Es un duro trabajo pero alguien tiene que hacerlo, así podemos definir este primer número oficial de Pólvora. Pasó mucho tiempo, pero al final de cuentas no solo era mostrar cualquier cosa, es un trabajo que involucra muchas personas que deja satisfechos a cada uno de nosotros. Aquí hay para todos los gustos, metaleros, alternativos, clásicos y también, articulos relacionados con el vasto mundo del rock. Sin más que decir, solo difrutenla.
DIRECTOR EDITORIAL: Andrea Quintana andrea@polvora.com.mx DIRECTOR CREATIVO: Andre Dulché andre@polvora.com.mx DISEÑO EDITORIAL: Revista Pólvora FOTOGRAFÍA: Gerardo Cas�llo Andre Dulché COMERCIALIZACIÓN: Andrea Quintana andrea@polvora.com.mx
Paté de Fuá El Chopo Miyavi Rob Zombie Lino Nava A Scanner Darkly Lacuna Coil José Fors Miguel Mateos Alarmazo! Chrome Division Supertramp Johnny Cash Exumer Los Ídolos Frases Célebres
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CORRECCIÓN DE ESTILO: Adrián Muñoz COLABORADORES: Ricardo Alonso Abel Montaño Adrián Muñoz Josh Nebula John Visual Rocker Francisco Zamudio Pólvora, La Explosión del Rock, es una revista de distribución gratuita. Editor responsable Andrea Quintana Limón. La reproducción total o parcial del material publicado está estrictamente prohibida. Los editores declinan cualquier responsabilidad sobre la veracidad y legi�midad de los mensajes contenidos en los anuncios. El contenido de los ar�culos, notas, crónicas, historias y arte es responsabilidad de los autores.
Hobbie- Ver películas. Película- El Padrino. Actor- Dustin Hoffman. Disco- Cualquiera de Gardel.
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YAYO
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EL CORAZÓN DE PATÉ DE FUÁ TEXTO: ANDRE DULCHÉ FOTO: GERARDO CASTILLO
¿Cómo surge Paté de Fuá? Nosotros formamos Paté por la simple razón de hacer música que nos guste, ya que uno cuando es músico hace música porque es lo que sabe hacer y es lo que le gusta hacer y no podría hacer otra cosa (o sí podría hacer otra cosa, no hay que ser tan extremistas). Estábamos muy acostumbrados a no tener ningún tipo de éxito, entonces cuando ocurrió esto sí nos tomó por sorpresa pero Paté no fue diseñado para tener éxito, no es música comercial es música que resulta y puede ser comercializable y resulta que está teniendo por suerte muchísimo mercado.
¿Cómo se siente tocar para la escena rockera ? Está buenísimo, porque es algo que no esperábamos, es realmente estimulante. El público del rock tiene su encanto. Nosotros cuando empezamos con Paté no esperábamos absolutamente nada, somos músicos acostumbrados a hacer música no comercial de siempre, entonces simplemente hacíamos música que nos gustaba. Paté es todo raro, la música, los músicos, el público es muy raro porque vienen chavos con el pelo teñido de azul, punks, vienen abuelas, fresas, gente de ambiente popular.
¿Cuál ha sido la experiencia más extraña con un fan? Lo más extraño pasa todo el tiempo con Paté, que venga gente con la cara tatuada, con piercings en toda
que el disco no tenga nada que nos moleste, quitarle todo lo que pueda llegarte a perturbar después. la cara y con una remera de una banda que no conozco, que no puedo leer el nombre y que vengan a que les firmes el disco y sacarse una foto contigo y que atrás en la misma cola está una abuela. Eso realmente es algo curioso y es un poco surrealista, creo que no hubiera podido pasar en otro lugar que no fuera México.
¿Qué tanto ayuda el ser una banda multicultural? En Argentina no lo hubiéramos hecho, no se nos hubiera ocurrido, no hubiera sobrevivido esa primera etapa de fragilidad que tienen todas las bandas. Entonces Paté es hijo de México, Paté es una banda mexicana y también viene a representar el carácter cosmopolita que tiene este país; como ciudad y como país. Si tú te pones a evaluar de dónde viene el mariachi, el tango, todo es una fusión de culturas que tiene que ver con la migración básicamente, entonces yo creo que la música de Paté viene un poquito a alimentar esto.
¿Cuál crees que es la atmósfera ideal para grabar? Lo que nos pasa cuando grabamos es que tenemos nuestro propio estudio y eso hace que no tengamos la presión de tener que pagar por cada hora o tener un tiempo limitado para terminar el disco que condiciona la calidad del mismo. Entonces nuestros discos se terminan cuando nosotros creemos que están terminados, eso hace que nos demoremos, no hay mal que por bien no venga. Al final de cuentas nosotros logramos
¿Qué tanto autogestivo?
funciona
ser
Esa es la complicación porque los grupos en un inicio como no generan dinero, tienen mucha fragilidad. Pero una vez que funcionan, es lo mejor que te puede pasar, te permite tomar el 100% de las decisiones estéticas, comerciales, de todo tipo que tienen que ver con la banda, entonces yo siento que la independencia hizo que se acentúe más la bola de freaks que somos. Eso potencia muchísimo la autenticidad en un proyecto. Eso no quita que en algún momento uno deberá empezar a asociarse con diferentes vínculos para empezar a crecer.
¿Cuál es su gran aspiración? Yo tengo mucha fe en Paté, siento que tiene muchas características únicas y eso hace que nosotros por ahí ocupemos un lugar, ya sea grande o pequeño, pero ese lugar será ideal. Entonces tenemos muchísimas aspiraciones, igual y se queda así toda la vida yo soy feliz, aunque no hayamos dado un paso enorme o agigantado, siempre ha sido una estrategia de caracol, lento pero sin pausa.
Después de todo esto, ¿Cuál consideras que es la magia de Paté? Yo creo que la magia de Paté primero es que hace música muy auténtica y distinta, que se nota que no hay pretensiones en nuestra música sino que es música hecha por el sólo hecho de hacer música.
