REVISTA EL BONDI - JULIO/AGOSTO 2020 by revistaelbondi

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JULIO/AGOSTO 2020

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POR NADA

lanzamientos ENTREVISTAS

PANZA - JAZMÍN ESQUIVEL JORGE ARAUJO - MAITE - NENA X

BOB DYLAN PUM EL SONIDERO INSURGENTE 1

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contacto@elbondi.com Dirección General: Anabella Reggiani Jefes de Redacción: Pablo Andisco y Sergio Visciglia Directora de Fotografía: Bárbara Sardi Edición General: Fernando Villarroel Redes: Daniel Prieto y Juani Lo Re COLABORARON EN ESTE NÚMERO: FOTOGRAFÍA DE TAPA: Bestia Bebé por Anabella Reggiani CRONISTAS: Anabella Reggiani, Augusto Fiamengo, Juani Lo Re, Lucas González, Laura Goldenberg, Maia Kisz, Maximiliano Novelli Frutos, Milagros Carnevalle, Nahuel Perez, Sergio Visciglia y Pablo Andisco.

CONTENIDO DISCOS John Legend El Sonidero Insurgente Bob Dylan Ep´s Jason Mraz Motorhead

04 05 06 08 09 10

los indispensables Los Indispensables

12 a 25

ENTREVISTAS Maite Zepet Jazmín Esquivel Jorge Araujo Mariana Masetto Lula Rosenthal Panza Vale Sosa Gainza Nena X Khaos Cinema El Extra & Los Imposibles Sobra Milonga Alan Sutton Bestia Bebé

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COBERTURAS

Cosquín Rock 2020

DISCOS - John Legend

BIGGER LOVE

En este nuevo álbum colaboraron el guitarrista Gary Clark Jr. y la cantautora Jhene Aiko, entre otros artistas. Ya está disponible en todas las plataformas. Cronista: Milagros Carnevale | 13 de Julio

El nuevo álbum de John Legend no se aparta del estilo que caracteriza al artista: es pop-soul, R&B, hip-hop y balada. Es alegre, es bailable, es introspectivo y esperanzador. Legend dice: “Últimamente, las imágenes de personas negras en los medios nos han estado mostrando rodillas en nuestro cuello, de luto o expresando nuestra indignación colectiva. Sentimos todas esas emociones. Pero es importante para nosotros continuar mostrando al mundo la plenitud de lo que es ser negro y humano. A través de nuestro arte, podemos hacer eso. Este álbum es una celebración de amor, alegría, sensualidad, esperanza y resistencia, las cosas que hacen que nuestra cultura sea tan bella e influyente “. Este nuevo lanzamiento no es un homenaje, pero sí una resistencia a todas las malas noticias que pueblan el mundo hoy en día. Para John Legend la música es resistencia. Entre las canciones que conforman Bigger love están “U Move I Move”, que habla de la amistad y de la fuerza de no estar solo; “One life”, que recuerda que lo importante no es saber todo sino permanecer en 4

movimiento y “Never Break”, que transmite seguridad y fortaleza ante los altibajos de la vida. Bigger Love es un disco fresco, tierno y distendido. Legend no innova en cuanto a ejes temáticos de canciones, pero los actualiza desde el trabajo con lo musical. En cuanto a esto, se destaca la canción “Conversations in the dark”, poderosa balada que evita lo meloso, y “Wild”, con una fórmula de popsoul muy conmovedora y funcional a la letra, que es quizás la más interesante de todo el disco.

DISCOS - El Sonidero Insurgente

CUARENTENAVIVO

El Sonidero Insurgente lleva toda la impronta frenética de sus shows en vivo a nuestras casas, desde sus casas. ¡A bailar! Cronista: Pablo Andisco | 27 de Julio El nuevo trabajo de El Sonidero Insurgente es cuarentena pura y mientras pasan los minutos lo primero en lo que caemos cuando queremos descansar un segundo es que es la propuesta más cercana a un show en vivo que estamos viendo y escuchando. Pero con cada uno en su casa, claro. Es que la energía que transmite cada integrante desde el rincón elegido de su hogar, tocando o no su instrumento, es la que genera la magia para que de repente uno se encuentre bailando sin darse cuenta. Básicamente, para hacer nuestra función, la de escuchar, la de sentir, la de bailar, como si estuviéramos abajo del escenario en cualquier lugar del mundo por el que la banda viaje. Cerramos el círculo de reciprocidad desde casa, y una vez más es lo más cercano al vivo que podemos estar experimentando. Pero todas estas palabras tal vez no las podemos pensar por aquella premisa lanzada en la primera oración. Es que mientras escuchamos no queremos descansar ni un segundo, la música fusionada, mixturada, la mezcla impura nos transmite a un viaje que termina cuando termina, sin pausa. Ahí entonces sí, caemos, y podemos charlar un poco acerca de CuarentenaVivo. “Repetimos palabras y no queda nada de uno”, denuncia de entrada el cantante Marcos Rodríguez con “Fe y religión” y ya queremos pelear, con palabras justamente. ¡Con baile también! La verdulera de Fede Vazquez nos hace

mover, no queda otra. Y con las palmas de “Subiendo” que pasarán a “Otro arrebato” para acelerarnos un poco más. Los ritmos bien autóctonos se hacen presente a puro carnavalito emocional de “Sol de Maymará” y el cuartetazo “Los flojos”. ¿Están sentados todavía? Ni a palos, ¿no? Los sonidos de nuestro continente siguen bien firmes, “Fuego y cajón” nos despide pero hay tiempo para un bonus track, para bajar un cambio, como para irnos a casa (en casa) tranquilos, termina la jornada “Calle y pueblo”, grabada previamente en el mes de marzo. “Somos pueblo y pronto volveremos a la calle” reza la descripción del video. Y nos quedamos con esa frase mientras deseamos con ferocidad otro show urgente. 5

DISCOS - Bob Dylan

ROUGH AND ROWDY

WAYS

Bob Dylan regresa con un nuevo y antológico registro de estudio después de ocho años. El legendario guitarrista y compositor estadounidense publicó su trigésimo noveno álbum de estudio, Rough and Rowdy Ways (2020), con nuevas canciones que suman al impresionante catálogo poético y musical que Bob Dylan lleva en su haber desde hace casi seis décadas, cuando publicó su debut, que tituló con su propio nombre, allá en 1962. Como sucede en todos los registros de este músico, que fue el primero en recibir el Premio Nobel de Literatura en 2016, escuchar uno de sus trabajos queda casi al mismo nivel que leer un libro. La complejidad y densidad lírica no sólo es evidente, sino que se nota la multiplicidad de referencias a otros géneros artísticos, más reflexiones sobre diversas temáticas -que van desde el amor hasta el racismo- y describe situaciones concretas que, 6

según él mismo declaró en una entrevista al New York Times, “no son metáforas”. Resulta un disco que mediante su título da pistas de los tiempos duros y ruidosos que atraviesa la humanidad actualmente, además de cierta autorreferencialidad. El sucesor de Tempest (2012) muestra un giro desde los últimos tres discos, donde el artista se dedicó a reversionar varias canciones del repertorio pop tradicional. En esta nueva entrega, diez canciones que acumulan una variedad de ritmos tradicionales que gravitan desde el folk, el blues, hasta el rock, por medio de un balance sonoro entre sonidos acústicos y electricidad en las pistas más bluseras. Por supuesto, no faltan los invitados especiales en esta placa, como es el caso de Fiona Apple, el cantautor Blake Mills, Benmont Tench -ex pianista y miembro fundador de Tom Petty

and The Hartbreakers-, entre otros. “I Contain Multitudes”, que toma el título de un poema del escritor estadounidense Walt Whitman, abre el disco con un aire íntimo construido sin más ingredientes que la característica voz de Dylan, guitarras y un contrabajo. Luego sigue con un swing más blusero, “False Prophet”, que fue el tercer simple lanzado como adelanto del álbum que nos ocupa, en mayo pasado. Continúan dos baladas, la primera de ellas -“My Own Version of You”-, que lejos de tener una tónica romántica, versa sobre un personaje que quiere darle vida a alguien por partes -como el falso Prometeo que creó Mary Shelley-, incluye referencias cinematográficas, de otros músicos como el pianista Leon Russell o Liberace, en la que

se percibe un halo de oscuridad a la vez que plantea una retórica existencial de la humanidad. Pero la clave amorosa sí queda expresada en “I’ve Made Up My Mind to Give Myself to You”. Sigue el turno de “Black Rider”, que con calma reflexiona sobre el tiempo -hay que considerar los 79 años de edad del músico-, y posteriormente levanta el ritmo con “Goodbye Jimmy Reed” en una formación clásica con armónica incluida en la que hace un tributo al músico del título de la canción, muy influyente también en artistas y bandas tales como Elvis Presley, Eric Clapton, The Rolling Stones y muchos más. En “Mother of Muses” se desaceleran los compases de manera que adquieren una suerte de morfología similar a un himno, mientras se escuchan en literaria mientras el relato se encuadra en el camino hacia la ciudad las letras alusiones históricas y más austral de Estados Unidos. de mitología griega. Desde “Crossing the Rubicon” suenan las pistas más largas del LP, en este caso, un tema en formato de blues más tradicional, donde el artista cuenta en poco más de siete minutos un paisaje más terrenal en el que atraviesa un río cuyo nombre se hizo conocido por la expresión atribuida al emperador romano Julio César, pero el guitarrista se tomó la molestia de eliminar la metáfora a la que hacía referencia originalmente. Cerca del final del álbum, se encuentra “Key West (Philosopher Pirate)”, que continúa la exploración

El cierre del disco lo realiza con una colosal pista de casi 17 minutos de duración, “Murder Most Foul”, en la que Bob Dylan realiza un impresionante recorrido histórico, político y cultural de su país, desde el asesinato del ex presidente John F. Kennedy en 1963, más menciones a diversos referentes artísticos como el recientemente fallecido Little Richard, The Beatles, el pianista de jazz Thelonious Monk, el actor Buster Keaton, entre otros. Así, el Premio Nobel de Literatura dedicó el track más largo de todo su catálogo a sus fans y seguidores “con gratitud por todo el soporte y lealtad a través de los años”, tal y como expresó cuando publicó esa pista en las plataformas digitales en marzo pasado.

Cronista: Maximiliano Novelli Frutos | 17 de Julio

EP´s: ALINA GANDINI / FULCHES KIANEA / VIVALAFLER!

Revista El Bondi te ofrece cuatro nuevos EP´s salidos en tiempos de pandemia. Para todos los gustos. Cronista: Sergio Visciglia | 03 de Agosto

FULCHES - Radiografía Antropológica Cinco canciones de dos minutos de duración realizadas en cuarentena. Listo, con eso decimos todo. Y la locura de “Te aplaudo” resume la idea a la perfección. Hernán Calvo Pardo sintetiza su obra y aprovecha sus dotes de producción para darle rienda a toda la obra. Más guitarreada pero igual (o más) de frenética aparece “La pantalla es una puerta cerrada” gracias a la voz de Carla Flores y con la presencia sonora de una guitarra de juguete rota. Bajan un cambio tanto la voz como el piano de Noelia Pollini en la misteriosa “Amor”. Más roturas se presentan con la voz y la guitarra criolla a puros golpes en el puntazo alto “Si me obligan lo voy a hacer”. El combo da pie a “Conversar, recordar, aprender”, último tema y tal vez el más cancionero del EP, por decirlo de alguna manera. Gran trabajo.

KIANEA - Juego Limpio El debut de Kianea llega con cinco temas de una impronta pop bien marcada, con fuerte presencia de estribillos compradores, melodías más que agradables y letras cotidianas que redondean perfectamente la canción. A puro ruego empieza con “Fair play” y “Paradigma”, corte de difusión elegido, ya obliga a mover la cabecita de un lado al otro, generando un alzamiento rítmico con el que necesitaremos bailar en “Los extraños de siempre” mientras escuchamos la letra y nos vemos en algún espejo pasado, presente o futuro. “As de desencuentros” se presenta como una canción hecha y derecha hasta que en su epílogo marca el ritmo “y un amor de desencuentros que dolían” nos transiciona a “Yo pretendo”, con sintes cuasi ochentosos para cerrar una linda carta de presentación.

VIVALAFLER! - Movimiento Nacida hace ya diez años, Vivalafler! tuvo siempre la impronta mestiza e inquieta de mezcla de ritmos decorando un mensaje profundo y marcado en las letras. El nuevo EP Movimiento llega en plena pandemia para darle una nueva impronta. Ahora tirando completamente al género urbano, con un rap preponderante, “Hoy” es pura energía y frenesí con loops y máquinas, “Fuerza natural” es más oscura y melódica con un cálido estribillo. El tema que da nombre al trabajo remonta la impronta de rapeo más estribillo activo y potente. Cierra la escucha “Wanki ki” y su “paz y amor para la gente” para darle esperanza a su mensaje.

ALINA GANDINI - El gato y el rayo El nuevo trabajo de la reconocida música, dueña de un exquisito recorrido, llega con dos canciones que “hace rato estaban esperando ser escuchadas”, confiesa. Con máquinas bien presentes, bien peleadora empieza con “El gato”, aunque de a poco va aflojando y rogando un “todos los secretos de mi corazón los guardo para vos”. “El rayo” nos trae más calma y una emocionante melodía que marca la escucha para que cuando cierre con “en el rumor de esos días” nos deje con muchas ganas de más.

DISCOS - Jason Mraz

LOOK FOR THE GOOD

Letra, música y solidaridad confluyen en el séptimo disco de Jason Mraz. El cantautor estadounidense, Jason Mraz lanzó Look for The Good, un nuevo disco con 12 canciones que transmiten, desde sus melodías y letras, una energía positiva que hace que cualquiera tenga ganas de bailar. El disco fue publicado el 19 de junio, día que en Estados Unidos se conmemora el fin de la esclavitud. Recordando este hecho, y poniendo en sintonía palabras y acciones, el artista decidió donar las ganancias del disco a diferentes organizaciones que investigan y luchan por los derechos humanos. Reafirmando así su compromiso social. Esta relación con la sociedad y los sentimientos alrededor de las personas que lo rodean también se plasman en sus canciones y en la manera en que tiene de comunicar. Con una mezcla pop de reggae y funk, Maraz regala a las personas momentos de distensión con frases ideales y positivas porque, como dice en la canción que le da nombre al disco, “Look For The Good”: “Todo es amor, luz y vibración”. Cronista: Maia Kisz | 10 de Agosto 9

DISCOS - Motörhead

ACE OF SPADES

(DE LUJO)

Un repaso por la edición especial por el 40 aniversario del lanzamiento del cuarto álbum de Motörhead que será publicada el próximo 30 de octubre. En este 2020 se cumplen cuatro décadas desde que Ace of Spades (1980) vio la luz para catapultar a la banda liderada por Lemmy Kilmister con uno de los trabajos más aclamados de todo el catálogo de Motörhead. Para celebrar dicho aniversario ya se encuentra en pre-venta una edición de lujo que contendrá el trabajo original masterizado con la tecnología half-speed, directo desde las cintas originales.

presentación del LP; el cómic “Motörhead Rock Commando”; un set de 5 dados de póker que se pueden jugar en el tablero de juego dentro de la tapa del box set que se asemeja a una caja de dinamita con estética del Viejo Oeste y un vinilo de 7 pulgadas con la edición alemana de “Ace of Spades”, más una versión instrumental del tema en el lado B.

como el heavy metal, el hard rock y hasta el punk. La buena recepción también incluyó a la crítica de aquel entonces. En definitiva, fue el mayor logro comercial en toda la historia del grupo.

Tras haber pasado por varios cambios de formación, una gran cantidad de presentaciones en vivo que acumulaban desde 1975 y tres discos, el trío conformado por Lemmy Kilmister en bajo y voz, Tamaña publicación recopila Eddie Clarke en guitarra y Phil un pedazo muy importante “Philthy Animal” Taylor en Además, incluirá dos álbumes en la trayectoria del conjunla batería, imprimieron una en vivo de la gira “Ace Up Your to encabezado por Kilmister, velocidad en el rock and roll Sleeve”, un EP de 10 pulgadas que fue el primer registro en -como le gustaba denominar tener éxito masivo del que con tracks instrumentales era considerado por la revista al vocalista a su estilo musical, inéditos desde 1980; un disbritánica NME como “la mejor jamás con otro término- que co doble con rarezas, temas inspiró el surgimiento de los inéditos y lados B titulado The peor banda de rock and roll Good, The Broke & The Ugly; del mundo”. El sucesor de On subgéneros thrash metal y speed metal. Es que MotörParole (1979) fue muy bien un DVD compilatorio con head fue una de las tantas apariciones en televisión y un recibido por el público, con concierto de 1981; un libro; el un creciente aumento de fans agrupaciones que en aquel entonces estaban dentro del programa original del tour de que trascendía géneros tales 10

movimiento llamado Nueva Ola del Heavy Metal Británico, que incluía también a ejemplos como Iron Maiden, Def Leppard, Saxon, entre otros. De vuelta al estudio, fue producido por Vic Maile, quien ya tenía un historial de haber trabajado con Jimi Hendrix, Led Zeppelin, The Who, entre muchos otros. Este productor resultó ser una figura clave en el sonido que desarrolló la agrupación inglesa a partir de entonces y que se mantuvo inalterada hasta su disolución, luego de la muerte de Kilmister, a finales de 2015. La mayor parte de las composiciones se repartieron entre el guitarrista y el baterista, quienes lograron armar un set de 12 canciones, que incluyó algunos de los tracks más reconocidos de la banda, además de la que le dio su título, tales como “The Chase is Better than the Catch”, “(We Are) The Road Crew” -en la que homenajearon a sus plomos y asistentes de sus shows- o “Love Me Like a Reptile”, entre otros. La lírica recorre además temáticas vinculadas con el juego -como el título del registro lo indica mediante el as de picas-, las películas del género western, el sexo y hasta el desamor, como ocurre en “Bite The Bullet”.

A través de potentes riffs, un bajo estridente -quizás el más fuerte del rock-, virtuosos solos de guitarra, un ritmo a toda velocidad desde la batería marcan un disco contundente, que si bien se lo suele vincular como una pieza clave dentro del heavy metal, también tuvo algunas influencias del punk. Un trabajo que marcó la historia de la música internacional y que inspiró a miles de personas en todo el mundo, a través de las décadas y las generaciones. Por el momento esta edición especial de aniversario que promete una gran cantidad de material nunca antes visto se encuentra en etapa de pre-venta en la web hasta que finalmente sea lanzado mundialmente el próximo 30 de octubre con una caja que para muchos y muchas será un verdadero tesoro. A partir de allí se podrán deleitar con uno de los trabajos insignia de Motörhead donde las expresiones clave podrían ser más duro, más fuerte, más rápido. Con este LP, el conjunto de Lemmy supo llevar a los límites sonoros al rock y tendrá su merecido festejo, cuarenta años después. Cronista: Maximiliano Novelli Frutos | 17 de Julio 11

LOSINDISP DAVID GILMOUR y ROMANY GILMOUR: “Yes, I have ghosts” La nueva canción de David Gilmour en cinco años dispara en varios sentidos. Por un lado, es un álbum familiar, con letra inspirada en la novela “A theatre of dreamers” de su esposa e histórica colaboradora Polly Samson, y la participación de su hija Romany en voces y arpa. En la lírica, es un homenaje al paisaje de isla griega de Hydra, su bohemia de los años ‘60 y a uno de sus protagonistas, un posible Leonard Cohen. Y aquí está lo más interesante: una nueva aproximación a Gilmour, que lejos de la parafernalia floydiana y la voz aterciopelada, se muestra como un trovador de cuerdas acústicas y graves. 12

UGO MUR: “El dÍa que me quieras”

LAGU: “Tamo’ en una”

Con sinterizadores y beats imponiendo el ritmo, Ugo Mur revisita al clásico de clásicos que es “El día que me quieras” para un versión bien contemporánea pero no por eso menos conmovedora que la histórica e imbatible pieza original. Las cuerdas y la interpretación del cantante hacen perdurable esa nostalgia que sale por los poros de la letra y la melodía tanguera que fabricaron Le Pera y Gardel allá por 1934.

