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Por Victoria Verlichak
De ferias y más En el marco de los festejos de los 25 años de arteBA y en colaboración con Gobierno de la Ciudad, arteBA Fundación presenta arteBA Focus / Distrito de las Artes el 12 y 13/11 (preinauguración el 11). Esta feria de formato curatorial reúne 30 galerías argentinas, formulando nuevas formas de exhibición, promoción y comercialización del arte contemporáneo local. El encuentro es en Arenas Studio (Av. Pedro de Mendoza 965, La Boca) y acompaña arteBA Tour Privado, recorrido por galerías porteñas de profesionales, coleccionistas y directores de museos del país. * Vinculada a la inquietud por expandir el conocimiento del arte argentino, Gobierno de la Ciudad y la organización Art Basel (con ferias homónimas) anunciaron en septiembre, en la Usina del Arte, la iniciativa Art Basel Cities, que propone salir del ámbito de la feria y tdesarrollar, a partir de 2017, eventos arteBAFocus
de alto perfil cultural en Buenos Aires, con resonancia internacional.
Vivió y amó Cerca de allí, Victor Cúnsolo (1898-1937) creció y se hizo artista. Nacido en Italia, llegó al puerto de La Boca del Riachuelo a los 13 años, con su familia obrera. La inolvidable vista que lo recibió fue plasmada -con afecto y pericia- una y otra vez en sus obras. El artista reflejó el barrio y su entorno; luego, pintó paisajes de La Rioja, a donde se trasladó a causa de su salud. Espacio de Arte de Fundación OSDE (Suipacha 658) presenta Niebla, con curaduría de María Teresa Constantin. Son más de 30 obras de Cúnsolo: primeros trabajos y período central de su producción. La muestra suma obras de artistas de “la escuela de La Boca”, pintores del taller El Bermellón y de otros que frecuentaron el barrio, como Justo Lynch o Raquel Forner, Adolfo Bellocq, Facio Hebequer, Catalina Tórtola con sus grabados. Documentos y fotografías ilustran el universo visual de la época. Del 17/11 al 14/01.
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Niebla en la isla maciel numero 4, 1931
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Matias Roth
Afinidad espiritual Biblioteca Nacional, dirigida por Alberto Manguel, celebra y exhibe el legado del escritor -a los 30 años de su muerte- en una extraordinaria muestra: Borges el mismo, otro, con manuscritos y primeras ediciones de los más famosos cuentos, ensayos y poemas, libros de su biblioteca personal. * El Museo Judío de Buenos Aires (Libertad 769) se suma a la recordación con De Kafka y Borges, curada por Liliana Flugelman y Pedro Roth, que exhibe un mural. La exhibición subraya la afinidad espiritual y literaria entre los geniales escritores y recuerda la fascinación de Borges por la obra de Kafka. El homenaje exhibe obras -inspiradas en los autores- de notables artistas como Rómulo Macció, Liliana Porter, Yuyo Noé, Carlos Arnaiz, Arden Quinn, Bolívar, Matías Roth, Roberto Plate, Pájaro Gómez, Federico Peralta Ramos, entre otros.
Cruce de sentidos La tercera propuesta temática de ArtexArte - Fundación Alfonso y Luz Castillo, en 2016, se centra en Cuerpo y Deseo, curada por Fabiana Barreda; también artista, esta materia recorre su propia obra. ¿Cómo se representa y siente un cuerpo desde el arte contemporáneo, en relación a la sociedad y a la historia del arte? ¿Los trabajos aportan una nueva mirada sobre sentimientos y pasiones, indagan acerca de la idealización de la figura, allanan el camino para comprender qué pasa en las relaciones afectivas? Algunas posibles hipótesis se encuentran en las fotografías de Dino Bruzzone, Nan Goldin, Marcelo Grosman, Ignacio Iasparra, Marcos López, Sofía López Mañan, Leonel Luna, Cruz Mendizábal, Luna Paiva, Oscar Pintor, Res, Flavia da Rin, Humberto Rivas Federico K
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Humberto Rivas, Cindy Sherman, Gabriel Valansi, Shen Wei. Pasen y vean en Lavalleja 1062.
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Producción Ignacio Martínez Argüello Fotos Celeste Najt
Kayla Rose Indien y Hisar Aqua ancho de Manuel Canovas. MIRANDA GREEN
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Por
Sol Dellepiane A.
