Lee+ 189 Febrero. Ilustradores, ¡ilústrennos!

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Desde el librero

A medida que nos adentramos en el ámbito de la literatura, es esencial hacer una pausa y apreciar a los artesanos que a menudo se pasan por alto y que dan vida a nuestras historias favoritas: los ilustradores de libros. Su trabajo es nada menos que magnífico y sirve como puente entre la palabra escrita y la vívida imaginación de los lectores. Cada trazo de su pincel captura emociones, establece el tono y realza la narrativa de una manera que las palabras por sí solas no pueden lograr.

Los ilustradores poseen una habilidad única para sintetizar temas y personajes complejos en forma visual. Nos invitan a mundos fantásticos, permitiéndonos ver a través de los ojos de personajes queridos y experimentar sus viajes de una manera profundamente personal. Los colores, estilos y detalles que eligen resuenan en nosotros y a menudo evocan sentimientos que persisten mucho después de cerrar el libro.

Por si fuera poco, la colaboración entre autores e ilustradores es una danza de creatividad, donde cada uno contribuye al tejido narrativo. Esta asociación no sólo enriquece la experiencia de lectura, sino que también fomenta una conexión más profunda entre lectores y la palabra escrita Desde libros ilustrados para niños hasta intrincadas novelas gráficas, el impacto de las ilustraciones es profundo y duradero.

José Luis Trueba abre el número con una charla con Benjamin Lacombe y Sébastien Perez, una poderosa dupla que ha llevado la literatura ilustrada a altos vuelos. Presentamos también un artículo de Ximena Hutton acerca de cinco ilustradoras que han dado de qué hablar con sus estilos únicos. Más adelante, Elik Troconis comparte con nosotros algunas reflexiones sobre las relaciones entre palabra e imagen, y sobre autores que ilustraron sus propias obras. Tenemos también una entrevista de Rodrigo Morlesin al genial Peter Sís, artista que ha recibido una gran cantidad de reconocimientos por sus publicaciones. Y otra más de Victor Ruiz a Philippe Fenech, quien ha creado un nuevo personaje a partir del universo de Astérix

Para este número, además, invitamos a cinco ilustradores distintos a compartir sus creaciones y responder tres preguntas, entre ellas qué libro sueñan con ilustrar. También entrevistamos a Fher Val, Carlos Sallas y Anita Mejía con el propósito de que nos contaran sobre las libretas Moleskine que utilizan como compañeras de trabajo.

Para la sección de poesía Desconfinad@s Jorge Fernández Granados nos habla acerca de El sin ventura Juan de Yuste, obra ganadora del Premio Iberoamericano de Poesía Carlos Pellicer 2023.

Nos complace también lanzar una nueva sección: Nuestras frases favoritas. Estamos felices de invitar a nuestros lectores a ser parte de la revista compartiendo citas de sus libros predilectos. Honrando el 14 de febrero, este mes el amor ha sido el tema.

Por si esto no fuera suficiente, presentamos tres entrevistas más: a Benito Taibo, a Becky Albertalli y a Claudia Novaro junto con Armando Fonseca, quienes nos cuentan acerca de sus libros más recientes.

Con admiración por los artistas (cada vez menos) detrás de escena.

Todo está dicho. ¡Es momento de leer!

Yara Vidal

Directora general

Revista Lee+ de Librerías Gandhi

Editor responsable: Yara Beatriz Sánchez De La Barquera Vidal, Distribución: Librerías Gandhi, S.A. de C.V., Dirección: Calle Comunal No.7, Col. Agricola Chimalistac, C.P. 01050, Alcaldía Álvaro Obregón CDMX. Número de Reserva al Título ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2009-051820092500-102. Certificado de Licitud de Título No. 14505 y Certificado de Licitud de Contenido No. 12078 expedidos en la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación. Registro Postal EN TRÁMITE. Preprensa e impresión: Fotolitográfica Argo, Bolivar 838, Col. Postal. Alcaldía Benito Juárez, C.P. 03410, CDMX. Título incorporado en el Padrón Nacional de Medios Impresos de la Secretaría de Gobernación. Queda prohibida la reproducción parcial o total, directa e indirecta, por cualquier medio o procedimiento, del contenido de la presente obra, sin contar con la autorización previa, expresa y por escrito del editor, en términos de

Índice

Ilustradores, ¡ilústrennos!

6 Benjamin Lacombe y Sébastien Perez: las ilustraciones y las palabras

José Luis Trueba Lara

10 Trazos (casi) anónimos

Ximena Hutton

12 Entrevista Peter Sís: un hombre con tres llaves doradas y un universo en sus manos

Rodrigo Morlesin

16 ¿Y de qué sirve un libro sin dibujos ni diálogos?

Elik G. Troconis

20 Cuestionario para 5 jóvenes ilustradores

22 Mi Moleskine y yo

26 Entrevista El viaje de Lutecia: una mirada al universo de Astérix desde los ojos de Philippe Fenech

Victor Ruiz

28 Entrevista Claudia Novaro y Armando Fonseca: una historia de papel a dos voces

Yara Vidal

30 Entrevista Benito Taibo: la pluma y la marmita

José Luis Trueba Lara y Victor Ruiz

32 Entrevista Becky Albertalli

34 Adelanto de libro El gato que enseñaba Zen

James Norbury

35 Nuestras frases favoritas

36 Desconfinadxs: poesía para leer en Gandhi

Alí Calderón: El habla borrada de los ausentes

Jorge F. Granados

37 In memoriam Julio Trujillo

Jorge F. Hernández y Alejandro Magallanes

Directora general y editora Yara Vidal yara@revistaleemas.mx

Directora de mercadotecnia Karen Achar Galindo

Directora de Difusión cultural Beatriz Vidal De Alba beatriz@revistaleemas.mx

Coeditor

Elik G. Troconis editorial@revistaleemas.mx

Director de arte y editor audiovisual

Edwin Reyes Maya edwin@revistaleemas.mx

Asesor editorial José Luis Trueba Lara

Coordinadora editorial Ximena Hutton

Ilustrador

Rodrigo Rojas

Coordinador de redes Victor Ruiz

Consejo editorial José Achar

Alberto Achar

Mario Nawy

Alejandro Magallanes Mercedes Alvarado

Ilustradores, ¡ilústrennos!

“El japonismo estaba inspirado por el arte del lejano Oriente y, por supuesto, es uno de los descubrimientos artísticos más importantes de Francia.”

Benjamin Lacombe

Benjamin LacomBe y SéBaStien Perez: las ilustraciones y las palabras

Entrevistarlos no es poca cosa. Sus creaciones los sitúan en un espacio distinto y sus libros pueden mirarse como objetos que van más allá de las letras y las imágenes. En 2007, Benjamin Lacombe se convirtió en uno de los ilustradores más importantes y reconocidos. Ese año, la revista Time señaló que Cereza Guinda era uno de los diez mejores libros para niños que se habían publicado. Su opera prima (que nació como su proyecto para graduarse en la Escuela Nacional de Artes Decorativas de París) le abrió los caminos.

Después de este acontecimiento, lo que ocurrió es de sobra conocido: Lacombe (solo o acompañado por distintos escritores) ha transitado por los más diversos territorios. Durante casi dos décadas de trabajo ha recreado obras clásicas, como ocurre con los cuentos de Edgar Allan Poe, Alicia en el País de las maravillas y Alicia a través del espejo de Lewis Carroll; El retrato de Dorian Gray, de Oscar Wilde; o (tan solo por mencionar un ejemplo más) la versión de El mago de Oz que escribió Sébastien Perez, quien lo ha acompañado en la creación de muchas de sus obras.

Además de estos libros, Lacombe se ha adentrado en las leyendas de distintas tradiciones (Ondina y La sombra del Gólem son un par de ejemplos), le ha dado vida a los libros que revelan la vida de las mujeres poderosas (como sucedió con Frida que también escribió Perez), nos reveló los secretos de sus creaciones (justo como se muestra en Curiosidades) y, quizá para completar el panorama, se acercó a Japón con una mirada precisa.

Y así, un día Benjamin y Sébastien están delante de mí. El lugar donde estamos es propicio para el encuentro: de todas las paredes cuelgan grabados y serigrafías de Rufino Tamayo. La cámara queda lista y la iluminación, dispuesta. Una sola palabra basta para dar inicio a la entrevista.

—Cada vez que veo tus trabajos —le digo a Benjamin Lacombe—, me doy cuenta de que detrás de ellos hay un largo trabajo de investigación que te permite descubrir lo que está más allá del texto y revelar una manera de comprender el mundo.

Benjamin no se sorprende por la pregunta. El eco de Curiosidades se encuentra en ella.

—A mí me gusta aprender cosas en mi trabajo —me responde con calma—. Cuando empecé a adentrarme en Japón descubrí un mundo que apenas podía imaginarme. Yo no sabía que existían las mujeres samuráis. Sus fantasmas y sus criaturas mitológicas pertenecían a una tierra ignota y sus historias de amor me resultaban absolutamente desconocidas.

”El camino que se inició con Los amantes mariposa me llevó una gran exploración. Las imágenes, los colores, las texturas y la manera como debían contarse estas historias, en la cual fue fundamental el apoyo de Sébastien, nos permitió lograr una creación conjunta. Efectivamente, nuestros encuentros, a veces epistolares y en otras ocasiones en persona, nos permitieron crear diferentes registros narrativos y visuales que se han transformado en libros.”

Benjamin no exagera: la publicación de Los amantes mariposa, Historias de fantasmas de Japón, Espíritus y criaturas de Japón e Historias de mujeres samuráis son el resultado de estas investigaciones que, en el caso de los fantasmas, retomaron una obra fundamental: el Kwaidan de Lafcadio Hearn.

—Tus libros japoneses, permíteme llamarlos de esta manera, me obligan a recordar un hecho que me parece fundamental: el japonismo que en Europa y América Latina marcó el arte moderno. En México, tan solo por darte un ejemplo, La gran ola de Kanagawa, el famosísimo grabado de Hokusai, forma parte de una de una de las pinturas de Diego Rivera.

—Tienes razón, desde los primeros intercambios con Asia, en Francia quedamos prendados de lo japonés. El japonismo, el movimiento que surgió justo después del impresionismo,

estaba inspirado por el arte del lejano Oriente y, por supuesto, es uno de los descubrimientos artísticos más importantes de Francia.

