PERRO #6 Art magazine

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ugurio cuando florece la quila. Y en realidad: cuando observábamos, en 1939, ez, sucedieron cosas terribles. Chile fué sacudido por el terremoto de Chillán, y el mundo entero por la segunda guerra mundial ”

Diseño: Itay Rojas |Correción de estilo: S.K.Riva |Editor: Sebastían Rojas Todos los derechos reservados P.E.R.R.O. Arte colectivo© MMXX

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Editorial: Celebración

Haddon Sundblom: Cómo se impone un arquetipo

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A Maradona: La vida es...

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Hueás del Lastarria Y Celtic Frost

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De vuelta al lugar de la revuelta: Plaza dignidad

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Galería Oculus Cannis: Paulo Aliaga Cesar Tasso Valdés

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Mario Soro: La revolución de los objetos

Roberto Bolaño: Y su estrella distante

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Mario Vergara: Expresionismo Grabado y Xilografía

Tinder: Girls just wanna have fun?

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Locastra: Oráculo y Predicciones

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En esta ocasión la editorial se tratará de nosotrxs mismxs, de lxs que hacemos esta revista y del camino que hemos recorrido hasta ahora. Al mirar hacia atrás no parece que un año hubiese pasadosomos un grupo que se armó en plena pandemia y que quizás no hubiese podido existir si no fuese por las condiciones dadas en el transcurso de este tiempo tan especial y tan raro que nos ha tocado vivir.

La idea nace de la necesidad de crear un espacio de pensamiento crítico, opinión y de difusión. Este número habla de los ritos de transición, de un final de año con una celebración en incertidumbre, con preguntas tales como ¿cuáles son los límites del patrimonio? ¿Estamos frente al nacimiento de un arte y de un quehacer cultural híbrido autegestionado latinamericano y actual y si es así cómo participamos de él?

La ignorancia del poder quema bosques o derrumban edificios de barrios emblemáticos patrimoniales arquitectónicamente para erigir edificios con fines comerciales, nos vemos enfrentados a un culto al pragmatismo y a lo económico versus la necesidad de salvaguardar el patrimonio de biodiversidad y la memoria histórico ancestral de una nación.

rancia y de una educación que no ahonda y no sabe las razones de por qué se hace lo que se hace, por qué se practican ciertos ritos sociales que aceptamos por inercia social, ciegamente sin indagar más allá.

Como grupo nos coordinamos vía remota desde distintos países y ciudades de latinoamérica tales como: Cochabamba, Londres, La habana, Miami, Sincelejo, Santa Cruz, Valparaíso, entre otras. Curiosamente se logró un hilo conductor o un concepto en común de forma natural. A pesar de la distancia y algunos sin conocernos, descubrimos que todxs estábamos en sintonía. Así es como hoy, llegamos a este cierre de ciclo 2020, a este inesperado final de año, con ya seis eclécticos números de nuestro Art magazine, producto del compromiso, cariño y esfuerzo de cada uno de los colegas.

Agradecemos a todes nuestros lectores y a quienes nos han apoyado desde el principio. La invitación es a que se involucren en este hacer, así que aquí les dejamos nuestra última entrega de este 2020.

Ojalá que la diversidad de artículos y pensamientos detonen, obras, ideas y acciones, que permitan abrir espacios de análisis crítico.

¿Qué es el patrimonio?, para un grupo u otro víctimas de la igno- Paulo Aliga Sebastian rojas

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Haddon Sundblom,

´ Como se impone un arque Por Sebastián Rojas

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El Viejito Pascuero fue detenido en la marcha no autorizada en el Parque Bustamante 22.12.2011 Cerca de mil manifestantes marcharon por el sector de Plaza Italia donde finalmente fueron dispersados por Fuerzas Especiales de Carabineros.

Fuente: soychile.cl - https://www.soychile.cl/ Santiago/Sociedad/2011/12/22/60145/Con-incidentes-finalizo-marcha-no-autorizada-de-los-estudaintes-en-el-Parque-Bustamante.aspx

Me encontré con esta noticia hace algún tiempo y me acordé de una pregunta que siempre me hice desde niño, ¿qué hace un señor vestido de Santa Claus, en pleno verano, en el centro de Santiago?

Para mi sorpresa, a medida que indago en las relaciones materiales, iconográficas e iconológicas del viejito pascuero, este tema se hace cada vez más profundo y adquiere cada vez más aristas.

Su versión del “american dream”, sus esquemas de iluminación en la pintura al óleo e ilustraciones, al principio tratados con una técnica casi impresionista, posteriormente derivaron para otorgarnos una de las bases mismas del kitsch, del pop y del pin-up art. Su conversión de la pintura al óleo a la ilustración comercial, se dio justamente en la “Era Dorada de los pósters y carteles”, entre 1920 y 1940.

No sólo los esquemas de iluminación, sino también la paleta de colores, maquillajes, peinados, indumentaria, encuadre, composición, actitud y casting de los modelos y por supuesto el concepto, son responsabilidad de Sundblom y encarnan un fenómeno cultural y estético de una época. Los clásicos retratos de James Dean, Marilyn Monroe y Elvis Presley, los cuadros de Edward Hopper, Andy Warhol, Roy Lichsentein se relacionan con esa era, asimismo podemos ver su influencia en la dirección de arte y fotografía de gran parte del recién nacido cine a technicolor en películas como La soga de Hitchcock, Amor sin Barreras, Volver al futuro, o más actualmente, en algunos videos de Madonna como Material Girl 1984, sobre todo en el de Cristina Aguilera Candyman 2006 y en el de Britney Spears if U Seek Amy 2008.

La imagen que hoy existe del Viejo Pascuero fue producto de la interpretación del pintor estadounidense, de origen sueco y finés, Haddon Sundblom (1899-1976), considerado por muchos: “el ilustrador publicitario más grande de todos los tiempos”. Nacido y radicado en Estados Unidos, es responsable de gran parte de la imaginería ese país y por consecuencia también de Latinoamérica, dado los afanes de dominación econó- Antes de su Viejo Pascuero Sunmico-cultural y del sentir imperia- dblom había realizado, en su prolista de esa nación, en especial, en pia agencia de publicidad fundada aquella época.

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Haddon Sundblom

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Nighthawks รณleo sobre tela 84 x 152 cm Edward Hopper 1942

La soga 1948

Amor sin barreras 1961

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Serie Marilyn Monroe Serigrafía Andy Warhol 1965

Girl with hair ribbon 121,9x121,9 cm. óleo y serigrafía sobre tela Roy Lichtenstein 1965

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Volver al futuro 1984 fotograma

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Comparación entre fotogramas de Marylin Monroe y Madonna “Material girl” 1984-

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Cristina Aguilera Candyman fotograma 2006

en Chicago, trabajos emblemáticos para marcas como Goodyear, Palmolive y Avena Quaker. Este último es un caso bastante especial, porque los conocidos popularmente como “cuáqueros”, una secta en toda la dimensión de la palabra, son un grupo religioso de carácter cristiano muy influyente, dueños de la marca y cuyo nombre real es “La sociedad religiosa de los amigos”.

Y, aunque los cuáqueros lo desmiente, diciendo que el personaje que aparece en la ilustración de la caja de avena quaker que todos conocemos desde niños, representa a un miembro del grupo cualquiera, al parecer Haddom Sundblom habría pintado allí el retrato de William Penn, gracias a quien la secta se expandió en el estado de Pensilvania y en Estados Unidos.

Britney Spears If U Seek Amy fotograma 2008

económicos, se instala una marca a partir de la actualización de una creencia, en este caso, de una tradición cultural que viene de Europa, al igual que el Halloween, en una sociedad de mercado, en donde prima la ley del más fuerte y en donde, al final, todo se resume en los beneficios que reporta tal o cual hacer y en que todos deben de alguna forma sobrevivir, incluso un pintor de origen escandinavo o los cuáqueros.

Sundblom, logra el peak de su ca-

Esto podría ser un claro ejemplo de cómo, con fines

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William Penn grabado del año 1700 aproximadament.

rrera cuando, por encargo de la Coca Cola company, en 1931, cambió la imagen ancestral del Viejo Pascuero, que venía del folclore pagano o precristiano indo-europeo, por una más vendible y que impera hasta nuestros días.

La famosa “chica de Coppertone” creado por Georges Ballantyne en 1959.

La estrategia comercial de crear un personaje que simpatice al público consumidor es ampliamente usada en Estados Unidos. Ahí están por ejemplo, el coronel Sanders de Kentucky Fried Chicken; Wendy, la niña de Wendy´s; el Tio Sam, del famoso afiche de la campaña de reclutamiento estadounidense para la Segunda Guerra Mundial; el Capitán América o la niña de Coppertone.

Retrato del coronel Sanders Logo de Kentucky Fried Chicken 1952.

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Capitán América: el primer vengador película de Marvel studio 2011.

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De las primeras portadas del Capitán América años ´40.

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SĂ­mbolo de La sociedad religiosa de los amigos.

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vEn el caso de la bonachona interpretación de Sundblom, Santa Claus, Papá Noel, el Padre Navidad, siempre había tenido variadas representaciones: a veces era alto, flaco y consumido; otras veces era un elfo pequeño y regordete. Su vestimenta era variada, podía ser una bata púrpura –como la de un obispo– o un tapado de piel, un traje verde, un abrigado traje blanco con rojo y botas.

Haddon Sundblom.

Santa Claus, como brujo o chamán, tenía poderes mágicos y un lado atemorizante de su personalidad. A veces se lo representaba con un semblante duro, que podría ser hasta amenazador. En resumen, no es la imagen que todo el mundo acepta en la actualidad.

La historia de Santa, ya entremezclada con la tradición nórdica del turco San Nicolás, llegó a América traída por los colonizadores ingleses. Su imagen actual se la debemos a quien inspiró a Sundblom: un poeta estadounidense llamado Clark Moore, quien a principios del siglo veinte, en 1822, escribió el famoso poema “A visit from St. Nicholas” (“Una visita de San Nicolás”). Allí lo describe: “¡Sus ojos, como brillaban! ¡Que alegres eran sus hoyuelos! ¡Sus mejillas eran

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como rosas, su nariz como una cereza! […] ¡Y su barba era blanca como la nieve; tenía una cara ancha y una pequeña panza redonda que se sacudía con su risa, como un tazón lleno de jalea!”

Haddon Sundblom.

Ilustraciones populares antiguas de Santa.

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Chamana siberiana en rito de hongos navideĂąos foto de Emanuel Salzman

Los pitufos del dibujante belga Peyo creados en 1958.

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Hasta 1931, los distintos grupos inmigrantes en Estados Unidos, ya tenían sus propias versiones de la leyenda de Santa Claus, pero no fue hasta ese año en que la campaña publicitaria de Coca Cola impuso la imagen conocida hoy en todo el occidente cristiano.

En este punto al lector interesado, podría resultarle obvio inferir que el traje rojo y blanco de Santa Claus se diseñó de acuerdo a los colores corporativos de Coca-Cola company, pero este dato no está registrado ni comprobado en absoluto, más bien es un vacío, pero un vacío importante y lleno de significados insospechadamente profundos.

De lo que sí hay datos, es de dónde vienen los sincretismos socio culturales, por qué están ahí, por qué se cree lo que se cree o se hace lo que se hace, y de cómo el mundo actual está lleno de ritos que repetimos por inercia social, sin sentido, ni arraigo identitario, ni comprensión cabal de los mismos.

En el caso de nuestro Viejo Pascuero, si vamos a Laponia, el último territorio antes del Polo Norte, supuesto hogar de Santa Claus, encontramos a los sami quienes describen las festividades de finales del año como un momento en el que “el trineo dejaba en el cielo una estela de sangre roja y blanca y los ocho renos botaban espuma por la boca hasta el suelo”... en

donde a los pies de las coníferas, aparecen los regalos mágicos que transmiten el espíritu del amor y la felicidad. Además, los sami, se visten tradicionalmente de rojo y blanco para la ancestral recolección y consumo del hongo Amanita Muscaria en los días posteriores al solsticio de invierno, en concordancia con los colores de ese hongo. La matamoscas o falsa oronja, o sea la Amanita Muscaria, que encuentran congelada bajo la nieve o en la corteza de las coníferas, es el arquetipo de hongo que encontramos en las ilustraciones de los tradicionales cuentos infantiles de hadas y gnomos, de los hermanos Grimm o en Alicia en el país de las maravillas, entre muchos otros.

Es el típico hongo rojo con puntos blancos, que incluso aparece en en los juegos de Mario Bros y en Los pitufos.

