Lee+ 190 Marzo. Cómo ser una mujer renacentista

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Gracias a ustedes, Lee+ celebra 16 años de ser un espacio donde las letras hallan su hogar, un refugio para quienes buscan historias que inspiren, cuestionen y transformen su mundo. Este aniversario nos brinda la oportunidad de reflexionar sobre un desafío que nos apasiona: rendir homenaje a las artistas y creadoras silenciadas por la historia. Decidimos sumar nuestra mirada con la de mujeres renacentistas que lucharon por conquistar su lugar en el mundo y en cuyos hombros estamos paradas hoy. El trabajo de las mujeres relegadas y las reflexiones en torno a esto apenas están dando frutos en el ámbito cultural. Gracias al trabajo de creadoras y académicas alrededor del mundo, logramos conocer un poco más de ellas y de su papel a lo largo de la historia. De la mano de las historiadoras del arte británicas Jill Burke y Katy Hessel, abordamos los problemas del feminismo en el arte, desde las luchas por ser reconocidas como creadoras hasta los debates contemporáneos dentro del propio movimiento feminista. Les invitamos a descubrir esta exploración en la que Aura R. Cruz Aburto reflexiona sobre las pintoras que rompieron el canon, y de la mano de la poeta y ensayista Claudia Posadas entablamos un diálogo con la primera escritora que logró su habitación propia: Christine de Pizan, a quien podemos ver también en el póster creado por la escritora e ilustradora Anita Mejía junto con Juana de Arco y Sofonisba Anguissola entrando en la "Nueva Ciudad de las Mujeres", simbolizando el poder intelectual, la valentía y la creatividad femenina. Tuvimos la oportunidad de hablar sobre la querella de Venus, quien viste de gala en nuestra portada; esta pieza remite al movimiento histórico que comenzó de Pizan, La querella de las mujeres, que repercutió posteriormente en el pensamiento y obra de las intelectuales renacentistas conocidas como Las muchachas cultas o Puellae Doctae, de entre las que destaca Sor Juana Inés de la Cruz, nuestra Puellae Doctae en América Latina. Venus nos enfrenta al mito de la belleza y sus cargas, guiándonos en este número a indagar sobre la relación entre belleza y poder y cómo sus aportes literarios desafiaron la feminidad del Renacimiento. Las historiadoras Lizbeth Bolaños y Rosario Neri que integran el proyecto Hijas de Clío, dedicado a la divulgación histórica con perspectiva de género, colaboran en este número con un texto sobre el amor cortés. En este mes se conmemoran 450 años del nacimiento de uno de los artistas plásticos más célebres de todos los tiempos, Miguel Ángel Buonarroti; Sergio Péraza nos cuenta sobre un encuentro fortuito en eua con el gran artista renacentista. Festejamos este aniversario con charlas y cursos durante el 2025, porque nuestro compromiso es encontrarnos dentro de la historia de otros, y en este caso de otras escritoras. Los invitamos este 20 de marzo, a las 19:00 horas, al Foro Expresarte de nuestra tienda en Miguel Ángel de Quevedo sobre Las mujeres del Renacimiento: un espacio para descubrir y reconocer el papel fundamental de las creadoras, pensadoras y artistas que marcaron esta época en la que claramente se sembró la chispa que daría luz a grandes artistas de nuestro tiempo. También podrás seguir la charla desde nuestro canal de Youtube.

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Gracias por ser parte de estos 16 años; esperamos seguir leyendo y redescubriendo contigo un mundo donde lo mejor de la cultura está al alcance de todos+

Yara Vidal

Directora general

Revista Lee+ de Librerías Gandhi

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Portada:

Editor responsable: Yara Beatriz Sánchez De La Barquera Vidal, Distribución: Librerías Gandhi, S.A. de C.V., Dirección: Calle Comunal No.7, Col. Agricola Chimalistac, C.P. 01050, Alcaldía Álvaro Obregón CDMX. Número de Reserva al Título ante el Instituto Nacional del Derecho de Autor: 04-2009-051820092500-102. Certificado de Licitud de Título No. 14505 y Certificado de Licitud de Contenido No. 12078 expedidos en la Comisión Calificadora de Publicaciones y Revistas Ilustradas de la Secretaría de Gobernación. Registro Postal EN TRÁMITE. Preprensa e impresión: Fotolitográfica Argo, Bolivar 838, Col. Postal. Alcaldía Benito Juárez, C.P. 03410, CDMX. Título incorporado en el Padrón Nacional de Medios Impresos de la Secretaría de Gobernación. Queda prohibida la reproducción parcial o total, directa e indirecta, por cualquier medio o procedimiento, del contenido de la presente obra, sin contar con la autorización previa, expresa y por escrito del editor, en términos de

Índice

6 Cómo ser escritora en el Renacimiento: Belleza, intelecto y rebelión

Yara Vidal

10 Quejas y sugerencias: La querella de Venus

Ximena Hutton

12 Excepcionales y rebeldes: las renacentistas que rompieron el canon

Aura Rosalía Cruz Aburto

16 Los cimientos de la Nueva ciudad de las mujeres

Claudia Posadas

20 Póster: Christine de Pizan, Juana de Arco y Sofonisba Anguissola entrando en la "nueva ciudad de las mujeres", simbolizando el poder intelectual, la valentía y la creatividad femenina.

Ilustración por Anita Mejía

22 La Dama, San Jorge y el dragón: los vestigios del amor cortés en la pintura de Tintoretto

Hijas de Clío: Rosario Neri y Lizbeth Bolaños

24 A 450 años del nacimiento de Miguel Ángel Buonarroti

Sergio Peraza Ávila

28 Entrevista a Francisca Solar: La muerte de las impuras

José Luis Trueba y Carmen A. Castillo

30 Adelanto de libro El misterio de Alejandro Velasco, la primera novela de Diego Boneta

32 Entrevista María Eugenia Mayobre: Una vida bonita merece una muerte bonita

Mercedes Alvarado

34 Entrevista a Rubí Tsanda: Darle voz a la lengua, hacer poesía en la memoria

José Luis Trueba

35 Editorial del mes: Jacobo Zanella, editor de Gris Tormenta

36 Niños a leer En defensa de la curiosidad expandida

Lluvia Soto

Directorio

Directora general y editora Yara Vidal yara@revistaleemas.mx

Directora de mercadotecnia Karen Achar Galindo

Directora de Difusión cultural Beatriz Vidal De Alba beatriz@revistaleemas.mx

Director de arte y editor audiovisual

Edwin Reyes Maya edwin@revistaleemas.mx

Asesor editorial

José Luis Trueba Lara

Coordinadora editorial

Ximena Hutton

Ilustrador

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Coordinador de redes

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Consejo editorial

José Achar

Alberto Achar

Mario Nawy

Alejandro Magallanes

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Cómo ser escritora en el Renacimiento Belleza, intelecto y rebelión

Yara Vidal

"No puedo tolerar que ataques a todo mi sexo. ¿Por qué, pregunto, debe ser considerado un delito que una mujer busque el conocimiento? ¿No es esto un don natural, otorgado por igual a todos los seres humanos por la divina providencia? Sin embargo, se nos niega, se nos encierra en la ignorancia, y luego se nos culpa por la debilidad que esa misma ignorancia produce." -Laura Cereta (1469-1499) que refleja su postura sobre la opresión femenina. Extraída de su carta dirigida a Bibulus Sempronius, escrita en 1488, conocida como "Defensa de una educación liberal para las mujeres" (Epístola LXV). En ella, Cereta responde a las críticas misóginas y aborda la subordinación impuesta a las mujeres.

MUJER QUE SABE LATÍN: DE LAS PUELLAE DOCTAE A SOR JUANA

La estafeta de Christine de Pizan (1364-1431), primera escritora profesional que defendió a la mujer en su obra, fue retomada por las Muchachas Cultas (Puellae Doctae). De ellas, no sólo destacan las italianas, sino otras como:

Beatriz Galindo, La latina (c. 1465-1535). Española. Maestra de latín de la reina Isabel I de Castilla y de sus hijas.

Teresa de Cartagena (c. entre 1420 y 1435- c. 1478). Española. Primera escritora en lengua castellana, primera escritora mística de España y primera feminista peninsular.

Marie de Gournay (1565-1645). Francesa. Alumna y editora de Michel de Montaigne. Su obra es precursora de los manifiestos feministas de la Ilustración.

Juana de Asbaje "Sor Juana Inés de la Cruz" (1648 o 1651-1695). Mexicana, creadora de una obra fundamental. Su Respuesta a Sor Filotea (1691) es el primer documento feminista en América Latina.

El Renacimiento es un punto crucial para el desarrollo del pensamiento crítico, la ciencia y el arte. Aunque las mujeres estuvieron relegadas a un segundo plano y tuvieron limitadas oportunidades educativas, muchas de ellas accedieron a la enseñanza gracias a su posición social, convirtiéndose en creadoras influyentes en diversos ámbitos. Pensemos por ejemplo en la Universidad de Bolonia, fundada en 1088, que no permitía el acceso formal de las mujeres y donde la educación superior era exclusiva para hombres, la nobleza y los clérigos. Dentro de la misma institución existen casos excepcionales; en 1239, Bettisia Gozzadini (1209-1261) se graduó como jurista en Derecho y se convirtió en la primera mujer en impartir clases en una universidad. Asimismo, Laura Cereta (1469-1499) egresada de esa institución y destacada escritora humanista y feminista gracias a su maestría en el latín, pese a las acusaciones de plagio por parte de algunos intelectuales de la época. Frente a estas críticas y señalamientos, Cereta contestó con una de las más brillantes defensas de la educación femenina en la Italia del siglo XV. Siglos después, Laura Bassi (1711-1778) —filósofa, poeta, profesora y científica— cursó un doctorado en 1732 y enseñó física. No fue hasta el siglo XIX cuando la integración de las mujeres en la educación superior se volvió una práctica común.

Cómo ser una mujer renacentista

Ante tales problemáticas algunas damas de clases altas, con acceso a círculos intelectuales, aprovecharon su posición para educarse de manera autodidacta y utilizando la literatura y artes para desafiar normas sociales y ganar influencia.

El resto de mujeres, con menor acceso a las élites, adquirieron conocimientos prácticos en áreas como botánica y química, a través de la elaboración de cosméticos y remedios transmitidos principalmente sólo entre ellas. Con la llegada de la imprenta, estos conocimientos pudieron difundirse en formato de panfletos y recetarios de belleza que circularon en múltiples hogares.

El poder en la escritura

Jill Burke es una historiadora de arte que también se ha desempeñado como profesora de Culturas materiales y visuales del Renacimiento en la Universidad de Edimburgo ofreciendo una nueva perspectiva sobre esta época, un periodo en el que rara vez se examina únicamente a la mujer en todas sus actividades. Burke, en su libro Cómo ser una mujer del Renacimiento, mujeres, poder y el nacimiento del mito de la belleza, (Crítica-Planeta) cambia el enfoque de las figuras masculinas icónicas de la época (Miguel Ángel, Tiziano, Maquiavelo) a las mujeres que dieron forma y subvirtieron su cultura de la belleza. Analiza artistas, cortesanas y escritoras que, a través de su ingenio y creatividad, desafiaban las expectativas de su tiempo, lo que sugiere un nivel de educación o astucia adquirido más allá de lo convencional. Las escritoras se destacan como voces fundamentales que documentan, critican y reinventan los ideales de feminidad, poder y autoexpresión en una sociedad patriarcal. A través de su obra, Burke revela las maneras en que algunas escritoras como Verónica Franco, Laura Cereta, Laura Terracina, Moderata Fonte, Giulia Bigolina, Lucrezia Marinella, Chiara Matraini, Isabella Andreini y Tullia D’Aragona, sortearon las limitaciones de su tiempo, con las plumas como herramientas de resistencia, creatividad y agencia.

El trabajo de Burke no es sólo una investigación académica, sino un llamado a la reflexión sobre la historia de las mujeres y su rol en la sociedad. Uno de los temas centrales del libro es la noción de poder y cómo este se manifiesta en la vida de las mujeres. Argumenta que el poder no siempre se ejerce de manera explícita; a menudo, las mujeres del Renacimiento encontraron formas sutiles de influir en su entorno, utilizando su inteligencia y habilidades de negociación. Lucharon principalmente con nociones nocivas como: «… en los inicios

del Renacimiento la suposición de que las mujeres eran física e intelectualmente inferiores a los hombres era muy común.» Burke

¿Cómo nos vemos?