Agu Romanelli está en una, y en una muy diferente a la que venía. Lejos de la batería, la polenta alternativa con la que vibró junto al enérgico duo Malman, da un giro gigantesco en su proyecto solista en el que se lanza como cantante, productor y compositor al ritmo del trap propiamente dicho. Todo acompañado por un genial videazo, ideal para la dinámica de estos tiempos.

SEGUINOS EN

S E L B A S PEN

Por Sergio Visciglia, Pablo Andisco, Lucas González y Anabella Reggiani

JUSTO ANTES DE LA GUERRA CON LOS ESQUIMALES y PLANETA NO: “Chico del montÓn”

En un misterioso plan punk, los primeros acordes nos invitan a escuchar esperando una batería que marque el ritmo para reventarnos en el pogo general. Pero la sorpresa es parte de esta canción que cuando menos lo pensábamos todo se llena de sintes bien poperos. Medio que todo se convierte en bipolaridad de la buena entre saltar o bailar. Ya fue, hagamos todo junto en dos minutos y todos contentos.

LAS SOMBRAS: “Nada mÁs” (feat. Las Perlas) Durante la cuarentena, Las Sombras colgó en las redes el show completo que dio en Niceto en octubre pasado. “Nada más” es el corte de difusión y permite una aproximación diferente al grupo pampeano. El bolero sucio y desértico original de Crudo (2018) es intervenido por el cuarteto Las Perlas, que lo convierten en clásico y acústico, con arreglos de voces, guitarras y una puesta que conecta con la edad de oro del género.

NAGUAL: “Trucorealidad” Compuesto en los valles calchaquíes durante una gira, el adelanto del sexto disco del grupo de Mataderos y funciona como una buena síntesis de una carrera que se acerca a los 20 años. En menos de tres minutos, el bajo invita a galopar, la voz acepta el desafío y las guitarras aparecen como estocadas para enmarcar una letra que bucea entre las obsesiones de Nagual: la búsqueda interior y el estado alerta ante la realidad y sus trucos. 13

ALICIA KEYS: “Perfect way to die” En medio de las controversias sobre la violencia policial que sacuden el territorio norteamericano, Alicia Keys publica esta desgarradora balada. Con la solitaria compañía de un piano, la cantante se sirve de toda la fuerza de su voz para gritarle al mundo la historia de una madre cuyo hijo ha sido asesinado. En sus propias palabras: “Por supuesto que no hay una forma perfecta de morir. Esta frase ni siquiera tiene sentido, pero eso es lo que hace que el título sea tan poderoso y desgarrador”.

JUAN BECÚ: “ConspiraciÓn” Parte del colectivo Otras Formas –el sello musical integrado por artistas visuales craneado por Florencia Hana Ciliberti- Juan Becú ofrece su respuesta urgente al universo de las paranoias y las teorías conspirativas. La melodía flota sobre un colchón de acústicas y percusiones, hasta que por obra y gracia de los nombres propios y las ideas locas, muta en un anarco folk, al que la estética starworsiana le aplica la dosis justa de psicodelia.

LA TABARÉ: “La moda del wash” Líder de las camaleónicas encarnaciones de La Tabaré durante los últimos 35 años, si algo mantiene inalterable Tabaré Rivero es su mirada ácida y crítica de la realidad. Con la lupa está puesta en el exceso de liviandad y la falta de compromiso, “La moda del wash” muestra a la banda uruguaya retomando su pulso más rockero, con la novedad de la cantante Pamela Cattani y la confirmación de Leo Lacava como enorme guitarrista.

ANGIE CADENAS: “Solo soy”

La dulce voz de -enumera cada uno de sus defectos en “Solo soy”. Una canción que invita a dejar de exigirnos ser perfectos y disfrutar. La pieza conjuga condimentos folk con algo de pop y mucho talento a cargo de quien va camino a convertirse en una de las cantautoras jóvenes de mayor proyección. No digan que no les avisamos. 14

PUM: “Antes de que vuelvas” El grupo ganador del concurso “Camino a Abbey Road” muestra otro adelanto de su disco Cruza el laberinto, grabado precisamente en la meca beatle. Y como si la atmósfera se apoderara de sus cuerpos, las armonías vocales entran en juego con la crudeza rockera que traía la canción y generan un atractivo contrapunto climático. La producción de Michel Peyronel y la ingeniería de Álvaro Villagra completan un equipo de lujo a la espera del nuevo material.

SONIA ROVI: “Plan perfecto” El primer simple como solista de Sonia Rovi, líder desde 2004 de la banda Lúdico, invita a un perfecto viaje espacial. Liviana y electrónica, esta balada compuesta y grabada en cuarentena, se destaca en esta nueva etapa solista. “Palabras que no van, no quiero proyectar” dice su letra, cargada de simbolismos sobre aquello que no es perfecto... aunque su música podría ser un buen plan perfecto.

ANDANDO DESCALZO: “Ventanas” En grises días de cuarentena invernal, Andando Descalzo se despacha con esta conmovedora versión de “Ventanas” a piano y voz, un recurso de la banda que crece canción tras canción, de la mano de un exquisito Pablo Otero en teclados y la voz cada vez más profunda y emocional de Juani Rodríguez. Oscura y arrabalera, la pieza se completa con la reinterpretación actoral de Antonio Allias para un video que acompaña a la perfección.

SUPER RATONES: “Carreras de aviones – En vivo en cuarentena”

La pandemia puso freno a esta nueva etapa de Super Ratones, el grupo que durante 2019 volvió a publicar nuevas canciones después de diez años. Para mantener la maquinaria en ritmo, la banda publicó una versión de entrecasa de “Carreras de aviones”, tema que titula su última placa, compuesto e interpretado originalmente junto a Manuel Moretti, y que en su formato acústico ratifica toda su esencia cancionera. 15

LOS ÁNGELES AZULES: “CÓmo te voy a olvidar” (ft. VICENTICO) Si algo demostró Vicentico en su etapa solista es ser un crooner hecho y derecho, interpretando a la perfección clásicos de cualquier género y tiempo. Esto explica entonces que su performance junto a Los Ángeles Azules dé como resultado un combo de cumbia perfecto, más tratándose del clásico de clásicos del conjunto mexicano de la familia Mejía Avante.

LUCÍA TACCHETTI: “Laberinto” (ft. CASERO) La cantante continúa deleitándonos con sus adelantos de lo que será su nuevo álbum, próximo a salir en esta segunda mitad del eterno 2020. Con perfectos recursos visuales para apalear la era de pandemia, disfrutamos desde una tele noventosa a la voz y el restro de la invitada estelar, la española Gabriela Casero. Con sus típicos sonidos electro-pop vertiginosos, Lucía nos regala delicadeza sonora para disfrutar.

FEDERICO KEMPFF: “Ruinas” “¿Cómo hacer una canción de amor en este tiempo?”, arranca preguntándose Federico Kempff y nos lo dice todo en esta desgarradora canción que puede ser un resumen perfecto de esta cuarentena para cualquiera de nosotros. Luego de tres minutos y medio nos quedarán más preguntas aún, pero qué mejor, si de eso se trata la música, ¿no? “Y nos va ganando la ansiedad, la soledad…”.

DERBY MOTORETA‘S BURRITO KACHIMBA: “El Valle”

En el tema adelanto de su segundo álbum -que será publicado por Primavera Labels, el sello clave de la nueva escena europea-, el grupo oriundo de Sevilla muestra todas sus influencias musicales y estéticas en un paso más para definir su concepto de “Kinkidelia”. Con una imagen entre lo callejero y lo retrogamer kitsch, la banda reluce su adn de rock andaluz, pela distorsión setentosa y en base a cortes y psicodelias hace de “El valle” una irresistible puerta de acceso para conocerlos. 16

The Rolling Stones: “Scarlet” (ft. Jimmy Page)

La banda liberó otro de los inéditos que integrarán la reedición deluxe de Goats Head Soup (1973). El tema fue grabado en octubre de 1974, en el estudio montado en el sótano de la casa de Ron Wood. Stones y Zepps se cruzaron en el cambio de turno y Page se quedó para meter unas violas en una sesión que se extendió hasta el amanecer. Jagger, Richards y el tecladista Ian Stewart fueron los únicos de la troupe stone que participaron del efímero supergrupo que tuvo en el bajo a Rick Grech (Family) y en la bata a Bruce Rowland (Fairport Convention). El título “Scarlet” está inspirado en la hija de Jimmy, actualmente una reconocida fotógrafa del rock.

Francisca Valenzuela: “La fortaleza” Para el clip de “La fortaleza”, tema que cierra su cuarto álbum de estudio, la artista chilena convocó a sus fanáticos para que le envíen fotos y videos de cómo pasaban estos días de encierro. La carpeta se nutrió con más de 1600 documentos, que puestos en continuado dialogan con su canción desde esas perspectivas personales que se hacen colectivas. El diferencial en la era de los videos colaborativos lo aporta la letra, escrita antes de la pandemia y hecha bandera. “Si estoy en medio de la tormenta ser la calma que sostenga el centro de la tierra”.

Taro: “2 mil noches” Pop bien melódico de la mano de Taro Barceló y su primer single “Mil noches”. “¿Cómo te voy a dejar si todavía no es época de flores?” es lo primero que nos dírá. Su carta de presentación arranca con una pregunta y eso es tan intrigante como comprador. Para coronar la canción nada menos que un estribillo que quedará taladrando en nuestras cabezas. Recomendación: escuchalo cerca de un kiosco, porque vas a querer comerte un alfajor.

Pani Costeca: “De cero”

Cultures del subgénero indie rock activo -a no confundir con alternativo-, Pani Costeca es un trío oriundo de Mendoza que se formó en 2019 y que ya cuenta con tres canciones publicadas: “Pensar lo mismo”; “Frenar los días”, junto a Pasado Verde; y la reciente “De cero”. Esta última, la más ganchera de todas (“Son raras esas vidas que vuelan sólo para morir en el mar”), le da nombre al disco que planean publicar en un futuro no muy lejano. 17

Mel MuÑiz: “Apasionadamente” Bien pasional es la nueva presentación en solitario de Mel Muñiz (La Familia de Ukeleles, Las Taradas, etc.) y no solo desde el título sino a través de los tres minutos que dura este bolero con toques caribeños para escuchar a plena melancolía. La voz de la cantante y la guitarra elevan una performance verdaderamente para disfrutar.

Max Tejera: “Calma” Formado en la escuela estética de Dani Umpi, Miranda! y Alex Andwanter, el compositor y productor charrúa Max Tejera confirma con su nueva canción que las despedidas son esos dolores muchas veces dulces. En este caso, el quiebre (¿o distanciamiento preventivo?) de una relación decanta en una balada electropop destinada a integrar más de una playlist.

Baltasar Comotto: Kiev (ft. Electro Guru) El guitarrista profundiza la línea melódica que había desarrollado en su álbum, Elite (2018) y la colaboración de Electro Guru le aporta un nuevo universo sonoro. En ese entramado de guitarras, sintes y bases programadas, la voz de Comotto va ganando espacio y logra imponerse desde lo más profundo del alma. “Al ver tus ojos te diré que veo más que ayer”, canta Balta, en lo que puede resultar una buena figura para graficar este paso.

Acorazado Potemkin: “Mundo Lego”

Con una gran interpretación actoral de Ailén Cafiso, llega el video de “Mundo Lego”, bella canción incluida en el penúltimo disco de la banda, Labios de Río, lanzado hace ya tres años, previo a Piel (2019), recientemente nominado a los Premios Gardel. La emocional poesía de Josefina Saffioti se volvió más emocional con la música de Acorazado Potemkin y ahora más emocional aún con este video realizado por Federico Pérez Losada. 18

JazmÍn Mazzucheli: “Guarida” (ft. Paz Asurabarrena)

El comienzo enigmático y envolvente nos pone en estado de alerta constante, como para no querer perdernos ninguno de los frescos detalles que surgen en esta yunta entre las cantantes platenses Jazmín Mazzuchelli y Paz Asurabarrena. “Corro, no hay lugar mientras el tiempo veo pasar”. El final será más enigmático y envolvente, como para que nos den ganas de un constante loop.

Poncho: Sola por la ciudad (ft. Karina Vismara) Con el formato crossover que tan bien sabe implementar, Poncho conecta esta vez con Karina Vismara, una de las artistas más relevantes de la escena folk. El resultado es un trip relajante, de acústicas envolventes, bases amenas y una voz que se multiplica en coros y armonías. El clip aporta una psicodelia angular, necesaria para redondear el concepto de la canción.

Flor Paz: “TrÁeme la noche” Mientras prepara su tercer álbum de estudio, la cantora Flor Paz, voz clave en la renovación del folklore, se anima a este clásico de The Police, a banda completa y desde casa. En doble amalgama con la versión original de Regatta de Blanc (1979) y la que Gustavo Cerati y Andy Summers registraron para el tributo Outlandos D’Americas (2000), la calidez de la interpretación realza una melodía que marida perfectamente con los sonidos e instrumentos autóctonos.

Pommez Internacional: “El rock & roll de la calle cortada”

La histeria de la vida de la ciudad pre pandémica en tres minutos. Frenesí maníaco, bocinas, cacerolas, ruidos, quilombo. Y una ironía que Pommez Internacional maneja a la perfección en este regreso a las pistas adelantando la segunda parte de su Infierno Porteño. Bienvenidos al apocalipsis pre apocalipsis. 19

LOS AUTÉNTICOS DECADENTES: “El gran seÑor” (ft. Los Nocheros)

Los Deca siguen alegrándonos en tiempos de pandemia y comparten grandes momentos de su último tiempo con geniales invitados. Ahora es el turno de Los Nocheros para aportar su avasallante coro de voces al mega clásico “El gran señor”. Cumbia de la buena con aires salteños y voces imponentes. Para escuchar, bailar y disfrutar.

GIGIO & SPIKER: “Autopsia” (ft. Eva EsdrÚjula) El sello trovador de la yunta Gigio González y Mario Siperman continúa ofreciendo nuevas piezas desde aquel auspicioso disco debut Instrucciones Para Ver el Sol del año pasado. En este caso, unas misteriosas y noctámbulas estrofas se entremezclan con un onírico coro de la franco-chaqueña Eva Esdrújula que hasta nos puede remitir a viejas revistas de los ’70 porteños. Buenas nuevas, sin dudas.

UN.ABRIL: “Puedo” un.abril, el nuevo proyecto de Iván Sorokin y Joaquín Bañuelos, es una idea acuñada durante la cuarentena y anclada en el placer primario de la composición artesanal. En su segundo single, y aún sosteniendo el concepto minimalista de la canción pop, el dúo se nutre de la batería de Rodrigo Humeres y las percusiones de Sebastián Cavalletti, para indagar en nuevas texturas y potenciar el clima ascendente.

GUIDO VENE: “Siete lunas” En es segundo sencillo de DemoD, su primer trabajo en solitario, Guido Vene ratifica el pulso bailable que había transitado en “Por qué”. Cada vez más asentado en esta nueva, el ex Tamesis se hace cargo de toda la instrumentación y suma a Chiche de Undurraga en los parches para narrar una historia de amor onírica, con Constitución como escenografía y Marvin Gaye como disparador. 20

LUANDA: “de ak-Á” A puro trap. A plena chacarera. Chacatrap entonces. Luanda irrumpe con este adelanto de lo que será su álbum resreito. Un fraseo particular, energético e hipnótico que decora a la perfección lo que disparan las palabras en una letra dispuesta a batallar y a reivindicar a todxs lxs afroargentinxs. Desde lo cotidiano hasta el rol aniquilador histórico del Estado pasando nada menos que por la discriminación y la negación cultural. “El bombo legüero también es afro, eh”.

PARA LLEVAR: “Piel” Directo desde Venezuela, instalados en Buenos Aires. Para Llevar presenta “Piel”, segundo sencillo de lo que será su nuevo trabajo. Un gran juego de imágenes en el video acompaña a esta eficiente combinación de indie rock, con guitarras bien presentes y un estribillo comprador.

ÁRBOL: “PequeÑos sueÑos” (feat Natalie PÉrez) El grupo de Haedo une fuerzas con la cantante y actriz para entregar una versión bien diferente de uno de los clásicos que dejó su gran obra Guau! (2004). El resultado es una melodía fresca, adulterada y edulcorada en su punto justo, para que suene reconocible pero no idéntica a aquella que escuchamos tantas veces. El adn arbolero se reconoce en las instantáneas del video, entre la nostalgia de diferentes comercios perdidos en el tiempo, y el andar del Sarmiento como hilo conductor entre pasado, presente y futuro.

LA VELA PUERCA: “De no olvidar”

Allá por principios de milenio la banda uruguaya lanzaba su segundo disco con el que comenzaría a conquistar los corazones argentinos y su último tema era una exquisita reversión ska punk de “De no olvidar”, del histórico cantautor Alfredo Zitarrosa. En el año 2016, en el marco del festejo de sus 20 años de historia, la banda homenajeó a la guitarrera versión original pero no se publicó en Festejar Para Sobrevivir (2017). Tiempos de pandemia resultaron ideales para que nos regalen este bonus track tres años después. Disfrutemos.

MATTOGROSO: “Algo mal en mi” Extraída del álbum A La Batalla (2018), esta canción vuelve a tomar fuerzas en cuarentena con este lanzamiento de su video lyric para resaltar una letra que define perfectamente el concepto del trabajo lanzado hace dos años. La banda de metal nacida en San Martín expone toda la crudeza y energía de su música en este nuevo corte mientras el confinamiento los encuentra con nueva formación y en trabajo constante.

MAURO CONFORTI & LA VIDA MARCIANA: “Cuidado!” (feat JuliÁn Baglietto) Para celebrar diez años de su álbum debut La vida marciana, el músico toma uno de los grandes temas de aquella cosecha, lo marida con la voz de Julián Baglietto y juntos desandan el camino de la épica pop. El video, primero que dirige el propio Conforti, es una oda a su reconocida cinefilia, que propone un diálogo entre momentos clásicos del séptimo arte con la nueva virtualidad y deja un continuará de antología.

LOS PIKADIENTES DE CABORCA y MARICARMEN MARIN: “ConquÍstame”

Picante fusión entre la cantante peruana Maricarmen Marin, y el conjunto mexicano Los Pikadientes de Caborca. Para bailar a puro ritmo y embellecerse con la dulce y poderosa voz de La Diosa de la cumbia. Acompaña un divertido video lyric con animaciones perfectas para la ocasión.

CUATRO TRES DOS: “Firmes”

Luego de editar un compendio de su material en formato vinilo titulado Ranímexz -simbiosis de sus placas Animé (2015) y Raíz (2018)- el trío se mantiene activo durante la pandemia con el clip de “Firmes”. El play sacude directo al corazón nostálgico de quienes hayan conocido el fenómeno de Internet en el milenio pasado. Enseguida, el formato facebook live vuelve a la pesadilla del presente y el angular sacude frenéticamente la visual. En el medio, un shock de distorsión, velocidad y frenesí informático. 22

EMMANUEL HORVILLEUR: “Raros” Cuando todavía resuenan los ecos de su gran álbum Xavier, Emmanuel Horvilleur no se queda quieto y presenta un adelanto de su próximo material. Nacida en la comunión del estudio prepandemia y concluida en tiempos de distanciamiento social, “Raros” tiene la elegancia y el swing que caracteriza a Emma, un clip de animación imperdible y una expresión de deseos que se hace colectiva: “Qué lindo Buenos Aires cuando esté con vos, así”.

