El pez en la licuadora

Papel Certificado por el Forest Stewardship Council®

Primera Edición Febrero de 2021

Autor: Ni c o l á s Vá s q u ez

Corrección Editorial: Karol Campuzano

© 2 02 0, I n sti t u to Met ro p ol i tan o de Diseñ o

To dos l os D e re ch os Re ser va d o s

© 2 02 0, fo to g ra f ía s de do m ini o pú b li c o

ISBN: 978-9942-41-051-1

E s te l i b ro fue d iseñad o c o n las ti po g ra f í as Thei n h a rd t , Athelas, Eckmann p sych y l et te r ing h e c ho a man o p o r m í

Queda prohibida, sin la autorización escrita de los titulares de copyright, la reproducción parcial o total de esta obra por cualquier medio o procedimiento, incluidos la reprografía y el tratamiento informático, así como la distribución de ejemplares mediante alquiler o préstamo público. Cualquier uso parcial no autorizado será motivo de sanciones establecidas en la ley ecuatoriana.

Mira a tu Alrededor

Esto no es una orden, es solo una sugerencia. Tu puedes hacer lo que quieras. ¿Qué quieres hacer?

El Pez en la Licuadora.

La Escuela de Atenas de Rafael Sanzio es probablemente la obra que encapsula de manera más completa uno de los conflictos centrales del renacimiento. Es un fresco pintado en uno de los cuartos que ahora son conocidos como las Estancias de Rafael en el Palacio Apostólico en el Vaticano. El cuarto en el que esta se llama “El Cuarto de la Signatura,” era un estudio donde se encontraba la biblioteca del Papa Julio II. La destreza técnica aplicada por Rafael es quirúrgica, hay un manejo de perspectiva, de luces y sombras que solo podrían ser logradas por un maestro.

El eje central de la obra (la cual era básicamente un “quién es quién” de la filosofía clásica occidental) es Platón, curiosamente, representado por Leonardo DaVinci, uno de los maestros de Rafael, apuntando al cielo y un Arístoteles joven apuntando al espectador, al mundo. Después de apreciar la belleza de esta obra por un tiempo (no te preocupes, no estamos con prisa) algunas preguntas pueden empezar a surgir. ¿Qué quiere decir el artista? ¿Cual es el contexto? Estas preguntas no pueden ser respondidas por nadie más que por ti.

Fig. 01

Raffaello Sanzio da Urbino LA ESCUELA DE ATENAS

INTRODUCCIÓN

Entonces, Intentemos responderlas, vamos por la primera: ¿Qué quiere decir el artista? Esto es un poco complicado de responder, hay algunas teorías que nos dicen que esta pregunta es irrelevante, el artista pintó lo que pintó, nosotros le damos el significado, dejaremos ese tema para después. Es claro que habia una intención en cada uno de los elementos de esta pintura, no es una foto, las cosas están ahí con un propósito específico. Esta obra particularmente, tiene muchos pequeños secretos que son interesantes, si te pones a buscarlos. Pero nosotros vamos a preocuparnos principalmente en los sujetos centrales, Platón y Arístoteles y en lo que están haciendo. Platón fué el profesor de Arístoteles, el creía que el hombre había sido bendecido con conocimiento innato que viene del Mundo de las Formas* el creía que el mundo físico era solo una sombra de este otro mundo intangible, del mundo real. Arístoteles creía que uno podía llegar al conocimiento solo a través de la experiencia. Estas dos ideas son centrales para el desarrollo del pensamiento occidental, así como Arístoteles y Platón las discuten para siempre en una pared de un cuarto en el vaticano, Nosotros las discutimos también. Este dialogo entre la obra y la vida real es algo que hace que el arte deje de ser solo “formas bonitas” y empiece a realmente tener un impacto en la manera en la cual pensamos y actuamos.

Esto nos lleva a la segunda pregunta: ¿Cuál es el contexto? Básicamente, El papa Julio II quería tener la biblioteca más linda de todo el palacio y contrató a un joven artista de Urbino. Esto era común para la epoca, la gran mayoría del arte que ahora conocemos fué comisionado por la iglesia. En un momento en el cual pocas personas sabían

leer, las imagenes tenían aún más poder del que tienen ahora. Sin embargo, el arte de Rafael, y tal vez esta obra en mayor proporcion que las demás, trasendió estos requerimientos iniciales. Ahora nadie conoce del papa Julio II, uno de los hombres más poderosos de su época, y Rafael fue enterrado en el panteón en Roma.

