Paula casa julio 2016 by Revista Paula

la revista de

casa

M.R.

el arte de crear

III bIenal de mvd

de reciclar

rafael lorente

de innovar

wynwood walls

invierno 2016 / nยบ 39 especial casa

38 estreno M.R.

14 en obra

la revista de

Fotografía: Pablo Rivara.

30 eL arte De reCICLar

60 estILo pILar

staff DIRECTORA NATALIE SCHECK Coordinadora: CECILIA SoLArI SCHECK Redactora Especial: CArLA rIzzoTTo Fotografía: NATALIA AyALA, PAbLo rIvArA, ArCHIvo EL PAíS Departamento Comercial: JuLIA HELENA romEI Coordinadora de Diseño Uruguay: ANdrEA SAPorITTo Colaboradores: yELLy bArrIoS, SofíA KLICHE, mArIELA bENTANCor Digitador de Imagen: fErNANdo mESA Servicios: PAuLA CHILE, LA NACIóN Directora de Arte: SILvIA fLorES Coordinadora de Diseño: mAríA JoSÉ SALdES Corrector de Textos: moISÉS vENEgAS Derechos Reservados: EL PAíS S.A. Preimpresión e Impresión: EL PAíS S.A., uruguAy, d.L. Nº 325.354. Distribución: EL PAíS S.A., moNTEvIdEo, uruguAy. Oficinas: SAN JoSÉ 1165, APTo. 204, moNTEvIdEo. Teléfono: 2900 6427, Fax: 2908 3916. PAuLA CASA Nª 39.

en la web www.paula.com.uy www.facebook.com/paulauruguay pinterest.com/rpaulauruguay @RevistaPAULA

92 entre muros

108 eL jarDín De monet

teMas Y entrevistas 8 Mercado de ideas 10 lo MÁs nuevo 12 HecHo en uruGuaY

84 arquitectura del futuro 88 MÁs que ceMento Y Mar 98 cotiZados

26 ver es interPretar

100 Para la audiencia

48 a Paso firMe

106 refuGio eterno

50 el Hotel en casa

116 Gente

54 artesanos del sonido

120 cotton house

82 didÁctica & equiPaMiento

128 buenas direcciones

mercado de ideas golPe de efecto

hágase la luz...

En metal con acabado satinado y pantalla en láminas, la lámpara de mesa Pine Cone de Bo Concept es el detalle decorativo que hace toda la diferencia. Ellauri 363.

Más que para separar espacios, este glamoroso biombo de Vinibel es un recurso estético que imprime sofisticación en cualquier decoración. 21 de Setiembre 2789.

Para niños

Para no perder el tiempo y aprender a leer la hora con diversión, nada mejor que un reloj búho en madera pintada. Se consigue en La Ibérica. Rincón 711.

todo terreno

estilo nórdico

Para quienes no cuentan con suficiente espacio de almacenaje en la casa, La Ibérica ofrece esta cajonera de línea retro en madera gastada y aluminio. Una joyita.

Que los muebles se han convertido en piezas de diseño dignas de exhibirse, nadie lo duda. Miren si no esta silla en madera y cuero de aire escandinavo. Es de Vinibel.

abecé

No se trata de volver a la escuela, sino de crear ambientes originales y atractivos con detalles tan sencillos como letras en metal. Son de Martinika Atelier Deco. Solano García 2595.

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Primaveral

Aunque todavía falta un tiempo para ver los jardines en su máximo esplendor, La Ibérica propone un adelanto con flores de cerámica en varios colores y tamaños.

Vintage chic Pintados a mano, los cofres de Martinika Atelier Deco son el accesorio ideal para guardar tesoros.

lo más nuevo

regreso triunfal

Aunque nunca se fueron, el ir y venir de las modas los puso de nuevo en el tapete. Las piezas esmaltadas, esas infaltables en la cocina de la abuela, viven hoy su segunda era dorada. Prueba de ello es que SUE, la Sociedad Uruguaya de Esmaltado, lanzó una línea en colaboración con la chef Lucía Soria, de la que todo el mundo habla. La gama en blanco con reborde azul o colorado, incluye platos, bowls, jarritos, mates, calderas y fuentes, pero la propuesta de la casi centenaria firma abarca mucho más. Cucharones, espumaderas, ollas, sartenes, asaderas y parrillines, entre otros, son parte de un elenco por demás funcional y noble. Se sabe, el enlozado no se rompe, es higiénico, puede ir al horno, mantiene la comida caliente y además es muy decorativo. Se consigue en bazares, casas de decoración y supermercados pero para vichar las últimas novedades vale chequear la cuenta en Instagram: s.u.e_uy.

diálogo fluído

En este mundo cada vez más veloz y tecnológico, Parq se propone patear el tablero y ofrecer a sus clientes espacios que conecten con la naturaleza. La empresa conformada por la arquitecta Ana Marrero y la paisajista argentina Josefina Ramos Campos se especializa en proyectos que exploran la relación biunívoca de la construcción con el paisaje y la calidez que los verdes aportan a la arquitectura. Su apuesta integral contempla un abanico de posibilidades difíciles de lograr cuando trabajan profesionales por separado. De ahí que el resultado obtenido por la dupla refleje esquemas orgánicos de líneas contemporáneas con su correspondiente traducción vegetal. Con oficinas en Punta del Este y Montevideo, el estudio se contacta a través de Facebook/parq.arquitecturaypaisaje

arte & oficio

Desde que tiene memoria, Pablo Cabrera disfruta al crear cosas con sus manos. De ahí que luego de experimentar con diversas técnicas y los más variados materiales, este artesano del interiorismo se lanzara al ruedo con Arte10. La marca vio la luz hace ya unos años y sin embargo siempre logra sorprender a su público. Es que el camino recorrido por la firma ha acompañado todas las modas en decoración hasta encontrar su verdadero ADN: objetos, accesorios y muebles vintage con identidad propia. Luminarias en hierro y vidrio, escritorios románticos, dressoirs en todos los estilos, bandejas, mesas, percheros, carteles e infinidad de modelos de espejos visten un catálogo que parece no tener fin. Pero en caso de no encontrar allí lo que la mente imagina, a no preocuparse porque la firma fabrica a medida y hace realidad los deseos del cliente. Se contacta a través de Facebook/Arte10 Vintage

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Perfil único

Hace tiempo que Fiorenza Emme marca la cancha en cuestiones de diseño de mobiliario y proyectos de interiorismo. Por eso resultó natural que la marca diera un paso más y plasmara su enfoque cargado de personalidad y estilo en un showroom a pasos de Zona Diseño, donde además estrena su servicio de restauración y asesoramiento. La firma está convencida de que todo hogar debe respirar arte y lo demuestra como mejor sabe: ideando muebles, luminarias y objetos que hablan un lenguaje estético propio y reconocible. Eso sí, siempre priorizando las necesidades del cliente. Abierto de lunes a viernes de 13:30 a 19:00 horas y sábados de 10:30 a 13:30 horas. Bulevar España 2153.Tel.: 094 380 098.

en formación

SenSibilidad Este juego de encastre es el resultado de un proyecto de diseño industrial de Jandira Tavares se concibió para pacientes en rehabilitación con dificultades motoras. El departamento de Fisiatría de Casa de Galicia, la Facultad de Diseño y la de Ciencias de la Salud de la UDE, interactuaron para promover soluciones en este campo.

dimenSión Una de las herramientas internacionales más innovadoras al servicio de la creatividad. Así son las impresoras 3D con las que se pueden hacen tangibles todo tipo de ideas, desde objetos de decoración hasta prótesis.

Sólida

La butaca Sky, del ingeniero industrial y docente, Claudio Sibille, se inspiró en el diseño escandinavo característico de la década del 50’ y del 60’; líneas simples con una estructura formal compleja, en este caso, utilizando madera de fresno macizo.

hecho en uruguay

el centro cultural de españa abrió sus puertas a una muestra de diseño organizada por la universidad de la empresa con participación de docentes y alunmos.

deSafiante

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La poltrona y mesa ratona Manex nacieron para estar juntas. Fueron construidas por el equipo de la empresa Zona M en lapacho combinado con Hanex, un material acrílico con propiedades únicas, fácil de reparar y con uniones imperceptibles al ojo humano.

moderna Bo Concept -la marca danesa de muebles que auspició la exposiciónparticipó con Imola, una de sus butacas más emblemáticas. La versatilidad del diseño permite personalizarla en variedad de colores.

SinuoSa Agustín Pagano, Andrés Parrallada y Juan Salgueiro, docentes en UDE, proponen a sus alumnos el análisis y resignificación del asiento RF1 del arquitecto Román Fresnedo Siri. Con este proyecto el uruguayo fue premiado en el concurso Organic Design in Home Furnishing organizado por el MoMA de Nueva York en 1940.

ingenio Choque los cinco es un proyecto que pretende mejorar la calidad de vida de chicos con limitaciones motrices. Se trata de utensilios de cocina cotidianos que se adaptaron para ser manipulados con facilidad. La investigación y el desarrollo de la idea la llevó a cabo Florencia Sommer junto a la Asociación Nacional para el Niño Lisiado.

Práctica La silla Mantis, de Claudio Sibille, inspirada en el diseño norteamericano de mediados del siglo XX, presenta sus patas y posabrazos que simulan la pose de la Mantis Religiosa. El tapizado y la madera combinan a la perfección.

Restos de vinilos, bolsas de arpillera, latas de bebidas gaseosas, cucharas de plástico e incluso telas de paraguas rotos sirvieron de soporte para la creación de una colección de indumentaria con conciencia ecológica que se inspiró en la conservación de la naturaleza. También obra de Belén Fusco, Fernanda Gómez, Tatiana Pérez, Romina Arín, Matilde Bertinat y Tamara Sancristóbal.

Alicia en el País de las maravillas inspiró a Belén Fusco, Fernanda Gómez, Tatiana Pérez, Romina Arín, Matilde Bertinat y Tamara Sancristóbal, a reinventar los atuendos de los personajes más representativos del cuento de Lewis Carroll. Para ello pusieron en práctica técnicas de confección como el drapeado, el tejido en dos agujas y el bordado, entre otras.

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SuStentableS

creativoS

cuenta regresiva

obra inspirados en El EspEjo EntErrado de carlos Fuentes, los artistas uruguayos que expondrán en la iii edición de la Bienal de Montevideo encaran el reto con entusiasMo. aquí cuentan lo que van a Mostrar en el salón de los pasos perdidos del palacio legislativo, en apenas dos Meses.

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FoToGraFÍaS: PabLo rIVara Y NaTaLIa aYaLa.

crédito de foto: Julio osorio.

*Convocado por el curador de la bienal Alfons Hug.

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−¿Qué obra presentará en la Bienal de Montevideo? −La obra sube y se llama Cielito. Son cuatro escaleras de papel blanco, de seis metros de altura, enfrentadas a los cuatro espejos del Salón de los Pasos Perdidos. Las escaleras blancas se verán azul marino en los espejos. −¿En qué punto o de qué manera su obra reflejará la premisa de esta III edición de la bienal? −Mi trabajo no refleja ni reflexiona: los espejos, en cambio, siempre estuvieron dispuestos a reflejar todas las premisas. −¿El espacio donde se desarrollará condiciona su trabajo? −Lo que me interesa es que mis escaleras condicionen la relación entre algunos observadores y el espacio. Sugerirles un itinerario vertical, un ritmo lento y una distancia corta, escalable. Para mirar un palacio es muy importante

apuntar hacia arriba y detenerse en los detalles. El espacio es mi protagonista; es la única estructura capaz de hacer visible el tiempo. −¿Cuán importante es para la escena artística local una bienal propia? −Las escenas locales pertenecen al siglo pasado. No hay escena local en ningún lugar del mundo. Los artistas viajan volando o navegando en Internet. Antes los cafés eran la escena local. Hoy, si uno entre a un café, la gente está más pendiente de las pantallas que de sus vecinos de mesa. Lo único local y contemporáneo son los productos de granja orgánicos y libres de gluten. −¿Qué expectativas tiene de esta experiencia a nivel profesional? −Mis expectativas profesionales son acercar y detener al observador. Si alguien me pregunta cuál es mi profesión, digo que soy un promotor de pausas.

Marco Maggi

*Convocado por el curador de la bienal Alfons Hug.

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LuIS caMnitzer −¿Qué obra presentará en la Bienal de Montevideo? −La obra que presentaré junto a mi hijo Gabo es nuestro Himno Internacional (versión inglesa), que hila fragmentos de los himnos de todos los países del mundo. Esta versión pone a los países en orden alfabético inglés. Después existirán cinco versiones más alfabetizadas de acuerdo a las lenguas oficiales de la Naciones Unidas. −¿En qué punto o de qué manera su obra reflejará la premisa de esta III edición de la bienal? −La obra existe por sí misma. Fue presentada por primera vez en la Bienal de Artes Mediales de Santiago de Chile y seleccionada por los curadores de la Bienal de Montevideo de acuerdo a la estrategia curatorial de los organizadores.

−¿El espacio donde se desarrollará condiciona su trabajo? −La obra tiene dos realizaciones. Una es su presentación electrónica en el hall de entrada del palacio, invadido por decenas de parlantes que crean un ambiente visualmente caótico pero sonoramente coherente. Estamos negociando además la ejecución de la pieza frente al palacio por una banda militar. −¿Cuán importante es para la escena artística local una bienal propia? −Las bienales siempre sirven para ofrecer un escenario a los artistas locales en una forma mucho más espectacular que lo que puede lograr un salón o las muestras en los circuitos normales. Las ciudades se bienalizan y el público no iniciado se concientiza sobre arte al vivir en una especie de festival

colectivo. Además estimulan el turismo artístico, presentando lo que se hace a otros mercados que normalmente no están enfocados en el país. Uno de los efectos laterales es que ayudan a la economía local por medio del consumo que produce el turismo. −¿Qué expectativas tiene de esta experiencia a nivel profesional? −Hace mucho que no vivo en Uruguay y debido a la ausencia forzada, toda oportunidad de participar en alguna actividad nacional es bienvenida. En este caso, al ser una obra en equipo con mi hijo, que además de artista es el músico de la familia, le da a él la oportunidad de solidificar sus vínculos con el país. Anteriormente él ya había expuesto en el Museo Blanes y en Dodecá, y esta bienal le permite renovar y solidificar su relación.

PabLo conde

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−¿Qué obra presentará en la Bienal de Montevideo? −Para esta ocasión, estoy trabajando en una intervención específica en las escalinatas del edificio. Reflexionando sobre el texto de Alfons Hug, intento relacionar el peso simbólico del Palacio Legislativo con nuestros orígenes inmigrantes. −¿En qué punto o de qué manera su obra reflejará la premisa de esta III edición de la bienal? −La premisa o el texto es un disparador que puede, o no, ser más o menos representado, en este caso es un punto de partida. −¿El espacio donde se desarrollará condiciona su trabajo? −Mi trabajo se desarrollará en las escalinatas, y es una intervención específica para este espacio. Por lo tanto el lugar a intervenir es fundamental y definitorio de mi obra. −¿Cuán importante es para la escena artística local una bienal propia? −No sé cuán importante es. Sí sirve para traer artistas de otros países y trabajar juntos. −¿Qué expectativas tiene de esta experiencia a nivel profesional? −Tener el apoyo necesario para trabajar en la obra.

MarÍa aGuSTINa Fernández −¿Qué obra presentará en la Bienal de Montevideo? −Voy a mostrar un trabajo en proceso; la pieza busca indagar en las imágenes de nuestra democracia; y es, en una manera no convencional, un estudio sobre el retrato. −¿En qué punto o de qué manera su obra reflejará la premisa de esta III edición de la bienal? −En que investiga y evidencia nuestro relato, muestra particularidades del país. Las imágenes de nuestra historia son espejo o reflejo de nuestras decisiones. Pero esas imágenes pueden ser muchas. −¿El espacio donde se desarrollará condiciona su trabajo? −Los espacios siempre son condicionantes. En el caso particular de la pieza que voy

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juLIa castagno −¿Qué obra presentará en la Bienal de Montevideo? −La obra está en proceso. Viene del trabajo sobre los fractales, el vacío, la iteración; a partir del documental Nostalgia de la luz, del cineasta chileno Patricio Guzmán, en el que astrónomos reflexionan sobre el hecho de que el calcio esparcido en el universo es el mismo que está en nuestros huesos. La universalidad. La materia. Tengo todavía el recuerdo de mujeres que al día de hoy buscan en el desierto de Atacama fragmentos de huesos de personas desaparecidas en la dictadura de Pinochet.

