Paula casa mayo 2019

la revista de

paula ediciÓn otoño - invierno 2019

M.R.

biennale 2019

tiempos interesantes

tomás alía

de españa a qatar

ieoh ming pei

legado de un grande

no 49

Vivir Colonia OtOñO - inviernO 2019 / nº 49 especial casa

c

M.R.

18 modelo sustentable

Fotografía: Pablo Rivara.

la revista de

44 plano versátil

38 nobleza obliga 118 CaráCter desigual

staff DIRECTORA NATALIE SCHECK Relaciones Institucionales: CECILIA SoLArI SCHECK Coordinadora General: JuLIA HELENA romEI Fotografía: PAbLo rIvArA, ArCHIvo EL PAíS, LATINSToCK, LEoNArdo PoSE Directora de Arte: ANdrEA SAPorITTo Coordinadoras de Diseño: CLArA AvELLINo, mArIELA bENTANCor Colaboradores: EugENIA LAgo, SILvIA fLorES, mAríA JoSÉ SALdES Digitador de Imagen: fErNANdo mESA Derechos Reservados: EL PAíS S.A. Preimpresión e Impresión: EL PAíS S.A., uruguAy, d.L. Nº 325.354.

Distribución: EL PAíS S.A., moNTEvIdEo, uruguAy. Oficinas: PLAzA dE CAgANCHA 1166, APTo. 202, moNTEvIdEo. Teléfono: 2900 6427, Fax: 2908 3916. PAuLA CASA Nª 49.

100 Cable a tierra

temas Y entrevistas 4 merCado de ideas

80 pop up stores

6 lo más nuevo

84 Contrastes de un osado

8 top ten

90 alarde estétiCo

14 remate de lujo

en la web www.paula.com.uy /paulauruguay rpaulauruguay @RevistaPAULA @RevistaPAULA /Revista Paula

96 seña de identidad

24 naCión oCulta

106 templo mexiCano

27 loCales Copados

112 gente

48 Ciudad del futuro

126 las liebres

52 estilo pilar

138 sabores Caseros

66 CirCuito ineludible

144 buenas direCCiones

72 en imágenes

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mercado de ideas relax

Diseñada por Emerson Borges esta chaise longue de Saccaro, define un horizonte y propone diferentes maneras de uso y combinaciones, de acuerdo al espacio.

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Por su forma y diseño, esta lámpara estilo nórdico de Sodimac, logra una luz cálida y difusa. La misma está confeccionada en madera y metal laqueado con una textura que simula arcilla. sodimac.com.uy

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Los almohadones Square de La Feliz Déco se adaptan a cualquier estilo. Los hay en diferentes tamaños.

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Perfectos para incorporar tendencia sea en el hall de entrada o el living, y hasta para modernizar el baño, los espejos redondos son un must del momento. Este es de Kavehome, Alejandro Chucarro 1100.

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Encontrar los detalles para el hogar es todo un arte. Este adorno de Zara Home está hecho en madera, artesanalmente, con un acabado en tono natural con marrón envejecido.

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Sea como adorno o como juguete, el Eames Elephant de Zinc, diseñado por Charles y Ray Eames y realizado en chapa de madera de cerezo, deleitará a grandes y chicos. San Marino 1493.

del jardín

Siempre aggiornada, La Ibérica propone poner un toque green con sus plantas decorativas que agregan frescura a cualquier lugar de la casa. Rincón 711.

lineal & simple

Las poltronas Prado fueron pensadas por el estudio Claro. Fabricadas en hierro, son apilables e ideales para un balcón o terraza. Su diseño ergonómico les da firmeza y flexibilidad. Se consiguen en Andes 1156.

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lo más nuevo

lA mejor PisADA De estreno

Fiel a su política de sorprender al público y posicionarse a la vanguardia, Bosch & Cía. volvió a patear el tablero. No solo remodeló su local, sino que incorporó 400 metros cuadrados de exhibición adicionales, al transformar en showroom el antiguo estacionamiento ubicado cruzando la calle Rivera.

Las obras a cargo del estudio Cagnoli comenzaron en enero de 2018 y se realizaron en varias etapas. El tiempo de espera valió la pena; hoy, el espacio pensado al detalle seduce con un concepto avanzado, más luminoso y con un lay-out tan atractivo como funcional. En él destacan los exhibidores diseñados a medida y la fuerte presencia de tecnología. Además, como la colección entera de placards y muebles de cocina de la firma Johnson pasó al anexo, fue posible incorporar nuevos puestos y estaciones de atención al cliente. ¿Qué tal? Abierto de lunes a viernes de 9:00 a 19:00 y los sábados de 9:00 a 13:00 horas. Rivera 2560. Tel.: 2708 4545. www.bosch.com.uy

En interiorismo, el corcho volvió con todo, no solo por razones estéticas, sino porque las nuevas presentaciones ofrecen bondades renovadas. Tal el caso de los pisos Wicanders, de origen portugués, exclusivos de Lizzie Design. Se trata de un producto sustentable, ya que para su fabricación no es necesario talar el alcornoque. El proceso consiste en retirar la corteza exterior del tronco, tantas veces como lo permita la vida del árbol. Es de fácil instalación, por lo cual resulta ideal para cambiar el look de cualquier ambiente –incluso cocinas y baños–. Y ni qué decir de la presentación Wide, ya que viene en placas de mayor ancho, alineadas con las nuevas tendencias. Las prestaciones del corcho son múltiples: es resistente al agua, amortigua el impacto de las cosas al caer, brinda mayor confort al caminar, y es aislante acústico y térmico. Pasen y vean sus múltiples usos en Canelones 2143.

Tel.: 2409 1343. www.lizziedesign.uy

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A guArDAr, A guArDAr…

Cada cosa en su lugar. La revolución que inició Marie Kondo no tiene fin y es hora de que los montevideanos se pongan más ordenados que nunca. Atenta a este nuevo mandato, la firma Decomarket abrió sus puertas con una propuesta especializada en artículos de almacenamiento. Así las cosas, en sus estanterías pueden encontrarse todo tipo de cajas y canastos, desde de los más corrientes a los más delicados, con opciones para organizar tanto el garage como el living. Y hay más, porque la firma también importa artículos de bazar, baño y elementos decorativos. Vale la pena darse una vuelta. Abierto de lunes a viernes de 10:00 a 19:00 y los sábados de 10:00 a 15:00 horas. 21 de Setiembre 2863.

Tel: 2711 4195. Instagram/ @decomarket.com.uy

PAsión Por el Arte DecorAtivo

Año a año, este encuentro crece y ofrece propuestas más completas. Para la edición 2019, Días de Artes se muda al Hotel Radisson, donde contará con mayor espacio para sus jornadas. La tupida agenda de actividades promete lanzamientos, seminarios, talleres, instancias de Hágalo y Llévelo, y demostraciones con las últimas novedades del rubro. Y como además habrá venta de productos, los visitantes encontrarán ideas, técnicas y todos los insumos necesarios para realizar todo tipo de artesanías. El evento organizado por ArtesUy va desde el martes 4 al jueves 6 de junio, de 11:00 a 20:00 horas.

Ballroom del Hotel Radisson Montevideo. Entrada libre.

TambiĂŠn en venta en

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proteger el patrimonio arquitectÓnico de montevideo es un mandato. alineada a dicha premisa, paula casa seleccionÓ un puñado de residencias con historia, que vale la pena mantener. por suerte hay varias en buenas manos.

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Palacio PietracaPrina embajada de Brasil Con un claro estilo constructivo francés, esta casona corresponde a los primeros años del siglo XX, cuando Roberto Pietracaprina, presidente de la primera Comisión Directiva de la Sociedad del Automóvil Club, le encargó el proyecto al arquitecto francés Camille Gardelle (1866 - 1947) de gran actuación en nuestro país. La obra estuvo a cargo de la firma Arteaga, Martorel & Lasala y fue finalizada en el año 1913. Con un estilo ecléctico moderado y bien distribuido, presenta arcos, cornizas, dinteles y columnas decoradas con relieves sutiles y bien proporcionados. Se proyectó para convivir con la naturaleza del entorno, comunicando casi todos los espacios al exterior. En 1941 la propiedad fue adquirida por el gobierno brasilero, cuando Getúlio Vargas era Presidente y João Baptista Luzardo, embajador en Uruguay. Desde ese entonces hasta hoy, este edificio funciona como sede del país vecino.

Bulevar General Artigas 1394, Parque Batlle.

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casa Quinta de raffo Museo Blanes

Si bien hoy funciona como Museo, el edificio fue construido por el ingeniero Juan Alberto Capurro en 1870, para el Dr. Juan Bautista Raffo, propietario del predio. De estilo historicista, la edificación ocupa una manzana entera entre la Avenida Millán, la calle Pierre Fossey y el arroyo Miguelete. Como muchas casa-quintas de la época y de la zona, tiene una fuerte inspiración en las villas italianas de Andrea Palladio. Con los años, fue adquirida por Clara García de Zúñiga, iniciándose así una larga sucesión de compra-ventas, hasta que en 1929, pasó a manos del gobierno municipal de Montevideo con el fin de destinarla a museo. La reforma y ampliación de la quinta, estuvo a cargo de Eugenio Baroffio, quien mantuvo el lenguaje ecléctico historicista del diseño original. El parque que rodea la casa lleva el nombre de El Jardín de los Artistas. En 2001 se le integró el Jardín Japonés diseñado por el paisajista Haruho Leda, donación de ese país.

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En la década de 1930, Juan Carlos Da Silva, próspero empresario de la época, hizo construir para su familia una residencia ubicada en la zona de las grandes fincas del Prado, sobre la calle Millán 4250 esquina Avenida de las Instrucciones. Igual que las casonas de la época, está rodeada por un parque de 22.000 m2. Conocido también como Castillo Normando del siglo XIX, dado su estilo arquitectónico, tiene molduras de madera expuestas, grandes ventanales y el tejado típico. Hoy funciona allí el proyecto inmobiliario Town Park desarrollado por Grupo Ivory, el cual incorporó y restauró la construcción destinada a club house del complejo.

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casona de la Quinta da silva town Park

Quinta de Berro universal Peace federation Sobre la Avenida Agraciada 3397-99, entre Juan Carlos Blanco y 19 de Abril, se encuentra la casa que perteneciera al escritor Aurelio Berro (1834-1912). La obra de estilo gótico inglés fue encargada al ingeniero Ignacio Pedrálbez y construida entre 1871 y 1874. Incluye ventanas de arco, torres y un lujoso mirador. Su disposición se inspiró en las villas de Palladio, con dos alas laterales simétricas y un cuerpo central, pero su decoración corresponde al arte medieval británico. Lo curioso es que el escritor nunca llegó a vivir en ella porque se trasladó a la ciudad de Buenos Aires donde falleció. La casa quedó abandonada y fue centro de historias paranormales según vecinos. Años después, en 1888 fue comprada por la embajada Argentina hasta 1998 que la vendió al reverendo Moon en 2001. Reciclada y restaurada, hoy es la sede continental de la Federación Universal para la Paz y la Unificación Mundial.

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castillo idiarte Borda sede de la comisión del Patrimonio cultural Construido como villa de veraneo por el presidente uruguayo Juan Bautista Idiarte Borda (1844-1897), esta edificación de estilo neoclásico fue erigida a finales del sigo XIX por el arquitecto francés Alfred Massüe, en 1896. Todos los materiales e insumos para su edificación y decoración fueron traídos de Europa, con excepción del portón de hierro que fue forjado por la herrería de Manuel Sorrondegui.

Los 1.100 m2 se encuentran sobre la Avenida Lezica 5912, en Colón; y se distribuyen en 5 pisos incluyendo buhardillas, torres y un sótano. En su interior se destaca una gran escalera de mármol que brinda acceso a los dos niveles superiores, la capilla familiar y una cocina de forma octogonal. El jardín que rodea el edificio, es obra del paisajista francés Carlos Thays. Además le acompañan dos construcciones aledañas que estaban destinadas al uso de cocheras y establos, con estancias de servicio. Fue abandonado y ocupado por indigentes. Actualmente el castillo se encuentra muy descuidado, y ha sido foco de varios robos. Aún así, funcionan algunos talleres que organizan los propios vecinos de la zona.

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Esta vieja casa-quinta ubicada en Camino Carrasco esquina Servando Gómez, a metros del arroyo Carrasco, atesora un patrimonio inigualable. Aunque no está en buen estado, aún se puede apreciar lo que fue en su momento.

Fernando García, dueño de la finca, era un comerciante de cigarrillos e importador de whisky muy relacionado con la política. Amante del arte y la literatura, poseía una gran biblioteca, una importante reserva etnográfica (donada al Museo de Historia Natural) y una de las colecciones más grandes de artistas uruguayos, incluyendo más de 400 pinturas. El proyecto y diseño de la casa estuvo a cargo de los arquitectos Pérez Butler y García Otero en 1935, una construcción con líneas de reminiscencias españolas rodeada de un gran jardín con más de 123 hectáreas. A cargo del paisajista Charles Racine, el parque se formó con especies del mundo, tales como cipreses, palmeras, araucarias y sauzales, además de estatuas y fuentes de mármol de Carrara. A través del archivo fotográfico se sabe que en su época, lo habitaban papagayos, cisnes, garzas blancas, patos y aves exóticas, junto a lobos marinos y focas que paseaban con su dueño. Una torre campanario, un reloj que perteneció a la Bolsa de Comercio ubicada en Piedras y Zabala, caballerizas y un desembarcadero sobre el arroyo Carrasco completan las grandezas de su historia.

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Quinta de fernando garcía Museo del carruaje y el transporte

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casa-Quinta Mendilaharzu Museo de antropología

Sus 2.742 m2 edificados sobre la Avenida de las Instrucciones al 948, en el Prado, datan de finales del siglo XIX. En su ecléctica arquitectura se mezcla estilo francés con italiano. Luego de varios propietarios, la familia Mendilaharzu adquirió esta propiedad en 1887, cuando todavía se extendía hasta el arroyo Miguelete. En 1890 se construyó lo que hoy es el frente de la casa, destinado a biblioteca y se agregó la fuente en el patio central construida en Inglaterra, al igual que la escalera de caracol en hierro que conduce al mirador.

Años más tarde se realizó una gran reforma a cargo de los arquitectos Juan Delgado y Alfredo Campos, para lo que se construyó una vivienda frente a lo que eran las cocheras y caballerizas -hoy sede del Centro de Estudios de Ciencias Naturales-, más un salón de música y un gran comedor. Con la colaboración de Mr. Filerain se redecoró, profundizando el toque francés que presenta el palacete. Fue así que en 1925 la mansión alcanzó el volumen actual.

El parque que rodea la casa cuenta con ejemplares de araucarias, magnolias, plátanos y una glicina de flores dobles -único ejemplar en Montevideo- que se mantienen erguidos hace cientos de años.

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castillo soneira de urioste colegio san Pablo

Ubicado en la Avenida Suárez 3781 casi Luis Alberto de Herrera, al lado de la residencia presidencial, sigue estoico este castillo cuya primera versión fue en estilo neogótico a cargo del arquitecto francés Víctor Rabú (1834-1907), responsable también de la icónica Iglesia Jackson, ubicada en las inmediaciones. En 1915 sufrió una reforma encargada a Camille Gardelle. Este edificio es un hito que asombra por su dimensión, además de ser un claro ejemplo sociológico de la importancia que las familias de aquel entonces le daban a sus viviendas, como modo de exponer su poder económico y cultural.

La familia Soneira vivió allí durante ciento cuarenta años, pasando por siete generaciones hasta el año 2009, cuando finalmente fue vendido al Colegio San Pablo. En su distribución se incluían estancias para el servicio, despensa, cocina, carbonería, sala de estudio y de recreo para los niños, dormitorios, cuartos de vestir, un gran comedor y un escritorio, un salón gótico y el salón Luis XVI. Los mosaicos del piso estilo art nouveau con diseños botánicos, fueron traídos de Venecia, mientras que los vitrales fueron realizados por el artista Antonio Marchetti.

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Sobre la simbólica esquina de la rambla República de México y Divina Comedia, en Carrasco, esta tradicional casona declarada monumento histórico por el gobierno en 1971, fue construída para la familia Strauch hacia 1930. Los encargados fueron los arquitectos Rafael Lorente Escudero y Roberto Beraldo quienes la encararon como residencia de veraneo. Su arquitectura destaca por la influencia centro-europea con acento en el estilo normando, notorio en sus tejados, sus grandes ventanales, la carpintería, tanto interior como los tirantes al descubierto y los vitrales incorporados a las aberturas, realizados por el artista Arturo Marchetti. Actualmente la ocupa la empresa de seguros médicos Blue Cross, encargada de su última restauración, habiendo atravesado por una instancia de incendio en el techo que afortunadamente pudieron recuperar siguiendo los planos originales.

Su construcción data del año 1878, y se cree que la obra estuvo a cargo de Bataglia, aunque no se conoce el arquitecto de la misma. La quinta fue creada para Máximo Benito Santos Barbosa (1847 –1889), dictador y representante del militarismo uruguayo del siglo XIX. Su estilo arquitectónico es ecléctico, con preeminencias neoclásicas, e incorporaciones art nouveau que se pueden apreciar en las decoraciones de las fachadas e interiores. El edificio tiene un patio central que alberga una fuente con silueta de barco y se encuentra rodeado de un ala central y dos laterales formando una distribución en “U“. La quinta cuenta con una bellísima galería vidriada orientada hacia el patio, una biblioteca y salas de lectura. La construcción es de muros portantes de ladrillo con techos de bovedillas, originalmente ocultas por cielorrasos de yeso sobre entramado de madera.

Los cimientos son de piedra. Las aberturas de diseño vertical, presentan coronaciones curvas y barandas de hierro, en madera y vidrio. Hoy el área forma parte de la Red de Museos del Prado. Es de esperar que la mansión sea rescatada del olvido y pase a formar parte de nuestro patrimonio.

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casa Quinta de MáxiMo santos Museo de la Memoria

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casa strauch Blue cross

martillo histórico

remate de lujo

con más de un siglo de tradición joyera, la icónica casa Freccero cerró sus puertas. antes de bajar la cortina, uruguayos y extranjeros tuvieron la oportunidad de quedarse con una pieza de su tesoro mediante un remate realizado por zorrilla subastas.

Por eugenia Lago. FotograFías: PabLo rivara.

Nuevo proyecto: Casa Campus en Palermo.

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nserta en la zona de oficinas y bancos de Ciudad Vieja, la fachada de la joyería Freccero sobre la calle 25 de Mayo, parece detenida en el tiempo. Basta con traspasar su entrada de madera y vidrio con letras en bronce, para apreciar sus mostradores tallados con tapa y laterales de cristal, las vitrinas con tirantes de metal y las estanterías hechas a medida. Allí se alojaron durante más de un siglo las bandejas de plata, los juegos de cristalería, las alhajas y los relojes que se adquirían para ocasiones especiales en la legendaria sede. Sea por los cambios de consumo, o como mencionan sus empresarios, por la velocidad acelerada en la que el mundo evoluciona casi sin rastro de las tradiciones, la joyería Freccero cerró sus puertas y los objetos de valor tomaron nuevos rumbos en un remate a cargo de Sebastián Zorrilla de San Martín, realizado el pasado 10 y 11 de mayo en el lugar.

