Después de mucho trabajo y esfuerzo por fin llega la nueva edición de Pólvora, siguiendo con las portadas de artistas nacionales tenemos a Here Comes The Kraken del Estado de Aguascaientes. En esta ocasión, no solo incluímos entrevistas y artículos exclusivos de rock, también hay un poco de cine y de comics; aunado a Los Ídolos, fotografías pensadas para esta edición. Sin más que decir, al igual que nosotros mos al hacerla para
disfruten lo hiciustedes.
DIRECTOR EDITORIAL: Andrea Quintana andrea@polvora.com.mx DIRECTOR CREATIVO: Andre Dulché andre@polvora.com.mx DISEÑO EDITORIAL: Pólvora COMERCIALIZACIÓN: Andrea Quintana andrea@polvora.com.mx CORRECCIÓN DE ESTILO: Adrián Muñoz
Rodrigo y Gabriela Dragonforce Doctor Krápula House of 1000 Corpses Los De Abajo Bersuit Coal Chamber Muerte de Superman Here Comes The Kraken QBO Súper Cumbia Futurista El Clan Sabaton Los Ídolos Frases Célebres
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COLABORADORES: Abel Montaño Adrián Muñoz Carlos Miranda Gerardo Cas�llo Josh Nebula John Visual Rocker Manuel Cas�llo Obaito Ricardo Alonso Pólvora, La Explosión del Rock, es una revista de distribución gratuita. Editor responsable Andrea Quintana Limón. La reproducción total o parcial del material publicado está estrictamente prohibida. Los editores declinan cualquier responsabilidad sobre la veracidad y legi�midad de los mensajes contenidos en los anuncios. El contenido de los ar�culos, notas, crónicas, historias y arte es responsabilidad de los autores.
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RODRIGO Y GABRIELA
EL DÚO DINÁMICO
TEXTO: ANDRE DULCHÉ FOTO: CORTESÍA EMI
Para Rodrigo Sánchez y Gabriela Quintero ser profetas en su tierra parece que no es su destino, sin embargo, en lo que respecta a Japón o Europa es diferente porque ponen el nombre de México más alto que la Torre Eiffel. Entre sus logros está la banda sonora de la cinta Pirates Of The Caribbean: On Stranger Tides (Piratas del Caribe 4) y Puss In Boots (Gato con Botas) así como su versión de “Oogie Boogie’s Song” en el homenaje a Nightmare Before Christmas, de Tim Burton; además de que en sus discos de estudio cuentan con el apoyo de John Tempesta de Testament, en la batería, las diversas colaboraciones con Rob Trujillo (Metallica) y Death Angel, así como grandes músicos cubanos. Su origen musical viene del metal; es por eso el tipo de invitados en vivo o estudio y también de ahí radica su pasión por la guitarra. Su estilo de tocar las seis cuerdas es único y eso queda plasmado en cualquiera de sus materiales discográficos Foc, re-Foc, Rodrigo y Gabriela, 11:11 o el más reciente, Area 52.
Qué aprendieron de trabajar con músicos Fue a través de Alex Wilson que lo conocimos cuando vivíamos en Europa y tenía un disco cubanos en Area 52? Aprendimos mucho, a pesar de que teníamos un momento en la carrera de descanso, fue un proyecto que improvisamos un poco y fue una excusa para ir a Cuba, siempre habíamos querido pero no podíamos y qué mejor que con este proyecto que nos inventamos. Los músicos cubanos tienen esa lectura a otra música. Cuando llegamos lo primero que les dijimos fue que queríamos romper sus bases porque nosotros no tenemos bases musicales académicas, son muy abiertos y experimentaron con nosotros.
Se les quedó material en el �ntero? Sí, un poco. Casi no teníamos tiempo porque teníamos que empezar la gira, de alguna forma ya estamos más allá de la mitad del proyecto y para noviembre tenemos que trabajar en el nuevo disco ya como dúo.
Cómo fue la elección de músicos?
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llamado Anglo Cubano, pensamos que era un cubano que vivía en Inglaterra y resulta que no era cubano! Se nos ocurrió invitarlo y hacer proyectos, ya que el conocía a los músicos de alguna forma. La mayoría tocan en la orquesta llamada Los Bam Bam. Todos los que invitamos como músicos son amigos, no hay intervención de las disqueras, los hemos conocido a lo largo de al menos seis años, ya habíamos tocado con ellos en vivo y existe cierta conexión.
Cuánto se improvisó en el estudio? Fue improvisado en el sentido de que no sabíamos qué alcances tendría el proyecto, pensábamos que teníamos que trabajar con nuevas versiones de piezas grabadas. Cuando Alex Wilson llegó con los arreglos nos dimos cuenta que podíamos romper las estructuras originales y reinventarlas.
Ya en el estudio y tocar con los cubanos te hace volar, crecer, entender que puedes hablar distinto con ellos. Después de quince días en La Habana, viajamos a México y París, entonces se nos ocurrió invitar más músicos.
puso en contacto y lo conocimos backstage. A partir de ahí tuvimos buena relación de amigos y nos invitó al disco e hicimos “Claws In So Deep”.
Volverán a hacer otro soundtrack? Cómo fue tener a John Tempesta (White Estamos abiertos, es divertido, Zombie y Testament)? Invitamos a John Tempesta que viene del mundo del metal como nosotros. Lo conocimos con White Zombie y es donde más nos gusta, para estas canciones él se acopló a nosotros dentro de su estilo metalero.
mucho trabajo, creo que El Gato con Botas fue más simpática que la de Piratas del Caribe. No es un trabajo que se aparezca todos los días pero sí queremos hacer más.
Existen diferencias entre el público?
Previo a este disco, cómo fue trabajar en Nos da igual cada vez que tocamos, no importa dónde, es lo mismo. Es una fiesta para todos, Relentless Retribu�on? Hemos conocido muchos músicos a través de este proceso, desde que salió el primer disco y gracias a la aceptación de Metallica, hizo que fuera algo muy sonado en el heavy metal; empezaron a venir a nuestros conciertos y así conocimos a Rob Cavestany de Death Angel, se
no solo para nosotros, un concierto se trata de pasar un momento agradable. Hay público más expresivo como en Japón o en Australia que en Europa, venir a México es donde encontramos la gente más cálida pero te sorprendería cómo reaccionan los japoneses.
