Paula casa setiembre 2017 by Revista Paula

la revista de

paula ediciÓn primavera 2017

M.R.

casa daglio

estilo propio

parallada no 43 especial casa

arte en

venecia

diseño de acá

mailhos

su búsqueda primavera 2017 / Nº 43 especial casa

casa

M.R.

18 lectura personal

130 expresión pura

Fotografía: Natalia Ayala.

38 oriental zen

la revista de

30 la arquitectura como camino 62 casa cor

staff DIRECTORA NATALIE SCHECK Coordinadora: CECILIA SoLArI SCHECK Redactora Especial: CArLA rIzzoTTo Fotografía: NATALIA AyALA, PAbLo rIvArA, LA NACIóN Departamento Comercial: JuLIA HELENA romEI Coordinadora de Diseño Uruguay: ANdrEA SAPorITTo Colaboradores: yELLy bArrIoS, SofíA KLICHE Digitador de Imagen: fErNANdo mESA Servicios: PAuLA CHILE, LA NACIóN Directora de Arte: SILvIA fLorES Coordinadora de Diseño: mAríA JoSÉ SALdES Corrector de Textos: moISÉS vENEgAS Derechos Reservados: EL PAíS S.A. Preimpresión e Impresión: EL PAíS S.A., uruguAy, d.L. Nº 325.354. Distribución: EL PAíS S.A., moNTEvIdEo, uruguAy. Oficinas: SAN JoSÉ 1165, APTo. 204, moNTEvIdEo. Teléfono: 2900 6427, Fax: 2908 3916. PAuLA CASA Nª 43.

en la web www.paula.com.uy www.facebook.com/paulauruguay pinterest.com/rpaulauruguay @RevistaPAULA

84 entre dos tiempos

teMas Y entrevistas 12 sUMario

96 despertar los sentidos

14 lo MÁs nUevo

106 viva arte viva

16 MerCado de ideas

116 el reGreso

24 FOR EXPORT

122 en Clave VINTAGE

28 diseÑo & proYeCto

136 paredes pintadas

48 de aUtor

142 pasaporte a la dÉCo

60 inspiraCiÓn & interiorisMo

144 Gente

78 Mirada eXperta

152 Un nUevo estilo de vida

88 villa fosCari

154 proa al pUerto

92 villa di Maser

160 bUenas direCCiones

lo más nuevo

ColeCCión home

Acostumbrada a innovar y a brindarle los mejores productos a su público, Florencia Tapices incorporó la exclusiva línea Ka Internacional. Mediante esta alianza, el acervo decorativa de la firma uruguaya se multiplica y pone a disposición de los países de la región todos los diseños de tejidos para tapizados y cortinas de esta reconocida marca española con más de treinta años de trayectoria. Con una identidad muy marcada, la línea que también incluye mobiliario, se reconoce por su vibrante colorido y estampas contemporáneas. Como si esto fuera poco, la casa también maneja la gama Total Clean, cuya tecnología de vanguardia facilita la eliminación de manchas tan solo con agua y un papel tissue o paño de algodón. Así las cosas, quienes estén pensando en renovar el hogar y recibir la primavera a tono, pueden darse una vuelta por los locales de la firma y dejarse llevar por sus propuestas de diseño. www.florenciatapices.com.uy

JusTo equilibRio

Andrea Itzaina está convencida de que la presencia de las plantas cambia el estado de ánimo de las personas de forma positiva, sea cual sea el entorno donde se encuentren. Por eso, la arquitecta y magister en paisajismo cofundó con su colega Inés Cadenazzi el estudio AR.PA Arquitectura y Paisajismo. Con la intención de pensar en el elemento vegetal como coprotagonista de sus proyectos y no como agregado que se añade una vez terminada la obra, el diferencial del emprendimiento radica en su carácter interdisciplinar. Su enfoque fusiona arquitectura y paisajismo con jardinería, diseño integral de interiores y exteriores, urbanismo y ecología del paisaje. La dupla realiza proyectos y dirección de obra de parques y jardines pero también intervenciones de menor escala, brindando soluciones innovadoras y asesoramiento integral. www.arpa.uy

Todo a un click

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PaRa VeRTe meJoR

Como en el cine, pero en casa. Esa es la experiencia que proponen los nuevos televisores QLED de Samsung. Sus pantallas sin bisel, de 55 y 65 pulgadas, cuentan con la revolucionaria tecnología Quantum Dot, que reproduce un espectro de millones de colores. Esto se traduce en una imagen de altísima calidad, más realista y nítida, con un impactante contraste sin importar si es de día o de noche. Además, el panel fue rediseñado para reducir la reflexión de modo que los usuarios no se pierdan detalle. Por si fuera poco, sus líneas sencillas y elegantes, lo convierten en un verdadero objeto de diseño minimalista, que encaja a la perfección en cualquier espacio del hogar. ¿Qué tal? www.samsung.com/uy

Sodimac, la empresa líder en mejoramiento para el hogar, estrenó un nuevo canal de ventas en el mercado uruguayo. Con el concepto Vení a nuestra casa, sin salir de la tuya, la firma lanzó su propia tienda online, que permite acceder a un catálogo de 12.000 productos desde cualquier lugar del país. La plataforma ofrece una navegación sencilla, rápida y amigable para cualquier dispositivo y garantiza los mayores estándares de seguridad en la transacción. Los artículos se acompañan de abundante información, permitiendo al usuario comparar y adquirir aquello que más se ajusta a sus necesidades. Finalizada la compra, se puede seleccionar su retiro en cualquiera de los tres home centers del país o coordinar el envío a domicilio. Vale saber además que la firma cuenta con un equipo de atención y venta telefónica de lunes a domingos. www.sodimac.com.uy

Luz más Luz

guiñada de diseño

Con la firma de Jaime Hayón, la Monkey Sidetable, perteneciente a la colección de Zinc Design, es una mesa de arrime en hormigón, apta para interior y exterior.

Futurista y facetada, Cut, el modelo de luminaria colgante de la firma Tom Dixon, es un ejercicio de óptica ya que se transforma en un caleidoscopio translúcido apenas se enciende. Se consigue en Zinc Design. San Marino 1493.

sobre ruedas

Es el estilo del momento. Esta mesita regulable de La Ibérica cumple todos los requisitos del rústico industrial. Está realizada con elementos naturales y además es fácil de transportar. La Ibérica. Rincón 711.

siempre vigente

Vinibel es especialista en detectar piezas únicas y sorprender al mercado con diseños clásicos aggiornados. Vean si no, esta poltrona belga en roble y hierro. 21 de Setiembre 2789.

te quiero verde

tiempo de fLores

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¿Qué mejor que un florero de diseño para darle color al ambiente y alegrar cualquier rincón? Este jarrón de cerámica con motivo primaveral es de BoConcept. Ellauri 363.

tradición orientaL

Las piezas de orígenes remotos nunca pasan de moda. Este aparador en madera de La Ibérica pone una nota de color a cualquier espacio.

¿Quién dijo que la comodidad y la funcionalidad no van de la mano de la estética? Esta silla para patio de Divino, promete largas veladas al aire libre. www.divino.com.uy

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andrés parallada

lectura

personal de la tensión entre la estética y la función, de las desventajas de las tendencias y del profesionalismo de los estudios locales. sobre todo esto habló el diseñador y docente, a su vuelta del salao design de san pablo.

los proyectos de su empresa y los cursos, talleres y seminarios que imparte en Medio Montevideo, un espacio de estudio dedicado a las artes creativas y al diseño. Allí, Parallada vuelca todo su know-how y trabaja con diversos grupos: alumnos de centros de diseño; profesionales en busca de instancias creativas o gente sin formación especializada, que simpatiza con el diseño de interiores o la carpintería. “Me recibí en el 94 y empecé con Medio Montevideo recién en 2009. A lo largo de la carrera, uno desarrolla una metodología particular de diseño y me pareció que tenía un subproducto didáctico. Los proyectos en que intervine tienen cierto grado de complejidad. Por ejemplo, con el estudio Concreto, de Federico Viera, desarrollamos los equipos que emiten las entradas en el hall de los cines Movie. Fue una experiencia muy buena porque combinó diseño con desarrollo de producto; nos encargamos de fabricar los equipos, de meter la computadora en el mueble, de la interfase con el usuario, del lector de tarjeta, de la estética, de que la gente se hiciera amiga de la máquina y no le generara rechazo. Fue un trabajo de dos años. Entonces, organizar esos proyectos en los que intervienen muchos factores resultó en el desarrollo de una metodología propia, que desembocó en algo educativo. Hubo varios formatos, pero hay dos talleres que se han mantenido en el tiempo: el de diseño de mobiliario y el de estudio del color“, explicó el diseñador.

e niño, sus juegos preferidos eran Mis Ladrillos y el Mecano, porque involucraban piezas de plástico o metal para encastrar. Tal vez por esa razón, cuando Andrés Parallada fue mayor y tuvo que elegir una carrera no dudó en anotarse en el Centro de Diseño Industrial -convertido hoy en la Escuela Universitaria Centro de Diseño- donde exploró a fondo esa clara vocación. El diseñador pertenece a una de las primeras generaciones en egresar de la institución, que por aquella época estaba muy vinculada a la Cooperación Técnica Italiana y en consecuencia, el staff de profesores incluía a catedráticos extranjeros. Sin embargo, más allá de la clara influencia estilística de aquel país, lo que el diseñador más destaca de aquella formación, es el rigor del proceso formal. “El enfoque estaba en la metodología general; era una cuestión de cumplir etapas, dibujar, hacer maquetas, lograr que el proyecto estuviera bien representado y trabajado,” recordó. Ya egresado y jugando en la cancha del mercado laboral, su expertise lo llevó del departamento de desarrollo de producto de Conatel a una experiencia de trabajo en Alemania y posteriormente a convertirse en docente de la Universidad de la Empresa y luego del propio Centro de Diseño. Hoy, Parallada divide su agenda entre

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Por Julia helena romei. FotograFías Pablo rivara.

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La terminal de venta automática de entradas producida para Movie en conjunto con el estudio Concreto, es user-friendly. Combina usabilidad, estética y comunicación de marca.

−¿Hay un estilo de diseño local? −Sí, sí hay. El año pasado Tok&Stok, que es una especie de Ikea brasilera, lanzó una colección de productos diseñados exclusivamente por uruguayos. Estuve en uno de los locales, una especie de shopping solo de muebles, y hay un espacio exclusivo para Uruguay que se llama Di.Se.Ño. Aprovecharon la "ñ" que ellos no usan. Está muy lindo y el aire que tienen esos muebles no lo tiene el resto de las ambientaciones que ofrecen. Pienso que la paleta de colores, la paleta de materiales, las formas y la realidad industrial artesanal local, llevan a que se puedan materializar algunos productos y otros no. Eso genera parámetros. En otros lugares hay métodos creativos para definir qué parámetros utilizar porque como hay tantas posibilidades tienen que frenarse un poco. Acá el freno se da naturalmente. −¿Qué caracteriza a esa paleta de colores y materiales? −Todo es muy natural, alineado con el slogan del país. Dicho así parece que fuera una cosa más orgánica y rústica, pero es un natural mezclado con algo geométrico. Sería más bien un natural geométrico con una relectura de los años 50’, traídos a esta época y con las tecnologías que hay acá. Si tuviera que hacer un resumen diría que hay mucha madera y metal. −Este es un fenómeno muy reciente. −Todo es muy reciente. Esto va a cambiar mucho. El auge de los muebles en el mundo es reciente. Hubo una especie de laguna durante un tiempo. Cuando yo egresé, mi trabajo en Conatel era con plástico y metal, en equipos médicos. Casi no se hablaba de los muebles; habían quedado un poco en el abandono. No se sabía bien qué representaban en la casa. En un momento, por temas de tecnología y de fabricación no se podían hacer líneas a pequeña escala. Hoy sí. Hoy existe una cantidad de marcas de muebles brutal. Estaba mirando referencias de aparadores para un trabajo que tengo que hacer; hay cerca de dos mil modelos de aparadores. En el 94' no había eso. En el diseño de muebles local,

la madera tiene un gran trabajo artesanal y su uso se fue abriendo. Si uno se fija en libros del año 2000, aún había mucho plástico. La casa aún era terreno de los muebles clásicos. No había entrado el revival de los años 50’ que es cuando se propone un mueble moderno pero amable. La primera época de la Bauhaus y de Le Corbusier fue muy agresiva y la gente no iba a usar eso en la casa. Fue una secuencia. Ahora se puede tener un living con cierta calidez sin tener necesariamente los muebles tradicionales. Ese fue el click a nivel de gustos y comenzó otra etapa. Es muy nuevo todo. Ahí entran por ejemplo, Carlo y Agustín de Menini Nicola, que empezaron a ir a Brasil. La estética de los muebles que ellos presentaron allá no es la misma con la que empezaron acá. Ahora tienen muebles con tapizados, otra paleta de colores; ellos que impulsaron el tema de la madera ahora casi no la usan: había mesas de bronce y mármol. El grupo de diseñadores que el año pasado fue a Londres, este año vuelve a presentarse. Hay estudios que fueron premiados en el Salão Design de San Pablo. Creo que todos esos viajes van templando la locura del diseñador y los hace entrar en contacto con otros estilos y factores que van a hacer que el lenguaje cambie. −Son estudios muy jóvenes. −Sí, en general sí. El mundo de hoy no mira tanto la edad. Si el tipo es talentoso, ya está. A veces para ubicarme trato de comparar con otras actividades. Si alguien de informática es joven y talentoso, no llama la atención. En los muebles es igual, pero llama la atención no tanto por prejuicio, sino por desconocimiento. −¿Cómo un elemento cotidiano se convierte en un ícono? −Antes existían íconos universales y ahora cada persona tiene los suyos. Tiene que ver con la variedad de oferta. Con los diseñadores que fuimos al Salão Design de San Pablo, lo discutimos bastante porque es una tensión para nosotros. Hay que diseñar un mueble que pertenezca a las corrientes que se manejan, pero también debe ser un poco distinto. Entonces terminan saliendo

Este proyecto, realizado con el estudio Concreto, para el Banco Itaú, presta especial atención a la funcionalidad y a los lineamientos de imagen de la institución.

Espacio de Innovación es un área flexible diseñada para fomentar la generación de nuevas ideas que anticipen las necesidades de los clientes del grupo CSI/Ciemsa.

punta cuadrada es un desastre. Entonces se llega a una solución de compromiso entre la comodidad y algo de estilo. Creo que el consumidor hace lo mismo que hace el diseñador: busca ese equilibrio entre lo razonablemente cómodo y lo razonablemente expresivo. Por otro lado, el concepto de comodidad se transformó en algo muy personal. En los libros de moda hay encuestas en las que la gente señala al jean como uno de los tejidos más cómodos, y no lo es. Cuando se habla de comodidad se entrevera todo. El mueble más cómodo es el más acolchonado, pero esta silla de plástico en la que estoy sentado no es incómoda. Hoy, la gente está dispuesta a probar algo que aparentemente no es cómodo, pero que lo es. −¿Hay una cierta idea de aventura? −Exactamente así. Iba a decir apertura, pero es más que eso. Viene por ese lado, la gente está dispuesta a probar esta silla de Starck; hace unos años yo no la hubiese comprado, pero la uso, trabajo en ella y acá está. No me pasó nada. Ahora, si a uno le gusta el estilo, se anima a probar algo que funcionalmente parece que no cierra, pero cuando lo prueba, sí funciona. Además, existen otras ventajas, porque esta silla la puedo usar para sentarme en el balcón, pero no puedo hacerlo con una silla de oficina común. Y ahí empieza todo el fenómeno de Instagram con sillas en el balcón y demás. Es un mundo más flexible; incluso eso de trabajar en espacios que son mitad casa mitad oficina, se está imponiendo. Es todo un campo nuevo.

cosas muy similares. Pero, ¿qué pasa? Hay un nivel de detalle que el consumidor cada vez aprecia más. Es parecido a lo que sucede con la vestimenta. Si miro camisas en Internet parecen iguales, pero si me las pruebo y miro el puño, los detalles y cómo me queda, me doy cuenta de que no. Se está empezando a diseñar para subgustos o subtendencias. Tenemos nuestro propio estilo de diseño que marca una tendencia, pero también se corresponde con la tendencia global. −¿Qué factores atiende el estudio de diseño? −El estudio tiene que tener muy en claro la estrategia comercial asociada a ese proyecto. Hoy existe mayor conciencia de todos los factores que intervienen en el diseño. Antes no era así. Cuando se creó el funcionalismo, el estilo tenía algo lúdico e infantil, con formas geométricas, y se le puso ese nombre de funcional, pero cuando se difundió, la conciencia de lo estético se perdió. Durante mucho tiempo se destacaban los muebles de Le Corbusier como funcionales, que lo eran, pero también tenían eso estético. Era un juego. −¿A qué le presta atención el consumidor: función, estética, lo que se usa? −Es una tensión permanente. Lo que es funcional, en general, atenta contra lo que es expresivo o lo que es único. Quiero tener un mueble que me identifique, sí. Pero tal vez se haga un poco incómodo de usar. Esta silla, (señala una silla de plástico negra con respaldo cuadrado) es de Philippe Starck, y que tenga esta

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"el consumidor hace lo mismo que hace el diseñador: busca ese equilibrio entre lo razonablemente cómodo y lo razonablemente expresivo. por otro lado, el concepto de comodidad se transformó en algo muy personal".

