Ojos rojos 10 by Mili Sánchez

Fotografía de portada y contraportada de Eugenio Recuenco Diseño y maquetación: Mili Sánchez La tipografía DNNR ha sido diseñada por Ipsum Planet para la revista Neo2 <www.neo2.es>

©Carlos De Paz

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Oriol Maspons

ENTREVISTAS Jordi Socás

NOMBRE PROP

LATINOAMÉRIC

Eugenio Recuenc

Eunice Adorno

PIO

36 42

COMODÍN Have a nice book

SANGRE FRESCA Carlos de Paz

56 62

EL MUNDO ALREDEDOR Getxophoto

LA PIEZA Gregory Crewdson

Jordi

SOCÍAS Editor gráfico y ante todo fotógrafo. Jordi Socías nos cuenta en su estudio de Madrid, como su espíritu inquieto le ha llevado a conseguir trabajar siempre en primera línea en el mundo editorial español y dedicarse a lo que él califica como el mejor oficio del mundo. ¿Cómo empezaste en este oficio? Por mi afición al cine, porque yo hasta los 25 ó 26 años no había tenido una cámara. A partir de ese momento a través del cine llegué a la fotografía. ¿Te acuerdas de cuál fue tu primera cámara? Una Pentax, no tengo ni idea del modelo. Era la Pentax. (risas) ¿Cuál fue la primera foto o fotógrafo que te impresionó? A mí me impresionó mucho ver los libros de Richard Avedon, de Robert Frank y de Man Ray. Digamos que en la mezcla de esos tres fotógrafos encontré la chispa que me llevó a trabajar en el entorno de la imagen. Yo lo que he hecho es aprender mucho viendo fotografía. Lo mío comienza cuando empiezo a ver libros de fotografía e intento acercarme a la visión que tienen estos fotógrafos que me gustaban. Esa ha sido mi escuela de fotografía.

¿La última foto o el último fotógrafo que te ha hecho sentir lo mismo? Una chica española que se llama Cristina de Middel que ha hecho un libro que se llama Afronautas. Es muy interesante porque recrea como si la llegada a la luna fuera en África. ¿Con qué cámara sueles disparar? Normalmente utilizo una Cannon D5 y una pequeña Leica digital. Depende para que trabajo, utilizo una u otra. Para un trabajo más en el terreno, más en la calle, utilizo normalmente la Leica, y en estudio trabajo con la Cannon ¿Te da igual una que otra? No

Rossi de Palma

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¿Tienes una óptica favorita? No ¿Horizontal o vertical? Tengo cierta costumbre de trabajar para El País semanal y otras revistas, y tiro en vertical. Pero me es indistinto, es más bien en función de cómo vea la imagen. ¿Qué prefieres disparar a tiempo y hacer lo que esperabas o no llegar a tiempo y sorprenderte? Normalmente intuyo que hay ciertos lugares donde van a ocurrir ciertas cosas que a me interesan, y le dedico un tiempo hasta conseguir lo que me propongo. A veces lo consigo y otras no. Espero bastante a veces. También hay fotografías encontradas, es el momento de la observación. Lo que me trabajo es la observación. ¿Reencuadras las fotos? Si es necesario sí. ¿Cómo te has adaptado al mundo digital? Pues perfectamente en el sentido de que en digital trabajas mucho mejor, sabes casi siempre

lo que puedes hacer, la luz que tienes. Cuando fue el momento de cambiar lo hice sin problema. El problema es como capturas la imagen y si la herramienta es mejor… ¿Digital o químico? ¿Por qué? Digital, porque me parece una herramienta mucho más versátil que el químico. El químico es la sorpresa, pero ahora el laboratorio digital es de una precisión que antes no había y haces lo que quieres. ¿Retocas las imágenes? ¿Con que software? Hombre lo que las hago es un tratamiento básico. Bueno en realidad yo no lo hago, yo sé lo que se tiene que hacer y doy las indicaciones precisas. ¿Cómo ves el panorama a día de hoy? Yo veo que la fotografía ha conseguido el estatus de reconocimiento en estos momentos que creo que hace veinte años no tenía, al menos en España. Hoy por hoy ya tiene una concepción de arte creativo y de comunicación.

Parece Jordi, que como otro maestro al que entrevistamos en la revista, Bernard PLossu llegaste a la fotografía por el cine, sobretodo por las películas de la Nouvelle vague. ¿Que fue lo que te atrajo en un principio de estas películas? Lo que me atrajo era la manera de montar las películas y la secuencias que filmaban. Un ejemplo sería una película clásica como Al final de la escapada de Jean-Luc Godard. Esta película duraba en principio más de tres horas y en el montaje la redujo a una hora y media, y es muy curioso porque el montaje lo construye a base de cortes de planos que introducían un nuevo lenguaje al cine. Esto me influyó mucho y efectivamente soy hijo de la Nouvelle vague. Además cada vez me reafirmo más. He visto en alguna parte que aprendiste fotografía por correspondencia. Si, es que coincidió en esa época en la que tenía inquietud por la imagen, y apareció por mi casa un vendedor de cursos por correspondencia. Creo que era Agfa por correspondencia. Así que decidí hacerlo y me enviaron el curso. No aprendí con él porque hice el primer tomo, y luego ya decidí no seguir con eso. Entonces me fui a Paris, vi lo que pasaba allí culturalmente y empecé a ver libros de fotografía. Realmente el proceso entre mi decisión de ser fotógrafo y las primeras imágenes que empecé a tomar, fue muy rápido. Comenzaste a trabajar en el semanario Cambio 16 en 1.972 ¿Como llegaste a conseguir el puesto, ya tenías un trabajo que mostrar o fueron más las ganas? Fue por la coincidencia de que yo empezaba a hacer fotografía y convivía con un redactor de Cambio 16, que estaba empezando también. Un día me propuso hacer una entrevista, y fui a hacer las fotos para ilustrarla, que por cierto son horrorosas (risas), no valían nada. Pero poco a poco me fui afianzando. Yo mezclaba mi trabajo de vendedor de relojes y el de fotógrafo, hasta que decidí que dejaba los relojes (más risas). Fue una decisión fundamental en mi vida, vaya.

