, mixed technique. 55x40. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection

и заставляющую скользить вслед за авторской фантазией по причудливым лабиринтам рисунка, переносясь с параллельные миры и пространства… Во многих графических работах Александра Шалагина четко прослеживается связь моря и берега. Любовно, с доброй усмешкой он изображает рыбацкие поселки с их неприхотливым бытом, обветренными лицами то ли бродяг, то ли рыбаков, развешанной

huge panel in the hall of a respectable company: in both cases the audience is sure to get a large share of mysteries and findings. Everything Shalagin wants to tell people and the whole world, he expresses with colours, shades, and textures, rather than with words. And to be more precise he expresses it all with their charming unpredictable combinations. So where does this passion for mixing the heterogeneous and wish to create something come from? Vitaliy Lakhanskiy, one of Shalagin’s colleagues and his co-member of Nakhodka Branch of the Union of Russian Artists, is sure that it is the combination of Siberian character and influence of the Far Eastern nature that is «to blame». Originally the artist mainly worked with watercolours (he keeps saying that «Because of my love to watercolours I used to tingle with excitement»), Indian ink, and pens. And his favourite genre was stilllife. However over the years restless Shalagin widened his signature range enthusiastically experimenting with different surfaces, materials, and techniques. In the end the unique Shalagin’s mixed technique which is different from all others and recognizable at first glance appeared. It is distinguished by subtle ironic simplicity of the plot and at the same time multi-plane, multi-texture, and intricate performance. The author seems to try and complicate the plane and the texture making images and events more significant. What may be fascinating about depicting a fish? But the artist’s imagination and mastery turn it into some Universal Fish that attracts your attention and makes you follow the author’s fantasy in complex mazes of the drawing and get into parallel worlds and spaces… Many of Aleksandr Shalagin’s graphic works show a clear link between the sea and the shore. With love and a kind ironic smile

7. А. Шалагин. Старый причал. 2009. Б., акварель. 40х30 A. Shalagin. The Old Harbor. 2009. Paper, watercolours. 40x30

ГРАФИКА/GRAPHICS

на просушку рыбой. Как ни удивительно, в рыбацком Приморье эта тема очень мало отражается в творчестве художников. Так уж повелось, что местные мастера изобразительного искусства уезжали черпать вдохновение на Сахалин, Курилы, Камчатку. Для Шалагина Приморье с его разнообразной природой — от суровых скал до теплого песка на летнем пляже — оказалось и источником вдохновения, и достойным предметом изображения. И все же, несмотря на влияние сибирских корней и дальневосточных впечатлений, Шалагину, на мой взгляд, удается быть космополитичным в своем творчестве. Его стиль смело можно назвать европейским, а работу авторства Шалагина легко представить как в интерьере ресторана или ночного клуба, так и в зале Музея современных изобразительных искусств.

he depicts fishing villages with their unpretentious household and weather-beaten faces of either tramps, or fishermen, and fish hanging out to dry. Surprisingly in fishing Primorye Region this subject is rarely reflected in painters’ art. Historically local masters of fine art traveled to Sakhalin, Kurily Islands, and Kamchatka to draw inspiration from those places. For Shalagin Primorye Region with its diverse nature including rugged rocks and warm sand of a summer beach is both a source inspiration, and a worthy object of depiction. And I still believe that despite the effect of Siberian origins and the Far Eastern impressions, Shalagin manages to be a cosmopolitan in his art. His style can be definitely called European, and works by Shalagin can be easily pictured in the interior of a restaurant or a night club, and in the hall of a museum of contemporary fine arts. Svetlana Alexeeva, arts critic

8. А. Шалагин. Рождество. 2009. Б., акрил. 55х37 A. Shalagin. Christmas. 2009. Paper, acrylic. 55x37 9. А. Шалагин. Рыба-остров (из серии «Рыбы»). 2007. Б., смеш. техн. 35х22. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» A. Shalagin. Island Fish (Fish Series). 2007. Paper, mixed technique. 35x22. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection 10. А. Шалагин. Шум моря. 2009. Б., акрил, смеш. техн. 55х40 A. Shalagin. Sea Sounds. 2009. Paper, acrylic, mixed technique. 55x40

Светлана Алексеева, искусствовед 10

11. А. Шалагин. Свет солнца в теплой лагуне. 2009. Б., смеш. техн. 45х30 A. Shalagin. Sunlight in a Warm Lagoon. 2009. Paper, mixed technique. 45x30

ГРАФИКА/GRAPHICS

НЕ ОСТАНАВЛИВАТЬСЯ НА ДОСТИГНУТОМ NEVER REST ON YOUR LAURELS Заслуженный художник России. Рекомендован Белгородским районным отделением Союза художников России Honoured Artist of Russia. Recommended by Belgorod Regional Branch of the Union of Russian Artists

Владимир Козьмин Vladimir Kozmin Жизнь художника Владимира Козьмина с самого его рождения оказалась связанной с печатным делом. Родился он в 1941 году, 5 мая, — до недавнего времени эта дата праздновалась как День печати. В биографии его поначалу были совсем «не художественные» страницы, например работа слесарем на заводе. И даже по окончании оформительского отделения в Иркутском художественном училище он занимается не очень-то творческим делом, работая в типографии хроморетушером. Правда, уже в ранние годы в его характере проявляется ценное качество — стремление к достижению наилучших результатов в любом деле. Изучить, разобраться и — полностью выложиться в работе. Творчество Владимира Козьмина — одно из исключений, и дело здесь не только в долгом процессе создания гравюры: ведь понятно, что сама по себе длительность работы еще не гарантирует удачный результат. Обратившись к офорту в 1979 году, художник постепенно испробовал все его техники — травленый штрих, мягкий лак, сухую иглу, трудоемкую гравюру резцом, более «живописные» акватинту и меццотинто, а также фото-офорт и резерваж. Художник, кроме того, владеет техниками высокой печати — ксилографией и линогравюрой, работал и в плоской печати — офсете. Таким образом, в зависимости от образного строя будущей работы, она может быть воплощена в строгой гравюре резцом либо в акватинте, автор ни в чем не отказывает своему художественному чутью. Одна беда — будучи живым воплощением энциклопедии графических техник, Владимир Козьмин не находит тех, кому мог бы эти знания передать. Единственный белгородский художник, обратившийся к его богатому опыту

1. В. Козьмин. Зимние узоры. 2006. Линогравюра. 30х30. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» V. Kozmin. Winter Patterns. 2006. Linoleum printing. 30x30. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection

From the very birth the artist Vladimir Kozmin’s life had to do with printing business. He was born on 5 May, 1941 — till recently the day was celebrated as a Print Day. His early biography included rather non-artistic chapters like working as a locksmith at a factory. And even after obtaining his Diploma in decoration of Irkutsk Art School he was engaged in a rather non-creative business working as a retouch artist for a printing house. Though, when still young he already had a valuable feature of striving for the best results in any type of work. He has always wanted to learn, investigate, and strain every sinew in work.

ГРАФИКА/GRAPHICS

2. В. Козьмин. Вода пришла. Белгородское море. 1989. Офорт, мягкий лак, 19х29. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» V. Kozmin. Water Arrived. Belgorod Sea. 1989. Etching, soft ground. 19x29. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection 3. В. Козьмин. Ольхонские ворота. 2003. Линогравюра. 48х37. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» V. Kozmin. Olkhonskie Gate. 2003. Linoleum printing. 48x37. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection

работы в гравюре, — Сергей Расковалов. Но, как правило, большинство студентов художественных специальностей предпочитает заниматься компьютерной графикой, которая нивелирует выразительные возможности рукотворной художественной техники или, что еще хуже, только имитирует ее. О ремесле художника тут говорить не приходится, скорее — о степени владения ком3

Art by Vladimir Kozmin is exceptional. And it is not all about long work over an engraving, since obviously long work cannot guarantee a successful result. After turning to etching art in 1979 the artist has gradually tried his hand at all its techniques including the etched stroke method, soft ground method, dry point method, labour-intensive stroke engraving, more pictorial aquatint and mezzotint methods, as well as photo-etching and reservage methods. Besides, the artist knows typographic printing techniques like woodblock printing and linoleum printing. He has also tried his hand at lithography — offset printing. Thus depending on the image structure of his future work it may be made with a cutter as an austere print, or with the use of the aquatint technique — the author always follows his artistic instinct. Sadly, being a living incarnation of an encyclopedia of graphic techniques, Vladimir Kozmin cannot find people to pass on his knowledge. The only Belgorod artist that has decided to use his rich experience in printing is Sergey Raskovalov. But most art students prefer computer graphics which either whittles away expressive potential of the manual art technique, or to make things even worse imitates it. Instead of artistic craft it requires nothing but knowledge of computer programs. Vladimir Kozmin himself never refuses to accept guests including the youth — and not necessarily creative youth — in his studio. «Let them see how hard artists’ work is», he says. As for content of Kozmin’s works, it can be defined by a state of calmness, pacification, and self-awareness, rather than by a reference to any given genre. No wonder that one of his favourite subjects is Baikal Lake. One of Vladimir Kozmin’s art shows was titled «My Love Baikal». And he tries to visit the place at least every other year. These wonderful places the artist comes from have undoubtedly had an effect on his character. And they still give him energy today. Vladimir Kozmin enjoys traveling around Russia and abroad — alone or with his artist friends. Thus he usually travels a lot during the «Slavic Plein Air» (recently he has directed the X jubilee International Slavic Plein Air «Belgorod-2009», which is held annually by Belgorod Regional Organization of the Union of Artists) and also visits other picturesque nooks of this country. Constant work from life at plein-air sessions serves as special creative tonic for Vladimir Vladimirovich. The artist