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−¿Cuándo se vuelve clásico un mueble? −Cuando dura mucho tiempo y se sigue vendiendo. También se reflotan cosas. El auge de los muebles daneses fue en los 40’, 50’ y en los 70’ se liquidó. Vino algo más pop con el éxito del plástico y otro tipo de tapizados. Recién a fines de los 90’ se revitalizó el estilo. −¿Se tiende hacia algo más despojado? −Sí, todo más informal y más chico. −¿Cómo entra la sustentabilidad en el diseño? ¿Dónde queda el plástico? −El plástico es el malo de la película, pero ofrece alta producción con un costo más razonable. En una primera etapa de conciencia ecológica los materiales no tenían mucha diferenciación. Cuando uno piensa que esta silla de plástico blanco fabricada en Italia (la señala), puede tener una vida útil de diez años, y uno sabe qué composición tiene y sabe luego cómo reciclarlo, el plástico deja de ser tan negativo. En el tema de envases, está claro que es un relajo de novela, pero con los muebles es diferente. Cuando se fabrican ya se sabe cómo se van a descartar. Esta silla es de un diseñador argentino establecido en Barcelona, Alberto Lievore, y es bicapa y ya está pensado que se pueda desmantelar. El material no tiene la culpa, es cómo lo utilizamos. Seguramente todo esto requiera de más estudios, pero las cosas no son tan en blanco y negro. La tendencia del minimalismo también tiene que ver con los recursos. Uno diseña para Brasil y aunque tenga la súper tecnología, trata de manejarse con el mínimo de material. Tiene que ver con que los productos se fabrican en un lugar y tienen que viajar mucho para

llegar al consumidor. Es un ir y venir entre el diseñador, la marca y el fabricante. No solo interviene la creatividad o la estética. No es el trabajo de uno solo. Todo por separado es más o menos manejable, pero todo junto es más complicado. Por ejemplo, si hay que diseñar una silla con caño doblado pero resulta que se vende en una tienda como Tok&Stok que la entrega en una caja para que el cliente la ensamble, esa tecnología del caño doblado, que lo hacía parecer algo muy sencillo y que estaba todo resuelto, ya no sirve. −¿Cuáles son las ferias de diseño más importantes? −Monopoliza mucho Milán, que está a la cabeza y después la Design Junction de Londres, aunque para nosotros Brasil es muy importante −¿Es nuestro mercado? −No, creo que no. Hoy todo es tan accesible. La comunidad de diseñadores está con esa onda de pensar que todo se puede. Fijate que antes, ir dos años consecutivos a Londres era impensable. Pensar solo en Brasil suena a limitación, y la filosofía de esta época, para bien o para mal, es que todo se puede. −¿Qué se vio en San Pablo? −Hay una tendencia a que cada marca tenga más definido su estilo. Los estudios y marcas tenían elementos comunes pero cada uno hace un esfuerzo para tener un lenguaje propio. Dicho así parece medio superficial pero implica paleta de materiales, paleta de colores y cada estudio tiene una preocupación. Nosotros trabajamos con fibras, tejidos, maderas y tales colores y tratamos de desarrollarlo en el mercado. Es algo paralelo a la tendencia. Las tendencias están buenas pero unifican mucho.

Para el diseño de Mesa Doble, de la colección Origino, el profesional reinterpretó las tradicionales mesas nido.

Claves de una evolución

Aunque la presencia de talentos locales en exposiciones de relevancia internacional es la arista más evidente del crecimiento del sector, Andrés Parallada explica que hay varias puntas en esta madeja. La sofisticación de las propuestas creativas, es una de las principales. Para ejemplificarlo, remite al diseño presentado el mes pasado por el estudio Diario, de Ana Sosa y Guillermo Salhón, en el Salão Design de San Pablo. Galardonado con una mención de honor, el prototipo presentado se llama Club y es “una especie de despojador que comenzó con un ejercicio acá cuando Guillermo, uno de los socios, hizo el curso. Imaginamos un armario clásico de dormitorio, que va cambiando de tipología. El ejercicio se llamaba Bola de ropa. Es una situación muy conocida entrar al dormitorio y que la gente tenga como una bola de ropa en algún lugar. Eso significa que

hay un mueble para diseñar que no estaba siendo diseñado. No es un tema de estilo sino de mezclar muebles que ya existen o cambiarles un poco la importancia. Está a medio camino entre la clásica percha y el armario. La evolución del diseño implica propuestas más complejas en cuanto a tipologías y lenguaje“. Otro caso mencionado por el experto es la colección Sueño Tropical del estudio Menini−Nicola, que no solo ofrece una propuesta más autoral, sino que también lo relaciona a un público diferente a nivel de mercado. Desde 2012 los diseñadores trabajaron una orientación masiva, pero a partir de esta nueva línea presentada en Brasil, la dupla explora una amplitud creativa que involucra mayor libertad, investigación y análisis en los trabajos. Parallada señala que de a poco cada estudio se focaliza en cierto estilo o tipo de producto. “Claudio Sibille está asociado a los asientos; Diario tal vez haga más variantes de ese mueble y de aparadores. Tengo la sensación de que cada estudio lentamente va a tener su perfil propio. Hay que destacar también que hay una colaboración muy grande entre ellos y que todas las marcas conviven“. Otra punta que evidencia el camino recorrido por el sector es la de los negocios y en la reciente feria de San Pablo quedó muy claro que hay diferentes niveles de asociación entre los diseñadores uruguayos y los fabricantes y tiendas de aquel país. Finalmente, Parallada señala la apertura de un espacio dedicado al diseño local como otro indicador. “Sinergia Design es terrible mojón en esta evolución. Es un gran paso contar con una tienda de no sé cuántos metros cuadrados solo con muebles de diseño nacional,” concluyó.

Cuando algo está en auge el consumidor lo pide, pero también pide algo más elaborado. Como gran resumen hay que tratar de apostar a una imagen de marca, que es algo que en otros productos, como la indumentaria, es muy común. −¿Hay apoyo a nivel de gobierno? −Sí, me parece que hay súper apoyo. Aunque estoy en la Cámara no participo activamente, pero vamos a Londres porque está Uruguay XXI trabajando con ellos. Lo que hay que destacar es que se están haciendo las cosas de forma profesional y no a la uruguaya. En general, recurrimos a la picardía uruguaya, que a veces no es malo, pero hay que hacer las cosas por el camino que se debe.

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"el auge de los muebles en el mundo es reciente. hubo una especie de laguna durante un tiempo. cuando yo egresé, mi trabajo en conatel era con plástico y metal, en equipos médicos. casi no se hablaba de los muebles; habían quedado un poco en el abandono. no se sabía bien qué representaban en la casa".

FOR EXPORT XY, de Estudio SĂĄmago.

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consolidados en el mercado local, los diseĂąadores de mobiliario uruguayos hace tiempo cruzaron las fronteras. premiados en brasil y con un pie en europa, se lanzan a conquistar el mundo.

Tres, de Carolina Palombo.

talento nacional

uienes vienen desarrollando exitosas carreras en el mercado del mueble nacional saben por dónde caminan y cada vez pisan más fuerte. Así quedó demostrado en la reciente edición del Salão Design, de San Pablo, donde cuatro estudios –Planar, Sibille, Claro y Diario– recibieron sendos reconocimientos por sus proyectos. Talento y trabajo duro dan cuenta de esos buenos resultados, así como de la evolución de las firmas. Sin embargo, también vale destacar que ese esfuerzo recibe la atención que merece. Hace tiempo que Uruguay XXI y la Cámara de Diseño del Uruguay (CDU) trabajan a buen ritmo para apoyar al sector y esa colaboración resulta cada vez más provechosa. “Es un sector muy lindo para trabajar porque los estudios y los diseñadores están muy comprometidos. Con la Cámara hay un vínculo muy fluido y hay mucho entusiasmo y energía entre la gente. Trabajan muy bien como equipo y colaboran mucho entre ellos sin perder por eso su identidad,” explicó Andrea Damico, Jefe de Proyectos y Promoción de Exportaciones de Uruguay XXI. Entre las acciones concretas promovidas por la entidad estatal, una de las más recientes es la participación en la feria Design Junction de Londres. Con 200 expositores, entre marcas internacionales y estudios de vanguardia, esta es una de las citas más esperadas en el calendario del rubro. Ya en 2016 se presentaron seis firmas uruguayas y este año, Carolina Palombo Píriz, Claro, Diario, Menini Nicola, Muar Diseño, Sámago y Sibille repitieron la hazaña. “Nos presentamos en Design Junction porque está posicionada para abrir mercados. Cuando los diseñadores se acercaron con la propuesta, ya habían realizado un estudio. La otra feria más conocida es la de Milán, pero allí va todo el mundo, entonces la oferta es más común. Londres tiene el plus de que no va cual-

Sorvete, de Menini Nicola.

quiera y por eso te posiciona distinto. Además, está enmarcada en el Festival de Diseño de Londres y la movida es muy interesante. Haber participado en este evento fue muy interesante porque se trata de una feria curada; ellos seleccionan a quienes asisten”. Por tal motivo Uruguay envió los perfiles de once estudios, de los cuales fueron seleccionados siete, aunque finalmente solo pudieron asistir seis. ¿Para qué sirvió esta acción? “Para validar el diseño de muebles de Uruguay,” afirmó Damico. “Atrajo mucho la atención y se veía que la propuesta encajaba perfectamente con lo que se exhibía. Varios de los estudios ya estaban en el camino de la internacionalización, sobre todo en Brasil, país donde se presentan a premios, venden licencias y están buscando otros horizontes“. Esa experiencia resultó inmejorable aprendizaje para entrar en el mercado europeo. “Nuestra idea es construir nuevos actores y que ellos vayan traccionando al resto. Tenemos que seguir con este proceso de construcción, pero siempre evaluando qué puede aportar Uruguay XXI porque hay cosas que los estudios las saben hacer muy bien por ellos mismo. Tenemos que ser eficientes y aportar valor donde podemos hacerlo“.

Vamos por más

La decisión de volver a Londres surgió a la vuelta de esa primera incursión, cuando los participantes se reagruparon y evaluaron la experiencia. “Nos planteamos cómo seguir; valoramos aquello que había salido bien y analizamos de qué manera podíamos mejorar. Nos pareció interesante volver a participar, pero esta vez desde un contexto más estratégico. Nos propusimos definir modelos de acceso para cada estudio y para hacerlo nos referenciaron a una relacionista pública mexicana, Elizabeth Encinas, que vive en Londres y se dedica a promover empresas de este perfil. Con ella trabajamos para ver cuáles son los objetivos y las acciones a realizar; qué tiene que hacer la marca si quiere venderse en tal tienda o si quiere posicionarse como un

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En 2016, seis estudios uruguayos entraron al mercado europeo a través de Design Junction en Londres.

referente, tal vez tenga que dar charlas en tal universidad. Hay casos en que la marca personal es bien importante, como por ejemplo, el estudio de Claudio Sibille. También está el caso de Carolina Palombo, que este año va por primera vez y como no era parte de ese sistema, su experiencia se enriquece desde otros lugares, no solo con la feria”, ilustró Damico. El trabajo con Elizabeth Encinas, directora de la agencia Monforte PR de Londres, tuvo una instancia local hace pocas semanas cuando se realizó un taller abierto para empapar a los diseñadores de las estrategias de comunicación y marketing más eficaces para llegar al mercado europeo. Organizado por Uruguay XXI y la Cámara de Diseño de Uruguay, se trabajaron diversos temas, “dedicamos una parte del encuentro al negocio y otra a las relaciones públicas y al marketing. Se dieron pautas para ayudar a los estudios a entrar en el mercado, a tener citas, a tener más publicidad y mayor alcance con los medios. Compartimos tips sobre cómo presentar su trabajo: acompañar con fotografías, dibujos, tener una presentación en inglés para entregar. También vimos las tendencias en Europa, ¿cuáles son?, ¿qué se está usando? No solo para poder vender, sino también para pensar más allá, para lograr licenciar sus diseños con otras marcas o tiendas y si se presenta la oportunidad, hablar con diseñadores de interiores y arquitectos porque en Londres hay mucha construcción de hoteles y restaurantes de diseño. Hoy en día, la creatividad es lo que más se busca; cosas originales, buenos materiales, un diseño que perdure y que tenga un toque de color, pero sobre todo que sea contemporáneo. El mercado pide cosas frescas y nuevas”, comentó la experta internacional. Acerca de las fortalezas del sector, Encinas ilustró que “el diseño en Europa siempre está viendo hacia fuera. El año pasado estaban muy curiosos por los latinos: México, Brasil. Esa sigue siendo la influencia. Se ve mucho lo escandinavo y eso puede llegar a cansar. Quieres tener ciertas cosas pero las quieres ver con otro toque. Siento que el diseño de Uruguay tiene mucho para aportar; dar ese toque fresco porque hay mucha versatilidad y la saben explotar”. Asimismo, la relacionista pública señaló que toda Latinoamérica tiene una gran conexión con el Viejo Continente. “Conocen muy bien el lenguaje; hay afinidad por la herencia cultural. Aquí pude entender sus espacios y de dónde vienen. La historia de Uruguay tiene influencia europea, además

Leo, de Claudio Sibille.

Telma, de Estudio Claro.

muchos estudiaron con profesores italianos”. Un punto no menor destacado por la experta es el profesionalismo que demuestran los estudios. “Son diseñadores de veras. Han trabajado, saben diseñar y proyectar. Me viene a la mente Claudio Sibille, que se dedica a hacer sillas. Sus diseños están muy bien hechos, están bien pensados, tienen algo de arquitectura y un aire escandinavo con un toque de maderas exóticas, que son combinaciones que allá no se usan. Eso es algo que pueden aportar y son maderas certificadas. Aquí se manejan distintos materiales con la madera. También están alineados a la tendencia y en algunos casos, van más adelantados que muchas firmas en Londres. Aquí hacen lo que les gusta, están abiertos a hacer cosas para sus clientes y tienen esa sensibilidad de poder convencerlos”. Después de Design Junction, el plan es seguir trabajando para alinear a los estudios con clientes y empresas de Europa. Dado el panorama tan alentador, queda claro que esta movida no hace más que crecer y que esto continuará.

Diseño & Proyecto

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on más de 80 años de trayectoria, De Marco se posiciona de forma contundente como una empresa vanguardista en el rubro equipamiento para oficinas. Tradicionalmente abocada a la logística y el almacenaje, la firma se reinventa y amplía con el firme propósito de ofrecer soluciones integrales que abarquen todos los aspectos corporativos. En ese contexto, la marca presentó Nexus. Inspirada en tendencias europeas, la línea destaca por su impronta minimalista, de líneas puras y colores claros, asociados a la tendencia clean. La nueva apuesta combina el arte de los maestros italianos del diseño con el toque de modernidad y eficiencia característico de los países nórdicos. Es así como las líneas sencillas pero no menos audaces, los colores básicos y las texturas lisas, confluyen en este producto para hacerlo versátil y adaptable a todo uso y espacio. Diseñada con la mejor calidad, Nexus abarca escritorios gerenciales, armarios y cajoneras móviles. Su presentación, en blanco y macadamia, proyecta serenidad y luz. Los escritorios gerenciales destacan por sus amplias dimensiones, que permiten desarrollar el trabajo de forma cómoda. Como elemento de diseño cabe resaltar su cubre piernas, que se despega del modelo tradicional y le da un toque de exclusividad. Uno de los modelos ofrece la novedosa posibilidad de transformarse en una amplia estación de trabajo. Por su parte,

De Marco presentó Nexus, la nueva línea de equipamiento de oficinas con tendencia minimalista.

los diferentes tamaños de armarios vienen con puertas batientes o corredizas, las cuales tienen como indiscutible ventaja el poder ajustarse a cualquier espacio, sin resultar un estorbo en la circulación del ambiente laboral. Como no podía ser de otra manera, la casa cuenta con infinidad de modelos de sillas para acompañar esta propuesta. Ante la pregunta de cómo combinar la línea Nexus con las necesidades y el espacio físico disponible, la modalidad de trabajo propuesta por De Marco se caracteriza por ofrecer asesoramiento personalizado, con visitas e intercambios constantes a fin de lograr la mejor solución. Trabajando sobre planos a escala, se proyectan diferentes opciones en función de las necesidades del usuario y se brinda una experiencia realista de visualización en 3D, que permite evaluar cómo quedará el proyecto antes de su implementación. Aplicando este método de trabajo, la firma siente cómo el cliente se ilusiona y queda satisfecho con la renovación que proyecta. El objetivo es ofrecer una experiencia de servicio única y por esa razón, el cliente es acompañado desde el primer momento en que toma contacto con el producto. La invitación a dejarse llevar por Nexus está hecha. Yaguarón 1828. 2924 1331 www.demarco.com.uy

CON MARCELO DAGLIO

La arquitectura

COMO

camino LA BÚSQUEDA, LA CURIOSIDAD, LA INTUICIÓN: TALES CIRCUNSTANCIAS AYUDARON A QUE ESTE PROFESIONAL DEJARA DE REPETIR A OTROS COLEGAS Y TRAZARA SU PROPIO ESTILO. AQUÍ COMPARTE EL PROCESO. Por Y.B. FotograFías: PaBlo rivara & Estudio daglio.

para estar presente en el nacimiento de su primogénita. Él no solo hizo eso, además donó a la comisión organizadora todas las rifas que había vendido antes de saber que sería padre. Trabaja desde antes de graduarse y aun siendo joven en su desempeño profesional, tuvo ocasión de enfrentarse a un proyecto que le cambió vida. Ese quiebre, el que le dio las pistas para descubrir su talento interior, ocurrió a partir de 1997 cuando asumió el desafío de trabajar sobre la obra del arquitecto, urbanista y diseñador, Antonio Bonet (1913–1989), un catalán que emigró al Río de la Plata durante la Guerra Civil Española. Bonet –quien creía que la arquitectura es una materia ordenadora de la vida y una actividad que lo abarca todo, desde la concepción de un mueble hasta el planeamiento de una ciudad– vivió y construyó tanto en Buenos Aires como en Maldonado. En Uruguay el catalán proyectó La Gallarda, una casa que diseñó en 1945 para el poeta Rafael Alberti en Punta del Este; Solana del Mar de 1946; Casa Berlingieri de 1947, en Portezuelo, balneario en el que además diseñó el proyecto de urbanización, y Casa

esde el sexto piso del edificio en Ciudad Vieja donde se encuentra su estudio se ve el puerto, la bahía y la fortaleza sobre el Cerro de Montevideo. En este espacio en el que trabaja Marcelo Daglio desde hace seis años, salta a los ojos la abundante presencia de obras plásticas. Quizás sea una fuente para la inspiración, quizás el reflejo de la pasión del arquitecto, quizás ambas circunstancias a la vez. En el área común hay cuadros de Virginia Patrone, José María Pelayo y Carlos Musso. En su despacho hay una importante serie creada especialmente para él con rostros, algunos abstractos otros realistas, que están colocados de manera tal en la pared que parece que observan todo lo que bosqueja en la mesa de trabajo o en la computadora. Parco al hablar, de mirada aguda y meticulosa, Marcelo Daglio integra ese grupo de arquitectos uruguayos que sobresale porque encuentra su propia identidad. Si se quiere ya desde su tiempo como estudiante hizo una carrera peculiar: pocos de sus colegas pueden decir que renunciaron al anhelado viaje de arquitectura

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Hotel Viña VIK, un proyecto de 2014 que se encuentra en el valle de Millahue, Coinco, a 200 kilómetros al sur de Santiago de Chile. El edificio se posa en lo más alto de una montaña con 360 grados de vistas maravillosas. El gran desafío del arquitecto fue diseñar y construir esta magnífica cobertura y techo de titanio.

