DJC #107

ENTREVISTA

CANDELA FULMINANTE

TAME IMPALA THE DEAD WEATHER LIL´WAYNE

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Nicky Romero

MARTIN GARRIX Batiendo récords en el EDM

LOCO DICE

016

EDC

Perdiendo la cabeza por el TECHNO

Publicación Mensual

MÉXICO AÑO 13 NO. 107

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Jamie jones A UN E .

N D DE NES LOS Y SU IENERA NOR RASA T O UN ILLO S DE ERO GO S" PA L ME ER G N M E S M IO HO STA NE DE END LO ISODON, E VÁ CIO LEY Y V EP MPS ABL VELAO LA TAR SI DOM "RE BA J OLEC IN SUS TIR REC DE BSIS ZO: SU FUER ES

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Ba dio p apidi na s ibra e me ito r a bu ena v pid a un y bu r pa n mu co

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EL PROBLEMA DE QUE ALGUIEN DECLARE ANTICIPADAMENTE LA MUERTE DE UN SUBGÉNERO MUSICAL, ES QUE CON FRECUENCIA SE ANTICIPA A VER LA CAPACIDAD DE LA MÚSICA PARA MUTAR E INCORPORAR DIFERENTES ELEMENTOS DEL ENTORNO QUE LE RODEA PARA REINVENTARSE. Así, mientras muchos claman que el tech house

ha pasado a mejor vida, Jamie Jones está haciendo algo que parece venir del universo de ese estilo, salpicándolo de impurezas de sonidos actuales y pasados, y dándole nueva vida. Su EP “This Way” (2015) tiene esa identidad decadente y oscura pero no parece en lo absoluto ir de salida. Al contrario, le habla a una nueva generación de entusiastas demasiado jóvenes para haber bailado con el minimal de 2005-2007 pero que se sienten atraídos por su densidad y por la métrica envolvente de lo “deep”. Jones reconfigura una vez más el significado del término house, de forma tan sólida que puede mantener firme su propio sello: Hot Creations. ¡Caliente!

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M a rt i n Garrix En su primer minuto y medio, pasa vertiginosamente por varias fases melódicas de acordes filtrados in crescendo y elementos rítmicos contagiosos. Como mucha de la música de Garrix, "Animals" está impregnada de un aire triunfal y una vibra positiva, lo que resulta ser la fórmula para dejar satisfechos, a quines lo mismo asisten a una fiesta in house, que a un estadio abarrotado. Garrix ha ampliado sus horizontes colaborando con un buen número de luminarias que van desde Tiësto (a quien desde ya, está pasándole material para nutrir su sello musical Freedom), y Afrojack hasta Usher.

Este es un acto que hay que ver para ser parte de la historia actual del EDM. No te resistas, vas a terminar de buenas.

Nicky Romero TODO EN LA MÚSICA DE NICKY ROMERO, UNA DE LAS CARTAS FUERTES DEL INFALTABLE SELLO SPINNIN' RECORDS PARECE BRILLAR: LOS SNARES, LAS LÍNEAS MELÓDICAS Y LA VOZ. Cada elemento emite destellos y forma una tensión que siempre está a punto de llegar al límite. Sin embargo, nos mantiene de fijo en una tensión permanente que hace las cosas vibren y se mantengan siempre en un punto climático.

Con “Animals” (2013) arranca la consagración de este joven productor; un incendiario track que tuviste que escuchar por fuerza aunque hayas pasado el año hibernando.

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Con nuevos golden boys como éste chico, la bandera holandesa seguirá ondeando en lo más alto del podio de honor del EDM. Personajes como Romero renuevan la tradición holandesa de crear una música con calidad de exportación. Música que habla un lenguaje universalmente aceptado gracias a beats -creados con la más reciente tecnología- que parecen escalar incansablemente hacia un firmamento incandescente y que varias generaciones identifican sin titubear con un sentimiento de fraternidad y amor que se genera a través del baile.

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Zombies in Miami PROYECTO SURGIDO EN AGUASCALIENTES Y CREADO POR JENICE & CANIBAL, ES ACTUALMENTE UNA DE LAS PROPUESTAS MEXICANAS PROMETEDORAS.

Su talento y constancia los han llevado a posicionar su live act en importantes ciudades de Europa, Estados Unidos y, por supuesto, México.

Vale la pena destacar el remix para Coma, que fue lanzado por el sello Kompakt, con remixes de Terranova & Roosevelt.

En febrero de 2014 lanzaron un EP para el sello de Jennifer Cardini, Correspondant. En agosto de 2015 presentaron V.A Gasoline para el sello Cómeme y más tarde, en septiembre, hicieron un remix para Jemmy en Bedrock, el sello de John Digweed.

Zombies in Miami ha tenido el apoyo de artistas internacionales como son Michael Mayer, Pachanga Boys, Matias Aguayo, Jeniffer Cardini, Ivan Smagghe, Tim Sweeney, Barnt, Roman Fluegel y muchos otros.

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En entrevista exclusiva para DJ Concept con Simón Mejía, quien junto con Liliana Saumet y Julián Salazar integran la alineación actual de Bomba Estéreo, nos platicó de su nueva producción, de su colaboración con Will Smith y de cómo han logrado mantenerse en el gusto del público de todas las latitudes.

Damian Lazarus es uno de los principales responsables de que Inglaterra haya perdido la cabeza con la fiebre electroclash en el cambio de milenio. Su habilidad para detectar, mezclar y producir beats perfectos, lo ha llevado a encumbrarse de fijo como el DJ de club ideal. Conócelo mejor en este profile.

La biografia de Lil Wayne es la vida de un sujeto que ha venido consolidando una personalidad propia, más que original y ruda, que se refleja igual en su imagen que en sus rolas, rimas y frases llenas de pasión y sentimiento por la vida.

Straming Musical, un reportaje acerca de cómo se nos vino encima toda la tecnología, para disfrutar de la música como nunca había sucedido, descorporizando al sonido de cualquier formato en las diferentes plataformas musicales actuales.

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EDITORIAL DIRECTOR EDITORIAL Enrique Sánchez ESANZ CO-EDITOR Kaeri Tedla DISEÑO César Mejía Tonantzin Arana, Camila Soto, COORDINACIÓN EDITORIAL Alicia Mora ILUSTRACIÓN Jaime Ruelas, Daniel Olivares FOTOGRAFÍA Elohim Luna CORRECCIÓN Alicia Mora COLABORADORES Mario Tonatiuh, Lenin Calderón, Rafael Villegas, Signal Deluxe, Síntoma, Divino Medrano, Alex Solis, DJ Tunnel, Ahau Tzab, Natalia Ríos, Omar Ramos, Martín Ángeles, Ivan Olvera y Michel García.

PRESIDENTE Y DIRECTOR GENERAL Enrique Sánchez Ceballos esanz@djconcept.com.mx DIRECCIÓN DE ADMINISTRACIÓN Angélica Morales administracion@djconcept.com.mx GERENTE COMERCIAL Elvira Santos santos@djconcept.com.mx PUBLICIDAD info@djconcept.com.mx WEB MASTER Eduardo Pérez

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youtube.com/djconcepttv facebook.com/djconceptmx @djconcepttv Año.13 Núm.106 Número de reserva al título en Derechos de Autor: 042002-120418292000-102. Certificado de licitud de título: 12394. Certificado de licitud de contenido: 9959. Editor responsable: ESANZ. Preprensa e impresión: Best Printing Distribución: Grupo Cirsa. Precio: $40 El contenido de los artículos es responsabilidad exclusiva de los autores. Todos los derechos están reservados. Prohibida la reproducción parcial o total incluyendo cualquier medio electrónico o magnético con fines comerciales.

Editada e impresa en México.

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TESTIGOS DE UNA

EVOLUCIÓN A lo largo ya de catorce años, en DJ Concept Magazine hemos sido testigos de una evolución, sin precedentes, en eso que de manera muy general llamamos música electrónica.

Durante este tiempo hemos buscado que nuestros lectores al mismo tiempo que disfrutan de su música, la que sea, se sientan parte de un momento particular en la historia de la humanidad, uno que está acompañado, indiscutiblemente, por la tecnología, los amigos y la vida misma. Y éste, nuestro momento, tiene sus propias sonoridades que retratan desde lo más íntimo, tierno y ensoñador, hasta los momentos más críticos y arduos. La electrónica ha atrapado todos esos sonidos desde que era propiedad exclusiva de unos cuantos sabios de academia, trabajando en sus laboratorios sonoros, hasta el momento en que cualquiera pudo empezar a producir en su recámara.

Así, hemos tomado este gozoso trabajo nuestro como una oportunidad para enriquecernos de conocimientos, tratando siempre de que ustedes nos acompañen a ampliar nuestras referencias para entender de dónde salen todos estos grandes movimientos, algunos más visibles, algunos más exitosos y unos más valiosos que otros. Hemos entendido que este gran universo de sonido se enriquece y se expande, gracias a la diversidad y materia prima que circula libremente y de manera horizontal, pues en realidad nadie está por encima de nadie, más que en imaginaciones nocivas que habría que revisar.

Disfruten pues estas páginas, con las que arrancamos ya nuestro tercer lustro de existencia. En ellas verán una muestra más de nuestro interés por presentar el panorama diverso, divertido aunque cambiado y complejamente rico de lo que hoy se disfruta como música electrónica en México.

Editor en Jefe

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BY Esanz.

LOS ORDENADORES Y LA TECNOLOGÍA DE LA INFORMACIÓN SE HAN CONVERTIDO EN UN ASPECTO FUNDAMENTAL DE NUESTRASVIDASY ES POCO PROBABLE QUE HAYA UN RETORNO A LAS FORMASTRADICIONALES DE HACER LAS COSAS. PERO LO QUE LATECNOLOGÍA CAMBIA ES SÓLO EL ENTORNOYA QUE LA SENSIBILIDAD -EL“FEELING”CON EL QUE UN ARTISTA CREA SU MÚSICA- SIGUE UNA DINÁMICA MUY HUMANA, AUNQUE PAREZCA LO CONTRARIO.

L

a velocidad con la que la tecnología se atreve a cambiarnos la vida es cada vez más irrespetuosa. Cuando nos enteramos de cierto desarrollo tecnológico y, con gusto, nos empezamos a adaptar a él, resulta que ya todo cambió otra vez. De hecho, esta velocidad en los cambios no hace otra cosa más que intensificarse. Inevitablemente así es y con estos cambios, también debemos reconocer que se gana y se pierde.

ahora suenan mucho mejor producidos y siempre tienen una perspectiva fresca y novel. El renacimiento del sonido electrónico clásico, parece establecer el fin del barroco al que nos expuso la saturación y el exceso de tecnología y juguetería en los home studios.

Lo cierto es que los sonidos de la música electrónica que con mayor impacto se vienen posicionado en los últimos meses, mas allá de las modas de la industria, vuelven a percibirse como esos sonidos hauserones, tecnosos, electrosos y urbanos de antaño. Nada nuevo bajo el sol, diría mi madre aunque es cierto que

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En el fondo, La esencia es la misma, Lagentequehoyproducemúsica, haceremixesoejecutasesiones “Asícomoquienesdisfrutadeella en cualquier escenario” Lohaceconelmismoentusiasmo, pasión,conocimientoeignorancia Que las generaciones Que le anteceden.

Reconozcámoslo: se extraña.

Es evidente que el cambio generacional, la tecnología y la crisis de la industria musical nos despojaron de maravillosas cosas que, por supuesto, se extrañan.

Aunque definitivamente debemos aceptar que, nada ni nadie las va a traer de regreso y no hay nada que hacer. Más bien, habrá que poner mucha atención a las condiciones atractivas, novedosas e interesantes que han llegado de la mano de estos cambios, tan vertiginosos como generosos. Todo ha sucedido muy rápido y es importante darse un tiempo para hacer una reflexión. En el fondo, la esencia es la misma, la gente que hoy produce música, hace remixes o ejecuta sesiones -así como quienes disfrutan de ella en cualquier escenario- lo hace con el mismo entusiasmo, pasión, conocimiento e ignorancia que las generaciones que le anteceden. Lo que sí ha cambiado mucho, es el contexto, las formas, los lugares, el espectáculo y, claro, los protagonistas de la escena.

Contrastes paradójicos, pero naturales Presentamos este artículo con motivo de la próxima edición del EDC México (Electric Daisy Carnival), un festival de música electrónica muy exitoso y reconocido a nivel global, pero de igual forma polémico e incluso descalificado por algunos, injustificadamente en nuestra opinión. De entrada, reconocemos que es paradójico y, digamos, harto curioso

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encontrarnos con una alineación de artistas tan distintos en un mismo festival.

Ese es el caso de Martin Garrix y Loco Dice o Alesso y Damian Lazarus, quienes contrastan fuertemente entre sí aunque dicha situación es el reflejo de lo que sucede a nivel global.