«La cultura renacentista estaba fascinada con lo que se podría llamar la performatividad de la vida cotidiana y la relación entre el aspecto exterior y la esencia interior.» Burke

A través de epístolas, poemas, manuales de belleza y tratados, se revela un mundo en que las mujeres no eran objetos pasivos de la mirada masculina sino participantes activas en la configuración de sus identidades. La poeta se enfrenta a un lenguaje que impone restricciones que desafiará, quebrará y transformará para abarcar la perspectiva de la alteridad. Los nuevos estilos de escritura como autobiografía, diario, soliloquio y representación lideraban el diálogo del autoconocimiento y la percepción de las personas comienza a transformarse a principios del siglo XVI; se empieza a observar el yo desde una perspectiva externa. A finales del siglo XV surge una invención significativa: se perfecciona la manufactura del espejo de cuerpo entero, con una claridad antes desconocida. Este desarrollo posibilita que las personas, en particular las mujeres, se observen completamente por primera vez, transformando su vínculo con la apariencia y la percepción de sí mismas, comenzando a asumirse como únicas. La introspección sucede también en la literatura. En la pintura no sorprende que surja el autorretrato, un género tan reflexivo.

Las escritoras, en particular, emergen como piezas clave en esta narrativa, ofreciendo ideas sobre las presiones y posibilidades de la feminidad renacentista. La belleza es una carga y un recurso para la mujer; sufren la angustiosa obsesión de la época por las apariencias y las expectativas de género. Al centrarse en ellas, Burke desmantela el estereotipo de la mujer del Renacimiento como meramente ornamental, presentando en cambio un tapiz de voces que hablan de resiliencia, intelecto y desafío.

Más allá de Venus

El mito de Venus, nacida del caos (la castración de Urano), conlleva una corriente subyacente de rebelión. Las mujeres renacentistas, hicieron eco de esto resistiendo las limitaciones patriarcales. En el libro El valor de las mujeres de Moderata

Fonte, se critican las cargas de la belleza, imaginando un mundo donde el valor de las mujeres trasciende los ideales venusianos. Se trata de un diálogo entre venecianas que discuten sobre el valor de las mujeres y la superioridad de este sexo sobre el masculino. Su trabajo sugiere una Venus que empodera en lugar de atrapar, alineándose con la capacidad de la diosa para dominar su narrativa.

«Los cuerpos de las mujeres se presentan como proyectos siempre inacabados, que se han de mejorar y trabajar constantemente.» Burke

El ideal de la belleza se ligaba a la percepción del poder femenino. Muchas mujeres utilizaron la estética a su favor, convirtiéndola en una herramienta de agencia y resistencia. El ideal de belleza renacentista no solo refleja valores estéticos, sino que funciona como un mecanismo de control sobre éstas. Tratados como Gli ornamenti delle donne de Giovanni Marinello establecían estándares como piel blanca, cabello dorado y caderas proporcionadas, promoviendo la auto-insatisfacción femenina. Estos ideales no solo afectaban a las nobles; la difusión de manuales de belleza permitió que mujeres de diversas clases sociales buscaran adherirse a ellos. Burke establece paralelismos entre sus escritos y los populares Libros de los secretos, manuales económicos llenos de recetas cosméticas y consejos de belleza dirigidos a mujeres de clase trabajadora. Si bien estos manuales eran a menudo anónimos o escritos por hombres, también es cierto que mujeres como Franco, Cereta y Fonte contribuyen a una tradición literaria paralela que elevó este conocimiento al nivel de arte y crítica. Por ejemplo, las descripciones detalladas de Franco sobre los rituales de aseo personal hacen eco de los consejos prácticos de estas publicaciones, pero su poesía les imbuye de peso emocional y político. La inclusión por parte de Burke de estos textos junto con las obras de las escritoras subraya la diversidad de voces femeninas en el Renacimiento, desde la élite hasta la vida cotidiana, todas lidiando contra las mismas corrientes sociales.

Mujeres escritoras y pensadoras: desafiando el silencio

Algunas mujeres que lograron sobresalir en el ámbito literario y filosófico son:

• Laura Cereta (1469-1499): Humanista nacida en Brescia, sus cartas filosóficas defienden el derecho de las mujeres a la educación y critican la desigualdad

• Isabel de Este (1474-1539): Nacida en Ferrara, conocida como la Primera Dama del Renacimiento; fue una importante mecenas de las artes y estratega política.

• Giulia Bigolina (1518-1569): Autora orignaria de Padua. Escribió Urania, una de las primeras novelas escritas por una mujer en Italia

• Laura Terracina (1519-1577): Poeta napolitana que exigió que las voces femeninas fueran escuchadas, desafiando el dominio masculino en la literatura.

• Veronica Franco (1546-1591): Poeta y cortesana veneciana quien utilizó su inteligencia y habilidades literarias para ascender en la sociedad y defender los derechos de las mujeres. Su poesía combina erotismo y crítica social, y su participación en debates públicos fue inusual para una mujer de su tiempo

En el valioso trabajo de Jill Burke Cómo ser una mujer del Renacimiento se recuperan las voces de escritoras esenciales para comprender el Renacimiento. A través de sus libros, pinturas, poesía, cartas y diálogos, estas mujeres transformaron la cultura de la belleza de un lugar de subyugación a uno de creatividad y resistencia. La meticulosa investigación de la autora, y su cautivadora prosa dan vida a sus historias revelando cómo utilizaron la escritura para afirmar su humanidad en un mundo obsesionado con las apariencias, desafiando la narrativa dominada por los poderosos hombres y ofreciendo una perspectiva vibrante, liderada por mujeres, que resuena con los debates contemporáneos sobre género, belleza y poder. Las obras de estas creadoras no son reliquias de un pasado lejano, sino espejos que reflejan las perdurables complejidades de la condición de mujer. Entonces como ahora, procuremos vernos en espejos menos distorsionados.+ de género. Se rebeló contra la "tiranía del espejo", denunciando la belleza como una distracción de la vida intelectual.

• Moderata Fonte (seudónimo Modesta Pozzo) (1555-1592): Autora veneciana de El mérito de las mujeres, imaginó un mundo en el que las mujeres debatían y reflexionaban sin la influencia masculina. Su obra denuncia las cargas de la belleza impuesta y la desigualdad de género.

• Lucrezia Marinella (1571-1653): La veneciana autora de La nobleza y excelencia de las mujeres, argumenta la superioridad femenina sobre los hombres en intelecto y virtud.

• Chiara Matraini, Isabella Andreini y Tullia d'Aragona: Escritoras y filósofas que exploraron el papel de la mujer en la sociedad, el amor y la autonomía intelectual.

Estas mujeres utilizaron la escritura para negociar sus identidades, desafiar las normas sociales y documentar su realidad. Las mujeres también ejercieron influencia en la política, la economía y el arte, aunque muchas veces de forma indirecta.

Lo que distingue el trato que da Burke a estas escritoras, es su negativa a romantizar sus luchas o aplanar su complejidad. Reconoce el privilegio que permitió el ascenso de Franco, el aislamiento que enfrentó Cereta como académica y el reconocimiento póstumo del radicalismo de Fonte.

Jill Burke Cómo ser una mujer del renacimiento Editorial Planeta, en su sello Crítica

Entrevista Quejas y sugerencias

Cómo ser una mujer renacentista

Excepcionales y rebeldes

Las renacentistas que rompieron el canon

Rosalía Cruz Aburto

Ocurrido entre los siglos XIV y XVII, el Renacimiento italiano se considera uno de los periodos más significativos en la historia del arte occidental. Este movimiento, no sólo se caracterizó por el renacer —de ahí su nombre— de la cultura clásica grecorromana, sino que también marcó un importante cambio en la autopercepción del ser humano y su entorno dando lugar, entre otras cosas, a la aparición de la figura del artista como tal.

Aura

A menudo, se le asocia con figuras masculinas como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael. Sin embargo, las mujeres artistas fueron cruciales, aunque jugando fundamentalmente a contracorriente. Como era de esperarse, su reconocimiento ha sido limitado a lo largo de la historia por lo cual, este es un esfuerzo para dar a conocer, a través de una breve exploración sobre su vida y obra, a algunas de las pintoras más importantes del Renacimiento italiano destacando su impacto, legado y, en particular, la manera en que lograron desviar la inercia de género de su tiempo.

Entre la Edad Media y el Renacimiento: ni tan tan, ni muy muy Volver a la época clásica supone, entre otras cosas, la búsqueda del canon y la universalidad. El deseo de comprender el arché cósmico (el fundamento u orden originario) resulta sustantivo en el cuestionamiento que movilizó a las mentes de la antigua Grecia que, por allá del siglo XV, serían atendidas una vez más, después de tantos siglos. A esta época de redescubrimiento solemos considerarla como de liberación, apertura y pensamiento vivo. Por otro lado, pensamos en la Edad Media como el tiempo de persecución de las mujeres etiquetadas como brujas. Pero, ni una cosa ni la otra son precisamente ciertas pues, ni la Edad Media fue pura calamidad, ni el Renacimiento tan liberador.

El Renacimiento, la época del hombre Cuando inicio las clases de Historia de la arquitectura alrededor de este periodo, suelo presentar algún extracto del bello texto de Pico Della Mirandola, El discurso sobre la dignidad del hombre Y es que, puesto en contexto, movilizaba al hombre occidental a un escaño de atención significativo frente a una larga época en la que sólo Dios habría estado en la mira. Pero, precisamente hay que hacerlo notar, el hombre es a quien se nombra.

Sé que muchas personas pueden objetar que el uso del término hombre es utilizado entonces en sentido neutro e incluyente de todo el género humano, pero ¿fue realmente así? ¿Estaban las mujeres verdaderamente incluidas en esta palabra, o solamente subsumidas por la supuesta falta de valía o, peor aún, de inacabamiento tal como concebían los griegos a los cuerpos femeninos respecto a los masculinos que consideraban corporalidades consolidadas, tal como nos cuenta Sennet en Carne y Piedra (2019)? ¿De verdad en la categoría hombre se incluía plenamente a las mujeres cuando en la famosa Escala Naturae de Aristóteles –también revalorado como un clásico–éstas siempre estarían por naturaleza un nivel por debajo de la representación masculina de nuestra especie como bien lo destaca la filósofa Chiara Bottici (Anarcafeminismo, 2022)?

Diversas pensadoras feministas contemporáneas nos pueden dar luces de que esta asimilación de todos los especímenes humanos en la palabra hombre no fue, ni ha sido, precisamente inocua. Tal es el caso de Rossi Braidotti –autora de Lo Posthumano (2015)–, quien propone que El hombre de Vitruvio es un claro ejemplo de la configuración del ideal que pretendía universalizar lo que el hombre debía ser. Más revelador aún: lo que todo humano debería ser ¿Las mujeres, entonces, podrían ajustarse a este canon? Siempre e inevitablemente alejadas de él, serían consideradas naturalmente inferiores. En consecuencia la lucha del feminismo, de los feminismos, se ha debatido durante mucho tiempo entre articular a su sujeto político –¿la mujer? – y enunciar nuestras diferencias y diversidades: hay mujeres, así, en plural. Resulta preciso decir que la batalla no debería consistir en la construcción de un canon frente al

Silvia Federici, en su libro Calibán y la Bruja desentraña la manera en que, en los días del Capitalismo temprano —otra manera de llamar al Renacimiento—, las mujeres experimentaron grados de opresión y desgajamiento colectivo particularmente feroces; si adquirieron entonces lugar en la ley, fue sólo para ser castigadas y privadas de cualquier autonomía que, para mi sorpresa, solían tener en la tan desprestigiada Edad Media. No obstante, un tanto cierta resulta la percepción altamente difundida de que algo para bien de las mujeres se gestó en el Renacimiento. No es que hubiesen gozado del famoso rescate de la razón clásica; más bien que fueron ellas, o algunas de ellas para ser más precisa, quienes en una combinación entre privilegio y sagacidad, lograron encontrar la posibilidad de desviar la potencia de esa época de hallazgos y transformación hacia su emancipación a través del ejercicio artístico. Pensemos en mujeres como Sofonisba Anguissola (1532-1625), Caterina van Hemessen (1528-1587), Lavinia Fontana (15521614) y Levina Teerlinc (1510-1576).

prevaleciente (un sujeto ideal femenino frente al sujeto ideal masculino), pues mujeres idealizadas pululaban en la mismísima representación del arte renacentista. Lo que habría que develar era (y es) la potencia de la singularidad, no ya de las musas, sino de las creadoras.

Historia del arte sin hombres

La historiadora de arte Katy Hessel comienza su narración en el libro The Story of Art without Men justamente en el Renacimiento; apenas aparecen unas pocas mujeres que lograron salir del anonimato que la sociedad de su tiempo les impuso. Me centraré en los casos de las italianas Sofonisba Anguissola y Lavinia Fontana y, por otro lado, de las flamencas Caterina van Hemessen, y Levina Teerlinc.

Sofonisba Anguissola, la potencia de la que pinta (1532-1625)

Anguissola, célebre por ser la primera pintora con éxito de este periodo, provenía de una familia noble. Aunado a esta primera condición de privilegio, tuvo la fortuna de que su padre considerara importante que todas sus hijas fueran receptoras de una buena educación. En ese conjunto de mujeres educadas, Sofonisba destacó de manera particular y llegó a ser reconocida incluso por el propio Miguel Ángel Buonarroti.

