Paula casa abril 2019 by Revista Paula

la revista de la revista de

paula ediciÓn otoño 2019 paula ediciÓn otoño 2019

M.R. M.R.

casa bauhaus bauhaus cumple 100 años

cumple 100 años

chau punta chau punta propuestas déco propuestas déco

José pelayo José pelayo en su laberinto en su laberinto

LLegó LLegó eL eL

OtOñO

no 48 no 48 otoño 2019 / Nº 48 especial casa otoño 2019 / Nº 48 especial casa

M.R.

10 BIBLIOTECAS DEL MUNDO

Fotografía: Hotel Janeiro.

LA REVISTA DE

36 LA CENTENARIA BAUHAUS

20 OTRA ExPRESIóN 100 RíO SLOw

STAFF DIRECTORA NATALIE SCHECK Relaciones Institucionales: CECILIA SoLArI SCHECK Coordinadora General: JuLIA HELENA romEI Fotografía: NATALIA AyALA, PAbLo rIvArA, ArCHIvo EL PAíS, LATINSToCK. Coordinadoras de Diseño Uruguay: ANdrEA SAPorITTo, CLArA AvELLINo Colaboradores: yELLy bArrIoS, EugENIA LAgo, mArIELA bENTANCor Digitador de Imagen: fErNANdo mESA Servicios: PAuLA CHILE Directora de Arte: SILvIA fLorES Diseño: mAríA JoSÉ SALdES Derechos Reservados: EL PAíS S.A. Preimpresión e Impresión: EL PAíS S.A., uruguAy, d.L. Nº 325.354. Distribución: EL PAíS S.A., moNTEvIdEo, uruguAy. Oficinas: PLAzA dE CAgANCHA 1166, APTo. 202, moNTEvIdEo. Teléfono: 2900 6427, Fax: 2908 3916. PAuLA CASA Nª 48.

EN LA wEB www.paula.com.uy /paulauruguay rpaulauruguay @RevistaPAULA @RevistaPAULA /Revista Paula

56 FELIZ CONVIVENCIA

TEMAS Y ENTREVISTAS 4 SUMARIO

52 NUEVA HOSPITALIDAD

6 MERCADO DE IDEAS

66 LA PASIONARIA

8 LO MáS NUEVO

78 BUENA MADERA

16 LA VILLA GLOBAL 26 ARCO MADRID

88 LUJO FUTURISTA 94 A LA VISTA

30 METABOLISMO JAPONÉS

108 GENTE

42 FIEBRE RACIONAL

112 BUENAS DIRECCIONES

46 SER O NO SER

SOFÁ ARGOS | STUD IO SACCARO SILLÓN VIRTUS | EMER SON BORGES MESA EVE | DIEE DRO BY JAIME BE R NA R D O LÁMPARA EQ UIN Ó CIO | FABRIC IO RO NC C A

Galería Saccaro: Minas 912 • Montevideo • Uruguay Coordine su visita al: 094 449601 / 096 449044 | saccarouruguay@gmail.com

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De vanguarDia

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Buen Diseño La Asociación de Diseñadores Interioristas Profesionales (ADDIP) es por excelencia el ámbito de interacción y vínculo en mercado del interiorismo. No en vano, reúne y apoya a los profesionales, técnicos, empresas y estudiantes del Diseño de Interiores desde hace 34 años. En sus instalaciones se llevan a cabo cursos de actualización, charlas y actividades, pero además su renovada infraestructura cuenta con un auditorio de lujo para hacer presentaciones, y desde hace un tiempo, un Cowork Café. Su ambiente cálido, con un lay out cómodo y actual, brinda un espacio para que los profesionales presenten sus proyectos, disponiendo de equipo de proyección, wifi, cafetería, y demás servicios. Con muestras de materiales, colores y texturas, el lugar se ofrece como un entorno colaborativo idóneo para crear, donde se respira buen diseño y todo conspira para que se desarrollen las mejores ideas. www.addip.uy

Phoorma es entusiasta de la personalización de los espacios. Por algo su propuesta de revestimientos planos y tridimensionales para paredes, cielorrasos, puertas y placas divisorias, recorre distintos formatos. La marca apuesta por las líneas elegantes, las ideas innovadoras, de alta calidad y materiales diversos de sencilla colocación. Prueba de ello es la nueva colección de paneles en corcho natural, que brinda una alternativa natural y sustentable para el hogar. Con una variedad única de texturas y colores, el recurso es renovable y ecológico, de muy sencillo mantenimiento, y con muy buenas propiedades de absorción acústica y aislación térmica. Se presenta en paneles de 60 por 30 centímetros y 3 milímetros de espesor, y también hay empapelados, en rollos de 0,5 por 10 metros. La nueva tendencia arrasa en el hemisferio Norte y es la indicada para crear espacios cálidos y atractivos, con una atmósfera íntima y relajada. 21 de Setiembre 3013. Tel.: 2716 7148.

templos modernos

BiBliotecas del mundo

son esos lugares inigualables donde uno puede perderse durante horas entre tinta, papel y relatos. lejos de desaparecer, cada vez son más los espacios que se renuevan y diseñan con el objetivo de hacer única la experiencia de la lectura. aquí, algunos exponentes que dejan sin aliento. Por Clara avellino.

El OjO dE Binhai, Tianjin, China.

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El edificio ocupa un área de 34 mil metros cuadrados y tiene cinco pisos en los que se reparten áreas de lectura, descanso, un gran archivo, salas de conferencias, salones multimedia y más de un millón de libros para elegir. En el interior, las estanterías parecen una enorme cascada en torno a una esfera que guarda un importante auditorio. Visto de arriba, el conjunto da la idea de un ojo. Esta biblioteca de diseño súper futurista se construyó en solo tres años y es obra del grupo MVRDV junto con el Instituto de Planificación y Diseño Urbano de Tianjin (TUPDI).

la BiBliOtEca sandrO pEnna, Perugia, iTalia.

Aunque su exterior parece una nave espacial, este disco formado por una cubierta de vidrio estructural montada en marcos de metal curvados, fue diseñado por el estudio italiano del arquitecto Rota como encargo del ayuntamiento de la ciudad. Bajo el concepto de espacios abiertos y una combinación de luz natural y artificial, el edificio inaugurado en 2004 cuenta con un sistema de insonorización y un manejo de colores relajantes para decorar su espacio interior favoreciendo la concentración. Por la noche destaca su iluminación.

thE Black diamOnd, rOyal danish liBrary, CoPenhaguen.

Este recinto consagrado a la cultura es el más grande de los países escandinavos, y se trata además de un oasis silencioso ideal para leer. Con vistas al Canal de Christianshavn, el centro cultural cuenta con salas de lectura, auditorio, salas de música y teatro, una librería, un restaurante, y el National Museum of Photography. La construcción, con un contenido realmente vasto y amplio, fue proyectada por los arquitectos Schmidt, Hammer & Lassen, y su imagen impacta por el efecto óptico que genera la fachada de granito pulido al reflejarse en el agua.

la BiBliOtEca dE VEnnEsla, noruega.

Es una obra cien por ciento sustentable concebida por los arquitectos Helen & Hard. Aparte de la biblioteca, la misma incluye una cafetería, salas de reunión y áreas administrativas, bajo el concepto de lograr un espacio abierto, de grandes dimensiones, con decenas de costillas de madera que sirven de soporte a las estanterías, el mobiliario y la iluminación. Su fachada de vidrio y la terraza al aire libre ayudan a integrar el nuevo espacio al paisaje urbano. Además se acopla a la Casa de la Cultura y a un centro de enseñanza para la comunidad.

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BEinEckE rarE BOOk and manuscript liBrary, ConneCTiCuT, esTados unidos.

Aunque parece salida de una novela de Harry Potter, la Biblioteca Beinecke de Manuscritos y Libros Raros es absolutamente real. Su peculiar diseño de Gordon Bunshaft a base de granito y mármol blanco de Vermont, permite el paso de la luz a través de la fachada y ayuda a que los libros se conserven perfectamente. Su mejor secreto es que guarda un ejemplar del primer libro impreso con tipos móviles, o sea, la primera Biblia de Gutenberg.

stadtBiBliOthEk stuttgart, alemania.

La Biblioteca Pública de Stuttgart fue diseñada por Eun Young Yi, arquitecto coreano. Su moderna forma cúbica y su estética minimalista, está inspirada en el panteón antiguo de Roma y guarda millones de libros, además de materiales especiales como mapas, películas, música, diarios y publicaciones en más de cien idiomas. En el corazón del edificio hay un área de lectura que recibe la luz natural y cuenta con butacas de diseño para saborear la lectura.

BiBliOtEca dE ViEna, ausTria.

Forma parte de un conjunto arquitectónico que constituye el Centro de Aprendizaje de la Universidad de Viena, pero sin dudas es la pieza más llamativa de todo el campus, el cual fue diseñado por diversos grupos de arquitectos. Zaha Hadid Architecture de Hamburgo fue el grupo encargado de diseñar este edificio futurista que avanza en el aire de manera impactante y a su alrededor se agrupan los demás edificios. Todas las instalaciones y revestimientos fueron creados buscando la mayor eficiencia posible.

BiBliOtEca liyuan, China.

Esta pequeño templo de tan solo 175 metros cuadrados se ubica en la localidad de Huairou a las afueras de Pekín y es una de las construcciones más ecológicas del mundo. El arquitecto Li Xiaodong lo proyectó como un ecosistema donde todo, desde su ubicación, los materiales, la paleta de colores y la distribución, fueron pensados para generar tranquilidad y coexistir con el entorno natural. La simplicidad absoluta de la estructura imita a las antiguas casas rurales.

starfiEld, seúl, Korea.

Ubicada en el corazón del centro comercial COEX, esta biblioteca, es más que un lugar donde relajarse y leer. Se trata de un espacio cultural abierto que promueve el desarrollo intelectual con charlas, conferencias y por supuesto, con libros –una colección de aproximadamente 70.000 ejemplares especializados en diversos campos como humanidades, economía y entretenimiento– dispuestos en estanterías de 13 metros de altura. Además posee una sección especial dedicada al estudio de las celebridades.

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Puente Zubizuri conocido como “puente de Calatrava” por el arquitecto que lo construyó. Semeja ser un barco de vela a diez metros de altura sobre la ría. Una pasarela lo comunica con la Puerta Isozaki, dos torres del ganador del Pritzker 2019.

La viLLa gLobaL Gracias a una sumatoria de asuntos sociales, ambientales, políticos y económicos bilbao recibió la distinción de mejor ciudad europea 2018 que otorGa desde hace una década la academia de urbanismo de reino unido. ¿qué hace que la ciudad merezca esta consideración? Por YellY Barrios.

eusKadi

Olore del ea atetum adigna ad eu faccumsan exerostio odolor sequis aliquip susciniam, qui Olore del ea atetum adigna ad eu faccumsan exerostio odolor sequis aliquip

Vistas panorámicas de Bilbo, como se nombra a la ciudad en euskera, desde el mirador de Arraiz uno de los parques forestales municipales que forman parte del llamado Anillo Verde.

Vista desde el puente Zubizuri con las torres de Arata Isozaki al fondo.

Conocidas como las caracolas, son la boca de entrada al metro de la ciudad. Un diseño del arquitecto británico Norman Foster.

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Los contenedores del sistema de reciclaje urbano. En la ciudad el 50 por ciento de los residuos generados se procesan de acuerdo a las máximas normas de calidad fijadas por la Unión Europea.

l mundo entero es un Bilbao más grande. La frase, tomada de un poema del filósofo y poeta bilbaíno Miguel de Unamuno, es un buen punto de partida para comenzar a andar por la urbe y es que según dicen: “el de Bilbao, nace donde quiere”. Arte, gastronomía, letras, tradiciones, deportes. Aquí hay festivales internacionales de cine, de teatro, de danza, de poesía. Hay cocina, buena cocina, muchas Estrellas Michelin. Hay parques naturales, bosques pintados, acantilados con vistas al furioso Mar Cantábrico y el primer puente transbordador del mundo de 1893, Patrimonio de la Humanidad. Pero la ciudad que hoy se asocia casi automáticamente con bonanza y con el Museo Guggenheim de Frank Gehry vivió períodos de altibajos. La ciudad nace el 15 de junio de 1300 como Villa de Bilbao. Pasaron 500 años antes de convertirse en uno de los grandes centros industriales de la península ibérica. Desde finales del siglo XIX se hizo conocida por sus astilleros y sus altos hornos, su aire ennegrecido por el hollín y el silbato de las fábricas. La industria atrae capital y el capital a los bancos. El BBVA nació precisamente aquí. Una parte de la Bilbao restaurada y resplandeciente del siglo XXI viene de esta época. El Teatro Arriaga y el Museo de Bellas Artes son herencia de la sociedad burguesa y adinerada de aquel momento. Pero cuanto más alto se sube, más dura puede ser la caída, y durante 1980, junto a la crisis que afectó al sector industrial, comenzó una fase de degradación urbana y económica.

el turismo reporta a bizKaia 1.903 millones de euros. de aquí a 2025 se espera un aumento de 85.000 turistas por año procedentes de japón, europa y latinoamérica. Puppy, escultura de Jeff Koons a la entrada del Guggenheim.

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Museo Guggenheim.

Casco Viejo de Bilbao, aquí se levanta la plaza que homenajea a Miguel de Unamuno.

Efecto Guggenheim

Década de 1990. Un tiempo épico si se quiere. El triunfo de la voluntad. Y la voluntad llegó con el propósito común de gobernantes y ciudadanos de devolverle la gloria al gran Bilbao. El ícono de esa convergencia es el Guggenheim. Fue tal el vuelco que dio la construcción del museo que proyectó el arquitecto Frank Gehry que años después comenzó a hablarse del “efecto Guggenheim”. Esto significó que muchas otras ciudades españolas e internacionales intentaron copiar el modelo de éxito y construyeron o proyectaron sus propios grandes centros; pocos con iguales resultados. Pero el plan de remodelación urbanística de Bilbao iba más allá. Más allá de esta obra magnífica que sólo sería la punta del iceberg. Porque se construyó el Palacio Euskalduna, que en 2003 ganó el premio al mejor centro de congresos y música del mundo; el metro con sus entradas con forma de caparazón de caracol translúcido que diseñó el británico Norman Foster; toda una red de modernos puentes para comunicar las márgenes derecha e izquierda de la ría; se restauró la Alhóndiga de Bilbao, donde hace cien años se almacenaban vinos y hoy es un imán cultural: además del Centro Azkuna; y la Puerta de Isozaki, un complejo de viviendas concebidas por el japonés Arata Isozaki, Premio Pritzker 2019. Los barrios mejoraron su acceso a los servicios y sus fachadas se limpiaron el gris del humo acumulado. El plan no se detuvo, las zonas más deprimidas todavía siguen recuperándose. La Sociedad Urbanística de Rehabilitación de Bilbao es la gran impulsora y aquí sobran los datos que reflejan esos cambios: la mayoría de los desplazamientos se hacen a pie, en bicicleta o en transporte público. Hay tranvías, autos colectivos, metro y tren que crean una eficiente red de comunicación terrestre, convirtiendo a esta ciudad en la que tiene el menor uso de vehículos privados de toda España. Además se recicla casi el 50 por ciento de la basura que se genera: lo orgánico, el papel, los envases, el vidrio tienen cada uno su contenedor en la calle y en la cocina de las casas más modernas. Según los informes del Observatorio Urbano de Barrios, la valoración de la seguridad y la vigilancia se llevan buena nota desde 2012 y se mantiene estable la de la convivencia entre la población extranjera y la autóctona. Los bilbaínos consideran que la suya es una ciudad multicultural.