“A PARTIR DE 1996 EMPIEZO A GENERAR UNA SERIE DE OBRAS QUE TIENEN UN COMPROMISO CON EL LUGAR Y CON LOS QUE vAN A vIvIR ALLÍ. TRATO DE BUSCAR EN TODOS LOS CASOS UNA IDENTIDAD”.

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Booth de 1948, renombrada como Proyecto Virazón en 2006 y que se encuentra en Punta Ballena. Estos dos últimos son los que marcaron un antes y un después en la trayectoria de Daglio. “Fue ahí que logré un cambio interesante“, asegura. De esa oportunidad, de su lenguaje y de su método, que fusiona arquitectura con artes plásticas, habló con PAULA. –¿Cómo influyó Antonio Bonet en su obra? –Me puse a investigar toda su obra y fue ahí que me di cuenta con la sensibilidad con la que trabajaba. Logré obtener toda la bibliografía que existía en el medio, conseguí algunos libros más que me trajeron del exterior y lo estudié en profundidad. Empecé a diseccionar la obra y quedé impactado con lo que encontré. Me inspiró. – ¿Cómo explica el cambio de rumbo de su carrera? –Diría que lo que ocurrió es que me empecé a interesar en la arquitectura más que en los clientes. Fue un quiebre para mí y se nota. Tomo una actitud diferente en relación a cómo diseñar el espacio, a cómo pienso la obra de arquitectura en relación con su entorno, cuál es su función, cuál es su identidad. –¿Diría que comienza a desarrollar una identidad? –Sí, en cuanto a cómo encarar un programa de arquitectura. Hay un quiebre real. Es entre 1996 y 2000 que empiezo a generar obras que pueden tener interés arquitectónico. Cambiar fue una decisión que tomé cuando me di cuenta que estaba desperdiciando talento y oportunidades. –¿Usted restauró los proyectos de Bonet? –Restaurar es mantener el programa. En general cuando hago una renovación o una reforma, si la obra lo vale, tengo considera-

ciones especiales, como pasó con Casa Berlingieri. Allí fue esencialmente mantenido el espíritu original de la obra, lo único que le toqué es la parte de servicios que en sesenta años cambian mucho. El resto lo recuperé por completo: las bóvedas a la catalana, la terraza original, que estaba estropeada, la demolí y la volví a hacer exactamente igual con el sistema de la chapa acanalada. –¿Después de esa obra realizó la renovación en la Casa Booth? –A los nueve años me tocó en suerte encontrarme con esta otra obra de Bonet. Al trabajar en el ahora denominado Proyecto Virazón, tiré unos 150 metros construidos y así la devolví a su programa original. Además de recuperarla lo que intenté fue un diálogo con una obra nueva, con un programa nuevo que había que adosar a la vivienda original. En vez de pegarme a Bonet lo que hice fue mantener cierta distancia y a su vez generar espacios entre una obra y otra. Creo que está bastante bien logrado. –Dijo que piensa la arquitectura en relación con el entorno, ¿cómo es ese proceso de trabajo? –Es bastante complejo. Explicarlo es más difícil. Dependen los estados de ánimo, las circunstancias, para quien va orientada la vivienda o el programa y de qué manera vos empezás a modelar los espacios en conjunción con el lugar. Es un ir y venir. Muchas veces me pasa que el proceso no se termina en los papeles sino que sigue en las siguientes etapas. Quiero decir, tengo toda una historia con la obra que no termina en el lápiz y el papel. Es más, no hago proyectos si no intervengo hasta en el proceso de construcción. Eso es muy importante para mí. Creo que el proceso creativo es mucho más extenso y más sacrificado.

–En realidad jamás lo condicioné para que siguiera arquitectura, no soy de esos padres, todo lo contrario. Siempre quise que todos mis hijos decidieran su vida como yo decidí la mía. Igual, me sentí muy bien cuando él lo eligió. –Dice que solo acepta proyectos a los que puede dar seguimiento de cerca, ¿cómo se organiza cuando la obra está en el extranjero, como fue el caso de Hotel Viña Vik? –Voy y vengo. Uno de los integrantes del equipo se encarga de todo el seguimiento de la parte estructural y cuando llega la etapa de las terminaciones lo retomo. En el último año de la construcción de esa obra iba y venía por lo menos dos veces al mes, en promedio, quizás en algún momento fui más seguido. –¿Esa obra fue un nuevo reto para usted? –Totalmente. El primer desafío fue el techo de titanio. Tuve que salir a encontrar una empresa que construyera esa cobertura y salí a buscarla en el mundo. La encontré en Europa. Es una empresa que realizó reparaciones para el museo Guggenheim Bilbao, obras

–¿La identidad es un asunto importante para usted? –Sí. –¿Dedica muchas horas al día a cómo encontrarla? –Sí. Es muy difícil explicar ese proceso también. No es que use las manos, que lo voy moldeando. A veces hago un croquis, a veces lo paso a 3D con ayuda de alguien y a partir de ahí empezamos a sacar, a poner, empezamos a ver qué material funciona mejor con tal idea, a ver cómo es la relación entre exterior e interior, a ver cómo va funcionando todo. –¿Cómo se compone su equipo de trabajo? –Trabajo con tres arquitectos más: Ariel Sosa y Rolando Moreira, que están conmigo hace más de veinte años, y Santiago, mi hijo. Ellos son mi apoyo. Cuando tengo algún proyecto que no lo puedo seguir todos los días, tengo un director de obra que subcontrato. Mi escala de obra es la que yo puedo manejar. Es decir, no puedo tener más de dos o tres obras por año. Así funciono. –¿Cómo es trabajar con su hijo?

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En Luis de la Torre 602 se encuentra la oficina administrativa y el área de catas de la empresa de aceites de oliva extra virgen O’33 José Ignacio. Aquí el proyecto arquitectónico de Daglio se fusiona con intervenciones artísticas de José María Pelayo. Para esta misma empresa el estudio proyectó una almazara boutique en Maldonado que fue premiada por su concepto de sustentabilidad ambiental en 2015.

para Santiago Calatrava y unas bodegas en España, que son bastante arriesgadas también. Ellos hicieron el desarrollo del proyecto en Chile, que no era fácil. El techo tiene más de mil cerchas articuladas, con figuras curvas que van para un lado y para otro. –¿Cuánto tiempo le demandó ese proyecto? –Solo el desarrollo de la cubierta de titanio nos llevó más de un año. Además todo el proceso de construcción en un lugar que queda a 200 kilómetros de distancia de Santiago de Chile y con el pueblo más próximo a veinticinco, además de las dificultades para seleccionar empresas de construcción y mano de obra calificada en un lugar que prácticamente no la tiene. –Esa construcción es una obra de arte en sí misma. –Sí. Es la idea: una arquitectura que desarrolla en cada espacio piezas especiales.

Arte en construcción

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Así ocurre que cada uno de los proyectos que Daglio pone en marcha están meticulosamente escogidos. Él se interioriza poco a poco en la idea que el lugar le sugiere, como si dialogara con el ambiente, como si se parara ante un lienzo en blanco. Es un trabajo delicado y cuidadoso, que le es difícil verbalizar, pero que con el paso de los días, y del trabajo, se materializa. Como si pintara un cuadro. Como si su arquitectura concebida como una gran obra de arte contuviera otras en su interior. –El arte es parte importante de su vida y de su obra, ¿cuándo comenzó a interesarle? –Creo que el arte es lo único que tengo conmigo desde toda la vida. Lo incorporé desde que tuve la posibilidad de entender algo y comprar algo. Me acompaña a todos lados y en la arquitectura intento incorporarlo para potenciar los espacios y generar fusiones entre arquitectura y arte. Así surgen en mis proyectos varias intervenciones de artistas que están muy bien logradas. –¿Cómo es el proceso de trabajo con un artista? ¿Ellos se acomodan a la idea del proyecto que usted está desarrollando o les deja libertad de creación?

–Lo empiezo a tener más claro cuando voy armando el espacio. Ahí es cuando me doy cuenta que necesito una carga mayor que no la puedo hacer con mi arquitectura. Es entonces cuando elijo quién de los artistas que conozco intervendrá mi obra. Son artistas que me interesan porque tenemos sentimientos en común. Ahí hago la selección y luego tengo la discusión con ellos para lograr lo que estoy buscando. –¿Cómo es esa discusión? –Les cuento mis intenciones y mis objetivos, si quiero que ese espacio sea de estilo gótico, que se vaya al cielo, o que sea más terrenal con determinados tipos de materiales. Por ahí es la charla. –¿Usted pinta? –No –¿No hace ninguna actividad plástica? –Dibujo bien. –¿Lo hace en sus ratos libres? –No. –¿Le gustaría? –No. Lo intenté y me estresa. –¿Por eso se rodea de artistas? –Tengo mucha obra. En general los artistas que elijo son uruguayos y vivos. Me interesa no solamente coleccionarlos sino seguirlos en su proceso. Me gusta mantener una relación de contacto directo con ellos porque me interesa tener un diálogo y pensar lo que están haciendo. No compro el cuadro para colgarlo. Quiero entenderlo. –¿Esta serie que está en su despacho fue un encargo que usted hizo a cada artista? –Sí. Todo ocurrió a raíz de que Virginia Patrone tenía obras de 30 por 30 que me encantaban y entonces pensé: ¿por qué no visito a otros artistas y les pido que me hagan una expresión de una cara, de un momento de cada uno de ellos, de un rostro, con ese mismo tamaño? –¿Qué le interesa en el rostro? –Acompaña en todas las centurias de la pintura, es un tema recurrente y es el que más exige a los artistas. Llegué hasta estos, después me cansé. Tenés que ir a visitarlos y podría tener veinte más al final. –La pared también tiene su límite. –Si, por eso paré. Acá tengo de Virginia Patrone, José María Pelayo, José Trujillo, Santiago Paulós, Eduardo Cardozo, Álvaro Pemper, Marcelo Legrand, Carlos Musso, Carlos Seveso, Ernesto Vila, Fernando López Lage, Martín Verges, Esteban Esmerdiner, y Virginia Daglio, mi hija. –¿Ella es arquitecta también? –No. Están Virginia, Santiago, Camila y Luciana. Los dos primeros son de mi primer matrimonio, la tercera es del matrimonio de mi señora y la cuarta es la nuestra. Los tuyos, los míos y los nuestros. Son todos grandes ya. Virginia es escenógrafa y se dedica a la pintura. Santiago es arquitecto, Camila tiene un restaurarte, Adolfo Café, y Luciana está por recibirse de licenciada en moda. Están todos relacionados con lo creativo. –¿En su casa también tiene piezas de arte? – Si, aunque bastante menos. En general cuelgo y descuelgo. –¿Cómo inició su colección?

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–Fue hace unos veinte años atrás. Me compré un Iturria en la galería de Pablo Marks en la Ciudad Vieja. Me salió 700 dólares y lo pagué en siete cuotas de cien dólares. Es una obra sobre cartón corrugado en el que hay una mujer sobre una cama. –¿Qué otras obras admira de su colección? –Tengo una de Carlos Musso, debe ser lo mejor. Él es genial en el manejo del color y de la expresión. También unas de Eduardo Cardozo. Todas las que tengo me parecen la mejor. –¿Qué le llama la atención de una obra para que desee comprarla? –No entenderlas de entrada. Necesitar un diálogo con ella, que me guste primero sin duda, y después, meterme adentro. –¿Le estimulan los desafíos? –Si. Tengo artistas muy diferentes que me motivan y me encantan. Me paso horas mirando su obra, hablando con ellos. –¿Por qué los elije uruguayos? –Soy muy uruguayo. Intento lograr una identidad, que no sé siempre bien cuál es, pero me interesa que entres a un lugar y sientas que estás en Uruguay. Eso me pasa con mis obras de arquitectura también. Busco que sientas que por más que el espacio sea contemporáneo, por dar un ejemplo, que haya algo ahí que te diga: estar acá es irrepetible. –¿En qué proyecto suyo se encuentra algo así? –El primero fue Estancia VIK. Allí hay espacios que están generados a partir de las ideas que los uruguayos tenemos en el inconsciente de lo que es una estancia. Por ejemplo el galpón, ese lugar en el que están los gauchos. Nosotros estamos acostumbrados a verlos y ver esos galpones, no los galpones dinamarqueses. Hay ambientes uruguayos que los tengo totalmente internalizados, no sé, por mi experiencia de vida. Estoy seguro

que nos pasa a todos, que hay pequeños elementos que nos tocan y nos hacen recordar algunas cosas. Eso pasa cuando el espacio tiene una identidad que refleja la que existe en el lugar. Creo que los artistas con los que trabajo me ayudan a bajar línea. –¿Se crio en el campo? –No. No viviría tampoco. –¿Cómo le inspiran las imágenes campestres? –¡Ah, porque me encanta! Yo llego allí y respiro todo, me meto como en una tatucera, estoy un rato y me voy. Me encanta también la ciudad. Me gusta Montevideo. Cuidar el medio ambiente desde su lugar es otro de los objetivos que persigue Marcelo Daglio. Así es que la sustentabilidad es parte importante en sus programas. Tal es su compromiso que en 2015 fue distinguido con el primero premio en la categoría Producción, energía y reciclaje, en el World Architecture Festival en Singapur por el proyecto Fábrica de Oliva que se encuentra en Maldonado. Ese es solo un gran ejemplo, pero no el único, recientemente inauguró una casa de campo en Pueblo Garzón que cumple con muchos de esos criterios constructivos. “En general aplico un montón el concepto de sustentabilidad. Lo esencial para que una obra tenga estas características es pensar en las energías naturales. Si vos no orientás bien la casa, si no pensás en el viento, si no pensás en el asoleamiento, en los aspectos externos e internos, por más que pongas paneles solares, que le pongas una bomba de calor, que hagas geotermia, algo no funciona. Hago mucho hincapié en eso. Mis obras generan espacios que tratan de resolver situaciones de invierno, situaciones de verano, todo lo que es acondicionamiento térmico, los techos, las paredes. Creo que la sustentabilidad pasa primero por ahí“.

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oriental zen

el espíritu de tradiciones milenarias se fusiona con una impronta contemporánea en esta casa de punta ballena concebida por marcelo daglio. se trata de una obra que emerge en armonía con otra diseñada en 1948 por el arquitecto catalán antonio bonet.

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FotograFías: Pablo rivara.

En 2006 se iniciaron los primeros trabajos de reforma en la antigua Casa Booth, tal como la denominó Bonet; hoy rebautizada con el nombre Virazón. Aquí el diálogo entre pasado y presente se da con la incorporación de un volumen constructivo que se reconcilia con la arquitectura original y con el paisaje.

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Una atmĂłsfera de sofisticada austeridad predomina en el interiorismo de la casa. El mobiliario, diseĂąo exclusivo del estudio Daglio, respeta el concepto zen que comunica la arquitectura.

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A la obra original se le incorporó tecnología de última generación, como por ejemplo los dispositivos inteligentes. Una vez más el propósito de sustentabilidad se hace presente en el proyecto de este arquitecto uruguayo.

Las necesidades contemporรกneas de confort y funcionamiento que demanda la vida actual estรกn cuidadosamente contempladas en el interior de la vivienda.

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La casa, desarrollada en una planta, cuenta con vistas al mar desde todos sus ambientes. Una galerĂa abierta de lado a lado por grandes ventanales enlaza los dos cuerpos principales de la residencia. De ese modo les otorga independencia y unidad al mismo tiempo.

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En el dormitorio principal, el tatami, las luminarias, los muebles y el arte son también un reflejo de la filosofía oriental que inunda la casa. El mural en papel de plata y oro, realizado por Virginia Daglio, emula una escenografía de bambú.

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Los materiales fueron escogidos de modo tal que envejezcan de forma natural y armรณnica con la obra de ayer y la de hoy. Predomina en los interiores la madera de lapacho en forma de grillas y en el exterior el acero corten.

Al igual que el maestro Bonet, la propuesta de Daglio se amalgama con el entorno y juega con el contraste de colores de la naturaleza y la arquitectura.

vivir el este

de autor

rÚstica, aggiornada y con carácter. tal la casa más reciente proyectada también por daglio. enclavada en medio del campo, combina elementos fríos y cálidos con la intención de despertar sensaciones.

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FotograFías: Pablo rivara.

Los ladrillos son protagonistas en esta casa. Su diferente manejo logra crear distintas texturas, ya sea en el piso, las paredes o el cielorraso del exterior, lo cual ofrece una vista monocromรกtica que se interrumpe con el techo de chapa negro, el azul del cielo reflejado en la piscina y el verde del campo.

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La construcción es simétrica y cada ambiente posee identidad propia. El salón principal tiene una gama de colores armónicos que se logra con el piso en madera maciza, las paredes revestidas con corcho portugués y el techo de quincho artesanal con un diseño liviano y abovedado.

Una gran estufa de acero corten sobre granito refleja el interés por combinar distintos materiales en un espacio común. En las dos puertas de acceso está presente el sello distintivo del arquitecto: la intervención de artistas en sus proyectos. En este caso, la guarda en la madera es obra de Roberto Píriz.