La relación entre la Navidad y los ritos chamánicos de los pueblos de Siberia y Laponia, más que una teoría son una seguidilla ineludible de paralelismos con una genealogía rastreable. Los renos que habitan cerca del Polo Norte son particularmente afectos a ingerir Amanita Muscaria. Ambos, animal y ser humano, al entrar en el trance del hongo juntos, los primeros se convierten en el espíritu animal vehículo, guía y protector de los segundos, los humanos. El chamán, como puente entre el mundo de los espíritus y el mundo físico, en su viaje de ascenso, vehiculado

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por los renos, a la estrella Polaris, la que se encuentra en la punta del árbol cósmico, equivalente al árbol yggdrasil de los mitos germanos y vikingos, es la estrella que no se mueve, el axis mundi ubicado en el Polo Norte donde habita el espíritu de la navidad.

Después de este viaje místico el chamán retornaba a compartir la felicidad y el espíritu de la transición al nuevo año con la tribu, con sacos cargados de hongos y entraba por el agujero que cumple la función de chimenea en las viviendas tipo yurtas en las que vivían estos pueblos, puesto que sus entradas estaban bloqueadas por la nieve.

Los hongos se colgaban dentro de calcetines junto al fuego para secarlos y poder consumirlos en los siguientes días, después del solsticio, la noche más larga, más fría y más oscura del año. O sea este es un rito de transición, un rito de muerte y resurrección.

De hecho si miramos bien toda su estética, vemos una escena psicodélica llena de luces de colores por todos lados, gnomos, elfos, hongos que evocan la felicidad y hermandad espiritual que produce la buena nueva traída al mundo de los hombres, el espíritu tiene vida eterna y puede resucitar después de la muerte física como el sol resucita después del invierno, es el triunfo de la luz por sobre las tinieblas, de la vida sobre la muerte.

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En síntesis, son referentes insoslayables para las fiestas navideñas occidentales, los renos voladores, los colores blanco y rojo, los calcetines colgados en los pinos junto al fuego, el hombre-mago vestido con botas de piel de reno y con un abrigo y gorro rojo y blanco que entra por la chimenea cargado de regalos, bajando desde la estrella en la punta del pino, volviendo desde la estrella del árbol cósmico, pasando por las luces, los adornos. Incluso los nombres de los ocho renos no casualmente aluden a las propiedades antidepresivas que transmite el hongo. A saber: Rudolf significa “Aquel que gana la batalla” o “El que busca la gloria”, Trueno (Donner), Relámpago (Blitzen), Juguetón (Vixen), Cupido (Cupid), Cometa (Comet), Brioso (Dasher) y Bailarín(Dancer).

Robert Gordon Wasson, escritor pionero en el estudio de la etnobotánica en especial en etnomicología y ganador del premio Pulitzer y el antropólogo John A. Rush han investigado seriamente el asunto del ritual de los sami de la laponia finesa y sueca, los koryaks y kamchadales de Siberia y las propiedades psicotrópicas de los hongos.

En sus investigaciones, ambos llegaron a la conclusión que el hongo Amanita Muscaria está estrechamente relacionado con el imaginario navideño. Además como reza la canción “noche de amor noche de paz…” dicho hongo tiene fuertes propiedades antidepresivas que de alguna forma ayudan a amortiguar la falta de generación de melatonina por la falta de luz solar en el largo invierno polar.

El adornar el árbol navideño, emulando el árbol cósmico probablemente se inició en los países germanos y nórdicos entre los siglos XVI y XVII, se extendió por el resto de Europa y después a América.

En la actualidad una gran diversidad de objetos y elementos entre los que se encuentran con más frecuencia las figuras de amanita, estrellas, cascabeles mágicos, espíritus navideños, bolas, lazos y luces de todo tipo adornan casas, vitrinas de comercios de retail y comerciales de televisión. Esta estética kitsch, recargada y alucinante, de motivos espiralados, luces de colores, de magia, está en directa relación con el poderoso arquetipo chamánico que lo precedió.

Esta idea arquetípica del dios que viaja durante la medianoche del solsticio de invierno, llegó a Gran Bretaña a través de los druidas, quienes a su vez se relacionaban con saberes célticos nórdicos desde mucho antes. En la época victoriana en Inglaterra, el símbolo de los limpiadores de chimeneas era un hongo agárico de mosca, además muchas litografías, grabados e ilustraciones antiguas muestran niños y gnomos junto a estos hongos.

ta Thomas Nast, dibujó como apoyo a los soldados que combatían para la Unión en la Guerra Civil estadounidense, una especie *Ilustración de Thomas Nast 1862

de pequeño gnomo.

Esta que fue una de las primeras ilustraciones del Santa Claus moderno y que serviría de

En 1862, en Navidad, el caricaturisLitografias antiguas alusivas

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base para la campaña posterior también es el caso de la relación entre Napoleón y Jacques Luis Dade Coca-Cola. vid, que hasta hoy, Santa Claus, es Más de cuarenta óleos originales un indiscutible ícono de la cultura y otras muchas ilustraciones le popular de masas occidental y de vendió Sundblom a la Coca-Cola las fiestas no religiosas globales. company, con quienes trabajó 45 años y para la cual creó todo un En relación a lo global, el tema del universo del branding. De hecho abrigado traje de Santa y el clima la empresa, hizo muñecos de pe- en cada hemisferio también es imluche, botellas en miniatura, latas portante de considerar. coleccionables con sus ilustraciones y cuadros, ropa, afiches, co- El icónico traje rojo y blanco, que merciales de televisión y todo tipo se ha estandarizado en todo el de juguetes asociados. Los óleos mundo para representar a Santa, y otros objetos del universo Sun- nos aparece un tanto fuera de ludblom son piezas de colección y gar en el hemisferio sur, en donde forman parte del stock del Museo la naturaleza está haciendo otra de la Ciencia e Industria de Chica- cosa, está en otro ciclo. Resalta go, del Louvre de París, del Royal entonces lo vacío del rito usurpaOntario Museum en Toronto, los do y recreado y la imposición a la almacenes Isetan en Tokio, las fuerza de un arquetipo. tiendas NK de Estocolmo y, por supuesto, del Archivo de Coca-Cola company.

Los cuadros que el artista pintó, con Santa ataviado con su llamativo traje rojo con blanco, entre 1931 y 1966 fueron y son utilizados casi en todas las campañas navideñas de Coca-Cola alrededor del mundo, y son un referente obligado de la industria capitalista y del libre mercado aceptado por “todo el mundo” e impuesto desde la infancia a través de las estrategias publicitarias. A tal punto se consagran las formas ocultas de la propaganda relacionadas a las implantaciones de ritos en las masas con intereses creados, como

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Naughty Santa, uno de los ultimos óleos sobre tela de Haddon Sundblom.

Recuerdo que de niño, en vísperas navideñas, mi madre nos llevaba, a mi hermano y a mí, de paseo por las tardes a tomar helados al centro de Santiago. Siempre me llamó la atención ver la penosa y a veces patética figura repetida en muchas esquinas, de un Santa Claus casi siempre moreno y flaco, con una cerveza escondida en el trineo, sudando profusamente debajo de una calurosa barba blanca falsa, una almohada amarrada a la guata, el caluroso gorro y el abrigado traje rojiblanco diseñado para las noches boreales, haciendo alguna propaganda navideña callejera en la Plaza de Armas de Santiago en pleno verano casi siempre a unos treinta grados celsius de calor.

al ver sus fábricas nacionalizadas en el 60 o cuando Evo Morales logró imponer la Inca Cola en Bolivia.

Aunque de acuerdo al manual con las reglas de vida estadounidense y los valores del neoliberalismo que vienen con la Coca-Cola bajo el brazo, traen la paz, la democracia y un producto muy saludable a los amigos colonizados.

Al final todo se resume en la necesidad que tenía la Coca-Cola de aumentar las ventas de su producto, en un Estados Unidos sumido en una de las peores crisis económicas de la historia del capitalismo en la Gran Depresión de los años treinta, y así vender una bebida supuestamente refrescante no sólo en temporadas de calor si no también de frío, para lo cual se creó el personaje de Santa.

En la Guerra Fría y hoy, Coca-Cola siempre ha sido un baluarte del american style-life. El trago Cubalibre fue un lucrativo hallazgo, tras inaugurar las plantas embotelladoras de Cuba, en 1906. Difícil imaginar el tamaño del disgusto de los intereses comprometidos

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Entrevista a Mario Soro (primera parte)

´ de los objetos" "La revolucion

”

Por Sebastián Rojas

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Prueba de artista acción corporal Carlos Leppe 1981 en donde vemos a Mario Soro sentado en primera fila, llevado por Eduardo Vilches a ver la acción de arte, junto a sus compañeros de curso en la época en la que repartía las fotocopias de Camnitzer.

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Mi primer choque, entre todas las Los compañeros/as, nos mirábaideas románticas que uno se puede construir con respecto al mundo universitario, al entrar a estudiar artes a la hoy desaparecida Universidad ARCIS, fue encontrarme con el notable Mario Soro. Uno a veces ha escuchado que existen profesores díscolos, con métodos de enseñanza extravagantes, pero Mario superó por mucho todas las expectativas que me habría podido imaginar.

De hecho, mi primera clase de dibujo fue inolvidable. Hasta hoy es uno de los recuerdos que atesoro y una experiencia que agradezco haber vivido. Era un caluroso día de marzo y el sol iluminaba a rayos oblicuos el suelo de cerámicas rojas y blancas que formaban el cuadriculado de la amplia sala de dibujo y pintura del cuarto piso, (cuadrícula que mas tarde, cuando yo ya pensaba haber terminado de dibujar el modelo, Mario, inesperadamente para mi, me haría dibujar analiticamente con carboncillos negros y blancos, sobre un pliego de papel kraft, en perspectiva, tomando en cuenta los valores de grises del brillo de las baldosas enceradas, incluyendo el reticulado del suelo, como parte del modelo de alguno de los trabajos del taller de dibujo 1)

mos unos a otros en silencio desconcertados sin saber si nos habíamos equivocado de lugar, si este supuesto profesor era en realidad alguien que se había escapado del psiquiátrico y tenía a nuestro verdadero profesor secuestrado, o si toda la performance era parte de algún misterioso método de enseñanza.

Fuera de toda anécdota y gracias a la perspectiva otorgada por el tiempo, creo haber comprendido que Mario, quien se convirtió no sólo en un mentor si no también en un amigo, nos estaba enfrentando, cómo neófitos que éramos, desde el día uno, a los desplazamientos de obra y por ende al cuestionamiento y a la elaboración de un discurso crítico personal, con respecto al arte, al espacio académico e incluso con respecto a nosotros mismos.

Mario es el profesor y artista eje entre los mundos de la Escuela de Artes de la Universidad Arcis y la Escuela de Artes de la Universidad Católica (de ambas soy exalumno).

De la primera es un testimonio vivo y de primera mano tanto de la fundación como de la colaboración con maestros como Carlos Donaire, Guillermo Frommer, Guillermo MachuEn esa primera clase, Mario, dueño ca, Gustavo Poblete y Fernando Unde una energía exacerbada y fue- durraga. De la segunda, importante ra de todo molde, terminó su clase ex alumno y profesor. aparentemente al borde del paroxismo apaleando un contenedor de Hace algunos días atrás, se concrelata mientras gritaba: “!Punto, línea, tó esta entrevista realizada de modo virtual vía videoconferencia desde plano!.

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Valparaíso, entre los gritos de mis hijos pequeños y los quehaceres cotidianos naturales que todo dueño de casa debe atender. Los ritmos y los anti ritmos propios de esta nueva forma de comunicarse que tiene el mundo hoy en día dieron su propio carácter a esta conversación. Aquí Mario no sólo nos habla de su obra si no también de su lado humano, nos habla de cosas personales, como de su padre, de las dudas que tuvo en algún momento, de dónde vienen algunos de los motores de su quehacer, de lo que está haciendo hoy en su propia escuela de Placeres y nos mostró en exclusiva algunos de los últimos trabajos que ha desarrollado durante esta pandemia.

Gracias a su compañera Paula pudimos grabar esta conversación y pude también darme el lujo de transcribirla casi literalmente. Pienso que hay ciertas entregas de contenido que no deberían resumirse, así es que el texto resultante de esta entrevista ha sido dividido en dos partes*. * La siguiente parte será publicada en Enero en el número 7 de nuestra revista PERRO Art Magazine

tema que tiene que ver con un proceso que yo diría que era natural del desarrollo intelectual de Chile, del desarrollo de una vanguardia, del estructuralismo que analiza las problemáticas de discurso, la naturaleza, lo que que construye los discursos.