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EL MERCADO ITINERANTE TEXTO: ANDREA QUINTANA
Desde punks hasta skatos, pasando por los darks, emos y metaleros, el Tianguis Cultural del Chopo es un lugar clave para el desarrollo de la cultura del rock en nuestro país. Este lugar multicultural se rige por una única regla: tolerancia de unos a otros. La juventud ha adoptado al Tianguis del Chopo, desde hace más de 28 años, como punto de reunión, donde confluyen un sin fin de ideologías que conviven en paz. Y es que, para todos aquellos que se dicen ser rockeros de corazón, las visitas sabatinas a este lugar se vuelven parte de una religión; compartir y conseguir música, o sus derivados (playeras, parches, ropa, etc). Pero la conformación de este espacio ha tenido que pasar por muchas batallas. El Chopo nace por mera casualidad, cuando en el año de 1980 se le ocurrió al Museo Universitario del Chopo lanzar una convocatoria para reunir en un solo espacio a todas aquellas personas interesadas en la música (músicos, coleccionistas, productores, fans). La idea de crear un tianguis de música parte de un activo promotor musical, Jorge Pantoja. Su primera sede (Museo del Chopo) duró hasta 1982; cuando Ángeles Mastretta se retiró de la Dirección del museo, su nueva ubicación sería la calle de Enrique González Martínez, a las afueras de éste. En 1985, la Delegación Cuauhtémoc prohibió que el Chopo se instalara en la que había sido su sede por tres años. Después de una protesta frente al periódico La Jornada, se trasladaron a un estacionamiento rentado en la colonia San Rafael. Este fue el principio de los cambios constantes de residencia, debido a las quejas de los vecinos. Poco después, la calle Mimosas, atrás del Hospital La Raza, pero no funcionó por lo peligroso de la zona. Finalmente se instala en la calle de Aldama (colonia Guerrero ahora Buenavista), en el año de 1988, siendo hasta ahora su lugar permanente.
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Este recinto, donde también hay presentaciones de artistas locales e internacionales, ha sido testigo de los cambios generacionales de la juventud. Estas transformaciones abarcan desde los punks más contestatarios, los skatos “desmadrosos”, (algunos portando peluches bajo el brazo o mochila), los rockeros clásicos, metaleros, góticos, intelectuales y los nuevos visitantes de poca edad, quienes están en búsqueda de su identidad musical. Comercio Mexicano A lo largo de su larga vida, son 25 años en los que este tianguis ha significado un espacio de convivencia entre la música y sus asistentes. Es el lugar de ensueño para todos los adictos a la música: revistas, discos de colección, posters, cintas y películas; todo es vendible o intercambiable. Lo mágico de este sitio es que en su inicio fue un lugar donde muchos aprendieron a comercializar las cosas como nuestros antepasados, por medio del trueque, lo cual servía para compartir todo tipo de cosas relacionadas con la música o chácharas rockeras. Desafortunadamente eso ha cambiado y ahora se ha vuelto una especie de bazar popular. Aunque su esencia y su magia persistirán a través de los años si los asistentes lo cuidan y no lo dejan caer.
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“Es muy fácil seguir el camino de otros pero yo no quiero hacer eso.”
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MIYAVI
EL SAMURAI DE SEIS CUERDAS TEXTO Y FOTO: ANDRE DULCHÉ
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akamasa Ishihara es el nombre de pila del guerrero de Medio Oriente quien cambiara su nombre a Miyavi y saliera a conquistar el mundo con su arma favorita, la guitarra. Claro, no sería nada de esto si además no contara con gran carisma y un compañero inseparable, Bobo.
En la tierra del sol naciente, Miyavi formó parte de Due’le Quartz, una agrupación ajena a lo que hace hoy en día, la cual llegó a un final, “las motivaciones y propósitos fueron diferentes, cada uno tenía un sueño diferente, por eso teníamos que romper, sin importar nada más. Si quieres tener cena japonesa no podemos comer juntos, no hay problema, sólo hazlo.” Así empezó el recorrido de este samurai, quien para su sorpresa se encontró solo, pero logró sobrepasar el pánico y se motivó. “Nunca quise ser solista, nunca había tenido experiencia como cantante, sólo soy un guitarrista, pero siempre quise ser un artista que diera la vuelta al mundo. Claro que siempre quise hacer una banda como X Japan, pero no tenía tiempo de buscar gente. Tenía miedo de acabar con mi carrera, incluso cuando estaba en el escenario con Due’le Quartz siempre estaba a un lado del vocalista y en mi primer concierto solista, estaba en el centro y no tenía idea de qué hacer o decir. Pero tuve que hacerlo porque había mucha gente esperándome, no quería hacerles perder el tiempo.” Buscando inspiraciones para su aventura encontró varios héroes en su camino, de ahí el nombre de su tema “Superhero”, sin embargo sólo una persona ha marcado su vida de gran forma; “si tengo que escoger una persona diría mi mamá. Es muy difícil encontrar otro modelo de vida, podría decir algún rockero, guitarrista de blues, cantante de hip hop, visual keis, pero no quiero ser así.” Las historias de este japonés van contándose de boca en boca hasta llegar al otro punto del mapa, como México donde sus seguidores en su mayoría son otakus (seguidores de la cultura japonesa), lo cual le causa agrado. “Realmente respeto el manga y anime, son grandiosas creaciones con mensajes muy fuertes. A través de la de cultura es bueno expresarme pero mi música es fuerte por sí sola, poder expresar con sentido y creo de ahí deriva que quiera hacer algo original.” Dos cualidades que llaman la atención de propios y extraños es su especial forma de tocar y el apoyo incondicional a su gente, como es el tema ‘Strong’, que tiene de mensaje el apoyo a su país después de las catástrofes ambientales; “el tema principal es el terremoto que azotó Japón. Estaba en una gira por Europa y pensé en hacer algo, gritarlo, crear para decirle a la gente: no te rindas, levántate! Mientras más seas apoyado por alguien más, será menos independiente, hasta que puedas levantarte con tus propios pies podrás seguir adelante.”. Esta fortaleza ha quedado plasmada en un material en vivo desde Londres, es una pequeña prueba de lo que puede hacer arriba del escenario ya que ningún concierto será igual “todas las noches son especiales, no hago las mismas cosas siempre, muchas cosas pasan, muchos accidentes.”