Arriba y abajo, edificio de la Sede del Departamento de Sanidad del Gobierno Vasco, en el centro de la villa. Diseñado por Coll-Barreu Arquitectos (2008).

Efecto lumínico que se proyecta sobre las torres de Isozaki construidas en los terrenos del antiguo Depósito Franco.

creció 25,3 por ciento desde 2015. El ayuntamiento puso en marcha un plan de acción para aumentar esta tendencia en los próximos siete años. El programa, que propone 93 actuaciones específicas, no pretende que la ciudad se convierta en un hervidero de turistas. No es lo masivo lo que les importa, es la calidad. Muchos de los visitantes lo notaron porque repiten destino cada vez que tienen ocasión, sobre todo europeos o nacionales. En el caso de los que llegan desde más lejos lo que ocurre es que prolongan su estadía. La gran apuesta es también el desafío: mantener el atractivo, seducir sin que se convierta en una moda, ser un sitio al que llegar, hacerse una selfie ante el monumento popular, publicarlo en las redes sociales e irse. Los involucrados lo saben y por eso planificaron tener presencia este 2019 en los veinte mercados que más les importan: en los países nórdicos, en Portugal, en Japón y en Latinoamérica. Es posible que esta no sea la última vez que tenga noticias de Bilbao y por eso no está de más comenzar a practicar algunas palabras en euskera: ongietorri, egun on, eskerrik asko, agur: bienvenidos, buenos días, gracias, adiós.

Llueva o no, aquí la gente sale, disfruta los espacios públicos, muchos en las bicis eléctricas que ofrece el ayuntamiento. Abarrotan los bares que tienen ofertas de gastronomía local, pintxos, chuletón, txipirones en su tinta, o internacionales como los restaurantes de comida india, mexicana, japonesa. Hay mercados de flores los domingos en el Arenal. La gente llega temprano y camina por las calle con los ramos en mano. Los sábados en el mismo punto hay feria orgánica de hortalizas, legumbres y frutas de estación. Hay plazas de juegos para niños, llenas de niños, hay auditorios con programación tan abundante que no alcanzan las horas del día para aprovecharlas, hay bibliotecas ocupadas por familias enteras. Por esta suma de circunstancias sociales, ambientales, identitarias e innovadoras, Bilbao recibió a finales de 2018 la distinción de Mejor Ciudad Europea que otorga desde hace una década la Academia de Urbanismo de Reino Unido. Compitió por este lugar con Ljubljana (Eslovenia) y con Viena (Austria). El alcalde Juan Mari Aburto comentó al recibir el premio que la distinción sirve de impulso para proyectar una Bilbao del futuro como un punto de atracción universitario, museístico y de negocios. La empresa de marketing Primetag realizó meses atrás un ranking de las veinte ciudades españolas más buscadas en Instagram que la puso en el 10º puesto de la lista. Nada mal para una urbe que no llega a quinientos mil habitantes en un país que recibe más de 80 millones de visitas al año. Y es que Bilbao se encuentra en el Eje Atlántico, un corredor turístico europeo que

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Hoy y mañana

josé maRía pelayo

de RescataR la memoRia de los objetos y daRles otRa jeRaRquía, de los Ritos cReativos y de la caducidad del aRte. tales las cuestiones que el escultoR aboRdó en su chaRla con paula. pasen y lean.

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otra expresión

xxxxxxx

Piezas en portland, hierro y tela de la serie Los Laberintos, comenzada en 2018.

–¿Cuándo se dio cuenta que le interesaba el arte? –Mi niñez me marcó en el buen sentido. De chiquito era un tipo muy creativo y salía mucho a jugar a la calle. Tengo muy buenos recuerdos de esa época. Esa cosa lúdica la conservo dentro de lo que hago, así como también toda la memoria de lo que aprendí de mi familia. Fue

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ás bien parco y poco amigo de conceptualizar su quehacer, José María Pelayo entiende que es la obra que produce la que habla por él. No en vano decidió romper a temprana edad con la tradición universitaria familiar y volcarse a las artes plásticas. “Mi padre era dentista y mi madre trabajaba en casa, a pesar de que hizo bachillerato. Mis hermanos también son dentistas y mi hermana, ingeniera; yo fui el único que salió artista“, reconoce. Ese fuerte vínculo de la familia con la Universidad no fue, empero, un obstáculo al momento de jugarse por su vocación. Tuvo luz verde. “Cuando fui a pedir algo así como permiso, mi padre ya había fallecido y mi madre me dijo ‘hacé lo que quieras’. Me dio el visto bueno porque otra cosa no podía hacer. Ella era muy inteligente y yo fui el último óvulo. Soy el más chico de cuatro hermanos. Nací en el año 56', en mi casa de Pocitos y con partera. Con padres ya grandes –mi padre tenía 55 y mi madre 45–, medio me criaron mis hermanos mayores“, rememora. Esa influencia fraterna queda en evidencia al rastrear los inicios de su veta artística, pues reconoce que su hermano mayor hacía caricaturas y pintaba. “Tal vez me predispuso desde chiquito”. En su taller de Malvín, barrio al que llegó cuando tenía veinte y pocos años, reina el caos que se espera de un artista: paredes abarrotadas de elementos, tarros con pinceles, herramientas colgadas prolijamente, colecciones de botellas, objetos de lo más variados y maderas, además de obras propias y de sus alumnos. En ese espacio del que se enamoró hace 17 años cuando visitaba otro apartamento en el mismo predio, es donde el escultor trabaja e imparte sus clases.

Los Pinceles, montaje en madera (2018).

una lástima porque a cierta edad, perdí a mi padre y no pude hablar de temas de adultos. –¿Fue cuando empezó a estudiar con Rimer Cardillo? –Sí, tenía unos 20. Se lo recomendó un paciente de mi hermano relacionado con el grupo de artistas de Páez Vilaró. Mi hermano le mostró mi obra y él le recomendó a Rimer Cardillo. En un principio, yo quería ir con (Florio) Parpagnoli, que estaba en la Ciudad Vieja, pero no lo encontré. Con Cardillo estuve un año más o menos, pero él estaba con el grabado y a mí me gustaba la pintura. En esa época trabajaba en la administración pública. Mi padre conocía mucho al ingeniero agrimensor Raúl Devita, que en aquel entonces era el Director General de Catastro y como yo había hecho un curso de perfoverificación, y en la oficina no había eso, me contrataron. Las viejas máquinas de IBM y Bull usaban tarjetas perforadas y había que verificar. Era para la parte de datos y se empezó a hacer un archivo con eso. –¿Le gustaba esa tarea? –En aquella época me daba lo mismo. Era una cosa nueva, pero apenas cobraba me encerraba a pintar. Al salir de Catastro tomaba el 145 para ir a Pocitos. El ómnibus pasaba por la puerta de los Conventuales, y me fijé en un letrerito que anunciaba clases de pintura. Allí, en San Francisco de Asís, funcionaba una academia que fundó Juan Zorrilla de San Martín y estuvo hasta (Eduardo) Yepes de profesor. Había talleres de cerámica, donde estaba Carlos Caffera; en pintura estaba Clever Lara, Errando en grabado y por una cuota de 50 pesos tenías la posibilidad de hacer Historia del Arte también con Amadeo De Caro, que era un profesor que había sido alumno del viejo Torres García. Otro que estaba Izquierdo, un español que hizo la columna y el San Francisco con perro que está en la fachada. Era de los franciscanos, pero en esa época de la dictadura cuando empezaron las primeras conversaciones en el Club Naval, se decidió que eso pasara a la órbita de los jesuítas, que empezaron con lo que después fue la Universidad Católica. Con Sanguinetti salió la Católica y el arte desapareció. Quedó mucha gente afuera porque había un pueblo ahí; muchos artista de hoy salieron de los Conventuales porque durante la dictadura la Escuela de Bellas Artes no existía. –¿Cuánto tiempo estudió allí? –Tres años más o menos. Cuando lo cerraron me fui a estudiar de forma particular con Clever Lara y Carlos Caffera, un ceramista que murió hace unos años y que fue uno de los que creó la cerámica artística como objeto único. El primer día de clase en los Conventuales, recuerdo que me senté junto a la otra gente y entonces llegó un loco que se sentó enfrente y empezó a preguntar qué hacíamos. Yo lo miré y pensé ‘¿y este quién es?’ porque era un pibe. Clever Lara tenía tres años más que yo pero ya era profesor de dibujo de la Facultad de Arquitectura. Uno siempre piensa que los maestros son viejos. Clever es un tipo muy intelectual y todo lo que hablás te lo enfrenta con lo intelectual y si no leíste… –¿Por qué quería pintar? –Me gustaba. Cuando me fui al volumen fue porque me empezó a gustar más la textura. Empecé a ponerle muchas cosas al plano y en determinado momento la pintura se me vino al piso. Decidí no levantarla, sino trabajar en el piso mismo. Un poco más adelante levanté la idea. Fue todo un proceso. Había momentos en los que me gastaba el sueldo en pintura y cuando se me terminaba a los diez días, empezaba a trabajar con cosas que encontraba: portland, tierra, cenizas. Cosas que en ese momento no eran las justas para hacer la obra porque no eran óleo. Con el tiempo me di cuenta de que esos materiales que había encontrado y con los que empezaba a jugar,

Concepto Maderas (2017).

Intervención en el techo de O'33.

eran los que me interesaban realmente y me daban la posibilidad de hacer una obra. Más o menos fue por ahí. –¿Recuerda la primera vez que se le fue al piso? –Hay una anécdota graciosa de Álvaro Amengual que describe esa primera vez. Se acuerda porque llegué a San Francisco con una obra muy grande que tenía unas varillas de metal. Él cuenta que si bien en la escuela, Clever era un tipo muy libre en la metodología y te daba la posibilidad de trabajar tu propio camino, yo llegaba con una cosa insólita. No lo hice a propósito, era lo que estaba haciendo y lo llevé para mostrar y pedir consejo. –¿Cómo incidieron esos maestros en su obra? –En los Conventuales tuve otro maestro, Freddie Faux. Hay una obra suya en la galería Cristal, entrando por la calle Colonia. Es sobre La Duncan, la bailarina, y se basó en el concepto deYepes que trabajaba en volumen el negativo de la obra, es decir, lo transparente. Era maestro de yoga, muy espiritual, y por otro lado, tenía a Clever que era más intelectual. La base fueron ellos. A mí me llamaba más lo espiritual, pero tengo de los dos. Creo que el arte tiene que ver con eso que decía Torres García, que los artistas son los que nos muestran el alma de las cosas. –También estudió en Estados Unidos... –Fui premiado en una de las últimas Bienales que hacía Páez Vilaró en Maldonado. Te daban un pasaje de ida y vuelta en Pan Am y si podías, ibas. Por intermedio de María Luisa Torrens y Clever Lara me puse en contacto con una señora de la embajada norteamericana y después de un año de ver qué podían hacer conmigo e investigarme todo, fui a tres ciudades: Chicago, Nueva York y Washington. Trabajé en algunos talleres y conocí artistas; como experiencia fue brutal. Yo fui becado por una organización cuyas siglas son UCIA y me daban una carpetita azul con el escudo norteamericano en la tapa, que tenía escrito UCIA. Cuando iba a algún lugar llevaba la carpeta como tarjeta de presentación. Quise conocer a Mark di Suvero. Es un italiano, uno de los capos del arte pop que vivía en Manhattan. Hace cosas en hierro gigantescas, y se me dio por ir a verlo. Cuando le di la carpeta, se pensó que yo era de la CIA y no quería saber de nada (se ríe). Vivía en la desembocadura del río y tenía un muelle donde bajaba los hierros. También quise hablar con (Gonzalo) Fonseca, pero no me atendió. Es que con el tiempo había recibido a una cantidad de uruguayos que habían hecho estragos en su casa. Sí conocí a Germán Cabrera; una de sus esculturas está en la entrada del Club Nacional de Fútbol”. Esa experiencia en el extranjero no fue la única para Pelayo. Muestras en Argentina, Paraguay y participaciones en Bienales como la de Cuba son hitos recurrentes en su trayectoria. “En Perú fui con

El Toro, en hierro y madera (2018).

una muestra que organizó Silvia Arrozés, la hice en la Escuela de Corriente Alterna en Miraflores. Fui a la casa de un escultor e iba a conseguir material a la playa, en Callao. El océano tiraba una cantidad de material que yo me llevaba en un carrito de feria, y resulta que había un destacamento de la Marina porque en frente a Lima, hay unos islotes de tierra y ahí estaba preso Abimael Guzmán, que lo habían agarrado dos o tres meses antes. Siempre había un camión de marinos dando vuelta y cuando me vieron con el carrito juntando porquerías, fue la primera vez que sentí que la palabra mugriento se usaba también en Lima (se ríe)“. Otra experiencia que comparte es la de su viaje a Corea del Sur en 2002, cuando fue invitado a participar en un festival que se realiza en julio. “Cuando me llegó la invitación con las fotos de otras obras que habían hecho me dije, ‘¡mirá vos! Me tengo que ir a Corea a trabajar en algo de estas características’. Tenía que hacer un pene enorme de como tres metros de altura. Fue una experiencia brutal. Estuve unos 25 días, ya había terminado el Mundial. Estuve en Seúl y fui a visitar una ciudad a unas dos horas, que es donde nació la leyenda. Parece ser que una chica estaba enamorada de un pescador pero no se podían casar y un día ella salió a pescar algas y se ahogó. El pescador quedó muy afectado por haber perdido a su amada, aunque nunca se habían hablado, y al tiempo la aldea se quedó sin pesca. No sacaban nada hasta que ella se le apareció en sueños al hombre y le dijo que tenía que colgar un palo del mástil mayor de su embarcación. Cuando lo hizo consiguió pesca, y todos empezaron a hacer lo mismo. Con el tiempo ese palo se transformó en un pene porque es un festival de la fertilidad. Hay un parque que está frente al océano con todas esas esculturas y frente al museo hay una en bronce, sobre un islote”. –¿Tiene rutina de trabajo? –No. Antiguamente trabajaba de mañana, ahora de tarde. Trato de hacerlo todos los días. Me cebo un mate, empiezo a trabajar y saco obra. Después que la tengo, la miro, me imagino cómo puede ser después, pero a veces la dejo que descanse. No sé lo que va a ser hasta que tengo el material. Ahora trabajo con objetos que pueda encontrar sin la necesidad de tener una tela blanca que limite la libertad de empezar a trabajar. –¿La tela lo limita? –La tela tiene cierta virginidad que vos tenés que empezar a manchar, y eso te da un tiempo para prepararte. Era una especie de rito para mí. Si bien eso aún lo tengo, ahora voy más directo al material. Ese rito se transformó. En vez de una espera hay algo más de amor. Es como abrazar a alguien. Voy al material con una idea más puntual.