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D�GONFORCE EL AÑO DEL D�GÓN
TEXTO: ANDREA QUINTANA
Todos sabemos que en la civilización china nos encontramos transcurriendo el año bajo el manto del dragón; tal vez esto es más significativo para la banda híbrida de Dragonforce, conformada por músicos de varias nacionalidades. Una de las cabezas de esta banda inglesa de power metal es el guitarrista Herman Li; él sabe que aunque significa buena suerte para millones de chinos, para Dragonforce es bastante significativo ya que “no habíamos hecho un material nuevo en cuatro años y parece que todo está saliendo bien, el álbum tiene muy buenas reseñas más que cualquier otro álbum con un nuevo cantante, así que es un nuevo capítulo para la banda”, refiriéndose a la llegada del vocalista británico Marc Hudson. Recordando que su primera guitarra se la obsequiaron sus padres a los 16 años, que puede tocar un slide con la lengua, que prefiere las guitarras de seis cuerdas por tener las manos chicas y que admira a sus colegas Steve Vai, Joe Satriani y Tony Macalpine, este guitarrista nos cuenta todo acerca del nuevo material The Power Within y de Dragonforce.
Cuál ha sido la evolución de Dragonforce desde su primer material? La evolución de la banda es siempre tratar de ser mejores, creo que si no pensáramos en mejorar o evolucionar ya hubiéramos sido rebasados por otros músicos; es por eso que ahorita contamos con la mejor alineación.
Cómo fue hacer la canción más rápida del mundo? No creo que sea la canción más rápida, “Fallen World” es la canción más rápida la cual se encuentra en el nuevo álbum The Power Within; es solo un balance que tuvimos que hacer porque hay canciones más lentas. Estoy seguro que hay bandas de metal que tocan más rápido que eso, pero adivino que en términos de metal melódico y en el estilo que hacemos, creo que sí es la más rápida.
Cómo se ha adaptado Mark Hudson a la banda? La razón por la cual nos tardamos tanto en sacar este álbum y hacer un tour, fue porque queríamos integrar a Mark a la banda; no solo hacer un álbum sino que también hicimos unos shows como el de Iron Maiden en Inglaterra, para que estuviera totalmente listo para tocar con la banda .
Cuál fue el proceso para crear The Power Within? Actualmente somos más orgánicos, durante la grabación de este disco tuvimos la oportunidad de compartir las canciones y tocarlas juntos, esto nos dio una energía diferente. Musicalmente es más versátil, tenemos algunas canciones acústicas y canciones en mid tempo que hace algún tiempo no hubiéramos hecho.
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Cuál es la relación entre tú y tu guitarra? No es como si no tuviera vida, pero pienso que como músico pasas por etapas en que amas u odias tocar algo. Pero, a la hora de componer, no es suficiente enfocarse solo en la guitarra, porque te vuelves en alguien con una sola dimensión; creo que los músicos deben de aprender a enfocarse en todos los instrumentos y conectarlos entre sí. Paso mucho tiempo lejos de la guitarra grabando, produciendo, tratando de hacer mejor el show para cuando los fans vayan a verlo.
Muchos los conocieron por Guitar Hero, creen que afecta su imagen? Creo que es una buena forma de promoverse por el éxito del juego, aunque nos volvimos un poco una banda de guitar hero. Actualmente la gente sabe que somos Dragonforce y no solo parte de un juego. Es bueno para que las nuevas generaciones se adentren al metal, porque siempre había escuchado a gente quejarse de que la gente joven sólo escuchaba pop y no metal o rock, así que hemos traído a las nuevas generaciones a estos géneros.
Cómo defines tu manera de tocar la guitarra? Cuál es la diferencia entre el sonido en vivo y el disco? Creo que hay dos formas de tocar la guitarra, la correcta e incorrecta y necesitas aprender las dos formas. La correcta es sentarte, tomar la guitarra en el ángulo ideal, afinar bien las cuerdas, y comenzar a tocar. Cuando tocas en un concierto de rock, haces todo lo que los maestros nunca te enseñaron; así que me aprendo perfectamente las canciones, me paro y pongo la guitarra en el aire.
Siempre usamos los mismos instrumentos para grabar que en vivo, porque no tendría caso que invirtiéramos mucho tiempo en hacer que sonara perfecto en estudio o en vivo si no es lo mismo en la otra manera. ¿Cuál es el punto? No tiene caso.
“Si tocas solos de guitarra de más de 3 minutos, los otros miembros de la banda se van a aburrir.”
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“Nosotros somos hijos de los Aterciopelados, para nosotros es lo más grande en música que ha dado nuestro país.”
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DOCTOR KRÁPULA LEVANTANDO LA VOZ
TEXTO: ANDREA QUINTANA
La principal consigna de Doctor Krápula es luchar con todo el corazón contra todas las injusticias que azotan a nuestro planeta; por eso esta banda colombiana tiene como misión hacer música que “siembre la semilla de la conciencia en la gente”. Con tantas bandas prefabricadas, tanto musical como líricamente, para Mario Muñoz, vocalista; es imposible “concebir una que no esté comprometida con algo. Nuestra música es para gritar lo que pasa, para amplificar, enlazar y tejer puentes”. Estos cafetaleros retoman en nuestro país el estandarte dejado por Aterciopelados, porque “ningún otro colombiano había venido a tocar a México a hacer rock, hubo una brecha y una ruptura de unos diez años en que nada (mexicano) estaba yendo a Colombia y viceversa”, para poder crear un flujo musical entre los dos países. Desde la primera vez que pisaron nuestro país, en un concierto “en la UAM en un auditorio sin sonido y con cinco personas”, Doctor Krápula ha trabajado bastante los últimos tres años para poder pisar los escenarios más importantes como el de Vive Latino, Wirikuta Fest o compartiendo con Ska-P y Auténticos Decadentes. Lo que les deja como moraleja es que “recordando cómo fue el primer concierto, te hace pensar que hacer esto de la música vale la pena”. Para cambiar al mundo, hay que limpiar la casa. A través de cinco materiales de estudio, estos músicos han creado una temática alrededor de ellos. “Desde que hicimos el primer álbum queríamos que el disco transmitiera una idea. El Carnaval de la Apatía, es la fiesta de un país que no cree pero que está de fiesta. Cada concepto de un nuevo disco era el lado B del antecesor, el Ya Bombea fue como la consolidación de un fuego o revolución; después Sagrado Corazón activación o revolución; Corazón Bombea Vivo es nuestra consigna de lucha y Vive El planeta es el discurso, las bases del movimiento”. Acerca de su más reciente material, Vive El Planeta, el bajista David Jaramillo no cree en las profecías mayas, “en 2012 el planeta no se va a acabar como la gente piensa, nosotros pensamos todo lo contrario, es el tiempo de reempezar, desaprender y empezar a construir otra vez, es un cambio de era”. Así que el verdadero reto es “que los padres jóvenes que están empezando la vida y van a ser padres pronto hagan el click de la conciencia y reflexionen lo que está pasando en el planeta para que sus hijos desde que nazcan lleguen con otra sintonía, pensando en ideas de cosas renovables, cero desechos, reducir los consumos, etc”. En un mundo donde parece que la balanza se encuentra a favor del poder, el odio y el mal, la fuerza del amor nos alienta a “dejar atrás lo que está mal y luchar con el alma por buscar el amor a todo, la verdad, la justicia, los animales”, ya que aunque todo se vea negro, siempre existe la esperanza de que “como crecen las ideas malas también crecen las buenas ideas”.