Pero bueno, ¿esto qué tiene que ver con un pez y una licuadora? Aunque no lo creas, el fresco de Rafael y esta obra por Marco Evaristti tiene más en común de lo que aparentan.

Marco Evaristti

Helena es una instalación que abrió en el Museo de arte Trapholt en Dinamarca, en el 2000. En cuanto a técnica, en el sentido clásico, no se necesita mucha, Marco colocó 10 peces dorados dentro de 10 licuadoras (una licuadora por pez) e invito a los espectadores a prender las licuadoras.

Inevitablemente, uno de los asistentes a la exposición presionó el botón, licuando a uno de los peces, y causando una controversia mediatica. Un tiempo después, en una entrevista, Marco dijo que una de las cosas que aprendió de la obra fué como podemos ser divididos en 3 categorías: el sádico que presiona el botón, el mirón que disfruta de ver las acciones de las demás personas, y el moralista que nos dice que estamos mal por hacer la pregunta. ¿En qué grupo crees que entrarías tú?

“HELENA”

PRE GUERRA 1850-1914

Nuestra historia empieza, cómo muchas de las historias que contamos hoy en occidente, con gente rica en europa con demasiado tiempo

Hermandad Pre-Rafaelita*, que es de nuestro interés para entender un poco como los diferentes movimientos del Arte (y el diseño) se afectan entre sí. La Hermandad Pre-Rafaelita fué fundada en 1848 con un objetivo en particular, regresar al detalle abnundante, colores intensos y composiciones complejas del arte Quattrocento italiano. Se llamaban a si mismos Pre-Rafaelitas porque creían que las composiciones elegantes

Autor Desconoocido

y poses clásicas exhibidas en el arte de Rafael habían que el arte tenía propósitos muy claros, registrar la historia, y la mimesis o imitación de la naturaleza. Ellos no tenían forma de saber que 40 años después de la fundación de su hermandad, George Eastman solucionaría para siempre este problema al inventar la primera cámara comercial de película celuloide, así que no los vamos a juzgar demasiado fuertemente La hermandad se disolvió después de solo 5 años, pero nos sirven de ejemplo para entender un poco más el sentimiento de la élite de la época hacia el arte y su propósito en la sociedad.

ORNATE CARVED WALNUT SOFA COUCH WITH LION FIGURES

Fig. 02

Se veía mucho el oranamento, las flores, la naturaleza, el cuerpo humano, específicamente el femenino, cómo un objeto de deseo y admiración. Cualquiera que observe un poco del arte y los objetos producidos durante la epoca pueden notar claramente que había una preocupación muy grande por la belleza de las cosas. Tal vez el único problema es que al pensar en la belleza como propósito singular de arte, empezamos a tener muchas restricciones sobre el tipo de arte que es producida. Este efecto reverbera hacia el tipo de objetos que se producen, la arquitectura que se construye, y la comida que se cocina.

“El arte por el bien del arte” nos dejó con muchas obras fantásticas, no solo desde el aspecto técnico. También ayudó a generaciones de artistas seguir progresando sus disciplinas, yendo cada vez más allá, empujando los limites de lo que creían posible. Solo a través de años de este ejercicio repitiendose, es posible preguntarse que sigue despues de la mímesis.

Fuera del mundo del arte, los imperios de occidente tenían más riqueza y poder del que sabían manejar. La expansión hacia África y el Caribe había resultado en un nuevo status quo. Estabamos en el futuro, y el futuro pintaba bien para Europa y Estados Unidos.

Fig. 03

Dante Gabriel Rossetti LA GHIRLANDATA

“EL ARTE ES UNA LÍNEA AL REDEDOR DE TUS PENSAMIENTOS”

Pero no todo era tan sencillo como parecía. El único problema con el imperialismo (bueno, tal vez no el único, pero uno de los más grandes) es que eventualmente te quedas sin tierras que “conquistar”. Luego tienes que conquistar las tierras que alguien más ya conquistó.

Las tensiones crecían más y más en Europa, la industrialización había alienado a una gran parte de la población, que cada vez trabajaban más y recibían menos. Veían cómo los dueños de las grandes empresas se volvían más ricos a cuesta de su labor. Algo tenía que ceder.