ГРАФИКА/GRAPHICS

пьютерными программами. Сам Владимир Козьмин никогда не отказывается принимать в своей мастерской гостей, в том числе молодежь, и совсем необязательно творческую. «Пусть увидят, какой сложный труд художника!» — говорит он. Если говорить о содержании работ Козьмина, то в целом его можно определить не отсылкой к тому или иному жанру, а состоянием спокойствия, умиротворения, самоуглубленности. Не случайно одна из его любимых тем — Байкал. «Любовь моя — Байкал» — так называлась и одна из выставок Владимира Козьмина. Он старается приехать туда хотя бы один раз в два года. Эти удивительные, родные для художника места, несомненно, оказавшие влияние на его характер, продолжают давать ему силы и сегодня. Владимир Козьмин с удовольствием путешествует по России и за ее пределами, один или с друзьями-художниками — например, во время «Славянского пленэра» (недавно он руководил юбилейным Х Международным славянским пленэром «Белгород-2009», ежегодно проводимым Белгородской региональной организацией Союза художников) или других поездок по живописным уголкам нашей страны. Постоянная работа с натуры, на пленэрах — своеобразная творческая подпитка для Владимира Владимировича, которая, по признанию художника, облегчает его труд как графика, помогает все время быть в тонусе. Этому способствуют и многочисленные заказы на оформление и иллюстрирование книг (В. Козьмин оформил более 200 изданий), и участие во многих крупнейших всероссийских выставках последних лет. За многие годы у него накопилось огромное количество рисунков, акварелей, этюдов, написанных с натуры. Некоторые из них впоследствии превращаются в гравюры, другие — остаются в первоначальном материале, сохраняя непосредственность и свежесть первого впечатления. Особняком в творчестве В. Козьмина стоят серии гравюр. Они, как правило, представляют собой цельный рассказ на определенную тему, и всегда наполнены личным отношением автора к этой теме, например серия «Сыны и дочери России», в которую входят портреты княгини Ольги, Петра Великого, Пушкина, Лермонтова, Шаляпина, Шукшина, Высоцкого, Талькова, Косенкова, Никиреева... Немало произведений посвящено образу А.С. Пушкина, причем художник занялся этой темой задолго до широко отмечавшегося 200-летия со дня рождения поэта. В 2006—2007 году он принимал участие в создании экспозиции «Пушкин и Белгородчина» в Пушкинской библиотеке-музее г. Белгорода, для которой написал несколько акварельных портретов белгородцев — знакомых Пушкина и создал ряд линогравюр с видами старого Белгорода. Последняя тема занимает в его творчестве особое место: несколько лет назад В. Козьмин создал серию линогравюр «Белгород — город старый, город новый». В ней показан город начала и конца XX века, запечатлены белгородские улицы вековой давности, с храмами и постройками, не сохранившимися до наших дней, и одновременно показано сочетание современной архитектуры и старинных зданий в облике сегодняшнего Белгорода. Легкость, с которой Владимир Владимирович живет и работает, поражает, хотя, конечно, легкость эта кажущаяся. Не каждый смог бы прожить столь непростую жизнь и сохранить вкус к ней, с головой уйти в очень сложное, но любимое дело, продолжать очень много работать в том возрасте, когда многие успокаиваются и предпочитают пользоваться достигнутым признанием, не создавая ничего нового. Наталья Гончаренко, искусствовед

ГРАФИКА/GRAPHICS

4. В. Козьмин. Дань Бурхану (серия «Тункинская долина»). 2007. Линогравюра. 36х36. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» V. Kozmin. A tribute of Burhanu (a series the Tunkinsky valley). 2007. Linoleum printing. 36х36. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection 5. В. Козьмин. По Байкалу. 2007. Линогравюра. 49х34. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» V. Kozmin. Across Baikal. 2007. Linoleum printing. 49х34. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection 6. В. Козьмин. На берегу Байкала. 2007. Линогравюра. 28,2х29,8 V. Kozmin. On Lake Baikal Bank. 2007. Linoleum printing. 28,2x29,8 7. В. Козьмин. На окраине села (серия «Земля Вологодская»). 1989. Офорт. 16х15. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» V. Kozmin. On village suburb (a series the earth Vologda). 1989. Etching. 16х15. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection. 8. В. Козьмин. Памяти Никиреева. 2009. Линогравюра. 37,5х36,5 V. Kozmin. To the Memory of Nikireev. 2009. Linoleum printing. 37,5x36,5 9. В. Козьмин. Старица из Гориц. 2001. Линогравюра. 42х50 V. Kozmin. The Aged Nun from Goritsy. 2001. Linoleum printing. 42x50 9

confesses that it helps to make his labour as a graphic artist easier and always feel toned up. It is also favoured by multiple orders to design and illustrate books (V. Kozmin has illustrated more than 200 publications) and participation in many largest All-Russian art shows that have been held in recent years. Over years he has collected a lot of drawings, aquarelle works, and sketches created from life. Some of them eventually turn into prints, others remain what they are maintaining spontaneity and freshness of the first impression. A special part of V. Kozmin’s art is print series. They normally represent whole stories on certain themes and always boast the author’s personal attitude to these themes. One of such series is «Russian Sons and Daughters», which includes portraits of Princess Olga, Peter the Great, Pushkin, Lermontov, Shalyapin, Shukshin, Vysotskiy, Talkov, Kosenkov, and Nikereev. Many of his works are dedicated to the image of A. S. Pushkin, and what is remarkable the artist turned to the subject long before the widely celebrated 200th anniversary of the poet’s birth. From 2006 to 2007 he took part in creating an exposition titled «Pushkin and Belgorod Region» for Pushkin library museum in the city of Belgorod. For the exposition he created a number of aquarelle portraits of Belgorod dwellers that had been on friendly terms with Pushkin and several linoleum prints featuring views of the old Belgorod. The latter holds a special place in his art: a few years ago V. Kozmin created a series of linoleum prints titled «Belgorod — the Old City, the New City». It shows the city of the early and the late XX century, Belgorod streets as they used to look a century ago with their cathedrals and buildings that have not survived till nowadays, and a combination of modern architecture and old buildings in the form of the today’s Belgorod. Easiness Vladimir Vladimirovich lives and works with is stunning. However this easiness is definitely just seeming. Only a few can live such a hard life and still enjoy it, throw themselves in a complex, though beloved profession, and keep working a lot at an age when many people calm down and prefer to use the recognition they have won without creating anything new. Natalia Goncharenko, arts critic

100

ДЕКОРАТИВНО ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО/DECORATIVE AND APPLIED ART

МАСТЕР ГОБЕЛЕНА/GOBELIN MASTER Елена Галактионова Elena Galaktionova Искусство шпалеры — одно из самых древних на Земле. Оно было известно и в доколумбовой Америке, и в Египте (XIV—XI вв. до н.э.), и в Перу, и в Китае, где ярко проявило себя в работах мастеров эпохи Сум (X—XIII вв.). В Западную Европу художественное ткачество пришло с мусульманского Востока через мавританскую Испанию. Наиболее ранние из сохранившихся работ — шпалера ройнских мастеров XI века. Начиная со средних веков, в Европе в кругах высшей знати вошло в моду украшать интерьеры шпалерами с изображением сцен охоты или отдыха на природе. Картоны для шпалер создавали Рубенс и Иорданс, Рафаэль и Ван Дейк. В Мадриде в XVIII веке была основана Королевская шпалерная мануфактура, которая прославилась тем, что эскизы для карто2 1

1. Е. Галактионова. Город — 4. 2005. Гобелен. 52х68. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» E. Galaktionova. City — 4. 2005. Tapestry. 52x68. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection 2. Е. Галактионова. Город — 1. 2002. Гобелен. 31х32. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» E. Galaktionova. City — 1. 2002. Tapestry. 31x32. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection

Tapestry art is one of the oldest on Earth. It was known in pre-Columbian America, Egypt (XVI—XI centuries B. C. E.), Peru, and China, where its spectacular examples could be found in works by Sung dynasty masters (X—XIII centuries). This artistic weaving traveled to Western Europe from Muslim East through Moresque Spain. The earliest of the works that have survived are tapestries by Rhein masters of XI century. In the Middle Ages it became fashionable among European elite to adorn interiors with tapestries featuring images of hunting scenes or country holidays. Tapestry cartoons were created by Rubens, Jordaens, Raphael, and van Dyck. In Madrid in XVIII century they started a Royal Tapestry Manufactory which became famous because sketches for its cartoons were created by Francisco Goya. In XX century cartoons were developed by a number of artists like Le Corbusier, Vasarely, Leger, and Matisse. Ancient tapestries differed from modern-day gobelins in more meticulous techniques. Tapestries used to be woven for a few months by a team of weavers who used thin threads to convey the smallest details. The word «gobelin» has an intriguing history. In XVII century buildings owned by the Gobelin family in a Parisian Gobelin block

ДЕКОРАТИВНО ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО/DECORATIVE AND APPLIED ART

3. Е. Галактионова. Окно дяди Васи выходило на улицу. Фрагмент. Серия «Окно». 2010. Гобелен. 85х85 E. Galaktionova. Uncle Vasya’s Window Gave into the Street. Fragment. «The Window» Series. 2010. Tapestry. 85x85 4. Е. Галактионова. Из окна дворничихи тети Дуси. Серия «Окно». 2008. Гобелен. 85х85 E. Galaktionova. From the Window of Aunt Dusya, the Yard Keeper. «The Window» Series. 2008. Tapestry. 85x85 5. Е. Галактионова. Кухня. 2005. Гобелен. 40х80 E. Galaktionova. Kitchen. 2005. Tapestry. 40x80

нов создавал Франсиско Гойя. В XX веке картоны разрабатывали Ле Карбюзье, Вазарелли, Леже, Матисс. От современного гобелена шпалера отличается более скрупулезной техникой исполнения. Шпалеры ткались несколько месяцев бригадой ткачей, нитки использовались тонкие, дававшие возможность передать мельчайшие детали. Термин «гобелен» имеет свою любопытную историю. В XVII веке в парижском квартале Гобеленов, в зданиях, принадлежавших семье Гобелен, была открыта шпалерная мануфактура, унаследовавшая это имя. Гобеленами стали называться и ее изделия, пользовавшиеся огромным успехом во всей Европе. Мастер современного гобелена Елена Галактионова создает свой мир, камерный и уютный, обладающий высокой 4