En estos años, a principios de los 70 militabas en el PSUC y fundas junto con compañeros la API (Agencia popular informativa) ¿Fue una iniciativa debido a la presión que sufrían los fotógrafos en esos momentos tan turbulentos? ¿Como funcionaba la agencia? Yo me dediqué al antifranquismo y me uní con los militantes del PSUC a trabajar en la clandestinidad. Así estuve unos diez años, hasta que llegó la democracia y lo dejé. A mi lo que más me interesaba era lo yo quería hacer fotográficamente. La agencia API no era de fotografía, era una agencia de información durante el franquismo. Eran noticias que no salían en la prensa, y que nosotros enviábamos clandestinamente a los dirigentes antifranquistas. Las enviábamos por correo. Yo me dedicaba a hacer la parte de imprenta, ya que se informaba con noticias escritas, no había fotografía. Mi novia escribía los textos en folios de color verde, luego los grapábamos y los introducíamos en sobres y los enviábamos a 200 o 300 personas en diferentes buzones de toda la ciudad de Barcelona. ¿Crees que en estos momentos se dan las circustancias para crear una agencia independiente de periodismo? Ahora lo que pasa es que hay una diversidad de agencias que ya no tiene quizá tanto sentido. Si hablamos de agencias de fotografía es difícil no encontrar lo que quieres en el mundo de hoy, con internet. Está abastecido por treinta mil sitios. En 1976 cambias tu residencia habitual y lugar de nacimiento Barcelona, por Madrid, y comienza tu carrera como editor gráfico en Cambio 16. Me imagino que tu trabajo como editor te quitaría mucho tiempo para hacer fotos. ¿Porqué decides dar este paso? Vengo a Madrid porque le propongo a la revista Cambio 16 un cambio de imagen para la revista. Me dijeron que si quería hacerlo tenía que venir a Madrid. Una de las razones de hacerme editor fue que siempre que entregaba las fotos en una revista , las colocaban de una manera que a mi no me acababa de

12 | ENTREVISTA | convencer. Entonces les propuse encargarme de la edición. Siempre he mezclado el oficio de fotógrafo con el de editor. Siempre me ha gustado trabajar en revistas pero nunca he dejado de ser fotógrafo. A lo largo de tu carrera has sido editor y miembro fundador de varias revistas, algunas de ellas de referencia en los años 80 como Madrid me mata, El europeo. ¿Cual fue el motivo de embarcarte en estos proyectos, no encontrabas ninguna revista que gustara para publicar tus fotografías? Los 80 fue un momento en el que todos proyectábamos cosas de este tipo y además la gente se apuntaba a hacer todo con una generosidad tremenda, con muchas ganas de experimentar con proyectos nuevos. Por eso monté la agencia Cover en el 79, luego monto El Europeo, estoy en Madrid Me Mata, todos estos eran proyectos en los que me interesaba estar. Por ejemplo en el caso de Madrid Me Mata, trabajaba un tipo de gente que yo desconocía en el periodismo. Eso me estimuló y ayudo a desarrollarme mucho. Fue una gran experiencia. El año 79 fue un año muy importante para ti. Expones por primera vez individualmente en la galería Spectrum¿ Que significó para ti pasar de las páginas de los diarios a las paredes de una galería? La emoción de ver a gente que venía a ver tu trabajo, pero bueno, fue simplemente una experiencia más, tampoco le doy mayor importancia. Luego he seguido haciendo exposiciones, y hombre claro que te gusta que vengan a ver lo que haces. Pero yo siempre he pensado que la fotografía está muy asociada al mundo editorial, creo que el libro de fotografía es uno de los soportes más interesantes para ver imágenes. Por cierto creo que se venden pocos en España. Ese mismo año haces tu fotografía más publicada, el retrato de Salvador Dalí. He leído una anecdota acerca de la toma de esta fotografía que probablemente los lectores desconocen ¿Nos podrías contar como hiciste este retrato? Me envió Cambio 16 precisamente a hacer este retrato. Me pareció muy emocionante. En esa época vivía en Portlligat , y nos citó una tarde. Esa primera tarde me dijo -joven yo le indicaré cuando tiene que hacerme usted el retrato, el momento preciso

“ Lo que tienes que saber cuando empiezas a hacer fotos es que debes de tener claro en tu cabeza lo que quieres fotografiar. La técnica es importante pero sobre todo tiene que haber una actitud , tener mano y visión.” en que la Tramontana sople y el sol esté en determinada posición, yo le indicaré cuando me lo hace-. Y Así pasaron tres tardes. Íbamos cada tarde a su casa, nos traían champán rosado a nosotros y a sus otros invitados. La tercera tarde me dijo -joven ahora es el momento de hacerme la fotografía- y bueno ahí está el retrato. Para mi retratar a Dalí era muy complicado. Era difícil hacerle un retrato que no se le hubiese hecho nadie anteriormente ya que Dalí era un personaje retratadísimo. Además hay una colección maravillosa de retratos de Philippe Halsman que era amigo suyo. Ese ha sido el retrato más publicado de todos los que he realizado durante toda mi vida, de hecho se sigue publicando. La agencia Cover tambien nace de tus manos en 1979. Fue una agencia reconocida internacionalmente, y por ella pasaron fotógrafos de la talla de Gervasio Sánchez, Luis Valtueña, Chucho Lobato. Tú ya trabajabas de editor, entonces ¿Porqué crear una agencia? ¿Que echabas en falta, era un tema de censura?