En la era de las facilidades tecnológicas, es natural que se acerquen y confronten los extremos. De esta forma, podemos encontrar en un solo evento, artistas que reúnen a quienes tienen más de 40 años (la minoría en una audiencia así) con un vasto grupo de veinteañeros y treintones pero, sobre todo, con un enorme público de menos de 20, que por supuesto son mayoría. Un escenario así alimenta sin duda los múltiples debates intergeneracionales sobre el significado de la música electrónica, la cultura de clubes y los festivales masivos.

No es casualidad que, hoyendíayentodoelmundo, losfestivalesdemúsicaelectrónica demayorimpactogiranentorno aestilos(quenogéneros) comoelhardstyleyelEDM

No es casualidad que, hoy en día y en todo el mundo, los festivales de música electrónica de mayor impacto giran en torno a estilos (que no géneros) como el hardstyle y el EDM. Eventos como el Q-dance, Defqon, Tomorrowland y, evidentemente, el EDC, convocan a miles de entusiastas menores de 25 años.

Hace 10 años era el trance, mañana ya veremos qué estilo o sonido domina el gusto de los públicos multitudinarios. No cabe duda: todo cambia… y muy rápido.

Ecuanimidad y buena vibra Por un lado, deseamos que los más experimentados y maduros entusiastas de la música electrónica asistan, sin prejuicio, al EDC México y se lleven una grata sorpresa. Pero, de igual forma, deseamos que los mas jóvenes en esta escena, se den tiempo para conocer de dónde viene todo y qué otros eventos han sucedido en el pasado reciente. Lo anterior es muy recomendable para no dejarse impresionar sólo por la tecnología. Pero, sobre todo, para brindarse la oportunidad de descubrir propuestas interesantes como parte de la progresión del sonido electrónico global y descubrir también una escena de bajo perfil, mucho menos pretenciosa y estridente denominada underground.

Vale la pena señalar que, globalmente, la escena ha acuñado la denominación de un sonido/estilo EDM, para referirse a estas propuestas de corte pop, que no por traer sonidos similares al techno, dub step, hip hop o house, pueden ser

etiquetados como tales. Justamente, buena parte de la confución actual se genera en buena medida por las descripciones que Wikipedia otorga a ciertos productores. Sin ser puristas ni defensores de la “yihad electrónica”, vale la pena la invitación a que expongamos nuestros oídos a sonidos tecnosos más puros y nuestros ojos a lecturas que nos otorguen esa información que nos brinde la distinción de uno u otro genero, con mayor certeza y fundamento. Un poco en broma, pero con cierta razón, no debemos confundir la salsa con el jazz, aunque sean primos cercanos.

Referentes para ubicarnos

Vale la pena recordar a nuestros lectores festivales y encuentros de música electrónica que desde hace mas de tres décadas se han realizado en el mundo como la Winter Music Conference (realizada en

Miami, Florida desde 1985), I Love Techno (que se lleva a cabo en la ciudad de Gante, Bélgica desde 1995), Creamfields (celebrado anualmente, cada mes de agosto, en Liverpool, U.K., desde 1998), DEMF (Movement Electronic Music Festival, con sede en Detroit desde 2000). Todos estos eventos han procurado hacer hincapié en las cualidades progresistas de la cultura que rodea la música electrónica.

Mención especial merece el famoso Love Parade, desfile y festival de música electrónica que se originó en 1989 en Berlín Oeste, en la República Federal Alemana de aquel entonces. Debido a la tragedia acontecida en Duisburgo, en la edición de 2010, la organización decidió que esa sería la última edición, sin embargo fue uno de los festivales que más penetró en la memoria colectiva de la escena electrónica global, siendo inevitable referirse a él como un referente.

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cierto que se ha generado una cascada de artistas y eventos improvisados que tratan de aprovechar la inercia del momento y sólo por buscan fama y dinero. Sin embargo, será cuestión de tiempo para que “el agua vuelva a tomar su cauce” y conozcamos la verdadera y nueva faceta de la música electrónica.

La vida es un festival

GLOBAL GATHERING

Es un festival anual de música de baile organizado por Festivales Ángel Limited.

Se celebra en países como Inglaterra, Polonia, Rusia, Bielorrusia y Ucrania. Sus alineaciones incluyen destacados artistas de música electrónica de todo el mundo.

Este festival ha estado funcionando desde 2001. El concepto surgió tras un enorme interés en el club Código apertura (ahora Aire), el hogar de Godskitchen. Los organizadores reconocen que no había espacio para ampliar la música de baile de los clubes a sedes del festival de música al aire libre.

Honor a quien honor merece Pero no todo es mainstream en el universo de los festivales. También hay eventos que si bien no son tan comerciales, son capaces de convocar asistentes de forma masiva. Basta mencionar dos, uno de los cuales tiene lugar en nuestra contrastante Ciudad de México. Tanto el Sónar como el Mutek son festivales que, con un perfil más bajo, han presentado desde hace tiempo las propuestas más experimentales y vanguardistas de la electrónica. El primero es un evento que sucede desde 1994 en Barcelona y cuyos carteles lo mismo han incluido a Major Lazer que a Nicolas Jaar o Kruder & Dorfmeister. De este lado del Atlántico, el Mutek es una de las mejores opciones -que desde 2000 se presentan en el DF, Santiago de Chile y Montrealpara escuchar electrónica avant garde. El festival presenta gente como Ricardo Villalobos, Kid Koala, Akufen o Apparat… a años luz de distancia de los 40 principales.

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La burbuja que reventará Si bien la mayoría de los festivales aquí mencionados cuentan con audiencias masivas que en muchos casos ascienden a los cientos de miles de asistentes, el festival Tomorrowland en Bélgica es el que cuenta con las cifras más impresionantes. Con alineaciones que pueden incluir hasta 100 DJ’s del tipo de Tiësto, Steve Aoki, Nervo o Skrillex y con audiencias que alcanzan los 180 mil espectadores, este evento es uno de los más esperados pues una vez que los boletos para asistir se ponen a la venta, pueden venderse ese mismo día. Con sede en Boom (Bélgica) desde 2005, este festival también se ha llevado a cabo en Brasil y los EU, por lo que no perdemos las esperanzas de que pronto llegue hasta nuestro país.

En Estados Unidos, para variar, se desarrolló un modelo de negocios muy exitoso de Festivales de EDM. Todos ellos con enorme producción teatral y pirotecnia, al grado de presentar cada fin de semana una producción distinta. La industria se aceleró tanto, que creó una burbuja inflacionaria de los honorarios de artistas EDM, al grado que la revista Forbes presenta cada año una lista de los DJ´s mejor pagados llena de cifras impresionantes.

Naturalmente, para los más jóvenes y ciertos periodistas o comunicadores poco avezados en estos temas, la difusión mediática de los últimos cinco años, les ha creado una falsa idea de que ciertos eventos y artistas son los más trascendentes para la música electrónica, basándose sólo en su éxito comercial. También es

No hay que olvidar que todo esto ha sucedido en años muy recientes, las enormes pantallas de leds que hoy se despliegan, 3 0 4 escenarios por evento, sistemas de audio robustos, finos, sobrados en potencia y calidad -a través de los cuales es posible disfrutar de la música desde cualquier punto- suenan tan bien que gustan incluso a aquellos quienes normalmente los despreciarían. Áreas de comida bien montadas, variadas y ricas, servicios, seguridad, bares, zonas VIP, activaciones de marcas con escenarios alternos, regalos, edecanes y muchas cosas más que son simplemente son una maravilla para los asistentes.

Ojalá que cada semana hubiera festivales con este nivel de producción y no sólo de música electrónica, sino de otros géneros como rock, jazz, salsa, clásica y hasta regional o folclórica e incluso de otras expresiones artísticas como cine, literatura, gastronomía, arte y cultura. Decididamente, queremos más festivales.

Electric daisy Carnival

El Electric Daisy Carnival (EDC) es un festival de música electrónica organizado por la empresa Insomniac, que produjo por primera vez en 1997 en Los Ángeles, California. Desde entonces, se ha presentado en varios lugares de los Estados Unidos (California, Colorado, Florida, Illinois, Nevada, Nueva Jersey, Nueva York, Texas y Puerto Rico), así como en el extranjero, incluyendo México, el Reino Unido, Brasil y Japón.

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“CUANDO CREAMOS UNA ESCENA LOCAL, VAMOSACREARCULTURA YCREANDOUNACULTURA, VAMOSAPODERESCUCHAR MEJOR MÚSICA”

“ElEDCesunagranventanapara quedescubranlamúsicaelectrónica enmuchasdesusfacetas...”

TIEMPO DE FESTIVALES Para reflexionar de estos temas, en la víspera del EDC, me di a la tarea de buscar y conversar con un personaje con más de 20 años de trayectoria en la escena electrónica, Marco Arce, el líder de la plataforma Born In México.

Marco, como productor de eventos y promotor de talento, desde hace ya varios años ¿cómo percibes el momento actual de los festivales? Es muy buen momento y creo que debió haber sucedido desde hace muchos años (risas). Hoy la gente está más abierta a conocer diferentes opciones. Aunque, lamentablemente, los artistas que nos visitan aún tienen que contar con cierto “nombre” para que la gente asista. En mi opinión, el festival BPM es uno de los que abrió puertas en México, le costó mucho trabajo.

Claro es un festival grande, en la vertiente de música underground.

Estamos dedicando buena parte de nuestra edición al festival EDC México 2016, ¿cuál es tu opinión de este evento? Bueno, el EDC llegó a México hace 3 años con un gran cañonazo de producción. Al final, estamos recurriendo a este tipo de festivales para promover. Ellos manejan cuatro carpas, la principal del EDC

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es muy comercial, con artistas tipo Getta, Hardwell o Avicii y así les ha funcionado a nivel mundial. A México vienen con esa misma propuesta y yo aplaudo que brinden la opción del Kinetik o Neon Garden, donde están las propuestas underground con Loco Dice, John Digweed o Dubfire ¿Cuál es tu opinión de la alineación 2016 de este festival?

Me complace bastante. No es un festival al que yo iría por gusto personal, pero tiene de todo. Cuenta con headliners bastante importantes a nivel mundial, y aunque en esta ocasión no asisten otros “big-names” -ya sea porque vinieron en una edición reciente o porque se complicó su contratación, porque no tenían la fecha libre o estaban en tour. Hay que incluso considerar la economía actual y tomar en cuenta la devaluación del peso frente al dólar. ¿Qué le dirías a los entusiastas más jóvenes que van asistir a este evento y que probablemente no han tenido la oportunidad de conocer otros festivales de música electrónica? El EDC es una gran ventana para que descubran la música electrónica en muchas de sus facetas. Claro, que asistan para escuchar

a sus artistas favoritos, pero que se den la oportunidad de ir a otros escenarios, que descubran otras producciones y se dejen sorprender por otro tipo de artistas, sonidos y estilos musicales que, muy probablemente, pueden llamarles mucho más la atención. Considero que los festivales son para eso, para desarrollar la cultura musical en un ambiente de mucha armonía entre la gente y en una vibra que sólo se genera en ese tipo de eventos.

También está el publico con gran experiencia en eventos de música electrónica, para los que el EDC resulta poco atractivo, bajo el argumento de que es para chavitos y muy comercial. ¿Tú qué opinas?

bonitas, sí estaban padres pero no llegaban a la magnitud de lo que está pasando ahora con el EDC Yo, por ejemplo, musicalmente, no puedo con el escenario principal. Sin embargo, asisto a él y veo todos los detalles que están sucediendo, escenarios espectaculares y mucho showbiz, es como si fueras a Disneylandia. Al final del día, sí hay artistas que nos gustan, digo, a lo mejor no te vas a aventar, como los chavitos, que llegan a las doce del día y se van hasta la última canción pero puedes escuchar a dos o tres artistas que te interesan y valen mucho la pena. Creo que en vez de criticar y decir “ahí viene lo comercial”, hay que aprender de la organización de gente muy profesional para replicarlo después en varios sentidos.

Pues yo creo que el EDC sí tiene cosas muy interesantes que nunca se han visto, como la producción que ofrecen. Realmente, es algo que disfruto mucho cuando asisto y me gusta ver las formas de operación y de producción y cómo llevan su “minute by minute”. Es impresionante. Algo que a nosotros, quizá, en nuestra época, no nos tocó. Nuestras producciones sí estaban

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Qlimax

Es un festival anual de música electrónica que reúne a más de 4.5 millones de personas. Se celebra en el estadio Gelredome en Arnhem (Países Bajos) cada tercer o cuarto fin de semana de noviembre. Es uno de los más representativos eventos de música hardstyle y también es uno de los eventos de mayor interés turístico. Está considerado como el mejor festival de música hardstyle en el mundo. La totalidad de los tickets suelen venderse en tan sólo media hora, superando el tiempo de venta de otros grandes festivales como Defqon o Mysteryland.