−¿En qué punto o de qué manera su obra reflejará la premisa de esta III edición de la bienal? −Yo no sería la indicada para hablar de eso ya que fui convocada por Jacqueline Lacasa, quien vio la correspondencia con mi obra. −¿El espacio donde se desarrollará condiciona su trabajo? −Si y no. Hice un video hace 16 años en el Legislativo. −¿Cuán importante es para la escena artística local una bienal propia? −Es muy importante a nivel internacional y nacional. −¿Qué expectativas tiene de esta experiencia a nivel profesional? −Que la obra quede increíble y que a la gente le encante.

a presentar, ya está de por sí vinculada a los espacios políticos, por lo cual enseñarla en el Palacio Legislativo parece apropiado. −¿Cuán importante es para la escena artística local una bienal propia? −Una bienal propia es una apuesta al arte local y eso es evidentemente necesario. Es un evento particular en una locación poco común, de por sí dará resultados inéditos y propicios a la reflexión. −¿Qué expectativas tiene de esta experiencia a nivel profesional? −Mi intención es seguir generando diálogos que aporten a mi crecimiento profesional. Participar de una bienal te puede funcionar como plataforma hacia nuevas oportunidades. Pero no se descarta que eso también pueda suceder a la vuelta de la esquina. Seguir insistiendo y mantenerme en movimiento resulta clave para que las cosas funcionen o al menos, para que sucedan.

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−¿Qué obra presentará en la Bienal de Montevideo? −Es un site specific especialmente pensado, producido y montado para este evento. La obra a presentar es una filmperformance realizada a partir de archivos analógicos de fotografía y cine encontrados, huérfanos, y documentos afectivos preservados en el Laboratorio FAC. Un ensamble visual con la ejecución simultánea de varios proyectores.

−¿En qué punto o de qué manera su obra reflejará la premisa de esta III edición de la bienal? −Es un proyecto que comencé a trabajar conceptualmente con la cocuradora Jacqueline Lacasa y luego elegí el soporte para su realización. Con una poesía, una metáfora visual y los dispositivos técnicos a utilizar que ya no son frecuentes, como los proyectores de cine en 16mm, los de diapositivas o de transparencias, pero con una concepción benjaminiana por su carácter

GuILLErMo zaBaleta

aurático vinculado a la memoria. −¿El espacio donde se desarrollará condiciona su trabajo? −Naturalmente condiciona el proyecto artístico a realizar, de ahí el site specific creado para este evento. Está claro que cada proyecto de alguna forma está condicionado al espacio, al cómo yo quiero reflexionar y cuestionar la realidad que nos atraviesa como artistas. Este en particular tiene una fuerte carga por ser lo que es y por cómo se vectoriza hacia varios campos de acción. Está en nosotros buscar una transversalidad y plantear nuestro trabajo para que dialogue con el espacio y el público. −¿Cuán importante es para la escena artística local una bienal propia? −Su importancia radica en la visibilidad. También en el diálogo con colegas nacionales e internacionales. Pero tan importante como lo es un Salón Nacional o los fondos concursables, por la exigencia profesional que uno le pone a todos los proyectos. −¿Qué expectativas tiene de esta experiencia a nivel profesional? −Las mismas que le pongo a todos los proyectos que realizo, hacer un buen trabajo que parta de lo conceptual y elegir el mejor soporte expresivo para reflexionar, cuestionar, exponer y proponer ideas desde el campo del arte. En tal sentido, el cine con sus procesos alquímicos y los artilugios lumínicos potencian el discurso. A partir del click del proyector veremos las expectativas futuras.

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DIEGo Masi

−¿Qué obra presentará en la Bienal de Montevideo? −Flash Light, una instalación sonora y lumínica hecha especialmente para este sitio. Es un proyecto que busca indagar y otorgar nuevos sentidos a la luz en relación y contraste con un espacio cargado de historia, solemnidad, simbolismo y de dimensiones diversas como el Salón de los Pasos Perdidos. −¿En qué punto o de qué manera su obra reflejará la premisa de esta III edición de la bienal? −En la América prehispánica, los espejos eran los captores de nuestros rostros que los reflejaban a través de imágenes. Hoy, en la era digital, las cámaras captan los retratos a través de la luz, aunque aquí solo hay flashes colocados dentro de baldes usados para la construcción, que tra-

bajan como vehículo para iluminar la imagen. Igual podríamos decir que la tecnología también puede operar y trabajar para el engaño. −¿El espacio donde se desarrollará condiciona su trabajo? −El espacio propuesto es todo un desafío en lo conceptual y en lo visual, ya que es muy fuerte toda la carga histórica y arquitectónica del lugar, por lo que hemos decidido con la cocuradora Jacqueline Lacasa hacer un proyecto específico para las puertas de acceso de senadores y diputados. El sonido de los pasos disparará los mecanismos de las luces que saldrán desde los baldes y seguirán en destellos a legisladores o visitantes que transiten por este espacio. −¿Cuán importante es para la escena artística local una bienal propia? −Una bienal posiciona a Uruguay en un lugar muy importante para la escena mundial. Tenemos una

bienal mucho antes que otros países latinoamericanos y de alguna manera marcamos el camino. Siempre se dice que tenemos un nivel artístico muy bueno para los pocos habitantes que somos, pero los artistas contemporáneos uruguayos no hemos podido aparecer en los grandes espacios internacionales. −¿Qué expectativas tiene de esta experiencia a nivel profesional? −Mis expectativas son que el Estado se dé cuenta de lo importante que es el arte contemporáneo para los países y que no se busque siempre un retorno económico como si los artistas fuéramos exportadores de carne. Tuve la oportunidad de ver en el exterior cómo cuando Uruguay se quiere parar frente a países grandes, lo hace en la mayoría de los casos citando artistas visuales como Torres García o Figari.

−¿Qué obra presentará en la Bienal de Montevideo? −Un tríptico que conforma un área mural de 7,50 por 2,80 metros. Es pintura sobre tela y aún no tiene título. Es una unión de dos etapas en las que me encuentro trabajando y en este caso planteo una extensión más del proceso incorporando elementos del contexto en que será expuesta. −¿En qué punto o de qué manera su obra reflejará la premisa de esta III edición de la bienal? −Entiendo a la pintura en sí misma como un espejo que nos devuelve un reflejo deformado y latente. Nos interroga continuamente sobre lo que somos. −¿El espacio donde se desarrollará condiciona su trabajo? −Hay un trabajo previo realizado con la cocuradora Jacqueline Lacasa en donde se definieron pautas del proyecto; la idea de realizar un mural en un espacio definido y que a la vez se relacione con el espacio. Es un lugar cargado de elementos que condicionan, tanto a nivel de su arquitectura, sus simbolismos y su carga histórica. Yo voy a tratar de contrarrestarlo y desarticularlo un poco, haciendo uso de formas que están ahí y adaptándome en su escala. −¿Cuán importante es para la escena artística local una bienal propia? −Me parece muy importante ya que una bienal es parte de un engranaje que nos pone en foco a nivel regional y global como país generador de artes visuales. Eso es muy bueno para sus artistas y es fundamental para galerías, curadores, coleccionistas, críticos, gestores, montajistas, público y turismo. −¿Qué expectativas tiene de esta experiencia a nivel profesional? −Prefiero no hacerme expectativas, aunque este tipo de experiencias siempre te hace crecer como artista, ya sea por lo aprendido en el proceso de generar la obra como por la difusión que pueda tener y los pasos que puedan surgir luego.

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SaNTIaGo velazco

MarGarET White

−¿Qué obra presentará en la Bienal de Montevideo? −Se trata de una obra concebida especialmente para la bienal, una instalación aérea con técnicas mixtas y que consta de varios elementos y distintos materiales. El título aún no está definido. −¿En qué punto o de qué manera su obra reflejará la premisa de esta III edición de la bienal? −Siempre abordo asuntos de actualidad, soy un producto de mi entorno, nada de lo humano me es ajeno, como tampoco era ajeno en Carlos Fuentes, un autor fuerte y comprometido con su tiempo. En sus obras reflexiona sobre la historia, la política, la libertad, la estructura

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TErESa puppo −¿Qué obra presentará en la Bienal de Montevideo? −Estoy trabajando en ella y va a tener ajustes, como cualquier obra en proceso. Por ahora, pienso presentar dos videos, un texto que va a ser leído en una acción poética y puede ser una publicación. No tengo título definitivo por ahora, creo que va a llamarse algo así como Algunas razones para justificar un genocidio. −¿En qué punto o de qué manera su obra reflejará la premisa de esta III edición de la bienal? −Mi trabajo es la continuación de la obra que vengo realizando desde el año 2000, cuando hice una videoperformance en homenaje a Micaela Guyunusa, la indígena charrúa sobreviviente de la masacre de Salsipuedes que fue llevada a Francia como objeto de estudio antropológico con el beneplácito del presidente Rivera. El año pasado, con Entrañable, me referí a las tramas ocultas de la historia rioplatense. La obra que voy a mostrar en la bienal escoge y manipula versos del poema Tabaré, de Juan Zorrilla de

San Martín, y cuestiona el sentir subjetivo que se forja para instituir la idea de la nacionalidad. −¿El espacio donde se desarrollará condiciona su trabajo? −Cualquier espacio condiciona el trabajo, tanto si tiene una carga simbólica significativa y notoria, como si no la tiene. Si vas a colocar una obra en el Palacio Legislativo, eso no es menor. Y el nombre Pasos Perdidos ya lo dice todo. Ese espacio conlleva un gran peso que nadie puede ignorar. −¿Cuán importante es para la escena artística local una bienal propia? −Es interesante para las o los artistas mostrar su obra en una bienal porque tiene una proyección internacional. Es interesante para el país porque también significa una proyección internacional nada menos que de su cultura, de la creación simbólica local. −¿Qué expectativas tiene de esta experiencia a nivel profesional? −La misma que cuando trabajo en cualquier obra. No creo que la experiencia a nivel profesional sea distinta a la que tengo en otra exposición. Personalmente, crezco y gozo con cada obra, y esa es mi expectativa, seguir creciendo y seguir gozando.

del poder y los conflictos sociales; con la amplia paleta de colores que tiene la sociedad mexicana. −¿El espacio donde se desarrollará condiciona su trabajo? −No condiciona mi trabajo. La obra fue concebida para ese espacio, por lo que el condicionamiento es de forma, no de contenido. Cuando uno crea una obra para un espacio o tema específico, la condición es parte del desafío. −¿Cuán importante es para la escena artística local una bienal propia? −Es una gran vidriera para el arte en el Uruguay y el mundo. −¿Qué expectativa tiene de la experiencia a nivel profesional? −Es un honor ser convocada para esta bienal, y también importante para mi carrera artística, pero más importante es el desafío que supone crear una obra para una muestra de estas características.

−¿Qué obra presentará en la Bienal de Montevideo? −Se llama Yoga Mat, un objeto que permite al público ser parte de la muestra y el entorno desde otro punto de vista. Nos da la posibilidad de situarnos frente a las obras y el espacio de manera relajada y a su vez nos deja en evidencia, dándole al momento una tensión performática. −¿En qué punto o de qué manera su obra reflejará la premisa de esta III edición de la bienal? −Hago objetos portátiles que el público puede generalmente utilizar para dialogar con el entorno y otros visitantes. En esta instancia abordo la premisa del diálogo sobre la convivencia, las experiencias, lo contemporáneo en el arte en un site specific tan particular como el Salón de los Pasos Perdidos. −¿El espacio donde se desarrollará condiciona su trabajo? −Una obra site specific usa su entorno para crear un efecto artístico. Un entorno como el Palacio Legislativo, tan impactante que empequeñece cualquier objeto, le pide a la obra un uso de la luz, del número y el tamaño muy precisos. Una locación como la que tenemos hoy es un componente determinante en la obra. −¿Cuán importante es para la escena artística local una bienal propia? −Montevideo, como cualquier capital en el mundo, debe darle a sus artistas una bienal, donde los uruguayos puedan compartir la escena artística internacional en su casa. El enriquecimiento que da la confrontación de ideas sobre la actualidad del arte hace fundamental la experiencia, sea como sea que uno participe. −¿Qué expectativas tiene de esta experiencia a nivel profesional? −Exponer obra en un lugar de peso, emblemático, en una bienal internacional, reta al artista a estar a nivel. Todas las expectativas se ponen a prueba en el momento que se abran las puertas del Palacio para el público de la III Bienal de Montevideo.

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ErNESTo rizzo

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FErNaNDo Foglino −¿Qué obra presentará en la Bienal de Montevideo? −El entierro, que consistirá en una doble intervención simultánea. Por un lado se trabajará con modelos a escala en impresión 3D sobre la maqueta del Palacio Legislativo que fuera realizada en 1913 y que se encuentra hoy en un altillo. Lo que allí suceda se verá reflejado en el salón de los Pasos Perdidos. La instalación mide aproximadamente 10 metros cuadrados. −¿En qué punto o de qué manera su obra reflejará la premisa de esta III edición de la bienal?

−El curador Alfons Hug reflexiona sobre El espejo enterrado, una obra del poeta mexicano Carlos Fuentes. La misma trata el devenir latinoamericano desde la época precolonial hasta el presente. El entierro que propongo en mi obra hace referencia a hechos de la historia reciente de nuestro país y la intervención toma la idea del espejo como puerta a un mundo paralelo o encapsulado. −¿El espacio donde se desarrollará condiciona su trabajo? −Mi intervención es un site specific, que se nutre y dialoga con el entorno. Estará en el espacio central donde se enfrentan las puertas que van a la cámara de diputados y senadores. Allí se encuentra la Constitución de 1830 original, custodiada por dos guardias del Batallón Florida. Enfrentada a la

Constitución es donde irá ubicada mi instalación. −¿Cuán importante es para la escena artística local una bienal propia? −Es muy importante, instala el nombre de Montevideo en un circuito de arte más grande, primero regional y después internacional. La escala de trabajo que exige una bienal es una oportunidad para los artistas uruguayos. Siempre lo consideré un evento relevante. −¿Qué expectativas tiene de esta experiencia a nivel profesional? −Que mi propuesta sea vista por gran cantidad de público y tener un buen nivel de discusión y análisis sobre el trabajo presentado. Tengo además mucha expectativa de ver concretadas las obras de mis colegas tanto de Uruguay como del extranjero.

CON NELSON DI MAGGIO

ver es INtErprEtAr LICENCIADO EN LEtrAS, INvEStIGADOr DE hIStOrIA DEL ArtE NACIONAL, DEfENSOr DE Su INDEpENDENCIA, INtELECtuAL LúCIDO, CurIOSO, y pOr SObrE tODAS LAS COSAS, CrítICO. Por YellY Barrios. FotograFías: Natalia aYala .