Sería lógico que el resentimiento a la burguesía se extendiera más allá de lo económico y pasará a lo cultural. El arte siempre ha tenido una utilidad, los pueblos originarios lo usaban para contar historias, la iglesia para indoctrinar, la burguesía para mostrar su riqueza. La nueva clase trabajadora la utilizaría para organizarse. Varios grupos nacionalistas empezaron a propagarse por Europa, nuevos métodos de esparcir información fueron de extrema utilidad para ellos. Era cuestión de tiempo hasta que La Mano Negra*, un grupo terrorista, aprovechara la visita del duque AstroHungaro a su país para mandar un mensaje. Serbia seguiría siendo independiente.

Astro-Hungría respondió, Rusia se movilizó para defender su alianza con Serbia, Alemanía declaró su intención de guerra contra Rusia, y así comenzó “La Guerra para Terminar Todas las Guerras.”

Pero no nos distraigamos tanto, para los propósitos de este escrito, lo que realmente importa es que sucede con el arte en un ambiente completamente desestabilizado por la guerra, la miseria y el hambre. ¿Qué pasa cuando las flores y cátedrales que tanto nos gustaban pintar ya no existen? El futuro de Europa ya no era tan brillante como lo fué a finales del siglo XIX

La frase de Gustav Klimt que está en esta página nos ayuda a entender un poco más a que nos referímos con el “propósito” del arte. La habilidad que tiene el arte de ayudarnos a materializar nuestras ideas, nuestros propósitos colectivos, ningún otro método de expresión se le acerca. Este es el punto de la historia en el cual entra en juego el diseño como lo conocemos ahora. Voy a intentar definirlo de la mánera más general y concisa posible. El diseño es una serie de disciplinas que involucran la manipulación de materiales, físicos y digitales, para cumplir un propósito específico. Okay, ahora podemos continuar.

“HEREDERO AL TRONO DE AUSTRIA ES ASESINADO”

Fig. 04

Achile Beltrame

ASESINATO AL ARCHIDUQUE FRANZ FERDINAND

INTER GUERRA

“LA DESTRUCCIÓN TAMBIÉN ES CREACIÓN”

Fig. 05

Marcel Duchamp

FOUNTAIN

Probablemente sea solo una coincidencia que el inodoro de Duchamp y el fin de la Gran Guerra vinieran a menos de un año de diferencia el uno del otro. Se podría argumentar que agarrar un innodoro, firmarlo y exhibirlo en un museo no es arte. Esta obra no es la primera de su tipo, una especie de rebelión al mundo elisita de las galerías y los precios exhorbitantes que se pagaban por cuadros de paisajes, caballos y barcos. Pero por alguna razón, si es la más famosa, entonces vamos a utilizarla como punto de partida para hacernos algunas preguntas.

¿Qué hace al arte, arte? ¿Es su belleza? ¿Quíen juzga si algo es bello? ¿No nos han dicho incontables veces que la belleza es subjetiva? Cuando algún padre nos muestra el dibujo que hizo su hijo de 4 años como si fuera el objeto más hermoso que han visto sus ojos, ¿Por qué nos parece a nosotros solo un grupo de garabatos? Capaz ahí está nuestra primera pista. El contexto importa. El arte solo llega hasta la mitad del camino, nosotros debemos caminar el resto. Tenemos que darle tanto cómo nos da a nosotros. Nadie nos puede decir que obras son valiosas para nosotros, es algo que tiene que hacer cada uno por su cuenta. Durante el periodo inter guerras estas preguntas se empezaron a propagar también a otros oficios. La Bauhaus buscaba separar las bellas artes de las artes aplicadas,* también volver a juntar la manofactura y la creatividad. La revolución industrial nos había quitado algo, la conexión con los objetos de todos los días. Estas interacciones se habían vuelto completamente utilitarias, un grupo de hombres y mujeres en Alemania creían que podían ser bellas, también.

Fig. 06

Marcel Breuer WASSILY CHAIRS

Es indiscutible el impacto que tienen los objetos con los que interactuamos todos los días en nuestro estado de anímo, estas no son preocupaciones de las clases altas. Mi abuela estaba acostumbrada a su cafetera, bueno, tal vez cafetera es una definición demasiado generosa. Era una olla pequeña que ella usaba para calentar el agua para luego filtrar con el café. Un día mi mamá la reemplazó por una cafetera de verdad, una con botones y temporizador y hasta una alarma suave que te avisa cuando está listo. Mi abuela no la utilizó ni una sola vez, se volvió a comprar una nueva versión de la olla que tenía.