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Las sillas, las butacas y los taburetes son de origen australiano. La mesa de comedor rĂşstica, con durmientes de vĂa de tren, algunos fechados en 1885, y madera de pinotea, es un diseĂąo exclusivo del estudio Daglio.

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La intención de que cada lugar tenga un atractivo particular hizo de este movieroom un espacio mutable. Así, la sala de cine, rodeada de una obra en madera de maple y jacarandá violeta se puede transformar en una habitación para huéspedes con solo apretar el interruptor que despliega la cama oculta en el techo.

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En el playroom, revestido en madera de manzano, la acĂşstica estĂĄ milimĂŠtricamente pensada para absorber el sonido, detalle ideal para minimizar los ruidos obvios de ese ambiente.

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Las habitaciones de huéspedes también están intervenidas. Arriba, impacta la obra de José María Pelayo. Abajo, el toque distintivo y sutil corresponde a Eduardo Cardoso.

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La sencillez y la practicidad son otras caracterĂsticas de la casa. AsĂ lo evidencian tanto el sobrio vestidor como el baĂąo en suite.

Cada cuarto tiene su tratamiento especial en funciรณn del artista plรกstico que lo haya intervenido. En la suite principal, cuyos ventanales permiten la posibilidad de abrirse y cerrarse al campo, los tonos claros son los que gobiernan.

InspIracIón & InterIorIsmo

Musai se instaló en Zona Diseño con una colección cuidada, de líneas contemporáneas y funcionales.

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esembarcó en La Muy Fiel, anticipando la primavera. Musai se instaló en Zona Diseño a principios de mes y trajo consigo aires de buen gusto y frescura, que ya revolucionaron a los habitués de ese enclave de la decoración. El nombre de la firma proviene de una adaptación al castellano del vocablo en griego antiguo mousai, y evoca el poder de las musas para inspirar. De hecho, esa instancia fundamental de la creación y del nacimiento de las ideas, queda de manifiesto apenas se traspasa alguna de las dos puertas de acceso al local. Con entrada tanto por la calle Constituyente como por Canelones, el showroom de 550 metros cuadrados se distribuye en dos plantas y exhibe una disposición de mobiliario tal, que genera ambientes reales y vivibles. Allí, el visitante puede disfrutar de una colección alineada con la tendencia en la que sus diseños contemporáneos y de vanguardia, combinan funcionalidad, confort y calidad. No en vano inspiración, diseño e innovación son las palabras claves que definen el espíritu de la marca. Pero eso no es todo. Más allá del mobiliario exhibido, Musai

se especializa en brindar soluciones integrales y diseños personalizados que se adapten a las necesidades de los clientes. Para tal fin cuenta con un servicio de asesoramiento en interiorismo sin costo, a cargo de las arquitectas y diseñadoras de interiores Gretel Schmidt y Andrea Macedo. Por más referencias, vale destacar que ambas profesionales fueron las encargadas de diseñar y proyectar el montaje del local, así como también de seleccionar las piezas de esta propuesta junto al director de la empresa, Américo Gaudio, quien tiene nada menos que treinta años de trayectoria en el rubro. Así las cosas, la invitación a explorar un nuevo concepto en interiorismo, está hecha. Pasen y vean. Constituyente 2017. Canelones 1982. Tel.: 2407 1317, 097 683 194 Facebook e Instagram/@musai interiorismo www.musai.com.uy

san pabLo

casacor

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La 31º edición de La muestra desafió una vez más a arquitectos, diseñadores y paisajistas a idear espacios creativos e innovadores. aquí, una panorámica de Lo propuesto en eL jockey cLub para sacar apuntes.

Este loft de viajante propuesto por Maicon Antoniolli combina elementos rĂşsticos e industriales. El piso en madera de demoliciĂłn y las sillas en hierro lo dejan en claro.

Consectur modi corersp iducium aut quam explige nimostrum ellecum venderum quatem numquuntur se et officita cus eatur aute que re, qui dolor atque apis reptatem doluptatio ex exerum libus quodiorat.

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Olore del ea atetum adigna ad eu faccumsan exerostio odolor sequis aliquip susciniam, qui Olore del ea atetum adigna ad eu faccumsan exerostio odolor sequis aliquip

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Arriba, la combinaciรณn de la banqueta con la mesa llena de jarrones en cristal, y la luminaria hecha con tubos de hierro acaparan la atenciรณn de este hall propuesto por Pamella Giannetti y Natรกlia Marchioni. A la derecha, el espacio creado por Denise Barretto en el que destaca el contraste entre los grises de las texturas y las diferentes tonalidades de la madera.

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Arriba, persianas pivotantes circundan la casa ideada por Paola Ribeiro y dejan entrar la luz natural y el verde. Abajo, Patricia Pasquini muestra esta cocina urbana con la mesa en madera maciza sobre una alfombra de ladrillos hidrรกulicos.

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A la derecha, la estĂŠtica retro invade el restaurante planteado por Patricia Genovese y Guilherme Longo con gĂŠneros ricos como el terciopelo y detalles en dorado. El empapelado con estampas completa la escena.

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A la izquierda, Lidia Maciel cuenta la historia de la monarquía brasilera a partir de la araña de Baccarat que perteneció a la familia real. Arriba, muebles curvos dan suavidad a este cuarto de niña en tonos pastel, mientras las paredes en clave geométrica le imprimen el toque moderno.

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El mรกrmol del gran panel y las paredes revestidas son el sello distintivo de este ambiente. Ideado por Barbara Jalles, puede oficiar de biblioteca, bar, o bien de lugar para trabajar.

Arriba, una original suite ambientada por Gustavo Neves, con la cama fabricada en madera carbonizada y detalles con aires animal. Abajo, paredes de cemento quemado, y caĂąos de PVC evidencian el estilo industrial de esta cocina pensada por Ă&#x2030;rica Salguero, con verdes naturales incluidos.

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Arriba, una evocación al diseño escandinavo en este loft que plasmó la firma Triplex Arquitectura. Abajo, Leo Shethman explora los contrastes en este ambiente donde el empapelado remite al op art, y los vidrios texturados compiten en protagonismo.

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El comedor de Olegario de SĂĄ y Gilberto Cioni estĂĄ flanqueado por paredes de granito y paneles en madera maciza que enmarcan un ventanal de cara a la naturaleza. El diseĂąo de vanguardia de la mesa sin duda se roba todas las miradas.

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Arriba, el estudio de nĂłmade hecho por Todos Arquitectura exhibe un mobiliario funcional capaz de ser trasladado en cualquier momento. Abajo, living pensado por MarĂlia Veiga donde conviven la madera, el acero inoxidable envejecido y los materiales laqueados.

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Arriba, las construcciones tailandesas inspiran este proyecto sustentable hecho por Mariana Crego. A la derecha, los verdes se adaptan y llenan de vida al Jockey Club, en esta obra de Clariça Lima. Abajo, una gran estructura metálica recorre el estudio ideado por Sandra Moura y oficia de estantería y vidriera. La foto de la Mata Atlántica cubre toda la pared.

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Arriba, la madera reviste prácticamente todas las paredes del ambiente de Andreia Texeira y Fernanda Negrelli, y avanza sobre el mobiliario, ya sea en versión rústica o bien terminada. Abajo, tonos neutros y cálidos predominan en esta mini selva proyectada por Bia Abreu.

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Guillermo Kuitca

mirada

experta

referente en su métier, creador de una beca que lleva su nombre, inspirador de las nuevas Generaciones, este reconocido arGentino anticipa para octubre el desembarco de la extraordinaria muestra de la fundación cartier. más de 800 obras de 24 protaGonistas de la escena mundial se expondrán en buenos aires.

creada en octubre de 2014 para el 30° aniversario de la Fundación Cartier, se verá en La Gran Lámpara, la sala nobile del CCK. Con los auspicios de la Fundación Cartier, de la embajada de Francia, del Instituto Francés y del Sistema Federal de Medios y Contenidos Públicos, Los visitantes será el punto más alto de la agenda cultural de Buenos Aires en un año excepcional, cuando la ciudad está en la mira del mundo arty, tras ser elegida por los gurués suizos para arrancar con el programa de Art Basel Cities. Fundada en Francia en 1847, la marca Cartier es sinónimo de altísima calidad; de relojes de lujo y de brillantes con varios quilates. Desde 1984 es también puerta de acceso a la innovación y a un catalejo de nuevos artistas, procedentes de todas las latitudes, fichados por expertos para integrar la colección propia o para las muestras temporarias. La Fundación Cartier de Arte Contemporáneo fue creada por iniciativa del presidente de la compañía, Dominique Perrin, y en las últimas dos décadas, bajo la dirección de Hervé Chandès dominó el panorama parisino desde un descomunal edificio de vidrio y acero diseñado por Jean Nouvel en el corazón de Montparnasse, más precisamente en el 261 del Boulevard Raspail. Este centro de legitimación de las últimas tendencias decidió mirar en los bordes; capturar el centro, pero también la periferia: Japón, Corea y América Latina. Mucho antes de la creación de la monumental sede de Louis Vuitton en el Bois de Boulogne, signée Frank Gehry, la Fundación Cartier formó una colección de notables y deslumbró con las muestras del australiano Ron Mueck y de la brasileña Adriana Varejão, entre muchos otros. En tres oportunidades, Guillermo Kuitca fue el interlocutor de Monsieur Chandès. En 2000, lo convocaron a Raspail 261 para montar una retrospectiva de sus series históricas completas: los diarios, los mapas, los teatros y los planos de departamentos.

esde que conozco a Guillermo Kuitca vive en el mismo lugar. Una casa elegante y señorial en Belgrano R, que ha ido mutando con el tiempo y con la carrera del artista, que pasó del siglo XX al XXI sin dejar de ser el referente número uno del arte contemporáneo argentino. El día de la entrevista compartimos un frugal almuerzo vegetariano, sentados en los bancos altos de la cocina comedor, con Martín, colaborador y mano derecha en la producción de la ambiciosa muestra que tiene en marcha, para unir la Fundación Cartier y el CCK. Esta vez será el artista como curador, aunque Kuitca, cuyo umbral en el uso del lenguaje es perceptivo y cuidadoso, prefiere quedarse con la palabra mirada para hablar de su participación en Los visitantes, la exposición que desembarcará a fines de octubre en las salas del centro de artes visuales más grande de América Latina, con 800 obras de 24 artistas que se expresan en todos los lenguajes y se valen de todos los soportes. Será una oportunidad única para hacer una inmersión en la escena del arte cutting edge, con “guiños inesperados y mestizajes, entre ideas, artistas y obras”. La crème de la crème, pero no del establishment, o, como le gusta decir a Kuitca, “no estarán los nombres de la shopping list”, léase Damien Hirst, Jeff Koons, Murakami o los hermanos Chapman. Llegarán al ex Palacio de Correos –edificio ejemplar del arquitecto francés Norbert Maillart– obras de Tony Oursler, William Eggleston, Douglas Gordon, Hiroshi Sugimoto, Patti Smith, Agnès Varda, Nan Goldin, Artavazd Pelechian, Francesca Woodman, Raymond Depardon, entre otros, y del propio Kuitca, cuya memorable instalación Living Room, inspirada en una pieza maestra de David Lynch,

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Por AliciA de ArteAgA. FotogrAFíAs: ignAcio coló.

MINI BIO 1961 Nace en Buenos Aires el 22 de enero. 1970 Ingresa en el taller de pintura deAhuva Szlimowicz, su maestra hasta los 18 años. 1974 Realiza su primera exposición individual en la galería Lirolay. 1984 Cuelga su primera muestra en la galería Julia Lublin de la serie Mar Dulce. 1985 Participa en la XVIII Bienal de San Pablo con el grupo La Nueva Imagen. 1992 Es invitado a la Documenta IX de Kassel, donde presenta una instalación de veinte colchones. 1993 Recibe el premio al Artista Joven del Año de la Asociación Argentina de Críticos de Arte por la serie Nadie Olvida Nada. 2003 Realiza una retrospectiva en Malba procedente del Reina Sofía de Madrid.

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2007 Representa a la Argentina en la Bienal de Venecia. Es seleccionado por el director Robert Storr para exhibir los Diarios en Arsenale. 2014 Monta en París su Living Room après David Lynch. EL futuRO Prepara un libro con los dibujos que hizo desde los años 70’. En 2018 realizará una muestra en Los Ángeles y antes viajará a Escocia a pintar un mural para un coleccionista.

Volvió para festejar los veinte años de la Fondation, con una muestra de artistas sub 30, en la que participaron Catalina León y Flavia Da Rin, ambas becarias Kuitca, integrantes de una recordada edición de la Beca Kuitca, que tuvo como base de operaciones una escuela de Once y como socio estratégico al Centro Cultural Rojas y a la UBA. En 2014, cuando celebraban los treinta años, Kuitca montó en París su Living Room après David Lynch, y, según recuerda ahora, “resultó una experiencia feliz desde el comienzo al fin”. Esa historia reciente de encuentros y reencuentros lo convirtió en la persona justa para el momento justo, cuando la Fundación Cartier y el CCK sellaron una alianza de cooperación inédita, con el apoyo de su equipo curatorial y, especialmente, con la colaboración de Hélène Kelmachter, por años curadora de Cartier y ahora agregada cultural de la Embajada de Francia en Buenos Aires. Los planetas se alinearon bajo el impulso de Hernán Lombardi, dos veces ministro de Cultura de Macri, amigo de Francia desde siempre y en la actualidad al frente del Sistema Federal de Medios, y de ese gigantesco centro cultural que es el CCK. Los visitantes, una mirada de Guillermo Kuitca a la colección de la Fondation Cartier pour l’Art Contemporain será un punto de inflexión en el programa de exposiciones generado desde una institución oficial en diálogo con la empresa privada. Para encontrar una iniciativa de este nivel en la escena cultural argentina, habría que remontarse a muestras históricas del siglo XX como De Cézanne a Miró y Contrastes de Forma, ambas organizadas por el Museo Nacional de Bellas Artes con apoyo de los Amigos y de instituciones norteamericanas. Muchos artistas argentinos descubrieron en esas muestras su artista fetiche. Esa experiencia les cambió la vida. Todavía recuerdo a Polesello, el querido Pole, diciendo hasta qué punto “mirar la obra de Vasarely fue un viaje de ida”.

con los auspicios de la fundación cartier, de la embajada de francia, del instituto francés y del sistema federal de medios y contenidos públicos, Los visitantes será el punto más alto de la agenda cultural de buenos aires en un año excepcional, cuando la ciudad está en la mira del mundo arty, tras ser elegida por los gurués suizos para arrancar con el programa de art basel cities.

-Sin haberme ido nunca, siempre estuve pensando en volver. Pasé 36 años sin exponer en Argentina y volví con la muestra del Malba, que antes se había visto en el Reina Sofía de Madrid. Creo que la beca ha sido todos estos años un semillero por el que pasaron más de 160 artistas, pero el agradecido y quien más aprendió fui yo. Ser parte de la escena sin estar en la escena, y compartir tiempo y experiencia con artistas como Diego Bianchi, Flavia da Rin, Luciana Lamothe, Matias Duville, Sofía Bohtlingk, Eduardo Basualdo, Catalina León, Carlos Herrera, Jazmín López, Juan Tessi, Tiziana Pierri, Rosa Chancho y muchos más. -La Beca Kuitca, ya en el formato Ditella, ganó el lugar de excelencia en la formación de artistas y fue, al mismo tiempo, espacio de legitimación para ellos. Intuyo que también Kuitca reforzó el lugar de referente, de inspirador. -La beca ha sido un lugar de trabajo compartido. Estábamos mirando lo mismo con el artista. Discutíamos, pensábamos y dudábamos juntos. No creo en la idea de las clínicas como lugares para bajar línea y determinar rótulos. Todo lo contrario, se necesita tiempo, mucho tiempo, y eso es exactamente lo que permite el formato de una beca. En cuanto a ser inspirador, nada me parece mejor si esto es realmente así.

-Será interesante ver cómo opera una muestra llegada de la fundación Cartier de París, que imagino está dirigida al público conocedor, en un gigantesco centro de público ecléctico como es el CCK, y además gratuito. -Me gusta la idea de la provocación, de ver cómo recibe ese gran público una muestra coral. Además, estará seis meses, lo que vuelve posible volver a ver lo visto, regresar, preguntar, aprender. Es muy generoso de parte de la Fundación Cartier anclar la colección en Buenos Aires tanto tiempo, y también de parte del CCK comprometer su espacio de exhibición. -Si se toma como antecedente lo ocurrido en la Noche de la Filosofía, que convocó en la trasnoche de un sábado a 42.000 personas, hasta es posible pensar en un blockbuster. -Supongo que estamos frente a un nuevo fenómeno que es

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La conversación transcurre en el piso alto de la casa-taller, a metros de la maqueta de la muestra Los visitantes, ideada por el artista-curador, obsesivo y perfeccionista. “La particularidad, lo que convierte a esta muestra en un hecho excepcional es que cada artista tendrá su propio espacio, son muchas muestras monográficas en simultáneo, esto permitirá una mayor intimidad con las obras. También el descubrimiento de artistas desconocidos por el público local en un marco de referencia que tiene un programa de actividades, como las Noches Nómades y otros formatos que importamos directamente de París porque son realmente muy buenos”.

