Ojos rojos 12

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©Jesús Ubera

© Tomás Munita

06 18

ENTREVISTAS Navia

NOMBRE PROPIO Marta Soul

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LATINOAMÉRICA

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COMODÍN

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Tomás Munita

Mirartephoto

SANGRE FRESCA Jesús Ubera

EL MUNDO ALREDEDOR Ojo de Pez

LA PIEZA Jacob Aue Sobol

6 | ENTREVISTA |

José Manuel

NAVIA Investigando en la red sobre José Manuel Navia, encontramos que le habían hecho varias excelentes entrevistas, también descubrimos que era un gran amante de la literatura. Decidimos pues plantearnos algo distinto para esta sección,un experimento, un juego literario al que se prestó voluntario Navia. Se lo agradecemos y esperamos que os guste, pero primero nuestra habitual batería de preguntas. ¿Cómo empezaste en este oficio?

Pues como otros fotógrafos de mi generación; siendo aún un crío de doce años revelé mis primeras fotografías. Y cuando a esa edad descubres la fascinación del cuarto oscuro, de la imagen latente materializándose en la cubeta del revelador… es fácil que quedes atrapado para siempre. ¿Te acuerdas de cuál fue tu primera cámara? ¡Sí! Una humilde Braun con un objetivo enfocable “a ojo” de tres lentes, que era de mi madre. Y la primera que me regalaron a mí, una Yashica de telémetro. Tal vez de ahí venga mi gusto por este sistema de visor. Con ella gané mi primer dinero con la fotografía. ¿Cuál fue la primera foto o fotógrafo que te impresionó?

En aquella época lo que nos fascinaban eran las fotos “técnicamente perfectas”. Pero pronto vino el descubrimiento de la verdadera fotografía. Una de las obras que me marcaron al principio fue “Sesenta años de fotografías” de Paul Strand.

| ENTREVISTA | 9

¿¿La última foto o el último fotógrafo que te ha hecho sentir lo mismo? ¡Qué difícil! Hace unos años el descubrimiento de Saul Leiter fue muy gozoso… Y algunos fotógrafos y fotógrafas actuales no necesariamente conocidos.

E inevitablemente siempre tiendo a “releer” a los clásicos. Mi escuela está en los libros de fotografía (¡y en los otros!) ¿Con qué cámara sueles disparar?

Mientras trabajé en químico, con Leicas M sobre todo. Ahora en digital, con una Nikon D7100, pequeña (intento recobrar las sensaciones de la Leica) y con magnífica calidad de imagen ¿Tienes una óptica favorita?

35 y 50 mm. (y ahora sus equivalentes en digital: 24 y 35). Más del 90% de mis fotografías las he tomado con esas ópticas. ¿Horizontal o vertical?

Más horizontales, pero con gusto por las verticales. ¿Qué prefieres disparar a tiempo y hacer lo que esperabas o no llegar a tiempo y sorprenderte?

Me gusta planificar… pero para saltarme el plan siempre que se tercie. Un fotógrafo que no esté abierto a la sorpresa se pierde lo mejor de este oficio. ¿Reencuadras las fotos?

Algunas veces, pocas… y no por purismo, sino por convicción en la fuerza de esa primera aproximación, ese primer encuadre. ¿Cómo te has adaptado al mundo digital?

Hoy respondo que bien, y no volvería atrás. Pero no todo fue un camino de rosas… En cualquier caso creo que se sobrevalora la diferencia. Lo importante son las imágenes y no el soporte. ¿Digital o químico? ¿Por qué?

Hoy digital exclusivamente. Suelo ser bastante radical en este tipo de decisiones. Igual que desde que decidí pasarme al color (¡hará unos 30 años!) no he vuelto a fotografiar nunca en blanco y negro, desde que me pase a digital en 2006 no he vuelto a impresionar un rollo de película. Me gusta la versatilidad, la libertad que me da lo digital… incluso para vivir donde me dé la gana. ¿Qué películas utilizas?

Unas “tarjetitas” muy pequeñas en las que caben rollos y rollos… ¿Retocas las imágenes? ¿Con que software?

En la misma medida en que antes trabajábamos en el laboratorio: algo de corrección de color, densidad, algunas reservas “naturales”… todo muy “fotográfico”(no me interesa la apariencia “digital” de las fotografías). Con Camera Raw y Photoshop. Este trabajo lo hace sobre todo Marta, mi socia y responsable de la postproducción. ¿Cómo ves el panorama a día de hoy? ¡Complicado, jodido, fascinante y digno de ser vivido! (Más o menos como siempre).

“Cada cien metros el mundo cambia” – Bolaño Y todos esos cambios se despliegan ante la mirada del fotógrafo con una generosidad impresionante… Están ahí para ser fotografiados. La realidad cambiante es así de generosa; por eso vale la pena este oficio. Escribió un día Muñoz Molina que si la literatura es una hipóstasis de la voz, la fotografía es el paroxismo de la mirada.

“Hacer lo que uno hace bien es la muerte. Tu deber es seguir intentando hacer las cosas que no haces bien con la esperanza de aprender” -John Banville

“Hacer lo que uno hace bien es la muerte. Tu deber es seguir intentando hacer las cosas que no haces bien con la esperanza de aprender” -John Banville Efectivamente, quedarse estancado en lo que uno sabe hacer es tanto como resignarse a no crecer, a no aprender. Me motiva la idea de seguir intentando hacer eso que te gustaría hacer bien pero que sientes que no te “sale” bien… Pero no olvidemos la enseñanza de los buenos artesanos, y obliguémonos a hacer lo mejor posible incluso lo que no hacemos bien (lo que no es una contradicción). Hay que aceptar las cosas –las fotografías en nuestro caso– que no hacemos bien, pero intentando hacerlas bien. Lo que no vale es hacer las cosas mal a sabiendas –o como coartada– con la excusa de que todo vale o que en realidad es lo que queremos (por no hablar de ese relativismo mal entendido y tan “posmoderno” de que nada está bien ni mal). Eso es resignarse a hacer las cosas mal y a veces disfrazarlas para dar con ello la tabarra a los demás… Dar gato por liebre, vaya.