WILLI PIANCIOLI: “Lago en el cielo” La esencia tipita bien firme en este segundo corte solista de Willi Piancioli con el toque justo de Leo García como invitado, generando un más que comprador combo electro popero, como no podía ser de otra manera. “Vamos despacio para encontrarnos” nos sugiere esta hermosura reversionada de Gustavo Cerati.

IVÁN SALO: “Tres el amor” Mientras prepara un trabajo retrospectivo de sus diez años con la música, Iván Salo presenta una nueva canción, inspirada en su paternidad y orquestada en consecuencia. Para “Tres el amor” descansa en los arreglos de cuerdas de Leo Fucci, en el violín de Laura Urteaga y en el arte gráfico de Paula Bocca para contar en primera persona y a ritmo de cuna cómo el universo ya no es el mismo desde la llegada de su hijo.

OLI MORERA: “No sÉ ya fue”

Fresca y suave suena “No sé ya fue”, lo nuevo de Oli Morera nacido plenamente en pandemia y con la incertidumbre impregnándose en nuestros poros. Muy distinto momento a cuando salió su álbum Hoy Sé el año pasado, sin dudas. Amor y desamor, todo golpeando al mismo tiempo. 23

RE SIGNADOS: “Pasado presente”

El dúo integrado por Carolina Ban y Gonzalo García Blaya lanza un adelanto de lo que será su tercer disco, grabado y mezclado desde casa. Mucho wave, post punk y el grito bien fuerte del viejo lema del estilo inaugurado por los Pistols, que escuchado en la actualidad que nos toca vaya que nos da miedo. “¡No hay futuro!”.

SUENA CON PAZ: “Vamos” El proyecto de Paz Balpreda se encuentra en un proceso de multiplicidad creativa y “Vamos” es una muestra de todo el potencial que tiene la artista. Después de versionar a la obra de Charly García, emprende un viaje sensual entre el pop y el soul y entre guiños al hip hop y susurros en italiano, articula este single, que funciona como puente y complemento hacia Up, el EP que publicará a fin de agosto.

RAYOS LÁSER: “Ya me hiciste mal” Sobre la instrumental bailable, pero no por eso menos melancólica, la nueva canción del trío cordobés certifica que todos los días del mundo existe una forma de resucitar. En palabras del cantante y letrista Tomás Ferrero: “Volví a creer. La libertad me mata y siento que me hace bien. No está tan mal poder decir ‘esto ya fue’”.

SOL PEREYRA: “Me gusta” La cordobesa muestra todo su repertorio artístico en un manifiesto optimista. “Me gusta elegir por donde yo camino / que tierra he de pisar y quién viene conmigo” es la frase que repica del tema, que fue grabado entre Francia, Argentina y México y trabajado junto al arreglista francés David Baluteau. Ese espíritu errante se traslada a los beats y los colores melódicos, que viajan al compás de las voces y las animaciones entre el arte milenario y el retro kitsch. 24

DOCTOR BROWN: “Lo difÍcil de esperar”

La cuarentena sigue devolviendo inspiraciones y más que bienvenida es la de Doctor Brown y esta canción que nos hace preguntar “¿Cuánto tiempo pasará? ¿Volverá a ser todo igual?”. Un rock oscuro, con tintes de la guardia de los ’80 y ’90 nacionales. Con certezas que son preguntas, con preguntas que son más preguntas, seguiremos esperando, aunque cueste.

BRUNO ALBANO: “Compli” En diálogo con esta revista, el año pasado Bruno Albano reconoció que su vida se reducía a componer música. No sorprende, entonces, que ni la pandemia haya podido socavar esa pulsión vital de crear canciones. De hecho, en lo que va de la cuarentena publicó “Polifomo” y la reciente “Compli”. Esta última pareciera menos exultante que la primera (“No pude evitar esta forma de ser”), pero más introspectiva (“No soy un robot, sé cómo sentir”) y cercana al mood de su álbum debut como solista, Yo no soy bruno (2019).

PARALEIA: “Prime time” Con un cuidado trabajo en lo musical y en lo estético, Paraleia construye una propuesta sólida en base a singles que pueden verse como partes de un todo. La introspección y cierta filosofía impregnan la lírica del grupo de Castelar, que completa el hilo conductor en base a un pop ganchero y elegante. Porque si en su corte anterior, “Cassette”, cantaba las “Ganas que la vida sea un cassette para rebobinar”, en “Prime time” plantea la disputa permanente entre lo que es y lo que pudo haber sido.

EL MORO DE VENECIA: “Heladera”

Con una intro spinetteana a modo de homenaje, El Moro de Venecia sale de su heladera rota y llena de cosas para pegarnos el estribillo de principio a fin. Un estribillo bien cancionero y trovador que se conjuga a la perfección con unas estrofas más rapeadas y un llamado telefónico que esperará en alguna habitación vacía. El video en cuarentena es apoyado por los dotes actorales del artista. 25

ENTREVISTA

Maite “MI DISCO SE TRATA DE BUSCARNOS,

ROMPERNOS Y ENCONTRAR COSAS NUEVAS” “Igual, no” es el primer material de la artista, quien se lanza a compartir sus creaciones con una negación como título para invitar a la búsqueda constante apelando a lo sonoro y explorando lo sentimental. Maite dice que no es compositora, pero acaba de sacar un disco lleno de historias de su autoría. Ella es cantante. Toca el piano y las canciones son su manera de expresarse. “Siempre cantaba temas de otros, hasta que decidí construirme mi propio vestido. Entonces fui, me compré un montón de libros, leí poesía, hice talleres y llegué a escribir las canciones que componen el disco”, explica la cantante en comunicación con Revista El Bondi. Maite es curiosa. Le gusta aprender y descubrir cosas nuevas. Impulso suficiente para lograr un material con nueve canciones, subirlo a las plataformas digitales y compartirlo con el mundo. -Cuando empezó la cuarentena, ¿en qué parte del proceso de realización del disco estabas? -Lo tenía terminado hacía seis meses. Desde ese momento lo toco en vivo, pero faltaba ed26

itarlo. Me estaba debatiendo dónde subirlo. La pandemia fue un momento muy particular. Me empezó a quemar hacer algo al respecto y sacarlo fue una manera de encontrarme con algo vital. Entonces entendí que la vida no es siempre como nosotros queremos y no existen los plazos que creímos que existían. O las formas. Siempre se puede hacer o hablar de hacer. Yo entendí que está bueno hacer lo que sea, pero algo. Que esté ahí, que sume. Hacer algo bello, que nos sirva a nosotros y nos ayude a vivir. No hace falta que sirva para otra cosa. Entonces, saqué el disco.

las redes. Entiendo que es una forma de vincularse que está buenísima porque nos permite expresarnos con mucha libertad, pero me cuesta y tuve que hacerlo porque es lo que hay. Es sorprendente como todos fuimos encontrando otras maneras de hacer. Los que podemos, en realidad. Siempre desde un lugar de mucho privilegio. Los que tenemos todo para recalcular, lo hacemos. Le encontramos la vuelta para que no sea tan difícil el día a día. Buscamos un motor y una dirección.

-Te faltaba un empujón, nada más.

-Sí. Antes de sacar el disco estaba en un pozo ciego. Estaba entretenida dándome maña para dar clases, pero el disco me dio alegría de vivir. Y fue un reencuentro. Tenía cierta resistencia a que saliera, pero logré verlo con otros ojos.

-Y me lo dio la cuarentena que me obligó, también, a conectarme con el mundo digital. Igual me gusta más el papel y el lápiz. Fue raro el disco digital y fue extraño conectarme con

-Y ese motor, para vos, fue el disco.

-¿Por qué te parece que hubo resistencia? -Un disco es algo que queda y no lo sentía terminado. Pero mi disco se trata de eso: buscarnos, rompernos y encontrar cosas nuevas. Lograr algo que esté atravesado por mis particularidades e igual se entienda. Hay mucha música en el disco. Hay que prestarle atención. Detenerse a escuchar porque está lleno de secretos. La búsqueda es interesante para encontrar cosas nuevas y el disco se hace cada vez que se toca. Yo entendí que no tiene fin. El material que sale editado es una foto del momento en el que se lanzó, pero

no termina. -¿Y tu búsqueda se relaciona con el amor? -Hay algo del amor a uno mismo. A lo que uno es por lo que es y por lo que hacemos para no ser lo que somos. La búsqueda. Es un disco de amor porque lo único que puede llevarte a construir algo como un disco es el amor. No sé a qué cosa. Amor a los humanos, en todas sus formas. Está puesto en lugares de hombres, pero el disco habla de la procrastinación de la búsqueda y de cómo uno ubica afuera cosas que están adentro. Yo creo que las personas podemos

ser muy chotas, pero también somos maravillosas. Hacemos CD´s, nos comunicamos de maneras sutiles como la música o el arte en todas sus formas. También llamamos a un amigo cuando lo necesita. Hacemos un disco, lo sacamos y compartimos ese amor. Y eso se completa sólo en la vida con los otros. En este momento tan particular en el que juntarse es complicado, encontramos maneras. En el caso del disco fue así. Me di cuenta que lo había hecho con mucho amor y responsabilidad, pero no lo estaba compartiendo, entonces no era nada.

-¿Y te enfrentaste a muchas críticas?

eso y con que igual no era por ahí. Me tomé el trabajo de hacer todo esto en una dirección, -No críticas, pero llama la pero igual, no. Al final nunca es atención que sean nueve canpor ahí. Uno se da cuenta por ciones con nombres de hombre. dónde es a medida que pasa y lo Y no quiero que se ubique en el construye. Como la pandemia, lugar de cosificación o de emque vemos de qué se trata a poderamiento malentendido. Es medida que pasa el tiempo. Y un gesto de amor. Yo también el disco tiene un décimo tema, me vi afectada por un montón que es una piecita de piano, y de mensajes que me atravesatermina que parece que no terron y me condicionaron a lo lar- mina. Y es a propósito porque go de mi vida, pero creo que es cada tema es muy rebuscado y posible hacer un disco de amor me pareció correcto terminar a todos hombres. Hay una parte con esa conclusión que es que al de lo vincular que se ve afectada final es más simple. El amor es para todos lados y hay que darle más simple. La forma luminosa tiempo. Necesitamos tenernos de verlo es más fácil, siempre. paciencia en la búsqueda de lo -¿Qué rol juega el amor propio que sea más justo para todes. al momento de ponerle el cuEntonces, al principio, yo también creía que solo se le podían erpo sobre un escenario a estas canciones? escribir canciones a hombres que te gustaran. Y que los hombres solo escribían canciones de -Yo creo que hay que hacer el esfuerzo del amor propio, amor a chicas. Pero, después, que no es fácil. Todos somos uno sabe qué lugar ocupa en un montón de cosas buenas y una pareja. También hay gente malas. El amor a las cosas bueque vive sin pareja o gente que nas es re fácil y el amor a las covive con varias y también está sas malas es una lucha permabien. Pero hay algo de poner nente. Pero, en realidad, los que en ese lugar de la completitud podemos hacer cosas como un con otro un peso que definitidisco es porque hay un montón vamente tuvo durante muchos años de mi vida y que por suerte de cuestiones que tenemos resueltas. Tenemos un resto. Hay no tiene más. Fue todo un trauna parte de eso que es difícil bajo deconstruir. llevar porque uno se pregunta por qué le pasa algo tan bueno -Pero, “Igual, no.”. Una negy por qué no a todo el mundo le ación, ¿por qué? pasa. Llega un momento en el -Igual es una palabra de mierda. que no entendés, pero porque ¿Qué es igual a qué? Nada es te pasa lo hacés. Entonces, en el igual a nada. Ni las cosas que se amor propio funciona lo mismo. hacen en serie. No hay nada ig- ¿Te cuesta quererte? Quizás sí, ual. Entonces tiene que ver con pero tenés la posibilidad de ha28

cerlo. Entonces hay que intentar hacerlo. Y no lo digo desde un lugar resuelto, sino también para recordármelo a mí misma. -¿Y qué pasa con lo emocional? Porque son canciones que justamente transmiten historias y sentimientos. -Potencia las canciones. Las vuelve vivas. Lo único que hacemos quienes nos subimos al escenario es reflejar. Somos un espejo que necesita estar frente una verdad para funcionar. No hace falta que sea real, pero si verídico. Son historias. Siempre pienso en cuando se murió Michael Jackson, persona polémica, pero hicieron una gira con un holograma. No funciona porque lo que nosotros hacemos al subirnos un escenario es reflejar la energía de la gente que nos va a ver. Entonces, si no hay emoción verdadera, no funciona. -Funcionó. Y, ahora, ¿qué hay en el futuro de Maite? -Me pasé mucho tiempo en la parte de la producción de “Igual, no”. Y no me volví a centrar en la escritura y realización de nuevo material. Ahora que el disco salió, estoy intentando volverme a conectar con eso. Ya siento el vacío. Pero seguro será otro proceso con más experiencia. Cronista: Maia Kisz Fotos: Gentileza Prensa 08 de Julio

ENTREVISTA

Zepet

“NECESITO VIVIR MÁS COSAS PARA PODER INSPIRARME” El cantante habló con Revista El Bondi acerca de su nuevo single, su videoclip y sus proyectos a futuro. Zepet es el reflejo de Ezequiel Gurovich. Dos personalidades unidas en un artista que divide su tiempo entre canciones pop y videos creativos para YouTube. Tras el éxito de su single anterior “Call me when you break up”, Zepet lanzó “Me and my reflection”, canción que ya se encuentra disponible para escuchar en todas las plataformas digitales. El videoclip, que fue filmado en Nueva Zelanda, dirigido por Camila Sol Mathov y editado por el propio cantante, ya cuenta con más de 80 mil visualizaciones en YouTube. Para grabar su nueva canción, Zepet convocó a un gran dream team que contó con la experiencia de Fernando Lodeiro (inge-

niero de sonido que trabajó con Paul McCartney, Lady Gaga y Arctic Monkeys), Brian Lucey en masterización (Liam Gallagher, Black Keys, y el productor Mateo Rodo (Natalie Pérez, Lucas & the Woods). -¿Cómo y dónde estás pasando la cuarentena? -La estoy pasando en mi casa junto a mi novia en Capital Federal. La mayoría de los días bien, pero ya llegó a un punto en que me hartó. -¿Cómo te pega ésta cuarentena artísticamente hablando? ¿Te inspira? ¿Te bloquea? -Me vino bien para poder enfocarme más en la música y no

distraerme tanto. Al principio de la cuarentena me compré un teclado midi y empecé a trabajar en nuevos demos, y terminar de cerrar algunas ideas viejas que tenía desorganizadas en mi celular. No sé si necesariamente me inspira la cuarentena, pero hay varias ideas que me entusiasman. Hay que ver a la larga cuánto puede seguir surgiendo, ya que siento que uno muchas veces necesita poder vivir más cosas para poder inspirarse, para poder contar cosas nuevas y tropezarse con ideas que nacen cuando uno sale de su zona de confort. -Justamente tu nueva canción se llama “Me and My Reflection”, y habla sobre estar aisla29

do, ¿Cuándo la escribiste te imaginaste ésta situación de encierro? -¡No, ni ahí! ¡Voy a tener más cuidado sobre lo que escriba en un futuro! Pero no, todo lo contrario, de hecho el videoclip se grabó cuando estaba de viaje en Nueva Zelanda, algo que ahora parece ciencia ficción. Es muy loco cómo las cosas pueden cambiar tan repentinamente y que una gran parte de la sociedad no se lo cuestiona o siente que no le va a afectar. Tenemos la suerte de que la tecnología nos permite sentir que nos escapamos un poco de las prohibiciones de poder salir, yo la estoy aprovechando para inclusive grabar algunas cosas a distancia. -¿Por qué elegiste Nueva Zelanda para filmarlo? -Cuando terminamos de cerrar la idea del video, y la idea de darle un look un poco más bizarro y casero, pensamos que por lo menos debería tener un escenario visualmente atractivo. Teníamos el viaje a Nueva Zelanda con mi novia planeado ya meses antes, y decidimos aprovechar los paisajes increíbles para grabar el video ahí. Fue divertido, un poco estresante, y también vergonzoso por momentos, porque capaz estábamos grabando y justo paraba un micro con turistas en el mismo lugar. -¿Qué diferencias encontrás sobre el sentimiento de estar solo 30

-Con Fernando Lodeiro grabé mis dos primeros EP‘s, que fueron mis primeras experiencias en el estudio y me en-La diferencia tiene que ver más señaron un montón. Tener a un que nada con la sensación de ganador de GRAMMY de ingeser “el distinto”, ese a quien no niero musical ayudó a que potodos entienden o necesariadamos hacer tanto en los pocos mente es querido por el resto, y días que teníamos en el estudio, en este caso estamos todos en con un sonido de primera que la misma. La canción está escrita para mí es muy importante. Es de punto de vista de un deliran- un tipo extremadamente mite que piensa que él fue selecnucioso en su trabajo, lo deja cionado para irse de nuestro todo y eso después se nota en el sistema solar y su preocupación resultado final. También pares que a nadie le importa. Es ticipó de la mezcla del segundo una crítica un poco a la imporEP, fue clave en todo el proceso. tancia que le damos a la “fama”, Brian Lucey se sumó a partir del a la necesidad de atención con- segundo EP para masterizar los stante que tenemos en las redes temas por recomendación de sociales, y a la paradoja de que Fernando, y le sigo mandando la popularidad muchas veces mis temas a él porque hace un termina llevándote a la soledad. laburo muy bueno. cuando escribiste la canción y la que tenés ahora en tu casa luego de 100 días?

-También sos productor audiovisual y vos mismo te encargaste del video de la canción, ¿Cómo nació el concepto del clip? -La idea era un poco imaginarse lo que es estar solo con la inmensidad de la naturaleza. Dejar en evidencia la necesidad de estar con otros y sumar la perspectiva de una televisión, de que se cambien los canales y el protagonista esté ahí, que me gusta porque es como que participás un poco de la fantasía del personaje. -¿Cómo fue trabajar con gente de renombre como Fernando Lodeiro y Brian Lucey?, ¿Qué te dejó cada uno artística y conceptualmente?