Y ahora estamos con Kuitca. El elegido de los creadores ha fijado su mirada en la Colección de la Fundación Cartier y ha compartido la visión con el director Chandès. “Es difícil encontrar en el mundo del arte una persona como él. Podría cambiar la mejor idea, por el cuidado con que él trata a los artistas. Es excepcional”. Lo dicho vale doble en boca de quien ha recorrido un largo camino de éxitos sucesivos. A los 13 años Kuitca colgó por primera vez sus trabajos en la galería Lirolay, mítico espacio de los 70'. Antes de los treinta ya había participado en la Bienal de San Pablo; tenía un libro sobre sus tempranos comienzos firmado por el crítico Fabián Lebenglik (compañero de banco en el Colegio Nacional Sarmiento); tenía obras colgadas en los grandes museos, y había conquistado la chapa de consagrado, rótulo esquivo y codiciado por los jóvenes artistas argentinos. Las muestras en el IVAM de Valencia y en el Tamayo de México, en los años 90’, abrirían una carrera de éxitos coronada por ventas en sus dos galerías de cabecera: Sperone-Westwater y Hauser & Wirth, ambas jugadoras en las ligas mayores. Pero también en las subastas latinoamericanas y contemporáneas de Christie’s y Sotheby’s. Algo inusual en esta latitudes, el pintor de los mapas tuvo siempre un gran eco entre los coleccionistas globales. Su muestra en el Centro Hélio Oiticica, muchos años atrás, fue impulsada por la coleccionista Frances Reynolds, entonces casada con José Roberto Marinho, magnate de los medios y heredero del imperio de O Globo. Kuitca era su artista fetiche. Lo fue también para Hans Herzog cuando comenzó a formar la colección Daros, para una millonaria coleccionista suiza con base en Zurich. Aunque deliberadamente soslaye el tema del mercado, las obras de Kuitca integraron también las colecciones argentinas, cuando el arte contemporáneo comenzó a tallar en las preferencias del gusto nacional, anclado por años en la pintura europea y en el pos impresionismo. Va como botón de muestra el apoyo recibido por el coleccionista Jorge Helft, en forma individual, y por la Fundación Antorchas como institución, que donaría a fines de los 80' un conjunto de obras al Museo Nacional de Bellas Artes. Incluido un Kuitca. En 2007, fue elegido por la Dirección de Asuntos Culturales de la cancillería argentina para representar a nuestro país en la Bienal de Venecia. Mostró entonces, en el Ateneo Veneto, obra nueva, desconocida, asumiendo el riesgo que representaba dar ese paso, justamente, en la madre de todas las bienales. Pero lo hizo. Se había cerrado un círculo y se iniciaba un registro pictórico distinto, anudando la abstracción con una paleta casi monocromática, acerada y punzante. Ese Kuitca inédito llegaba a la Bienal dirigida por Robert Storr de la mano de Inés Katzenstein, su curadora y luego aliada estratégica en la realización de las Becas Kuitca con la Universidad Di Tella. -¿Las becas fueron una forma de estar presente sin exponer?

tengo que decir algo de mi vida de artista, tal vez lo que más me asombra es haber logrado sostener una carrera de tantos años, sin perder el entusiasmo original”.

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a los 13 años Kuitca colgó por primera vez sus trabajos en la galería lirolay, mítico espacio de los 70'. antes de los treinta ya había participado en la bienal de san pablo; tenía un libro sobre sus tempranos comienzos ﬁrmado por el crítico fabián lebenglik;... y había conquistado la chapa de consagrado, rótulo esquivo y codiciado por los jóvenes artistas argentinos. el público interesado en arte. Esto ha cambiado radicalmente. Comenzó a cambiar en los tiempos de Warhol, que con Bacon y Picasso forman el eje de mis intereses y el centro de mi admiración. Tengo una serie inspirada en Warhol, de la que he sacado la figura humana, pero mantengo color y formato. Y a Bacon diría que lo sigo desde que era un chico y descubrí sus figuras contorsionadas. Picasso es la energía sin límites, la entrega y la capacidad para empezar siempre de nuevo. La instalación Living Room tenía en París un retrato de Bacon (Man in Blue) y un Tarsila (Urutú) del año 28, casi una línea de tensión. Tarsila es la representación de la Antropofagia, una visión que me fascina y es tan latinoamericana. -No hay curador o director de museo que pase por Buenos Aires sin hacer una escala en el taller de Kuitca. El último fue Jeff Rosenheim, responsable de la muestra de Diane Airbus en Malba. ¿Hay una institución Kuitca? -Son muchos años, conozco mucha gente, tengo infinidad de contactos. También las galerías que trabajan mi obra están insertas en el gran circuito. Rosenheim es un profesional, un gran curador, me gustó verlo interesado por los Diarios. -Y podrían estar en breve colgados del museo de la Quinta Avenida. (Risas) ¿Es Kuitca un elegido de los curadores, un enfant gâté...? -No hay elegidos. Lo que hay es el trabajo de todos los días. Hoy es la muestra de la Fundación Cartier, mientras preparo un libro de mis dibujos desde los años 70’. El año próximo tendré una muestra en Los Ángeles y antes estaré en Escocia, pintando un mural en la casa de un coleccionista. -No le ha ido mal. -Yo soy el que baja todas las mañanas al taller a enfrentar la tela en blanco. Ese es mi esfuerzo. Siempre empezar de cero. Si

En el camino se perdió la figura humana. La última vez que Kuitca pintó una figura fue en Siete últimas canciones, obra paradigmática y bellísima. “La figura no está, pero están sus huellas. Me estorbaba. Alguien estuvo allí y me interesa más esa huella de lo humano que la figura misma. Nada recuerda más la presencia de lo humano que un colchón. Mis camas con mapas formaron una serie que dio la vuelta al mundo, hasta tal punto que cuando escuché hablar de mí como el artista de los mapas, decidí que había llegado el momento de cerrar el círculo. Como los Diarios, que son tondos (redondos), porque son telas que cubren mi mesa de trabajo. Marcan el registro de la cotidianeidad, hasta que saltan a la pared y se convierten en pinturas con vida propia. Se termina una. Y se termina para siempre. -Y luego vinieron los planos y los teatros, un entorno muy escenográfico que delata su amor por el teatro y que tuvo como culminación el telón del Colón. -Hice tantos planos de teatros que me pareció justo tener finalmente la oportunidad de hacer el plano del Colón y que ese fuera el leitmotiv del nuevo telón. El teatro ha sido en mi vida, desde muy chico, fuente de inspiración, un lugar de donde saqué ideas e inspiración para mis pinturas. Siempre he vuelto a la pintura, porque creo que mientras un pincel y la tela sirvan para expresarme, allí estaré. Pero no estoy defendiendo la pintura como la antorcha de un cruzado. Nada me interesa más que lo contemporáneo, jamás miro al pasado con nostalgia ni con melancolía. -¿El espacio y el tiempo son dos paradigmas de Kuitca? -Ver la obra de la coreógrafa alemana Pina Bausch fue para mí un flash. Pero antes estuvo la prédica respetuosa y necesaria de mi maestra Ahuva Szlimowicz; me enseñó sin cambiarme. Me dio libertad para expresarme sin mandatos. En su taller estuve desde los nueve hasta los dieciocho años. Quizás lo más importante es que ella supo guiarme, pero también guiar a mis padres. ¿Qué hacer con un chico de nueve años que pinta como un adulto? -¿Y el tiempo? ¿Cuál es su tiempo hoy? -(Silencio). Creo que es un tiempo de pausa. Con la beca hay un paréntesis necesario para la reflexión. No se trata de hacer sino de entender para qué se hace. Ahí estamos. Frente a la tela. estoy pensando. Y esperando. Kuitca es sereno, reflexivo, inteligente, un poco fóbico. Casi, diría, que siempre está un paso adelante. Tengo una recuerdo que lo pinta de cuerpo entero. Hace muchos años compartimos un curso que dictaba Lucas Fragaso en la casa de Adriana Rosenberg. Creo que se hacía los martes y el grupo era buenísimo. Fragaso leía un texto, generosamente hermético, con comentarios al pie, y recomendaba lecturas para la clase siguiente. El único que leía siempre todo, y en el idioma original, era Guillermo. Auténtico Kuitca. (Derechos exclusivos, La Nación).

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POSTALES ITALIANAS

La Malcontenta sobre el Brenta.

The Awakening de Damien Hirst en Palazzo Grassi.

Instalaciรณn de Lorenzo Quinn con motivo de la Bienal. La misma anuncia su muestra en el hotel di Ca' Sagredo.

Entrada al hotel Villa Franceschi.

Iglesia del Redentor en la isla de la Giudecca proyectada por Andrea Palladio.

EntrE dos tiEmpos LA BIENAL DE VENECIA ES UN MOTIVO MÁS QUE VÁLIDO PARA VISITAR ESTA BELLA CIUDAD DE POR SÍ RECONOCIDA POR SUS ENCANTOS. Y SI A LA MOVIDA DE ARTE, SIEMPRE INNOVADORA, SE SUMAN PASEOS POR SUS ALREDEDORES PLAGADOS DE PUEBLOS INMERSOS EN PAISAJES CON VILLAS DE VALOR ARQUITECTÓNICO Y ESTÉTICO INCALCULABLE, EL VIAJE SE CONVERTIRÁ EN UN VERDADERO DESCUBRIMIENTO. texto y fotos natalie scheck.

Murano

Río Brenta.

Olore del ea atetum adigna ad eu faccumsan exerostio odolor sequis aliquip susciniam, qui Olore del ea atetum adigna ad eu faccumsan exerostio odolor sequis aliquip

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Il Burchiello es un crucero romántico que remonta el Brenta y recorre las villas vénetas entre los meses de marzo a octubre. Acompañando los meandros del río, un camino une varios pueblos que ofrecen un devenir en paz.

cceder a la ciudad de los canales por tierra, a través de una campiña ordenada, pintoresca y silenciosa, puede convertirse en una idea nada despreciable, habida cuenta el ajetreo que de seguro depararán unos días de vértigo, con un ir y venir constante por sus intrincados vericuetos. Es que Venecia tiene esa dualidad única de inspirar sueños y devaneos con sus postales románticas, y a la vez generar ansiedades con las múltiples esperas y recorridos eternos, capaces de robar tiempo valioso a una agenda súper pretenciosa. Siempre pasa. Y es tanto lo que se quiere abarcar, que a la vuelta de esa estadía excitante y por qué no, agotadora, cae bien un paréntesis de paz plena. Y es ahí cuando uno valora el hecho de sentirse libre, tomarse un tiempo para respirar hondo y adentrarse en paisajes generosos que acompañan, por ejemplo, los meandros de un río como el Brenta, de no más de 174 kilómetros de largo, que corre de oeste a este hasta desaguar en la Laguna. Históricamente,

fue la principal arteria de comunicación entre Padua y Venecia, y a partir de la segunda mitad del siglo XVI se convirtió en la región elegida por los ricos, fueran nobles o mercaderes de la antigua república, para construir importantes palacetes rurales que al día de hoy aportan a la zona. Sobre la Riviera del Brenta o Riviera de Venecia –así la llaman–, se han ido asentando pequeños pueblos en torno al canal, y cual si fuera un rosario de cuentas, se van sucediendo las villas, muchas de ellas abiertas al público, conformando un conjunto característico que se extiende hasta Vicenza, para muchos la ciudad de Palladio.

Marca indeleble

Justo es reconocer que entre todas las casonas que uno puede divisar a lo largo y ancho del paisaje, las que destacan y uno más quiere visitar son, obviamente, las construidas por Andrea Palladio (Andrea di Pietro della Góndola, 1508-1580).

bir frontones decorados con los símbolos de la familia; una forma de marcar presencia en territorios usualmente vastos. En su interior, el arquitecto distribuía las áreas de acuerdo a sus funciones; a saber: la cocina, la despensa, la lavandería y las bodegas ocupaban la planta baja. La planta principal era, por supuesto, para la familia y sus invitados: al centro, la logia o lugar de reunión social constituía el foco de las miradas, mientras que a izquierda y derecha, las habitaciones de uso más íntimo, eran utilizadas a veces como escritorio. Nada escapaba a las consideraciones de Palladio: la ubicación del patio de los señores, alejado de las barchesse; el lugar para tratar la uva cosechada o el indicado para la fabricación de los quesos; el depósito de la paja para que no se ardiera, así como el espacio para cribar los granos; la zona de los gallineros y del resto de los animales de granja; las comodidades para el personal; la instalación correcta del huerto, los jardines y los senderos. Eran verdaderos cascos multifuncionales, donde la vida diaria comulgaba con la arquitectura y el mundo natural. Veinticuatro villas palladianas del Véneto han sido incluidas, entre 1994 y 1996, como Patrimonio de la Humanidad de la Unesco. Entre las más visitadas están Villa Capra, conocida como la Rotonda, en Vicenza; Villa Foscari, también llamada La Malcontenta en Mira; y Villa Barbaro o Villa di Maser en la provincia de Treviso. Mi opinión, un recorrido imperdible.

Oriundo de Maser, municipio de la provincia de Treviso, fue un arquitecto reconocido en su época por haber sabido actualizar la herencia de las formas clásicas a la realidad del Cinquecento. Se dice que realizó estudios con Giovanni Maria Falconetto, pero quien más influyó en su formación fue Gian Giorgio Trissino, con quien viajó a Roma, ciudad que luego visitó en otras instancias y donde siempre recogió apuntes que le sirvieron para editar I quattro libri dell’Architettura a la edad de 62 años. La creatividad demostrada al transformar la Basílica gótica de Vicenza en un edificio clásico, rodeándolo con una corona de pórticos en dos pisos con columnas y arcadas, despertó tal interés en las familias adineradas de la zona, que empezaron a encargarle sus palazzos urbanos y sus ville campestres, con un perfil acorde a su interés por desarrollar la producción agrícola. Si bien los palazzos urbanos de Palladio no son fastuosos y apuestan más a la nobleza de las formas que al alarde de la riqueza, es en las villas donde efectivamente se revela ese carácter austero que habla a las claras del interés de sus propietarios por destacar que no solo eran espacios destinados al ocio personal, sino que funcionaban también como establecimientos de campo, laboriosos y bien dirigidos. Por eso es que generalmente están planteadas con alas laterales –barchesse–, construcciones donde llevar a cabo las tareas propias del fundo. Las fachadas de las villas palladianas se caracterizan por exhi-

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construida en los años 1551-53, el estilo de la rotonda se encuadra en el manierismo del siglo xvi, con cuatro fachadas idénticas que miran a los cuatro puntos cardinales.

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arquitectura

Villa foscari

popularmente conocida como la malcontenta esta construcción del siglo xvi es la única realizada por palladio justo sobre la ribera del brenta. declarada patrimonio por la unesco, en 1973 volvió a manos de la familia que la vio nacer. texto y fotografías: natalie scheck.

Comisionada a Palladio por Alvise y Nicolo' Foscari, la villa se alza con majestuosidad como un bloque único, con la fachada de cara al río. Las escalinatas laterales eran para quienes la visitaban, un trayecto ceremonial. Elevada más de lo normal, permite que las habitaciones de servicio ocupen la planta baja y queden las otras para los dueños de casa. Destaca el entorno que la rodea, con sauces que se inclinan hasta la orilla misma del agua.

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Se dice que el sobrenombre de la Malcontenta surge a causa de una noble seĂąora perteneciente a la familia Foscari, obligada a permanecer en la villa por no cumplir con sus deberes conyugales. La leyenda es solo una anĂŠcdota. Lo que vale es recorrer el lugar y descubrir la cantidad de rincones interesantes que exhibe este parque, con una notable profusiĂłn de verdes.

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Desde el interior, todas las habitaciones miran al jardĂn, que entre sus atractivos llaman la atenciĂłn varias esculturas coleccionadas por los actuales dueĂąos de casa, ambos arquitectos.

arquitectura

Villa di maser proyectada por palladio para dos de sus mรกs importantes mecenas, daniele y marcantonio BarBaro, Fue construida en 1558. se trata de una oBra emBlemรกtica que hoy alBerga una Bodega preocupada por mantener su Fisonomร a intacta. texto y fotos natalie scheck.

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Construida sobre un núcleo central de ruinas medievales, la villa presenta un bloque central con cuatro columnas jónicas y un gran frontón decorado con relieves. A los lados dos galerías conducen a dos alas simétricas que exhiben sendos relojes de sol. A la izquierda, el nymphaeum está inspirado en el de Villa Giulia. Al fondo una estructura en arco con estatuas enmarca el estanque.

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El Tempietto o capilla, también obra de Palladio, trasunta cierta similitud con el panteón de Roma. Los pórticos, amplios y despojados habilitan la buena circulación entre las diferentes alas. En el salón de recibo todavía se conservan los frescos de Paolo Veronese. Igualmente conocida como Villa Barbaro, desde su ubicación se lleva el control de sus dominios.

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Arriba, un edificio anexo sirve para guardar, entre otras cosas, elementos de labranza. El entorno se pierde en el horizonte pleno de viĂąedos. Las alamedas y el parque con sus senderos invitan a dar paseos.