Salvador DalĂ

14 | ENTREVISTA | Porque no existía. En esa época en España sólo había una fotografía oficial de agencia, que era la Agencia EFE, pero no existía una agencia que expresara, con gente determinada y un cierto estilo, como era la vida en España fotográficamente. Un grupo de gente decidimos montarla y lo hicimos en el Fotocentro de Madrid. Mi referencia era Magnum y con todas las salvedades entre Magnum y Cover, ha durado 30 años con las misma premisa desde el inicio; los fotógrafos son los dueños de sus fotos. Yo al cuarto año de dirigirla y crearla me fui a hacer otras cosas pero la agencia continuó y con la misma política de propiedad intelectual de las fotografías cosa que no ocurre en EFE. Hemos hablado al principio de la entrevista de tu amor por el cine. Durante los 80 y durante casi toda tu trayectoria has trabajado en películas haciendo foto fija. ¿Nunca has pensado dirigir una película? ¿Cual es tu película preferida? No, dirigir una película no. Yo sé hacer una cosa, pero para dirigir hay que saber hacer muchas. Para mí el director de cine tiene que reunir unas carac-

terísticas que yo no tengo, que me gustaría tener, pero no tengo. He asistido a rodajes para aprender y ver que ocurría en el cine detrás de lo que vemos en la pantalla. Aparte, me parece una actividad muy lenta y muy costosa y se necesita de mucha gente. El fotógrafo eres tú y la cámara. Ser director de cine, los que lo hacen bien claro, es una genialidad. En cuanto a la película que más me ha gustado seguramente sería Al final de la escapada, como dije antes. Trabajaste durante años compaginando tu trabajo de fotógrafo con el de editor gráfico para El país. ¿Crees que a los periódicos y revistas les está empezando a dar igual el nivel fotográfico de las imágenes que publican?. Existen casos donde se envia a un periodista a una entrevista con un teléfono inteligente y se le obliga a hacer el retrato al entrevistado por el mismo precio. Por otro lado también se da el caso de un periódico de Chicago que despidió a toda su plantilla incluyendo al Pulitzer John H. White como excusa de que necesitaban video.

Izquierda Eduardo Arroyo y Luis Gordillo. Derecha PenĂŠlope Cruz

Pรกgina siguiente de izquierda a Derecha Alaska, Pedro Almodovar, Liberto Ra

Derecha Vincent Cassel Abajo Diego El Cigala abal y Javier Bardem

Creo que forma parte de los recortes generales. Estamos viviendo un momento de crisis mundial, y claro, como ocurre con los redactores, y otras profesiones, se están reajustando a este momento específico. Están cambiando el modelo de trabajo. De todas maneras lo del periodista llevando también la cámara para hacer fotos ya se ha hecho, en la prensa del corazón por ejemplo. También tiene mucho que ver con los tiempos que estamos viviendo, donde se suben diariamente infinidad de fotos a internet y nadie sabe quien paga a quien. Es un momento de cambio que no sé bien donde nos va a llevar. ¿Crees que la profesión va camino a la extinción? No, yo desde luego a todo el que quiera hacerse fotógrafo le animaría muchísimo, porque para mi ha sido y es el mejor oficio del mundo. Yo con este oficio he conseguido dar la vuelta al mundo, conocer a tanta gente como he conocido, y tan interesante y además tener experiencias muy especiales. Para mí, vaya, es lo mejor que me ha pasado en la vida. ¿Que le recomendarías a un fotógrafo que quiera de-

dicarse a esta profesión?

Que lo haga, que no decaiga. Lo que tienes que saber cuando empiezas a hacer fotos es que debes de tener claro en tu cabeza lo que quieres fotografiar. La técnica es importante pero sobre todo tiene que haber una actitud , tener mano y visión. Si tienes claro esto, no decaigas, ten siempre ilusión por aprender porque es el mejor oficio del mundo

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20 | NOMBRE PROPIO |

Eugenio

RE CU EN CO

VIOLIN

2009 BSI Lugano

Para algunos música es, según la definición tra-

dicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. Para mí, es escuchar que el cliente me da libertad para hacer una foto

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ace en Madrid en mayo de 1968; en medio de las protestas estudiantiles que se han extendido desde Paris. Como él mismo dirá: ”Yo, que oía todo aquel jaleo, me entró prisa por nacer y ver que estaba ocurriendo”. Estudió Bellas Artes, licenciándose en la especialidad de pintura en la Universidad Complutense de Madrid. Sin un espacio donde desarrollar sus pinturas de gran tamaño, comienza a colaborar con revistas de moda; primero en España y posteriormente en Paris; donde se traslada habitualmente y pasa largas temporadas; a la espera de poder dedicarse a la pintura. Vogue España, Madame Figaro, Wad, Vogue UK, Spoon, Planet, Vanity Fair, Ster, Kult, Twill, GQ ó Zink son algunas de ellas. Será en Paris donde consigue hacer su primer trabajo de publicidad para Boucheron. A partir de ahí serán muchas las marcas que le empezarán a llamar para que construya sus imágenes; Nina Ricci, Diesel, Shanghai Tang, Yves Saint Laurent, Playstation, Custo, Le bon Marché, BSI Lugano o Pernod Ricard son algunas de ellas. En 2007 es invitado a realizar el calendario Lavazza y desde EEUU le llaman para realizar junto a Eric Dover, la escenografía y la puesta en escena de la ópera “Les Huguenots” en The Fisher Center de Nueva York. Paris se convierte en la ciudad que marca sus pasos. Es allí donde también por primera vez hace un spot. En esta ocasión para “Nina” de Nina Ricci. Este camino recién estrenado se continúa rápidamente con otras marcas como Loewe, Freixenet, Mango, Codorniú, Chivas Regal, Regione Campania, Vanderbilt ó Motorola entre otras.