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ROB ZOMBIE
EL OTRO LADO DEL MOUNSTRO TEXTO: ANDREA QUINTANA FOTO: ROADRUNNER RECORDS
Robert Bartleh Cummings, mejor conocido como Rob Zombie, es nacido en Haverhill, Massachusetts en 1965 y desde que irrumpió en la escena con Soul Crusher, ha diversificado su reinado del terror a diversos ámbitos, que van desde la música, el cine y la animación hasta un parque de diversiones. Sin contar su carrera tanto en White Zombie como solista, este demonio infernal ha tenido de compañeros a monstruos, asesinos seriales y héroes enmascarados, además de las personificaciones hechas por su esposa Sheri Moon Zombie. Una de las primeras áreas en las que este ente puso el ojo fue en el cine, teniendo como principios el humor negro y el terror. Su ópera prima The House of the 1000 Corpses (La Casa de los Mil Cuerpos), muestra una típica familia americana con un pequeño defecto: su pasión por matar y torturar a las personas. Todo aquel que la vio, no podrá negar que existen escenas sumamente divertidas y a la vez retorcidas, como el disfrazar a rehenes como conejitos para poder salir a cazarlos. La secuela salió con el nombre “The Devil´s Reject”, donde los policías toman venganza de estos peculiares asesinos. Sin embargo, aunque estas dos películas tuvieron su éxito, Zombie no podía dejar pasar la oportunidad de llevar a la pantalla grande a uno de los personajes más icónicos del terror: Michael Myers. Con una versión más sombría, violenta y sanguinaria que las versiones anteriores. Halloween: El Origen, nos devela el principio de este asesino serial, con la matanza de su hermana, el novio de su madre y un abusivo de su escuela. Esta película costó unos 15 millones de dólares y recaudó unos 78 millones a nivel mundial. Para evitar que su personaje terminara en secuelas malas o aberrantes, Zombie decide grabar Halloween II, para darle una muerte definitiva al personaje. Entre los datos curiosos, encontramos que en su primer día recaudó $7,640,000 en 3,025 teatros lo que supone $10,896,610 dólares menos que su antecesora; para el final de su primer fin de semana la película había recaudado $16,349,565, cifra mayor que la recaudación total de varias películas de la saga. Actualmente, Rob Zombie ha decidido escribir y dirigir “The Lord Of Salem”, el regreso de las famosas brujas con más de 300 años de antigüedad. También encontramos Werewolf Women of the SS, con Nicolas Cage personificando al villano chino: Fu Manchú. En cuanto a los dibujos animados, incursionó con The Haunted World of El Superbeasto, un héroe amante de la lucha libre mexicana y el sexo, con las voces de Rosario Dawson y Sheri Moon. Sin importar qué tanto nos asusten sus películas, éstas nunca llegarán a ser tan buenas como el poder vivirlas en carne propia. Es por eso que ya se hacen los planes entre Rob Zombie y Universal Studios para crear una atracción en dicho parque de diversiones, el cual para todos los amantes del horror rock consistirá en un laberinto en tercera dimensión de “The House of the 1000 Corpses”.
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Antes de ser Zombie. Originario de un pueblito de Masachussets, y antes de convertirse en el rockstar que hoy conocemos, Rob Cummings se había desempeñado en los trabajos más diversos, desde ilustrados de revistas pornográficas, mensajero en bicicleta hasta encargada de arte para publicaciones menores. Así que su visión estética se fue formando desde antes de la formación de White Zombie. Su gusto por el terror es algo innegable, pero su primer acercamiento con una cámara fue durante la grabación del video de una de las canciones icónicas del grupo, “More
Human Than Human” del disco Astro Creep, con el cual ganó el MTV Video Music Award por mejor video de Hard Rock, mientras que el álbum obtuvo un certificado de triple platino. El gusto por estar detrás de las cámaras, siguió alimentando la vasta imaginación de Zombie, creando videos con grandes elementos de terror, sexo, sangre y mucho rock, como “Dragula” o “Living Dead Girl”. Además ha contribuido con otras bandas dirigiendo sus videos, tal es el caso de Ozzy Osbourne en “Dreamer, Powerman 5000 en “Tokyo Vigilante #1” y Black Label Society en “Stillborn”.
Pero su imaginación la ha llevado a crear incluso comerciales para TV, el primero fue para Woolite, donde muestra a un torturador de ropa y el segundo fue para un veneno contra hormigas llamado AMDRO Ant Bait, en donde un psicópata crea una carta anónima amedrentando a estos insectos.Para cerrar con broche de oro, y sin contar con las continuas participaciones musicales en videojuegos como Nightmare Creatures 2 o Gran Turismo 2, también ha desarrollado el juego Twisted Metal, donde existe un auto especial desbloqueable con su nombre.
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LINO NAVA
AL COMPÁS DE LA LUPITA TEXTO: ABEL MONTAÑO FOTO: ANDRE DULCHÉ
El rockero, el músico, el productor, el compositor, el arreglista, el artista, el siempre recordado como guitarrista de La Lupita,
lino Nava,
EN EXCLUSIVA, PLATICA CON PÒLVORA, desde La Bipo en su querido Coyoacán: Grabaste un nuevo disco La Lupita: “Te odio”, pero ya había pasado mucho tiempo sin entrar al estudio, ¿qué pasó, porqué no grababan? Pasó que nos atrapó el cansancio y se juntó con que nos dieron la carta de despedida de la compañía de discos, que eso siempre es una presión y cuando nos quitaron esa espada como que todo mundo se relajó de más.
¿Qué disco crees qué fue el que tuvo mayor repercusión en la banda? “Pa´servir a usted”, salió en el momento justo, fue un disco muy natural también muy pacheco y no nos preocupamos si nos iban a tocar en el radio, si iba a ser un éxito, si se iba a vender y tan natural fue que es el que más ha vendido.
Has trabajado con grandes bandas y músicos, ¿con quién no has tocado y te gustaría?
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Me gustaría grabar un disco con Saúl Hernández, o Chabela Vargas que es mi amiga, Estaría padre de tener su voz en una canción.
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Ninguna banda rockera tiene un número uno en las listas, ¿qué crees que ha pasado, es una cuestión de cambio de gustos?
Como dejaron de ganar dinero por la venta de los discos, ahora quieren ganar dinero de todo lo demás.
Es muy claro por qué no. Las listas son la principal señal de corrupción en la industria de la música, los Top Ten se basan en la payola. Las listas son un reflejo del dinero que se pasa por abajo de la mesa, así es.
¿Haces canciones que re�ejen el ambiente social en México?
¿Qué opinas de los nuevos contratos de las disqueras? Ahora los grupos que están siendo firmados tienen un contrato que le llaman “360”, que es un contrato en donde la compañía disquera se vuelve tu manager, los dueños de tu imagen, los dueños de tus discos, los dueños de tus canciones y casi los dueños de tus calzones. Controlando todo lo que genere dinero de tu trabajo.
No te puedes abstraer de lo que sucede en tu entorno. Las canciones te cambian, yo creo en la teoría de Carlos Santana, que es muy mística, dice que la música reordena las moléculas del ser humano para mejor.
¿Qué ritmo tiene ahora México? México es una cacofonía hoy día, una cacofonía es cuando hay sonidos que se enciman y que no tienen orden, escuchas dos o tres cosas que no tienen nada que ver al mismo tiempo.
¿Qué se debe o no hacer en el rock mexicano?
Yo creo correcto honesto.
que es
políticamente hacer algo
Hacer algo políticamente incorrecto es hacer algo solamente por popularidad o por dinero, pero ahí viene algo cabrón, si todos los músicos viviéramos de tocar, te lo juro que estaríamos llenos de genios, pero hasta el músico más talentoso y más alternativo tiene que hacer cosas distintas para poder pagar la renta. Yo cuando era adolecente, a mi padre le dio una neuralgia, por lo que dejó de trabajar y estaba encerrado tomando medicamentos y a mi mamá le dio un infarto. Tuve que llevar a vender todos mis discos al Chopo y con eso comprar sweaters en Chinconcuac y poner un puesto sobre ruedas, para sacar adelante a mi familia.