Su trabajo estuvo centrado en el retrato, pero su peculiaridad estaba en que no capturaba meramente la apariencia física de los sujetos, sino que revelaba su personalidad y emociones. Entre estas obras, destaco una representación muy singular: su autorretrato de 1550. Además de la evidente destreza pictórica de Anguissola, lo más provocador es cuán disruptiva resulta esta pieza en

Bernardino Campi pintando a Sofonisba Anguissola (c. 1559).

Cómo ser una mujer renacentista

la que plasma a quien fuese uno de sus maestros, pintándola a ella a su vez. Pero Ella mira más allá de él y nos observa directamente; como lo dice Hessel: “… Nos damos cuenta de que no es él quien dicta su apariencia, sino que es ella quien dicta la de él”.¹ (The Story of Art without Men, p. 26). A la par de cualquier perfección en la técnica, o de la adecuación al canon pictórico de la época, es su autorretrato el que pone a la vista la singularidad y potencia de quien pinta: una mujer.

Lavinia Fontana (1552-1614) Nacida en Bolonia, Lavinia Fontana fue conocida por su fuerte carácter y famosa por su innovación en las técnicas de pintura de retratos, misma que se caracterizaba por la gran capacidad para capturar el detalle. Destacó también al incluir hábilmente objetos de naturaleza muerta con significados simbólicos en su obra. Su estilo fue especialmente apreciado por el Papa Paulo V, uno de sus muchos retratados. Fontana logró dar el salto a piezas de mayor escala. En su trabajo convergen una gran y fina capacidad por el detalle, a la vez que el abordaje del gran formato. Es importante señalar que su dominio técnico no sólo apuntaba a un gran virtuosismo manual, sino que las temáticas que aborda también proporcionan a los espectadores una comprensión más profunda de su naturaleza intelectual e inquieta y su singular perspectiva de la vida, tal como podemos observar en Autorretrato en el Clavicordio con una Sirvienta (1577), en la que muestra su interés por otra de las bellas artes, la música.

Sin lugar a dudas, Fontana no sólo fue talentosa artista, sino que supo cómo inscribirse y ser reconocida en un mundo primordialmente masculino. Tanto es así que, en 1611, tres años antes de

su fallecimiento, Felice Antonio Casone creó una medalla en su honor que la representa mientras trabaja, irradiando ideas creativas, con el cabello desordenado. Su boca está cubierta, simbolizando la poesía muda que caracteriza su pintura.

Caterina van Hemessen, pionera y emancipada (1527-1587)

Caterina van Hemessen se formó en el oficio gracias a ser hija de un pintor y es reconocida como la primera artista (entre hombres y mujeres) en realizar un autorretrato en caballete, además de ser conocida como la primera persona que llevó a cabo un autorretrato femenino. Más allá de un asunto técnico, el hecho de ser pionera en el género pictórico del autorretrato, es una declaración de emancipación. Cuando en su Autorretrato de 1548, se plasma llevando a cabo esta misma acción, no es una mujer para contemplar: es ella quien pinta y, para no dejar lugar a la menor duda, escribe en la obra misma: “Yo, Caterina van Hemessen, me he pintado a mí misma / 1548 / Aquí, a la edad de 20 años” (Hessel, 2023, p. 29).

Levina Teerlinc (1510-1576)

Nacida en Brujas, Teerlinc fue hija del célebre artista Simon Bening, reconocido por sus manuscritos iluminados. En el ámbito de las pintoras del Renacimiento, Teerlinc destacó por su habilidad única en el retrato flamenco, convirtiéndose en una miniaturista prolífica. Sus retratos eran elaborados con gran meticulosidad y representaban escenas de la vida en el siglo XVI. Su talento atrajo la atención del rey Enrique VIII, quien la invitó a Inglaterra para ser su pintora de la corte en reemplazo del difunto Hans Holbein, a

quien se dice que se le pagaba un salario significativamente menor. Con esta prestigiosa oportunidad, Teerlinc comenzó a crear intrincados objetos de deseo que evidenciaban la opulencia de la dinastía Tudor, a la vez que modernizó su arte incorporando texto en sus obras.

Un Renacimiento subalterno: el canon contra sí mismo

Tanto Anguissola como Fontana, van Hemessen y Teerlinc son claramente excepcionales por la situación de privilegio en la que nacieron, pero también por la manera en que acometieron esta circunstancia y desviaron el destino, que les podría haber sobrepasado, hacia una existencia singular.

No es que el suelo del Renacimiento les hubiera pavimentado el camino; es que supieron abrir y desplegar líneas de fuga hacia rutas más prometedoras y lograr que su razón diese frutos que la desbordaran: frutos de emancipación y justicia.

Pensar el Renacimiento en la actualidad implica mucho más que la exaltación de una era de esplendores. Este tiempo tuvo sus claroscuros –aunque estos llegaron más tarde con el Manierismo y, hablando de mujeres, con Artemisia Gentilleschi– y abordarlo hoy nos obliga a reflexionar en lo que prevalece en nosotros de esta era y en cómo habrá que remontar sus problemas para, precisamente, renacer.+

Caterina van Hemessen, Autorretrato (1548)

Miniatura de retrato de Isabel o Lady Katherine Grey por Levina Teerlinc (c. 1560–1565)

Sandra Ferrer El taller de Artemisia Editorial: Principal de los libros

Aura R. Cruz Aburto. Es arquitecta, maestra en diseño y filósofa, aunque prefiere pensarse diseñista y filosofista; algo así como un híbrido entre el arte, el diseño y la filosofía. Profesora en diversas instituciones e investigadora independiente, cada vez que algo la inquieta, escribe o dibuja. Desde 2015, escribe La columna de las pequeñeces para Arquine.

Los cimientos de la Nueva ciudad de las mujeres

Mujer de letras tomar

En el comienzo de La ciudad de las Damas (1405), la ítalo- francesa Christine de Pizan (1364-1431), se lamenta: “Me preguntaba cuáles podrían ser las razones que llevan a tantos hombres, clérigos y laicos, a vituperar a las mujeres. […] filósofos, poetas, moralistas, todos parecen hablar con la misma voz para llegar a la conclusión de que la mujer, mala por esencia y naturaleza, siempre se inclina hacia el vicio”. Christine es la primera mujer en vivir de su escritura y, también, primera en defender a la mujer en sus textos, como dice Simone de Beauvoir en El segundo sexo

Es a partir de esta, podríamos llamarla, meta reflexión espacial (porque es ella misma quien, desde su espacio real de escritura o Estude la realiza, aunque como protagonista de su libro y haciendo de este espacio un escenario), que podemos situar el hito para la vuelta de tuerca en la concepción de una conciencia libertaria de lo femenino que ancestralmente había sido negada, y en la disciplina de La Historia de la Mujer.

Pizán, contemporánea de Juana de Arco (1412-1431), continúa: “… [así] yo que he nacido mujer, me puse a examinar mi carácter y mi conducta y también la de otras mujeres […] Pero, no podía entender el juicio de los hombres sobre la naturaleza de las mujeres. […] Sin embargo, yo me empeñaba en acusarlas porque pensaba que sería muy improbable que tantos hombres preclaros, hayan podido discurrir de modo tan tajante y en tantas obras […] Finalmente llegué a la conclusión de que al crear Dios a la mujer, había creado un ser abyecto. […] ya que si creemos a esos autores, la mujer sería una vasija que contiene el poso de todos los vicios y males”.

¿Por qué decía esto y a qué señores interpelaba? ¿Quién era ella, la que, en los albores del Renacimiento, tomó la pluma y no la espada para enfrentarse al férreo androcentrismo de su tiempo?

La hija del astrólogo Era la excepción. Nacida en Venecia, e hija del prestigiado doctor Tommaso da Pizzano, formado en la Universidad de Bolonia llega, a los cuatro años, a la corte francesa de Carlos V de Valois, junto con su padre, quien había sido llamado por este rey para servir como su físico (médico) y astrólogo.

Tomás de Bolonia, educado en ese humanismo renacentista que se había originado en su país natal, bajo el ejemplo de su adelantada alma mater que admitía mujeres en su alumnado y cátedra, o bajo la impronta de Teón, padre de Hypatia quien procuró la formación de esta filósofa del antiguo Egipto, guió amorosamente la educación de su hija pese a un contexto que no consentía instruir a la mujer y les limitaba a un rol de madre y esposa, religiosa o manceba.

Christine tuvo acceso a los tesoros de la Biblioteca Real del llamado rey Sabio, como pocas (o ninguna) de las mujeres de su tiempo, y aunque fue casada por acuerdo como era costumbre, con Étienne du Castel el notario del Rey, fue feliz en su matrimonio y apoyada por éste para cultivar su intelecto.

Claudia Posadas

Christine desafió los estereotipos de su época: La ciudad de las damas imagina un mundo construido por mujeres virtuosas, valientes e inteligentes, refutando las ideas de inferioridad femenina que circulaban en textos religiosos y filosóficos. Con ejemplos históricos y bíblicos, demostró que las mujeres eran capaces de grandes logros, cuestionando por qué se las excluía de la narrativa cultural.

Christine de Pizan La ciudad de las damas Editorial: Editorial Verbum

Cómo ser una mujer renacentista

El paraíso duraría poco y en 1380 muere el Sabio para dar paso al Loco (Carlos VI); en apenas una década mueren también su padre y Castel, con 25 años es despojada. Porque las mujeres no podían heredar ni gestionar bienes. Queda a cargo de tres hijos, su madre y una sobrina. El ambiente, de por sí adverso, se recrudecerá aún más con Francia en plena Guerra de los Cien Años (1337-1453).

Sólo tenía su formación y capacidad como instrumentos, aunque en condiciones limitantes. Pese a que este Renacimiento ya permitía educación a las mujeres de clase acomodada, ésta era restrictiva y la enseñanza de las siete artes liberales —como se llamaba a las ciencias— agrupadas en el trivium (gramática, dialéctica y retórica) y el quadrivium (aritmética, geometría, astronomía y música), era adaptada al modelo ancestral de que la mujer debía permanecer en su espacio doméstico cual gineceo griego. Podían estudiar idiomas, como Christine quien era versada en francés, latín e italiano; acaso música y pintura, pero no retórica. Les era vedado el trivium Como decía el humanista Leonardo Bruni (1370-1444): “Una mujer no estudiará para hablar en contra o a favor de […] la voz común, […]; ella dejará la dureza del ámbito público a los hombres”.

Pero Christine tomó trivium y quadrivium por los cuernos y como también contaba con su excepcional voluntad, tomó corazón de hombre para pilotar su nave, como refiere en La Mutación de la Fortuna (1403), y en vez de volver a casarse o ir al convento, decidió vivir de su escritura y obtuvo el mecenazgo del rey

Loco y su esposa Isabel de Baviera, y de la corte francesa.

Epístolas desde la Habitación Propia

La reina le otorgó su Estude en la Biblioteca Real, haciendo de este su cuarto de batalla en acción y ficción, y el antecedente del Cuarto Propio de Virginia Woolf. Escribió más de 300 poemas en los que, heredera de Safo, y las Trobairitz, cuestionó el discurso de idealización de la mujer encaminado a su “conquista y posesión” propio del amor cortés (género de moda). También dirigió, excepcionalmente, porque era labor masculina, su Scriptorium, donde ella, sus calígrafos y su iluminadora Anastasia, produjeron y copiaron los manuscritos de su obra. A partir de 1399, con su Epístola del dios del Amor comienza su defensa de la mujer, misma que mantendría hasta el último poema que escribió.

Pedagogías contra fémina

Pesaba en la época, como lápida inamovible, el antiquísimo constructo del orden androcéntrico vertido en documentos de orden moral, religioso, legislativo, científico, filosófico y hasta en testimonios artísticos, que habían y han institucionalizado la anulación de la mujer como sujeto político, intelectual y jurídico, y han justificado y por tanto permitido, la violencia impune hacia ella.

Hablamos de los cimientos de nuestra civilización occidental en que la mujer era una especie de infante sin derechos de ningún tipo, supeditada a la potestad masculina. Hablamos de fojas y fojas de sentencias contra fémina, una especie de pedagogías de la crueldad, como las ha llamado Rita Segato, legitimadoras del edificio patriarcal que hasta del alma nos despojaron. Diría Aristóteles ( —384 a. C- 322 a. C—): “La hembra es como un macho mutilado. Le falta una sola cosa: el principio del alma”, o “El macho es por naturaleza superior y la hembra inferior; uno gobierna y la otra es gobernada”.

Ahora, este “cimiento” ha sido decotruido y no pesa más.

La Rosa contra los calcinadores de mujeres

En resumen, todo apuntaba a que la mujer era inferior aunque, debido a ese humanismo progre, se comenzó a discutir si aquello era natural o cultural. Y aunque nos parezca increíble, esto fue un avance en el desmantelamiento del discurso androcéntrico. Por supuesto, Christine afirmó que la causa era cultural, producto de una tradición misógina dicha por las hordas de preclaros señores representados en

ese entonces por los clérigos de la Universidad de París, que por cierto apoyaban al invasor inglés.