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“Por alguna razón, las películas de horror, son para una buena cita” Rob Zombie
Aunque House of 1000 Corpses se basa en la desafortunada experiencia de cuatro jóvenes al caer en manos de una familia de sociópatas y psicópatas, el guión es excelente; TEXTO: JOSH NEBULA la ambientación va desde la típica casa en las afueras de la ciudad, hasta ver parte de anuncios La creatividad y los gustos personales de películas de culto dentro del terror. afloran en esta cinta escrita y dirigida por Rob Zombie. La música es de Rob Zombie con temas como “Pussy Liquor”, así como el tema que da título Este filme nos sitúa en el Halloween de al filme. Para cerrar con broche de oro, las 1977, donde llena de mucha información a actuaciones como en muchos de sus videos todos los cinéfilos de corazón; empieza con están protagonizadas por Sherri Moon Zombie, una remembranza en un pequeño corte en Sid Haig, Karen Black y Bill Moseley. blanco y negro recordando los programas de televisión en esos tiempos, luego El dvd contiene menú y submenú de muy buen hace alusiones a los temores básicos por gusto; las características especiales clásicas, parte de la sociedad, enfocado más hacia además de las escondidas (Eastern Eggs) son Estados Unidos, pero el viaje va desde los muy recomendables para entender un poco más asesinos seriales como Ed Gein, Albert Fish la creatividad de Zombie. hasta la fantasía gore con la introducción de Dr. Satan, aunque a veces filosófica y Esto es una muestra de este trabajo demoniaco enferma con los discursos de Otis sobre la para disfrutar y más aquellos a quienes no le decadencia de la sociedad y las referencias gustan los finales felices. Una obra de arte para el cine de terror y de rock. de Charles Manson.
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Este disco fue innovador en todos los sentidos, lejos de ser un acoplado más que hiciera historia como la hecha en su momento por Skuelas de Baile, este fue un disco con un vaivén de invitados como Salvador Moreno de La Castañeda; Julieta Venegas; Dr. Shenka, de Panteon Rococó; Héctor ‘Chino’ Carrillo de Los Victorios; Kenny; Mastuerzo de Botellita de Jerez o Abulón de Las Víctimas del Dr. Cerebro. Con el lanzamiento de este disco la gran mayoría de la banda ‘skata’ mexicana empezó a conocer a Los de Abajo (que de forma inaudita eran más conocidos en Europa) y fue buen motivo para presentarlo oficialmente en el Vive Latino 2003.
TEXTO: OBAITO
Fue a principios de siglo, en 2003 que la banda mexicana Los de Abajo cambiaran el rumbo de lo que pasaría en el ska y rock mexicano, con un álbum icónico que reunía una constelación de estrellas.
Como todo gran disco, no pueden faltar los datos curiosos, como el hecho de que el vocalista de ese entonces, de la banda Liber Terán, solo interpreta el tema titulado "Al Final". En palabras de Yocu, el baterista, "es un disco que muchas bandas empezaron a imitar porque antes no se hacían este tipo de cosas como crear canciones e invitar a los amigos y conocidos, tuvieran o no que ver con el ska. Latin Ska Force, para Los de Abajo ha sido un orgullo haberlo hecho, es un material en equipo porque siempre vale la pena hacer las cosas así, desde nuestra forma de ver así se hacen las cosas más fuertes; al hacerlo en colectivo lo hicimos con fuerza y corazón". Después de varios cambios y casi con una década de formados, preparan una secuela que seguirá la misma fórmula, puros invitados pero ninguno que haya trabajado con ellos en forma, como el caso de Jessy Bulbo; Javi, de Inspector; Ely Guerra; Roco Pachukote y Stephanie Salas.