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Keanu Reeves, Robert Downey J r. ,W i n o n a Ryder, Woody Harrelson, Rory Cochrane y �om Yorke. TEXTO: JOSH NEBULA
La Ciencia Ficción nos ha abierto muchas puertas a la imaginación y nos ha hecho viajar al espacio, a momentos cataclísmicos de la humanidad y a ver parte del futuro de la tecnología; en esta ocasión la travesía nos transporta a unos pocos años de nuestra fecha actual, Anaheim, California es el escenario de Scanner Darkly; el escritor y director Richard Linklater y el productor Tommy Pallota nos muestran en una excelente edición y trabajo de post producción este filme en un tratamiento de novela gráfica, el cual contrasta el colorido y los movimientos con un guión obscuro, realista y paranoico donde el gobierno juega un papel importante, tiránico y subliminal. El casting de este film reúne a grandes personalidades del cine de acción y ciencia ficción, Reeves (Bob Arctor) es el protagonista al ser un detective que se investiga a si mismo en el tráfico de la Sustancia D, narcótico de moda en esta época. Downey JR y Harrelson
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son sus adictos compañeros, que con sus personalidades antagónicas enriquecen más esta historia, Winona Ryder lleva una extraña relación sentimental con Bob Arctor (Keanu Reeves). La historia nos muestra la vida de tres amigos que comparten una misma casa, donde sus adicciones y su filosofía son el principal actor en esta historia, la interpretación de cada uno de los personajes es excelsa dentro del guión. Nos lleva desde momentos cómicos, reflexivos y tensos hasta llegar a traiciones y un final nada típico. Por otra parte la forma de complementar este filme es con la colaboración de Thom E. Yorke, líder de la banda Radiohead, en la parte del Soundtrack. Sabemos que su trabajo en ésta, lo ha llevado a un lugar importante en la historia del rock y en Scanner Darkly no es la excepción con los temas que incluye, mismos que aparte de ser buenos musicalmente, van muy acordes a lo que es esta excelente película.
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LACUNA COIL MÁXIMA ADRENALINA
Milán, Italia, una ciudad que es famosa por muchas cosas; sus equipos de fútbol, la pasta, autos de lujo o super modelos, pero no precisamente, bandas de heavy metal, sin embargo, desde la década pasada nació una banda que ha dado mucho de qué hablar, a base de buenos trabajos como Comalies o Karmacode y por la belleza de su vocalista Cristina Scabbia.
TEXTO: ANDRE DULCHÉ FOTO: CENTURY MEDIA
Han cruzado por diversos cambios musicales, empezando con un sonido más gótico y modernizándose según sus estados de ánimo y vivencias personales, este cambio es más radical en su disco Shallow Life con el cual ganaron muchos seguidores y también perdieron otros tantos. Sin embargo, desde sus inicios al reciente Dark Adrenaline siguen conservando el lado obscuro del ser humano como fuente de inspiración.
Con el cambio de estilo en Shallow Life cómo aceptaron las críticas? Siempre ponemos atención a lo que la gente dice, Shallow Life era un disco que tenía que hacerse para saber dónde ir en el futuro. Siempre cambiamos un poco, Comalies es nuestro disco más oscuro
y Karmacode era más pesado, creo que Dark Adrenaline tiene temas entre estos dos, con arreglos modernos que no podíamos hacer antes y tienen lo que le faltó al pasado, una atmosfera pesada y obscura”.
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Qué expectativas tienen con este disco? “Bueno, es nuevo y sabemos hacia dónde va y dónde será promovido, pero no esperamos nada. Sólo salimos y tratamos que la gente nos escuche y diga ‘me gusta’. Sí, sabemos que habrá quien lo odie y quienes lo amen, unos se subirán al barco, otros que se habían ido volverán y otros se irán.”
El primer sencillo ‘Trip To Darkness’ muestra dualidades. Con cuál se quedan? “Son las dos partes de la vida, no puedes ser siempre bueno o malo, hay momentos que te sientes negativo, deprimido o furioso y otros más positivo de lo normal, hay que buscar un balance con el resto del mundo, la vida está llena de contrastes.”
Cómo son Adrenaline?
las
letras
de
Dark
“La oscuridad es una gran inspiración para nosotros, más que la felicidad, por eso este álbum es poderoso. Es por eso que lo llamamos Dark Adrenaline, combina la oscuridad con la energía.”
Qué tema resultó más difícil de concebir? “Ninguno realmente, en general somos muy exigentes con nosotros, hay canciones que suenan como algo que ya hemos hecho, otras las hicimos más interesantes. Es bueno tener un tipo de marca registrada en las canciones pero no queremos que suenen como otras que hayamos hecho, porque no podemos ser las mismas personas que en ese entonces.”
Cómo sacar nuevas sensaciones y plasmarlas? “Experimentamos muchas memorias un tanto negativas porque son las que te harán reflexionar sobre tu vida, esas son las cosas que pasan diario. Cuando escribimos no nos fijamos en lo que pasa en la radio, películas o TV, en general es lo que te pasa. Un detalle de nosotros, Mark en especial, es que escribe de noche, es su tiempo favorito para crear y escribe con la televisión prendida sin volumen, sólo viendo imágenes de horror.”
Sienten nervios al salir a tocar?
Que canción re�eja el presente de la “Siempre, porque es un momento diferente, a veces banda? “My Spirit”, que habla sobre un amigo que murió y fue una gran pérdida para nosotros . Fue una inspiración para que empezáramos como banda, es un tributo a él.
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puedes tanto que lo haces en automático pero lo que hace diferente cada show es la gente, cuando cantan canciones como ‘Heaven’s A Lie’, aunque la tocamos miles de veces se vuelve energía pura cuando la cantan. En general nos ponemos muy emocionales, necesitamos esa adrenalina.”
Cómo han manejado el éxito? “Vivimos todo con alegría, sabemos bien quiénes somos, dónde estamos y qué nivel tiene la banda. Estamos más pendientes de lo que vamos a hacer pero en general es bueno cuando estás en casa sin presiones de nadie, la gente nos reconoce pero no es la locura, está bien, no lo vemos como problema, creo que por eso vivimos en lugares quietos.”
Fanáticos del A.C. Milan. Han pensado hacer algo para su equipo? “Sí, lo hemos pensado. No es fácil porque probablemente lo tendríamos que hacer en inglés, algún día lo intentaremos. Sería genial que la gente la cantara en el estadio. Siempre han tenido grandes jugadores, de todo tipo, vemos todos los juegos, probablemente recuerdo más la era de Van Basten porque era sorprendente, nadie pensaba que iban a ser tan grandes.”
Cómo asimilaste el final de Guitar Hero siendo fan?