De vuelta en Palermo Retiro, Belgrano, el centro del centro porteño, Barracas en varias oportunidades… En la búsqueda de espacios que por su potencial o por su valor patrimonial resultaran sedes ideales, hacía literalmente años que Casa FOA no recalaba en Palermo. Y lo cierto es que está muy bien que la principal muestra de arquitectura, diseño interior y paisajismo vuelva a un barrio que ha experimentado un crecimiento notable, esencialmente en lo que hace a diseño pero también en otras arenas, como la gastronomía, la hotelería y los bienes raíces. De hecho, de la mano de BrodyFriedman la misma casa se convertirá en un desarrollo inmobiliario de viviendas. La edición número 33 de la exposición transcurre en el Palacio Cabrera, una casa de estilo neocolonial de 1935 –dos plantas, vigas crudas, planta simétrica con patios laterales, soles, sombras y dos mil doscientos metros cuadrados dispuestos a la transformación. La elección no es azarosa puesto que en el año en que se celebra el Bicentenario de la Independencia, se pensó en el Diseño Argentino como leit-motiv y esta casona resulta un exponente arquetípico en este sentido. Ana Astudillo, arquitecta y miembro del staff de FOA, comenta que los espacios de exhibición serán 51 y que estos “mantendrán una sinergia entre una arquitectura de principios de siglo y un espíritu contemporáneo con anclaje en la innovación, el buen uso del espacio y la aplicación responsable de los
Juan Hitters
materiales”. Luego de flanquear un hall de entrada a cargo de Paula Herrero para Wide, el tándem Norbis – Meller se hizo cargo del pasillo. Desde allí se abren espacios de cafeterías a ambos lados –una resuelta por Gustavo Yankelevich y Máximo Ferraro, otra por Grace Devecyan con su expansión a cargo de un equipo que integran Gaby López, Juan Caram, Diego Segoura, Mónica Kucher y Flavio Domínguez. Otras promesas: un monoambiente youtuber diseñado por el team Muchnik, un espacio de cocina pensado por las hermanas Gibrat y una cocina propiamente dicha por Angélica Campi, un comedor diario en manos de María Anzoátegui y Cecilia Bravo, un cuarto de mujer por Javier Iturrioz y uno para hombre por Belén Garcia Pinto y Maggie Bengolea, entre muchos otros. Ludmila Drudi y Carla Barconte se alzaron con la Beca Arquitectura y hay expectativa por lo que propondrán. Quizás recreando el espíritu de viejas ediciones que instalaron el concepto de loft, algunos espacios fueron reservados para departamentos y Beatriz González Zuelgaray, Julio Oropel + José Luis Otiñano y Matty Costa Paz serán quienes nos ambienten. En esta edición, además, habrá un restaurant que funcionará de manera permanente y, también en planta baja, una propuesta con mucha tecnología y realidad virtual destinada al público más joven.
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Juan Hitters
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Playa de lectura D&D tendrá su propio espacio dentro de la exhibición. Fue concebido por Silvestre Frers, María Garzón Maceda, Pato Lix Klett y José Luis Otiñano como un remanso, una pausa de aire veraniego y fresco donde tomar un respiro entre tantas imágenes. Una caja envolvente resuelta con paredes enteladas en género de reposera, canastos hechos en el mismo material playero con decenas de nuestras revistas y un banco de madera que, nacido de la pasión ebanista de Armando, de la empresa FADEM, recorrerá todo el perímetro e invitará a sentarse son las señas particulares de una propuesta lúdica y descontracturada que La Feliz iluminará como sabe hacerlo. Las universidades también Buscando una sinergia con las carreras de interiorismo, la
Materiales y elementos del espacio D&D: Playa de Lectura en construcción. Colaboran en nuestro espacio: GUNTER DILLENBERGER & HIJOS, FADEM SAIC, CENTRO CRISTALES, CONCEPTWOOD, VACA DESIGN, VEVU, JOSEFINA FERRONI, TOSCANOHAIR. Y los siguientes sponsors oficiales de FOA: INDUSPARQUET, KNAUF, VASA, ALBA, MASISA, RIEL AMERICANO.
Casa abrió sus puertas a distintas universidades: la UBA, la UADE, la Universidad de Morón y ABM tendrán sus respectivos lugares. Los titulares de todas las entidades educativas coinciden en la trascendencia de estar presentes en el evento referente del diseño interior a nivel país. “Es un desafío trabajar junto a docentes y alumnos en un proyecto que debe destacarse por ser creativo y original, especialmente porque el espacio donde debe realizarse es un muro y el proyecto, una instalación, una piel”, comenta Claudia Bistuer, de Asociación Biblioteca de Mujeres. Así ABM presentará “un homenaje al diseño argentino basado en la obra del artista visual Andrés Paredes, quien trabaja en calado inspirado en el paisaje, la flora y la fauna de su Misiones natal. El muro se revestirá con cerámicos sublimados con una imagen diseñada por una alumna. Suspendida en el espacio, una mariposa monarca y, a partir de un recurso escenográfico, la posibilidad de interacción con los visitantes”. Para Marcela Kral, de la Facultad de Arquitectura, Diseño, Arte y Urbanismo de la U. de Morón, “participamos en el entendimiento de que nuestros estudiantes pueden vivenciar en forma directa el ejercicio de la profesión que eligieron encontrándose
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Expansión de Cafetería. Juan Caram, Flavio Domínguez, Mónica Kucher, Gabi López y Diego Segoura. Un solado de Dekton colocado en sentido diagonal que despega visualmente el patio del volumen del edificio, bancos largos que enfatizan estas diagonales y espejos de gran formato que amplían las dimensiones.
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con el hoy del diseño; al mismo tiempo, creemos en el
conocimientos en el tratamiento del espacio, el equipamiento,
aporte que las universidades pueden hacer a una profesión
la historia y la gestión propias del diseño interior requieren un
que necesariamente debe estar en evolución permanente y
alto nivel de especialización. Si a esto se le suman las necesi-
que cada día más, requiere de una formación especializada y
dades que impone el mercado, se está en presencia de una
una mirada prospectiva”. Ellos plantearán la esencia del Bien
disciplina con valores y metas propias”. La intervención que
Nacional, “un concepto que nos representa como país, que
proponen desde DIES es una obra mural fundamentalmente
nos hermana y nos une en nuestra diversidad, que nos integra
plástica que cumple con dos objetivos centrales: la comunica-
a través del devenir de la historia y del aporte de las etnias,
ción institucional de la carrera que ofrecen y la reflexión sobre
las culturas, geografías y sus climas”.
la manufactura industrializada y la artesanal, dos aspectos de
“Casa FOA es una vidriera donde conviven las tendencias del
la realidad del diseño argentino.