En 2008 su video “Esencia de una sedución” gana el premio a la mejor publicidad del año en España y el premio al mejor cortometraje en la Semana Internacional de cine Ciudad de México. Desde ese momento sigue realizando cortometrajes y videoclips como por ejemplo , “Mein herz Brennt” de Rammstein. Ahora prepara su primer largometraje. Aunque ya había expuesto sus fotografías en el Museo Nacional de Arte Reina Sofía de Madrid, en el BAC (Barcelona Arte Contemporáneo), Naardeen Photo Festival, FEM (Festival Edición Madrid), Les Rencontres de Arles, PhotoEspaña, Art Toronto 2007 ó la Biblioteca Nacional de España; es una vez más Paris donde realiza su primera exposición individual, “Sueño y Tempestad”, en la Galería BertinToublanc. En 2004 le dan el Premio Nacional de Fotografía ABC; en 2009 gana oro y bronce en el Sol Festival y en 2005 y 2013 leones de oro con sus fotografías en el Cannes Lions Festival. En 2013 es TeNeues quién le llama para realizarsu primer libro individual “REVUE”, cuyo lanzamiento coincidirá con una exposición en la galería Camera Work de Berlín. En la actualidad vive detrás de una cámara Junio 2013

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EUNICE ADO

ORNO

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s un una fotógrafa que vive y trabaja en la ciudad de México. Sus fotografías de las mujeres menonitas del norte de México “Las mujeres Flores” ha recibido el Premio Nacional de Cultura Fernando Benítez 2010 y ha recibido la beca del de jóvenes creadores que otorga el FONCA 2009/2010 y FONCA 2012/2013 Ha expuesto en la exposición “Peso y Levedad” en el Festival Photo España en Madrid que continua en itinerancia en diferentes países de Europa y Latinoamérica. Su libro “Las mujeres flores”, fue publicado en España por la Editorial La Fábrica, (2012) que fue parte de taller de edición de libros organizado por PHoto España y el Centro para las Artes, de San Agustín Etla, Oaxaca en 2010. En 2011 fue seleccionada por el World Press Photo en el Joop Swart Masterclass que se lleva a cabo en Ámsterdam, la conclusión de este masterclass fue publicar en colectivo el libro “Next # 01”. Ese mismo año finalizo el Programa de Residencias Artísticas el International Studio & Curatorial Program en Nueva York. Su trabajo documental ha sido publicado en diferentes periódicos nacionales y en revistas como:, New Yorker Magazine, (NY) British Journal Photography (Londres) LightBox Time (NY) Ojo de pez (España) Gatopardo (México) GUP (Holanda) Vice, (Usa) Monocle (Londres) Colors Magazine (Italia) Yo Dona(España) y Mariclare (México) Su trabajo se ha expuesto de manera colectiva en Alemania, España, Praga, Río de Janeiro, Los Ángeles y Nueva York.

Buffalo Registro Informal. En 2011 pasé un tiempo en Buffalo, una ciudad que se encuentra al oeste del estado de Nueva York, en una zona conocida como Nueva York del Oeste. Su proximidad con el lago Erie hace que el invierno sea muy frío y nevado. Muchas veces, cuando al pasear, me encontraba con la nieve sucia que fotografié varias veces durante ese invierno.

Nos ha llamado la atención, por varias razones, el proyecto

Have a Nice Book c o m a nd a d o p o r l o s f o t óg ra f o s S a l va L ó p e z y Yo s i go ( Jo s e Javier Serrano). Decidimos ponernos en contacto con ellos para que nos cuenten más sobre esta original idea. Hola Chicos, podéis contar a nuestros lectores a grandes rasgos en qué consiste Have a Nice Book.

nos rondaba la cabeza hacer algo juntos. No terminamos de arrancar con un proyecto personal y surgió la idea de los libros & vídeos.

Have a Nice Book es un proyecto online sobre libros y fotografía. Una plataforma de difusión de contenidos. Una plataforma donde tiene cabida todo lo relacionado con la fotografía impresa. Desde grandes clásicos hasta libros autoeditados, pasando por fanzines y nuevas publicaciones.

Nos parece curioso la idea de ver las imágenes de los libros a través de un video y no con un formato más habitual tipo Issuu ¿Porqué os decidisteis por este formato?

¿Cuándo y porqué surge la idea? Salva y yo (yosigo) compartimos amistad desde hace unos años, forjada por la fotografía (nos conocimos por internet). Tenemos una visión y gustos fotográficos bastante similares, y siempre

Surge de forma bastante casual, es algo que yo hacía de forma esporádica para mi blog personal. Creemos que es mas ameno el formato video, acompañado de música, que lo que viene a ser un Issu. Además el Issu te permitiría detenerte en cada página, hacer una lectura subjetiva…el formato video posibilita un primer golpe de vista. Aunque puedes pausarlo, rara vez lo haces.

Todos los libros que se pueden ver van acompañados de una “banda sonora”. ¿Elegís vosotros los temas o tenéis un asesor musical? De un tiempo a esta parte pedimos a los autores que nos digan si tienen alguna sugerencia musical para su trabajo. Muchas veces nos dan la opción de elegirla a nosotros, depende de cada caso. Aunque la mayoría de las veces corre de nuestra cuenta. Es mas complicado de lo que a primera vista puede parecer, siempre intentamos que el tema musical y el libro tengan una vinculación, algo que muchas veces nos lleva mas tiempo que grabar y editar. Hemos visto que en vuestra página tienen cabida desde los autores consagrados hasta fotógrafos con libros autoeditados. ¿Qué criterio de selección seguís? ¿Podrían nuestros lectores mandaros sus libros? De ser así, cuál es el proceso que deben de seguir. El criterio de selección es personal, son libros que si tuviéramos una editorial nos gustaría que estuvieran en ella. Rara vez hemos subido algo en el que ambos no estuviéramos de acuerdo. Vamos, que son libros que nos gustan. La gente puede mandar libros, pero eso no implica que vayamos a grabarlos. Hemos tenido mas de un problema con ese tema, así que ahora nos cuidamos mucho de que nos mandan.