Dark Adrenaline es su mejor álbum? “No lo veo como el mejor disco, cada álbum es el mejor que podemos escribir hoy. Cuando hicimos Comalies creíamos que era lo mejor, después pasó lo mismo con Karmacode. Creemos que ya conjuntamos nuestro estilo como banda al sonido original, este incluye el pasado con cosas nuevas. Te puedes conectar mejor con él si estás pasando un momento especial en tu vida.”
“Es normal que luego de tantos años terminara, lo que me gusta mucho es cómo acercó la canciones de rock a la gente, bandas clásicas se expusieron a los niños y es posible que estos nunca iban a tener la oportunidad de conocerlos de otra forma. Me gusta cómo promueven el rock y el estilo de vida. No creo que ayude a que muchos toquen en verdad un instrumento porque no es igual, necesitas más dedicación y esfuerzo”.
Porqué hacer ‘Losing My Religion’ de R.E.M.? “Quisimos poner otro cover porque tuvimos éxito con ‘Enjoy The Silence’ (Depeche Mode) y nos ayuda mucho cuando tocamos en festivales grandes, cuando no todos te conocen tocas una de estas canciones y la gente se une a tu show. R.E.M. no es de esas bandas que se hicieron famosos con canciones estúpidas, No es de nuestras influencias en sí, pero es una gran canción.”
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un rocanrolero muy pintoresco
TEXTO: ANDRE DULCHÉ FOTO: GERARDO CASTILLO
Hablar de José Fors es hablar de uno de los grandes iconos del rock mexicano, creador de varios proyectos musicales, uno muy diferente a otro, es pintor de profesión y la mente constructiva detrás del Dr. Frankenstein, una ópera rock como pocas. Alguien a quien sólo podemos clasificar como: maestro. Aunque él se considera ante todo pintor (sus estudios, reconocimientos y exposiciones lo confirman) sabe que la gente lo reconocerá siempre como músico, como José Fors, el cantante de La Cuca. Al tener varios planes y muchos de ellos vigentes, tal parece que debe cambiar de personalidad una y otra vez y sí, en un principio le fue muy difícil, sobre todo entre la pintura y la música por ser celosas entre ellas; sin embargo con el tiempo se dio cuenta que es el mismo ser haciendo cosas diferentes, todo está en la disciplina. La Cuca, Forseps, Mask, Duda Mata y Dr. Frankenstein son episodios en su vida que están plasmados en una serie de discos que pasean entre sus gustos más íntimos. Con treinta años de carrera del mexicano-cubano, creador de temas que ahora forman parte del cancionero popular del rock mexicano, no se puede mas que hablar de su andar en las artes.
La CUCAracha inmortal Sin duda el proyecto que más frutos le ha dejado pero también el de mayor reto como él mismo lo dice, ha sido La Cuca (QK). Fors cataloga a QK como “una ilustración, una caricatura y Forseps sería una pintura, porque tanto en esta banda como en la pintura, encuentro cosas muy íntimas y a QK lo veo como un evento social”.
¿Se llegan a confundir los temas a la hora de componerlos para una u otra banda? No mucho, en realidad yo cada vez siento más al de QK como un personaje, siempre lo ha sido pero cada vez es más claro. Es un cambio de personalidad radical cuando salgo al escenario
“Sé que no me voy a morir como José, el pintor o el cantante de Forseps, si no como José Fors, el cantante de Cuca”. Forseps es más yo. Aunque siempre que subes al escenario haces cierto tipo de actuación porque si estás deprimido no te llevas la depresión arriba y la repartes con el público, el show debe continuar y debes ser el personaje por el cual la gente pagó por ver. Eso tiene que ver con ser profesional.
Siendo el de QK un personaje ¿no te ha llegado a hartar? Me sigue divirtiendo y cada vez es más fácil porque es muy estresante y demandante, sí hubo una época donde no me caía bien, no me identificaba con él. Ahora hemos hecho buena amistad y con él me divierto en el escenario. Aparte el cariño de la gente ha alimentado mucho a ese cabrón, eso lo ha saneado.
¿Qué tan difícil es hacer letras para QK? Es muy divertido, estás pensado en albures y en divertir a la gente, primero tienes que divertirte a ti mismo. Tienes que sacar una sonrisa cuando repasas la frase en la mente y tal vez eso también será gracioso a otras personas. Lo difícil es no sólo quedarse en el chiste, que también haya algo de fondo, igual y todo puede sonar a mentadas de madre, pero también
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pólvora hay alguna frase que te hace un click para pensar en algo. Como “gordibuenas” donde se critica la bulimia, porque en México y Latinoamérica la mujer tiende a ser gordita y eso es sabroso, es contra la modelo bulímica y lo que la rodea.
Estas letras, incómodas para muchos parece que no encajan en los modelos del “buen artista” llegando a los vetos… Nosotros nos vetamos antes de que ellos lo hicieran, QK cuando empezó salió mentándole la madre a Televisa y esas mamadas, lo que nos interesa es el anti-status porque todas las bandas de esos días así navegaban, por eso nos buscaban y nos motivaban. En lo auténtico es donde se divide todo, cuando la gente te descubre es cuando gustas, no cuando te meten a las bandas como supositorio.
El lienzo interior La vida de este maestro está dictaminada por su amor a la pintura; haciendo un recuento, ilustró la portada Alma Beta de Kenny y los Eléctricos, entonces fue cuando sus seguidores empezaron a reconocer su verdadera pasión. Sin embargo eso lo hace desde siempre “pinto desde que me acuerdo que existo y lo hago todos los días”, señala.
La música y la pintura son Bellas Artes ¿Pero se pueden complementar? “Me complementan como ser humano, entre ellas no mucho. Obviamente en todas las artes lo básico es la armonía, el ritmo. En un cuadro tienes un espacio delimitado para hacer algo y en una canción tienes un tiempo delimitado, todos los elementos que están ahí tienen que convivir en armonía. Aprender sobre arte es una ayuda pero no a nivel consciente”. Como resulta lógico, la música vende y es más reconocida actualmente que la pintura, como Fors comenta “en México poca gente va a museos o galerías, pero todos escuchan el radio y van a fiestas, es mucho más fácil darte a conocer como músico”. Tal vez, una de las causas de que esto sea así es la educación, “es una lastima que en las escuelas no te enseñen a leer un cuadro como se enseña a leer un libro, es un idioma que tienes que aprender a leer y escribirlo y después tratar de crear el tuyo. La pintura es un idioma que para mí, lo que los separa es que la pintura es lo más intimo, personal, es como meditar y la música es estar en contacto con la gente, un rollo muy social”.
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Mirando en el espejo Tantos años en cualquier profesión y estar vigente durante la gran mayoría de ellos es una tarea que incluye subidas y bajadas pero al final todos te llevan al mismo punto, al presente. Voltear atrás es sano, siempre y cuando desees no cometer el mismo error y para conocerte a fondo, en el caso de este artista, la música es el escape perfecto.