−En un circuito en el que nos conocemos todos, ¿cree que muchos no dicen lo que opinan para no herir susceptibilidades? −Soy crítico, no puedo reservarme la opinión. Hay mucha gente que me dice que no podría hablar mal de un amigo. ¿Qué tiene que ver? Si es tu amigo y le decís que está haciendo algo bien, cuando no es así, en realidad sos un mal amigo. −¿Por qué es necesaria la crítica de arte? −Ser crítico no es solo el nombre de una profesión. Es un modo de pensar, de actuar, de vivir, de ser, donde nada me es

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cimiento es a alguien que está en un estado terminal o paralítico o sobre todo, cuando ya no está. Los reconocimientos, se hacen aquí y en todos los lugares del mundo, tardíamente. Por eso, cuando circuló la información de que me darían una medalla, varios medios, que leyeron superficialmente la noticia, me dieron por muerto. Claro, es lógico”, completó Di Maggio entre las risas de los presentes en el auditorio. Pasa que 70 años de actividad ininterrumpida dan para mucho juego. El 12 de julio conversó con PAULA sobre los aspectos más importantes de su profesión, repasó lo que le conmueve y lo que le disgusta, comentó los trabajos que tiene pendientes, como la entrega de un libro biográfico de Juan Manuel Besnes e Irigoyen, maestro de Juan Manuel Blanes, y en un acto casi íntimo contó que muchas veces su rostro enjuto no significa que él esté enojado, simplemente es consecuencia de una afección que arrastra desde la juventud y que afecta los movimientos de los músculos de la cara. Igual, sabe que su presencia impone respeto, y eso le gusta. “Al contrario de lo que dijo alguna vez Gabriel García Márquez, ‘escribo para que me quieran’; yo pertenezco a esa generación de críticos que no aspira a ser querido por lo que debe decir sino a ser respetado por lo que dice”.

on su silueta sutil podría perfectamente pasar desapercibido, pero en realidad ocurre todo lo contrario. “Muchas veces cuando entro a una galería escucho un silencio abrupto”, bromea Nelson Di Maggio, dueño de una estampa sobria, mirada desafiante y un estilo mordaz en sus críticas de arte que le dieron esta fama de personaje temible. Por eso polémico es el adjetivo con el que más le califican. “Hace poco una amiga me confesó que mucha gente me tiene miedo, ‘¿pero por qué?’, me pregunto”, agrega en el mismo tono jocoso. Di Maggio sabe lo que provoca. Son décadas dedicadas a lo mismo. Conoce al dedillo la escena cultural local y la mayoría de sus agentes; los emergentes y los consagrados. Para muchos no es santo de su devoción, para otros es un pope, y en el territorio intermedio están los que cuestionan sus perspectivas sin obviar reconocerle los méritos que correspondan. Este año la comunidad artística uruguaya puso en marcha una serie de reconocimientos a la trayectoria de coleccionistas, docentes, mecenas y críticos de arte. La movida la propiciaron la periodista Adela Dubra y el artista Martín Sastre, quienes rápidamente reunieron adeptos a la causa. Así fue que el 21 de abril el Museo Nacional de Artes Visuales fue el escenario en el que se reconoció la vasta tarea de este maragato de 88 años, único varón en una familia de seis hijos, fanático desde la infancia del cine, la literatura, la música y por supuesto del arte. “Cuando me hablaron por teléfono para comunicarme la iniciativa quedé sorprendido. Lo pensé bastante y acepté por dos razones. En primer lugar consideré que más que algo personal es un reconocimiento a la crítica de arte; una actividad más golpeada que aceptada. En segundo lugar no es habitual que exista un reconocimiento a una persona viva, que anda todos los días, que recorre las galerías y los museos. Generalmente un recono-

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Desde 1953 Nelson Di Maggio es crítico de artes visuales. Sus escritos, publicados en varios medios desde entonces, están siendo recopilados y digitalizados actualmente por un grupo de alumnos de la Facultad de Información y Comunicación (FIC). Asimismo, en la fértil carrera de este autor se encuentran varios libros de referencia para estudiosos de la historia del arte nacional entre otros, Literatura y artes plásticas en Uruguay (1969), Washington Barcala (1995), Costigliolo, Homo geometricus (2010), Artes Visuales en Uruguay: diccionario crítico (2013).

ajeno. Es una actitud permanente. La crítica es natural a todas las personas, aunque en general se da por sentado que el mundo es tal como lo vemos, ver ya es interpretar. Ver el mundo, construirlo, es un atributo, una actividad artística que todos poseen. Pero hay personas que la ejercitan de manera sistemática, intensa y regular. Con pasión. Porque la auténtica crítica, la verdaderamente creadora, la única que puede llamarse así, es la crítica independiente, libre de cualquier poder económico, ideológico o afectivo, ajena a instituciones, museos o galerías. Crítica independiente y opositora, incluso con los gobiernos que simpatiza. Nunca puede ser oficialista. De otra manera, no es auténtica. Es una condición ética fundamental. Es una tarea compleja y difícil de enseñar. −¿Que opina sobre la formación de los críticos en Uruguay? −No hay cátedra de historia de arte nacional, no hay formación visual. Mi generación, formada en la Facultad de Humanidades, como María Luisa Torrens y Celina Rolleri, tuvo una educación de excepción con el profesor Jorge Romero Brest. Luego vinieron otras más jóvenes, Alicia Haber, Olga Larnaudie, Alfredo Torres. Ahora desembocamos en el periodismo líquido, menos sólido y metódico en sus objetivos, sin consistencia conceptual. Esta época es duchampiana pues muy a menudo es la mirada del espectador o la voluntad social la que crea la obra de arte, mucho más que el discurso teórico que la acompaña. −¿Desde dónde parte para realizar sus críticas? −Para empezar me interesa saber qué pasa. Tengo curiosidad,

voy a todas las exposiciones que hay en Montevideo. Las que tienen escaso interés y las que están consagradas; porque las que parecen menores son propicias para descubrir a alguien, para sorprenderme. Ninguno de mis colegas lo hace; irán a dos o tres, no mucho más. Las ignoran o no les importa, yo no podría dejar de ver algo, aunque sepa que no tiene relevancia. Necesito experimentarlo. −¿La crítica de arte como usted la ejerce está en peligro de extinción? −He tenido colegas muy buenos. Solíamos reunirnos y discutir, eran encuentros que cada vez suceden con menos frecuencia. Creo que aquí no hay críticos de arte. El único que tiene una formación especial es Riccardo Boglione, un italiano que estudió en Estados Unidos, que posee un bagaje cultural muy importante. Pero él recién llegó a Uruguay hace unos años, y hablar del arte local le debe costar muchísimo, porque no tiene todas las referencias históricas que demanda la profesión. Me he desprendido de materiales de mi archivo personal y se los regalé para que pueda conocer nuestra historia. Más allá de él no hay investigación. El arte nacional está a la intemperie, lo están los artistas, lo están más aún los críticos. La prensa ya no tiene espacio para esto; ni de cine, ni de teatro, ni de ballet, ni de arte. No hay nada. Hacen un periodismo cultural triste, en el que escriben de cualquier cosa, sin especialidad. Cuando uno lee se da cuenta de las limitaciones terribles que existen. −¿Por qué cree que pasa eso? −En los años 50’ teníamos una docena de periódicos para leer, matutinos y vespertinos, había revistas especializadas; todos los críticos tenían su área de desempeño, nos conocíamos, íbamos a los estrenos, a las inauguraciones. Ahora no, y el cambio llegó con la tecnología, con una pérdida de valores de la sociedad en general. Aunque se asumen algunos avances, estamos rezagados, aislados. Este año llegó la exposición de David Lachapelle, pero poco más. A Buenos Aires van artistas permanentemente de esa misma talla, ¿por qué nadie los quiere traer acá? Si no es toda una muestra, pues que sea una pequeña parte. ¿Por qué no

−¿Cree que en general predomina el criterio me gusta o no me gusta por sobre el de la argumentación? −Absolutamente. A mí me puede gustar una mediocridad absoluta. Me puede apasionar Lo que el viento se llevó, la he visto miles de veces, pero sé que no es una obra maestra. El Moisés de Miguel Ángel lo detesto, me parece de un barroco terrible, mediocre, y es Miguel Ángel. No es un problema de gusto, sino que es una observación objetiva. El arte es una actitud relacional; es un encuentro con el aura de la obra. Es un momento inefable en el que está la pieza de arte y el observador; es un instante que no depende de si me gusta o no. Y si no hay conmoción ante ese cuadro, esa instalación, ese video, entonces no hay nada. La maravilla del arte es que agrega algo a un mundo conocido. Esa es la función del arte, dar nuevas posibilidades de relación social, emocional, espiritual. Está claro que estos deslumbramientos no ocurren siempre, ni con muchos artistas. −¿En qué artistas contemporáneos encuentra estas circunstancias? −Aquí tenemos muy buenos; pienso en Luis Camnitzer, Marco Maggi, Rimer Cardillo, Ricardo Lanzarini, José Gamarra, Águeda Dicancro, Wifredo Díaz Valdez, entre otros. −Todos consagrados. −Sí, porque cada uno de ellos ha mantenido una actividad constante, perseverante. No es cuestión de hacer una obra y desaparecer como ocurre con varios casos. Un artista es para toda la vida, como un crítico, no renuncia, no se jubila. −¿Es autocrítico? −Mucho. Ahora mismo estoy corrigiendo Artes Visuales en Uruguay: diccionario crítico que publiqué en 2013. Leo algunas cosas allí y me pregunto '¿cómo pude haber escrito esto así?'. En un momento en el que se habla de cualquier cosa, que se publica cualquier cosa, tenemos que ser más exigentes con nosotros mismos. Hoy mantengo la vigilancia crítica: salvar el tiempo, salvar el pasado del frenético presente.

llega a Montevideo nada de la Bienal de San Pablo? Lo peor es que cuando salimos al exterior nadie nos conoce. Ubican muy bien a José Mujica, pero el arte nacional no lo conoce nadie. Como no vienen, no vamos y es una mutua mutilación la que sufrimos. −La Bienal de Arte de Montevideo es un esfuerzo por cambiar esa realidad? −Sí, puede ser. Igual creo que una bienal para que sea efectiva no puede tener siempre al mismo curador. Este año por tercera vez es el mismo nombre: Alfons Hug. No se puede decir que no conoce del tema; porque viaja muchísimo, pero ha hecho de las curadurías internacionales un sistema de subsistencia. Ha traído artistas que importan en las ediciones anteriores, pero creo que sigue eligiendo lugares absolutamente inapropiados. El Banco República no fue propicio, tampoco lo va a ser el Palacio Legislativo. No es un espacio para las artes visuales. Para mí es una frustración de antemano. −También puede verse como un desafío para que los artistas trabajen en relación a un edificio específico y no solo en base a la temática que se propone desde la curaduría de la bienal. −También. De ahí podría surgir una linda respuesta, pero generalmente no se dispone de un presupuesto tan generoso como para hacerlo así. Cuando las bienales hacen las cosas bien tienen a disposición del artista un elenco muy diferente al que existe en Montevideo. Es complicado este momento. −¿Cuál sería una buena manera de ayudar a los artistas? −Desde el gobierno, lo mejor claramente no es haciendo concursos una vez por año. El artista debe hacer trámites engorrosos para los que a veces hasta debe recurrir a terceros. Y cuando le dan el dinero lo tiene que usar para la casa o para pagar deudas. Me pregunto por qué no los mandan al exterior con becas que amplíen su formación, su mirada. Eso es lo importante para un creador.

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"LA AutéNtICA CrítICA, LA vErDADErAMENtE CrEADOrA, ES LA CrítICA INDEpENDIENtE, LIbrE DE CuALquIEr pODEr ECONóMICO, IDEOLóGICO O AfECtIvO, AjENA A INStItuCIONES, MuSEOS O GALEríAS. CrítICA INDEpENDIENtE y OpOSItOrA, INCLuSO CON LOS GObIErNOS quE SIMpAtIzA. NuNCA puEDE SEr OfICIALIStA".

Con Rafael loRente

El artE de ReCiClaR

ConCedeRle una nueva vida a viejos edifiCios es lo que más apasiona a este aRquiteCto y plástiCo uRuguayo; y ni que hablaR Cuando se tRata del museo de su maestRo josé guRviCh. sepa Cómo lo pRoyeCtó y de paso ReCoRRa la obRa de un gRande.

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Por Carla rizzotto. FotograFías: Pablo rivara.

su socio Fernando Giordano; a pedido de Martín, hijo del pintor, escultor y ceramista. En 2013 comenzaron las obras en el edificio ubicado sobre Peatonal Sarandí, a pasos de la plaza Matriz, adquirido justamente por su ubicación estratégica desde el punto de vista turístico y cultural. Dos años y medio después, en noviembre de 2015, el museo abrió sus puertas. −¿Le aportó haber conocido la intimidad de Gurvich a la hora de ejecutar su museo? −Hablábamos mucho. Él amaba el Mediterráneo, y amaba el arte mediterráneo, entonces me decía que quería una casa que reflejara eso. Lo hacía extensivo a la música, a la comida, porque le gustaba comer, y bien. Había ido a Grecia, había recorrido Italia, por lo que tenía esa sensibilidad hacia la luz mediterránea, las pérgolas y las fuentes. −¿Pudo reflejar ese espíritu en este edificio? −Yo creo que sí. Con Fernando rascamos los muros, hasta como antropólogos, buscando historias detrás de lo que se veía. Descubrimos una serie de vigas de madera que nadie sabía que existían porque estaban tapadas por un cielorraso. Nos encontramos con una construcción de 1850, y la teníamos que evidenciar, poner en valor. Después había otros espacios construidos sobre 1940, en hormigón. El primero, el segundo y el tercer nivel, donde se recibe la obra y se relata la vida de Gurvich, tienen una escala de lectura, de aproximación, que requiere espacios pequeños e íntimos. Pero el circuito museístico planteado, no solo tiene que ver con la escala sino también con el carácter de la casa donde

osé Gurvich no solo fue su maestro sino también su primer cliente. “Lo conocí cuando él todavía estaba en el taller Torres García, en la calle Rondeau; y después se mudó al Cerro, a la casa que era de Gonzalo Fonseca. En el año 61 compró una vivienda sobre Polonia, al final de la traza urbana del barrio. Yo era estudiante de arquitectura e iba a sus clases de arte, entonces me propuso hacerle un proyecto para su casa”, relata Rafael Lorente. Debía reciclarla. Era una antigua construcción de principios del siglo XX, de piedra, ladrillo y techos de chapa. “Con su patio; típica del Cerro. Empezamos la obra y al poco tiempo, en el 64, él se fue del país; así que no la llegamos a culminar. Luego retornó pero con la idea de irse definitivamente de Uruguay. En el 67 preparó una exposición memorable en la Comisión Nacional de Bellas Artes, con más de 200 obras; terminó los trabajos de cerámica a los que se había abocado en aquel momento; y se fue. Ahí se cortó nuestro vínculo”, recuerda. Un vínculo que en realidad nunca se cortó; o al menos solo físicamente, ya que el pintor constructivista fallecido a los 47 años sigue presente en el corazón y en las creaciones de Lorente. “Al proyectar el nuevo museo, que es su morada definitiva, cerré el círculo“, expresa el autor de otros reciclajes destacados como los centros culturales de España y México, y de la construcción del Liceo Francés y la sede de AEBU. El Gurvich, al igual que tantos proyectos, lo levantó junto a

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En la planta baja del museo destaca un mural que Gurvich pintó en 1963 sobre 24 paneles de madera para la Caja de Pensiones del Frigorífico del Cerro.

al maestro con cariño “Gurvich fue un gran artista, un gran pintor, un gran dibujante y una gran persona. Era un tipo extraordinario. En un momento dudó entre la pintura y la música. Él hubiera sido un artista con cualquier herramienta. Pero independientemente de eso también fue una gran persona: la enseñanza del hombre que está en los cuadernos, en sus cartas, y en la memoria de Totó, su mujer, y de su hijo Martín. Desde lo artístico, no cabe duda de que fue uno de los pintores más talentosos del taller Torres, y desarrolló un lenguaje absolutamente personal partiendo de las directivas del maestro Joaquín Torres García. Él se liberó de la ortodoxia del taller quedándose con lo más esencial, que es la manera de construir, el plano, la proporción. A partir de eso hizo su viaje personal e indagó en el mundo de las referencias judaicas, pero también en el mundo de sus orígenes lituanos, porque él se fue al Cerro, que era un barrio de lituanos, rusos y polacos. Allí pintó una serie de personajes, que son los del barrio, los obreros que trabajaban en la industria frigorífica en ese momento, y él se consideraba un obrero del arte. Se consideraba uno más”, precisa Rafael Lorente sobre su querido José.

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El mundo del Kibutz, de 1970, es un mural pintado por Gurvich en óleo sobre madera, durante su tercer y último viaje a Israel.