Energy

Hasta 2011 conocido como Trance Energy, esta una fiesta de baile holandesa en torno al trance y se celebra anualmente en el Jaarbeurs en Utrecht, donde se reúnen aproximadamente 30.000 visitantes.

Algunos de los DJ’s que tocan en estas fiestas incluyen a DJ Jean, Ferry Corsten, Johan Gielen, Marco V o Marcel Woods.

Monegros Desert Festival

Era un festival de música electrónica celebrado en España, en el Desierto de los Monegros (Huesca), entre las poblaciones de Candasnos y Fraga. El festival, que comenzó como una reunión de los clientes habituales del club Florida 135, se celebró por primera vez en 1994 y en la actualidad se ha convertido en uno de los eventos más importantes de la cultura electrónica europea. Se canceló después de que le retirado el permiso para utilizar los terrenos donde se celebraba desde sus inicios.

Tomorrowland

Es uno de los festivales de música electrónica más grandes del mundo.

Se celebra cada año en Boom, a 16 kilómetros al sur de Amberes, 32 kilómetros al norte de Bruselas (Bélgica). Está organizado por ID&T y Entertainment and Media Enterprise. La primera edición del festival tuvo lugar el 14 de agosto de 2005 y se calcula que anualmente asisten 360 mil personas de 75 nacionalidades distintas.

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Aprovechando la plática, ¿cuál consideras que es el futuro del estilo EDM?

trabajo de estos productores de EDM, lo cual le vendría de maravilla a la música.

Tiene que mutar en algún momento… ¡por favor! (risas). Seguirán haciéndose producciones comerciales de corte pop, como lo que hace Calvin Harris. De hecho, siempre han existido colaboraciones de DJ´s y productores con artistas como Madonna o los Black Eyed Peas y qué bueno que lo sigan haciendo, pero el sonido chillante de algunos productores al momento de tocar en vivo, para nada suena como sus producciones de estudio y eso es lo que decepciona a sus seguidores. Me parece que por ahí se verá la mutación en la calidad y estilo de

¿Cuál es tu colaboración este año con el EDC México?

Este año tuvimos la fortuna de tener una carpa completa de Born In México.

Presentaremos artistas como Muan b2b Risky Business, VVOLVES, Zombies in Miami, Métrika, una propuesta nueva que se llama Blak Naga: Miguel Puente b2b Louie Fresco, Balcazar & Sordo, y claro, la presentación de Héctor, como nuestro headliner. Estamos muy contentos. Es el segundo año que trabajamos con ellos.

Agradecemos a OCESA e Insomniac que apoyen el talento mexicano y que hayan volteado a ver nuestra plataforma.

Por otro lado, sí me gustaría que nuestra gente fuera y constatará que la música que traen estos chicos mexicanos está igual, o mejor, que cualquiera del mundo.

Eso es algo que tienen que vivir para decir: “¡Wow, de lo que me he perdido aquí, en mi propio país!”.

Gracias por la entrevista y el apoyo al talento mexicano, creo que es algo importante: cuando creamos una escena local, vamos a crear cultura y creando una cultura, vamos a poder escuchar mejor música.

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Damian

Lazarus Espíriturebelde

Eldelespíriturebeldeestriplementeheroico.Esuntremendo productor,unDJdecualidadesépicasyademás,hasidocapazdereunirbajounafirma: CrosstownRebels,aunafamiliadeartistasquemantieneacaparadostodoelañoloscarteles de clubes, fiestas y festivales de electrónica de todo el mundo.

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Así

se las gasta este inglés, que le da la vuelta al mundo varias veces al año y para quien la palabra trabajo, seguramente significa una cosa bien diferente que para el resto de la población promedio.

Lazarus puede hacer todo lo que hace, gracias a que lleva un buen rato enquistado en la industria musical y su cerebro entiende a estas alturas, qué funciona y qué no. De hecho, el escucha promedio puede ignorar esto, pero Damian es uno de los principales responsables de que Inglaterra haya perdido la cabeza con la fiebre electroclash en el cambio de milenio. Sí, él fue el responsable de haber puesto en circulación en el Reino Unido, sencillos clave para la movida electrosa,

como “Silver Screen Shower Scene” de Felix da Housecat y Miss Kittin y “Sunglasses at Night” de Tiga, gracias a que en esos años Lazarus chambeaba como A&R en el sello City Rockers.

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Olfato Envidiable Regresando a su papel como figura en la escena electrónica actual, algo tiene Lazarus que le ha permitido mantener su agenda a reventar siempre. Y claro, su habilidad para detectar, mezclar y producir beats perfectos, le ha facilitado encumbrarse de fijo como el DJ de club ideal, con independencia de lo que digan las listas y encuestas. No hay que buscar más, el tipo tiene un olfato envidiable y una técnica funcional, en donde vierte un sentido del humor único, elemento indispensable para que una fiesta pueda vivir, y además, no perderse en el olvido. Damian puede, aparentemente, atravesar en una sesión todo el underground y hacerlo funcionar.

Damianseadelantaytoma

almundoporsorpresa, detectandoyponiendoen lamesaaeseportento quedespuéshabríade reventarportodoslados

conocido como Art Department.

¿Puroelectro-house?

Tomemos por ejemplo su sesión plasSeth Troxler y ¡cierra con el sonido onímada en el glorioso Fabric 54 de 2010. rico de Bill Holt! ¿Te habías perdido y Analicemos lo que hizo: de entrada, creías que Lazarus vivía de puro electro Damian se adelanta y toma al mundo house? ¡Olvídalo! por sorpresa, detectando y poniendo en la mesa a ese portento que des¿Qué es lo mejor? Que la inverosímil pués habría de reventar por todos lamezcla de estilos y tiempos, nunca esdos conocido como Art Department. tropea la continuidad, nunca perdemos Además, le pone un poco del sonido al DJ, nunca suena a un petulante caberevolucionario de Four Tet que nos enza hueca forzando las cosas o tratando cantaba a todos los “raritos” y que acade presumirnos que se las sabe todas. bó seduciendo a todos. Toma también Siempre sabemos que hay alguien que la bandera del momento con su comha desarrollado un estilo personal para patriota dubstepero Roska, añade a llevar una noche y ese es Lazarus.

NuncaperdemosalDJ,

nuncasuenaaunpetulante cabezahuecaforzando lascosasotratandode presumirnos que se las sabe todas.

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En este tiempo que se habla mucho de “experiencias”, tendrás que creernos: este cuate es un auténtico arquitecto de vivencias, si estás buscando a un verdadero conocedor que te guíe de manera confiable por el underground de una manera rica, que no vas a olvidar tan fácilmente, éste es el bueno.

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LOCODICE

Desde su pedestal

Sentarseaescribiracercadealguienqueconsideroungenio,paraluegopublicar esaspalabrasenunmediodealcancesmasivosimplicaunaresponsabilidadque, tomadaalaligera,puedeexponerlosintereses,laignoranciaolaincapacidadpara controlar el entusiasmo de parte de quien escribe.

A

sí que hay que tomar las cosas con calma, aunque se tenga de frente a uno de los personajes a quien todo mundo ha dedicado renglones y renglones de halagos. Y es que Loco Dice es uno de esos muchachos, ya no tan muchacho por cierto, a quien desde hace varios años los medios han puesto siempre en un pedestal privilegiado. Sí, uno de esos a quienes a la menor provocación se tilda de genios..

¿Eseltipoungenio?Bueno,sutrabajopareceindicarquesí, perotendrásqueescucharloenvivo paraquenadietecuentenada.

Veamos: Loco Dice nación en Tunicia (Túnez) país norafricano, donde si se hubiera quedado, probablemente no habría pasado mucho con él. Pero hábilmente se movió a Berlín, donde pareciera que casi todo sucede en términos de electrónica vanguardista e independiente. Cuando vemos que la primera obsesión musical del tipo fue el hip hop, entonces empezamos a entender por qué sus construcciones musicales tienen ese espíritu tan libre y fluido. Esa arquitectura sonora permite mucha flexibilidad, destiempos, descuadres y un alma casi lúdica, aunque

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al mismo tiempo puede recoger toda la oscuridad del exterior, el aura inaprensible, claustrofóbica, cochambrosa y enigmática de las calles y recovecos de una gran ciudad. En sus producciones colapsan, sin piedad, todos esos ambientes y humores intangibles de nuestra existencia hipermoderna, todo con un estándar de producción altísimo.

No es gratuito que Richie Hawtin, maestro de maestros, lo haya acogido desde hace más de diez años en la familia M-nus. La imaginación inagotable de Dice, cuyo techno de ingeniería avanzada golpea físicamente cada molécula del escucha una vez que se pone en marcha, le ha abierto las puertas a sellos tan relevantes como Cadenza, Ovum, Four Twenty y Cocoon. Escucha un track como “Keep It Low” de 2015 con Chris Liebing y verás a Dice haciendo lo que mejor sabe hacer: contar una historia a partir de un techno volcánico, urbano y duro; siendo capaz a través de dos décadas de influenciar la creatividad de un buen grupo de productores y DJ´s que buscan hacerse de un sonido que tiene un trasfondo de credibilidad, capaz de emocionar a quien se le ponga enfrente. ¿Es el tipo un genio? Bueno, su trabajo parece indicar que sí, pero tendrás que escucharlo en vivo para que nadie te cuente nada.

Susconstruccionesmusicalestienen espíritulibreyfluido.Unaarquitectura sonoraquepermitemuchaflexibilidad, destiempos,descuadresyunalma casi lúdica.

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“Lepidoalpúblicoigualmente mexicano,quenoseamalinchistay quesedécuentaquetenemoscon qué hacerla”

P

oco a poco, estos protagonistas de la escena fueron ganando espacios desde finales del siglo pasado.

Primero en el underground, luego explotando y validándose del gusto de un público más selectivo y conocedor, ya en la segunda mitad de la primera década de los dos miles. Es justo cerrando dicha mitad, cuando aparece el trabajo de Hector, productor y DJ tapatío, a quien tuvimos el gusto de entrevistar en exclusiva previamente a su presentación en el festival EDC México, en su edición 2016.

Aunque para ese entonces, en Guadalajara el trabajo de escenarios como el Bar Americas o medios como ProyectoGDL, llevaban ya un rato construyendo escena, la carrera de Hector no inicia en su ciudad natal. Él no nos cuenta de aquellos días difíciles en México, tratando de mezclar y hacer música, aunque sabemos que los hubo::

“Me fui de México muy joven, cuando tenía más o menos 18 años.

Me fui a Londres para estudiar ingeniería y producción de audio.

Empecé desde cero, a repartir flyers y posters” Pero Hector estaba destinado a cosas grandes, ya que después de esos trabajos, muy dignos pero menores, encuentra chamba en la legendaria tienda Phonica

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En México, la fiebre por el minimal y el tech-house (ahora el Deep.) nos pegó bien fuerte. El enamoramiento por estos subgéneros y Records –la cual también tiene un label- y ahí genera la posibilidad de crear una buena red de contactos que incluía promotores, DJ´s, productores y demás miembros del núcleo de la escena musical londinense. Nuestro buen amigo, lo recuerda acertadamente en la plática: “De

ahí empezó toda la historia, después de repartir flyers, tuve la oportunidad de convivir con gente como Hawtin y Luciano, clientes de la tienda, luego empecé a producir toda mi música y a moverla, y de entonces hasta ahora… hasta tener mi propia fiesta. Han sido bastantes años perréandole, pero el trabajo fuerte se paga”.

Y vaya que trabajó fuerte para que al final las cosas se le dieran: “Era un sueño, yo no sabía cómo sería, simplemente fue trabajar y trabajar. Cuando pones algo en tu cabeza, y trabajas por ello, las cosas se dan”. Mientras

ejercita su memoria, suena satisfecho y sigue siendo el mismo, un tipo que mantiene sus ideales creativos claros y que te permite, con toda sencillez, acercarte a él como persona.

Su trabajo publicado suma ya más de dos docenas de EP’s para sellos como Phonica, 20:20 Vision, Mobilee y 8bit. Él se manifiesta listo, particularmente para los amantes del tech-house. “Mi sonido se defi-

ne dependiendo de qué amigos me rodeen y de la ciudad en la que estén. Escucho muchísimas cosas, no necesariamente electrónica”

Su trabajo publicado suma ya más de dos docenas de EP’s para sellos como Phonica, 20:20 Vision, Mobilee y 8bit. Él se manifiesta listo, particularmente para los amantes del tech house. “Mi sonido se defi-

ne dependiendo de qué amigos me rodeen y de la ciudad en la que estén, escucho muchísimas cosas, no necesariamente electrónica”.