”Lo curioso es que también se produjo un efecto contrario: el impresionismo —al igual que la pintura europea y francesa— inspiraron la estética japonesa y le añadieron profundidades y matices que aún no exploraba. Yo creo profundamente en el intercambio cultural y artístico entre los países y los artistas. Te doy un ejemplo: hace algunos años, después de que estuvimos en México, hicimos un libro sobre Frida Kahlo donde estos intercambios se revelan sin añadiduras. Entre Frida y los artistas franceses hay un diálogo fundamental. Me encantó descubrir que su primera exposición se hizo en Francia, como parte de una exhibición más realista. Esto es increíble, porque descubrimos la mundialización de los intercambios y, además, aprendemos un montón cosas de diferentes culturas.

”Para mí, es cierto que la cultura japonesa, el folclore japonés y sus historias tradicionales me han inspirado durante mucho tiempo. Es una cultura en la que estoy y trato de que se sienta natural.”

—Voy a hacer una pregunta un poco rara. ¿Cómo es posible que un día te despiertes y digas: “Voy a crear una obra de arte”? ¿Cómo decides el camino que seguirán tus palabras y tus ilustraciones?

—En mis historias siempre hay algo de inspiración, de una magia que las va transformando conforme me adentro en ellas. Sin embargo, la gente piensa que el libro tal y como existe es algo que se me revela de la nada y su imagen completa se creó en un solo instante. Lo que ocurre es distinto: a medida que avanzamos, la obra se va nutriendo y avanzamos hacia las cosas que puedan alimentarla.

José Luis Trueba Lara

Ilustradores, ¡ilústrennos!

Es como si estuviéramos recogiendo los ingredientes para una receta, hasta que, al final, tenemos lo que necesita mos para crear el libro. La idea de que una mañana me despierto y digo “Voy a crear un libro llamado de Sam White” no existe. En cualquier caso, nunca es así. Para fructificar, las ideas deben estabilizarse.

Sébastien Perez, que hasta este momento había guardado silencio —una actitud extraña en el due ño de las palabras—, interviene para profundizar en la idea.

—Benjamin es una de esas personas que comienza un libro y, en algún momento, empieza a pensar en las co sas malas, en sus posibles errores o en sus desacier tos. Y solo después de esto puede reanudar su creación. Esa es la ventaja de los libros: aunque su elaboración puede ser difícil, son absolutamente humanos y, por lo tanto, solo pueden crearse gracias a la libertad. Esto es lo que hace que un libro sea interesante. Las dudas lo llenan de pequeñas co sas. Eso es fantástico, imaginativo, absolutamente artístico. No olvide mos que en sus páginas conviven dos entidades que son mucho más que una simple complementariedad. La ilustración y el texto son indisolubles. Sin necesidad de una nueva pregunta, Lacombe retoma el tema.

padres leen el libro y, al final, cada uno lo interpreta de una manera distinta. Cada uno tiene su propia forma de leer, una manera que genera diferentes impresiones. Cuando trabajamos, no necesariamente pensamos en el público. Cuando hacemos libros, ofrecemos cosas, entregamos mensajes. Después de eso, los lectores son

”A mí me gustan los lectores que están abiertos y listos para lanzarse a una aventura. Nosotros les ofrecemos eso. Eso es lo que me gusta. Nuestros libros están abiertos a descubrir y a leer. Los lectores más difíciles son los que tienen ideas preconcebidas. Quieren encontrar esto o aquello y nunca les vamos a dar lo que quieren, porque un libro no es una tarea escolar, tampoco es un

—Esa es la manera como creamos nuestros libros. Queremos que el texto y el dibujo se fusionen de una manera absoluta. Y a mí me resulta más agradable hacerlo con alguien como Sébastien. Por eso hemos colaborado juntos desde hace algunos años. Esto nos permite lograr dos narrativas que se oponen y se unen para crear esta historia. Es decir, el texto y el dibujo nunca se repiten. Gracias a esto podemos ofrecerle al lector un registro emocional que se nutre de lo abstracto y lo concreto. Esto es lo que sucede con las palabras, las imágenes y el objeto.

”Esta es la razón por la cual combinamos los distintos tipos de papeles con la tela. Nos permite crear una imagen inmersiva, visual y literaria. Trabajar en el diseño total de un libro es una de mis pasiones. Llevo más de 20 años haciéndolo. Por esta razón siempre utilizo las nuevas tecnologías para crearlos; gracias a ellas puedo darle nuevas formas y perspectivas. Efectivamente, trabajo en la plasticidad del objeto, en su formato, en la posibilidad de reinventarlo de una manera incesante.

”Acabo de terminar un libro que se titula El retrato de Dorian Gray. En él se

despliegan las nuevas tecnologías que me dejaron experimentar en un nivel emocional. Yo veo los libros en los ojos del lector; siempre lo descubro en los ojos de la gente a la que se lo muestro. En las Historias de mujeres samuráis, hay varias cosas que se unieron a la perfección: la tela, que evoca los kimonos, los hierros que recuerdan a los árboles que convierten en objetos metalizados. Luego están los brillos y las páginas que se abren para crear una panorámica amplia. Me recuerdan a los largos dibujos japoneses donde los paisajes se despliegan hasta rodearnos. Luego están los elementos de la historia, pero sobre todo una dimensión de la guerra que casi tiene 360 grados. Gracias a ella nos sentimos como si estuviéramos en plena batalla y en ese momento aparece un libro que puede rebasar el largo de tus brazos. Jugar con las cualidades físicas del libro es algo que genera distintas sensaciones al leer.”

Pienso en las palabras de Benjamin y Sébastien. Ellos crean una obra total, pero ¿qué esperan de sus lectores? Ante este hecho mi pregunta no se hace esperar.

—¿Existe un lector ideal para sus obras? Lacombe vuelve a sonreír.

—Todos somos niños, todos somos adultos. A veces, nos encontramos en una situación en la que los niños y los

”Para mí, el lector ideal es alguien con la mente abierta. En la literatura y en el libro objeto, no hay una edad específica, solo existe la inteligencia de los lectores. Para mí, eso es esencial. Un libro no es un pedagogo. Un libro no tiene fecha de caducidad. Un buen libro está ligado a los que tienen diez o noventa años de edad. E, incluso, hay veces que pueden parecer muy simples o para niños pequeños. A menudo uso el ejemplo de El Principito. Cuando lo leí por primera vez yo era un niño y, luego, en las distintas etapas de mi vida, me habló de maneras diferentes. Esa es la magia de un libro que trasciende las edades, los años y los meses.”

Benjamin y Sébastien guardan silencio. Con estas palabras, parece que todo se ha dicho. El tiempo de volver a sus libros ha llegado.+

Agradecemos a su editorial Edelvives por las facilidades para realizar esta entrevista.

José Luis Trueba Lara. Escritor, editor y profe. Colabora en la radio y de pilón sale en la tele. Duerme la siesta con su esposa

“Cuando

hacemos libros, ofrecemos cosas, entregamos mensajes. Después de eso, los lectores son los que eligen.”

Benjamin Lacombe

Ve la entrevista en mascultura.mx

trazoS (caSi) anónimoS

Desde el principio de los tiempos, el ser humano ha encontrado formas de contar historias a través de imágenes. Las pinturas rupestres, simples pero llenas de significado, fueron las primeras ilustraciones: trazos en las paredes que conectaban a las personas, transmitían ideas y preservaban recuerdos. A medida que avanzamos en la historia, la ilustración evolucionó con nosotros, transformándose en un lenguaje visual que nos acompaña hasta hoy. Y aunque muchas veces no se mencione, las mujeres siempre han estado ahí, trazando sus propias historias, incluso cuando el mundo no las miraba.

Ximena Hutton

Estas mujeres anónimas del pasado, cuyas manos pintaron figuras en las paredes de cuevas o decoraron textiles y cerámicas, sentaron las bases de un lenguaje visual que ha trascendido milenios. Ellas no firmaban sus obras, pero su legado persiste en cada trazo que ha sobrevivido al paso del tiempo. Este anonimato forzado refleja una realidad que se repitió durante siglos: las mujeres creaban, pero rara vez eran reconocidas.

Hoy, resaltar los nombres y aportes de las ilustradoras es un acto de justicia histórica. Detenernos en sus historias no solo nos permite entender que la ilustración ha evolucionado, sino también que estas artistas han desafiado las normas para abrir caminos y dejar huellas imborrables. En esta ocasión, queremos destacar a cinco mujeres cuyas obras han marcado generaciones y redefinido lo que significa ilustrar: Beatrix Potter, Mary Blair, Tove Jansson, Rebecca Sugar y Marjane Satrapi. Desde su estilo y contexto, cada una ha ampliado los límites del arte gráfico y nos ha mostrado que la ilustración es más que un arte visual: también es un medio para narrar historias que conectan profundamente con la humanidad. Beatrix Potter, por ejemplo, transformó la literatura infantil con su adorada serie de cuentos ilustrados como The Tale of Peter Rabbit. En un tiempo en el que las mujeres rara vez tenían control creativo o económico sobre su obra, Potter logró ambas cosas. Con un talento innegable para captar la esencia de la naturaleza y los animales, sus ilustraciones combinaban un detalle técnico impresionante

con narrativas tiernas y accesibles. Además de su éxito artístico, Potter fue una mujer de negocios astuta, que insistía en mantener los derechos de sus obras, algo poco común para su época. Con los ingresos generados por sus libros alcanzó independencia financiera e incluso adquirió tierras en el Distrito de los Lagos en Inglaterra, que más tarde donó para la conservación del medio ambiente. Esta visión pionera y su capacidad para integrar arte, negocios y ecología hicieron de Potter una figura revolucionaria. Su legado vive en sus libros y en las puertas que abrió para que las mujeres fueran reconocidas íntegramente como autoras e ilustradoras, marcando el camino para futuras generaciones de creadoras.