En las raíces del negocio yace la historia de Luis Freccero, un inmigrante genovés que falleció en 1868, mientras trabajaba en las canteras de Las Piedras, como consecuencia de la explosión de un barrenero. En aquel entonces, su hijo mayor Francisco Juan, tenía doce años y no tuvo más opción que hacerse cargo de su familia. Así que buscó trabajo y comenzó a ayudar al alemán Oscar Spangenberg, que acababa de abrir una joyería en las calles Rincón e Ituzaingó. Sin más, inició una historia que siguieron sus hijos, nietos y bisnietos.

Los primeros gajes que aprendió del oficio estuvieron vinculados a la venta de relojes suizos y alhajas, ya que eran las piezas más vendidas del lugar. Luego, se incorporaron a la oferta los artículos de bazar, la cristalería, la platería y la porcelana.

En 1878, Spangenberg decide irse a Alemania con su esposa e

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“Cuatro generaciones de una familia se dedicaron a crear y acompañar los brillantes sueños de las señoras, los elegantes relojes de los maridos, las deslumbrantes mesas preparadas para lucir las mejores alhajas y disfrutar acontecimientos familiares y sociales. (…) El mundo evoluciona a veces en una dirección y velocidad acelerada que no se funden con la tradición seguida por nuestros antepasados y continuada con cariño y fervor hasta hoy”. (Tomado del catálogo de subasta de Mayo de 2019).

hijos, por lo que Freccero quedó a cargo del lugar. Años más tarde, el empresario regresó a Montevideo, y el joven Freccero pasó de ser empleado a ser socio del negocio. Ya en 1905, se mudó al local de la calle 25 de Mayo 563, donde funcionó hasta 2015. Siguiendo con la historia, en 1914, tras la muerte de Spangenberg, Freccero compró a sus herederos la parte del comercio y continuó con el establecimiento, pero ahora bajo su apellido. Esto se perpetuó incluso tras su muerte en 1923, ya que cuatro generaciones fueron fieles herederas de su profesión. También fueron devotos los hijos y nietos de clientes que, siguiendo la tradición de sus padres, iban al lugar en busca de joyas.

Recientemente la casa cerró las puertas del último local que mantenía abierto, ubicado en Punta Carretas Shopping, y destinó 512 piezas a subasta. Dado el tamaño e importancia del lote, el evento tuvo quince días de exhibición abierta, dedicados a recibir

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piezas a estrenar. Entre las alhajas hubo anillos y alianzas de oro 18 quilates, con diamantes, rubíes y ágatas; prendedores en oro y brillantes; pulseras en cuatro hilos de perlas; relojes de bolsillo suizos e ingleses en funcionamiento en su caja en oro; y relojes pulsera actuales sin uso.

La curiosidad del encuentro fue que se transmitió en vivo mediante la plataforma Invaluable y tuvo compradores de Estados Unidos, Argentina y Brasil. Esto también da constancia de que los precios otorgados a los objetos fueron de nivel internacional.

De esta forma, con el cariño de quienes aprecian las piezas auténticas, se despidió a una marca histórica. El espacio fue adquirido por inversores argentinos y pronto comenzará a funcionar como café literario, manteniendo en su estructura parte de las vitrinas originales.

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a los curiosos e interesados que se acercaban al local. A esta experiencia le siguieron dos fechas de remate; en la primera se disputaron las alhajas, la cristalería y el arte pictórico, mientras que la segunda estuvo dedicada a la platería, la porcelana y el mobiliario.

Con el local desbordado de visitantes, se mostraron uno a uno los objetos a subastar en la pantalla y se vendieron al mejor postor. Sebastián Zorrilla destaca que quienes asistieron tuvieron especial aprecio por los ítems icónicos de la tienda, como es la araña francesa de estilo Versailles en bronce dorado de 28 luces, y el reloj de pie inglés, del siglo XIX, aún en funcionamiento que, además, obtuvo el mejor precio de la jornada. También importantes fueron los juegos de plata para servir té y café, provenientes de Londres del siglo XIX, con hojas y flores cinceladas; y los juegos de cubiertos en plata maciza francesa, de más de doscientas

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modelo

sustentable el edifcio donde se aloja el museo de arte precolombino recorriĂł un largo camino antes de abrazar su presente destino. una charla con el director de la instituciĂłn revela sus mĂşltiples secretos. digan si no. por J.H. romei. fotografĂ­as: pablo rivara.

en el mapi

Aires, trayendo la influencia de la arquitectura alemana al Río de la Plata. “Reus murió muy joven, a los 33 años, y tuvo una historia increíble. Fue millonario en España, perdió todo y emigró a Buenos Aires. Allí volvió a hacer fortuna y se arruinó; después vino a Montevideo, se enriqueció, pero volvió a perder todo, y murió. Creó proyectos como el Barrio Reus al norte, que aún existe, y el Barrio Reus al sur, que fue demolido. Estaba en el negocio inmobiliario y financiero, y buena parte de los barrios de la ciudad, eran loteos que él hacía”, detalló de Almeida.

Cuando Reus falleció, el inmueble pasó al Banco de Italia con la intención de crear un emprendimiento residencial que incluyera locales comerciales. A la postre no se concretó, y a principios del siglo XX pasó a manos del Estado. Primero tuvo su sede allí el Ministerio de Fomento y después el Ministerio de Defensa. “Eso fue de 1920 a 1985. Al final de la dictadura, Defensa se mudó y cedió la construcción a la Intendencia. El edificio estuvo cerrado durante casi veinte años y el deterioro fue escandaloso, al extremo que Mariano Arana cuenta que cuando era Intendente, su gabinete le aconsejó demolerlo porque no se podía hacer nada”.

Sin embargo, sí se pudo. Primero llegó un acuerdo con el gobierno de las Islas Canarias para crear una Casa de Canarias y con tal fin, en 2003 se le encomendó al estudio Vanini &

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Nueva contexto

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s una de las citas ineludibles en Ciudad Vieja, tanto para quien desea explorar sus colecciones y muestras, como para aquel que procura una pausa a la hora del almuerzo o la tarde. Sin embargo, más allá de una propuesta variada y de calidad, el Museo de Arte Precolombino e Indígena destaca por derecho propio y le presta un carácter único a ese tramo de la calle 25 de Mayo.

“El museo ocupa este inmueble desde que se creó en 2004. El propietario original del edificio fue el doctor Emilio Reus, quien lo mandó construir en 1888, en el marco de un proyecto más grande que incluía un hotel (el antiguo Hotel Nacional), que está a 300 metros hacia el lado de la escollera, y una piscina”, contó Facundo de Almeida, director del MAPI. “Aquí se construyó otra piscina, que es donde hoy tenemos la sala de exposición principal. La finalidad del lugar era servir como un spa del siglo XIX. Formaba parte de esa corriente de salud de entonces que mezclaba relax con tratamientos médicos. El nombre oficial era Centro Médico Hidro-Termo-Terápico, y a pesar de que se instaló la maquinaria, no está claro si llegó a funcionar. Hay sectores que no se terminaron, como la continuación hacia el sótano de la escalinata principal a la entrada; no se llegó a construir y ahora está tapado”.

El proyecto fue encargado por Reus al arquitecto suizoalemán Lorenzo Siegerist y al ingeniero S. Parcus, dupla precursora de la Modernidad que realizó una prolífica obra en Buenos

el espacio del café, diseñado por el estudio lorieto pintos santellán sorprende con una impronta despojada y moderna, que se nutrió de elementos reciclados del propio museo.

Asociados realizar la restauración edilicia. En esa instancia se reforzó la estructura de la edificación y se recuperó el piano nobile de la construcción, es decir el piso principal con la gran escalinata y la sala principal con claraboya. Por razones políticas, Canarias se retiró del proyecto y el edificio volvió a quedar vacío, aunque restaurado.

A fines de 2003, con el aporte de una colección privada a la que luego se sumaron otras provenientes de organismos públicos, se creó el MAPI. “La gestión del museo es mixta. Si bien el edificio pertenece a la Intendencia, se acordó en virtud de un convenio con la Fundación MAPI, que esta manejara la gestión cotidiana. Yo me incorporé en 2011; en aquel momento estaban en condiciones la sala principal y una salita en el primer piso, además de la oficina. El resto del edificio, que tiene sótano y tres pisos para arriba, era una ruina total”. Para recobrar la construcción, Facundo de Almeida tomó prestado el modelo que utilizó España en la década de los 80’ para restaurar numerosos edificios de los siglos XI, XII y XIII con miras a transformarlos en hospedajes turísticos. “El plan se basa en escuelas-taller que capacitan en obra a personas sin trabajo; si bien tienen una parte teórica, es algo muy práctico: la yesería se enseña haciendo yesería; lo mismo con la carpintería y demás oficios. A partir de los años 90’ el sistema se desarrolló en América Latina impulsado por la Agencia Española

la sala principal de exposiciones, se ubicaba donde solía estar la piscina del Centro médico Hidro-termoterápico, y mantiene tanto la claraboya como demás detalles de la arquitectura original.

bajo del MAPI. Se genera un vínculo; en estos siete años pasaron más de 400 beneficiarios y con muchos seguimos en contacto”.

Asimismo, con esa dinámica de trabajo fue posible crear áreas que antes no existían. El laboratorio de investigación y la reserva técnica, son buenos ejemplos. “La reserva técnica es donde se conservan las obras que no están en exposición. Son espacios con requerimientos especiales, como la utilización de materiales inertes, donde se evita la madera para que no haya bichos, y se manejan cuestiones de seguridad como detectores de humo y de movimiento, entre otras cosas. Por otro lado, nosotros recibimos más de 30.000 niños al año. Necesitábamos talleres y salas, y un espacio como el café, que para mí es vital.

Ese proyecto también lo hizo Uruguay Trabaja con el diseño del estudio Lorieto Pintos Santellán. La experiencia fue muy buena para la gente, porque ya no se trató solo de un plan social, sino de vivir la experiencia de un trabajo real”, explicó.

Al tratarse de un edificio con grado 4 de protección patrimonial, en todas las obras se respetó al máximo la arquitectura original, pero en los casos en que el espacio lo habilitaba, se incorporaron elementos actuales. “Es el caso del café, donde

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Propuesta ampliada

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de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID). Se usó en lugares puntuales de Argentina, en Bolivia, en Guatemala, en Cuba y en ciudades como Cartagena de Indias. Con ese modelo en la cabeza hicimos un convenio con el programa Uruguay Trabaja del MIDES. Desde 2011, durante seis meses recibimos a un grupo de beneficiarios, que es gestionado en nuestro caso por la Asociación Cristiana de Jóvenes a través de un equipo técnico: un arquitecto, un psicólogo, un trabajador social, dos capataces de SUNCA y además se contratan talleristas o capacitadores de acuerdo al plan de obra que presentemos. El sistema tiene múltiples beneficios. Desde el punto de vista del MAPI, sin esa modalidad de trabajo no podríamos haber arreglado ni una habitación, y llevamos más de 3.000 metros cuadrados restaurados de esa forma; prácticamente todo el edificio. Desde el punto de vista social, tiene dos vertientes muy interesantes: por un lado, capacitar en oficios que se han ido perdiendo; yesería, por ejemplo. Cuando se hizo el hotel de Carrasco se tuvo que traer gente de Argentina y de Bolivia porque acá ya no había mano de obra calificada. Por otro lado, es un plus que el programa se desarrolle en un museo, porque aparte del trabajo que los beneficiarios realizan y de la capacitación, se hace una visita guiada, participan en talleres y en definitiva, se terminan integrando al equipo de tra-

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si bien el 80 por ciento del edificio fue recuperado, aún quedan espacios por restaurar. tal es el caso de este salón, que llama la atención por un estilo que no se corresponde con el resto de la construcción. la modificación se realizó a principios del siglo XX cuando el lugar pertenecía al ministerio de Defensa.

propusimos un diálogo entre lo antiguo y lo contemporáneo, manteniendo a la vez, una consciencia de sostenibilidad. La única directiva que le dimos al estudio fue, que antes de pensar en el diseño buscaran todos los materiales en el museo. Fuera de eso tuvieron libertad total. Excepto las tapas de las mesas, todo lo utilizado es reciclado; las baldosas calcáreas del suelo ya las teníamos, la madera para el otro sector del piso también; los hierros provienen de antiguas estructuras para montar exposiciones, así como los paneles en las paredes”, enumeró.

Esa fluidez o diálogo que menciona de Almeida también será evidente en un nuevo proyecto: un estacionamiento robo-

tizado en un terreno cruzando la calle, que le fue cedido por la Junta Departamental para contribuir a su sostenimiento. “El diseño es también del estudio Lorieto Pintos Santellán. Tiene una falsa fachada que tapa las máquinas y mantiene un diálogo con la arquitectura del MAPI. La idea es reflejar nuestro espíritu.

Tenemos piezas de 10.000 años de antigüedad, pero queremos ser un museo innovador, que se proyecta al futuro. Nuestro leit motiv es una premisa de la cosmovisión aymara que dice que el pasado es el futuro, y eso queremos reflejarlo en la arquitectura.

Conservamos lo patrimonial pero nos adaptamos a las necesidades del museo y del mundo de hoy.”

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ARTE INDÍGENA

rituales tikuna. fibras, cuero, hilo y plumas (siglo XX). Claudio rama.

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NACIÓN OCULTA

Del Warime. Muñeco (siglo XX). Colección rama.

LA MUESTRA LOS OTROS ROSTROS DE LA AMAZONIA OFRECE UNA MIRADA DESCONOCIDA A LA DIVERSIDAD CULTURAL DE LA ZONA, A TRAVÉS DE UNA COLECCIÓN DE MÁSCARAS Y RITUALES DE DIFERENTES ETNIAS. VA EN EL MAPI HASTA EL 3 DE JULIO. fotografías: pablo rivara.

rituales tikuna. fibras y madera (siglo XX). Colección rama.

Del Warime. fibras y mimbre (siglo XX). Colección rama.

Máscara tamoko. fibras y lana (siglo XX). Colección rama.

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Máscaras táwü. fibras (siglo XX). izq. colección Nussbaum - Mapi. Der. colección torres - andrada - Mapi.

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la amazonia es el hogar de una nación que se nutre de cientos de lenguas, etnias y tradiciones. solo una minoría de los grupos que allí habitan usa máscaras. las piezas de paja, frutos y corteza de árboles se adornan con plumas o están pintadas con tintes naturales. Es por eso que tienen una duración temporal y requieren constantes trabajos de conservación. la colección exhibida está conformada por aportes del acervo particular de Claudio rama, augusto torres, Elsa andrada y rolf Nussbaum.

identidad propia

Hard Rock Montevideo

locales copados los espacios comerciales buscan provocar nuevas experiencias en sus clientes y con ellas la decoraciĂłn y el diseĂąo adquieren cada vez una relevancia mayor.

Pausa

H&M Punta Carretas Shopping

los amplios y variados pasillos entre los percheros estรกn bien distribuidos y alternan con detalles verdes y estancias con mobiliario nรณrdico.

H&M Punta CaRREtaS Desde el Departamento de Interiores en las oficinas centrales de Hennes & Mauritz, los diseñadores y arquitectos le dan vida a las tiendas de todo el mundo. Con 3.900 m2 distribuidos en dos pisos, la flagship store en Punta Carretas no es la excepción. El estilo nórdico y los verdes toman protagonismo a través de un árboles y plantas distribuidos por la tienda. El living cerca de los probadores sumado a zonas de descanso proponen una nueva experiencia de compra para los clientes.

los cuadros que acompaĂąan las habitaciones son de pato villalobos y todos los objetos y detalles decorativos que hacen sentirse como en casa, se pueden adquirir en la boutique del lugar.

PauSa En CaRRaSCo ubicado en la calle Rivera y Miami, este espacio innovador creado por Romina Vasconi con el asesoramiento de Marcos Iramendi fusiona un restaurante, un área de cuidado de niños y bebés, práctica de yoga, artes y hasta una huerta con take away orgánico. todo en el lugar respeta un estilo escandinavo logrado por las diseñadoras María Paz Bonfanti e Inés Guenaga.

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las paredes claras agregan luminosidad, mientras que las puertas y objetos suman el color. la carpinterĂ­a fue diseĂąada y realizada especialmente por ignacio arenas, un carpintero local.

Rollers

Día & Noche Minimalistas, modernas y discretas, así se presentan nuestras prácticas Rollers con variedad de texturas, simples o dobles, semitraslúcidas o en blackout.

Clásicas

Un estilo propio Tradicional y conservador, siempre con muy buen gusto, así es nuestra exclusiva varidad de telas y sistemas para la confección de sus cortinados convencionales.

Terminaciones especiales como ser los cubre cajones, un enroscado especial o un simple bandó.

Nanoclean Chau manchas!

Telas para tapizados inteligentes.

Extremadamente fáciles de limpiar, repelen agua y polvo.

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HARD ROCK CAFE

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Sobre la Rambla Armenia, en el complejo Forum Buceo, y con vista sobre el puerto se encuentra este legendario boliche que le rinde culto al rock & roll. Siguiendo los estándares internacionales de la marca, el diseño se realizó alineado con el medio ambiente, con iluminación de tecnología LED, bajo un sistema de domótica que incluye sonido y climatización.

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el lugar combina materiales nobles como el acero inoxidable, la madera de las mesas y la gamuza de las sillas diseñadas a nivel local. la cocina y el bar a la vista están equipados con la última tecnología.

Los cielorrasos con forma de guitarra en la entrada, y simulando un piano sobre el bar, saltan a la vista. Ambos fueron acondicionados para el aislamiento acústico. Los materiales espejados en las paredes en combinación con los violetas, rojizos y dorados del resto de la dèco, junto a las luminarias inspiradas en los micrófonos de Elvis, crean un ambiente único.

Ieoh MIng PeI

Nobleza POR POR J.H. ROmei.

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SenSIBLe AL enToRno, DISCReTo Y oSADo, eL ARQUITeCTo ConSIDeRADo Uno De LoS ÚLTIMoS MAeSTRoS De LA eSCUeLA MoDeRnA, eMPeÑÓ SU vIDA en LLevAR FoRMAS geoMÉTRICAS A LoS LUgAReS MÁS IneSPeRADoS, TRAnSFoRMAnDo en ARTe SU DISCIPLInA. AQUÍ, PAULA RePASA SU LegADo.