“El proyecto en el que estoy más concentrado es mi propio sello: VL Recordings. Por supuesto, el nombre viene de Vatos Locos, ahí pongo la música de mis amigos. Lo debutamos en el BPM y en cuanto a feedback, nos ha ido muy bien. Sacamos todo en vinil”. Hoy Hector es parte de la familia Born in Mexico, radica en Berlín y ocho años después de que saliera de su país, un sello le publicará su primer 12”. Hector regresa para

presentarse como el frente de la avanzada nacional, en el cartel del EDC 2016.

Seguramente más de uno empezará a fijar sus oídos en él, y en lo que se hace por acá después de checarlo, y justo, ése es el mensaje que nos deja para cerrar: “Soy

mexicano, tenemos más de 15 años en la escena; como headliner, le pido al público igualmente

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Verbomatacarita.Beat,matatodo.

Por @freak

Cuandoestásenlalap,trabajandooestudiando,ponesmúsicaparaacompañarelmomento,dizqueparaconcentrartemejor,entoncessindartecuentaempiezasasacudirla cabezayabailardescaradamentefrentealapáginavirtual(enblanco),delproyectoquetienesqueentregarmañana,yyasonlas2:00AM…

E

n YouTube suena Heroes (we could be), estoy tratando de concentrarme en algo que tengo que escribir ya y el beat me atrapa de inmediato. En plena era de la EDM, este track suena con la frescura necesaria para atrapar los oídos de cualquiera. Sin pensarlo, muevo mi mouse al video y veo una rubia guapa bailando sometida al beat de un tipo alto, joven, delgado, evidentemente europeo, que camina entre calles de ficción. Mientras tanto, personajes míticos vuelan y merodean alrededor de ellos.

El santo Google revela el misterio: ella es Tove Lo, voz suave y bien entonada, que se monta a cabalgar la música de Alesso.

Desde siempre, las voces femeninas le han dado al dance, un sabor sexy de novedad y esperanza. En este caso, la de ser héroes de nuestra propia vida.

Pero, aunque no tuvieran letra, los sonidos de este chavo sueco, de sangre italiana, crecido en Estocolmo y ahora conocido por todo el mundo, capturan las neuronas y permiten saborear nuevas sensaciones.

Bastó ver luego el video en vivo de su presentación en el Ultra Music Festival del 2015 en Miami, para darme cuenta del calibre de este DJ, más allá de su cara

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bonita (como de personaje de novela de vampiros). Desde 2011 que se lanzó al mundo de la música electrónica, ha venido ganando terreno por su talento al componer, producir y mezclar; manteniéndose en el gusto de gente que como yo, le late bailar y dejar que el ritmo se meta hasta los huesos y los sacuda como un tsunami.

Toda esa banda en el Ultra acabó rendida sin remedio a este carnal que, a punto de cumplir 25 años, ha trabajado ya con múltiples nombres importantes de la EDM, como Sebastian Ingrosso, Steve Angello, Axwell, Avicii, Kaskade y Tiësto, quienes han respaldado sus producciones programándolas en sus sets. La lista de remixes de Alesso y sus exitosas presentaciones en vivo, es muy larga. Ya son las 4:00 AM y creo que este proyecto ya no lo terminé hoy.

Las3rolasquenopuedesdespreciardeAlesso:

Con sus cuates: • Con Davis Guetta: “Every Chance We Get We Run” • Con Avicii: “Drift” • Con Martin Garrix: “Free Your Mind”

Másalládelacarabonita (comodepersonajedenovela de vampiros), desde2011queselanzó,ha venidoganandoterreno porsutalentoalcomponer, producir y mezclar.

LalistaderemixesdeAlesso ysusexitosaspresentacionesen vivo, es muy larga.

• “Sweet Scape” ft. Sirena (del álbum Forever,2015) • “Years” ft. Matthew Koma (Publicado en iTunes en agosto de 2012) • “Tear The Roof Up” (Single, 2015)

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D SN JAKE Ridethesnake.

L

a rola que me atrapó fue “Turn Down For What” que DJ Snake produjo junto con Lil Jon. Además de la electrónica, siempre me ha gustado el beat del hip hop. Sentir cómo caen los graves en ciclos que repiten el ritmo una y otra vez, literalmente hipnotizando a quien escucha. Sin ser una negra caderona, mi cuerpo no puede evitar moverse y mi cabeza comienza a probar qué tan flexible es mi cuello.

Trap y algo mas Este tipo nacido en Paris Francia, es un desquiciado rapero, productor y DJ que ha encontrado en los caminos del trap la ruta perfecta para liberar sus neuronas. Pero igual le pega con ganas a cortes EDM, moombahton y de otros géneros que sabe mezclar a la perfección. Es por eso que son muchos y muy importantes, los personajes de la industria que han querido trabajar con Snake y han logrado con

ello crear rolas exitosas, pegajosas y brutales. Desde Dillon Francis, o Major Lazer, hasta Diplo o Lady Gaga, han entendido y aprovechado el talento desquiciado de esta víbora que en plena ironía, tiene como alter ego otro nombre: DJ Serpent. ¿Así o más venenoso?

La música de este reptil, además de intensa es versátil, no sólo se escucha y se disfruta en festivales y fiestas alrededor del planeta: tanto “Get Low” como “Turn Down for What” fueron presentadas en la banda sonora de Furious 7, película que en 2015 rompió récords de taquilla en todos lados. Marcas como Dodge y Taco Bell han adquirido los derechos para utilizar tracks de Snake en sus comerciales y al menos tres de sus más exitosos sencillos se pueden escuchar en el estéreo de los carros virtuales de “Grand Theft Auto 5”.

Paramoverelesqueleto: • “Turn Down For What” ft. Lil Jon • “Get Low” ft. Dillon Francis • “Bird Machine” ft. Alesia • “Lean On” ft. Major Lazer • “Government Hooker” ft. Lady Gaga

Por @freak

Sumúsicaeselsoundtrackprecisoparaimaginar uninmensodancehalldondelasnegrasmuevenlos cuerpossalvajementealritmodesonidosque rebotanportodoslados,cobrandovíctimas.

Esliteralmenteunabalaceradesonidosque dejadetrásdesí,unamasacredecuerpos sudadosyenllamas.EsDJSnakeyestá en la casa.

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LosMTVMusicAwards,lospremiosBillboardeinclusolosGrammy,alpremiarendistintasocasionesa DJSnake,hanrotodescaradamenteunadelasprimerasreglasdelparaíso:hacerlecasoalaserpiente.

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DATA

TECNOLOGÍA, GADGETS & MÓVILES

DEJANDO DE SER ESPECTADORES Oculus Rift en su etapa final de desarrollo, pronto llegarán al mercado

¡Hey tú, el músico! Apple tiene un Block Musical para ti

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esde hace años, Apple ha hecho gran esfuerzo por ofrecer herramientas a los músicos en sus dispositivos móviles de bolsillo. Además de las aplicaciones para crear música, existen algunas que sirven para afinar instrumentos y muchas otras más. Pero ahora, Apple lanzó una nueva App sencilla y fácil de usar, que permite grabar sesiones y mejorar las composiciones actuales. Fue una sorpresa inesperada que nos dio la marca de la manzana mordida a todos los aficionados a crear cualquier tipo de música.

Una de las sorpresas es Music Memos (Block Musical, en español). Te explicamos cómo funciona: Empiezas grabando a través del micrófono del iPhone en un formato de alta calidad sin compresión alguna. Después, le asigna un nombre, lo etiqueta y lo califica para empezar a crear su biblioteca de ideas. Music Memos está disponible para iPhone y iPad, y las grabaciones están disponibles en cualquier ordenador Mac gracias a iCloud, con la posibilidad de ser reproducidos y editados por GarageBand o Logic Pro X.

El año 2016 seguirá dominado por el video en Internet y no sólo eso, pues parece ser que por fin entramos de lleno al mundo de la Realidad Virtual.

Oculus, una compañía que forma parte de Facebook, ha creado los RIFT, unas gafas que te permiten apreciar un video en 360 grados.

C

on estas gafas puedes ver el video en todos los sentidos moviendo tu cabeza hacia arriba, abajo y los lados, como si te encontraras dentro de él.

Lo más interesante es que también coloca los sonidos en el punto exacto donde se originan utilizando tecnología de geolocalización

Las gafas fueron creadas para vivir la experiencia del video en diferentes formas, ya sea un videoclip musical, una obra de teatro o un videojuego. El paquete lo componen una cámara de seguimiento, un mando de Xbox One, un mando enfocado a multimedia llamado “Oculus remote”, los cables necesarios, una bolsa de transporte y dos juegos: Eve Valkyrie y Lucky’s Tale.

Nuevo GarageBand para iOS con Live Loops y Drummer.

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hablando de GarageBand, la famosa aplicación también trae novedades a modo de versión 2.1 con nuevas funciones. La primera es Live Loop, inspirada en las cajas de ritmo y los controladores físicos de DJ, lo que permite crear bucles de música electrónica, a través de una sencilla cuadrícula donde se pueden ir añadiendo ritmos. Hay varios estilos a elegir: Hip-Hop, EDM o House. La otra novedad es Drummer, que permite utilizar nueve baterías virtuales diferentes, para crear ritmos tanto para música tradicional como para electrónica.

Para más información sobre tecnología de consumo, gadgets y móviles, consulta www.datapodcast.mx y nuestras redes sociales.

El kit de realidad virtual Oculus Rift está disponible desde enero para su venta en los Estados Unidos por un precio estimado de $599 dólares.

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DATA

TECNOLOGÍA, GADGETS & MÓVILES

F1 Flexible Array Loudspeker

Es un sistema compuesto el F1 Model 812, encargado de los medios-agudos y deliciosamente complementado por el F1 Subwoofer. El equipo permite a los usuarios adaptar su sonido al lugar en el que están actuando, por lo que ahora cualquier músico, banda o DJ, puede hacer que su público goce de una cobertura y claridad sin precedentes. Al dirigir el patrón de cobertura, el sistema ajusta automáticamente la EQ para mantener el balance tonal deseado en cada patrón. En cuanto a conectividad, cuenta con dos canales de entrada, un Combo XLR/TRS, y otra entrada TRS, junto con un canal RCA, así como una salida XLR a línea. www.bose.com

Pantallas en rollo

OLYMPUS Resistente al agua

Grabación de Bolsillo: Movi

Olympus Tough TG-870 es una nueva cámara digital que tiene un diseño compacto, resistente e impermeable. El equipo perfecto para usarla en actividades al aire libre y bajo el agua, ya que tiene sistema crush anti-congelación y a prueba de polvo. Cuenta con un 5x zoom óptico, pantalla LCD de 3 pulgadas, una resolución de 920 k píxeles y puede girar hasta 180 grados, apropiados para las selfies. Disponible en colores, negro, blanco y verde a un precio aproximado de $5,500 pesos.

Livestream acaba de presentar Movi. Se trata de una cámara 4K que hace las veces de un estudio de grabación, permitiendo al usuario editar en vivo el contenido grabado y seleccionar qué tomas serán las protagonistas. La cámara graba a la máxima resolución posible, y el usuario desde un iPad o iPhone puede hacer zoom o seleccionar cuadrículas del vídeo para una edición posterior o para hacerlo también en vivo. Precio aproximado de $8,000.00. Vale la pena saber más en:

www.olympus.co.uk

www.getmovi.com

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La pantalla OLED de LG está pensada para que, de una forma práctica, se pueda llevar en los bolsillos, ya que se puede enrollar como si fuera un pliego de papel.

La idea de la surcoreana es llevar esta tecnología también a dispositivos móviles como tablets o teléfonos y ofrecer una mejor resolución de los equipos LED actuales. La pantalla puede emitir en ambas caras en calidad 4K con colores más realistas. Ahora la encuentras en 18”, pero pronto se lanzarán las de 55 y 65 pulgadas www.lg.com/us

SEGWAY con robot

Platino y Rosa

www.robot.segway.com

www.samsung.com/mx

Los ya conocidos Segway (vehículos de dos ruedas que cambian de dirección según el balanceo que les aplique su conductor), ahora ya cuentan con un robot que hace de éste un vehículo autónomo, capaz de seguirnos y con mucha vista, gracias a las 5 diferentes cámaras incorporadas. Tres de éstas registran la profundidad y las otras dos son para grabar video y hacer fotos. Segway Robot nos puede seguir como un perrito y sobre él podemos trasladarnos a su velocidad máxima de 18 km por hora.

Las nuevas versiones del Samsung Gear S2 Classic, son en oro rosa de 18 quilates y de platino, para las chicas y los chavos respectivamente. En su interior, estos relojes siguen contando con una pantalla circular de 1,2 pulgadas súper AMOLED y una resolución de 320 x 320 píxeles.