“El criterio de selección es personal, son libros que si tuviéramos una editorial nos gustaría que estuvieran en ella.”

Have a Nice Book es un proyecto sin ánimo de lucro como decís en vuestra web. Todos los libros tienen un enlace a la editorial del libro recomendado. ¿Os habéis planteado buscar una manera de que la página sea un negocio u os gusta que sea “por amor al arte”? (nunca mejor dicho) No. No nos vemos sacando beneficio económico de trabajos que no son nuestros. Podríamos plantear proyectos alternativos que si fueran económicamente rentables, pero tampoco nos interesa. La honestidad de Have a Nice Bokk está basado precisamente en eso, es un proyecto sin ánimo de lucro. Es más, nuestro dinero nos cuesta. Pero hay un beneficio asociativo importante (conocer fotógrafos, contacto con las editoriales etc) y con eso nos damos por servidos. En la página se pueden leer también (¡en bilingüe!) varias entrevistas con autores. ¿Es una cosa puntual o pensáis seguir en esta línea? La idea es seguir en esta linea, estamos en ello. Generar contenido propio mediante artículos, entrevistas etc. A ver si este año sacamos tiempo y le damos un arreón a esa sección! También podemos encontrar una pestaña que pone TV. Nos intriga. ¿Es un nuevo proyecto en ciernes? De ser así, ¿nos podéis contar algo al respecto? Siempre ronda nuestras cabezas realizar pequeñas piezas documentales sobre fotógrafos. Piezas cortas, de unos 5min, para conocer mas a fondo a gente que admiramos. También estamos en ello, aunque es mas complicado que el resto de ideas que manejamos (por tiempo y dinero) Nos imaginamos que debe de llevaros bastante tiempo actualizar la página. ¿Cómo compagináis el trabajo de fotógrafo con Have a Nice Book? Lo llevamos muy bien. No es algo que hagamos forzados. Seguimos comprando libros y consumiendo fotografía, así que no es una carga extra de trabajo demasiado pesada. Muchas gracias por aclararnos en qué consiste este genial proyecto. Gracias a vosotros! Un fuerte abrazo!

Luis Bayl贸n

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Carlos DE PAZ t o

LÁGRIMAS NEGRAS POR UNA SENTENCIA ANUNCIADA Once años hace que visité el infierno, me lo encontré allá donde fina-

liza la tierra (Finisterra), vino desde el mar, provocado por la más abyecta prepotencia y era negro, viscoso, pestilente. Si del mar vino esa ola negra de muerte y destrucción, haciendo real el nombre de aquel litoral (A Costa da Morte), de tierra adentro vino una auténtica marea de solidaridad blanca, que dejó su vida normal para ayudar, desinteresadamente, a limpiar los kilómetros de costa totalmente cubierta de chapapote, aunque para algunos, aquello no eran nada más que “hilillos de plastilina”.

odos aquellos voluntarios, además de tener que acometer una tarea titánica cada día, que no parecía tener fin, tuvieron que sufrir en muchos casos la incomprensión y la falta de apoyo de algunos políticos, que en su empeño por negar la mayor, llegaron a cometer todo tipo de tropelías, porque no todo fue solidaridad en aquel infierno, todo hay que decirlo. Baste como muestra un par de botones: en pleno invierno, algunos alcaldes gallegos, fieles al más vil servilismo político se negaron a poner butano en las duchas de los polideportivos de los colegios donde se alojaban los voluntarios, durmiendo en el suelo, en improvisados alojamientos, con las más estúpidas razones; también llegaron a mandar a inspectores de sanidad (cruel sarcasmo) para requisar las comidas que en recíproca solidaridad habían preparado las mujeres de alguna cofradía de pescadores para que pudieran comer caliente esos ángeles blancos que llegaban extenuados de cuerpo y alma tras un día entero de esforzado e insalubre trabajo, sin haber probado bocado en todo el día. Y la disculpa legal que utilizaban para semejante atropello era que no tenían el carnet de manipulador de alimentos. Ver, y escuchar, para alucinar.

Colita

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Once años después, vuelve la indignación que hizo surgir aquel

Nunca Mais ciudadano, al comprobar que la justicia mira para otro lado y deja sin castigar las responsabilidades que sin duda hubo para que sucediera lo que ocurrió. No nos engañemos, era una sentencia anunciada hacía mucho tiempo. Después de una instrucción laboriosa llevada a cabo por un pequeño juzgado, solamente han sido procesados tres cabezas de turco, pequeños responsables de sus propios errores; los verdaderos responsables ni tan siquiera estaban sentados en el banquillo de los acusados. La causa legítima que se debería haber iniciado en un estado de derecho, ni tan siquiera se puso en marcha, porque más allá de las pequeñas responsabilidades personales, existen otras, que son de mayor envergadura, como las que se refieren a la obligación que tiene un gobierno de gestionar graves problemas con implicaciones internacionales, mirando por el interés general y no por mezquinos intereses de partido.

os poderosos políticos siguen mandando en esta nave que viaja a la deriva, las poderosas navieras siguen fletando barcos ruinosos bajo banderas de conveniencia (verdadero agujero legal internacional), los beneficios económicos están muy por encima de los intereses medioambientales y los influyentes gabinetes de abogados se aprovechan de las lagunas existentes en la legislación internacional para proteger a sus millonarios clientes, en perjuicio de los humildes ciudadanos, que han sido olvidados y humillados por sus gobernantes.

Por todas estas razones, mis lágrimas, hoy, son tan negras como aquella ola de chapapote, o las togas de esa justicia, que cada vez parece más ciega.