101

102

ДЕКОРАТИВНО ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО/DECORATIVE AND APPLIED ART

степенью эмоциональности и большим эстетическим воздействием. Елена Галактионова родилась и живет в Москве. По образованию дизайнер. Член Творческого союза художников России с 1991 года. Ее работы — это собрание настроений, состояний души, оптическая партитура из музыки или отрывков стихов. Вначале Елена выполняла небольшие трикотажные картины в раме как дополнение к костюму в интерьере, а в 2002 году освоила технику гобелена. Традиционно гобелен выполняется в технике «меланж», когда нитки разных оттенков перемешиваются, плавно переходя из цвета в цвет. Но Елене ближе графический подход, она любит открытые локальные цвета, иx четкие границы, ее гобелены не совсем традиционны. Сюжеты композиций разнообразны: городской пейзаж, натюрморт, абстракция, костюм. Изготовление гобелена — кропотливая и трудоемкая работа. Сначала делается небольшой эскиз в цвете, потом он переводится на картон в размер будущего гобелена, крепящийся к раме. Помимо гобеленов Елена создает оригинальные выставочноинтерьерные костюмы (ручной трикотаж), в основе которых также лежат графические произведения автора. Художник воплощает идеи костюма, сделанного специально для стены, одеть его нельзя, но визуально все пропорции соблюдены, как и на объемной фигуре: узкая шея, широкие плечи, узкие бедра. Так как в интерьере костюм воспринимается на некотором расстоянии, то на гобеленах размеры больше натуральной величины. Цветовая гамма произведений художника неяркая, даже сдержанная: серый, черный, белый с добавлением земляных оттенков — умбры, охры, терракотового. Елена Галактионова доказывает активную роль гобелена в пространстве любого интерьера — от городской квартиры до загородной виллы и офиса. Гобелен создает в интерьере особую атмосферу уюта, способен украсить, одухотворить и согреть пространство. Он передает тепло человеческих рук и уместен как в жилом интерьере, так и в музейных коллекциях. Композиции мастера ответят любому вкусу и настроению, восхитят волшебной, необыкновенной аурой. Людмила Кандалова, искусствовед 6

6. Е. Галактионова. Город — 3. 2005. Гобелен. 30х32 E. Galaktionova. City — 3. 2005. Tapestry. 30x32 7. Е. Галактионова. Бутылки — 3. 2009. Гобелен. 60х70 E. Galaktionova. Bottles — 3. 2009. Tapestry. 60x70

were used to establish a new tapestry works that inherited the family name. So all goods it produced were now called gobelins. And they enjoyed great success throughout Europe. The master of modern-day gobelin art Elena Galaktionova creates her own chamber and cozy world boasting great emotionality and huge aesthetic effect. Elena Galaktionova, a designer by training, was born and now lives in Moscow. She has been a member of the Creative Union of Russian Artists since 1991. Her works resemble a collection of moods and states of mind. They are like a visual musical score or fragments of poems. First Elena made small woven pictures in frames as a supplement to interior costumes. And in 2002 she mastered the gobelin technique. Traditionally gobelins are made with the use of melange technique, when threads of different shades are mixed to blend. However Elena prefers graphic approach, since she likes free local colours and clear boundaries. Her gobelins do not look really traditional. Subjects of her compositions are diverse. They include city landscapes, still-lifes, abstract plots, and costumes. Gobelin creation is painstaking labour-intensive work. First a small colored sketch is made. Then it is transferred onto a cartoon as large as the future gobelin, which is fastened to the frame. Besides gobelins Elena creates original exhibition and interior costumes (hand-made knitwear) based on graphic works by the author too. The artist embodies ideas of costumes made specifically

ДЕКОРАТИВНО ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО/DECORATIVE AND APPLIED ART

103

for walls. So it is impossible to put them on. However visually all the proportions are correct, so they seem to be on three-dimensional figures: a narrow neck, broad shoulders, and narrow hips. Since in the interior costumes are perceived at a certain distance, gobelins are larger than they really are. Colours of the artist’s works are dim and even restraint. They include grey, black, white, and some earthly shades like umber, ochre, and terracotta. Elena Galaktionova proves an active role of gobelin tapestries in the space of any interior including city apartments, country villas, and offices. Gobelins create special atmosphere of coziness in the interior and can adorn, spiritualize, and warm up the space. They convey warmth of people’s hands and look appropriate in both living interiors, and museum collections. The master’s compositions suit every fancy and mood. They can enrapture with some special magic aura. Lyudmila Kandalova, arts critic 8

8. Е. Галактионова. Бутылки — 4. 2009. Гобелен. 70Х70 E. Galaktionova. Bottles — 4. 2009. Tapestry. 70x70 9. Е. Галактионова. Манхэттен (триптих). 2005. Гобелен. 12, 24, 36х28 E. Galaktionova. Manhattan (triptych). 2005. Tapestry. 12, 24, 36x28 10. Е. Галактионова. Бутылки — 5. 2009. Гобелен. 70Х90 E. Galaktionova. Bottles — 4. 2009. Tapestry. 70x90

104

СКУЛЬПТУРА/SCULPTURE

ДОРОГА В РАИФУ WAY TO RAIFA Владимир Савельев Vladimir Savelyev Владимир Савельев родился 28 июля 1947 года в городе Йошкар-Ола. В 1965 году окончил Йошкар-Олинский технологический техникум по специальности «Техник-технолог деревообработки». В 1967—1970 годах учился в Московском высшем художественно-промышленном училище (бывшем Строгановском). С 1967 года — участник зональных, республиканских, всероссийских и всесоюзных выставок. С 1977 года — член Союза художников России. С 2007 года — заслуженный художник Республики Марий Эл. Владимир Савельев работает в различных жанрах и видах скульптуры — от монументальных объектов до пластики малых

2. В. Савельев. Хождение по водам. 2001. Пенополиуретан. 240х110х80 V. Savelyev. Walking on Water. 2001. Polyurethane foam. 240x110x80

1. В. Савельев. Раифа. Медаль. 2004. Бронза. Д — 12 см. Из собрания журнала «Русская галерея — XXI век» V. Savelyev. Raifa. Medal. 2004. Bronze. D — 12 cm. «Russian Gallery — XXI Century» Magazine collection

3. В. Савельев. Иоанн. 2008. Мрамор. 20х90 V. Savelyev. John. 2008. Marble. 20x90

СКУЛЬПТУРА/SCULPTURE

форм, широко известны произведения его медальерного искусства. В последние годы художник занимается также ювелирным искусством и созданием камей. Произведения В. Савельева находятся в крупнейших музеях и частных коллекциях России и за рубежом. С 1994 года живет и работает в Раифском Богородицком мужском монастыре. Раифский Богородицкий мужской монастырь — крупнейший действующий мужской монастырь Казанской епархии Русской православной церкви. В 1994 году, заинтересовавшись рассказом одного из послушников восстанавливаемого монастыря, В.Савельев приехал в Раифскую пустынь и обрел в неизбывном покое и красоте этого места мощный источник вдохновения и неисчерпаемую тему для творчества, тему, к которой художник шел уже давно, — православие. Годы, полные тяжелого труда и постоянного творческого поиска, очень счастливые для скульптора. Он продолжает свою работу —

4. В. Савельев. Марк. 2008. Мрамор. 20х90 V. Savelyev. Mark. 2008. Marble. 20x90 5. В. Савельев. Матвей. 2008. Мрамор. 20х90 V. Savelyev. Matthew. 2008. Marble. 20x90

105

Vladimir Savelyev was born in the city of Yoshkar-Ola on 28 July 1947. In 1965 he obtained his Diploma in the technology of woodworking of Yoshkar-Ola Technological College. From 1967 to 1970 he studied at Moscow Higher School of Arts and Industry (former Stroganov). Since 1967 he has taken part in zonal, republican, All-Russian, and All-Union art shows. Since 1977 he has been a member of the Union of Russian Artists. Since 2007 he has been an Honoured Artist of Mari El Republic. In his work Vladimir Savelyev uses different genres and types of sculpture art including monumental objects and plastic minor arts. His medal art creations are widely known as well. In recent years the artist has also tried his hand at jewelry art and stone creation. Works by V. Savelyev are held in the largest museums and private collections in Russia and abroad. Since 1994 he has lived and worked in the Virgin Monastery of Raifa. The Virgin Monastery of Raifa is the largest functional monastery of Kazan eparchy of Russian Orthodox Church. In 1994 V. Savelyev took an interest in a story told by one of the novitiates of the monastery being restored, so he went to Raifa Monastery to find a powerful source of inspiration and an inexhaustible subject