-Después de todos estos años ¿Cuál es tu grati�cación personal más importante? “Poder socializar. Yo era un chavito que no salía de su cuarto, le tenía miedo al mundo, era muy introspectivo. Eso de hablar fluido jamás. Siempre dudaba de todo lo que decía, de mis actitudes ante el mundo. El rocanrol me hace sentir que pertenezco, siendo un cuate que salió de Cuba a los dos años te sientes invitado, por medio de QK me he integrado y siento que todo lo que México me ha dado lo he regresado.
-¿Te has sentido decepcionado? “Muchas veces, la primera vez con Mask recuerdo que me vi en el espejo con la greña y me dije ‘Yo soy pintor, ¿Quién es este payaso?’. Con QK cuando me salí fue también por eso, me puse a pintar pero me salió el tiro por la culata porque nada más me puse a chupar, me perdí en el alcohol, no pinté ni canté, no hice nada, me la pasé de vago, pero bueno, son experiencias de las que aprendes y te disciplinan.
Definiciones de un maestro Jesucristo
Superestrella.Un muchacho de catorce años haciendo el papel de Jesús siendo ateo, que le entró a la ópera rock porque las chavas estaban muy guapas.
Mask.- Un proyecto de rock progresivo, muy
La Cuca.- La banda de rock. Forseps.- Proyecto íntimo más personal
musicalmente hablando, hay mucho rollo autobiográfico, mi lado más serio.
interesante, lástima que no seguimos. Un segundo disco hubiera estado mucho mejor que el primero, estábamos muy jóvenes y pendejos (risas).
Dr. Frankenstein.- Un sueño hecho realidad.
Duda Mata.- De los proyectos que mejor sabor
La Pintura.- Mi vida.
me han dejado, una gran experiencia trabajar con Carlos Sánchez. Es un disco muy depresivo y por eso hice QK, me fui al otro lado, si seguía haciendo eso los fans se iban a suicidar. Casi todos los discos que he hecho son un refrito de Duda Mata.
Orlok, El Vampiro.- Mi nuevo proyecto teatral musical.
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TEXTO: RICARDO ALONSO
MIGUEL MATEOS EL JEFE DEL ROCK EN ESPAÑOL
Corría 1986 cuando Miguel Ángel Mateos llegó a México sin ser más que uno de esos tantos que van con su guitarra al hombro y su música bajo el brazo; pero también sin ser menos que el ex líder de la banda argentina Zas, que abrió los conciertos de Queen e INXS en aquel país del sur de América. El artífice del disco más vendido en la historia del rock argentino: Rockas Vivas y uno de los primeros músicos latinoamericanos que se habían dado el lujo de grabar en Estados Unidos y llegó con este primer material como solista, irónicamente titulado Solos en América. “Cuando Seas Grande”, “Mi Sombra En La Pared”, “Es Tan Fácil Romper Un Corazón” y ”Llámame Si Me Necesitas”, se convirtieron en los hits que lo catapultaron a la fama, a las giras internacionales y a los primeros lugares de la radio. Bandas como Caifanes, Maldita Vecindad y Café Tacvba tuvieron su primera oportunidad como teloneros de quien sería considerado el Jefe del Rock en Español, por abrir el mercado norteamericano.
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Tan pródiga, como duradera, la carrera del cantautor seguiría cosechando éxitos durante casi 30 años y una docena de materiales discográficos.
Renace como los Ochenta La Maldita Vecindad se ha desintegrado, Caifanes se está reencontrando y Café Tacvba permanece encumbrado como la mejor banda de México, mientras Miguel planea un nuevo disco con material totalmente inédito y se sigue preguntando lo que va a ser cuando sea grande. Aboga por recuperar el mensaje y la fuerza de la movida más importante de la música latina, la del rock en español y se da el lujo de criticar el discurso ajeno e incongruente de Roger Waters y su muro. El Jefe del Rock en Español está de vuelta y aunque la escena musical le resulte ahora un tanto ajena, seguirá abriendo brecha, intentando recuperar la mística de los viejos tiempos, camino a la ciudad, con su guitarra, sin molestar a nadie. Sin ser más, ni menos, que Miguel Mateos.
Luis Echeverría Álvarez fue subsecretario de Gobernación durante el gobierno de Adolfo López Mateo;, secretario de Gobernación con Gustavo Díaz Ordaz y después presidente de la República. Durante 18 años, en México había una hegemonía del Partido de la Revolucionario Institucional que abarcaba, entre otras cosas, los medios de comunicación y la cultura. Entre las leyendas urbanas en el mundo del rock, se dice que Echeverría impidió la entrada de Elvis Presley a México en los años 60, a The Beatles les negó el permiso para tocar en 1965 y en 1971 prohibió que John Lennon tocara en el Auditorio Nacional. En septiembre de 1971, Eduardo López Negrete, Justino Compeán y Luis de Llano Macedo, planearon el Festival de Rock y Ruedas en Avándaro (Valle de Bravo, Estado de México). El día 11 de ese mes tocarían grupos como; Amor, Bandido, los Dug Dug´s, Love Army, Peace and Love, El Ritual, Tequila, Three Souls In My Mind, Tinta Blanca y los Yaki. Al día siguiente habría una carrera de autos. Las cosas se fueron de las manos y llegaron, según diversas fuentes; 200 mil chavos de todas las clases sociales, emulando el Festival de Woodstock en Estados Unidos de 1969. Durante el tiempo que duró el concierto los jóvenes se divirtieron y declararon con sus actitudes que el amor y la paz podían tener cabida en México. Es cierto que los servicios médicos atendieron a varios pachecos, pero en nada se puede comparar con los crímenes de Estado que ocurrieron en esos años.
“Bandas de Rock vendrán, Bandas de Rock desaparecerán, Pero el Rock and Roll nunca muere, El cuero es el que se arruga” El Tri, Niño Sin Amor
Periodistas de todo tipo se fueron contra el Festival, reprobaron que miles de mexicanos se divirtieran sin su consentimiento. La publicación Casos de Alarma!, publicó la foto de ‘La encuerada de Avándaro’ y eso fue más que suficiente para que las buenas conciencias se escandalizaran y condenaran el evento. El Festival nunca se transmitió por televisión y la estación de radio XERPM (Radio Juventud) fue amonestada y suspendidos sus locutores por varios meses, cuando algún rockero grito en la transmisión radial: “Chingue a su madre el Gobierno”.