Carlos de Paz

La trayectoria de este fotógrafo, enormemente versátil, se ha desarrollado entre Madrid y

Almería.

De 1974 data su primera publicación, en la revista Deporte 2000. Hasta principios de los

noventa vive y trabaja en Madrid, principalmente en fotografía editorial para publicaciones y revistas de tirada nacional, que alterna con proyectos culturales y expositivos en torno a la fotografía contemporánea con distintos autores. Ejemplos de ello son “Madrid sin Z”, colectiva realizada en el Centro Conde Duque de Madrid, o Visiones en el Planetario de la misma ciudad. En 1984 es seleccionado en Foto-Press España por su reportaje sobre los chabolistas de El Querol, barrio marginal de Madrid y en el año 1986 publica el libro La Danza, sobre el Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid.

A principios de los noventa marcha a Almería, donde se desarrolla su trayectoria creativa

y expositiva reciente, con un buen número de exposiciones individuales y publicaciones, como Facetas, Fusiones, Compactas, A Costa da Morte, Desnudos, Contra-Retratos, Genoveses y el libro Las Caras de la Piedra.

Practica con igual fortuna la fotografía documentalista, el reportaje, y la obra de autor re-

flexivo y crítico, no exenta muchas veces de mordacidad. Incorporado con total conocimiento del medio al nuevo lenguaje digital, imparte cursos de iniciación y especialización.

Andrés Gª Ibáñez, del libro «La Gallina Ciega, una mirada contemporánea» – Almería 2007

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Cuando apenas había dejado de ser un niño, allá por el año 65, del siglo

pasado, una cámara fotográfica se pegó a mis ojos y desde entonces vive conmigo.

ombres, mujeres, niños y ancianos; paisajes y ciudades; cementerios y fiestas; sentimientos encontrados y reflexiones a pie de calle; todo cabe dentro de ese cajón oscuro que no está pendiente de la última novedad del mercado y que utiliza la técnica, sin ser esclavo de ella, aunque no siempre ha sido así.

ace unos años, a esa cámara de fotos le ha salido una compañera con voz propia; tiene forma de pluma estilográfica y se compenetran bastante bien. Imagen y palabra; supuesta realidad y verdadera ficción; paradojas contradictorias del rostro que anda tras ese viejo aparato fotográfico.

Carlos de Paz

Eugeni Forcano

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Muchos habréis oído hablar del festival Getxophoto en vuestras redes sociales y esperamos que más de uno haya tenido la oportunidad de visitarlo. Para los que no lo conozcáis, Jokin Aspuru director del Festival nos cuenta en qué consiste y nos tienta para asistir a su próxima edición. Hola Jokin, ponnos en antecedentes, hagamos un poco de historia. El festival Getxophoto nace de la mano del colectivo Begihandi en el 2007. ¿Cómo y porqué se os ocurre crear el festival? Sinceramente el festival, como casi todo en este rincón del mundo llamado Euskal Herria, surge en torno a una mesa y a una buena cena. Alguien dijo “¿y por qué no hacemos un festival de fotografía?” Y otro dijo “pues claro”. Y así empezó todo. La

cuestión era que estábamos conversando sobre la manera de abordar, reflexionar, compartir y dar respuesta a las cuestiones que nos afectan y preocupan como personas. Cuestiones básicas como la vejez, la infancia, la guerra… Abordar todo esto desde la fotografía nos pareció una idea que podía funcionar. Porque para nosotros la fotografía no es más que una herramienta, una herramienta de conocimiento, de comunicación y también de goce estético, por supuesto. En ese sentido tenemos una idea muy práctica de lo que se llama arte, al cual le exigimos ayuda, poder terapeútico y que sea útil para mejorar nuestras vidas. De aquí surge la idea de que Getxophoto sea un festival temático, una de sus señas de identidad. La segunda es la utilización del espacio público y de soportes no habituales, ideas que surgen a la hora de diseñar el tipo de festival que queríamos hacer. Montar el festival debe de ser un esfuerzo titánico viendo la cantidad y calidad de las exposiciones. ¿Contáis con algún tipo de apoyo institucional? ¿Cómo se financia Getxophoto? Realmente no sabemos la imagen que pueda dar el festival pero no es tan grande como pueda parecer. Siempre hemos preferido hacer poco y bien

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GETXO PHOTO y no abarcar lo que no podemos; hemos preferido hacer el festival que de verdad queremos hacer y no despistarnos con otros asuntos como hacer una cosa más grande u homologable a lo que debe ser un festival importante. Desde el principio hemos intentado que Getxophoto tenga lo que llamamos un dimensión humana y me explico: en Getxophoto suelen participar entre 15 y 20 autores, no más. Si hubiera más autores ya no podríamos tratar personalmente con cada uno de ellos, conocerlos y darlos a conocer. Cada uno de estos autores presenta unas diez obras, eso quiere decir que en Getxophoto presentamos anualmente unas 200 obras. Para ser un festival de fotografía parece bien poco, pero nosotros creemos que si las imágenes están bien escogidas es suficiente. Tampoco queremos contribuir a la saturación o polución de imágenes en la que vivimos. Respecto a la financiación, es basicamente pública. Ha costado años de trabajo conseguir la confianza y reconocimiento de las instituciones. Contamos con el apoyo del Ayuntamiento de Getxo, que financia la mitad del presupuesto. La otra mitad viene de otras instituciones como la Diputación de Bizkaia, Gobierno Vasco, Ministerio de Cultura y pequeñas aportaciones de empresas privadas. Hay otros ingresos por ventas de catálogos y merchandising, pero son casi simbólicas