diseño y las nuevas tecnologías. Aprovechando la interacción con las empresas sponsors y los principales profesionales, los alumnos experimentan nuevas formas y posibilidades de los materiales aproximándose a una experiencia laboral real”, indica Jorge Cereghetti en representación de la UADE, que participa de la muestra desde 2012. “Nuestros alumnos esperan ansiosos todos los años para participar motivados por la experiencia y adrenalina generada con el proyecto. Lo viven como una actividad profesional con cliente, constructores y tiempos reales, reflejando las responsabilidades asumidas. Con formato de taller extracurricular constituimos un equipo integrado por alumnos y profesores de distintos años de las carreras de la facultad. Allí analizamos, proponemos y discutimos distintas posibilidades espaciales y constructivas, aprendiendo-haciendo el diseño”, describe. “Este año, cumpliéndose el Bicentenario de la Independencia, nos inspiramos en los símbolos patrios, su materialidad y el constante movimiento”. Desde la carrera de especialización en Espacio del Diseño Interior – DIES Fadu de la Universidad de Buenos Aires, por último, su coordinador Agustín Trabucco insiste en que “los
Hall de entrada. Paula Herrero para Wide y FOA. Un espacio ideado a partir del concepto de campo visual uniendo las premisas del portal de arquitectura que lo esponsorea y de la misión solidaria del evento. “Se trata no meramente de ver sino de enfocar, logrando una mirada más conciente”, resume la arquitecta.
Espacio VIIO, Transparencia Folk. Julio Oropel - José Luis Zacarías Otiñano. Un loft que propone identidad argentina contemporánea incorporando sutilmente nuestras raíces y signos en una impronta neo étnica y cosmopolita a la vez. Materiales de alta tecnología en diálogo con adobe, bizcocho de terracota y madera.
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Artesanado | Marcos Virué
Por Pablo Saez
El oficio del fuego Marcos Virué se define como artesano, una forma de vida en la que es dueño de su propio tiempo. Su herramienta preferida es el fuego, que le permite SOLDAR metales como la plata y la alpaca, para luego combinarlos con otras materias –ébano, hilos, obsidianas, astas de ciervo– para crear sus exclusivas piezas. Desde muy chico en Larroque, su pueblo natal en
cho más pequeña, aunque más pesada. “Comencé
Entre Ríos, disfrutaba de trabajar con las manos.
con el bronce fabricando cadenas, aros y colgan-
Con un grupo de chicos jugaban con madera y cla-
tes. Más tarde una amiga platera de Paraná me en-
vos construyendo cajones para pollos con los que
señó a soldar metales. Aprendí técnicas de amigos
ganaban unos pesos. Luego, en Gualeguay, a los
artesanos y sobre todo, en la práctica. Así recorrí
13, también en grupo, fueron a pedirle a un maes-
toda la Argentina, Uruguay, parte de Brasil y Chile,
tro del cuero que les enseñara. “Omar Mac Intyre era
donde viví un tiempo”.
un artesano excelente de los tiempos en que todo
Temporadas de verano en ferias turísticas e in-
era trenza y costura, ningún remache. Nos enseñó a
viernos en casas de campo que alquilaba para pro-
cortar el tiento y a hacer sandalias, carteras, cinturo-
ducir. Hasta que hace doce años dejó las ferias para
nes. Con el cuero estuve hasta los 19 años, cuando
asentarse en Verónica, ciudad-pueblo de la provin-
comencé a viajar más seguido”.
cia de Buenos Aires, donde en una casa rodeada
Para Marcos entonces el oficio fue llevar su tra-
de verde, crecen su familia y su taller, que produce
bajo a cuestas. Y allí decidió aprender a trabajar los
sus diseños para comercios y marcas importantes
metales, lo que le permitía armar una mochila mu-
como Cardón y Manto Abrigos.
“El oficio es duro, comienza a templarse cuando te entregás y ahí te va transformando. Hay días en que disfrutás y días en que no, no podés hacer nada, ni agarrar una pinza: el taller pide gentilmente que te retires. Pero cuando tomaste el oficio y ya es parte de tu vida, todos los días hacés algo: diseñar, producir o pensar nuevas cosas para hacer”.
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¿La evolución de la artesanía se produce por la intervención
no siempre es así. En Brasil, por ejemplo, una comunidad aborigen
del diseño? ¿O es una contradicción decir que la artesanía
hacía unas ollas divinas pero como iban en barco mal envueltas
evoluciona?
llegaban siempre rotas, entonces un grupo de diseñadores creó
Hay una artesanía de tradición cuya técnica es necesario con-
cajas especiales para evitar roturas. Ocurre que en general cuando
servar, pero igual evoluciona porque la mano de cada nuevo
se habla de diseño el mundo piensa en el diseñador de moda y la
artesano hace la diferencia. Es imposible la no evolución. Por otro
palabra queda asociada a lo superficial. También creen que el
lado se trata justamente de rescatar y conservar ciertas técnicas
artesano es un viejito sentado en un paraje perdido, y en realidad
para evitar su desaparición, pero también tenemos la artesanía
hay muchos jóvenes que viven en la ciudad haciendo artesanía
con innovación, es decir, los diseñadores que se acercan a estas
con plásticos, por ejemplo. En fin, hay muchos mitos.