Todo ello con su conectividad 3G que lo hace totalmente independiente del móvil del usuario para conectarse a Internet y tener acceso a aplicaciones como Uber, eBay, Voxer, ESPN, Bloomberg o CNN. t

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POCOSPROYECTOSMUSICALESPUEDENREUNIRLOS ELEMENTOSNECESARIOSPARA,DESDEELMINUTOUNODE SUVIDAMUSICAL,HACERSEMERECEDORESDE HALAGOS,PREMIOSYRECONOCIMIENTOSQUELES COLOQUENCOMOUNAREFERENCIAINEVITABLE CUANDOSEHABLADELOSSONIDOSCHIDOS DEL SIGLO XXI.

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a Mejor Nueva Banda del Mundo por MTV Iggy, Mejor Nuevo Artista por iTunes Latinoamérica y muchos adjetivos positivos más, fueron los que marcaron el nacimiento de Bomba Estéreo en 2005, cuando desde Colombia proyectaron al mundo el concepto que los mantiene, 10 años después, vivitos y coleando en el gusto del público de todas las latitudes.

La misión se vuelve particularmente difícil si tomamos en cuenta que hoy día no hay límites para el consumo de información, imágenes, videos, música... y que la gente no tiene bronca en saltarse todos los obstáculos que se le presenten para conseguir lo que se les antoja, lo que llama su atención o lo que de plano los atrapa.

DETONANDOLAFIESTA 40

Esto hace que la competencia se ponga “de a peso” en la industria de los sonidos y que para capturar la atención (y el gusto) de la gente hagan falta muchos, y muy buenos, argumentos creativos y sonoros que además permitan que ese trabajo se haga viral, en tanto que todos acostumbramos compartir, postear o twittear aquello que nos gusta.

Entrevista por Kaeri Tedla

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NOTUVIERONBRONCAENECHARTODOALMOLCAJETE: RAP,ROCK,REGGAE,POST-PUNK,ELECTRO,WORLDMUSIC, TECNOCUMBIA,TRAPDANCE , YSABORESDELCARIBECOMO LA CUMBIA Y LA CHAMPETA…

El sencillo: Fiesta y su versión remix En 2015 llegó su cuarto disco de estudio llamado Amanecer que no sólo estuvo nominado a los premios Grammy como mejor álbum rock, urbano o alternativo y que arrancó, en junio de 2015, como número uno de ventas en Colombia y número dos de descargas en iTunes Latino, de los Estados Unidos, sino que además incluye el sencillo Fiesta cuya versión remix, implica el regreso de ¡nada menos que Will Smith!, después de que se mantuvo 10 años lejos de la música. En este tema, inspirado en el Carnaval de Barranquilla y el delirio nocturno, el Príncipe del Rap tuvo que ponerse las pilas para estar a la altura de esta bomba explosiva.... de esta Bomba Estéreo.

En entrevista exclusiva para DJ Concept con Simón Mejía, quien junto con Liliana Saumet y Julián Salazar integra la alineación actual de Bomba Estéreo, nos platicó lo siguiente:

Colombia vive en nosotros, eso que llaman algunos el tercer mundo y que para nosotros es simplemente el mundo, el único que realmente conocemos, amamos y llevamos en la raíz; sin embargo, vivir en esta era donde, gracias a la tecnología, todo está más cerca también nos da un montón de material para crear ideas... y por supuesto canciones.

De todos los sabores, para nuestros oídos Si bien la fusión ha sido siempre una condición propia de la música en diversos géneros, de la electrónica muy especialmente, tenemos que los beats que hoy se consumen en línea o se escuchan en los clubes, están cocinados con muchísimos ingredientes. Bomba Estéreo lo sabe, y desde su primer álbum: Volumen I (Polen Records 2006) no tuvieron bronca en echar todo al molcajete: Rap, Rock, Reggae, Post-punk, Electro, Worldmusic, Tecnocumbia, Trap, Dance y sabores del caribe como la Cumbia y la Champeta, formanndo la receta de los platillos sonoros con los que estos carnales de Bogotá, Colombia, deleitan nuestros oídos en cada nueva entrega.

“Cadavezquenosreunimosparahacermúsicanueva nosgustairintegrandocosasdiferentes,sinalterar la esencia, tratar de cambiar el sonido, agregar nuevos ritmos y experimentar; perosiemprealrededordelaideaoriginal...”

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Bomba Estéreo: Pues sí, la verdad es que todo el tiempo es una oportunidad de evolución, cada vez que nos reunimos para hacer música nueva nos gusta ir integrando cosas diferentes, sin alterar la esencia, tratar de cambiar el sonido, agregar nuevos ritmos y experimentar; pero siempre alrededor de la idea original, que es parte de la personalidad de Bomba Estéreo. Yo no escribo, compongo ni produzco bajo un estado de ánimo en particular; cuando vivo o veo algo que me marca y me provoca todas las emociones a un tiempo, me pongo contento, me saco de onda, me enojo, me excito, me emociono, me entristezco, todo a la vez, por eso creo que con el alma colectiva que Lil, Julián y yo hemos hecho, se transmite todo eso en cada disco y en cada rola de Bomba Estéreo.

DJC: A los que nos gusta la música, con los años nos volvemos más y más diversos y entendemos que en su más pura esencia, la música es siempre un ejercicio de fusión, a mí me parece que Bomba Estéreo es el mejor ejemplo de eso.

Simón dice DJC: Simón, muchas gracias por estos minutos que nos brindas para los lectores de DJ Concept entre los que hay, sin duda, muchos fans de Bomba Estéreo.

Bomba Estéreo: Gracias a ustedes y un fuerte abrazo para México.

DJC: Pues son ya casi 10 años de la creación de la banda y la proyección de su concepto hacia el mundo; en este tiempo ustedes han logrado ganar no sólo más y más audiencia, sino sobre todo, y lo más importante, han logrado consolidar un sonido único y original ¿Qué pasa con los años, uno se va armando más y mejor para esta batalla de la música, no?

COLOMBIA VIVE EN NOSOTROS, ESO QUE LLAMAN ALGUNOSEL TERCERMUNDO YQUEPARA NOSOTROSES SIMPLEMENTE ELMUNDO, ELÚNICOQUE REALMENTE CONOCEMOS, AMAMOSY LLEVAMOSEN LA RAÍZ

Bomba Estéreo: Así es, creo que los músicos y productores latinoamericanos tenemos esa virtud, que para nada nos da miedo ir probando mezclas de géneros en nuestras creaciones; ya de por sí, nosotros en Colombia, tenemos sonidos propios de nuestra cultura que se han ido creando a partir de la fusión, como la cumbia por ejemplo, que mezcla distintos tipos de ritmos caribeños y afroantillanos, a eso súmale que al andar de gira por el mundo, lo que afortunadamente hacemos con mayor frecuencia desde hace unos años, tenemos acceso a música de otros países que muchas veces nos atrapa y nos la llevamos en la memoria para en algún track jugar con ello en el futuro, así que las posibilidades de combinación son infinitas.

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digitales, igual que en las redes sociales, se vuelve completamente real cuando estamos en un festival, tratando con gente de carne y hueso y sonidos orgánicos que vienen de todo el planeta.

Eso nos ayuda a tomar los sonidos originales de nuestro pasado, acoplarlo a nuevos matices y ritmos creados con nuevas herramientas y aprender a compartirlos con europeos, asiáticos o africanos; sabiendo que podrán, sin ningún problema, identificarse con ellos. Cotorrear y reventar con la gente que va a vernos en vivo es como hacernos parte de su vida, aunque nunca nos conozcamos realmente, aunque no nos demos un abrazo la música nos une, nos arropa, nos eleva y nos abraza en una sola conciencia, cuando las bocinas revientan y el escenario se ilumina y la gente grita, comienza un ritual en el que, más allá de quiénes seamos o cuál sea nuestra onda e historia, la fiesta nos llama a, por un ratico, ser un solo ser, enorme, grandote y poderoso.

“Esonosayudaatomarlossonidosoriginales denuestropasado,acoplarloanuevosmatices yritmoscreadosconnuevasherramientas yaprenderacompartirlosconeuropeos, asiáticos o africanos” La colaboración con Will Smith DJC: Una de las noticias que ahora mismo suenan, y fuerte, en los sitios de música es esta colaboración muy peculiar entre Bomba Estéreo y Will Smith, algo que de primera mano parecería raro, pero que visto desde una perspectiva, resulta incluso natural, con todo el espíritu de fusión que caracteriza a la banda y que permite cualquier posibilidad, este sencillo Fiesta Remix está increíble para el antro y los destellos del club se sienten en toda la rola, Simón.

Gente de carne y hueso DJC: Y es que ahí los mexicanos y los colombianos tenemos la misma bendición, ¿no? Es decir, nuestra herencia cultural y musical es tan grande y diversa que normalmente lo que te sobra es materia prima para crear tu arte.

Bomba Estéreo: Sí, la verdad es que esta canción es justo un ejemplo perfecto de lo que te comentaba, si tú ves el video de la versión remix que hicimos con Will y que por supuesto pueden checar en nuestro sitio: bombaestereo.com o en YouTube, todo el concepto del track y de las imágenes está basado en traer la energía del pasado, así como el folclor de Colombia al presente y combinarlo con lo que es el ambiente de la fiesta electrónica en su esencia, con la vibra que nosotros vemos y vivimos en los festivales mientras el beat revienta.

DJC: Cuéntanos un poco cómo fue el acercamiento entre Will Smith y Bomba Estéreo para hacer este track que, a pocas semanas de su lanzamiento, ya lo están viendo como el número 1 en las categorías de pop latino.

Bomba Estéreo: Pues fue muy divertido y espontáneo, como sabes, nosotros lanzamos Amanecer en junio de 2015, donde Fiesta es uno de los primeros sencillos que se colocaron de ese álbum; por alguna extraña razón Will la escuchó, nos buscó a través de Sony, nuestra disquera, y nos dijo, sin más, que quería cantar en esa rola con nosotros. Fue una sorpresa si consideramos que él tenía ya más de 10 años lejos de la música, no sólo integramos una versión remix estupenda sino que Will incluso escribió las partes en español que le tocó cantar, grabamos el video en Los Ángeles y fue maravilloso trabajar con una persona tan llena de energía, siempre sonriente y que disfrutó y nos hizo disfrutar al máximo hacer este proyecto juntos, la pasamos increíble.

Tocar conciencias y corazones DJC: Nosotros sabemos que para músicos como ustedes lo más importante es el reconocimiento del público, de la gente que estalla bailando con sus canciones y que se emociona y disfruta escuchando sus rolas; sin embargo, también está el reconocimiento

de la industria, el hecho de que ahora mismo estén nominados a los premios Grammy en el ámbito del pop latino y se les dé su lugar dentro de la escena es fundamental para su carrera.

Bomba Estéreo: Sin duda eso es importante, pero en efecto, no es lo más significativo, si bien los reconocimientos y los premios son una vertiente del camino que como banda hemos venido recorriendo en los últimos años, y eso nos da la posibilidad de llegar a más y más gente, eso no le da validez a la música. Desde nuestro punto de vista, lo que legítima nuestro trabajo es, por un lado, la honestidad con la que lo hacemos y la satisfacción que ello nos provoca y, por otro, el contacto que tenemos constantemente con la gente y la retroalimentación que nos dan, las veces que nos comparten que tal o cual rola les cambió la vida en algo, o que tal otra no les gustó del todo, ésa es la misión del arte y de la música al mismo tiempo, tocar conciencias y corazones, no ganar premios.

“Loquelegítimanuestrotrabajoes,porunlado, lahonestidadconlaquelohacemosylasatisfacción queellonosprovoca,asícomoelcontacto quetenemosconstantementeconlagente y la retroalimentación que nos dan” Es en los conciertos y en los festivales donde tú ves la música como es, no a través de sellos y de marcas y de prensa sino a través de la gente que con su entusiasmo vivo le da una razón de ser a tu trabajo.

En los festivales más famosos y de mayor tamaño en el mundo hemos visto a la banda, literalmente, despegarse del suelo, empezar bailando, continuar brincando y de pronto, sin más, irse lejos, hacerse uno con el universo y con la música con todo su poder.

Vive Latino (México), SXSW (USA), Glastonbury (UK), Bonnaroo (USA), Womex (Dinamarca), Austin City Limits (USA), Rock Al Parque (COL), SWU (Brasil), Lollapalooza (Chicago), Lollapalooza (Chile), Coachella (USA), Transmusicales (Francia), Fusion Festival (Alemania), Sónar (España), Expo Shanghai (China) y AZGO Festival (Mozambique), Fireboll (Sudáfrica), Estéreo Picnic (COL), entre otros, son los festivales donde hemos participado y que se han vuelto parte muy importante de nuestra ruta de vida, cada uno es distinto, ofrece cosas diferentes no sólo en música sino en arte, en cine, tecnología, nuevas tendencias.