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BERSUIT VERGA� BAT MÚSICA SIN FRONTE�S TEXTO: RICARDO ALONSO
Su nombre es tan contagioso e indefinible como su música, la cual, luego de veinte años todavía escapa a definiciones y etiquetas. Ellos cambiaron el look de rockstars por las pijamas; mezclaron la cabellera con las cabezas rapadas con la misma facilidad con que fusionaron los ritmos latinos con el hiphop; hicieron de la censura una herramienta mercadotécnica y de la fiesta, una forma de ganarse la vida. Pasaron de los demos a los discos de platino, del garage a los estadios y de ser Henry y la Palangana a llamarse Bersuit Vergarabat. Llegan a México a finales de los noventa trayendo bajo el brazo su cuarto material discográfico, Libertinaje; producido por el “Rey Midas” del rock en español, Gustavo Santaolalla, quien catapultó en gran medida la trayectoria de bandas como Julieta Venegas, Puya, El Columpio Asesino, Juanes, Fobia y Café Tacvba, entre muchos más. Pese a todos los pronósticos, se cuelan en la radio comercial, curiosamente, con un tema tan polémico como censurado, “Señor Cobranza”, que a pesar de no ser una composición original,
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pólvora si no una bien lograda interpretación de otra agrupación argentina llamada Las Manos de Filippi, dejaba ver mucho del carácter y filosofía de la banda que desde siempre se ha dedicado a señalar los abusos del poder como uno de los principales tópicos en sus canciones. A partir de ahí, llegaron a cubrir de algún modo el hueco que empezaban a dejar sus paisanos Los Fabulosos Cadillacs y Los Pericos con sus separaciones y pausas a principio del nuevo milenio; en su natal Argentina, se convirtieron en una de las pocas agrupaciones que se han dado el lujo de llenar el estado del River Plate y fueron reconocidos con el Gardel de Oro. Pero el efecto separatista terminó por alcanzarlos en 2009 y luego de varios proyectos solistas, perdieron en definitiva a su vocalista, Gustavo Cordera, quedando congelados un par de años. Hoy en día, Daniel Suárez, Carlos Martín, Juan Subira, Oscar Righi, Pepe Cespedes, Condor Sbarbatti y Albertito Verenzuela regresan a las andadas con La Revuelta, rompiendo esquemas nuevamente al ser una de las pocas bandas que logran sobrevivir a la figura de su vocalista, que aseguran sustituirán en cada concierto con la fuerza y la mística de sus seguidores coreando sus canciones. Discografía 1992 Y Punto 1993 Asquerosa Alegría 1996 Don Leopardo 1998 Libertinaje 2000 Hijos del Culo 2002 De la cabeza con Bersuit Vergarabat 2004 La Argentinidad al Palo 2005 Testosterona 2006 Lados BV 2007 ? 2012 La Revuelta
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COAL CHAMBER
TEXTO: ANDREA QUINTANA FOTO: ANDRE DULCHÉ
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EL REGRESO DEL LOCO
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Cuando una agrupación se desintegra, generalmente lo primero que se piensa es en peleas y fricciones entre los integrantes, en el caso de Coal Chamber, sin duda lo que los separó fueron precisamente los estereotipos en que tenemos a las bandas de rock. “Creo que fue todo el cliché del rock and roll, eso nos rompió; fama, dinero, drogas, mujeres, estuvimos de gira más tiempo que los demás, años y años seguidos sin casa, por eso la canción ‘No Home’”, recuerda Dez Fafara. Coal Chamber se formó en una época en la que el nü metal imperaba y ellos, aunque hacían hard rock con tintes metaleros, se quedaron atrapados en ese género. Después de haber sido lanzados por Dino Cazares de Fear Factory, la banda californiana sacó tres materiales de estudio y repentinamente en el 2004 decidieron tomar caminos separados. Sin duda, el más prolífico fue Fafara con la creación de Devil Driver, pero siempre quedó la espina de volverse a juntar, como comenta Meegs Rascon, “después de muchos años, extrañas a las personas con las que estuviste muchos años juntos. Empiezas a pensar en las cosas malas pero más en las buenas y cuando eso pasa solo piensas en empezar de nuevo. Ya vivimos mucha mierda hace tiempo”. Es por esto que después de casi diez años, Coal Chamber regresa a los escenarios con la adición de la bajista, Rhea Harper. “Nos sentimos agradecidos también con ella porque creció escuchándonos y es demasiado profesional, no llegó diciendo: no sé esta parte o la otra; se sabía todas, supo acoplarse a los tres de forma sólida”, indica Rascon. Echando una ojeada a su discografía, Dez considera que el mejor disco para él ha sido Dark Days, “fue el momento más alto que tuvimos, estábamos en la misma sintonía a pesar de hacer un sonido diferente a lo que creamos antes. El productor que usamos para ese disco hizo su trabajo, pasó días haciendo la batería nada más, días en las voces conmigo, veinticinco gabinetes de guitarra para Meegs. Fue llevar el sonido a una evolución y eso fue importante para nosotros ya que estábamos en el filo de deshacernos y es lo bueno de hacer un disco realmente sólido. Muchas bandas se separan en un disco basura”. Tal vez por esta razón, su primer ensayo fue bastante emotivo para cada uno y suponiéndolos fuertes, poderosos y medio satánicos, es irónico que confesaran que estuvo “lleno de abrazos y lágrimas, pero así es; es tu vida”. Gracias a esta reunión, con los fans de todo el mundo hemos podido constatar la energía de esta a agrupación, porque según Dez “si quieres ver a Coal Chamber, es este el que debes ver, todos estamos en el mejor momento posible”. Estos conciertos han convencido a Dez para que la banda continúe su carrera, porque se han hecho de nuevos seguidores. “No veo ningún fan antiguo de Coal Chamber, veo de trece a 22 años, no hay muchos arriba de veinticinco en los shows. Así que para ser honestos, si hubiera pasado lo contrario solo nos hubiéramos reunido para esta gira y hubiera sido todo. Se siente bien saber que hay nuevos fans que entre tantas cosas nuevas, nos escuchan a nosotros”. Viendo a la escena que los vio nacer, Dez sabe que está más viva que nunca, “nos llevamos a Slipknot en su primera gira y verlos ahora da gusto, ver como hacen lo suyo y te hacen pensar cómo habría sido Coal Chamber o mejor dicho hacia dónde va”. La última duda para la banda es saber cuál será su siguiente paso. “Creo que lo tomaremos lentamente, tenemos que hacer lo mejor posible, la idea principal es pasarla bien, todo lo demás que vaya a pasar será porque queremos hacerlo, haciéndolo divertido”, finalizaron.
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TEXTO: CARLOS MIRANDA
Antes de que el mundo del comic se impactara con la caída del símbolo americano, el Capitán América o la del vecino favorito, Spiderman; hubo un deceso que en la década de los noventa sacudió a todo el globo terráqueo, la Muerte de Superman. Corría el año de 1993, un año crucial para los fanáticos del ‘hombre de acero’, porque en ese tiempo los comics venían de un declive en los años ochenta, el cual costó la popularidad a muchos héroes, incluido el criado en Smallville. Pero, a pesar del gran esfuerzo con la serie televisiva Lois & Clark, protagonizada por Teri Hatcher, esto no fue suficiente para levantar la imagen de Superman. Incluso pensaron en hacer la boda entre Lois y Clark en la historieta, la cual pretendía emparejar en tiempo con la serie, pero no fue posible porque Lois & Clark no salían aún al aire pero, ahí es donde realmente comienza esta historia.