En este sentido todo discurso entra en un planteamiento crítico, tanto de los discursos que provienen de la hermenéutica y de la religión, la política, la filosofía y el arte. Por lo tanto este análisis de la materialidad significante del discurso y del arte, es un proceso que queda suspendido con la dictadura y se vuelve a un modelo claramente autoritario en donde las ciencias sociales, como método de estudio se hacen cargo de todos los procesos de evaluación estadística.

Los sistemas de análisis crítico, las interacciones autorreflexivas de los procesos en general, quedan en cuestión porque se impone una línea, en este caso el modelo militar prusiano leído de segunda mano por el ejército chileno y por otra parte por las oligarquías locales.

¿Arte conceptual o arte contex- Recién en los años 80 empieza un proceso de recuperación muy lentual en Chile del siglo XXI? to y el lugar responsable de esto Para responderte esto yo creo que es el Instituto de Estudios Humahay que retroceder al siglo XX y nísticos bajo el alero de la Escueahí enfrentar wla pregunta con la de Ingeniería, y, de un discurso respecto a la noción de despla- duro matemático y militarizado, zamiento, de lo urbano del taller se logra darle cobijo a Nicanor Paa la calle y viceversa. Aquí hay un rra, Enrique Lhin, Ronald Kay, Nelly

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Richard y otros. Este espacio tiene que ver con la posibilidad de producción en donde se escribe un texto clave que se llamó “El Quebrantahuesos”. La figura relevante de Ronald Kay, quien toma como bandera a Walter Benjamin, hace una serie de lecturas en vivo, en el Instituto Chileno Francés, de “La obra de arte en la era de su reproductibilidad técnica” de Benjamin.

La sola asistencia de artistas y de intelectuales fue impresionante, sin embargo mucha gente salió huyendo escandalizada de este lenguaje que no lograban entender. Años después se pondría en el tapete “El orden del discurso” texto clave de de Michel Foucault, que es el discurso que él mismo da cuando entra a la Academia de Francia, en donde lo que hace es cuestionar la propia naturaleza de su propio discurso, el que está dando en ese momento, o sea, !qué cuestión más feroz! ¿te fijas? ... ahí define también los grandes campos en la historia en los cuales el discurso ha sufrido cercenamiento. Foucault plantea que son tres: la política, la religión y la sexualidad. Como psiquiatra de profesión plantea que los locos tenían un espacio en el lugar público, en el ágora, tenían una razón que va más allá de la razón, por lo tanto también tenían una posibilidad discursiva en el mundo activo, tenían un lugar en la polis.

ta, estamos hablando de un régimen en donde hay exilio, muerte, desaparición, obliteración. Un corte en la historia para imponer otra historia, una historia oficial. Estamos hablando de un dictador que era profesor de la Escuela Militar.

Todavía la Escuela Militar tiene los textos de Pinochet sobre geopolítica. Pinochet era un tipo que conocía bastante bien el territorio nacional y que tenía una visión de mundo que por supuesto impone, siempre en tensión a los grupos de poder de las oligarquías locales, sobre todo cuando el tema llega a la economía. De ahí una visión estatista a la que se impone la visión de mercado de los chicago boys y “el ladrillo” y todo el sistema de AFP, el sistema de apertura de fronteras, etc. o sea, todo el neo liberalismo como experimento duro que se impone por shock en Chile como el sitio experimental más extremo en el mundo.

Volviendo al tema del arte paradojalmente es justamente el arte el que empieza a abrir, en el campo de la intelectualidad, este discurso y comienza a retomar estas líneas críticas, en el fondo para explicarse ¿qué había pasado?. Esta es la cuestión, el shock duraba a tal punto que no había recuperación y desde el arte es donde comienzan a producirse estas aperturas de visión nuevamente.

Un catálogo de exposición para Con respecto al Chile de los ochen- una muestra de Eugenio Ditborn

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en paralelo con Carlos Lepe se llamó “Sala de Espera”, en el caso de Lepe se hacen dos catálogos, los que no son dos catálogos clásicos, sino que son dos libros muy bien editados, una edición de lujo, en papel couché, a todo color, hecha gracias a los contactos con editoriales y publicistas que tenían los artistas en la época. uno de los textos, de Ronald Kay, se llamó “El espacio de Acá”, que era el nombre de la exposición “Señales para una Mirada Americana”, que se transforma en el texto más fundamental para el arte chileno por lejos y que también se constituye en el texto que repone la mirada estructuralista en Chile.

A partir de estas lecturas, que te señalé anteriormente, en el Chileno francés de Walter Benjamin, Kay establece una serie de los grandes dramas que Chile está viviendo como sociedad, en especial la memoria; cosa que tiene que ver ver con las desapariciones, de hecho hay una capítulo que se llama la mancha, otro con respecto a la excretura, la escritura, y por supuesto la fotografía. Estos elementos también los desarrolla Eugenio Dittborn en su trabajo.

Al reconocer a Ronald Kay, estoy reconociendo la obra trascendental de Dittborn, ellos dos, independientes de sí mismos, son vehículos de un cambio, son instrumentos y al mismo tiempo sujetos de un cambio necesario en

un país que está momificado, paralizado y lleno de miedo. Se crean estos instrumentos que van desde el juicio intelectual, o sea desde el campo del hacer y del destino por consecuencia. Se comienza a vislumbrar la posibilidad de un destino cuando todas las instituciones habían sido puestas en tela de juicio creo que eso dura hasta hoy.

Por una cantidad de otros factores también que tienen que ver con la corrupción etc parte de eso es en el mismo montaje desmontaje, desde un gobierno socilaista, que venía de un gobierno socialdemócrata, a un gobierno socialista que apela a ser marxista pero que no lo es, porque también hay un discurso crítico respecto de los socialismos reales, un socialismo a la chilena. Entonces, en el fenómeno facista que comienza a gestarse Carlos Lepe tanto como Ronald Kay desarrollan una relación directa a su vez con Nelly Richard y Eugenio Ditborn respectivamente.

“El cuerpo correccional”, otro texto de esa exposición, hay un campo de lectura estructuralista. Con esta nueva generación de artistas: Arturo Duclos, Alicia Villarreal, Rodrigo Cabezas, Silvio Paredes, entre otros, nos dedicábamos a formar un grupo de estudio para enfrentarnos a este contexto, y con esto retomo la pregunta inicial y por supuesto la tensión que hace Luis Camnitzer entre arte conceptual y arte contextual. Nosotros trabajamos mucho esa relación

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porque no es solo un trabajo que tiene que ver con el arte de ideas, en el sentido puro del término, o con una especie de prurito heredero del purismo o de una especie de minimalismo si no también con otras cosas.

no es molestar ni mucho menos interrumpir su viaje, por encargo de la editorial “x” tengo esta excelente oferta: estos cuatro libros de la suma, la resta, la multiplicación y la división. Pero, como esta es una oferta especial, para quien lleve estos cuatro libros, se lleva¿Qué nos podrías contar acerca rá también de regalo esta lámina de tu trabajo “De las cuatro opera- desplegable del aparato reproducciones o el aparato reproductor”? tor”.

“El lugar ideal” se llamó una exposición colectiva en donde se hace patente esta noción de desplazamiento del grabado y cómo este puede intervenir el espacio público urbano en donde participaste, junto a Federico Galende en los textos, con una intervención audiovisual urbana: un trazado de líneas de corte con tiza sobre edificios que se continuaban en perspectiva en una proyección multimedia posterior sobre la Fachada Universidad ARCIS ubicada en Huérfanos 1721 y sobre otras fachadas del entorno. Esta intervención se llamó “De las cuatro operaciones o el aparato reproductor”... (Mario se ríe y coloquialmente comienza a contarme) … el encuentro con el nombre de este trabajo fue una cosa fantástica, tomé un texto que hablaba de los pantalones, cada artista trabajó con un teorico y yo no tenía un nombre para mi propio trabajo, llevaba el texto a la editorial para imprimirlo un tanto desesperado y me subí a la micro y un vendedor comienza con su discurso: “Buenas tardes mi intención

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Abracé al vendedor y le dije: “¡usted me ha dado un regalo maravilloso!”. El nombre era perfecto, calzaba perfectamente. Y por eso se llama de las cuatro operaciones o el aparato reproductor, porque traducía perfectamente todo este corte, división y todo este análisis que yo había hecho con tiza y los proyectores que abarcaban una cuadra completa. Todo esto hecho con proyectores de diapositivas y un proyector data. ¿Nos podrías hablar de las influencias que reconozcas, al menos en público?

La influencia de Vilches fue fundamental. En el texto de Camnitzer que te mencioné, y es importante aclarar aquí que él no maneja hasta el día de hoy la noción de “desplazamiento” y por lo mismo es tan interesante el encuentro de este sábado* (se refiere al conversatorio via zoom Mario Soro/Luis Camnitzer “Talleres y diálogos en torno al grabado” realizado el 28 de noviembre) la filosofía de ese

texto escrito en los sesentas en New York, que es parte del catálogo de una exposición que se hizo en Caracas que se “Sobregrabado” plantea que lo múltiple, la seriación, la reproductibilidad es el valor del grabado, algo así como su esencia.

“compartimentos-estancos” ciencia, arte, economía, educación etc. desde ahí que me interesa en especial este tema, sobre todo con respecto a lo que dice Camnitzer, que le interesa mucho menos el arte que la educación, como un campo de producción de sentido.

La noción de desplazamiento tiene un origen y en ese sentido tiene dos textos referentes. Este de Camnitzer y otro que te mencionaré más adelante, en el que vamos a tomar la noción de desplazamiento en su acepción moderna que tiende siempre a una expansión de sus campos de conocimiento y por lo tanto una rotura de los compartimientos de estanco.

Ahora cito el otro texto: “La escultura en el campo expandido”, de Rosaline Kraus que habla de las obras de land art, del enviroment art, y hace un diagrama de relaciones cruzadas entre obra y medioambiente. Ella habla de una serie de artistas estadounidenses que ondean una bandera posmoderna, sus trabajos son la máxima expresión de la modernidad y se inspiraban en los fenómenos medioambientales y territoriales históricos universales, como las líneas de Nazca por ejemplo. Esto era un tema que yo venía trabajando hace ya un buen tiempo. En la intervención del territorio, aparece la noción de “emplazamiento”, la que podríamos, a modo de contrapunto, comparar con la noción de “desplazamiento”. O sea podríamos hacer una especie de Benjamin versus Kraus.

Producto de este texto (el de Camnitzer), que el propio Vilches comenzó a difundir fotocopiado entre nosotros sus alumnos y por otra parte los análisis que estaba haciendo sobre nuestros trabajos la propia Nelly Richard, comenzó a gestarse la noción de desplazamiento. Ella hizo un texto acerca de la idea de fronteras y de rotura de “compartimentos-estancos” el que es una declaración crítica con respecto al modelo educativo que hasta ese momento se tenía en la escena del arte chileno. Esto tuvo para mi otras concomitancias, como hacer juicios con respecto de lo interdisciplinario, lo que a su vez afecta directamente al discurso universitario e incluso a otros campos que se mantienen como

¿Nos podrías hablar un poco de tu formación como artista?

Personalmente vengo de espacios en donde el tema del arte era un tema central, tanto como ex alumno de la escuela experimental artística y después de la

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Impresiรณn de 900 cruces con cal so Impresiรณn de 900 cruces con cal sobre la superficie de la escuela de arte de la Universidad Catรณlica 1981

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Universidad Católica de Valparaíso. En la primera el tema no era la pintura, en el sentido académico, si no el diseño. Mi profesor de tercero y cuarto medio, Héctor Pino, se había contactado con las referencias del Bauhaus, había sido de esos profesores que habían mandado en los años treinta o cuarenta a formarse afuera.Según él, el arte de verdad era el diseño, por lo tanto hacíamos estudios geométricos, estudios de la luz entre muchos otros y que tenían que ver con las antesalas del Bauhaus y de los estudios que se pueden realizar desde las nociones de la geometría elemental. Por lo tanto no tuve una formación académica clásica.

nos transformamos en una agencia de trabajo, nos transformamos en contratistas, en asesores, salimos sobre calificados de la escuela experimental artística y ahí me enamoré de la arquitectura.

