secci贸n
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Por Luz Elena Sanz
AGENDA
sección
iSaloni
12 al 17 de abril de 2011 Milán, Italia Celebrando su edición número 50, la Feria Internacional del Mueble de Milán se consolida como el evento más importante de esta industria a nivel global. En esta ocasión reunirá el Salón Internacional del Mueble; el Salón Internacional de la Iluminación, Euroluce; la Bienal Internacional del Ambiente de Trabajo, SaloneUfficio; el Salón Internacional del Artículo Complementario para la Decoración; y el SaloneSatellite. www.cosmit.it
Ecobuild 2011 1 al 3 de marzo de 2011 Reino Unido Es uno de los mayores eventos en diseño y construcción ecosustentable. Combinando más de 1000 grandes expositores, 100 conferencias gratuitas, seminarios y docenas de atracciones interactivas, Ecobuild conecta el aprendizaje con las experiencias practicas y novedades de primera mano.
Young Package Fecha límite 15 de marzo de 2011 El concurso está enfocado en estudiantes de diseño y jóvenes diseñadores de hasta 30 años, que elaboren propuestas de empaque innovadoras y sorprendentes. La competencia se centra en dos categorías: producto o productos industriales, y la caja. El ganador de cada categoría se hace acreedor a un premio de 1000 euros.
www.ecobuild.co.uk
www.young-package.com
Holcim Awards for Sustainable Construction Fecha límite 23 de marzo de 2011 Competencia enfocada en la creación de soluciones de construcción que promuevan la sostenibilidad. Ofrece 2 millones de dólares en premios en efectivo. Está abierta para construcciones sostenibles y trabajos en ingeniería civil, paisajismo, diseño urbano y proyectos de infraestructura, materiales, productos y tecnologías de la construcción. www.holcimawards.org
Andy Warhol. Motion Pictures Hasta el 21 de marzo de 2011 Compuesta por 12 “retratos cinemáticos” en blanco y negro, así como cintas denominadas “Pruebas de cámara”, esta muestra incluye primeros planos de destacados personajes, como el actor Dennis Hopper, el músico Lou Reed, la musa de Warhol, Edie Sedgwich, entre otros. Las películas seleccionadas para su exhibición fueron creadas por Warhol entre 1963 y 1966. www.moma.org
contenido
• Número 24 • noviembre 2010
6 iconos revolucionarios
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Diseño: Martín H.
Consejo editorial: D.I. Ernesto A. Olivares Gallo D.I. Alejandro Briseño Vilches D.I. Roberto Iñiguez D.I. Mario A. Orozco Abundis D.G. Fernando Bribiesca D.G. Edgardo López Mtz. Mónica Cárdenas y Luis “Caballo”. REDiseño,es una publicación bimestral, Número 24, noviembre-diciembre 2010. Todos los derechos reservados, REDiseño es una marca registrada ante el IMPI con folio No. 960008. Registro ISSN No.1870-6894. Se permite la reproducción total o parcial citando la fuente. Oficinas: Av. Enrique Díaz de León No.21, Colonia Centro, C.P. 44200 Guadalajara, Jalisco, México. Tels.+52 (33) 3124-0379 y 1204-0262 Tiraje: 4 mil ejemplares, impresos en Guadalajara, Jal, México. www.rediseno.com
O
Carmen Salcedo Rocío Tirado Rosa Ramírez Fixion Studio Héctor Torres Israel Reynoso
C
Comercialización: Administración: Atención a clientes: Producción Web: Jefe de impresión: Circulación:
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Reportajes: Guillermo Arroyo, Brenda Noland, Israel Reynoso T. Daniela Nava, Rosaura Mcgregor, Alfredo Robles, Luz Elena Sanz, Priscila Williams, Luis Roca, Gonzalo Villalón.
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Editor en Jefe: D.I. Luis Enrique Reynoso Vilches.
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Publisher: Alejandra Reynoso Tirado.
15 Comunicación con ingenio
Alapar figura como un innovador despacho creativo de comunicación efectiva
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Agenda
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Academia y práctica El ITESM Campus Guadalajara firma acuerdo de colaboración con el prestigioso despacho italiano Design Innovation.
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Cinco personajes que dejaron tras de sí un legado de simbolismos e iconografías
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Jade El asiento de la elegancia, la versatilidad y sobre todo, el descanso.
10 Cotidiano y sustentable Productos del día a día, nos muestran su atractivo diseño y carácter ecológico.
19 Renovada tradición
Estudiantes del ITESM desarrollan proyecto que rescata la tradición cultural de los huicholes
11 Iluminación geométrica Formas simétricas y líneas rectas, otorgan una silueta distintiva a la Tendencia Tonalá luminaria Twolve.