Una de las características del festival es la utilización de espacios, soportes y formatos poco usuales ¿Cuál fue en su momento, y cuál es ahora después de siete años, la reacción del público? Como anécdota, ¿cuál es el sitio o soporte más extraño en el que habéis montado una expo? Intentamos explorar nuevas vías de exhibición todos los años. Hay que decir la verdad: unas salen bien y otras no. Hasta que vemos la respuesta del público no lo solemos saber, no hay otra manera. Los experimentos que salen mal los descartamos para la siguientes ediciones y los que funcionan los solemos sumar. A lo largo de estos siete años hemos hecho exposiciones o intervenciones en lugares o formatos de lo más variopinto. Desde mesas de terrazas de bares locales, hasta expos en posavasos que circulan también por los bares. Hemos puesto fotos en el suelo por paseos peatonales, ventanas, escaparates, fachadas, en el metro… No lo hacemos por hacer, intentamos que cada soporte o lugar elegido tenga sentido, aporte algo al trabajo que queremos mostrar. Por otra parte, al ser la mayoría de las exposiciones en espacios públicos hacemos, o por lo menos lo intentamos, un esfuerzo grande por contextualizar las obras y por eso editamos un folleto-mapa con información sobre los autores y obras.

56 | EL MUNDO ALREDEDOR | Tal vez la instalación más no sé si extraña pero sí diferente, fue la colocación de la obra El Sireno del Río de La Plata (Marcos López) en el muelle del puerto del pueblo. Es una imagen de un sireno, mitad hombre mitad pescado. En marea alta solo se ve un busto pero a medida que baja la marea se ve la imagen completa y se revela que se trata de un sireno. Gustó tanto la instalación que se ha quedado como instalación permamente y lleva ya tres años en el mar. Respecto a la reacción del público, al inicio fue más bien de grata sorpresa. Después de todo este tiempo (llevamos siete ediciones) la gente digamos que se ha ido acostumbrado a Getxophoto y su propuesta, pero no sabemos porqué, siempre nos exigen más, nos exigen novedades, nos preguntan cual será la sorpresa de la siguiente edición. El festival organiza muchos eventos, pero nos interesaría que nos contaras en qué consiste y cómo surge la idea del proyecto Recycling Getxophoto. Nosotros nunca traemos una exposición ya producida, cada exposición o instalación tenemos que producirla para adecuarla al espacio donde va. Para ello utilizamos soportes como lonas que una vez finalizado el festival reciclamos en objetos. Es un proyecto, como decirlo… bonito.

Por una parte trabajamos con diseñadores que diseñan los objetos en función de las imágenes y la manofactura corre a cargo de personas con dificultades de acceso al trabajo. Son personas que han tenido problemas de adicciones, que el estado considera no legales… Después vendemos las piezas, que son todas originales únicos porque todas son diferentes, durante el festival o algunas tiendas que se enrollan. Los beneficios se los damos a Getxo Pro-Sahara, una ONG que apoya a los refugiados saharauis en el Tindouf. Decía que es un proyecto bonito porque implica a mucha gente, desde los autores que nos dan permisos para utilizar sus imágenes después de acabado el festival, hasta toda este gente que he citado. Por otra parte este proyecto tambien tiene un componente de desacralización del arte como objeto, una idea que nos gusta. Y también es una manera de que el festival siga presente y perdure en el uso que la gente da a estos objetos. GetxophotoGetxophoto nace siendo un festival temático, y trabajando con un comisario invitado que se renueva cada tres años. De momento han participado Alejandro Castellote, Frank Kalero y ahora Christian Caujolle. ¿El tema alrededor del que gira el festival es elegido por el comisario o es un reto que propone la organización? ¿Se notan muchos cambios con la entrada de cada nuevo invitado?

Hemos tenido mucha suerte con los tres comisarios con los que hemos contado hasta el momento, los tres son grandes profesionales y encima han sido muy generosos y abiertos a nuestras propuestas, a veces un tanto osadas. La temática es fruto del diálogo con ellos, pero sí es verdad que cada uno ha venido con propuestas bastante claras que simplemente hemos afinado con ellos. Cada uno de ellos tiene un estilo y gusto diferente, por eso precisamente nos obligamos a cambiar de comisario, aunque sería más fácil seguir con el mismo. Pero como festival entendemos que tenemos que renovarnos continuamente y ofrecer diferentes miradas. Se notan mucho los cambios de comisario, son cambos que van desde la temática que le interesa a cada uno de ellos hasta los lenguajes o estéticas desde los que los abordan. Por ejemplo Alejandro Castellote tiene una cultura fotográfica impresionante y una mirada muy muy amplia pero con una inclinación hacia lo más artístico (ficciones, puestas en escena…), Frank Kalero en cambio apostó por una fotografía más ceñida a lo puramente documental. Esta diversidad de miradas enriquece el festival. El festival tiene una serie de colaboradores que repiten y ya son parte de la historia del festival. ¿Cuéntanos quiénes son estos adictos a Getxophoto y cómo surgen estas relaciones? El padre de un amigo que es un empresario con un éxito notable me decía que no es bueno ha-

cer negocios con amigos, que lo bueno es hacer negocios con la gente y que después se conviertan en tus amigos. Algo así nos ha ido pasando con bastantes personas. Una de ellas sin lugar a dudas es Alejandro Castellote que fue el primer comisario de Getxophoto y que desde entonces nunca ha dejado de aportar y de acudir al festival. Lo mismo puedo decir de revistas como Vice con Andrés Reymondes a la cabeza, o The Balde y su editor Iñigo Martinez. Hay varias más. Se ha ido sumando gente como Yosigo y su maravilloso proyecto Have a Nice Book, o Jon Uriarte, gran fotógrafo y un teórico que nos encanta. Hay varios fotógrafos que también son incondicionales y siempre están dispuestos a echar un cable, gente como Aitor Ortiz, Gonzalo Azumendi o Vicente Paredes. Evidentemente no puedo citar a todos. Pero tal vez para nosotros lo más importante es ese público o, mejor aún, gran familia que se ha ido creando en torno a Getxophoto y que vemos que año tras año acude al festival. El festival inunda Getxo de fotografía pero no solo de exposiciones. Acoge talleres – Pep Bonet, Txema Salvans, Marcos Lopez, Arianna Rinaldo, GarcíaÁlix y Mónica Allende-, proyecciones, conferencias y un montón de cosas más. Los talleres son de lo más variado. ¿Cómo seleccionáis a los invitados? ¿Los participantes son en su mayoría locales o acude gente de toda la península?