ALTA HOSPITALIDAD

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despertar los

sentidos EL HOTEL VILLA FRANCESCHI ES UN VERDADERO OASIS SOBRE LA RUTA DEL BRENTA. LA FAMILIA DAL CORSO ES DEL LUGAR, CONOCE LAS TRADICIONES Y RESPETA AL PIE DE LA LETRA EL MODO DE AGASAJAR A SUS HUÉSPEDES. “SENTIRSE EN CASA LEJOS DE CASA” ES SU LEMA. QUIEN LO VISITE, DE SEGURO RECORDARÁ EL MIMO CON QUE SERÁ ATENDIDO.

como puede ser una cata de vinos exclusiva en la isla de Mazzorbo, famosa por sus viñedos y sus aguas salinas; o una cena íntima en la terraza del Peggy Guggenheim de Venecia, de cara al canal; o una incursión por la vía del Prosecco, típico de la región; o una visita a las ciudades amuralladas de Asolo o Bassano del Grappa; en fin experiencias todas que ellos vivieron en familia, por ser residentes y conocer íntimamente los encantos que su provincia ofrece. Para Alessandro todo es un tema de memoria: se trata de “partir de los orígenes para convertirse en algo grande, sin olvidar el comienzo. Eso es lo que tenemos en el corazón. Nos gusta mucho vender nuestra personalidad. El hotel es un ejemplo del artesanato del lugar, gente de acá que trabajó en un proyecto de un arquitecto veneciano, con la ayuda de mi papá y de mi mamá que supieron construir esto con una filosofía de familia. El concepto parte de una tradición de hospitalidad propia. Mi mamá está en todos los detalles. Mi papá está a cargo de la cocina, en base a productos del lugar, con una huerta atendida por nosotros. Entramos en una de las cadenas de más prestigio (Relais & Chateaux), lo que nos ha dado la posibilidad de crecer. Y con mi hermano, que también trabaja en el negocio, vamos a ir desarrollando nuevas apuestas, con la misma filosofía que es la de hacer las cosas con el corazón.

l Naviglio del Brenta es un corto recorrido del río que une pequeños pueblitos desde Fusina hasta Stra, mucho antes de llegar a Padua. En ese trayecto hay una infinidad de villas construidas en diferentes épocas, que en su conjunto ofrecen al visitante atractivos suficientes como para detenerse y andar. En Mira, y de cara al río, resulta interesante descubrir el Hotel Villa Franceschi, un Relais & Chateaux que despliega sus encantos detrás de un muro prolijo y sin alardes. Todo allí respira buen gusto, sin estridencias y en la medida justa. El jardín luce muy cuidado, las construcciones, impecables, evidencian la preocupación por mantenerlas aggiornadas y con una decoración acorde a la zona, porque la idea primigenia es ser fieles a sus productos y tradiciones. Y si a ello se agrega la calidad del ristorante Margherita, con una gastronomía y atención únicas, no queda más nada por decir, sino que vale la pena vivir la experiencia. Alessandro dal Corso es la voz cantante del grupo, que ya lleva tres generaciones trabajando en esto de la hotelería asociada a otras sensaciones. De hecho, ofrecen un programa, Exclusive Emotions, con una distinguida oferta de vivencias especiales,

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Aquí, integrantes de la familia Dal Corso. A la izquierda, el papá atento a la gastronomía. Arriba, Alessandro y su hermano. Abajo izquierda, la mamá y la hija de Alessandro y a la derecha los chefs de la casa en acción.

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Trasponer la puerta hacia la recepción supone entrar en una larga galería iluminada por amplios ventanales donde se distribuyen grupos de sillones tapizados en terciopelo y en cuero, mesas, luminarias y demás adornos, todo muy al estilo del Véneto.

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El hotel está compuesto por dos edificios que se complementan. La villa con sus salones ricamente puestos en los que destacan las arañas de cristal de Murano, las pinturas de época, el dorado a la hoja en sillas y dressoirs, y la suavidad de las sedas y brocatos. Abajo, un imponente florero de cristal cuajado de orquídeas y un corredor de distribución, ambos espacios del anexo.

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El ristorante Margherita es un capítulo aparte dentro del hotel. Consagrado a una gastronomía cuidada y de excelente factura hace las delicias de huéspedes y otros comensales que llegan atraidos por sus buenas referencias. Una rinconera central determina la distribución de las otras mesas. Comparte protagonismo con la araña, el cielorraso a cuatro aguas y el ventanal que da al jardín.

Cada una de las suites ubicadas en la villa exhiben un diferente decorado, pero todas evocan el tiempo en que los nobles se refugiaban en el campo. El hotel es reconocido por hacer festejos y casamientos de extranjeros que reservan la casona con anticipaciรณn.

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Las habitaciones del anexo también tienen lo suyo. El mobiliario de estilo, los tapizados, los muebles de jardín y demás detalles conviven en armonía con los materiales de la construcción logrando generar áreas de descanso agradables y muy confortables.

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Aquí, otros dormitorios en suite dejan ver el trabajo de los pisos con diferentes diseños en el parquet. El hotel cuenta con 44 habitaciones de diferentes comodidades. Muchas de ellas con espléndida vista al parque e incluso con terraza privada. Los baños están totalmente remodelados, siempre respetando el estilo del edificio.

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El parque que rodea a la Villa Franceschi es enorme y sus importantes alamedas invitan al paseo. Arriba, una vista del edificio anexo en donde destacan las terrazas individuales debajo de una lĂnea de arcos. A la izquierda, la entrada a la recepciĂłn rodeada de verdes que esconden la piscina.

El acceso al hotel está bordeado por enormes topiarias de boj. A mano izquierda del camino está la villa, y al frente, la recepción que se encuentra en el anexo. Traspasar los muros de la propiedad es como entrar en otro tiempo, sin prisas y con un menú de actividades que invitan a la lentitud. Allí los Dal Corso se ocupan de que todos la pasen bien.

ViLLA FrAnCEsChi Via Don Minzoni, 28 Mira Porte - Venezia www.villafranceschi.com

la biennale

ViVa arte ViVa Tal el nombre que esTe año inspira a los parTicipanTes de esTa movida única que como siempre aTrae a genTe diversa. por esTos días, venecia ofrece además infinidad de programas que compleTan una agenda difícil de abarcar. i giardini y arsenale son dos ciTas imperdibles. para muesTra... fotografías: natalie scheck.

folly. Phyllida Barlow

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El ambicioso trabajo de esta artista inglesa nacida en 1944 ocupa el pabellón británico, con esculturas y demás formas creativas repartidas entre el interior y el exterior del mismo. El significado de Folly alude a un estado de alegría o locura, pero también refiere a una figura arquitectónicamente decorativa, por lo que ambas acepciones se ajustan en simultáneo a la muestra. La artista explora diversas formas abstractas en piezas colocadas según un orden particular a través de las diferentes salas, de tal manera que desafía al público a indagar en su propia comprensión de la escultura. Su propuesta es audaz, vasta, y deja libre al espectador para que escoja su camino a través del laberinto de obras realizadas a gran escala.

a 57ª. Exposición Internacional de Arte de Venecia abrió sus puertas en mayo pasado y su cierre se anuncia para el 26 de noviembre próximo, por lo que queda más que tiempo suficiente para animarse a escudriñar en ese mundo que gira en torno a intereses diferentes, y en el que se habla también un lenguaje diferente. La francesa Christine Macel (1969), curadora en jefe del Centre Pompidou, fue elegida para dirigir la muestra, con el beneplácito del presidente de la institución Paolo Baratta, quien ponderó su capacidad de valorar el rol de los artistas en la invención de sus universos. El programa de Viva Arte Viva está inspirado en el humanismo y ofrece una ruta sensorial, poética y colorida a lo largo de nueve capítulos, a saber: el Pabellón de los Artistas y los Libros, el de la Alegría y el Miedo, el del Espacio Común, el de la Tierra, el de las Tradiciones, el de los Chamanes, el Dionisíaco, el de los Colores, el del Tiempo y el Infinito, y el de las Artes Aplicadas, sumados obviamente a los 86 pabellones de los países, al de los proyectos especiales y a los numerosos eventos colaterales. La condición de la mujer, los refugiados, la vida en el planeta y el papel de los artistas fueron, entre otras, las preocupaciones más manifiestas. Aquí, una selección de obras elegidas en I Giardini y en Arsenale.

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Nacido en Los Ángeles en 1961, Mark Bradford es considerado a la vanguardia del arte contemporáneo, reconocido por sus pinturas abstractas y sus collages impregnados de testimonios sociales y personales. Para el artista, representar a Estados Unidos en Venecia es la culminación de un proceso interno que no habla solo de él, sino de todos los que se sienten marginados. Bradford cree que la abstracción no se opone al contenido, sino que lo encarna. Tomorrow is another day es una narrativa de crueldad y violencia, pero también una historia de ambición y creencia en la capacidad del arte para comprometer a todos en profundas y urgentes conversaciones y acciones. A través de las 5 salas del pabellón estadounidense, el artista denuncia la gravedad del presente y afirma su actitud de defensa social permanente.

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tomorrow is another day mark Bradford

hassan sharif studio (suPermarket). hassan sharif

Las obras de arte se vuelven simples productos expuestos sobre los estantes de Supermarket, la instalación de Hassan Sharif (1951-2016). El artista de nacionalidad emiratí tiene su espacio en la Biennale, en el Pabellón de los Artistas y los Libros. En su trabajo reune tres décadas de obras realizadas por él, entre las cuales hay esculturas junto a cajas de cartón con piezas de cartas portadoras de misteriosos mensajes, y un cúmulo de otros objetos con los que intenta construir una historia de masificación en las góndolas de un hipermercado.

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giardini colourfall. ian daVenPort

Ian Davenport (1966), pertenece a la generación de los llamados Young British Artists al igual que Damien Hirst, y es el artista invitado por Swatch Faces 2017, sponsor de la Biennale. Reconocido internacionalmente por su técnica de volcar pintura sobre diferentes superficies y dejar que la gravedad actúe, montó su obra sobre un panel de aluminio de 3.8 x 14 metros, que se implantó sobre el césped, cerca del Pabellón Central. Fiel a su estilo, su Giardini Colourfall está formada por una secuencia rítmica de más de mil colores, inspirados en la paleta cromática de Monet y Klimt, que caen desde lo alto, verticalmente al suelo, y a su llegada dibujan chorretes naturales formados por la caída.

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fausto. anne imhof

La reconocida alemana Anne Imhof (1978) fue la autora de Fausto, una impactante instalación que ocupa el pabellón de su país con una obra que suscita muchos interrogantes sobre nuestro tiempo. Inspirada en el trabajo de Goethe, consiste en una enorme plataforma transparente realizada en plexiglás, sobre la cual debe caminar el visitante, mientras por debajo, artistas vestidos de negro realizan largas performances chocantes, en protesta contra el poder, la sexualidad y la obsesión por la tecnología, bajo la mirada de dos simbólicos perros que hacen guardia. Esta muestra le valió el León de Oro a la artista, galardón máximo de la exposición. En Alemania se la considera como el descubrimiento del arte contemporáneo.

green light – an artistic workshoP. olafur eliasson

El trabajo concebido por el artista danés Olafur Eliasson (1967) en colaboración con el Thyssen-Bornemisza responde a los retos que surgen del desplazamiento masivo de millones de personas y las migraciones alrededor del mundo. Green Light es un acto de bienvenida, e invita a refugiados, solicitantes de asilo y visitantes a participar en un programa que promueve la creatividad y el aprendizaje compartido. La propuesta incluye un taller para la construcción de lámparas, cursos de idiomas, seminarios, intervenciones de artistas y proyección de películas. En el núcleo del proyecto hay también una campaña de recaudación de fondos a beneficio de dos ONGs que trabajan con refugiados: Emergency y Georg Danzer Haus.

arsenale

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the horse ProBlem. claudia fontes

La instalación muestra cómo un caballo, una mujer y un joven reaccionan de manera diferente ante una paradoja: vemos desarrollarse una crisis, y sus síntomas son, al mismo tiempo, la causa del problema. La escena está inspirada en aquellos íconos culturales del siglo XIX en torno a los cuales se construyó la identidad cultural argentina. La pintura La Vuelta del Malón de Ángel Della Valle (1892), es una referencia clave para El problema del caballo ya que fue la primera obra de arte comisionada a un artista con el propósito específico de representar culturalmente en el exterior a la República Argentina. La pintura refiere a la apropiación violenta por parte del Estado de las tierras habitadas por poblaciones indígenas en el siglo XIX en dicho país. La artista tomó prestados aquellos personajes que tienen un rol pasivo en esa obra –un caballo blanco y una mujer cautiva– y los puso en acción en su propia instalación, mediante un juego de escalas que expresa las emociones que estos dos personajes intercambian. Pero mujer y caballo no están solos en su pathos: 400 rocas amenazantes, un joven y una sombra completan la escena. El trabajo de Claudia Fontes (1964) puede verse como una pregunta abierta sobre las posibilidades de revertir las múltiples manifestaciones de la colonización. Al subrayar cómo los destinos de las especies humana y equina han sido entrelazados por la explotación desde el mismo momento en que domesticamos al caballo, la instalación ofrece una manera de reinterpretar la historia, una narrativa alternativa para nuestro futuro como especie.

TranslaTed Vase_nine dragons in Wonderland. Yee sookYung

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La artista coreana expone en el Pabellón de las Tradiciones una escultura de más de cuatro metros de altura inspirada en el famoso cuento Alicia en el país de las maravillas. La obra integra decenas de piezas de porcelana y mezcla técnicas antiguas con el lenguaje contemporáneo. La instalación pertenece a una serie de esculturas en donde Sookyung (1963) recicla cerámica desechada –práctica muy común en Corea– y la reconstruye a partir de fragmentos.

escalade beYond chromaTic lands. sheila hicks

Esta llamativa pieza de la estadounidense Sheila Hicks (1934) ocupa un lugar preponderante en el Pabellón de los Colores. Se trata de una escalera cromática hecha con bolas de lana de estridentes tonalidades, como para que no pase desapercibida. Esta artista textil contemporánea maneja con talento las diferentes pigmentaciones y con ello logra aportar luminosidad al histórico edificio del Arsenale. Este trabajo está inspirado en la teoría de la percepción del color y en las tradiciones vinculadas al trabajo con fibras.

The silence of eros (of The Topologies series). Zilia sáncheZ

A pesar del delicado erotismo que evocan las curvas y los relieves de sus telas, la cubana le da a los cuadros nombres que parecen estar en el reino de la literatura mítica: troyanas, amazonas, entre otras evocaciones de la femineidad. Marcada por la abstracción y las formas volumétricas, esta serie presenta una dosis alta de sensualidad y corporalidad. Zilia Sánchez (1928) trata al lienzo como si fuera una piel, y logra aportar intimidad a través de una cálida paleta de colores.

arsenale

square. liu Jianhua

La porcelana es casi una constante en la producción de la artista de origen chino Liu Jianhua (1962). Además, la mujer lleva años perfeccionando la técnica decorativa tradicional. En sus últimos trabajos, Jianhua se vuelca hacia la simplicidad formal y estética, eliminando todo motivo expresivo, y Square no es la excepción. La instalación está compuesta por burbujas hechas de porcelana y oro, distribuidas de forma irregular en el suelo.

collecTion de chaussures. michel blaZY

El artista francés nacido en Mónaco en 1966 presenta una de las instalaciones más llamativas de la bienal: zapatos viejos que ofician de macetas. Pero no es la primera vez que Michel Blazy adorna objetos gastados y usados –ya lo hizo con computadoras y cámaras–, y les da una nueva función. Sus temas favoritos incluyen la descomposición, los organismos vivos y las obras efímeras.

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Si bien nació en Argentina, Martín Cordiano (1975) vive en Londres y su temática ronda siempre en torno a “habitar”. Su práctica artística está a mitad de camino entre la escultura y la arquitectura. Y en su obra Common Places alude a la paradoja que hay entre el mundo dinámico siempre en movimiento y la inmutabilidad de las estructuras que nos circundan. La obra consiste en un conjunto de seis paralelepípedos de madera que evocan las habitaciones de una casa, con esferas de yeso de diferentes colores en su interior, inspiradas en las balas de cañón encontradas bajo un arco en Budapest. La lectura se basa en el diálogo entre la madera y el yeso, en el contraste entre lo estático y lo movible, y en la relación de los humanos con los espacios y volúmenes.

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common places. marTín cordiano

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presumpTion preVails. karla black

La escultora del Reino Unido que en esta bienal representa a Escocia es conocida también por sus instalaciones conceptuales. Karla Black acostumbra a realizar trabajos abstractos utilizando una combinación de materiales cotidianos como el jabón y los geles, con otros más tradicionales como el yeso, la tiza y el papel. Para esta ocasión realiza una obra site-specific, cuidadosamente suspendida del techo, que incluye evidencia directa del proceso de creación a través de pequeños restos. De esta manera, llena el espacio con colores cremosos y pasteles.

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food for ThoughTs “amma baad”. maha malluh

Alegando que ya hay demasiadas cosas en este mundo, la artista saudí Maha Malluh (1959) no crea nuevos objetos sino que reutiliza los que ya existen. De esta manera crea esculturas que exploran los desafíos de la modernidad en su país de origen, y en general recurre a pequeñas anécdotas de la vida cotidiana para construir una historia y dar su opinión. Visto desde lejos Food for thoughts parece una pared de coloridos azulejos. Sin embargo, de cerca se ven más de dos mil cassettes que forman un enorme mosaico de sonido. De ellos salen grabaciones de voces masculinas que hablan de cómo han de comportarse y relacionarse las mujeres en Arabia Saudita. El trabajo está simbólicamente instalado en el Pabellón Dionisíaco, un espacio dedicado a celebrar el cuerpo femenino y su sexualidad.

enciclopedia pane/bread. maria lai

El interés de la artista nacida en Cerdeña (19192013) siempre estuvo puesto en las tradiciones de su país natal. Maria Lai es una de las mujeres más importantes de la historia del arte italiano del siglo pasado, y en Lenzuolo –una colección de libros hechos con masa de pan y lazos– rinde homenaje a los artesanos panaderos.

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la muestra

el regreso

eN VeNeCIa, DamIeN HIrst retorNa eN solItarIo al CeNtro De la esCeNa Del arte CoNtemPorÁNeo, Y lo HaCe reCargaDo. eN tIemPos De las NotICIas Falsas, sus TESOROS DEL NAUFRAGIO DEL INCREÍBLE PoNeN eN eVIDeNCIa la DIsYuNtIVa Que eNFreNtamos los HumaNos al teNer Que elegIr eNtre realIDaD o FICCIÓN. texto y fotos natalie scheck.

inicio de la visita a esta mega muestra que tomó por asalto a la ciudad de Venecia en tiempos de la Biennale, y que tanto ha dado que hablar, no solo por su significación y contenido, que como siempre, generan polémica; sino también por otros temas más terrenales y mundanos que hablan de precios, inversiones, reapariciones, vigencia, arrogancia o tomadura de pelo. Detrás de todo esto no solo está el artista, criticado y alabado por igual entre colegas y expertos. Hirst, quien irrumpió en la escena del arte allá por la década de los 90’, de la mano de los Young British Artists, siempre provocó reacciones encontradas, dada la ironía y su forma de concebir su trabajo. Shockeante y con un discurso que pega profundo, logró a lo largo de su carrera, atraer inversores que pagaron fortunas por sus locuras. Convertido en empresario y también en coleccionista, desapa-

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n 2008, los restos de un barco llamado el Apistos –el Increíble, en griego antiguo-, fue encontrado en las profundidades marinas frente a Zanzíbar, con un cargamento único integrado por la valiosa colección de esculturas imponentes, joyas riquísimas y objetos de oro, entre otras tantas magnificencias reunidas por un esclavo otomano llamado Cif Amotan II -casualmente un anagrama de la frase I am a fiction-, tras haber recuperado su libertad. Dos mil años bajo la acción de las aguas hicieron que las piezas fueran invadidas por corales multicolores y todo tipo de moluscos extraños. Rescatadas por un equipo de arqueólogos y buzos especializados, fueron confiadas a Damien Hirst para su acondicionamiento. Hasta aquí la historia que se pretende contar ya desde el

Demonio con cuenco en resina pintada.