106

СКУЛЬПТУРА/SCULPTURE

послушание, вехи которого — изваяния и рельефы, уже давно ставшие одной из черт отличия Раифского монастыря от других обителей. У самого въезда в монастырь, на развилке дороги, гостей встречает словно вышедшая им навстречу и приглашающая в обитель Богоматерь с младенцем Иисусом на руках. У ног Богоматери — задумчивый ангел и книга, на ребре которой высечены слова «Господь с тобой». Выполненное из мягко искрящегося, словно излучающего нежный свет мрамора, изваяние, помещенное на невысокий постамент, обладает мощным эмоциональным посылом. Стилистически и масштабно связаны с изваянием Богородицы и пять больших барельефов, размещенные в нишах на стене Грузинского собора: Богородица и четыре евангелиста, каждый из которых наделен соответствующими ему канонически символами и атрибутами. Интересно, что все образы обладают яркой индивидуальностью, а в чертах евангелиста Луки, по преданию первого живописца и покровителя художников, можно найти, что естественно, сходство с автором барельефа. Работая в различных материалах, Владимир Савельев постоянно экспериментирует, и одним из интересных результатов подобного эксперимента стала выполненная из полиуретана фигура Христа Спасителя, которая несколько летних сезонов украшала гладь Раифского озера, а ныне установлена на монастырском погосте. О6разы Раифской обители нашли свое отражение и в медальерном искусстве Владимира Савельева, став продолжением его серии медалей, посвященной памятникам архитектуры и истории России. Наталья Зюмченко, искусствовед 6

for creative work in everlasting calmness and beauty of the place. This was the subject the artist had been long searching for — Orthodoxy. Years of hard labour and constant creative search were very happy for the sculptor. So he continues his work of penance with statues and reliefs that have been a distinctive feature of Raifa Monastery for a long time being its landmarks. At the very passage to the monastery, at the crossroads, visitors are met by Mother of God with baby Jesus in her arms. She seems to be meeting visitors and inviting them to the cloister. At the feet of Mother of God there is a pensive angel and a book with the words «God bless you» etched in its back. Made of gently sparkling marble that seems to radiate delicate light, this statue placed onto a low pedestal boasts a powerful emotional message. The style and the scale of Mother of God statue are similar to five large bas-reliefs 7 placed in niches of the wall of Georgian Cathedral: they include bas-reliefs of Mother of God and four Evangelists with canonically appropriate symbols and attributes. It is an interesting fact that all the images boast distinction, and features of Luke the Evangelist, who is said to be the first painter and protector of artists, naturally show resemblance to the author of the bas-relief. Working with different materials, Vladimir Savelyev keeps experimenting. One of peculiar results of such experiments was his figure of «Christ the Savior» made of polyurethane. For several summer seasons it adorned the surface of Raifa Lake and now it is placed in the churchyard of the monastery. Images of Raifa cloister have been reflected in Vladimir Savelyev’s medal art as well. They have become continuation of his medal series dedicated to relics of Russian architecture and history. Natalia Zyumchenko, art critic

6. В. Савельев. Грузинская Богоматерь. 2001. Мрамор. 200х90х100 V. Savelyev. Georgian Mother of God. 2001. Marble. 200x90x100 7. В. Савельев. Май. 1981. Алюминий. 31х15х9 V. Savelyev. May. 1981. Aluminum. 31x15x9

ШКОЛА ЮНОГО ХУДОЖНИКА SCHOOL OF THE YOUNG ARTIST Две судьбы одного художника. Бочаров Михаил Ильич One Artist’s Two Fates. Mikhail Ilyich Bocharov Классик советского авангарда. Доррер Валерий Иванович Soviet Avant-Garde Classic. Dorrer Valeriy Ivanovich Группа «Наби» Nabi Group Имприматура Imprimatura Как защитить холст от внешних воздействий Ways to protect canvases against environmental factors

108

ШКОЛА ЮНОГО ХУДОЖНИКА/SCHOOL OF THE YOUNG ARTIST

1. М. Бочаров. Морской пейзаж. 1861 M. Bocharov. The Marine Landscape. 1861

ДВЕ СУДЬБЫ ОДНОГО ХУДОЖНИКА ONE ARTIST’S TWO FATES Бочаров Михаил Ильич Mikhail Ilyich Bocharov Биография художника Михаила Бочарова уникальна: ему удалось за одну человеческую жизнь прожить две разные художественные судьбы. Сначала, еще в середине века XIX, он стал известен и популярен в качестве модного и умелого пейзажиста, выпускника Академии художеств, ученика знаменитого М.Н. Воробьева. А позже, во второй половине века, прославил свое имя в связи с качественным художественным обновлением декоративного убранства ведущих театральных подмостков страны — в течение долгих лет Бочаров был декоратором Императорских театров и работал преимущественно для сцен Большого театра в Москве и Мариинского театра в Санкт-Петербурге. Разве мог вообразить для себя такую судьбу мальчик, родившийся в провинции в семье крепостного крестьянина? Михаил Ильич Бочаров родился 3 (15 — по старому стилю) января 1831 года в Епифанском уезде Тульской губернии. Неудивительно, что никаких сведений о его детстве и отрочестве не сохранилось. По всей видимости, юному Михаилу Бочарову нужно было обладать недюжинными художественными способностями, так как уже в 1848 году он поступил в Московское училище живописи ваяния и зодчества, где учился у К.И. Рабуса и продолжал ездить на родину в Тульскую губернию

The biography of the artist Mikhail Bocharov was unique: in one human lifetime he lived two different artistic lives. First as early as mid XIX century he became famous and popular as a fashionable skilful landscape painter, graduate of the Academy of Arts, and a student of the acclaimed M. N. Vorobyov. And eventually in the second half of the century he made his name known by doing high-quality artistic renewal of decorative interiors the country’s leading theatre scenes boasted — for many years Bocharov worked for Emperor’s Theatres as a designer. He was primarily responsible for sceneries at Bolshoi Theatre in Moscow and Mariinsky Theatre in Saint-Petersburg. Could a boy born into the family of a serf ever imagine his life would be like that? Mikhail Ilyich Bocharov was born in Yepifanskiy Province, Tula Region, on 3 January (15 January O.S.) 1831. No wonder there are no records of his childhood or adolescence nowadays. Apparently the young Mikhail Bocharov had fantastic artistic potential, since as early as 1848 he entered Moscow School of Painting, Sculpture, and Architecture, where he studied under the guidance of K.I. Rabus. At the same time he kept coming to his native land in Tula Region to create landscapes from life. But his studies at Moscow School of Painting, Sculpture, and Architecture seemed

ШКОЛА ЮНОГО ХУДОЖНИКА/SCHOOL СУДЬБА ХУДОЖНИКА/FATE OF THE OF YOUNG THE ARTIST

для написания натурных пейзажей. Но обучения в МУЖВЗ Бочарову оказалось недостаточно и уже в 1852 году он становится вольнослушателем столичной Академии художеств, а в 1856 — постоянным учеником в классе пейзажной живописи у М.Н. и С.М. Воробьевых. За время учебы М.И. Бочаров получил все существовавшие академические награды: в 1853 был удостоен малой серебряной медали за картину «Вид Воробьевых гор в Москве», в 1855 — большой серебряной медали за пейзаж с натуры, в 1857 — малой золотой медали за «Вид в Кунцеве близ Москвы». В том же году получил звание классного художника 2-й степени. В 1858 за «Вид горы Ай-Петри на Южном берегу Крыма близ Алупки» был награжден малой золотой медалью, выпущен из Академии со званием классного художника 1-й степени и правом пансионерской поездки за границу. За границей Бочаров прожил до 1864 года (обычные для пансионеров Академии художеств три года по просьбе художника продлили еще на год), работал во Франции, в Германии, Швейцарии. Посещал мастерские модных и прославленных европейских пейзажистов, пользовался их советами. И годы учения завершились заслуженным признанием — в 1863 году Михаил Ильич Бочаров был признан «Академиком по живописи пейзажной». По возвращении из-за границы и после получения столь высокого звания художник вдруг решил изменить свою судьбу и подал прошение о принятии его на службу в качестве декоратора Императорских театров в Петербурге, и прошение это было принято. Дальше, вплоть до самой своей смерти 13 (25) июля 1895 года, М.И. Бочаров оставался в этой должности и его особенной заслугой в области театрально-декорационного искусства является то, что «декорационная живопись, находившаяся прежде в руках иностранцев, немцев и итальянцев, … вступила на путь вполне самостоятельный». Художник оформил более двадцати постановок для столичных сцен, а также создавал эскизы театральных занавесов, в 1874 году принимал участие в устройстве кронштадтского городского театра, в 1875 — создал занавес для казанского городского театра. За все «театральные» заслуги художник Бочаров в 1879 году был удостоен звания «Академика декоративной живописи», и в течение последующих семи лет преподавал в декорационном классе Рисовальной школы Общества поощрения художеств. Незадолго до смерти Бочаров был пожалован орденом Святого Владимира IV степени. М. Липатова, искусствовед

109

2. М. Бочаров. Вид в Римской Кампанье. 1863 M. Bocharov. The View in Roman Campania. 1863. 3. М. Бочаров. Горный пейзаж. 1854 M. Bocharov. The Mountain Landscape with a Lake. 1854

insufficient to Bocharov, so in 1852 he already was an external student of the Academy of Arts in Moscow, and in 1856 he became a regular student of M.N. and S.M. Vorobyovs’ landscape course. While studying, M.I. Bocharov won all possible academic awards: in 1853 he was granted a small silver medal for his painting «View of Vorobyovy Mountains in Moscow», in 1855 - a large silver medal for a landscape painted from life, and in 1857 he won a small gold medal for his «View in Kuntsevo near Moscow». Later that same year he was awarded with the title of the second degree class artist and conferred a right for a pensioner trip abroad. Bocharov lived abroad till 1864 (upon the artist’s request usual three-year long pensioner trip was prolonged for another year). He worked in France, Germany, and Switzerland. He used to visit studios of fashionable and celebrated European landscape painters and used their advice. Years of studying ended up with well-earned recognition — in 1863 Mikhail Ilyich Bocharov was awarded with the title of a Landscape Painting Academician. On return from abroad with such a high title, the artist suddenly decided to change his life and sent in his application for the position of a designer at Emperor’s Theatres in Saint-Petersburg. His application was allowed. And then till his death on 13 July (25 July O.S.) 1895 M.I. Bocharov worked there. His special merit in theatre and decorative art is that «decorative painting art that used to be in the hands of foreigners like Germans and Italians started an independent life». The artist designed over twenty sceneries for Moscow theatres and created sketches of theatre curtains. In 1874 he took part in designing Kronshtadt city theatre and in 1875 he created a curtain for Kazan City Theatre. For all his theatre merits Bocharov was awarded with the title of a Decorative Painting Academician in 1879. For seven following years he taught at a decorative studio of a Painting School of Art Encouragement Society. Shortly before his death Bocharov was awarded with the IV Degree Saint Vladimir medal. M. Lipatova, arts critic