“En fin, cada uno nace donde puede”- Borges Menos los de Bilbao, que según se dice, nacen donde les da la gana… La fotografía, como la literatura, como la pintura, como la música, nos permite crear un mundo a partir del mundo real. (Los fotógrafos sabemos que el mundo que se ve en las fotografías se parece al mundo real, pero no lo es). Inventamos un territorio visual en el que “renacemos” como fotógrafos. Y no sólo eso, sino que también elegimos a nuestra propia familia fotográfica, a la que debemos respetar y honrar como se hace en cualquier familia de bien.

”Sólo estás tú y tu cámara. Los límites en tu fotografía están en ti mismo, ya que lo que vemos es lo que somos.” Ernst Haas Cuando es sincera, nuestra mirada es la que tiñe el mundo, y no al revés. Las fotografías no están ahí esperándonos, sino que están en nuestra cabeza y de algún modo nosotros las proyectamos en el mundo. Por eso cuántas veces en un mismo lugar, ante una misma situación, un día no vemos ninguna imagen, y al volver al día siguiente nuestra actitud ha cambiado y vemos fotografías por todos lados.

12 | ENTREVISTA |

“De una ciudad no disfrutas las siete o las setenta y siete maravillas, sino la respuesta que da a una pregunta tuya” – Italo Calvino

Calvino, como todos los grandes, sabe bien que en realidad debemos recorrer el mundo no para descubrir nada, sino para intentar reconocerlo y reconocernos en él.

Decía Lisette Model que el fotógrafo, al fotografiar, hace una pregunta y, a veces, la fotografía es la respuesta.

“El color es el tacto del ojo, la música de los sordos, una palabra en la oscuridad.” ― Orhan Pamuk.

“En blanco y negro se sugiere; en color se afirma. La sugerencia da mucho margen, pero la afirmación exige absoluta certeza. En color no se producen casualidades felices; nada es gratuito,” decía William Eggleston.

“A mis soledades voy, de mis soledades vengo, porque para andar conmigo me bastan mis pensamientos”.

- Lope de Vega

Para ser fotógrafo hay que amar la soledad y convertirla en nuestra aliada. Eso lo sabemos bien algunos fotógrafos y, para el que lo dude, Raymond Depardon lo ha repetido hasta la saciedad.

“Como una piedra fosforescente, colocada en la oscuridad emite una irradiación y expuesta a plena luz pierde toda su fascinación de joya preciosa, de igual manera la belleza pierde su existencia si se le suprimen los efectos de la sombra”. Junichiro Tanizaki Decía el poeta Ángel Crespo: “No es duradero nada que no engendre la sombra”.

Y yo creo a Tanizaki y a Crespo.

14 | ENTREVISTA |

”Tus primeras 10.000 fotografías serán tus peores fotografías.” Cartie Bresson

Podríamos decir que Cartier Bresson era tan aficionado a las frases como a las fotografías (a veces demasiado). Y en su caso esta frase, por suerte, no se cumple, sino más bien al revés. Pero sí comparto la idea. Es más, como autor prefiero pensar que todas las fotografías que he hecho hasta ahora son las peores, y que las malditas “buenas” están aún por llegar…

“La belleza contemplada en soledad es aun más letal” – Witold Gombrowicz

Soledad para contemplar la belleza del mundo o la de las obras de los hombres…

Acude de nuevo el poeta manchego Ángel Crespo a mi mente: “Solo quien es capaz de soledad puede convertir el agua en vino”. Y curiosamente cuántas veces quienes más disfrutan de la soledad o necesitan de ella –no quienes la sufren– son a la vez los más sociables, así como los más alegres son en no pocas ocasiones autores de las obras más nostálgicas.

“Las imágenes más bellas son absurdas en un espejo cóncavo” – Valle Inclán

La frase, como tantas de Valle, se presta a distintas lecturas. A mí me apetece pensar que se refiere al respeto que cualquier autor ha de tener por las imágenes y por la propia realidad, y a la fe que ha de tener en ellas. Una fe que le ha de llevar a intentar producir imágenes aparentemente sencillas y a la vez muy significativas (¡ahí es nada!)

Y, sobre todo, sin artificios innecesarios (bastante artificio es ya la fotografía). Decía la fotógrafa americana Berenice Abbott que una la fotografía no ha de ser nunca un ejercicio de técnicas contorsionistas.

“Alguien una vez dijo , las historias solo les pasan a los que son capaces de contarlas. De igual modo, tal vez, las experiencias se le presentan sólo a aquellos que son capaces de tenerlas”. Paul Auster Creo firmemente en esa receptividad, y acaso este sea el mejor consejo para cualquier fotógrafo. La fotografía exige esa apertura al mundo, a nuestros semejantes.

Todo lo demás, a poco que nuestra disposición acompañe, se nos dará por descontado.