DICE AMENgUAL “Conocí a Pelayo en el Instituto de Bellas Artes San Francisco de Asís, allá por el año 1979. El encuentro fue en el taller de dibujo y pintura de dicha institución. Por aquel entonces los intereses de Pelayo estaban enfocados en la pintura. En el taller recibíamos una enseñanza muy estricta y curiosamente abierta a la vez. En los primeros meses de asistencia Pelayo se sometió al más estricto rigor, pero duró poco. Pronto comenzó a aparecer con pinturas realizadas en diversos materiales: yeso, arena, arpillera. Un día se presentó con una obra de dimensiones enormes para lo que nosotros como alumnos estábamos acostumbrados. Estaba compuesta por los materiales antes mencionados, pero tenía una particularidad: la pintura se estaba transformando en escultura. Recuerdo unos planos muy enérgicos en los cuales predominaba el rojo, el negro, y el blanco y sobre ellos sobresalía un cilindro de metal en el cual se incrustaba violentamente una varilla de hierro. Todos quedamos asombrados ante la energía y violencia que desprendía esa imagen, pero más asombrados quedamos aún ante el comentario que Pelayo hizo de su trabajo: 'sí, quedó buena. Lástima que mi madre se quedó sin tortera'. ¡Nadie había reparado en que ese cilindro metálico era un recipiente para hornear tortas!“.

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Cuando se le pregunta qué le atrae de los objetos que utiliza en su trabajo, el escultor confiesa que no podría explicarlo. Sin embargo, sí puede ejemplificarlo. “Estos son pinceles viejos que no sirven“, dice señalando una composición sobre su mesa en la que destacan las puntas amarillas de brochas viejas. “Los tuve guardados un tiempo y un día empecé a trabajar con otras obras y a vincular los pinceles a ciertas estructuras. La idea es llevar el material o la herramienta a otro nivel de jerarquía. El pincel es algo que te permite pintar, pero es tu mano la que lo lleva. En este caso el pincel forma parte de la cabeza de la obra. Diría que el objeto encontrado me interesa por esa memoria. Después, el portland me conecta al principio, cuando dejaba de trabajar en pintura porque se había acabado y tenía que hacerlo con lo que encontrara”. Cuenta que cuando vivía en Pocitos, había una marmolería que daba a los fondos de su calle. “Hoy ya no existe, pero en esos muros había trozos de mármoles cortados y los sábados y domingos, cuando cerraba, yo ponía una escalera y me robaba los mármoles. Ahí me encontré la piedra arenisca que yo no conocía”.

El taller del artista, en Malvín.

–¿Suele volver a texturas ya exploradas? –Tengo momentos en que trabajo con madera y otros con piedras. De repente pinto tres meses seguidos y los siguientes hago estas piezas en portland (señala una serie de pequeño porte en los que combina portland y tela). Hago encofrados con telas marcadas y una vez que se secan, los trabajo. Vienen a ser ladrillos envueltos en telas. Algunos tienen metal y madera. Me llevan bastante tiempo. La serie es de 36, todos distintos y ya tengo la idea de lo que voy a hacer. En un principio hicimos serigrafía sobre tela y papel con un amigo sobre este dibujito (muestra un diseño impreso en su camiseta) y un día se me dio por hacerlo en trocitos de papel y en telas. Todo ese proceso llevó montañas de material y las empecé a reciclar en el portland. Tengo otros con vidrio. –¿Qué busca en un proyecto como este? –Siempre me basé en las culturas latinoamericanas. Me llama la atención todo lo precolombino y lo que está relacionado con esa memoria. Esto podría ser un trozo de algún vestigio arqueológico o un trozo de algo escrito. Cuando me piden que escriba conceptualmente lo que hago, me niego y cuando lo tengo que hacer me sale una poesía porque ¿qué podés escribir de esto? La lectura la tiene que hacer el observador porque esto es una forma de expresión. –¿Le exige a su obra? –Sí, hasta que me guste a mí. Muchas de estas las dejé por ahí tiradas, pero de repente las voy a buscar y me sirven como cuerpo para elaborar otra cosa. –No las olvida. –Nunca me lo pregunté, pero no. A veces las encuentro. Tengo una amiga, María Torrendell, que fue alumna durante un tiempo, y se llevó dos o tres. Ella trabaja el vidrio con un proceso parecido al de (Águeda)

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El Círculo (2012), obra en hierro y piedra realizada con Marcelo gayvoronsky. 1er. Premio en el concurso 70 Años del Club de Golf.

Dicancro. Le puso el vidrio encima, que quedó como pegado. El resultado es muy interesante; parece que el vidrio abrazara ese material que yo había descartado. Estuvo bueno porque comprendí que puedo trabajar con otra persona. –¿Esa fue la primera colaboración que hizo? –No, pero nunca había dado mi obra para que otra persona hiciera algo. Quedó bueno, para mí el vidrio es medio raro. Me gustan los materiales más sólidos, pero la transparencia esa quedó buena. No es un vidrio perfecto, incluso se rajó y quedó más interesante. Antes estuve con un grupo de Tacuarembó que trabajaba cerámica. Se llamaba Cuarembó y elaboraban una cerámica que era brutal, parecía piedra. Recuerdo que la tuve que tocar. Miré que nadie me viera y casi la tiro porque no pesaba nada (se ríe). Después comprendí que esa fuerza puede ser liviana pero en aquel momento me pareció raro que algo tan contundente fuera livianito. –¿Cuándo está terminada la obra? –La paro porque en cierto momento no exige más nada, pero he encontrado obras viejas que las volví a hacer o las corté y usé un trozo. La obra es un tiempo determinado y es ahí. –¿El arte tiene fecha de caducidad? –Es posible (se ríe). Están las obras que perduran porque aprendés con ellas, pero también es un absurdo. –¿Sus trabajos son todos de pequeño y mediano porte? –Tengo también de grandes dimensiones; la escultura que está en el Club de Golf, por ejemplo. Yo trabajo mucho con el arquitecto Marcelo Daglio y cuando hizo el proyecto de Estancia Vik me invitó a participar. Allí hice parte del playroom y afuera también usando madera pintada y hierro. Después en Bahía Vik hice obras internas, intervine habitaciones y comedores. Usaba lo que rechazaban de la obra. En Playa Vik hay varios bungalows: el de barro es de Lacy Duarte; yo hice el de madera. También en las oficinas de 0’33 en Francisco Ros intervine; hice el techo y los baños. Me pareció brutal. Allí usé los materiales con los que ellos trabajan: corchos, etiquetas. –¿Cuando comenzó con la docencia? –Hace ya unos cuantos años. Fue por Clever, que me ofreció un espacio. Me animé con un par de días por fuera de su taller y cuando creció, me abrí. Me vine a la calle Michigan y después para este local. Yo vivía a la vuelta en 18 de Diciembre y Orinoco. –¿Se puede vivir del arte en Uruguay? –Es muy riesgoso (se ríe). Podés perder muchas cosas, y yo estoy un poco acostumbrado a eso, pero se puede sí, ¿por qué no? Cuando hacés lo que te gusta y te das tu tiempo para hacer las cosas... Al ser artista sos más libre.

ArcoMadrid EntrE El 27 dE fEbrEro y El 3 dE marzo sE rEalizó la 38ª Edición dE Esta fEria intErnacional dE artE contEmPorÁnEo En la quE ParticiParon 203 galErías; solo una uruguaya. EstE Es un rEPaso dEl EvEnto, En El quE sE muEvEn millonEs En comPra y vEnta dE obras, y adEmÁs sE olfatEa lo quE sE cocina En El mErcado. Por YellY Barrios. FotograFías: iFema.

n caballo hecho con retazos suspendido en el aire por cuerdas; una bolsa con tierra que evoca la vida de hombres que ya no están; telas con impresiones fotográficas que se venden a mil euros en una bolsa divina; esculturas de piedra, madera, hierro, metal, barro; instalaciones sonoras, mudas, deconstruidas, físicas; textiles con bordados. Obras que comunican por sí mismas, que emocionan. Obras con su contexto e historia, que pasan sin pena, que denuncian o que provocan. Arco, la feria de arte contemporáneo más prestigiosa de Madrid y una de las mayores de Europa, cerró su 38ª edición el 3 de marzo. Se llevó consigo decenas de transacciones de compraventa –coleccionistas y museos aprove-

Performance del artista italiano Andrea Galvani exhibida en Opening, versión emergente de Arco. Allí, un grupo de estudiantes de física tratan de desarrollar la trayectoria de un haz de luz, dejando en claro el potencial de las ciencias exactas como materia creativa.

chan para ir de compras, como la que realizó el Museo Reina Sofía por valor de 350.000 euros– y la infaltable polémica. Este año los méritos fueron para el ninot del Rey Felipe VI, un muñeco de más de cuatro metros de altura. La imagen de esta obra se filtró antes de la inauguración. Los medios de comunicación y por supuesto las siempre presentes redes sociales, no hacían más que dar vida a la pieza que presentó Santiago Sierra en colaboración con Eugenio Merino en el stand de Prometeo Gallery. Sierra, quien inició su carrera en los circuitos artísticos alternativos de Madrid y que se consolidó en México, logró que a muchos se les asomara un colmillo mientras que otros se indignaron sin más, pero no solo por la reproducción del monarca con

cita obligada

Las galerías

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Con lápiz, papel y plano en mano, el grupo –unas veinte personas–, comenzó la visita con Almudena, la guía. Todos llevan un audífono para escuchar mejor lo que ella contará a través de un micrófono solapero que sostiene con la mano derecha. En la izquierda lleva una libreta con forro de símil piel de cebra que alzará cada vez que note que alguien la pierde de vista. —Empezamos por aquí. ¿Quieren terminar en algún lugar específico? —Sí, en un bar con una cerveza —le responde uno. Como si el arte dependiera del grado etílico de quien lo ve. La recorrida da comienzo en el stand de la galería Filomena Soares de Portugal, la cual presentó obras de Helena Almeida (1934-2018); una referente del feminismo internacional y pionera en el uso de su propio cuerpo representado en la obra fotográfica. En el stand de PPOW Gallery la opción fue mostrar el mundo desgarrador de David Wojnarowicz (1954-1992), miembro de la bohemia de Nueva York en los 80' y un duro crítico de las instituciones religiosas y de sus miembros. Su enfoque se manifiesta en obras en las que se muestra un Cristo sangrante con el cuerpo cubierto por insectos. La crudeza y el dramatismo son los protagonistas. Durante años Wojnarowicz fue prohibido en muchos países, entre otros, México. Los detractores argumentan que el artista incita al odio de las instituciones católicas. Más adelante aparece otra obra que eligió a la monarquía como punto de partida. Sin embargo, en comparación con el polémico ninot del rey, los del artista finlandés Riiko Sakkinen pasan bastante desapercibidos. Este creador, radicado en España desde hace veinte años, presentó en el stand de Forsblom Nuestros Reyes Favoritos, que consiste en una enumeración de 18 nombres –Rey Melchor, Rey Gaspar, Rey Baltasar, Rey León, y demás– acompañada por un dibujo de Felipe VI hecho con marcador permanente. “Es fácil leer la crítica. A mi no me gusta decir lo que pienso. Lo que es interesante es lo que evoca la obra”, comentó Sakkinen.

tanto realismo, sino porque su contrato de venta incluía la promesa por parte del comprador de quemar la obra. Para que quede claro: por contrato quien la comprase debería abonar 200.000 euros y luego, en un plazo no mayor a un año, quemarla. Quemar el muñeco del rey, la exigencia que muchos criticaron por politizar el arte y que otros aplaudieron exactamente por lo mismo. Una exigencia que parece tendencia. Sin ir demasiado lejos, en octubre de 2018, ocurrió algo similar cuando la obra Balloon Girl del británico Banksy se vendió a un millón de euros y luego se destruyó en una máquina para triturar papel que tenía incorporada. A estas alturas, de uno y de otro, apenas se escuchan ecos. —Marisa, ¿adónde está lo del rey?—le preguntó una señora a su amiga el miércoles 27 de febrero. Esa mañana las puertas de Arco se abrieron a las 10:00 para galeristas, coleccionistas, patronos de fundaciones y artistas. A las 12:00 se habilitó el paso a la prensa y a otros profesionales. A partir de entonces comenzó el desfile de personajes, que pueden ser tan atrayentes como las obras de arte entre las que pasean. En varios casos incluso más. Un señor de edad, delgado y elegante, caminaba con cinco sombreros superpuestos. Mucha gafa redonda, de las pequeñas con montura gruesa, chaquetas de pana y jean, trajes sastre riguroso y pajarita, pañuelos en la solapa, bermudas estridentes y zapatillas a juego, o con un tapado sobre los hombros y un andar soberbio sobre taco doce para evitar que se caiga el abrigo. Unas cuantas señoras combinaron colores impensables para la hora del desayuno; unas lo lucían con gracia otras como si no tuvieran espejos a mano. Todos, altos o bajos, coquetos, interesados e interesantes. Un grupo de estos esperaba a primera hora el comienzo de una visita profesional guiada. En una de ellas, la que organizó Fundación Macba (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona), participó PAULA. La recorrida es uno de los servicios dispuestos por los organizadores para ayudar a los invitados a decodificar lo mejor que hay en la feria entre el ruido de tantas propuestas a la vez. Un itinerario de dos horas en el que se conocen las mejores ofertas de las galerías consolidadas, de las alternativas y de las emergentes.

asesoramiento a distancia

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Ya está más que incorporado que la distancia no es barrera para casi nada. La tecnología, los medios de comunicación, las redes sociales acortan caminos, abren puertas a nuevas posibilidades. De eso va Red Collectors, una plataforma digital dirigida a coleccionistas de arte que combina el asesoramiento automatizado con uno personal y privado. Ofrece servicios online de catalogación e inventario de colecciones y tasación de obras de arte. El software lo desarrolló Elisa Hernando, directora de Arte Global. La ayuda que ofrecen puede darse en dos grandes niveles. El primero se trata de responder a un cuestionario que pretende definir su perfil artístico. En base a esas respuestas el equipo de Red Collectors le hará una selección personalizada de obras de arte. A medida que cambien sus gustos o tenga curiosidad por otras propuestas podrá cambiar el perfil inicial o completarlo con estas nuevas inquietudes. El segundo paso es dar apoyo en la compra. Hay un plan para cada persona y el equipo de la consultora se encargará de ofrecerle los mejores precios, además de encargarse luego de gestionar la entrega, el enmarcado, la instalación y demás servicios relacionados. www.redcollectors.com/es/