12 Auto a la moda Citroën Lacoste Concept, el auto que combina la tecnología de Citroën con la moda de Lacoste.
14 Dark Style La casa de diseño DARK, de Bélgica, ofrece una vasto portafolio de originales y galardonadas luminarias de techo.
24 Breves 25 El Tonder Con color, sarcasmo y estilo propio, ilustra la realidad social.
28 Pop Tonalá Es el proyecto que intenta mostrar el valor contemporáneo de una identidad cimentada en la tradición.
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33 Universos vivientes
Exodo DW, joven empresa mexicana de animación y 3D, compite con grandes estudios internacionales
38 Showroom sustentable Pirwi, inaugura espacio de exhibición de sus multipremiados y sustentables muebles
32 Laboratorio creativo
Alejandra Aceves, primero y segundo lugares del concurso “Hand Made Liquid Inspired Design Contest”, de Swarovski.
41 Emociones en color El talento artístico de dos creativos, se expresa en las emocionales obras de Artezaki.
43 Talento a lápiz Ubaldo, es un joven y prolífico ilustrador tapatío, que ha incursionado con éxito en la caricatura y el cartón humorístico.
Habitaciones llenas de glamour, moda y exclusividad, dan un toque único y atractivo a los nuevos Design Hotels.
46 Moda Independiente y Revolucionaria Paulina Sac-Nicté Cortés Ramírez obtiene el primer lugar en la tercera edición del concurso de moda Piedra, Papel y Tijera.
El Istituto Europeo Di Design, fábrica de creativos a nivel internacional.
36 Creación y conciencia
49 Design Hotels
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Diseño a tus pies La compañía mexicana Herati, pone a nuestros pies una fina colección de tapetes de piel y fibras naturales.
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design eco
GreenShop
Acercándose el estilo de vida verde, abrió sus puertas la vanguardista eco tienda Nudge Por Brenda Noland
Ubicada en el distrito del diseño de Helsinki, Finlandia, Nudge se caracteriza por comercializar únicamente productos eco-concientes. Nudge, consiste de un área de tienda y espacio de exhibición así como también un espacio de reunión en donde la gente y los comerciantes pueden discutir acerca de cómo llevar una vida más sustentable. De tal manera, busca no sólo comercializar, sino promover un estilo de vida verde.
La innovadora tienda, reúne marcas escandinavas que se especializan en la creación de productos orgánicos y ecológicos. Entre ellas se encuentran: Ipana Jamit, que ofrece ropa y accesorios para toda la familia; Matteria, quien fabrica diversos productos de hogar; Iduns Apple, produce zapatos; Bionature,
que comercializa cosméticos y productos de belleza; Unkai, que diseña productos como bolsas y muñecos; y Yalo, que oferta diversas marcas de ropa y accesorios. El diseño de la tienda también tomó en cuenta consideraciones de impacto ambiental, por lo que Nudge es un comercio con baja huella de contaminación ambiental gracias al trabajo de la diseñadora Anne Munkin, del despacho Mambogambo. Como parte del desarrollo y diseño de la tienda, las unidades de display de mercancía estuvieron a cargo de Ryan Frank, quien se especializa en diseño industrial sustentable. Estos displays, están hechos de madera aglomerada certificada. www.nudge.fi
design eco
La tienda distribuye productos ecol贸gicos
Los displays fueron hechos por Ryan Frank
Se utilizaron materiales como madera aglomerada
Nudge vende productos escandinavos org谩nicos y ecol贸gicos
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la silla
Escultural La holandesa Ineke Hans, ganadora del Red Dot Award 2010, da a conocer su más reciente creación: Ahrend 380 Por Brenda Noland
Ahrend 380, es una silla multifuncional que genera gran impacto visual debido a su estructura que incorpora sutilmente la rigidez de su asiento con la fluidez de su respaldo. Este diseño que está hecho en parte de materiales reciclados, es ampliamente versátil ya que es ideal tanto para interiores como para exteriores; es apilable, y facilita la transportación, puesto que su innovador respaldo se desliza fácilmente hacia adentro de la silla. Además, está disponible con o sin descansa brazos y se comercializa en color blanco o blanco lustroso, con azul o negro.
La silla es un diseño para la reconocida compañía europea Ahrend, que con su característica de modernidad y elegancia, está dedicada a la elaboración de mobiliario para oficinas, centros de educación y hospitales,. www.ienekehans.com www.ahrend.com
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3eco
EcoNegocio Lo fructífero de la creatividad y el medio ambiente
El diseñador sudafricano, Ryan Frank, quien tiene estudios en Inglaterra y Barcelona, oferta una completa línea de productos sustentables. El creativo, que se especializa en el diseño de muebles, ha hecho de su pasión por el diseño y la naturaleza un prometedor negocio a través de productos accesibles. www.ryanfrank.net
Enzo
La peculiar forma del banco Enzo está tallada en madera certificada de pino pícea y permite que varios bancos se apilen uno sobre otro de manera encontrada. Enzo, que se produce en el Reino Unido y Estados Unidos, se vende teñido en diferentes tonos a partir de lacas orgánicas.