Bye, Bye Superman Para llevar a cabo este evento se necesitaba una contraparte similar al hombre de Kripton para poder llevar una batalla épica y que no quedara en un simple “maté a Superman”, si no que constituyera la pelea más complicada del hombre de acero, tanto física como psicológicamente. Para esto se descartaron a los rivales de siempre como Brainiac, Darkseid o el mismo Lex Luthor, optándose por Doomsday. Doomsday fue creado específicamente para esta saga, un ser que solo busca asesinar, sin importarle nada ni nadie. Su origen (explicado después de esta obra) fue creado para ser inmortal, y que al “morir” se regeneraría evolucionando de acuerdo a la forma en que fue asesinado, por lo cual buscaría venganza cada vez que reviviera. Debido a esto fue que vagó por mucho tiempo encadenado por sus antiguos enemigos y así fue como se estrelló en la Tierra. El primer encuentro de Doomsday se dio con la Liga de la Justicia, siendo vencidos fácilmente por el monstruo, lo cual le dio más hambre de muerte y destrucción, llegando a Metrópolis, donde se llevaría a cabo la batalla entre los titanes.
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En la pelea frente al edificio del periódico Daily Planet, se encontraba Supergirl, apoyando a Kal-El; sin embargo es vencida con facilidad y por consiguiente, Superman sería la próxima víctima. Aquí es donde se aprecia la clásica escena en la que el gran héroe muere en brazos de Lois Lane, haciendo una portada icónica para DC Comics ya que no solo cayó un hombre supuestamente indestructible, considerado el más grande de todos, si no un verdadero ídolo americano. Acto seguido llegó el funeral, donde la Liga de la Justicia y algunos villanos como Lex Luthor se dan cita para venerar al hombre de la gran ‘S’. El mundo entero está en luto, dando oportunidad a que los villanos regresen a las calles, y también las personas comunes tomarán el estandarte de Superman para combatir el crimen. Fue gracias a un evento como éste, que mucha gente se acercó a los comic nuevamente, rebasando el mundo de las historietas gráficas. Muchas revistas como Times le dedicaron artículos completos, incluyendo una edición impresa del Daily Planet, con todo lo referente a la Muerte de Superman, como si se tratara un periódico real. La muerte del héroe renació su franquicia y también la de la industria, planteó una fórmula que sería utilizada varias ocasiones en el futuro.
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pólvora Hasta dónde puede llegar una banda mexicana haciendo heavy metal? Bueno la verdad todos pueden llegar hasta donde quieran, aquí la cosa es estar echándole ganas y ser constantes; tocar al principio donde sea y ahora con la ayuda de las redes sociales es más fácil; si las cosas las haces bien, tarde o temprano sobresales y te va bien.
“A nosotros nos vale madre tocar con cualquier banda extranjera. Hemos trabajado mucho y seguimos siendo los mismos” En México hay bandas que te ponen el freno y dicen “hasta aquí”. Lo han sentido?
Sí nos ha pasado pero eso no existe entre bandas, el problema son algunos organizadores o mánager que hacen las cosas a su modo y no como la banda piensa y te quieren llevar por donde ellos creen es mejor; sobre todo en el lado económico donde hay muchos intereses y envidias. Ahí está el choque. Creen que el heavy metal vuelve a abrirse paso y dejar atrás géneros como el indie?
LA BESTIA ¡VIVE! TEXTO: ANDRE DULCHÉ FOTO: JOHN VISUAL ROCKER
Una banda como HCTK ha sacrificado muchas cosas para estar en el lugar que tienen, en poco tiempo y es que, en los últimos meses, su popularidad y “Like(s)” en las redes sociales ha subido como la espuma, llegando incluso a hacer una gira por Europa. Son ellos precisamente quienes hablan de la fórmula para lograrlo y otros temas acerca de la escena en México, como ellos la visualizan.
Ojalá. No, realmente el metal ahí está, lo que falta es que las bandas sean buenas y suenen bien. Por ejemplo viene Metallica y llena ocho fechas en el Palacio de los Deportes, entonces sí hay público para el metal. Hay gente que gusta del género pero si no van a los shows es por la falta de bandas, no hace falta que suba el género sino las bandas. La mentalidad en México ni siquiera es sonar bien, esa no es su meta. Se sienten rezagados ante otras escenas como la europea o la americana?
No. En cuanto apoyo sí hace falta pero también depende de la situación de cada país. En Europa conocimos a algunas bandas
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pólvora donde el propio gobierno de su país los apoya. Uno tiene que estarle buscando y sacar opciones para que te vayan conociendo y ahí es cuando la gente te empieza a apoyar. Te das cuenta desde las presentaciones, las últimas se han llenado y la aceptación cada vez es más grande pero es que tenemos constancia y nos ha costado lograrlo. En Europa es igual. Cómo se dio la transición del primer material hasta ahora?
Empezamos tocando influenciados por las bandas de la época del 2005 hasta ahora y pues de las que más nos tocaron fueron las de brutal death técnico y luego nos hicimos algo más pesados para dar un paso adelante; en el EP “Omen” se nota pero no nos entendieron mucho el estilo y después tuvimos más influencia de bandas como Slipknot, pero no fue un cambio radical, solo le dimos un toque distinto para mejorar y sonar un poco diferente y con la mentalidad de tocar cada vez mejor.
De hecho el nuevo disco lo hicimos sin TTS metido en las voces. Pensamos solo en la música y al último en las letras. Nos dimos cuenta que los temas que quedaron es porque iban de acuerdo al sonido de la música. Para definir el disco, el tema “Never Regret”, que fue el primer video y luego “New Begining”, son con los que incluso notas los cambios que tienen las canciones o la música, se les nota el estilo rápido y fuerte. Ahí se ve la nueva propuesta de la banda que va enfocada en sí al odio, la avaricia y la muerte.
Todos esos temas los vemos reflejados en nuestro país. Al salir de México te das cuenta que en cada lugar es muy diferente. Ahora con tanta inseguridad te das cuenta cómo la gente ahora es muy grosera y solo piensa en dinero, en otros lugares es lo contrario y al salir vas cambiando totalmente. Por qué redujeron el número de integrantes y cómo fue el regreso de TTS?
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Fue una etapa en la que quisimos darle un sonido diferente incluso con un Dj, pero nos dimos cuenta que era mejor estar así.
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La intención era sonar lo más natural posible como en el disco, entonces por eso mejor hacemos las cosas con lo que se puede presentar en vivo. Porque a veces es muy molesto que escuches un disco y tenga elementos que en un show no se noten porque no pertenecen al grupo en sí. En cuanto a TTS fue por proyectos personales. La banda empezó a crecer y ya no podía estar ahí y el retirarse fue para culminar lo personal. Si se daba un regreso bien y si no también y aquí está ahora. Todos sabíamos que el regreso se daría de forma natural, todo se acomodó solo. Comenzamos ensayando con “New Begining”.