En el espacio de la galerista Sabrina Amrani, colgados en el blanco neutro de la pared, había cuadros de distintos tamaños blancos también. El efecto visual a distancia no contaba nada, pero la intención era precisamente resaltar la obra del paquistaní Waqas Khan: un proyecto monocromo con intervenciones sutiles que requieren tiempo para su creación y para su contemplación. A quince centímetros de la obra se veía un óvalo tallado al milímetro por goteo. En Studio Trisoralgio la protagonista es la luz con la que se reconstruye la anatomía de un hombre. La instalación es del italiano Fabrizio Corneli. En tanto, en el stand de Elvira González una de las grandes galeristas de España, se mezclaron los maestros de toda la vida, como Eduardo Chillida y Joan Miró con creadores de la nueva generación. De entre todas, las fotografías del español Chema Madoz son cautivadoras. Un botón de muestra: un ciprés esculpido como si fuera una espadaña, un campanario, una imagen icónica de los territorios de la península ibérica. Varios artistas abordaron Venezuela y la crisis política y

Arriba izquierda, Arte nuevo (2015), de Fernando Bryce, uno de los creadores peruanos con mayor proyección internacional, quien tuvo representación en varios stands. Esta obra la presentó Alexander and Bonin Gallery de Nueva York. Derecha, Ninot, la obra en cera de Santiago Sierra y Eugenio Merino, que representa al Rey Felipe VI. La misma tenía cuatro metros y medio de altura y fue una de las atracciones de ARCO. Todavía está a la espera de un comprador en un almacén de una empresa especializada.

humanitaria que la afecta. El trabajo de Alessandro Balteo (1972), creador nacido en Caracas y radicado en Berlín, es un cuestionamiento a los planes prometidos por Hugo Chávez y nunca concretados. Balteo duplicó imágenes de aquellos proyectos infértiles en los que lo único que quedó en evidencia fue que en su país comenzó a tener más valor el petróleo que la leche. Baró Galería de San Pablo apostó por una instalación de felpudos dispuestos como una gran alfombra en los que están impresos los logotipos de instituciones y empresas privadas que han ido desapareciendo en Venezuela desde que llegó el chavismo al poder. “Es un símbolo de cómo fueron pisoteadas”, explicó un responsable. Por último, si hubo una propuesta sonora esa fue la de la artista israelí Naama Tsabar (1982) que presentó la galería Dvir. La creadora realizó una instalación con paños de fieltro y fibra de carbono de los que se tensaron cuerdas de piano sujetas con clavijas de guitarra para afinar el instrumento. En función de la tensión de las cuerdas se producía un sonido u otro que se amplificaba con parlantes oyéndose por casi todo el pabellón.

Pain is universal but so is hope (2007), pertenece a la cubana Liset Castillo, una artista emergente que vive entre Ámsterdam y Nueva York. En 2004 obtuvo la prestigiosa Beca Guggenheim.

Los espacios entre los stands de las galerías son como calles transitadas en doble dirección. Algunas terminan en un auditorio, otras en áreas reservadas a organismos e instituciones oficiales y algunas en librerías. Al mostrador de una de estas se acercó una señora con rostro distraído. —Hola, ¿sabéis dónde está Perú? —La respuesta, la broma fácil, fue en Sudamérica, pero lo que ella buscaba era la zona destinada al país invitado este 2019 que presentó el trabajo de más de 200 artistas peruanos. Buena parte de la producción contemporánea de estos creadores gira alrededor de la historia, las consecuencias del colonialismo, la política o el medio ambiente en su país. Es el caso de Elena Damiani (1979) de galería Revolver con sede en Lima y Buenos Aires, y Fernando Bryce (1965), representado por galería Alexander and Bonin de Nueva York. Ella presentó una obra concebida sobre mapas geológicos que revelan los resultados de la actividad minera en Perú. Él, entre otras propuestas, fue parte del stand que preparó el diario El País de Madrid con la exposición de una serie de dibujos que, cuál viñetas, cuestionaron los discursos oficiales.

Los coleccionistas

—Siento que no veo nada. ¡Hay tanta información! —se escuchó decir a una señora en los pasillos. Para ella, y otros en esa situación, existe el programa First Collector, que financia Fundación Santander y que ejecuta Arte Global, una consultora dirigida por Elisa Hernando, una referente en materia de arte contemporáneo y colecciones privadas.

La dinámica del programa es sencilla. Durante los días que dura la feria agendan a los interesados en recibir asesoramiento gratuito para iniciar o ampliar una colección. Mantienen una entrevista presencial en la que se pretende delimitar los gustos artísticos del interesado y a partir de esa base se construye una lista, una propuesta con nombres de galerías y artistas, con los precios de las obras y el modo de ubicarlos. Por ejemplo, si el interés del coleccionista es en artistas iberoamericanos, la propuesta puede contener obras que van de 14.000 a 40.000 euros, como puede ser un cuadro de José Pedro Costigliolo de Galería Misiones, única representante de Uruguay que visita Arco desde hace tres años.

Avanza el reloj, aumentan las visitas

Almudena levanta la mano con su libreta forrada de símil piel de cebra para reagrupar a su gente que se entrevera con el resto. Hay quien aprieta el paso, otros que miran obras con detenimiento, que están seducidos por una pieza o que siguen un poco perdidos. La guía les cuenta por el micrófono que vio pasar al ministro de Cultura, José Guirao, al artista Daniel Canogar, a Francesca Thyssen-Bornemisza, hija del barón del mismo apellido. Después les dice que llegó el momento del cierre. Entonces, los integrantes de la visita, que tomaron apuntes de las galerías que querrían revisitar, se despiden, se difuminan entre la gente, cada uno con su rumbo. Alguno seguro que se irá al bar.

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El país invitado

Stand de la galería Helga de Alvear donde destaca las fotografías de Julian Rosefeldt autor de Manifesto, película protagonizada por Cate Blanchett.

Accents orange et bleu (1950), del artista Carmelo Arden Quin, nacido en Rivera en 1913 y fallecido en Francia en 2010. Galería Misiones exhibió la obra.

PREMIO PRITZKER 2019

METABOLISMO

JAPONÉS

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COn CasI 60 añOs dE TRabajO y Más dE CIEn EdIfICIOs COnsTRuIdOs, aRaTa IsOZaKI fuE PREMIadO COn El MáXIMO GalaRdÓn dE la aRquITECTuRa a nIVEl MundIal. adaPTadas a lOs nuEVOs TIEMPOs, sus ObRas sORPREndEn POR su CORTE COnTEMPORánEO.

La sala de conciertos inflable ARK NOVA (2013) en asociación con el arquitecto Anish Kapoor.

Pritzker y el octavo de nacionalidad japonesa en recibirlo. Arata Izozaki nació en 1931 en Oita, Japón, poco tiempo antes de que se declarara la Segunda Guerra Mundial. Para ser más precisos, proviene de la ciudad de Kyushu, justo a medio camino entre Hiroshima y Nagasaki; donde a la edad de 14 años sufrió la caída de Little Boy y Fat Man respectivamente, producto del ataque nuclear ordenado por el gobierno de Estados Unidos con el presidente Harry S. Truman al mando. Es claro que este joven japonés tuvo que haber sentido los efectos bélicos de semejante acción, lo que de seguro marcó su vida y también su trayectoria profesional. “Cuando fui lo bastante mayor para comenzar a entender el mundo, mi ciudad natal estaba destruida, así que crecí en la zona cero“, contó el arquitecto, para el que el punto de partida de su inspiración como profesional fue el vacío de la arquitectura misma y la necesidad de reconstruir sus hogares y sus ciudades. “Estaba completamente en ruinas, no había arquitectura ni edificios, ni siquiera una ciudad. Solo me rodeaban barracas y refugios”, recordó.

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Sin cimientos...

omo todos los años, la fundación americana Hyatt otorgó su galardón más importante en lo que refiere a la arquitectura mundial, el Premio Pritzker 2019. Esta vez, el prestigioso reconocimiento fue para el arquitecto, urbanista y teórico japonés Arata Isozaki, de 87 años. El jurado, presidido por el juez Stephen Breyer (Estados Unidos), estuvo integrado por los arquitectos Richard Rogers (Reino Unido), Benedetta Tagliabue (Italia), Kazuyo Sejima (Japón), Wang Shu (China) y Ratan N. Tata (India). En su fallo declararon que la obra de Izozaki “supera el marco de la arquitectura para plantear cuestiones que trascienden eras y fronteras, en su búsqueda por una arquitectura significativa, creando obras de gran calidad que hasta el día de hoy desafían la categorización, y reflejan su constante evolución y contemporaneidad en su enfoque”. Del mismo modo, el jurado lo definió como un visionario con un “profundo compromiso con el arte y el espacio, proyectado con dedicación y destreza, demostrando el dominio de las técnicas de construcción, la interpretación del área, el contexto y la intencionalidad de los detalles”. Este arquitecto japonés, es el 46to. Premio

Foto cortesía de Hisao suzuki.

Foto cortesía de YasuHiro isHimoto.

Palacio de San Jordi (1992), Barcelona.

su aCTIVIdad "dEsCansa En un PROfundO EnTEndIMIEnTO, nO sOlO dE la aRquITECTuRa En sí MIsMa sInO TaMbIén dE la fIlOsOfía, la hIsTORIa y la CulTuRa", (fundaCIÓn hyaTT).

Interior del Palacio de San Jordi.

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Estudió arquitectura en la Universidad de Tokio. En 1961 proyectó sobre la zona de Shinjuku, en dicha capital, la Ciudad en el aire, con enormes edificios, residencias y transportes que se suspendían en el espacio con liviandad sobre lo existente, a fin de racionalizar el caos originado por la rápida tasa de urbanización, a través de un orden vertical inspirado en los árboles. Aunque este plan bastante futurista no se construyó, fue la primera propuesta y a la vez definitoria en la carrera de Isozaki, quien fundó rápidamente su propio estudio. Arata Isozaki & Associates vio la luz en 1963, con el firme propósito de reconstruir su país. “Para encontrar la forma más adecuada de resolver los problemas, no podía centrarme en un solo estilo. El cambio era una constante. Paradójicamente, eso se convirtió en mi estilo”, explica Arata.

Un legado heterogéneo

Art Tower Mito (1990), Japón.

Además de ser pionero en el uso de serigrafías y estampados térmicos aplicados en fachadas e interiores de muchas de sus obras,

Fotos cortesía de Hisao suzuki.

Foto cortesía de Hisao suzuki.

OtrOs premiOs y galardOnes: u 1986,

Medalla de Oro RIBA en Reino Unido. u 1997, La Cruz de la Orden del Mérito Civil en España. u 1997, Oficial de la Orden de las Artes y las Letras de Francia. u 1996, León de Oro de la Bienal de Arquitectura de Venecia.

Arriba y abajo, interior y exterior del Nara Centennial Hall (1992-1998), Japón.

él introdujo el concepto de Ma, que define los espacios intermedios como esenciales: “entre un espacio y otro, entre sonido y sonido, hay silencios, pausas. A esto se le llama Ma. Si el espacio es importante; el espacio intermedio es más importante“, explica. Su trabajo se caracteriza por ser interdisciplinario e incluir proyectos no sólo de arquitectura sino también de diseño urbano, moda, gráfico, mobiliario y escenografía. Su inquietud personal lo llevó a explorar aún más allá, en el área de la literatura como escritor de varios títulos: Japan-ness in Architecture (Influencia Japonesa en Arquitectura) o el International Design Year Book (Anuario del Diseño Internacional) sirven de ejemplo. Y también se desempeñó como crítico y jurado en diversos concursos de arquitectura. Entre sus primeras obras más destacadas están: la Biblioteca Central de Kitakyushu (1974) de diseño tubular, y el Museo de Arte Moderno de Gunma, que fuera inaugurado en el mismo año, con una fuerte estructura cúbica que refleja claramente su fascinación por el vacío y la cuadrícula.

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Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, (1981-86).

Foto cortesía de alessandra cHemollo.

Allianz Tower en Milán, Italia (2003-2014).

Fotos cortesía de Hisao suzuki.

"PaRa EnCOnTRaR la fORMa Más adECuada dE REsOlVER lOs PROblEMas, nO POdía CEnTRaRME En un sOlO EsTIlO. El CaMbIO ERa una COnsTanTE. PaRadÓjICaMEnTE, EsO sE COnVIRTIÓ En MI EsTIlO”, EXPlICa aRaTa.

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Izquierda y derecha, el Qatar National Convention Center (2004-2011).

Así fue como comenzó a planear ciudades que pudieran asumir las elevadas tasas de urbanización y plasmó sus ideas de arquitectura, convirtiéndose hacia la década de los 80' en un referente, especialmente tras realizar el Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad de Los Ángeles. Un edificio de piedra roja y aluminio que plantea una interacción lúdica entre sus formas. Fue su primer proyecto fuera de Japón (1981-1986). En paralelo empezó la construcción del Palacio de San Jordi en España, un edificio techado diseñado para albergar los Juegos Olímpicos de Barcelona en 1992. Como una suerte de racha, le siguió la sede de Disney en la ciudad de Florida en 1990, y en ese mismo año, se inauguró el complejo artístico Art Tower Mito en la ciudad de Ibaraki, Japón, que incluye una sala de conciertos, un teatro, una galería de arte contemporáneo y una torre histórica, al igual que el Salón de Convenciones de la ciudad de Nara, también en Japón. El estadio de hockey sobre hielo en Turín, Italia (2006), el Centro Cultural de Shenzhen en China (2007), el CAFA (Museo de Arte de la Academia Central de Bellas Artes) de Beijing (2008) y el Centro de Convenciones de Qatar (2011), se cuentan también entre las obras de Izozaki más impactantes de los últimos años,

siendo la Torre Allianz en Milán, una de sus últimas construcciones, inaugurada el año pasado. Arata también realizó proyectos conjuntos como el de la sala de conciertos ARK NOVA en asociación con el arquitecto Anish Kapoor. La misma consiste en una estructura inflable que alberga un escenario y todo lo necesario para desplegar un concierto en cualquier parte del mundo, ya que se puede desmantelar y cargar en un camión.

Presente dinámico

Con casi 60 años de trabajo, Isozaki lleva construidos más de 100 proyectos arquitectónicos a lo largo del mundo, en países tan diversos como Japón, España, Estados Unidos, China, Italia, Qatar y Australia; siempre forjando una estrecha relación entre Oriente y Occidente. Pese a su edad, sigue demostrando su versatilidad en las obras. Su actividad “descansa en un profundo entendimiento, no solo de la arquitectura en sí misma sino también de la filosofía, la historia y la cultura“, destaca un comunicado de la Fundación Hyatt, a la vez que lo eleva como “un ejemplo de generosidad“ por su apoyo a otros arquitectos.