Conocí la escuela de arquitectura de la universidad católica de Valparaíso, por mi profesor, Potoczniak y un vecino, un renombrado arquitecto: Jaime Marquez, urbanista, un gran amigo, un pensador y un estudioso con una gran ética en su actuar personal. Con esos referentes, de que la arquitectura era esta concepción de arte total, me fui a la pucv en donde el cambio de mentalidad fue radical, el adquirir la noción de observación, por ejemplo, el arte la poesía y el estar con estos grandes maestros Esto era en plena dictadura, yo ve- de esa facultad, Alberto Cruz, Mennía de alguna forma huyendo del dez, etc. fue algo que me marcó. colegio Seminario menor con algún grado de desesperación (se La misma ciudad de Valparaíso, ríe) ya en ese entonces 1974. En estar en esa ciudad estudiando este maravilloso espacio, La es- fue muy potente, yo veo y siento cuela experimental Artística, que ese año que estuve allí como que además era mixto, cosa muy im- fueran diez, tanto por la intensidad portante, siendo estudiantes tuvi- del entorno, como por los cambios mos que hacernos cargo de espa- que tuve que vivir a nivel personal. cios arquitectónicos de exposición No seguí en la arquitectura, en lo organizados por la municipalidad que me iba muy bien, no así en las de Santiago, porque los militares matemáticas implicadas en su esno sabían mucho del tema y no te- tudio. Además en el tiempo que nían gente que supiera ni pudiera aprobaba el taller principal de la hacerse cargo. Entonces llegó un carrera con la máxima distinción, arquitecto, y ex alumno que venía cosa que no era menor, falleció mi de la escuela de arquitectura de la hermano en un trágico accidente. católica de Valparaíso que se hizo cargo de los talleres y nos encar- Me fui a santiago pensando en garon estas funciones a nosotros, que lo mío era el arte, nunca había

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tenido esa formación, nunca había pintado al óleo por ejemplo, y entré a la Academia del Palacio de la Alhambra, ubicada en el centro de Santiago, en una casa morisca, una academia muy pasatista, ahí estuve ebrio de olor a trementina, de besos, de orines de gato y de olor a suelo encerado.

En ese lugar, pasé rápidamente del impresionismo, del impresionismo al expresionismo y del expresionismo al cubismo y ahí me quedé, me encantó el análisis de la realidad que hace el cubismo y esto comenzó a contagiarse a mis compañeros, hasta tal punto que el director de la academia me expulsó echandome una suerte de maldición diciendome que me voy a convertir en una especie de Kandinsky. Ahí comencé a trabajar por mi cuenta, un amigo pintor me echó una mano e hice algunos murales y pensé: “...bueno parece que esta cuestión del arte va como en serio…” pero tenía que dar la PAA para entrar a alguna escuela de artes y tuve que estudiar matemáticas. El pensamiento lógico formal, con el cual aun sigo un poco traumado, ha ido un drama en mi vida, imagínate, mi padre era ingeniero mecánico, esto era también un drama para él, entre otras cosas ya me había ido de arquitectura, antes había repetido un curso en la experimental, o sea ya tenía un alto ranking de fracasos en el cuerpo (Mario se ríe de sí mismo).

Bueno, entonces, fui a dar el exa-

men a la Universidad de Chile y salí aterrorizado. Al tipo que me tomó el examen se le entreveía la pistola en la sobaquera bajo la chaqueta, era un CNI, y el guardia que custodiaba la entrada ¡tenía un fusil automático!. Siempre le he tenido especial aversión a las armas de fuego. De hecho cuando falleció mi padre lo primero que hice fue llamar a carabineros y entregar la pistola que había en la casa. Luego fui a dar el examen en la católica y me encantó, porque compartía sede con arquitectura y diseño y sobre todo porque cuando conocí la biblioteca...nunca más salí de ahí, era un paraíso.

Como te decía la influencia de Eduardo Vilches fue fundamental, me costó aprobar su curso de color, debo reconocerlo y este fue el primer choque que tuve al entrar al mundo del arte. Poco después descubrí el taller de grabado y se armó este grupo con Duclos, Alicia Villarreal, Silvio Paredes, siendo que yo era un poco menor que ellos, de ahí tampoco salí más. ¿Y qué nos podrías decir en cuanto a tu relación con la docencia?

Bueno, yo nunca dejé de hacer clases porque me encanta hacerlo y porque me daba cierta independencia frente a un modelo de producción que no estaba vinculado al mercado: Mi trabajo artístico. El que siempre ha estado en la frontera de lo experimental y de un

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juicio contingente con respecto a diar educación, cosa que nunca distintos tipos de fenómenos. concreté realmente, por temas logísticos implicados en mi trabajo El entender la educación como un artístico, las clases, mi actividad todo y el ejercicio de la educación gremial y las miles de cosas que como un contrato social en donde hago siempre, pero que sí entendí hay deberes y derechos tanto con de qué se trataba, de hecho llegué la institución, los alumnos y sus a casi terminar una serie de curfamilias que era algo de lo cual yo sos de formación de profesores estaba absolutamente convenci- que daba la Universidad de Playa do, al borde del fanatismo, lo que Ancha. Esta experimentación en me llevó en su momento, por unas la educación, me llevó en algunos dos o tres veces a intentar estu- casos a cometer graves “errores

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pedagógicos”, que no se como no me expulsaron de la institución en la que trabajaba, o del país o como no me fui preso (se ríe irónicamente… ) esos “errores” serían hoy en día declarados graves ofensas a la moral y a las buenas costumbres. ¿Y adonde te han llevado esas reflexiones el día de hoy?

Bueno, a tal punto, hice esta reflexión profunda con relación a la pedagogía, cosa que he seguido estudiando por mi cuenta, que al día de hoy aplico dichas conclusiones y reflexiones en mis talleres. Actualmente formé mi propia universidad, por así decirlo, que se llama Universidad de Placeres ubicada en Valparaíso. En donde lo que hago básicamente son talleres de obra, no solo para artistas, si no también para personas que quieren hacer una reflexión sobre, para llamarlos de alguna forma en términos amplios, sus “procesos de producción de sentido” y por consecuencia estéticos.

Esto ha sido tremendamente satis-

factorio porque he podido vaciar todas mis conclusiones y reflexiones que confluyen en la noción de desplazamiento de la que hemos hablado y que viene de los ochentas y que tiene un cuestionamiento en cuanto a la pos modernidad.

Esto, en los talleres que realizo, se ha ido desarrollando con un énfasis especial con respecto al trabajo autobiográfico de cada persona que participa y que significa para ellos/ellas ordenar su vida y su trabajo a nivel de producción de obra, esto a su vez genera un beneficio colectivo a nivel de grupo y genera enlaces. La construcción del relato y de un diagrama autobiográfico estructurado en tres niveles: histórico, metodológico y personal; o en otras palabras: signo, gesto y distribución o si se quiere: biografía, actos y proyectos; responden también a la idea de generar una visión de futuro.

Por lo mismo, este año introduje un elemento nuevo al taller, que es el cuestionamiento a la propia producción del diagrama autobiográfico. Quiero contarte con respecto a esto que me dediqué en algún momento de mi vida a profundizar en la cultura de los andes centrales. En especial hay un mito del mundo Mochica-Chimú, pero que recorre todo el mundo andino: “La revolución de los artefactos” hay ciertos ciclos temporales en donde los objetos cobrarían vida propia y tomarían el poder de la comunidad, entonces como tam-

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bién he trabajado el yacimiento a propósito de la pandemia, una de las cosas que hacemos en el taller es que les propongo a los participantes, que escojan una serie de objetos que tengan determinadas cargas y los localicen en su diagrama autobiográfico en períodos cronológicos de su vida y aquí se produce una tensión... el objeto, para ser objeto, tiene que ver con el sujeto.

Con respecto a esto ¿cómo ves los paradigmas sociales en los que estamos y el papel del arte en todo esto?

Es posible que la sociedad en algún momento este compuesta por un universo mas bien objetual de los sujetos. De hecho el todo el modelo educativo chileno acentuó esto durante la dictadura y nos transformamos en buenos objetos, buenos soldados, buenos chilenos, y buenos patriotas; esta frase tipica de la dictadura tiene que ver con que la educación tuviera ese límite y que toda formación nos condujera hasta este momento: conocemos los signos, sabemos sumar, restar, multiplicar y dividir, más o menos, pero no sabemos leer, tenemos analfabetismo funcional, leemos pero no entendemos lo que leemos. Tenemos una falla epistémica radical y eso nos lleva a que ser buenos objetos.

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Somos instrumentos, somos una masa instrumentalizable que enciende como pasto seco con slogans baratos, sin mucha profundidad, una masa susceptible a caudillismos momentáneos, en donde los caudillos quedan como héroes, como buenos operadores o buenos artífices del slogan más básico, es sin duda una situación peligrosa, es feroz lo que estamos viviendo.

Entonces, como te contaba antes, cuando solicito a los participantes del taller que se produzca la revolución de los objetos, es eso justamente, es poner en cuestión el diagrama de historia personal que tanto costó elaborar. En comparación, hacer una nueva constitución, es una revolución de los objetos, pero este cambio está tan manipulado políticamente que está de nuevo volviendo a instrumentalizarse. Es una gran pelea la que hay que dar, si queremos un verdadero cambio en la cultura, en donde los objetos realmente sean poseedores de un juicio crítico.

Van a haber mucho mas etapas que quemar, no es sólo redactar un texto, si no un cuestionamiento como sociedad y un auto análisis epistemológico y reflexivo profundo, y eso supone una educación en donde hay que entregar armas, herramientas e instrumentos a la sociedad, como también hay que entregar el cómo operar dichas armas, herramientas e instrumentos. Esto que tiene que ver

con aquellas palabras ligadas, en el caso del arte, a composición, disposición, contraposición y distribución.

¿y cómo vas tú en todo esto en relación al grabado y a la noción de desplazamiento de la que nos hablas?

La noción de desplazamiento incorpora, haciendo justicia a la palabra al cuerpo, toda la tradición del grabado sobre superficies tradicionales, es decir el grabado que se venía haciendo desde la edad media y el que se seguía haciendo en el “Taller 99” o en “Casa plan” No se concibe la noción de que el soporte puede ser la tierra, los muros el cielo, los poemas de Zurita escritos con humo en los cielos de Nueva York, el mar, los ríos, la memoria, el currículum, el sujeto y una serie de materiales posibles.

Esto ya está expuesto en el texto de Camintzer y por eso el énfasis, La imagen de esto podría ser algo también está en el proceso de seasí como poner erizos a circular, riación, en la reproductibilidad. un erizo es algo que para tragárselo hay pasar por un proceso espi- Esto lo puedes ver en mi trabajo nudo, punzante. Tragarse un erizo con la tierra, en el caso del trabajo crudo, es algo que va estar siem- de las cruces, con el cuerpo en mi pre punzando, aun después de trabajo con el vía crucis. Esto últitragárselo, el trabajo de arte tiene mo también involucra a la ciudad, esta característica. Elementos que la calle y el lo religioso como sogeneran a su vez otros elementos porte del desplazamiento gráfico.

Involucra por ejemplo al dispositiautocríticos y de autorreflexión. vo represivo, a la policía, cuando En una publicación de arte, lo bue- hice, por ejemplo, una de las estano y lo malo no está sometido a ciones de mi via crucis en el cuarlos criterios de un periodista, si no tel borgoño de la CNI, estos son de un artista visual, lo que permite soportes que estaban dispuestos ser más libre y cuestionar la for- por sobre la ciudad. Cuando hice ma, cito en ese sentido el paradig- una paso por el río Mapocho yo ma de la revista-libro-catálogo de estaba hablando de medioamexposición: “El quebrantahuesos”. biente, el río en ese momento esDe nuevo tenemos una situación muy similar a los años ochenta en donde no fue si no las artes visuales la que generó las herramientas de cambio y de reflexión cuando todo había sido paralizado. Por eso es muy importante la construcción de espacios creativos a todo nivel. En el caso, por ejemplo de abrir espacios de circulación y en ese sentido la publicación, el caso de las revistas, lo que ustedes están haciendo es muy importante, proponer y poner elementos críticos en circulación, elementos autorreflexivos.

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taba infestado de los químicos de las mineras vertidos directamente al caudal, pero el tema ecológico no era tema aún en Chile, nadie hablaba de eso.

En cierta forma todo esto ya lo había hecho un loco; un loco genial: Charles Meryon, grabador francés que hizo una constitución solar y una constitución lunar. La que fue reproducida, a mi ver, en la constitución del ochenta lograda con un fraude electoral que imponía la constitución de la sombra en el día y la del día en la sombra. Todo con este personaje de fondo, que cruzaba lo político con lo religioso, me refiero a Pinochet que iba y comulgaba con su capa, y con su discurso que justificaba a la dictadura como una suerte de cruzada para salvar al pueblo chileno del cáncer marxista que se comía a las guaguas, en donde había una guerra permanente, con un frente externo y un frente interno, chile peleaba contra el mundo y mandaba a matar gente en el mismísimo Washington DC o en Buenos Aires o en Roma, con redes anticastristas y mafias internacionales organizadas, el plan cóndor y con todo un dispositivo de control constituido.

tos críticos y así superar este paradigma, esta frontera intelectual que tenemos como sociedad, en donde la mayor desigualdad es tener o no tener elementos para generar juicios críticos?.