Por su parte, Mary Blair llevó su estilo vibrante y moderno a las animaciones de Disney, dando vida a clásicos como Alicia en el País de las Maravillas, Peter Pan y La Cenicienta. Conocida por su uso audaz del color y su enfoque experimental, Blair transformó la forma en que se concebía la animación durante su tiempo en los estudios Disney. Sus composiciones innovadoras, llenas de contrastes y colores saturados, rompieron con la estética más tradicional de la época, introduciendo una energía moderna que redefinió el estilo visual de las películas animadas. A pesar de trabajar en una industria dominada por hombres, su talento era imposible de ignorar, y el mismo Walt Disney reconoció su genio creativo, apoyándola en proyectos clave incluso cuando enfrentaba resistencia dentro del equipo.

Beatrix Potter no solo se dedicó a la escritura y la ilustración, sino también a la investigación de las ciencias naturales.

Además de los dibujos animados, Blair contribuyó a diseños icónicos como los murales de It's a Small

World, creados para la Feria Mundial de Nueva York de 1964 y luego integrados en los parques temáticos de Disney. Estas obras capturan no solo su estilo característico, sino también un mensaje de unión y esperanza que aún hoy resuena en públicos de todas las edades. Su influencia puede verse en la forma en que los colores y las formas simples pueden comunicar emociones complejas y crear mundos inolvidables. Blair demostró que la ilustración podía ser audaz, alegre y profundamente significativa, dejando un legado que sigue brillando en el arte y la cultura popular.

Por su lado, Tove Jansson, creadora de los entrañables Mumins, utilizó la ilustración para construir un universo que exploraba temas como la familia, la naturaleza y la identidad. Nacida en Finlandia, Jansson creció en un hogar artístico que influyó profundamente en su visión creativa. Los Mumins, con su apariencia tierna y sus historias cargadas de filosofía, se convirtieron en un fenómeno cultural que trasciende las categorías de la literatura infantil. A través de ellos, Jansson exploró cuestiones como la soledad, la aceptación y la diversidad, convirtiéndolos en un espejo de las complejidades humanas. Su obra demuestra que la ilustración no solo es entretenimiento, sino también una vía para reflexionar sobre el mundo que nos rodea.

En el caso de Rebecca Sugar, conocida por ser la creadora de Steven Universe, la ilustración se convierte en una herramienta de inclusión y representación. Siendo la primera mujer en crear una serie para Cartoon Network, Sugar rompió barreras en el mundo de la animación. Steven Universe es visualmente impresionante, con su estética pastel y diseños innovadores, pero además aborda temas complejos como el amor, la identidad y la diversidad de género. El trabajo de Sugar ha inspirado a una nueva generación de artistas y espectadores, demostrando que los dibujos animados pueden ser un espacio para conversaciones significativas y transformadoras. Ha probado que la ilustración puede ser un puente entre el arte y el activismo.

la Revolución islámica. Con un estilo en blanco y negro que enfatiza la fuer za de su narrativa, Satrapi nos lleva a través de una historia de pérdida, resistencia y autodescubrimiento. Su obra es una ventana a una realidad política y cultural que a menudo se malinterpreta o se pasa por alto, y su impacto ha sido global. Persépolis no solo cambió la forma en que el mundo ve a Irán, sino también la forma en que se entiende el poder de la novela gráfica como medio para contar historias profundas y personales. Reconocer a estas ilustradoras es entender que el arte no solo embe-

a artistas de todas partes del mundo. Desde su contexto y estilo único, cada una ha enriquecido el lenguaje visual con una voz propia, demostrando que el arte puede trascender las barreras del tiempo, la geografía y las expectativas sociales.

Al honrar sus trayectorias, también abrimos espacio para que futuras generaciones de mujeres continúen trazando historias que desafíen, con muevan y transformen. En manos de estas creadoras, la ilustración no es solo un arte visual; es una declaración

mundos interiores. En cada línea, en cada color, hay una promesa: la de seguir creando, conectando y transformando a través del arte.+

Ximena Hutton es estudiante de literatura latinoamericana. La lectura y sus implicaciones son su mayor pasión.

Mary Blair

Marjane Satrapi

RebeccaSugar

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Peter un

hombre con tres llaves doradas y un universo en sus manos

Peter Sís ha recibido el Premio Hans Christian Andersen, la Medalla Caldecott y seis veces el premio al Mejor Libro Ilustrado del New York Times Book Review, entre otros. Ningún otro ilustrador o ilustradora en el mundo ha tenido una carrera tan diversa y brillante como Peter Sís (Checoslovaquia, 1949). El niño que nació y creció bajo la Cortina de Hierro se convirtió en la brillante estrella de la ilustración que ha realizado libros emblemáticos como Madlenka, El muro y El coloquio de los pájaros. Creó uno de los carteles más emblemáticos del cine mundial, el de Amadeus (Milos Forman, 1984), y pintó un mural en un departamento de Central Park que pertenecía ni más ni menos que a Jackie Kennedy Onassis. Rodrigo Morlesin

Peter SiS

Ahora conversaremos con él sobre su más reciente obra. Se trata de In Praise of Mistery cuya traducción al español, Elogio al Misterio, se publicó simultáneamente. El texto es un poema escrito por la poeta estadounidense de origen mexicano Ada Limón y fue ilustrado por Sís. En este preciso instante, el poema se encuentra a bordo de la astronave Europa Clipper de la nasa en una aventura de 1.8 mil millones de millas a la luna de Júpiter llamada Europa.

Morlesin: La pregunta obvia es: ¿cómo sucedió? ¿Cómo te pidieron los editores que hicieras Elogio al misterio? ¿Ya conocías a Ada Limón? Sís: Yo no estaba ni enterado de la misión a Júpiter cuando me llamó mi editor y agente: “Hay un poema maravilloso que está viajando con la nasa en una nave espacial hacia el planeta Júpiter, más precisamente a una de sus lunas llamada Europa”. Esta mujer que es poeta laureada escribió el poema.

Ve la entrevista en mascultura.mx

hace cuatro o cinco años por encargo de la nasa. Y me dijo: “¿Te interesaría hacerlo? Pero no tenemos mucho tiempo porque la misión está en marcha en octubre de 2024. Solo tienes dos meses”. Y le dije que sonaba fantástico. Pero luego miré todo en el poema. El poema era hermoso, pero muy fantástico, muy caprichoso, y todo tenía que ver con el espacio. Y pensé que esto era muy difícil de hacer. Empecé a hacer muchos, muchos, muchos dibujos.

Cuando la conocí por primera vez (hace solo dos semanas), Ada dijo que la nasa la contactó porque estaban preparando una misión increíble y querían hacerla más accesible para los niños. Ella dijo que sí. Pero luego, cuando estaba pensando en lo que debía decir sobre las personas y los planetas, vio que era muy difícil. Escribió como 19 borradores. Y entonces se le ocurrió la idea de que no se trataría de lo que estaba sucediendo allí, sino de nosotros. Y a mí me pasó lo mismo: hice muchos, muchos, muchos bocetos.

Simon Boughton, el editor, no se lo mostró hasta después, y me ayudó mucho porque tenía tantas cosas que no sabía por dónde empezar. Y, sobre todo, me preocupaban todas estas fotografías de los satélites. Tienes fotos del espacio que son tan técnicamente perfectas que no podría competir con ellas. Así que se convirtió más en una especie de versión ingenua. Pensé que tenía que ser como si el poema fuera muy parecido al corazón y muy sincero. Y pensé que mis fotos tenían que ser artesanales, como cuando la gente crea algo con sus propias manos.

La nasa estuvo trabajando en esa misión durante 40 años; algunas personas trabajaron en esta nave espacial durante 40 años porque viajará durante seis años y llegará a Europa. Hay agua bajo la superficie de Europa y probablemente es más agua de la que tenemos en todos los océanos del planeta Tierra. Y ahora queremos saber si esa agua sería compatible con el agua de la Tierra. Y cuando contactaron a Ada, decidieron tomar su poema y grabarlo en una de las alas de la nave espacial. Así que si alguien de otra parte del cosmos lo descubre, verá cómo somos como personas.

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Ada narra una historia maravillosa que su abuela le contaba siempre, creo que era su abuela de México, y siempre le insistía en que escribiera con una letra bonita, como si tuviera una letra hermosa. Y lo escribió de su puño y letra en el cohete.

Ada es una maravillosa especie de dínamo de la mujer, muy enérgica y muy chispeante. Y la gente la ama. Así que muchos jóvenes se acercan a ella y le dicen: “Tus poemas me inspiraron”. Cuando le encargaron hacer este libro, querían que escribiera este poema oficial sobre nosotros, el pueblo. Y ella dice: “Es difícil decir ‘nosotros, el pueblo’, porque son las primeras palabras de la Constitución de los Estados Unidos de América. Pero yo soy latina. Soy mujer. A veces es difícil decir ‘nosotros, el pueblo’”. Y a mí me pasa lo mismo porque vengo de la República Checa y ahora vivo en Estados Unidos. No creen que yo sea uno de ellos, ¿sabes? Así que fue interesante que este libro fuera hecho por Ada, yo y el editor Simon Boughton, quien vino de Inglaterra. Así que pensé que esto era genial porque era como hablar por todas las personas de todo el mundo, ya que todos venimos de diferentes lugares. Y si otros extraterrestres descubrieran la nave espacial en Europa, dirían: “Oh, la gente del planeta Tierra, todos viven juntos en armonía”. Son todas las mismas personas. No tienen divisiones ni nada por el estilo. Este libro está lleno de esperanza. Esperanza, sí, porque eso es lo que necesitamos ahora. Después de todo lo que hemos pasado durante la pandemia y las guerras, y porque en cierto aspecto, parece que no hemos aprendido nada de todo eso.

Morlesin: Cuando llegaste a Estados Unidos y estabas buscando trabajo, te pasaron muchas cosas extrañas y divertidas que, de alguna manera, te ayudaron a tener suerte y te llevaron a ser la gran leyenda que eres hoy. ¿Tienes alguna historia que quieras compartir sobre esos tiempos difíciles que se volvieron divertidos o que ahora, con el tiempo, ves como increíbles?