110

СУДЬБА ХУДОЖНИКА/FATE OF THE ARTIST

КЛАССИК СОВЕТСКОГО АВАНГАРДА SOVIET AVANTGARDE CLASSIC Валерий Иванович Доррер Valeriy Ivanovich Dorrer Судьба этого художника действительно уникальна: еще подростком он выжил во время блокады Ленинграда. Не получив практически никакого профессионального художественного образования, он оформлял спектакли на самых известных сценах страны — в Большом и в Малом театрах, в театре «Современник» в Москве, в Мариинском и Александринском театрах в С.-Петербурге и мн.др. Причем ему с неизменным успехом удавались и драматические и музыкальные постановки. А его эскизы так самостоятельны и великолепны, что, пожалуй, сравнимы с ярчайшими шедеврами русского театрального авангарда начала ХХ века. Валерий Иванович Доррер родился в Ленинграде 22 февраля 1928 года. Потомок обрусевших швейцарских часовщиков и сын недоучившегося художника (Иван Августинович Доррер окончил два курса в петербургской Академии художеств, а после рождения сына оставил ее и стал работать оформителем выставок), Валерий Доррер воплотил в жизнь мечту отца — стал художником с большой буквы. Получить классическое образование В.И. Дорреру не удалось — его учеба в средней художественной школе была прервана войной, и четырнадцатилетним подростком он был вынужден поступить учеником наборщика на фабрику детской книги. Учителем и наставником Доррера стал К.С. Козьмин: он не только обучал будущего художника, но и, рассмотрев его колористический и театральный дар, помог ему поступить в декорационные мастерские Ленинградского театра оперы и балета им. С.М. Кирова. И уже весной 1947 года фамилия Доррера значилась на афише восстановленного после войны балета «Щелкунчик». Художнику в тот год исполнилось девятнадцать и числился он в театре «учеником маляра», и лишь накануне премьеры его срочно перевели в «ученики художника».

1. В. Доррер. Эскиз декорации к фильму «Марш, марш, тра-та-та». Литовская киностудия, 1965 V. Dorrer. Scenery design for «March, March, Tra-La-La» Movie, Lithuanian Motion Picture Studio, 1965

This artist lived a truly unique life: as a teenager he survived the siege of Leningrad and though he had virtually no professional art education he designed sceneries for performances given on the country’s best known stages including the Bolshoi Theatre, Maliy Theatre, «Sovremennik» Theatre in Moscow, Mariinsky and Aleksandriyskiy Theatres in Saint-Petersburg, and many others. At that he invariably achieved success creating sceneries for both drama and musical performances. And his sketches seem so independent and marvelous, that they perhaps may be compared to the most spectacular masterpieces of the Russian theatre avant-garde art of the early XX century. Valeriy Ivanovich Dorrer was born in Leningrad on 22 February 1928. A descendant of Russified Swiss watchmakers and a son of an artist with incomplete art education (Ivan Avgustinovich Dorrer did two years at Saint-Petersburg Arts Academy and after his son was born he left it to work as an exhibition designer), Valeriy Dorrer fulfilled his father’s dream to become an outstanding artist. V.I. Dorrer failed to get classic education — his studies at a secondary art school were interrupted by the war, so at fourteen years old he had to become an apprentice of a type catcher at a factory producing books for children. Dorrer’s teacher and mentor was now K.S. Kozmin, who taught the future artist and, what is more, on noticing his colour and theatre talents helped him to enter decorative studios of S.M. Kirov Theatre of Opera and Ballet in Leningrad. So as early as spring 1947 Dorrer’s name was mentioned in the poster of «The Nutcracker» Ballet restored after the war. Then the artist was nineteen. In the theatre he had been registered as a wall painter’s apprentice and only the day before the first night he was urgently promoted to an artist’s apprentice. Thus Dorrer was an alumnus of theatres, where he studied everything in practice. His indirect teacher was A.Y. Golovin, the famous

ШКОЛА ЮНОГО ХУДОЖНИКА/SCHOOL СУДЬБА ХУДОЖНИКА/FATE OF THE OF YOUNG THE ARTIST

111

2. В. Доррер. Эскиз декорации к опере В.А. Моцарта «Волшебная флейта». 1967 V. Dorrer. Scenery design for «The Magic Flute» Opera by W.A. Mozart. 1967

3. В. Доррер. Эскиз декорации к спектаклю «Голый король» Е.Л. Шварца. 1961 V. Dorrer. Scenery design for «The Naked King» Performance by E.L. Schwartz. 1961

Так, в театре на практике Доррер и прошел свои университеты — его учителем опосредованно, через наиболее «верного» последователя и ученика его М. Зандина, можно считать А.Я. Головина, знаменитого «мирискуссника» и прославленного театрального художника. Десятки постановок были оформлены В.И. Доррером на сценах Петербурга и Москвы, Киева и Одессы, Новосибирска и Баку, и для каждой из них художник находил не просто индивидуальное художественное решение, но неповторимый образ, исторический и эмоциональный, при этом сохраняя авторскую узнаваемость. Уникальность этого художника в том, что музыкальные и драматические, детские и серьезные трагические спектакли удавались ему одинаково успешно и при этом своеобразно. В 1961 году московский театр «Современник» открылся премьерой «Голого короля» Е. Шварца, художником постановки был В. Доррер. Успех спектакля и театра в целом превзошел все ожидания. Впоследствии Доррер и режиссер Ефремов сделали совместно еще несколько постановок. В творческой биографии художника был опыт работы для кинематографа. Доррер сотрудничал с известными режиссерами: С. Юткевичем, Н. Кашеверовой (например, ее знаменитый фильм «Тень» с О. Далем был оформлен именно Доррером) и др.

Mir Iskusstva («World of Art») follower and acclaimed scenery designer, whose knowledge was passed on to Dorrer through his truthful follower and student M. Zandin. V.I. Dorrer designed sceneries for dozens of performances held in Saint-Petersburg, Moscow, Kiev, Odessa, Novosibirsk, and Baku. And for each of them the artist had individual artistic ideas and found original historical and emotional images which however always remained recognizable. The artist was unique indeed, since he managed to create equally good and peculiar sceneries for musical, drama, children’s, and serious tragic performances. In 1961 Moscow «Sovremennik» Theatre presented E. Schwartz’s new performance titled «The Naked King» with Dorrer being a scenic designer. Success of the performance and the theatre on the whole surpassed all expectations, so eventually Dorrer and the director Yefremov worked over another several performances together. The artist’s creative biography included experience of working for cinematography. Dorrer collaborated with well-known directors like S. Yutkevich, N. Kasheverova (thus her famous movie «The Shadow» with O. Dal starring in it was designed by Dorrer), and other. M. Lipatova, arts critic

М. Липатова, искусствовед

4. В. Доррер. Эскиз декорации к опере Д. Верди «Трубадур». 1949 V. Dorrer. Scenery design for «The Trouvere» Opera by G. Verdi. 1949

5. В. Доррер. Эскиз декорации к спектаклю «Без креста» по повести В.Ф. Тендрякова. 1963 V. Dorrer. Scenery design for «Without a Cross» Performance based of Tendryakov’s story. 1963

112

ШКОЛА ЮНОГО ХУДОЖНИКА/SCHOOL OF THE YOUNG ARTIST

ГРУППА «НАБИ» NABI GROUP В 1889 г. в Париже появилась новая творческая группа, члены которой называли друг друга «наби» (от древнееврейского «нави» — «вестник», «пророк»). Она состояла из молодых художников — Мориса Дени (1870—1943), Поля Серюзье (1863—1927), Жана Эдуарда Вюйяра (1868—1940), Пьера Боннара (1867—1947), Поля Эли Рансона (1864—1909) . Феликс Валлоттон (1865—1925) формально в группу не входил, но работал в том же направлении. Молодые люди посещали Академию Жюльена, названную в честь основателя, французского живописца и педагога Родольфа Жюльена (1839—1907). В этом платном учебном заведении преподавали мастера из школы при Академии изящных искусств. Серюзье был старшиной одного из отделений академии, размещавшегося в предместье Сен-Дени. Образованный, веселый и обаятельный человек, он быстро собрал группу единомышленников, не желавших

2. Поль Серюзье. Ливень. 1893 Paul Sérusier. Downpour. 1893

1889 saw birth of a new creative group in Paris. Its members referred to each other as «Nabi» painters («nabi» is a Hebrew word meaning a «messenger» or a «prophet»). It consisted of young artists like Maurice Denis (1870— 1943), Paul Serusier (1863—1927), JeanEdouard Vuillard (1868—1940), Pierre Bonnard (1867—1947), and Paul-Elie Ranson (1864—1909). Technically Felix Vallotton (1865— 1925) was not a member of the group, but in his work he followed the same art trend. The young people attended classes at Academie Julian named after its establisher Rodolphe Julian (1839—1907), a French artist and a teacher. Teachers of this pay institution included masters that worked in the school of the Academy of Fine Arts. Serusier was a foreman of one of the Academy’s departments located in

1. Поль Серюзье. Талисман. 1888 Paul Sérusier. The Talisman. 1888

следовать советам членов академии и интересовавшихся передовыми идеями. Все они увлекались живописью Поля Гогена, стремились найти свой путь в искусстве и хотели сделать творчество не только работой, но и стилем жизни. Серюзье предложил молодым мастерам создать содружество, так возникла группа «Наби» — сообщество художников, искавших новый живописный язык и увлекавшихся литературой, театром, восточной и христианской философией. В 1889 году начались встречи членов группы в маленьком парижском кафе. Ежемесячно они собирались на ритуальный ужин; каждому из них было присвоено особое имя: Серюзье называли Наби со Сверкающей Бородой, Дени за его увлечение религиозной живописью именовали Наби Красивых Икон, Боннара, прекло-

3. Поль Серюзье. Меланхолия. 1890 Paul Sérusier. Melancholy. 1890

ШКОЛА ЮНОГО ХУДОЖНИКА/SCHOOL OF THE YOUNG ARTIST

113

6. Пьер Боннар. Терраса в Вероне. 1920—1939 Pierre Bonnard. The Terrace in Verona. 1920—1939