En esto el arte tiene un rol muy importante, lo que implica que se haya disminuido y desaparecido artes, filosofía historia en la cátedra, en la enseñanza, elementos que tienen que ver con la disminución de lo crítico en pos de dejar solo las directrices de las ciencias duras, pero no este enfrentamiento de una formación humanista, reflexiva, filosófica y estética.

En relación a lo estético, el cual es el rol del arte, estoy trabajando en generar diagramas que supere esta idea de superficie en la que estamos entrampados y permita generar flujos y cruces provechosos entre ciencia, arte, economía y educación. Y también en entender estos procesos para profundizar nuestra capacidad de decisión, de reflexión y de obrar en un campo de sentido lo que nos permita entender en dónde estamos, para así salir de esta dimensión instrumental para poder entrar a esta dimensión compositiva como yo la llamo.

Cuando pienso ahora en el proceso constituyente, pienso: “ojalá ahora Continúa en el siguiente número... no vayamos a hacer de nuevo una constitución lunar. ¿Entonces qué pasa ahí, qué pasa si no tenemos una ruta que permita formar suje-

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Pietá foto performántica en Hangar 270 en el marco de una clase magistral pública, dictada por Mario Soro, con motivo de la inauguración de las participantes del club de grabado Concón 2015.

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* Extracto de la novela gráfica “Estrella distante”

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Roberto Bolaño y su "Estrella Distante" Distante Por Bárbara Pérez 51

La breve novela

Estrella Distante (1996) del escritor chileno Roberto Bolaño fue gestada bajo curiosas circunstancias el mismo año en el que el escritor había publicado su libro La literatura Nazi en América por Seix Barral.

Tras el favorable impacto obtenido por la crítica del momento (un tanto hastiada de la empobrecida narrativa latinoamericana de la década de los 80 y principios de los 90 secuestrada por el Realismo Mágico) logra llamar la atención de Jorge Herralde, quien recientemente había fundado la Editorial Anagrama en Barcelona. Este le encarga un nuevo título para ser publicado durante ese mismo año. Bolaño contesta que posee un manuscrito inédito, lo que es falso, y se apresura a escribir Estrella distante, relato que es una especie de apéndice o extensión de una de las historias contenidas en su publicación anterior.

Es posible pensar, ya desde el prólogo de la obra, que Bolaño se posiciona en su quehacer literario manteniendo cierta continuidad con el Boom, pero también subvirtiéndolo, a partir del tratamiento del tema central (el mal), de una visión renovada y más compleja de la novela en general y del gé-

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nero policial en particular. La más evidente analogía con el Boom es aquella que podemos encontrar en el prólogo, en el homenaje bastante explícito que realiza el “narrador-autor-personaje” al legado del escritor Jorge Luis Borges antecesor del Boom y al propio Julio Cortázar, uno de los autores más canónicos de ese fenómeno literario y editorial.

Volvamos al prólogo. Desde una ficción dentro de la ficción, usando siempre el tema del espejo o de la especularidad borgiana (porque la literatura nunca es la realidad, es solo un espejo de ella, una especulación) se explica al lector cómo fue escrita Estrella distante, a partir del relato que a Bolaño le llega de su compatriota Arturo B -alter ego del autor-. Arturo B, señala Bolaño fue: “veterano de las guerras floridas” (Bolaño, 1996, p.

7), en alusión al cuento de Cortázar “La noche boca arriba”. El último capítulo de La literatura nazi sirvió como contrapunto de su gestación, dado que: “Arturo de-

seaba una historia más larga, no espejo ni explosión de otras historias sino espejo y explosión en sí misma” (p.7). Ambos, encerrados durante un mes y medio en la casa de Blanes, escriben la novela. El “autor” se limita casi exclusivamente a transcribir lo que le dicta Arturo sumergido en sus sueños y pesadillas y al mismo tiempo, a discutir con él y con el fantasma de Pierre Menard (en alusión al cuento de Borges) la validez de algunos párrafos repetidos.

La narración comienza en el último año de la democracia en el Chile de 1973 y se desarrollan los primeros capítulos, durante el primer año de la dictadura militar de Augusto Pinochet, trayecto temporal en el que Alberto Ruiz Tagle se transforma en el poeta y asesino Carlos Wieder o se desenmascara. Los siguientes años, que corresponden al trayecto entre las décadas de los 80 y los 90, se enfocan en la especie de investigación policial y literaria que realiza Bibiano, Arturo y finalmente Abel De esta forma y tras el homenaje a Romero, hasta encontrar al desaestos dos escritores, Estrella dis- parecido Wieder. tante se construye desde el relato especular y a partir de la intertex- El tema del mal, la especulación, tualidad con la Historia universal el Golpe de Estado, el crimen, la de la Infamia (1935) de Borges. poesía, la pornografía, la estética En palabras del propio Bolaño en del crimen y la aberración, y por sobre todo, el desmembramienesta novela intentará una: “aproxito de los personajes producto del mación, muy modesta, al mal abRégimen Militar son elementos soluto” (Manzoni, 2002, p.23). que distancia a Bolaño de los autores canónicos del Boom, pues ¿Pero quién es el infame? El infa me es doble, como todo en esta la antigua utopía de izquierda que novela, una imagen doble que se profesaron en camaradería aquemultiplica hacia el infinito: Alberto llos escritores, ahora se vuelca en Ruiz Tagle, el joven poeta, es Car- decepción, enigma, escepticismo, los Wieder, quien a su vez es el te- individualismo y soledad. niente Ramírez Hoffman. Los personajes y los tiempos en la novela también son dobles. Los dos jóvenes estudiantes de la universidad de Concepción; el narrador Arturo y Bibiano, ambos aspirantes a poetas. Los dos poetas que dirigen los dos talleres de la Universidad; Stein y Sergio, las dos hermanas gemelas Garmendia, Verónica y Angélica, especie de musas para todos ellos.

* Referencias:

Bolaño, R. (1996). Estrella distante. Barcelona: Anagrama.

Manzoni, C. (2002). Roberto Bolaño: La escritura como tauromaquia. Buenos Aires: Corregidor.

Suminuvic, H. (2006). Estrella distante: Crimen y Poesía. Revista SciELO. N°33, pp. 9-25.

Bolaño, Roberto. Manzoni (ed), 2002, «Bolaño por Bolaño», pp. 33-35.

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A Maradona

La vida es curva y cerrada y sus puntos equidistan del centro Por Juan CristĂłbal MartĂ­nez.

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“El hombre es la víctima de un medio que se niega a comprender su alma”.

Charles Bukowski.

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Corría una brisa rara en Villa Fio-

la vida, trabaja en la belleza, en los movimientos, en la identidad, en las ideas, en el cuerpo y también en el rostro, para que mute la larva. El viento de la Villa no da paso a la aparición de la piedad.

Infaltable la polvareda que cierra e irrita los ojos al volar cuando transcurre el día.

Hay que sacar al pibe de ahí.

Tendrá nuevo nombre y piel de campeón. Será el mejor. Así fue, los obturadores no paraban de sonar en esa última mirada por la ventana de aquel súper auto, mientras el astro veía pasar perros de todos los colores y en el fondo, los amigos de la vida.

rito, más intensa y movediza ese día treinta de octubre de mil novecientos sesenta. Arriba, un cielo de brillos azules se dibujaba igual para todos.

No es difícil paralizar la mirada frente a la fotografía del mundo, imperfecta en su dimensión, con su color de invierno negro desde los siglos de los siglos. También hay oro en la veta oscura. ¡Bravo! All the attitude sin conocer el neón o la velocidad de la tv.

Siempre desde cerca, mira el mal con su alma de pintura negra para quitarnos la inocencia y convertirnos en algo distinto que le pueda servir. Otro Lex Luthor, el mismo que alguna vez admiramos con una lágrima sin entender quién era.

Actúa rápido, es letal cuando ya estás de pie y te mira correr persiguiendo algo que nunca sabrás qué es.

Aquí comienza y termina la historia.

Cayó una pelota de fútbol en el techo del almacén del señor Vitelli. Sonó fuerte y hay que ir a buscarla. Irá otro. Maradona, no.

Mirará de lejos.

Asoma la corte a potenciar el milagro. Corrige el prodigio de

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Adiós Fiorito. Suerte Vitelli.

El avance fue raudo a la ciudad y sus alturas, a lo desconocido de esa parte de un mundo casi perfecto que esperaba inquieto a un invitado más. La fiesta estuvo siempre ahí. A todo volumen.

Así salimos de nuestros primeros lugares para llegar a otros.

Sin miedo, fríos, severos, incorporados a una ecuación de matemática imposible.

Luego aparecería el circo para controlarlo todo y recaudar. ¡No puede escapar el diamante y debe seguir persiguiendo lo que no conoce, ni entiende!

No hay pájaros que lo acompañen.

Sin embargo, sabía que debía encontrar el tesoro, llegar a él, cargar el baúl y no perderlo jamás.

Ahí estaba todo. El bien y el mal

conversando sin voz. El tiempo no paraba de correr. Aviones, países, idiomas, historias y portadas comenzaban a nublarlo todo.

Aunque de pronto volvía a jugar solo como un niño en la vereda del almacén, quedaban atrás los ojos verdes de esa joven en la calle corta de la lejana niñez.

Se movía el piso de un barco perdido. El turismo sobre el mar ya no tiene familia, se bajaron en algún puerto de agua, levantando la mano para tocar un aire olor naranja. La foto parecía un adiós. ¿Dónde apoyarse? ¿Qué le hicimos?

El abismo está cerca. Lo dejamos cansado y solo a orilla del mundo. No sirve el amor cuando no lo vemos.

Coincidamos en que no hicimos nada. Debimos haber apagado la luz, pero desconocimos la mirada de Dios en el prado verde.

Siempre supimos que la geometría circular del balón puede ir a cualquier parte y recorrer el planeta sin stop.

Un invento perfecto. Sólo si encuentra un vacío… un agujero oscuro, puede caer. Recién ahí, nos empezamos a acercar lentamente -y también en círculo- para poder llorar.

Así fue.

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Hueas del Lastarria y Celtic Frost Por Rodrigo Alonso Molina Meza 58

y

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De los 424 colegios a los que fui, y Rodrigo Vásquez, “El Barbie”, mi

hermano, también simbólico, que hoy no está en este plano, con el vinilo de “To Mega Therion”. No me acuerdo si “Thrashtorner” o “El Barbie” se lo pelaron de “Rock El Lastarria. La directora era ami- Shop”. ga de Pinochet. ¿Quién se acuerda del nombre de esa vieja?. Era Entrar a esa cárcel, era toda una asquerosa. El asco se produce por travesía. Te revisaban todas las una reacción orgánica. No vengan hueás. La hueá es que logramos a hue´arme porque digo que una pasar el vinilo, pa’ quebrarnos y vieja era asquerosa. Está lleno de quedó la cagá. personas asquerosas, y esa vieja, La fauna lastarrina, era más diverera asquerosa. sa que la chucha. Habitábamos La hueá, es que, el Lastarria era especímenes de distintos secuna instancia carcelaria. Yo siem- tores de la capital. Esa hueá, era pre fui mateo y no necesitaba ese hermosiu. Convivíamos sin prejuiadoctrinamiento como ejercicio cios. “El bullying” se daba por las disciplinatorio, o disciplinatorista apariencias físicas de hueones para aspirar al conocimiento. Ese púberes; caras llenas de espinisistema carcelario, producía en llas, las patillas, los bigotes tipo mí, rabia, y desde esa rabia, la ne- pelusas sin afeitar y fijaciones de cesidad de rebelión era orgánica, pendejos ahueona’os; el infaltable como el asco que sentía por la vie- ca’eza ‘e chancho, el cara ‘e hueón ja asquerosa, amiga de Pinochet, extremo, el enano, y cuánta deformidad distinta al canon de belleza la directora. griega que nos presentaba el SerEl Lastarria era un panóptico. Y en gio Román en sus clases de Histoese panóptico, conocí a importan- ria Universal. La hueá, era hue’ar al tes personas. Amigos de adoles- hueón más raro y ahueona’o. cencia con los que cuestionamos el sistema educativo que se gene- Y la competencia fundamental, raba ahí y con los que conocí la ci- era: Quién era el hueón que asimilaba los saberes pedagógicos y marra. podía lucirse frente a un curso de Una de nuestras primeras rebelio- 45 hueones y podía dictar cátedra nes simbólicas, fue escuchar “Cel- de su aprendizaje. Unos ratones tic Frost”. Éramos pendejos, como culia´os de laboratorio. de 13 o 14 años, una hueá así.