-¿Y con el productor Mateo Rodo? -A Mateo lo conocí a finales del año pasado, y ya estamos laburando en el tercer single del año. Yo siempre venía trabajando con mi amigo de toda la vida Sebastián Fernandez (también conocido como Bluhauz), pero como está viviendo en Miami, la distancia lo hizo un poco difícil laburar con la constancia que estoy buscando este año para poder sacar singles cada par de meses. Mateo hace un laburo increíble, tiene un oído musical excelente, y me ayuda a cerrar mis canciones, puedo ser un poco desorganizado con mis ideas así que me ayuda mucho tener una mente como la de él para poder finalizar el proceso

creativo. -Ya acumulás varios singles y EP’s que son muy escuchados en las plataformas digitales, ¿te atrae la idea de sacar un disco? -¡Me encantaría! Creo que terminaré armando un álbum que incluya alguno de los singles que salieron este año. Me encantaría después tenerlo en formato físico, tengo una colección de más de 100 vinilos, estaría increíble incluir el mío ahí también. -Según Spotify, además de Argentina, te escuchan mucho en México y Estados Unidos. -¡Sí! México es donde más me escuchan de hecho. Mi teoría es que un chico que es curador de playlists de YouTube me sumó a una lista muy popular de rock indie con “Do I Make You Nervous?” y eso me trajo todo ese público mexicano. Me pone muy contento, ojalá algún día pueda ir a hacer gira por allá. -También sos conocido por tu canal de YouTube PILO, ¿Cómo llevás los dos proyectos al mismo tiempo? -Por ahora vengo pudiendo hacer las dos cosas a la vez sin problema, básicamente divido mi día en dos. Me encanta poder hacer ambos proyectos porque me aportan cosas muy distintas; Con PILO le doy más lugar al humor y al entretenimiento, y con mi música me permito explorar más mi lado artístico. Cronista: Juani Lo Re Fotos: Gentileza Prensa 12 de Julio

Jazmín Ezquivel

ENTREVISTA

“NO HAY QUE TENERLE MIEDO A LA PALABRA” Mientras trabaja en su segundo disco de estudio, que pinta más personal y menos evocativo, la cantante publicó un primer adelanto, “El chico de la película”. Apenas terminó su primer disco, Jazmín Esquivel comprendió de inmediato que el siguiente sería completamente distinto. Había un deseo que pedía ser explorado, una búsqueda que se vislumbraba a lo lejos. Mas no un motivo, por lo menos no uno del todo claro. “Sabía que lo próximo iba a ser muchos menos orgánico. Lo sabía”, confirma la cantante de 26 años, una de las voces más frescas e inquietas de su generación. Incluso, ella y la productora Lucy Patané lo presintieron, por eso cerraron el folklórico Púrpura con la rockera “Un círculo”. La canción, de las primeras compuso con guitarra eléctrica, 32

muestra la versatilidad de una artista que metabolizó todo lo que escuchó durante la adolescencia y primera adultez (de Pixies a Steve Vai, pasando por Korn, Crystal Castles y Linkin Park) y que comenzó en la música gracias a la trovadora Sofía Viola. Según Esquivel, también integrante del trío de punk rock Mugre, Viola fue la primera mujer con la que empatizó en vivo. “La vi y me imaginé tocando. No intentaba de ser prolija ni perfecta. La voz era dulce y tenía una actitud rockera, aunque estuviera con una criolla. Y para mí, esa cosa primaria, de sencillez, de fuego, tiene que ver con el folklore”.

A dos años de aquel debut, prepara un álbum que editará la escudería Discobabydiscos y que se anticipa muy “enérgico y bastante más bailable”, donde “los sintetizadores juegan un papel súper importante, creando distintos universos, sensaciones y texturas”. Sin nombre ni fecha de salida confirmada (“estamos tratando de entendernos en es esta nueva normalidad”), ya tiene adelanto oficial, “El chico de la película”, el cual “es representativo de lo que vendrá, tanto por el audio como por el mood. La compuse con una guitarra criolla, re a pelo, pero con la producción se volvió más electrónica”.

Historia de amor onírica, la pieza es una suerte de sueño lúcido. Un trip a base de bits, una road movie lyncheana. O en palabras de la propia compositora, “una película dentro de otra” que escribió luego de una filmación en agosto del año pasado. De acuerdo a Jazmín, que pasó por la IUNA y compartió elenco con Darío Grandinetti en Pescador (2018), “hoy me siento más música que actriz. Todo lo que hice en cine o teatro apareció muy espontáneamente y no me implicaba millones de horas de ensayo. La actuación es un trabajo intenso y hermoso, pero no le pongo todas las fichas porque hay algo en la música que es como una droga, ¡y no la puedo dejar!”.

funda. Hay algo en ese sonido directo que es muy mágico, pero hubo un quiebre después de escuchar algunas bandas como The Dø o Peces Raros. Todo ese universo, de millones de sintes y la posibilidad de laburar con el mundo digital, me flasheó el cerebro. Además, toqué en escenarios donde lo acústico no garpaba tanto. Entonces, el contexto de alguna forma lo requería. -El álbum se sostenía por la fuerza de las letras. ¿Qué pasará en el siguiente?

-Seguirán con la misma importancia, aunque estén en un universo completamente distinto. Las canciones ahora tienen más peso a nivel personal. Conecto El acercamiento formal a la elec- con cosas distintas. Las letras de Púrpura evocaban un imaginartrónica ocurrió en 2019. Por un lado, participó en El Camino de io medio inventando, invernal, Leda, un homenaje experimen- muy relacionado con la tierra. Y tal a la cantora Leda Valladares. este disco es mucho más urbano, no porque sea trapero (ja), “Yo estaba re en el mundo sino que habla más de mi realiacústico, y mezclamos las dos dad: vivo en la ciudad, corriencosas. Estuvo buenísimo”. Por do todo el tiempo y haciendo otra parte, y bajo la dirección millones de cosas a la vez. creativa de Agustín Bucich aka Guli, publicó “Puñal”. Fue la -El año pasado subiste a puerta de entrada, sí, y quedó YouTube “Y regalámelo”, un afuera de lo que lanzará. “El dis- adelanto no oficial donde co se puso un poquito más hi fi”, mostraste un registro más ínticonfiesa fuerte y con orgullo. mo. ¿Finalmente quedó en el -Los temas de Púrpura pretendían vivir sólo con guitarra y voz, sin amplificación. ¿Y los que vienen? -Tocar de manera desenchufada todavía me encanta, creo que genera una cosa hermosa y pro-

balada de un disco más personal y menos evocativo. Que habla de mi experiencia personal, que obviamente es universal, ya que son cosas que nos pasan a todos y todas todo el tiempo: el amor, la angustia, la felicidad. -De hecho, aparecieron las canciones dedicadas al amor propiamente dicho. -Tuvo que ver con crecer, con nombrar las cosas que me pasaban desde un lugar más directo. Lo cual no significa que sea menos bello, poético o que no haya una búsqueda de la estética en relación al discurso. Me di cuenta de que soy bastante más guarra de lo que pensaba. Me refiero a ser literal. No hay que tenerle miedo a la palabra. Cronista: Lucas González Fotos: Gentileza Prensa 17 de Julio

tracklist?

-Sí. La maqueta era más parecida a esa versión, con programaciones y sintes, pero en el proceso le metimos capas y cambió la identidad. Quedó más cálida y terminó siendo la 33

ENTREVISTA

Jorge Araujo “AHORA NO ME BANCO ESTAR EN UN PROYECTO SIN CANTAR”

Cada vez más afianzado como cantante, el músico lanzó nueva canción nade menos que con Ricardo Mollo, su excompañero en Divididos, como invitado. Combo imbatible para disfrutar de su (no tan) nueva faceta. Jorge Araujo es un músico incansable. Años como baterista de sesión hasta entrar a una de las bandas más grandes de nuestro rock como es Divididos para sacar discazos entre los que se destaca el ícono que es Narigón del Siglo. El comienzo de la transformación a partir de ir hacia la voz con Gran Martell, su cercanía cada vez más hacia la guitarra y la canción, su disco solista. Todo hasta llegar a este presente con el lanzamiento de “Cuerpocomoderno”, la bella canción que sale en tiempos de cuarentena y que tiene como invitado nada menos que a Ricardo Mollo. “Una vuelta a mi relación con la música en la niñez y la adolescencia”, resalta Jorge, y de esta forma nos abre un abanico tan placentero que da gusto charlar con él durante casi una hora. “La planificación del 2020 era muy activa para mí, con giras y nuevas canciones. Pero no me quejo, tengo muchas cosas nuevas para mostrar, me queda un disco casi terminado, otro en vivo próximo a salir, estoy muy activo”. Así lo trata la cuarentena a un músico que no pierde su sensibilidad social y también se encarga de ayudar a varias fundaciones para gente que la está pasando muy mal. Así 34

entonces, la nueva canción llega acompañada de un gran video con reminiscencias a las viejas épocas del Windows 95. -¿Cómo se dio la realización del video?

pensé que iba a ser para tanto. -No quiero pasar de largo eso que contabas, esa llama que se encendió mientras grababan con Ricardo.

-Fue bárbaro. Dieciséis años -Lo hizo mi hijo Agustín junto a esperé para esto. Canté con Maxi Díaz. El video existe por Gran Martell porque no había ellos, yo me olvidé de rescatar cantante, después con Quintino imágenes de la grabación. Fue Cinalli, y de ahí a esto pasaron tal la relación que tuve con años. Luego se dio la unión con la grabación, el reencuentro Cesar Silva como productor que después de tanto tiempo de hace maravillas. Fue un proceso no haber grabado juntos con de muchos años hasta llegar a Ricardo, estar cantando juntos este tema que compuse con la un tema, muchas cosas pasaron guitarra como en mi adolescenahí. Fue todo muy intenso desde cia, y sin dudarlo dije “esto lo el lugar musical y sinceramente tiene que cantar Ricardo”. me olvidé de las imágenes. Hace -Es como que cerrás un círculo poco lo charlábamos con Ricartambién al elegirlo a él. do en un vivo y él decía “claro, estábamos en otra cosa”. Pero -Cuando saqué el disco A Un evidentemente es muy imporMinuto de Envejecer (2018) tante ahora la imagen, en otras tuve un aval tremendo de parte épocas te juntabas y ni bola de Divididos. Ellos lo publicaron le dabas a eso, no quedaban en sus redes y eso para mí fue registros. Se ve que en este caso un espaldarazo casi te diría pubvolvimos un poco a ese viejo licitario, me ayudó muchísimo. músculo de solamente estar Pero lo mejor fueron las charlas ocupándote de música y la pasa- con ellos acerca del disco, muy mos de esa manera. Por suerte, largas y puntuales acerca de César Silva (productor y guitarcada canción. Como que vi que rista) tenía una camarita a la les gustó la música que hago, no que solo le puse Rec porque no es una cosa menor. Este tema sabía ni usarla. Así documenté entonces le mandé la música una toma de Ricardo y una toma a Ricardo, vi que le gustó y ahí mía, nada más. Con eso solo a le dije “bueno, ahora te tengo mi hijo se le ocurrió esta idea que decir la posta: quiero que lo buenísima con el Windows 95, cantes vos”. Y me dijo que más el Solitario y Buscaminas, o eso bien, de una. Estuvimos casi un de que siempre se te tildaba. Es día entero en todo ese mundo muy original, ante la limitación del Oeste que es de donde salapareció este recurso, y en el imos, metimos toda una recor90% de las notas que hacemos rida, los lugares, las charlas. Un me están hablando del video, no

encuentro entre lo musical, lo afectivo y lo que tenía que ver con nuestro comienzo como músicos. Por eso fue tan intenso. -¿Qué tan responsable es el productor César Silva de todo esto? -Cien por ciento. César agarra todo el material que yo tengo dando vueltas que no me daba para mostrarle a Tito y Gustavo de Gran Martell. Cosas mías solo con la guitarra, no me gustaba compartir eso con ellos porque la música de la banda siempre sale entre los tres en la sala, es otro formato. Fue quedando de costado hasta los encuentros con César, quien me dijo que le vaya dejando todo como sea, hasta que un día llego y había producido todo “Noche animal”, tema que luego salió en mi disco, y me voló la peluca. Ahí empezamos a sintonizar y seguimos hoy, le mando cosas hasta por whatsapp. -¿Cuando llega el momento en el que decís, “tengo que sacar algo de manera solista”? -Lo recuerdo perfecto. Tuve que sentarme con César y me costó mucho eso de poner mi nombre, yo solista no fui nunca, era poner mi nombre y mis canciones. Me dijo “llamame cuando quieras”. ¡Te llamo ya! (risas). Y ahí se armó todo lo que es el vivo, pero no tenía pensado mucho, solo a Maxi Larreta en batería, es el primero al que le hablo para el vivo. Con una 35

formación junto a mi hijo Marco en bajo y Sebastian Valsecchi en guitarra, hacemos un show en el Coliseo como soporte de Andy Summers. Tenía al lado viendo todo a su stage, quien también trabajado con Robert Fripp en los ‘80. Yo decía “¿por qué me metí en eso? Tiene que haber un violero acá, no yo tocando”. Pero como tiene que ver todo con una honestidad pura, al tipo este le encantó y me abrazó diciéndome “qué buena música que hacés”. Ahí me la empecé a creer un poco. -En otra nota me contabas que en un show de Gran Martell invitaste a tocar a Diego Arnedo y te dijo lisa y llanamente “vos querías cantar”. -Que te venga a ver una de las personas que tocó con vos y fue protagonista de un momento clave en el que vos no sabías bien qué te pasaba con todo eso, que te vea cantar ahora una hora y media luego de que en nueve años que estuviste con él no te vio cantar nunca… ¡es muy simple! ¡Se dio cuenta de todo! Cuando me lo dijo me resultó todo demasiado simple, es cierto. Yo ahora no me banco un proyecto sin cantar, fueron más de veinte años sin cantar. -¿Y cómo era ese momento previo a tu profesionalización como baterista en el que justamente cantabas? -Yo arranco cantando y percutiendo cosas. Soy músico por los Beatles, me atraparon por 36

completo. Yo quería ser batero pero era muy jodido tener una batería a los 5 años, no había a mi medida. Recién a los 8 tengo una batería pero antes de eso yo tocaba la guitarra y cantaba, era el alma de la fiesta, armaba el fogón y la gente me miraba. Cuando llega la batería se empieza a complicar lo de cantar, más que nada por cuestiones de monitoreo, me resultaba muy raro poder disfrutarlo como cuando cantaba con guitarra, pero sentía que mi instrumento era la batería, así que me decidí a ser baterista y no cantar más. Fue una decisión muy drástica, no me arrepiento pero como toda decisión drástica, deja cosas en el camino que pueden quedar abiertas. -¿Por eso después te costó tantos años volver a hacerlo? -Tal vez tendría que contárselo a alguien que entienda más las cuestione psicológicas, o ser detallista en las pequeñas cosas. No me gustaba nada a mi tocar batería y cantar, y no escucharme nada, no la pasaba bien. Yo disfrutaba cantar con una guitarra, pero al mismo tiempo no sentía a ese como mi instrumento. Entonces fue todo un tironeo constante hasta que me decidí a estudiar con todo la batería y me auto definí como baterista 100%. Todo lo otro quedó apartado en un cajón, y recién lo retomo cuando arrancamos con Quintino, eso me ayudó mucho para poder retomar esa cosas hasta lúdica cuando yo era pibe, donde no había tanta

evaluación, respecto a la tonalidad, etcétera. Lo primero que hice entones fue entender que yo disfruto de esta situación, sabiendo que tengo gente amiga que me va a ayudar, yo solo no lo puedo hacer. Luego del mega éxito que fue La Era de la Boludez (1993), Federico Gil Solá salió de Divididos e ingresó Jorge Araujo. “Con Divididos volví al rock”, recuerda, resaltando la situación de estar en la sala todo el tiempo, en comunicación constante y metiéndose en la composición. “Es como una convivencia. Antes yo era cesionista y tocaba para otra, tenía que lograr hacer algo que le agrade al artista con el que tocaba y si te ibas del libreto no estabas respetando a ese artista. Cuando llegué a la banda ellos me dijeron ‘tocalo como quieras vos, ni nos escuches”. Pero no todas fueron rosas. El primer disco que le tocó grabar fue Otroletravaladna (1995), el cual tuvo muy poca repercusión y no fue tan bien visto en ese entonces. “Fue un momento duro, bajó mucho la cantidad de gente que iba a los shows, yo venía de tocar en Prix D’ami, entro a Divididos que ya había hecho un Estadio Vélez y después de grabar el disco tocamos en Prix D’ami. ¡Imaginate como me sentía yo que era lo único que había cambiado en el grupo!”.

-¿Cómo sobrellevaste ese momento?

En el año 2000, hace ya 20 años, Divididos lanza uno de sus discos más emblemáticos: Narigón -¿Viste la frase esa “Ten cuidado del Siglo, yo te dejo perfumado con lo que deseas, porque lo po- en la esquina para siempre, drías conseguir”? Bueno, yo solo grabado nada menos que en los pedía en ese momento sacar estudios Abbey Road, y marcanun disco que la gente lo quiera do un nuevo antes y después mucho, lo respete y sea inolvid- para la banda. “Fue impresionable. Lo hacía pensando en el ante”, resume Jorge. “Un disco grupo conmigo como integranemblemático, en ese momento te, porque me sentía muy exclu- que lo estábamos haciendo ya ido del éxito que había tenido el teníamos cuatro años tocando grupo, Ojo, Otroletravaladna es y dos discos juntos, más todas un disco que hoy la gente habla las situaciones personales que muy bien, especialmente los ya habíamos sorteado. Entonces músicos, pero en ese momento era un momento ideal en todo fue directo de pasar del mainsentido, era ahí, las canciones, stream al underground. el lugar. Hoy, 20 años después pega mucho más, recién ahora -¿Qué tanto es cierto eso que caes del todo de donde estuse dice a veces que la banda viste. En ese momento éramos misma indirectamente buscó conscientes de donde estábaque suceda algo así? mos pero nos sumergimos tanto -No sé bien eso la verdad, digo en nuestro material que nos desde el lado de Diego y Ricarbancamos bastante la relación do. Yo siempre digo que menos con el lugar, porque estábamos mal que entré yo que tenía diez haciendo algo muy importante años ya como batero y había que era El Narigón del Siglo”. tocado con todo el mundo, -No solo todo lo que fue la porque me encontré con una parada dificilísima. No era joda, grabación sino los shows posteriores. Los Luna Park, Tilcara, el un integrante de un trio es el Canal de Beagle… 33%. Entrás, grabás un disco, sucede lo que sucedió y decis -Yo siempre digo lo que fue el “loco, es culpa mía”. Lo que más Vivo Acá en el Gran Rex. Hay un me costó a mí en ese momento tema, “15-5”, que lo hacemos fue la no aceptación al nuevo con el Mono Fontana y yo toco trío. Encima los dos discos que con escobillas, ¡en Divididos! habían grabado con Gil Solá Impensado. En Tilcara de reson dos discazos. La presión es pente estábamos en el Pucará, tremenda, y después la sentís la gente bajaba desde la monvos con tus propios discos, taña para los ensayos, una herporque después de El Narigón mosura. Planteamos cosas difpensabas “qué grabamos ahoerentes, nuevas. En el Canal de ra”. Beagle estábamos rogando que

no lloviera, había una lloviznita y de repente se abrió el cielo, y uno de los pibes de ahí nos dijo “no saben hace cuanto que esto no pasaba acá”. Cosas que pensás también que alguien nos estaba ayudando desde algún otro plano. Nosotros queríamos que en ese concierto se viera no solo el canal de Beagle y el marco, sino a los participantes, que eran pibes de ahí que tal vez uno era de la panadería, el otro el del taller, y ellos se subían a tocar con nosotros. Lo que queríamos era que sea en ese ámbito, no es lo mismo tocar en un club cerrado, queríamos ese marco porque los iban a ver de todo el país en directo, y sus vecinos iban a ver que el que los atendía en la panadería era un artista que estaba tocando ahí, ocupando nuestros lugares. Fueron proyectos muy pretensiosos que se pudieron concretar y fueron muy bellos. Cronista: Sergio Visciglia Fotos: Gentileza Prensa 17 de Julio

ENTREVISTA

Mariana Masetto

“HACER MÚSICA ES VIAJAR”

La artista festeja que pasaron diez años desde el inicio de la grabación de su primer disco con un nuevo lanzamiento que demuestra el crecimiento y la búsqueda de una expresión propia. Mariana Masetto asocia la música en su infancia con momentos de libertad. Se recuerda cantando en situaciones como aprender a andar en bicicleta sin rueditas. La voz, el cuerpo y la exploración musical parecen ser el camino por el que la cantante, compositora y percusionista se pregunta en “Solamente pienso en vos”, canción que le da título al disco con el que festeja sus diez años con la música. Je ne pense qu‘à toi (Traducción en francés del nombre de la canción antes nombrada), es su sexto álbum, contiene ocho canciones y la misma cantidad de videos disponibles para disfrutar en YouTube.

los ya conocidos”.