Walter Gropius, el arquitecto que fundó la Bauhaus (“Casa Edificio” en alemán) creía que si se podían unir estas dos preocupaciones, belleza y utilidad. Forma y Función. Se pueden encontrar fuentes de información sobre la bauhaus mucho más extensas y profundas de las que yo podría resumir en un par de parrafos (tenemos mucho territorio por cubrir) así que no voy a intentar. Pero fué una institución que cambió para siempre como la industría creativa se abordaba en Europa y América. Cambiaron 3 veces de sede, desde Weimar a Dessau, y de Dessau a Berlín, donde en 1933 tuvieron que cerrar sus puertas por presión del régimen nazi* por esparcir su política comunista. Pero probablemente hasta los nazis se beneficiaron un poco de la información impartida, ya que probablemente no exista un ejemplo del uso de las artes aplicadas para fines terribles más efectivo que la campaña de propaganda desplegada por el regimen durante este periodo.

Esta campaña que llevó a Europa a sus años más oscuros hasta la fecha. Leni Riefenstahl dirigió “Triunfo de la Voluntad.” Una espectacular producción que realmente pone a prueba la etiqueta de “documental.” Se ven cientos y miles de soldados, en formación perfecta, aguilas doradas del tamaño de pequeños edificios, banderas con el símbolo del partido de varios pisos de altura, ondulando sobre el alto mando del partido nazi, entre ellos, Adolf Hitler, el canciller de alemania. Estas documental fue ensamblado con más de 60 horas de material capturado durante los 4 días del rally que hubo en Nuremberg en 1934, un año después de que Hitler asumiera el mando del partido.

Es interesante que los nazis fueron quienes acuñaron el termino “arte degenerado” para lo que ellos denominaban arte sin mérito, usalmente arte que se realizaba con cualquier otro propósito que no sea admirar las virtudes de la raza aria. Joseph Goebbels, el ministro de propaganda para el partido organizó una exposición de este arte degenerado cómo una iniciativa para degilitimizar cualquier arte que no esté alineada a los objetivos del partido. Ellos conocían el poder revolucionario que tenía el arte popular, y lo veían como una amenaza.

Así que, cuando juzguemos una obra como “degenerada” o sin mérito artístico, tenemos que preguntarnos, ¿Para quién no tiene mérito? sucede una y otra vez, que el arte hecho por gente pobre para su expresión suele ser juzgado más estrictamente que el arte por el bien del arte

“ENTARTETE KUNS”

Fig. 07

Leni Riefenstahl TRIUMPH DES WILLENS

POSGUERRA 1945-1999

Fig. 08

Mark Rothko SIN TÍTULO

Nos adelantamos la guerra más sangrienta de la historia de la humanidad hasta la fecha. El teatro europeo cambió para siempre, en los 6 años (más o menos) que duró la guerra, Francia, Italia, Alemania quedan completamente devastadas, Inglaterra igual, aunque en menor grado. La era de oro había terminado definitivamente. Pero hacia el este la Unión Soviética, y hacia el oeste Estados Unidos, emergen como nuevas potencias mundiales económicas, sociales, tecnológicas y artísticas. La guerra realineó las ambiciones de todos los países involucrados por las próximas decadas.

control de Berlín en 1945. Utilizaron este nuevo poder para anexar los estados bálticos, y establecer gobiernos alineados con sus propósitos en Europa central, el este, en China y Korea del Norte. Estos gobiernos llegaron a ser conocidos como el bloque oriental, en contraposición con los gobiernos alineados con Estados Unidos, el bloque occidental.

Esto es un poco de contexto para lo que se viene, La guerra fría fué el nombre que se le dió a las tensiones que se formaron entre ambos bloques después de la guerra. Estas tensiones se expresaron en varios ambitos, pero nosotros vamos a enfocarnos principalmente en la intersección del artístico con el tecnológico. El arte para ambos superpoderes siguió desarrollandose, de diferentes maneras.