Con el vinilo de “Celtic Frost”, deUna vez, llegamos a clases con jamos la cagá. Los hueones se “Thrashtorner” (Esteban Jiménez) volvieron locos, los de tercero y donde intentaron adoctrinarme e instruirme, hubo uno que era “emblemático”: Emblemático ¡¡¡ ¿QUÉSAHUEÁ?¡¡¡

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cuarto medio, no podían creer que unos pendejos menores que ellos, tuviéramos tesoro tan extraño. Se cagaban enteros con la imagen de la carátula. Después, empezamos a generar otro tipo de rebeliones, con acciones más radicales en el contexto de un colegio autoritario, lideré varias, obvio, hasta que la vieja asquerosa amiga de Pinochet, me echó cagando.

Con “Thrashtorner”, nos sentábamos en el último pupitre doble en la fila del medio. Habían tres filas, éramos 45 hueones. Inventábamos y escribíamos canciones satánicas, políticamente incorrectas, vomitivas y asquerosas, casi todas inspiradas en la vieja asquerosa. Odiandola. La odiábamos y hue´abámos a los posers engominados que le temían y respetaban a la vieja asquerosa amiga de Pinochet. Les pegabamos cacha males y patás en la raja.

Hoy, con “Thrashtorner” nos re-encontramos para volver a escribir.

En PERRO arte colectivo, ya vamos pronto por el número #6, que es este que estás leyendo ahora.

Sí, ahora.

La vieja asquerosa amiga de Pinochet, no tiene cómo amedrentarnos y perseguirnos. El recuerdo de mi hermano Rodrigo Vásquez, “El Barbie”, permanecerá en mi memoria, como el sonido adelantado y extremo del vinilo de “Celtic Frost”.

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EXPRESIONISMO,GRABADO CONTINUACIÓN parte 3/4 ( 2/4 en número anterior)

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DO Y XILOGRAFÍA

MARIO VERGARA El Gauguin latinoamericano del siglo XXI

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Establecer los nuevos paradigmas Hoy existen nuevas cosmovisio-

de racionalidad depende del despertar de la conciencia universal, es por eso que la lucha hoy es por la liberación político y cultural, psíquica y espiritual. ¡Anarquistas del mundo uníos!, decía Nicanor Parra en alguno de sus libros, ya no recuerdo cual. ¡Proletarios del mundo¡uníos! decían Marx y Engels en su legendario manifiesto comunista, ¡Conscientes del mundo uníos! digo yo.

En este particular texto-entrevista, únanse a la lucha por el despertar de la conciencia y del ser. Es una tarea memorable por el futuro de la humanidad. Hoy la humanidad entera se juega el destino de la especie y del planeta, incluidos los ciudadanos estadounidenses y europeos de buena voluntad que también luchan por su libertad que no es otra cosa que liberarnos del gobierno de los banqueros, corporaciones y transnacionales que gobiernan como títeres a nuestros pseudo-representantes. Lo dijo al mundo el presidente chileno Salvador Allende Gossens, en su legendario discurso ante la ONU en 1972 con el objetivo que intentáramos construir un mundo mejor (discurso que le costó la vida, fue después de ese discurso que se tomó la decisión de derrocar a su gobierno a como dé lugar, bueno la decisión ya estaba tomaba mucho antes pero sin duda alguna ese discurso intensificó la intervención imperialista)

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nes que están en juego para establecer nuevas visiones de racionalidad que nos permitan construir nuestro mundo sin los errores del pasado, de dogmatismo cientificista y materialista. Aquí no se trata de excluir sino de incluir para liberarnos de la opresión utilitarista, hoy es el tempo de construir nuestros sueños y así lo entienden las nuevas generaciones que por supuesto no deben olvidar que venimos de una historia de luchas por libertad desde tiempos inmemoriales en que nuestro ancestros entregaron sus vidas por la libertad y dignidad humana. Esos mismos sueños con los que llegamos un día nosotros a estudiar como las primeras generaciones de hijos de obreros, de hijos de empleados fiscales, de profesionales asalariados que podían estudiar luego del golpe militar.

Nosotros pensamos inocentemente que este mundo de injusticias podía cambiar, ahora lo entendemos, sin un cambio cultural, de cosmovisión y de comprensión del mundo y la naturaleza esto es imposible. Se trata del más importante camino político, cultural y espiritual de la humanidad, esa es la complejidad de estos tiempos que vienen desde la modernidad , el iluminismo, la ilustración, el siglo XIX, y hasta bien avanzado el siglo XX, con Paul Feyerabend y su filosofía natural y su anarquismo metodológico, con Paul Virilio y su rechazo a la modernidad. Es que

nadie se pregunta ¿qué tiene que ver con nuestra felicidad el último celular de turno? Por favor. Nadie se ha preguntado si de verdad esto es progreso. No es más que técnica carente de espíritu, utilitarismo burgués en decadencia.

Yo no podría ser sin considerarme un hijo del siglo XX y sus luchas y sus guerras y su amor y su desesperación. La condición humana se jugó y se juega cada día con la decisión que tomas en el aquí y el ahora, como cuando nos dimos cuenta de aquellos (algunos, no todos) exiliados venían arrepentidos. Pero para nosotros la lucha seguía lo habíamos aprendido el 2 y 3 de Julio de 1986, el 4 y 5 de octubre de 1987, en las poblaciones, no en los libros de texto escolar; nosotros no queríamos negociar esta salida pactada que tanto sufrimiento trajo a nuestra vidas. Si de eso se trata, no de hablar del pasado sino del presente, nunca fuimos felices con el tipo de relaciones sociales que establece el capitalismo, relaciones de poder, de estratificación social, menos de la relación de dominación del hombre hacia la naturaleza. Nosotros somos hijos del pueblo, nosotros somos hijos de la tierra, la tierra es nuestras madre y el sol nuestro padre y a nuestros padres se les respeta, y a nuestros ancestros se les recuerda y se les ama, siempre están con nosotros pero no se les nombra para no perturbar su alma, se les ama en el si-

lencio, observando el fluir del agua del río cristalino que baja de la cordillera y escuchando el canto de los pajarillos en el bosque, esos nos enseñarnos nuestras abuelas, nuestras machis y nuestros loncos; en nuestros lof, en nuestras comunidades, en nuestra tradiciones ancestrales. Nosotros mestizos citadinos lo descubrimos en la contemplación de la escasa naturaleza que podíamos observar en los sitios baldíos de las grandes ciudades, en donde al menos pudimos elevar los volantines (barriletes) y cazar lagartijas, observar las nubes que pasan raudas a comienzos de septiembre, en las bibliotecas públicas donde fuimos un día a buscar nuestra tareas de historia y encontramos poemas de Ruben Darío y Gonzalo Rojas. Aunque la poesía la descubrí un día en yo había escudriñado en los libros que mi papá me mandó a guardar cuando nos estaban allanando, los guarde veloz como el rayo, en el borde del entretecho, entre la madera y el zinc que era el lugar del que desde mi pieza yo saltaba al muro para subir al techo a elevar volantines; terminé justo cuando los agentes del CNI entraban con sus pistolas nueve milímetros a destrozando todo, buscando el arsenal de libros y discos de Quilapayun, Illapu, Inti Illimani y Los Jaivas porque tener libros y discos era subversivo para la policía secreta del gusano de Pinochet, tener “El canto general” de Pablo Neruda era peligroso, “Hijo de la-

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drón” de Manuel Rojas subversivo, porque para los agentes del régimen leer y escuchar música era peligroso, pensar era de extremistas; como hoy el bastardo asesino y ladrón de Piñera, que le declaró la guerra al pueblo de Chile, continúa con sus asesinatos selectivos y represión a ultranza, sacando a la policía y al ejército de Chile a las calles, al tiempo que mercenarios privados de la elite burguesa de Chile, asesinan y ciegan al pueblo y a la nación mapuche que lucha por su supervivencia existencial y cultural, que lucha por su territorio ancestral sin el cual carecerían de su razón de ser y de existir, son el pueblo y nación mapuche, los hijos de la tierra, los hijos del sol, de la luna y las estrellas.

No estoy inventando nada, es también la filosofía que he leído y que estoy leyendo hoy en el doctorado en pensamiento complejo que estoy estudiando en la Multiversidad Egdar Morin de México, es la poesía que he leído y que escribo en mis libros y es la experiencia que he vivido desde niño en Maipú y Padre Hurtado, en las casa de inquilino de mis abuelos maternos. Una experiencia que a pesar de todo me recuerda que fue una bella infancia, porque la felicidad es un estado del alma, que no depende de nadie sino del interior de ti mismo y de tu familia y de tu entorno cuando es pertinente. No dejes nunca que te corten las alas los enemigos del ser y deja que el

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árbol que escalabas cuando niño hable en el ser de ti mismo.Yo con mi primo Carlos Ovalle, escalábamos el sauce que había detrás de la casa prestada de mi abuelo para contemplar el mundo y ver las nubes y los dibujos que se formaban con el viento. Por eso es tan importante fomentar la imaginación de los niños en las clases de arte, y de saber también quiénes eran y son nuestros enemigos, los de la cultura oficial, los de la cultura de la basura, de la desinformación y de la pobreza intelectual y espiritual. Pero debes saber que siempre, AHI, hay un mundo que explorar. Nosotros sabíamos que existía otro mundo, el de la cultura popular que se deja ver a ratos en el trasfondo de la cultura oficial.

Cuanto nos enseñaron Victor Jara, Violeta Parra, Atahualpa Yupanqui, y tantos otros, de un disco a otro, de un libro a otro. Comenzamos el viaje de la expansión de la conciencia: con Marx, Nietzsche, Herodoto, las siete tragedias de Esquilo y Sófocles. Arte, ciencia y filosofía y también cultura popular, con sentido común cuando no está atrofiado por la cultura oficial. Pirincho Cárcamo que me dio a conocer el rock Clásico en la radio Futuro (primero en la Galaxia) y Patricio Bañados a Beethoven en Radio Beethoven. Fue un despertar del espíritu humano. La primera pintura de Picasso en una enciclopedia Salvat que veía con mi papá en casa. Yo no entendía nada pero me obligó a pensar, a buscar y a encontrar.

Como cuando vi los grabados de Goya en una exposición en el Hall central de la Universidad Católica.

Tremendo, me cambió la vida para siempre, también cuando escuché a Jimi Hendrix y el blues y el jazz o cuando iba camino a la universidad en primer año, y me decidí a entrar a la biblioteca Belarmino, hoy la biblioteca de la Universidad Padre Hurtado de los jesuitas, pero en aquél entonces era un edificio pequeño y mágico en el que uno entraba a la biblioteca, y entraba en un mundo paralelo, que para mí fue trascendental, más aún cuando apareció en el mesón la señora Margarita, mamá de mi amigo y hermano, el Chino Morales, y que trabajaba en la biblioteca. Por ella tuve acceso al sótano donde estaban los estantes de los libros. Era el paraíso. Así entendí a Jorge Luis Borges, cuando hablaba de que no habría podido vivir sin los libros, y de que si no existieran libros en el paraíso este no sería el paraíso. Siempre recuerdo el primer libro que escogí entre muchos libros empolvados, reunidos en un pasillo con poca luz, y una atmósfera extraña, al mismo tiempo nauseabunda e intrigante, mágica y liberadora: saque “El tratado de la pintura de Leonardo Da Vinci”. Fue casualidad o sincronía en el tiempo y el espacio como dice Jung, no lo sé, pero con ese acto fue que escogí o al menos ciertamente influyó en mi decisiòn de estudiar la mención pintura de la Licenciatura en Bellas Artes en

vez de escultura que también me gustaba y me gusta. Fue a pesar que el maestro Osvaldo Peña me quería en su taller el tercer año, pues ya lo había hecho en el primer y segundo año. Ell maestro Osvaldo Peña es más que un profesor de arte, es un artista, un maestro, un mago y un amigo, me enseñó a observar la consistencia de la tierra en el barro con las manos.