así y yo creo absolutamente en eso porque encontré que activanSi algo atraviesa y une los distindo el cuerpo podemos activar la tos espacios por los que la artista mente. No solo los músculos, el se maneja, es la experimentación sistema respiratorio para cantar y eso se ve, principalmente, en y todo lo que se necesita desde la su método innovador que une el fonología; sino también lo emoYoga con el canto. “Cuando hacía cional”, afirma y lo demuestra mis clases de yoga sentía una con ejemplos. A sus clases de libertad hermosa en mi cuerpo y canto las personas llegan después respiraba diferente. Me cambiaba de un día de trabajo o, quizás, el estado de ánimo. Pero no me con otros problemas en mente. pasaba lo mismo en mis clases Pero poner el cuerpo en acción de canto. Era ir a estar sentada al fortalece la concentración en el lado del piano con el maestro o la presente. “Lo importante es estar maestra. No tenía los resultados conectados con la emoción al que necesitaba. Entonces probé cantar. La función principal de la haciendo las posturas de yoga y música es transmitir la emoción. vocalizando a la vez”, recuerda Más allá de que todos queremos Mariana. que esté afinado el instrumento, Mariana desea que la pandemia lo que te conmueve es la emoción La cantante buscó su camino, lo termine para poder viajar con la que el artista transmite”, explica encontró y lo sigue transitando. música y cantarle a la gente. Ella la cantante. “Siempre hay miedo a que te estudió turismo, es profesora de yoga y constante aprendiz de idi- juzguen. Ya sea por cantar en De la compilación de sus experiomas (inglés, francés, portugués). otro idioma o por unir dos disciencias surge el libro Nuestra voz plinas. Siempre alguien te critica “Este disco es especial porque tiene cuerpo que la llevó a viajar o hay resistencias a lo nuevo”, pude atravesar las fronteras de (algo que Mariana disfruta espereflexiona sin detenerse ante ese la lengua castellana y decir en cialmente) para dar seminarios un montón de sonidos e idiomas. sentimiento que podría ser paral- en Inglaterra. Actualmente, está Siempre estoy buscando. Desde el izador. “Yo pude sentir los benefi- escribiendo un segundo tomo del primer disco incorporé músicos de cios de activar el cuerpo, que es libro. Mientras, quienes quieran el instrumento. El cuerpo nunca jazz, instrumentos no convenciorealizar las vocalizaciones que miente. Hay un libro que se llama acompañan a las posturas cornales o formas diversas de tocar 38

porales las pueden encontrar en www.marianamasetto.com.ar. En su web, también, hay una sección dedicada a “inspiradores”. Personas que acompañan a la artista en su camino. Una de las fotos que se encuentra en este espacio la muestra a Mariana, sonriente, instrumento en mano, uñas negras y rulos libres; acompañada de Ariel Gato, músico, ingeniero de grabación, coautor de cuatro de las canciones del nuevo disco y coequiper en la realización de los videos. “Para hacer los audiovisuales partimos de la idea en relación con la canción que vamos a ilustrar. Desde ahí, buscamos cómo queremos contar esos sonidos, en qué lugar, con qué instrumentos en escena”, expresa Masetto y cuenta que las grabaciones pueden llevar

bastante tiempo. No es solo filmar: es buscar la luz, pensar el vestuario, hacer diferentes tomas y, finalmente, editar. “Pero nos parece muy importantes porque es una forma de acercarnos a la gente con un material de calidad. Estamos en una era muy visual”, explica la compositora. Los videos se pueden ver por separado o siguiendo el orden de los tracks en el disco que mantienen un hilo conductor relacionado con la naturaleza. “Buscamos que en todos sea de día y que se filmen al aire libre. Cuando me presento en vivo también proyectamos parte de estos videos. Un poco modificados para la ocasión”. El video de “404” habla de la libertad, de los cielos y de construcciones personales. Es una canción que fue pensada en una plaza y

es, sobre todo en una actualidad que nos encierra, una manera de transportarnos con sonidos e imágenes. “Hacer música es viajar. Siempre tengo ganas de estar en la naturaleza. Cerca del mar, del río. Caminar y conocer lugares. 404 habla de un sueño recurrente que tengo desde chica y cuenta una historia personal. Al principio del video hay una cajita de música. Mi cajita de música de cuando era chica. Se entrelaza todo. Este disco es muy personal. Tiene muchas imágenes de mi infancia conectadas con el presente y el ser mujer. Ahora trabajo con la música y me encanta. Y la cuestión de la ancestralidad. Fue ir armando un lindo viaje”. Cronista: Maia Kisz Fotos: Gentileza Prensa 23 de Julio 39

ENTREVISTA

Lula Rosenthal

“CREO QUE ESTO VA A PASAR, COMO TODO, Y EN ESE MOMENTO VA A SER UN FIESTÓN” Lula es cantante y actriz. A principios de julio lanzó su nueva canción “Generación perdida”, inspirada en una entrevista que le hicieron a Louta en un programa de radio. Lula Rosenthal se formó en canto, actuación y danzas desde los 9 años. En 2013 ganó “Operación Triunfo, La Banda” e integró F.A.N.S., la banda pop formada con participantes del certamen (dirigida por Gustavo Yankelevich & Sony Music). Cantó junto a Natalia Lafourcade, Michael Bublé, Auténticos Decadentes, Chico Novarro, entre otros. En su carrera teatral formó parte de varias obras y musicales, entre las que se encuentran “GASALLA”, dirigida por Antonio Gasalla (Teatro Radio City de Mar del Plata – Temporada de verano 2020). Sus canciones “El Poder del Amor” y “Piquete Song”, junto con “Generación perdida”, ya se pueden escuchar en Spotify. -Todos tus temas son muy performáticos. ¿Cómo conjugas tu parte actriz con tu parte cantante? 40

-En realidad es una cuestión más “humanista” que “feminista”. Hay una cancion que canto (“El Poder del Amor”) que es de un musical muy conocido del off (“La Desgracia”) que es hiper recontra feminista pero también hay que pensar que está dentro -¿Qué es lo que más te gusta del contexto de una obra y de “Generación Perdida”? un personaje, aunque yo le doy más bola a todo el énfasis -Me hace muy feliz sentir que logramos (con el equipo) que hace en el amor propio. En cuanto al videoclip si hay más de lo que imaginaba. imágenes de pañuelos verdes. Amo que el mensaje llega, Mi idea era poner todos los la energía llega. Me gusta la historia de cómo se generó la pañuelos de todos los colcanción y la espontaneidad de ores, solo que no encontré cómo se dio todo. Que sea un buenas imágenes lamentaproyecto creativo de amigos y blemente. Mi idea es hablar y que se haya cocinado a fuego mostrar el movimiento en sí. El movimiento de los grupos lento. humanos saliendo a la cal-Tus canciones tiene una le, hablando, expresándose, fuerte impronta feminista. diciendo, manifestándose. No ¿Cuándo y cómo fue tu prim- va tanto para ningun lado en er contacto con el movimien- cuanto a géneros, hablo de to feminista? todos. Si te tengo que decir -Creo que simplemente dejándome ser. Ambas conviven en mí y me re cuesta dividirlas, entonces prefiero trabajar y dejar que ambas fluyan y se concentren en lo que hago. Dejar de querer dividirlas o elegir entre una u otra.

algo con respecto al feminismo es que me parece ultra increíble y necesario este movimiento porque se está inclinando esa balanza que siempre estuvo hacia un solo lado en la historia. Yo sueño con el equilibrio. -¿Cómo te estás adaptando a la pandemia? ¿Qué futuro le ves a las profesiones artísticas después que pase todo esto? -Honestamente me adapté re bien. Apenas arrancó esto puse manos, cuerpo, alma y espíritu en acción para aprovechar todo este tiempo que de repente tenía y antes no. Pude conectar groso con la música desde un montón de lugares y eso lo venía necesitando fuerte porque venía dándole mucho espacio a mi actriz. Creo que esto va a pasar, como todo, y en ese momento va a ser un fiestón. De a poco todo va a volver a la normalidad y esto va a ser solo un recuerdo, una anécdota. Quizás cueste al principio volver a los espacios artísticos del modo al que estamos acostumbrados pero es tan necesario que nos vamos a adaptar. Cómo nos adaptamos a esto.

Cronista: Milagros Carnevale Fotos: Gentileza Prensa 28 de Julio 41

ENTREVISTA

Panza “EL ROCK SIGUE EN PIE

PORQUE NO ES SÓLO UN ESTILO MUSICAL” Mariana Bianchini conversó con Revista El Bondi sobre Rock, el nuevo disco de Panza, que el grupo planea publicar en septiembre. “Cada paso está encarado desde el placer y el amor”, definió la cantante. Han transcurrido dos años y Mariana Bianchini recuerda con precisión el instante en el que comenzó a cobrar forma la posibilidad de un nuevo disco de Panza: “Cuando Sergio Álvarez (guitarrista) y yo nos cruzamos con el ingeniero Facundo Rodríguez en los premios Carlos Gardel 2018, en medio de la borrachera del festejo dijimos ‘qué lindo sería grabar ahora un disco de Panza’, sin más motivos que el placer de volver a hacer música juntos”. La dupla que comanda los destinos de un proyecto que cuenta con más de dos décadas de vida se puso a trabajar con rapidez. “Sergio empezó a grabar ideas musicales y yo a escribir. Luego de un mes juntamos el material y ya teníamos varias canciones”. El grupo se completó en el estudio con Franco Fontanarrosa en bajo y Lulo Isod en batería para el trabajo de preproducción, y luego de un mes se acordó una fecha para la grabación. El resultado de este proceso es Rock, el disco que la banda planea editar en septiembre, a seis años de la publicación de su último trabajo Panza (2014). A finales de 42

mayo el grupo dio a conocer el primer single, titulado “Guillotina”, en todas las plataformas digitales y estrenó el videoclip de la canción. En los últimos días se publicó el segundo corte, “Perra Vieja”, que cuenta con la participación de Tweety González. Revista El Bondi charló con Bianchini (ganadora del Premio Gardel 2019 en la categoría Mejor Álbum Rock Alternativo) sobre lo nuevo de uno de los grupos esenciales de la escena independiente en Argentina. -¿Cómo podrías definir este nuevo trabajo? ¿Qué diferencias encontrás en relación a sus anteriores discos? -En principio diría que es un disco que abarca la esencia de la banda tanto en las letras como en la composición. Las sobregrabaciones de guitarras y voces tuvieron meses de trabajo, y a diferencia de los discos anteriores tuvimos más tiempo. La base a cargo de Lulo Isod y Franco Fontanarrosa también es una novedad para el sonido general de la banda. -El primer corte del nuevo disco es “Guillotina”. ¿Cómo lo describirías

en cuanto a la música y la lírica? -Fue el primer tema que hicimos. La letra “brotó” y quedó tal cual puede escucharse. No es muy común que nos pase eso, siempre estoy reescribiendo y dando vueltas hasta que me siento conforme. La canción se refiere a la perspectiva del destierro y salir de uno mismo para observar lo que nos pasa desde afuera. La escribí pensando en el rock y en los años que estuvimos alejados. Cuando nos sorprendió la pandemia estábamos a punto de sacar el disco y sentimos que “Guillotina” coincidía con este presente: una idea acerca de la supervivencia contra toda lógica, un renacer luego de un hecho catastrófico, un camino por delante con todo el historial borrado. Musicalmente, la canción va creando climas que nos conducen por un lento despliegue de ideas hasta llegar a un final donde la potencia y el desahogo vuelven al nivel de los viejos tiempos. -Con un largo recorrido en el mundo de la música. ¿Qué sensaciones les provoca la salida de un nuevo disco? ¿Se emparentan con lo que

les ocurría en los comienzos, o han cambiado? -Después de más de veinte años de venir amando, peleando y sosteniendo un proyecto tan grande con Panza, cuando decidís volver a ponerte esa piel cada paso está encarado desde el placer y el amor. Suena naif, pero para mí es así. No hay necesidad de hacerlo, así que la diferencia con otras épocas es que la expectativa ya no está puesta en encontrar resultados o intentar ser parte de una escena. Nos ganamos un lugar y allí estamos gozando con la libertad musical que siempre tuvimos. -Seguramente creciste con otras formas de consumir música y de mostrar tu trabajo al público. ¿Encontrás elementos positivos en cómo se accede y se difunde la música en la actualidad, o te cuesta acostumbrarte a los nuevos patrones? -Ha cambiado tanto el acceso a la información, a la música, a las nuevas bandas… Es raro. Me parece genial poder escuchar al instante algo nuevo, pero me pierdo en un mar de miles de opciones y no termino de conocer bien a nadie. Eso no me gusta. Con la extinción del CD también se ha perdido la “ceremonia” de escuchar un nuevo disco, leer las letras y los créditos en un librito pensado y diseñado para completar la música. Extraño el tiempo exclusivo para escuchar un nuevo disco, sentados frente al equipo de principio a fin, como cuando ves una película. Hoy escucho música en el auto o cuando camino de un lugar a otro, pero siempre ocurre mientras estoy haciendo otra cosa. Sacar un disco sin el formato físico es raro. Es como trabajar en algo mucho tiempo,

invertir horas, dinero, creatividad, y de golpe un día lo terminaste, abriste la ventana y se fue. En un instante pasa a ser de quien lo quiera atrapar en el aire. -Han estrenado el videoclip de “Guillotina”. ¿Qué lugar ocupa para ustedes este formato, qué importancia le otorgan? -Un video es importante, completa la idea de la canción, pero son pocas las veces que podés hacerlo como te gusta. El presupuesto para hacer un video como lo soñaste es el triple del que tenés (si es que contás con uno), entonces se negocia entre las ideas, tu deseo y lo que hay. Por suerte tenemos amigos muy talentosos y creativos que trabajan con total libertad artística junto a nosotros, y el resultado siempre es hermoso.

-“Guillotina” cierra con la frase “todavía sigo en pie”. ¿Consideran que la frase podría aplicarse al rock en la actualidad? -Esa es la idea. El rock sigue en pie porque no es sólo un estilo musical. Es un espíritu de libertad, es el despertar de la rebeldía en tu universo personal, es pelear por lo que te gusta, es tu parte animal… Para mí el rock es todo eso.

Cronista: Augusto Fiamengo Fotos: Gentileza Prensa 28 de Julio 43

Vale Sosa

ENTREVISTA

“LA LITERATURA CLÁSICA TIENE UN TINTE NOSTÁLGICO DEL QUE SIEMPRE ME ALIMENTÉ” La cantante y compositora Vale Sosa habló con Revista El Bondi acerca de “Live Sessions”, su nuevo EP de tres canciones grabadas en vivo. La literatura es clave para muchos artistas y sobre todo para Vale Sosa. La prosa clásica es imprescindible para la cantautora, que a la hora de escribir canciones navega en escritores que van desde Hemingway hasta Shakespeare, pasando por Alejanda Pizarnik. Acaba de lanzar Live Sessions, un EP de tres canciones grabadas en vivo en el Estudio Absenta, con Javier Herrlein en la producción y Lisandro Olivera en la dirección. Las tres canciones “Todos Buscamos”, “Solo vos Sabés” y “Estrellas en la Neblina”, son disímiles pero que convergen en una sola personalidad, que se ve reflejada en el disco. Mientras pasa la cuarentena aislada, Sosa nos cuenta sobre sus inicios en la música, sus influencias literarias, y su nuevo EP. -Arrancaste tu camino en una banda punk pero ahora tu música parece más reflexiva e introspectiva, ¿cómo se dio ese cambio a lo largo de los años? ¿Por qué se dio? -Desde siempre mi sueño fue tener una banda o ser parte de una banda y hacer música. La primera 44

banda por la que sentí profundo amor y admiración fueron Los Ramones, y ponerme frente al espejo a tocar air guitar imitando a Johnny con ellos de fondo era uno de mis pasatiempos. En mi primera banda, comencé como violinista, pero en poco tiempo pase a ser la vocalista y empecé a componer, cosa que me salía casi naturalmente. Hasta ese momento la banda hacía covers y las canciones que tenían eran estilo post-punk, y pude aportar algo diferente. Fue divertido y una gran primera experiencia ahora que lo pienso, porque era algo importante para nosotros. Era nuestro. Cuando terminó el proyecto, seguí tocando en otras bandas, también de ese estilo, como violinista. Formé parte de varias orquestas de Buenos Aires y toque durante varios años en el mundo de la música clásica. Pero siempre me faltó algo, había un lugar que necesitaba ocupar, una parte de mi a la que no le estaba dando lugar y hace no mucho comencé a adueñarme de ciertas cualidades que en ese momento no me daba cuenta que tenía. Empecé a escribir mis canciones. Soy de estudiar sonidos, historias, libros, películas, óperas, conciertos... cuando tengo que componer, y se despierta algo

en mí, que no sé exactamente que es, pero cuando aparece, lo hago mío. -Cuando alguien imagina un trío musical, enseguida se viene a la mente bajo-batería-guitarra. Sin embargo, en Live Sessions vemos que se compone de violín-piano-guitarra. ¿Qué sonidos buscaste con esa formación? -Me gusta la idea de despistar un poco con lo que se supone que debe ser o sonar un grupo musical. En este caso, incorporar el violín y cantar al mismo tiempo, fue un desafío, la guitarra y el teclado, era algo que me pedía la canción y el formato en el que la quería presentar. Me gusta la idea de poder incorporar diferentes instrumentaciones tanto en los vivos como en las grabaciones. -Entre tus influencias literarias siempre mencionás a Shakespeare y Hemingway, entre otros, ¿cómo impacta la literatura clásica en tus letras? -La literatura clásica tiene un tinte nostálgico del que siempre me alimenté. No sé por qué, pero me fascina. Tanto la visión como la forma de describir situaciones.