Así comienza el movimiento crucial en la Historia de la Mujer, La Querella de las Mujeres, con de Pizán como estandarte, y enunciado en sus Cartas de la Querella del Roman de la Rosa (1398-1402).

Básicamente, Christine cuestionó en cartas, que era la manera de ese entonces de discutir públicamente, un libro, la nueva versión de un best seller de su tiempo, El Romance de la Rosa. Dicho volumen, ejemplo de los valores feudales corteses y que había quedado trunco al morir su autor, Guillaume de Lloris (aprox. 1200-1238), fue reescrito años después por Jean de Meug (1268-1278), ideólogo y mentor de estos parisinos, bajo una retórica que anulaba el orden cortés, legitimaba sus poderes políticos y refrendaba la tradición misógina.

Apoyada por de Baviera y sectores de la corte constituidos en una Hermandad de la Rosa, de Pizán se enfrentó a estos entendidos en las artes liberales, quienes la instaban a retractarse, ofreciéndole una penitencia saludable. Eran implacables. En 1310, habían quemado viva en la hoguera inquisitorial a Margarita Porete, Beguina quien se atrevió a escribir, sin su autorización, el tratado místico El espejo de las almas simples. Pronto, pero iniciada ya la Querella, nuestra Rosa dejó el debate, pero prosiguió sus controversias en La ciudad de

Las tres Reinas Magas

Desconsolada, en ese íncipit de La ciudad…, a la Christine alegórica se le aparecen tres damas, Razón, Justicia y Rectitud, quienes representan las virtudes propias de las mujeres que, angélicamente, siempre la habían custodiado y le guiarán en su camino reivindicatorio. Con su magia, estas reinas ayudan a nuestra protagonista a construir una Ciudad que sirviera de refugio y defensa a mujeres valiosas, míticas e históricas que, con sus actos, hayan demostrado la falsedad de los mandatos misóginos. Mientras desinstalan con argumentos cada una de las severas leyes de los hombres, Razón levanta las murallas, Rectitud edificios y calles y Justicia anima a las mujeres del pasado, las de su presente y las futuras, es decir, nosotras, a entrar a la Ciudad. Se insta a la mujer a ser fuerte y autónoma, y sobre todo, Christine aboga por su educación.

Yo: Christine

La escritura de Pizán significa un avance decisivo para la acallada conciencia libertaria de lo femenino, ya que Christine demostró que ésta es inherente a lo humano, independientemente del género y que la mujer es autónoma y perfectamente capaz de ser formada a partir de la educación, refutando por primera

Claudia Posadas. Escritora feminista. Imparte el curso Mujeres precursoras acalladas en la Historia en la Universidad del Claustro de Sor Juana, que inicia el 15 de marzo.

vez en la Historia de la Mujer, los mandatos misóginos y confrontándose abiertamente con los poderes patriarcales de su tiempo, dando así una voz pública a la mujer, como no les fue permitido a las filósofas de la antigüedad (Hiparquia, Aspasia e Hypatia).

Asimismo, este hecho le dio existencia a la mujer como sujeto político y jurídico susceptible de tener derechos y de conformarse como un ser económico, como lo demostró. Impensable para una mujer de su tiempo, pero ella fue una de esas conciencias que adelantan la evolución del pensamiento y la historia.

Sobre todo reivindicó el ethos y la individualidad de lo femenino, al hablar “desde lo que sabía y sentía en mi ser de mujer” y de todas las mujeres (siendo así la primera historiadora de la mujer), y reafirmándose en su emblemática frase, Moi, Christine

Juana de Arco: última batalla

Agobiada por la guerra y la situación inestable de un reino a punto de caer, se

refugia en 1418 en el convento de Poissy, donde estaba su hija. En 1429, informada de la existencia de una joven heroína que había debilitado en batalla al invasor y facilitado la coronación de Carlos VII (el traidor), escribe su último poema, La Canción de Juana de Arco, probablemente animada porque en la figura de La Doncella convergían sus concepciones sobre la valía de la mujer.

Hacia la Ciudad Sorora

En 1930, mismo año que murió Juana, Christine parte a la Ciudad Celeste de las Damas. Quiera la gracia, como dijo Regine Pernaud, medievalista, que se haya ido sin saber que Juana había sido asesinada en la hoguera por los mismos parisinos a quienes se había enfrentado, entregada como moneda de cambio por Carlos VII.

Ninguna fue vencida. Juana se alza triunfante en la historia, y Christine puso los cimientos de esta ciudad que es visagra porque convergen en ella todas las mujeres libres del pasado y porque nos abrió las puertas a las mujeres

del presente, mostrándonos, además, el camino para desenmascarar y desinstalar el edificio patriarcal. Más de 600 años han pasado para que se entendiera a plenitud su mensaje y se le considerara precursora del feminismo. Debemos estar a la altura de su legado y seguir de-construyéndonos. Así que bienvenidas todas aquí, en este mundo, sonoras, sororas, vivas, a la Nueva Ciudad de las Mujeres.+

Curso Mujeres precursoras acalladas en la Historia en la Universidad del Claustro de Sor Juana, que inicia el 15 de marzo. Descuento para lectores de Lee+

Christine de Pizan presentando su libro a Isabel de Baviera, reina consorte de Francia, grabado de L'album, giornale letterario e di belle arti, 27 de junio de 1840, Año 7. Imagen coloreada digitalmente. DEA / DEA / Biblioteca Ambrosiana.

La Dama, San Jorge y el dragón:

los vestigios del amor cortés en la pintura de Tintoretto

Hijas de Clío

Si no puedo volver a ella, por quien mi corazón se abrasa y se abre, no quiero ni el imperio de Roma ni el papado. Si ella no cura mi tormento con un beso antes de que el año pase, a mí me destruye y a sí se daña.

- Arnaut Daniel

¿De dónde viene la imagen de una damisela en peligro rescatada por un valiente y enamorado caballero, que lucha contra viento y marea para defender y procurar su amor? A lo largo de los siglos, este tropo ha sido representado de diversas formas y ha llegado hasta nuestros días en múltiples novelas, películas, musicales y obras de teatro, pero tiene sus más remotos orígenes en la Edad Media. La promesa del caballero andante ha moldeado formas de concebir el amor romántico por generaciones; sin embargo, las concepciones del amor son, sobre todo, históricas. Desde El otoño de la Edad Media (retomando el título de Johan Huizinga) al Renacimiento tardío, este fue uno de los tópicos más recurridos por trovadores, literatos y artistas.

En los siglos XI y XII surgió, en la poesía de los trovadores del sur de Francia, un concepto literario y cultural que vino a transformar la sensibilidad de Occidente: el amor cortés. Esta forma de amor tiene dos elementos centrales: una dama inalcanzable y un varón que constantemente aclama y sueña en ser correspondido. Bien evoca el historiador Denis de Rougemont, en El Amor y Occidente, que en este tipo de manifestación “no hay más que dos personajes: el poeta que, ochocientas, novecientas, mil veces repite su lamento, y una dama hermosa que siempre dice que no”. La mayoría de estas mujeres pertenecían al estrato noble de la sociedad y debían encarnar virtudes y valores como la belleza, la decencia y la pureza. Las solteras debían salvaguardar su virginidad y quienes fueran casadas, promover la prudencia y la castidad. Posteriormente, en los siglos XIII al XV, los valores del amor cortés se incorporaron y difundieron a través de la literatura de caballerías, en los relatos artúricos y en las obras de renombrados escritores como Dante y Petrarca. Estas últimas eran ampliamente leídas y admiradas durante el Renacimiento, tanto así que sus historias inspiraron temas y personajes que los pintores representaron en sus obras. Durante los siglos XV y XVI, se mezcló con los ideales humanistas de la época. En la pintura, esto se tradujo en la representación idealizada de la figura femenina como una musa o un símbolo de virtud, belleza y perfección espiritual.

dragón:

Ahora bien, ¿cómo aparece la figura de la Dama ya en pleno Renacimiento?

Pensemos en una mujer noble veneciana del siglo XVI, en su oratorio personal, contemplando el detalle de la pincelada del cuadro que tiene frente a sí. A primera vista, se muestra una agraciada mujer en movimiento, sus ricos ropajes son envueltos por el viento, y el rostro se dirige hacia la parte trasera del cuadro. La mirada de la Dama se convierte en el ancla de toda la composición invitando a la imaginación y a sumergirnos en la leyenda áurea. Se trata de la obra de Tintoretto San Jorge luchando contra el dragón donde, contrario a sus antecesores, el artista decide poner en primer plano a la doncella antes que al héroe.

Realizada hacia el Renacimiento tardío, el pintor muestra la leyenda de San Jorge, también conocido como “el gran mártir”, quien fue un militar romano que liberó a Silca (Libia) de un dragón. La ciudad tenía la intención de enviar a la hija del rey como sacrificio para ser devorada por la criatura. No obstante, surgió el joven soldado y derrotó a la bestia clavándole una lanza en el pecho. De la sangre emanada, nació una rosa que entregó a la princesa —de ahí la leyenda de entregar una rosa el mes de abril en el día de San Jorge—.

Esta historia resuena y tiene múltiples paralelismos con el mito griego del héroe Perseo, quien rescata a la princesa Andrómeda de ser devorada por una serpiente marina. Es posible vislumbrar cómo la pintura de Tintoretto remite directamente al mito pagano, en el que elementos como la serpiente marina, el océano y la princesa aparecen en escena. Esto se relaciona con el hecho de que durante el Renacimiento, artistas como Tintoretto plasmaron los ideales del amor cortés a través de escenas mitológicas, en las que el amor se mostraba como una fuerza trascendente y a menudo inalcanzable. Recordemos que una característica de los humanistas era, justamente, el rescate y la reinterpretación de historias, valores y conocimientos de la antigüedad.

La leyenda de San Jorge y el Dragón tiene paralelismos claros con relatos paganos y mitológicos previos, que influyeron en su desarrollo antes de ser reinterpretados en un contexto cristiano. Suelen girar en torno a un héroe que derrota a una bestia monstruosa, representando el triunfo del orden y del bien sobre el caos y el mal. Las primeras menciones de San Jorge se

remontan a los primeros siglos del cristianismo, en los que ya se aprecia como un mártir. Según la tradición, murió alrededor del año 303 durante la persecución de cristianos bajo el emperador romano Diocleciano y, para entonces, no había mención de un dragón; sólo se hablaba de su martirio y valentía al defender la fe.

Fue hasta la Edad Media que, en el albor de las Cruzadas, San Jorge se convirtió en un símbolo del ideal caballeresco y la lucha contra el mal. La figura del dragón, retomada de aquellos mitos paganos, apareció como un símbolo del mal que representaban los infieles musulmanes y los herejes cátaros, contra quienes los cruzados peleaban en estas guerras. Bajo este horizonte, el héroe santo encarnaba los valores del caballero que tanto exalta la poesía trovadoresca: coraje, fe y la defensa de los débiles. Así se convirtió en un modelo ideal para los caballeros medievales y posteriormente renacentistas.

Este relato es un gran ejemplo de cómo la institución eclesiástica, en aras de ordenar todos los ámbitos de la vida dentro del dogma cristiano, rescató muchas narraciones paganas y míticas moldeándolas de acuerdo a sus propios intereses. Es necesario ver esta dinámica como parte del horizonte histórico cultural de la época y no bajo los juicios que, como personas herederas del mundo moderno, podamos hacer.

El cuadro de Tintoretto da luz sobre este proceso histórico, pues Dios padre se encuentra en la cima de la composición, rompe en gloria y baña en luz a los personajes. Su presencia se vuelve fundamental situando la leyenda antes pagana bajo una luz secular donde parece bendecir de dones y virtudes a los protagonistas.

Por otro lado, es importante señalar que la composición se construye desde la perspectiva de la doncella, quien dirige la mirada hacia su amado caballero cuyo rostro apenas se vislumbra, en plena acción de batalla. Sobre su corcel, San Jorge está a punto de clavar su lanza en la figura serpentina. Justo debajo de él, resalta un hombre muerto a las orillas del mar. La postura de este último personaje se asemeja un tanto a la de Jesucristo, por lo que es posible interpretar a ambos hombres como vencedores del mal y redentores de la humanidad. La escena destila teatralidad; la contorsión de los cuerpos provoca una tensión climática que pone a quien observa en el límite de la expectativa. ¿Y cómo es que la Dama observa a San Jorge? No sobre una torre, pasiva y a la espera de su rescate; todo lo contrario, en un movimiento vertiginoso, ella contempla

fascinada e iluminada por el halo divino que cae sobre su cuerpo.