Tape
Zilka
Los ganchos Zilka están fabricados a partir de periódicos altamente comprimidos, haciéndolos una mejor alternativa a los ganchos de plástico y de madera. Estos divertidos ganchos se encuentran disponibles en color naranja, azul y gris, y además poseen un atractivo toque de estilo gracias a su diseño interior.
Como parte de un proyecto en colaboración con la disquera Tape, de Inglaterra, Ryan Frank diseñó una línea de protectores de aparatos de tecnología. Las mangas de Tape son cubiertas hechas de corcho, ideales para salvaguardar gadgets electrónicos como el iPhone, iPod, iPad, el lector de libros Kindle y hasta laptops. El corcho, que es naturalmente biodegradable, es ideal para resguardar aparatos ya que es suave, ligero y absorbe impactos.
lámpara
Luz a Detalle La luminaria Caboche refleja el espíritu de dos destacadas diseñadoras europeas
Por Daniela Nava
La luminaria Caboche es fruto del ingenio de la diseñadora española Patricia Urquiola y de la italiana Elaina Gerotto, para la distinguida casa especializada en iluminación, Foscarini. Caboche, palabra que en francés alude a cabeza, es una colección completa de luminarias que se distinguen por infundir en su sencilla forma el intrínseco valor del detalle a través de sus cuantiosas esferas de plástico (polimetacrilato), mismas que son su atractivo central. La línea Caboche, que se compone de lámparas de suspensión, de piso, de mesa, de techo y de pared, se fabrica en tamaños diversos y con acabado en ámbar o transparente. www.foscarini.com
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libros
Mo da y tipo grafía
El dibujo en la moda John Hopkins
Imprenta Real, Fuentes de la Tipografía Española.
La primera parte del libro está dedicada a los principios básicos de un buen diseño de moda, en el que destaca la importancia del dibujo destinado a comunicar una idea. La segunda parte se centra en las mejoras que se pueden aplicar a los dibujos, tales como la importancia gráfica de la representación del color, el collage y las técnicas mixtas; finalmente, explican e ilustran los distintos formatos de presentación de los dibujos y los portafolios.
Texto del catálogo de la Exposición “Imprenta Real, Fuentes de la Tipografía Española”, que recientemente se presentó en Guadalajara en el marco de la Feria Internacional del Libro 2010. La exposición se centra en revivir la letra Ibarra, creada por Jerónimo Gil. El libro hace un recorrido histórico de la tipografía española y expone todos los aspectos de la muestra, incluida de la recuperación digital de fuentes tipográficas.
www.ggili.com
www.aecid.es
Los secretos del diseño de modas y la historia de la tipografía, se encierran en las páginas de estos cuatro recomendables textos
Tejido, forma
Sociología de las
y patronaje plano Winifred Aldrich
Guillaume Erner
Con el objeto de facilitar este aprendizaje y mediante un enfoque totalmente didáctico, este libro proporciona una introducción al diseño y al patronaje plano basándose en los tejidos y la forma del cuerpo. Para ello, deja de lado la tecnología del tejido y explora aquellas características visuales, táctiles y estructurales que determinarán su comportamiento sobre el cuerpo, y que resultan imprescindibles para identificar dimensiones de corte y para realizar patrones de nuevos modelos. www.ggili.com
tendencias
Este libro introduce en el mundo de las tendencias desde un enfoque sociológico. A través de su habitual estilo desenfadado y de una clara vocación divulgativa, Guillaume Erner elabora un relato irónico y entretenido sobre cómo unos individuos, distintos los unos de los otros, sin haberse puesto previamente de acuerdo, muestran tener los mismos deseos de forma simultánea. www.ggili.com
la silla
SiéntateLigero Inspirado en la naturalidad del aire, Marcel Wanders propone la nueva y divertida Sparkling Por: Brenda Noland
Sparkling es un proyecto del destacado diseñador holandés, Marcel Wanders para la casa italiana Magis, que indudablemente combina las cualidades de aparente ligereza y esa chispa o energía positiva que se encierra en el atractivo nombre de esta silla. Este llamativo mueble está fabricado de poliestireno estampado en el sistema de inyección o moldeo blow moulding, que busca enfatizar el valor del aire como elemento que da vida y brindar al usuario la sensación de estar sentado o suspendido en el viento. Sparkling, que únicamente está disponible en color verde, es apropiada para interiores y exteriores y facilita su transportación ya que sus patas son removibles. www.magisdesign.com
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Enérgica luminosidad El talento joven refresca al mundo del diseño e ilumina el panorama con nuevas creaciones llenas de sentido del humor, diversión, crítica social y nuevas interpretaciones
Gluttony
Hang Over
Esta luminaria es un diseño del mexicano Luis Luna, que reutiliza los típicos tenedores, cucharas y cuchillos desechables para recordar la gran cantidad de comida que se consume en eventos sociales. Gluttony, fue finalista en el concurso “House Party” de Designboom y exhibida en el 100% Design Tokio.