En Estados Unidos, el principal desarrollo fué el de la comercialización de las artes, su asimilación a todas las industrias se volvió indispensable, había mucho que vender, y la gente tenía que ser convencida de alguna forma. La música empezó a democratizarse cada vez más, escenas independientes de escritores, músicos, escultores se conglomeraban en las grandes ciudades donde intercambiaban ideas (entre otras cosas.)

En Estados Unidos era un nuevo amanecer, con la creación de la bomba átomica, no existía un superpoder en la tierra que le pudiera hacer frente. La industría de guerra enriqueció a toda la población, cada vez más parejas jovenes se mudaban a los suburbios. Todas ellas necesitaban carros, lavadoras, cocinas, vajillas, licuadoras. Estos procesos tenían que industrializarse a un paso nunca antes visto. Parecía que el dinero crecía en los árboles.

En la Unión Soviética, la historia era otra, Stalin había consolidado su poder definitivamente. La Armada Roja terminó la guerra en Europa al tomar

En la Unión Soviética, el partido de Stalin hizo uso del arte y el diseño para mostrar una ideología unificada. China, la Unión Soviética, Korea del Norte y Cuba todos tenían estéticas similares, estéticas rígidas, consistentes, pero llenas de color y expresión. Una idealización de lo que podría llegar a ser un mundo gobernado por la clase trabajadora. Un mundo post-racial, postdinero, post-estados.

El espacio que las obras de arte ocupaban en la ciudad empezó a mutar también, permeando más y más de las calles. Se logró la democratización de la disciplina artística, probablemente esto solo pudo haber sido posíble acompañado de avances sociales paralelos. La clase media estaba creciendo, y esta tenía distintas prioridades. Poco a poco el rol de la mujer, de la gente negra, de la gente gay fue cambiando. Aún falta mucho camino por recorrer, pero gracias al trabajo de estos grupos, ahora vivímos en una sociedad mas equitativa y diversa.

El diseño empezó a madurar, probablemente debiudo al crecimiento de la clase media a nivel mundial, y su ingreso dispensable, a convertirse en un sector económico como cualquier otro. Habían más carros de diferentes tipos, más casas cada vez más grandes. Estas casas tenían que llenarse de cosas.

Nuestras casas siempre han sido una extensión de nuestras personas. Y, asimismo, juzgamos las casas de las demás personas como las juzgamos a ellas. ¿Has ido a la casa de un amigo que

consideres “limpio” y resulta que su casa no es para nada limpia? ¿Qué pasa cuando entramos al cuarto de una chica que es fan del black metal, usualmente vemos bastante negro, verdad? Estos son ejemplos bastante obvios y generales, pero es algo que considerar para cuando entremos a algún espacio en particular. Estos espacios no son estrictamente utilitarios por más que lo parezcan. Hasta la persona más minimalista decora sus espacios considerando sus intereses. ¿Por qué hacemos esto? ¿Qué rol cumplé en nuestras vidas estos elementos que, al parecer, son solo decorativos?

LOUNGE CHAIR AND OTTOMAN

Podemos ver tendencias muy marcadas, tal vez por nuestra próximidad a ellas, pero podemos observarlas claramente. Una silla hecha en los años 50 se ve muy distinta a una silla hecha en los años 80. Las formas, los materiales, las técnicas de producción cambian con los tiempos, pero para el diseño, no es una secuencia necesariamente lógica, cómo la que vemos en las ciencias duras. ¿A qué se debe esto? Estas son preguntas que parecen sencillas pero son muy complicadas de responder. Ahí es donde podemos diferenciar el diseño y el arte de cualquier otra práctica.

No existen lineamientos objetivos de valor o de progreso objetivos, más alla de que si algo funciona técnicamente. ¿Tiene cuatro patas? ¿Tiene una superficie para apoyarse? funcionalmente es una silla. Pero, ¿Nos hace sentir agustos? ¿Tiene sentido en el espacio en el que la estoy colocando? ¿Se parece a mí?

Esta es probablemente la sección de este libro con más preguntas, es a propósito, considera la silla que está en la parte superior. Mira con cuidado cada parte de ella, entenderás su función.