Sís: Es increíble que ahora estoy tratando de hacer un libro sobre cómo me convertí en un autor de libros infantiles. Desde que vine a Estados Unidos, vine a Hollywood para hacer una película, tenía una visa por tres meses y conocía los nombres de las calles de Hollywood que aparecían en las historias de Raymond Chandler, porque estaba leyéndolas. Conocía los nombres de algunas estrellas de cine, pero no sabía quiénes eran, eso era todo lo que sabía de Estados Unidos. La película fue cancelada porque yo estaba trabajando en nombre de Checoslo-

vaquia y la Unión Soviética cuando la Unión Soviética y Europa del Este decidieron boicotear los Juegos Olímpicos. Recibí un cable en el que me decían que debía volver inmediatamente a Praga cuando todavía no había terminado la película. Así que dije: “La terminaré”. Pero no salió bien y yo seguía en Los Ángeles.

Tenía miedo de volver a Europa del Este por el castigo de no haber obedecido. Estaba tratando de hacer otra película, pero no pude encontrarla ni tampoco algún trabajo. Fue muy difícil porque lo único que podía hacer eran dibujos y no hablaba mucho inglés. Pero una bibliotecaria en Santa Mónica que se llamaba Josine me dijo: “Me gusta tu trabajo, tal vez podría encontrarte un trabajo como profesor”. Cuando volví, el teléfono estaba sonando y ella dijo: “Tienes una llamada de Maurice Sendak”. Yo conocía el nombre, pero no sabía que era uno de los autores estadounidenses más famosos ni que Josine le había enviado las muestras. Sendak me dijo: “¿Así que quieres hacer libros infantiles?”. Ni siquiera lo había pensado, pero le dije: “¡Claro!”, porque no tenía dinero. Y me dijo que tenía que ir a la costa este.

Conseguí dinero por el cartel que hice para la película Amadeus y compré un viejo Mustang. Ni siquiera tenía un mapa porque pensé que Nueva York estaba al otro lado. Me perdí en Texas. Vi a un soldado. Cuando bajé la ventanilla, le pregunté: “¿Hacia Nueva York?”. Me respondió: “¿Tienes papeles?”. Estaba en un problema; tuve que encontrar el documento en el que decía que estaba con permiso temporal. Al final llegué a Nueva York. Maurice Sendak simplemente dijo: “Puedo presentarte con algunas personas, pero tienes que cuidarte a ti mismo”.

Gracias a eso pude conocer a mucha gente y lograr hacer mi primer libro. El segundo libro que hice, Whipping Boy, obtuvo el premio Newbery, y poco a poco fui consiguiendo más y más trabajo para periódicos y revistas. Así que eso fue muy, muy afortunado. También hice un libro sobre Colón, que era mi héroe: Follow the Dream. Y entonces recibí una llamada telefónica de la señora Jacqueline Kennedy Onassis. Y pensé: “Wow, ¿dónde escuché este nombre antes? No puede ser la misma persona”. Me preguntó si podía ir a Doubleday. Llegué, me senté en el vestíbulo y luego ella vino hacia mí. Solo entonces vi que era la Sra. Onassis, a quien yo conocía de la televisión. Hicimos juntos un hermoso libro sobre Praga, The Three Golden Keys Morlesin: ¡Qué historia tan increíble!

Este comienzo y todos los personajes que aparecen en tu camino para hacerlo posible. Sís: Aún ahora me es muy difícil de explicar, incluso a mis hijos, pero a los 10 años de haber llegado a Estados Unidos, pensé que nunca podría regresar a casa porque estaba en una tierra completamente detrás de la Cortina de Hierro. Si volvía, me condenaban a dos años por haber salido del país sin permiso, ya que nadie podía salir sin autorización. Así que fue un cambio asombroso después de 1989, cuando cayó el muro y todo ese territorio quedó libre. De repente pude volver a Praga y mis libros se publicaron allí. Pero en ese momento ya tenía esposa estadounidense y dos hijos. Así que era muy difícil decidir.

Morlesin: Hace tiempo, estábamos comiendo en Nueva York, cuando fui a presentar Luna Ranchera, y me contaste la historia del cartel de Amadeus, me sorprendió porque me gusta mucho ese cartel. Pensé: “¿Quééé? ¿Tú lo hiciste?”.

Sís: Fue un póster aterrador porque para mí conectaba directamente Praga y América. Fue muy difícil porque Milos Forman era un director famoso, pero también se consideraba como un refugiado inmigrante. Así que cuando fue a Praga a hacer Amadeus, le dejaron hacerla porque dijo: “Te daré mucho dinero por rodar la película en Praga”. Para mí, era una esperanza de que algún día, si tenía suficiente dinero, me dejarían volver. Me llamaron y me pidieron que hiciera el cartel. Insistieron en incluir esta figura de Amadeus con Don Giovanni es ese contorno, la figura negra con las manos y el cielo rojo. Es muy aterrador. Siempre sentí que este era mi primer proyecto. Lo hice en Estados Unidos. Ese fue el cartel que me permitió comprar un carro viejo e ir a Nueva York cuando Maurice Sendak me dijo que fuera. Y así fue como me metí en el mundo de los libros.+

Rodrigo Morlesin (CDMX, 1972) es papá de una camada de perro literarios llamados Elvis, Luna y Ranchera.

¿y de qué Sirve un LiBro ujoS S?

Las ilustraciones dentro de un libro pueden causar intriga por saber qué sucedió en la historia para llegar a esa imagen.

La pregunta no es mía, es de Alicia, la famosísima niña que conoció el País de las Maravillas. Y la formula tan pronto como la primera página del libro de Lewis Carroll. ¡La primera!

a la vista la serie de clásicos ilustrados para niños de la editorial Selector con la que crecí. Con ellos dibujé en mi mente la primera imagen que tuve del Cid campeador, conocí el ojo único del cíclope Polifemo que combatió Odiseo, vi las largas uñas de Drácula, dimensioné el tamaño de Gulliver respecto a los liliputienses. Son dibujos a blanco y negro que, ahora que los miro nuevamente, me parece que tienen un mérito especial: mostrar la reacción de los personajes ante sus circunstancias. Veo en su cara sorpresa, curiosidad, intriga, malicia, paz, amor, ternura. Y pienso que aprender esa emotividad y sus manifestaciones más visibles son parte tan importante de la formación de un ser humano como las peripecias de los personajes que conoce.

Tengo a la vista también algunos ejemplares de la serie de la editorial Trillas que mi papá compró para mi hermano y para mí. Ahí conocimos a Sherlock Holmes y a los Tres Mosqueteros. Yo quedé prendado de Belleza , de Anna Sewell. Ahora que lo pienso, no recuerdo absolutamente

nada de su historia, pero estoy seguro que el amor hacia otros seres vivos que se respira en sus capítulos se filtró a mis pulmones. Hojeo también sus páginas, me encuentro con sus colores. En cada par de páginas llega a haber hasta seis ilustraciones. Me transporto a mi niñez y lo pienso mejor: qué entretenido era pasar páginas y páginas viendo los caballos blancos, bayos y azabache, los callejones empedrados, sus esbeltos jinetes, las tabernas donde brindaban, las mujeres con sus largos vestidos. Imaginar es una capacidad innata del ser humano, pero imaginar las palabras que el cerebro va descifrando es una habilidad que debe desarrollarse. Esas imágenes son clave en el crecimiento lector. Y pasa algo más todavía: cuando los lectores damos vuelta a la página, nos encontramos ya con una ilustración que nos adelanta en la historia. ¡Qué forma de causar intriga y obligarnos a leer más rápido para saber qué pasó en medio!

Así que no, esas imágenes son mucho más que simples “dibujitos”: son, primero, el trabajo de un artista; segundo, composiciones que agregan contenido a lo expresado por las palabras; tercero, mecanismos que desarrollan la imaginación y potencian la curiosidad.

Vayamos más allá, pues algunos libros que no están pensados específicamente para niños y jóvenes también tienen ilustraciones. De mi bisabuelo heredé los dos tomos de El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha con estampas grabadas por nadie menos que Gustave Doré. Tengo en mente una de las primeras que aparecen, en la que Don Quijote está sentado en un cómodo sillón: sostiene con la mano izquierda un libro y con la derecha agita su espada, todo mientras a su alrededor se agolpan caballeros, princesas, villanos y corceles. “Llenósele la fantasía de todo aquello que leía”, se lee debajo de la ilustración. ¡Qué manera tan extraordinaria de retratarnos lo dicho por Cervantes! De nuevo, no es simplemente pasar las palabras a algo visual, sino crear imágenes que expresen más de lo ya dicho por el texto.

Hay autores con mucha visión y desde que escriben el texto ya están pensando en los elementos gráficos que lo acompañarán. Antes de que Michael Ende terminara de escribir La historia sin fin, ya había tratado el asunto de la ilustración con su editor. Su primera edición tiene letras en diferentes colores e imágenes que acentúan que hay un libro dentro del libro que los lectores tenemos en nuestras manos. Incluso las letras capitulares —aquellas

con las que comienza cada capítulo— tienen un diseño único. Todo ello fue trabajo de la ilustradora y más tarde también escritora Roswitha Quadflieg. Mención aparte merecen los autores cuyos dedos tienen capacidad no solo para las letras sino también para los trazos. Hace algunos años, cuando fui a la librería para conseguir El principito, me llamó la atención que una de las ediciones que encontré anunciaba en grande: “Con las acuarelas del autor”. Creí que tales pinturas serían un agregado posterior de Antoine de Saint-Exupéry, pero me bastó leer las primeras páginas para entender que las acuarelas eran parte del libro original, que sin dibujos como el de la boa que se traga un elefante —y que los adultos confunden con un sombrero— el libro no sería el mismo.

Las acuarelas de El principito fueron hechas por su propio autor, Antoine de Saint-Exupéry.

descubierto algo nuevo de las imágenes que creó. Detalles en los que no había reparado, composiciones mucho más complejas de lo que parecen a simple vista, simbolismos que dan mayor significado a cada capítulo.

Verdaderamente pienso que los libros ilustrados son una joya. Y lo son doblemente si pensamos en lo mucho que esa característica aumenta los costos: no es nada barato pagar a un ilustrador y usar las tintas y el papel correctos para que las imágenes causen el efecto que buscan.