técnicas tradicionales para reinterpretarlas o aplicarlas de otro modo. Es el caso de las chicas de Manto. Tomaron las técnicas del telar antiguo para confeccionar abrigos con morfología urbana contemporánea. Sin dudas el diseño le aporta un montón a la artesanía, porque aunque la gente crea que el diseñador está solo para hacer bonitas las cosas, en realidad es un generador de interfaces: hace un packaging, un logo o le agrega cultura de proyecto a un producto artesanal. El artesano es intuitivo y no lleva una ficha técnica de cada artículo, por eso suele decirse que en ese caso el diseñador trabaja como un operador cultural. No obstante se tiende a creer que el diseñador va a robarle la idea al artesano, y
Más allá de eso, parecería que a la artesanía o lo hecho a mano tiene gran futuro gracias a la saturación de lo masivo. En este contexto la pieza única y su proceso estarían recuperando su valor. Absolutamente. El mundo globalizado pide a gritos identidad. Después de acceder en masa al mismo shampoo que venden acá y en China, de andar clonados con las mismas remeritas de H&M, notamos un retorno a la identidad. Empezamos a valorar lo que teníamos. Sin ir más lejos, pasa con los electrodomésticos: se rompen enseguida y entonces querés recuperar esa vieja cafetera de tu mamá que funcionaba perfecto. Con esto de la obsolescencia programada todo se rompe y nada se puede arreglar porque cuesta lo mismo que comprarlo nuevo. Estamos viviendo en un mundo de plástico. Eso hace que yo prefiera un textil suave, bien hecho y que me represente. Hay una movida importante hacia la cultura del lujo esencial, lo natural y personalizado. Hoy en mi escuela estamos enseñando lo que llamo “neo artesanías”, técnicas aplicadas desde la mirada del diseño. Hacemos estampas a lo William Morris, que fue el padre del Arts &Crafts. Morris era inglés y ante las consecuencias de era industrial decía que bastaba recorrer tres calles de Londres para comprobar la cantidad de pavadas sin alma que la gente se compraba. Era el siglo XIX, y ya lo anticipaba. Decías que hay una vuelta al craft, ¿por qué será? Sí. Es notable la cantidad de mujeres que se ha volcado a las clases de tejido, bordado, volviendo a los talleres y a los círculos de mujeres. En realidad hay una enorme necesidad de parar. Lo comprobé yo misma usando el torno en las clases de cerámica. Tenés que estar muy concentrada para manejar el material, no podés tener la cabeza en otro lado. Esta vuelta al craft, que la gente relaciona con el Do it yourself, se da por la necesidad de cortar con todo, de hacer un paréntesis y compartir con otros un espacio de tiempo. Cada 15 días doy clases en una granja de adictos en recuperación. Con una diseñadora industrial les enseñamos reciclado de pallets, y es notable el resultado positivo del trabajo manual. Con las manos enseñás un modo diferente de ser. Es una gran herramienta de inclusión social y una manera concreta de materializar un montón de valores.
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editorial “La gracia del cielo hace que, en raros momentos de inspiración, ajenos a su voluntad, el arte nazca inconscientemente de la obra de su mano, pero la base de un buen trabajo de artesano es indispensable para todo artista.” Walter Gropius
E
n esta edición quisimos poner en valor lo hecho a mano, el trabajo de los artistas artesanos de nuestro país, y conocer todo acerca de sus oficios y procesos creativos. Cuando llega el momento de escribir el editorial, siempre reviso notas que dejo sobre el escritorio de mi notebook para jugar una suerte de rompecabezas de
ideas disparadoras. No podemos hablar de artesanía sin recordar a la Bauhaus, la escuela que en los años 20 revolucionó el diseño, la arquitectura y el arte, y tanto valoró el aporte de las artes y los oficios. Esta noción reaparece recientemente en el Movimiento Slow Made, nacido en Francia en 2012 –pero con antecedentes en Italia en 1986– que destaca la calidad frente a la cantidad, lo perdurable y singular de lo artesanal. Y quien haya recorrido Latinoamérica sabe que nuestra tierra es maestra en la belleza que surge de las manos de un buen artesano, presente en todo su patrimonio cultural. Está edición también fue diferente a las habituales: el sumario inicial fue atravesando modificaciones por el azar que intervino en todas las áreas de producción de la revista. Fotografía, redacción y edición debieron fluir con las notas, que a partir de un caos inicial lentamente encontraban su orden y armonía. Descubro en este número la enorme empatía que tiene D&D con ese delicado devenir que sucede en el trabajo de los artesanos en sus talleres, donde los objetos -como esta revista- van siendo modelados hasta alcanzar esa impregnación de lo humano, de lo propio, que los vuelve únicos e irrepetibles.
Virginia Braun
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Foto: EMMA LIVINGSTON
Como siempre, los invitamos a dejar sus sugerencias y comentarios a cartaslectores@dyd.com.ar
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DISEÑO PARA DISEÑADORES Texto: Sol Del l epi ane A.
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Fotos: Arq. Da n i e la Mac Adde n
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La caja se resolvió con paredes de hormigón visto y pisos de mosaico granítico hecho in situ. La luz cenital es un clásico de los proyectos Barrionuevo-Sierchuk. Las líneas rectas de la arquitectura se acompañan con mobiliario contemporáneo. En el living, sofá en L de María Burani bajo el cuadro de Elisa Insúa; puff tejido y par de sillones PK22 con estructura cromada platil y tejido en cordón de soga de Mausy Design. Los cortinados son de Gunter Dillenberger y las lámparas de la ligne Roset Paranoid. La alfombra, un regalo especial.
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La cocina concentra en pocos metros todo lo que se necesita de ella. Una ventana circular le impone su personalidad. El resto lo hace el Silestone blanco, unos pocos elementos elegidos y detalles en color cobre como la carpinterĂa metĂĄlica de las aberturas, aquĂ a la vista. La pava, a tono.