La divertida lámpara Hang Over es otra creación de Luis Luna. En esta ocasión, el diseñador se inspiró en los tradicionales vasos de plástico rojos que quedan después de una noche de copas y reventón. luisf_luna@hotmail.com
luisf_luna@hotmail.com
Medusae
Light Drop
La joven diseñadora, Roxy Towry-Russell desarrolló una colección de lámparas de suspensión inspirada en las medusas del océano. La línea Medusae, ejemplifica la delicadeza de estas criaturas a través de sus formas irregulares.
Diseñada por Rafael Morgan y fabricada por Wever & Ducré, Light Drop es una luminaria que invita a la reflexión y análisis de cómo utilizamos nuestros recursos naturales, ya que asocia al agua directamente con la energía. Light Drop fue merecedora del tercer lugar en el concurso internacional Bright LED, de Designboom.
roxy.russell@gmail.com
www.wever-ducre.com
Rubiks
La extrovertida lámpara Rubiks, del diseñador Eric Pautz, encuentra su inspiración en el famoso juego de destreza del cubo Rubik. Esta luminaria está formada de 26 cubos menores y permite, tal como en el juego, que series de cubos horizontales o verticales puedan ser rotados, creando así una inmensa variedad de combinaciones de luz. ericpautz@gmail.com
ilustración
Ilustración Iberoamericana En el marco del Feria Internacional del Libro (FIL), se realizó el 1er. Foro Internacional de Ilustración, FILUSTRA 2010
Sin titulo
Popof (Santiago Solis y Santiago Bonfil) Primer Lugar Técnica: Mixta sobre papel
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ilustración Por Gonzalo Villalón
Con el Foro Internacional de Ilustración, el Salón de los Ilustradores y el Primer Catálogo Iberoamericano de Ilustración, la Feria Internacional del Libro de Guadalajara, realizada a finales de noviembre en la Perla Tapatía, abrió un espacio a los profesionales de la imagen. En su vigésima cuarta edición, la FIL permitió a los ilustradores mostrar su trabajo, comercializar sus derechos, reflexionar sobre su oficio y compartir experiencias con el público y sus colegas. El Foro Internacional de Ilustración, Filustra se realizó los días 28 y 29 de noviembre y constó de conferencias y una serie de rondas de promoción entre los creadores participantes y las editoriales que publican libros ilustrados. La charla de inauguración estuvo a cargo de Beatrice Alemagna, ilustradora italiana ganadora del Premio Andersen, mientras que la belga Kitty Crowther, ganadora de la edición 2010 del Premio ALMA (Astrid Lindgren Memorial Award), cerró el encuentro. El español Arnal Ballester y el italiano Philip Giordano también estuvieron presentes. Organizado por la FIL Guadalajara y la agencia española Pencil-Ilustradores, el Foro Internacional de Ilustración fue patrocinado por la Junta de Castilla y León, la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo (AECID), la Fundación SM, la Feria del Libro Infantil de Boloña y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), y contó con la colaboración de El Ilustradero y el Premio ALMA. En el Área Internacional de la FIL estuvo ubicado el Salón de los Ilustradores, que ofreció diversas charlas y actividades para que el público se acercara al trabajo de los creadores. Además de las conferencias y las firmas de libros, los autores trabajaron a la vista de los visitantes de la FIL para mostrar y explicar a los interesados sus dinámicas creativas.
El Robo
Natalia Susana Gurovich Pinto Mención Honorífica Técnica: Mixta Digital
Finis
Javier Sáez Castán Mención Honorífica. Técnica: Tinta sobre Papel
ilustración
Primer Catálogo Iberoamericano de Ilustración Para redondear la oferta, la Fundación SM, El Ilustradero y la FIL Guadalajara lanzaron la convocatoria para integrar el Primer Catálogo Iberoamericano de Ilustración. A este certamen, que requirió una cuota única de 50 dólares, pudieron inscribirse ilustradores de cualquier país de Iberoamérica, quienes debieron enviar una selección de entre tres y cinco trabajos inéditos. Para integrar el catálogo, el jurado seleccionó 30 ilustraciones, que además formaron parte de una exposición que se montó en el recinto ferial. Asimismo, se otorgó un premio de tres mil dólares para la ilustración de Popof (Santiago Solís y Santiago Bonfil), de México, ganadores del primer lugar del certamen. El jurado estuvo compuesto por artistas reconocidos como los mexicanos Quetzatl León Calixto, Daniel Goldin, Mario Rosales y Adriana Ruano Villanueva, así como el español Alfonso Ruano. En la página web del proyecto, ya se encuentra disponible la convocatoria para la realización del Segundo Catálogo Iberoamericano de Ilustración en 2011. www.iberoamericailustra.com
“Los 30 ilustradores fueron seleccionados de entre más de 100 creativos iberoamericanos”.