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CHROME DIVISION
ROCK N’ ROLL A TODO VOLUMEN
DESTAPA UNA BOTELLA DE UN BUEN OL’ JACK DANIEL’S, SACA A TU CHICA A BAILAR, PONTE TU CHAMARRA DE PIEL Y POR SUPUESTO, SUBE TODO EL VOLÚMEN. TEXTO: ADRIÁN MUÑOZ
Hay que remontarnos al pasado para encontrar un significado fijo en esta extraña división de géneros. No es nada común (al menos hasta hace unos años) que en Noruega, Finlandia o Suecia, se desatara una ola retro en toda la extensión de la palabra y con todos los géneros existentes en las diferentes etapas del rock. Este grupo vino a forjar un estilo que fortificó a muchos, más aún cuando se supo quién era el fundador del grupo. Qué pretendía un icono del black metal, la música más extrema, con esto, si el rock no es un tema que pase por la mente de muchos asiduos a este estilo. Pero para Stian Tomt Thoresen fue remontarse a sus raíces, a esa lejanía y diversidad musical que muchos desearon vivir, en la época dorada de los años 50 y 60, quizá hasta la siguiente década y no cabe mencionar a ningún exponente con tal de no olvidar a los mejores o principales. A esto hay que añadirle el uso de chamarras de piel, jeans y botas; no sin antes montarse en un majestuoso caballo de acero, claro marcas hay muchas pero la más reconocida es la creada por William Harley y Arthur Davidson. Pues de toda esta combinación es como surge Chrome Division, en el cual, el líder de
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Dimmu Borgir, Shagrath, pone todo su empeño para crear un concepto rock moderno, con influencias enclavadas en Motörhead y Black Label Society. Establecidos en Noruega, la idea se concibe en 1999; aquí, el líder de los blackers toma la guitarra y junto con Lex Icon (Stian Arnesen), fundador de The Kovenant crean este concepto, que se dio mientras ambos ensayaban para Dimmu Borgir, era su manera de desahogo. Aunque planeaban llevarlo a un grado más arriba, había prioridades al pertenecer a una banda ya establecida. No fue si no hasta cinco años después que por fin todo se llevó a cabo; los dos músicos vuelven a reunirse y llaman a Björn Luna (Ashes to Ashes) al bajo y Eddie Guz (The Carburators), como vocalista, también forma parte en la guitarra líder, Ricky Black, músico de blues en el circuito sueco. Así, la alineación completa comienza los ensayos pero al momento de realizar su primera producción, en 2006, Doomsday N’ Rock and Roll, Icon deja la banda y en su lugar llega Tony “White” Kirkemo (Minis Tirith). De este apocalipsis musical sobresalen “Trouble with the Law”, “Serial Killer” y “Chrome Division” y a pesar de tener un estilo lírico definido (Whiskey, Sexo y Rock n’ Roll), el concepto musical no estaba muy bien cimentado, pero tomaba rumbo.
Los conciertos eran esporádicos ya que se daban mientras Shagrath descansaba de las giras con Dimmu Borgir, sin embargo era un común acuerdo y las ideas siguieron fluyendo para grabar una segunda placa, Booze, Broads and Beelzebub, en 2008. De éste se puede decir que por fin tiene el sonido acertado y una gran mayoría de los trece temas incluidos, tiene vida propia, convirtiéndolos en himnos a la vida desenfrenada de muchos rock and rollers, “Wine of Sin”, “The Devil Walks Proud” y “Raise Your Flag”, por mencionar sólo algunas. Contrario a las críticas’ especializadas’, Chrome Division demostró que podía dar más de lo que estaba ofreciendo y mientras la vida
rendía, la mente de Shagrath ya destilaba los suficientes temas para Third Round Knockout, su tercera placa. Cuando todo marchaba sobre ruedas, Guz abandona las filas y es reemplazado por Paul Matiesen (Shady Blue). Para la tercera grabación, se tenía que mantener un sonido igual de rudo y potente como el anterior. No se necesitaba un cambio, todo estaba escrito dos años atrás. Diez son las canciones que dejan respirar ese olor a llanta quemada, alcohol, cigarrillos, mujeres, poker, Cadillac’s y mucho pero mucho rock and roll, el más claro ejemplo “Bulldogs Unleashed”, “7 GStrings”, “Ghost Riders In The Sky y “Unholy Roller”.
En pleno 2012 sólo queda esperar y sabremos lo que los motores nos deparan, mientras tanto:
!Suelten a los perros! 25
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Luego de dos álbumes fracasados comercialmente (lo cual provocó que su mecenas millonario Stanley August Miesegous, los abandonara), le siguieron una tripleta de discos con los cuales comenzarían a despuntar, modificando su sonido de forma radical, lo que los llevó de ser una banda eminentemente progresiva, a otra que, incorporaba muchos elementos melódicos, haciendo sus propuesta más suave, más digerible, sin abandonar del todo sus orígenes. Para la portada del disco contrataron a Mike Doud y Mick Jaggerty, diseñadores con créditos en discos de Led Zeppelin, entre otros. La pareja creativa les entregó un auténtico “gancho al hígado” para la psique estadounidense: A través de la ventana de un avión, y teniendo de fondo la Ciudad de Nueva York; se observa a una simpática y gordita mesera, que alza por todo lo alto una malteada, estableciendo una analogía con la Estatua de la Libertad.
TEXTO: FRANCISCO ZAMUDIO
Breakfast In America, el sexto album de Supertramp editado en 1979, signi�có su punto más alto a nivel compositivo, comercial, y sobre todo, les abrió las puertas a la historia del rock gracias a piezas como “�e Logical Song”, “Goodbye Stranger” y la que bautizó el disco, aunque el camino a dicha cúspide no había sido nada fácil. 26
La tapa del disco, el título y una canción inicial como “Gone To Hollywood” impactaron de inmediato en el gusto del público estadounidense, quien lo llevó al número uno de las listas durante seis semanas, dándoles también un disco de platino por ventas. Desde entonces, Breakfast In America se convirtió en un clásico y en uno de los álbumes más comercializados de todos los tiempos. Algunos cálculos lo sitúan en el orden de las 18 millones de copias vendidas alrededor del mundo. La fórmula de aligerar los excesos en los arreglos propios del rock progresivo, permeó muy profundo en piezas como “The Logical Song”, “Breakfast In America”, “Goodbye Stranger” y “Take The Long Way Home”, mismas que llevaron a Supertramp a transformarse en una poderosa fuerza artística y comercial. No obstante, lo que siguió fue un rápido proceso de descomposición artística al interior de Supertramp, que provocó primero la salida de Roger Hodgson y tiempo después la completa separación del grupo.
JOHNNY CASH PRESIDIARIO POR ELECCIÓN
El contacto del enigmático Hombre de Negro con las cárceles se dio por medio de películas; su afición creció cuando era miembro del Servicio Aéreo de la Fuera de Seguridad en 1953, cuando proyectaron para toda la unidad de Cash la película Inside the Walls of Folsom Prison. En vez de que se quedara como una simple impresión, esta cinta le sirvió para crear una de sus primeras canciones, “Folsom Prison Blues”, en la que relata el sentir de los prisioneros y que fuera número uno en EU, en 1955.