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obliga

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H

ace dos semanas, el arquitecto estadounidense de origen chino, Ieoh Ming Pei, falleció a la edad de 102 años, cumpliendo con creces el mandato de longevidad atribuido a buena parte de sus colegas más geniales: Óscar Niemayer, Frank Lloyd Wright o Frank Gehry, por mencionar algunos.

Aunque Pei se retiró de la dirección de su estudio en 1989 para poder concentrarse en el diseño, su influencia no es difícil de constatar, ya que se trata de uno de los profesionales más prolíficos e innovadores del siglo XX, con obras repartidas por todo el planeta, Uruguay inclusive.

En efecto, la capital del país cuenta con un exponente de relevancia que ilustra el depurado estilo del laureado urbanista: nada menos que el edificio que alberga a la embajada de Estados Unidos, sobre la rambla República Argentina. Inaugurada en noviembre de 1969, la obra en hormigón visto se convirtió en un ícono del barrio Palermo y habla a las claras de un afán por las líneas limpias y la eficacia de la función. De hecho, una nota firmada por Washington Carcavallo, vicepresidente de la empresa uruguaya que realizó el emprendimiento, hacía notar la pureza en las aristas, los planos y los volúmenes; la austeridad de esas mismas formas y del hormigón como material básico y noble; además de la fuerza y vigor resultantes, como elementos que le brindan al edificio la personalidad que lo distingue. Asimismo, destacaba “la oportunidad de demostrar la capacidad y sentido de adaptación de nuestros técnicos y operarios a materiales y métodos no tradicionales”. Todo un desafío para el know-how de la época y una constante en las concepciones del arquitecto, que siempre lograron imponerse a contrapelo de las grandes modas del momento.

Preocupación por el entorno

Hijo de un prominente banquero, Ieoh Ming Pei nació en Cantón, China, en 1917 y se crió entre Hong Kong y Shangai. A los 17 años, emigró a Estados Unidos para estudiar arquitectura

Gentileza del departamento de prensa de la embajada de los estados Unidos.

embajada de estados Unidos, en la rambla de montevideo (1969).

y se graduó en el Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT), en 1940. Dos años después decidió profundizar su formación en Harvard, universidad donde luego se desempeñó como profesor adjunto bajo la tutela de Marcel Breuer, maestro del Movimiento Moderno, y Walter Gropius, creador de la Escuela Bauhaus. A raíz de esto, Pei es considerado como uno de los herederos estadounidenses de estos grandes de la arquitectura europea.

En sus proyectos, el urbanista se decantó por un estilo ecléctico, de patrones y formas geométricas muy reconocibles. Sin embargo, en lugar de crear estructuras homogeneizadas, Pei fue un abanderado del desarrollo contextual y de la variación en el estilo para tener en cuenta la localidad y el propósito de sus proyectos. A su vez, el uso de materiales como el vidrio, el acero y el hormigón armado, además del juego de contrastes de luz, le permitieron encontrar un lenguaje propio, que evolucionó a una arquitectura de volúmenes complejos y formas escultóricas de gran osadía e impacto visual, especialmente en museos y centros culturales.

El espaldarazo para su carrera le llegó en 1967, con el proyecto para el National Center for Atmospherical Research, al pie de las Montañas Rocallosas, en Colorado. El complejo de masas angulares realizadas en hormigón rosa amarronado lo puso en la mira de los grandes emprendimientos culturales, y así fue que lo seleccionaron como arquitecto en jefe para la edificación de la John F. Kennedy Library, en Massachusetts. Luego, llegó el Dallas City Hall y más tarde el Ala Este de la National Gallery of Art, en Washington, que representó uno de los picos de su carrera. Aquí, los aspectos más prominentes del desafío fueron la forma y función del edificio, ya que el terreno trapezoidal reservado para la ampliación, ofrecía un predio difícil para diseñar. La leyenda dice que cuando se discutió el plano inicial con Pei, este dibujó una línea diagonal sobre el terreno y produjo dos triángulos. Ese fue el comienzo. El primer triángulo, un isósceles, alojaría el espacio de exhibición mientras que el segundo, un rectángulo, acomodaría las oficinas, una biblioteca y un estudio de investigación. La forma del isósceles se convirtió en un diseño

dennis brack/black star. national Gallery of art, WashinGton, Gallery archives.

Hace apenas dos meses, la pirámide del Louvre de París cumplió 30 años y para celebrarlo el museo programó una serie de exposiciones y performances que culminaron con la intervención

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Aniversario sin estrés

del artista fotográfico parisino, JR. Fue a todas luces una celebración comme il faut. Sin embargo, otra fue la historia cuando en 1989, I.M.Pei -como es conocido el arquitecto-, develó al mundo el monumento que cambió por completo la fisonomía del ícono parisino. En aquel momento, el proyecto fue considerado como la obra pública más osada y polémica de la historia reciente de Francia, que por otra parte cristalizaba el sueño de Mitterrand, de quedar vinculado por siempre a la historia del museo.

La construcción en vidrio transparente, destinada a reflejar y a filtrar las tonalidades grises del cielo de París, emerge como un gran iceberg en medio del patio de Napoleón, y no es otra cosa que una enorme claraboya que cubre la entrada al Grand Louvre.

El diseño mantiene las proporciones de la pirámide de Giza, en

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que brindó uniformidad a la instalación y es recurrente en los pisos de mármol, los marcos de acero y las claraboyas.

En 1975 Pei regresó a China para diseñar un hotel en Fragrant Hills, y diez años después comenzó la construcción de la torre del Bank of China, un imponente rascacielos en Hong Kong. Sin embargo, estos proyectos tuvieron escasa repercusión mundial si se los compara con la tarea que le encomendó, sin concurso, el presidente francés François Mitterrand.

imaGe by hartman-cox architects.

imaGe by hartman-cox architects.

Ala este de la National Gallery of Art, en Washington D.C. (1978).

Sala de exposiciones temporales del Deutsches Historisches museum de Berlín (2003).

xxxxxxstra una combinación de talento, visión y compromiso,

thomas brUns. deUtsches historisches mUseUm.

MULTIPREMIADO

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La extensa trayectoria de I.M. Pei fue reconocida por primera vez en 1968, cuando recibió el Architectural Firm Award del Instituto Americano de Arquitectos. El galardón no fue el único. A fines de los 70’ recibió la Medalla de Oro de manos del mismo instituto y en el 83’, mereció el codiciado Premio Pritzker, seguido en 1989 por el Praemium Imperiale otorgado por Japón y la británica Royal Gold Medal, en 2010.

Egipto. Mide 35,42 metros de lado y 21,64 de altura, y para su armado fue necesario valerse de pequeños triángulos y rombos de un silicato fabricado expresamente. Allí dicen presente la belleza de líneas y la claridad de concepto tan característicos de Pei, que dicho sea de paso, antes de aceptar el pedido de Miterrand, pidió tomarse unos meses para estudiar la historia francesa.

Luego de este trabajo, el arquitecto volvería en numerosas oportunidades al mundo de las artes desde un plano más discreto. La sala dedicada a las exhibiciones temporarias del Deutsches Historisches Museum de Berlín, por ejemplo, se inauguró en 2003, cuando Pei contaba con 86 años. Aquí nuevamente, un foyer vidriado se conecta con un edificio principal, el Zeughaus.

La intervención en esta construcción de estilo barroca sobre la avenida Unter den Linden, fue el primer trabajo del maestro en Alemania y presenta impresionantes perspectivas e interconexiones espaciales. Transparencia, luz y movimiento son las claves del diseño de cuatro pisos que ofrece al visitante una conexión arquitectónica entre pasado y presente.

Otro tanto sucedió con el nuevo Museum of Islamic Art, inaugurado en 2008, cuando Pei tenía 91 años. El proyecto del arquitecto emerge sobre una isla artificial rodeada de grandes palmeras a orillas del Golfo de Doha, en Qatar. Sobre una superficie de más de 35.000 metros cuadrados, las líneas limpias y esculpidas del edificio se desarrollan en torno a un gran patio

marc peletreaU, the mUseUm of islamic art, doha.

j. f. kennedy presidential library & mUseUm.

J. F. Kennedy Presidential Library & museum, en Boston (1979).

Relación armoniosa

“Existe una cierta preocupación por la historia, pero no es demasiado profunda. Entiendo que los tiempos han cambiado, hemos evolucionado. Pero no quiero olvidar los comienzos.

Un arquitecto que perdura tiene que tener raíces”, afirmó en una entrevista hace años. Eso explica que en cada proyecto, el profesional se tomara su tiempo, estudiara, y raramente aceptara más de un encargo a la vez. Aunque los métodos de Pei pueden parecer anacrónicos, sus seguidores los consideran como una forma de resistencia sutil frente a aquellos emprendimientos contemporáneos atentos a exponer fricciones culturales, en vez de crear relaciones armoniosas con su entorno y función social.

Esa proverbial moderación, contraria al creciente acelere de la era global, fue siempre la tónica de su extensa trayectoria, y una de las señas particulares de un estilo que contribuyó a elevar la arquitectura a expresión artística.

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central. Acerca de este desarrollo, Pei comentó que intentó captar la esencia de la arquitectura islámica y confesó que se trató de uno de los trabajos más difíciles que emprendiera. Para prepararse, viajó durante seis meses visitando obras maestras como La Alhambra, en Granada. Al parecer, finalmente encontró la inspiración que buscaba en la sencillez geométrica de la mezquita de Ibn Tulun, en El Cairo.

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museo de Arte islámico en Doha, Qatar (2008).

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plano versรกtil

disegno attuale

el aRQuiteCto Claudio laRCHeR Vino a MonteVideo Y HaBlÓ soBRe su tRaBaJo en diFeRentes ÁReas del diseÑo. doCente, ConFeRenCista Y CReadoR de oBJetos Y MoBiliaRio, HoY es un gRan iMPulsoR de los PRoYeCtos soCiales, Que segÚn aFiRMa, son el FutuRo de su PRoFesiÓn.

Por EugEnia Lago. FotograFías: PabLo rivara.

–¿se puede decir que en lo social hay una vuelta a la charla, al encuentro, que afecta a la arquitectura de la ciudad?

–En Italia sí, aunque estamos todo el tiempo conectados en las redes, la vida social en los pequeños barrios y la interacción entre vecinos vuelve a ser importante. Las ciudades son demasiado grandes y es necesario crear microorganismos sociales que aumenten la calidad de vida. Ha crecido mucho el social street (grupo de vecinos que se reúnen en una red social para hacer planes juntos y reforzar los lazos de convivencia), y esto muestra también cómo el diseño del sistema barrial puede ayudar a la vida diaria. Esto se inicia desde una micro dimensión, por lo que el foco se reduce a quienes habitan los barrios. De hecho, su calidad de vida depende de las relaciones entabladas entre los mismos vecinos, que se encuentran en espacios comunes y desarrollan actividades en las que participan juntos.

–¿Cambió entonces el rol del diseñador?

–El diseñador de sillas y mesas ya no existe como antes. Ser diseñador hoy significa trabajar en varias cosas a la vez, es decir saber pensar sistemas junto al ayuntamiento, y a la vez, hacer service design, o sea proyectos que van más allá de proponer por ejemplo una bicicleta, y buscan generar el shearing (empresas de economía compartida, donde se generan comunidades de usuarios

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hasta una ciudad, y él lo aplica en forma literal a su carrera. “En mi caso, trabajo para que el proyecto de la cucharita pueda cambiar la ciudad”, y agrega “presento pequeñas intervenciones en comunidades, como la creación o reestructuración de parques y mercados, que pueden mejorar la vida y el relacionamiento entre las personas del lugar”. Es que con su trabajo, Larcher sabe que contribuye al bienestar de la gente, fomenta el contacto, facilita las rutinas y resuelve problemas que hacen al desarrollo de la zona. Afirma que es tiempo de centrarse en los barrios y en los distintos asentamientos que funcionan dentro de una ciudad, ya que es ahí donde nace la relación entre los vecinos y el arquitecto, de tal forma que se pueden llegar a generar grandes cambios a nivel global. Dicho de otra manera, su trabajo parte de la colaboración con el núcleo pequeño, para progresivamente ir mejorando la vida en la metrópolis.

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l Día del Diseño Italiano es una fecha importante en ese país que desde siempre supo ganarse el máximo sitial dentro del rubro. Y a manera de celebración, cien profesionales destacados –tanos, por supuesto–, salen como verdaderos embajadores del arte, con la misión de difundir las cualidades de sus obras y los materiales de origen, por diferentes ciudades del mundo. Este año, Uruguay fue incluido por primera vez como destino. Con los auspicios del Istituto Italiano di Cultura, el arquitecto Claudio Larcher (Milán, 1971), vino a Montevideo –previo paso por Suiza y Albania–, y dio tres charlas: en la Asociación de Diseñadores Interioristas (ADDIP), en la Facultad de Arquitectura de la UDELAR y en la de la ORT. Si bien se graduó como arquitecto en el Politécnico de Milán, y ejerció en Madrid y Barcelona donde desarrolló actividades en el Centro de Estudios de la Mediterránea, y realizó trabajos para diferentes estudios, en 2001 retornó a Italia, con otras ideas. Según cuenta, en sus días no sobran las horas, pero así y todo, se aburre rápido. Los tiempos largos y burocráticos de los grandes proyectos lo desafiaron a ahondar en la creación de mobiliario, un área que le permite ver sus obras prontas a corto plazo. Fue así que en 2002 fundó Modoloco Design junto a Flavio Mazzone. Se trata de un espacio abierto a la experimentación y la búsqueda, en el que las influencias de las diferentes culturas pueden llegar a materializarse no solo en forma de objetos. Hoy es director de la Nuova Accademia di Belle Arti di Milano, –cabe destacar que fue docente en la Libera Università de Bolzano y en el Politécnico de Milán–, y participa en diversos proyectos de diseño social, una arista que según asegura es el futuro de su profesión.

En su concepción, cada pieza que crea debe contar algo, debe ser como una poesía, y en su caso no falta la ironía, presente por ejemplo, cuando combina materiales rígidos como la piedra, con formas hechas en papel.

Su año se rige por el Salone del Mobile de Milán, ya que allí exhibe sus objetos terminados y a la vez se nutre para los que hará. Cuenta que su afamado colega y compatriota Nathan Roger decía que el arquitecto debe saber proyectar desde una cucharita

intervención en el techo de o'33.

Enchufes de pared realizados en impresión 3D.

nos gusta diseÑaR oBJetos ConCePtuales, JugaR Con ideas e iRonía, diseÑaR aMBientes MiniMalistas, iMaginaR aRQuiteCtuRas avant-garde. diseÑaMos de tal ManeRa Que los oBJetos inteRaCtÚen Con la gente estiMulando eMoCiones Y PaRa Que la gente Pueda inteRaCtuaR Con el esPaCio exPeRiMentando sensaCiones.

Sobre Modoloco

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Fundado en 2002 Modoloco Design nació como un acercamiento proyectual al diseño y a las artes visuales con el objetivo de crear un espacio abierto a la experimentación y la búsqueda en donde diferentes culturas y experiencias se materialicen en formas arquitectónicas de diseño y de comunicación visual. La empresa coopera con compañías dedicadas al mobiliario y a la industria de la iluminación y han sido curadores en varias puestas de diseño interior. Entre sus clientes destacan: Gianfranco Ferrè, Danese, Cocinelle, Bieffe, Konig, Muranodue, Coni Lomradia, Segno, Sphaus, Mister Wood, International View, Rossociliegia, Ai Lati Lights, Talleruno, Manufacturas Celdas, Rf-yamakawa y Dinos. Modoloco participó en ferias y exhibiciones en Japón, España, Francia, Reino Unido, Suecia y en todos los Fuori Salone de Milán desde 2002 a la fecha.

con oferentes y demandantes de un determinado servicio). En Milán esta es una modalidad ya impuesta. Ya no tenés coche, sino que tenés bike shearing. La creación de mobiliario va a estar siempre, pero también hay que saber adaptarse a este estilo de diseño que implica facilitar servicios, acceso y compartir cosas. El mundo va en esta dirección.

–¿Cómo se construiría la identidad entonces?

–Las ciudades van cambiando y el peligro que tenemos hoy es que se parecen demasiado, por tener las mismas tiendas, las

mismas cosas. Me refiero a la famosa globalización. Pero pienso que al crear pequeños servicios destinados a pequeñas comunidades, se puede mantener la identidad. En los barrios es donde queda la verdadera esencia del lugar.

–¿Cuáles son los principales riesgos en este sentido?

–El riesgo es que el entusiasmo se termina cuando se busca sacar dinero por encima del buen provecho del servicio. El desafío es que los nuevos estudiantes encuentren su lugar dentro del mundo del diseño, que es cada vez más amplio. Hay muchas posibilidades y al mismo tiempo, ninguna. Hay veces en que tienen que inventarse el trabajo, porque solo uno de varios va a poder avanzar proyectando sillas. Pero hay que entenderlo como un mundo en el que cada uno tiene que encontrar su propia entrada, ya sea en social design, interaction design, interior design, o exposiciones, entre otros.

–¿Qué es lo que más disfruta del diseño social?

– Lo que más disfruto es que a través de los diseños se puedan desarrollar pequeñas comunidades. El año pasado trabajé con una comunidad Masái, en África, que contaba con el recurso de preparar pieles de animales para uso decorativo, pero no sabían qué hacer con esto. Así que con los estudiantes diseñamos distintos objetos y luego fuimos a enseñarles a hacerlos. El fin es que con una asociación que funciona allí, desarrollen y vendan las piezas al mundo. También trabajé en Haití con una colección de bancos de escuela, para niños que no tenían nada, y en Ruanda con proyectos similares. Esto permite que en el mundo se conozca su cultura, su problemática, y se hable sobre el tema. Se desarrolla una comunidad en base a un trabajo. Esto me da mucha satisfacción.

–¿Cómo es el proceso para llegar a esas comunidades y conocer sus necesidades?

–Llego a ellos mediante ONGs. En estos trabajos hay que ser realista, se tienen que planear bien, porque es un cambio de vida

Enchufes de pared realizados en impresión 3D.

Lámparas de suspensión realizadas en metacrilato.

en las personas. No es un hobbie, sino un trabajo que empieza a ser competente, para que no tengan en Tanzania souvenirs provenientes de China y puedan contar con piezas propias con las que dar a conocer a su país. Esto mismo pasa en la ciudad. Si hay alguien de un barrio o ayuntamiento que necesita mejorar la zona y pide colaboración a los vecinos, el arquitecto o diseñador puede ayudar, escuchar lo que necesitan y trabajar con ellos para que sea funcional a su espacio.

–otra de sus especialidades es el diseño en mármol.

–Sí, tengo la marca Clique Edition con un socio. El mármol hace unos seis años que tiene otra oportunidad, gracias a la tecnología y las nuevas máquinas que lo pueden trabajar. Está de moda, y aunque se utiliza desde hace siglos, ahora hay unos robots que hacen piezas exactamente iguales. A partir de esto, cada año desarrollamos una colección de productos que se presenta en el Salone del Mobile. Lo que hacemos es trabajar la piedra y le añadimos tecnología en cada pieza. Por ejemplo, tenemos un sofá que tiene en un extremo una pequeña mesita de mármol, que cuenta con un cargador de celular incorporado.