A lo lejos
Cecilia Rebora Mención Honorífica Técnica: Mixta sobre Papel
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ilustración
El Emisario
Fabricio Vanden Broeck Mención Honorífica Técnica: Mixta sobre Papel
El Chaparral
Ana Teresa Martínez Alanís Mención Honorífica Técnica: Digital
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Participantes Primer Catálogo Iberoamericano de Ilustración: México Ulices Alonso Sánchez (poderoso kamui). Alejandra Barba Romero Carlos Alberto Badillo Cruz Ana Bonilla Rius Edgar Harald Molina Porras Oliver Flores Contreras Patricia García Pérez Laura Estela González Gallegos Isabel Gómez Guízar (Chiquita Milagro) Estelí Meza Urbieta Ana Teresa Martínez Alanís José de Jesús Olivares Rodríguez Cecilia Rébora Gómez Gerardo Suzán Prone Fabricio Vanden Broeck POPOF (Santiago Solís y Santiago Bonfil) Chile Natalia Susana Gurovich Pinto Elena Ramírez Troncoso
España Giovanni Castro de la Cruz (Nigio) Nuria Díaz Ibáñez Iván Regalado Segarra Javier Sáez Castán Venezuela Rosana Faría Laura Stagno Colombia Rafael García Zuluaga María Fernanda Mantilla Navarrete Argentina Diego Bianchi Alegre Claudia Degliuomini Goyeneche Istvan Schritter Picatto
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ilustración
Diseño Resplandeciente Iluminación y estética se unen para amenizar espacios exteriores Por Brenda Noland
Distan mucho de ser el típico sistema de alumbrado público. Las colecciones de lámparas exteriores de la compañía belga Wever & Ducré, irradian alto valor visual a su entorno y nuevos conceptos de estética e iluminación arquitectónica. Al favorecer la colaboración directa con reconocidos diseñadores como Nathalie Nebout y Joel Hesselgren y fomentar prácticas de diseño a través de su taller interno llamado Studio Gaga, Wever & Ducré ha logrado desarrollar luminarias que cumplen con su cometido básico de iluminar, pero además poseen alta calidad de diseño.
Entre las más destacadas creaciones de la firma se encuentran las líneas J.M., Alice, Picuur y Tattoo, que toman en cuenta consideraciones de diseño para espacios como parques o jardines, explanadas o terrazas y áreas públicas en general. A pesar de que con frecuencia se busca que un sistema de iluminación exterior sirva tan sólo para brindar visibilidad, los productos de Wever & Ducré suman a este principio la importancia de que la luminaria no sea invisible y pase a ser parte del ambiente visual a través de sus formas llamativas que les brindan presencia arquitectónica. www.wever-ducre.com
ilustración
J.M.
La colección de esculturales luminarias J.M. es un diseño en forma de “u” o arco, de la francesa Nathalie Nebout. Estas impactantes lámparas que pueden ser posicionadas de manera horizontal o vertical, se encuentran disponibles en tres tamaños y colores blanco, negro y en acero corten, que brinda un toque de marrón oxidado.
TATTOO
Otra creación del taller interno Studio Gaga, “tatúa” con luz a los árboles. Con el objetivo de acentuar la naturaleza desde dentro, las lámparas Tattoo de focos fluorescentes se colocan entre el enramado de los árboles o arbustos.
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iluminación
ALICE
Las lámparas Alice es otro gran ejemplo de iluminación, en la que la pieza en si pasa a ser un elemento arquitectónico de su ambiente. Este diseño, del sueco Joel Hesselgren, también se comercializa en tres tamaños y tres colores: negro, blanco y acero corten.
iluminaciĂłn
PICUUR
El diseĂąo en columna rectangular de 1.60 mts de la luminaria Piccur, permite jugar con el paisaje y brindarle un atractivo de repetitividad al colocarse varias columnas contiguamente. Las lĂĄmparas, emiten una luz fluorescente y se encuentran disponibles en color negro o blanco.