él vivió en el Cerro. Entonces la gente va a encontrarse además con muros de ladrillo visto, con las vigas de madera; ese carácter está presente aquí. −¿Y en los dos últimos niveles? −El cuarto piso era la azotea de la antigua casa. Ese nivel y el quinto fueron construidos de cero para recibir obras de carácter contemporáneo; por lo que la arquitectura responde a esos lineamientos: es limpia, despojada, de colores neutros. Como aportes posee la espacialidad por un lado y por otro, la presencia monumental de la cúpula de la Catedral de Montevideo. Colocamos un vidrio en la parte superior de la pared justamente para que esa magnífica visual se colara dentro del museo. −Es decir que combinó reciclado con nueva construcción. ¿Hay restauración? −No, en este edificio no hay. Soy contrario al espíritu de la restauración. Reciclar significa darle una nueva vida a las cosas, revitalizar, otorgarle otro ciclo. Restaurar es congelar, momificar. −Pero existen edificios que no pueden intervenirse, o sería un crimen hacerlo. −Por supuesto, hay edificios que tienen tal valor que hay que

mantenerlos con el espíritu y la forma con que fueron concebidos originalmente. No vas a refuncionalizar la Catedral de Notre Dame, o el Panteón de Roma. Pero también hay que tener presente que estas construcciones son un recurso que la sociedad se da, y en la medida que cambian las funciones y los contenidos, también debe cambiar el envoltorio, porque de lo contrario es un chaleco de fuerza. Y más en sociedades como la nuestra, que es pobre, en la que tenemos que reutilizar los recursos al máximo para adaptarlos a las nuevas necesidades y para que el día de mañana venga otro y haga otra cosa. Para que siga la vida. Fue lo que hice en el Centro Cultural de España, en el de México y en este museo, todas obras de reciclaje típico. −¿Qué funcionaba aquí antiguamente? −Eran depósitos de Cutcsa, que funciona acá al lado, en una casa que originalmente perteneció a la familia Rodríguez Larreta; allí vivió el famoso actor y director Taco Larreta. La empresa de transporte la compró para instalar sus oficinas administrativas centrales y adquirió este predio lindero para sus viejos archivos. No te imaginás lo que era cuando tomamos el edificio; un caos, pero no por el desorden, sino porque había muros por todos lados, muchas escaleritas, estaba todo cortado. −¿Cómo es el proceso? ¿Qué sucede la primera vez que llega al lugar? −El lugar es el detonante de la obra. Esto no se concibe en la cabeza, sino en un diálogo y en una reflexión con el sitio; que es el que te genera las posibilidades de la obra. Después recién vas y dibujás, aunque siempre hay un ida y vuelta: hacés dibujos, volvés al lugar, corregís los dibujos en el lugar, vas de nuevo al tablero, volvés. La dirección de obra lleva un tiempo infinito. Yo lo asimilo al trabajo de un escultor. Un escultor trabaja la obra desde afuera, esto es como una escultura trabajada desde adentro. Tenés que tener en cuenta de dónde sale el sol, los reflejos, la luz en invierno y en verano, las vistas. El primer día, cuando subimos a la terraza, vimos la potencialidad que nos daba la visual hacia la catedral. Sabíamos que la cúpula tenía que estar presente en el proyecto. Esa es una tarea de investigación que hacés en el lugar. Si no tenés la disposición y el tiempo, más vale que no te metas en una tarea de reciclaje porque te va a salir algo ajeno.

Fragmentos del mural de Mailhos, 1962, dañado al intentar retirarlo de su ubicación original.

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Los niveles uno, dos y tres del museo retratan vida y obra del artista constructivista, de ahí el carácter íntimo de sus distintos espacios. Lorente señala cuatro creaciones de Gurvich que el visitante no puede dejar de contemplar: Abrazo del Cerro, de 1964; Constructivo libre, de 1959; Collage en naranjas, de 1972; y Perspectiva en el Puerto, de 1947.

de muestra

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Una escultura de Carlos Guinovart convive con la creación de Martín Mendizábal.

−¿Qué otro factor es fundamental? −El otro factor es investigar la historia del edificio. Tenés que ver cuál es la organización espacial para no ir contra ella, sino a favor. Por ejemplo, en el Centro Cultural de España había un inmenso espacio de cinco alturas que era central, y a nadie se le ocurría que eso podía dejar de ser así para convertirse en una suma de pisos. Tener claro qué es lo que hay que potenciar forma parte de la postura del proyectista. También trabajar a favor de los sistemas constructivos originales, que en ese caso venían de Francia o Bélgica, era una arquitectura importada de hierro que luego se armaba acá. Eso lo descubrí investigando, hay que picar para ver cuál es la esencia del lugar. De repente no encontrás nada, pero ahí aparecieron espléndidos pilares y todo un sistema de bovedillas prefabricadas de hormigón que

Lo contemporáneo también tiene lugar en la casa de Gurvich. De hecho, los dos últimos niveles están destinados a la exhibición de muestras con este espíritu, que se irán renovando cada tres meses apróximadamente. En este momento, y hasta fines de agosto, se encuentra en exposición Permanencias y persistencias, de 6 artistas contemporáneos, con curaduría del mismo Lorente. −¿Con qué criterio seleccionó a Eduardo Cardozo, Carlos Guinovart, Martín Mendizábal, Fidel Sclavo, Gustavo Serra y Álvaro Zinno? −Quise hacer una selección de artistas que fueran nacidos hacia 1960, y formados al final de la dictadura y comienzos de la democracia, ya que eso constituyó un periodo fermental en nuestro país. En la dictadura se cerraron muchas instituciones como la Escuela de Bellas Artes y se intervino la Facultad de Arquitectura. ¿Qué lugares tenían los artistas jóvenes para formarse? Había una serie de maestros como Guillermo Fernández, Nelson Ramos, Ernesto Aroztegui, Manuel Espínola Gómez, quienes sustituyeron a la enseñanza oficial y sus talleres se constituyeron en verdaderos centros de reflexión. Más allá de iniciar a los jóvenes en el camino del arte, se les daba una ubicación humana y sensible respecto a su tiempo. Su presencia fue muy importante para ese grupo de jóvenes artistas. Llegué a contar más de cuarenta, todos ellos formidables, es decir que podría hacer seis muestras diferentes con esa generación. −¿Por qué ellos entonces? −En primer lugar porque me interesaba su trabajo en relación con el oficio de pintor, de escultor, de fotógrafo, de diseñador. El discurso que tienen está muy metido en el oficio, en el hacer, en la materia, mucho más que con lo que pueden ser planteos de arte conceptual, o de arte vinculado a discursos de género, ambiental, ideológico o de raza. No me interesaba nada de eso. Me interesó enfocar el trabajo en los recursos estrictamente visuales y plásticos. Y lo otro es porque son amigos, porque me llevo bien con ellos. Cuando armás una muestra con un grupo diverso de artistas, hablar un idioma común es importante. Admitirlo no es políticamente correcto, en absoluto. Pero tengo mis años, mi trayectoria y puedo hablar con total libertad. No es políticamente correcto que no haya alguna mujer, que pudo haber estado; o haber incorporado algún representante de las minorías. En algunos lugares fui criticado, pero las cosas son como son. Además, no son de una vez y para siempre. El día de mañana habrá otra muestra y seguramente voy a organizar otra con artistas jóvenes porque me encanta trabajar con ellos. Y ya tengo en la cabeza a una amiga para incorporar (se ríe). −¿Próximas muestras? −La siguiente es una de Miguel Battegazzore, cuya curadoría estará a cargo de Ángel Kalenberg. Hay otra para principios del año próximo: habrá tres artistas compañeros y alumnos de Gurvich del taller que son Mario Lorieto, Manuel Otero y Walter Deliotti. Ellos tres expondrán obras en madera.

no estaban en el proyecto original porque había cielorrasos que tapaban todo. Había falsas ménsulas, falsas vigas, tocabas y todo era hueco. Tenés que investigar a fondo la naturaleza constructiva y la espacial; recién entonces proyectás e incorporás la función contemporánea. −Después de la intervención, el edificio pasa a ser vivido. ¿Es de volver para ver cómo le sentó el paso del tiempo? −Después de proyectar la casa de Gurvich en el Cerro, trabajé con mi padre, un arquitecto muy conocido en Montevideo, en la construcción del edificio de AEBU −sobre calle Reconquista−. Pasaron 48 años de su inauguración, y hace un tiempo me volvieron a llamar. Querían hacerle algunas adecuaciones al edificio porque necesitaban nuevas funcionalidades, y además porque durante esa cantidad de años metieron mucho la pata. Una

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00 Estas dos obras de Fidel Sclavo fueron colocadas especialmente en este lugar ya que sus tonos neutros complementan la visual de la catedral de Montevideo que se aprecia en el fondo.

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Arriba, Pareja sin terminar, y abajo, Sucot, ambos trabajos de 1973.

persona, sin saber mucho, vino y dijo ‘yo necesito una piecita, entonces pongo un murito, otro murito y hago una piecita’. Vino otro e hizo otra piecita allá, y colocó un aire acondicionado sobre la fachada. Vino el de deportes y usó una parte de la galería para instalar los aparatos. Cada uno empieza a ocupar cosas y a distorsionar de alguna manera el proyecto original. No quiere decir que no se pueda hacer, al contrario, se debe hacer; pero con un sentido global, no de a pequeños retazos o chacritas. Porque al cabo de los años, aquello que tenía una unidad y una funcionalidad, deja de tenerlas. Me llamaron para recobrarlas, y estuve este año trabajando en darle un nuevo impulso a los espacios. Es interesante porque se trata de un reciclaje sobre lo contemporáneo. Uno tiene la idea de que el reciclaje es sobre algo antiguo y no siempre es así. −¿Le atrae más el reciclaje o una obra nueva? −El Liceo Francés, que construí de cero fue un proyecto muy interesante. En un lugar excepcional, el Puerto del Buceo, de cara al horizonte; además del programa pedagógico, que me gusta mucho. Fue mi hija a ese colegio y hoy van mis nietos, así que estoy encantado; paso seguido. Ese edificio tiene 15 años. La creación no tiene marco, vos se lo ponés en cada circunstancia. Así como este edificio de Gurvich te habla de una preexistencia,

en el caso de una obra nueva suele ser el lugar con el que establecés el diálogo. −¿Puede identificar cuándo interviene más el artista y cuándo el arquitecto? −Para mí arte y arquitectura son el mismo proceso. No hay arte que no sea creativo, no hay arquitectura que no sea creativa. A mí no me interesa la promoción inmobiliaria, me interesa la arquitectura como fenómeno artístico, cultural, y de producción. Me interesa el arte en esos términos y el vínculo entre ambos en esos términos. La arquitectura me dio mucho para mi arte y el arte me dio mucho para mi arquitectura. −¿En qué proyecto se encuentra ahora? −Estoy tratando de recuperarme. En noviembre presenté el libro Arte y Arquitectura en Uruguay 1930−1970. También inauguramos el museo. Entre diciembre y marzo pasados expuse una muestra antológica en el Museo de Artes Visuales, con más de 120 obras. Para esa muestra trabajé con Rodolfo Fuentes, el diseñador, en el catálogo, que más que catálogo fue un libro. Ahora estoy trabajando en dos proyectos como consultor, en las obras de AEBU y estoy escribiendo un capítulo de la obra de Gurvich, que es la del Cerro, y vamos a hacer un libro con eso. Además estoy trabajando en mis obras. Tengo cartón lleno.

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Arriba, un moderno vitral distrae la mirada a medida que se avanza por los diferentes sectores de la planta baja. Abajo, la recepción, poco visible al visitante, tiene como gran protagonista una reproducción digital de una obra de Ignacio Iturria. En ella el artista plasmó manchas abstractas a las que superpuso historias de su universo creativo. Cada uno de los rincones exhibe detalles de la cultura uruguaya.

Para Gabriel Raij, arquitecto de WSW, y responsable del proyecto, el hotel busca integrarse a la ciudad de forma equilibrada sin estridencias y lujos importados. De ahí el objetivo de que el turista se sienta como en su casa. Desde la entrada se respira una mezcla de modernidad y confort. El resultado, una atmósfera acogedora y descontracturada.

vivir montevideo

FotoGRAFíAS: PAblo RIvARA.

el primer Hyatt CentriC fuera de estados unidos está ubiCado a los pies del río de la plata, en plena rambla de poCitos. transmitir la vibra de la Ciudad es la Consigna de la ambientaCión.

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estreno

Moderno bar invita con su propuesta de tragos de autor. Su dĂŠco singular es producto del mix entre elementos industriales y toques contemporĂĄneos; tal el caso de las paredes revestidas en metrobrick. Abajo, la escultura central del lobby lleva la firma de RaĂşl Sampayo y simboliza el nido de un hornero.

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El corner, de estética minimalista, es el corazón del hotel. Entre sus varios livings domina la biblioteca, donde el visitante encuentra objetos, libros y juegos típicos. Abajo derecha, dos acuarelas de lizzie Magariños custodian un grupo de sillones en cuero. Izquierda, el toque nórdico está siempre presente en mesas, banquetas y lámparas.

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El restaurante Plantado tiene la cocina a la vista, y las mesas y barras en madera lo transforman en un lugar de encuentro. Abajo, la reja diseñada por la artista plástica Mane Gurméndez replica versos de un poema de Idea vilariño, calado en filigrana de hierro.

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Un olivo preside el salón, y está rodeado de pequeñas mesas comunitarias que hacen del lugar un refugio gastronómico vanguardista y en constante movimiento. los pisos en mosaico evocan a los de la vieja casona preexistente.

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Algunas con vista al rĂo y otras a la ciudad, las suites tienen una decoraciĂłn armĂłnica, en una paleta neutra. Con amplios ventanales, son luminosas y sobrias, y cuentan con detalles decorativos que aluden a construcciones antiguas de Montevideo.

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la artista Mane Gurméndez trabajó con fotografías de edificios emblemáticos de La Muy Fiel para caracterizar un recorrido en cada piso. Así, intervino espejos e imágenes que acompañan al huésped hasta su habitación. Cabe anotar que cada cuarto exhibe una obra diferente.

la ubicación de privilegio frente a la bahía de Pocitos hace que desde el Lounge 180 se aprecie una postal única de la capital. Allí se pueden degustar desayunos y tragos al atardecer. la decoración del hotel estuvo a cargo de un grupo conformado por liliana di lorenzo y Gabriel Raij de WSW, Sergio Echeverría, y vivai.

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El Fitness Studio es un capítulo aparte. Dispone de un amplio espacio con aparatos de última generación, así como una piscina climatizada y una suite de masajes.

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BEMAOR

A PASO FIRME

LOS MúLtiPLES BEnEficiOS dE LOS PiSOS viníLicOS LE OtORgAn A EStE REvEStiMiEntO un POSiciOnAMiEntO dE PRiviLEgiO A LA hORA dE REdEcORAR.

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oy por hoy, los vinílicos son una herramienta de diseño muy valorada por los profesionales de la decoración, en particular aquellos con diseño y destinados no solo al hogar sino a grandes superficies con alto tránsito como centros comerciales, tiendas y restaurantes. Es que la tecnología desarrollada para estos suelos ha logrado ubicarlos en una posición de preferencia frente a otras soluciones como pisos flotantes, de cerámica o piedra. Su uso también se ha masificado en instalaciones como hospitales, ya que la incorporación de nano partículas de plata les otorga calidad de antibacterianos. Es que el revestimiento cuenta con diversas cualidades: amortigua el ruido, es más duradero, fácil de mantener y resistente a la humedad y a las manchas. Frente a otros materiales alternativos, uno de los puntos más destacados es la facilidad de limpieza. Dado que es impermeable, puede ser humedecido, y además soporta productos no abrasivos. Asimismo, gracias a las nuevas tecnologías, materiales y tratamientos aplicados, presenta una gran resistencia en lo que a rasgaduras, roturas y agujeros se refiere. A diferencia de superficies duras tales como las baldosas de madera, los laminados y las cerámicas, los pisos vinílicos y de PVC poseen gran capacidad de amortiguación, lo que por un lado, los hace más adaptables y por el otro, mitiga los golpes en caso de que haya niños o personas mayores en casa. Se trata de un revestimiento ideal para cambiar el aspecto de sectores húmedos como la cocina o el baño, de forma rápida y sin obras, ya que toleran el agua. En estos casos es apropiado utilizar suelos antideslizantes, fabricados especialmente pensando en la seguridad.

mercado local En Bemaor SA se puede encontrar y seleccionar la última tecnología en tablas y pisos vinílicos. Entre los productos que ofrece la firma hay para optar entre distintos espesores y más de 500 tipos de diseño y color. Su revestimiento UV de alta densidad asegura una vida útil más larga que la ofrecida por recubrimientos UV normales. Por si fuera poco, contienen hojas de fibra de vidrio que se insertan para mantener la estabilidad dimensional mediante la contracción y la expansión en el pavimento. Además, la variedad de pisos ofrecida por Bemaor es eco-amigable, ya que para su fabricación se utilizan materiales reciclados. En cuanto a la instalación, esta se realiza mediante un fácil pegado con adhesivo en base acuosa que no contamina ni intoxica.

características principales

Los pisos vinílicos son la última tendencia en recubrimientos, y se adaptan muy bien en hospitales por su característica antibacterianas.

A todas las ventajas presentadas se agrega la calidad decorativa del material. Disponible en infinidad de estilos, acabados y colores, su diseño versátil ofrece opciones casi infinitas. De hecho, gama ofrece desde colores lisos hasta propuestas de gran realismo, que imitan materiales naturales. Además, las baldosas y tablones vinílicos pueden cortarse a medida y utilizarse también para representar logotipos corporativos. Cuando se compara con materiales alternativos, el vinilo ofrece un costo atractivo de instalación y un mantenimiento económico durante su vida útil. Puesto que no es necesario retirar el suelo anterior, el trabajo se hace mucho más rápido y sin ensuciar.