Y cuando lo logremos, ya tendremos hecha más de la mitad del trabajo. Esa actitud tiene que ver con la vida de cada uno, con sus valores, con el respeto. Lo demás: la técnica, el lenguaje, etc., se puede aprender; pero eso no. Creo, con el portugués Miguel Torga, que las pocas cosas que de verdad importan en la vida no se pueden ganar, sino que hay que merecerlas

18 | NOMBRE PROPIO |

Marta

SOUL E

ligió la profesión de fotógrafa casi por azar. En su trabajo trata de producir reflexiones visuales acerca de la interacción entre temas de interés cultural, como la estética de la identidad (las apariencias), las emociones (y su relación con los valores) y los comportamientos sociales (patrones de interacción). La fotografía le permite centrarse en cuestiones acerca de estereotipos asignados a distintas categorías sociales como puede ser; la inmigración, el género, la conducta en grupo o el amor romántico.

E

s socia fundadora del colectivo NOPHOTO desde el año 2005. Marta Soul ha obtenido numerosos premios y becas de arte desde 2003 hasta la actualidad. Sus obras se han exhibido en distintos centros de arte y ferias, sobre todo en Estados Unidos y España, pero también en otros países europeos y en Asia. Está representada por Kopeikin Gallery (Los Angeles, California) y Espai Visor (Valencia). Actualmente presenta una muestra del conjunto de su obra en el Bulevar Salvador Allende, en Alcobendas, dentro del programa expositivo del Centro de Arte Alcobendas y del festival Miradas de Mujeres 2014. Su serie Entreacto ha formado parte de la sección «Festival Off» en PHotoEspaña 2013 (Galería Paula Alonso, Madrid); Wellhome se presentó en la sala Espai Visor de Valencia en 2007 y en el Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca en 2009; e Idilios en la Kopeikin Gallery de Los Ángeles (California, EE UU, 2011) y en Guatephoto (Ciudad de Guatemala, 2012). Entre los premios y becas que ha recibido, cabe destacar el Premio de fotografía AENA (2011), la beca en el certamen Fotopres07 (2007), el Premio al Mejor Fotógrafo Extranjero en Pingyao International Photography Festival (2008), la Beca INICIARTE de la Junta de Andalucía (2008) o el premio de Artes Plásticas de la Consejería de las Artes de la Comunidad de Madrid, en los años 2006 y 2008. Sus fotografías forman parte de colecciones privadas en E.E.U.U. y en España, además de instituciones como el Centro de Arte Alcobendas, el Centro de Fotografía de la Universidad de Salamanca, la Universidad de Cádiz o La Fundación La Caixa entre otras.

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1. On Dreams and Aspirations

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2. On Ways to Socialize

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3. On Linving a Space

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TOGETHER L

a crisis económica ha sido una de las preocupaciones más importantes para los europeos del sur desde 2008. La falta de propuestas grupales (en otras palabras, un exceso de objetivos individualistas) se ha planteado por algunos analistas como uno de los factores principales para tratar de explicar qué nos ha podido llevar a la ruina.

Together muestra una serie de imágenes que incluyen el resultado de sumar individualidades, sin sentido de cooperación. Estas imágenes muestran a personas que parecen estar llevando a cabo comportamientos ritualizados y miméticos debido a esta ausencia de objetivos comunes.

Esta serie de escenas puede interpretarse como una simulación de la realidad social, parecida a esas situaciones representadas por los creadores de los escenarios que se muestran en los museos de ciencias naturales, interpretadas por animales disecados, o incluso esos cuadernos con dibujos artísticos que hacían los etólogos del siglo XX… De hecho, Together quiere mostrar un mundo en el que el comportamiento social es el resultado del ambiente más inmediato, en vez de deberse a ideas meditadas

4. On Vital Situations

| NOMBRE PROPIO | 27

TOMÁS MUN G a n g ´ s

v i o l e n c e

i n

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NITA

C e n t r a l A m e r i c a

E

ste trabajo es la suma de tres reportajes realizados para The New York Times cuyo tema central era la violencia y el trafico de drogas en Salvador, Honduras y Costa Rica.

Mi enfoque ha intentado transmitir el clima de violencia al que están sometidos tanto los pandilleros como la gente corriente de estos países.

Pude comprobar de primera mano que este fenómeno responde a un legado de violencia que ha durado años. Es el resultado de las injusticias, pobreza extrema, la corrupción de los gobiernos, el trauma de la guerra al que fueron expuestos sus habitantes (en especial los niños), el flujo de armamento, y en los últimos años, al tráfico de drogas hacia Norteamérica con la consecuente adicción de la población.

En referencia a las Maras, puedo decir que tuve el privilegio de ser invitado por los propios miembros a visitar las cárceles donde cumplen condena. Pude conversar con miembros de pandillas rivales y hablar de sus orígenes. Comprobé que simplemente se asociaban a la pandilla que dominaba el entorno en el que vivían ya que desde una temprana edad la sociedad les dió la espalda. Evitar la Mara es, para muchos virtualmente imposible, y para otros la Mara fue su familia adoptiva y a ella le deben todo lo que tienen.

Es un espantoso circulo de violencia , y una advertencia clara para otras sociedades del camino al que pueden llevar la exclusión y la injusticia social

Tomás Munita (Santiago de Chile, 1975) es fotógrafo documental independiente, con un principal interes en asuntos sociales y ambientales. Ha enfocado su trabajo mayormente en Latinoamérica, Afganistán, Pakistán, India y Medio Oriente. Trabaja para The New York Times, GEO, Time, National Geographic y otros medios.

Ha ganado diversos premios entre los que destacan tres World Press Photo, Leica Oskar Barnack, segundo lugar en Fotografo del año (Poyi), Fotografo Latinoamericano del año, Chris Hondros Award, Henri Nannen Preis, All Roads Award, Visa D’or Daily News y Young Photographer Award (ICP)

MIRARTEPHOTO

E st e a ñ o s e c e l e b ra l a s ex t a e d i c i ó n d e M i ra r t e p h o t o.