A través de Tintoretto, observamos cómo en la figura de esta mujer se mezclan los valores del amor cortés medieval con los nuevos ideales morales y de belleza del Renacimiento: una joven de cabellos rubios, frente amplia, cejas delgadas. Si bien en previas representaciones esta bella ya había aparecido en segundos planos, es con Tintoretto que la observamos partícipe primordial de la leyenda y a la vez espectadora. Además, es importante señalar que en esta obra, la Dama defendida por San Jorge es una noble, pues las prendas y atavíos que porta dejan en claro una posición política que resulta relevante en tanto que fueron estas mujeres quienes recibieron los halagos y cantos de los trovadores, sobre los cuales construyeron una concepción propia del amor cortés

De esta manera, el lienzo nos invita a imaginar cómo las mujeres nobles, desde la Edad Media hasta el Renacimiento, conocieron e internalizaron estos ideales a través de los dulces cantares de los juglares, la literatura caballeresca y obras como las de Tintoretto. En un contexto en que el matrimonio era un contrato económico y político poco relacionado con asuntos del corazón, las damas de las cortes encontraron en esta forma de amar un espacio de libertad y de decisión. Según René Nelli, “Amor no es pecado, sino virtud, decían los trovadores”. Así, el amor cortés se consolidó como un posible medio para que ellas pudieran ejercer autonomía sobre su propio sentir.

Por último, a través de estas líneas queremos recordar que el Renacimiento no marcó una ruptura respecto a la Edad Media, sino que incorporó y reinterpretó muchos de sus valores. Así como el caballero medieval se convirtió en héroe de las pinturas renacentistas, el protagonismo de la Dama fue una constante en las representaciones que surgieron desde el siglo XII hasta el XVI. Sin embargo, no deseamos mostrar la historia de San Jorge luchando contra el dragón como una leyenda lejana, pues vale la pena apuntar que el impacto histórico y cultural de sus personajes, al igual que las nociones del amor cortés, permean hasta la actualidad.

¿O acaso no es un caballero matando a un dragón lo que vemos en cuentos de nuestra infancia tales como La Bella Durmiente?+

Rosario Neri y Lizbeth Bolaños. Juntas conforman Hijas de Clio, proyecto de divulgación histórica con perspectiva de género. @hijasde_clio @rosario_neri16 @liz_bs

Cómo ser una mujer renacentista

Inició su vida artística como aprendiz en el taller del maestro, e ilustre pintor, Domenico Ghirlandaio. Fue un adolescente que maduró anticipadamente al quedar huérfano de madre, lo cual fue sin duda un golpe duro. Además, su hermano mayor Lionardo se marchó de la casa familiar para tomar el hábito de la orden de los Predicadores, por lo que las responsabilidades de primogénito, que perdurarían por el resto de sus días, recayeron en él. Mucho se conoce sobre la vida de Michelangelo Buonarroti, el más grande escultor que el mundo occidental ha conocido, pues desde su propia época y hasta nuestros días, tanto se ha escrito sobre su biografía y obra que bien se podrían llenar bibliotecas enteras dedicadas al tema “Miguel Angelesco”.

Y el tema se sigue abordando, ya sean nuevos análisis sobre sus obras, o recreaciones novelescas sobre el transcurrir de su vida en la Italia del Renacimiento. El primer libro que leí sobre Miguel Angel fue la novela “La Agonía y el Éxtasis” un libro ladrillo del genial Irving Stone. Los dos más recientes son “El desafío de Florencia”, una entretenida novela histórica de Alejandro Corral, y “Miguel Ángel una vida épica” de Martin Gayford, ambos absolutamente recomendables.

Aún en vida del artista se escribieron dos biografías suyas. Una fue “Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos”, de Giorgio Vasari y la segunda, supervisada y dictada por el mismo Miguel Ángel a su discípulo Ascanio Condivi —su último biógrafo—. Está última fue posterior a Las vidas ya que, en su madurez, el maestro Buonarroti quiso expresar en primera persona y precisar a detalle algunos aspec-

torno a su figura. como una maravillosa exposición que recuerdo haber disfrutado particularmente en el Museo de Arte de Filadelfia en 1997: “Rodin and Michelangelo: A study in artistic Inspiration”. Dos poderosos escultores de distintos tiempos compartiendo la misma sala. Aún más, hace un par de décadas tuve una experiencia bastante original gracias a Miguel Ángel cuando corrió por periódicos y revistas -eran los tiempos anteriores al internet y ni soñábamos con teléfonos inteligentesla noticia acerca del descubrimiento de un mármol en Nueva York. Se trataba de una estatua de un joven arquero también conocida como “El cupido”. Un metro de de altura que, según la historiadora de arte Kathleen Weill-Garris Brandt, provenía de las manos, cinceles e inspiración de Miguel Ángel, lo que entonces generó caliente polémica.

lugar estaba tan acostumbrado a verla diariamente que no prestaban mayor atención. Era parte del cotidiano, un elemento meramente decorativo. Tuvieron que pasar algunos años y muchos estudiosos de arte para que, finalmente, en el 2009 se permitiera su traslado al Museo Metropolitano, a poca distancia de la mansión, incorporándose a la sala de exhibición 503 bajo estrictas medidas de seguridad. Y no fue sino hasta 2012 que el Met cambió

A 450 años del nacimiento de Miguel Ángel Buonarroti

tos que Vasari omitió. Estas han aportado muchísimo material para que la luz de su leyenda jamás se extinga. A la par, cada determinado tiempo hay alguna novedad significativa, nuevas teorías sobre su oficio o descubrimientos novedosos que sacuden a los historiadores del arte de todo el mundo. Por ejemplo, hace no mucho un autor escribió un análisis sobre el fresco de la creación de Adán en la Capilla Sixtina queriendo demostrar que la composición armónica de Adán, casi tocado por Dios, simboliza el pensamiento y representa un cerebro humano. (Silvio Goren “Los mensajes ocultos de Miguel Ángel en el Vaticano”). Además, recientemente se abrió al público una habitación bajo la Capilla Sixtina donde en 1975 se descubrieron dibujos sobre las paredes que han sido atribuidos a Miguel Ángel. Y por supuesto que se organizan exposiciones y simposios muy importantes en

Aprovechando un viaje que hice a la Gran Manzana, y coincidiendo en el tiempo en que esa noticia diera la vuelta por el mundo, me presenté en la sede de servicios culturales de la Embajada de Francia en la Quinta Avenida, -que era la mansión donde estaba esa estatua desde 1904- y logré, no sé cómo, que me permitieran entrar a conocerla. No sólo la observé, sino que también pude dibujarla en mi cuaderno de viaje y fotografiarla. Aún no generaba el maremágnum de curiosos que poco tiempo después hicieron cola para verla y retratarse con la famosa figura re-descubierta. Estaba en un vestíbulo circular y al alcance de la mano. Se podía caminar en redondo para apreciarla completamente. Fascinante. Pude tocarla y acariciarla.

Aún era reciente la revelación y esa pieza había estado allí por años. El personal del

la ficha técnica del Joven Cupido; ya no dice atribuída a Miguel Ángel, sino que lo afirman como autor sin poner en duda su manufactura original.

En 2019 se venció el acuerdo de préstamo entre las autoridades del Metropolitano y la Embajada de Francia, pero fue renovado y se anunció en redes que permanecerá otros diez años a la vista de cada visitante del museo. O sea, que aún hay tiempo para planear un viaje a Nueva York, pasarse por el Met y conocer la única escultura de Miguel Ángel Buonarrotti que existe en el continente americano.

Actualmente es oficial el reconocimiento por parte de la comunidad académica internacional y se sabe que es una obra creada por Buonarotti en su juventud, tallada en el año 1490.

Y es precisamente en su juventud, como dije antes, que inició su profesión artística

Sergio Peraza Ávila

Cupido, Miguel Ángel Buonarroti, ca. 1490, escultura de mármol, Museo Metropolitano de Nueva York, EUA.

Línea del tiempo de las obras principales de Miguel Ángel. Trabajos realizados en Florencia y Roma.

1475 a. C. Nace en Caprese, Toscana, Italia

a. C. Piedad del Vaticano.

como pintor. Uno de sus primeros lienzos existe aún y ocupa un espacio en el museo texano Kimbell Art Museum de Fort Worth. Estuve en este singular recinto en la primavera del 2024, y sé que habrá tiempo luego para escribir a detalle acerca de mi visita, así que ahora me enfocaré en la sorpresa al encontrarme frente a frente con la pieza Las tentaciones de San Antonio pintado por un joven de apenas 12 o 13 años de edad. El luminoso cuadro mide apenas 47 x 34 cm y es conocido por los historiadores del arte como la obra más antigua que se conserva del artista. Es un óleo al temple sobre madera Miguel Ángel realizó copiando de un grabado en blanco y negro, cosa que en aquel tiempo era una auténtica novedad: La tentación de San Antonio realizada por el grabador Martin Schogauer (1470). Novedoso porque es justo en esta época que se creó la técnica del grabado y no sucedió en Italia, sino en la zona cercana al río Rhin. Por ello, cuando esta pieza llega al taller de Ghirlandaio en Florencia, los aprendices se maravillaron con el dibujo al buril y con el nuevo descubrimiento como un medio alternativo para las artes, sobre todo por las posibilidades de la reproducción en serie. Puedo imaginar a los aprendices en una posible competición, copiando el grabado. Entre ellos, el mejor amigo de ese tiempo de Miguel Ángel, Granacci, alentando a mejorar su obra. Y nuestro artista, por superarlos a todos y motivado por las emociones, atreviéndose no sólo a copiarlo casi a la perfección sino también improvisando algunos cambios fruto de su propia fantasía en la composición, agregando colores a su antojo y buen gusto.

Ver este cuadro con mis propios ojos fue un regocijo total. Debo decir que la museografía del Kimbell Museum permite explorar de cerca la pintura; impresiona verlo con lentes de aumento (siempre que acudo a un museo llevo conmigo unas gafas con lupa incorporada) y distinguir las pinceladas. El detalle en cada rostro, garra, escama, lengua y ojos de los monstruosos y fantásticos demonios que agreden al pobre San Antonio, es una maravilla. Algún historiador de arte ha dicho que esa pintura es una fantasía equiparable con lo que un adolescente de los años 80 sintió al ver Star Wars por primera vez, y creo que estoy de acuerdo con eso.

Se le conoce también como “Los tormentos de San Antonio”. El Santo ingrávido flota y es atacado, mordisqueado, rasguñado. A punto de que un peludo demonio le propine un macanazo, son nueve terribles seres los que nos recuerdan a las criaturas imaginadas y pintadas por el Bosco (Hyeronymus Bosch 1450-

1516), criaturas mezcla de reptiles, peces, insectos y murciélagos. Todo lo que un adolescente bastante imaginativo podría deleitarse creando. Hasta cierto punto, esta pintura es divertida si uno imagina el escándalo del revoloteo de alas, antenas, pelos, garras, baba, estertores y colmillos y, al centro de la composición, el santo de rostro imperturbable que flota ascendente y suave. Los entes que representan quizá las tentaciones, no pueden con la calma y paz de este hombre. Seguramente Miguel Ángel se la pasó muy bien al pintarlo y mostrarlo a sus jovenzuelos colegas cuando aún no tenía idea de lo que vendría más adelante en su fructífera y larga vida.

Para este punto de la historia, Miguel Ángel ya había ganado la primera gran victoria de su historia, que fue lograr el permiso de su padre para dedicarse a aprender arte a pesar de todos los designios familiares que estuvieron en su contra, tal como los demonios sobre San Agustín. Por ello me siento dichoso de conocer dos obras de un

artista en plena formación —quizá debería decir de el artista— y, sobre todo, de haber visto las únicas dos obras de Buonarroti en este lado del mundo. Aquí en América, que es todo nuestro continente y no un sólo país, está el artista primigenio. Dos obras que representan el prodigio en la juventud de un hombre en quien ya asomaba la genialidad. El mismo a quien sus seguidores llamaban el divino y que, efectivamente, tuvo ese toque casi de divinidad desde su primera etapa en los talleres. Ya habrá ocasión para visitarlo en Florencia y Roma. Por ahora, quedo tan contento de haber sido sorprendido en estas dos ocasiones por el joven Buonarroti, en Manhattan y Fort Worth, y de compartir con ustedes, brevemente, las experiencias del arte figurativo clásico que tanta falta nos hace ante las ocurrencias de artistas contemporáneos que pegan plátanos en una pared. Finalmente, siguiendo la moda de estos tiempos que estamos viviendo, remato: Make Michelangelo Great Again! +

La tentación de San Antonio (c. 1487–88), por el joven Michelangelo, copiando el grabado de Martin Schongauer.

Sergio Peraza Ávila

1505 a. C. David

1511 a. C. Frescos de la capilla Sixtina.

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EL HOMBRE EN BUSCA DE SENTIDO

Viktor E. Frankl HERDER

El doctor Frankl, psiquiatra y escritor explica la experiencia que le llevó al descubrimiento de la logoterapia. Prisionero, durante mucho tiempo, en los desalmados campos de concentración, él mismo sintió en su propio ser lo que significaba una existencia desnuda. Las palabras del doctor Frankl alcanzan un temple sorprendentemente esperanzador sobre la capacidad humana de trascender sus dificultades.