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• Fácil de colocar. • No le afecta el agua. • Fácil de limpiar. • Brinda aislación térmica y eléctrica. • No se raya. • Mayor resistencia y durabilidad que el piso flotante. • Es ignífugo. • Ofrece absorción acústica. • Amortigua las caídas.

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El proyecto, de estética contemporánea y líneas rectas, fue desarrollado por el estudio del arquitecto Eduardo André Zorrilla. .

SENior ApArtmENt S

FOTOGRAFÍAS: NATALIA AYALA.

EN EL CorAZÓN DE CArrASCo, ArKADiA LiViNG iNAUGUrA UN EStiLo DE ViDA iNÉDito EN moNtEViDEo. DiSEÑADo pArA UN pÚBLiCo ADULto Y ACtiVo, EL EDiFiCio propoNE iNDEpENDENCiA, CoNFort Y SEGUriDAD.

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EL HOTEL EN CASA

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Arriba izquierda, en la recepción funciona un completo servicio de conserjería. Allí destaca la obra de Zuloaga. Derecha, un living comedor tipo. Cabe anotar que el edificio cuenta con cuatro modelos de apartamento. Todos incluyen estufa a leña.

sEniors ApArTEmEnTs

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Los pisos de lapacho así como la noble calidad de los materiales fueron el punto de partida para que el estudio Lanzaro Acle diseñara esta cálida decoración. Las unidades, de más de 100 metros cuadrados, tienen su propia terraza o deck, y cuentan con dos dormitorios con vistas al jardín o a las canchas de tenis. Además hay áreas para entretenimiento y gimnasia.

Celedonio nin y silva 2358, www.arkadianliving.com

maestros en obra

artesanos

del SoNido construir y reparar instrumentos lleva toda una vida de aprendizaje y de práctica. a continuación, hablan cuatro uruguayos que dedican sus horas al oficio, en busca de una recompensa que solo capta el oído.

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Por Sofía Kliche. fotografíaS Natalia ayala.

las herramientas imprescindibles del luthier de guitarras: el calibre micrómetro japonés, y los cepillos. otro básico es el formón finlandés, al que ariel considera “mágico, y muy antiguo”.

dio los primeros pasos en este oficio antes de aprender a hablar. su padre era guitarrista y tenía taller de construcción de instrumentos en la época dorada de la guitarra española en uruguay. Ariel Ameijenda vio desde chico desfilar por su casa a los mejores concertistas y fabricantes del rubro. el perfume a cedro y jacarandá que se huele en su atelier, él lo tiene tan incorporado que ya no lo siente, cuenta riéndose. a los 16 años, bajo la tutela de su padre, comenzó a hacer los primeros instrumentos, y hasta hoy recuerda la exigencia y las enseñanzas del progenitor. luego estudió musicología, y se perfeccionó desde varios frentes en el arte de la luthería. “no soy guitarrista pero tampoco lo veo tan compatible, porque las manos se te destrozan, se preparan más para la fuerza que para la agilidad. sí tengo un oído muy afinado”, confiesa. sus clientes, los de la élite musical de varios rincones del mundo, hoy buscan su sonido. un sonido que él persiguió, a su vez, durante 20 años y que por fin, a fuerza de escuchar, tocar, y ver, pudo retener y hasta definir, aunque prefiere que eso lo hagan otros por él. “así como en la cocina hay sibaritas, en la construcción de instrumentos clásicos hay gente que puede describir con lujo de detalles los sonidos. básicamente hay algunos grandes aspectos que se pueden medir, como

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Ariel ameiJenda

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el volumen, la proyección, el equilibrio, el rango dinámico, el color, el timbre, y la afinación”, explica el experto. ariel cedió la elaboración de los cajones flamencos a su hijo mayor, así él puede dedicarse cien por ciento a las guitarras. en las paredes de su laboratorio de trabajo, en playa hermosa, las hay de todo tipo: “la pasión que siento por la guitarra me fue llevando hacia atrás, a sus orígenes y familias, y esporádicamente sigo haciendo vihuelas, guitarras barrocas, románticas, y laúdes renacentistas. es una forma de investigación, para entender cómo la guitarra llegó a lo que es hoy, a esta síntesis”, detalla. la particular calma que se respira allí probablemente tenga que ver con sus viajes a la india, donde ameijenda aprendió el arte de la meditación: “esos viajes me dieron la posibilidad de poder estar en silencio en el taller y meditar cuando trabajo; de encontrarme conmigo mismo en el hacer; de respirar y sentir”. desde esa zona alta del balneario, con vistas al mar, luminosidad y paz, también busca la perfección, “una tarea para toda la vida”, aclara. “cuando llegás a cierta madurez

en un oficio los grados de transformación son mucho más sutiles, pero siempre se puede. más allá del sonido, la guitarra a nivel estético te permite mover en determinados carriles. todos los años voy cambiando los modelos de las rosetas, por ejemplo, que para mí son un orgullo manufacturar y diseñar”. ariel tarda unos 28 días en construir una guitarra clásica, y hace 15 años que tiene lista de espera permanente, de no menos de cuatro meses. reconocidos artistas internacionales tocan las de su autoría con orgullo, y vende en sitios como guitar salon international, y en la prestigiosa siccas guitars, grandes vidrieras al mundo. en su taller también organiza pequeñas sesiones para los vecinos, con músicos a los que les fabrica instrumentos. “ese es otro de los sueños que he podido concluir. que se hagan conciertos en la magia del taller, con entrada libre. que se toque el instrumento que nació acá, que entró hecho una tabla de madera. cada vez que un concertista me encarga una guitarra y la viene a buscar, lo convenzo para que toque para los vecinos”.

joAn FernÁnDeZ el taller es tan grande que cabrían en él unos mil o dos mil tambores. en ese espacio, ubicado en el parque tecnológico industrial del cerro, joan fernández, nacido en ese mismo barrio, elabora de forma artesanal entre cinco y diez tambores semanales, según la época del año. su vínculo con el candombe viene de chico, cuando veía pasar por la puerta de su casa a las comparsas de la zona. “en ese entonces los instrumentos eran muy distintos, eran barrilitos arreglados por alguno que se daba mañana”, dice el especialista. inquieto por naturaleza y apasionado por los oficios, si bien joan siempre quiso ser carpintero, se volcó primero a la orfebrería. pero aún no había cumplido los 20 cuando decidió, con un amigo, hacerse un tambor para tocar. “tenía un altillo en la casa de mis padres, y ahí nos juntábamos. por esos años el candombe empezó a pegar fuerte, y yo estuve

me da el físico como antes”, confiesa este artesano de 41 años al que la vida lo llevó también a convertirse en empresario. pero si alguien se arrima a su taller, lo verá moverse como pez en el agua entre las maderas de pino y fresno. las corta, las lija, las deja reposar en agua caliente, las dobla, y todo lo hace con una técnica segura, con ese proceder decidido de la gente confiada en lo que hace. ya no sale tocando en las comparsas, como lo supo hacer en un tiempo, pero fiel a su espíritu emprendedor comenzó la carrera docente de carpintería en el instituto normal de enseñanza técnica. “lo que pasa es que a mí lo que más me gusta es el proceso”, dice mientras estampa con hierro hirviendo sus iniciales en un tambor recién nacido.

un año investigando para resolver cómo hacer el instrumento. estudié el curvado de la madera, los enganches. era autodidacta total. me acuerdo de despertarme soñando con soluciones, cosa bien de obsesivo. además, en la empresa de publicidad donde trabajaba, me dejaban experimentar con algunos materiales. así empecé a adquirir los primeros conocimientos”, explica. su curiosidad coincidió con la explosión de esta manifestación cultural de origen africano a nivel nacional, que pasó de ser practicada por unos pocos, a crecer comercialmente y salir de fronteras. cuando el joven resolvió la

encrucijada, empezó a fabricar y a vender en las ferias de la ciudad, actividad que dejó atrás para integrar la asociación uruguaya de artesanos. hoy fernández se dedica a la manufactura de las variedades de tambor chico, repique y piano, en diferentes tamaños y para todas las edades, y los vende en el mercado de los artesanos. “me fui haciendo de un método y logré sistematizarlo, pero hay un límite. siempre tuve un ayudante, pero la armada del instrumento y otras tareas están en mis manos, como algunas cosas que se hacen a ojo. hasta que no logre diseñar un mecanismo para que alguien más lo resuelva de manera sencilla, lo seguiré haciendo a puro oficio. en un momento quise llenar el mundo de tambores, y vivía para el trabajo. ahora ya no

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el bastrén es una herramienta parecida al cepillo del carpintero. si bien joan ya no lo usa, lo tiene colgado de una de las columnas de su taller como forma de homenaje.

para pacello es fundamental el uso de la escofina, un par de lijas y la caladora de mano.

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ÁlvAro pacello en un rincón de su estudio, álvaro pacello tiene 12 o 15 bajos eléctricos que se distinguen en número de cuerdas, maderas y curvaturas. sobre la mesa de trabajo hay uno de dos cuerdas a medio hacer, y tiene en mente elaborar otro de 12. cuando lo cuenta esboza una sonrisa de niño, porque la experimentación representa para él un juego y un placer. es músico y autodidacta en la construcción y reparación de instrumentos, grabó varios discos, e integró durante

14 años la institución cultural y musical hot club montevideo. álvaro se considera un amante del jazz, de ahí la motivación para hacer aparatos que le permitan tocar de una u otra forma. “todo empezó en el año 2000, más o menos”, dice el artesano de 44 años. “toco el bajo y un día quise hacerme uno, porque acá no lo podía conseguir. así que agarré una escofina y empecé a darle a la madera, mirando otros instrumentos. me ayudó mucho ser músico para construirlos, por el tema de la forma y el sonido”, explica mien-

tras muestra algunos de los bajos más curiosos que tiene en su haber. “en ese momento yo tomaba clases con popo romano, y él me pidió que le fabricara uno. le dije, sos un kamikaze, pero te lo hago. y hasta el día de hoy lo usa”, comenta orgulloso. su taller, donde se dispone para trabajar, y de donde han salido también guitarras y cavaquinhos, es pequeño y está abarrotado de maderas, cuerdas, lijadoras y pequeñas piezas. tiene un ayudante, facundo cardozo, luthier recibido de utu, que lo asiste en algunas partes del proceso. “pero yo soy un atrevido”, advierte álvaro en seguida, “vi que lo podía hacer, y empecé a experimentar con maderas que encontré en la vuelta. cada dos por tres reciclo muebles viejos, de madera noble, para hacer un bajo”. el que ahora tiene en sus manos, por ejemplo, fue elaborado a partir de una mesita de luz que encontró en un contenedor de basura. y así se las ingenia para conseguir materiales e inspirarse. “de esta manera yo mismo me sorprendo con los sonidos, porque siempre son nuevos. cada bajo es único. y por supuesto, trato de usar maderas que tengan cierto tiempo, porque cuanto más viejas, más resisten”.

gubias y formones son las herramientas básicas de un luthier dedicado a los instrumentos de arco.

el cálculo; asegura que el métier no le cansa y que observó en estos últimos tiempos, que la población musical está creciendo considerablemente en nuestro país: “en el proyecto que tiene la josé artigas, por ejemplo, hay más de mil chiquilines, y cuando me mandan instrumentos para reparar tiene que parar un camión ahí enfrente, para bajar de a 30 o 40 violines”, comenta este hombre que también disfruta de com-

prar y vender instrumentos. “pero es una labor que no se puede apurar, por eso los mayores desafíos son los pedidos urgentes, de solistas que vienen hoy y tienen función mañana. las colas que utilizo son de origen animal, nunca vinílicas, y tienen un proceso de secado de varias horas, en función de la temperatura y la humedad. lo mismo pasa con los retoques de barniz, material hecho con resinas naturales”.

sus primeros pasos en el oficio fueron en la reparación de estuches de violín, a fines de los 60', bajo la mirada atenta de su padre, que era violinista del sodre. “él tenía un buen amigo luthier llamado Vicente díaz, quien un día le preguntó si a mí me gustaría aprender a restaurar, porque él se iba del país y no quedaba nadie que supiera hacerlo”, cuenta esteban craciun. y así se introdujo, a los 17 años, en esta tarea meticulosa que es la restauración de instrumentos de arco; violines, violas, cellos y contrabajos. “con díaz aprendí, pero nunca es suficiente. yo siempre digo que todavía estoy aprendiendo. esto es ilimitado, y además la experiencia es básica”, agrega. entonces viajó a brasil a trabajar en la orquesta sinfónica de porto alegre, y a la vuelta consiguió el título de ayudante de ingeniero en utu, aunque la decisión de entregarse de lleno a su primer oficio ya la había tomado de muy joven. “para este trabajo es fundamental tener nociones de música. también aptitudes manuales, y mucho, mucho criterio. de pronto estás trabajando en un instrumento muy antiguo, tal vez de 1700 o 1800, y hay que preservarle su valor, sumarle y no restarle”. en su atelier hay decenas de violas y violines bien ordenados, latas con barnices de todas las tonalidades imaginables, crines, arcos, y piezas de mil formas. la música clásica suena en volumen bajo, y el olor a madera contribuye a que el lugar resulte acogedor. hace 40 años que esteban es el luthier de la orquesta sinfónica del sodre, y atienda también a la escuela universitaria de música, a la municipal, y a la orquesta juvenil del sodre. si bien lo define como un trabajo tranquilo aunque complejo, porque integra disciplinas como la geometría, la química y

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estebAn craciun

EXpO DiSEÃ&#x2018;O

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Estilo pilar

la 14ª EDición DE ESta prEStigiOSa muEStra argEntina DE DEcOración, artE y paiSajiSmO tuvO lugar En pilar lagOOn, un EScEnariO iDílicO quE inSpiró a máS DE 150 prOfESiOnalES bajO El lEma la playa. allí SE mOStrarOn laS últimaS tEnDEnciaS para aplicar En caSaS y ESpaciOS DE trabajO.

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Talleres sustentables, de Rodrigo Matta, transmite la pasión por la madera y el oficio desde una perspectiva medioambiental. El recorrido se transforma en un paseo lúdico, cálido y descontracturado.

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El ambiente intervenido por del Castillo fue premiado como Mejor Definiciรณn de Estilo en esta ediciรณn 2016 que se desarrollรณ en Lagoon Pilar un barrio construido en torno a un espejo de agua.

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Estudio de fotógrafo es el espacio de Milagros del Castillo, en donde cada objeto presentado guarda una historia particular. Para representar la idea de los viajes propios del oficio, la decoradora optó por un catre de campaña como lugar de descanso, y en el cielorraso, sector que no se suele intervenir, colocó unas chapas que realzan el resto de los elementos.

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Equilibrio y descanso: en esta propuesta acogedora y armónica, Ana Luján Rodríguez utiliza diferentes texturas en materiales nobles, y juega con la geometría y la funcionalidad. En el lugar se respira bienestar, sensación lograda a través del manejo del color, la iluminación, y un uso muy cuidado del mobiliario, visualmente liviano, donde menos es más.

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Los colores y las texturas de este ambiente concebido por la arquitecta Celina Azpiroz buscan aportar frescura y calidez al entorno. AdemĂĄs, generan un clima de relax para quienes desean disfrutar de una vida de playa todos los dĂas del aĂąo.

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La famosa historia El viejo y el mar de Ernest Hemingway inspiró el espacio de Estudio Pellegrini. En esta atmósfera masculina y de admiración por el océano, se aprovecha la visual exterior de la laguna para darle una fuerte impronta marina a la propuesta. El espacio fue premiado como Mejor idea.

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La decoradora de interiores Susana Piazza se inspirรณ en el particular mundo de una persona que vive sola, en un lugar pensado para descansar de lo cotidiano, limpiar los sentidos, despejar la mente y reencontrarse con lo mรกs genuino de ella misma.

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Patricia y Vicky Piña, de Las Churras, se inspiraron en la naturaleza y en los jóvenes, en aquellos que buscan un espacio práctico para su primera vivienda. Las cualidades de la madera conviven con detalles de color en una paleta de tonos suaves que aportan frescura. Los muebles y los accesorios proponen soluciones funcionales para disfrutar de un escondite cerca de la ciudad.