G u a d a l a j a ra ( E sp a ñ a ) , l a c i u d a d q u e l o p re s e n t a d e l 6 a l 8 d e j u n i o, s e ll e n a d e e sp a c i o s d o nd e d e s g u st a r b u e n a f o t og ra f í a . H a bl a m o s c o n E l e n a G ó m e z - C a s e ro m i e m b ro d e l c o l e ct i vo d e f o t óg ra f o s N ú m e ro f y c o - re sp o ns a bl e d e p re ns a d e l e nc u e n t ro. .

Hola Elena, en primer lugar, ¿nos podrías contar como y cuando nace Mirartephoto?

Mirartephoto nace en 2009 como una muestra de fotografía artística que quiere ser un lugar de encuentro que permita a todos los fotógrafos de Castilla la Mancha dar a conocer su trabajo. Un encuentro dirigido a acercar el trabajo artístico al público en general y, a la vez, un estímulo para aumentar las relaciones entre autores y agentes culturales.

Ya en la segunda edición, en vista del interés que despertaba en fotógrafos de otras comunidades, decidimos abrir la convocatoria a todos los fotógrafos a nivel nacional.

Para nosotros un momento especialmente

importante fue cuando decidimos ponerle un poco de Primavera al IV encuentro y cambiamos las fechas y la ubicación trasladando el encuentro al Palacio del Infantado, que es un entorno realmente único de Guadalajara.

Este año, a partir de las propuestas de los participantes de la pasada edición hemos alargado los horarios y concentrado la muestra en tres días. ¿Los integrantes del colectivo fundador exponéis vuestra obra en estos encuentros?

Si claro, o eso intentamos. Todos somos fotógrafos, y nos sometemos al mismo proceso de selección que el resto de aspirantes a exponer en Mirartephoto.

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¿Los integrantes del colectivo fundador exponéis vuestra obra en estos encuentros?

Si claro, o eso intentamos. Todos somos fotógrafos, y nos sometemos al mismo proceso de selección que el resto de aspirantes a exponer en Mirartephoto.

Para nosotros el encuentro es un incentivo de cara a preparar obra nueva que poder presentar al mismo.

Mirartephoto es mucho más que exposiciones de fotografía. ¿Nos puedes contar qué se van a encontrar los asistentes al encuentro de este año?

Los asistentes al encuentro se van a encontrar la ciudad de Guadalajara, salpicada de actividades y eventos en torno a la fotografía artística. Es pura fotografía al 100% por toda la ciudad en un ambiente y contexto inmejorables.

Los visitantes van a poder disfrutar de una selección de fotográfica de una gran calidad, con el incentivo de poder comentar la misma directamente con los autores seleccionados. Esta es la actividad principal del encuentro pero hay mucho más.

“Los asistentes al encuentro se van a encontrar la ciudad de Guadalajara, salpicada de actividades y eventos en torno a la fotografía artística.”

En nuestra sección charla proyección, contaremos como autor invitado con Rafael Sanz Lobato, todo un lujo para nosotros.

También realizaremos la onceava proyección de fotografías de autor con música en el Patio del Palacio del Infantado. Esta actividad fue la primera que empezamos a organizar como colectivo Número F y la primera edición se remonta a 2004.

Otra interesante propuesta es la de ver muestras de fotógrafos locales expuestas en diferentes comercios de Guadalajara. A esta actividad la llamamos Escapararte y es una forma de acercar la fotografía a escenarios más frecuentados por los ciudadanos de a pie.

En anteriores citas habéis contado con invitados de la talla de Ramón Masats, Navia, J.M. Castro Prieto, Ricky Davila o Tino Soriano. ¿Nos puedes adelantar los invitados o exposición estrella de este año?

Una de las exposiciones estrella es La Colección de premios Nacionales del Ayuntamiento de Alcobendas, comisariada por José María Díaz Maroto en la sala Antonio Pérez del Centro San José que será del 15 de mayo al 15 de junio del 2014. Se trata de una selección de obras de fotógrafos galardonados con el Premio que cada año otorga el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte en las que figurarán obras de Rafael Sanz Lobato, Francesc Català Roca, Chema Madoz, Cristina García Rodero, Joan Fontcuberta , Ramón Masats entre otros. Una maravilla!

También esperamos poder contar con una exposición inédita de Ouka Leele (Premio Nacional de Fotografía 2005) que forma parte de la Colección del Ministerio de Cultura y que iría del 22 de abril al 15 de junio en el salón del Duque del Palacio del Infantado.

Esta exposición en principio iba a visitar Guadalajara gracias a la colaboración del Museo Provincial con el Encuentro MirartePhoto. Aunque por problemas ajenos a nuestra organización y más relacionados con la política, no sabemos a día de hoy si va a tener que anularse.

Tenéis la suerte de contar con la presencia de Rafael Sanz Lobato (Premio Nacional de Fotografía 2011. Podéis leer una extensa entrevista en Ojos Rojos) todo un peso pesado de la fotografía nacional. ¿En qué formato se podrá ver su obra? ¿Cómo se os ocurrió invitarle y cómo contactasteis con él?

Conocíamos a Rafael Sanz Lobato, desde hace varios años, ya que es un autor muy vinculado a Guadalajara.

Se nos ocurrió que podríamos traerle a MirartePhoto y concertamos una cita. No dudó en recibirnos y pudimos comprobar durante varias horas de conversación, su conocimiento del mundo fotográfico, su memoria y su punto de vista.

Antes de ir a su domicilio, ya le habíamos comentado nuestra intención de traerle a MirartePhoto, a lo cual no puso ninguna objeción. Nos ofreció traer su colección itinerante y participar con una conferencia en persona.