ESTE DOLOR NO ES MÍO. IDENTIFICA Y RESUELVE LOS TRAUMAS FAMILIARES HEREDADOS

Mark Wolynn OCÉANO

La evidencia científica muestra que los traumas pueden ser heredados. Mark Wolynn, fundador y director del Instituto de Constelaciones Familiares y pionero en el estudio de los traumas familiares heredados, presenta un enfoque transformador que permite resolver problemas crónicos que no han podido ser aliviados mediante la terapia tradicional, los medicamentos u otras medidas.

DEJA DE SER TÚ

Joe Dispenza URANO

A diferencia de otros autores que se pierden en libros demasiado teóricos, el creador de este libro es capaz de explicar los procesos mentales y cómo incidir en ellos de forma clara, fresca e inspiradora a partir de los últimos avances en neurociencia, biología y genética.

MEDITACIONES

Marco Aurelio

EDICIONES GANDHI

En esta obra, el emperador romano Marco Aurelio examina su pasado y su propia conducta, en un marco de referencia ético y filosófico basado en un enfoque estoico, exponiendo la imagen más sincera de su experiencia interior al afrontar la adversidad y relacionarse con los demás.

CUANDO NO QUEDEN MÁS ESTRELLAS QUÉ CONTAR

María Martínez CROSSBOOKS MÉXICO

LA GUERRA DE LA AMAPOLA

Rebecca F. Kuang LADOLIBRO

ELECTRÓNICOS

SIENDO TÚ CAMBIANDO AL MUNDO

Dr. Dain Heer

ACCESS CONSCIOUSNESS

Este es un libro muy diferente. Está escrito para los soñadores de este mundo - las personas que saben que algo diferente es posible - pero que nunca antes tuvieron las herramientas. ¿Y si te dijera que las herramientas existen? ¡Las posibilidades sobre las que siempre soñaste, son posibles! Este libro te proveerá de un conjunto de herramientas prácticas y dinámicas y procesos que te dan el poder para saber lo que es verdad para ti y lo que en verdad tú eres.

WICKED. MEMORIAS DE UNA BRUJA MALA

Gregory Maguire

PLANETA

En un pueblo de pescadores de Munchkinland nace Elphaba, un bebé de piel verde y dientes de tiburón con los que arranca los dedos a la comadrona. Elphaba crecerá para convertirse en la Malvada Bruja del Oeste, una persona ingeniosa, irritable y poco comprendida que pone en tela de juicio todas nuestras nociones preconcebidas sobre la naturaleza del bien y del mal.

COMO AGUA PARA CHOCOLATE

Laura Esquivel

SUMA

La novela narra la historia de Tita de la Garza a manera de recetario, donde cada capítulo es una receta que relata las aventuras de la protagonista en una casa donde la tradición la obliga a quedarse a cuidar a su madre, y por lo tanto, sin poderse casar nunca.

ARTE Y RECREACIÓN

LA VEGETARIANA

Hang Kang

PENGUIN RANDOM HOUSE

Premio Nobel 2024

Situada en Corea del Sur, La vegetariana es la historia de una metamorfosis radical y un acto de resistencia contra la violencia y la intolerancia humanas. Galardonada con el Premio Booker Internacional, esta bella y perturbadora novela catapultó internacionalmente a la que es una de las voces más interesantes y provocadoras de la literatura asiática contemporánea.

NADIE PUEDE SALVARTE EXCEPTO TÚ

Madame G. BRUGUERA

Este libro te escuchará y te abrazará sin condiciones. Sus páginas son un lugar seguro y privado al que podrás acudir cuando más lo necesites, y te invitarán a comprender y a aceptar todos los capítulos de tu vida, con sus altibajos. En él encontrarás las herramientas para explorar tus sentimientos más profundos, dejar ir a aquellas personas que te hacen daño y aprender a confiar en ti misma para sanar.

CALCETIN CON ROMBOS MAN: EL ORIGEN

31 Minutos PLANETA

DIARIO DE GREG

19- EN SU SALSA

Jeff Kinney PENGUIN RANDOM HOUSE

DESCUBRE A LOS MEJORES AMIGOS

Tomás García Cerezo HACHETTE

Los mejores amigos de los héroes de las películas de Disney y Pixar están listos para ser descubiertos sólo con llenarlos de color. Cada lámina esconde un buen amigo que encantará con su simpatía y genialidad.

MI PEQUEÑO GATO Novelty NOVELTY CORP

MINI ANTIESTRÉS / EL PODER DE LAS

CHICAS

Tomás García Cerezo

HACHETTE

Las figuras femeninas de Disney tienen una gran relevancia en las historias de las películas gracias a su encanto y simpatía. Aunque su papel no siempre es el de heroínas o villanas, todas ellas gozan de gran inteligencia y capacidad para resolver sus propios retos. Esta es la personalidad que se imprime en las maravillosas láminas de este libro.

DESCUBRE A LOS MAS VILLANOS

Tomás García Cerezo

HACHETTE

Los más villanos de las películas Disney se reúnen aquí, pero no es fácil descubrir quién se encuentra en cada página. Habrá que descubrir a los malvados personajes a través de colorear los dibujos siguiendo la guía de color. Esta actividad, además de ser recreativa, dará grandes beneficios de relajación, bienestar y hará que se olviden las situaciones de estrés del día.

ARTE ANTIESTRÉS / DESCUBRE EL SECRETO DE LAS PRINCESAS

Graciela Iniestra Ramírez HACHETTE BIENESTAR

Las Princesas Disney dejaron atrás la clásica idea de su naturaleza delicada y apacible. Las láminas de este libro demuestran que hoy las Princesas son aguerridas, decididas y tienen un espíritu libre que las hace únicas y adoradas por sus fans. Desde la intrépida Sirenita, pasando por la valiente Mérida y la inteligente Bella, todas las Princesas sorprenderán con sus increíbles poses y escenas maravillosas en cada lámina para colorear.

COCINOLOGÍA

Dr. Stuart Farrimond

DORLING KINDERSLEY

Descubre con Cocinología los conceptos fundamentales de la cocina revelados junto con prácticos consejos y técnicas paso a paso, que harán de tu cocina un auténtico laboratorio. Encuentra las respuestas a las preguntas que hasta ahora no tenían solución con capítulos dedicados a los principales alimentos y preparaciones: carnes, aves, pescados, legumbres y cereales o vegetales entre otros.

ROBOT SALVAJE (TIEIN)

Peter Brown PLANETA

MULTIVERSO CHUYMINE

Chuy Mine PENGUIN RANDOM HOUSE

Francisca Solar Elbuzóndelasimpuras

Por: Carmen A. Castillo y José Luis Trueba

Ve la entrevista en mascultura.mx

Francisca Solar es una de las escritoras chilenas más leídas. Su obra —que transita entre la ficción y la no ficción— se muestra en casi veinte libros que circulan en igual número de países, traducidos a cinco idiomas. El buzón de las impuras es su nueva novela y en ella nos revela una de las tragedias histórica más grandes: el incendio que ocurrió en la Iglesia de la Compañía en Santiago de Chile a mediados del siglo XIX, a través del cual —a pesar del tiempo y la distancia— nos encara con una realidad que aún persiste. Conversar con ella en este mes era fundamental.

Lee+: Cuéntanos qué ocurrió en el incendio de la Iglesia de la Compañía.

Francisca Solar: El buzón (Urano) toma esta tragedia como un hito central. El gran incendio de la Iglesia de la Compañía ocurrió el 8 de diciembre de 1863. Durante la misa, la multitud quedó atrapada dentro de la iglesia. Cerca de 2,500 personas, en su mayoría mujeres, murieron quemadas vivas. La pérdida es mayor en número de decesos que el Titanic y casi el igual en número que en las Torres Gemelas. Además, ocurrió en un momento clave en que el Estado comenzaba a separarse de la Iglesia Católica. El relato oficial culpó a las víctimas, sugiriendo que la ropa voluminosa les impidió escapar. Lo que hago en la novela es desmontar la versión oficial gracias a una investigación rigurosa. Lo inquietante es que la historia se manipuló para culpar a las víctimas, protegiendo al victimario. Entonces me pregunté: ¿a quién se estaba protegiendo con la versión oficial? Esa fue la interrogante que guió mi investigación.

Lee+: En toda América Latina, las víctimas olvidadas siempre han sido las mujeres…

Francisca Solar: Las mujeres eran vistas como objetos sociales y propiedad. Como eran mujeres, el hecho se olvidó y la historia fue manipulada. ¿Qué habría pasado si los muertos fueran hombres? Esto sería un hito en los libros de historia. Al ser mujeres, casi nada se escribió y terminaron en una fosa común sin ser identificadas. Tomé las diferentes listas que existían para crear una sola, unificada. Conseguí identificar 1.300 personas. El pasado 8 de diciembre la compartí en mi sitio web para que cualquiera pudiera descargarla y tomar un nombre para representar a una víctima en la conmemoración. El Senado de Chile abrió el lugar donde estaba el Templo de la Compañía. Asistieron 1.500 personas, y cada una llevó algo en honor a una víctima diferente. Por primera vez se nombró a las víctimas en voz alta.

Lee+: Cuando comienzas a trabajar esta obra, tienes materiales que se consideran ciertos, pero también te enfrentas a muchas lagunas. ¿Cómo llenaste esos vacíos?

Francisca Solar: Yo soy novelista, no historiadora. Tengo la libertad de abordar la historia con rigor, pero también la capacidad para especular cuando hay vacíos. ¿Por qué la novela no se llama El incendio de la Compañía? La razón es fácil de explicar: lo único que quedó intacto fue el Buzón de las Impuras, el cual era usado

como símbolo de coerción, pues se obligaba a las mujeres a escribir sus pecados y ofrecerlos a la Virgen. Lo extraordinario es que, al abrirlo tras el incendio, no había pecados, sino denuncias. Por ello, cuando me di cuenta de la importancia de esta historia, supe que debía contarla.

Lee+: La novela histórica tiene el poder de dar voz a quienes se la hemos quitado. ¿Qué se siente dar voz a tantas mujeres?

Francisca Solar: Siento que aún no me recupero emocionalmente de la novela. La mayoría de los capítulos son cortos, pero el que relata el incendio tiene casi 50 páginas. Mi intención era que el lector viviera el suceso sin pausas, sin espacio para respirar. No quería que se relajara, sino que sintiera el sufrimiento de esas mujeres. Creo que es lo mínimo que las víctimas merecían: que se conozca su martirio. El incendio fue un accidente y el resultado de la negligencia. Los jesuitas cerraron una vía de escape para salvar los bienes de la sacristía en vez de salvar a las mujeres. La culpa recayó sobre las víctimas, pero al darles voz en la novela pude señalar a los responsables con nombre, algo que nunca se había hecho. Al final, al contar la historia desde la perspectiva de las víctimas, busco una reivindicación histórica, una forma de devolverles su dignidad.

Lee+: Me sorprende la cercanía de lo que cuentas, con lo vemos hoy en los feminicidios en que se culpa a la víctima. ¿Realmente necesitamos mantener estas tradiciones?

Francisca Solar: Son una carga para la evolución de las sociedades. Aún vivimos en un sistema en el que, si te pasa algo malo, la culpa es tuya. Vemos juicios por abuso en los que primero se juzga a la víctima y no nos enfocamos en el perpetrador. Lo que me impresionó de las mujeres en 1863 fue su valentía. No tenían nada qué ganar y mucho por perder con sus denuncias. El Alcalde de Santiago defendió su identidad al proteger el buzón porque sabía que, si se divulgaba su contenido, se culparía a las víctimas y los sacerdotes siempre saldrían como inocentes.+

ElmisteriodeAlejandroVelasco la primera novela

de Diego Boneta

Este thriller, ambientado en la mágica ciudad de San Miguel de Allende, nos sumerge en el enigma de la muerte de un célebre tenista, tras la cual se desatan tensión, deseo y peligro. Con una narrativa ágil y personajes complejos, Boneta confirma su capacidad para contar historias más allá de la pantalla. El misterio de Alejandro Velasco estará disponible en su versión en español en mayo de 2025 gracias a la editorial VR Editoras, marcando el inicio de una nueva y prometedora vertiente en su carrera.

COMIENZA EL ADELANTO

Junio

Nadie habría reconocido al joven que salió del carro negro en la entrada cercada de la finca de los Velasco. Incluso si lo hubieran estado esperando.

Todavía no caía la tarde; la puesta de sol envolvía la casa en una elegante danza de sombras y luces, haciéndola parecer más grande y misteriosa que en las fotos que él había estudiado. Por mera apariencia, se aseguró de mantener el carro esperando junto al interfón.

Él era atractivo; recientemente se había cortado el cabello negro para que cayera justo sobre la frente. Sus zapatos boleados con cuidado resaltaban en el empedrado. Se ajustó el saco, colocó su maleta junto a los pies y después tocó el timbre dando un paso hacia atrás para asegurarse de salir completo en la cámara.

–Sí, diga –respondió una voz de mujer. –Hola. Mi nombre es Julián Villarreal –contestó. Hubo una pausa, pero el joven sabía que no le convenía esperar tanto–. Era amigo de Alejandro –agregó.