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design for kids
Niños en su mundo
Emiliana Design recrea un espacio exclusivo que fomenta la creatividad y diversión de los pequeños
Por Itzel R. Beyer
Diseñar para niños pequeños no es tarea fácil, sin embargo, el reconocido estudio Emiliana Design, formado por Emili Padrós y Ana Mir, desarrolló recientemente para la marca española Made Design el mobiliario infantil llamado Ottawa. Made Design es una firma española que se ha distinguido por apostarle al diseño de autor, es por eso que el vínculo con Emiliana Design resulta un proyecto de primer nivel. Ottawa más que un mobiliario infantil llamativo, es una serie de módulos que crean espacios en donde los niños sienten un confort que les permite jugar, divertirse, crear y hasta descansar.
El peculiar diseño de Ottawa favorece a que los más pequeños se sientan cómodos, incluso en lugares poco idóneos, como los aeropuertos, hospitales, plazas comerciales, guarderías, y en general lugares con mucho tránsito. La creación de Emiliana Design está elaborada con tubos de acero y madera lacada y se encuentra disponible en diferentes colores y acabados. Los módulos incluyen pizarrones, alfombras, bancos, cajones y mesas, donde los pequeños cuentan con una serie de elementos que les permiten dejar volar su imaginación y mantenerse siempre ocupados. www.emilianadesign.com www.madedesign.es
design for kids
Emiliana Design Studio Ana Mir y Emili Padr贸s se conocieron en 1992 cuando realizaban el Master de Dise帽o Industrial en la Central Saint Martins School of Art and Design, de Londres. En 1996 inician su actividad profesional en Barcelona y
fundan Emiliana Design Studio para el desarrollo de sus proyectos conjuntos e individuales. Realizan por igual packaging, stands, creaci贸n de espacios, productos y mobiliario. Emili Padr贸s y Ana Mir
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industrial
Sentado en el Golden Gate El suizo Yves Behar, ganador del Premio Nacional de Diseño Cooper Hewitt, creó una fantástica silla inspirada en el mítico puente de San Francisco Por Itzel R. Beyer
Nacido en Suiza, el diseñador Yves Behar radica en la ciudad de San Francisco, California. Sin duda alguna, su entorno lo ha inspirado. Luego de más de 3 años de trabajo e investigación, y luego de realizar más de 70 prototipos, llegó a la creación de su espectacular silla de oficina SAYL. El mismo nombre de la pieza, ya refleja lo que su entorno es para él. La palabra SAYL proviene de las velas de las embarcaciones (sail) que navegan por la Bahía de San Francisco. El diseñador se encargó de darle un cambio acertado a la palabra intercambiando la “I” por “Y”. Esto también tiene un porqué, pues la “y” es la forma que tiene el soporte del respaldo de la silla.
Inspirado en el famoso puente Golden Gate, tan representativo de esa ciudad norteamericana, el diseñador propone una pieza revolucionaria, ecológica, amigable, elegante y accesible.
El respaldo innovador de la silla carece de bordes y estructuras rígidas, ya que está hecho con una malla tensada de elastómero y una estructura vertical que se adapta al cuerpo humano y a los movimientos del usuario. El resto de la silla está elaborada a base de plástico moldeado, el cual puede ser reciclado hasta en un 93 por ciento. La prestigiosa marca Herman Miller es la encargada de distribuir la silla con un costo de $399 dlls gracias a que Behar eliminó todas las piezas innecesarias ofreciendo confort y estilo con lo mínimo posible. Este innovador mueble es resultado del trabajo de investigación y desarrollo del despacho FuseProject, fundado por Yves Behar y que se especializa en branding y diseño industrial. www.hermanmiller.com www.fuseproject.com
industrial
La silla estĂĄ inspirada en el famoso puente Golden Gate
Fuseproject Es una firma de branding y diseĂąo industrial fundada en 1999 por Yves Behar, en la ciudad de San Francisco, California. El trabajo de Fuseproject ha sido merecedor de mĂĄs de 50 premios y un sin fin de reconocimientos. Entre su extensa cartera de clientes se encuentran: BMW, Nike, Swarovski, Adidas, Herman Miller y Palm, entre otras.