Si no es con las manos,me decía, no hay otra forma de comprender la arcilla o la greda y la veta de la madera para escoger dónde pasar la gubia. Con él, aprendí a retroceder tres pasos en todas direcciones para escoger de dónde saco o adiciono barro o madera en la escultura. La escultura es la tercera dimensión,, esto no es pintura, no es un plano bidimensional sino un espacio tridimensional, explicaba mientras bebíamos café y esperábamos un rato para volver a trabajar el barro o la madera. En ese taller de los lunes por la mañana a primera hora y hasta el mediodía, conocí a mis antiguos camaradas. En Santo Domingo cerquita a la calle Catedral donde estaba la Quinta Bella y donde terminábamos todas las tardes al finalizar nuestra clases de historia del arte con Guillermo Machuca, es ahí donde conocí al Walter Contreras y al Nico Cisternas de periodismo (hoy artista, poeta y fotógrafo respectivamente), me reencontré con Sergio Román que me presentó a Oscar Cañupan Y Diego Cerda de sociología, la Pame Jimeno, la

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Susana Vergara, la entrañable Ina Lacroix, el Chino Garay, la Beatriz Duque, la Marcela Guzmán, la Varinia Cortés, la Paula, el Picolo, La Chovi, la Pato y tantos otros y otras que nos reunimos por arte de magia y de la vida. Mis amigos fueron como encontrarme con mis primeros libros de poesía y transformaron mi vida para siempre. Ahí comprendí que existía un mundo de libertad y poesía donde no todo se transaba, donde no todo se vendía, donde existían los amigos de verdad, que un día extenderían la mano para intercambiar nuestros sueños. Sebastián Rojas me mostró “Van Gogh el suicidado por la sociedad” de Atonin Artaud, Paola Bustamante llegó con “Cartas a Theo Van Gogh y un casette de Los Tres taller de escultura, que al principio no me gustaban sólo porque tocaban en plaza Ñuñoa y yo no tenía plata para la entrada.

Bueno, alguna vez entre, pero casi siempre me queda dando vueltas en la plaza. Alejandra Dorado llegó con un bolso Aymara de la casa de sus padres en Bolivia que yo llevé para mi casa pero lo tuve que devolver porque nunca tuve la plata para comprarlo. En fin ¿Se acuerdan cuando fuimos a ver a “Fulano” (grupo de fusión rock) en el Parque de las Esculturas? Estaban tocando gratis en un escenario en el río Mapocho y nosotros sentados en el césped entrelazados unos con otros entre las esculturas y bebiendo cerveza. Los años dorados de nuestra juventud,

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y en nuestra mente las clases de Guillermo Machuca, el libro “El teatro y su doble” también de Antonin Artaud, el origen de la tragedia griega de Friederich Nietzsche y ………………………de George Bataille, olvide el nombre del libro, pero ese que leímos cuando estudiamos el arte rupestre, las cuevas de Altamira, Lascaux y Chauvet.

Un día estaba solo leyendo poesías de Nietszche y orígenes del teatro griego en la biblioteca del Instituto Alemán de Cultura “Goethe” cuando me encontré con el Pato Michel, estábamos en lo mismo, buscando libros y música en cassette y documentales en VHS de la Bauhaus y del Jinete Azul, también recuerdo que ahí leí “Punto y línea sobre el plano de Vasily Kandinsky” y vi los cuadros de Paul Klee……

Creo que esto puede dar para una novela de juventud. Debo terminar es sólo una entrevista virtual para la revista P.E.R.R.O art fanzine.

Solo le pido a Dios que mi arte alcance para mostrar la condición humana. Todos los caminos son el camino del sabio decía LaoTse en el Tao Te Ching. Claro que nosotros nunca nos sentimos cómodos en la vida burguesa y la sociedad de consumo, en donde todo se vende, todo se transa: la naturaleza, el agua, la sal de la vida y hasta nuestros sueños.

Todo se vende al mejor postor, y los negociadores (concertación

política por la democracia), todos se habían vendido al diablo verde.

Cuando nosotros queríamos cambiar el mundo con un vaso de vino y escuchando rock, escribiendo un poema en una servilleta de un bar de mala muerte, de esos que frecuentábamos en Santiago Centro y Estación Central (alguien recuerda el nombre del bar que estaba frente a la escuela de Teatro de la Chile). Un poema escrito en una servilleta de la Quinta Bella, jugando al cadáver exquisito como nos habían enseñado los surrealistas André Bretón, Paul Eluard, Tristán Tzara y otros maestros. También leímos al poeta surrealista chileno Omar Cáceres que era tío del Gonzalo Leiva Cáceres, y a los creadores de la revista “La Mandrágora” Braulio Arenas, Teófilo Cid y Enrique Gómez Correa, siempre bebiendo vino tinto cuando llegaba a la escena el Pato Zárate que siempre me hacía reír. Ya no recuerdo por qué, pero la mayoría de mis amigos nunca traicionaron sus sueños. Nosotros al menos no.

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TINDER: TI NDER: Girls just wanna have fun?

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Por Tere Cruz 71

Va a ser Navidad, una época sen- del papel. Actualmente no vivo en sible, alegre y nostálgica a la vez, y un periodo de consumismo innegable. Para mí nunca ha tenido mucho sentido hacer regalos en Navidad, aunque - como a todos - puede ponerme feliz recibir un regalo. Ojalá sí tuvieran un sentido trascendental, como los que presentan los Reyes Magos en el pesebre: el oro como reconocimiento de realeza, el incienso en representación de la divinidad y la mirra como símbolo de protección o cuidado. Los Reyes Magos que representan sabiduría fueron desplazados por la figura desacralizada y sarcástica del Viejo Pascuero, un viejo gordo con barba blanca, que ríe algo ridículo y que en tamaño seguro reemplaza a tres.

Cuando hago memoria de mis Navidades, más que recordar los regalos – que en general eran compartidos, ya que éramos 6 hermanos, lo que hoy me parece genial porque me enseñaron la importancia de compartir -, se me viene a la memoria la inagotable cantidad de catálogos que llegaban a la casa, con los cuales me entretenía, no necesariamente para escoger algo, sino para recortarlos y usarlos para hacer manualidades y collages. Pero llegaban a un punto en el que intimidaban, pues a pesar de ser menor, presentía que nos estaban contaminando y sabía que se estaba abusando tanto de la impresión como del uso indiscriminado

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familia ni con adultos mayores, así que no me llegan diarios, por lo que desconozco el volumen de los catálogos, pero lo último que recuerdo hace algunos años, es que las tiendas Paris pretendía eliminarlos de su marca y estaban lanzando catálogos digitales. Ni idea si esa iniciativa continúa y si realmente dejaron de enviarlos a las casas, pero me pareció un excelente ejemplo. Hoy hay otro tipo de catálogo que anda circulando y que también me asusta un poco: la aplicación de Tinder.

No puedo negar que me genera curiosidad cómo sería tener un perfil y qué tipo de personas me aparecerían en relación a mis gustos e intereses, pero a la vez no puedo dejar de pensar que la sociedad (de consumo) ha llegado al punto de hacer de las personas un catálogo, como un supermercado de gente en línea. Lo más loco es que las mismas personas se prestan para el espectáculo. Si me voy a un extremo, puedo imaginar a seres maquiavélicos del mercado negro, generando venta y tráfico ilegal de personas, lo que lamentablemente ocurre, aunque casi nadie hable o escriba de eso y está claro el por qué (algunas veces se hace mención en películas). Obviamente, no todo puede ser malo; hay gente que no tiene tiempo ni medios para conocer personas nuevas ni conocen a muchas personas para seleccionar con quiénes quieren

interactuar. Por otro lado, genera un ilusorio empoderamiento entre nosotras las mujeres, por la razón de que ya no tenemos que estar comprometidas, ya que gracias a Tinder se ganó el permiso social para salir con varios hombres a la vez, lo que en otra época hacerlo era de una suelta o perra en palabras de mi generación - recuerdo me sentía obligada a pololear cuando quería continuar saliendo con alguien, aunque no estuviese enamorada, con tal de no recibir tal etiqueta -. Parece que hoy las mujeres como nunca queremos pasarlo bien, al igual que los hombres, pero temo que volviéndonos muy feministas nos volvamos iguales a ellos en su versión no equilibrada; quiero decir, la idea es tener igualdad de condiciones, no que nos volvamos seres individualistas, enfocadas solo en el placer, ególatras y manipuladoras e incluso “vendidas”.

Tengo que confesar que por más curiosidad que me genere ese mundo, jamás he descargado la app, pues me carga la idea de exponerme, donde pueden escoger a través de detalles, fotografías y descripciones - si valgo la pena o no. De hecho escribiendo recuerdo a mi papá que como sociólogo despotricaba contra la tecnología o los medios de comunicación, porque insistía en que tarde o temprano el exceso de información nos relativizaría los valores éticos y estéticos, llegando a adormecer

o atontar nuestras neuronas; que es justamente lo que se logra con esta app, pues nos hacen creer que las mujeres somos libres de actuar y escoger, pero nos siguen poniendo en posición de trofeo u objeto como mercancía (e incluso ahora a los hombres). No quiero verme dominada algún día por la ansiedad, no sabiendo manejar la soledad y creyendo cada cosa que veo. No hay que confiarse en lo que muestran las personas al momento de querer atraer, porque está claro que no sólo se puede conseguir un match, sino también verse expuesta a engaños como podría ser el comunicarse con una identidad o un perfil falso.

Creo las mujeres no debiéramos andar teniendo que reafirmar nuestro valor con halagos superficiales ni con aceptación social.

No tenemos que dejarnos confundir por el capitalismo, no tenemos que caer en la cosificación del ser humano ni en la obstinación por el exitismo. Con esto no quiero parecer vieja, pero me parece necesario detenerse a pensar, poniendo en juicio si corresponde que nos estemos clasificando como personas, exhibiéndonos y forzando a conocernos. No nos dejemos engañar: nos quieren hacer creer que somos libres para escoger, cuando en realidad nos están creando necesidades artificiales y normalizando el control de nuestra vida privada. Pasémoslo bien, pero cuidémonos de paso.

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Gran parte de mi vida adolecente a esta vértebra de la ciudad con su transcurrió en esta plaza o cercana a ella. Deambulaba por ahí con distintos personajes disfrutando del espacio público que se abría después de la dictadura. Todo el sector de la Plaza Baquedano, el Parque Forestal, Bustamante, el barrio Lastarria, etc. se convirtieron en lugares centrales de la vida de la ciudad, siempre abiertos, siempre en ebullición. A pesar de ser un cuasi nativo de estos territorios nunca pase el año nuevo ahí; sin embargo, el 2019 estuve en Plaza Dignidad y fue una experiencia variopinta, que tuvo de todo en solo un lapsus de algunas horas: una mezcla de fiesta y protesta, un rito casi pagano, repleto de gente en múltiples escenarios donde ocurrieron desde enfrentamiento con carabineros hasta cotillón, champagne, homenajes, música, asados, abrazos, más música y mucha alegría ( la que no llegó antes).

Tal vez sea necesario comentar que la historia de esta plaza se remonta a 1872 cuando Benjamín Vicuña Mackenna - el intendente de Santiago de aquella época - muy influido por las corrientes modernizadoras de las ciudades europeas, decide modernizar Santiago. Dentro de ese proyecto, lo más notable fue la remodelación del Cerro Santa Lucía. También realiza la canalización del río Mapocho y además, construye el Camino de Cintura, una rotonda que buscó dividir la ciudad en sectores, segregando el territorio para controlar a la ciudadanía. Como “homenaje” de esta “obra”, se bautiza

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nombre: Avenida Vicuña Mackenna. Básicamente, remodela muy afrancesadamente este perímetro de la ciudad marginando a las poblaciones más pobres de la misma.

Los primeros nombre que recibió Plaza Dignidad fueron La Serena, luego y conmemorando los 400 años de la llegada de los europeos, en 1892 fue llamada Plaza Colón, más tarde en 1910, con motivo de la celebración del centenario de la República, la colonia italiana le regala a nuestro país una escultura llamada “Monumento al Genio de la Libertad” (el ángel y el león) y se instaló en medio de esta plaza del camino de cintura. De ahí el nombre de Plaza Italia..

Paradójicamente años después, en 1928, la estatua del ángel y el león fue movida a un lugar cercano debido a que se instaló en el centro de la plaza una gran escultura ecuestre del General Baquedano -comandante en jefe del ejército en la Guerra del Pacifico- el mismo que llegó a Lima y también gobernó provisoriamente luego de la Guerra Civil de 1891, cuando Balmaceda se refugia y posteriormente se suicida. Existe también cerca de Plaza Dignidad una escultura de este héroe suicia ( debo agregar que a metros de esta, estaba el museo de Tajamares, donde se encuentran parte de los tajamares que canalizaron el río Mapocho, a principios del 2020, este museo fue sepultado por orden de la municipalidad ) .