4. Пьер Боннар. Прачка. 1896. Pierre Bonnard. Laundress. 1896

нявшегося перед восточным искусством, — Очень Японский Наби. С 1890 года по субботам они устраивали еженедельные собрания в мастерской Рансона на бульваре Монпарнас, называя ее Храмом Наби. В мастерскую приходила большая компания, здесь бывали не только художники, но и театральные режиссеры, редакторы модных журналов, писатели и поэты; здесь праздновались свадьбы, выставлялись новые работы и обсуждались волновавшие всех проблемы искусства.Увлечение творчеством Гогена у многих с годами прошло, верен ему остался только Серюзье. До конца дней художник сохранил любовь к учителю и память о днях, проведенных с Гогеном в Бретани в 1888 г. Члены группы «Наби» стремились к работе в декоративных видах искусства: они изготовляли гобелены, керамику, витражи. Рансону принадлежит серия картонов, по которым его жена вышила небольшие настенные панно. Они отличались изысканностью композиции, тонким цветовым решением и выразительностью линий. Художники постоянно выставлялись в парижском магазине «Дом нового искусства» Сэмюэла Бинга и сотрудничали с популярным журналом «Ревю бланш», на страницах которого печатали литографии и статьи. Плакат 1894 г., сделанный Боннаром для этого издания, — образец рекламной графики «Наби». Здесь присутствуют и карикатурная точность наблюдений, и резкие цветовые контрасты, и смешение шрифтов, линий, пятен и силуэтов. 90-е гг. — расцвет деятельности группы. В это время Дени начал писать полотна на религиозные темы. Испытав влияние Одилона Редона, Гогена и Жоржа Сёра, он стремился соединить в своих первых работах особенности стилей этих мастеров.

5. Пьер Боннар. Площадь Клиши, вечер. 1900 Pierre Bonnard. Clichy Square at Night. 1900

Saint-Denis commune. An educated cheerful and charming man, he soon gathered a group of like-minded fellows that refused to follow advice of the Academy members and took an interest in progressive ideas. They were all fond of Paul Gauguin’s paintings and eager to find their way in art. They wanted art to be more than just work. They wanted it to be their lifestyle. Serusier suggested the young masters should start a fellowship, which marked the beginning of «Nabi» Group — a unity of artists that strived for a new pictorial style and took an interest in literature, theatre art, and Eastern and Orthodox philosophy. 1889 saw the first meetings of the group’s members in a small Parisian cafe. Every month they gathered to enjoy a ritual

7. Пьер Боннар. Утро в Париже. 1911 Pierre Bonnard. Morning in Paris. 1911

dinner. Each of them had a special nickname: Serusier was called Nabi with a Shining Beard, Denis was called Nabi of Beautiful Icons for his interest in religious paintings, and Bonnard was called a Very Japanese Nabi for his worship of Eastern art. From 1890 on they organized regular Saturday meetings in Ranson’s studio on the Boulevard Montparnasse calling it Nabi’s Temple. The studio opened its doors to a lot of people. Besides painters it was visited by stage directors, editors of chic magazines, writers, and poets. It housed weddings and served as a place to display new creations and discuss art issues that mattered to everyone. Over years their fondness of Gauguin’s art faded away, and only Serusier remained faithful to it. Till the very end of his life the artist maintained love to his teacher and remembered the days he had spend with Gauguin in Brittany in 1888. «Nabi» Group members tried to work in decorative types of art: they created tapestries, ceramic ware, and glass paintings. Ranson created a series of cartoons his wife eventually used as a basis for small wall panels. They boasted exquisite compositions,

114

ШКОЛА ЮНОГО ХУДОЖНИКА/SCHOOL OF THE YOUNG ARTIST

В течение 90-х гг. Дени дважды посетил Италию. Впечатления от поездок художник отразил в цикле «История Психеи». Он состоял из одиннадцати холстов, выполненных по заказу русского мецената Ивана Абрамовича Морозова для концертного зала его московского дома. Полной противоположностью Дени был Вюйяр. Художник не отличался особой религиозностью, был равнодушен к классическому искусству, не имел склонности к теоретизированию и литературному творчеству. Темы, которым посвятил свое творчество Вюйяр, на первый взгляд кажутся мелкими и незначительными. Интерьеры, переполненные вещами, женщины за рукоделием, играющие дети, прохожие на улицах, натюрморты, лужайки в парке — вот милый и уютный мир повседневной жизни, который изображал мастер. Но за этим незатейливым окружением, за пестрыми драпировками и цветными занавесками скрыт другой мир — мир человеческих переживаний и ощущений. Среди членов груп10. Морис Дени. Священная роща. 1897 Maurice Denis. The Sacred Grove. 1897

8. Морис Дени. Балкон виллы «Силенсио». 1918 Maurice Denis. The Balcony of «Silencio» Villa. 1918.

пы «Наби» не без влияния Гогена возник интерес к ксилографии (от греч. «ксилон» — «срубленное дерево» и «графо» — «пишу», «рисую»), гравюре на дереве. Наиболее интересные опыты в этой области принадлежали швейцарцу Валлоттону. Графический стиль мастера отличают контраст черных и белых пятен, выразительность силуэтов и недосказанность композиционного построения. Возрождение интереса к цветной литографии связано с именами Боннара и Вюйяра. Оба художника стремились передать с помощью цветной печати основные свойства живописи. Группа «Наби» просуществовала недолго — в начале XX в. она постепенно распалась. Каждый из ее членов пошел своей дорогой.

9. Морис Дени. Портрет жены художника. 1893 Maurice Denis. The Portrait of Artist’s Wife. 1893

11. Морис Дени. Лестница в листьях. 1882 Maurice Denis. The Staircase in Leaves. 1882

12. Морис Дени. Визит. 1894 Maurice Denis. Visit. 1894

ШКОЛА ЮНОГО ХУДОЖНИКА/SCHOOL OF THE YOUNG ARTIST

subtle colours, and expressive lines. The artists regularly showed their works in Samuel Bing’s «House of New Art» store in Paris and collaborated with the popular magazine «The Revue Blanch», where their lithographs and articles were published. The poster Bonnard created for the publication in 1894 is a model of advertising graphic works by «Nabi». It features both caricaturely accurate observations, sharp colour contrasts, and mixed letters, lines, spots, and silhouettes. The 90s saw the rise of the group’s activity. It was then when Denis started creating religion-related paintings. Influenced by Odilon Redon, Gauguin, and Georges Seurat, he tried to combine peculiarities of these masters’ styles in his first works. During the 90s Denis visited Italy twice to convey his impressions of the trips in his cycle «The Story of Psyche». It consisted of eleven works created on the order of Russian philanthropist Ivan Abramovich Morozov for a concert hall of his Moscow house. A great contrast to Denis was Vuillard. The artist was not really religious, felt indifferent to classic art and had no inclination to theorizing or literature art. The subjects Vuillard dedicated his art to seem cheap and insignificant at

14. Жан Эдуард Вюйяр. Публичный сад. 1894 Jean-Édouard Vuillard. The Public Garden. 1894

13. Жан Эдуард Вюйяр. Читающая. 1896 ean-Édouard Vuillard. The Reading Lady. 1896

first glance. Things like interiors full with different stuff, women doing needlework, children playing, passers-by in the streets, still-lifes, and lawns in the park make up a cute cozy world of everyday life the master depicted. However the plain surroundings, motley draperies and colourful curtains hide another world — the world of human feelings and sensations. Some «Nabi» members then took an interest in xylography (the word comes from the Greek «xylon» meaning «cut wood» and «grafos» meaning «write» or «draw») or wood engraving, which was another influence of Gauguin. The most fascinating works created with the use of the technique belonged to the Swiss Vallotton. The master’s graphic style was distinguished by contrasting black and white spots, expressive silhouettes, and understated compositional structures. The revival of interest in colour lithographs had to do with Bonnard and Vuillard. Both of the artists tried to convey the main features of painting art with the use of colour prints. «Nabi» Group did not live long — in the early XX century it slowly fell apart. Each of its members went his own way.

15. Жан Эдуард Вюйяр. Женщина в синей блузе. 1914 Jean-Édouard Vuillard. The Woman in a Blue Blouse. 1914

115

116

ШКОЛА ЮНОГО ХУДОЖНИКА/SCHOOL OF THE YOUNG ARTIST

Художнику на заметку / For Artists to Note

ИМПРИМАТУРА IMPRIMATURA Имприматура — цветная тонировка (подцветка) грунта или первого слоя холста. Имприматура — простой и эффективный способ создать цветовую гармонию в живописной работе. Писать на белом холсте очень трудно, т.к. пока весь холст не покрыт цветом, совершенно не понятны отношения и воздействия уже наложенных красок. При тонкослойном письме цвет грунта, просвечивая через слои красок, оказывает на них влияние, объединяет их в колористическом отношении. Так, на грунтах с теплыми и «горячими» оттенками цвета легче выдержать живопись в теплых тонах, на серых — в серебристых, на холодных — в холодных, на темном грунте — в темных тонах и т. п. Тем самым достигается выигрыш во времени с точки зрения технологии исполнения картины, облегчается работа художника. Ему можно не наносить лишних красочных слоев, а это в

свою очередь является предпосылкой большей прочности красочного слоя и сохранности картины. Иногда даже большие плоскости холста с ярко выраженной имприматурой и фактурой грунта не перекрываются другими красками, а оставляются незаписанными и входят в живописно-пластическое решение картины. Цвет грунта используется в решении контрастов и изображении, особенно теплого и холодного, в достижении реалистической передачи моделировки тела и интенсивности освещения. Имприматура делается различными способами. На проклеенный холст можно нанести грунтовочную массу, добавив в нее нужный пигмент. Можно добавлять пигмент в последний слой грунта или сделать цветную тонировку белого просохшего грунта масляными красками. Старые мастера делали имприматуру чаще всего кроющей краской (смесь свинцовых белил с краской). Имприматура кроющими красками оказывает на живопись большее влияние, нежели прозрачными жидкими красками. В качестве цветных пигментов (красок) использовались обычно земляные краски — охры красные (темные, светлые), сиена, умбра.