Así que yo estoy convencido de lo mismo que Alicia. Si bien hay libros extraordinarios sin un solo dibujo ni diálogo, los libros que sí los tienen ofre-

El propio Lewis Carroll —a quien mencionamos desde el inicio de este texto— tenía cierto talento para dibu jar. Su manuscrito de de Alicia en el País de las Maravillas incluía 27 ilustraciones, que, si bien no fueron publicadas en la primera edi ción, le sirvieron de base a John Ten niel, quien hizo cobrar vida a los per sonajes que darían la vuelta al mundo. Por mi parte, reconozco que mis capacidades gráficas son inversamente proporcionales a las literarias. Cuando en el proceso de edición de mis libros mi editor me pregunta si tengo alguna idea para la portada, siempre me arran co con una serie de propuestas que seguramente suenan —por decir lo me nos— extrañas. Más tarde, cuando me muestran el trabajo del ilustrador —que no tiene nada que ver con lo que sugerí—, me alegro de que no me hayan hecho caso.

Gracias a esas y otras experiencias, he tenido la opor tunidad de conversar con distintos ilustradores y asomarme a sus pro cesos creativos. He podido apreciar mejor cuando se proponen usar téc nicas tradicionales para preservarlas en esta era digital. He entendido su forma de crear, de llenar las lagunas del texto, de ofrecer toda una atmósfera al lector. Particularmente con una de mis novelas, me ha ocurrido algo singu lar. He compartido varias de las presenta ciones con su ilustrador y en cada una de ellas he

Elik. G. Troconis es historiador por la unam y maestro en escritura creativa por la Universidad Complutense de Madrid. Ganador del Premio Nacional de Literatura Fenal-Norma por su novela policiaca La joya robada

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MOMO (COLECCIÓN ALFAGUARA CLÁSICOS)

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DIARIO DE GREG 1 UN RENACUAJO

Jeff Kinney MOLINO

mi moLeSkine y yo

Moleskine es una de las marcas más reconocidas dentro del mundo de la ilustración. En este número, decidimos entrevistar a tres artistas que usan sus cuadernos:

Fher Val, Anita Mejía y Carlos Sallas

Anita Mejía nació en el puerto de Ensenada, Baja California, y allí creció rodeada de perros y con la cabeza llena de aventuras como las que leería más tarde en sus novelas favoritas. Comenzó a dibujar únicamente para expresar emociones y experiencias, aunque pronto esto se convertiría en su trabajo por veinte años. Durante la pandemia de 2019 se tomó un tiempo para explorar otras áreas de su trabajo como la pintura, y su gusto por la literatura la llevó a escribir. Influenciada por las novelas de aventura y picaresca, la literatura de viajes, la pintura expresionista, el folk art y la filosofía entre otras, Anita asegura que algunas de sus influencias más importantes son Iris Murdoch, Margaret Drabble, Jack London, Robert Louis Stevenson, Daniel Defoe, Max Beckman, Cocteau Twins y Terry Gilliam. Es la creadora de los personajes Mejía y sus gatos.

Lee+: ¿Qué te motivó a entrar al mundo de la ilustración?

Mejía: Al principio no tenía ni idea de que me iba a dedicar a esto. Siempre lo he visto más como un escape. Cogí una Moleskine y empecé a dibujar, dibujar y dibujar. De hecho, al principio hacía monos supersangrientos y superviolentos porque era un alivio emocional total. En ese momento, hace unos 20 años, era el boom de los blogs, así que abrí uno que se llamaba “chispas de chocolate y chocolate derretido”. Y ahí subí todas las imágenes. Luego empezó a hacerse muy popular ese blog y así fue como comencé a tener mi primer trabajo como ilustradora. Eso me llevó a tener otro trabajo como ilustradora y luego otro y otro.

Ahora mismo estoy buscando involucrarme más en los libros, siempre con los dibujos y la ilustración. Hace poco salió un libro que se llama El Alumbráculo Secreto, donde básicamente me enfoqué en todas las historias de aventuras que amo. No las leí de niña, las leí de adulta y me dejaron impresionada. Así que me inspiré un poco y creé mi propia aventura de una chica que es huérfana y gasta toda su herencia y todo el dinero de su padre para recorrer el mundo y termina en una catástrofe. Lee+: ¿Puedes enseñarnos un poco de tu trabajo con la Moleskine que trajiste?

Mejía: Mira, este es uno que acabo de terminar hace unos días. Como te dije, es puro agotamiento, no es para ningún trabajo en particular. Y es porque he estado muy ansiosa últimamente y esto es lo que estoy haciendo ahora mismo. Por ejemplo, esta calavera dice que está soñando porque he estado teniendo pesadillas horribles últimamente.

Este es un poco más complejo. Me encanta experimentar mucho con texturas, patrones, pero, si te fijas, hay cosas súper chulas y otras que son mucho más grotescas, por así decirlo. Tengo esas dos partes. Me inspiro mucho en el arte popular, el arte primitivo, el arte bruto, me fascina todo eso.

En general, no me importa usar corrector en los cuadernos, ninguno en particular, solo acrílico, gouache, lo que sea para las correcciones, y seguir dibujando. Es como aceptar un poco los errores, porque siempre surgen cosas más interesantes. Lee+: ¿Y crees que ahora es más fácil para una mujer ilustradora asumir un proyecto?

Mejía: Por supuesto que sí. De hecho, la mayoría de las historias que estoy escribiendo son sobre mujeres. Por ejemplo, la relación entre una mujer mayor y una morra, que somos mi abuela y yo, de la época en que viví con ella. Otra historia trata sobre mis experiencias de cómo viví la amistad entre mujeres cuando era adolescente. Es una historia súper dura, pero creo que es muy real porque existe la idea de que tenemos que apoyarnos, pero eso es realmente complicado cuando tienes la vida por delante. Cometes errores, a veces no reaccionas como deberías, hay broncas, envidias, lo que sea, sobre todo por la edad. Básicamente, este libro une esa idea de que todo está mal con la de que también puede ser bueno. Es genial que el arte cumpla con el objetivo de reconectar contigo, resolver, y también ayudar a tus lectores porque hay una relación muy buena con ellos.

Fher vaL

María Fernanda Valencia Velarde (Fher Val) es diseñadora gráfica de profesión, ilustradora de corazón y tatuadora por vocación. Su trabajo ha estado enfocado en líneas, texturas y formas orgánicas. Lo define como una búsqueda constante para plasmar sus propias experiencias y que las personas puedan identificarse con ellas.

La Libreta viajera y Proyecto Corazón son de sus sellos distintivos. Tanto en sus ilustraciones como en sus tatuajes, uno de sus objetivos es poder plasmar en distintos formatos y tamaños su obra, poder llegar a diversos públicos, así como apoyar y dar voz a movimientos que lo necesiten.

Lee+: Fher, queremos empezar preguntándote cómo comenzó tu carrera como ilustradora y qué te inspiró a meterte en el mundo de la ilustración.

Val: Creo que nunca he vivido sin dibujar. Pero, de manera profesional, la ilustración comenzó hace solo 12 años. Siempre me ha gustado dibujar. Y en mi carrera estaba estudiando Diseño gráfico, porque era lo más cercano a una carrera que había en ese entonces. Mi mamá me dio este consejo: que fuera de lo general a lo particular, que mejor estudiara algo más amplio y luego me especializara en ilustración. Yo quería en ese momento también hacer animación o algo

así. Y gracias a una oportunidad que tuve para ir a estudiar a Madrid con una beca, fui a una escuela de bellas artes. Desde entonces, empecé a llenar mi primer cuaderno con un dibujo cada día. O sea, no me iba a dormir sin haber terminado ese dibujo.

Lee+: ¿Y cómo definirías tu estilo o qué elementos clave están en tu proceso creativo?

Val: Defino mi estilo como monocromático. Me fascina todo lo que el blanco y negro puede ofrecer. Me encantan las texturas y disfruto mucho jugar con la naturaleza. Antes, solía dibujar animales. Luego empecé a crear criaturas fantásticas. Después, comencé con el proyecto Corazón en 2015 y me di cuenta de que había mucha riqueza en los detalles de la línea, en los trazos. Obviamente, mi línea gráfica me influyó mucho cuando empecé a tatuar en 2015. Desde ahí se trató de texturas, líneas, sombreados, puro monocromático.

Lee+: ¿Tienes alguno de tus cuadernos? ¿Puedes hablarnos de ellos?

Val: Hay diferentes cuadernos. Todos estos son cuadernos de viaje. Así es como empecé, y los subo a las redes sociales. Comencé en 2012. En ese año era más como un experimento de color. Texturas y cosas así. O sea, como en el fondo, pero siempre el personaje en negro, con texturas. Luego, para 2013 ya tenía estos personajes que eran animales y cosas más orgánicas de la naturaleza, pero aun así en alto contraste y todo con texturas. Es muy curioso porque mis ilustraciones hasta me funcionan como un diario. Recuerdo dónde estaba cuando dibujaba cada cosa.

En 2018 empecé a dar la vuelta al mundo y llevé el cuaderno. Todo lo que iba viendo se lo iba añadiendo. Por ejemplo, recuerdo que cuando vi el Guernica por primera vez, no se podía sacar fotos. Pero dije: “Bueno, no necesito tomarle fotos. Vamos a dibujarlo”. Y estuve ahí parada una hora y no podían decirme nada porque no estaba sacando fotos.

Lee+: ¿Y hoy en día sigues llevando tu cuaderno todos los días?

Val: Por supuesto. Sin un cuaderno me pongo un poco ansiosa, para ser honesta.

carLoS SaLLaS

Director, ilustrador, diseñador y fantasma en entrenamiento stop motion "La Canción del Lago"; y que junto al proyecto "San Misterio" han dado a conocer su trabajo consiguiendo premios y nominaciones en festivales nacionales e internacionales. Actualmente se dedica a crear proyectos originales y a dirigir series animadas en el estudio Ikartoons.

Lee+: ¿Cómo fue que empezaste a hacer estos dibujos?

Sallas: Bueno, la verdad es que ni siquiera lo sé. Nací así, como un chico malo. No sé si me caí cuando era pequeño. Pero la verdad es que no recuerdo un momento en el que no estuviera dibujando. Recuerdo que en el jardín de niños ya tenía un cuaderno donde dibujaba todo el tiempo, cualquier cosa, caricaturas y cosas así. Y desde entonces mi sueño se convirtió en vivir del dibujo y de hacer dibujos en vivo.