EN NUESTRO MES

ANIVERSARIO

EN LA CONFECCIÃ&#x201C;N DE TUS CORTINAS

Las flores frescas, las cortinas de lino antiguo, la puntilla, el mimbre, y las perlas, construyen esta atmósfera entrañable y serena. La decoradora Loly Albasini eligió los tonos arena, lavanda, ocre, y marfil para suavizar la estética y mejorar el descanso de los habitantes del lugar.

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Morfeo Deco pensó en un estilo moderno y romántico para alcanzar el deseo de sus clientes, un matrimonio con su pequeña hija, deseosos de encontrar en esta casa un refugio para los fines de semana. Destacan las tonalidades neutras, las texturas, y los géneros rústicos. La madera, las alfombras y los cortinados aportan lo suyo en este lugar de descanso. El toque natural está presente en plantas, troncos, y peceras.

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Las ideas rectoras de Estudio Buraschi-HanniVĂĄzquez son el estilo industrial y el concepto sustentable. En estas habitaciones austeras se amalgama lo urbano con la bĂşsqueda del ocio placentero. Cada rincĂłn, cada mueble, y cada objeto fue pensado para impactar desde los materiales y las formas simples.

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El espacio de Paul French Gallery aporta una impronta moderna de líneas simples, e invita al encuentro con los volúmenes y las texturas. Los muebles con tratamiento drift simulan tener el desgaste natural provocado por el viento y el agua. Esto los convierte en los protagonistas de las casas de verano: rústicos, románticos, eternos.

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Un refugio urbano bien masculino es la propuesta de Farfalla by Sole Laurens. Estas habitaciones transmiten calidez, vanguardia y sofisticación, aportada por la madera, los espejos y las líneas de diseño.

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Para cumplir con la propuesta, la casa de decoraciones Cield imaginĂł el hogar de una familia. Por eso, cada espacio tiene un espĂritu propio, personalizado, que refleja la identidad de sus integrantes.

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Modulus plasmó en cada ambiente una historia particular. El resultado; espacios contemporáneos, funcionales, de líneas puras, pensados de forma inteligente y creados especialmente para cada persona que los habitará.

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Inspiradas en la naturaleza, Mariana y Cris Vicario, de Timothea & Co, crearon un ambiente moderno para una chica joven, activa, y profesional. Las texturas son suaves, y los colores son claros y cรกlidos.

El espacio de la revista Living en Estilo Pilar fue diseĂąado por Eugenia Cides. La naturaleza y los viajes fueron su leit motiv; la alfombra color crudo estĂĄ tejida en telar, y las mantas que ubicĂł sobre la cama son de pelo de llama y lana de oveja.

DIDÁCTICA & EQUIPAMIENTO

De Marco ofrece una línea de vanguardia para el equipamiento escolar. Sus diseños coloridos, funcionales y resistentes incentivan el aprendizaje y favorecen el trabajo en equipo.

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os niños son el futuro de nuestro país. De ahí que su educación sea una de las grandes preocupaciones y responsabilidades de esta sociedad. Al momento de aprender es fundamental para el niño sentirse cómodo y a gusto con el ambiente que le rodea. Teniendo esto en cuenta De Marco abre las puertas a un mundo de colores y nuevos diseños con el que busca despertar el espíritu de cooperación y la creatividad, mediante el trabajo en grupos pequeños, con la posibilidad de compartir un espacio de trabajo. Puesto que se pretende incentivar al niño de todas las formas posibles, la firma uruguaya presentó la mesa lunar, un elemento más para lograr este objetivo. El modelo es extremadamente ocurrente y funcional pues permite posicionarla de diversas maneras, ayudando a romper con la rutina de los esquemas clásicos. En extremo versátil, su diseño ofrece altura regulable, patas telescópicas y cuerpo cromado. La tapa es en cármica blanca, con bordes en ABS que brindan mayor seguridad, con la novedad de que este borde es waterproof. Asimismo, se destacan las sillas apilables de polipropileno macizo. Con mas de seis años de ventas ininterrumpidas, las piezas son súper coloridas, vistosas y se venden en seis tamaños para adaptarse a todas las edades. De hecho son capaces de soportar el peso de un adulto sin deformarse en lo más mínimo, lo que permite que tanto padres como maestros compartan y se

diviertan a la par de los chicos. Su diseño audaz es fabricado en una sola pieza mediante inyección, lo que elimina las uniones y los molestos puntos de quiebre, haciéndolas seguras y confortables. Estas sillas resistentes al agua y a los rayos UV pueden utilizarse tanto en el salón como al aire libre. Dadas sus ventajas, las sillas y la mesa lunar resultan un equipamiento estético, inalterable, económico y calificado para acompañar el desarrollo escolar. De Marco considera que transformar el espacio es mucho mas que una solución logística: significa la búsqueda por brindar cada día lo mejor. Por eso la firma invita a pasar por su showroom y conocer toda la gama de mobiliario escolar. Yaguarón 1828 Tel.:2924 1331. www.demarco.com.uy

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ArquitecturA

del futuro LA búsquedA de nuevos mAteriALes más bArAtos, LiviAnos y ecoLógicos, AunAdA A LA tecnoLogíA mArcAn eL rumbo deL diseño y LA construcción. Por: SebaStián CamPanario.

la visualización previa, con los datos geográficos reales provistos por el GPS, los arquitectos pudieron detectar un ahorro multimillonario en energía (por cómo llegan los rayos del sol), acumulado a varios años. “Esta revolución va a ser más lenta en Argentina, porque el proceso de construcción es distinto, tiene menos especificaciones previas y se va definiendo más sobre la marcha de la obra, pero eventualmente llegará”, agrega el emprendedor. Combinadas con la multiplicación de datos y capacidad computacional, distintas aplicaciones de la Internet de las Cosas (interconexión digital de objetos cotidianos con Internet, IoT por su sigla en inglés) van a tener un impacto grande en la construcción. La consultora McKinsey estima en hasta 470.000 millones de dólares el valor adicional creado en la industria de la construcción para 2025 (en el cual incluyen tanto la construcción de objetos industriales como de plataformas petroleras, plantas, y otros) debido al aumento de eficiencia. Para el tecnólogo y físico Andrei Vaszhnov, va a cambiar radicalmente “el paradigma de mantenimiento retrospectivo a mantenimiento anticipativo”. “Hoy en día hacemos el service de nuestras máquinas con el preconcepto de arreglar las cosas cuando se rompen. Debido a esto, la tasa de activos ociosos en ámbitos industriales es muy alta, mientras buscamos técnicos y compramos repuestos. Una vez que tenemos máquinas instrumentadas con sensores y procesamiento de datos, vamos a pasar a la modalidad anticipativa, donde la máquina (un ascensor del edificio, por ejemplo) llama al técnico con antelación, antes de que se rompa. Esto va a mejorar el uso de capital”, anticipa Vazhnov. Según el físico siberiano, autor de un libro reciente sobre IoT, “al localizar todos los objetos y personas, y poder analizar su movimiento en tiempo real, vamos a poder aplicar los algoritmos de Big Data para buscar patrones ineficientes y mejorar continuamente los procesos. La industria de la construcción es una de las más complejas en términos de gestión, dado que hay mucha variabilidad -de todo tipo- entre un sitio y otro. Con la IoT sumada al análisis de datos vamos a poder tener una mirada mucho más profunda sobre estos procesos y aumentar su eficiencia a través de gestión dinámica”. Pero el fenómeno del análisis de datos es sólo una de las avenidas de impacto disruptivo. Verónica Bosio, una arquitecta platense, está fascinada con los nuevos materiales que están apareciendo en la industria de la construcción. Para la profesora de la Universidad Nacional de la Plata (UNLP) y consultora de la constructora Ingenor, “hay una gran preocupación por generar nuevos

a torre parece un panal de abejas, con cientos de pequeños bichos que vuelan alrededor, entrando y saliendo. Se trata de un edificio en el medio de Manhattan propuesto para que Amazon concentre allí todos sus drones a fin de realizar envíos en Nueva York. Otra iniciativa contempla que impresoras 3D construyan casas en Marte, para habitar dentro de dos décadas. Arquitectos y constructores exploran y eligen cada vez más materiales inimaginables, varias veces más baratos, livianos y ecológicos que los actuales, los cuales permiten completar viviendas y obras de infraestructura modulares, como si fueran juegos de Lego, en pocas horas. Parte de la agenda de innovación que hoy se discute en el sector de la construcción suena a novela de ciencia ficción, pero otros avances ya protagonizan una ola de transformaciones que apuntan a modificar un negocio que a nivel mundial representa el 6 por ciento del PBI. Es mano de obra intensiva, responsable de una proporción importante del calentamiento global y con un profundo impacto en la cotidianeidad: los seres humanos pasamos más de dos tercios de nuestras vidas en interiores, tanto en hogares como en lugares de trabajo. “La revolución ya llegó, y hoy la vía principal de cambio tiene que ver con el Big Data (revolución de los datos masivos), que está haciendo repensar todo el proceso de construcción”, cuenta Nicolás Minuchín, un emprendedor argentino que hace diez años se instaló en Estados Unidos con una empresa, Acusourcing, proveedora de renders y realidad virtual para previsualizar emprendimientos de arquitectos y desarrolladores. El análisis de datos a gran escala va a producir más cambios en aquellas industrias muy fragmentadas, con poca coordinación y comunicación entre las distintas tribus que la componen (sucede con la salud y también con la construcción), porque el Big Data vuelve mucho más evidentes las ganancias de colaboración. Facilita una dinámica de ahorro de costos, dice Minuchín: sólo la masificación del sistema BIM (Building Information Model) ya produjo ahorros acumulados del orden del 3 por ciento. “Las construcciones empiezan a verse como un proceso en el que se maximizan beneficios y se minimizan costes económicos y ambientales por varias décadas, y este nivel de coordinación sólo es posible con la actual capacidad computacional”, explica. Uno de sus clientes, recientemente, ganó una licitación para construir una cárcel en Kuwait. Moviendo la construcción un solo grado en

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tiempo de innovAr

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pArte de LA AgendA de innovAción que hoy se materiales más sustentanes de huesos humables, de materias primas nos desde la seda, discute en eL sector de LA construcción suenA recicladas, que resulten en un proyecto conA noveLA de cienciA ficción, pero otros AvAnces junto con el MIT-, y menos contaminantes, que ayuden al ahorro enera Verónica yA protAgonizAn unA oLA de trAnsformAciones mantiene gético o directamente que al tanto de las últimas intervengan en el proceso que ApuntAn A modificAr un negocio que A niveL novedades en nanode generación de energía”. materiales. mundiAL representA eL 6 por ciento deL pbi. Por ejemplo, los vidrios Otro vector de fotovoltaicos o las pinturas novedades futuristas de grafeno funcionan, en ambos casos, como paneles solares. en este campo es el de la impresión 3D. Caporale sostiene que “se trata de una tecnología que cambia completamente la forma “También ha habido un gran avance en cuanto a la resistende construir”. En julio del año pasado se supo que las empresas cia y la autorreparación, o bien de polímeros que a temperatura chinas WinSun y Zhuoda Group compiten por la vanguardia en ambiente se funden en una sola pieza y tienen memoria de su este mercado donde, por ahora, se fabrican en 3D paneles que forma, o de biocementos donde se autorreparan las fisuras por luego se trasladan para ensamblar viviendas en pocas horas, contener bacterias latentes que se activan con el agua. A todo mucho más baratas y que pueden resistir terremotos de nueve esto se le está agregando el plus de la nanotecnología, que justagrados en la escala de Richter. mente es la que permite dar a los materiales las características de mayor resistencia, menor mantenimiento, hidrofobia o refracción, Para Caporale, hay dos tendencias a resaltar en este campo. según el objetivo deseado, y que se ve principalmente en pintuUna es que la reducción de costos puede resultar ideal para ras, pisos y revestimientos”, cuenta la arquitecta. cerrar la brecha habitacional en países pobres o en lugares de Bosio trabaja con varios estudios de Europa y Estados Unidos catástrofe, que necesitan una reconstrucción rápida. La otra es el que están explorando con materiales nuevos. “No es un fenóinicio de una era de formas redondeadas: las rectas pertenecen meno marginal: regulaciones de la Unión Europea en materia a una época en la que la escala mandaba, y con la impresión 3D ambiental prevén un cambio obligado y profundo de los materiaesta restricción deja de tener sentido. les y procesos de construcción para el año 2020”, explica ahora Construcciones en impresoras 3D, que apelan a todo el poder Alexis Caporale, uno de los fundadores de Trimaker, empresa de del Big Data, en otros planetas, hechas de materiales más baraimpresión 3D y experto en energías alternativas. tos, livianos y ecológicos, liberadas de la tiranía de las líneas recLa hermana de la arquitecta Verónica Bosio, Valeria, es una tas: el sector de la construcción se prepara para una revolución bióloga que trabaja en varias iniciativas de innovación silenciosa cuyos alcances parecen no tener límites. con materiales disruptivos -por ejemplo, cómo llegar a imitacio(Derechos exclusivos La Nación).

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NUEVA POSTAL La ciudad se transforma con torres que trepan velozmente, y un paisaje que se ajusta a semejante ímpetu. El hombre se inspira y genera. Así lo demuestran algunos reciclajes que valorizan zonas olvidadas. A la izquierda, una de tantas fachadas pintadas en el barrio con mayor efervescencia del street art. Es el Wynwood Building, un proyecto de DNB Design Group para Goodman Properties.

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archivo diario el país.

MÁS QUE CEMENTO Y MAR

DEVENIDA EN CENTRO DE LAS ARTES Y EL DISEÑO ARQUITECTÓNICO, MIAMI CAMbIA AL RITMO QUE LO HACE LA GENTE, EN ESPECIAL LOS QUE LLEGAN ATRAÍDOS POR UNA MOVIDA CULTURAL SUI GENERIS, Y LA OPORTUNIDAD DE HACER bUENOS NEGOCIOS. TExTo & FoToGrAFíAs: NATALiE schEck.

archivo diario el país.

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a más latina de las ciudades de Estados Unidos, la Capital de las Américas otrora considerada el balneario de los más viejos y jubilados, sigue siendo hoy un codiciado destino turístico dadas las bondades de un clima y una ubicación geográfica envidiables, a mano de islas y playas paradisíacas. Aparte de los shoppings, allí existe una vida nocturna interesante, producto de un mix sabroso con mucho ketchup y ron, a pura salsa y bachata, pero con horarios y costumbres que recuerdan la vigencia del verdadero american way of living. Allí, donde se tutean las razas, donde encontraron refugio tantos extranjeros, donde el idioma español es casi endémico y la comida italiana junto con la cubana son hitos poco menos que nacionalizados; allí floreció y tomó cuerpo la necesidad de algunos con grandes capitales para invertir, y la oportunidad de otros que supieron ver el crecimiento exponencial que eso significaba: un cambio visible en la arquitectura de la gran ciudad que tan bien supo revalorizar sus tesoros del art decó, ahora obligados a compartir protagonismo con obras de enorme porte en zonas de rápido desarrollo, como Brickell o Sunny Isles, en las que participan arquitectos de la talla de Renzo Piano, César Pelli, Rem Koolhaas o Zaha Hadid, justamente fallecida en Miami a causa de una complicación cardíaca. No es ajena a tal crecimiento la llegada del Art Basel en 2002, responsable de un flujo de visitantes con excelente poder adquisitivo, que año a año va en aumento. Proceden del continente europeo y de otras regiones de Norteamérica, y no ocultan su enorme interés por este tipo de expresiones. Es que la instauración de esa feria de fama internacional le imprimió a Miami una movida cultural diferente a otras, que no solo atrajo a conocedores especializados en arte moderno y contemporáneo, sino que además funcionó como puerta de entrada a muralistas

Derecha, entrada al hYPE studio, salón de eventos instalado sobre la 25th. street. izquierda, edificio intervenido por interesni kazki, un dúo de ucranianos integrado por Aleksei Bordusov y Vladimir Manzhos, famosos por pintar universos agitados según mitos, hechos y creencias. Abajo, Crimes against art, mural de la artista canadiense Elisabetta Fantone realizado para el Art Basel 2015.