Shakespeare describe la mente y el corazón del ser humano como pocos, y te habla de lo que nadie habla, desdibuja la pintura perfecta, lo que nadie quería ver, pero estaba. La esencia del ser humano. Si bien de una época mucho más cercana a la nuestra, con una poética hermosa, Hemingway tiene la característica de hacerte sentir en el lugar o el sentimiento que describe. De todas maneras, me gustan muchos tipos de poesía, no solo la clásica. Sylvia Plath explaya su propia persona en sus obras, Gioconda Belli denota su lucha feminista en sus letras, Alejandra Pizarnik, Virginia Woolf... -¿Cómo fue la decisión de grabar el EP en vivo en el estudio y no de forma convencional? -El EP o “live sesión” fue una decisión en medio de la producción de mi disco, que está en proceso en este momento. Tenía la necesidad de mostrar lo que hago en vivo, y esta fue una de las opciones. Lanzar tres canciones que son disímiles y tiran diferentes mensajes, pero que forman parte de mi personalidad musical. La electrónica, el pop-rock, el indie y variados efectos, son parte de este set de canciones, grabadas en vivo en el estudio. -¿Qué le aportó Javier Herrlein a tu música desde la producción y lo instrumental? -Javier me ayudó a ensamblar y dar forma, no solo a las canciones, sino también a ideas que tenía y tengo. Siempre tiene una predisposición de lujo, me escucha un montón, y trabajamos siempre sobre uno o varios conceptos. Hacemos anotaciones y estudiamos estilos. Me da mucha confianza para ser yo mis-

ma cuando compongo, y aporta todos sus conocimientos, creatividad y humildad a la música que hago. No sólo produjo, sino también tocó batería y synthes en los singles. -Contame un poco acerca del videoclip de “Savoir Faire”, ¿cómo surgió la idea del triángulo amoroso? -La letra cuenta una historia de amor no correspondida. Una de las personas no puede abrirse al amor por miedo a salir lastimado. Y comenzó a tener sentido la idea de incorporar a un tercero en la historia, ya que el no poder abrirse al amor habla de enmascarar sentimientos, de no poder comprometerse a ese sentir, y fascinarse por alguien a quien no conoces alimenta ese comportamiento. Muchas veces me encontré en esa situación, de no saber qué me gustaba de una persona. Por último, nos inspiramos en dos películas francesas, “The Dreamers” y “Bande à Part”, en ambas cuentan la historia de un triángulo amoroso, y las situaciones que devienen de esa relación. Obsesión, inquietud,

celos, confusión... -Este clima de tener que estar confinados, ¿te ayuda o te bloquea artísticamente? ¿Cómo pasás tu tiempo? -En este momento, me detengo mucho a pensar, y trato de auto-analizarme, creo que es un buen momento para hacerlo. Veníamos de tiempos muy rápidos, en los que todo estaba un poco borroso. Detenerse para ver la realidad, aceptar la realidad y tratar de ser mi mejor versión, esperando lo mejor para todos, es lo que siento. Estoy pensando mucho en mi música, en lo que quiero transmitir, en como quiero compartirlo. Escribo, hago melodías y las grabo, estoy haciendo el disco, y eso me tiene ocupada y feliz. Pero tengo mis días de bajón en los que solo miro el techo tirada en el sillón. Lo único que sé es que poder quedarme así en silencio sin sentir culpa por no estar siendo “productiva” me ayuda mucho a crear. El silencio también es aire. Cronista: Juani Lo Re Fotos: Gentileza Prensa 02 de Agosto

ENTREVISTA

Gainza

“MELODÍAS DEL PASADO CON EL ESPÍRITU LIBRE DEL PRESENTE” Gainza siempre incorpora lo nuevo, como buenos nómades en constante creación y cambio. En plena cuarentena, están a punto de sacar a la luz un álbum que se fue armando en estos tiempos de aislamiento e introspección, pero también de colectividad. Allá por el año 2017 nació este proyecto de canciones. Podría decirse que fue fluyendo por el empuje de su cantante Eduardo Pelitti, quien comenzó como solista, experimentando con amigos y otros músicos que lo acompañaron en escena y que luego varios quedaron como miembros de la banda. “Comenzó con un tinte medio experimental, de máquinas en la primera instancia acá en la calle Gainza, donde estoy ahora. De acá surge, y se termina llamando como ésta calle, no por nada en especial que signifique Gainza, sino porque me parece un nombre llamativo y estéticamente agradable”, argumenta su creador. Tiene la dualidad el nombre de que es un apellido y como esto lo arranqué solo sin mucha idea de cómo iba a continuar, dije que se llame de una manera que puede ser algo más individual. Pero al final no fue así, aunque siempre está esa dualidad, porque no es una banda fija todo el tiempo, hay un juego entre mi viaje introspectivo y un viaje como banda. Entonces en 2017 surge eso con el primer 46

EP que se llamó Fuimos Felices. -Hay varios artistas invitados en la discografía y en los recitales. -Eso es permanente, no hay géneros fijos, hay invitados permanentes, más que nada porque es como una inquietud, una búsqueda para que otras personas le aporten otros colores. Al año siguiente de la salida del EP nos conformamos como banda, con mis compañeros Eduardo Pelletti en bajo, Gastón Blander en batería, Cristian Aciar en guitarra eléctrica. Con esa formación pasamos a ser una banda propiamente dicha, un cuarteto tradicional de rock, pop y derivados. Ahí grabamos el segundo EP que tiene cinco temas con un sonido más orgánico. -Llaman la atención las letras. -Son una mezcla de vivencias, personales, sociales, tanto del presente como del pasado, con algunas cosas que le tomamos prestadas a la literatura universal por así decirlo. A veces historias que parecen personales en realidad son historias de un personaje de

algún libro, de algún cuento, eso por ejemplo pasó con “Pascal”, que se llama de esa manera porque yo estaba leyendo una novela de Paul Auster, La invensión de la soledad, básicamente es la historia del protagonista y su soledad conectada con la soledad de su padre. En una parte el padre habla de una cita de Pascal que es un filósofo matemático y dice “La infelicidad del hombre se basa en una sola cosa: que es incapaz de quedarse quieto en su habitación”, esa inquietud constante, hace que busque otras cosas, sino se hunde en la depresión y el animal en cambio es mecánico, o sea, no tiene inquietudes intelectuales. Entonces la letra de la canción arranca con eso y después conecta con un viaje que yo hice, pero esa parte es el corazón de la letra. -¿Qué nos poder contar de “Allegro”, uno de los sencillos que sacaron? -Su ombre es como un modo que está dentro de la música clásica, que es alegre. La canción me parecóo que es así, alegre, como ese

optimismo de los ‘90, esa época está muy metida en esta banda, somos hijos de los ‘90. Bueno, es eso, representa el sentimiento alegre, dentro del aislamiento inicial muy intenso que tuvimos con esto de la cuarentena. Estamos haciendo muchos temas en cuarentena. -¿Todo es parte del nuevo trabajo? -Sí, también salieron “Truquitos” y “Piratas buenos”, todos con el mismo concepto de mucha gente que graba desde sus casas, como una cooperativa antidepresión (risas). Va a salir entonces todo el álbum pronto, que tendrán ocho temas o más porque hay algunos ahí gestándose, pero va a salir porque sino es una creación permanente. Hay una cosa con todo esto del aislamiento de pasarse 8 horas viendo y mezclando un tema, haciendo arreglos, eso hace que en un momento después de la quinta hora ya no tenés mucha perspectiva, pero es un viaje, una obsesión y eso pasa, nunca había mezclado con esta meticulosidad, como muy ensimismado. Y se aprende en el viaje, haciendo, compartirlo con gente, pero hay que sacarle el jugo a esto del aislamiento y también hay que compartir.

años. Fue el primero que se incorporó, y luego se incorporó Gastón que es el batero, él también produce y ensayamos en su salón, es multifunción. Con Gastón tenemos otra banda, Motor Mental, donde él toca la guitarra. Después se sumó Cristian Aciar, un gran amigo de toda la vida con el que yo había tocado la viola un millón de veces pero así informalmente, en asados, en viajes, un violero de tertulia por así decirlo, de guitarreada. -¿Cómo surgen las canciones?

-Así la canción bien pelada, de acordes en la guitarra y voz, melodía y letra, yo en un noventa por ciento de los casos ya la llevo. -A partir del primer EP yo empecé Por supuesto se dan cosas en los a tocar en lugares como solista y arreglos, se termina de dar todo siempre invitaba gente, amigos, ahi y en la sala, en el momento. amigas, que algunos hoy están en Generalmente la raíz de la letra no la banda, como el bajista. Y enes muy alterada, ya pasó por mi tonces me pasaba que los temas propio filtro y después se termique tenían gente invitada los disfrutaba más. Y bueno, así se dio. na de armar con la banda, como Con Eduardo Pelletti, el bajista, que en “Truquitos” que hicimos una videollamada porque faltaba el es mi hermano, tuvimos otra banda antes, El Limacoco, que duró 10 estribillo y ahí se dió. De hecho en -¿Como se consolidó la banda en este fluir?

cuarentena se dio el mayor aporte de un laburo de modificación de la banda con esta cancion. -¿Cuál dirías que es el espíritu actual de la banda? -El espíritu de la banda es inquieto y desprejuiciado, hay mucho de los ‘90 que se parecen a los ‘70. En resumen, melodías del pasado con el espíritu más libre del presente, medio sanata eso (risas). Y las letras que las interprete el que las lee, no de mala onda, para nada, pero a mi mismo me cuesta mucho decirte qué me generan mis propias letras. Y bueno, todo depende de la canción, ese es el objetivo, si la canción amerita que se toquen cumbia, se va a tocar cumbia, si amerita a western se va a tocar western. La letra primero se mete en la melodía y esa melodía, no sé, baja del cosmos, no sé realmente cómo explicarte eso (risas). Cronista: Laura Goldenberg Fotos: Gentileza Prensa 03 de Agosto 47

Nena X

ENTREVISTA

“CADA VEZ QUE ME SIENTO FRENTE A UN INSTRUMENTO VUELVO A SENTIRME LIBRE”

La prolífica cantante Nena X conversó con Revista El Bondi acerca de su nuevo single “Ruido Blanco”, y adelantó como sonará su próximo disco. Encerrada en su casa, la mente de Sophie Miranda De Matteis no para. Al reciente lanzamiento de “Ruido Blanco”, un track con pulso electro-rock deforme, la cantante ya se encuentra trabajando en “La obra perfecta”, su próximo single. El nuevo disco será el sucesor de Sofía (2017), y saldrá antes de fin de año. En su Instagram sacó un pequeño adelanto de una canción llamada “Ecos” que formará parte de su nuevo trabajo. En esta entrevista, Nena X nos cuenta sobre su nuevo single y nos adelanta un poco del nuevo LP. -”Ruido Blanco” es el single adelanto de tu segundo disco próximo a editar, ¿el disco va a seguir con ese pulso electro-rock del corte o va a explorar otros sonidos? -El disco entero es todo un “estado eléctrico” pero también hay (y eso si es ley) canciones con principio y fin. “La Obra perfecta”, que será el próximo corte por ejemplo, es un viaje más íntimo e introspectivo, a veces lo siento como una imágen distópica del amor por estos 48

tiempos. -En una entrevista dijiste que te inspira mucho la música de los 80‘s, sin embargo tu nuevo single suena bastante futurista. ¿Cómo haces para que esos dos afluentes converjan en tu música? -Cada vez que me siento frente a un instrumento, vuelvo a sentirme libre y mi mente vuela hacia los momentos más felices de mi vida. En mi infancia hubo momentos muy diversos. A los ocho años descubrí que podía cantar y ahí solo era cuestión de absorber como una esponja todo lo que se escuchaba en casa. Mi viejo tocaba la batería a modo amateur y entonaba canciones de Peter Gabriel, Génesis, Yes y de Soda Stereo. Tenía un Renault 18 con el que nos llevó a mí y a mis hermanas a recorrer el sur, y por supuesto en esos viajes interminables la música siempre nos acompañaba entre cassettes y radio Aspen a toda máquina. Al momento de producir lo que aparece es ese “Mix” entre la impronta estética (neuro-erótica) de Peter, los personajes que encarnó desde la voz y mi búsqueda desde

el piano o la guitarra que es desde donde empiezan a surgir las creaciones. -En tu Instagram hay un pequeño adelanto de una canción que se llama “Ecos”, ¿De qué se trata esa canción? -”Ecos” habla de perderse en las formas del cuerpo, piel sintética y/o natural. Quizás también sea un “comentario” al controvertido rol de “Les Lolites” por estos tiempos. -¿La vas a editar pronto? -¡Sí! Falta muy poco... ¡solo un par de meses! -También posteaste un cartel rosa con la palabra “glitch” (falla), ¿qué nos podés contar de eso? -Es un frame que eligió el director del video de “Ruido Blanco” (Juan Manuel Castelo) y me pareció genial usarlo para comunicar el “estado de mis cuentas”. El rosa está glitcheado por estos tiempos y todos los colores y sus sentidos. Mi posición en palabras de Putin es “si queres ser un oso panda, just do it”. Putin dijo eso... ¡habría que

chequearlo! -Paralelamente con la música, estudiaste teatro muchos años, ¿Repercute eso a la hora de performar en vivo? -Cuando trabajo mi música me dejo llevar por las distintas “nenas” que hay en mí, y solo dejo que sean en cada film. Por estos días extraño mucho el calor del vivo, las luces, la gente, imagino como será la vuelta el reencuentro con otros la frescura inevitable del frenesí de la música por la música misma. Cronista: Juani Lo Re Fotos: Gentileza Prensa 06 de Agosto

ENTREVISTA

Khaos Cinema “CREEMOS QUE LA ESPACIALIDAD ES IMPORTANTE PARA QUE LA PERCEPCIÓN SEA COMPLETA”

El quinteto santafesino presentó su primera producción discográfica Inmersión, luego de varios años de gestación artística, una obra cuidadosamente tallada de los materiales primigenios de la música, el cine y la literatura. Khaos Cinema es una banda de rock sinfónico-progresivo de la ciudad de Santa Fe, consolidada en 2015 y embarcada en un largo proceso que finalmente llegó a puerto en 2019 con Inmersión, el primer disco de estudio. Una obra conceptual emotiva, con aquella impronta cinematográfica, es decir, cuando melodía y letra aspiran a más que una canción; son una escena, una parte de una trama musical que avanza con un sentido figurativo y no simplemente abstracto. En medio de tan inusual circunstancia que vive el mundo, Javier Martínez Burkett, Lucas Conforti y Sebastián Britos conversaron con Revista El Bondi acerca de este inusual disco que invita a una experiencia de inmersión musical y espiritual. -¿La conceptualidad que existe entre el nombre de la banda e Inmersión se mantendrá en adelante? ¿Hay quizás un guiño a Radio KAOS de Roger Waters? Javier Martínez Burkett: -Nos encanta Pink Floyd, y quizás alguna 50

influencia musical se vea reflejada en el disco, pero el nombre Khaos está tomado de la mitología griega (Χάος Kháos o Cháos), que significa el “espacio que se abre” entre el cielo y la tierra. Según indica la ciencia griega que trata del origen y la evolución del universo, el caos es el estado en que se encuentra la materia, previo a la existencia del mundo y del que posteriormente surgieron las fuerzas que organizaron el universo, que según los griegos es el orden. Nuestro estilo musical si bien está orientado hacia el rock progresivo sinfónico, tiene una impronta cinematográfica (de allí Cinema), que es identificable en varios pasajes musicales del disco, cuyas melodías son casi incidentales, constituidas por diversos climas y texturas, logrando una sonoridad casi misteriosa. Nuestro disco Inmersión, es un álbum conceptual que se acerca mucho a la literatura, y en ese encuentro de géneros, aparece la libertad como un deseo muy anhelado. Esa emoción-sentimiento está plasmado en las canciones, que nos presentan a un personaje

atormentado por sus vivencias, que necesita soltar su dolor. Es así, que nos relatan con cierta melancolía, las situaciones desafortunadas que han provocado sus malas decisiones. Las canciones tienen estructuras musicales delicadamente elaboradas, con un gran trabajo de armonía en las voces y una visión de la lírica, que intenta encontrar los “puntos comunes” con las personas que puedan escuchar los tracks. Cada canción es como abrir una puerta hacia una nueva manifestación del interior de ese personaje, siempre indagando, para encontrar un sentimiento que necesita ser expresado. Por ello, permiten al espectador tener una visión privilegiada hacia la experimentación de los diferentes estados de ánimo, que van del drama y la soledad, al amor y el desamor. Y en esa construcción musical-dramática, se intenta concebir la noción de puntos de vista comunes con la personalidad y la subjetividad de los escuchas. A ciencia cierta, no sabemos si el próximo disco será una continu-

ación de éste, probablemente no lo sea, pero de seguro tendrá la misma base sonora y musical, enriquecida por nuevos descubrimientos y nuevas emociones, que nos permitan seguir creando esta recompensa intelectual que es la música.

no hubo ningún tipo de roce ni complicación a la hora de definir el marco sonoro del álbum.

-¿Cómo fue el proceso de grabación de un disco sonoramente complejo como este?

Sebastián Britos: -Tener que llevar Inmersión a los escenarios se nos presentó desde siempre, como un verdadero desafío para la banda, ya que sabíamos que no íbamos a poder llevarlo a cabo solos. Claramente, tener parte de los músicos de orquesta como invitados es menester. Entendemos también, que la escucha de un material como Inmersión, tanto en formato de estudio como en vivo, requiere de un espacio-tiempo apropiado. Por ende, Inmersión es un disco que de acuerdo a como fue concebido, no puede presentarse en concierto en cualquier lugar. Creemos que la espacialidad es importante para que la percepción sea completa, así entonces, pretendemos priorizar la comodidad de un espectador que, cuál si fuese una película, se sumerja completamente en la experiencia de la suspensión de la realidad. Quizás el lugar más apropiado para presentar Inmersión, y quedaría como una cuenta pend-

Lucas Conforti: -El proceso fue ciertamente complejo, muchas cosas mutaron sobre la marcha, desde aquella pequeña pre-producción que habíamos realizado anteriormente. Al comienzo no contemplábamos la idea de contar con instrumentos de orquesta reales, luego fue solo una vaga ambición y después terminó de convertirse en algo que realmente necesitábamos hacer. Musicalmente, las cosas se fueron canalizando por sí mismas durante el mismo proceso de grabación/ producción. El desafío fue que no nos tome desprevenidos, poner las herramientas a disposición, y decidir cuándo y cómo cerrar una parte del proceso para pasar a la siguiente. Es preciso mencionar, que siendo tres productores con gustos y criterios muy diferentes,

-¿Qué problemáticas conlleva materializar en un escenario un disco con canciones como las de Inmersión?

iente debido a la situación actual, sea entonces una sala de cine. -¿Qué tienen planeado para este 2020, una vez que se levante el distanciamiento social obligatorio? J M B: -En primer lugar, retomar el contacto presencial, para acercarnos nuevamente a los ensayos. Es importante encontrarnos nuevamente como banda, como grupo humano y compartir nuestro espacio musical. Si bien, dialogamos desde la virtualidad, el contacto nos permite ser más auténticos como banda. Además, nos hace bien estar con gente que se aprecia entre sí. S B: -Dentro de ese mismo proceso, empezamos a planificar la producción de un “Live Session” que irá en una línea similar a Inmersión continuando con la idea de la conceptualización como fundamento. En cuanto a lo inmediato, vamos a grabar un “Single” que va a ser el primer material después de Inmersión y en el que planeamos mostrar una faceta musical diferente, ampliando el abanico sonoro que tenemos para ofrecer. Cronista: Nahuel Perez Fotos: Gentileza Prensa 09 de Agosto 51

ENTREVISTA

El Extra & Los Imposibles

“CON ESTE DISCO, SIENTO QUE LLEGAMOS AL LUGAR QUE BUSCÁBAMOS” Guillermo Sica, una de las voces de El Extra & Los Imposibles, conversó con Revista El Bondi acerca de La Casa, el nuevo álbum de la banda. “Fuimos víctimas de la pandemia, ya que dilató el lanzamiento del disco, pero en cuanto estuvo listo lo subimos sin dudar”, afirma Guillermo Sica, voz y guitarra de El Extra & Los Imposibles. El grupo, que contiene ocho canciones y se encuentra disponible desde junio de 2020 en plataformas digitales. La Casa comenzó a gestarse en el verano de 2018, y en ese proceso la banda tuvo que enfrentar un cambio de baterista en su formación. “Entre esa situación y las fechas en vivo, lo retomamos en marzo de 2019”, recuerda Sica. “Ese año arrancamos con todo y en agosto entramos a grabar en los Estudios ION”. “Inmóviles” se convirtió en el primer corte de difusión de un disco que conjuga rock, folk y psicodelia entre otros géneros. -¿Qué nos podés contar acerca del proceso de composición y grabación de La Casa? -Las composiciones fueron hechas entre fines de 2017 y el verano de 2018, salvo el tema “El Hombre Invisible” que ya tenía la música desde tiempo 52

atrás. Durante esta etapa también fueron apareciendo nuevas canciones que encajaban en la idea de lo que hoy es La Casa, como “La Santa” y “Los Pájaros”, y finalmente fueron incluidas. La grabación fue un flash, ION tiene algo especial para mí. Nunca había ido allí y tampoco había grabado, pero sí lo hicieron Ignustio Zavalla (batería) y Pablo Barros, el técnico del disco. Pablo siempre me dijo: “Los Imposibles tienen que grabar en ION”.

enfoque, y presenta novedades, como algunos ritmos y estéticas diferentes. Desde el vamos, el arte de tapa muestra un cambio con lo que veníamos haciendo. Más allá de eso, algo que me copa mucho es que el disco tiene nuestra identidad.