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diseño gráfico
Diseñadores en Red 10 comunidades de diseño más populares en la web
Por Tony Luna
Casi toda persona que opere un equipo de cómputo, o dispositivo móvil de comunicación, interactúa con las redes sociales en internet. En el mundo se estiman más de mil millones de usuarios; tan solo en América Latina, el 30% de la población se ha “enredado” fielmente con alguna comunidad electrónica. El mayor atributo que se le otorga a estos grupos, es el poder de la inmediatez en la información. Tal ha sido el fenómeno, que hoy es común encontrarse con comunidades cada
vez más segmentadas; con afinidades, intereses y gustos similares. En el medio del diseño, profesionales y estudiantes se reúnen para proyectar sus conocimientos y talentos, además para discutir temas sobre el oficio, y como dirían los especialistas del comportamiento humano, reconocerse y pertenecer a una sociedad. A continuación, enlistamos 10 de las redes sociales más populares, para diseñadores de diferentes formaciones y especialidades.
diseño gráfico
BEHANCE
DEVIANT ART
Posiblemente, la red social para negocios y pla-
En su carácter desenfadado e informal, Deviant Art es una red internacional alternativa, que aglutina y presenta los proyectos de artistas visuales y diseñadores gráficos a manera de libro de trabajos. Además, mediante su tienda electrónica, los usuarios pueden vender sus productos como carteles y playeras, entre otros.
taforma profesional más visitada en el mundo por creativos de todas las industrias. Behance permite desarrollar perfiles profesionales, donde los usuarios intercambian experiencias e información, en un amplio directorio multidisciplinario de diseño. www.behance.net
www.deviantart.com
ILLUSTRAMUNDO
DESIGN BUMP
Es la plataforma web de ilustración más popular en el mundo. Se complementa de galerías de proyectos de los más diversos estilos y técnicas, artículos especializados, secciones de opinión, y la transmisión de noticias y entrevistas a reconocidos ilustradores mediante el servicio de Podcast.
La plataforma ofrece al usuario la posibilidad de exhibir y guardar proyectos de comunicación visual como marca, editorial, campañas, etc; permite votar las muestras más destacadas y da acceso a tutoriales de software especializado, recursos para descarga, concursos, y más.
www.illustrationmundo.com
www.designbump.com
ADS OF THE WORLD:
TYPOPHILE
Ads of the world posee el mayor stock de anuncios impresos, digitales y multimedia en Internet de las más célebres, creativas, y exitosas campañas publicitarias en el mundo. Los miembros de esta comunidad, pueden votar y comentar las galerías disponibles.
Esta creciente comunidad virtual, atiende tópicos en tipografía y áreas afines. Typophile abre foros para la discusión y análisis de proyectos y el oficio. Brinda recursos para descarga, noticias recientes y enlaces a portales relacionados. www.typophile.com
www.adsoftheworld.com
COLOR LOVERS
COROFLOT
Los amantes del color se reúnen en esta cibercomunidad que convoca a diseñadores de todo el mundo para la creación de gamas tonales, armonías de color, foros para la discusión de las nuevas tendencias, y más. En la lógica de toda red social, éstas son libres para la divulgación y uso de sus suscriptores.
Como canal para la exhibición y promoción profesional, Coroflot es una gran comunidad web de diseñadores con diferentes formaciones. Permite publicar reseñas curriculares y proyectos. Incluye una sección para la búsqueda de ofertas de empleo. www.coroflot.com
www.colourlovers.com
DESIGN 21
DESIGN FLOAT
Los suscriptores de Design 21 participan en concursos que persiguen objetivos sociales y educativos mediante proyectos de comunicación y diseño. A la par de diversos organizamos internacionales, convoca periódicamente en temas de salud, niñez, sosteniblidad, etcétera.
Desde su portal electrónico, Design Float ofrece a su comunidad centenares de enlaces, recursos y muestras de temas relacionados con diseño gráfico, industrial, fotografía, motion graphics, web —Flash, HTML, CSS—, y más.
www.design21sdn.com
www.allgraphicdesign.com
www.designfloat.com
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automotriz
9 Ángeles sobre ruedas El Design Challence 2011, del LA Autoshow, develó al mundo 9 innovadoras propuestas automotrices
Honda Air
Por Itzel R. Beyer
Durante nueve días del mes de noviembre, la ciudad de Los Ángeles California vibró con uno de lo principales shows automovilísticos del mundo: el LA Autoshow, que con su ganada tradición, sorprendió al mundo automovilístico con el lanzamiento de autos eléctricos, híbridos y los siempre llamativos Concept Cars. Año tras año éste magno evento ha ido adquiriendo mayor importancia ya que son cada vez más las compañías automotrices las que participan en la exhibición. Design Challenge ha sido desde hace siete años el desafío de diseño automotriz de la Autoshow. A diferencia de años anteriores, en donde únicamente se contaba con la participación de la comunidad californiana del diseño, en ésta ocasión se sumaron al desafío estudios de Japón y Alemania. El tópico a desarrollar en la competencia abarcó la necesidad de reducir el consumo de los recursos
naturales. El objetivo consistió en crear un automóvil de cuatro plazas, ligero (máximo 453 kgs.), cómodo, con un buen rendimiento, sumamente seguro y fácil de manejo, además de tener un diseño y una estética singular e innovadora. General Motors, Mercedes-Benz, Honda, Toyota, Mazda, Nissan, Volvo, Maybach y Smart, fueron los nueve participantes evaluados por el jurado integrado por el decano del College for Creative Studies de Detroit, Imre Molnar , el director de diseño industrial de la Universidad de San Francisco, Tom Matano, Stewart Reed, quien es presidente del Diseño de transporte del Art Center College of Design de Pasadena, y Clive Hawkins, director general de Aria Product Development. Al final del evento, el ligero y futurista Cadillac Aera de GM, y el sofisticado Smart 454 WWT vencieron a sus adversarios y compartieron el primer lugar del certamen. www.laautoshow.com
La propuesta de Honda fue un auto súper ligero de tan solo 362 kgs. con un diseño peculiar inspirado el los trajes de paracaidismo. Utiliza combustible alternativo y esta motorizado por un sistema de compresor de aire.