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Palazzo Grassi.

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En el Palazzo Grassi: 1. Cabeza de Medusa, en malaquita. 2. Diosa Athor, en oro, plata y turquesas. Se dice que se asemeja a Kate Moss. 3. Katie Ishtar ยฅo-landi, en bronce y lรกminas de oro. Refiere a la rapera Yolandi Vi$$er. 4. Faraรณn desconocido, en granito azul, oro y รกgata blanca. Comentan que su cara es la de Pharrell Williams.

1 y 2. En Punta della Dogana: The Diver (la clavadista) en bronce como se supone que se encontró en el fondo del mar. 3 y 4. Mickey Mouse, estatua en bronce e imagen de su rescate.

alGuNas ciFRas ReveladoRas

Celebración kitsch

El encuentro con el coloso, apenas trasponer el umbral del Grassi, es de por sí sorprendente, con sus 18 metros casi tocando los vitrales del techo, y su horrenda cabeza reconocida como Pazuzu, el demonio asirio. Hasta ahí, si no se tiene una idea previa, no se adivina de qué se trata. Es recién en el primer nivel que se desvela el juego con la proyección de un documental perfecto, explicando los detalles del Increíble encallado en el fondo del mar, y el accionar de los buzos tratando de recuperar cada una de las obras de arte que supuestamente allí yacían. Se trata de lo que cada uno quiere creer, declaró el artista a The New York Times. Eso explica que todo esté expuesto tal cual si se tratara de las posesiones de un coleccionista. Así lo consignó Martin Bethenod, director de los museos. Desde la descripción que reza al lado de

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reció un poco de la escena febril, y entró en un período de incubación como para saltar, de golpe, con algo que valiera la pena. Y este cuento fue el anillo que le iba al dedo. Por su parte François Pinault, reconocido magnate, dueño de una colección de arte contemporáneo valuada en cifras inimaginables–vale aclarar que incluye no menos de quince obras de Hirst-, no dudó ni por un instante en formar parte activa de tan ambicioso proyecto. Con dos edificios de exposiciones espectaculares en pleno centro de Venecia -el Palazzo Grassi, una construcción de 1750-70, de mármol blanco situada sobre el Gran Canal, y la vieja Dogana da Mar en la extremidad de Dorsoduro, ambos restaurados por el arquitecto japonés Tadao Ando-, rápidamente visualizó el impacto que tendrían todas esas obras expuestas tal cual si fueran tesoros -¿o acaso no lo son?-, en sus impresionantes dominios.

10 años llevó preparar la muestra. 2 museos están dedicados por entero a Damien Hirst. 189 son las piezas expuestas. 50 millones de libras es lo que invirtió el artista. Entre 500.000 a 5 millones de dólares, o más, se venden las obras.

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1 1. Uno de los exhibidores con miniaturas realizadas en acero inoxidable, oro, plata, bronce y mĂĄs, como si fueran parte de un enorme tesoro. 2. En Punta della Dogana espĂŠcimen de almeja gigante realizada en bronce pintado. 3 y 4. Hydra y Kali, escultura monumental en bronce que representa la lucha de una divinidad contra un monstruo multicĂŠfalo, e imagen de la misma en el fondo marino.

Mercado del arte

Punta della Dogana.

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cada obra, a los descomunales bronces, las piezas de oro, el mármol de Carrara, el aluminio, la resina o el poliéster; todo es cierto. Pero claro, el eclecticismo de las piezas hace ruido por la extraña mezcla de arte mesopotámico, egipcio, chino, griego, azteca, indio y más; y por el juego con el absurdo, con Andrómeda atacada por el tiburón de Spielberg, además de las versiones de Mickey Mouse, Goofy, Mowgli y el oso Baloo, sumadas a otras imágenes con el rostro de Kate Moss, Rihanna y Pharrel Williams, todas desmintiendo una narración que de alguna manera puede resultar hasta veraz, pero que quienes lo conocen ven en eso un gesto de Hirst tratando de vencer a Koons en su terreno. ¿Cuál es el tema que subyace detrás de esta súper producción de obras monumentales, joyas y restos arqueológicos realizados en diferentes materiales valiosos y otros no tanto? ¿Qué es verdad y qué no, en esta historia demencial? A la entrada del edificio de Punta della Dogana, Hirst grabó una frase que lo dice todo: “En algún lugar entre la mentira y la verdad, yace la verdad”. Más allá de apuestas, críticas, conflictos, reclamos, y demás cuestiones humanas, está la idea, la creatividad, el logro, el proyecto, el encantamiento y la sensación de asombro capaz de mover al visitante. O quizás no. Pero ir, vale la pena. A quien interese, la muestra permanece abierta hasta el 3 de diciembre.

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Tres desnudos griegos.

Son muchos los que coinciden con Aby Rosen, desarrollador inmobiliario, quien comentó que “Damien Hirst es uno de los artistas más grandiosos de este siglo”. Sin embargo, hacía un tiempo ya que venía creciendo cierto resquemor dentro del círculo de los que apuestan fuerte dentro del mundo del arte contemporáneo, dado el período de sequía creativa por el que venía atravesando este prolífico talento, y la relativa baja de valor de sus obras. De ahí la tan esperada apertura de su muestra Treasures from de Wreck of the Unbelievable, en Venecia, ocurrida un mes antes de que se inaugurara la Biennale, y que requiriera nada menos que diez años de preparación. El misterio que la rodeó; el secretismo con que fueron dadas a conocer algunas imágenes previas entre galeristas, coleccionistas, críticos y medios; la ausencia de información en las redes; todo eso generó una curiosidad directamente proporcional a la apuesta de François Pinault, reconocido consumidor de la obra del inglés, y por tanto interesado en que esta siga cotizando al alza. Famoso por haber sido capaz de vender su tan mentado cráneo en platino cuajado de diamantes en casi cien millones de dólares en 2007, Damien Hirst siguió sobrevolando las alturas con sus series de mariposas y lunares, copando en 2012 no solo las galerías Gagosian, sino también la Tate Modern, que le dedicó una retrospectiva. Sus antecedentes exitosos, y su capacidad de sorprender cada vez que se lo propone, inspiran hoy un sinfín de especulaciones. Se habla de lo muy prolífica que es su obra y de las pocas garantías que tienen sus compradores al no saber exactamente cuántas piezas hay de cada serie. También preocupa que en algunas subastas los valores cayeron. Pero se sabe, invertir en arte es como hacerlo en la bolsa: no existen garantías. Hoy por hoy, se dice que los precios de las piezas pequeñas de esta colección rondan los 500.000 dólares, mientras que la cabeza de Medusa hecha en malaquita puede valer 5 millones. Todo en su conjunto, es impactante. ¿Pero habrá logrado conmover a su público de élite?

montevideo

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en clave

vintage

si bien mantiene rasgos originales, en su interior se muestra totalmente reciclada. ubicada en el barrio palermo, esta casa sabe llevar con total naturalidad la fusiĂłn entre pasado y presente. FotograFĂas: natalia ayala.

Dejar las paredes al desnudo fue decisión de los dueños, Álvaro Zinno y María Lorente, para imprimirle textura a este gran ambiente. Aquí la luz es protagonista gracias a los ventanales que van del piso al techo. El toque de diseño está dado por la icónica butaca Eames, entre otros elementos.

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la mezcla de estilos domina la escena. asĂ lo evidencian la mesa del comedor, el aparador y la antigua radio, entre otros accesorios decorativos que agregan carĂĄcter y color al multifacĂŠtico espacio.

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Arriba, la lรกmpara colgante en mimbre se asocia con el ladrillo y las alfombras para generar una combinaciรณn de tramas. A la izquierda, destaca la silla mariposa revestida en piel. A la derecha, el arte de Eduardo Cardozo da vida a un rincรณn.

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una fotografía de Álvaro Zinno oﬁcia de fondo perfecto para este lugar con guiños retro.

Los dormitorios reflejan la personalidad de cada habitante del hogar. El joven de la familia eligió un graffiti para decorar su cuarto, el matrimonio usó fotos del dueño de casa para colocar en la cabecera de la cama, y la niña echó mano a un mapamundi para ambientar su colorido universo.

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el verde tambiĂŠn tiene su lugar en esta residencia urbana. de espĂritu minimalista, el espacio al aire libre ofrece ratos de desconexiĂłn de la rutina en contacto con la naturaleza.

Av. 8 de Octubre 4599 - Tel: 2506 5450* - montecuir.com - info@montecuir.com -

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Con Pablo Mailhos

en su nuevo taller el artista Construyó un esPaCio donde dar rienda suelta a su Pasión Por la estétiCa. allí, la exPloraCión Creativa, la tertulia aMena y hasta la Cena Con aMigos, son sieMPre bienvenidas. Pasen y vean.

Por julia helena romei. FotograFías: natalia ayala.

l enclave ubicado en las afueras de Montevideo y a un par de cuadras de la costa, es desde hace unos meses el nuevo lugar de trabajo del artista plástico. En ese espacio de puertas abiertas; pinceles, latas y caballetes conviven con ambientes perfectamente decorados y armados para la vida diaria. Es que en el taller de Pablo Mailhos pasan cosas. Allí es donde el artista se dedica de lleno a su métier, pero también adonde llega gente con diversas inquietudes, “con curiosidad y ganas de hacer cosas”. En tales ocasiones, cuenta el pintor, no faltan las largas charlas; quien cocine de vez en cuando o hasta quien se ponga a cantar. Vale señalar que esa singular dinámica no es producto del azar. Pablo tiene muchos proyectos en la cabeza y el nuevo taller es la pieza fundamental de esa movida. “Este no es solo mi lugar de trabajo, es un espacio vivo, que está en permanente cambio, y así quiero que sea”, enfatiza.

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pura

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EXPRESIÓN

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Con una mirada entrenada para los colores, las formas y los espacios, Mailhos cede la palabra a su trabajo y tanto sus obras como el atelier hablan por sí mismos. “Esto es algo que está en el alma. Lo tengo de toda la vida”, responde a la pregunta de por qué se interesó en la plástica. El artista es un autodidacta que mamó desde la cuna esa sensibilidad estética. “Mi viejo sabía mucho de arte y me inculcó ese gusto. Él sabía cosas que me generaban mucha curiosidad y me nutría con esa información; fue mi propia educación. Cuando sos niño, tu padre es Superman y todo lo que él hace te impacta. Los otros niños sabían de fútbol y de jugadores; yo de cómo se lustra un mueble. Mi viejo iba al taller Torres García, con Edgardo Ribeiro, y yo veía cómo mezclaba los colores en la paleta, lo miraba cuando él se sentaba en un sillón y dibujaba. Me influenció mucho. Al día de hoy, cuando dibujo una mujer, me sale una figura estilo Liz Taylor o Jaqueline Kennedy, con peinado alto; siempre le pongo un lunar. Dibujo mucho desde chico; siempre tuve buen ojo para las medidas, y mi familia incentivó esa habilidad. Me llevaban a museos, compraban revistas y me decían, ‘mirá, este es fulano de tal y hace tal cosa’. Ahora hay mucha información, está Internet, pero antes no existían tantas herramientas. En esa época nosotros vivíamos en Salto y no había casi televisión; empezaba a las seis de la tarde y no veíamos nada, media hora de dibujos animados,

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a lo sumo. Yo tenía óleos a la mano y muchas veces, aburrido, pintaba. Cuando fui más grande empecé a tener curiosidad por los movimientos modernos, que a mi viejo no le gustaban, el expresionismo abstracto, el action painting”, recordó. Esa inquietud acompañó a Mailhos toda la vida, aunque se mantuvo puertas adentro. Su derrotero personal lo llevó a coquetear un tiempo con la arquitectura y luego a dedicarse a los negocios inmobiliarios y a la decoración. Hasta que en 2012, y sin motivo aparente, la pasión por la plástica finalmente estalló. Fue entonces cuando instaló su primer taller en la portería de un edificio en Pocitos y comenzó a dedicarle gran parte de su tiempo a la pintura. Totalmente abocado al arte contemporáneo, comenzó a explorar la negligencia en su propuesta. ”No

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Con un ojo entrenado para la decoración y el reciclaje, el artista es afecto al estilo industrial. En su nuevo taller, el espacio se Ò divide entre un sector dedicado a la creación y las áreas sociales ambientadas con elementos rescatados de cambalaches o comprados en remates. Destacan las mesas de su propia autoría, que sabiamente combina con juegos de estilo y muebles en hierro.

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hago rectas, no hago círculos perfectos”, dice, porque lo suyo son gestos. Para ilustrar eso que lo mueve recuerda la frase de Pablo Picasso, ”para aprender a pintar como los maestros del renacimiento tardé unos años; pintar como los niños me llevó toda la vida“. El suyo es un viaje sin retorno, y así lo confiesa. ”En un momento me volví obsesivo, me quedaba leyendo y estudiando obras y vidas de artistas hasta las cuatro de la madrugada. Diría que estaba tratando de recuperar el tiempo perdido. Estaba hambriento de las cosas que estaban pasando en el mundo. Empecé a viajar para ver lo que se estaba haciendo y me metí en la Fundación de Arte Contemporáneo, dirigida por López Lage. Ahí estaba con artistas de carreras largas y reconocidas. Yo estaba tenso, no sabía si lo mío gustaba, pero me parecía importante saber si mi obra era sustentable. Una conversación me solucionó la existencia. Alguien me dijo, ‘no a todo el mundo le gusta Picasso’. Picasso puede no gustarle a todo el mundo, pero es indiscutido. El tipo es bueno. Y eso es a lo que yo apunto como objetivo, a ser sólido. De cero a diez, apunto al diez, pero si no soy 5.1 no me sirve. ¿De acuerdo a quién? A los actores del arte, a los que saben y lo manejan”. Esa pregunta latente fue tal vez el motivo por el cual Mailhos se despachó con su primera exposición individual en agosto de 2016. “Llegó el momento en que tenía que mostrar todo esto. Trabajé mucho, hasta la obsesión. Descarté cuadros, hasta tal punto que cuando le pregunté al curador (Enrique Gómez), ‘Enrique, ¿cuántos cuadros?’, ‘16, no más’, me contestó. Yo expuse 40 cuadros. Para el catálogo, le pedí a Alfredo Torres que hiciera la crítica. Le mandé una obra y me la devolvió en palabras. Fue perfecto lo que escribió. Cuando empieza el artículo, escribe una cosa que cuando la leí dije,

elementos reciclados, accesorios decorativos impensados y una Ò Entre iluminación estratégica, las obras del artista generan gran impacto.

En uno de los espacios exteriores, el juego de patio Ò se armó con una mesa de caballetes, carretillas y sillas de herrero. El objetivo de Mailhos es restaurar las piezas sin que estas pierdan su personalidad original.

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'este soy yo'. Yo no quiero ser original, yo soy singular. No soy plural, no soy veinte personas, soy yo. Me encantó”, recuerda. Exigente consigo mismo e inquieto por naturaleza, el siguiente desafío llevará al artista a la feria Art Basel de Miami, que se realizará el próximo diciembre. ”Es una feria que ya conozco; la visité un par de veces como espectador y es una ventana al mundo para los talentos emergentes. Todavía no sé cuántas obras voy a llevar pero para mí representa la posibilidad de estar en el ruedo, de mostrar mi trabajo fuera de Uruguay y a la vez, nutrirme con lo que está pasando y ser parte del mundo a nivel artístico”, comenta mientras da a entender que Miami es una ciudad en la que le gustaría poner un pie. Así las cosas, no es de extrañar que haya novedades en breve.

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Leo Arti en uruguAy

Paredes pintadas enérgicA y creAtivA, LA frAncesA cAmbió LA fisonomíA deL puebLo 25 de Agosto con sus obrAs, convencidA de que Así contribuirá A conquistAr LA Atención de Los turistAs. Por sofía kliche. fotografías: Pablo rivara.

a primera vez que pisó la localidad de 25 de Agosto, a Leo Arti la envolvió el silencio. Ella dice, en su inconfundible acento francés, que se sintió atraída por la falta de gente, de ruido y de energía. En una esquina divisó una vieja casa a la venta y marcó su ubicación por si acaso, sobre el mapa que llevaba consigo. Un par de años después, la promesa de volver seguía intacta. Y así fue que en 2010 Leo y su marido dejaron Saint Martin, la isla en la que vivían, para mudarse a este pueblo de 1.849 habitantes en el departamento de Florida, que en 1956 fue declarado villa. De naturaleza nómade, la parisina residió en varios países antes de llegar a 25 de Agosto, entre ellos México, Isla Reunión, Isla Mauricio y Estados Unidos. “La verdad es que no nos gusta quedarnos mucho

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En el mural de la derecha, ubicado en una de las paredes del patio de la casa de Leo Arti, la artista se retratรณ a ella misma frente al mar Caribe. Al costado estรกn su hija y algunos animales. La figura del mate representa a su marido, nuevo adepto a la bebida nacional.