“La mentalidad de México ni siquiera es sonar bien, esa no es su meta”
La parte visual ha sido básica. Quién tuvo la idea de lanzar esta forma de marketing? No fue de ocurrencia, fue la necesidad de hacerlo. Un ingreso económico ha sido el merchandising y de ahí comemos todos. Así crece la banda y así producimos cosas para ella misma para hacerlo más profesional. Las cosas hay que hacerlas lo mejor posible. El diseño (de la mercancía) nunca es como te imaginas pero siempre nos ha gustado. El diseñador no tiene en mente lo que todos queremos. El hace su trabajo y sí nos gusta. Es un buen método para hacer las cosas, dejarlo trabajar. El próximo año, a principios de 2013, sale a la venta el nuevo material de Here Comes The Kraken, una banda que lo tiene todo preparado para llegar al gusto del más alejado de la escena del metal.
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LOS DEMONIOS DE...
QBO
TEXTO: ANDREA QUINTANA
“Nosotros siempre quisimos ser una banda entre Deftones, Bush y Goo Goo Dolls.” 22
A lo largo de la historia musical, han existido géneros que marcan a generaciones enteras pero que terminan siendo olvidadas. Sin duda alguna, el nü metal estuvo condenado casi a la extinción sino hubiera sido por la estafeta heredada a bandas como Linkin Park o Papa Roach. En México, QBO era de los pocos grupos que decidieron tomar el tormentoso camino nümetalero; quienes con su álbum homónimo fueron lanzados a nivel nacional por una disquera de gran importancia. “En el segundo disco bajó este impulso porque cambiaron muchas personas en la disquera y los que entraban no sabían ni qué pasaba ni quién era QBO ni quién nos había firmado”, indican sus integrantes. Aún con esta traba, el trío conformado por Tonio Ruiz en la voz, Maxz Rob en el bajo y Tarro en la batería, aseguran que el salirse de esta disquera fue como “agarrar la batuta de tu carrera y buscar los medios que tuvieras en ese momento para poder sacar tu disco”. Esa misma necesidad fue la que los obligó a crear su propio sello y esta nueva etapa es un verdadero reto para ellos; “es muy interesante porque hemos tenido que recoger los platos rotos por no haber hecho las cosas bien desde un principio. Nos hemos enfocado desde hace año y medio a tratar de rellenar esos huecos que las bandas deben de hacer como tocar por todos lados, integrarse con la gente y la cuestión de las relaciones públicas”. El Ángel Caído. La evolución de la banda definitivamente se encuentra basada en el sonido y la fuerza de aquel material que salió unos meses después de su formación en el 2003. “Hay una diferencia marcada, una evolución natural en cada disco, a fin de cuentas el primero salió a unos meses de habernos formado y el irnos conociendo y la experiencia va alimentando el sonido”. Actualmente, QBO resucita con un nuevo material con reminiscencias demoniacas, El Ángel Caído. Pero, el verdadero concepto de este material se encuentra más clavado en la espiritualidad que en lo religioso o satánico, “es más espiritual en el concepto de la lucha personal, la simbología para nosotros es el guerrero que lucha demasiado, da todo y cae la última gota de sangre aunque lamentablemente no logra su objetivo, pero nunca renuncia a él, al final sigue luchando”. Este renacimiento espiritual se da como el ave fénix, en donde las cenizas representan los conflictos o problemas que el ser humano tiene que superar para poder seguir viviendo y sobreponerse a las adversidades; “las canciones están hechas en un momento personal difícil, no de la banda, pero sí de nuestras vidas”. Por si fuera poco, fue difícil convencer a la gente de que solo nos quedamos sin disquera, no que habíamos desparecido”, añaden. Así que definitivamente “es el reflejo de la banda en todos los aspectos, en el transcurso musical de QBO para no quedarnos atascados en un sonido. Tiene un balance de lo anterior y tiene un reflejo de lo que oímos hoy, estando al día. La onda indie y esa moda tranquila no nos mueve, así que es difícil que hagamos algo así”. Entre las canciones que podrían ejemplificar mejor esta nueva etapa de la banda es dependiendo del estado de ánimo de cada uno, “hay momentos de catarsis en los que canciones depresivas como “Ángel Caído” con su coro ‘otra vez es por ti que olvidaré el día que morí como un ángel caído’ te llega. También podría ser “Ámbar”, ya que habla de que solo hay una vida y no se tiene que desperdiciar”. La verdadera prueba de fuego para estos ángeles caídos fue precisamente el Vive Latino, en la Carpa Intolerante ya que “teníamos a la reunión de Illya Kuryaki en el escenario principal y no esperábamos mucha gente. La sorpresa fue ver la Carpa llena, rompimos récord de asistencia del escenario”.
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Y con ustedes...
LA SUPERCUMBIA FUTURISTA
TEXTO: ANDRÉ DULCHÉ
Hace años la cumbia consistía en un mayor uso de metales, además de un sonido orgánico con letras que iban del amor y despecho a la ironía y picardía, recordamos temas como “El Cu Cu” o “La Pollera Colorá” que llenaban de alegría las fiestas y conciertos populares. Desde hace no muchos años, Celso Piña empezó a introducir la cumbia con músicos de otros géneros como El Gran Silencio, Pato Machete y Blanquito Man y ese sonido poco a poco ha ido evolucionando a una nueva generación de incendia pistas. Bandas como Agrupación Cariño, Sonido Gallo Negro, Sonido San Francisco, Sonido Changorama o Afrodita son solo parte de lo que se está creando en algunos sectores del país, que ha quedado plasmado en las pistas de baile, sus discos por separado y el acoplado Cañonazo Electrocumbiero. Hace años vimos cómo vivió con fuerza la generación Culebra y años después la llamada Avanzada Regia, desde esos años no ocurría algo así, como comenta Sebastián Cárdenas de Sonido San Francisco, ”una escena que genera una identidad no se ha visto en años, síntesis precisa que incluye algunos de los momentos musicales más importantes de la nueva ola tropical llamada electro cumbia o cumbia con sintetizador”. Exponentes de esta nueva ola llena de sabor y baile denominada como La Súper Cumbia Futurista; como Sebastián Cárdenas de Sonido San Francisco, Mario del Toro y Marc Monster de Agrupación Cariño, Zaratustra Vázquez de Sonido Changorama e Imma de Afrodita hablan sobre este movimiento:
Por qué retomar la cumbia y darle un sen�do electro/rockero? Lo que está sucediendo es que la cumbia no ha desaparecido ni nunca ha dejado de estar de moda, siempre sonó. Como decía Mario Galeano del Frente Cumbiero de Colombia, habría que repensar la cumbia y que no sea solo para diciembre. La cumbia siempre nos ha acompañado, de toda la vida
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pero ahorita hay un replanteamiento y se pierden los miedos y más gente la está consumiendo. El disco es una síntesis de un momento de la escena de la cumbia actual
Era necesario hacerlo? De corazón, creemos que con toda la música sucede una evolución, porque en ella se refleja su tiempo y la tecnología, desde un instrumento musical hasta las computadoras. Este movimiento lleva algunos años
musical, de SONIDO pólvora CHANGORAMA pronto el artista o la gente, están empezando a pensar su cultura desde dentro, utilizando las herramientas y las influencias del mundo, pero se viene a materializar un lenguaje que se viene pensando desde hace un SONIDO SAN FRANCISCO tiempo.