Su charla está programada para el sábado 7 de junio a las 19:00 en el Salón de actos En cuanto a la exposición, coincide que para las fechas que la necesitábamos estaba ya comprometida, de modo que aunque no estará como autor exclusivo, hemos acordado con el Ayuntamiento de Alcobendas que presentaremos de su colección la correspondiente a los Premios Nacionales, en la cual figuran obras de Rafael San Lobato.

Una pregunta que se harán muchos lectores es si la convocatoria está abierta para todo el mundo, o si hay restricciones y solo está abierto a fotógrafos españoles.

La convocatoria está abierta a todos los fotógrafos que deseen presentar, vender o intercambiar su obra artística. Desde aquí animamos a todos los que deseen participar en la convocatoria de este año, y para los que se les haya pasado el plazo, les emplazamos a la siguiente. Y a todos los demás que vengan a visitarnos.

Nos parece un festival de corta duración (solo tres días) ¿Sólo se podrán ver las exposiciones en los días mencionados o durará alguna más tiempo?

“La convocatoria está abierta a todos los fotógrafos que deseen presentar, vender o intercambiar su obra artística.”

Hasta el año pasado el encuentro duraba 4 días pero, tras leer algunas sugerencias del cuestionario que realizamos, decidimos concentrar la muestra en tres días, ampliando el horario del domingo hasta las 20.00 de la tarde. Vamos a probar y ver que tal funciona.

Sin embargo podremos disfrutar de varias exposiciones por la ciudad durante mucho más tiempo. La exposición que tendremos de la Colección de premios Nacionales del Ayuntamiento de Alcobendas, como ya hemos dicho, durará del 15 de mayo al 15 de junio del 2014. La exposición Inédita de Ouka Leele, Escaparate y otra colectiva que varios miembros de Número f realizarán en la Galería tienen una duración mucho mayor.

Pues nada más. Os deseamos suerte y que haya Mirartephoto para mucho rato

Luis Bayl贸n

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Jesús UBERA t o

La vida es puta, a veces es una putada, a veces es maravi-

llosa. Y el tiempo es como el cabrón que reparte siempre las cartas. Llevo años, desde el 2000 ,viendo fotos de Jesús, en exposiciones, en blogs, en revistas y también sobre mesas esparcidas, colocadas sobre el suelo, recién levantado, cargado hasta más no poder a mitad de noche, después de una comida agradable… Tiempo e imágenes y un fotógrafo que se va dejando rastros. Esa es mi experiencia con Ubera y desde ahí puedo contar.

Y la putada es que no haya más cartas, que no pueda haber otros palos, otra numeración: yo creo que de eso van las fotos de Jesús Ubera. Y también del valor de la ilusión de si las hubiese, del valor del que ve luz donde los demás vemos planicie. Esto último es más el comienzo de las fotos de Jesús, un chaval de la Alameda de Osuna, un barrio medio bien de las afuera norteñas de Madrid, que no fumaba, que no bebía, que hacía deporte como un loco y que iba de redacción en redacción de revistas fashion y no fashion enseñando unas fotos deslumbrantes. EHHH cuidado con los adjetivos. Deslumbrante, palabra con campo semántico contradictorio, como todas. Las fotos de Jesús eran descarnadas y al mismo tiempo puras y trascendentales, bajo una mirada llena de influjos londinenses veías a un fotógrafo capaz de fotografiar una spontex en un fregadero metálico con la intención y la capacidad de estar mostrando otra cosa, otra manera de mirar los objetos… Muy Tilmans decían en las redacciones, valga aquí una aclaración para quien lea esto: me la tocan Tilmans, Teller, Erwitt, Goldin, Unwhert, Olaf, Newton o su puta madre. Pretendo hablar del trabajo de Ubera sin referentes, intentando explicar lo que me pasa y creo que pasa con las fotos de Jesús.

Colita

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Ahora Jesús está en Londres, nunca entendí

qué busca en esa ciudad, siempre vuelve a ella, aun pasándolo fatal, siempre vuelve a ese lugar con trabajos de mierda, asido a una bicicleta de arriba abajo en un continuo sin sentido. Pasaron las épocas de drogas, raves y tonterías y Jesús sigue volviendo. Creo que para él es una distancia, un lugar donde mirarse y retarse para salir palante. Yo con las tres calles del centro de Madrid me pierdo, en tragaperras, en barras llenas de intenciones, en cuestas nunca muy largas.

Bueno, por dónde iba. Las fotos de comienzo del XXI de Jesús no solo me deslumbraron a mí. La industria reconoce al instante el vigor y la fuerza de lo nuevo, de lo no tocado, de lo hermoso por no manufacturado y no manido. Jesús trabajó para todos, para el Dazed, para El País, para el Neo 2, le pedían campañas de publicidad en los grandes bancos, en las empresas de telecomunicaciones… Y ahí iba él, sacando fotos a doquier, se juntaba vida y actitud en sus fotos, algo muy valorado por la industria, la vida es oro para la maquinaria de muerte. Jesús con la cámara en Madrid, calle arriba, bar abajo, fotografiando momentos y espirales, gestos, amor, rostros.. Fue una época frenética y hermosa, y corta.

Pero Jesús afortunadamente se prostituyó, empezó a fumar, a drogarse y a transar con los sentimientos y la vida. Relaciones truncadas, el tiempo demostrando que la esperanza es eso: ilusión de un futuro por venir… Comenzó la verdadera partida a los que todos nos tenemos que enfrentar y Jesús se vino abajo, ya no le valía ese contraluz que era como el sermón de Moisés en la montaña, las palabras amor, vida, mirada, pureza, futuro, intensidad, verdad, tensión, amistad, actitud, familia, atrevimiento, paz, amplitud o profundidad comenzaron a metamorfearse.