Tillman Franzen

FUROR DEL SXX

La cEntEnaRia

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Tillman Franzen

BaUhaUS EL LEgaDO DE ESta EScUELa aLEmana qUE ES SinónimO DE mODERniDaD En EL mUnDO EntERO, cUmpLE Un SigLO DE hiStORia y ES DE ORDEn REcORDaRLO.

Por EugEnia lago. fotografías: bauhaus imaginista.

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Tillman Franzen

en busca de una utopía: reconstruir mediante el arte a la república destruida. Se hizo su lugar en el tiempo de entreguerras, y en un contexto en el que arquitectos y artistas apostaron a facilitar objetos cotidianos y viviendas simples a la comunidad. Su principal impulsor fue el arquitecto Walter Gropius quien, inspirado en el movimiento inglés de Arts and Crafts, no concebía al artista como una entidad aislada, sino como un actor protagonista que debía intervenir en la construcción de su colectividad. Así, uno de sus principales objetivos fue el de acercar al artesano y al profesional, eliminando sus diferencias sociales a través de la creación, en pos de un futuro distinto. El objetivo era pensar en un arte democrático, sin estirpe académica, donde todas las formas de inspiración estuviesen al mismo nivel. Para lograrlo, se disponía que los alumnos ingresaran a la escuela como aprendices, luego ocuparan el cargo de oficiales y posteriormente, si demostraban su talento, se convertían en maestros. Su plan de estudios era hasta entonces fuera de lo convencional, y con una postura apolítica, en la que cada estudiante podía desarrollarse a nivel creativo y personal. Dentro de esta formación, Gropius quería maestros diversos, con personalidades y pensamientos enriquecedores, que lograsen transmitir el oficio del artista, en vez de enseñarlo por métodos y cánones. Para las materias contaba nada más

nfluyente y aborrecida, radical y necesaria, la Bauhaus cumple cien años y vale celebrar su obra que, por su armonía, no pasa de moda y se continúa replicando en la actualidad. No en vano, muchas de las creaciones de la escuela de arte estatal son consideradas hoy Patrimonio de la Humanidad. El colectivo de artistas que persiguió la idea de que todo arte entrase al hogar con una función, cambió la óptica de su tiempo y dio un giro a la modernidad, que aún inspira y se percibe cerca, como parte de la historia reciente. Estimulada con el fin de generar cultura por y para el pueblo, la propuesta buscó concebir a un nuevo tipo de artista, un hombre de su tiempo que aportase a la sociedad y a su reconstrucción después de la Primera Guerra Mundial. Es así que ante el fracaso bélico alemán y la disolución de su imperio, comenzó la democracia en la República de Weimar, que otorgó el contexto adecuado para crear una escuela de artes e industrias con ideales claros. En esta sintonía, edificaciones, muebles, pinturas y objetos valían por su estética, pero más aún por su practicidad. La Bauhaus –casa de la construcción en alemán– cambió los cánones modernistas y fusionó a la artesanía con el diseño, la arquitectura, la escultura, el cine, el teatro y las más diversas expresiones en tan sólo catorce años de funcionamiento. Creció

MaNiFiEsTO por Walter Gropius, abril de 1919

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Arieh Sharon

¡El fin último de todo arte es el edificio! En otro tiempo, su decoración fue la más noble tarea de las artes plásticas, las cuales eran imprescindibles para la gran arquitectura. Hoy en día permanecen en un satisfecho aislamiento, del cual sólo podrán ser redimidas a través de la cooperación consciente de todos los artesanos. Arquitectos, pintores y escultores deben conocer y comprender de nuevo la naturaleza compleja de un edificio, en cuanto totalidad y también en sus partes. Así, su trabajo se llenará por sí mismo de aquel espíritu arquitectónico que ha perdido en el “arte de salón”. Las viejas escuelas de arte eran incapaces de generar esta unidad. Y desde luego, ¿cómo lo iban a conseguir, si el arte no puede ser enseñado? Se debe regresar al taller. Aquel mundo apenas pintado y diseñado de los dibujantes y artesanos debe por fin, una vez más, convertirse en un mundo donde se construyan cosas. Si el joven que siente amor por la actividad plástica vuelve a iniciar su profesión, como en los viejos tiempos, aprendiendo una artesanía, entonces el “artista” improductivo no estará más condenado a practicar un talento artístico imperfecto, ya que sus habilidades estarán conservadas en los oficios artesanales, donde puede alcanzar grandes logros. Arquitectos, pintores, escultores: ¡debemos volver a la artesanía! Pues no existe el tal “arte profesional”. No existe una diferencia esencial entre el artista y el artesano. El artista es un artesano exaltado. Por gracia divina y en raros momentos de inspiración que superan a su voluntad, el arte florece inconscientemente del trabajo de sus manos, pero una base en artesanía es fundamental para cada artista. Allí reside la fuente original del diseño creativo. ¡Construyamos pues un nuevo gremio de artesanos sin la distinción de clases que levanta un muro de arrogancia entre artesanos y artistas! Permitámonos todos juntos desear, concebir y crear el nuevo edificio del futuro, que combinará todo en una única forma: arquitectura, escultura y pintura, y que un día se alzará hacia el cielo de la mano de un millón de artesanos como símbolo cristalino de una nueva fe.

y nada menos que con Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Gunta Stölzl, Marianne Brandt y Mies van der Rohe, entre tantos. Otro punto fundamental del movimiento era que sus creaciones debían ser de rápida fabricación y accesibles. Bajo esta premisa los hacedores de todas las áreas diseñaron desde barrios enteros, como la colonia Torten en Dessau, hasta lámparas, mesas, sillas, juguetes, joyas, alfombras y más. Las ideas se expandieron al mundo y fueron apreciadas más allá de religiones, filosofías y políticas. Sin embargo, los tiempos eran duros para Alemania y sus intelectuales. Hitler se empeñaba en perseguir a los pensadores modernos, por lo que la escuela tenía cada vez menos esperanza de sobrevivir. Es así que en 1933 se ordenó su cierre inmediato, con muchas de sus obras destruidas. Durante su historia tuvo transformaciones en pos de las necesidades de la población y de la expresión de sus artistas. Es así que en su cronología se visualizan tres etapas. La primera abarca desde el surgimiento en 1919 hasta 1923, y se percibe como idealista y con tendencia al movimiento romántico. En la segunda, que se desarrolla desde 1923 a 1925, prima lo racional y, por tanto, se acentuó el concepto de fabricar rápido y a bajo costo. Así se afianzaron los lazos con la industria y comenzaron las molestias en los artesanos. Al comenzar la tercera fase, en 1925, se redujo a la mitad el presupuesto, por lo que se temía que cerrara en cualquier momento, ante las dificultades de su funcionamiento. Sin embargo, ese mismo año se trasladó a Dessau y alcanzó su mayor reconocimiento al funcionar en conjunto con la Escuela de Artes y Oficios de la ciudad. Ya en 1928 Gropius se retira de la Bauhaus y Hannes Meyer comenzó a ser director, acentuando aún más el lazo de la escuela con la industria y la producción rápida. De todas formas, la puesta no cierra hasta 1933, cuando cesan definitivamente los fondos para su desarrollo. Durante esos últimos años la dirección estuvo a cargo de Mies Van der Rhoe en una nueva sede, esta vez en Berlín, de la que se recuerda su emblemático

EL OBjEtivO ERa pEnSaR En Un aRtE DEmOcRáticO, Sin EStiRpE acaDémica, DOnDE aRtESanOS, pintORES, EScULtORES y aRqUitEctOS EStUviESEn En EL miSmO nivEL.

Johannes Siebler

Silke Wallstein

• Se trabajó bajo el concepto 'Gesamtkunstwerk', que refiere a combinar y sintetizar las distintas formas artísticas en la arquitectura. Es así que para ellos no tenía valor únicamente la edificación y su calidad, sino también el mobiliario, las pinturas y la decoración, que la complementaban. De ahí su famosa premisa, “¡El último fin de toda actividad plástica es la arquitectura!”. • Los objetos cotidianos debían ser facilitados a la población, por lo que eran rediseñados, para fabricarse en forma más económica y rápida. En tal sentido, la escuela funcionó como un laboratorio en el que se experimentó con nuevos materiales como el vidrio, el plástico y la madera. Se destacaron por estudiar las propiedades de los materiales y sus posibilidades constructivas. • Fue la era de los diseños limpios. Con gran influencia del movimiento moderno, se priorizaron las líneas simples y geométricas, generando espacios minimalistas en los que reinaron los colores primarios. Por lo tanto, se evitaban los estampados recargados, las líneas curvas y los excesos de color. Estos se consideraban

Líneas básicas

innecesarios, entonces era mejor omitirlos. • Uno de sus legados es el estilo tipográfico que empleaban, hoy representado por las conocidas Sans Serif y Bayer, que siguiendo con sus ideales, son letras limpias y simples, con las que se recuerda el nombre escrito de la escuela. • En la pintura, dos de los profesores y exponentes del colectivo fueron Wassily Kandisnky y Piet Mondrian, quienes en su obra renunciaron a lo figurativo y buscaron líneas, colores y formas simples, bajo la abstracción. • En tanto, la arquitectura tendió a lo racional y a lo práctico para responder a las necesidades del momento. Es así que predominaron los modelos estándar, fáciles de diseñar y construir. El hormigón fue el material fundamental de la época, al ser económico y de fácil aplicación. • Los elementos de construcción se dispusieron a la vista. No se taparon o se disfrazaron, sino que parte de su encanto fue poder percibir la estructura y lo industrial en el espacio. • Predominaron las paredes blancas y lisas en el exterior y los espacios integrados en el interior. • Le Corbusier es uno de los referentes, pero en su caso, evitó la arquitectura en serie y propuso una arquitectura humanizada, a proporción y escala humanas.

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Philine Sollmann

Candy Welz

edificio que funciona hoy como museo. Además, en ese último período la actividad se centró en el desarrollo arquitectónico y cambió completamente su programa.

Metal, cuero y líneas limpias son la esencia del Modelo B5 de Marcel Breuer.

Algunos clásicos

El funcionalismo, influenciado por el Constructivimo Ruso y el Expresionismo, se percibe en cada creación; desde los juegos de té hasta las construcciones de barrios enteros. El embajador alemán Heinrich von Eckardt se refirió a la estética del momento como un estilo capaz de abarcar “desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo”, y su frase quedó escrita en la historia.

Lámpara de escritorio creada por Marianne Brandt.

Josef Hartwig diseñó un juego de ajedrez geométrico que busca reducir las piezas a su función básica de movimiento.

Marcel Breuer diseñó la icónica silla Wassily, también conocida como Modelo B3.

La alemana Marianne Brandt fue una de las artistas destacadas. Esta tetera moderna es un ejemplo entre sus creaciones. Peter Keler realizó una cuna de bebé con figuras simples de triángulos, rectángulos y círculos en colores primarios. La silla Brno, de Mies van der Rohe sustituye las patas típicas por una única barra metálica.

El sillón Barcelona, un clásico del diseño moderno, pertenece a Lilly Reich y Mies van der Rohe.

El centenario de la Bauhaus se celebra a lo grande y, como no podía ser de otra manera, a modo de festival mundial. Es así que durante 2019 se realizan diversas actividades, algunas fijas y otras itinerantes, para que el reconocimiento de la escuela quede en lo más alto. Desde Chicago a Japón, abundan las conmemoraciones para el movimiento alemán y sus escuelas insignia en el mundo. Una de las exposiciones destacadas es Bauhaus Imaginista, que gira por el mundo con despliegues en China, Japón, Rusia y Brasil, mostrando cómo ha influido el colectivo artístico en cada región. Además, se complementa con talleres de arte, que se presentan en India, Marruecos, Estados Unidos y Nigeria. El recorrido finaliza con una gran exposición en la Casa de las Culturas del Mundo en Berlín, desde marzo hasta junio de este año. En su país de origen hay festejos de todo tipo y color a lo largo de todo el año. Al museo Bauhaus, que funciona en el edificio de su fundación con los objetos de la primera etapa del movimiento, se suma el nuevo Museo Bauhaus Dessau, un espacio de 2.100 metros en el que se presenta la vida cotidiana de la escuela y el desarrollo de las piezas con sus prototipos y bosquejos. Mientras tanto, en la Berlinische Galerie de Berlín se presenta desde setiembre de 2019 a enero de 2020 la historia de catorce objetos icónicos. Además, se complementa con la edición del libro Original Bauhaus Exercises, con el que se podrá experimentar cómo era un día en la escuela. También en la capital, desde abril hasta agosto de 2019, el Museo de la Fotografía indagará sobre la relación entre la fotografía de vanguardia de 1930 y el arte contemporáneo a través de doscientos trabajos de referentes de la época. Una de las propuestas más innovadoras es la Bauhaus Week de Berlín, que se llevará a cabo durante todo el año y consiste en irrumpir y cuestionar las rutinas diarias de los ciudadanos,

siguiendo los lineamientos de la escuela. Es así que se realizan debates públicos, menús especiales en distintos restaurantes, clases de gimnasia y yoga en puntos inesperados de la ciudad. En Tel Aviv, el Bauhaus Center organizó para los primeros tres meses del año una muestra retrospectiva de los arquitectos Josef Rings y Erich Mendelsohn, considerados grandes representantes del estilo y activos participantes del desarrollo urbano de la Ciudad Blanca. La exposición se mostró en forma itinerante por distintos lugares de Renania. En Copenhague el centenario se celebra con la exposición Bauhaus #itsalldesign, y cuenta con las obras del arquitecto y diseñador danés Ame Jacobsen, como uno de los grandes referentes del país y de la estética de los muros de hormigón. Barcelona no se queda fuera de los festejos. Como no podía ser de otra manera, la Fundación Mies Van der Rohe conmemora el 50 aniversario del fallecimiento del arquitecto, el 90 aniversario del pabellón Alemán y el centenario de la Fundación de la Bauhaus con eventos todo el año, entre los que se destacan la presentación del Ballet Triádico inspirado por Oskar Schlemmer, proyecciones de películas y cócteles. En Chicago, en 1937 funcionó la nueva Bauhaus bajo la dirección de László Moholy-Nagy, transformándose así en una ciudad con fuertes principios modernistas. Por tanto, los norteamericanos no podían faltar en los agasajos. En honor a la academia, se publicará el libro Bauhaus Futures, se realizará la muestra fotográfica Bauhaus Faces & Living, e incluso se realizará una presentación de realidad virtual que transita lugares con la estética. Otra novedad es la filmación de la serie alemana Die Neue Zeit (La nueva era) con la que se contará la trayectoria del colectivo artístico y además, se narrará la historia de amor entre Walter Gropius y su alumna Dorte Helm.