Se trata entonces de un material histórico, que se usa desde la Grecia antigua, que lo unimos con una necesidad actual y tecnología de última generación; es un concepto contemporáneo. El mármol más conocido del mundo es el que proviene de Carrara, es un material con historia, que han elegido artistas y escultores de todas las épocas. En cuanto a cortes, se pueden hacer cosas que antes no se podía ni imaginar, no hay límites en una piedra que es difícil de trabajar y convertir. Se hace el diseño en 3D y luego se dan las instrucciones a la máquina. Lo que impresiona es la velocidad del trabajo y el tamaño de las piezas que se pueden lograr. No por que lo haga una máquina es menos importante, en todo caso, se trata de usar nuevas posibilidades que en el pasado no existían.

reloj digital que aprovecha la transparencia del mármol.

Librería con con altavoz bluetooth de mármol integrado.

Librería altavoz bluetooth de mármol integrado.

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futuro ciudad del

fotografĂ­a gentileza Manuel Vazquez.

ricky burdett

nombrado comendador de la orden del imperio británico en 2017 por sus servicios en diseño urbano y planificación, este arquitecto de 63 años es uno de los mayores expertos en el tema a nivel global. lleva media vida en la capital inglesa y asegura que en los próximos años la falta de un orden cartesiano y la velocidad de crecimiento redefinirán las ciudades.

–¿Qué es una ciudad?

–Mezcla. No vamos a ellas porque estén limpias o para hacer una sola cosa.

–¿Cómo se construyen las del siglo XXI? –En el París de hace un siglo, Le Corbusier vio calles estrechas, viviendas sobrecargadas, aire contaminado y una alta criminalidad.

Los modernos quisieron limpiarlas: levantar los edificios y hacer sitio a la vegetación. El problema es que el suelo lo ocuparon los coches.

–Los coches parecían el futuro.

–Nadie previó las consecuencias para el medio ambiente y la segregación de la gente. Pero hoy la mayoría de las ciudades del mundo no se diseñan, crecen autoconstruidas.

–¿Cómo se administra lo autoconstruido?

–Ese es uno de los temas clave del siglo XXI: no es posible construir vivienda como en el XX. La urbanización de Occidente durante el siglo XIX se realizó con un sistema de administración eficaz. El crecimiento hoy es orgánico porque no se pagan impuestos. Y no existe, por tanto, dinero para urbanizar. Los barrios crecen sin atención a normativas urbanísticas que permitan sumarlos a la ciudad.

–¿Qué hacer?

–De entrada, autocrítica: una ciudad muy ordenada no es porosa, no acepta fácilmente el cambio. Una ciudad de crecimiento orgánico lo tiene más fácil porque admite lo inesperado.

–¿Cuántos pisos se construyen hoy, no para que viva la gente, sino para que inviertan sociedades?

–No simplifiquemos las cosas. Estamos en la London School of Economics, rodeados de profesores progresistas que estudian la desigualdad social, pero también de economistas de línea dura que creen en el libre mercado.

–¿Cuál es su posición? ¿Usted dónde está?

–Se puede estar en medio. En la mayoría de las ciudades el grueso de lo que se construye es de propiedad privada. Alguien invierte su dinero para ganar más y al invertirlo da forma a la ciudad. La propiedad privada no es algo que considere negativo.

El problema se da cuando esa inversión posee un pedazo demasiado grande de una ciudad. Eso es como amurallar una parte. En Londres se da en Canary Wharf. Era de un promotor canadiense, luego de los Emiratos y ahora de China. Si pusiéramos ese barrio en el centro, nos daríamos cuenta del espacio que ocupa. La reina de Inglaterra es dueña de varias calles casi enteras en el centro y no se deja sentir. Si camino por ellas, no sé lo que es público y lo que es privado: no hay puerta.

–Si los fondos de inversión invierten en las ciudades, ¿los ciudadanos tendremos que abandonarlas?

–Depende de las políticas de los Ayuntamientos. En Nueva York hay un límite para los alquileres. En Palma de Mallorca o Barcelona están cambiando esas políticas. En Londres, un promotor que construye más de 10 plantas debe dedicar un porcentaje a vivienda económica. El porcentaje lo decide el alcalde. El actual, Sadiq Khan, lo ha subido al 50 por ciento.

–¿Cuánto dura un edificio?

–Depende de cómo fue construido. Hoy la esperanza de vida bajó de varios siglos a 35 años. La torre de los años 70' donde estamos, será demolida dentro de cinco años. Seguro.

–¿Cómo lo sabe?

–Fue diseñada para eso. Se ve: las ventanas son baratas, el hormigón estaría calculado para eso. Si mira fuera, el Palacio de Justicia neogótico se quedará dos siglos más. No solo por los materiales con los que fue construido, también por la ambición con la que fue diseñado. Tiene una identidad, y esta torre es anónima. En muchas ciudades italianas, las plazas fueron anfiteatros o estadios romanos.

Los edificios se quedan por su habilidad de reconstruir la ciudad.

–¿Se podrán construir capas de historia con los edificios actuales?

–A principios del siglo XXI, en Shanghái construyeron 8.000 edificios de más de 20 plantas. El arquitecto municipal me dijo que él vería demoler varios de los inmuebles cuya construcción estaba aprobando. Sabía que la urgencia de proveer vivienda haría

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n el departamento de ciudades de la London School of Economics trabajan urbanistas, sociólogos, geógrafos y científicos de todo el mundo. Comparten una planta junto a la Corte de Justicia y una rodeada de jarras de agua en una sala con sillones. Su director, Ricky Burdett, de 63 años, nació en Londres, pero creció en la ciudad de su madre, Roma, donde vivió hasta que a los 19 se trasladó a Bristol para estudiar arquitectura. Hijo del periodista americano Winston Burdett, célebre corresponsal de la CBS, y de Giorgina Nathan, nieta del primer alcalde judío de la capital italiana, hoy considera que su ciudad natal es la mejor. “Estando aquí, mis hijos han vivido expuestos al mundo”.Y aunque admite que el Brexit quiere cambiar eso para una juventud que creció con la idea de que podría trabajar donde quisiera, es optimista: “al final las ciudades sirven para juntar a la gente. Y no he visto en ningún sitio del mundo evidencia de que eso se pueda sustituir por algo mejor”.

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por AnAtxu ZAbAlbeAscoA.

latinstock

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“la esperanza de vida de un edificio en la actualidad ha bajado de varios siglos a 35 años”. que muchos fueran disfuncionales. Los urbanistas y los constructores deben preguntarse cómo hacer las cosas porque ese ritmo de demoliciones es insostenible.

–En Londres no dejan de construir rascacielos.

–A París le ha costado mucho crecer porque el urbanismo de Haussmann era demasiado poderoso y perfecto. No se puede tocar nada. Pero aquí hay permiso ya para cuatro más porque el orden no es tan importante.

–¿Se necesitan todas esas torres o se construyen porque son un negocio? ¿Es malo construir torres?

–Yo creo que no. Aquí se levantan en la City, el centro de negocios donde, después de todo, no vive nadie. Y si eso sirve para mantener la economía de Londres, es decir, la de muchos, la mía misma o el futuro de mis hijos o de los conductores de taxi y Uber, eso es importante.

–¿Cómo se mueve usted?

–Tengo una Vespa. Llego de Camden al centro en 8 minutos.

Con el metro, 15.

–¿En cuántas ciudades ha vivido?

–Me crié en Roma. Estudié en Bristol y en 1990 mi mujer y yo vivimos en Chicago. Me quedo con Londres.

–¿Habiendo tenido una infancia romana?

–Tuve una infancia internacional en Roma. Pero la infancia es una cosa y la ciudad otra. Fui educado de una manera muy burguesa, de la que no reniego. Hoy, casi todos los amigos que tengo allí encuentran a Roma asfixiante. Nada cambia y nada puede cambiar. La belleza es la que cuenta Paolo Sorrentino en La gran belleza, pero el resto es un lugar detenido en el tiempo. Y eso no es una ciudad. Amo Italia, pero no me iría a vivir a Roma aunque me obligaran por el Brexit.

–¿El Brexit sucederá?

–Por desgracia, creo que sí. He votado a los laboristas toda mi vida, pero creo que Corbyn ha estrechado lo que puede ser un partido de los trabajadores.

–Usted es un arquitecto dedicado a cuestionar las ciudades. Su padre (Winston Burdett) fue un estadounidense

comunista que cuestionó la política de su país, y un periodista que cuestionó el comunismo. ¿Se hereda la manera de relacionarse con el mundo?

–Crecer en una casa en la que el padre pasa seis meses en Yemen hace que te preguntes por otros países: India, Egipto, Israel.

Esa idea de lo global estuvo presente en mi infancia. Pero mi padre era un verdadero intelectual, yo no. Si acaso, soy un emprendedor cultural, pero no me considero arquitecto porque no diseño.

–Está juzgando la arquitectura desde un punto de vista reduccionista, su trabajo ayuda a redefinir las ciudades.

–Es evidente que la forma de un edificio no es suficiente para reparar las ciudades, pero, si visitas escuelas de arquitectura en países con enormes problemas urbanos, incluida India, verás que forman arquitectos como los de aquí: profesionales que no responden a los problemas reales. A no ser que seas alguien muy interesado en el detalle constructivo de una ventana –¿cuánta gente puede haber con ese talento o esa obsesión?–, la formación de los arquitectos es buena, pero poco enfocada a las necesidades del mundo real.

–¿Qué aprendió de su padre?

–Que el amor hacia los demás te puede venir de estudiar a Dante. Mi padre se graduó cum laude en Harvard y continuó estudiando lenguas romance en Columbia. No muchos periodistas se preparan así. Él empezó haciendo crítica de cine. Luego lo eligieron para contar el mundo y trabajó toda la vida de corresponsal.

Lo recuerdo leyendo en su habitación la Enciclopedia Británica y a Shakespeare.

–En el lado materno, su bisabuelo Ernesto Nathan fue el primer alcalde de Roma que no perteneció a la élite de terratenientes locales.

–Crecí en Roma con la sensación de que algo en mi ADN había ayudado a dar forma a la ciudad. No se hasta qué punto eso condicionó mi vocación de tratar de construir las ciudades de otra manera, pero mi abuelo abrió más de 150 escuelas anticlericales e inauguró el Stadio Flaminio. Era judío y supongo que en un marco tan católico eso empuja a cuestionarlo todo, incluido

el poder. Pero me criaron sin educación religiosa. Los fines de semana íbamos al campo. En Tívoli teníamos un establo y hacíamos picnic en los jardines de Villa Adriana, que entonces estaba cerrada. Nos colábamos.

–El departamento que dirige ha calculado que el 80 por ciento del mundo debe construirse. ¿Qué le hace pensar que la tendencia de construir para multiplicar el dinero de los inversionistas variará?

–No me dedicaría a lo que me dedico si no tuviera el optimismo de pensar que la convivencia entre las necesidades del mercado libre, la sostenibilidad y la igualdad social es posible. Lo que se necesita es un sistema de gobierno que regule esa convivencia.

Si permites que el mercado libre dicte las normas, adiós. Pero lo mismo sucede con la equidad extrema.

–Y trabajó con Richard Rogers, asesorando al alcalde Livingstone.

–Le aconsejamos que los coches que quisieran circular por el centro pagaran. Copiamos la medida de Singapur y era lo contrario de lo que le asesoraron sus consultores de transporte. Lo hizo y fue reelegido. Cada comunidad local se opone a lo que le afecta.

Y su visión suele ser a corto plazo. Los políticos deben tener la valentía de aprobar medidas que harán progresar la ciudad.

–¿Qué relación existe entre los bancos y las ciudades? ¿Quién regula las viviendas vacías que acumulan y aumentan los alquileres?

–De nuevo es una cuestión de regulación. Y eso se hace desde la política. Construir requiere dinero. Y la obtención del dinero requiere confianza y préstamos.

–¿Europa se va a convertir en un parque temático de su historia?

–Si se protege mucho algo, se corre el riesgo de momificarlo.

Pero Copenhague no se está convirtiendo en Disneylandia. Las ciudades sobreviven cuando están abiertas. La tendencia a cerrar

(Derechos exclusivos, El País de Madrid).

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La trayectoria desarrollada por Burdett a nivel global da que hablar. Fue asesor de arquitectura de la Alcaldía de Londres entre 2001 y 2006, y de la Villa Olímpica creada para los Juegos de 2012 en la misma ciudad. Además, es miembro de la Junta de Liderazgo Cultural de la alcaldía, miembro del consejo del Royal College of Art y de la comisión de Norman Foster Foundation. Actualmente es profesor de Estudios Urbanos y director de los programas Urban Age y LSE Cities en la London School of Economics.

Este último esquema de investigación y enseñanza recibió el premio Queen’s Anniversary en 2016. Desarrolla actividad académica, asesora a gobiernos, empresas y agencias filantrópicas, y es coeditor en distintas publicaciones: The Endless City (2007), Living in the Endless City (2011), The SAGE Handbook of the 21st Century (2017) y la más reciente, Shaping Cities in an Urban Age (2018).

las puertas, en cualquier escala, vallando un patio o construyendo un muro, solo lleva a la introversión y a la fosilización.

–¿Qué hacer para que Europa sea, de nuevo, un continente con futuro?

–Dentro de 30 años tendremos otros problemas. Trump nos preocupa internacionalmente, pero tiene los días contados. Los problemas de las ciudades están por encima de las circunstancias temporales. En Europa estamos aprendiendo que no podemos vivir en ciudades cerradas. ¿Quién hará los trabajos? ¿De dónde llegará la renovación cultural? Con el Brexit, un bailarín necesitará visado para entrar, tendremos que esforzarnos para mantener vínculos con el resto del mundo.

–Si de lo que se trata es de tocar fondo para reaccionar, ¿estamos llegando?

–En los 30 años que llevo trabajando sobre ciudades he visto momentos de pánico, crisis y momentos de renacimiento. Para eso se necesitan líderes inspirados capaces de ir más allá de si mismos. Doy clase a gente que va a cambiar el mundo. Lo sé en cuanto entran en el aula. Lo siento, pero soy muy optimista.

Lo que está en la base del terrorismo es la incomprensión entre culturas diversas. Y no es nada nuevo del siglo XXI. Ha existido siempre. Lo que pienso, desde el punto de vista de la ciudad, es que un alcalde puede encender o apagar el interruptor para mejorar o empeorar la situación.

–¿Y cómo convivir?

–Ian Blair, un gran jefe de la policía londinense, dijo que todo dependía de que la policía pudiera ser aceptada y aceptable a todas las comunidades que comparten la ciudad. Me impresionó cuán espacial es esa idea. La confianza –o desconfianza– en las fuerzas de seguridad tiene que ver con la mezcla. La educación es familia, escuela y calle. Lo que sé es que si una parte de la ciudad está ocupada solo por un único grupo de gente, y da igual el grupo –judíos ricos, inmigrantes paquistaníes, cataríes, británicos de muchas generaciones– lo que sea, esa segregación va a causar problemas. Es muy fácil imaginar al enemigo: siempre está en el otro lado de la calle. Si en las calles hay mezcla, el enemigo se cuestiona.

–¿Qué asegura la mezcla?

–Las viviendas sociales. En Inglaterra hay muchas maneras de obtener ayuda. Una tiene que ver con las familias numerosas.

La mayoría de las familias numerosas londinenses de hoy son musulmanas.

–¿La smart city es un nuevo negocio o el futuro?

–El nuevo negocio de cinco compañías. Lo preocupante es cuando los gobernantes lo ven como la solución. Nos pidieron validar las solicitudes de las ciudades para convertirse en smart.

Tenías urbes con un millón de habitantes sin un wáter y con propuestas para semáforos inteligentes. Soy escéptico. Pero hay dimensiones de la tecnología en la economía compartida que tienen mucho potencial democrático y social. Muchas compañías invierten en prediagnosticar con tecnología smart, midiendo la presión sanguínea, por ejemplo. Esa parte me fascina. Cuando no podamos construir tantos hospitales, lo smart será útil. El modelo urbano sirve para reaccionar. Las generaciones jóvenes saben cómo lidiar con ello. O cómo ignorarlo, que es una manera muy poderosa de actuar.

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CURRICULUM

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interiorismo

House of Chef, el espacio diseñado por el equipo de Modulus, exhibió una propuesta minimalista en tonos neutros que lograron una atmósfera elegante y funcional.

Olore del ea atetum adigna ad eu faccumsan exerostio odolor sequis aliquip susciniam, qui Olore del ea atetum adigna ad eu faccumsan exerostio odolor sequis aliquip

estilo

pilar bajo la consigna el bosque, la muestra argentina de decoración y paisajismo, rindió tributo a las raíces y derrochó inspiración a raudales.

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Una gran mesada central en mĂĄrmol que se continĂşa en una mesa de comedor determina los diferentes sectores de esta cocina de Modulus. A lo largo de los muros laterales se distribuye la superficie de trabajo, los hornos empotrados y un ĂĄrea de estar con muebles bajos.

El monoambiente contemporรกneo de Marcelo Mazza se vistiรณ con murales de escenas tropicales en tonos lavados. El sofรก esquinero en pana blanca brinda confort y relax en el estar, mientras que en el dormitorio, se impone la cama con respaldo modular, flanqueada por dos espejos color bronce. que multiplican el espacio.

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Julieta Coirini se inspirรณ en la cultura japonesa para su zona de descanso. La puesta en escena combina el minimalismo oriental y la simplicidad escandinava, con la madera y las fibras naturales como elementos clave.

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Laura Castro y Silvia Zarlenga imaginaron un after office con fuertes referencias al entorno natural. Bajo un cielorraso sinuoso de gran impacto, el espacio aprovecha la luz para crear sectores, incorporando materiales nobles, objetos singulares y colores alusivos a la naturaleza.

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El living de un artista fue el tema sobre el que se inspirรณ Johan Home & Deco. El proyecto mostrรณ un espacio interior orientado al confort, con importante protagonismo de luminarias y materiales naturales como la madera y la piedra. Por lo demรกs, la textura del terciopelo y los colores vibrantes agregan al conjunto.

Arriba, una extensa biblioteca aĂŠrea en hierro y madera, completa la idea de El living de un artista de Johan Home & Deco.

A la derecha, el dormitorio infantil creado por Ukelele, deja en claro la apuesta por muebles de diseĂąo sustentable, de acabados naturales, lĂ­neas rectas y una paleta clara.

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Sandy Cairncross y Matías Iturrioz exploraron su lado más british y presentaron una dèco inspirada en la flemática ciudad de Londres. El lugar de marcada identidad, fue pensado para el encuentro y cuenta con un comedor generoso, un living y un rincón de trabajo.