Lee+: ¿Y cómo se materializó el sueño?

Sallas: Tuve que convencer a mis padres para que me dejaran estudiar Diseño gráfico, que era lo que sentía que me ayudaría a seguir en este camino. Porque cuando empecé a estudiar en 2005, en la universidad no había muchas universidades con carreras de animación o ilustración. Y a partir de ahí, durante mi carrera, la ilustración siempre estuvo presente. Poco a poco me fui dando cuenta de lo que realmente quería hacer. Y nada más salir, mi primer trabajo fue como ilustrador para los libros de la SEP. Unos años

yectos originales y poco a poco empecé a desarrollar el mío.

Lee+: ¿Y cómo te fue?

Sallas: Empecé con una novela gráfica. La idea era hacer el proyecto más pequeño y bonito que pudiera, sin complicarme la vida, porque era mi primera novela gráfica, mi primer proyecto original. Era la primera vez que escribía algo, así que traté de no complicarlo. Es una novela gráfica que se llama La Canción del Lago, en blanco y negro, sin diálogos. Y resultó que gané el concurso para el que estaba haciendo la novela gráfica. Desde entonces no he parado de seguir adelante.

Lee+: Y de repente, un día, acabaste usando Moleskine. Sallas: Sí, sí, sí. Lo cual es todo un desafío.

Lee+: ¿Cómo te involucraste con Moleskine?

Sallas: Bueno, conocía la marca desde la universidad porque es una marca legendaria; es como un ícono del diseño y la ilustración. Recuerdo que cuando salí de la uni, después de trabajar unos seis meses, ahorré y me fui de viaje a Europa, y justo antes de regresar, en una estación de tren, vi algunas Moleskine que estaban a la venta. Compré una, pero no la usé durante como tres años, porque no quería deshacerme de ella.

Lee+: Oye, y esos monstruos raros que pintas en tus cuadernos, esas notas, cuando las miras más tarde, ¿qué encuentras?

Sallas: La forma en que veo el cuaderno ha evolucionado. Antes lo veía solo como una forma de practicar y generar proyectos, pero ahora, con el tiempo y un poco de madurez, lo veo como una especie de recordatorio de lo que he vivido. Entonces, cada uno de los dibujos que aparecen en los cuadernos, aunque no sean específicamente de algo que vi, cuando los veo, me acuerdo en qué momento de mi vida estaba, más o menos cómo me sentía, por lo que estaba pasando, qué era lo que despertaba esa idea. +

eL viaje de Lutecia:

una mirada al universo de Astérix desde los ojos de PhiLiPPe Fenech

El universo de Astérix es un legado cultural que ha cautivado a niños y adultos a lo largo de generaciones con sus aventuras cargadas de humor, amistad y referencias históricas. La llegada de nuevas obras inspiradas en este mundo, como El viaje de Lutecia, representa un puente entre el pasado y el presente que abre caminos a una nueva generación de lectores. Tuvimos la oportunidad de conversar con Philippe Fenech, el talentoso ilustrador que junto a Jean Bastide ha dado vida a esta historia y a las aventuras de Idéfix.

Victor Ruiz

con temas modernos y universales. ¿Cómo lograste esa autenticidad en las ilustraciones?

En esta charla, exploramos las motivaciones y los desafíos de Fenech al ilustrar este universo icónico, su proceso creativo y los consejos que tiene para los aspirantes a ilustradores que sueñan con dejar su marca en el mundo del cómic.

Lee+: Para comenzar, hablemos de El viaje de Lutecia. ¿Qué te inspiró a darle vida visual a los personajes y al mundo de esta obra?

Fenech: La inspiración es muy sencilla: el universo de Astérix, creado por Albert Uderzo y René Goscinny. Fueron las ediciones de Albert y René las que vinieron a buscarme a mí y a Jean Bastide para hacer las aventuras de Idéfix. Todo está en las páginas de Astérix. Jean y yo solo estamos aquí para transmitir un poco de ese universo, tomando inspiración de lo que ya se ha hecho. Llevo haciendo la investigación desde que era muy joven, porque leía y releía a Astérix desde los 6 años. La investigación está ahí de antemano. Cuando tengo dudas, abro un álbum de Astérix. Albert Uderzo ya ha dibujado lo que necesito.

Lee+: El viaje de Lutecia posee una riqueza histórica que evoca las antiguas Galias y Roma, pero también conecta

Fenech: La base está en los álbumes de Astérix, pero también en la experiencia acumulada desde mi infancia. He estado inmerso en este universo desde niño. Cuando necesito expresar algo específico, siempre hay una caricatura o ilustración de Astérix que me inspira. Una de las escenas más difíciles de ilustrar fue una carrera de carretas con caballos. Había tantas patas que dibujar que creo que fue el mayor desafío en ese cómic, pero también uno de los más emocionantes.

Lee+: El viaje de Lutecia también nos lleva a explorar la personalidad de Idéfix, un personaje entrañable que se distingue de Astérix y Obélix.

Fenech: Trabajamos de la mano con el guionista Mathieu Choquet y la editora Céleste Surrug para definir qué contar en esta historia de 44 páginas. Aunque Idéfix comparte ciertas características con Astérix, como la inteligencia y una mirada curiosa sobre el mundo, tuvimos que desarrollar más su personalidad para hacerlo auténtico. Cuando dibujo a Idéfix, trato de darle las expresiones que Astérix tiene en sus álbumes: una ceja un poco levantada, una sonrisita en la esquina… Idéfix es, en esencia, el Astérix de sus propias aventuras.

Lee+: Idéfix y el druida es una serie que busca conectar especialmente con los lectores más jóvenes, ¿no es así?

Fenech: Sí. Las historias son más cortas y fáciles de seguir. Aunque los gráficos buscan mantenerse fieles al estilo de Astérix, la narración es más sencilla. Pero también incluimos situaciones

que solo los adultos pueden entender, logrando diferentes niveles de lectura. Creo que estas historias atraviesan generaciones porque tratan temas universales como la amistad, la cual está presente en las relaciones entre los aldeanos y, por supuesto, entre Astérix, Obélix e Idéfix. Esa esencia hace que todos puedan identificarse sin importar la edad.

Lee+: Para terminar nuestra conversación, ¿tienes algún consejo para los ilustradores en potencia que sueñan con trabajar en cómics?

Fenech: Nunca dejes de dibujar. Es un trabajo complicado porque hay mucha competencia, pero nunca te rindas. Aunque fracases, sigue intentándolo. Cuanto más lo desees, más lo lograrás.

Lee+: ¿Hay algo que quieras agregar antes de terminar esta entrevista?

Fenech: Si te gusta el humor, los perros y el mundo del cómic, te encantarán las aventuras de Idéfix. Estoy muy feliz de presentar estos libros aquí en México. Espero que los disfruten tanto como yo disfruté creándolos.

El viaje de Lutecia no solo es un homenaje al legado de Astérix, sino también un ejemplo de cómo la creatividad y la pasión pueden dar nueva vida a historias clásicas. Gracias al trabajo de Philippe y su equipo, este universo sigue inspirando a lectores de todas las edades, recordándonos que la amistad y el humor son lenguajes universales que trascienden el tiempo. Si algo queda claro de esta entrevista, es que el espíritu de Astérix y Obélix está más vivo que nunca, ahora con un nuevo protagonista que promete muchas más aventuras.+

cLaudia novaro y armando Fon una historia

1. Señas de identidad

Novaro: Durante los últimos 12 o 15 años he estado escribiendo, aunque mi vida como lectora es más lejana. En mi casa nunca faltaron los libros y las historias. Yo tenía todo el tiempo del mundo para adentrarme en ellas. Esa fue la semilla que floreció cuando me sumé a dos talleres que marcaron mi rumbo: el primero estaba dedicado al análisis de los cuentos clásicos, mientras que el segundo era de creación literaria para niños. Así fue como todo comenzó. Cuando terminé de trabajar con De papel, conocí a Regina Olivares, y junto con ella me enamoré del trabajo de Armando.

Fonseca: Mi camino es distinto. Yo estudié filosofía, pero nunca dejé de dibujar ni de leer. Creo que el origen de este libro está vinculado con el gusto por la lectura. Hace tiempo tuve un profesor que decía que un ilustrador tiene la obligación de ser un buen lector. Sin embargo, con el paso de los años descubrí que —además de los libros— los buenos lectores deben ejercer su oficio en todos los lugares: ellos son capaces

de papel a dos

voces

De papel, el libro de Claudia Novaro y Armando Fonseca, se revela como una obra donde las palabras y la ilustración se entretejen para narrar la historia melancólica que fue finalista en el Premio Internacional Compostela de Álbum Ilustrado. Ade De papel pone sobre la mesa un asunto crucial: en sus páginas, la literatura infantil y las imágenes también tienen como destinatarios a las personas que se alejaron de sus primeros años y son capaces de rendirse ante la belleza y la anécdota que las obligan a repensarse como humanos. ¿Quiénes son Claudia y Armando? ¿Cómo fue el proceso de creación de este libro? Y, por supuesto, ¿de qué manera lograron entrelazarse?

Yara Vidal

de descifrar los gestos de las personas y tienen la virtud de desentrañar los secretos que se ocultan en los hechos cotidianos. De papel está hecho con todas estas lecturas.

2. La historia de las personas está marcada en su cuerpo

Fonseca: Creo que la vida se revela como una serie de capas. Cuando miras la superficie de las personas —estoy pensando en su piel, en sus gestos, en sus actitudes, tan solo por mencionar tres posibilidades—, descubres que está compuesta por muchas experiencias, por lo que han tenido que vivir. En efecto, no es solo la superficie ni solo el fondo; es un conjunto de lo brillante y lo opaco, de lo feliz y lo doloroso. En este sentido, el hecho de que el personaje del libro sea de papel me permitió explorar todos esos acontecimientos como la escritura y los dobleces que marcan su cuerpo.