Fue tanto el éxito obtenido, que el músico recibió cartas de todo el país agradeciéndole la canción y pidiéndole que fuera a las cárceles a tocar. La primera visita de Cash a una prisión fue en 1957 en la Huntsville State Prision; la cual fue un parte aguas para empezar a dar una gira por estas instituciones. Después de varios shows, la idea de era grabar un disco desde la prisión, lo cual fue rechazado por parte de Columbia Records, hasta que llegó su nuevo productor Rob Johnson, quien aprovechó los problemas de la empresa en 1967 y revivió esta intención . Contactaron a dos penitenciarías, San Quentin y Folsom Prision, siendo esta última la primera en
contestar. El 13 de enero, Cash junto con su esposa June Carter y su banda The Tennesse Three, llegaron a la cárcel para hacer dos conciertos, uno de los cuales se convertirían en uno de los discos más vendidos con más de 500 000 copias, llamado At Folsom Prision. En palabras de Cash “ahí es donde las cosas realmente se iniciaron para mí otra vez”, ya que el gran éxito del álbum hizo que ABC le ofreciera su propio programa de televisión y por su parte, Columbia grabó otro álbum desde la prisión en 1969, A San Quintín - el primer álbum de Cash que alcanzó el # 1 en las listas de éxitos-.
TEXTO: ANDREA QUINTANA
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EXUMER
TEXTO: ADRIÁN MUÑOZ
“Un día alguien dijo FUCK YOU y así, dos semanas después me salí de la banda; pero seguimos siendo muy buenos amigos”
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Cuál consideras que es el mejor al- mejor manera sería haciendo una banda, tocar, hacer gibum de la banda? Bueno no me gusta decir el mejor pero sí uno de los clásicos del grupo sería Possessed By Fire, además del nuevo, Fire & Damnation. Quizá si lo ponemos en un orden de importancia, sería Possessed... el que yo nombraría como “mejor”. Pero estamos también muy emocionados por el nuevo material.
Por qué es tan especial Possessed By Fire? Bueno es que es un clásico y todas las ideas que tuvimos para hacerlo, todo el proceso para estar juntos en una banda, toda la energía que utilizamos, estuvo puesta en éste. Todos estuvimos dispuestos a darle esa intensidad que se necesita en un principio. Era excitante estar en una banda y también tener esa posibilidad de vernos juntos en una grabación.
Qué pasó cuando se separaron? Bueno, eramos realmente muy jóvenes y pues eso afecta. Somos muy buenos amigos, todos. Solíamos pelear, pero eso me gusta, es muy bueno, somos como una familia y pues un día alguien dijo (bromeando) FUCK YOU y pues así estuvimos peleando y dos semanas más tarde Paul, nuestro ex guitarrista fue a verme a mi trabajo y le dije que quería hacer otro proyecto, más enfocado al hardcore, algo así como Cro-mags y esa fue la razón por la cual me retiré de la banda pero seguimos siendo muy buenos amigos.
En qué momento decides darte otra oportunidad con Exumer? Eso pasó cuando Paul vino a Nueva York conmigo en 2007 y estuvimos platicando con Ray y pensamos porqué no compartir tiempo juntos nuevamente, aunque la dificultad de que Ray vive en Alemania, Paul en Hawaii y yo en Estados Unidos y pues la
ras y pues así podríamos vernos a pesar de la distancia.
Cómo tomaste el que la banda fuera creciendo y llegó a ser un icono de la escena del thrash metal? Bueno yo siempre he sido parte de la escena y esto fue sólo una extensión de la banda, entonces el vivir el metal es algo que haces día a día. Es normal. Sabes lo que está pasando. Entonces me dí cuenta de la importancia que tenía Exumer hoy en día. Es por eso que ahora salimos nuevamente a tocar.
Cuál es la magia de las bandas de la vieja escuela del thrash metal? Bueno es que no hay una fórmula. Pienso, una vez más que bandas como nosotros no entramos en un estudio pensando en ser o hacer algo así, como ahora que todos dicen vamos a entrar a grabar un gran disco. No, de hecho todos los discos que tú puedas escuchar se hicieron así, tienen errores, no son perfectos. La mayoría de las grabaciones sonaban como “demos”, pero pensando en eso, nosotros únicamente buscamos algo especial en el sonido, en la energía, en la manera de tocar y eso es lo que ahora escuchas. No podemos entrar al estudio y hacer las cosas y sonar como en 1985, no es lo mismo. Todo ha cambiado. Incluso la gente ya no toca como en ese entonces, ahora todo es mejor. Pero sí podemos grabar pensando en los ochenta, porque simplemente fuimos unos jóvenes que tuvimos esa oportunidad. Esa es la magia.
Y lo que nos representa es el fuego, hay que cruzarlo para estar del otro lado. Es un elemento muy fuerte.
Qué hay detrás de las letras? La idea de crear un album es que tenga el espíritu y la energía de lo que hicimos en nuestra juventud, porque seguimos teniendo esa energía, la pasión y agresividad como en 1989. Nos dimos cuenta que a pesar de haber pasado veinticinco años, seguimos siendo los mismos y nuestra mente sigue igual y tomamos eso para el nuevo mundo que vivimos. Pero las producciones de ahora son mejores y nosotros somos mejores músicos. Esa es la idea.
He leido que realizaron uno de los discos más poderosos del género. Qué hizo que esto fuera real? Hacerlo real era ver tus opciones y tomar toda tu pasión y honestidad; tener la actitud para grabar en el estudio y hacerlo real. Dijimos, hay que hacer las cosas lo más orgánicas posible. Sólo tuvimos tres semanas para ensayar las nuevas canciones, eran aproximadamente dieciocho horas seguidas y eso nos hizo sentir una verdadera banda. Yo vivo en Nueva York y también nuestro bajista y el resto viven en Alemania, entonces no podíamos tener tiempo para hacerlo. Para nosotros era muy importante no enviarnos archivos por internet, si no estar juntos el mayor tiempo posible. Para grabar debiamos tener la actitud y plasmarla en el album. Porque si lo amas lo harás. A la gente le escuchó en
gusta este
lo
que disco.
Qué canción crees que sea la que los representa totalmente? Cómo fue el primer ensayo luego de tantos años? Fire & Damnation, porque es una canción acerca de nosotros. Es lo que hemos pasado, lo que sentimos, lo que nos sucedió, con otras bandas, con amigos.
Fue muy curioso porque no sabíamos qué hacer (risas). Las cosas que solíamos hacer tuvimos que aplicarlas para que nos saliera.
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foto: andre dulchĂŠ
jane’s addiction
30 adanowsky
jerry only / Misfits
foto: rock tejadio
foto: gerardo vila
foto: abril tovar foto: adriĂĄn muĂąoz
rbk / Abominables
tony iommi / Black sabbath 31