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La escultura desplazada, el monumento al Genio de la Libertad del escultor italo argentino Roberto Negri, estuvo en un estado nómade por un período de más de 90 años, hasta que finalmente regresó a la Plaza Baquedano, pero no al centro, como en su origen, sino a un costado. Esta ubicación le otorgó una hegemonía y protagonismo a la figura de Baquedano, la que desplazó literalmente a La Libertad, en un golpe estratégico, en una clara muestra de la corrosiva influencia de la oligarquía chilena que hasta hoy en día, no pretende ceder este espacio simbólico, fuertemente disputado por las fuerzas hegemónicas y las alternas.

La escultura de Baquedano fue realizada por el afamado escultor Virginio Arias, de estilo Neoclásico del siglo XIX, engrandece al personaje que “pacificó” la araucanía y luego peleó con Perú y Bolivia, ¿para quienes?

Todos lo sabemos, para resguardar los intereses económicos de los ingleses y de los dueños de la minería. Asimismo, La rotonda de Benjamín Vicuña Mackenna fue diseñada con el fin de segregar y esa connotación el poder oficial la entiende, la defiende y por consiguiente la perpetua.

Cada vez que escarbamos más en la historia que se esconde y la historia que cuentan estas esculturas, hallamos la toda la trama histórica del poder y en

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un ejemplo claro de esto encontrar cómo el monumento al Genio de la Libertad vagó por Santiago a causa de la decisión de instalar a un militar en su lugar, a un personaje que básicamente fue uno de los más grandes blanqueadores de la raza, representante fiel de los valores del conservadurismo, que aún aulla por perpetuar esta hegemonía simbólica, en contraste con Balmaceda, quien justamente pierde contra la oligarquía la posibilidad de una mejor distribución de las riquezas generadas por la minería.

La instalación de una figura de un militar genocida, tensiona y mantiene viva la pugna simbólica por este territorio. Muy a pesar de los actos y discursos que emergieron con la Revuelta de octubre, que persiguen el sueño de construir una nueva chilenidad, en participación con el otro, con lo ancestral y humanizante. En este sentido, la caída de monumentos y estatuas es un tema dinámico y absolutamente vigente. El enfrentamiento simbólico, representado tanto por el patrimonio artístico escultórico como por el territorio de Plaza Dignidad, nos muestra un retrato fiel de nuestro país, en definitiva, deja en evidencia la calidad de “Capitanía General” que nuestro país ostenta.

Otro aspecto relevante y con una gran carga semántica es el hecho de que en el diseño original de la escultura de Baquedano se contemplaron dos esculturas bajo el plinto: un soldado y una mucha-

za esa visión del “patrimonio” que muy por el contrario, sueña con instalar al perro Matapacos en el centro de la Dignidad. Esta disputa sigue viva y no sabemos cuál será su fin. La plaza sigue sitiada por uniformados de verde, pero el pueblo persiste en recuperarla e instalar en su corazón a sus verdaderos héroes. Claramente nunca olvidaremos la imagen de la estatua de Baquedano pintada de rojo furioso, esa imagen quedará por siempre grabada en nuestro “consciente colectivo”.

cha, ambas de características neoclásicas, muy realistas, con sobre relieves con imágenes sobre la batalla de Chorrillos. También existía una placa a los pies del General, donde yace el Soldado Desconocido, un héroe anónimo de la Guerra del pacífico encontrado en 1900.

Luego de su hallazgo, en 1931 se realizó una ceremonia donde se instaló la tumba de este soldado bajo los pies de Baquedano y desde ahí se comienza a conmemorar el día del veterano.

La ironía de la situación resulta hilarante ya que la pretensión faraónica de nuestra vulgar aristocracia de mantener incólume la estatua de Baquedano en un lugar diseñado para el control social y urbano, ha sido múltiples veces alterada por una ciudadanía que no legitima a estos héroes, que no sacrali-

De ese año nuevo hasta hoy, ya casi va un año y todo indica que la situación va a ser muy similar en intensidad. Quedan multiplicándose en mi cabeza muchas preguntas sobre el monumento, la representación, el patrimonio, el poder y el arte como catalizador de todo un proceso social que logra vaciar las esculturas del relato histórico oficial, logra invertir la situación de dominación de un espacio como el de la plaza por parte de este personaje solitario a caballo, para hacer de este pedestal el soporte de todos los que por 200 años no están en las esculturas ni en los monumentos, los que no se ven, los patipelados, los de a pie, los rotos, el perraje, esos sin nombre, esos miles de desconocidos; como el mismo soldado que siempre estuvo ahí a los pies de la escultura, en cada protesta, en cada foto, en medio de la gente, celebrando también la caída de los generales.

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Galer

Oculus

Esta sección de la revista PERRO art Magazine está conceptuada como una galería virtual en donde exhibimos las obras de diferentes artistas.

En esta ocasión tenemos una exposición doble.

Unas impactantes fotografías que presentan estudios de las luces urbanas, de Paulo Aliaga, y un interesante trabajo pictórico, de César Tasso.

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Paulo Aliaga: Pinto con luz utilizando la cámara, absorbiendo los colores contenidos en la luz, modulando con el diafragma y el obturador. Así conscientemente rediseño paisajes lumínicos fantásticos que nos permiten estructurar pensamientos e ideas de ficción.

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• Proyecto: (Re)emoción de escombros Chile y su paisaje urbano, en su historia reciente, ha sido objeto de diversos movimientos que han redibujado su fisonomía geográfica, social y política. Mediante terremotos, demoliciones para reubicar a la población producto del desplazamiento y crecimiento demográfico, síntoma de un devorador neo liberalismo en el que, el país “ que ha asumido el paradigma de lo privado en detrimento de lo público , de lo comunitario a lo individual, de lo nuclear a la dispersión” ha constituido una reconfiguración del plano urbano, sumado a esto también las diversas reivindicaciones sociales que han sido materializadas en marchas y protestas que han concluido en batallas desiguales donde la población civil ha utilizado lo que tiene a mano para enfrentarse a las fuerzas disuasivas y represivas del estado, esta cadena de sucesos han dejado como registro, residuos, vestigios y fragmentos que nos permiten recomponer los sucesos conectando mediante ellos, los movimientos desde las historias personales o colectivas.

• Descripción del proyecto El proyecto (Re)emoción de escombros se enmarca dentro de un conjunto de obras que trabajan en torno al cruce entre la memoria del territorio y el dibujo, para producir en el espectador ejercicios de recomposición El proyecto (Re)emoción de escombros trabaja desde la noción de fragmentos, ´para otorgar antecedentes visuales que permiten desarrollar en el espectador estos ejercicios re compositivos.

El proyecto (Re)emoción de escombros intenta resignificar estos antecedentes, para articular un proceso de recomposición nemónica de la historia del territorio en sus aspectos físico, social y político mediante el cruce de los diversas materialidades que componen la obra, en su condición de fragmentos a modo de tautología (fragmento de paisaje como soporte del soporte, escombro como soporte y dibujo del fragmento de un retrato como elemento soportado) (Re)emoción de escombros consiste en el registro de una serie de pequeñas intervenciones urbanas que utilizan el espacio público (la calle) como depositario del registro nemónico de la ciudad, articulando, mediante la utilización de escombros intervenidos con dibujos, la recomposición de relatos territoriales, políticos y sociales. El proyecto se materializa en una serie de 16 fotografías de fragmentos de paisajes que nos otorgan antecedentes de posibles lugares, en los cuales se han dispuesto de manera arbitraria o bien condicionada por los elementos visuales del entorno, a modo de intervención una serie de nueve escombros que soportan fragmentos de retratos dibujados en lápiz grafito. Estos dibujos tienen como referente

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archivos fotográficos, encontrados en diversos lugares y que responden a diversos archivos personales, construyendo una analogía con los escombros que son recolectados mediante el deambular por la ciudad.

(Re)emoción de escombros, pretende ubicar el plano urbano como soporte de una serie de acontecimientos que busca, como dice el titulo, re mover el archivo nemónico, tomando como referente las acciones construidas por el grupo CADA que, en su contexto, utilizo la ciudad como soporte para resignificar el sentido del arte, ampliando con esto su territorio de acción integrando a ese la experiencia y memoria de la población ajena al arte como institución.

• Cesar Tasso Valdés Nace en 1974 en Santiago de Chile, comuna de San Miguel (hoy San Joaquín), realiza estudios de arte en los talleres de pintura del instituto de arte contemporáneo (en donde es seleccionado al concurso arte en vivo del MNBA)y luego continua su proceso de aprendizaje en los talleres Monjitas 619, en paralelo colabora con el proyecto Kiltraza, en 1996 entra a la licenciatura en artes de la UMCE, participando en diversas exposiciones tanto en Santiago como en regiones, en 2004 inicia estudios de pedagogía en La U mayor desarrollando de manera paralela a la práctica pedagógica, la actividad artística, hasta el cruce entre ambas actividades en el proyecto, que inicia el año 2017, que entrelaza arte y educación llamado “Cuerpos Dóciles” junto con Rodrigo Rubilar, que se materializa en una serie de intervenciones en colegios públicos de la periferia de Santiago, trabajando de manera transversal, desde los diversos contextos de emplazamiento, las nociones de territorio, memoria y educación. entre los años 2004 y 2017 se desarrollan una serie de exposiciones que van bocetando el proceso de investigación que se enmarca en la propuesta que se articula en el proyecto presentado a esta convocatoria, entre los que cabe destacar;2003 “cuadro de honor” sala mariano picon ; UMCE, 2006 “cuerpos dóciles” sala ana cortes, facultad de artes UMCE, el 2012 en la sala Nemesio Antunez de la UMCE bajo el titulo “proyecto para la reconstrucción nacional” y en 2015 “la sub-versión” en la biblioteca pública de Santiago, así también los proyectos de intervención enmarcados en “Cuerpos Dóciles”, “la tercera estrofa” 2017 y “pena de arraigo” 2018, ambas intervenciones realizadas en el colegio Maipo de Puente alto.

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´ Oraculo y Predicciones

lokastra

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Locastra Bruja buena del norte 101

Diciembre diciembre

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AS DE BASTOS Presente próximo (Enero, Febrero, Marzo, Abril.)

Empieza el año de las oportunidades en relación con un nuevo proyecto, por lo general se trata de algo creativo,que requiere de nuestro entusiasmo y un cierto grado de originalidad.

En esta carta habitan grandes correlaciones artísticas, creativas y espirituales.

El As de Bastos, puede significar, tanto un nuevo trabajo que abrirá nuevas puertas, como la posibilidad de aprender nuevas aptitudes que ayudarán a ascender profesionalmente.

A veces también puede ser la oportunidad de viajar.

Amor: estarás lleno de las cualidades positivas de la fogosidad, como tener confianza y entusiasmo con tu pareja o, para llegar a quien te gusta.

Dinero y trabajo: Oportunidades varias, cambios de trabajo, nuevos proyectos y aventuras.

Arriésgate.

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DOS DE ESPADAS Medio (Mayo-Junio-Julio-Agosto)

•Significado: “atrapado” Te encontrarás en una parálisis mental, serás incapaz de tomar decisiones o de actuar con plena confianza. Ignoras lo que sucede a tu alrededor en un intento inútil de preservar el status.

El Dos de Espadas es el avestruz que esconde la cabeza en la arena: si ignoras los problemas puede que desaparezcan o quizás te convenzas de que en realidad no existen.

Pero una carta Dos suele implicar alternativas, y cuando aparece esta carta necesitas sobreponerte a tu miedo a toparte con algo desagradable.

•Amor: indecisión en tu vida amorosa. Termina lo que ya sabes que no funcionará y que no tiene solución.

•Dinero y trabajo: Volveremos al estancamiento, a la lentitud. Debes reponerte y tomar una actitud activa en lugar de pasiva.

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NUEVE DE OROS Futuro lejano (Septiembre, Octubre, Noviembre y Diciembre)

Esta carta nos indica que estaremos temporalmente ausentes o quizás nos encontremos disfrutando de la soledad de forma positiva, gozando de las ventajas y los beneficios de la autonomía.

Lo que has construido te dará la seguridad y satisfacción que necesitabas. No renuncies a tus metas, eso te dará prosperidad.

•Amor: tendrás tiempo para compartir con las personas que han estado a tu lado en las buenas y en las malas. Tiempo de disfrutar con quién tú desees.

•Dinero y trabajo: la posibilidad de construir una seguridad económica mucho más sólida para el futuro. El dinero y la repartición de la riqueza será un tema extremadamente importante.

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© P.E.R.R.O. MMXX

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