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Arriba, la Cocina Orgánica diseñada por Familia Echaide recupera la estética de los hogares de antaño, y combina madera, vegetación y objetos con aires de los años 50'. Abajo, en la eco-office de Valeria Freylejer, el principal elemento de diseño es la madera, que rinde como mobiliario, estructura y piso del lugar.

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Arriba, Susana Piazza ideó un playroom para adultos, donde es posible encontrar la armonía, tranquilidad y confort merecidos después de un largo día. El ambiente relajado se logró con materiales nobles, colores neutros y texturas frescas; recursos que se repiten también el la terraza exterior.

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Arriba, el estudio de Paula Tarditti le imprimió un estilo contemporáneo al paisajismo. La trama compone un área con vegetación, arte y mobiliario para descansar, leer y tal vez, soñar.

Rodeada de alocacias y gramíneas, resalta la escultura de Manuel de Francesco.

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Viviana Fortunati ensambló una pérgola rústica en un escenario marcado por una forestación añosa, con grandes macizos de lavanda y salvia, tras los que se aprecia un cerco de cañas. Abajo, la Escuela Municipal de Pilar se inspiró en Henri Matisse para diseñar La Danza, una instalación alrededor de un fogón rodeada de salvias y gramíneas.

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CIRCUITO INELUDIBLE

curada por ralph rugoff, la 58a. edición de esta muestra internacional de arte reúne a representantes de 90 países. bajo la consigna "que vivas en tiempos interesantes" reflexionan sobre temas e incertidumbres actuales. la obra de Yamandú canosa ocupa el stand de uruguaY. al respecto, conversó con paula.

Por EugEnia Lago. FotograFías: labiennale.org

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ay you live in interesting times –Que vivas en tiempos interesantes– es la premisa que enmarca la edición número 58 de la emblemática Bienal de Venecia. El desafiante título tiene su origen en un discurso del parlamentario británico Sir Austen Chamberlain, que fue publicado en 1936 en un diario inglés, informando sobre la Asociación de Sindicalistas de Birmingham. Al referirse a la amenaza de la seguridad europea que se vivía en ese entonces, el político expresó que en su país se pasaba de una crisis a otra, de un shock a otro y, con enojo, mencionó la frase que erróneamente muchos atribuyen a una maldición china. Según el presidente actual de la Bienal, Paolo Baratta, la expresión elegida continúa vigente hoy en día, cuando el mundo transita distintas crisis; pero también sirve como invitación para analizar el curso de los seres humanos en una época donde prevalece la simplificación excesiva, generada por el conformismo y el miedo. El arte lleva a cuestionar ciertos temas. Tan es así que incluso los motivó a reflexionar sobre el rol de esta exposición en la actualidad. Así lo dejó ver en su discurso de apertura, y en la misma línea agregó que “en la actividad artística, debemos dar sentido a la evolución histórica sin seguir necesariamente el modelo de que todo nace, crece y decae.

Debemos fomentar la revolución permanente que nos traen las obras y los artistas, evitando al mismo tiempo, modelos que convierten al creador en un sujeto unidimensional, un agente directo de la historia y la evolución política”. Con el mismo tenor, el curador de la Bienal, Ralph Rugoff, publicó que “se toma con seriedad el papel del arte como catalizador para invitar e incitar al diálogo.

Estos artistas reconocen que los significados que surgen alrededor de sus obras no están incrustados principalmente en objetos, sino en conversaciones a través de las cuales se extienden y multiplican sus posibles significados y usos. Sus trabajos pueden acomodar este tipo de intercambio en parte porque ofrecen al público múltiples puntos de entrada (...) A fuerza de cultivar estas cualidades de diversas maneras, los trabajos expuestos ofrecen un tipo de hospitalidad profunda: dan la bienvenida no solo a la presencia del público, sino también a sus interpretaciones y compromiso crítico”.

Con este planteo, desde mayo y a lo largo de seis meses, las más diversas expresiones culturales invaden la Ciudad de los Canales y toman el pabellón central de I Giardini y los espacios del Arsenale –antiguo astillero de Venecia–, para dialogar lo más libremente posible y ofrecer a los visitantes un intenso encuentro enriquecedor.

En la competencia se presentan noventa países; para Ghana, Madagascar, Malasia y Pakistán es la primera vez en el ruedo. En el lugar, las obras hablan sobre la inmigración, las consecuencias del cambio climático, el racismo y la falta de sociabilidad en las grandes ciudades, entre otras tantas problemáticas contemporáneas.

Así las cosas, uno de los salones que generó más revuelo entre los aficionados, fue el de Francia. Allí se presenta la propuesta de Laure Prouvost Vois Ce Bleu Profond Te Fondre (Rodeados por el azul profundo). La puesta en escena sumerge al visitante en el fondo del océano, donde camina entre celulares rotos, restos de basura, bolsas de plástico, animales muertos

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arriba, un rincón de descanso en i giardini. izquierda y abajo, el pabellón francés sumerge al visitante en el mundo marino, donde camina entre restos de basura, animales muertos y vivos.

y palomas vivas. La experiencia multisensorial cuenta también con pantallas que transmiten imágenes de personas de distintas características étnicas, edades y profesiones. A la vez, actores envueltos en telas transparentes recorren la sala, involucrando al público en su juego.

Igual de polémica resulta la instalación de la mexicana Teresa Margolles, quien construyó un muro de ladrillos, con alambre de púas, aludiendo a la situación migratoria que vive su país con Estados Unidos.

Entre las destacadas, cabe mencionar la sala de Lituania, con la muestra Sun & Sea realizada por Rugil Barzdžiukait, Vaiva Grainyt y Lina Lapelyt. En este caso, el espectador ingresa a un hangar con balcones desde el que se observa a un grupo de personas que deambula por una playa artificial. Por momentos, los actores cambian su performance y comienzan a cantar óperas en las que enumeran los problemas medioambientales y las catástrofes naturales del momento.

También se luce la instalación Building bridges, del italiano Lorenzo Quinn, que representa un puente formado por seis pares de manos enlazadas sobre uno de los canales de Venecia,

ubicado en el antiguo astillero Arsenale. La obra simboliza la necesidad de superar divisiones en una ciudad que se considera una puerta entre Oriente y Occidente.

Por otra parte, el pabellón uruguayo cuenta con la participación del artista Yamandú Canosa, quien presenta La Casa Empática. La muestra curada por David Armengol y Patricia Bentancur, fue seleccionada por la Comisión Nacional de Artes Visuales, en un concurso abierto lanzado por el Ministerio de Cultura. Incluye una revisión de sus obras en las que indaga sobre sus raíces e identidad cultural. Lo original de la puesta es que las piezas salen del pabellón y toman su fachada, mostrando que no hay límites geográficos a la hora de la construcción de la individualidad.

El artista, que comenzó sus estudios de Arquitectura en Montevideo y realizó sus primeras exposiciones individuales en los años 70' en el Río de la Plata, vive desde 1975 en Barcelona.

Desde allí trabajó con galerías de la talla de Joan Prats, Benet Costa y Ciento, además de exponer en museos de Barcelona, Madrid, Valencia, Sevilla, Figueres, París, Rotterdam, Montevideo, Buenos Aires, Río de Janeiro y Los Ángeles, entre otros.

Sun & Sea de rugil barzdziukait, de lituania.

Muro de Teresa Margolles; alude a las divisiones en el mundo.

las obras en esta bienal hablan sobre la inmigración, las consecuencias del cambio climático, el racismo Y la falta de sociabilidad en las grandes ciudades, entre otras tantas problemáticas contemporáneas.

–¿De qué trata La Casa Empática?

–Es un proyecto en el que empezamos a trabajar en cuanto se anunció que este año el INAV haría una convocatoria abierta.

Formamos un equipo con la curadora uruguaya Patricia Bentancur y con David Armengol, curador de Barcelona. Conozco la calidad de sus aportes; no puedo tener mejor equipo. Transformamos el Pabellón en una gran instalación que incluye una intervención en la fachada, a modo de aviso de lo que se encontrará dentro.

Resumiendo –porque sería muy largo de detallar–, es un gran paisaje del mundo. Empecé averiguando la orientación del Pabellón, identificando el punto cardinal de cada uno de los cuatro muros del espacio, poniéndolo en el mapa. ¡Al Pabellón de Uruguay se entra por el Sur! A partir de ahí, cada muro recibe el nombre del punto cardinal que le pertenece. Dentro, el espacio se articula

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–¿Qué implica presentar sus obras en la bienal de Venecia? ¿era algo que anhelaba?

–Implica, antes que nada, una gran responsabilidad. Yo siempre me he sentido representado por cada uno de mis colegas que han tenido este encargo en las anteriores ediciones. Podemos estar orgullosos de la calidad de los trabajos presentados. Esta vez, me tocó a mí, y mi deseo es representar bien el espíritu del arte de Uruguay. Ahí, siempre estamos todos. Sigue siendo el evento más importante en el sistema del arte. Es una ventana a través de la cual se ve todo un país. Un espacio estratégico de visibilidad. Por todo ello, también es un privilegio haber sido seleccionado. Y es un gran reto que hay que encarar de forma muy especial. No es lo mismo instalar la obra en un museo que en un Pabellón de I Giardini. En Venecia el público es global, el más heterogéneo que existe y hay que poder interactuar con él.

Es un público con referentes dispares, con miradas construidas desde culturas diversas. El reto es poder dialogar con ese visitan-

te desde lo individual, desde la sociedad que te construye, pero con un lenguaje inteligible para todos. Es, repito, un gran reto que te obliga a optimizar tus recursos formales. Pero esta vez, cuento con la fortuna de que Uruguay está en el momento más dulce de reconocimiento internacional que yo recuerde.

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Aquí lo que habló PAULA con Canosa sobre su desembarco en La Serenísima:

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Pinturas, dibujos, fotografías e intervenciones hacen a la muestra de Canosa. Comienzan desde la fachada del pabellón, en el interior instaló un cielo estrellado en el techo y lo reflejó en el suelo, completando su universo.

alrededor del horizonte natural de la sala, con la gramática que vengo utilizando desde hace años en mis instalaciones. Los cuadros, los dibujos, las intervenciones murales y las fotografías se incorporan a las paredes del espacio como fragmentos de ese gran paisaje. También la instalación tiene un “cielo” en el techo, que completará este paisaje total. Y ese “paisaje” es un paisaje crítico que estructuré en cuatro territorios con fronteras rotas, donde la migración, la mezcla y la transterritorialidad construyen un territorio mestizo. En ese sentido, el proyecto se propone como la casa del buen anfitrión que la sociedad aluvial uruguaya construyó, un compromiso que espero seamos capaces de seguir renovando. La instalación es un guiño al mundo, sí, pero Uruguay es parte de ese mundo. La palabra empatía es muy importante, la más necesaria. Estamos en un momento en que la relación con el otro –sobre la que trabaja la empatía– está en peligro. Es una palabra urgente, y es armónica con el arte. El arte es empático por naturaleza, se construye con el otro.

–¿luego de quedar seleccionado, cómo fue el proceso hasta la inauguración?

–Empecé a producir las piezas que están proyectadas, algunas de gran formato. Pero el trabajo es muy arduo. Llegar a Venecia supone una logística muy compleja, no solo de creación sino también de gestión. No es una ciudad fácil, tiene unas condiciones muy particulares. Hay que planificar al detalle todo lo necesario para realizar la instalación con garantías; realizar un catálogo amplio que es todo un reto editorial; trabajar en la comunicación; seleccionar y enmarcar la obra y gestionar el transporte, entre otros. Y hay que adaptarse al presupuesto, que

es dinero de todos. Se comenzó a trabajar en el Pabellón a finales de marzo, previendo un trabajo de más de tres semanas, con la intención de llegar a tiempo para incorporar las imágenes de la instalación en el catálogo.

–a pesar de vivir en barcelona, su producción sigue vinculada a Uruguay. ¿Dónde encuentra el rincón o momento especial que lo conecta con su país?

–Bueno, como a todos los que estamos en esto, el arte te elige. Somos menos autores de lo que creemos; siempre hay algo que se construye a través de nosotros. Aparte de eso, la curiosidad es un motor importante para trabajar. El arte, antes que un hecho estético, es una disciplina de conocimiento, una manera de estar en el mundo y de intentar articular nuestro lugar en él. Y el rincón de conexión con mi país está dentro de mí, está –antes que nada– en la educación emocional de la mirada que construyó el paisaje donde aprendí a mirar. Y está en la memoria, que es el jardín al que vamos todos los días. Es el material de todos.

–¿está en sus planes volver a instalarse en Uruguay?

–Tengo una relación fluida con mi país, lo visito a menudo, expongo allí, soy uno más. Hoy en día somos todos un poco nómadas. Por suerte, el mundo contemporáneo nos permite estar en muchos sitios a la vez. Pero el lugar donde resides –la casa que abre la llave que llevas en el bolsillo– depende de circunstancias particulares, afectivas o profesionales, que nada tienen que ver con el sentimiento de pertenencia, que hoy en día es un lugar complejo y plural. La casa empática también habla de ello. Lo que sé es que me encantaría tener las condiciones para estar más tiempo en ese paisaje.

biennale di venezia

en imágenes

RECORRER I GIARDINI Y EL ARSENALE SON POR LO MENOS DOS PASEOS MEMORABLES EN ESTAS FECHAS, ENTRE LAS TANTAS OPCIONES QUE OFRECE LA CIUDAD, TOMADA LITERALMENTE POR NUMEROSAS EXPRESIONES ARTÍSTICAS QUE ACOMPAÑAN ESTA CITA INELUDIBLE. PARA QUE SE ANIMEN, VALGA ESTE PANTALLAZO. fotografías: labiennale.org

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Swallowed Sun (Monstrance & Volute), 2019. escultura de gran porte, en el patio de entrada al pabellón. representa la batalla entre la oscuridad y la luz.

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bierta a partir del pasado 11 de mayo, hasta el todavía lejano 24 de noviembre, la edición número 58 de la Bienal de Venecia cuenta con Ralf Rugoff como curador, quien en la actualidad se desempeña como director de la Hayward Gallery de Londres desde 2006. Reconocido por su solvencia, no dudó en proponer la frase May you live in interesting times (Que vivas en tiempos interesantes, en español), como disparador, ya que puede interpretarse como una expresión de deseo: que entre todos podamos construir puentes de tolerancia y entendimiento en tiempos de situaciones terribles que no se combaten tal vez por conformismo y por miedo. Para Paolo Baratta, presidente de la Biennale, puede ser también una invitación a ver y considerar el transcurso de los eventos humanos en su propia complejidad.

De ser así, la muestra se planta delante del arte y de los artistas como un desafío frente a la tendencia de sobre simplificar.

Por su parte, Rugoff destacó que “la muestra incluye obras que reflexionan sobre los aspectos precarios de nuestra existencia hoy, entre los cuales se cuentan las innumerables amenazas a las tradiciones establecidas, las instituciones y las relaciones del orden pos bélico. Reconozcamos que el arte no ejerce sus fuerzas en el ámbito de la política; no puede por ejemplo parar el avance de los movimientos nacionalistas, ni de los gobiernos autoritarios, tampoco puede aliviar el trágico destino de los refugiados en todo el planeta, (hoy llegan al uno por ciento de la población mundial).

Pero en modo indirecto, el arte todavía puede ofrecer una guía que nos ayude a vivir y pensar en estos tiempos interesantes”.

A partir de aquí, hablan los artistas…

Tabernacle, 2019. obra constituida por una forma que semeja un casco militar que esconde una bola de cañón a punto de ser disparada, mientras que el observador se refleja, y se vuelve un combatiente del presente.

El pabellón de Estados Unidos en I Giardini está dedicado a la muestra individual del escultor Martin Puryear (1941), reconocido escultor cuyas obras hablan del poder de los objetos en la cultura visual y en cómo están moldeados por los contextos históricos. La exposición explora los problemas en curso relacionados con la libertad y sus complejidades inherentes a las sociedades en el mundo, tema recurrente en el quehacer del artista a lo largo de sus 50 años de trayectoria. Piezas ya existentes más otras realizadas para la Bienal, como Swallowed Sun, de reciente factura, expresan el sentir de Puryear frente al acontecer de su tiempo. “No estoy en una torre de marfil haciendo mi trabajo…, la torre de marfil ha sido invadida”; comentó.

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Liberty-Libertà martin puryear

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Cloister-Redoubt or Cloistered Doubt, 2019. formas que aluden a su formación católica, con sus luces y sombras.

Destaca siempre el uso de materiales naturales.

a la derecha, Phaphama at Cassilhaus, North Carolina, 2016; a la izquierda, MaID III, Philadelphia, 2018.

sOmnyama ngOnyama series ZaneLe muHOLi

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Fotógrafa y activista visual, Zanele Muholi (1972) orientó su obra a temáticas como la raza, el género y la sexualidad. Se la reconoce por su lucha en Sudáfrica contra la intolerancia hacia la sociedad de tez oscura y en especial, homosexuales. Sus autorretratos monumentales están repartidos a lo largo de la exposición principal del Arsenale, como una puerta triunfal a la identidad de las lesbianas de color. Sus fotografías revelan una actitud construida, ejecutada y fluida, pero firme.

Faniswa, Sea Point, Ciudad del Cabo, 2016.

biOLOgiZing tHe maCHine (tentaCuLar trOubLe), aniCKa yi

Se trata de una artista conceptual, cuyo trabajo se encuentra en el cruce con la ciencia; de hecho sus instalaciones involucran a veces colaboraciones con biólogos y químicos. Nacida en Seúl, Corea del Sur (1971), su puesta en el Arsenale consta de una serie de vainas translúcidas e iluminadas, que cuelgan de cables, como crisálidas de polillas animatrónicas, y agua que cae. Es un recordatorio del origen de la vida, y alude a temas perturbadores como la enfermedad y la descomposición de la materia orgánica.

One eye tOO many rOsemarie trOCKeL

Nació en Alemania (1952), y es una de las representantes más destacadas de esa generación que inspirada por la brecha iniciada por artistas como Beuys y Warhol, rompe con los límites de géneros, medios y soportes; y se afana por cuestionar imágenes, signos, y mensajes consensuados. La cuadrícula de 22 fotografías modificadas digitalmente parece la obra más modesta del programa: austera, en blanco y negro, muy germánica. Sin embargo, el misterio, el humor irónico y lo extraño impregnan la serie de fotos y collages que vistos en detalle, revelan relaciones y símbolos.

aLtered views vOLuspa Jarpa

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Elegida por concurso, la chilena Voluspa Jarpa (Rancagua, 1971) ocupa el pabellón chileno, con su obra basada en estudios de archivos secretos de organismos norteamericanos sobre América Latina durante el siglo XX. A partir de dichos estudios, se pregunta ¿cómo se configura la mirada modernista, euro-centrista y colonial que luego se expande a Estados Unidos, y que construye el menosprecio simbólico que se impone como sometimiento político, cultural y económico a la regiones no euro-céntricas? Curada por Agustín Pérez Rubio, la muestra pone sobre el tapete conceptos arraigados sobre la violencia del mundo expansionista, desarrollista y hegemónico, en tres espacios: El Museo de la Hegemonía, La Galería de Retratos Subalternos y La Ópera Emancipadora. En definitiva, la artista busca resituar la mirada desde el exotismo del colonizado hacia lo exótico del colonizador, reviendo y manejando temas como la raza, el mestizaje los géneros, y el conflicto entre términos de monarquía y república.