Imprimatura is colour tint coating (toning) of the ground or the first canvas layer. Imprimatura is a simple effective way to create colour harmony in a pictorial work. It appears to be very hard to paint over a white canvas, since when the whole canvas is not covered with colours, it is absolutely impossible to tell relationships and mutual effects of the colours that have already been applied. When the thin-layer painting technique is applied the colour of the ground shows through paint layers to affect them and unite them coloristically. Thus grounds featuring warm and hot colour shades serve as a better basis for warm-tone paintings, grey grounds — for silver-tone paintings, cold grounds — for cold-tone paintings, dark grounds — for dark-tone paintings, etc. It all helps to save time as far as the technique of creating a painting is concerned and make artists’ work easier. They are spared the necessity to apply extra colour layers, which in its turn is a prerequisite for better durability of a colour layer and preservation of the painting. Sometimes even large canvas planes with a pronounced imprimatura layer and ground texture remain uncovered with other colours. Instead they are left unpainted to form a part of pictorial and plastic interpretation of the painting. Ground colour helps to find needed contrasts and depict images, especially warm and cold ones, and to achieve realistic conveyance of body modeling and illumination intensity. There are a few ways to do imprimatura available. A glued canvas can be covered with ground mass with a needed pigment added into it. It is also possible to add pigment into the last layer of the ground or do colour toning of the dry white ground with oils. Old masters used to do imprimatura with a finishing paint (mixture of white lead and paint). Imprimatura done with finishing paints has a greater effect on paintings, as compared to the one done with transparent liquid paints. Colour pigments (paints) were normally earth colours like red ochre colours (dark and light ones), sienna, and umber.

ШКОЛА ЮНОГО ХУДОЖНИКА/SCHOOL OF THE YOUNG ARTIST

Имприматура может быть нанесена гладким ровным слоем или рельефно, может иметь определенную фактуру. Имприматуру можно наносить кистью, флейцем, щеткой, шпателем, мастихином, тряпкой, ладонью. Белый грунт весьма динамичен. При необходимости ему можно дать любой цветовой оттенок, применить различные способы и методы ведения живописного процесса. На белом грунте сложнее писать в том смысле, что он не объединяет краски в колористическом отношении, как это бывает на цветных грунтах. Некоторые разновидности белых грунтов со временем желтеют. На белых грунтах писали И.Е. Репин, В.И. Суриков, В.Д. Поленов и другие художники. Нейтральные серые имприматуры дают ровное звучание и темным и светлым краскам. На имприматурах серебристозеленовато-серых оттенков написаны многие произведения Тициана, Ф. Хальса, Терборха, Веласкеса, О.А. Кипренского. Серые теплые тона имприматуры применяли в живописи А.А. Иванов, П. Рубенс; светло-серые, серо-голубые — Веронезе. Широкое распространение получили так называемые болюсные грунты — от интенсивно-красного до темно-красных, краснокоричневых или коричнево-черных с применением умбры. На красных «горячих» имприматурах писали академисты. Среди русских художников такие грунты применяли И.Н. Никитин, Ф.М. Матвеев, Ф.С. Рокотов, К.П. Брюллов. Ф.С. Рокотов мужские портреты писал на красных, а женские — на холодных имприматурах. Использовались также и темные (черные) грунты. Такие имприматуры применяли Тинторетто, Джорджоне, Тициан, голландские художники, испанцы Веласкес, Рибера, Сурбаран, иногда Рубенс и Рембрандт. На черных имприматурах, в том числе и любом другом очень темном цвете грунта, краски вначале выглядят контрастными, яркими. Затем, со временем, они во многом теряют эти качества, особенно в полутонах, холодеют. Это происходит потому, что масляный слой красок со временем становится прозрачнее и больше просвечивает, поэтому цвет грунта в дальнейшем будет проступать сильнее, нежели в свеженаписанной картине. Этот недостаток и нежелательные последствия имприматур надо учитывать. И чем больше имприматура выражена в цвете и тоне, тем больше она проявит себя в дальнейшем. Источник: А.П. Яшухин, «Живопись»

117

Imprimatura can be done in a smooth even layer or in relief. Besides it can feature a certain texture. Imprimatura layer can be applied with a brush, flit-brush, scrub, pallet, palette knife, cloth, or a palm. White ground is pretty dynamic. When needed you can give it any colour shade and use different ways and methods of painting. White ground appears to be more difficult to paint on, since it does not unite paints coloristically like colour grounds. Some types of white grounds grow yellow over time. White grounds were used by I.E. Repin, V.I. Surikov, V.D. Polenov, and other artists. Neutral grey imprimatura layers provide a quiet tinge to dark and light colours. Imprimatura layers of silver-green-grey shades served as a basis for many works by Titian, F. Hals, G. ter Borch, Velasquez, and O.A. Kiprenskiy. Grey warm tones of imprimatura layers were used in paintings by A.A. Ivanov and P. Rubens; light grey and grey-blue tones were used by Veronese. Another type of grounds that became very popular was the socalled bolus grounds including intense red, dark red, maroon, and brown-black ones with the use of umber. Such hot red imprimatura layers were used by Scholastic painters. Russian artists that used such grounds included I.N. Nikitin, F.M. Matveev, F.S. Rokotov, and K.P. Bryullov. F.S. Rokotov used red imprimatura layers for men’s portraits and cold ones — for women’s portraits. Dark (black) grounds were used too. Such imprimatura layers were used by Tintoretto, Giorgione, Titian, Dutch painters, and Spanish artists like Velasquez, Riber, Zurbaran, and sometimes Rubens and Rembrandt. On black imprimatura layers like on all other very dark grounds colours first look contrasting and bright. Eventually they mostly lose those qualities and grow cold, especially in half-tones, which happens because over time the oil layer becomes more transparent and shows through more, so the colour of the ground eventually becomes more apparent as compared to a freshly painted picture. This shortage should be minded along with unwanted consequences of imprimatura layers. The more intense colours and tones of imprimatura layers are, the more they will show through in the future. Source: A.P. Yashukhin, «Painting»

118

ШКОЛА ЮНОГО ХУДОЖНИКА/SCHOOL OF THE YOUNG ARTIST

Художнику на заметку / For Artists to Note

КАК ЗАЩИТИТЬ ХОЛСТ ОТ ВНЕШНИХ ВОЗДЕЙСТВИЙ WAYS TO PROTECT CANVASES AGAINST ENVIRONMENTAL FACTORS Все виды холста, даже те, что сделаны из высококачественных материалов, нуждаются в защите от разрушительного действия времени (особенно атмосферных и физических воздействий). Влажность, неправильное использование и хранение холста могут испортить работу художника. Следует выбирать, прежде всего, нужный тип холста в зависимости от того, что художник хочет делать и какими красками он будет работать. Холсты могут быть хлопковые, полотняные и льняные. Недавно было разработано новое синтетическое волокно — полифлекс, специально предназначенное для изготовления художественных холстов. Основным преимуществом этого материала является его большая по сравнению с традиционными натуральными волокнами прочность. Прежде чем начинать работу масляными красками, необходимо убедиться, что холст держит размер. Для этого холст проклеивается таким образом, чтобы клей заполнил все ячейки переплетений нитей холста. Чтобы защитить от повреждений обратную сторону холста, нужно нанести на нее кистью слой красной свинцовой или белой свинцовой краски, можно с добавлением формальдегида. Одной из основных опасностей для холста является вода как в виде пара, так и виде влажного воздуха. Если холст увлажнится с обратной стороны, то картина может «отойти». Если хранить холст в теплом и влажном помещении, он может заплесневеть. На ранних стадиях рост плесени можно остановить, поместив холст на солнечный свет, или подвергнуть его воздействию ультрафиолетовых лучей и свежего воздуха. Если плесень стремительно увеличивается, необходимо удалить ее физическим путем. Лучшим способом предотвращения образования плесени является хранение холста в прохладном и сухом месте. Еще одной не менее серьезной опасностью для холста являются жучки. Самая лучшая защита от них — поддержание рабочего места в чистоте и порядке и отсутствие влажности. При необходимости можно использовать инсектицидную аэрозоль для обработки помещения. Дополнительная физическая поддержка также важна для продления жизни законченной работы. С этой целью используются рамы, особенно в случае транспортировки картин. Если работа будет храниться долгий период времени, холст можно свернуть. Для этого осторожно снимается полотно с подрамника и затем сворачивается лицевой стороной вокруг цилиндра большого диаметра. Если картина хранится в развернутом состоянии, прикрепите ее к куску картона лицевой стороной вниз.

All types of canvases — even those that are made of high-quality materials — need protection against destructive ageing effects (especially weather and physical impacts). Factors like humidity and improper use or storage of canvases may ruin artists’ work. Artists should choose canvases relying on their objectives and paints they are going to use. There are different canvas types available. They include cotton, linen, and flax canvases. Recently a new synthetic fiber called PolyFlex has been developed. It is specially designed for artistic canvas production. The main advantage of the material is its higher durability, as compared to traditional natural fibers. Before you start working with oils, you have to make sure that the canvas can maintain its size. To do so you should glue the canvas for glue to fill all cells of canvas weave. In order to protect the backside of the canvas against damage, you should apply a layer of lead red or lead white onto it using a brush. You may also add some formaldehyde. One of the main dangers for the canvas is water: both as steam and as humid air. If the backside of the canvas gets wet, the painting may come off. If you store the canvas in a warm humid room, it may become moldy. At early stages mold spread can be stopped, if you place the canvas in sunlight or expose it to ultraviolet rays and fresh air. If mold spreads rapidly, you have to remove it physically. The best way to prevent mold appearance is to store your creation in a cool dry place. Another serious danger for the canvas is bugs. The best way to protect it from them is to keep your working place clean and nice, and avoid humidity. When necessary, you may use insecticidal spray to treat the room. Extra physical support is also important to provide a longer life for a complete piece of art. To provide such support you may use frames. It is particularly critical for paintings being transported. If you are going to store the painting for a long time, you may roll the canvas. To do so you should carefully take the canvas off the canvas-stretcher and roll it around a large cylinder face down. If you store the painting unrolled, you should fasten it to a piece of cardboard face down.