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Una de las premisas del proyecto fue que contemplara el taller de la dueña de casa, que diseña clutches y los hace con sus propias manos. Así, Lila Juan trabaja en un ambiente amplio, con luz que entra a raudales a través de las ventanas de vidrio repartido con estructura de hierro pintada en tono cobre. Las mesadas, el espacio de guardado y la mesa de trabajo fueron diseñados por el Estudio.
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Con su equilibrio de líneas rectas y curvas, la escalera es un buen exponente de la arquitectura de esta casa suburbana y también una muestra de sus principales materiales. Granítico en los escalones, vidrio en la baranda –lo cual la hace muy liviana a la vista–, y el carácter rústico de las tablas de hormigón del muro que acompaña el recorrido con la particularidad de que los agujeritos, normalmente encofrados, se remataron con tapones acrílicos generando, a determinadas horas, un genial juego de luces.
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CAJA BLANCA Y ROPA DE CAMA IGUALMENTE INMACULADA EN EL CUARTO DE LA HIJA ADOLESCENTE. EL CUADRO FUE PINTADO POR LILA JUAN, DUEÑA DE CASA.
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En el toilet de recepción Lila se dio el gusto de hacer un collage con espejos de distintos tamaños, formas y diseños. El resto de las paredes se enteló en lino rústico color negro. La mesada es de mármol Marquina y recibe la bacha, de acero inoxidable. Derecha: luminarias de Fede Churba a uno de los lados de la cama en el dormitorio principal.
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o importa cuántas casas hayan construido ni la escala faraónica de muchas de ellas, cada nuevo proyecto es un desafío apasionante para las arquitectas Gabriela Barrionuevo y Adriana Sierchuk. En el caso de este encargo el reto fue dar forma a una casa de cerca de 300 metros cuadrados en un lote de poco más que eso entre medianeras, en un apacible rincón del suburbio de Buenos Aires cercano al río y para una comitente con altos estándares en materia estética. La cuestión se resolvió en cuatro plantas, incluyendo un subsuelo para máquinas y servicios. Recepción y cocina en la planta baja; el mundo de la clienta en el primer piso, incluido el taller donde realiza artesanalmente los clutches o mini carteras que ofrece desde su marca Flâneur; y los dormitorios de sus hijos adolescentes en la planta superior. “La casa es un match perfecto con su dueña, que es amante del diseño, cosmopolita y siempre al tanto de lo último” –define Adriana Sierchuk. De espacios amplios y abiertos pese a que no se trata de una construcción inmensa, compuesta en una paleta reducida de materiales que se repiten casi obsesivamente, bañada de luz natural y equipada con un mix de muebles actuales y recuerdos de familia, lo de Lila Juan resulta una joyita de diseño contemporáneo a medida.
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QUIZÁS BUSCANDO MAYORES NOTAS DE CALIDEZ PARA SU LUGAR MÁS PRIVADO, EN LA SUITE Lila dio lugar a ALGUNOS BUENOS MUEBLES DE FAMILIA, COMO LA CÓMODA DE CAOBA Y LAS SILLAS CON CHINOISERIE.
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El clima sereno y despejado del dormitorio se prolonga en el corredor que conduce al vestidor y al cuarto de baño. Este último combina el mosaico granítico y el hormigón visto utilizados en toda la casa con grandes bloques de mármol Calacatta. El mueble bajo mesada se resolvió en lapacho. Dos espejos de forma circular con marco metálico evocan las ventanas de la cocina y la escalera.
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CUANDO LAS ARQUITECTAS VISITARON EL TERRENO DECIDIERON RESCATAR UNA PALMERA CENTENARIA PERO EN MUY MAL ESTADO QUE PROTAGONIZABA EL JARDÍN. MISIÓN CUMPLIDA: EL TRONCO AÑOSO SE VE A TRAVÉS DEL ESPACIO SEMI CUBIERTO GENERADO EN EL CRUCE DE LOS VOLÚMENES QUE COMPONEN LA CASA.
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La casa consta de dos volúmenes que se entrecruzan. En el espacio vacío que se forma bajo uno de ellos uniendo el jardín delantero y el de atrás, se creó la zona de parrilla. Los muebles de este living son de Mausy Design, aptos para exteriores: sofá Ibiza de petiribí, respaldo tejido en cordón de soga de poliéster y almohadones de lona acrílica importada; y mesa baja de base metálica y tapa de tablitas de petiribí de diferentes anchos. Los maceteros son de Diana Cabeza. El paisajismo estuvo a cargo de Adrián Mana.
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En la suite principal se dispuso una cama Selene de Maxalto tapizada en lino con almohadones, accesorios y pie de cama de terciopelo de Ronchamp. Grabados en papel de Alicia Penalba. En el vestidor, banqueta Filemone tapizada en lino y la mesa auxiliar Frank en hierro negro sobre la alfombra tibetana tejida a mano de seda y lana de Mihran. El escritorio es un Reflex en aluminio satinado y nogal lustre negro diseño de Vico Magistretti y silla Silver, de dePadova. En el baño, escultura en acrílico Proyecto hábitat de Fabiana Barrera y florero-candelabro Sempre de Gris Dimensión.
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El rojo y el naranja son los colores del corazón, de la naturaleza, y están muy presentes en este espacio tanto como la estética de los años 60. “La idea es encontrar el punto exacto de equilibrio entre vacío y calor. Los bancos invitan a dialogar o meditar. El kilim es de Konya. Simetría y asimetría”, define el dueño de casa. Aquí son pocos los objetos: una tela de la artista Fernanda Laguna, una edición de la revista ARS dedicada a Igor Stravinsky, un par de parlantes Dual del ´74. Más allá, obra de León Ferrari y por todas partes, la música: Sorcerer de Miles Davis, Christophe “y Sandro, por supuesto”.