-Luego de haber terminado el disco, ¿cómo podrías definirlo? ¿Qué diferencias o semejanzas encontrás en relación a sus trabajos anteriores?

-La percusión las grabó Matías Rivara, a quien conocí cuando tocaba la batería en Flores de Sinaloa. Ya sabía que era él el quien tenía que hacerlo. En el caso de invitados como Sol Bassa (guitarra) y Mariano Acosta (piano), surgieron una vez que ya teníamos los temas y pensamos en algunos arreglos. Sol es una genia, es mi amiga, y Mariano es un capo al que conozco por tocar en Fantasmagoria, una de mis bandas favoritas. Fue un lujo tenerlos en este disco.

-El disco me encanta, siento que llegamos al lugar que buscábamos. Llegamos muy afilados para grabar, con mucho ensayo encima. Todo fue orgánico y fluyó, eso fue muy importante. En lo personal, me costó un poco “largarlo” ya que cuando lo escuchaba me imaginaba cosas para probar, pero creo que fue atinado soltarlo. Este trabajo tiene cosas que ya habíamos hecho, quizás con alguna vuelta o desde otro

-En cuanto a los invitados de La Casa, ¿tenían definida su participación con bastante anticipación, o surgió durante el proceso de grabación?

-A partir de la situación de aislamiento social obligatorio que vivimos desde hace varios meses, ¿cobra una dimensión

especial para la banda la experiencia reciente de trabajar en el estudio de grabación, la oportunidad de compartir ese espacio tan especial? -Sí, en lo personal es lo que más extraño. La onda de juntarnos a tocar y la manija... En las últimas dos reuniones -el fin de semana previo al comienzo de la cuarentena- habíamos compuesto una canción nueva, tres días después grabamos la batería y hasta ahí llegamos. -Una curiosidad en la reciente edición en cassette de La Casa. ¿Cómo surgió la idea? ¿Qué significado tiene para ustedes? -Tenía ganas de armar una especie de souvenir y no sabía bien qué hacer. Belén Agüero, la encargada del arte y el diseño del disco, me comentó que le gustaron las letras y que mataría poder seguirlas cuando lo escuchás, y a partir de ahí surgió la idea. -Vivimos un período de mucha incertidumbre sobre cuándo y cómo será la salida de la cuarentena. ¿Cómo manejan los pasos de la banda de cara a futuro? -La incertidumbre es total. Debido a la salida del disco ya teníamos planeados shows, pero por ahora… Nada. Veremos primero cómo se desata esto, y de ahí en adelante cómo se sigue. Por lo pronto, tengo terminadas tres canciones en una onda “conceptual”. Espero poder mostrárselas a los chicos, probarlas, y si les copa, grabarlas. También estuve haciendo canciones con algunas “vueltas de rosca” para probar a Los Imposibles en otro hábitat. Estoy laburando los demos a la distancia con Martín Guio, un músico que reside en Chascomús con el que habíamos pensado hacer algo junto a Los Imposibles. ¡Veremos qué sucede! Cronista: Augusto Fiamengo Fotos: Gentileza Prensa 15 de Agosto 53

Sobra Milonga

ENTREVISTA

“LA INDEPENDENCIA TE LA DA LA GENTE”

La banda tiene rock, poesía, tango y barrio. El grupo, que comenzó por una inquietud musical compartida entre amigos que se conocieron en un club de barrio, creció hasta saltarse los límites de la expresión artística para teñir por completo la vida de quienes componen Sobra Milonga. Si algo marca el crecimiento de Sobra Milonga es la búsqueda por tener a disposición los medios y las herramientas que sean necesarios para expresarse con libertad. Por eso, armaron un estudio de grabación en la casa de Leky, cantante y compositor de la banda. De esta forma, cuentan con el espacio para practicar, grabar, escuchar y volver a grabar, si es necesario. “Se amplían las posibilidades. Hace poco laburamos con Juanchi Baleirón, que es el cantante de Los pericos y productor. Hicimos muchas pruebas y arreglos. Grabar mientas producíamos fue una facilidad. Si alquilábamos un estudio, eran otros los tiempos. Tendríamos que haber ido con todo más cerrado”, cuenta Leky en comunicación con Revista El Bondi. Grabar las baterías requiere otra logística. Es lo único que Sobra Milonga hace en un estudio externo y que, por el momento, está frenado. Sin embargo, todavía tienen algunas registradas desde un tiempo previo al confinamiento y, gracias a eso, siguen trabajando. “La idea es sacar un tema con video cada mes o mes y medio. Es lo que hicimos 54

con ‘Callejón’, con ‘Deberíamos’, con ‘Copas vacías’ y con ‘Abrazos rotos‘‘, explica el autor de las canciones de la banda. -Hay mucha poética en sus letras, ¿cómo es el trabajo en la búsqueda de las palabras? -Escribir canciones no es como escribir una poesía porque tiene que enganchar en la métrica, en la rítmica, en la melodía. Es un laburo fino. Quizás hay una frase que te gusta, pero no entra. Entonces te quedás con la que suena más linda, pero no tiene tanto significado. A mi me gusta darle bola a las letras. Algunas salen más rápido. Otras tardan un poco. Generalmente hago primero la armonía o la melodía y puede que con eso salga la letra. No sé si del inconsciente o de dónde. Cada canción es particular. Con “Copas vacías”, por ejemplo, pasó que la letra era muy larga y vino un productor (Juanchi Baleiron) y me dijo: “Buenísimo pero la segunda estrofa no va”. Antes escribía sin pensar como quedaba. Con el paso del tiempo aprendo y lo hago más a conciencia. Pero, también, hay letras

que provienen de la necesidad de descargar. Como “Callejón”, que es la historia de un amigo que lo mató la policía. Ahí escribo desde otro lugar para poner en palabras y dejar un mensaje.

-¿Cuando escribís pensás en eso de dejar un mensaje? -Ahora me pasa más de pensarlo. Soy consciente. Le doy más bola a las letras. Pienso todo bastante. Me estoy volviendo más hincha pelotas con eso. Pero es una cuestión de madurar, aprender el oficio y estar en contacto con gente que sabe más que uno. Escuchar mucha música. Leer. Un poco de todo para agarrar de todos lados. -Algo central en este disco es el compartir con otros artistas, ¿cómo deciden a quiénes invitar? ¿Hay algo de sueños puestos ahí? -Sí. Yo de pibe fui a ver a Callejeros, por ejemplo. Me gustaba mucho. Y se dio la oportunidad de grabar con Pato para el primer disco. Fue un flash escucharlo en una canción mía. Además nos abrió las

capítulos. ¿Por qué eligieron el formato audiovisual para hacerlo?

puertas a que nos escuche más gente porque el tema tuvo mucha más difusión de lo que suele tener el primer disco de una banda independiente. Tratamos, también, de invitar artistas con los que tuvimos contacto en alguna fechas como El Cabra, de Las manos de Fillipi o Sebastián Andersen de El plan de la mariposa. Nos cruzamos en recitales y se dio para grabar. Son bandas que o nos gustan como laburan o desde lo musical hay algo que nos atrae. Y con Juanchi se dio de una manera natural. Lo invitamos a cantar y se metió en la producción artística de onda. Fue una gran enseñanza. Juanchi me dijo: “Me encanta la obra (“Copas vacías”) pero tengo que decirte cosas de producción que no me aguanto”. Entonces me explicó que el estribillo era lo mejor del tema pero tardaba mucho en arrancar y otras cosas sobre estructura y punteo. Hicimos 3 o 4 cambios. Él tenía la idea de que pegue para rotar en radios y, a nivel producción, funcionó. Quedó bien. Sonó en la Mega y, para un productor, eso es importante. Para una banda independiente, también.

-Teníamos bastantes imágenes muy lindas de giras por un montón de lugares. Empezó la cuarentena y sentimos la necesidad de darle una vuelta a lo que había y mostrarlo. Sacarlo. Está bueno que quienes nos conozcan sepan todo el laburo que hay detrás de cada cosa. La organización de un show, de una gira, de un disco. Nos pareció interesante. También es una manera de hacer cosas en este momento difícil. Sacar un tema con video por -¿Cómo definirías el ser una banda mes es un montón, pero sentimos que no alcanza. Hay que hacer más independiente? cosas y nos entretiene pensar el -La independencia te la da la gente. documental, qué vamos a decir, Cuando vas a tocar y no dependés qué imagen usar. Lo miramos. de discográficas o de alguien que Lo repensamos. Lo corregimos y te contrate. Ese concepto lo esnos parece interesante mostrar la cuché de un manager y me parece parte más íntima de cómo labura genial. No lo tomo al 100% porque o intenta laburar una banda indenosotros, a veces, trabajamos con pendiente. el municipio. Nos pagan por hac-Subieron el primer capítulo, er nuestro show. Pero me parece ¿cómo viene esa producción? una buena definición. En general, cuando tocamos viene la gente, -Yo creo que esto va para largo. Se paga la entrada, y eso es impornos complicó un montón. El ingretante para poder alquilar el lugar so nuestro era de las fechas en vivo y hacer todo por nuestra cuenta. o de ir a tocar al interior y eso se Y, después, es necesario que cada frenó todo. Por eso la idea es seuno de nosotros tenga una parte guir sacando material. El documenextra musical para que el proyectal lo vamos a continuar. Queremos to camine. Dividimos las tareas. tener un capítulo de las giras y otro Alguien cumple el rol de managde fechas especiales como Niceto er, alguien maneja la caja, alguiporque fue la primera vez que puen hace los videos, alguien está dimos armar un espectáculo en un involucrado con las redes sociales. lugar tan grande y, para una banda Siempre hay trabajo para hacer y como nosotros, fue una apuesta lo organizamos en base a nuestras difícil que salió muy bien. Fue un necesidades. punto de partida. -Todo esto que contás se puede ver en “Plantar un sueño en cada esquina”,un documental que cuenta la historia de la banda. Lo están subiendo a YouTube por

-Recién nombraste como se complicó lo económico a raíz de la falta de presentaciones en vivo, ¿hay algún subsidio que suplante ese ingreso? 55

-No recibimos ningún beneficio. Por ese lado está complicado. Todos tenemos un trabajo aparte que nos genera un ingreso y nos permite dedicarle tiempo a la banda. Estamos pensando en hacer subscripciones, pero es un momento muy delicado. Tenemos ganas de hacer un show en vivo en un estudio, transmitirlo por streaming y cobrar una entrada. Lo habíamos pensado pero quedó en la nada porque acá, en Lanús, no se puede ir a los espacios donde hay buen sonido.Hace un tiempo habíamos comprado una Traffic para hacer giras. Veníamos laburando bastante. Con la lista de temas afilada. Tocando dos veces por semana. Se empezó a hacer costumbre conseguir fechas y, cuantas más fechas conseguíamos más fácil parecía ser que nos contraten de otro lugar. Estábamos trabajando bien y con la pandemia tuvimos que cancelar un montón de fechas que teníamos cerradas. Venía girando la rueda y ese ingreso permitía poder hacer algo con el dinero. Pagarle a fotografos, sonidistas, sesionistas y proyectar el futuro de la banda. Finalmente vendimos la chata porque la teníamos en la puerta sin poder usarla. Tratamos de zafar con eso. No nos quedaban muchas opciones. Después, no se que vamos a hacer. Espero que podamos conseguir otra. Pero ahora sentimos que era esa: venderla para poder seguir haciendo canciones, laburando e invertir cuando veamos que vuelve a funcionar todo. -Entonces, en el futuro cercano, nos queda esperar más canciones del disco, más capítulos del documental… ¿Algo más? -Estamos haciendo sesiones de cuarentena, que son versiones diferentes de temas de los discos pasados. Son reversiones. Estamos con esas tres cosas: Temas con video, documental y sesiones de cuarentena. Cronista: Maia Kisz Fotos: Gentileza Prensa 19 de Agosto

ENTREVISTA

Alan Sutton y las criaturitas de la ansiedad

“LA ANSIEDAD ES COMPAÑERA Y GESTADORA”

Con un disco conceptual dividido en tres partes, la banda nos ofrece música constantemente en tiempos de pandemia con una gran calidad interpretativa y letras para parar la oreja. Hombrecito Con los pies En la tierra. Así es como Alan Sutton y las Criaturitas de la Ansiedad están sobrellevando esta pandemia, ofreciéndonos constantemente música para disfrutar y sobrevivir. Dividido en tres partes, este nuevo trabajo llegó con su primera tirada 56

hace unos meses de la mano de Hombrecito, capitaneada con la gran canción “La era del Rivotril”, de lo mejor que hemos escuchado en estos días apocalípticos. Con los pies apareció a finales de junio, y mientras todavía nos empapamos de sus canciones, ya adelantaron

“Astronautas” que formará parte de En la tierra. “La primera canción de este disco fue “La era del Rivotril”, tema compuesto incluso antes de grabar el primer disco en 2017”, rememora Alan hasta llegar al último tema de este trabajo conceptual, “Un

limón”, compuesto en febrero de 2019, que aún no conocemos y saldrá en la última parte. “El disco completo en general habla de este lapso de mi vida y cómo percibí mi realidad en ese tiempo. Con Jero Romero, productor e integrante de la banda, elegimos las canciones de entre muchísimas más que había compuesto y terminamos eligiendo estas doce que quedaron. Una vez seleccionadas se pensó el orden y, como siempre pasa, aparecieron las argumentaciones perfectas para entender la coherencia en su desarrollo. Lo de separarlo en tres partes lo decidimos luego, pero el orden que habíamos pensado inicialmente nunca se modificó”. -La segunda parte, “Hombrecito con los pies sobre la tierra”, profundiza una mirada muy crítica a cómo vivimos en esta sociedad. Está muy presente en dos canciones la cuestión del tiempo. ¿Qué les gustaría ver cuando dentro de muchos años miren para atrás? -Es difícil responder esta pregunta. Literalmente estoy pensando qué contestar hace unos cuantos minutos. Siento que si hay algo que, el día de mañana mirando en retrospectiva, me gustaría ver es coherencia entre el futuro desde el cual miro y el pasado que observo. Es decir, por un lado está la teoría, el lenguaje, las canciones; el anhelo. Todo esto es parte de un “YO” colocado en posición de “otro” que dirige y ordena al otro “YO”, aquel que carece de lenguaje, aquel que es materia invisible e inentendible, el velo de nuestra alma, inconsciente o como se desee llamarlo. Ambos son como el huevo y la gallina, ninguno antecede. Lo que

quiero es haber podido mantener equilibradas a estas fuerzas. Que mis “YOES” estén en armonía y, que cada vez que existan disonancias, hallar la templanza suficiente para volver a encontrar los puntos medios. También, ya en un plano más terrenal, me gustaría haber sacado muchos discos, haber dejado todas las canciones posibles grabadas para que no me necesiten a mí para existir. -¿Cómo conviven con el paso del tiempo justamente ahora en momentos de pandemia, impensados hasta hace menos de un año? -Bueno, de alguna forma el reloj se modificó. Es como si siempre hubiésemos ido ajustando la hora en relación a nuestras propias percepciones de lo que pensamos como futuro. Ahora vemos que, de un segundo al otro, todo puede cambiar. Lo único que nos queda ante este escenario, que no es ni necesariamente bueno ni malo, es la adaptación, la búsqueda del rayito de sol. La ansiedad es amiga y enemiga pero sobre todo es compañera y gestadora. Los shows en vivo pasaron a ser streaming, no pudimos irnos de gira, como teníamos pensado tras finalizar

el lanzamiento, pero intentamos buscar las formas para seguir en contacto con nuestro público y mantenernos en movimiento. El tiempo sigue siendo el mismo dios que fue, tal vez ahora, habiéndolo reinventado un poco, se nos ha hecho más notorio. -Uno escucha algunas de las canciones y se imagina que la están actuando mientras cantan. ¿Imaginan su música como parte posible de una comedia musical, por ejemplo? -¡Obvio! Solo faltan inversionistas, claro (risas). -¿Cómo imaginan el primer show en vivo post pandemia? -Yo ya tenía escrito y guionado el show que me imaginaba. Los personajes de las canciones deambulaban por la sala e interactuaban con la gente, se repartía papel burbuja para que la gente lidiase con la ansiedad y muchísimas cosas más. Exactamente ese show es el que me gustaría poder hacer. Cronista: Sergio Visciglia Fotos: Gentileza Prensa/ Sol Etchegaray 25 de Agosto 57

ENTREVISTA

Bestia Bebé

Cronista: Sergio Visciglia| Fotos: Anabella Reggiani 31 de Agosto

Tom Quintans:

â&#x20AC;&#x153;Me gusta molestar a la genteâ&#x20AC;? 59

La banda adelantó con tres grandes canciones lo que será su nuevo trabajo discográfico, pronto a salir en octubre. Excelente oportunidad para entrar en su mundo. El 19 de marzo Bestia Bebé lanzó la canción “¿Qué clase de ciudad es esta?”, segundo adelanto de Gracias Por Nada, el disco que saldrá en octubre próximo. Al día siguiente comenzó una cuarentena repleta de incertidumbres que hasta la fecha nos tiene dubitativos respecto al presente y al futuro. El primer adelanto había sido “Un documental sobre mí” y rezaba la ¿premonitoria? frase “gracias por nada, solo espero que se termine el año”. “Ojala no hubiera estado la cuarentena pero sí, marida bien todo con lo que está pasando”, sonríe el cantante Tom Quintans ante los augurios. “Nada fue pensado, es más que obvio, pero ahí está. Además yo soy nostálgico más allá de la cuarentena”. ¿QUÉ CLASE DE CIUDAD ES ESTA? -El disco iba a salir en mayo y con toda esta situación pasó a octubre. ¿Qué le faltaba antes del comienzo de la pandemia? -Estaba todo hecho, terminado en febrero cuando salió el primer corte. El segundo salió el día de la cuarentena y ahí empezó el momento crítico. Pusimos como fecha octubre pensando que iba a estar todo más tranquilo, y ahora acá estamos. Al principio dudábamos qué hacer, para nosotros sacar un disco y no poder tocar, en mayo nos parecía una locura. No es que somos Lali Esposito que tira un tema y sale en todos lados, nuestra forma de llevar la música es tocan60

do, vamos como un circo, digamos (risas). Además estaba la cuestión sentimental, todos pensando en la pandemia, nadie se podría juntar a escucharlo, amigos, familia, no se iba a disfrutar. Ahora en octubre seguramente no se pueda hacer nada de esto tampoco, pero ya está, el disco lo grabamos hace casi un año, más no se puede estirar. Es todo así ahora, vas emparchando, como decía Mostaza Merlo, hay que ir paso a paso.

los recitales. Todos estos meses nos estuvimos rebuscando de una forma u otra, algunos de la banda con otros laburos directamente. Pero si era algo que le pasaba solo a los músicos ahí sí sería otra cosa, pero le pasa a todo el mundo, hay gente que no puede laburar ni comer, eso es mucho más complicado. EL DESCONTROL