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¿cuál es la diferencia entre un graffiti y un mural? Básicamente, el primero es producto de una movida popular clandestina, que refleja el sentir de la calle, con palabras de uso diario. El segundo en cambio nació ya en la época de las cavernas, con la necesidad de contar historias. Al día de hoy muchos artistas son graffiteros y muralistas a la vez. A la izquierda, obra de sheryo and The Yok (2013), artistas de singapur y Australia respectivamente, con reconocida fama en Brooklyn.

emergentes con voluntad de participar en la gran revolución desatada en Wynwood, una zona de fábricas y depósitos, muchos de ellos abandonados, con muy mala reputación y poca seguridad, convertida hoy en un boom del street-art. Tanto, que graffiteros de todo el mundo ya han dejado su sello impreso en paredes de viejos galpones o negocios, seguros de querer formar parte de esta propuesta inusual, mientras otros esperan la oportunidad de hacerlo. Semejante iniciativa hizo que diferentes fuerzas vivas se unieran al proyecto que hoy cuenta con más de setenta galerías, innumerables tiendas y anticuarios, bares eclécticos, restaurantes con onda, y una de las instalaciones más grandes de arte callejero a cielo abierto (Wynwood Walls). Pegado y cual si fuera una prolongación del Design District -sin dudas un plan transformador e integrador de marcas selectivas y galerías de arte, que de seguro actuó como disparador de esta nueva propuesta-, el barrio cuenta con el apoyo y promoción de una institución (The Wynwood Arts District Association) cuyo objetivo es el desarrollo del lugar como espacio para la creatividad y los artistas, con el compromiso de convertirlo en un área limpia y sin riesgos, tanto para residentes como para visitantes. Su rápido posicionamiento como una de las comunidades más prominentes en su tipo hizo que se erigiera también como otro gran atractivo de la vida nocturna, excelente corolario de eventos diversos, lanzamientos, muestras, tours y otras yerbas. Vale destacar entre los programas diurnos en oferta, las caminatas pautadas para los segundos sábados de mes

Arriba izquierda, I Remember Paradise. mural realizado por Lakwena, artista inglesa de renombre invitada a participar en el proyecto Women on the Walls, con motivo del Art Basel 2013, para celebrar el papel de las mujeres en esta historia del street art. Arriba, obra del escultor y pintor James oleson, dueño y director creativo del Bloom Art center. se le reconoce en el país por sus personajes imaginarios.

(Second Saturday Art Walk) recorriendo las calles de la vecindad, aun en pleno proceso de reconversión. Es importante el papel de la firma Goldman Properties en este emprendimiento, una empresa reconocida en ese país por su capacidad para reciclar y devolverle el valor inmobiliario a áreas históricas depreciadas. Lo hizo en Nueva York con el Upper West Side, el Wall Street Financial District y el Soho; y también en Miami, primero con la recuperación de South Beach y luego con esta gran movilización acorde a los mandatos de las nuevas generaciones. De hecho fue Tony Goldman el gran propulsor de todo esto, un visionario convencido de que allí había que poner todo el color, la energía y la emoción, como en definitiva se hizo. Su aporte: Wynwood Walls. Pasen la página, y vean.

WYNWOOD WALLS

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Arriba, el colorido y la creatividad de Kenny Scharf en este graffiti gigante que refleja su vocación de artista callejero y la visión personal de sus personajes de historieta. Su idea de que el arte debe ser apreciado por la experiencia en sí, continúa inspirando a las generaciones jóvenes. Derecha, Codo a codo, en la calle somos mucho más que dos (2015), es la obra de INTI, chileno de Valparaíso. La misma está inspirada en el poema Te Quiero de Mario Benedetti y en las imágenes de niños registradas por Lewis Hine durante la Depresión de los años 30’.

TexTo NATALIe ScHecK. FoTogrAFíAS: cecILIA SoLArI ScHecK.

ART IS NOT FOR SALE, DIJO KENNY SCHARF, CREADOR DEL MURAL DE ENTRADA, EN REFERENCIA A ESTE PARQUE ÚNICO QUE AbRIó SUS PUERTAS EN 2009 Y EN EL QUE LAS ObRAS FORMAN PARTE DE UN TODO QUE SE VE, SE RESPIRA, SE CAMINA Y SE SIENTE. PERO NO SE VENDE.

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entre muros

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Arriba, mural de Vanessa castex de Toulouse, Francia, mĂĄs conocida como Miss Van, tambiĂŠn invitada a participar en el proyecto Women on the walls (2013). Abajo, Arrested Motion, obra de gran porte realizada por Swoon para el Art Basel 2014.

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Sobre la calle, a pasos de Wynwood Walls, la artista Diana -Didi- contreras dio vida a una de sus célebres muñecas de ojos crédulos, bañándose en un mar de yogur, bananas, frutillas, cocos y açaí (2015). el mar representa un producto comercial llamado Hairgurt, una máscara para el pelo que incluye probióticos, quinoa, aceites esenciales de mango, almendras, granada, avellanas y raspberries, entre otros. Una forma comercial de asociarse a las nuevas tendencias.

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A la derecha, Hipocampo (2015), escultura realizada por el artista portorriqueño Alexis Díaz, también reconocido por sus murales con criaturas fantásticas. Detrás destaca la pared pintada por ron english, de Texas, en 2010. Abajo, reTNA – Marquis Lewis- de Los Ángeles, es el autor de este graffiti de 2011. con símbolos y signos de culturas diversas, en homenaje a los muertos. destacan dos frases: Danza Sagrada de Recuerdos y Salve a los Santos Espíritus. Abajo derecha, una espectacular obra llevada a cabo por case, de Alemania, para el proyecto Walls of Change de 2015, y está inspirada en un hecho delictivo que ocurrió en su país.

Arriba, Lady Pink, una leyenda neoyorkina de las tempranas épocas del graffiti, participó con este simbólico cuerpo de mujer, en el proyecto Womens on the Walls organizado por Wynwood Walls, junto a otras ocho artistas femeninas, bajo la curaduría de Jeffrey Deitch. Derecha, un mural con profundo sentido filosófico llevado a cabo por DALeast, originario de china, en conjunto con cryptik, americano, consagrado al manejo de líderes religiosos y al uso de caligrafías antiguas. Fue realizado como contribución al programa The Art of Collaboration en 2014.

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De Francia, Fafi se vale de sus Fafinettes para explorar la femineidad a través de estereotipos. Sexies, estilizadas y agresivas, estas muñecas resultaron un cambio dentro del arte callejero. Su mural forma parte del proyecto Mujeres en los muros, y está hecho con flores sobre uno de los portones de acceso. Desde Wynwood Walls se promueve una constante rotación de artistas del mundo entero. Las obras dentro del parque se protegen y recuperan incluso por los propios autores. Wynwood Doors actúa como una prolongación y ofrece paredes de edificios circundantes a graffiteros y muralistas que se renuevan.

Wynwood Walls: 2520 NW 2nd. Avenue, entre la 25th. Y la 26 th. Streets.

cotizados DUEÑO DE LA MÁS GRANDE COLECCIÓN DE ARtE LAtINOAMERICANO, EL GALERIStA GARY NADER PLANEA INAUGURAR EN MIAMI UN MUSEO qUE tAMBIÉN SIRvA DE tRAMPOLíN A LOS jÓvENES tALENtOS. AqUí, PARtE DE LA HIStORIA.

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TExTo & FoToGrAFíAS: NATALiE SChECk.

Las impresionantes obras de Fernando Botero son el llamador de la galería.

Gary Nader Art Center 62 NE 27th Street, Wynwood, Miami.

vIDRIERA AL MUNDO

acido en Santo Domingo, heredó de su abuelo la pasión por las artes, a tal punto que ya a los nueve años era capaz de reconocer por su nombre a los artistas más relevantes. A los diecinueve comenzó su trabajo como galerista, y a los 23 se instaló en Miami. Desde entonces, Gary Nader no ha cesado en su empeño por mostrar, promover y comercializar la obra de los grandes maestros latinoamericanos, incluso antes de que se transformaran en esos gigantes tan cotizados. Su carrera fue meteórica: creció, se expandió y sus planes se hicieron más ambiciosos. Hoy la Gary Nader Fine Art Gallery de Miami -vale acotar que también está en Nueva York- ocupa una construcción enorme en Wynwood, donde exhibe parte de las obras que componen su extensa colección de más de 650 piezas de arte moderno y contemporáneo conformada por obras de Fernando Botero, Cándido Portinari, RufinoTamayo, Frida Kahlo, Diego Rivera, Joaquín Torres García, Emilio Pettoruti, Wifredo Lam, Pablo Atchugarry, Amelia Peláez, Guillermo Kuitca, Carlos Cruz Diez, y muchos más. La muestra funciona como un anticipo de lo que podrá apreciarse en The Nader Latin American Art Museum (NaderLAAM), el más grande sueño de este galerista. Su apertura se anuncia para 2017. En pleno Downtown, se trata de un edificio con dos torres, en cuya base se ubica el museo. El proyecto fue realizado por Fernando Romero, el mismo arquitecto que concibió el Museo Soumaya de México, para Carlos Slim; y estará consagrado al arte latinoamericano, del Caribe y la diáspora, con la misión no solo de atender a los grandes, sino introducir además la obra de emergentes. Porque como dice Nader, Miami está llamada a ser la Ciudad de las Artes en las próximas décadas, verdadero puente entre culturas.

War to war, esculturas de Ahmed Al Bahrani expuestas a la entrada.

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olore del ea atetum adigna ad eu faccumsan exerostio odolor sequis aliquip susciniam, qui olore del ea atetum adigna ad eu faccumsan exerostio odolor sequis aliquip olore del ea atetum adigna ad eu faccumsan exerostio odolor sequis aliquip susciniam, qui olore del ea atetum adigna ad eu faccumsan exerostio odolor sequis aliquip

Para la audiencia Nació eN uNa familia humilde de Brasil, pero fue eN miami doNde se hizo famoso coN sus oBras e iNterveNcioNes. su ideal como artista es llegar a uN púBlico masivo coN uN meNsaje positivo. por celina chatruc.

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intada de negro, la fachada contrasta con los edificios vecinos. En Wynwood, el barrio más cool de Miami, no parece haber metro cuadrado que no esté intervenido por artistas. A cada paso se encuentra una galería, una tienda de diseño, un bar repleto de jóvenes que hablan distintos idiomas. Llama la atención por su perfil bajo el estudio de Romero Britto, famoso a nivel mundial por obras de colores primarios a las que, incluso, a veces agrega brillantina. Tal vez sea otra estrategia de marketing de este brasileño de origen humilde que logró cumplir como pocos el sueño americano: no sólo se hizo millonario, sino que logró ingresar en el restringido círculo de los principales líderes mundiales. ¿Cómo lo hizo? Lo contará en unos minutos, después de que sus asistentes hayan revisado el cuestionario de preguntas y recuerden que las entrevistas tienen un límite de tiempo. Exigen para él un trato similar al de las figuras que lo rodean en las fotos colgadas en las paredes: desde Bono y Shakira hasta Carlos Slim, Bill Clinton, Shimon Peres y el papa Francisco. Una carta con saludos de Navidad firmada por el príncipe Carlos y su mujer, Camila, acompañan el regalo enviado desde Inglaterra: un sobrio grabado en tonos

romero Britto

ocres realizado por el artista británico Robbie Wraith, la única obra que no está firmada por Britto en este laberíntico espacio de 15.000 metros cuadrados. El bunker creativo, donde se exhibe cada artículo publicado en la prensa, aloja a decenas de personas que trabajan frente a sus computadoras en cubículos cerrados y silencio absoluto. Diez de ellas ayudan a diario a Britto con el infinito proceso de producción. Pinturas, grabados y el más variado merchandising, que abarca alianzas con algunas de las marcas más conocidas a nivel mundial, salen desde aquí hacia Britto Central, en Lincoln Road -la principal calle comercial de Miami Beach-, y a otras 200 galerías y comercios de distintos países. También se reciben encargos de todo tipo: intervenir autos, guitarras, aviones y cruceros; realizar esculturas públicas como la manzana que recibe a los pasajeros en el aeropuerto J. F. Kennedy, en Nueva York, o la faraónica pirámide que instaló en Hyde Park, en Londres; o participar como embajador de los próximos Juegos Olímpicos de Río de Janeiro, donde portará la antorcha y presentará una edición especial de la botella de Coca-Cola con sus dibujos. Una de las propuestas comerciales más recientes llegó desde Buenos Aires. Convocado por Siam, realizó tres diseños para intervenir 500 heladeras que fueron presentadas en el Malba y que le permitirán ampliar su presencia en el mercado de la vecina orilla donde su firma ya se reconoce desde lejos en cuadernos y papeles de regalo en muchas librerías porteñas. ¿Tiembla Milo Lockett? "Estamos entusiasmados con el éxito que vamos a tener en la Argentina", dice en castellano, levantando el puño, la mujer que impulsa y custodia la firma de Britto. No es su esposa -Cheryl, madre de su hijo Brendansino la cubana Alina Mojica. Vinculada con la familia Kennedy a través de su marido, Anthony Shriver, ella fue una figura clave para introducir, hace dos décadas, en los círculos sociales más selectos, a un joven inmigrante criado en la remota ciudad de Recife. El año pasado, una pintura de Britto titulada Sueño americano, que retrataba a John F. Kennedy y a su esposa Jacqueline, fue rematada en Sotheby's por 250.000 dólares a beneficio de Best Buddies International. La organización creada por Shriver, sobrino de quien fuera presidente estadounidense, se cuenta entre unas 300 ONG y fundaciones que reciben apoyo de este self-made man. Tras media hora de espera, Britto aparece ves-

tido de manera casual: camisa con cuello floreado, pantalones a cuadros, zapatillas plateadas, un delantal manchado con pintura y algo que, según muchos, es la clave de su éxito: una enorme sonrisa. Más tarde, para las fotos, se encerrará en su vestidor para elegir una camisa amarilla repleta de corazones, pantalones turquesas y mocasines color azul eléctrico. Incluso lucirá un reloj con diseño propio. "Me hace feliz levantarme cada mañana, venir a mi estudio y saber que todo está bajo control", dice el hombre de 52 años que aún se siente un niño. "Mi hijo es más grande que yo", bromea. –¿cómo fue su vida en Brasil? –Fui el octavo de nueve hijos. Cuando sos chico, tus hermanos mayores ejercen poder sobre tí todo el tiempo, dándote órdenes, así que fue muy difícil. Pero uno de mis hermanos vendía libros y traía a casa algunos fascinantes. Entre los siete y los nueve años leí muchos libros de arte. Los amaba.