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Para nosotros el componente didáctico, educativo o formativo, llámalo como quieras, es otra de la piedras angulares del festival. En ese sentido siempre hemos intentado cuidar la calidad al máximo y atraer hasta Getxo no muchos pero sí los que nos parecen mejores profesionales. Tenemos un público que asiste con frecuencia a estos talleres y por eso intentamos que de un año a otro varie la oferta, es decir, tocar diferentes áreas. Un año puede ser la edición fotógrafica, otro cómo producir un proyecto, etc. Este año hemos ampliado la oferta formativa creando un formato que hemos llamado Encerrona. Se trata de un día completo, con comida incluida, de conversaciones y charlas en torno a un tema en un lugar alejado donde no hay escapatoria ni para ponentes ni para asistentes. Hemos analizado los canales de consumo de fotografía actuales desde los medios de comunicación (con Jordi Socias y Mónica Allende, hasta el fotolibro (Julián Barón y Cristina de Middel), pasando por la red (Iñaki Domingo y 30y3.com) o las galerías (Blanca Berlín). Ha venido no sólo gente del País Vasco, también gente de Madrid, Barcelona, o Asturias. ¿Qué dirección está tomando Getxophoto? ¿Nos puedes adelantar algo de la siguiente edición del festival? Sobre la siguiente edición puedo adelantar la temática, que girará en torno al concepto “Luchas”. Es el segundo capítulo de la trilogía que hemos

diseñado con Christian Caujolle y cuyo nombre genérico es “Otros mundos”. El primer capítulo fue “Sueños” (Getxophoto 2103), el tercero lo reveleramos cuando finalice la siguiente edición. Sobre la dirección que está tomando el festival preferimos ir poco a poco, afianzando lo que funciona y sumando algo cada año. Sentimos que aunque la fotografía es la base del festival nos estamos abriendo a otras disciplinas que nos interesan mucho y tienen mucho que ver con nuestra propuesta. Me refiero al video o al audiovisual, a la arquitectura o al diseño.website del Festival. De esta convocatoria abierta nace la expocicición de 15 portafolios elegidos por un jurado democrático esta vez integrado por Clara de Tezanos, Juan José Estrada, Andrés Asturias, Jaime Permuth y Luis Gonzalez Palma. Como curiosidad, ¿ha habido algún país o continente en concreto que haya presentado la mayoría de estos portafolios o esta la participación bastante repartida por todo el globo? Por lo general si la iniciativa es de un país latinoamericano muchos latinoamericanos aplican y así fue. El país número uno en aplicar fue Guatemala, seguido por Chile, Argentina y Estados Unidos

Pedro S

Gregory Credson Ophelia 2001

Sánchez

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ada vez que me enfrento a una fotografía surrealista me invade la zozobra. No me ocurre en el caso de la pintura. Exceso de realidad manipulada, montaje, puesta en escena, o por el contrario, pura realidad narrando ante tus ojos lo perverso del mundo. Esta fotografía ordena, bajo las indicaciones de Crewdson, un salón de estar propio de una película de terror. La cuestión es, terror a qué. La respuesta la han dado los precursores de un movimiento artístico revolucionario desde Man Ray. Quizá la respuesta sea el terror al pensamiento humano, la manera en que este interpretaba la realidad destruyéndola. Para evitarlo, André Bretón describió el surrealismo como el automatismo psíquico puro, a través del cual el artista, en éste caso fotógrafo, intenta expresar como funciona realmente el pensamiento humano. Si volvemos a mirar la foto de Crewdson, veremos cómo piensa la sociedad norteamericana. ¿Debemos dejar a un lado la razón, como decía Bretón, dejar a un lado las preocupaciones morales y estéticas? La fotografía es realmente ( paradoja) un sueño, o un escenario teatral soñado, por ello adquirió tanta importancia el mundo onírico y en esta fotografía se recrea esa realidad soñada. El modo de trabajar de este fotógrafo, Gregory Crewdson, la foto del salón, la mujer, la tenebrosa luz responde a un modo de actuar conforme a patrones de automatismo, a la utilización del inconsciente para suplantar la realidad por su realidad, manipulando ( sin atributos peyorativos) las imágenes. Puede expresarse usando la teoría del caos en la que realmente subyacía un orden. Las imágenes , los objetos están ordenados, pero tocando las fibras sensibles del espectador, desordenan la paz interior, inquietan. Para mí esta fotografía es inquietante, y si Crewson en su afán de retratar a la sociedad americana pretende que esta nos inquiete, lo ha conseguido. Antes que Crewdson lo hicieron los dadaístas, como Man Ray que inundaron el surrealismo fotográfico de todas sus técnicas “ manipuladoras “ de imágenes. En el caso que nos ocupa parece que se han utilizado los llamados “ objetos encontrados “, ampliamente representados en la fotografía surrealista desde 1924, año del manifiesto. Rayogramas , fotogramas, shadografías. Un modo de trabajar que hizo y hace ver sus obras con incertidumbre y zozobra. Este movimiento que perdura, y en esto estoy de acuerdo con Azúa, hace que la honestidad, la sinceridad, la espontaneidad, cobran tanta importancia como la habilidad técnica. Parece que la más importante es la intensidad de los síntomas expresados, ofrecidos a nuestra interpretación. Pedro Sánchez Escultor, Pintor y Poeta