“El descontrol” es el tercer adelanto de lo nuevo y salió en el mes de -Más allá de todos los preparaagosto. Muestra una faceta más tivos para el disco, ¿cómo es su diferente de Bestia Bebé, más incotidianeidad en lo musical? trincada en lo musical y hasta más oscura. “En general es un disco -En líneas generales nos frenó por nostálgico y reflexivo pero no triste, completo. Nosotros no somos de una especie de cierre de una etapa ensayar mucho ya que tocamos para empezar otra. Tiene la casucasi todos los fines de semana así que nos frenó totalmente. También alidad de que es el primer disco con Bouie en guitarra desde que se teníamos giras programadas por fue Topo, y le sumamos lo loco que España, México, Perú, Chile, para presentar el disco. Después en casa se dé con toda esta cuestión de la pandemia, así se pone más nostályo toco la guitarra todos los días, hago temas nuevos, un poco lo que gico todavía”. hacía siempre pero tal vez más. Lo -¿Las tres canciones resumen lo que es en banda, salió algún que otro vivo online y no más que eso. que escucharemos en su totalidad? Es muy loco que a principios de año nos apurábamos para el disco -Elegimos esos tres temas porque y después fue al revés. Pero es una nos parecían una buena muestra situación atípica que le pasa a todo gratis del disco. El primer tema el mundo así que no nos podemos era más lo clásico de Bestia Bebé quejar. Además esto que nos pasa aunque con una letra más pesimisa nosotros es una boludez, hay ta, el segundo fue un poco mostrar gente que la está pasando como esa parte más acústica que tiene el orto. Uno se pone mal por los la banda y el tercero ya viene a ser planes que tenía pero somos unos el sonido nuevo y las cosas nuevas privilegiados, no estamos en la que tiene el disco. calle tirados. Obviamente que en lo laboral a nosotros nos golpea -Hay un diálogo de fondo que fuerte, nuestro mayor ingreso son es de una película, no vamos a

decir cual, pero es un recurso que escuchamos en algún otro tema. ¿Toman al cine como una fuente de inspiración? -Sí, sí, no digamos que película es porque si no va a venir Universal y nos va a romper el orto (risas). La idea no es hacer reminiscencia a una película, porque si de repente yo te tiro un “es de Robocop” por ejemplo, vas a ir a buscar ahí y lo vas a identificar con eso, y no es la idea. Esas frases, esas voces, las usamos para sumarle a la canción, pero no para que no te remita a algo, sino para que sea algo que no es, que no entre como una peli sino como la frase. Respecto al cine, no es por involucrarlo sino más una influencia de bandas como Primal Scream o Beastie Boys, que hacen canciones con audios, samples. Lo usábamos mucho

con mi banda anterior, Go-Neko! que era instrumental, siempre me gustó y ahora con Bestia Bebé quise seguirlo. Lo hicimos en el primer disco, después lo dejamos para no repetir y ahora volvimos, es más, hay otra voz más en otro tema del disco. -Y para terminar de desmenuzar el nuevo tema, en un momento del video se ve aquel póster del primer disco con la formación de la tapa en formato álbum de Italia 90, y a mí me dio un ataque de nostalgia voraz, justo en este año que se cumplen 30 de aquel momento histórico. -Sí. Yo no lo viví, tenía 2 años, vi todo lo que pasó después. No me pega mucho por ese lado, pero sí me pagaba mucho el álbum, mi abuelo nos lo compró, lo llenó y

hasta el día de hoy lo conservo en perfectas condiciones, plastificado. Me acuerdo de leerlo mucho de chico, de verlo y es un libro, una obra maestra. El diseño de ese álbum me parece genial, toda la imagen de Italia ‘90, la canción, el país súper futbolero donde se hizo, y sacando la épica argentina de lado, en general fue un mundial muy nostálgico. ¡Otra vez la nostalgia! UN DOCUMENTAL SOBRE MÍ -Hace algunos años nos contabas que no te importaban tanto las letras en las canciones, tanto a la hora de componer como al momento de escuchar. ¿Cómo es tu relación con ellas hoy? -Fui cambiando, sí. En este último disco les di más bola, las pensé

bastante, las fui cambiando, modificando, les di más importancia. Este disco es más cancionero, es muy importante la canción, la melodía de la voz y por ende obviamente entonces lo que se está diciendo. -También son más largas. -Sí, es cierto. No repite la estrofa, tiene más vueltas. Y también más que nada pasa lo que digo siempre, es para no repetirme y aburrirme. Si ya hice una letra que habla de un auto, no voy a hacer otra más que hable de un auto. Por eso me rompe bastante las pelotas cuando dicen “es una banda que habla de futbol”. No, es un disco solo el que habla de eso, el segundo hablaba de otras cosas, este disco de otras. Cada disco tiene su particularidad y me gusta que se identifique por eso lado “ah, este tema es de tal disco porque habla de tal cosa”. Medio que sin querer, pero cada disco tiene su concepto. -¿Y cómo se llega a ese concepto? -En el primer disco escribía cosas que sentía que no se hablaban, en el indie o en la música en general. Por eso hay algo de fútbol, pero no del lado de “vamos a ganar y hacer un gol”, es desde otro lado. Pero sí, por ahí no les daba tanta importancia en general a las letras al principio, lo que trataba de hacer era darles un contraste con la música: si la música era medio blanda, tranquila, escribía una letra que un poco la sacara de eso. Por ejemplo, en el tercer disco, que son canciones viejas previas al primero, está “yo me la aguanto, vos abandonás”, que está hecha para contrastar con los arpegios de esa canción tan linda. Quiero algo que llame la atención, que tenga 62

una búsqueda. Me gusta llamar la atención, me gusta molestar a la gente. Ya en el segundo disco hay influencias de libros, películas y cosas que me pasaban a mí, esto está siempre, la mayoría de las letras son cosas que me pasan, y en este último disco hay más de esto, es como más íntimo. Tal vez antes medio que lo camuflaba, decía que una canción hablaba de algo, le ponía un título para que pensaras que hablaba de eso y en realidad no, no hablaba de eso. Lo hacía mucho antes y ahora no, este disco es más directo, más crudo. -Molestás desde todos los lugares. -El primer disco tenía tapa de fútbol y todo el mundo habló de futbol y un poco me rompió las pelotas, pero está bien, porque llamó la atención gracias a eso. El segundo la tapa es como si fuese una película, nada que ver con el futbol, y el tema que abre tiene ritmos distintos. Me gusta que el que escuche se sorprenda y diga “¿qué pasó acá?”. Porque si no me aburre. Siempre quiero intentar cambiar y sorprender, el que se sorprende para bien genial y el que se sorprende para mal, bueno… YO ME LA AGUANTO Quien recomienda Bestia Bebé puede hablar de una banda indie, o punk, con melodías pegadizas, que habla de amor, o de fútbol, de libros o del barrio, los recitales son una fiesta, que hay mucho de pop y estribillos compradores, y miles de etcéteras más. Pueden ser diez bandas diferentes en una. “Eso está buenísimo, me gusta hinchar las bolas”, reconoce Tom, al tiempo que convive con ciertas etiquetas que suelen salir más a la superficie que otras como el fútbol,

como ya nos contaba, o el barrio. “Al principio me molestaba porque sentía como que se perdía todo lo demás, llamaba mucho la atención eso y se perdía lo demás. Tal vez pegó mucho porque en nuestra escena nadie nombraba un barrio o hablaba de futbol. Pero es lo que somos nosotros, está en nuestras letras porque yo soy así, es mi realidad”, se sincera. -Claro, no podés ir contra eso porque es lo que sos. -Además tampoco nunca hice una letra que decía “aguante el barrio” o “soy futbolero”, que tampoco está mal si alguien lo canta. El tema “Fiesta en el barrio”, por ejemplo, es acerca de una fiesta que pasó acá al lado de mi casa y es alguien contando lo que ve. Después está la canción de Rubén Paz, pero también es algo loco, es una canción dedicada a un ídolo de Racing pero bardeando a otro. -Pobre Gio Moreno loco, yo lo quiero (risas). -Ahí está la vuelta de rosca, y quizás hay gente que no se da cuenta y eso está bueno también. O directamente dicen “¿quién es Rubén Paz?”, porque no es Messi. Está bueno eso, que no sea tan obvio, siempre por ahí fue la música nuestra. Pero ya lo hicimos una vez, así que ya está. Después hice “El monje” que habla de Zidane, pero fue porque nos pidieron hacer una canción para un compilado para el Mundial, si no ni en pedo hacía una canción para Zidane, me chupa un huevo Zidane. Pero tenía que tratarse de una escena de los mundiales y me pareció que esa estaba buena. Volviendo a la pregunta, entonces sí, al principio me

paso. Una vez más, gracias Mostaza. Pensar más es medio al pedo, hasta que no haya una vacuna es bastante complicado. En un momento además vamos a tener que ver cómo sobrevivir, vamos a tener que hacer otra cosa, vender choripanes o lo que sea, algo va a haber que hacer si esto sigue así. Después hay que ver cómo los lugares para tocar se la bancan, si pueden seguir abiertos, cómo van a a poder abrir, ver si los productores tendrán la espalda para hacer cosas. Pero creo que va a ser algo muy de a poco, acá la gente va a intentar hacerlo como sea, ganas hay, siempre nos levantamos pero va a costar, va a ser de a poco. -¿Qué te parece el streaming?

molestó pero ahora ya lo acepto, es lo que llamó la atención y hay un montón de gente que le gusta. El que encasilla se lo pierde y ya, no me voy a poner a discutir eso. Si dicen que la banda habla de dos cosas no nos hacen justicia, pero todo bien. Las etiquetas sirven para el periodismo y para que yo te diga “che, ¿esta banda qué onda es?”. Después está en vos quedarte con eso o ir por más. Para toda banda en general, si te digo algo de Los Redondos siempre va a parecer muy simplista la etiqueta. No hay que pensar que eso defina a la banda, ese era mi error, pensar que estaban diciendo que somos solo eso. Sirve para que la gente se dé una idea, es una ayuda para saber de qué la va, y así hay que tomarlo como público, después cada uno hará lo que quiera con eso. TODO MEJORARÁ -¿Cómo ves el horizonte musical en esta actualidad que nos toca vivir hoy? -Me parece que hay que ir paso a

-Es otra cosa totalmente aparte. Es como comparar al recital con un disco. No le puede competir al recital y nunca jamás lo va a reemplazar, salvo que sea una súper realidad virtual que te lleve a otro planeta. El problema es creer que es lo nuevo, la nueva normalidad. No, es otra cosa. Hacer recitales por streaming es algo esporádico, para hacer una o dos veces como algo especial y listo. Pero el streaming ya existía y era de un recital con gente, sin gente no tiene sentido, es una lágrima, no creo que siga existiendo cuando se vuelva a tocar con público. Bestia Bebé forma parte del sello Laptra, conformado por muchas bandas (El Mató a un Policía Motorizado o 107 Faunos, para nombrar las que están más a la cabeza) que son amigas entre sí, o diferentes proyectos paralelos de sus músicos. “Nos manejamos así hace quince años, con ferias y festivales”, explica Tom. “Editamos discos, a veces los editan las mismas bandas, las bandas más grandes se autogestionan y el fondo que hay se usa para las bandas que no pueden editar sus propios discos. Es una especie de formar parte de algo más grande, grupo de bandas en su mayoría amigas. Laptra siempre que pueda ayudar en lo que se necesite, ayuda”. También aclara que no tienen funcionamiento típico de sello. “No hacemos la de que se presentan bandas, las escuchamos y vemos si se suman, eso no existe. Alguno escucha una banda de casualidad que le gusta, se la muestra a los demás y si nos gusta se suma. También es importante la buena relación y tener las mismas ideas, ya que es algo que se hace entre todos. Por eso muchas veces las bandas que se suman son proyectos de los propios integrantes de Laptra, porque ya nos conocemos, es que tampoco es un negocio esto”. -Para cerrar, la pregunta más importante (?): ¿Racing campeón del mundo o Bestia Bebé tocando en Racing para 50 mil personas? (piensa mientras se ríe) -Creo que es más probable que Racing salga campeón del mundo a que nosotros toquemos para 50 mil personas así que elijo tocar en Racing. Confío en que Racing va a salir campeón del mundo otra vez. Confío, no lo digo porque lo vamos a mufar. Pero sí, ¡confío más en los jugadores de Racing que en nosotros! (risas). 63

Cosquín Rock 2020

COBERTURA

EL FUTURO LLEGÓ

Un finde musical y virtual con música para todos los gustos. Decenas de artistas en el marco del Cosquín Rock regalaron una necesaria inyección de música en vivo aunque sea a través de una pantallita y el público agradece. La nueva era está entre nosotros. Frente a una compu. Intrigados. Estamos desesperados de recitales. Vimos decenas de vivos de Instagram con artistas que admiramos, otros de amigos a los que les hicimos el aguante y algunos que simplemente pasaban por ahí. Le metimos un poco a propuestas más maratónicas con temas “hechos en casa” o refritos. No sabemos 64

que más escuchar en Spotify. Pero ahora, era el turno del monstruo local. Cosquín Rock nos proponía tirar la casa por la ventana con shows en streaming desde el Luna Park, Vorterix y La Trastienda, más invitadxs desde distintas partes del país y el mundo. ¿Y quién toca? Los de siempre y alguno más. Perfecto, es lo que necesitamos.

Armamos el ritual. Nada de vestimenta con onda, porque en casa hay que estar bien cómodos. Igual que cuando nos ponemos lo peor que tenemos para ir a un campo abierto con amenaza constante de lluvia. En fin, es temprano, llegamos con el predio semi vacío y nos disponemos a ver a los tempraneros mientras exploramos todo el lugar. Lo primero que

brindando shows con sus máximos hits, como suele suceder casi siempre en los festis normales. Es ahí donde sobresalen las enérgicas performances de 2 Minutos (¿alguien rompió algo en casa con “Ya no sos igual”?), Sara Hebe (¡muy arriba!), Nagual y Los Caligaris (quienes eligen mostrar más su veta cancionera que la circense). Otra que destaca es Eruca Sativa, con un set casero bien diferente.

notamos es que el cacheo de la seguridad es muy celoso y estricto: el código para ingresar es único e irrepetible, y si cerrás la ventana, te vas un rato o se te corta la conexión, tendrás que hacer todo el protocolo necesario para demostrar que lo otro ya no existe más y que sos vos de nuevo el que volvió al predio. Que nadie se cole. Empezás a deambular por toda la plataforma: 2x1 en chupi y morfi, merchandising, las carpitas de un par de marcas, el lugar del Meet & Greet para el que eligió pagar eso, la carpa de prensa a la que no podés entrar. Todo como cualquier festival, estamos perfectos y disfrutando, más aún cuando vemos el rinconcito con fotos históricas,

anécdotas de ediciones anteriores y nostalgia de la hermosa, un placer. Ahora sí, a rockear. Sol Alac, Inyectores (Perú) y Malena Villa son quienes le dan el puntapié inicial a la novedad festivalera. La calidad de audio y sonido son impecables; otro lujo es que podemos movernos por el campo y elegir desde qué cámara mirar. Se suceden las propuestas y las opciones son para todos los gustos: shows desde los lugares en vivo y directo, otros solo en vivo, los extranjeros desde escenarios o estudios en sus tierras, algunos sets desde sus casas, juegos de edición y más. En el primer día las propuestas locales apuestan por lo seguro,

El set más ¿extraño? es el de Las Pelotas en vivo en el Luna con Daffunchio (junto al guitarrista Sussmann) cantando desde Córdoba por pantalla gigante al mejor estilo Indio Solari. “¿Dónde está Facundo Astudillo?”; pregunta el cantante en “Desaparecido”. Lo mismo hará al día siguiente en su presentación el Mono Martín Fabio junto a Kapanga, siempre responsables de meter compromiso y sensibilidad social a su propuesta fiestera que nos regala sonrisas por doquier. El plato fuerte de la jornada es Ciro y Los Persas y vaya si lo hacen notar con el mejor set del día. Entre clásicos persas y piojosos, el frontman nos levanta a todos del sillón y nos hace cantar, saltar y bailar durante todo su set. Con un dominio escénico único, brilla y deambula por todos los rincones de un Luna Park vacío, llegando al pico máximo simbólico cuando queda en medio del campo con una sola luz apuntando hacia él y cantando nada menos que “Tan solo”. Todo dicho. 65

Damas Gratis, más aún cuando sube Johana Rodríguez para hacer “No te creas tan importante” y “Me vas a extrañar”. Una exquisitez. ¡Cumbia!

mezcla rockera y autóctona de Guardarraya de Ecuador (excelente show), el poder de Gaia de Perú, la frescura de Cami (Chile) y su imponente voz nos dieron ganas de ir a buscar Luego de un soberbio y corto set todos sus temas por la red. Un de León Gieco desde su casa/ poco más conocidos, también estudio a guitarra y voz que nos resaltaron la delicadeza de una hace llorar con “El desembarco”, embarazadísima Ximena Sariña“La memoria” y “Solo le pido a na (México), Julieta Rada (UruDios”, nos disponemos a disfru- guay), Matamba (Bolivia) y Miss tar del nuevo rocanrol de TrueCafeína (España). Los clásicos no que llegó para quedarse. Un que no fallaron: Reincidentes talento rapero intratable, reple- (España) o Agarrate Catalina to de energía y pidiendo cancha (Uruguay). cada vez más a fuerza de letras Una apuesta gigante y depoderosas que toda juventud necesita. El nuevo rocanrol llegó finitivamente riesgosa, tuvo sus imprevistos en la era del con algo para decir y esa es su clave. También, hay que decirlo, streaming pero cumplió con llegó sin instrumentos, con auto creces una primera prueba más tune y pistas hasta en las voces. que difícil. Cosquín Rock se la jugó y eso ya es un triunfo por Pero lo que más hay que decir goleada sin dudas. Nos trajo es: ¡bienvenida la música que música en vivo aunque sea por irrumpa, mueva el piso y haga tambalear a un paradigma mega una pantallita, le dio laburo a muchos artistas, técnicos y más conservado y repetido de una puta vez y que sea lo que sea! Y (algo no menor en estos tiempos). Muchas cuestiones para en ese auspicioso plan, un rato antes también se había presen- resaltar, y otras tantas para corregir en esta nueva era. El futuEl domingo nos encontramos tado La Joaqui. ro llegó pero sin dudas que no con grandes momentos de los Por suerte, sobre el final pocomo lo esperábamos. Había clásicos: Rata Blanca, Airbag, demos disfrutar de la retransque hacer lo mejor posible ante Ratones Paranoicos y unos misión de los sets que habían esto y Cosquín lo hizo, aunque Turf vestidos para la ocasión fallado el día anterior. Una espela sensación final es inevitable: antipandémica. ¡Rocanrol! Bien cie de reprogramación por lluqué ganas de ir a un recital, la power y certero lo de El Mató a via. Imaginemos el agua y veápucha. un Policía Motorizado y Fer Ruiz moslo así. ¡Es que un Cosquín Díaz, quien también encuentra sin lluvia no es Cosquín! por momentos cortes abruptos de cámaras (pasó en varios El párrafo aparte queda para las sets, ¡cuánta gente alta en este bandas extranjeras, las cuales festi!). Kapanga cumple como trajeron la novedad del fin de Cronista: Sergio Visciglia siempre, en la parte fiestera semana por ser la mayoría casi Fotos: Gentileza Prensa que se despelota al mango con ignotas en nuestras tierras. La Y así como lo más significativo de los festis suelen ser los problemas de sonido, en esta nueva era fueron reemplazados por los de la conexión. Los sets de ANIMAL, Tipitos y Attaque 77 (los tres en escenario Vorterix) directamente casi que no se pueden ver, dando lugar a las quejas en todos los chats. A eso se le suman otros pequeños problemas en diferentes momentos, como el hecho de que se corte la cámara principal y se necesite ser pillo y cambiar hacia otra, tal vez con menos calidad pero que se puede ver. Algo así como cuando encontrás el lugar perfecto para ver el recital pero al rato se te para un oso de 2 metros adelante tuyo. Otro dato del que nos percatamos es que el predio es gigante (pesado, digamos en jerga cibernética) y de a poco empezamos a agotarnos al caminar tanto de un escenario a otro. ¡Típico! Ahí es cuando decimos “nuestra compu viejita ya no está para estos trotes”.

08 de Agosto

REVISTA EL BONDI - JULIO/AGOSTO 2020

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