La Ópera Emancipadora.

La Galería de Retratos Subalternos.

Microworld (2018), está realizada con placas de aluminio pulido que representan moléculas magnificadas y partículas elementales que los espectadores observan como criaturas microscópicas.

miCrOwOrLd Liu wei

En contraste con los trabajos de tono político que lo dieron a conocer, sus últimas piezas exploran la relación entre los humanos y la naturaleza. Graduado en la National Academy of Fine Arts en Hangzhou, Liu Wei (Beijing, 1972) alcanzó su mayoría de edad al tiempo en que los tanques entraban a la plaza de Tiananmen, de ahí esa mirada crítica e irónica a la vez. Microworld es una fantasía modernista escondida detrás de un vidrio; una gran instalación que juega con el sentido de la dimensión y la diferencia de escala entre el espectador y la obra.

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Perforado, obra en el pabellón de españa.

Por primera vez, dos representantes vascos, Itziar Okariz (1965) artista transgresora que utiliza su cuerpo para alterar y subvertir las formas y convenciones; y Sergio Prego (1969) quien experimenta con lo escultórico en el espacio y en relación también con el cuerpo, representan a España en la Bienal.

El proyecto comisariado por Peio Aguirre penetra el ambiente físico, a través de la imagen de Itziar, con videos en los que reproduce el sonido del mar, con una respiración oceánica propia del yoga; y la escultura y arquitectura neumática de Sergio, que se asocia con cierta estética carnal, muy sexual. La muestra se extiende hasta el jardín trasero del pabellón, donde se insertan tres simples estructura de aire por las que cae agua.

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perfOradO itZiar OKariZ & sergiO pregO

On the disappearance of clouds.

aerO (s) Cene tOmás saraCenO

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La instalación arquitectónica flotante del artista argentino (1973), está diseñada para ser efímera, móvil, oscilante y sonora. Busca crear conciencia sobre el calentamiento global y sus consecuencias, tratando de trabajar en colaboración ética con la atmósfera y el medio ambiente, sin fronteras y sin combustibles fósiles. El proyecto, ambientado en las aguas de Venecia, consiste en un conjunto de estructuras en forma de grupo inspiradas en la geometría Weaire-Phelan, que oscilan a lo largo del día al ritmo de las mareas. Mientras que en el segundo piso del subsuelo, una gran telaraña se amplifica pudiendo escuchar Tomás las ondas de sonido que producen las vibraciones de la propia araña al tejer.

The Cosmic Dust Spider Web Orchestra.

HundidO CHristOpH bÜCHeL

En 2017 fue Support, obra formada por dos manos emergiendo de las aguas del Gran Canal, como sosteniendo el edificio de un hotel. Hoy son seis pares de brazos con manos entrelazadas, formando un puente sobre uno de los canales del Arsenale. Elevada a más de 15 metros de altura, esta impactante escultura representa seis valores humanos: amistad, ayuda, fe, sabiduría esperanza y amor. Para Quinn (1966), hijo de Anthony Quinn, los puentes unen y conectan; y estos brazos en distintas actitudes invitan a reflexionar sobre lo que nos une o separa.

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COnstruyendO puentes LOrenZO Quinn

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Este artista suizo-irlandés (1966) instaló su obra Barca Nostra sobre los antiguos astilleros de Venecia, en el Arsenale. Se trata del barco de pesca que se hundió el 18 de abril de 2015 en el Mediterráneo, dejando atrapados en el mar a cientos de migrantes que intentaban cruzar de Libia, a las costas italianas. Más de un año después del accidente, las autoridades lo rescataron y depositaron en la base de la NATO, en Augusta. Büchel lo trajo a Venecia como testimonio de un problema gigante.

tendencia global Chanel desembarcó en las arenas de José ignacio con Coco Beauty Club, una tienda pop up de belleza que permaneció abierta del 3 al 6 de enero de este año, presentando sus novedades en cosméticos.

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pop Up stores Si de tiendaS efímeraS Se trata, la arQUitecta argentina marcela Jacobo eS la indicada para contar Sobre SU aUge y loS cambioS QUe generan en el conSUmo. Son movidaS marketineraS QUe tratan de llegar a públicoS JóveneS. Por EugEnia Lago.

Desde octubre de 2018 y por seis meses (aunque permanece abierta pese a que decía cerrar en abril de este año), Louis Vuitton se instaló en Patio Bullrich con una tienda efímera de lujo. allí, además de encontrar carteras y zaptos de líneas exclusivas, se pudo personalizar los productos con una máquina de hot stamping.

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Alba, Margo Baridón, y Nina Hauser en 2016, cuando recorrieron el Este del país armando y desarmando stands para dar a conocer sus diseños en destinos inusuales.

“Para que funcione la apuesta debe ser intensa”, remarca la arquitecta y docente argentina Marcela Jacobo, quien visitó la Universidad ORT para plantear las claves de este modelo fugaz.

Su trayectoria comenzó cuando armaba puestas de impacto visual, con las que adquirió conocimientos de comunicación de marca, imagen corporativa y modos de consumo, que le permitieron luego apostar a reflejar el espíritu de las empresas en

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arq. Marcela Jacobo.

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parecen en lugares inusuales y con la misma velocidad se esfuman. Poseen una estética capaz de captar la atención a distancia, y sin protocolos, invitan a ingresar y conocer la mercadería en su interior. Con comunicación atractiva, recorridos simples y ofertas puntuales, las pop up stores se plantan como las tiendas ideales de este momento, efectivas a la hora de acercar al cliente colecciones exclusivas, ofrecer remanentes de mercadería a bajo costo, e incluso testear el mercado en un nuevo polo de negocios. Esta arquitectura con fecha de caducidad es la actual elección de las marcas para impresionar a sus seguidores. ¿Cuál es su principal conquista? El público Millennial. ¿Acaso es casual? Por supuesto que no. Los jóvenes adultos son los primeros en exigir nuevas prácticas de consumo y concretarlas bajo la seducción que les genera la experiencia de compra. Estas tiendas temporales están pensadas a medida de las necesidades de sus clientes, buscando el máximo aprovechamiento del tiempo y generando una instancia en la que vale más la vivencia y el recuerdo del negocio, que el producto en sí. En este marco, cuanto más innovador sea el formato de la tienda, mejor.

Esta tendencia no nos es ajena en el ámbito local. Es fácil distinguir a las pop up stores y recordar, por ejemplo, las que aparecen en forma de ferias circenses fuera de los shoppings, a la hora de promocionar ofertas. El beauty point de Chanel que estuvo este verano una semana en José Ignacio para dar a conocer y probar su línea de maquillaje y cremas, también vale como ejemplo. Y más atrás en el tiempo, podemos recordar la apuesta que hicieron marcas nacionales como Cápita, Mocca,

Pop up shop de Hermés en el aeropuerto JFK de nueva York. allí se ofrecían bufandas, perfumes accesorios para el hogar (2015).

En 2011, yseis cubos temporales de uniqlo desembarcaron en distintas zonas de Manhattan, con el fin de anunciar que la marca pronto inauguruaría tiendas en nueva York.

Vale todo

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“Este formato borra los límites entre la arquitectura, el interiorismo, la publicidad, la escenografía y las artes plásticas”, expresa Marcela. Es que en la construcción efímera no hay límites. Como su duración es corta, es posible experimentar con materiales no tradicionales, botellas de plástico o insumos reciclados, por ejemplo.

Por otro lado, la escultura juega un papel importante y se admiten formas que trascienden los límites de la gravedad. Como tercer punto, destaca que comunicarlo en forma original es fundamental. “En ese espacio las artes entran en una orquesta y todas son válidas para trabajar, por lo que se vuelve muy lúdico. No hay fronteras y es muy seductor como trabajo”, concluye.

espacios efímeros. Explica que en la actualidad el éxito de este formato es tal, que los shoppings bonaerenses Paseo Alcorta y Patio Bullrich planean destinar un espacio exclusivo para armar este estilo de propuestas, permitiendo que las grifas promocionen acciones especiales o aterricen en su país por primera vez con un proyecto innovador. Destaca entonces el ejemplo de la marca de lujo Louis Vuitton, que retornó a fines de 2018 a Argentina con una tienda planeada solo por seis meses, donde la novedad era una máquina de hot stamping, con la que los clientes podían personalizar sus carteras y vivir una experiencia de compra distinta. También remarca el caso de Lancôme en Abasto Shopping que, con la intención de captar a un público joven, planteó una tienda con experiencia de maquillaje digital que podía compartirse al instante en las redes sociales.

Hay tres pilares fundamentales a la hora de pensar estos espacios: el conocimiento en profundidad de la marca con la que se trabaja, el comportamiento antropológico de la sociedad

En 2011, seis cubos temporales de uniqlo desembarcaron en distintas zonas de Manhattan, con el fin de anunciar que la marca pronto inauguruaría tiendas en nueva York.

Para celebrar la vuelta de su icónica línea Stan Smith, en 2014, adidas realizó en Delhi una tienda con la forma de una caja de championes.

Tienda temporal de H&M en Scheveningen, Holanda, en la que se presentó en 2011 su línea de esenciales de playa.

Ahora ya

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docente–. “Él refiere a que lo efímero está dado por el avance de la tecnología y el mundo que de por sí está en constante cambio. Esto se manifiesta en esos espacios de tiempo limitados que nacen y están destinados a morir casi en un mismo momento. Esos tiempos vertiginosos nos representan como sociedad”, explica. Y aclara que estos mismos espacios son utilizados como laboratorios de experimentación de morfologías y materiales. La filosofía griega de que el edificio debe permanecer en el tiempo y trascender épocas, es pasado. Lo actual se relaciona con la arquitectura japonesa, de emergencia, de construcciones contemporáneas, que deben ser funcionales a las catástrofes climáticas de la zona. Son hogares que hoy están y mañana no. “Hay un cambio general, que es más amplio que las formas de construir y que tiene que ver con cómo funciona la sociedad hoy, cómo se viven los espacios y cómo se replica eso en los actos de consumo”.

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que visitará el local y el grado innovador del espacio que se presentará. Permanecer en la memoria de quien los transita es la premisa. La puesta debe entonces ser recordable e impregnarse en la retina, así perdura aún al desarmarse. Para lograrlo es imprescindible el impacto visual, “seguir ejerciendo la promoción cuando el espacio se desarma es lo complejo y lo seductor de proyectar estos lugares. Más allá de que sea impactante, el proyecto debe comunicar, disparar en el observador algo más que permita que no lo olvide”, explica Marcela. Además, recalca que lo corto de su exposición no implica que la inversión no sea a largo plazo. Para alcanzar el objetivo hay que conocer estrategias de marketing, comunicación y branding, además de arquitectura, proyección y materiales. En este marco, es fundamental identificar para qué público se arma la puesta, ya que un usuario uruguayo no tendrá la misma conducta de compra que un estadounidense. El secreto está en que los asistentes vivan una práctica distinta, que se los atrape desde el momento en que reciben una invitación original, que los conduce a un espacio atípico y los arrastra a practicar una actividad singular.

Puede ser una práctica sensorial, olfativa, gustativa, auditiva, pero tiene que atravesar algo más allá del espacio, que active el recuerdo una vez finalizada la visita. “Me permito parafrasear a Simon Schwartzman, quien es para mí el sociólogo del siglo XXI, al hablar sobre la modernidad y vínculos líquidos“ –dice la

En este estilo de construcción comercial los tiempos se acortan y son tiranos. Las acciones son de un instante para otro y es importante saber manejar el estrés, tener en consideración imprevistos y conocer a fondo la grifa.

“Recomiendo leer los manuales de marca, conocer sobre su logotipo e isotipo, saber el mensaje que se desea transmitir. Estos puntos también funcionan como disparadores para generar la presencia espacial y actuar en forma rápida con la marca”. Es que se trata de un trabajo en equipo con el cliente en el que es importante escuchar qué desea, para proponer y consensuar con él una idea que suele ser arriesgada para su imagen.

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contrastes de

un osado

arriesgado, aunque respetuoso del pasado; entusiasta de los materiales innovadores, pero sensible al saber hacer tradicional. así es el estilo del interiorista español, cuyo toque mágico supo transformar desde residencias particulares hasta palacios. aquí, lo que charló con paula casa.

POR POR J.H. ROmei. fOtOgRafías: tOmás alía- laRiOs café.

tomás alía

el contraste de materiales manteniendo un hilo conductor es clave en el estilo de alía.

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l arquitecto interiorista Tomás Alía vive y trabaja en el madrileño Barrio de Las Letras; ese que con sus elegantes edificios, bares centenarios, tiendas de diseño y citas de obras inmortales en el pavimento, rinde homenaje a los grandes escritores del Siglo de Oro español, y de paso, promete inspiración a raudales.

En su apartamento, ubicado en un edificio del siglo XIX, en la zona “por donde vivían Cervantes, Lope de Vega y Quevedo”, según apunta, todo convive armónicamente. “Dentro de una caja blanca con suelo negro, hay cerámica antigua de Talavera, algunas pocas piezas de anticuario, una Cobra Chair -la madre de la Pantone Chair-, sillas de los hermanos Campana y arte contemporáneo a gran escala. Me gustan las piezas grandes y pocas”, describe Alía. Si bien su enumeración es somera, alcanza para entrever los rasgos más sobresalientes de un diseño singular que supo cautivar tanto al jet-set europeo como a los sheikhs del mundo árabe. A pesar de ello, el interiorista reniega del título de niño mimado del establishment y se confiesa entusiasta de todo aquello que lleva a democratizar el diseño.

–¿cómo empezó su interés en el interiorismo?

–Viene desde pequeño. Tengo una afinidad familiar con el tema porque mi madre se dedicó a defender la artesanía española, sobre todo las labores de Lagartera, como el bordado. Ella iba por el mundo con exposiciones, y toda esa estética que yo veía en mi casa, me despertó un poco la curiosidad.

–¿cómo se formó?

–Hice la carrera de Arquitectura de Interiorismo y empecé a trabajar antes de acabar los estudios. Me surgió la oportunidad de hacer locales de ocio y bares, y a su vez, diseñé para un hotel, el

líneas geométricas, piezas de autor y colores vibrantes son las claves del lobby del hotel aitana, en ámsterdam.

Villa Magna, que en su momento tuvo unos apartamentos en la zona de Moncloa. Además de la carrera, la universidad de la vida, obviamente: la experiencia, los proyectos, los concursos internacionales, mi trabajo en Qatar, donde estuve cuatro años. Todo eso ha forjado mi recorrido. Yo siempre hice mucha obra pública, y mi trabajo ha sido siempre muy arriesgado, pero me tiré a la piscina, como yo digo. A la gente le ha gustado, lo ha valorado. Hice los primeros bares de diseño en Madrid…

–¿el café larios?

–Justamente. Madrid era una ciudad donde los locales de copas eran espacios negros con música y nada más. Hace veinte años aportamos ese toque de diseño para crear un lugar multifuncional que hasta entonces no existía. Ahora lo he vuelto a cambiar, y en ese Larios Café, por el cual me premiaron y demás, organizamos un sitio donde se podía comer comida cubana mezclada con oriental, además de bailar y comprar. A la gente le encantó.

A nivel de espacio era generoso, con piezas de estilo industrial diseñadas por mí. Ese proyecto marcó un antes y un después para mí. Aunque ya habíamos hecho muchos locales, este se movió mucho. Lo reconoció la prensa a nivel internacional y fue un tema bastante aplaudido. A partir de ahí surgieron muchos proyectos de todo tipo como los de Qatar, donde diseñé el palacio para el sheikh Al Thani y el estadio de la Qatar Foundation para el Mundial FIFA 2022.

–a pesar de que todos esos proyectos son muy dispares, tienen su huella. ¿cómo define su estilo?

–Muy reconocible por lo contemporáneo. Me encanta revisar los estilos anteriores en esa clave. No me gustan las casas o locales clásicos porque entiendo que vivimos en este siglo y el tiempo que nos ha tocado tiene intereses y necesidades determinadas que pasan por la sostenibilidad, la comodidad, la estética y el confort. También me interesa todo lo que es democratizar el diseño.

Si bien trabajo mucho con las élites y he hecho cosas singulares

interior del palacio del emir en Qatar.

riores, comienzan a competir unas con otras, y me gusta que el interiorismo tenga un hilo conductor, una filosofía. Si el epacio es privado, lo primero es que refleje quién vive y para quiénes está destinado el lugar; y lo segundo, es que exista mucha armonía a nivel conceptual. Que todo esté enlazado. Cuando contrasto materiales o estilos, o diseños propios, trato de que se lleven bien.

–¿en qué se inspira?

–Sobre todo en la gente y en mis viajes. En Marruecos y en Tánger, donde tengo mi casa. Es un país que me apasiona: tiene una luz bellísima; todo lo expresivo que tiene, y su gente. Me gustan mucho los países emergentes; es donde más me inspiro.

Está la vieja Europa, pero hay países que son maravillosos. He trabajado en México, en Argentina, en los países árabes. Son una gran fuente de inspiración. También me inspiro mucho en las artesanías, revisando cerámicas, maderas, textiles y cristales. A la hora de incorporarlas en los proyectos, me gusta incluirlas en clave contemporánea, sea creando patrones nuevos para la cerámica, o una gráfica inédita para el cristal. Trabajo mucho con artesanos. Mañana por ejemplo, me voy a Sevilla a ver un proyecto; se trata de un cine que vamos a convertir en hotel y voy a ver a los artesanos locales. España es muy rica en ese sentido. Aunque no está protegida, hay mucha diferencia en lo que las regiones ofrecen. Hay maestros vidrieros, hojalateros, carpinteros, artesanos

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para mis grandes mecenas, me entusiasman los fenómenos como Ikea; estas grandes superficies donde con poco dinero la gente puede mantener bonito su entorno. Es muy interesante el lado democrático y social del diseño.

–Hay quienes lo definen como el interiorista del establishment. ¿cómo se siente con ese título?

–Sí (se ríe). Es una especie de cliché en el que me tienen metido: el de diseñador de la aristocracia y a veces me enfado un poco, pero como trabajé para muchos de ellos... En realidad, trabajé para mucha gente. Lo que sucede es que me llaman para modernizar. Me dicen, ‘quiero vivir en un entorno más contemporáneo’. Es cierto que tienen unas casas con una obra de arte impresionante, por ejemplo, pero resulta que luego no son confortables. No tienen ni un sofá cómodo o cosas fundamentales que el ser humano necesita. Todo tiene que ser compuesto y estético, pero confortable por encima de todo.