Bomba Estéreo: Totalmente, hay que recordar que compartimos el mismo pasado, Europa que conquista África e inevitablemente se contagia de los sonidos que ya existían ahí, luego España que conquista América y traen a la gente negra que se combina en sangre y en cultura con los pueblos que ya estaban acá. Y hoy en día, para bien o para mal, compartimos el mismo presente también. Por eso para nosotros es tan importante participar en festivales y conciertos, pues todo ese mundo virtual que se vive alrededor de la industria de la música en la vida diaria y los medios

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“EstaideaestáinspiradaenelCarnavaldeBarranquilla,queesuno deloscarnavalesmásantiguosdemitierra;lasluces,lalocurayla modadelafiestamásdesquiciadaquetepudierasimaginarenla actualidad”

Un sentido ritual, casi tribal…

Se pone muy chingón cuando además de ser una banda parte del line up de tal o cual festival, nos damos la oportunidad de convivir con la gente y disfrutar de otros grupos, DJ’s y actos, como cualquier otro espectador una vez que ya pasamos por el escenario. A mí me gusta mucho el vodka y no hay nada más chévere que bajar del stage, donde por supuesto te tienes que portar serio, pues es tu trabajo, y empezar la fiesta con un rico drink en la mano, platicando y danzando con la comunidad.

El disco sin duda es importante, grabar y dejar testimonio de tu obra en algo tangible para la posteridad, pero lo que ha hecho permanecer a la música vigente desde el origen del hombre hasta nuestros días es justamente ese sentido ritual, casi tribal, que se respira entre seres humanos que se reúnen alrededor de los sonidos para bailar, cantar y convivir y, como Bomba Estéreo, en muchos conciertos tenemos la oportunidad de recrear algo así.

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La herencia cultural de los colombianos, como platicábamos, igual que para los mexicanos es inmensa y pasa por todos los sabores y colores, desde los ritmos tradicionales de nuestra gente, transitando por el vallenato, la cumbia y el rock hasta llegar a las fusiones con beats electrónicos de los más diversos orígenes, eso, en un festival o concierto en directo, nos da todos los pretextos sonoros para hacer de cada fiesta un carnaval.

“Ésa es la misión del arte y de la música almismotiempo,tocarconcienciasycorazones, no ganar premios”

DJC: Simón Mejía, personaje extraordinario y parte fundamental de este estupendo concepto llamado Bomba Estéreo, muchas gracias, carnal.

Bomba Estéreo: Gracias a ustedes, hermano, y a la revista DJ Concept y a toda la gente que nos sigue por este medio, o cualquier otro, reciban un abrazo enorme

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G N I M A E R T S SICAL U M L

o

id n o s l e d n ó i c a z i r o p r o c s La de

Nadie puede poner en duda el cambio que las nuevas tecnologías y las redes sociales han generado en nuestra vida cotidiana.

Vivir y ser parte de la revolución tecnológica que se suscita desde hace casi 40 años, implica cambiar viejos hábitos. Escuchar música es sólo uno de ellos.

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atecnología nos comió. Nos reformó y nos convirtió en un híbrido físico/digital. Las fotos ya no se imprimen, se etiquetan en Facebook.

Ya no llamas al teléfono de la casa de tu amigo, ¿quién carajos lo hace, cuando se tiene WhatsApp? Los fines de semana de jugar partidas de Smash Bros. 64 y batirse en duelo por uno de los 4 controles, se acabaron. Ahora puedes jugar Smash en tu Wii, con otras 7 personas, que ni siquiera tienen que vivir en el mismo continente que tú. Esos son algunos ejemplos, un poco fatalistas, de lo que la modernidad y la comodidad que ésta conlleva, nos han dejado.

La digitalización de los medios nos ha permitido acceder a información que de otra manera jamás llegaría hasta nosotros. Es justamente ese el propósito de la tecnología, que el conjunto de conocimientos técnicos, científicamente ordenados, permitan crear bienes y servicios que facilitan la adaptación al medio ambiente y satisfacen tanto las necesidades esenciales como los deseos humanos más inimaginables. En pocas palabras, la tecnología nos facilita las cosas.

Punto base de esa comodidad es la música. Es difícil, para gente como yo (que no entiendo ni puta madre de informática) imaginar cómo es posible pasar tan rápido del vinyl al cassette y del cassette al disco compacto y cómo la información de este último puede ya estar navegando por la red. Hemos llegado a puntos del desarrollo tecnológico, en los que podemos almacenar música en servicios como la nube, podemos escuchar música de otros continentes y compartir avances de nuestra música en tiempo real con otros músicos. Las posibilidades son bastas, proporcionales a nuestro deseo de escuchar, compartir y debatir música. A continuación, una lista de las plataformas más importantes en esta transición musical.

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Fue creada por el productor Alex Ljung y el artista Eric Wahlforss en agosto de 2007 y tiene su sede en Berlín, Alemania. El capital invertido hasta la fecha es de 12,5 millones de dólares y ya cuenta con más de tres millones de usuarios. Favorito ya de muchos artistas, este servicio de streaming ofrece un servicio básico pero no por eso limitado. Con una interfaz sencilla, un buscador bastante intuitivo, listas de reproducción ilimitadas y cantidad suficiente de artistas, esta plataforma tiene también una característica inconfundible: el usuario puede ver el track en forma de onda y elegir el momento que más le agrada para dejar un comentario. Con esa clase de detalles, SoundCloud se ha colocado dentro de los sitios favoritos para los amantes de la música.

Es una plataforma de radio por internet, así como una red social para músicos y fanáticos, que consiste en listas de reproducción curadas por el usuario, de al menos 8 tracks. Los usuarios crean cuentas gratuitas, pueden navegar por el sitio, escuchar mezclas hechas por otros usuarios y crear sus propias mezclas. Los mixes están ordenados inteligentemente por tags, que van desde géneros musicales, hasta estados de ánimo y tienes la opción de “Likear” las listas completas o un track en específico, para recordarlo en el futuro.

8tracks fue reconocido en la revista Time dentro de su lista de los 50 mejores sitios web. También ha recibido prensa positiva en Wired, CNET y Business Insider. La app está disponible en todos los mercados digitales de manera gratuita aunque la suscripción “Plus” (sin comerciales) tiene un costo de $25 USD.

SoundCloud comenzó como una plataforma de distribución de audio en línea, en la que los usuarios podían colaborar, promocionar y distribuir sus proyectos musicales. Algo similar a Start My Song o Songpull, con la diferencia de que aquí la idea es mostrar la música ya terminada, lista para ser escuchada. La aplicación está disponible para iOS y Android y tiene conectividad con más de 100 apps distintas.

La historia de Last.fm es larga pues es una de las plataformas precursoras, primero en radio por internet y poco después, en el mercado del streaming musical. Con un registro hiperdetallado de cada artista, así como la posibilidad de que el usuario cree su propio perfil o enriquezca su perfil con información nueva, muy al estilo Wikipedia, Last.fm es más bien una biblioteca musical donde los melómanos se nutren con información fresca. El catálogo es de los más amplios y cada artista muestra “Artistas similares”, basados en el sonido y tendencias del momento. Si buscas tendencias en sonido, buscar un artista que te agrade puede llevarte a otros 20 similares. Esta opción es de las más entretenidas de la página. El sistema “Audioscrobbler” construye un perfil basándose en los gustos del usuario mediante el registro de los tracks que escucha más. Después, esta información se transfiere a la base de datos de Last.fm y crea una lista de sugerencias basándose en lo que el usuario ha escuchado últimamente.

El sitio ofrece numerosas características de redes sociales, como el poder recomendar artistas similares a otros usuarios, mensajes, perfil, etc. Si bien el antiguo sitio de radio online ha dejado de funcionar desde 2014, Last.fm se regenera y funciona perfectamente como una plataforma de streaming de paga. Last.fm ofrece cuentas, cuyo importe ($3 USD al mes) permite al usuario gozar de las características extras como no tener anuncios y poder saber quién visita su perfil. La app está disponible en todas las tiendas virtuales de manera gratuita.

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Nacida en pleno 2000, Pandora ha pasado por muchas etapas, múltiples cambios de formato e imagen pero, en esencia, mantiene su función principal: dar un servicio de streaming musical y un sistema automatizado de recomendaciones musicales impulsado por el Music Genome Project, un sistema creado por Will Glaser y Tim Westergren en un esfuerzo por “capturar la esencia de la música en el nivel más fundamental”. Utilizaron más de 450 atributos para describir canciones y un complejo algoritmo matemático para organizarlos, se analizan los “genes” de cada canción: melodía, armonía, ritmo, instrumentación, orquestación, arreglos, letra, entre otros.

Con esta clasificación han podido dar un siguiente paso: ofrecer emisoras de radio personalizadas a través de internet. El usuario sugiere el nombre de una canción y la página genera una estación de radio con una lista de música “genéticamente” parecida a la que se solicitó en la consulta (por razones legales la canción solicitada no se toca inmediatamente). El usuario tiene la posibilidad de marcar las canciones como de su agrado o desagrado e ir personalizando estaciones. También puede proponer alguna nueva canción e incluso mandar música cuyo autor es el mismo usuario. Todo es perfecto con esta app, hasta que descubres que sólo está disponible en Estados Unidos, Australia y Nueva Zelanda.

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¿Recuerdan todo el revuelo de la foto de perfil azul y #TidalForAll y todo el hype que se suscitó al respecto? En 2014, Jay Z compraba Tidal a Aspiro, una compañía sueca. Se habló por meses, se comentó en todos los medios, artistas daban pistas misteriosas sobre Tidal aunque parecía más bien un sindicato de súper estrellas musicales. Pero ¿qué demonios tiene Tidal que tanto misterio generó durante su lanzamiento? ¿De verdad valió la pena toda la publicidad? Veamos.

Microsoft ha hecho muchos intentos por incursionar en el mundo musical. ¿Alguien recuerda Zune? Aquellos horribles reproductores con poco espacio de almacenamiento y de diseño terrible. Se descontinuaron en 2012 ¡Gracias, papá Microsoft!

Después, en 2012, se anunció la reorganización de Zune, pero ahora para medios virtuales. Específicamente, todo aquel producto que tenga la marca Microsoft (desde tu computadora con Windows 10 hasta tu Windows Phone). Aprovechando las ventajas de tener un sistema de ventas de contenido por internet (Xbox Live), añadieron a este la posibilidad de comprar música.

Tidal es un servicio de streaming basado en suscripción que combina audio sin pérdida. Esto es: la mayoría de las plataformas de streaming reproducen, en su más alta calidad, música a 320 kbps. Tidal es capaz de reproducir toda su música a 1411 kbps, 4 veces más que los servicios promedio. Esto se ve reflejado en una fidelidad impresionante, comparable solamente con la de un CD. Con un catálogo de más de 25 millones de canciones además de un extenso catálogo de videos, Tidal llegó con una propuesta interesante para el mercado. Aunque no sólo el público sale beneficiado con Tidal. Recordemos que Jay Z afirmaba que esta sería la plataforma que mejor pagaría las regalías a los respectivos artistas, haciendo un poco más equitativo el intercambio entre público y artista.

En julio pasado, nuevamente, se regeneró la marca y ahora, bautizada bajo el nombre de Groove Music, se modificó el catálogo para expandirlo mucho más. Ahora sí, al nivel de marcas que son punta en este mercado. Más artistas, más álbumes, más música. Como ya es costumbre, existe un Groove Music Pass, que permite reproducciones ilimitadas en todos tus dispositivos.

Aunque no tuvo la popularidad que esperaba (tomemos en cuenta que escuchar música a 1411 y 320 kbps no implica una gran diferencia para oídos que no han sido entrenados. Por ende, pagar 10 dólares más por un servicio que no sientes que recibes fue tema en su momento), Tidal es una propuesta innovadora, pero para un público muy específico: el melómano.

Es un servicio musical en línea que ofrece tanto Streaming gratuito con publicidad, como servicios de paga sin anuncios y está presente en más de 80 países. La biblioteca de Rdio tiene contenido de los cuatro grandes sellos discográficos, así como de Merlin Network (la mayor agencia global de derechos digitales para el sector de sellos independientes del mundo) y sus agregados: The Orchard, INgrooves, CD Baby, BFM Digital, Finetunes y Catapult.

Rdio también ofrece funciones de redes sociales, como la capacidad para compartir canciones, álbumes y listas de reproducción con otros en Rdio y en redes sociales como Facebook y Twitter.

Lamentablemente, el pasado 16 de noviembre Rdio, se acogió al Capítulo 11 de bancarrota y anunció la venta de cierta propiedad intelectual para Radio Pandora. El precio de compra es de $75 millones. Esto le permite seguir en pie hasta el momento. Está disponible como una página web y también tiene aplicaciones gratuitas para el iPhone, iPod Touch, iPad, Android, BlackBerry y Windows Phone, que pueden transmitir música desde sus servidores o descargar la música para su reproducción fuera de línea.