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“El negro funciona aquí como el color de la sabiduría. Es el negro de los azulejos de vidrio en el baño, que nunca se perciben mejor que a la luz de una vela prendida de noche antes de tomar un baño”, asegura el dueño de casa. Y cuenta que la Virgen negra sobre el banco fue comprada en una calle de Sicilia. Además, muchos de los libros son ediciones originales en francés encontradas en Buenos Aires. “Señalan la época en la cual los argentinos hablaban francés entre ellos y iban a París a hacer compras. Idas y vueltas”, evoca. Sobre la cama, colcha de Mercato y almohadones Amada.
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Galería de Artesanos
EL PULSO DEL ARTESANADO Habitan esta geografía pero viven en otro tiempo, el del oficio que encarnan por herencia, por vocación o porque el misterioso entramado de la vida así lo quiso. Aunque encarnan saberes disímiles, los enhebra un hilo de valores que nos hicieron enfocar la mirada en sus respectivos quehaceres: rigor, paciencia, destreza, obsesión, búsqueda, detalle, amor y consagración a la faena. Conceptos que en el mundo contemporáneo son moneda corriente –globalización, uniformidad, masificación, estandarización–, en los confines de sus talleres son ecos casi inaudibles de una civilización ajena. Aquí, en el mundo, nadie pretende volver la historia atrás, desterrar las máquinas ni renegar de las ventajas de la evolución industrial. Sin embargo, alentar la pervivencia y hasta la reinvención de modos ancestrales de hacer las cosas es garantizar que palabras como alma, identidad y tradición permanezcan vigentes. Larga vida a los artesanados, larga vida a las manos virtuosas que los plasman.
de elementos alternativos a la materia prima de la que están hechas en la realidad: flores con cuentas de bijouterie, libélulas con metales, árboles con celofanes y así al infinito. Artista, artesano y obrero, él imagina, enhebra y transforma. Sus trabajos provocan exclamaciones tanto aquí como en el extranjero, donde el refinamiento estético de esta rara avis longilínea y de talante amoroso ha arqueado las cejas de los jurados más críticos. “En los últimos viajes me pasó de ver cosas como las que hacemos nosotros –acá por falta de recursos, allá por el impacto que causan y también por el lujo mismo de hacerlas–”, cuenta. El tiempo que transcurre en el taller no es el del reloj sino el del artesanado, un
Gerardo Acevedo: Engarzar emociones
tiempo que además sana, repara y anula las penas. “Trabajando con las manos se te
Cuando era chiquito, solo una escalera
fabulosas que registra nuestra época,
pasa todo. Es un gran canal de evasión.
separaba su casa de la librería que tenía y
Gerardo Acevedo engarza sueños y emo-
¿Labor-terapia? No, evasión-terapia”.
atendía su mamá. Volver del colegio era
ciones para dar vida a mundos extraordi-
Gerardo puede pasarse días y noches ple-
apurarse a descender a un paraíso de papel
narios y efímeros que a su vez despiertan
gando papeles para hacer abanicos que a
que modeló sus tardes y su imaginación. Y
nuevas sensaciones en quienes tienen la
su vez, superpuestos de a cientos, recreen
de grande se las ingenió para seguir en la
suerte de disfrutarlos. La naturaleza lo
la cola de un pavo real. Y así con un reper-
misma frecuencia: la de los materiales
inspira especialmente y lo que más le inte-
torio vasto y precioso de imágenes que, en
plásticos y la creatividad sin límites. Con-
resa es desafiar las posibilidades de la
la memoria, duran para siempre. Gratitud
vocado para ambientar las fiestas más
creación fabricando distintas cosas a partir
por tanto amor.
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Galería de Artesanos
Pablo Ortiz: Juegos de metal “El metal está visto como un material frío y sin embargo tiene una gran calidez interna desde su mismo nacimiento. Yo trato de que el resultado final refleje esa calidez”. Así, a pura deconstrucción de opuestos es como Pablo Ortiz define el quehacer como herrero que lo ocupa desde hace 25 años. “Terminé un secundario industrial y fueron las vueltas de la vida la que fueron haciendo que descubra la herrería como trabajo pero, sobre todo, como juego”. Pablo contrasta “las vueltas de la vida” a esa transferencia generacional que en numerosos casos explica la consagración a menesteres como el suyo. “Yo no heredé una fragua. Respeto mucho a los que trabajan la forja y trasmiten este saber de padres a hijos. Pero no es mi caso. Yo sueldo con máquina eléctrica, plasma, elementos más del siglo XX. Me guían la obsesión por el detalle y la búsqueda de resolver estructuralmente con menos. Creo en el menos es más”. Quizás por máximas como esta conforma a ojos ultra exigentes en depuración y economía de recursos visuales como los de Martín Zanotti, arquitecto que lo convoca en muchísimos de sus proyectos y que no duda en rotularlo simplemente como “el mejor”. Más allá de esta etiqueta que es más bien una medalla, Pablo es reconocido como autor de piezas fuera de serie: escaleras, rejas, puertas, pérgolas que se salen de las medidas, los formatos y las terminaciones estándar y aportan un plus a las obras donde aparecen. Inquieto y perfeccionista, él busca seguir aprendiendo y hace trueques geniales, como mano de obra en herrería para artistas que la requieren, a cambio de clases de escultura, dibujo, pintura. Porque el arte nutre al artesanado. Y porque la humildad es una condición de los grandes.