Por qué hacer un disco como Cañonazo Electrocumbiero?
AFRODITA años y parte de lo que hemos logrado, es haber creado este colectivo, La Súper Cumbia Futurista, poniéndole un nombre a este género, a estas fusiones, ya que no todos tocamos cumbia en sí, algunos lo mezclamos con baladas, country, ahora cosas medio punk; es un género de fusiones que se da a la par de lo que está pasando en las calles. Creo que lo que sucedió con Celso Piña en su momento es un referente y ahora hay una revisión
Es padre que una empresa como EMI se fije en nosotros y quiera hacer esto, la reacción es un poco tardía pero al fin se agradece. Creo que también comulga entre los independientes y las transnacionales que estamos todos arruinados y es momento de unirnos ya que el problema y lo bajo que ha caído la industria musical nos lleva a que ahora es todos contra todos. Creo que en los ochentas era imposible pensar algo así y creo que el problema que vive la industria nos lleva a que mano a mano la independencia y los grandes monopolios de la música tienen que echarse la mano y trabajar unidos porque ya nadie la trae. Es un buen ejercicio para aprender mutuamente y es un gran comienzo para amalgamar estos dos polos de la industria mexicana. Actualmente
hay la infraestructura para apoyar un artista y que se vaya a hacer una gira con todo pagado, ahora nosotros trabajamos mucho desde la independencia para poder buscar nuestras propias opciones. Naturalmente iremos pasando por todos los lugares en los que la cumbia es importante y en los que no es tan consumida, Europa nos han dicho que allá podríamos tener más éxito. Lo lamentable de la radio es que vivimos de la payola y ninguna de nuestras bandas tiene un millón de pesos para pagarle a la muchedumbre, entonces se ponen muy difíciles. El que tiene más dinero suena más, siempre ha sido así.
AGRUPACIÓN CARIÑO
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EL CLAN
EL SENTIR COBRA SENTIDO
TEXTO: ANDRE DULCHÉ
Hace algunos años había un México donde las propuestas musicales eran variadas, los lugares para presentarse no eran suficientes para conocer a fondo toda la escena, ni tampoco era posible hacer un sondeo completo de todos los géneros. Lo único seguro, es que en esa búsqueda encontrarías tesoros que hasta el día de hoy, tienen valor. Era imposible encontrar algún dispositivo móvil y tener miles de canciones, antes los discos (sí, un CD) se devoraban suavemente; se reconocía cada sonido que a primera instancia no encontrabas e ibas descifrando metáforas en letras bien hechas. Uno de esos discos fue Sin Sentir, de El Clan, la banda pionera del género gótico en México. En pleno 2012, El Clan, después de varios discos y alineaciones decide rendir homenaje con una serie de conciertos a este material de colección (no hay más copias en el mercado) y además, grabar su primera actuación en el Rock & Road Bar, después de varios años de no tocar juntos.
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En su momento, qué fue hacer el disco Sin Sentir? Al principio de los noventa fue una recompensa a querer hacer un disco y más porque veíamos que otras bandas lo estaban haciendo. Entonces nosotros nos preguntábamos qué iba a pasar con El Clan y afortunadamente llegó la oferta de hacer el primer disco. Fue por parte de Rockotitlán, bajo el sello Dodo Records. Fue un proceso de aprendizaje, estábamos muy chavos e ingenuos. Cómo es volver a replantearse ese disco en vivo? Es una labor muy dura, es mucho trabajo pero a su vez es un placer poder retomar todo eso y abrir esa puerta, el pasado. Traer el mismo show que algunas generaciones no vieron. En el mismo orden de las canciones, el mismo espectáculo y un sonido mejorado. Había canciones que no tocamos en quince años, “Fantasías”, “Gárgolas” y “Los Duendes” se dejaron de tocar, eran canciones que ni de palomazo. Volverlas a tocar, ver cómo estaban estructuradas, entender el arreglo fue una experiencia increíble, es como regresar a lo básico, a tus orígenes. También te enriquece, porque te acuerdas de dónde vienes, cómo empezabas a componer, cómo veías la música en ese entonces, como la ves ahora y comparas. Eso quiere decir que las canciones no están desgastadas… Cuando haces una canción obviamente no te lo planteas, pero con el tiempo si la canción te dice que ya trascendió en el tiempo quiere decir que funcionó, algo sucedió, tiene esa magia. Entonces que la gente siga vibrando con las canciones, que las haya adoptado, que las conozcan ahorita y que sientan lo mismo de antes quiere decir que las canciones funcionaron. Fue la nostalgia la que los hizo regresar en vez de sacar Sin Sentir en vivo? Más que la nostalgia es por la gente. Si hemos sobrevivido todos estos años a pesar de los altibajos, es porque la gente está al pendiente, que fue testigo del Sin Sentir original y que a la fecha nos busca; eso es lo que nos tiene aquí. El disco que vamos a presentar no es para los críticos, eso lo vamos a dejar para después, es para el público, retribuirles algo. Fueron de esas bandas de los discos de culto, la gente se acuerda aunque ya no existen los discos… Es una satisfacción increíble, porque el trabajo que estás haciendo por tantos años se ve que está dejando frutos; además te das cuenta que todo esos años lo que has hecho va dejando huella. No podemos darnos el lujo de saber cuánto tiempo vamos a estar aquí, pero este álbum va a quedar marcado porque es el disco de la banda. Están pasando muchas cosas en el rock en nuestro país, esa generación que de repente se vio truncada porque se dejaron de maquilar discos, hicieron que se volvieran objetos del deseo y que de repente el rock entrara en un bache enorme. En el rock nacional algo está sucediendo, que regresen muchas bandas provoca que más generaciones, gente de más edad o contemporáneos, empiecen a escuchar rock otra vez. Que ya no sea el rock solo una cuestión juvenil, adolescente. Antes como se veía gente de treinta y cinco años sin escuchar rock, como que tenía esa caducidad. Cuál fue la primera canción de su reencuentro que ensayaron? Cómo fue? “Fantasías” y fue increíble. Ese primer momento fue inesperado para todos, los primeros acordes de “Fantasía” nos pusieron la piel de gallina. Y cuando nos presentamos en el Rock and Road, lo mismo pasó con la gente, los primeros acordes de la canción causó una euforia que nos sorprendió a todos, rebasó nuestras expectativas al ver lo que pasó en el concierto. Ni en nuestros mejores sueños pensamos esa reacción de la gente y eso es lo que queríamos capturar, y el disco tiene ese éxito como producto, el testimonio, la respuesta e interacción con ellos. Porque un disco en vivo con la gente apagada puede ser solo un buen documento musical.