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Con cerca de 20 millones de opciones colocadas en su catálogo, Spotify es uno de los nombres más populares en la industria de servicio de streaming de música. Tiene acceso desde las principales plataformas como Windows, Blackberry, iOS y Android. Desde artistas individuales a álbumes de bandas e incluso la creación de una lista de reproducción, Spotify equipa al usuario con todas las funciones para mejorar su experiencia de sonido.

El programa se lanzó el 7 de octubre de 2008 al mercado europeo, mientras que su implantación en otros países se realizó a lo largo de 2009. La empresa sueca, con sede en Estocolmo, ha firmado acuerdos con las discográficas Universal Music, Sony BMG, EMI Music, Hollywood Records, Interscope Records y Warner Music entre otras. Con 75 millones de usuarios activos, es la aplicación de streaming más usada en el mundo y 20 millones de sus usuarios cuentan con una membresía Premium. Generando controversia, algunas bandas musicales se negaron en un principio a permitir que su música se añadiera al servicio de Spotify, aunque en estos casos la compañía ha firmado acuerdos con la mayoría de casas discográficas. El 28 de enero de 2009 Spotify anunció que se realizarán varios cambios en la oferta musical del programa, por lo que se eliminarían algunas canciones de los artistas que no estuvieran de acuerdo con aparecer allí y se añadirían restricciones regionales a algunos temas.

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sonido en la guitarra, se traslada ahora a la batería para saciar su inquietud musical.

Alison Mosshart es actualmente la cantante y su potente voz hace recordar a las cantantes soul de antaño. En la línea del bajo, un viejo conocido de White: Jack Lawrence, con quien compartía escenario en The Raconteurs. En la guitarra y teclados, el mismo Dean Fertita, con quien meses antes se habría encerrado en el estudio para alcanzar un trance lo-fi.

En enero de 2009, todos se juntan para grabar en Third Man Records -el sello discográfico de White- y someterse a un proceso de casi tres semanas para escribir, ensayar y grabar. Como menciona el mismo White: “Las cosas simplemente comenzaron a suceder. No teníamos ninguna dirección.

A veces grabábamos una canción, a veces grabábamos dos. No teníamos tiempo para pensar cómo sería. Simplemente dejamos que las cosas pasaran”. Así nació Horehound, el primer álbum de la banda, que fue lanzado en julio de ese año y recibido con gran aceptación por el público que los seguía por separado.

THE DEAD WEATHER

En octubre de ese mismo 2009, Mosshart confirmó que la banda trabaja ya en un segundo álbum y aseguró que el sonido “será mucho más blues y pesado de lo que ellos pensaron que podía ser”. En mayo siguiente sale Sea Of Cowards, segundo material de la banda y el responsable de que hayan llegado al número 5 del Billboard 200

“Las cosas simplemente comenzaron a suceder. No teníamos ninguna dirección. A veces grabábamos una canción, a veces grabábamos dos.

Dejamos que las cosas pasaran”, Jack White

CAMBIEMOS LOS PAPELES UNA DE LAS PRESENCIAS MUSICALES MÁS SOBRESALIENTES DE LOS ÚLTIMOS TIEMPOS, JACK WHITE, NO DEJA DE SORPRENDER A PROPIOS Y EXTRAÑOS. SU ÍMPETU E INTENSIDAD CREATIVA LO HAN LLEVADO DE UN PROYECTO A OTRO, MIENTRAS SU OBRA ARTÍSTICA SE AMONTONA, LITERALMENTE, DISCO TRAS DISCO. AQUÍ, LA HISTORIA DE UNO DE TANTOS PROYECTOS LIDERADOS POR ESTE CUARENTÓN, UN REPRESENTANTE MÁS DEL LEGADO MUSICAL DE DETROIT. 54

J

ack White White es un domador de guitarras. Se sabe que su amor por la música nace a partir de los instrumentos de cuerdas, particularmente las guitarras. Lo hemos visto construir guitarras a partir de burdos troncos. Lo hemos visto modificarlas, someterlas, destruirlas, hacerlas añicos en el aire mientras acomoda su cabello terco y luce trajes al estilo Johnny Cash. Sin embargo, encontramos en él una peculiaridad que lo hace único y lo saca de la zona de confort a la que muchos músicos se han acostumbrado: cambiar de instrumento.

Es entonces, cuando de la terquedad de un artista surge la necesidad de explorar nuevos horizontes, nuevos sonidos y seguir una línea sonora que, si bien no le es

ajena, tampoco es su sello personal. Un atrevimiento tal puede parecerle un pecado a unos, aunque a otros nos revela agradables sabores. Bajo dichas circunstancias, es de agradecer que, personas como él no paren de hacer música y esperamos que el tren creativo al que se han subido, no se detenga por la edad o la falta de inspiración, cuestiones burdas para seres inmortales como ellos.

Todo comienza en Memphis, Tennessee, en un show que daba Jack White con The Raconteurs, uno de sus tantos proyectos alternos. En pleno show, forzó en demasía sus cuerdas vocales y, como resultado, se quedó sin voz para poder continuar.

Entonces, la banda pidió la ayuda de Alison Mosshart, vocalista de The Kills,

quienes abrían las fechas de la gira de The Raconteurs en ese entonces. Alison accedió y cantó con ellos “Steady as She Goes” y “Salute Your Solution”. Al termino del show, el propio White la abordó para grabar una canción con ella. ¿El resultado? Un single grabado en 7” en el estudio de Dean Fertita, que ha sido tecladista de Brendan Brenson y Queens of the Stone Age. La magia surgió y Fertita se unió al grupo. El potencial creativo aumentó exponencialmente y lo que habría sido un sólo día de grabación, los hizo encerrarse por otros catorce en el estudio.

Tras dicha explosión de creatividad, nace la inquietud de crear un proyecto diferente a lo que ya habían generado. White, quien nos tiene acostumbrados a un particular

Después de un largo descanso, en 2013 el mismo Jack reveló que ya estaban componiendo material para lo que sería su tercer álbum. Se trataba de dos sencillos que darían a conocer antes del lanzamiento oficial del álbum. Primero “Open Up (That’s Enough)”, en enero de 2014, y después “Buzzkill(er)”, en noviembre de ese año. Para finalizar, en septiembre pasado, lanzaron oficialmente su disco más reciente: Dodge and Burn, editado en Third Man Records.

Sabemos que White y compañía no descansan y mientras disfrutamos de su último álbum, nos regocija saber que fue justamente al salir del plano cómodo, cuando descubrimos que el espectro sonoro es amplio. Sólo hace falta cambiar de vez en cuando las costumbres y, por qué no, los instrumentos. En especial si tu nombre es Jack y tu apellido White.

Es de agradecer que personas como él no paren de hacer música y esperamos que el tren creativo al que se han subido, no se detenga por la edad o la falta de inspiración, cuestiones burdas para seres inmortales como ellos.

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YES, I’M CHANGING

DESDE EL OTRO LADO DEL MUNDO, ESTOS AUSTRALIANOS SORPRENDIERON A TODOS EN 2010 CON SU ÁLBUM DEBUT. EL DISCO ENCAJABA PERFECTAMENTE DENTRO DE UN REVIVAL PSICODÉLICO CUYO IMPULSO NO HA CESADO. POR SU PARTE, ELLOS NO HAN DEJADO DE MADURAR Y PRUEBA DE ELLO ES SU DISCO MÁS RECIENTE, CURRENTS, ESTRENADO EN JULIO DE ESTE AÑO.T. 56

evolución y de que cinco años no pasan en balde.

A

Parker siempre le atrajo la música. A los 13 ya tocaba la guitarra y la batería. Su inquietud por ella lo llevó no sólo a practicarla, sino también a grabarla. Al ver esto, su padre le regaló una 8-Track para su cumpleaños número 16.

Aunque padre e hijo son melómanos, fanáticos de la psicodelia de los sesenta, al Sr. Parker no le parecía ni remotamente la idea que de su hijo se dedicara a la música. Así pues, lo enroló en un colegio católico, con la esperanza de matar la chispa creativa que nacía en él. Varios años después y en contra de todo lo que habría pensado su padre, el joven Kevin salió de la escuela queriendo estudiar astronomía.

En ese colegio, Kevin conoció a Dominic Simper, con quien haría match casi inmediatamente. Comenzaron como todos, tocando covers y en aquel entonces su inspiración sería Rage Against the Machine. Después, su compatibilidad los llevó a profundizar más seriamente en su música.

“Si me comparan con él (JohnLennon)esgenial, porquecuandoyoescuchomivoz no me gusta. La odio”, Kevin Parker.

Fue así que, en 2010, llegó Innerspeaker.

Egoísta, Kevin Parker escribió en su totalidad las letras de las canciones, tocó en el estudio todos los instrumentos que se escuchan, apropiándose del sonido que, por antigüedad, le pertenece. Además, las comparaciones surgieron ya que es imposible no contrastar su voz con la de John Lennon. Él acepta el halago: “No puedo evitarlo, pero a veces oigo sus composiciones y suenan bien, así que si me comparan con él es genial, porque cuando yo escucho mi voz no me gusta. La odio”. A pesar de esta declaración acomplejada, el álbum se convirtió en un éxito en cuestión de semanas.

Lonerism, en 2012, fue el sucesor perfecto del álbum anterior. Podríamos definir este álbum como el reencuentro de Tame Impala con sus raíces sesenteras.

Se intentó -y se logró- emular los sonidos que fueron la influencia primaria para la banda, no muy limpios en cuestión de síntesis, pero perfectos en arreglo y melodía. “Apocalypse Dream” y “Dream Above It” son claros ejemplos de

En julio pasado salió a la venta Currents, el trabajo más reciente de los australianos. El disco llega para repartir amor en una analogía sonora de las relaciones personales. Sufre, analiza, al mismo tiempo que avanza. “Eventually” habla sobre ello: “But I know that I’ll be happier And I know you will too Said, “I know that I’ll be happier And I know you will too Eventually Eventually” La madurez es obvia, notoria. Track por track, Tame Impala no es más el conjunto de muchachos de Perth que grababan sus canciones en una 8-Track. En cada uno de los tracks de Currents, la minuciosidad de Parker y sus músicos deja en claro que apuestan cada vez más por hacerse de un sonido propio… o robado.

Los sesenta son de quien los escucha, no hay quien lo ponga en duda.

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L

os tatuajes cuentan una historia de vida que es a la vez un mar de historias entrelazadas, momentos congelados en tinta que se vuelven una memoria colorida y latente de lo que nos ha tocado vivir, lo bueno y lo malo, lo terrible y lo maravilloso, lo mágico y lo brutal.

Somos consecuencia de todo lo que el universo va poniendo en nuestro camino y los ángeles y demonios que nos habitan se expanden en nuestros pensamientos, se proyectan en nuestras palabras, se plasman y se quedan a pernoctar para siempre, en nuestra piel.

del afroamericano contemporáneo: el bling bling que resplandece, sus grandes anillos o sus dientes de platino, los múltiples piercings en el cuerpo o las cadenas enormes

hacen de la apariencia del señor Wayne una referencia de lo que a la sociedad blanca americana más le da miedo. Sin embargo, Lil´ combina esa facha de ghetto con una vibra excepcional, amable, en muchos momentos divertida y fascinante, atractiva y hasta sexy, pero eso sí, siempre muy original.

LAPIELDELIL´WAYNEESUNIMPARABLEOCÉANO DE TINTA CON CALAVERAS Y DUENDES, CONPERSONAJESDETODACLASE,CONTEXTOSY NAIPES.ESLAMEMORIADIBUJADAYESCRITADEUN SUJETOQUEHACONSOLIDADOUNAPERSONALIDAD PROPIA,ORIGINALYRUDAQUESEREFLEJAIGUALEN SU IMAGEN QUE EN SUS ROLAS, SUS RIMAS Y SUS FRASES LLENAS DE PASIÓN.

La actitud y la presencia escénica de Lil´Wayne nacido en Nueva Orleans, Luisiana (Estados Unidos) un 27 de septiembre de 1982, refleja todos los clichés

que, danzando, cuelgan de su cuello. Los tatuajes con matices de prisión, el rostro también marcado, su cuerpo musculoso y sus grandes dreadlocks rasta que lo vuelven una “negra medusa hip hopera”,

Cuando uno ve más allá de lo que los ojos perciben y pone atención en las palabras y las letras de este hombre, encuentra pasajes casi poéticos que hablan de familia, niñez, evolución y cambio, de verse al espejo y reconocer (y cambiar) lo peor y lo mejor de nosotros mismos. Así, desnudos, con los rostros tatuados de verdades... y mentiras.

CON LOCURAS TATUADAS EN EL ROSTRO Por Kaeri Tedla

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padre los abandonó definitivamente.