Fig. 09

Charles y Ray Eames

Ahora tenemos un poco más de contexto histórico sobre como el estado del mundo afecta todo lo demás. Realmente no podemos entender al arte o al diseño de algún lugar o momento específico sin conocer su ambiente político, su economía, su cultura y sus valores. Tras la caída del muro de Berlín en 1991 y la disolución de la Unión Soviética, habíamos llegado al fin de la historia, el capitalismo democrático triunfó, no nos quedaba más que descansar sobre nuestros laureles y continuar indefinidamente hacia el futuro, sin mayores cambios a nuestros sistemas de gobierno, sociedades o economía.

Sin embargo, la historia continuó, el arte, también. Nuevos desarrollos en los campos de la computación y la tecnología de la información nos habían llevado al internet para uso privado a un precio suficientemente accesible como para que cada vez más personas esten conectadas entre sí. La verdadera democratización de la información, todo el mundo estaba disponible. Un desarrollo importante fué que como sociedad nos dimos cuenta que el privilegio de diseñar nuestro futuro no debería asignársele a ningún grupo pequeño de personas pudientes, sino que podríamos diseñarlo todos.

Esto no viene sin una serie de problemas, problemas que Jean Baudrillard postula en su tratado “Cultura y Simulacro,” exáminando la relación entre la realidad, los símbolos culturales de los medios que consumimos y nuestra sociedad. El describe las cuatro etapas de cómo la copia de algo se convierte en simulacro puro.

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Jean Baudrillard 1981

“SIMULACRES ET SIMULATION”

La primera etapa es una imagen/copia fiel, donde creemos, e incluso puede ser correcto, que un signo es un “reflejo de una realidad profunda”, esta es una buena aparición, en lo que Baudrillard llamó “el orden sacramental.”

La segunda etapa es la perversión de la realidad, aquí es donde llegamos a creer que el signo es una copia infiel, que “enmascara y desnaturaliza” la realidad como una “apariencia maligna, es del orden de la maleficencia”. Aquí, los signos y las imágenes no nos revelan fielmente la realidad, pero pueden insinuar la existencia de una realidad oscura que el propio signo es incapaz de encapsular.

La tercera etapa enmascara la ausencia de una realidad profunda, donde el signo pretende ser una copia fiel, pero es una copia sin original. Los signos y las imágenes pretenden representar algo real, pero no tiene lugar ninguna representación y las imágenes arbitrarias se sugieren simplemente como cosas con las que no tienen relación.

Baudrillard llama a esto el “orden de la hechicería”, un régimen de álgebra semántica donde todo el significado humano se conjura artificialmente para aparecer como una referencia a la verdad (cada vez más) hermética.

La cuarta etapa es un simulacro puro, en el que el simulacro no tiene relación con ninguna realidad. Aquí, los signos simplemente reflejan otros signos y cualquier pretensión de realidad por parte de imágenes o signos es sólo del orden de otras afirmaciones similares. Se trata de un régimen de equivalencia total, en el que los productos culturales ya no necesitan ni siquiera pretender ser reales en un sentido ingenuo, porque las experiencias de la vida de los consumidores son tan predominantemente artificiales que se espera que incluso las afirmaciones de la realidad se expresen en artificial, “hiperreal”. “términos. Cualquier pretensión ingenua de la realidad como tal se percibe como desprovista de autoconciencia crítica y, por tanto, como demasiado sentimental.

Fig. 10

Flexsteel

TUNNEY CHAIR

“SIMULACRES ET SIMULATION”

Baudrillard creía que el orden de los signos tenían como consecuencia la falta de distinción entre la realidad y los simulacros, y que esto se originaba en varios fenómenos. Uno de ellos, La urbanización, que separa a los humanos del mundo no humano, y re-centra la cultura alrededor de sistemas de producción que causan alienación. Cada vez nos alejamos más de la naturaleza, y de las otras personas. No es díficil ver que la proliferación de las redes sociales en la última década es un síntoma de la falta de conexión que sentímos día a día. Las formas de relacionarnos entre nosotros se vuelven más escasas en un mundo digital.

Richard Dawkins acuñó el término “meme” para referirse a cualquier entidad cultural con la capacidad de replicarse. Es una unidad de transmisión cultural que pueden ser percibidos solo por los sentidos.

No podemos hablar de estética en el siglo XXI sin hablar de los memes y su impacto. Los memes, como los conocemos ahora, son el arte popular de nuestra sociedad. Pueden ser hechos por cualquier persona, y rara vez tienen autor, se propagan por sus propios méritos. Por alguna razón, intentos inórganicos de popularizar algún meme son completamente transparentes, y rechazados. Probablemente esta sea la única razón por la cual es uno de los pocos espacios artísticos que no ha podido ser usurpado por corporaciones.