Y cuando todo perdió el sentido estúpido de la juventud, cuando decenas de nosotros decidíamos morirnos en cotidianeidad fingida, Jesús, también desde ahí, siguió fotografiando. Pero hizo algo que creo es una de la claves de su trabajo hoy en día. Siguió confrontando las fotos que hiciera hace diez años con las que iba haciendo. Y aquello se convirtió en un diálogo consigo mismo. Jesús con 45 imágenes haciendo collages de sus fotos. Murales de 6 x 4 fotos, cuatro filas de seis fotos en horizontal, y cogía una foto del 2003 y la metía en esa composición improvisada. Otra foto de su hermana hoy en día y la confrontaba con una imagen de un mar quieto que una vez expuso en Oliva Arauna. Otra de su padre confrontada con matojos de las afueras madrileñas llenos de luz y con una foto más abajo de un edificio en esqueleto y luz blanca…

Ahí comenzó un diálogo de Jesús con su propio trabajo que en muchos momentos el que miraba desde el exterior no entendía.

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Jesús es muy pesado. Y una de las cosas en que es

insoportable es en el amor. Generoso y capaz de vaciarse es también un cordobés venido a menos lleno de matices machistas y rencores posesivos. En sus fotos se ve esa lucha, no he conocido persona que crea más en el amor que él y es como tantos otros que conozco incapaz de aceptar lo que tiene. Esos murales portátiles de los que hablaba muchas veces estuvieron llenos de las caras de las mujeres con las que estaba.

La profesión se había ido al traste, ya nadie pagaba 250 euros por una foto a cuarto de página, ahora tenías que darla gratis o como mucho cobrar 30 euros… Ya los bancos no le llamaban, ni las telefónicas, cambió el negocio y el momento socio-económico y además Ubera ya no era el mago del contraluz deslumbrante, sino una persona perdida y agarrotada. Y en esos momentos, en que compañeros suyos de generación se especializaban, Jesús se empeñaba en hacer murales de las miradas de su amante. Todos los entendidos le decían que no, que debía tener una intención en su trabajo, que debía haber una estructura y una finalidad… Entendidos que admiraban a fotógrafos que hacían siempre lo mismo: edificios en páramos, retratos de tintes flamencos, etc. Jesús continuaba con sus murales, juntando el pasado, el ansia, el amor presente que ya era ido y el deseo en sus fotos. Sin pies ni cabeza. Incluso el que escribe alguna vez le dijo que reflexionase, que no se trataba de hacer composiciones de fotos que tuvieran sentido por el montaje, pero que si tenía que haber hilos, puentes levadizos, electricidades entre las fotos que juntaba. Muchas veces sus composiciones parecían absurdas, movidas por una ilógica mermante.

Hoy me manda desde Londres estas fotos que va a mostrar en la revista. Las imprimí y como él hace las puse en el suelo de mi casa. Y me di cuenta que esos vericuetos incomprensibles van cogiendo sitio (no es la primera vez, es algo que muchas veces atisbe y otras muchas estuvo presente). Comencé a ver, obviando las caras, los sitios y las épocas que reconocía en ellas, una visión extraña, nada figurativa de este fotógrafo atípico y milagroso. La esperanza, la pureza y la capacidad de sus imágenes se han convertido en un relato nada narrativo pero creo que diáfano de la vida humana. Dudas, esperanzas, miserias, confusión y ese halito tan Ubera de que la comunión (con lo que sea) es posible.

Me pregunto ahora si Ubera es capaz de seguir viendo luz donde nosotros vemos planicie. Y la verdad es que me da igual. Lo que comienzo a ver es un fotógrafo con el ojo hecho, con un ojo desesperanzado y al mismo tiempo batallador. Las fotos de Jesús son lucha. Lucha consigo mismo y con el mundo. Y cuando las veo, esa lucha la hago mía, por que tiene mucho que ver con lo que me pasa y porque Ubera sigue siendo capaz de emocionarme más allá de la ternura y el efecto. Veo hoy sus fotos y me embarga una emoción lastrada de tiempo que nada tiene que ver con la melancolía, una emoción sujeta al cuerpo, al paisaje, a la mirada y a la luz

Pablo Caruana Periodista de El país y Teatron y fundador de SISMO

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Eugeni Forcano

OJO DE PEZ Es una de las mejores revistas internacionales de fotografía documental, aunque la marca poco a poco se ha convertido en mucho más, abarcando el Ojo de Pez Photomeeting y el premio PHE OjodePez de Valores Humanos. Hablamos con Arianna Rinaldo, la directora de la revista.

Hola Arianna, eres la directora artística del Festival de Fotografía Internacional, Cortona On The Move, en Toscana, Italia. Has sido directora del archivo de Magnum Photos New York, editora grafica de la revista Colors y has sido consultora de fotografía para D, el semanal de La Repubblica. ¿Cómo surgió la colaboración y qué te atrajo de la revista Ojo de Pez? Fue un flechazo. Gracias a una amiga diseñadora de Barcelona conocí a Frank Kalero, el fundador, cuando publicaron el numero uno. Yo en esa época estaba trabajando en Colors, en Italia. Él me invitó a editar el numero 2 de OjodePez, y desde entonces no nos hemos separado! quiero decir que desde aquel momento surgió una gran amistad y colaboración profesional. He estado al lado de Frank en segunda fila muchos años, también como redactora jefe de la revista.

A partir del 2010, empecé como directora. OjodePez siempre ha estado diferente y original. Su mejor característica es que cada numero tiene un editor grafico invitado, y eso hace que la revista no se repita nunca y siempre tenga algo nuevo y sorprendente.