Homenajes sin fronteras

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LaS LínEaS aRqUitEctónicaS tEnDiEROn a LO RaciOnaL y a LO pRácticO paRa RESpOnDER a LaS nEcESiDaDES DEL mOmEntO. ES aSí qUE pREDOminaROn LOS mODELOS EStánDaR, FáciLES DE DiSEñaR y cOnStRUiR.

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Fiebre racional

influencia local la bauhaus fue furor en el mundo y uruguay no escapó a su filosofía. aquí, algunos exponentes que en su época modernizaron a la muy fiel. Por eugenia lago. fotografías: archivo diario el País.

Facultad de Ingeniería

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El mayor referente de arquitectura nacional, Julio Villamajó, fue quien estuvo a cargo de esta obra. Su edificación en una zona privilegiada del Parque Rodó, comenzó en 1945 y finalizó recién en 1953. Durante ese período transitó tres etapas que dieron como resultado una estructura dividida en volúmenes con diferentes alturas. Elevada en pórticos que generan recorridos por debajo, la facultad ocupa en su totalidad una superficie de 22.000 metros cuadrados. De líneas rectas y pulidas, la planta fue realizada enteramente en hormigón visto, una innovación en la época.

n los años 30´ Montevideo no era ajena a los cambios mundiales en la arquitectura y el diseño de objetos. Los aires renovadores llegaban desde Europa con los referentes que visitaban el país, entre ellos Le Corbusier, y con las ideas que los jóvenes arquitectos como Mauricio Cravotto, Juan Antonio Scasso, Julio Villamajó y Alberto Muñoz del Campo traían de sus viajes al antiguo continente y a Estados Unidos. Todavía se mantienen algunos ejemplos de la época en los que es clara la influencia de la Bauhaus, aunque es difícil encontrar su estilo en estado puro. Si bien el período se nutría de sus ideales y los proyectaba en sus construcciones, cada arquitecto supo imponer su carácter.

La casa estudio "Kalinen" ubicada sobre Avenida Sarmiento es la actual sede de la Fundación Cravotto.

mauricio cravotto, graduado con honores y ganador del primer gran premio de la facultad de arquitectura, realizó estudios en estados unidos y europa en los años de entreguerras.

Casa Cravotto

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Otra de las obras que refleja la arquitectura renovada de los años 30´ es la conocida vivienda del arquitecto Mauricio Cravotto, proyectada para albergar su estudio y también la vida familiar. Ubicada en la esquina de Sarmiento y Estigarribia, se compone de la planta baja y tres niveles superiores. Actualmente funciona como casa museo, donde pueden apreciarse las proyecciones y herramientas de trabajo de esta familia de arquitectos.

Escuela Experimental

El proyecto del arquitecto Juan Antonio Scasso se realizó en 1929 y se ubica en las calles Michigan, Ovidio Decroly y Enrique Estrázulas, ya que es un edificio sentado en una manzana triangular. La construcción, declarada como Monumento Histórico Nacional, dispone de pabellones de dos plantas, en distintos volúmenes, rodeados de parque.

Instituto de Profesores Artigas

El centro de formación de profesores que se encuentra sobre Avenida Libertador, es obra del arquitecto Octavio de los Campos. Se trata de una construcción de fachada despojada y moderna, que se estructura en dos alas que funcionan en torno a un patio.

Colonia de Vacaciones

Situada sobre la rambla República de Chile, en Malvín, entre las calles Ámsterdam y Colombes, también pertenece al arquitecto Alberto Muñoz del Campo, uno de los reconocidos protagonistas entre 1920 a 1940 en el terreno de la arquitectura local.

Se trata de un edificio realizado en 1936, de cuatro pisos con distintos volúmenes, terraza y vista al mar. Su fachada es sobria, con líneas simples, en la que destacan el juego de ventanas rectangulares en secuencia. Actualmente funciona la Colonia Escolar Nº 261, que recibe y aloja a alumnos de las escuelas públicas de todo el país.

En 1936 el lugar funcionaba como Hotelito Malvín. Luego se reinventó en colonia marítima y actualmente funciona como colonia escolar.

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la colonia, monumento histórico nacional, está construida sobre un talud que privilegia la vista.

Ser o no ser

patrimonio urbano

la riqueza arquitectónica de montevideo eS un bien cultural que debe Ser preServado a toda coSta. Sobre eSa trama Se conStruye la identidad de la ciudad y eS clave para la induStria del turiSmo. la aSociación civil basta de demoler montevideo hace un llamado para preServar eSe legado.

Mapa patrimonial. En marrón oscuro se señalan los monumentos históricos nacionales y en marrón claro, los bienes de interés departamental.

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zamos a hablar con amigos, a juntar gente y a interiorizarnos acerca de la normativa actual”, recuerda el uruguayo, estudiante de arquitectura. Ese movimiento espontáneo que pronto sumó a personas de diversas disciplinas y profesiones, se encauzó en Basta de Demoler Montevideo, una apuesta cuyo antecedente es Basta de Demoler Buenos Aires, organización no gubernamental porteña creada en 2007. “Durante las últimas décadas experimentamos un proceso constante de degradación urbana y de desaparición de ejemplares notables de nuestra arquitectura. La postura que adoptamos es la de hacer algo al respecto porque la normativa que define el delineamiento urbano de la ciudad, de alguna manera, promueve la desaparición de esto que define la identidad de Montevideo; ese patrimonio que tanto queremos y que está atado a nuestra identidad cultural. Porque mal o bien, todos los estratos de la sociedad están unidos por elementos en común. La arquitectura patrimonial es uno de esos eslabones de cohesión, que además vincula a un pasado, a una cultura y a valores que elevan el espíritu de una sociedad”. Actualmente, Basta de Demoler Montevideo se financia únicamente con el aporte de sus propios socios y está gestionando su reconversión en una fundación, que con el nombre de Más Patrimonio promete un enfoque renovado. “La nueva fundación

l Palacio Deambrosis en Colonia y Rondeau, la casona de los Zuloaga en Bulevar España y Paullier, el local de Assimakos en Avenida Italia y Mataojo; la lista de edificaciones destacadas que día a día desaparecen para dar paso a edificios es cada vez más larga y amenazadora. Y día a día Montevideo ve alterada su fisonomía a tal punto, que para las generaciones más jóvenes, resulta difícil imaginar que allí donde hoy hay instalado un parking o una construcción de apartamentos como cualquier otra, se erigía un notable exponente de arquitectura que conectaba con un pasado de esplendor y sensibilidad estética. Hay quienes aducen que se trata del precio a pagar para suplir las necesidades actuales de la ciudad. Sin embargo, otros acusan esta pérdida y están dispuestos a dar batalla. Su objetivo, explican, es preservar un legado que cualquier ciudad europea defendería a capa y espada. Para Erich Schaffner el punto de inflexión fue en 2011 cuando al volver de un viaje, pasó por el Parque Rodó y vio que estaban demoliendo la casona de Bulevar España y Paullier. Ese palacio era donde tenía su taller y vivía el pintor Zuloaga, pero originalmente perteneció a un comerciante español de nombre Ithurralde. “Era una de mis casas favoritas desde chico, y me golpeó muy fuerte. Fue entonces que empe-

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Patrimonio en extinción: algunos de estos predios ya cuentan con nuevos proyectos por lo que está en vías de aprobarse su demolición.

estará integrada por un grupo más grande de personas y se va a apartar del planteamiento de problemas. En los últimos años actuamos señalando 'se demuele esto que es patrimonio' como una forma de generar consciencia colectiva, que ha crecido mucho sobre todo gracias a las redes sociales. La nueva etapa va dirigida a proponer soluciones, con un espíritu más proactivo y positivo, si se quiere. ¿Qué pasa? Todos estos años le plantamos cara a la Intendencia, con sus normativas y su idiosincrasia de arquitectos y técnicos en cargos que definen qué es y qué no es patrimonio. Nos enfrentamos al status quo, al ‘no se puede’, al ‘esto es así y ya está’. En algún caso puntual logramos salvar el edificio, pero el problema sigue igual que cuando arrancamos. Entonces, vamos a proponer un cambio en la normativa y el reconocimiento de un listado de edificios de valor patrimonial que no ha sido reconocido como tal, y a su vez trabajaremos en diferentes planes”, explica Schaffner. Uno de los problemas señalados por el grupo es que incluso en la Facultad de Arquitectura se mantienen visiones cerradas del urbanismo sobre las que se sustenta el actual plan de ordenamiento territorial. Para ejemplificarlo, señala que la normativa únicamente indica la cantidad de metros cuadrados y los pisos en altura que se puede construir en los terrenos con frente a tal o cual calle. “En el caso de Parque Rodó, por ejemplo, el tramo de Bulevar España entre Bulevar Artigas y Jackson, donde hay construcciones significativas que los vecinos quieren y tienen mucho valor, dice que se puede construir hasta 27 metros. Todo ese tramo es considerado terreno y según esto, allí no hay patrimonio. Pero ahí es donde hay inmuebles de gran valor porque es donde estaban los grandes palacios, como el de Zuloaga“. Schaffner comenta que si bien hay profesionales que tienen la sensibilidad y entienden la problemática, los criterios dominantes

"Existen dos figuras contempladas por la normativa: monumentos históricos nacionales y bienes de interés departamental. Tienen exoneraciones parciales o totales de la contribución inmobiliaria siempre y cuando se mantengan en buen estado de conservación y condiciones. Por eso hubo un lío tan grande con el Palacio Salvo, que estaba eximido del pago de la contribución, pero la fachada se caía a pedazos. Hubo un tira y afloje de los dos lados y ahí está, todo vallado. Esto ya pasó; a fines de los 70’, al Palacio se le removió toda la ornamentación original de la fachada como solución rápida y simple. Solo dejaron los capiteles de bronce de las columnas y los frisos en planta baja. Y eso que tiene protección grado 4 y es la postal obligada de todos los turistas, pero cuenta con cero atención. Los medios técnicos están; el Ministerio de Transporte y Obras Públicas cuenta con los profesionales, artesanos, arquitectos y técnicos para hacer trabajos de estas características. En el Palacio Taranco y en el Cabildo logran muy buenos resultados. Si se destinan los recursos, se hace rápido”, dice Schaffner.

se basan en ‘esto no vale porque es uno de tantos’ o ‘patrimonio es lo que hay en Europa’. “En la Facultad hoy en día se llama y se enseña a construir cosas que de arquitectura tienen poco. Son construcciones habitables, se les puede dar uso porque sirven para trabajar y vivir pero carecen de las cualidades que definieron a la arquitectura durante miles de años. Es cierto que a principios del siglo XX se planteó una estética más depurada, pero hoy en día llamamos arquitectura a lo que es especulación inmobiliaria: cuatro paredes y un techo. A lo largo de toda la historia se hicieron construcciones precarias pero no se les llamaba arquitectura porque carecían de atributos y valores como calidad formal, calidad compositiva y material. No estamos diciendo que haya que forrar todos los edificios en mármol, pero se puede lograr calidad arquitectónica sin necesidad de recurrir a materiales ostentosos”.

Los custodios

“La Comisión de Patrimonio Cultural de la Nación, con sede en la calle 25 de Mayo cumple un rol importante y se enfoca en lo que son los monumentos históricos nacionales. Decreta y promueve el reconocimiento de elementos o edificios muy notables, tanto por su arquitectura, valor histórico o porque estuvieron vinculados a un grupo social o a un determinado personaje que tuvo relevancia histórica. Es un grado de protección muy alto que se reserva para un número muy chico de edificios. También organiza el Día del Patrimonio, que es una experiencia muy enriquecedo-

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En riesgo: esquina de Rondeau y Mercedes.

ra y cumple el objetivo de crear consciencia. Hasta ahí llega la Comisión. Pero a veces suceden cosas insólitas. El año pasado, justo ese día se demolieron dos edificios con grado de protección 2 por la Comisión de Ciudad Vieja” ilustra Schaffner. La Ciudad Vieja es uno de los bastiones protegidos de Montevideo y goza de una protección especial. Allí, la Comisión Permanente regula los desarrollos que se hacen en los padrones que la comprenden. “El tema es que hay casas en otras partes de la ciudad que tienen valor similar y que no tienen normativa que las proteja”, apunta Herman Schumann-Deppe, músico concertista alemán, que como tantos extranjeros residentes en el país se sumó al accionar de Basta de Demoler. Encantado con el lugar, el artista viene desde hace cuatro años al país y planea mudarse a Ciudad Vieja. “A mí, como extranjero, me parece absurdo que al uruguayo le interese solo lo que ve en París, por ejemplo. Si un uruguayo pudiera atravesar una puerta que lo llevara 100 años al pasado y caminara por Montevideo, estaría en un lugar con calidad arquitectónica similar y en algunos puntos, incluso mejor”, afirma. Schaffner reconoce que la ciudad debe estar regida por normativas. “Es lo natural y saludable en cuanto a promover un desarrollo ordenado, pero nuestro reglamento es tan pobre que solo llega hasta ahí; dice ‘acá se puede construir’. Por otro lado, tenemos áreas de protección como Ciudad Vieja y una parte del Prado, pero el resto de la ciudad queda librado a la suerte. Estamos cediendo lo que debería ser un deber del Estado, de la Intendencia y de la Junta Departamental, a promotores inmobiliarios y al juicio y capricho de un propietario. Entonces ahí decimos ‘¡momento!’. El derecho colectivo que compartimos todos los uruguayos a conservar los elementos de mayor valor de la ciudad, tiene que estar por encima de los intereses de promotores inmobiliarios o propietarios. Muchos vecinos de Pocitos, al ver una casa de Bello & Reborati, piensan automáticamente que es patrimonio y al año siguiente se la tiran abajo. ‘¡Ay! Pero si era patrimonio’, se lamentan después”. Uno de los objetivos de la nueva fundación es hacer hincapié en el tesoro olvidado de la ciudad. “Existe un legado no reconocido ni protegido, que es patrimonio no solo porque lo digamos nosotros, los vecinos o doña Pocha, que vive al lado, sino siguien-

Murales del desaparecido Palacio Deambrosis, ubicado en la calle Colonia.

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“Los inmuebles se catalogan con grados de protección que van del 0 al 4. El primero corresponde a una sustitución deseable. O sea, se trata de un edificio con una imagen urbana negativa y la sustitución se considera beneficiosa. El grado 1 habilita una sustitución posible. Puede ser remodelado para mejorar la relación con el ambiente. El grado 2 implica protección ambiental. La construcción puede ser modificada, conservando o mejorando su relación con el ambiente pero se mantienen sus elementos significativos. Barreiro & Ramos, frente a la Junta Departamental, o La Mansarde en Plaza Zabala, por ejemplo. El grado 3 es protección estructural. El edificio debe conservarse mejorando sus condiciones de habitabilidad o uso, pero guardando su configuración. No se pueden tirar las paredes interiores, por ejemplo, y hacer un loft. Finalmente, el grado 4 coincide con los monumentos históricos: la Catedral Metropolitana, el Club Uruguay, el Cabildo. Son ejemplos muy notables en los que las intervenciones se hacen para mantener el edificio en condiciones, pero apostando a trabajos de restauración que mantengan la máxima calidad de la obra”.

do criterios internacionales. En muchas ciudades de Europa hay edificios de menor calidad arquitectónica, pero forman parte del paisaje urbano o rural y elevan las características del entorno. Existe todo un abanico de grados de protección que indica lo que se puede hacer y lo que no, pero siempre manteniendo ese orden con el que se debe desarrollar la ciudad“.