Se escuchó un click cuando la mujer colgó y, segundos después, la reja empezó a zumbar al momento de abrirse.

–Pase, por favor –dijo la mujer mientras le daba acceso.

la mano. Después levantó su maleta y cruzó el largo camino hasta la casa con estilo de hacienda. Al llegar a los escalones de piedra, pudo admirar lo que alcanzaba a ver de la propiedad: palmeras lozanas, una floresta de plantas endémicas, arbolitos cítricos en macetas que decoraban las paredes blancas estucadas, adornando un pasaje arqueado que parecía llevar a un patio. Pudo oír el murmullo de una fuente desde dentro y oler el dulce aroma de las flores azules y blancas de plumbago. Los cerros ondulantes de San Miguel de Allende podrían haber sido una pintura de fondo si no fuera por las sombras de las nubes en movimiento.

Esto era el paraíso. Casi. Sintió que algo oscuro dentro de sí empezaba a palpitar. Esperaba que fuera ira y pérdida, pero no esta sensación de… deseo.

La puerta se abrió antes de que lle gara al timbre; una mujer alrededor de sus cincuentas lo observaba desde dentro, llevaba sobre la ropa un delan tal amarillo mostaza.

–El señor Alejandro… no se encuen tra –informó la ama de llaves sin mo verse de en medio de la entrada.

Era una forma interesante de expre sar que Alejandro simplemente taba allí. Aunque pensándolo bien, ella no era la única que manejaba el len guaje en código. Él asintió levemente y aclaró que había venido para hablar con la madre de Alejandro.

–De hecho, quería hablar con la se ñora Velasco.

La mujer lo examinó por un mo mento, luego se hizo a un lado y guio al joven hacia adentro. Le pidió que es perara un momento mientras buscaba a la señora de la casa. Él vio al ama de llaves retirarse en silencio por un pa sillo a la derecha, y pronto escuchó el suave golpeteo de sus pasos sensibles en una escalera cercana.

Desde el pasillo arqueado podía ver el gran patio de frente a través de algunas puertas de cristal. Una fuente cubierta de mosaicos se alzaba en el centro, la cual se iluminaba contrastando con el cielo que oscurecía rápidamente. Se imagi naba las fiestas celebradas en ese pa

Este Villarreal era un hombre de gustos impecables. Ya lo era incluso cuando él y Alejandro recién se conocieron. Aun así, el hombre movió los hombros para ajustarse el saco en una breve punzada de incertidumbre antes de despedir al chofer con un gesto de Diego Boneta, reconocido por su fructífera faceta como actor y cantante, da un nuevo giro a su carrera con el lanzamiento de su primera novela, El misterio de Alejandro Velasco (The Undoing of Alejandro Velasco). A sus 33 años, el talentoso mexicano da muestra de versatilidad al entrar en el mundo literario con una historia que promete cautivar a lectores y seguidores por igual.

tio: parejas bailando y dando vueltas, risas resonando en las paredes mezclándose con el chapoteo del agua; un Alejandro encantador de dieciséis años socializando con los amigos de sus padres mientras bebían del oporto que le robaron a su papá.

Un peso amenazó con aplastar su pecho –un sentimiento parecido a la ira–, luego se giró para examinar el resto de la casa. Conforme contemplaba el ambiente, escuchó pasos que venían bajando de las escaleras. Sacó sus manos de los bolsillos y entrecruzó sus dedos para parecer más accesible. En eso, vio a María Velasco salir de una habitación casi invisible. Supo de inmediato que era ella (Alejandro le había mostrado muchas fotos). Era una mujer de cincuenta y tantos años, atractiva e imponente, vestía un traje de pantalón verde oliva, su porte daba la impresión de que acababa de hacer negocios antes de que él llegara. No había duda del parecido con su hijo.

–¿Julián Villarreal? Reconozco el nombre.

entrevista a María Eugenia Mayobre

Por: Mercedes Alvarado

La lata de galletas bajo la cama es un consuelo al que Sofía vuelve mientras mide mentalmente un precipicio frente al que no quiere rendirse. Ha pasado los últimos meses descubriendo a Claire mientras la acompaña entre consultas, compras, antojos llenos de calorías e inesperados viajes por carretera en una cautivadora y muy vieja vanagon. Tiene hambre de nuevo y, aunque sus 35 libras de más en la cadera son una inquietud constante, ahora hay algo más urgente: debe decidir si le ayudará, como se lo ha pedido, a morir bajo sus propios términos.

Alvarado: Esta es una novela con una protagonista joven, de casi 35 años, que trae cargando algunas situaciones complicadas. ¿Quizá un trauma?

Mayobre: Sí, su padre murió. Le había pedido que le ayudara a morir dignamente y ella no lo hizo. Eso quedó en algún lugar. Además está la migración. Sofía ha tenido sus broncas en la vida.

Alvarado: Y tiene un conflicto con el peso, como muchas mujeres latinoamericanas. Mayobre: Como muchas de nosotras. Es muy común en Latinoamérica hacer comentarios sobre el cuerpo del otro, positivos o negativos: “Estás más gorda, más flaca”, “Te ves más vieja, más joven”… Eso sin hablar de la publicidad. En Venezuela todos los anuncios, de lo que sean, son mujeres en bikini, con cuerpos que siguen estándares de belleza muy específicos.

Alvarado: Hay una relación entre el deseo y la culpa con la comida; la búsqueda de satisfacción inmediata y el vacío que vuelve a aparecer. Sofía no se atreve a ser la mejor versión de sí misma.

Mayobre: Bueno, es que el vacío se llena. Cuando te comes esa galleta, sientes que el vacío se fue, aunque sea durante cinco minutos. Y ella siente miedo al éxito, miedo a ser feliz, miedo a ser esa mejor versión de sí. Porque entonces, ¿qué justificación va a tener si es su mejor versión y sigue sintiendo ese vacío? Esta también es una novela sobre la adaptación. Sofía al inicio se pregunta por qué siempre tiene hambre: no sólo física, sino también de experiencia. Se pregunta: “¿Por qué necesito saltar de una vocación a otra, de una relación a otra, de un trabajo a otro?”. Y después dice: “Bueno, soy así, esta es mi naturaleza y listo”. Mi manera de escribir no es construir personajes que de pronto cambian y pierden peso o encuentran al amor de su vida. Es más bien un viaje interno en el que una empieza a quererse un poco más.

Alvarado: Una aceptación de lo que no podré ser, de lo que estoy tratando de ser… y también una aceptación de la muerte. Mayobre: Este es un tema del que no hablamos lo suficiente. Y menos aún de la muerte digna. ¿Cómo es posible que

seamos más compasivos con nuestras mascotas? Soy una gran amante de los gatos; tuve uno durante 20 años y cuando lo vimos sufriendo, lo llevamos al veterinario para que tuviera una muerte digna. ¿Por qué no podemos hacer esto con nuestros seres queridos, especialmente cuando es su decisión? No estoy diciendo que uno decida por el otro. Digo que cuando tú decides que no quieres seguir sufriendo porque tienes una enfermedad terminal o porque estás en las últimas o por lo que sea, ¿por qué no es legal tener una muerte digna? Es importante abrir el tema y discutir al respecto. Sé que es un tema tabú en la religión. Si alguien es religioso y no quiere, adelante. Pero quien no lo sea, debería tener el derecho a hacerlo.

En el libro menciono el documental The Suicide Plan, del programa Frontline de la televisión pública estadounidense. Entrevistan a muchas personas, pero hay un caso especial: una mujer que ha tenido una vida increíble: fue bailarina, se lanzó en paracaídas, hizo muchas cosas y todavía está muy saludable. La diagnosticaron con una enfermedad letal y ella decidió que no quería pasar por todo ese rollo. Su esposo, con todo y el corazón roto, la apoya en su decisión, porque el amor también es soltar. Y una piensa: “Qué valiente, qué bonito”. Es una gran historia de amor. Una vida bonita también puede merecer una muerte bonita, ¿por qué no? No doy respuestas en el libro, pero quiero plantear las preguntas y que cada quien reflexione sobre su posición al respecto.

Alvarado: Sofía siente mucha admiración por Claire. Es una amistad que se construye en la ayuda mutua y nos plantea qué signi fica vivir al máximo. Me parece que esto también incluye cómo morir de la mejor manera frente a una enfermedad. Mayobre: Exacto. Algunas veces me han preguntado: “¿Te imaginas si supieras exactamente la fecha en que vas a mo rir?”. Es utópico, claro, pero sería intere sante. Poder decir: “Quiero hacer esto y esto y esto antes de morir” o “Ya no me interesa el tratamiento y la triple opera ción y todo lo demás”. Son razones muy personales para que cada quien tome es tas decisiones, pero no estaría mal que la medicina ayude cuando es necesario.

Alvarado: El libro gira en torno al viaje interno y las decisiones que van tomando las mujeres, los personajes masculinos no son tan activos. ¿Fue esto consciente en tu escritura?

Mayobre: Es la historia de una amistad entre dos mujeres muy diferentes, de países, aficiones y edades distintas. No quería irme por la tangente y hablar de la relación de Sofía con su pareja, aunque sí hay elementos importantes que se cuentan, pero no es el tema central. En algún momento este libro tuvo 300 páginas y hablaba mucho de las relaciones con sus ex novios, pero me di cuenta de que eso no era lo más importante y no quería distraerme de la esencia de la historia, que es la amistad, el amor por la vida y la muerte digna.

Alvarado: También es una historia de los viajes por carretera.

Mayobre: ¡Sí! Amo los viajes por carretera. Tengo una camioneta que compré en la crisis de la mediana edad. Es del 85 y se echa a perder a cada rato así que me sirvió bien para describirla en la novela, pero no para viajar. Ahora tengo un carro más nuevo que compré pensando en que debía caber un colchón inflable, así que he hecho algunos de los viajes que hacen Sofía y Claire durmiendo en mi camioneta, en los campamentos. Escribo sobre gente que conozco y también sobre gente que quiero ser.

Alvarado: Cuéntanos qué estás escribiendo ahora.

Mayobre: Una novela sobre un crush literario. ¿Te ha pasado alguna vez que te has enamorado de un autor? Que de repente abres un libro y dices: “¿Dónde has estado toda mi vida? ¡Me estás leyendo la mente!”. Sobre esto quiero escribir. Es una mujer que también está en el tedio existencial, aunque mayor en edad que Sofía, y descubre a una autora que la sacude.+

María Eugenia Mayobre Blackstar Editorial: Hachette Literatura

Rubí Tsanda: Darle voz a la lengua, hacer poesía en la memoria

Rubí Tsanda es poeta, traductora, lingüista, comunicadora en Voz de la Cultura P’urhépecha/ Purépecha y docente de la misma lengua en el Departamento de Idiomas de la Universidad Michoacana de San Nicolás de Hidalgo. Originaria de Santo Tomás, Chilchota, Michoacán. Es Licenciada en Historia por el Centro Universitario de Ciencias Sociales y Humanidades de la Universidad de Guadalajara y ha dedicado su vida a la promoción y fortalecimiento de su lengua materna a través de la realización de documentales y participación en foros, congresos y coloquios nacionales e internacionales, así como en diversos encuentros y festivales de poesía a nivel nacional. En 2014, realizó una traducción de la antología de Octavio Paz Corrientes alternas en lengua purépecha para el Instituto Nacional de Lenguas Indígenas. Dentro de sus obras se encuentran K'arhánkuntskuecha/ Delirios, Náandi pireku ma cheti sapiini / Cantos de una mamá purépecha a su hijo, Cantos de una mujer p'urhépecha. Sus trabajos más recientes son la traducción del poema Grito hacia Roma de Federico García Lorca y la antología La Voluntad de la Tierra.

Rubí, ¿De dónde viene esta pasión? No solo por el purépecha, sino por las lenguas en general.

Bueno, siempre lo he mencionado, creo que una cosa me llevó a la otra y que empezar a escribir en lengua purépecha me abrió a muchas reflexiones. Cuando empecé a escribir, hace casi 20 años, el tema literario no estaba muy difundido en las lenguas indígenas, o no había tanta difusión como ahora con las redes sociales. Me percaté que, incluso si escribíamos, no había muchos lectores y no había mucha gente que supiera leer en nuestras lenguas. Esto me llevó a preguntarme, ¿quién lo va a leer?, ¿qué sentido tiene que yo escriba en mi lengua si no hay lectores? Había una resistencia y una necesidad al mismo tiempo por cómo lograr que la gente de mi comunidad o los hablantes de purépecha se acercaran a este tipo de literatura y hace poco más de 12 o 13 años que inicié a dar clases de Purépecha.

Aunque muchos lo hablan, hay una gran barrera lingüística que se relaciona con que somos analfabetos en nuestro propio idioma. La falta de estandarización dificulta su lectura y escritura, creando una barrera lingüística. Esto me llevó a la enseñanza del purépecha como segunda lengua, a la alfabetización de hablantes y, finalmente, a la traducción, áreas en las que he trabajado los últimos 15 años.