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SABATON
¡SUECOS AL GRITO DE GUER�! TEXTO: ANDREA QUINTANA
El ejército se encuentra listo para pelear, el olor a muerte impregna el ambiente y de entre las sombras aparece uno de los batallones más potentes y salvajes de todos: Sabaton, que con su potente power metal se encuentra dispuesto a revivir las batallas míticas que han dejado huella en la historia de la humanidad. La guerra es una constante en nuestro mundo, ya desde tiempos antiguos las civilizaciones han desencadenado batallas campales en defensa de sus pueblos. Es por esto que Sabaton son los trovadores bélicos que nos cuentan desde las hazañas de Sun Tzu, uno de los grandes estrategas chinos de hace más de 2000 años hasta la Segunda Guerra Mundial con el bombardeo a Gran Bretaña por parte de los alemanes para lograr que se doblegaran. Este escuadrón se encuentra liderado por Joakim Broden, quien comenzó como tecladista en Sabaton para después convertirse en el carismático vocalista. En esta ofensiva sin cuartel la única arma con la que cuentan es el heavy metal, porque “todo en este género son un sin fin de emociones y sentimientos diferentes; todos ellos los podemos encontrar en la guerra”.
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De Primo Victoria a la nueva batalla, Carolus Rex. Aunque estos suecos contaban con tres materiales anteriores, Primo Victoria fue el parte aguas para poder encontrar la esencia de la banda, “es cuando empezamos a tocar menos del típico power metal para hacer canciones más épicas. En esencia, Sabaton no se había sentido en casa hasta Primo Victoria. Claro que existen buenas canciones antes que ese material, pero en ese punto fue la primera vez cuando empezamos a oír buenas producciones. Además nos sirvió para convertirnos en músicos decentes.
tocar en bares más íntimos, Broden comenta que lo que realmente aprendes es que no puedes ser de la misma manera en ambos, “la diferencia se podría explicar como si fueras un actor de cine y de teatro, un club es como el de cine en donde no puedes exagerar y es bueno generar un ambiente íntimo para comunicarte con la audiencia. En los grandes escenarios no puedes hacer eso, porque la audiencia está muy lejos de ti, así que tus movimientos tienen que ser más grandes”.
Mientras que para Robban Bäck, el nuevo baterista, lo más importante a la hora de estar en el escenario es “conocer al público, la única manera de saber si les gusta algo es estar arriba del escenario y verlo en vivo. Estamos Teníamos las canciones y la música para comandando a nuestro propio ejército en Primo Victoria, contaban con un gran sonido una guerra contra la música de mierda”. y estábamos viendo de qué se trataban las canciones, qué era lo que la música decía y Sabaton ha pasado más de dos años vimos que necesitábamos algo grande. Así ininterrumpidos de giras alrededor del mundo, que nos enfocamos a investigar acerca de así que las verdaderas pérdidas y sacrificios la batalla de Normandía para tener los datos en esta guerra sin cuartel es que “tienes que correctos. En ese punto decidimos crear un hacer grandes cambios en tu vida; también disco con esta temática para ver qué era lo el lado económico, porque toda banda tiene que pasaba”. un trabajo alterno y al estar de gira tanto tiempo significa que no cuentas con un Teniendo bajo el brazo su nuevo material, trabajo fijo; hay veces que la banda no hace Carolus Rex, Broden comenta que las ideas el dinero suficiente como para poder vivir. vienen de todos lados “de documentales, Afortunadamente hemos pasado ese punto películas o de donde sea y muchas veces y podemos vivir simplemente de Sabaton”. incluso provienen de los seguidores. En el caso de Coat of Arms, el 50% de las ideas nos las mandaron los fans”. Carolus Rex es el único material totalmente producido por Peter Tägtgren, así que en esta ocasión lo decidieron hacer así “para tomar todo lo que era la esencia del grupo y quitar los estereotipos, nos centramos en lo que era típico y lo demás salió solo. Tomamos las partes más importantes, el sentimiento épico para crear un álbum que te pegará en la cara”. El himno de guerra que representa este material es sin duda The Carolean’s Prayer, “la canción es acerca de como el ejército sueco, los soldados de Carlos XI no podían disparar hasta que te vieran a los ojos, ya que Dios ya había dispuesto si ibas a vivir o morir, así que caminaban hacia el fuego sin ningún temor”.
Los saldos de la guerra. De uno de los eventos metaleros con más importancia en Suecia, el Sweden Rock hasta
JOAKIM BRODEN
ROBBAN BÄCK
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foto: Andre Dulché
foto: Gerardo Castillo
RUDOLPH SCHENKER / SCORPIONS
foto: Manuel Castillo
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EMILIE AUTUMN
ENRIQUE BUNBURY
LOS CALIGARIS
foto: Manuel Castillo
foto: Obaito
foto: Carlos Miranda
ALISON MOSHART /the kills
alex lora / el tri 31