Novaro: Efectivamente, en este caso estamos hablando de la materialidad del personaje. Es un chico que reparte periódicos y escribe cosas en su cuerpo, cosas que son la memoria que se queda grabada de alguna manera. Todo lo que está en nuestro cuerpo tiene huellas de lo que fuimos y, al mismo tiempo, nos da fuerza para ser lo que podemos ser. En nuestra piel no solo está escrito el pasado: en ella también pueden leerse las posibilidades de nuevos caminos. Por esta razón, en De papel también hablamos de cómo las personas pueden borrar su pasado y reescribirlo de alguna manera, de cómo podemos transformar las

diferente, De papel se convirtió en lo que tenía que ser.+

Novedad

Kalandraka

Benito taiBo: la pluma y la marmita

Benito Taibo es uno de los escritores más queridos de la literatura mexicana con temporánea. Periodista y entusiasta promotor de la lectura entre los jóvenes, inició su camino en la literatura como poeta; sin embargo, a partir de 2010 ha publicado alrededor de once novelas. En esta entrevista, Taibo nos comparte detalles sobre Cuchara y memoria (2024), las anécdotas que inspiraron sus páginas y su perspectiva sobre el papel que juega la comida en la construc ción propia.

José Luis Trueba Lara y Victor Ruiz

Lee+: En tus libros, la cocina y la mesa tienen un papel muy importante. Esto pasa en Cuatro veranos, y es el eje de Cuchara y memoria. He escuchado varias veces que la mesa de los Taibo, tu familia, siempre estaba llena de invitados, y que en ella se multiplicaban los peces y los panes. Cuéntame: ¿de qué manera te marcaron esos hechos?

Taibo: Me marcaron absolutamente. Siempre fue una mesa abierta, larga, generosa y maravillosa, donde la comida solo era un pretexto para el amor, la solidaridad, contar historias, sentirnos cerca unos de otros, era la posibilidad de la otredad y de mirarnos a nosotros mismos a través del reflejo de la mirada de otros. En esa mesa pasó toda la inteligencia iberoamericana e internacional del siglo xx, de la que disfruté enormemente y aprendí un montón de cosas. Estuvieron sentados Juan Rulfo, Carlos Fuentes, Carlos Monsiváis, José Emilio Pacheco, María Luisa Puga, Mónica Lavín, Rosa Beltrán, todas las grandes escritoras mexicanas. Bueno, yo comía y aprendía, me divertía y evocábamos. Comer es un acto civilizatorio, un acto de relación, de amor, de confianza y de cariño. Los seres humanos nos signamos, por eso somos el único animal que se reúne; mejor dicho, que se junta para comer y hablar. Hay otros animales que se reúnen para comer, como los leones, pero hay una diferencia enorme entre alimentarse y comer. Alimentarse lo puede hacer cualquier animal. El ser humano come y va transmitiendo emociones y mensajes, contando historias, creando universos alrededor de lo que sucede, mientras los sabores y las especias van pasando por tu paladar y tu boca.

Lee+: Tu padre es el autor de un libro definitivo sobre el mole. Me pregunto: ¿cómo te definieron estas comidas como persona y además cómo marcaron tu literatura?

Taibo: Sin lugar a dudas, marcaron mi vida y generaron en mí una edu cación sentimental. Siempre digo que la educación sentimental es mucho más importante para mí que la educación formal, porque es la que genera em patía con los otros. En esa mesa, oí a los mejores poetas de muchas genera ciones hablar y hacer poesía mientras hablaban. José Emilio Pacheco era capaz de comerse tres platos de fabada, ante el asombro de todos los comensales, y era francamente maravilloso. La comida, insisto, era un pretexto, pero era el mejor de los pretextos para entablar esas conexiones humanas, literarias, sentimentales, cinéfilas, melómanas. Sobre todo aquello que nos hacía ser quienes somos: seres humanos.

Lee+: Seguramente estás de acuerdo conmigo en que cocinar y compartir la mesa son actos llenos de amor y fraternidad. ¿Cómo ves la comida de las personas cuyo trabajo apenas les permite sentarse en un fast food?

Taibo: Lamento enormemente que suceda eso. Hay personas que tienen que comer rápido, prácticamente alimentarse, y sin embargo, a pesar de eso, lo disfrutan. No se comen cualquier cosa, van y buscan lo que les satisface, lo que les evoca, lo que les hace sentir en la boca el recuerdo de sus abuelos, sus tíos, su familia, de todo lo bueno que hay en la vida. Sin duda, comer es ese acto magnífico en el cual nos volvemos cada vez más humanos.

Lee+: Si uno está acostumbrado a comer con su familia o acompañado, cuando le toca comer solo lo extraña, ¿no?

Taibo: Yo no sé cocinar para mí mismo. Cada vez que cocino, cocino por lo menos para cinco personas, aunque esté solo. Y esto lo aprendí de mi madre, por si llega cualquiera. Creo que dar de comer a otros es el máximo acto de solidaridad que puede haber.

Lee+: Cuando las personas se adentran en Cuchara y memoria, no tienen más remedio que sorprenderse. Sus textos a veces están acompañados de una receta y en otras de un poema. En unos textos la realidad se hace presente y en otros tengo la impresión de que la imaginación los domina. ¿Por qué razón escribiste un texto con tantos ingredientes y tantas variantes como el mole?

Taibo: Porque la literatura, el cine y la música son parte inherente de nuestra educación civilizatoria. Están íntimamente ligadas a la comida. Insisto, es el triunfo de la memoria sobre la muerte.+

Explorando la identidad y el amor queer: una conversación con Becky aLBertaLLi sobre Imogen y Tessa

Con una narrativa fresca y profunda, Becky Albertalli, autora de Simon vs. The Homo Agenda, nos presenta Obviamente, Imogen, una historia sobre el autodescubrimiento, el amor queer y la búsqueda de identidad. En esta entrevista, Becky revela los secretos detrás de su proceso creativo, la forma en que la inspiración para el personaje de Imogen surgió de sus propias experiencias y el motivo por el que le resultaba importante abordar temas como la inseguridad al salir del armario y la bifobia interiorizada. Con su característico estilo empático y honesto, Albertalli nos invita a reflexionar sobre las complejidades de encontrar un lugar dentro de la comunidad queer y la importancia de las conexiones genuinas que nos ayudan a abrazar nuestra verdadera identidad.

Ximena Hutton

Lee+: El viaje de autodescubrimiento de Imogen es un tema clave en el libro. ¿Cómo abordaste la creación de un personaje bisexual cuya historia de salida del clóset se desvía de la narrativa típica que a menudo vemos en los medios?

un tema importante que quería visibilizar porque es algo que muchas personas bisexuales enfrentan.

“Fue muy interesante explorar este proceso, sumergirme en los pequeños razonamientos y la lógica que creaba en mi cabeza.”

Albertalli: Con Imogen, diría que me inspiré mucho en mis propias experiencias, cuestionándome y sintiéndome insegura sobre mi sexualidad durante mucho tiempo. Este libro es especialmente personal para mí, ya que, al igual que Imogen, durante años pensé que era una mujer heterosexual y me veía como una aliada increíble, incluso retrospectivamente, como una aliada muy buena. Sin embargo, mirando hacia atrás, era algo obvio, y ese fue también el origen del título. Fue muy interesante explorar este proceso, sumergirme en los pequeños razonamientos y la lógica que creaba en mi cabeza, cuando en realidad la respuesta era mucho más simple de lo que yo misma compliqué a lo largo de años. Además, el libro aborda la bifobia interiorizada que Imogen experimenta,

Lee+: ¿Por qué crees que es importante incluir este aspecto de la bisexualidad y cómo crees que resuena en los lectores? Albertalli: La bifobia interiorizada es algo que estuvo muy presente en mi vida y que me impidió comprender mi identidad durante mucho tiempo. Es difícil no interiorizar ciertas conversaciones que son tan comunes, incluso dentro de la comunidad queer, donde a menudo se cuestiona a las personas bisexuales, preguntándose si realmente son queer, si lo hacen por atención o si están experimentando. Esas preguntas se metieron en mi cabeza, haciéndome dudar de mí misma y preguntándome si acaso estaba inventándome esto en mi mente. Sé que esta es una experiencia común entre muchas personas bisexuales, pansexuales y queer en general, y que esos pensamientos y sentimientos pueden ser tan intensos que, basándote en las percepciones de los demás, casi te convences de que no deberías sentir lo que sientes. Es un proceso complicado porque te lleva a cuestionar tus propios sentimientos y

“Es un proceso complicado porque te lleva a cuestionar tus propios sentimientos y pensamientos, y eso puede detenerte de entender quién eres realmente.”

pensamientos, y eso puede detenerte de entender quién eres realmente.

Lee+: Imogen lucha con la sensación de no ser “lo suficientemente queer”. ¿Por qué quisiste explorar este sentimiento de síndrome del impostor dentro de la comunidad queer? ¿Crees que es algo que necesita más atención en las narrativas LGBTQ+?

Albertalli: El síndrome del impostor fue una gran parte de mi experiencia, y aunque no es algo universal, creo que es bastante común, especialmente entre las mujeres bisexuales. Muchas de nosotras enfrentamos esta sensación de navegar por las etiquetas, salir del armario y encontrar nuestro lugar dentro de la comunidad queer Para mí, gran parte de la tensión con mi etiqueta y mi proceso de salir del armario provino de dentro de la comunidad queer, lo cual es diferente de otras narrativas, como la de Love, Simon, donde el conflicto principal viene de un antagonista externo. En el caso de Imogen, ella toca cuidadosamente la puerta de una comunidad en la que ha estado al margen durante toda su vida y a menudo siente que no es bienvenida. Este sentimiento de exclusión es muy común y ha sido una experiencia compartida por muchas personas bisexuales que conozco. Por eso sentí que era importante explorar este tema, tanto para Imogen como para mí, porque refleja las preguntas y tensiones que muchas personas enfrentan al tratar de encontrar su lugar en una comunidad a la que ya pertenecen, pero de la que a veces sienten que están fuera.

Lee+: La relación entre Imogen y Tessa es uno de los puntos clave del

libro. ¿Qué esperas que los lectores se lleven de su conexión, especialmente aquellos que podrían estar experimentando su primer enamoramiento queer?