Con el tiempo comenzó a pasar más y más tiempo fuera de la escuela, donde entre otras cosas lucía como un buen estudiante que tenía además una beca de teatro. A los ocho años sus muchas experiencias en el barrio, algunas más bizarras que otras, le hacen escribir su primer rap. Al año siguiente (1991) el rapero Birdman, dueño de la disquera Cash Money Records, le edita y publica su primer disco True Story en colaboración con B.G.

SUENADUROYALACABEZA Todo esto dicho a ritmo no solo de rap, sino de muchos otros sabores musicales que le han permitido volverse lo bastante versátil para ser igualmente respetado por los maestros y veteranos del Hip Hop como Dre o Snoop, que para estar a la altura de la industria Pop y el mainstream y grabar con Bruno Mars, Static o Eminem tracks que se han convertido en éxitos entre un público de gustos cada vez más diversos y eclécticos.

La actitud incendiaria y la amalgama de clichés nigga, los rasgos y la apariencia de Lil´ Wayne no deben confundirnos.

Este amigo se toma el tiempo para evolucionar como persona y como músico e

igual que muchos, batalla todos los días por trascender incluso aquellas cosas que le marcaron negativamente en la vida y transformarlas en lecciones que le hagan crecer en todos los ámbitos. Wayne no la ha tenido para nada fácil. Dwyane Michael Carter hoy con 33 años cumplidos, empezó su caminar por la música nada menos que a los 9, cuando las calles de su natal barrio de Hollygrove en el corazón de Nueva Orleans (una de las ciudades más musicales del planeta al punto de ser reconocida como la capital global del Jazz) ya le habían cobrado factura.

Su madre tenía 19 años cuando lo dio a luz. Él tenía apenas cinco cuando el

Carter apenas contaba con 11 años y la emoción era imparable, pero como muchas otras veces el destino le juagaba bromas peculiares. Teniendo 13 y ya con una carrera en proceso en el ambiente del rap, Wayne (quien para esa época ya había quitado la D a su nombre de pila como desconocimiento al padre que lo abandonó) rapea con un micro en una mano y una pistola en la otra... y accidentalmente se dispara, fue un policía quien tuvo que llevarlo de urgencia al hospital para salvarle la vida.

Curiosamente la actitud desenfadada y a veces imprudente de este muchacho llama la atención de la banda en el ghetto y la comunidad del Hip Hop que le va tomando cariño, por lo que le empiezan a llamar Líl´ Wayne (Pequeño Wayne) y lo empiezan a arropar entre ellos.

DELACALLE ALACUMBRE Sin duda, Lil´ Wayne tiene historias con la violencia, las drogas y con las mujeres, que han hecho escándalo y los reflectores hacia él en distintos momentos de su carrera:

• Su primera hija nace en 1998 cuando él tiene 16 años y su novia 15. Actualmente el “Pequeño Wayne” tiene cuatro herederos.

• Además de los muchos juicios con sus exmujeres por derecho a paternidad y asuntos de dinero, Wayne ha sido detenido en infinidad de ocasiones por posesión y consumo de drogas en público.

• Su reconocida adicción al Kush (marihuana de alta potencia), el Drank (jarabe para la tos con alto contenido de codeína), la cocaína, el MDMA (éxtasis) y el alcohol, lo han llevado una y otra vez a someterse a tratamientos de desintoxicación.

Entre los logros del Wayne luminoso y creador, además de poseer nada menos que 4 premios Grammy, están:

Su exitosa participación con Shakira en 2009 con Give it up to me, con Eminem en la canción No love y el single Forever o en Revolver de Madonna.

• Demandas por derechos de autor, contratos no cumplidos y acusaciones por posesión de armas, lo han llevado a cumplir varios años de prisión o libertad condicional en diferentes episodios de su vida.

Sin embargo, nada de ello ha sido impedimento para que Lil´ Wayne diera impulso a su carrera musical, creando y produciendo incluso en prisión varios de sus álbumes más importantes e icónicos, como The Carter III o Rebirth.

Sus colaboraciones con el proyecto Game en el tema Red Nation, con David Guetta y su track I can only imagine, Busta Rhymes en 9 piece o Usher, con quien crea el hit Dirty dancer.

Entre los logros del Wayne luminoso y creador, además de poseer nada menos que 4 premios Grammy, están: • Su exitosa participación con Shakira en 2009 con Give It Up to Me, con Eminem en la canción No love y el sin gle Forever o en Revolver de Madonna.

• Sus colaboraciones con el proyecto Game en el tema Red Nation, con David Guetta y su track I Can Only Imagine, Busta Rhymes en 9 piece o Usher, con quien crea el hit Dirty Dancer.

• Como dato curioso de su fama y luego del tremendo éxito del nadador olímpico norteamericano Michael Phelps, éste declara que antes de saltar al agua escucha siempre como una cábala personal la rola “I´m Me” de Lil´ Wayne.

• Lil´ Wayne fue considerado en 2008 en la lista de los raperos más ricos del orbe por la revista Forbes. *La palabra “nigga”, de uso común en el slang o caló de las comunidades negras en los Estados Unidos, es un derivado de Negroe luego transformado en Nigger, que usaban los esclavistas blancos para referirse a la gente traída de África durante la oleada infame que extrajo a decenas de familias que fueron traídas a América durante más de 200 años para ser sometidos a hacer toda clase de tareas bajo el yugo de la cadena y el látigo.

Como dato curioso de su fama y luego del tremendo éxito del nadador olímpico norteamericano Michael Phelps, éste declara que antes de saltar al agua escucha siempre como una cábala personal la rola I’m Me de Lil’ Wayne.

Lil´ Wayne fue considerado en 2008 en la lista de los raperos más ricos del orbe por la revista Forbes.

Tupac hizo la definición perfecta de lo que este concepto representa hoy en día en el lenguaje del barrio, donde lo han adoptado ya no como sinónimo de humillación, sino de orgullo: NIGGER- A black man with a slavery chain around his neck.

(Un hombre negro con una cadena de esclavo en su cuello).

NIGGA- A black man with a gold chain on his neck.

(Un hombre negro con una cadena de oro en su cuello).

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Tupac Shakur

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ESTAESLAMÚSICAIMPERDIBLE, SI QUIERES CONOCER MÁS DE LIL’ WAYNE:

TATUADOENLAMÚSICA

ÁLBUMES DE ESTUDIO: 1999

The Block is Hot

2000

Lights Out

2010-2013

I´m Not a Human Being I y II

2004, 2005,

Pick the world up and I'm a drop it on your fuckin' head, yeah Bitch, I'm a pick the world up and I'm a drop it on your fuckin' head And I could die now, rebirth motherfucker Hop up in my spaceship and leave Earth, motherfucker I'm gone Motherfucker, I'm gone

The Carter y The Carter II, III y IV

2008, 2011.

SENCILLOS: 2006 2008

(Traducción) Tomaré el mundo y lo arrojaré sobre tu maldita cabeza, Desgraciado, estoy levantando al mundo y dejándolo caer sobre tu maldita cabeza, y podría morir ahora, renacer desgraciado Montarme en mi nave espacial y abandonar la Tierra desgraciado Me voy Desgraciado, me voy...

Shooter (con Robin Thicke) Mr. Carter (con Jay Z)

2015

I Can´t Feel My Face

2015

Like Father Like Son II

CON HOT BOYS: 1997

Get it How U Live

1999

Guerrilla Warfare

Lil Wayne - Drop The World ft. Eminem

COLABORACIONES: 2006

Like Father Like Son con Birdman

2013

Rich Gang: Flashy Lifestyle con Cash Money Con todo esto Lil´ Wayne ha logrado trascender su propia historia para evolucionar y cruzar el pantano de los infiernos personales sin salir realmente manchado, sino más bien fortalecido. El no haber dejado nunca de lado la importancia de su carrera y la pasión por su música, a pesar de los pesares y los muchos problemas encontrados en el camino, le ha servido para consolidar una conciencia de la realidad que se traduce en letras cáusticas y en ritmos salvajes, que sin embargo logran acoplarse sin problemas a los sonidos más tenues e ingenuos del pop mundial. Esto que le ha hecho compartir estudio y escenarios con personajes de la escena que van desde Madonna hasta Enrique Iglesias, entre muchos otros.

Seguramente este moreno tatuado de la cabeza a los pies (literalmente), con esas serpientes negras que le danzan en la cabeza y esos dientes metálicos y resplandecientes, no es la clase de personaje que a cualquier suegro le gustaría ver tocando su puerta para salir con su hija. Si más allá de la piel se pone atención en el talento y la capacidad creativa, nuestro pequeño Carter aka Lil´ Wayne no tendría problemas para hacerse de la novia que quisiera y hasta un abrazo del papá.

La personalidad es así, cuando se conjuga con una habilidad artística innegable simplemente fascina. Además, esa voz, ese cerebro y esa cara están tatuados de buena música.

Igual con música electrónica o ritmos latinos que con el más puro y esencial Hip Hop, Lil´ Wayne encuentra siempre la base ideal sobre la cual montar sus letras y rimas mostrando que, además de dominar los lenguajes de la música, conoce también las herramientas del MCing y las aprovecha a voluntad.

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UN COLORIDO RITO

MAS ALLÁ DE LO MODERNO

Y

aunque no podemos negar que aún quedan muchas deudas históricas por saldar con artistas que, por absurdo que parezca, un gran público espera y que jamás se han presentado en nuestro país, constantemente hay sorpresas para darnos gusto prácticamente a todos.

Un cartel como el de Ceremonia es mucho más depurado, busca abarcar menos y trata que los asistentes no se agobien tratando de decidir qué ver y escuchar. Sin querer decir que sea escueto, el line-up de Ceremonia podría casi casi memorizarse, este año debe andar cerca de los 30 artistas.

Nuestros lectores más jóvenes saben perfectamente que Ceremonia, pronto a cumplir los cuatro años de vida, ha sabido hábilmente colocarse como uno de los festivales imperdibles, orientados principalmente a quienes buscan un line-up que les presente de forma balanceada las tendencias más actuales de una electrónica renovada, no necesariamente presente en las estaciones más comerciales de radio, pero sin duda muy representativa de un estilo de vida cargado más hacia lo que hace algunos años los medios etiquetaban como “alternativo” y poco más adelante como “indie”.

La fórmula

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La fórmula de Ceremonia consiste en poner especial cuidado en incluir a los talentos frescos más hot de la efervescente escena electrónica local, al mismo tiempo, incluye nombres absolutamente relevantes de la escena global actual con un giro pop-¿quieren algo que pese más que Disclosure, si hablamos de caras frescas en apabullante ascenso, o al australiano Flume, con un sonido cálido perfilado a enganchar no únicamente a los que van a bailar.

VIVIMOS TIEMPOS ENVIDIABLES. AUNQUE LAS VOCES DISCONFORMES SIEMPRE ESTÁN AHÍ PARA LEVANTAR LA QUEJA -Y LA CEJA- A LA MENOR PROVOCACIÓN, NO PODEMOS NEGAR QUE SOMOS AFORTUNADOS AL VIVIR EN UN PAaÍS CON TANTA OFERTA, EN LO QUE A PRESENTACIONES EN VIVO Y FESTIVALES SE REFIERE.

No pueden faltar los sonidos inclasificables de vanguardia «como Thundercat» y, desde el año pasado, parecen tener como meta saldar deudas históricas con el público hip hopero, pues primero fue Snoop y ahora NAS; quien, aunque llega con 20 años de demora, no deja de ser un personaje de primerísima importancia en la historia del género. Lo añadido de este año es que ponen en circulación a otro pilar de la electrónica, pero nacional: Titán.

En resumen, este es un festival joven en cada uno de sus poros, enel cual uno puede disfrutar sin más al mismo tiempo que se vuelve parte de la historia al estar en el centro de convergencia de grandes íconos del pasado, los sonidos más actuales del pop «generalmente salpicado de electrónica» y algo de sonoridades arriesgadas pero siempre amistosas, con un cartel al que nada le sobra

¿QUIEREN ALGO QUE PESE MÁS QUE DISCLOSURE, SI HABLAMOS DE CARAS FRESCAS EN APABULLANTE ASCENSO, O AL AUSTRALIANO FLUME, CON UN SONIDO CÁLIDO PERFILADO A ENGANCHAR NO ÚNICAMENTE A LOS QUE VAN A BAILAR?.

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FLUME Harley Edward Streten es de Australia y es el responsable de crear una serie de postales atmosféricas de granprofundidad con beats de bajo impacto, su nombre de batalla es Flume.

Con un pop estructurado inteligentemente con elementos de R&B contemporáneo, indie pop y muchas, muchas oleadas sintéticas tomadas del aspecto más alternativo del hip hop -piensen en Brainfeeder- y la bass music en su lado, no tan demoledor, sino más cinematográfico y ambiental. Flume es un frente conformado por múltiples sensibilidades.

Músicacompletamenteenvolvente quenoshacedesearsiempreunatardecer eternoparaacompañarla,consuficiente talentocomopararemezclaraDisclosure o a Lorde.

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