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Los habitantes de la villa 25 de Agosto están fascinados con la presencia de la artista francesa. Ella, con paciencia y creatividad, estampa en las fachadas de las casas los recuerdos y los amores de sus dueños.

tiempo en un mismo lugar, pero necesitaba un taller fijo, porque me había mudado varias veces, como una gitana”, explica esta mujer altísima, de 70 años, pelo canoso y corto que no eligió su nombre artístico al azar. En homenaje a su tía Leocadia, polaca como su madre, se hace llamar Leo Arti como una forma de neutralidad de género: “en la crítica de arte no se considera a hombres y mujeres de la misma manera. Como si las mujeres no pudiéramos pintar igual que los hombres”, agrega. Al volver a Uruguay, el matrimonio compró y restauró aquella casona en ruinas, instaló el taller y empezó una nueva vida lejos del mar Caribe, pero al lado del campo. Una de las primeras cosas que hizo la artista fue pintar con motivos gauchescos la pared que da a la calle, y el episodio no pasó desapercibido para los vecinos. Al tiempo, Leo ya tenía a varias alumnas apuntadas en sus clases de pintura, y una lista de lo más variopinta de murales a ejecutar en las paredes de las casas del pueblo. Hoy ya son 45 las obras estampadas a lo largo y ancho de la villa. “Es la primera vez que lo hacía. No era un plan ni un proyecto, sucedió naturalmente. Los murales son deseos de los dueños de casa, yo no les cobro, ellos sólo pagan la pintura. Además, pueden pedirme cualquier cosa; animales, jardines, paisajes. Cuando estoy con un pincel en la mano me siento bien”, afirma mientras posa con naturalidad, talante que le dejaron sus años de incursión en el modelaje.

Guía en mano

Una hora y media a paso firme alcanza para recorrer las 45 obras desperdigadas por las calles de la villa. En una está retratado el Padre Pío, debido a la creencia de la dueña de casa de que

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el sacerdote propició su curación; en otra el rostro sonriente de Carlos Gardel, en honor, obviamente, al fanatismo por el cantante de los que allí habitan; en la peluquería canina del barrio Leo pintó unos perros y una bicicleta, que sirven de telón de fondo para las fotos más originales que se toman los turistas, y unos metros más lejos reprodujo al detalle el Monumento a la Diligencia ubicado en el Prado de Montevideo. La lista de fachadas intervenidas es larga, y cada pincelada favorece a la renovación del espacio y a la alegría de los lugareños al ver detalles de sus vidas representadas a todo color. Cada año, un par de alumnas la ayuda en la conservación

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Un viejo vagón de tren oficia de atelier para la exhibición y venta de las obras que Leo y sus alumnas producen durante el año. Hay cuadros, tazas y demás artesanías. Abre al público los domingos.

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Los murales inundan de colores e imágenes el pueblo, y detrás de cada reproducción hay una historia de vida. Animales, paisajes y jardines están entre los motivos más recurrentes.

de las imágenes, y muchas veces también su hija y su nieta, que viven en Montevideo. “Los fines de semana nos visitan entre 50 y 150 personas”, comenta Arti. “Ahora los habitantes también empiezan a disfrutar de esa oportunidad, pero sería fantástico que pudieran instalarse más artistas. Se podría construir un pueblo turístico con murales, bares y talleres. Acá tenemos el camping, una cancha de fútbol nueva y una iglesia fantástica”. La villa 25 de Agosto es además uno de los pocos destinos del ferrocarril de pasajeros que parte desde la Nueva Terminal de Trenes AFE de Montevideo, que queda a 80 kilómetros. Con todas estas ventajas, la francesa no dudó en preparar una Guía de los murales, con la ubicación e historia de cada uno de ellos, que luego de varias idas y vueltas, financiará con la ayuda del Ministerio de Turismo. Mientras tanto, aquel que se aventure puede recorrerlo mapita en mano o con algún habitante como guía. Ambas opciones se gestionan con Leo, y ubicarla es tan fácil como preguntarle a la primera persona que se encuentre en el camino. De todas maneras, su tendencia errante parece inevitable y la plasma así: “hace diez años que estoy acá, me siento pronta para cambiar ahora que ya le hice mi regalo al pueblo”.

BEMAOR

pasaporte

a la déco

¿linO O tERciOpElO? ¿línEA clásicA O cOntEMpORánEA? pARA nO EQUiVOcARsE A lA HORA DE ElEGiR Un cOncEptO DEcORAtiVO, El DiREctOR DE lA FiRMA ViAJÓ A EUROpA pARA EMpApARsE DE lAs ÚltiMAs tEnDEnciAs Y tEcnOlOGíAs cOn lAs QUE HAcER Más linDOs lOs HOGAREs URUGUAYOs.

orprender e inspirar. Con esa consigna en mente, Elio Bemaor se marchó a Europa para visitar las ferias más emblemáticas de la decoración y el interiorismo. Al igual que todos los años, y movido por el afán de acercar a su público tecnologías y diseños de vanguardia, el director de la empresa participó en numerosas presentaciones de textiles para el hogar y concretó diversos negocios. Pero a no impacientarse porque toda esa movida se traduce en novedades que podrán conocerse en el stand de la firma durante la próxima edición de Casadeco. La ajetreada agenda de trabajo tuvo su primera escala en MoOD Brussels. Esta feria anual de telas para decorar interiores, mobiliario y aperturas se desarrolla en el centro de exposición Brussels Expo, en Bélgica. Considerado como el mejor lugar del mundo para reunir productores y compradores, el evento también es conocido como Decosit Bruselas. El encuentro está dedicado exclusivamente al diseño original y allí se concentra todo lo que hay que saber y conocer sobre telas de tapicería y decoración, así como de cortinados. Posteriormente, Bemaor visitó la reconocida Maison & Objet en París, donde se orquesta una oferta que acompasa los movimientos y las necesidades del mercado. Esta plataforma del arte de vivir fusiona negocios y creación, y facilita encuentros. Es el espacio donde se revelan las estrategias del retail que funcionan, las tendencias emergentes del sector y los materiales más novedosos, como por ejemplo las últimas generaciones en pisos técnico-ecológicos. Durante esta edición, se descubrieron nuevos talentos y los expertos compartieron reflexiones. Entre los conceptos manejados por los grupos de trabajo, destacaron la sostenibilidad, la reinvención del vintage y el aprecio por los materiales orgánicos. El interés por texturas como la madera, el algodón o los tejidos de fibras vegetales, como el lino, evidenció un movimiento hacia el valor artesanal y consolidó la sensación de que el público se preocupa más por la procedencia de los productos y por la historia que hay detrás.

Desde París y Bélgica, directo a Uruguay. Como todos los años, Elio Bemaor estuvo presente en las ferias más importantes de la decoración y el interiorismo, y trajo consigo las últimas novedades y tendencias. Su exigente público, siempre agradecido.

Automatismos & rollers

En este rubro, Bemaor recibió la primavera cargado de novedades, ya que la empresa firmó un convenio de exclusividad con el principal proveedor europeo de perfiles, caños y mecanismos para rollers. Hoy en día, la domótica y la eficiencia energética van de la mano de la conexión entre todos los elementos de la casa. Desde el salón de estar hasta los electrodomésticos, estos enlaces hacen más eficiente todo el funcionamiento del hogar. Sin embargo, esa logística va más allá de la funcionalidad y la eficiencia, y en este sentido existe una tendencia a manejar la luz como una forma de arte. Ese campo abarca desde el control de la luz solar y de las sombras, hasta la iluminación con lámparas que modulan su intensidad y color, dependiendo del momento. No en vano los que saben explican que combinar luz vertical con horizontal y crear un equilibrio mejorará la energía de cada espacio. Con todas estas novedades para compartir, Bemaor presentará su nueva línea en octubre. A estar atentos.

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Interfabrics, fabricante de las telas tecnológicas AquaClean, se hizo presente en MoOD y realizó una presentación basada en las nuevas tecnologías en textiles. Entre los temas abordados, se trató el origen de las telas y su respeto por el medio ambiente. Durante el evento también se hizo hincapié en la necesidad de que el retail destaque la certificación de los géneros que cuentan con nanotecnología. Es que dado el éxito de estas telas, muchas marcas incorporaron el concepto clean para convencer a los consumidores de que cuentan con innovación y desarrollo (I+D). Para AquaCleanGroup, esto forma parte del crecimiento continuo de la empresa, porque la desmarca de su competencia y posibilita hacerle frente a un mercado cada vez más exigente y competitivo. Gracias a la fuerte inversión que realiza en este campo, la firma desarrolló AquaClean Technology, que logra eliminar todo tipo de manchas, simplemente con agua y en tres fáciles pasos. Por tal motivo, es importante remarcar que estas son las únicas telas que cuentan con la mencionada tecnología y que poseen certificación internacional.

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AquaClean & el copyright

GENTE PAULA

un legado

Con motivo de la donación de una importante colección de cerámicas realizadas por Enrique Silveira y Jorge Abbondanza, el Museo Nacional de Artes Visuales realizó una muestra en honor de los artistas.

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Enrique Silveira, María Julia Muñoz, Jorge Abbondanza, Enrique Aguerre.

Mabel Martínez Golino & Gustavo "Pollo" Vázquez.

Por amor al arte: Rosario & Vincent Fournier.

Yamandú Marichal & Mecha Gattás.

Hay equipo: Rafael Lorente & Mariano Arana.

Look formal: Florencia Grilli, Gustavo Piegas, Alejandro Katz, Liliana Solís.

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Felipe Maqueira & Carmen Verdie.

Entre copas: Adriana Munoli, César Riviere, Chichila Irazábal.

50 sombras: Adriana Silva y Rosas & Marcello Figueredo.

GENTE PAULA

red global

La primera Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur conecta ciudades, artistas y curadores. Así fue el estreno de la edición montevideana en el Centro Cultural de España.

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Organizadores: Marlise Ilhesca, Aníbal Jozami, Enrique Aguerre, Diana Wechsler.

Mariano Molina.

Block de color: Vivian Honigsberg & Ana Gotta.

Fernando Miranda & Sebastián Alonso.

Mariela Soldano & Flavia Erenberg.

Pisan fuerte: Jimena Schroeder & Mariana Antoniello.

GENTE PAULA

día de fiesta

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De la casa: Bernardo Thompson, Sofia Silva, Renos Xippas.

Decontracté: Paula Moore & Juan Solanas.

Galería Xippas cumple siete años en Uruguay y lo celebra con una exposición colectiva. Se podrá ver hasta el 15 de noviembre.

Jorge Srur & Susana Dopazo.

Patricia Bentancur & María Inés Arrillaga.

Infaltable: Graciela Rompani & Fernando Galup.

Más allá del plano: Ricardo Pascale & Pablo Uribe.

GENTE PAULA

MaMMa Mia

Federico Valdés, Miguel Olivetti, María Eugenia Larruina.

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La artista & Michele Gialdroni.

Miriam Halegua & Claudia Bartolotta.

Linda Kohen volvió al Instituto Italiano de Cultura. Esta vez, con una muestra de óleos que rinde homenaje a su madre. Va hasta el 5 de octubre.

A toda crítica: Nelson di Maggio & Raquel Barbosa.

José Miguel Onaindia & Ricardo Ramón.

Mario Sagradini & Oscar Bonilla.

Virginia Arlington & Carolina Bello.

MarĂa Eugenia Zeballos & Natalia Olivetti.

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En su salsa: Eduardo MuĂąiz & Pablo Thiago Rocca.

Elsa Damico & Alessandro Costa.

LAGO MAYOR

UN NUEVO

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ESTILO DE VIDA

RecOstAdO sObRe eL LAGO cALcAGnO, eL desARROLLO inMObiLiARiO de sAceeM estรก cOncLuYendO su pRiMeRA etApA Y YA destAcA pOR su fรณRMuLA innOvAdORA.

Las obras del proyecto comenzaron en diciembre de 2015 y 24 meses después, se está completando la primera etapa del emprendimiento, con la entrega de los edificios 1 y 2.

Avenida de las Américas y Racine. Tel.: 092 410 000. www.lagomayor.com

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te: piscinas abiertas, solarium, barbacoas con vista al lago, cancha polideportiva, guardería náutica, gimnasios, y circuito aeróbico. Los trabajos comenzaron en 2015, y pasados ya 24 meses, el desarrollo de la obra va viento en popa. A fines de octubre se comenzarán a entregar las primeras unidades del edificio 1 y próximamente está prevista la entrega del edificio 2.

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l debut de Saceem en el desarrollo inmobiliario no solo consolida el liderazgo técnico y comercial de la empresa, sino que está destinado a convertirse en una referencia ineludible para el modo de vida de Carrasco Este. Es que Lago Mayor sobresale por su estampa, pero también porque inaugura una propuesta conceptual: la de vivir all inclusive. Esta parte de Canelones, denominada Carrasco Este, comenzó a afianzarse a partir de 2005, y desde esa fecha ha crecido en forma ininterrumpida. Saceem comprendió al punto la importancia de la zona y por lo tanto la ubicación elegida hace énfasis en las posibilidades que ofrece diseñar un proyecto sobre un lago, para sacarle el máximo partido a unas vistas increíbles de los espacios abiertos y de un entorno de naturaleza. El proyecto consta de seis edificios que ocuparán un predio de 19.000 metros cuadrados sobre el lago más extenso de Carrasco. Rodeado de parques y jardines, el desarrollo ofrece una ubicación estratégica: está a tiro de piedra del Aeropuerto de Carrasco y a pocos minutos de centros de negocios y comerciales como Zonamérica, Costa Urbana Shopping y Carrasco, sin mencionar la cercanía con el anillo perimetral y demás vías de ingreso y de salida a la ciudad. Con una fórmula que conjuga diseño y servicios, Lago Mayor responde a la demanda de quienes buscan vivir con la seguridad de un apartamento en las comodidades de una casa. No en vano, a la seguridad durante las 24 horas, los 365 días del año, se suman gastos comunes bajos y amenities que desmarcan al emprendimiento de otras propuestas. De hecho, estas características que aseguran un nuevo estilo de vida merecen capitulo apar-

montevideo

proa al

puerto

pensado para viajeros que además de funcionalidad buscan calidez, el nuevo hotel cottage abrió sus puertas en el buceo. piedra, vidrio y madera se combinan entre sí para lograr un diseño limpio y amigable con el medio ambiente. FotograFías: pablo rivara.

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Arriba, las luminarias en cobre a modo de cortina generan una división visual entre la recepción y el restaurante. Abajo, la decoración del lobby fue ideada en torno a un gran mapa de la compañía Air France de 1946, restaurado para este espacio.

Con el ánimo de que los asiduos huéspedes vivan experiencias diferentes, las habitaciones presentan distintos colores en el composé de los almohadones con los pies de cama. En los baños revestidos en mármol de Carrara, la grifería es negra para imprimirles un toque moderno.

La escalera caracol es el punto focal del proyecto arquitectรณnico. Fabricada en acero corten y madera, recorre todos los niveles del edificio, y define de alguna manera el interiorismo realizado por el Estudio Obra Prima.

Para un escape de relax durante la jornada, nada mejor que la piscina y el área de spa. La terraza, en tanto, ofrece una visual al Puertito del buceo y al skyline de la zona. Allí, el banco perimetral oficia de asiento y también de macetero.

COttAgE PuErtO buCEO José Iturriaga 3568. tel.: 2628 6262 www.hotelcottage.com.uy

paula casa

Direcciones

ACCESORIOS Y DECORACIÓN BOCONCEPT Ellauri 363 www.boconcept.com DIVINO Irlanda 2014 0800 3484 www.divino.com.uy LA IBÉRICA Rincón 711 2901 6051 www.laiberica.com.uy MUSAI Canelones 1982 Constituyente 2017 VINIBEL Gral. Flores 2857 2200 5627 21 de Setiembre 2789 2711 7227 www.vinibel.com.uy VIVAI Luis Alberto de Herrera 1118 2622 2726 www.vivai.com.uy SODIMAC HOME CENTER Av. Giannattasio 16 www.sodimac.com.uy ALFOMBRAS Y MOQUETTES BEMAOR SA Misiones 1554. Of.001 2915 4423 www.bemaor.com URUGUAY TAPICES Uruguay 951 2900 6094 www.uruguaytapices.com.uy VINIBEL Gral. Flores 2857 2200 5627 21 de Setiembre 2789 2711 7227 www.vinibel.com.uy

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BAÑOS ACHER 8 de Octubre 2645 2487 5630 www.acher.com.uy

BOSCH & CIA. Rivera 2560 708 4545 www.bosch.com.uy

PUNTO LUZ Soriano 1040 1881 www.puntoluz.com.uy

BARRACAS

SAMSUNG www.samsung.com/uy

BARRACA MALVíN Estanislao López 4849 www.barracamalvin.com.uy SODIMAC HOME CENTER Av. Giannattasio 16 www.sodimac.com.uy CORTINADOS Y TAPICERíA PALOMA San José 1037 2908 7166 www.paloma.com.uy CUADRERíA PASSEPARTOUT Pedro Berro 1232 2707 8871 www.passepartout.com.uy DESARROLLOS INMOBILIARIOS LA BAHíA Reconquista 519 093 982 058 www.lagos.com.uy LAGO MAYOR Avenida de Las Américas y Racine 092 410 000 www.lagomayor.com DOMÓTICA TECNOHAUS Luis A. de Herrera 1248. Of. 226 2622 7185 www.tecnohaus.com.uy ELECTRODOMÉSTICOS ENXUTA www.gelbring.com.uy ELECTROLUX www.electrolux.com.uy JAMES Fraternidad 3948 2309 6066 www.james.com.uy

HERRAJES MONTECUIR 8 de Octubre 4599 2506 5450 www.montecuir.com OFICINAS Y EQUIPAMIENTO ARQUETIPO Constituyente 1875 2402 8848 www.arquetipo.com.uy DE MARCO Yaguarón 1828 2924 1331 www.demarco.com.uy MARMOLERíA LAVIERE VITTACA Ruta Interbalnearia Km. 25.150 2695 9696 www.lavierevitacca.com

PINTURAS INCA Carlos A. López 7897 2320 0891 www.inca.com.uy PISOS ROYAL ARQUITECTURA SUSTENTABLE Av. 18 de Julio 2233 www.royalarquitectura.com VINIBEL Gral. Flores 2857 2200 5627 21 de Setiembre 2789 2711 7227 www.vinibel.com.uy TOLDOS TOLDOS ARAUJO Bulevar Artigas 2320 2480 4014- 2480 1550 www.toldosaraujo.com.uy