litografías se subastaran a beneficio de su fundación. Como en muchos de los retratos de Britto, la mejilla del coleccionista ostentaba un corazón. –¿por qué eligió el arte pop como principal forma de expresión? –Porque me identifiqué con mi tiempo. Nací y crecí en los años 60'. No vi todo porque no vivía en Estados Unidos, pero era lo que tenía más cerca. Amo el trabajo de artistas como Warhol y Keith Haring. –¿Qué otros artistas admira? Con sus formas simples, alegres –Leonardo da Vinci, Jasper Johns. y coloridas, que aluden al juego y a También a Francisco Brennand, un brala felicidad, la obra de Britto no podría "muchas veces los artistas silero que trabajó mucho en espacios parecer más lejana de aquellas trágipúblicos. En Miami hay una de sus cas obras que evocan fusilamientos y galeristas quiereN pasar obras, bastante grande, en la que solía y bombardeos durante la Guerra Civil a la iNmortalidad aNtes ser la sede de Bacardi, pero ahora aloja española. Sí podría decirse que el joven a la Fundación YoungArts. Es una pieza brasilero heredó de Picasso una habilide que la geNte pueda muy hermosa, única para él porque dad: la de imponer su arte en el mercadisfrutar de su traBajo sólo empleó el color azul. En Brasil do. El pintor malagueño demostró una suele usar cerámicas de colores tierra destreza sin precedentes para convery vivir coN su arte. yo en sus murales. tir su firma en una marca registrada –¿por qué le gusta trabajar en que imitarían más tarde colegas como simplemeNte quiero que la espacios públicos? Salvador Dalí o Andy Warhol. geNte viva coN mi arte". –Porque la gente puede disfrutarlos ¡Si alguno de ellos hubiera llegado a sin tener que pagar. Alguien tiene que ver lo que traería el siglo XXI! En 2003, pagar para hacer el trabajo, pero la idea Jeff Koons se inspiró en la Venus de es que el arte esté disponible para que Willendorf, una pequeña estatua de piecualquiera lo pueda disfrutar. dra caliza realizada en el Paleolítico, para crear la Baloon Venus que –¿cuál es su obra preferida de otro artista? acompañó una edición especial del champagne Dom Pérignon. –Me gusta mucho la Mona Lisa. Porque me gusta Da Vinci y Y la alianza entre el japonés Takashi Murakami y Louis Vuitton, el misterio que tiene la pintura: quién era esa mujer, qué estaba que se extendió durante trece años hasta 2015, marcó un hito pensando. en las colaboraciones de este tipo. La marca francesa es famosa –también hizo una versión de la Mona Lisa. por convocar artistas para diseñar sus colecciones, como hizo –Sí, pero la mía era un gato. Tuve dos perras: a una la llamé también con Yayoi Kusama. El año pasado, el argentino Julio Le Mona, a la otra, Lisa. Mona murió y ahora sólo me queda Lisa. Parc fue convocado para sumarse a la serie de coleccionables Hermès Éditeur; las obras originales se exhiBlanca, negra y marrón, la pequeña Lisa salta de felicidad bieron en Art Basel, la feria cuando su dueño entra al taller. El corazón del edificio es un lugar más importante del mundo. inaccesible al público, donde Britto termina ahora de retocar alguMuy cerca de Basilea nas pinturas con líneas de marcador negro indeleble. Hay estanse encuentra la prestigiotes con libros y todo tipo de objetos: muñecas Barbie, estatuas de sa Fundación Beyeler, con la Virgen María, personajes de Disney, cascos de moto, guitarras museo propio diseñado por Gibson intervenidas con su sello inconfundible. Renzo Piano y una colec–¿por qué decidió instalarse en Miami? ción que incluye obras de –Vine en 1986 y me volví a Europa. Pero allá me di cuenta de Degas, Monet, Van Gogh que tenía que volver, porque me encantaba la dinámica de la ciuy Cézanne. "Fue fascinante dad. En 1988 fui convocado para una campaña de Absolut Vodka, trabajar con Romero Britto, que se difundió al año siguiente. un artista que tiene un esti–¿De qué forma ayudó esa campaña a su carrera? lo propio. Sus pinturas son –Ayudó a llevar mi arte a mucha gente, algo que no se logra vibrantes, coloridas y llecon una muestra de un artista joven. Los anuncios se difundieron nas de vida", escribió Ernst en muchas revistas de Estados Unidos, que suelen ser muy granBeyeler en 2006, luego des. Tu trabajo se hace muy visible en muy poco tiempo. de aceptar la oferta de ser –¿Qué hacía hasta entonces? retratado y que sesenta –Y en 1983 se fue a europa. ¿ahí estudió arte? –No, nunca fui a una escuela de arte. Me interesaba mucho Europa porque sentía mucha curiosidad por conocer la cultura, la historia, los museos. Me quedé un año. –¿cuáles fueron los museos que más le gustaron? –Me encantaron el Louvre y el Prado. Las pinturas de Goya, el Guernica. Admiro a Picasso por la composición de su trabajo, porque fue muy innovador y un personaje muy interesante.

Mini Bio 1963 Nace en Recife, Brasil, en una familia humilde. Es el octavo de nueve hijos. 1983 Viaja a Europa y se siente atraído por las pinturas de Goya, Picasso y Leonardo da Vinci. 1989 Radicado en Miami, participa de una campaña de Absolut Vodka, un hito en su carrera. 2015 Un retrato suyo de John F. Kennedy y su esposa es subastado en Sotheby's por 250.000 dólares. 2016 Elegido embajador de la próxima edición de los Juegos Olímpicos en Brasil, fue convocado para ser uno de los portadores de la codiciada antorcha y contratado por Coca-Cola para intervenir una edición especial de la icónica botella.

El encargo, que se destinaría a producir una serie de estampillas, parecía reunir todas las aspiraciones de Britto: era la forma ideal de llegar a un público masivo con un mensaje positivo, de cruzar con su mensaje fronteras de todo el mundo. "Me impactaron la vitalidad y la energía de estas obras -dijo el entonces secretario general de la ONU, Kofi Annan, al presentarlas en marzo de 2000-. No sólo captaron todas las facetas de la educación sino también la alegría de aprender y de comunicar esa alegría en una forma lúdica y significativa a la vez".

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–De otra gente, sí. –¿cuántas galerías representan su trabajo en el mundo? –Más de cien, menos de doscientas. Hay galerías que venden mi arte por comisión, lo compran a otros vendedores. Así que es difícil llevar un registro. –¿cuál es el secreto de su éxito? –No hay secreto. Mi trabajo expresa felicidad, energía positiva. No hablo sobre negatividad o sobre las cosas terribles que ocurren. Creo que la gente responde por eso. Me hace feliz hacerlo y compartirlo con tantas personas como sea posible. –¿cuál de sus trabajos es su preferido? –Aunque tienen formas simples, cada una de las piezas tiene algo único y representa algo para mí. Pero hubo un proyecto muy especial: las Naciones Unidas me convocaron para crear pinturas destinadas a promover la educación en el nuevo milenio. Para mí fueron muy importantes.

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–Hice toda clase de trabajos en Miami. Fui jardinero, trabajé en un restaurante, mostraba mis obras en la calle. Nunca dejé de pintar. –¿cuándo conoció a alina? –Hace unos 23 años. –ella lo ayudó con su carrera. –Siempre me apoyó mucho y estuvo cuando la necesité. Es muy sincera con sus opiniones, muy alentadora. Colabora en todas las áreas, es la que más conoce mi trabajo. –¿puede mencionar alguno de sus clientes? –Alejandro Roemmers, empresario de la industria farmacéutica. Otra gran coleccionista de mi obra es Frances Reynolds (ex mujer de José Roberto Marinho, heredero del grupo O Globo), que hizo una fiesta para mí en Brasil. –¿cuánto cuesta su obra más cara? –En Miami hay una escultura que costó más de un millón de dólares. Está en la entrada de Miami Beach, son unas palmeras enormes. –hizo retratos de famosos como Federer y Shakira. ¿ellos se los encargaron? –Cuando hice el retrato de la reina de Inglaterra fue un pedido del embajador británico en Estados Unidos. Se celebraba el jubileo de la reina y él pensó que sería una buena idea; lo hice con gran placer. El que hice para el rey y la reina de España fue un encargo de una importante familia estadounidense que iba a recibir a los reyes en Estados Unidos. –así que en general son regalos.

Bocetos del traje diseñado por Dolce & Gabbana con las impresiones de romero Britto. (instagram).

el año pasado, uNa piNtura de Britto titulada Sueño americano, coN johN f. KeNNedy y su esposa jacqueliNe, fue rematada eN sotheBy's por 250.000 dólares a BeNeficio de BeSt BuddieS international. soN varias las fuNdacioNes que reciBeN apoyo de este recoNocido Self-made-man.

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–ha dicho que no le interesa tener sus obras en museos, y que en cambio quiere que la gente viva con sus creaciones en su vida cotidiana. incluso diseñó miniesculturas para llevar en la cartera. ¿por qué? –Muchas veces los artistas y galeristas quieren pasar a la inmortalidad antes de que la gente pueda disfrutar de su trabajo y vivir con su arte. Yo simplemente quiero que la gente viva con mi arte. La idea del museo está bien, pero no es mi foco. De todos modos, una veintena de museos de varios países tienen obras de Britto, incluyendo el de arte contemporáneo de San Pablo y el de Venezuela. También expuso en el Carrousel del Louvre y en el Museum of Contemporary Art (MOCA) de Shanghái, por citar algunos espacios a los que no llega cualquiera. –¿Qué opina de los críticos que lo consideran un diseñador en lugar de un artista? –Como muchas veces en la historia, la gente dice tantas cosas. Jasper Johns, por ejemplo, fue muy criticado por importantes críticos como Clement Greenberg. La gente dice lo que quiere. ¿Pero va a decir que Leonardo da Vinci no fue un artista sólo porque la Mona Lisa está reproducida en todo el merchandising del museo? ¿Va a decir que Warhol no fue un artista porque trabajó con alfombras y todo tipo de materiales? Lo hizo cuando estaba vivo, pero aún tiene quienes lo apoyan. Yo pienso que soy un artista pero si la gente no lo piensa, también está bien. Hay

mucha gente que cree que soy un artista, así que. Algunos de los críticos que hicieron comentarios de ese tipo nunca vinieron a aprender sobre mi arte. Vieron mi trabajo en algún lado, oyeron sobre mí, pero nunca vinieron a verme al estudio para ver lo que hago, para saber lo que pienso. Si sólo pensara en ellos, nunca haría nada. Tengo el apoyo de gente que realmente vive con arte y entiende mi trabajo. Entre ellos, destacados coleccionistas. Así que eso es lo que me importa. –¿Qué lo hace ser un artista? –Sería mejor preguntarle a un crítico de arte. ¿Qué hay del tipo que hizo una obra con caca y la exhibieron en un museo (se refiere al italiano Piero Manzoni, autor de Mierda de artista)? ¿O Damien Hirst, cuando expuso vacas o tiburones en formol? –¿Qué piensa de esos artistas? –Es una expresión. La gente dice que es arte y ahí lo tenés. Lo más importante es tener una audiencia. Si tenés una audiencia que quiere coleccionar, tenés una muestra. Es como en Broadway: si tenés una audiencia, tenés un show; de otro modo, no tenés un show. –pero se puede ser un artista y no tener una audiencia. –Exacto. Podés ser un diamante escondido, y nadie jamás te va a encontrar, pero de todos modos vas a ser un diamante. Pero sólo si tenés una muestra la gente va a decir si sos o no sos un artista. Si no tenés una muestra, nadie va a hablar sobre vos. (Derechos exclusivos, La Nación).

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Ubicado sobre una colina en la región de Alta Normandía, el enclave de tradición vitivinícola se convirtió a fines del siglo XIX en punto de encuentro de artistas como Cézanne, Renoir, Sisley, Rodin o Mary Cassatt. Hoy, la vida gira en torno a la casa y los jardines de Monet, y al Museo de los Impresionismos.

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El auge de la temporada se produce en primavera y verano, cuando los jardines estรกn a pleno y los famosos rosales aportan belleza a la arquitectura normanda. Las copas frondosas de los รกrboles reparan del sol y dan alivio a los visitantes.

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El histórico predio donde se ubica la Fundación Claude Monet fue cedido en 1966 por Michel Monet a la Académie de Beaux-Arts. A partir de 1980, comenzaron los trabajos de restauración que rescataron un enclave donde el entendimiento de la naturaleza y el amor por el arte son fuentes de felicidad diaria.

pasión de un artista

EL JARDÍN

en este santuariO dediCadO aL arte Y a La naturaLeZa, eL pintOr Creó una Obra Maestra en eL sentidO Más aMpLiO deL térMinO.adentrarse en éL OfreCe una Mirada aL día a día deL MaestrO iMpresiOnista que revOLuCiOnó LOs CánOnes estétiCOs deL sigLO xix.

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FOTOGRAFÍAS: PABLO RIVARA.

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de MOnet

El salón, con vista privilegiada al jardín, fue inicialmente el primer estudio del pintor en Giverny. Luego, devenido en espacio de recibo formal, el artista se rodeó de obras pertenecientes a cada período de su vida. El esquema que el público puede admirar hoy es fiel al original, aunque las pinturas son reproducciones encargadas a la Galería Troubetzkoy.

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Arriba izquierda, el estudio y demás habitaciones fueron restauradas para lucir como en vida del artista. Derecha y abajo: en el piso inferior, Monet utilizó la paleta azul y amarilla que tanto le gustaba para resaltar las características de la casa y allí exhibió su colección de láminas japonesas.

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En su dormitorio, Monet creĂł una galerĂa personal con los trabajos de sus amigos impresionistas.

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Arriba y derecha, en el comedor las baldosas St. Just en blanco y rojo dan cuenta del carácter rústico del ambiente, mientras que el toque de originalidad está en el amarillo que tiñe todo el espacio. Abajo, arcos de rosas y canteros de flores brindan un colorido marco al camino.

En la cocina no hay lugar para el exotismo. Allí destaca el azul intenso de las cerámicas de Rouen que se continúa en el tono celeste de puertas y muebles. La calidez queda a cargo de la gran cocina a carbón y leña, y de una batería de sartenes y cacerolas de cobre que adorna las paredes. Derecha, el estucado rosa de la casa contrasta con el verde de ventanas, postigos y escaleras.

84 Rue Claude Monet, 27620. Giverny, Francia.

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LA FunDACión CLAuDE MonET

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El estanque que inspiró la serie de los nenúfares, se convirtió en un lienzo líquido para Monet, quien creó una obra maestra de formas, colores y texturas. Allí, glicinas, lirios, sauces, cañas de bambú, peonías y flores de lis invitan a dejarse llevar.

GENTE PAULA

inauguración

Carlos García Arocena, Dolores Vargas, Inés Bonicelli, Martín Ubilla.

Arkadia living abrió sus puertas en Carrasco y para dar a conocer la propuesta compartió un cocktail de bienvenida con amigos.

Graciela Baliño, Nelson Chicurel, Mónica Castiglioni.

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Rosario Medero & Antonio Mercader.

Jari Zitzewitz & Cecilia Capurro.

Florencia Beyhaut, Santiago Posadas, Marcela Trambauer.

Matilde Barquín & Magdalena Muto.

GENTE PAULA

paleta suave

Caminos en el aire es la nueva serie de Lizzy Magariños presentada en la galería Diana Saravia. La movida cultural de La Muy Fiel dijo presente.

Elena Nogués, Analía Sandleris, Ana Martínez.

La expositora.

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Por amor al arte: Micaela Duque & Sebastián Larenas.

De la casa: Diana Saravia & Helena Costa.

Carlos Presto & Matías Ganduglia.

Gustavo Genta & Bárbara Walterskirchen.

GENTE PAULA

encanto danés

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Fernando Picón & Edison Mouriño en trance.

En el corazón de Punta Carretas, el showroom de Bo Concept da que hablar. Los amantes del estilo nórdico brindan por su desembarco.

Ernesto Kimelman, Hugo Godoy, Lizzie Rozemblum, Leonardo García Dovati.

Me lo llevo: Matías Trigo.

Paulina Casarotti & Laura Pardías.

Maximiliano Lambert & Ana Eguren.

A juego: Diego Díaz & Flor Cardoso.

¡Pica!: Varina De Cesare & Raúl Almandós.

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En tecnicolor: Antonia, Diego & Azucena Montero.

Pura piel: Alyona Senina & Nicolás Rudolph.

Geometrías: Sebastián Correa & María Couto.

hoteles del mundo

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cotton

house

ubicado en el eixample de barcelona, este cinco estrellas se asienta en la antigua sede de la fundaciรณn textil algodonera. hoy, el edificio de estilo neoclรกsico, impacta al viajero curioso y revela la verdadera esencia de la ciudad.

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A pocos minutos de La Pedrera y Casa Batlló, el hotel reabrió sus puertas el año pasado tras finalizarse el proceso de reciclaje del interiorista Lázaro Rosa-Violán. El proyecto recuperó las características originales de la construcción y le incorporó las comodidades modernas propias de un servicio de lujo.

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Arriba, L'Atelier se ubica en el gabinete donde sastres y camiseros tomaban las medidas de los industriales textiles para confeccionar sus prendas. El hotel rescata la tradición ofreciendo a sus huéspedes un servicio de sastrería a medida. Abajo, en el espacio Gossypium, que significa flor de algodón en latín, se encuentra la conserjería que brinda al pasajero información personalizada sobre su área de interés.

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Para crear un estilo contemporáneo y sofisticado, el proyecto recobró elementos originales de la antigua casa solariega como la imponente escalera de mármol, los delicados pisos de parquet y la boiserie que engalana el techo y las paredes de algunas habitaciones. Derecha, antiguamente la biblioteca era una zona de reunión social. Ahora, se sirve allí el té de la tarde y es el punto preferido para realizar celebraciones o eventos.

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Cotton House cuenta con 83 habitaciones, 5 de las cuales son suites. Para su decoración se eligieron texturas de la mejor calidad y se diseñó un juego cromático en sepia, negro y blanco, que evoca suavidad, confort y delicadeza.

El ambiente de Batuar, el restaurante y bar del hotel, combina una estĂŠtica fresca con cierto sabor colonial. Su cocktelerĂa de autor y cocina especializada en platos mediterrĂĄneos funciona de forma ininterrumpida las 24 horas.

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Arriba, la terraza ubicada en el patio interior del hotel ofrece 300 metros cuadrados de mesas y livings exteriores para disfrutar del buen tiempo. Izquierda, la piscina y solarium en la azotea del edificio tiene una vista inigualable de la ciudad.

COTTON HOUSE HOTEL Gran Vía de les Corts Catalanes, 670 08010 Barcelona - España. Teléfono: 0034 93 450 50 45. www.hotelcottonhouse.com

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