Casco histórico

Parte del problema que acusa la organización es que se considera núcleo histórico de la urbe únicamente a la Ciudad Vieja. “El centro histórico de Montevideo estaría formado por la Ciudad Vieja, el Centro y una parte del Cordón. El primer asentamiento que se generó fue la ciudad amurallada, con el fuerte de Montevideo en la Plaza Independencia. A principios del siglo

XIX, cerca de la independencia, la ciudad se abre, se derriban las murallas y se hace un trazado hasta donde está la calle Ejido. Ahí surge el concepto de Montevideo con la Ciudad Vieja y la Ciudad Nueva. Todo eso es el centro histórico. Entonces, hablando de arquitectura patrimonial, tanto de un lado como del otro, tenemos construcciones de la misma época. En su mayoría son de entre 1880 y 1920, realizadas por los mismos arquitectos y constructores: Acosta y Lara, Boix, Tosi, Andreoni, y dotadas de la misma calidad arquitectónica. Estos son nombres que deberían sonar, y que la sociedad misma debería decir, ‘¡ah! Esta obra es de fulano’, pero son anónimos”. Hay un puñado de monumentos históricos nacionales como el Jockey Club o el edificio de London París, pero después, la gran mayoría no tiene ninguna protección y hay edificios que tienen las mismas características que se protegen en la Ciudad Vieja”. Dado que ese desarrollo fue continuo y homogéneo no tiene sentido esa división en la protección, objetan los miembros de Basta de Demoler. Gabriel Rodríguez Arnábal es desarrollador comercial y miembro de Basta de Demoler Montevideo. Es en su casa de la calle Buenos Aires, un excepcional exponente del año 24’ realizado por el arquitecto Acosta y Lara para su hermano el escritor, donde sesiona la ONG. “Esta casa tiene un grado de protección alto, pero la iban a tirar abajo”, comenta a la vez que señala la desaparición del palacio Deambrosis como otra gran pérdida. “Estaba en Rondeau y Colonia; daba a tres calles. La tiraron abajo en 2012 para hacer un parking. Debería haber tenido una protección 4 por el mirador y la cantidad de frescos y murales, pero no estaba en Ciudad Vieja”, se lamenta el empresario.

La explicación que ofrece Schaffner y su equipo a esta realidad radica en que existe una mentalidad cerrada acerca del urbanismo. “Hace 60 años había planes que promovían la desaparición completa del patrimonio arquitectónico porque decían que había que construir la ciudad del futuro. Esas fueron ideas de la posguerra europea que se generaron porque las ciudades habían sido arrasadas y había que construir nuevas soluciones habitacionales. Acá no tuvimos guerra pero sufrimos las mismas consecuencias”.

Volver a brillar

destinó millones de dólares en un proyecto de restauración y reconversión para devolverle la función original al edificio y dejarlo a todo trapo, se logró porque existía el edificio. Muy diferente hubiera sido si eso era un cubo de hormigón. En ese sentido tenemos en la zona del puerto ejemplos destacados como el hotel Nacional, ex Facultad de Humanidades, que estuvo contemplado en un proyecto que lamentablemente no se concretó. Pero armar algo que incluya hotelería, vivienda y espacios comerciales, dando ciertas facilidades e incentivos impositivos, sembraría una semilla que puede generar un efecto parecido a lo que sucedió en Punta Carretas cuando se instaló el shopping. Creo que podríamos tener muy buenos resultados. Tenemos turistas que vienen a pasear a la Ciudad Vieja y les gustaría quedarse, pero después de las seis de la tarde no se les sirve ni un café porque está todo cerrado. Está muy bien que la Intendencia mejoró las veredas y renovó la iluminación, pero no estamos contemplando la chispa necesaria para arrancar la recuperación de estas áreas. Así como hacemos en Cordón y otras áreas donde se promueve la construcción de vivienda de interés social con exoneración de impuestos, tenemos que promover la recuperación de patrimonio. No es ciencia nuclear”, concluyó Schaffner.

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Legado perdido: un antes y un después del edificio de Assimakos en Avenida Italia y Mataojo; de la vivienda en Agraciada y García Pintos y de la casona en Convención y Soriano.

Sin embargo, hay tesoros de la Ciudad Vieja que hoy en día se vienen abajo, y eso lleva a otro tema del gran debate que genera el patrimonio edilicio de Montevideo. “Necesitamos hacer un inventario y dar protección a lo que tenemos, pero por otro lado, tenemos que promover su recuperación. Esto puede darse a través de planes de restauración y también de normativas concretas que prevean la conservación de elementos testimoniales, como una fachada, por ejemplo, y que permitan la construcción de un edificio de altura como forma de lograr soluciones intermedias, porque la realidad, y esto según palabras del Director de Patrimonio con quien tuve una reunión hace dos meses, hay mucho interés por parte de la Asociación de Promotores Privados de la Construcción en mantener el plan de ordenamiento territorial así como está. Es una mentalidad cortoplacista desesperante. Las futuras generaciones van a vivir en cajas de zapatos y a los turistas les va a dejar de interesar Montevideo porque no solo estamos dinamitando los pilares de nuestra identidad, sino que estamos matando una parte del sustento económico de la ciudad vinculado al interés turístico”, sentencia Schaffner. Señala a Montevideo como el principal destino turístico del país. “Nadie vino a Montevideo solo para comer un chivito o pasear por la rambla. Con lo que queda atado el turista es con la riqueza arquitectónica de la ciudad, que es lo que le da carácter”. Hace apenas unas semanas, la asociación anunció la postulación del Centro Histórico de Montevideo como sitio patrimonial en riesgo ante la prestigiosa organización internacional World Monuments Fund. “El proceso insumió mucho trabajo, recursos y esfuerzo, y la postulación queda a deliberación de un plantel multidisciplinario de técnicos, que incluye desde arquitectos hasta sociólogos. Es un organismo con sede en Nueva York que se ocupa del reconocimiento y recuperación de bienes culturales a nivel mundial. En los últimos años estuvo presente en Medio Oriente, en lugares donde hubo conflicto armado, donde desarrolló planes. Actúa en casos muy puntuales y concretos. Sin ir más lejos en Buenos Aires financió la recuperación de obras, pero también se desenvuelve a escala más grande con modificación de normativas en participaciones público-privadas. Junto con UNESCO son los principales organismos que velan por la preservación del patrimonio mundial” explica Schaffner. Un punto no menor es la falta de incentivos a los privados para adquirir construcciones de estas características. “Muchos edificios se logran recuperar por la construcción en sí misma. El ejemplo del hotel Carrasco en el cual una cadena internacional

Coliving

Nueva

hospitalidad la modalidad de alojamiento all inclusive que naCió en el hemisferio norte, no tardó en aterrizar en el río de la plata y es furor entre las nuevas generaCiones. estas son sus CaraCterístiCas.

Fahad Siddiqui

e trata de viviendas para las nuevas generaciones, y puesto que fueron concebidas para los millennials, un público objetivo que está poniendo patas arriba los modos de consumo tradicionales, el concepto forzosamente tenía que ser innovador. Fue justamente un joven emprendedor de apenas 30 años quien inauguró la noción de coliving, al crear The Collective, un servicio de residencias estudiantiles en Inglaterra. El padre de la idea se llama Fahad Siddiqui, un londinense de origen paquistaní que supo capitalizar sus estudios de Geografía Humana y sobre todo la adaptación de sus padres a la sociedad inglesa. Luego de probar su éxito y gestionar alrededor de 400 unidades en la capital del Reino Unido, Siddiqui decidió comenzar de nuevo, esta vez en Argentina. Según manifestó a La Nación, un amigo le sugirió la ciudad de Buenos Aires como un buen lugar para replicar su experiencia inglesa dada la gran población estudiantil de la ciudad. Así nació Casa Campus, la primera empresa de la región dedicada al desarrollo y operación de coliving, orientada a universitarios y jóvenes profesionales. Esta modalidad de alquiler de alojamiento propone varios diferenciales: incluye servicios como wifi, concierge y limpieza, y se ubica en edificios donde lo más importante es que ofrezcan áreas comunes, con fácil acceso a una comunidad. No en vano la premisa sobre la que funciona el negocio es simplificarle la vida a la gente, “hacerla más fácil, agradable y segura, tanto a los padres como a los hijos”. La fórmula de Siddiqui apuesta a un estilo de vida simple, flexible y funcional, en un entorno respetuoso, diverso y enriquecedor. “En sociedades cada vez más fragmentadas, donde se dificulta el anclaje a un grupo de pertenencia, las residencias basadas en el concepto de comunidad se vuelven particularmente nece-

Nuevo proyecto: Casa Campus en Palermo.

ción de vivienda, es un lugar dónde desarrollarse con gente afín, y en el que el espacio privado es lo menos importante. Lo que prima es compartir, no sentirse solo y conocer gente interesante“, ilustra la empresaria. “Empezamos con estudiantes porque es un mercado enorme y estaba desatendido. Se calcula que hay 600.000 estudiantes en Buenos Aires, y estos millennials son los que hoy determinan las tendencias de consumo. No tienen sueños de casarse, ni de tener casa propia; no tienen miedo a estar sin trabajo. Tienen otra cabeza. Su palabra por excelencia es experiencia”. Al día de hoy Casa Campus gestiona siete edificios y desarrollos que equivalen a 400 departamentos detrás de los que hay más de 300 inversores. Porque esa es la otra punta del negocio. A diferencia de su aventura europea, en la versión latinoamericana Siddiqui no es dueño de los edificios, sino que los gestiona. Cada apartamento es una unidad funcional que tiene un dueño y

sarias, explica Laura Matta, Directora de Marketing de la firma. La idea tiene dos puntas: por un lado, una plataforma estilo Airbnb, a través de la cual se genera la demanda de gente que busca donde vivir, y por otro, una versión siglo XXI de la tradicional renta temporaria. “La parte de la vivienda es un commodity, pero por sobre eso está la experiencia y la inteligencia de saber diseñar un edificio en el que se va a vivir con tales características. Porque cuando te mudás para estudiar o para trabajar durante tres o cuatro meses en un proyecto, o visitás recurrentemente una ciudad, la propuesta hotelera se termina agotando, y la renta temporaria, como los apart hotel, ya quedó obsoleta porque no ofrece experiencias, que es lo que todos queremos. El coliving, en cambio, genera una comunidad para todos esos grupos de estudiantes universitarios, jóvenes profesionales que se mudan solos o los consultores que andan dando vueltas por el mundo. Siddiqui entendió que lo que la gente busca, además de una solu-

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Cada Casa Campus tiene su perfil. Pilar Araucarias, por ejemplo, incluye amplios espacios verdes y actividades al aire libre.

mandamientos de la modalidad

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El proyecto Palermo Cabrera deja en claro que el diseño de zonas comunes muy atractivas es clave para este estilo de vivienda.

SE UBICA CERCA DE LAS UNIVERSIDADES OFRECE EXPERIENCIA COLIVING TIENE TECNOLOGÍA INTEGRADA CONTRATOS FÁCILES Y FLEXIBLES TERMINACIONES DE CATEGORÍA SERVICIO DE RECEPCIÓN Y ADMINISTRACIÓN APRECIACIÓN ÓPTIMA DEL INMUEBLE SUSTENTABILIDAD

COMMUNITY MANAGER EN CADA EDIFICIO

AMENITIES Y ACTIVIDADES ORGANIZADAS QUE FAVORECEN LA VIDA EN COMUNIDAD

Casa Campus la explota. “De esta forma, el propietario se desentiende de contratos, con desalojos o reparaciones. Además, como nosotros manejamos economía de escala, sale más barata la inversión. Por unos 80.000 dólares, por ejemplo, podés comprar un monoambiente totalmente equipado. Es un negocio distinto que seduce a potenciales inversores sin tiempo para ocuparse de hacer rendir su capital” afirma. Por otra parte, como los clientes encuentran un valor agregado que les interesa, están dispuestos a pagar una tarifa más alta. “Históricamente el real estate se desarrolló con una fórmula de relación entre metros cuadrados y alquiler. Por tantos metros cuadrados, pagás tanto. Pero cuando generás valor agregado en torno al producto, quebrás esa relación y podés cobrar alquileres que hasta duplican un costo tradicional. ¿Por qué? Porque tiene espacios de coliving, se ofrecen eventos, hay gimnasio, wifi, se incluye la limpieza, los contratos son flexibles, no necesitás garantías. Y aunque es más caro, a los chicos les resulta igualmente interesante porque se ahorran un montón por otro lado”. Con un plan de expansión muy ambicioso en el que se incluyen dos desarrollos en Montevideo, la empresa de Fahad Siddiqui no se baja del acelerador. “A medida que el mercado va entendiendo esta dinámica, surgen más interesados que capacidad de desarrollo propia”, concluye Matta.

el coliving propone un estilo de vida simple, flexible y funCional, en un entorno respetuoso, diverso y enriqueCedor.

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opciรณn trendy

LA MUY FIEL no QUedรณ AJenA A LA tendenciA deL COLIVING y deSde MArZo de 2018 tiene SU priMer eXponente en pLenA ciUdAd VieJA. BienVenidoS A ZAG.

convivencia

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feliz

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Ubicado en el ex hotel Plaza Fuerte, un edificio de 1920 con grado 4 de protecciรณn patrimonial, ZAG es un desarrollo de Sinergia y Acsa. El proyecto de interiorismo es de Menini-Nicola, que destacรณ la riqueza de la arquitectura original con una paleta blanca y acentos de color pastel.

Olore del ea atetum adigna ad eu faccumsan exerostio odolor sequis aliquip susciniam, qui Olore del ea atetum adigna ad eu faccumsan exerostio odolor sequis aliquip

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El amplio living es el alma del lugar. Allí hay instrumentos musicales, un tocadiscos, sofás, cómodas mesas, y una antecocina con barra en Silestone. La cocina propiamente dicha se ubica a continuación y está equipada con todo lo necesario para preparar los alimentos.

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Cada piso tiene su propio espacio de encuentro. El playroom con mesa de pool cuenta con gradas para mirar las partidas. En la sala de la tele, destaca un sofĂĄ curvo firmado por Menini Nicola, que junto con los estudios Claro, Diario y Lateral aportaron piezas de diseĂąo.