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Juan Riboloff: Maestro mayor de la miniatura Diseñó su primera casa cuando tenía dieciséis años: la proyectó azul y fue edificada en una colina de San Luis por un amigo de su abuelo. Pero antes, mucho antes, había empezado a dibujar, pintar, trabajar la carpintería y hacer maquetas y sillitas en miniatura. De ahí que no tener el título de arquitecto porque le faltaron unos finales para recibirse, no le quite el sueño. Sí obtuvo el diploma de maestro mayor de obras en un colegio técnico. Y Juan Carlos Riboloff lleva décadas de construcciones en escala pequeña, “micromundos donde el tiempo queda congelado y los oficios marcan el tema protagónico”. El hobby viene de largo: “Cuando tenía seis, mi mamá nos destinó a mis hermanas y a mí un estante en un modular setentoso donde cada uno podía hacer lo que quisiera. En ese entonces yo era un apasionado de los Rastis y hacía unas habitaciones con todos sus muebles y detalles con los ladrillitos de este juego; aún hoy me acuerdo del desafío de colgar la lámpara de techo sin tener permitido agujerear el estante de arriba, ¡lo terminé resolviendo con cinta Scotch!”, evoca. El coleccionismo también alimentó al maquetista que lleva dentro: “Cada cosa que hice en miniatura, primero la coleccioné en escala real: palmetas, jarras, escobitas, etcétera”, enumera. Entre todos los materiales con los que trabaja, sus preferidos son la madera, los géneros de algodón puro y, por su inequívoca naturalidad y atemporalidad, la loza básica. “Cuando creo ya sea una casa, un cuadro, una maqueta o una clase, me centro en lo que tengo para expresar. El resto lo hacen las manos, muchas veces casi autónomamente, como si ellas supieran algo que yo todavía no”. Manos que saben, piensan y toman decisiones. Manos de artesano.
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Horacio Martínez: Restaurador de algunas leyes Creció observando trabajar a su padre, que hacía restauraciones en la sucursal porteña de la célebre Maison Jansen y en el año 1945 comenzó a trabajar por cuenta propia. Su tío también trabajaba en el métier. Ningún destino está escrito pero, con estos antecedentes, el de Horacio Martínez estaba trazado en línea de puntos. Con semejante genealogía no sorprende que hable en plural y es que ellos son “los Martínez”, los del taller en el barrio de Agronomía y el saber más fino en restauración de marqueterie, ornamentaciones, lacas chinas (“aunque los biombos de Coromandel no están de moda como en otras épocas”, acota) y otras superficies de mueblería tradicional. “No somos ebanistas sino que restauramos muebles antiguos o decoramos muebles nuevos hechos por ebanistas”, distingue Horacio –porque la precisión está en el ADN de los artesanos. Su expertise le ha valido participar de trabajos tan destacados como los que se hicieron sobre la boiserie de los salones del segundo piso del Palacio de Correos - Centro Cultural Kirchner, la Fragata Libertad, el edificio de la vieja Radio Nacional o el salón de baile estilo Regencia del Palacio Errázuriz Alvear - Museo Nacional de Arte Decorativo. También, en obras para clientes privados que conocen su reputación. Aunque no precisaba títulos para dedicarse a un oficio que le fue legado por la sangre y el ejemplo, Martínez quiso estudiar y se graduó de arquitecto. “Siempre tuve un pensamiento más bien científico y también un interés por la obra y la decoración”, explica. Al igual que sus ancestros, él también ha querido transferir las leyes de su destreza y hoy su hija lo acompaña, especialmente abocada a las artesanías y a la restauración de óleos. “Uno ama los muebles sobre los que trabaja. Es algo que se siente en el cuerpo y en el alma. Son cosas que tienen muchos años a las que uno intenta entregarse para que todo salga bien y, a la vez, para pasarla bien haciéndolo”.
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Luisa Freixas: Hoja por hoja No todos los empapelados vienen en rollos listos para usar. Algunos llevan un trabajo que requiere altas dosis de la tan ponderada paciencia china. Los de Luisa Freixas, hechos a medida y a pedido, pertenecen a este segundo grupo porque son hijos de la xilografía, técnica inventada precisamente por el milenario pueblo oriental hace quince siglos. Xilografiar implica grabar imágenes en una plancha de madera vaciando las partes que en la reproducción o impresión deben quedar en blanco. Primero se talla un diseño en la madera. Luego se utiliza tinta para pintar el diseño en relieve sobre una matriz o taco. Finalmente, valiéndose de una prensa, se pasa la imagen al papel. Todas esas operaciones son las que Luisa –egresada de Bellas Artes y discípula de Jorge Demirjian–cumple sin prisa ni pausa cada día en su taller de la calle Armenia, en Palermo Viejo. Aunque el proceso comienza antes, con los dibujos que realiza en carbonilla sobre papel. Casi siempre tienen que ver con flora, aunque la fauna salvaje también suele irrumpir en sus diseños. Pero son las formas de las hojas lo que la obsesiona en particular. “Dibujo hoja por hoja. Me inspiro en la naturaleza, sobre todo en la selva. Cuando me voy de vacaciones busco destinos selváticos y saco millones de fotos que luego uso para mi trabajo. Documento mucho. Mi técnica es muy gráfica, trato de dar volumen a través del dibujo y la textura porque no puedo hacerlo a través del color con degradé. Es algo completamente artesanal. Me lleva tanto tiempo que me preguntan si tengo un muestrario, un catálogo… ¡no puedo ni investigar cómo sería estandarizar! Hay que venir al taller y ver”. La hora de la colocación de sus murales no es menos laboriosa: “Lo hago yo misma con mi hermano Rafael, que es mi asistente. Es como hacer un collage o armar un rompecabezas”. Un nuevo acto de creación, el último estadio de un ciclo donde el hilo que los engarza es la vocación exuberante y expresionista de su autora.