Источник: АРТИНДУСТРИЯ

Source: ARTINDUSTRIA

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

Журнал «Русская галерея — XXI век» RUSSIAN GALLERY — XXI CENTURY © Издательский Дом «ПАНОРАМА», № 2—3/2010 ШЕФ-РЕДАКТОР Кирилл Москаленко ГЛАВНЫЙ РЕДАКТОР Светлана Надыкта ПРЕДСТАВИТЕЛЬ В ВЕЛИКОБРИТАНИИ Татьяна Ли Телефон: 0798 320-4812 РЕДКОЛЛЕГИЯ Н.И. Боровской, первый секретарь Союза художников России, народный художник России, профессор Т.И. Бойцова, искусствовед, заслуженный деятель искусств РФ, начальник отдела информации Союза художников России В.С. Миронов, народный художник России, член живописной комиссии Союза художников России, заместитель председателя Московского областного отделения Союза художников России М.А. Бусев, кандидат искусствоведения, член-корреспондент Российской академии художеств, заместитель директора по научной части НИИ теории и истории изобразительных искусств А.А. Любавин, заслуженный художник России, действительный член Российской академии художеств, проректор МГАХИ им. В.И. Сурикова, профессор РЕДАКТОР Марина Пронина ИСКУССТВОВЕД Мария Липатова ВЫПУСКАЮЩИЙ РЕДАКТОР Сергей Пяткин ДИЗАЙН ОБЛОЖКИ Юлия Миронцева ДИЗАЙНЕР/ВЕРСТАЛЬЩИК Татьяна Потапова КОРРЕКТОР Марина Будзинская ПЕРЕВОД Наталья Кочеткова ФОТОГРАФ Антон Михайлов ОТВЕТСТВЕННЫЙ СЕКРЕТАРЬ РЕДАКЦИИ Григорий Москаленко УЧРЕДИТЕЛЬ © Издательский Дом «ПАНОРАМА» ИЗДАТЕЛЬ © Издательский Дом «ПАНОРАМА» ГЕНЕРАЛЬНЫЙ ДИРЕКТОР Кирилл Москаленко ФИНАНСОВЫЙ ДИРЕКТОР Галина Игнатова МЕНЕДЖЕР ПО СВЯЗЯМ С ОБЩЕСТВЕННОСТЬЮ Татьяна Петропавлова Телефон: (499) 257-1339 rg21piar@mail.ru Адрес редакции: Москва, Верхняя ул., д. 34. Тел /факс: (499) 257-1339, (495) 922-31-04 Почтовый адрес редакции: OOO «Панорама», а/я №1, Москва, 125040 E-mail: russgal21@mail. ru http://www.artrg21.ru Отпечатано в типографии ООО «Стрит-Принт» Тираж 5000 экз. Журнал на 2-е полугодие 2010 г. распространяется через каталоги: ОАО «Агентство Роспечать», «Почта России» и «МК — Периодика», а также путем прямой редакционной и зарубежной подписки. Журнал зарегистрирован Федеральной службой по надзору за соблюдением законодательства в сфере массовых коммуникаций и охране культурного наследия. Свидетельство о регистрации ПИ № ФС 77-22072 от 24.10.2005 г. ISSN 2075-0986 Перепечатка без разрешения редакции ЗАПРЕЩЕНА.

Magazine «Русская галерея — XXI век» RUSSIAN GALLERY — XXI CENTURY © «Panorama» Publishing House, № 2—3/2010 CHIEF EDITOR Kirill Moskalenko EDITOR-IN-CHIEF Svetlana Nadykta REPRESENTATIVE IN GREAT BRITAIN Tatiana Lee Tel. : 0798 3204812 EDITORIAL BOARD Professor N.I. Borovskoy, people’s artist of Russia, first secretary of the Union of Artists of Russia T.I. Bojtsova a critic, a chief of department of the information of the Union of artists of Russia V. S. Mironov a national artist of Russia, a member of the painting commission of the Union of artists of Russia, a vice-president of the Moscow regional branch of the Union of artists of Russia M. A. Busev, Ph. D. in arts criticism, corresponding member of Russian Academy of Arts, deputy director for science of Research Institute of Theory and History of Fine Arts Professor A. A. Lyubavin, Honoured Artist of Russia, current member of Russian Academy of Arts, and Vice-Principal of Surikov State Academic Art Institute in Moscow EDITOR Marina Pronina ART CRITIC Maria Lipatova COMMISSIONING EDITOR Sergey Pyatkin BOOK COVER DESIGN Julia Mirontseva DESIGNER/ MAKER-UP Tatiana Potapova PROOF-READERS Marina Budzinskaya, TRANSLATION Natalia Kochetkova PHOTOGRAPHER Anton Mikhailov EXECUTIVE EDITOR Grigoriy Moskalenko FOUNDER © «Panorama» Publishing House PUBLISHER © «Panorama» Publishing House DIRECTOR-GENERAL Kirill Moskalenko FINANCIAL DIRECTOR Galina Ignatova MANAGER PR Tatiana Petropavlova phone: (499) 257-1339 rg21piar@mail.ru Editorial office address: Moscow, Verkhnaya St., 34. Tel /Fax: (499) 257-1339, (495) 922-31-04 Editorial office mailing address: 125040, Moscow, POB 1 «Panorama» Publishing House E-mail: russgal21@mail. ru http://www.artrg21.ru Printed in the printing-house of Stret-Print Circulation 5000 copies. For the 2st six months of 2010 the magazine to be distributed via catalogues: «Rospechat Agency» Public Corporation», «Russian Post» and JSC «MK — Periodica», and also through direct editorial and foreign subscription. The magazine registered by Federal Service for Surveillance on Legislation Observance in the Sphere of Mass Communications and Cultural Heritage Protection. Registration certificate № FS 77-22072 issued on 24.10.2005 ISSN 2075-0986 Reprinting without the Editor’s prior permission IS PROHIBITED.

119

120

НОВОСТИ ИСКУССТВА/ART NEWS

Подписаться на журнал «Русская галерея — XXI век» можно в любом отделении связи по каталогам:

Dear Sirs! «PANORAMA» Publishing House offers an opportunity for foreign readers to regularly receive «Russian Gallery — XXI Century» Magazine.

Стоимость подписки на 2 полугодие 2010 года по каталогам — 1520 руб. (4 номера).

Payment Terms: Payment requisites (EURO) «Panorama» Non-Profit Organization, Address: Pechatnikov str., 22, building 1, 107045, Moscow, Russia. Account №40703978838180233849, Bank Beneficiary: SBERBANK Vernadskoe branch 7970, Moscow, Russia, SWIFT: SABRRUMM Payment requisites (USD) «Panorama» Non-Profit Organization, Address: Pechatnikov str., 22, building 1, 107045, Moscow, Russia. Account №40703840238180233849, Bank Beneficiary: SBERBANK Vernadskoe branch 7970, Moscow, Russia, SWIFT: SABRRUMM The price of six numbers 60$ (45 euros). The client pays for the bank subscription fees transfer services. The bank letter should contain: the title of the periodical, the period the payment has been made for. For delivery to be carried out one should: specify the exact address, to which the periodical should be delivered, and send a copy of the bank letter confirming the payment has been made. Editorial office address: Russia, 107031, Moscow, POB 49 «PANORAMA» Publishing House, phone/fax +7 (499) 257-13-39, E-mail: russgal21@mail.ru Subscription through subscription agencies To effect subscription it is necessary to address to one of the partners of JSC «MK-Periodica» in your country or to JSC «MK-Periodica» directly. Address: Russia, 129110 Moscow; 39, Gilyarovsky Street, JSC «MK-Periodica» Tel.: (495) 681-9137, 681-9763; fax (495) 681-3798 E-mail: info@periodicals.ru Internet: http://www.periodicals.ru

Каталог агентства «Роспечать» индекс 47392

Каталог российской прессы «ПОЧТА РОССИИ» индекс 45144

Также подписаться можно через редакцию ИД «ПАНОРАМА». Стоимость подписки через редакцию — 1216 руб. (4 номера) Оплату адресной подписки в рублях следует произвести по реквизитам: ООО Издательский Дом «ПАНОРАМА», ИНН 7729601370/КПП 772901001, Вернадское ОСБ 7970, г. Москва, сч. № 40702 81053 81800 00321, БИК 044525225, к/сч № 30101 81040 00000 00225. Банк получателя Сбербанк России ОАО, г. Москва. В графе «Назначение платежа» платежного документа следует написать: «За подписку на журнал «Русская галерея — XXI век» на 2-е полугодие 2010 года (4 номера). Там же укажите ваш адрес для доставки журнала. Возможна подписка на журнал через отделения Сбербанка России по форме ПД—4. Справки по телефону: +7 (495) 211-54-18, 250-75-24 9.00-17.00 (время московское)

RATE SHEET FOR PRINT ADVERTISEMENT IN THE MAGAZINE ПРАЙС-ЛИСТ НА РАЗМЕЩЕНИЕ РЕКЛАМНОЙ ИНФОРМАЦИИ В ЖУРНАЛЕ: РАЗМЕР МОДУЛЯ СТОИМОСТЬ ПУБЛИКАЦИИ (руб) 1/1 полосы

45 000

2-я полоса обложки

90 000

3-я полоса обложки

70 000 Справки по телефону: +7 (499) 257-13-39

MODULE SIZE

PUBLICATION PRICE ($)

1/1 page

1 500

Second cover page

3 000

Third cover page

2 500

For further information, please contact: +7 (499) 257-13-39