Las habitaciones llevan nombres de ciudades y son dĂşplex. En Helsinki, por ejemplo, las luminarias son de Zum y la mesa de centro es diseĂąo de Menini-Nicola.

La vista desde esta suite estilo camarote en el primer piso, da a la Puerta de la Ciudadela y al Palacio Salvo.

Las habitaciones confluyen a un patio interno. Bajo la claraboya, las plantas artificiales de Tutto Deco aportan el toque verde.

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La azotea, con vista panorĂĄmica a la ciudad, es otro punto de encuentro. Pensada como un espacio multipropĂłsito, cuenta con una parrilla y una huerta. AllĂ se llevan a cabo los eventos, y las clases de Yoga y Pilates.

expresiones de luz

Isla de Flores 1858 esq. Frugoni - Montevideo Av. Italia esq. Pampas - Punta del Este

www.lyte.com.uy

arquitectura esteña casa i 2019 i paula

• La pasionaria • Buena madera • Lujo futurista

en josÉ ignacio

la pasionaria ubicada sobre una loma desde la cual se aPrecia el mar, el camPo y la laguna, esta casa fue diseñada Para anclarse en el Paisaje nativo.

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FotograFías: natalia ayala.

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la casa de la paisajista e investigadora amalia robredo fue proyectada por su padre, el arquitecto ivĂĄn robredo, y desarrollada por la arquitecta Paula abbate. inspirada en los fuertes portugueses que solĂan poblar la costa, la construcciĂłn utiliza la piedra local como elemento central.

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Protegida por el monte nativo, la piscina igualmente ofrece vista al mar. al pensar este espacio, se tuvo buen cuidado de aprovechar la sabidurĂa constructiva antigua, ya que se trata de una zona donde abundan las cruceras. De ahĂ la ausencia de cĂŠsped, el piso de pedregullo y lo despejado del entorno.

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el Paisaje de la Pasionaria es considerado como la cuna de un estilo, ya que aPuesta a una mirada local. las esPecies silvestres son domesticadas Por la dueĂąa de casa y luego las cultiva en el jardĂn.

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la distribuciĂłn de las habitaciones recuerdan a un antiguo casco de estancia. los dormitorios dan a un patio central con piso y paredes de piedra. los grandes ventanales iluminan el espacio y hacen posible el desarrollo profuso de los verdes. las seis suites de la casa tienen vista al jardĂn.

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El mobiliario que alhaja los dormitorios, así como el resto de los ambientes, proviene de remates y ferias para aportarle historia y carácter al edificio. las mantas de llama son artesanales y fueron traídas desde salta. arriba, destaca un cuadro de luis Benedit. abajo, un baño como ejemplo de las comodidades con que cuenta el lugar.

arriba, la sala de estar comunica con el living comedor, rincón que siempre convoca a la reunión. abajo, detalles de la construcción y de las colecciones de los dueños de casa. se trata de una residencia muy vivida por lo cual está bien pertrechada para las cuatro estaciones. Profusión de libros, estufas a leña y confortables sillones en cuero lo evidencian.

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arriba, la cocina ubicada frente al patio exterior, formó parte de la casa desde sus orígenes. Con estanterías empotradas y una parrilla, el lugar se aprovecha sobre todo en verano. la gran mesa de madera fue realizada por Francisco Zeballos, un carpintero de la zona, y las sillas son de Álvaro Cosentino, de san Carlos. abajo, la cocina de invierno es más pequeña, cerrada y funcional, siempre manteniendo el estilo.

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la Pasionaria estĂĄ inserta en el monte natural sobre una altura que habilita a una vista increĂble. la vegetaciĂłn a veces es tupida y otras no tanto, lo que permite el lucimiento de los troncos desnudos. lo interesante es pasear en ese ambiente Ăşnico. amalia robredo lo sabe y es por eso que crea senderos por los que transitar.

SOBRE LA PLAYA

buena

madera LAS PRimERAS cOnStRucciOnES dE LA BOnitA, A PASOS dE JOSé ignAciO, AtRAPAn cOn Su EncAntO Sin imPORtAR LA EStAción. Aquí, unA viSitA A LA JOYA dEL EStudiO OBRA PRimA.

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por eugenia lago. fotografías: pablo rivara.

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Totalmente revestida en madera tratada, la casa se abre al entorno aprovechando al máximo su ubicación privilegiada. La diseñadora Melanie Guilbert eligió una paleta de colores claros con énfasis en los materiales nobles como la caña en aleros, el ratán en muebles y sillas, y el lino en sillones y almohadones, creando un ambiente acogedor y sofisticado a la vez. El espejo de agua y las reposeras en la terraza entonan con el marco del mar.

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EL living ES EL cORAzón dE LA cASA. ALLí cOnfLuYEn LOS cuAtRO dORmitORiOS, gEnERAndO un ESPAciO dE EncuEntRO fAmiLiAR. EStA áREA SOciAL, AmPLiA Y cómOdA, fuE unO dE LOS PRinciPALES dESEOS dE SuS duEñOS.

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El estilo de vida de la casa de veraneo impone que la cocina se conecte directamente con el comedor, para no quedar fuera de la reuniรณn social mientras se realizan las preparaciones. Las luminarias sobre la mesa principal estรกn confeccionadas en un tejido natural.

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Los espacios sobrios y despojados, cuentan con enormes ventanales que dan la idea de una vivienda fresca en verano; mientras que las estufas a leĂąa, la loza radiante y la fuerte presencia de la lana cruda, la vuelven cĂĄlida y confortable para los meses frĂos.

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La diseñadora puso especial atención en las lámparas, también trenzadas en fibras puras, que funcionan como puntos focales dentro de los espacios.

Arriba, el dormitorio principal es el más grande de la casa y para aprovechar la vista a la playa, hay un pequeño sofá a los pies de la cama. El piso es de madera de demolición y el resto del mobiliario acompaña el carácter de la déco. Abajo, uno de los tres baños luce impecable con su mesada, paredes y piso inmaculados.

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EStA cOnStRucciรณn dE cARรกctER PLAYERO APROvEchA Su EncLAvE En LA dunA Y ABRE cAdA unA dE SuS hABitAciOnES AL PAiSAJE iniguALABLE.

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Bien instalada en su espacio, la casa se mimetiza con la naturaleza circundante. Crear un ĂĄrea verde en una zona tan castigada por los vientos requiere conocimiento. Son pocas las especies que se adaptan a tales inclemencias, de ahĂ que se utilice al edificio como reparo.

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en las alturas

lujo FuTuRISTA luego de cuatro años en construcción, finalmente se inauguró el edificio que alberga al hotel don, un nuevo hito del balneario que atrae las miradas por su arquitectura moderna y singular. poR eugenIA lAgo. FoTogRAFíAS: pAblo RIvARA.

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El vidriado de cada uno de los 18 pisos de Don Hotel fue realizado a medida y con la curva exacta para su ubicaciĂłn. Tal caracterĂstica habla de la opulencia de su arquitectura. En sus instalaciones se lucen las esculturas cromadas de Mauro Arbiza.

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las formas curvas de la fachada exterior generan circunvalaciones atractivas en su interior. estas figuras se repiten en las piscinas que aluden a hojas.

Los ventanales ofrecen una panorĂĄmica de 360 grados, lo que permite que el paisaje entre y conviva con las ĂĄreas cerradas. Esa visual amplia y sin lĂmites hace que reine la luz natural y a la noche dominen las vistas nocturnas.

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La estructura particular favorece a que cada habitaciรณn sea distinta, aunque todas se caracterizan por su amplitud y comodidad. Al atractivo de las piscinas se suman el solarium, el gimnasio y el jacuzzi.

En la déco predominan los tonos neutros: beige, gris y toques pastel, ideales en una ambientación cercana al mar. Además, invitan al descanso. Los pisos de madera, las camas amplias y cómodas, más un mobiliario acotado brindan lo necesario, sin excesos.

DON MAJESTIC HOTEL Avenida Roosevelt esquina San Ciro, Punta del Este. donhotel.com.uy

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Isla de Flores estรก a 21 kilรณmetros de la costa montevideana. Ruinas y verdes la habitan.

secreto del plata

A LA VISTA

para algunos fue la puerta de entrada antes de comenzar una nueva vida en uruguay, mientras que para otros fue su Ăşltima morada. la isla de flores guarda historias entre montevideo y el mar.

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foTogrAfĂAS: fernAndo meSA.

En el Parque Isla de Flores yacen objetos antiguos. Algunos parecen provenir de naufragios, otros quizás cayeron en desuso.

e aprecia desde cada punto de la rambla montevideana, pero son pocos los que conocen su historia o la visitaron. Hoy la habitan dos fareros que conviven con la fauna marina del lugar. A tan solo 21 kilómetros de la costa, la Isla de Flores carga con las ruinas de una historia reciente, en las que funcionó como sitio de reclusión para enfermos con pestes, como cárcel política luego, y en el presente, como un atractivo paseo tanto para uruguayos como para extranjeros. El protagonista de la isla es el faro. De origen portugués, funciona desde 1828. Su construcción fue autorizada diez años antes, mientras Montevideo estaba bajo la ocupación luso-brasilera. El Tratado de la Farola permitía su construcción con el fin de ayudar

a los navegantes a sortear el Banco Inglés que se encuentra a diez millas, y donde se dice que ocurrieron cerca de 600 naufragios. La torre, que permanece activa hasta el día de hoy, tiene 37 metros de altura y emite dos destellos cada diez segundos. En 1835, cuando comenzó a llegar la oleada de españoles que abandonaban su país natal, la isla funcionó como base migratoria. Allí debían desembarcar las personas previo a instalarse en Montevideo, para realizarles chequeos médicos y descartar que tuvieran viruela, cólera o fiebre amarilla, frecuentes en la época. En ese entonces, la Junta Nacional de Sanidad había declarado obligatoria la cuarentena. La misma podía llevar desde una semana hasta cuarenta días de aislamiento antes de dar el visto bueno para el ingreso a la ciudad. Con este fin, en 1869 se aprobó la

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En esta isla funcionaba un lazareto, una capilla, un cementerio y oficinas de correo y telégrafo. Hoy solo queda el recuerdo: paredes semi derruídas, columnas y fachadas corroidas por la acción del tiempo y el mar.

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La torre del faro tiene 37 metros de altura y una base de 10 metros de diámetro. Data de 1828 y emite a los navegantes dos destellos cada diez segundos.

construcción de un lazareto, que por el contrario a su definición, alojó a los visitantes sanos y los separó de aquellos que llegaban enfermos. Para el año 1896, el área contaba con capilla, cementerio, y oficinas para el correo y el telégrafo. Ya a principios del 900´, luego de la epidemia mundial de fiebre amarilla, los edificios del asentamiento alojaban únicamente al personal, por lo que se decidió que permanecieran en la isla solo quienes accionaban el faro. Con el golpe de Estado de Gabriel Terra en 1933, el lugar se reinventó como prisión política. Se le llamaba entonces el Alcatraz de Uruguay y fue donde se aisló a la colectividad batllista que se oponía a la disolución de las Cámaras, antes de tener que exiliarse en Buenos Aires.

Actulamente, la isla está bajo la jurisdicción de la Armada Nacional. Desde 2006 se considera un área protegida, por lo que cambió completamente su semblante, funcionando como punto de atracción turística. De hecho, hay agencias que ofrecen paseos en lancha desde el Puerto del Buceo, con tours guiados que recorren las ruinas y relatan la historia de cada lugar. Por otra parte, en el futuro la Intendencia de Montevideo planea realzar el enclave a fin de convertirlo en un punto obligado de visita. El plan incluye la restauración de los edificios antiguos y la incorporación de opciones gastronómicas. Mientras esperamos tales avances, habrá que ir y disfrutar del misterio de esta visita a una isla fantasma.

hoteles del mundo

río slow oskar metsavaht, director creativo de osklen, se lanzó al ruedo con esta propuesta frente al mar, en pleno leblon. recién inaugurada propone estadías apacibles en una atmósfera tranquila y de calidad, acorde al estilo que lo caracteriza.

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fotografías: hotel janeiro.

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El recién inaugurado Hotel Janeiro ocupa un edificio de 1975, donde estaba instalado el Hotel Marina All Suites. Luego de un proceso de transformación a cargo de la arquitecta e interiorista Lia Siqueira, se convirtió en uno de los más sustentables de la zona.

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Los materiales que destacan ya en la recepciรณn son el mรกrmol Travertino, por su color y textura, y la madera de Freijรณ natural, certificada como sustentable. Los planos horizontales y verticales se tutean con amplias vistas a la playa.

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La inigualable vista al mar domina en el restaurante. Los tonos crudos, siempre presentes, se aprecian en los sillones dispuestos a los lados. El mimbre natural se repite en las sillas.Todo en la ambientaciรณn es sobrio y acogedor.

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Fiel a su estilo, el diseñador concibió las habitaciones como espacios confortables y acordes a la vida actual. En ellas fusionó practicidad y refinamiento al servicio del descanso. Elementos naturales como fibras de algodón, cuero y madera se tutean con libros y fotografías del artista brasilero Helio Oiticica y del propio Metsavaht.

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Todas las habitaciones miran al exterior y aprovechan la presencia de la playa desde diferente ĂĄngulo. El mobiliario, diseĂąado y ejecutado exclusivamente para el hotel, se luce en las camas, las mesas de luz, los escritorios y los guardarropas. Las lĂĄmparas con forma de botella fueron hechas a mano en el sur de Brasil, con vidrio reciclado. Hojas de Philodendron ponen el toque verde.

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A este piso se accede por la escalera de caracol y hace las veces de solarium y bar de playa.

La calidez de la decoración hace que este hotel de lujo austero se sienta íntimo y relajado. Los ojos de buey estratégicamente colocados roban imágenes del paisaje, que se disfrutan como verdaderos cuadros.

HOTEL JAnEirO Av. Delfim Moreira, 696. Leblon, río de Janeiro. +55 (21) 2172-1001 janeirohotel.rio

GENTE PAULA

ARTE & PARTE

Álvaro Amengual & la anfitriona.

Cecilia Brugnini & Josefina Guichón.

Con un vernissage para el recuerdo, Diana Saravia Contemporary Art dio por inaugurada la temporada en Ciudad Vieja.

Carlos Flores, Mirta Gutiérrez, Pablo Lagomarsino.

Sandra Torrecillas & Xiomara Arias.

Enrique & Joaquín Casal.

GENTE PAULA

en voz alta

Martín Aguirre, Adela Dubra, Patricia Madrid, Gerardo Sotelo.

El Centro Pen International celebró una conferencia sobre la libertad de expresión en Uruguay y el rol de la prensa. Así transcurrió el encuentro.

Carlos Orlando & Juan José Serrés.

Emiliano Cotelo & Alexandra Morgan.

Susana Castro, Esther Barqui, Mercedes Menafra.

Facundo Gianero & Clementina Pintos.

Pablo Vierci, Hugo Burel, Álvaro Casal.

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