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Galería de Artesanos
Leo Bajo Moreno: La misión de conmover “Creamos y resignificamos calesitas y figuras de carrusel. Unimos las herramientas del pasado con las del siglo XXI para lograr incorporar nuestra visión del diseño y del arte a este oficio. Todas nuestras creaciones son el resultado de los sueños de nuestra infancia y para cumplirlos solo nos hace falta tres cosas: la cabeza, las manos y el corazón”. La primera persona del plural incluye a los hermanos Leo y Agostina Bajo Moreno. Leo es diseñador gráfico, estudió escultura y actualmente aprendiz de ebanistería. Agostina es licenciada en Relaciones del trabajo pero también cursó serigrafía y diseño de indumentaria. Y juntos llevan adelante Carne Hueso, un emprendimiento que proyecta al futuro la pasión que heredaron de su abuelo Héctor Rodríguez quien, partiendo de una primera calesita construida con sus propias manos, logró un anhelo de siempre: hacerse un parque de diversiones propio. Los nietos crean y resignifican este oficio, buscando generar “objetos que conmuevan”, en palabras suyas. “No hay nada muy exacto en lo que realizamos, justamente buscamos no encerrarnos en una sola actividad sino que nos gusta explorar las distintos disciplinas, técnicas y materiales”, describe Agostina. “En nuestro taller vinculamos tradición, profesión y la fantasía de crear piezas que alegren e incentiven la creatividad. Nos llamamos Carne Hueso porque nos interesa revalorizar el trabajo de las personas, haciendo hincapié en que detrás de cada objeto o restauración, hay una persona de carne y hueso que realizó el trabajo, y no solo una máquina”.
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La oficina principal tiene un sector de trabajo y otro de reuniones más distendidas. En este último, un sillón cómodo pero formal se suma a dos butacones. Claudia Faena optó por dos mesas circulares que permiten varios usos. Por su parte, detrás del escritorio, la biblioteca y el pizarrón se despegan de las paredes gracias a luz blanca de led que genera un efecto semejante al de las cortinas iluminadas: una presencia etérea del exterior que está pero no distrae.
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En el living, un cuadro de Baselitz comprado en una subasta en Londres. Un cortinado con género rayado de Pierre Frey esconde el LCD al que los propietarios no encuentran decorativo. Por su parte, la alfombra Flower es también un diseño de la firma Pierre Frey y los muebles fueron heredados. Revistas de decoración sostienen el vidrio que oficia como mesa de frente.
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“El baño fue pensado como un cuarto más. Una pared se reservó para la colección de arte y fotografías y alrededor se ubicaron la bañera y los lavatorios -uno para cada uno. Finalmente, la iluminación es protagonista absoluta”, explica Vincent.
El dormitorio principal ofrece una armonía muy especial con paredes enteladas en composé con las cortinas y el cubre sommier. Las mesas de luz son modernas y funcionales; acompañan un cuadro de Helmut Dorner y una silla italiana.
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En el baño, bañera antigua con patas, un gran espejo, cortina con estampado de palmeras y silla de diseño italiano.
El cuarto infantil tiene mucho estilo y elegancia con detalles atípicos para una habitación de niños: cuna moderna, un óleo de 130 años comprado en el Mercado de Pulgas, colección de valijas antiguas con flores. Los géneros de las cortinas y el sillón son de Pierre Frey.
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Novedades | ILVA
Grani, infinitas posibilidades L
a ancestral arcilla –de las raras, muy puras y de alta calidad– y otros minerales están en el origen del proceso de producción de cerámicos
de ILVA, empresa líder en la fabricación de porcelanato. Los cerámicos, uno de los materiales más utilizados en revestimientos, piedras, cementos y pasajes transitados una y mil veces, han sido reinventados por esta marca. Y como perfeccionar este arte es una misión que no tiene fin, acaban de lanzar Grani, nueva propuesta de porcelanato esmaltado inspirada en la vida urbana que conjuga la nobleza de los materiales de antaño con los desarrollos de vanguardia. A esta colección se la pensó en perfecto maridaje con la línea Spazio. Está disponible en una amplia gama de colores, tamaños y terminaciones. Quién duda de que la arcilla ha recorrido un largo camino a la excelencia. www.ilva.com.ar
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S U S CR I P C I O N E S Y C L UB D & D S U S CR I P C I O N E S E N P A R A G U A Y ED I CI O N D I G I TA L D E S A RRO L L O Y P RO G R A M A C I O N : CO N T A CTO T E C N I CO : C o r r esp o nsales en el e x t e r i o r S an P a b l o : U r u g u ay : A U D I TOR I A E XT E R N A A D M I N I S TR A C I O N
R icardo Braun Lasala m arina Braun M A R I A INES PER EZ PR IETO SOL DELLEPI A NE A. DEBOR A CA MPOS LUISA ZUBER BÜHLER V ICTOR I A V ER LICH A K M A R INA GA MBIER SOFI A DI M AGGIO EUGENI A CH A MPA LA NNE CECILI A PICCO SILVA NA SUA R EZ A DR I A NA A LBA R IÑO A RQUITECTA DA NIELA M AC A DDEN EMM A LI V INGSTON M A LELI FIR PO DE IBA ÑEZ M A R I A NA FIR PO DE LOPEZ SAUBIDET BEATR IZ OJEA ESPIL M A RCELA PODESTA COSTA M A R INA SOLA NAS PACHECO PASTITA P. DE PEÑA (pastitap@hotmail.com) w w w.dy d.com.ar Levism an Multimedia Gerardo Levism an
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