Albertalli: Quería explorar las tensiones que enfrenta Imogen al salir del armario, pero no quería que esas dificultades provinieran de Tessa. Era importante para mí que su relación no estuviera nublada por dudas como “¿Estás experimentando?” o “¿Puedo confiar en ti?”. Tessa entiende implícitamente que Imogen es queer, sin cuestionarla ni dudar de su autenticidad, y eso fue crucial al desarrollar su personaje y la dinámica entre ellas. Me divertí mucho describiendo a Tessa porque su mente caótica, influida por mi propio TDAH, la convierte en un contraste divertido con Imogen. Mientras Imogen lucha con su identidad, Tessa está completamente segura de la suya: entendió que era lesbiana desde muy joven, salió del armario hace tiempo y no tiene las mismas ansiedades. Esto la posiciona como una fuerza de apoyo y conexión a tierra para Imogen, ayudándola a abrazar su etiqueta y encontrar su lugar en la comunidad queer. Quería que Tessa fuera una presencia sólida que nunca hiciera sentir a Imogen que solo estaba probando cosas, sino que la apoyara con total confianza y comprensión.+

El Gato que enseña el Zen

James Norbury nos sorprende una vez más. Después de su libro Gran Panda y Pequeño Dragón, ahora nos presenta El gato que enseña Zen. Mediante sus palabras e imágenes, nos adentraremos a una visión del mundo muy distinta, más reposada y consciente.

La lluvia caía de los tejados y borboteaba en las alcantarillas. Los habitantes de la ciudad se encorvaban para hacer frente al agua y se apresuraban de regreso a sus casas.

El Gato los observaba.

Pero esta historia no es sobre personas.

Esta historia es acerca de un Gato.

Y en esta fría noche de otoño, se está resguardando de la lluvia con su muy buena amiga, la Rata.

Al cabo de un rato, se volvió hacia la Rata y le dijo:

–Llevo muchos años buscando pero todavía hay muchas cosas que no comprendo.

–¿Y qué es lo que estás buscando? –preguntó la Rata.

El Gato suspiró.

–Ojalá lo supiera. ¿Paz?

¿Aceptación?

Tal vez una forma de darle sentido al mundo... –Nada muy difícil, entonces –dijo la Rata, con una sonrisa bondadosa–.

Pero tal vez te puedo ayudar. He oído que lejos de aquí, en lo profundo del bosque de arces que envuelve al valle, hay un solitario pino anciano.

Y quien se siente entre sus ramas logrará un estado de paz y comprensión inigualable.

nueStraS FraSeS FavoritaS

Todos conocemos el espléndido momento en que vamos leyendo una página y, de pronto, como un tesoro enterrado entre la arena, queda ante nuestro ojos una frase que nos golpea. Por mucha que sea la emoción de la narración, nos vemos obligados a detenernos, releerla y destacarla. Algunos preferirán subrayarla sobre el libro; otros, escribirla en algún cuaderno de notas. Sea una u otra, esas palabras quedarán en nuestra memoria literaria. Tiempo después, tan solo con leer esa línea, vendrán a nuestra mente los recuerdos del libro entero.

Por lo especiales que pueden ser las frases para los amantes de los libros, en Lee+ hemos creado esta sección. En enero invitamos a nuestros lectores a proponer frases y aquí está la selección de este mes, dedicado al amor por el 14 de febrero. ¡Gracias a todos los lectores que compartieron sus frases con nosotros!

“Amar, Calista, no solo es amar cuando todo está bien. Es amar para lo peor también y permanecer juntos cuando hay dificultades que afrontar. Es amar al otro a pesar de sus defectos, contra viento y marea.”

Obra: Corazón Criollo

Autora: Tania Koster

Lectora: Marina Vázquez Segura

“Baste ya de rigores, mi bien, baste; no te atormenten más celos tiranos ni el vil recelo tu quietud contraste

con sombras necias, con indicios vanos, pues ya en líquido humor viste y tocaste mi corazón deshecho entre tus manos.”

Obra: Obras completas

Autora: Sor Juana Inés de la Cruz

Lector: Noé Soria

“El amor puede surgir de una sola metáfora.”

Obra: La insoportable levedad del ser

Autor: Milan Kundera

Lector: Gerardo Padrón Ortiz

“Nos abrazamos mientras pensaba en cuántas noches había permanecido tendido despierto en aquella estancia, amándolo en silencio.”

“Me bastaba un simple roce o su olor para identificarlo, y, si me quedara ciego, lo reconocería por su modo de respirar o pisar el suelo. Lo reconocería incluso en la muerte, en los confines del mundo.”

Obra: La canción de Aquiles

Autora: Madeline Miller

Lectora: María del Rosario Neri Mejía

“Solo con el corazón se puede ver bien; lo esencial es invisible para los ojos.”

Obra: El principito

Autor: Antoine de Saint-Exupéry

Lectora: Ruth Cecilia Salguero Rossainzz

“Era otra despedida, como muchas, como siempre. Habían vivido la vida despidiéndose.”

Obra: Suele suceder

Autora: Valeria Cornu

¡Tú también puedes participar! Las frases del mes de marzo estarán dedicadas a la mujer, en honor al 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer. Estas son las instrucciones:

1. Selecciona una frase relacionada con la mujer.

2. Anótala junto con el título del libro en el que aparece y el nombre de su autor.

3. Adjunta una foto de la página del libro en la que aparece la frase.

4. Incluye tu nombre en el cuerpo del correo.

5. Escribe “Día de la mujer” en el asunto del correo.

6. Envía el mensaje a la dirección editorial@revistaleemas.mx.

�� Tienes hasta el martes 11 de febrero para realizar tu envío.

¡Las mejores frases serán publicadas en el número de marzo!

Desconfinadxs: poesía para leer en Gandhi

aLí caLderón: El habla borrada de los ausentes

Me adelanto a decir que uno de los aspectos más problemáticos en la literatura y sobre todo en la poesía es separarse del prejuicio del yo lírico; es decir, entender que aquella voz que habla en primera persona en un texto no es necesariamente la persona del autor. De hecho, la voz que escribe no es nunca exactamente la misma que este. La persona que escribe es una ficción, un personaje que sirve para decir lo que verdaderamente necesita decir el autor. Dicho personaje se presenta —o cree ser o pretende ser en muchos casos— como la misma persona que el autor, pero no lo es. Esta convención es más o menos pre-entendida o aceptada cuando leemos una novela o una obra dramática, pero no es tan evidente cuando se trata de un libro de poesía. Es más, este género arrastra el supuesto de que, por defecto, la voz que enuncia siempre es una y es la misma que la del autor. Por esto considero de relevante interés que un libro de poesía se salga deliberadamente de los márgenes de tal convención y proponga abiertamente lo que podría llamarse una “multidimensionalidad discursiva”.

Jorge Fernández Granados

A partir de un episodio de la Conquista de México, acontecido hacia 1520 en el Altiplano de Anáhuac, en el cual un grupo de soldados españoles fue apresado y sacrificado por guerreros mexicas, el libro El sin ventura Juan de Yuste (Círculo de Poesía, México, 2023) de Alí Calderón evoca un discurso poético sumamente original. En él se entrecruzan principalmente las voces de Juan de Yuste, uno de los soldados sacrificados en aquel episodio, y Blas Botello de Puerto Plata, un hidalgo del contingente de conquistadores que, a decir de las crónicas, leía los astros y adivinaba el porvenir.

No obstante, este episodio de la historia únicamente es el pretexto, el punto de partida o de inserción en un tiempo y un espacio específicos para discurrir, a partir de allí, a través de una proliferación de voces imaginarias. Tales voces no solo actúan, relatan y se entrecruzan en el discurso, sino que literalmente toman la palabra y resultan entidades verbales en cierto modo autógenas, introyectadas por el poeta y gramaticalmente libérrimas, las cuales sostienen de principio a fin este libro. No es posible afirmar, sin embargo, que tal multidiversidad discursiva sea únicamente una remoción de léxicos arcaizantes, ni que se trate de una recreación de corte histórico, como las que en la narrativa se han edificado para dotar de verosimilitud a un relato. No, aquí hay algo a la vez cercano y lejano de la más o menos aceptada “reconstrucción” histórica. Aquí se trata de extremar la originalidad de un habla literalmente hasta el delirio: delirar un tiempo y un discurso paralelo. En cierta forma, supongo que estas fablas son deliberadamente extremadas e imposibles. Si bien su correlato es por momentos una saturación de vocabulario más que de sentido, lo que sostiene el

texto es precisamente la desmesurada potencia de su evocación.

Queda claro que este libro es un desafío. Su léxico, su sintaxis y su estructura propone un guiño al hermeneuta y en él hay, sin duda, un festín para el lexicólogo. ¿Sus antecedentes, sus influencias? Muchísimas. Supongo que en el origen están las crónicas y testimonios dejados por los conquistadores españoles, como Bernal Díaz del Castillo, Francisco de Aguilar o Álvar Núñez Cabeza de Vaca; asimismo, en la estructura y simultaneidad del discurso, los ecos de buena parte de las vanguardias y antipoéticas surgidas en el siglo xx, las estrategias de reapropiación verbal de la Language Poetry norteamericana y los desbordamientos descriptivos del Neobarroco latinoamericano

El mismo Alí Calderón ha dejado claro en una entrevista cuáles fueron sus inmediatas influencias para el caso: Ernesto Cardenal, Antonio Cisneros, Néstor Perlongher, Tulio Mora, José Antonio Mazzotti, Osman Alzawihiri, María Belén Milla, los poetas del grupo peruano Hora Zero… En fin, también allí resume por qué, quizás, es importante esta apuesta inusual y esta perspectiva diferente: “En mi libro quiero mostrar el punto de vista de los derrotados. Conquistadores sacrificados, caídos en batalla, soldados de a pie. En El sin ventura Juan de Yuste quiero contar la derrota del ego conquiro que es el origen del orden colonial y el dominio contemporáneo del criollo y el burgués”.

A manera de una contracrónica de la historia asentada por los vencedores (en la cual los vencidos son dotados de palabra) y en un, tal vez delirante, sueño paralelo de la historia, Alí Calderón propone en este libro, ganador del Premio Iberoamericano de Poesía Carlos Pellicer 2023, una resistencia estética. Obra que abre, sin duda, o recupera los más propositivos territorios abiertos para la actual poesía mexicana.+

Jorge Fernández Granados es poeta y ensayista. Con Lo innumerable obtuvo el Premio Nacional de Literatura