Entonces, pasamos a través de la revolución industrial, dos guerras mundiales, la invención del internet y dos recesiones económicas mundiales.

estéticas en el arte y como estas permean todos los aspectos de la vida moderna. Sin embargo, entiendo que no hemos podido llegar a

Pero tal vez ahora que estamos más informados tal vez podemos hacer mejores preguntas. ¿De qué nos sirve todo esto? ¿Por qué preocuparnos por estos temas? ¿Acaso no hay cosas más importantes que discutir sobre arte y diseño? ¿Alguien quiere pensar en los niños?

Sin embargo, ya estamos aquí, tenemos a nuestro favor el hecho de que en la posmodernidad todo es relativo (esto es una sobresimplifación) entonces nosotros podemos decidir a qué darle importancia. Mi propósito al escribir esto nunca fué decirte qué es valioso ni cómo decorar tu casa, sino equiparte con un nuevo lente sobre el cual ver las interacciones que tienes con las cosas y experiencias con las que te rodeas.

En un día promedio, ¿cuántas interacciones positivas tienes con objetos? Mi abuela sabía que todos los días tenía al menos una, con su olla para hacer café. Me decía que le gustaba que por su forma particular, sabía exactamente cuanta para preparar 3 tazas de café. Pero no era solo costumbre. La olla tenia una forma similar a la de un reloj de arena, un poco más angosta en el centro. Un pequeño pico para echar el agua, esta forma cumplía una función, si, pero también era bella, al menos para mi abuela.

¿Hay un objeto así en tu vida? algo que sabes que consistentemente va a darte un momento agradable. Tal vez no es un objeto, podría ser una canción, una película, un cuadro, tu plato favorito. ¿Sabes cocinarlo? tal vez no lo haces porque a tu mamá le queda mejor. Pídele que te enseñe.

Para mí es mi bicicleta, tiene una sola velocidad, es plateada con ruedas de colores. Probablemente es la herramienta menos adecuada para moverme por la ciudad (Quito tiene demasiadas cuestas) pero cuando estoy sobre ella, no existe una sensación igual. Es recreación pura, no lo hago para nadie más que para mi. Me hace feliz.

MIRA A TU AL REDEDOR ¿ S E S IENTE

Ahora, regresemos a la licuadora. Recordemos que el punto de todo esto es hacernos mejores preguntas. ¿Qué nos hace sentir esta obra? ¿Nos incomoda esta sensación? ¿Se siente bien? Esas son las preguntas que deberíamos estar haciendo cuando nos encontramos frente a una obra. Preguntas como “¿esto es arte?” no deberían preocuparnos. Son paredes que bloquean la conexión que podríamos tener con la obra en si. Hay que observar, tocar, probar, escuchar con intención. La obra solo va a llegar hasta la mitad del camino. Debemos caminar el resto.

Licuar al pez es solo la forma que toma el mensaje, el mensaje que Marco nos quiere mandar es un poco más complejo que esto. Nos obliga a cuestionarnos el rol que cumple el arte en nuestras vidas, cómo nos puede enseñar más sobre nosotros mismos y el mundo que nos rodea. Difuminando la linea entre el artista y el espectador, nos volvemos parte de la obra. Es

sentímos. Pero igual, al buscar solamente replicar el mundo natural estamos haciendo uso limitado de lo que el arte puede ofrecernos. Entonces, esfuerzo inútil. Lo único que realmente importa

es la conexión personal que podemos formar a través del arte. La próxima vez que estes dentro de un espacio nuevo, observa como te relacionas con el. Tal vez le falta algo: cálidez, luz, color. Solo a través de nuestros sentidos podemos especular sobre cómo pueden ser nuestros espacios.

Podemos imaginar un futuro que sea pensado para todos, para nuestra seguridad, tranquilidad y bienestar. Si hay una constante, es el cambio, podemos observar que no estamos en el punto que estamos por accidente, el mundo ha sido construido por las acciones de gente que se imaginó este cambio antes de que suceda. ¿Qué puedes imaginar tú?

¿VES ALGO BONITO? IENT E BIEN ?