–¿Qué elementos son constantes en su trabajo?

–Suelo crear cajas muy neutras y las dibujo con pinceladas de cromatismo. Me gustan mucho las texturas diferentes: combinar maderas con metales, vidrios con textiles. O sea, contrastar, enfrentar materiales muy dispares y reconciliarlos. Y luego, hago las cajas neutras porque de esa forma, el arte, el diseño de los muebles y todo lo que hagas, toma protagonismo por sí solo.

Cuando empezamos a meter muchas segundas pieles en los inte-

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conocido por imprimirle un sesgo contemporáneo a los más diversos estilos , el estudio de tomás alía realiZó el interiorismo de viviendas y locales de ocio así como planeamientos urbanos y palacios.

"suelo crear cajas muy neutras y las dibujo con pinceladas de cromatismo. me gustan mucho las texturas diferentes: combinar maderas con metales, vidrios con textiles. o sea, contrastar, enfrentar materiales muy dispares y reconciliarlos".

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el diseño de larios café marcó un antes y un después en su carrera, y en cómo se conciben los locles de ocio.

del nudo, de la alfombra, del textil, de la cestería, de todas esas cosas étnicas que a mí me gustan mucho, y hacerlas convivir con lo urbano es un bonito recurso.

–fue nombrado embajador de talavera…

–Eso es. Talavera quería una imagen para su cerámica y me comprometí a promocionarla. Me nombró el Ayuntamiento con la aprobación municipal, y llevo ya dos años como embajador.

Colaboro de manera activa con eso. En la última revisión del Larios hicimos un panel gigante de azulejos de Talavera con una gráfica mía pintada a mano, y estoy muy contento con cómo

quedó. También hemos hecho piezas y objetos.

–¿Quiénes fueron sus referentes?

–Muchos. La Bauhaus, Gio Ponti, que me emociona; los maestros mueblistas que aportaron mucho talento y también me gustan esos diseñadores locos: gente que hizo del estilo árabe un mundo onírico especial, gente que inventó Marrakech, como Bill Willis y Alberto Pinto también, que era un gran revisionista del mundo árabe.

–¿Qué tipo de trabajo prefiere?

–Me gusta más lo público, mucho más. Lo privado es más encorsetado. Es curioso, cuando tengo que hacer una obra como un hotel o un local de ocio, es otra la creatividad. Es cierto que el cliente habitualmente te entrega un briefing con lo que necesita, señalando el público al que está destinado y esas cosas, pero la creatividad es más libre. Aunque privado he hecho mucho; me gusta el lado social de lo privado. Como decía antes: democratizar el diseño, utilizar elementos sostenibles en arquitectura e interiorismo. Diseñé una suite viajera eco-sostenible que te la puedes llevar por todo el mundo con un camión. Es una arquitectura modular y ese cubículo se puede instalar donde quieras. Es muy divertido y muy contrastado sobre todo cuando lo comparas con los palacios árabes. No tienen nada que ver.

–¿cuáles fueron las claves para seducir al mundo árabe?

–Yo conseguí los concursos internacionales precisamente porque mi teoría siempre es revisar los estilos anteriores y ponerlos en clave contemporánea. A ellos les encajó y por eso concertamos la colaboración. Lo primero que hice fue la embajada de Argelia en Madrid; luego un hotel en la Medina de Marrakech.

Después, diseñé un par de viviendas para la familia marroquí, una casa y un hotel cerca de Tánger, y luego ya pasamos a Qatar, donde armé esos dos proyectos grandes. En Abu Dhabi elaboré un master plan para el hijo del emir; hice una oficina en Dubai; he hecho varias cosas.

–también colabora seguido con la cadena Roomate.

–Sí, ahora estoy trabajando en sus dos últimos proyectos: un hotel en la Via Veneto, en Roma, y otro aquí en Madrid, en el antiguo Rex de Callao: dos emprendimientos bastante singulares.

Llevo un montón con ellos. En Madrid ya les había hecho tres anteriormente; en Barcelona dos. También intervine en el de Ámsterdam, en el de México y en el de Buenos Aires. La colaboración inicial arrancó con un proyecto mío, que llamó mucho la atención, y seguí con ellos. Somos un equipo de arquitectos y diseñadores, y a cada uno se nos encomienda un proyecto.

Ahora estamos todos trabajando en las oficinas de la compañía y a cada uno le toca una zona: un sector lo hace Patricia Urquiola; otro es de Lorenzo Castillo, Teresa Sapey se encarga de otra, y ahí estamos, conviviendo todos.

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alarde estĂŠtico

hoteles del mundo

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Ò Ubicado en plena Gran Vía, el hotel destaca tanto por el serivicio personalizado como por su diseño de autor. Para este proyecto, Alía se inspiró en un personaje imaginario y creó una puesta en escena lúdica y atractiva. Ya en el lobby, se pueden apreciar las líneas sinuosas y orgánicas en diferentes tonalidades, y como bien dijo alguien, se divirtió escenificando la psicodelia nocturna en sus muros vítreos, en sus corredores inquietantes, y en ese ámbito de vanguardia que es la recepción.

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tras una silueta discreta y racionalista, óscar de la cadena room mate en madrid, descubre un interiorismo audaz y vibrante, con la firma indiscutida de tomás alía. digan si no.

Las 75 habitaciones se dividen en cinco categorías, pero todas fueron concebidas con el mismo espíritu: ambientes frescos y coloridos, muebles curvos y confort asegurado.

En pleno centro de la ciudad, Alía -siempre fiel a su estilo contemporáneomanejó contrastes en líneas, texturas y color, sin dejar de lado el confort, tan importante en estos tiempos.

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La terraza, en el rooftop del edificio, se viste con mobiliario monocromático y ofrece una panorámica que va de Madrid al cielo. El área de la piscina se suma al ambiente divertido y cosmopolita ideado por Alía.

HotEL ÓscAr Plaza Pedro Zerolo 12 28004 Madrid telf +34 917 011 173 oscar@room-matehotels.com

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Talavera de la reina

Fuentes y mobiliario urbano realizados con azulejos, en la Plaza del Pan.

Seña de identidad

Romanos, visigodos y finalmente, musulmanes dejaron su huella en la cultura del lugar. Si bien existen evidencias de esa vocación ceramista ya desde la época romana, esta carecía de un sello o tono característico que la señalara como propia de Talavera. De hecho, la industria del barro en cuanto a la decoración, proviene de la tradición árabe. Durante la dominación musulmana el oficio floreció y de aquella etapa se pueden rastrear nombres como Vicente ben Said y Ayub ben Jobat, entre las listas de alfareros de Talavera hacia 1182, según señala el arabista Ángel González Palencia en su libro Los mozárabes toledanos.

En el siglo XVI se produjo un cambio radical en la forma y el estilo de la industria, y Talavera se convirtió en pionera a la hora de instaurar las técnicas renacentistas. En poco tiempo los productos adquirieron gran auge, aumentando la demanda de su factura, lo que dio lugar a la imitación y a un intenso tráfico de alfareros a otros centros cerámicos. Azulejos, zócalos, decoraciones de altares, vajilla y diversas piezas pertenecientes a las colecciones de sitios tan emblemáticos como la Botica del Palacio Real de Madrid, el Monasterio de San Lorenzo del Escorial, la Catedral Vieja de Salamanca y el Monasterio de Las Huelgas en Burgos, brindan testimonio de la fama alcanzada por esta artesanía. Tal

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n la introducción a su trabajo Cerámica de Talavera, Tres tiempos para una historia, Ángel Ballesteros Gallardo explica que el rasgo definitorio de las ciudades, es decir, el adjetivo con el que se las asocia y que incluso llega a convertirse en sinónimo de tal o cual urbe, no es mero capricho, sino que se fundamenta en algo que sus habitantes realizaron a través del tiempo. Esa idea de que el lugar determina el hecho, describe a las claras la relación de Talavera de la Reina (a 120 kilómetros de Madrid) con su cerámica, tradicionalmente una de sus principales actividades económicas. Sin ir más lejos, la loza y azulejería allí producida generó un acervo tan rico que en el siglo XIX los expertos empezaron a clasificarla por series para hacer más abarcable su estudio y catalogación. De muy laboriosa fabricación, este producto realizado con barro del río Tajo, caolín y esmaltes, seduce con sus múltiples estilos según las épocas y motivos, aunque el más reconocible es el típico en blanco y azul que toma los colores oficiales de la ciudad. También muy popular, es la serie que incluye tonalidades azules, amarillas y naranjas, propias de la época del Renacimiento.

A lo largo de su historia, esta ciudad de la provincia de Toledo, recibió numerosas influencias, producto de sucesivas invasiones.

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en un lugar de CaSTilla-la ManCha, Se enClava eSTa Ciudad COn CinCO SiglOS de TradiCiÓn CeraMiSTa, CuyOS COlOreS, diSeñOS y fOrMaS SOn reCOnOCidOS en TOdO el MundO.

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De muy laboriosa y tradicional factura, la cerámica de esta localidad requiere un trabajo completamente artesanal. Los exquisitos diseños y patrones de las diferentes series son pintados a mano y cada pieza lleva dos cocciones en el horno.

De ahí que fuera declarada en 2015 Bien de Interés Cultural.

fue el furor por estas piezas decorativas, que incluso se hizo presente en otras formas de arte, siendo citada en obras de Tirso de Molina, Lope de Vega y del mismísimo Miguel de Cervantes, quien declara a Talavera de la Reina la mejor tierra de Castilla por boca de uno de los personajes en Los trabajos de Pérsiles y Segismunda. Ni qué decir que la propia Talavera siempre supo sacarle el mejor partido a su buen hacer para alhajar la ciudad.

Basta seguir la recientemente inaugurada Ruta de los Murales o darse una vuelta por los antiquísimos Estanque de los Patos y Fuente de las Ranas, en los Jardines del Prado, para apreciar su delicadeza y maestría decorativa.

Otra buena opción para conocer los secretos de esta cerámica, es visitar el Museo Juan Ruiz de Luna o pasear por la Avenida de Portugal, donde se ubican las mejores tiendas y talleres de la ciudad. Precisamente, en el número 91 de esta avenida se ubica el Alfar El Carmen, firma con 170 años de edad que presume de ser la más antigua de la ciudad. “Nuestro trabajo es completamente artesanal porque es realizado por manos expertas, que llevan toda una vida en esto. Todo lo que sale de nuestros

tornos se realiza con la sabiduría de la experiencia y la tradición”, cuenta María José Gutiérrez, gerente del lugar. Allí, largas hileras de estanterías exhiben multicolores juegos de vajilla y jarras, ánforas, completos servicios de té, platos decorativos, queseras, macetas y faroles, por mencionar algunos; la lista es enorme.

Detrás del showroom se ubican los hornos y los talleres donde trabajan las artistas que pintan a mano cada pieza que elaboran.

En una pared, destaca un gran planisferio que señala con chinchetas de colores los destinos a los cuales la casa despachó su cerámica. Uruguay está marcado.

Dirigida desde 1998 por Juan Antonio Froilán, el alfar tiene la marca de garantía de Cerámica de Talavera, lo que acredita la autenticidad y calidad de sus piezas. Es por eso que la casa sigue muy de cerca todo el proceso de creación: desde la selección y recogida del barro, hasta el torneado, pintado y las dos cocciones de horno. “La cerámica para nosotros es más que un oficio centenario; es nuestra esencia”, advierte la empresaria. Basta tener en las manos alguna pieza, por más pequeña que sea, para entender que no exagera.

cable

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a tierra

Eduardo Neira (Roth) en Ik Lab, su galerĂ­a abierta en 2018. Traspasar el umbral induce a un estado meditativo que transporta a una nueva dimensiĂłn. La arquitectura contrasta con lo que uno espera de un ambiente expositivo tradicional, convirtiendo al espacio en una obra de arte per se.

estilo propio

en medio del paisaje más impactante de tulum, el artista y constructor eduardo neira levantó su complejo edilicio azulik, en total armonía con las raíces y creencias del lugar. primero fue el eco resort, verdadero paraíso que asegura desconexión. ahora es ika lab, una galería de arte contemporáneo que es en sí una obra fuera de lo común. y va por más...

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orge Eduardo Neira Serkel, argentino naturalizado en México, es ante todo un artista inspirado que supo concretar su idea en el plano. Respetuoso de la naturaleza y de la filosofía de los pueblos mayas, logró unir los tiempos y así crear esta suerte de ciudad en comunión con la vegetación local, y en diálogo constante con las comunidades nativas. El resultado está a la vista. Azulik empezó como un eco resort formado por 22 bungalows sin Internet para que nada distorsionara los mensajes del paisaje. Convertido en uno de los alojamientos de lujo de la zona, hoy cedió espacio a otra inspiración: Ik Lab Uh May, una galería de arte contemporáneo construída en el mismo estilo. Para Roth esta movida tiene como fin fomentar la preservación de la cultura local y la recuperación de conocimientos y valores de la sabiduría ancestral, a la vez que busca promover diferentes formas de interacción y protección del medio ambiente natural. Este interés converge con la preocupación de explorar, a través del arte, una reflexión sobre

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foTografías: fErNaNdo arTIgas.

“yo siempre tuve un sueño, era el de unir a todas las tribus del mundo; sería un encuentro de almas“, tal la frase que pronunció el líder espiritual abuelo antonio oxté –uno de los más respetados descendientes mayas vivos en méxico–, en un encuentro en ik lab a fines de noviembre pasado.

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la esencia humana en sí misma y el impacto que tiene en el planeta. Su creatividad, así como su filosofía y entusiasmo le valieron la distinción Premio Internacional de Diseño Espacial al Mejor Espacio Cultural entregado por Idea-Tops el pasado 27 de abril. Se trata del galardón de arquitectura más influyente de Shenzhen en China. Con tal motivo, Roth expresó: “sentimos una gran responsabilidad hacia nuestro entorno, por eso hicimos foco en crear un espacio con sensibilidad en el que las formas fluyeran junto a la imaginación“.

–¿Qué lo inspiró a realizar este proyecto y qué obstáculos enfrentó al comenzar a construirlo?

–Para ser sincero, mi inspiración fueron y son los obstáculos en sí mismos. Es como lograr las cosas que aparentemente no son posibles. Siempre me dediqué a construír yo mismo ya que era más barato que contratar a un arquitecto o a una empresa constructora, pero realmente nunca lo había disfrutado tanto.

Cuando empezamos a levantar esto hace 4 años, el gobierno de México nos había autorizado hacer un domo de concreto, donde se tocarían cuencos tibetanos, pero nunca nos daba los permisos para que entraran los camiones en la zona de la playa.

Entonces el primer desafío fue construir la cúpula sin saber bien cómo hacerlo sin usar ese material. Comenzamos a buscar otras soluciones, y ahí fue cuando pensé en el Six Around One (La Flor de la Vida), uno de los símbolos más antiguos, para ponerlo arriba, a 15 metros de altura, y de ahí bajar unos palos para tener una estructura que no fuera piramidal, sino que fuera más parecida a la forma de un domo. Como para hacer las columnas trabajamos con troncos chuecos, si subíamos todo hasta llegar a los 15 metros, nunca hubiéramos logrado trazar la circunferencia que inscribe a los seis círculos alrededor de uno. La única forma fue hacer la parte de arriba primero y luego bajar con los palos, lo

cual parece absurdo porque es como construir una casa desde el techo hacia abajo, pero fue así. Con la ayuda de andamios subimos cada pieza (que pesaba más de una tonelada) y las atornillamos todas entre sí, siete en total. Recién entonces empezamos a bajar todos los troncos para llegar al suelo. Fue un trabajo irracional, pero lo disfruté muchísimo porque me di cuenta que pude solucionar el problema.

–Tal como lo cuenta, fue una sucesión de aprendizajes...

–Es que la arquitectura, como cualquier otra disciplina, tiene como finalidad la solución de los problemas. Cuando terminamos la estructura, nos preguntamos: ‘y ahora ¿cómo lo vamos a cerrar?‘. En el monte hay unos árboles de tronco fino que nadie usa, los jiles; hay muchos y son baratos. Sabía que el agua pasaría a través de ellos, pero decidí que iríamos resolviendo el tema de uno por vez. Porque cada paso que damos en la selva o en la vida nos abre perspectivas diferentes. Una vez cubierta la estructura con los palitos de 2 centímetros de diámetro, empezamos a probar materiales hasta que encontramos uno que impedía el paso del agua y se adhería a los jiles. Todo este proceso me pareció muy divertido, desde ese momento no he parado de construir.

–¿Cómo es construir en la selva?

–Es un trabajo sin planos. Cada día nos enfrentamos a descubrir qué espacio se puede usar, porque no cortamos ningún árbol. Por ejemplo, adentro de mi casa hay 200 ejemplares vivos. Lo logramos rodeando algunos troncos y cobijando otros dentro de la construcción. Lo que buscamos es no destruir todo para construir arriba, entramos a la selva con respeto. Pedimos permiso y usamos toda la inteligencia ancestral que ha vivido ahí en armonía durante miles de años. Nos incorporamos a ella sin romper los códigos ni las reglas del lugar. No cortamos especies, no obstruimos el paso de la fauna y no modificamos

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La construcción sorprende por su diseño y el contraste de los materiales: las ramas retorcidas de madera de bejuco (planta trepadora originaria de la región) frente al cemento liso y pulido. Las ventanas circulares permiten que la luz natural ilumine cada rincón. Todo está pensado para que el visitante se olvide del mundo exterior y disfrute descalzo de esta experiencia sensorial.

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Roth, es el dueño y fundador de este centro que busca compartir el arte, la inspiración y la creatividad a través de un mismo espacio. Incluye un museo de arte contemporáneo, un laboratorio de moda sustentable, un programa de residencias, una escuela para promover el cambio cultural, un centro de medicina ancestral y además, su propia casa.

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la forma del suelo. Nuestros pisos mantienen interiormente los desniveles del terreno, producto de la evolución. De acuerdo a la física, la forma determina la función, y la energía sigue a esa forma; entonces si nosotros entramos en resonancia con esa superficie, empezamos a operar en armonía con el lugar.

–¿Qué lo enorgullece más ahora que ve su proyecto terminado y funcionando?

–Me llena de satisfacción lo que podemos hacer como tribu.

Somos una comunidad compuesta por un 90 por ciento de mayas.

El propósito de nuestra organización es reconectar a grupos e individuos consigo mismos, con los demás y con el entorno. En nuestra relación con el pueblo maya llevamos trabajando ya varios años junto a unas 400 personas, y pronto vamos a llegar a 700.