La revista, que en un principio tenía formato de fanzine, nació de la mano de Frank Kalero. Desde entonces la revista ha evolucionado mucho y ha adoptado nuevos y originales criterios de publicación. ¿Nos puedes contar en que han consistido esos cambios? ¿ Tenéis preparado alguno más para un futuro próximo?

Mas que una fanzine, empezó como un proyecto apasionado de un grupo de estudiantes de comunicación, entre ellos Frank Kalero, que querían aprender cómo se hace una revista. Los primeros dos números son ejemplo de esto. En el numero uno invitaron a Pepe Baeza, para aprender de primera mano, que hace un editor grafico, como trabaja. A partir del número 3, La Fábrica adopta OjodePez y esta se convierte lentamente en una “revista” con una estructura, diferente secciones, una grafica bien definida, una identidad reconocible. Menos casual, podemos decir, más regular con 4 números al año.

También mas conexión con PhotoEspaña.

Ojodepez siempre tiene pequeños cambios, cada número se “adapta” al editor invitado. No queremos ser rígidos, y ser flexibles cuando el contenido lo pide.

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Muchos habréis oído hablar del festival Getxophoto en vuestras redes sociales y esperamos que más de uno haya tenido la oportunidad de visitarlo. Para los que no lo conozcáis, Jokin Aspuru director del Festival nos cuenta en qué consiste y nos tienta para asistir a su próxima edición.

Hola Jokin, ponnos en antecedentes, hagamos un poco de historia. El festival Getxophoto nace de la mano del colectivo Begihandi en el 2007. ¿Cómo y porqué se os ocurre crear el festival?

Sinceramente el festival, como casi todo en este rincón del mundo llamado Euskal Herria, surge en torno a una mesa y a una buena cena. Alguien dijo “¿y por qué no hacemos un festival de fotografía?”

Y otro dijo “pues claro”. Y así empezó todo. La

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Lo que no ha cambiado es la idea base, editor grafico invitado en cada número.

Como nos acabas de contar, en cada número escogéis a un fotoeditor invitado y proponéis temas monográficos. ¿Escogéis el editor en base al tema de la revista o proponéis al invitado que escoja un tema, ¿Cuál es el criterio?

Normalmente escojo el editor grafico por su trabajo y su proveniencia geográfica. Me gusta poder proponer fotografía de varias partes del mundo, incluso menos conocidas fotográficamente (hemos hecho números con editor africano, coreano, etc..). Él o ella propone un tema que discutimos juntos. Casi siempre funciona…y siempre él o ella propone un listado de fotógrafos para desarrollar el tema mismo.

En anteriores números, publicasteis unos portfolios seleccionados en Descubrimientos y Trasatlántica, los visionados de porfolios de PHotoEspaña en Madrid y América Latina respectivamente. ¿Vais a seguir con esta colaboración ?

La colaboración con PhotoEspaña es muy buena y solida. Los visionados de portfolios son una fuente inagotable de trabajos nuevos y descubrimientos de fotógrafos emergentes. Seguiremos con esto seguramente….con posibles novedades, como incluir los visionados del photo meeting de OjodePez. Como sabrás Ojos Rojos nació con la idea de mostrar al público fotografía española y latinoamericana. ¿Ves alguna diferencia en el lenguaje fotográfico a ambos lados del Atlántico?

Sí y no. Seguramente en latinoamérica sigue dominando un tipo de fotografía documental más clásica. En España el lenguaje documental ha desarrollado un estilo mas contemporáneo, bajo la influencia de la fotografía nórdica. Eso en Latinoamérica se ve menos, pero sí que hay ejemplos, y buenos. Algunos los hemos publicado!

Cambiando de tema, ¿Hay alguna manera de participar en la revista que no sea a través del visionado de portfolios de PHE o de la selección que realizan los fotoeditores invitados? ¿Vamos, que si estáis abiertos a la recepción directa de portfolios de los fotógrafos?

La sesión mas abierta es el wip-work in progress, donde escojo un trabajo en fase de desarrollo…..y todos los fotógrafos tienen uno o más de estos!

Las otras secciones ahora mismo tienen el criterio que explicamos.

La revista es trimestral y se publica en una edición bilingüe. Lleváis 36 números de los cuales la mayoría están agotados. Parece increíble que la fotografía documental tenga tanta aceptación. Tenéis distribución en el extranjero. ¿Es mayor el interés por este tipo de fotografía en nuestro país o fuera de nuestras fronteras?

Creo que la pasión por la fotografía es la misma dentro y fuera de España. La fotografía documental además es la que habla a un público más amplio. Es más comprensible, más cercana. Quizás en España necesitaría un poco mas de respeto y presencia dentro de la prensa tradicional, que no sea específicamente para un público fotográfico. Esta diferencia se nota, y mucho, entre España, y países como Francia, Inglaterra, EEUU, por ejemplo.

Cada vez más las nuevas tecnologías están más consolidadas en el mundo de la fotografía llegando incluso a publicarse trabajos, portadas de revistas, etc., hechas con smartphones. ¿Qué piensas personalmente de este hecho como editora? ¿Tienen cabida estas imágenes en vuestra revista?

La Smartphone Photography es un vehículo importante en nuestro mundo. Como documentación de la realidad, como Citizen Journalist, y como pasión pura. La comunicación visual, a través de la fotografía nos une todos, al día de hoy, gracias a los móviles inteligentes y los social networks.

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Me interesa mucho el uso del smartphone que están haciendo fotógrafos profesionales….que lo utilizan como complemento y paralelamente a su equipaje fotográfico profesional. Este fenómeno es interesante y esta desarrollando un discurso muy importante en el mundo de la fotografía documental.