Me interesa que hablemos sobre la falta de lectores. ¿Cómo te pones en contacto con la gente para acercarles a García Lorca o a poetas en otras lenguas?

Ha sido un proceso muy interesante, porque precisamente en esa búsqueda de lectores, para ver si había alguno debajo de alguna roca, te das cuenta que de repente publicas tus textos, poemas, relatos o novelas que ya están escritas en lenguas indígenas y están ahí en los archivos. Los textos en lenguas indígenas

se publican, pero no reciben la difusión necesaria, lo que genera la falsa percepción de que hay lectores cuando, en realidad, se desconoce esta literatura. Al notar esto, comencé un diagnóstico sobre la presencia y el conocimiento de la literatura en lenguas indígenas, y descubrí que en muchas escuelas sólo se usaban poemas para eventos conmemorativos, sin una verdadera exploración de su valor literario.

Esto me llevó a crear talleres para niños y jóvenes, acercándolos al mundo de la creación literaria en sus propias lenguas. Me sorprendió descubrir que muchos desconocían la diversidad lingüística del país y creían que solo existía el purépecha. Con el tiempo, mis textos comenzaron a utilizarse como material didáctico en mis cursos de purépecha, ayudando a los estudiantes a familiarizarse con la lectura, la pronunciación y el análisis de poemas.

Hablando del Grito hacia Roma de García Lorca, ¿cómo haces para conseguir traductores que entiendan de poesía y sus características? Es decir, no es sólo poner líneas en la página, sino que mantengan los ritmos y la rima, en todas estas lenguas.

Actualmente, en México estamos formando redes literarias más sólidas en torno a las lenguas indígenas, lo que antes estaba disperso. Gracias a las redes sociales, a encuentros en eventos y proyectos, hemos identificado y consolidado escritores de toda la república, muchos de ellos también docentes de náhuatl o zapoteco. Esto nos permite recomendar traductores y creadores literarios cuando surgen oportunidades en instituciones y convocatorias. En cuanto a mi experiencia, al principio dudé en aceptar la traducción de Grito hacia Roma de García Lorca, pues ya había enfrentado el reto de traducir a Octavio Paz, pero decidí asumirlo como un desafío mayor. Fue un

Ve la entrevista en mascultura.mx

proceso complejo, especialmente en lenguas originarias, en las que es crucial mantener la esencia del texto. Hoy, en esta generación, hemos logrado consolidar un grupo fuerte de escritores y traductores con trayectoria y experiencia, algo que ha sido clave para seguir avanzando en la literatura en lenguas indígenas.

En Grito hacia Roma, hay muchas complejidades que lo acompañan, como lo es el lugar donde fue escrito ya que, aunque sea en español, esta influencia de Nueva York es realmente notoria y la época vanguardista en la que García Lorca escribe el poema trae sus propios desafíos. ¿Cómo batallaste con estos elementos? Porque no creo que su adaptación haya sido plana o sencilla.

No, definitivamente no fue un proceso plano, se lo llegué a decir a Natalia Toledo, coloquialmente decimos que nos hicieron “parir chayotes”. El proceso de traducción es súper complicado, sobre todo cuando se trata de un lenguaje literario lleno de metáforas, figuras y otros elementos que no siempre tienen una equivalencia clara. Primero había que estudiar el texto a fondo, entender en qué lugar fue escrito y qué sentía el autor al hacerlo. También tuvimos que discernir muchas cosas, como qué hacer con palabras o conceptos que simplemente no tienen lógica en lenguas originarias. Siempre existen términos intraducibles y el reto es que el mensaje sea fiel y legible sin perder su sentido literario. La verdad es que nos hizo “parir chayotes”. Al principio hice cuatro borradores y ninguno me convenció. Seguí trabajando, modificando, buscando palabras y construyendo otras nuevas con neologismos, para que ni mi lengua ni la idea original se perdieran. Fue un trabajo intenso, y cada decisión exigía equilibrio y creatividad.+

Contra la obsolescencia del libro y las librerías

Fernando Sanabrais

Se edita para hacer legible el mundo Jacobo Zanella, editor de Gris Tormenta

Nadie sabe por qué se vende un libro. Esta frase de Luigi Amara, escritor, editor y librero, en el prólogo de La invención de un lector, de Cecilia Fanti, expone la incertidumbre que agobia a todos quienes hemos transitado el mundo del libro y las librerías. Por más que nos empeñemos en desentrañar sus razones, por más cálculos, especialización o inteligencia artificial empleemos, seguimos sin descifrar completamente qué fuerza impulsa a un libro a encontrar a su lector. Una ironía ineluctable, y por suerte, irreductible.

Editado por Gris Tordentro de su colección Editor —una serie de rarezas y hallazgos narrados en primera persona desde el backstage de la creación de los libros—, La es una muestra más del criterio exquisito de la editorial, que ha sabido construir un catálogo poderoso con antologías de autores indispensables un taller editorial que reflexiona sobre la intersección contemporánea entre escritura, lectura y edición. Explora, así, la idea del libro mismo, sus posibilidades, componentes y estructuras

En La invención de un lector, Fanti traza seis apuntes sobre la formación del catálogo de una librería y una reflexión sobre el oficio de una librera. Pero Fanti no es solo eso: ha colaborado en proyectos de edición independiente, trabajado en comunicación y marketing en Penguin Random House Argentina, impartido clases de Lengua y Literatura y, en 2017, tomó las riendas de la librería Céspedes, en Buenos Aires. Su trayectoria la define: encarna el compromiso absoluto con los libros, las letras y la cultura. Y, como bien apunta Luigi Amara: la afición a la lectura es la puerta de acceso a drogas duras como escribir, fundar editoriales o hacerse librero

El texto es más que un ensayo sobre dicho oficio; es un manifiesto sobre el delirio, la necedad y la imposibilidad de sostener una librería, salvo por una convicción inquebrantable. No olvidemos que Fanti escribe y trabaja en Buenos Aires, la ciudad con más librerías por habitante en el mundo: cada barrio, cada cuadra, cada segmento de la ciudad tiene librerías de bibliófilos y anticuarios, librerías de usados, librerías de nuevos, librerías de cadena, librerías boutique, librerías que son una fiesta, librerías a puertas cerradas y ocultas. En este ecosistema, abrir y sostener una más es un acto de fe, de resistencia, una declaración de amor y obstinación. Porque la librería no es simplemente

un negocio, sino un refugio: un territorio de infinitas posibilidades.

Fanti nos guía por los pasillos de su espacio, por las entrañas de un oficio sin artificios ni falsas esperanzas, pero con la ilusión intacta de que los lectores encuentren allí un libro que los aguarde. Y conviene recordarlo: en el trabajo del librero no hay glamour, pero sí compromiso y una fijación casi obsesiva. No importan demasiado los números ni los indicadores comerciales, sino la pasión, la entrega y la certeza de que cada título del catálogo ha sido elegido con convicción. Un libro puede vender mucho, poco o nada [...]. Pero nunca va a volverse obsoleto, afirma la autora con la seguridad de quien ha vivido el encanto y el desgaste de sostener un espacio donde el éxito no se mide en cifras, sino en permanencia.

La invención de un lector es, en última instancia, una defensa de ese prodigio. Un texto que confirma que, aunque la industria editorial tenga sus precariedades y desengaños, en el simple acto de recomendar un libro al lector adecuado persiste algo único. El libro traza una cartografía emocional del librero, una figura que oscila entre el comerciante y el confesor, el traficante y el terapeuta. Fanti lo sabe: en cada compra hay una historia y en cada venta, un misterio. Los lectores llegan con la esperanza de encontrar un libro que les cambie la vida, y los libreros, a su manera, son los encargados de cumplir ese deseo. Porque siempre habrá alguien buscando un libro que no sabe que necesita y siempre habrá un librero dispuesto a ponérselo en las manos. Ya lo decía Juan Villoro en esa frase que siempre vale la pena repetir: Lo más importante de los libros son las manos que los entregan +

Cecilia Fanti

La invención de un lector Editorial: Gris

Fernando Sanabrais. Vive entre libros: los difunde, los disfruta, los padece. Hace casi 20 años entró al mundo de las librerías y desde entonces no ha salido... ni parece que lo hará pronto. En ocasiones escribe.

Tormenta

En defensa de la curiosidad expandida

Nuestras infancias crecerán expuestas a la cotidianidad con dispositivos tecnológicos con infinita capacidad de almacenamiento y acceso ilimitado a un gran cúmulo de información, aún si las últimas investigaciones no lo recomiendan. En este contexto, podría resultar liberador que la memorización, como señal de inteligencia, quede en segundo plano para las siguientes generaciones.

Se librarán diferentes batallas. Un escenario posible es que acumular información en la mente tenga menos relevancia que aprender a mirar. Otra será la transformación de los dispositivos tecnológicos en herramientas para explorar cada dimensión de la vida, convirtiéndolos en fuente de riqueza y conocimiento, en lugar de meros estímulos que distraigan a los pequeños, incluso de sí mismos. En cualquier sentido, nuestra mejor apuesta como sociedad puede sustentarse en ampliar la curiosidad y estimular la genialidad innata de las infancias; darles elementos para desarrollar una capacidad crítica y agudizar su pensamiento, así como apostar por un desarrollo cognitivo que no se centre en acumular conocimiento, sino ponerlo en juego. Creo profundamente que aprender a mirar hacia afuera, nos permite mirar nuestros propios recovecos. No por comparación, sino porque nos reflejamos en la diferencia. No para delimitar los mundos, sino porque observar otras dimensiones de la vida es una posibilidad de riqueza.

Aquí, tres recomendaciones para acompañarles en la posibilidad de crear un rico diálogo interior y exterior:

dad visual. Ilustraciones de extremada belleza, explosión de colores y la alternancia con el blanco y negro, nos sumergen en un mundo casi táctil y casi sonoro en cada página, por lo que se vuelve una gran herramienta para hablar con los más pequeños sobre la inclusión. ¿Cómo es no mirar, pero atravesar una calle llena de olores?, ¿cómo es no mirar, pero esperar el autobús, ir a la escuela, hacer nuevos amigos?, ¿cómo es no mirar y habitar tu entorno, amar tu ciudad?

La sensación interior que resulta de caminar en cada página de este libro ilustrado, interpela a nuestros sentidos corporales y crea un puente con un personaje entrañable. El autor señala que una de sus intenciones era la integración del mundo de los invidentes al nuestro, pero lo que logró fue sumergirnos en un nado onírico y sensorial de ese otro mundo.

2. Todos los árboles, algunos árboles | Mónica Rodríguez, Manuel Monrroy | El naranjo Un libro donde quepan muchos libros: podría ser un libro, un tríptico, un folleto desplegable. Pero es, sobre todo, un mar de poesía y un ejemplar que contiene a otros: pequeños y medianos. A cada vuelta de página se despliega una invitación al juego, a una nueva posibilidad de lectura, extendida, pero también a la armonía, al viento y su cadencia: Prométeme que escribirás un verso. ¿Estás en la ciudad? Sentirás el aire fresco: Nos basta el aire, ¿Estás sobre el asfalto? Tu imaginación te hará vibrar en el viento: Sopla el viento y es ese zarandeo... ¿Estás frente a un libro? Si es este libro, te hará mirar más que papel y palabras: Mira el río. Mira la lluvia. Mira tu corazón.

Lluvia Soto

3. Cuando hicimos un fandango | Ana Zarina, Eréndira Derbez | Elefanta Editorial Ana Zarina es música, trovadora, productora y gestora cultural. Desde esta vasta experiencia, teje una historia en la que Lupe, una pequeña niña que habita un pueblo de una gran historia musical, organiza un festejo secreto para su abuelita Flor; un fandango. Con este pretexto, nos lanzamos a un diálogo intergeneracional, en que la solidaridad, el sentido de comunidad y el compadrazgo, se hilan con las raíces y la memoria que que existe en el testimonio oral, en los sentimientos y los sentidos, en la musicalidad de la palabra y su armonía. Que para este libro, las ilustraciones estuvieran a cargo de la mexicana Eréndira Derbez, reconocida por la perspectiva social y enfoque de género vertida en su trabajo, fue un bello acierto. Cada avance en la historia y cada verso van acompañados de una imagen llena de color y belleza que nos conduce a una experiencia visual y sonora, armónica y envolvente.

Anotaciones últimas

Crecí siendo lectora de historias en las que no había protagonistas de grandes hazañas, así que no dejo de celebrar que lo que era un encuentro excepcional, ya no lo sea. Hoy, los libreros se llenan con diversidad de voces que en otros tiempos estuvieron dominadas, sobre todo, por lo masculino. De manera involuntaria, en esta selección de títulos hay protagonismo de los personajes en femenino y la labor de autoras e ilustradoras. Sean estas recomendaciones un pretexto para alimentar la vocación innata por hacer preguntas en los más pequeños de nuestro entorno, para encontrar representación de lo femenino y también para dibujar un paisaje interior con la infancia que alguna vez fuimos.+

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