Los mayas funcionan como una familia; si uno por algún motivo se va, se van todos. Para ellos el pensamiento colectivo es más importante que la necesidad individual, entonces no analizan si es justo o injusto que una persona se vaya, ellos funcionan como grupo. Eso requiere que nosotros también funcionemos así, y respetemos sus modos y costumbres, que por cierto son maravillosos. Es una gran oportunidad para aprender de ellos y de proyectar juntos.

–¿Cuáles son sus planes a futuro?

–Seguir construyendo. Actualmente estamos edificando la fase dos del museo, que va a ser tres veces más grande y bastante más alta. Va a tener un árbol artificial en el medio, con hojas que se moverán siguiendo al sol. Para ello se está planificando proveer a los mayas con energía solar y capacitarlos para que ellos mismos construyan sus propios paneles. También tenemos un proyecto de construcción de satélites y la idea es poder tripular drones en menos de un año, sobre un radio de 80 kilómetros, para llevar medicinas desde el hospital central a todas las comunidades. Para lograrlo, vamos a colaborar con proyectos de Sillicon Valley construyéndolos con mano de obra maya. Si bien también tenemos planes constructivos en la Patagonia chilena y en la Amazonia, nuestro campamento central es en México.

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En lo alto de la construcción se puede observar parte del símbolo de los seis círculos realizado en madera de jiles. En el interior Roth siguió las líneas orgánicas propuestas por los troncos y la vegetación nativa de la selva.

TEMPLO mexicano

eL eco resort aZULiK diseñado por eL artista edUardo neira venera La presencia deL agUa y ceLebra eL diáLogo permanente con La natUraLeZa. taLes características Lo convierten en Un oasis fUera de Lo común.

LUJO SUSTENTABLE

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Este hotel inaugurado en 2004 se ubica en el estado de Quintana Roo en la Península de Yucatán, y está rodeado de cenotes de donde se toma el agua que corre entre las diferentes áreas del hotel, como verdaderos senderos acuáticos que cumplen con la misión de comunicar y a la vez limpiar constantemente la energía del suelo.

Arriba, una de las terrazas de la villa.

Abajo, un sendero con prendas de Zak Ik la boutique exclusiva del lugar.

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Arriba, la entrada al spa se abre a la gran pileta donde confluyen todos los "rĂ­os" del hotel. La vegetaciĂłn nativa es exhuberante. Los materiales de la zona se trabajan de manera artesanal y los caminos conducen sin interferir con el crecimiento natural de los verdes.

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Hoy son 48 las eco villas construidas entre la selva maya y el mar Caribe.

Ellas acogen a los huĂŠspedes con confort. Cada una se identifica por su nombre, pero todas rinden culto al medio ambiente: cuentan con baĂąeras hechas a mano surtidas con agua sagrada tomada de los cenotes del lugar.

Arriba, la suite Villa Aqua. Abajo, sostenidas por pilotes, las terrazas se abren a la jungla maya de Tulum y son ideales para ver la caĂ­da del sol.

AzULik BUScA dEfiNir UN NUEvO cONcEpTO dE LUJO qUE SE viNcULA cON LA hOTELEríA SUSTENTABLE y LA OpOrTUNidAd dE dEScONEcTAr A LOS hUéSpEdES dE SU cOTidiANidAd, ASEgUráNdOLES dEScANSO rEAL.

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HOTEL AZuLIk Carretera Tulum Ruinas km 5. Zona Hotelera, 77780 Tulum, QROO, México. www.azulik.com

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Los espacios se iluminan con velas, generando ambientes cálidos y románticos. Arriba, acceso a uno de los cuatro restaurantes. En Azulik se pueden degustar platos de vanguardia inspirados no solo en la cocina maya-mexicana.

Al igual que el resto del complejo están construídos íntegramente en troncos nativos.

GENTE PAULA

edición especiaL

Renata Battione, Inés Arcos Pérez, Carina Martínez.

Leticia Bononato Em, tum Inés moente vivilnene & Ana Kaminski. ina, fit. Cupplic

Con motivo del Día de la Madre, CasaDeco sorprendió con una fecha por fuera de su calendario e instaló su propuesta de decoración y regalos en los salones de Sofitel Carrasco.

Belén Carrera & Soledad Aguirre.

Verónica Castro & Soledad Navarro.

Amalia Berro & Marian González.

$! "%!#& TODO

BAÑOS - COCINAS - REVESTIMIENTOS

GENTE PAULA

a la vista

Sofía Mederos, Luciano Fontana, Verónica Parrado, Silvia Arrozés.

Matías Ganduglia & Guzmán Píriz.vivilnene Em, tum moente ina, fit. Cupplic

Sofitel Art y Galería del Paseo se despacharon con Mirando Montevideo, una muestra fotográfica, que va hasta el 6 de junio con entrada libre. Para no perder.

Cecilia Rodríguez, Paula Zumarán, Carolina Brause.

Juan Diego Vecino & Andrea MacCormack.

Álvaro Zinno, Tali Kimelman, Santiago Epstein, Alfredo Ghierra, Diego Velazco.

Virginia Ortega & ClaudiaManuel Piñón, Epstein.

Liliana Di Lorenzo, Vanessa Barzan.

Carolina García & Valérie Caubarrère.

Mercedes Danvila & Veronique van Wassenhove.

Alicia Fernández & Manuel Antelo.

Lorena Benelli & Pablo Cancel.

GENTE PAULA

gran reestreno

Federico Regules, Marcelo Bosch, Francisco Bosch.

Adriana Giuria, Cecilia Em, tumLaura moente vivilnene Hughes, Bosch. ina, fit. Cupplic

Ampliado y renovado. Así recibió Bosch & Cía a los clientes y amigos que pasaron por el local y comprobaron todo lo nuevo que la casa tiene para compartir. ¡Enhorabuena!

María Arnaldo, Mercedes Somoza, María Inés Orrico.

Verónica & Alejandra Bosch.

Marinita Bosch & Natalia Hughes.

Eduardo Prat, Cecilia Paladino, Margarita Ronca.

Florencia Prego & Sebastián Rodríguez.

Ana Laura Gómez, Carolina Radman, Cecilia Lazcano, Virginia Oromí.

Carolina Castro & Fania Cellerino.

Roberto Caviglia & Alejandro Teske.

vivir colonia

Por eugenia lago. fotografías: Pablo rivara y Marcos guiPoni.

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En plEno cEntro histórico dE colonia, la nuEva obra dEl Estudio oslo arquitEctura no pasa dEsapErcibida y atraE a los más curiosos a conocEr su procEso dE construcción. aquí una brEvE visita.

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caráctEr Desigual

Al plegarse los paneles móviles, las habitaciones se vuelven un amplio salón multiuso con salida al área de la pisicina.

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Los paneles que separan los ambientes son fácilmente apilables mediante rieles. El piso es de monolítico pulido.

La estructura blanca, de líneas puras y minimalistas se instaló en medio del centro histórico de Colonia del Sacramento y no tardó en generar revuelo en la zona. Es que el estilo netamente contemporáneo sobresale entre las edificaciones y calles de piedra que datan de 1800 en el área que es Patrimonio de la Humanidad, lo que generó quejas por parte de vecinos y turistas que la acusan de romper con el paisaje típico. Sin embargo, vale aclarar que la obra sigue las pautas que dictan la Comisión del Patrimonio y la UNESCO para la construcción en terrenos baldíos en zonas de acervo histórico. Tales lineamientos refuerzan la idea de que se debe hacer una obra de estilo acorde a la época en que se realiza. De no ser el caso, la sociedad estaría frente a lo que se denomina un "falso histórico", una edificación que se supone pertenece a cierto período por el uso de materiales y formas constructivas, pero que en verdad no lo es.

"Ante esta situación, decidimos proyectar un prisma puro y austero, con lenguaje minimalista, que no diera lugar a dudas de que es actual, pero que evoque al estilo portugués mediante las proporciones de ventanas y puertas de la fachada. Por ejemplo, si hubiésemos usado piedra en la fachada, de la misma manera que se utilizó hace 300 años, sería engañoso ante quienes lo ven y piensan que es de la época colonial. El anhelo es que pasen cincuenta, cien años y la construcción siga evocando el momento real en el que fue realizada, y que dialogue con las verdaderas estructuras patrimoniales de la zona protegida", explican los arquitectos proyectistas de Oslo Arquitectura.

Las pautas entonces fueron exigentes y marcaron que se debía respetar el uso de ciertos colores, materiales y medidas para que la construcción conviva en forma armónica con las casas linderas. Es así que tuvo necesariamente que ser de

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El minimalismo exterior tambiĂŠn se refleja en su interior. Los tonos neutros se rompen con la madera de la cabecera de la cama, el yute natural de la alfombra y el cuero de la butaca.

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El muro de ladrillos es el Ăşnico original de la ĂŠpoca de la colonia que se integra en la construcciĂłn.

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revoque y respetar las alturas y tamaños que marcan los dinteles de las puertas y las ventanas portuguesas; la fachada no pudo ser de piedra como se había planeado en un principio, pero sí fue posible agregarle una estructura en madera que rompe con el blanco impoluto. El polémico plan comenzó en 2017, con las excavaciones arqueológicas del entonces terreno vacío. En aquel momento, se realizaron más de 25 cateos con informes sobre cada pieza que se encontraba en el lugar. Así, se recolectaron cucharas, platos y restos de muros para estudiar. A la vista quedó en el área de la piscina el único paredón portugués original del terreno. Otros restos se mantuvieron a más de un metro bajo tierra de la propiedad, ya que por su ubicación no fue posible hacerlos visibles.

La construcción lograda es en esencia multifuncional, ya que el espacio principal cuenta con paneles metálicos terminados en madera que proveen aislación acústica, y que, al plegarse mediante rieles, generan distintos ambientes. En su máxima espacialidad el ambiente ofrece un gran salón, mientras que si se aprovechan las divisiones, se configuran tres unidades idénticas que comparten el jardín como espacio común. "El desafío fue lograr que funcione a la vez como casa, como tres habitaciones o como un gran espacio multiuso. En este sentido, como estudio, nos permitió explorar distintas áreas e involucrarnos hasta en el diseño de los muebles, para que la madera, los herrajes y las formas sigan las líneas contemporáneas", comentan los arquitectos. Además,

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Se generó una iluminación suave, que transformó a la cuadra en una zona atractiva para recorrer en la noche, a la salida del restaurante vecino o cuando se desea bajar al río.

agregan que son estos detalles en madera los que le quitan rigidez al proyecto y lo vuelven más amigable.

El estudio partió de la premisa de hacer un proyecto introvertido, que no diera pista alguna desde su fachada de la vida interior del hogar. Las rutinas ocurren entonces hacia el fondo de la casa, priorizando la vista al río y la comodidad del patio abierto. Para generar la intimidad necesaria en un lugar sumamente transitado, rodearon a la estructura con un tamiz verde, aun en crecimiento. También se trabajó lo que se conoce como la quinta fachada, que refiere a la vista aérea que se genera de la cubierta.

Es posible localizar la azotea desde el faro, un punto turístico por excelencia, por lo que era fundamental considerar su armado. Se puso atención en la estética e iluminación, se realizaron miradores transitables y se tuvieron en cuenta todos los detalles, por ejemplo, a la hora de esconder los equipos de aire acondicionado y buscar que la antena de cable no robe la atención. Así se cambia el concepto de la azotea como lugar donde depositar las instalaciones técnicas del hogar y por el contrario, se convierte en una terraza donde disfrutar del paisaje, ganar visibilidad, cualidades de uso y enriquecimiento del espacio.

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vivir colonia

Las liebres

Una casona de más de cien años recientemente remodelada en las inmediaciones del real de san carlos, es el lUgar ideal para Un encUentro entre amigos e inclUso para Un fin de semana campestre.

Por eugenia Lago. fotografías: PabLo rivara.

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El complejo de 27 hectáreas tiene como protagonista a una casona de estilo Neo - Tudor, que tras un profundo proceso de restauración, hoy alberga un restaurante y dos habitaciones exclusivas para hospedar a los visitantes asiduos del lugar.

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El restaurante funciona en una estructura de hierro y vidrio con piso de piedra, que está anexada al frente de la casa y simula a los antiguos jardines de invierno ingleses. La calidez del lugar está dada por su entorno verde, la luminosidad, la enorme estufa a leña y los muebles de madera y ratán. Además cuenta con una ventana que conecta a la cocina y la deja a la vista de los comensales.

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Los pisos de damero son originales de la construcciรณn. Se complementan con muebles, sillas y mesas en madera negra con tablas de mรกrmol blanco.

Uno de los espacios reservados para los huéspedes y quienes deseen realizar reuniones privadas, es el salón Imperial. Allí, bajo una araña de caireles, espera una mesa armada para doce invitados. Los cubiertos y candelabros de plata y la cristalería fueron adquiridos en anticuarios de la zona.

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Otro espacio exclusivo es el salón inglés; ambientado con música de jazz, pisos de pinotea, enormes boticarios con cristalería y pequeños muebles de colección, como cubierteros y barcitos en madera.

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En el segundo piso, junto a las habitaciones, se encuentra la biblioteca.

Allí los protagonistas son el sofá Chesterfield y las colecciones de enciclopedias, que conviven con la alta tecnología de proyección y audio, que en segundos logran convertir el lugar en una sala de cine, con pantalla de 103 pulgadas.

La escalera que conduce al segundo nivel se rodea de un blanco inmaculado, en el que resaltan el dorado de la lรกmpara central y los detalles en madera natural de los pisos y el pasamanos.

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Tanto las habitaciones como las salas principales cuentan con coloridas pinturas en sus paredes, algunas realizadas por el dueĂąo del lugar, Pedro Melnitzky.

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Los platos del restaurante se realizan con las frutas y vegetales que provee la huerta orgánica del lugar. El predio continúa en desarrollo ya que se planea la construcción de tres barrios privados: Las Liebres de la Pradera, Las Liebres de la Laguna y Las Liebres del Bosque.

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cocina de autor

sabores

caseros Con una propuesta que acerca los sabores típicos de la región, el chef Alejandro Tarditti tienta al paladar desde el restaurante de Las Liebres. fotografías: PaBLo rIVara.

(Por porción)

100 g de jamón crudo italiano o serrano 5 perlas de mozzarella 3 guayabas rúcula a gusto Preparación: 1. Caramelizar las guayabas. Para esto, colocar en una sartén una cucharada de azúcar blanco hasta lograr el estado de caramelo. Luego colocar las frutas cortadas a la mitad, con la cara interna sobre la sartén durante treinta segundos. Retirar.

2. Colocar en un plato el jamón crudo, la muzzarella en perlas (o fresca, en rodajas) y la rúcula.

Por último agregar las guayabas.

3. Se sugiere aderezar con aceite de oliva, limón y pimienta fresca molida.

e

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perlas de mozzarella, guayabas y rúcula

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Ensalada de jamón crudo,

l chef argentino Alejandro Tarditti es quien está al mando de la cocina del restaurante Las Liebres, ubicado en el entorno del Real de San Carlos. Su fuerte son los fuegos, y en esto, su aliado es el horno de barro. Para disfrutar de la calma del lugar, abre la cocina cada día a eso de las 8:30 de la mañana hasta el atardecer, pero también se encarga de las cenas y eventos privados que se celebran en los salones del complejo. En cada preparación prioriza los productos de estación, por tal motivo, propone una carta que se cambia cada seis meses, en la que son protagonistas las carnes locales, los lácteos de Colonia Suiza y las frutas, verduras y hortalizas orgánicas, que se cosechan en la huerta de 3.500 m2 del lugar. Esto le permite llevar los sabores acentuados, frescos y saludables al plato. Relata que tal iniciativa fue sugerencia de Sebastián, hijo del dueño del lugar Pedro Melnitzky, quien se especializó en Italia en slow food y desde los inicios del proyecto fue fiel a la idea de cocinar con productos que agregan a la alimentación saludable.

Alejandro no conocía Colonia más que de paseo, de cuando paraba allí al realizar las temporadas de los restaurantes de Punta del Este, pero el proyecto lo atrapó y no dudó en cambiar el estilo de vida de Buenos Aires y dejarse llevar por el aire campestre que le recuerda a Córdoba, su ciudad de orígen. Luego de un año de trabajo en el restaurante, propone cuatro platos fuertes del lugar.

Cordero braseado

coN VegeTales de la huerTa grillados (Dos porciones)

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400 g de cordero 1 zanahoria 1 cebolla 1 puerro 1 ajo 1 apio Laurel Perejil romero Vino tinto a gusto PreparaciĂłn: 1. Picar las cebollas, los dientes de ajo, el puerro, el apio y el perejil. Mezclarlos con el laurel y el romero. Posteriormente, colocarlos en una asadera de bordes altos, rodeando al trozo de cordero.

2. Rociar la asadera con vino tinto y agua hasta cubrir un tercio de su volumen. Luego, llevarla al horno con temperatura suave, durante 8 horas.

3. Al momento de servir, colar el jugo de la cocciĂłn y reducirlo en una sartĂŠn para utilizarlo como salsa en el plato.

4. AcompaĂąar con vegetales grillados a gusto.

(Por porción)

1 remolacha 1 zanahoria 1 zucchini 1 trozo de calabaza 1 cebolla morada 1 huevo 10 g tomates cherry Hinojo Chauchas rúcula

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de esTacióN coN hueVo pochado

Preparación: 1. Cortar en rodajas finas la remolacha, el zucchini, el hinojo y la cebolla. Reservar.

2. Tomar la zanahoria, cortarla a lo largo y al medio y blanquearla en una olla con agua hirviendo junto con las chauchas y la calabaza.

Reservar.

3. Realizar el huevo pochado, colocándolo en una olla con abundante agua y un chorro de vinagre o limón y procurando darle una forma redonda con la ayuda de una cuchara, cubriendo la yema con la clara a medida que se va cociendo.

4. Colocar en un plato todos los vegetales, con los tomates frescos y la rúcula. Por último, agregar el huevo pochado. Aderezar a gusto.

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Verduras y hortalizas

Ojo de bife al grill coN chutney de chiles (Por porción)

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Para el plato: 400 g de ojo de bife 1 ajo Hierbas frescas sal gruesa Para el chutney de chiles: 1 cebolla 1 ajo 2 chiles 10 g de laurel aceite de oliva

Preparación: 1. Marinar el ojo de bife con hierbas frescas y ajo durante la noche previa a su cocción.

2. Cocinarlo al horno y antes de darlo vuelta agregarle sal gruesa sobre el lado cocido (puede ser sal marina, en escamas o flor de sal, la que se prefiera).

3. Mientras tanto, preparar el chutney de chiles, salteando en aceite de oliva la cebolla, el ajo, el laurel y los chiles picados. En la misma sartén agregar vinagre hasta cubrir la mezcla y luego azúcar blanco hasta cubrir un cuarto del volumen. Dejar reducir hasta que espese.

4. Una vez que el ojo de bife está pronto de ambos lados, presentarlo en el plato con una cucharada de chutney de chiles por encima y las hierbas para decorar.

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