Ojodepez ha acogido fotografías hechas con móviles en situaciones de guerra en el número 25 de la revista, hace tiempo, un numero editado por Mónica Allende editora gráfica del Sunday Times magazine.

En el próximo número, el 37, habrá otro ejemplo de esto. Así que sí, nos interesa esta plataforma nueva y estimulante.

Este año se vuelve a convocar el Premio PHE OjodePez de Valores Humanos ¿Nos puedes contar un poco en qué consiste el premio?

El premio OjodePez, que sale cada primavera, y se decide en junio, es un premio que quiere celebrar los valores humanos como el coraje, la fuerza, la amistad, la resistencia, el respeto. Queremos ensenar historia positivas, fuertes.

La Smartphone Photography es un vehículo importante en nuestro mundo. Como documentación de la realidad, como Citizen Journalist, y como pasión pura. La comunicación visual, a través de la fotografía nos une todos, al día de hoy, gracias a los móviles inteligentes y los social networks.

Cada año seleccionamos con un jurado experto, un ganador y 9 finalistas que se publican en el numero de septiembre.

También estáis a punto de celebrar la cuarta edición del OjodePez Photo Meeting Barcelona, un encuentro internacional de fotógrafos organizado por La Fábrica y La Virreina Centre de la Imatge. ¿Qué es Ojode Pez Photo Meeting?¿Nos puedes adelantar alguno de los eventos o invitados de esta edición?

OjodePez Photo Meeting Barcelona, es una gran cita internacional para la fotografía documental nacida en torno a la revista OjodePez que se celebrará del 11 al 13 de junio en La Virreina Centre de la Imatge.

OjodePez Photo Meeting nace con la intención de favorecer el diálogo y el debate entre especialistas, fotógrafos y participantes interesados en la fotografía documental. La programación presenta temas específicos de actualidad, trabajos fotográficos y un apartado profesional y pedagógico y en esta edición tratará la fotografía desde su perspectiva más inconformista. Entre los participantes se encuentran autores de la talla de Martin Parr, Joan Fontcuberta, Baylón, Txema Salvans, Stanislas Guigui y Raphaël Dallaporta, entre otros.

Jacob Aue Sobol Fot贸grafo de la agencia Magnum: el mundo a trav茅s de 贸pticas cercanas.

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acob Aue Sobol es un fotógrafo de Magnum, a mi manera de ver un autentico Magnum en el sentido de que en sus fotografías aparece la poderosa visión personal de lo que fotografía. La agencia Magnum nació hace 65 años, entre otras cosas y además de defender los intereses de sus socios….” para fotografiar buenas historias, por pequeñas que estas sean”. En sus archivos se encuentran un millón de imágenes que documentan de forma artística gran parte de los eventos históricos del siglo XX, desde el final de la II Guerra Mundial hasta nuestros días, así como impresiones de la vida cotidiana o personajes de la vida pública.

Jacob Aue Soboll revistaojosrojos Jacob Aue Sobol Jacob Aue Sobol nacido en 1976 en Dinamarca es uno de los más jóvenes fotógrafos que se ha incorporado a la Agencia, después de pasar dos años de pruebas y otro más como miembro interino. Para realizar sus fotografías, se implica vitalmente con el tema que va a tratar: en su primer proyecto, “Sabine” estuvo viviendo en un pequeño pueblo de pescadores de focas en Groenlandia durante dos años, después en Tahilandia, en Guatemala, en Tokio. Y recientemente “Arrivals and Departures” qué ha realizado viajando a lo largo y ancho de Rusia en el Trassiberian Express.

Sobol hace una fotografía radical, no solo por su temática, sino también por la crudeza de sus tomas, un revelado muy drástico y películas de alto contraste de las que obtiene ese granulado que tanto le gusta.

El está totalmente de acuerdo con la filosofía de Magnum que hace suya al cien por cien: trabajar de una manera intuitiva y honesta, en el sentido de que es consciente de que cuando se mira todo con “la inocencia de la primera vez” saldrán cosas irrepetibles.

La fotografía que he elegido para representar el trabajo de Sobol pertenece al proyecto Tokyo ciudad en la que vivió durante un año y medio y que fue distinguido con el premio Leica European Publishers en 2008.

Para mí esta fotografía contiene todas las características de su trabajo: es inquietante sin mostrar nada expresamente inquietante, transmite inmediatez con un detalle (la ceniza del cigarro está a punto de caer), sus personajes casi nunca nos miran, aquí ha sustituido la mirada del hombre por la mirada desafiante del gato. Las manos: Sobol retrata mucho las manos de sus personajes, sobre todo tensadas, descarnadas y con las venas muy marcadas, igual que las del cuello. Por supuesto su característico revelado en acusados blancos y negros radicales. El conjunto de la fotografía es desconcertante: el hombre, de aspecto duro, sostiene a un gato, pero suavemente porque el gato está tranquilo, incluso pareciera que al gato le molesta el fotógrafo; diríamos que es de noche aunque el personaje va con gafas de sol, lo que acentúa su dureza; esta fumando, pero parece que prefiere sostener al gato que coger el cigarro, prueba de ello es que debe llevar un rato sin tirar la ceniza. Y finalmente el encuadre, la parte del cuerpo del personaje que ha elegido para dar mayor importancia a su actitud.

Esta es una de mis fotografías favoritas de Jacob Aue Sobol y digo una de ellas, porque realmente me gustan todas con locura, pero en esta encuentro la belleza oscura de la contradicción entre lo amoroso y lo cruel.

Conocí personalmente a Jacob en Madrid en 2011 con motivo de su exposición en mi galería y pude comprobar qué está hecho de la materia de los grandes fotógrafos Rita Castellote Abril 2014