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automotriz
MAYBACH DRS
La propuesta de la empresa automotriz alemana, fue un automóvil eléctrico con dos propulsores de 20 Kw cada uno, que en caso de que el vehiculo se quedara sin batería, el usuario podría recargarlo moviéndolo con sus pedales interiores. El diseño está inspirado en una reinterpretación del transporte tradicional japonés conocido como ìJin-Riki-Shaî.
Toyota NORI
La estructura sumamente estética y ligera de éste modelo está elaborada con fibra de carbono y bioplásticos. El vehículo cuenta con cuatro motores eléctricos
Volvo Air Motion
La propuesta de Volvo fue un vehiculo mas liviano que un auto formula 1 gracias a su estructura de fibra de carbono. Volvo Air Motion funciona a través de motores de aire comprimido que brindan una gran experiencia de conducción.
Smart 454 WWT
Éste sofisticado modelo que cuenta con dos motores eléctricos de 15 Kw cada uno, está fabricado por robots de alta tecnología quienes con piezas de fibra de carbono logran que el vehiculo cuente con un equilibrio perfecto entre rendimiento y peso.
automotriz
Cadillac Aera.
Su diseño es altamente innovador, su chasis entramado de poliedros le dan un carácter futurista a su estética. El coupé para cuatro pasajeros cumple con su peso máximo de máximo 453 kgs. y brinda una autonomía de 1.000 millas con la utilización de combustible alternativo.
Mazda MX-0
Éste vehiculo utiliza únicamente energía eléctrica, por lo que es auto cero emisiones. Con su ligero peso (454 kg) es capaz de transportar a cuatro pasajeros cómodamente y lograr una increíble aceleración gracias a su estructura de fibra de carbono.
Mercedes Benz Bioma
El proyecto de Mercedes Benz es un coupé súper deportivo y futurista está construido con un material genéticamente manipulable llamado Biofibra, el cual es más sólido que el acero y más ligero que el plástico.
Nissan IV
El diseño de éste auto es único, sus partes están hechas de hiedra y seda de araña, lo que lo hace 100 % sustentable. Aunque se muestra robusto es muy ligero, con las ventajas de un vehiculo eléctrico cero emisiones.
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diseño gráfico
El “Cuadratín” Por Cyrus Highsmith*
Es un elemento importante y básico en tipografía, pero su definición puede ser un tanto difícil
Si se consulta a un diseñador de tipos, a un tipógrafo y a un desarrollador de software sobre la definición del cuadratín, probablemente se obtenga tres respuestas diferentes. Y tales respuestas no necesariamente se contradicen unas a otras; simplemente provienen de diferentes puntos de vista.
El cuadratín del tipógrafo Comencemos por la que, probablemente, es la descripción más utilizada del término y que llamaré el “cuadratín del tipógrafo”. Con cierta seguridad te has encontrado con esta definición en los inicios de tus estudios de tipografía. El ”cuadratín del tipógrafo”, un espacio horizontal, es igual que el tamaño en puntos del tipo, una medida vertical. Así el cuadratín para una fuente de 10 puntos serán 10 puntos de espacio horizontal, y el cuadratín para una fuente de 48 puntos equivaldrán también a 48 puntos de espacio horizontal. El tamaño en puntos de la fuente, y no su diseño, es el que determina el tamaño del “cuadratín del tipógrafo”. Todas las fuentes de 10 puntos tendrán un cuadratín de 10 puntos. Cuando el tipógrafo compone textos usa el cuadratín para medir espacios horizontales dentro del párrafo. Por ejemplo, existe también el medio cuadratín que es, precisamente, la mitad del cuadratín y el espacio fino que equivale a un cuarto del cuadratín (incluso tenemos hasta una medida igual a un quinto del cuadratín, dependiendo de a quién se consulte).
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Estos espacios son utilizados para tareas como “sangrar” la primera línea de un párrafo o componer tablas. El cuadratín también es utilizado para establecer el tamaño de diferentes signos ortográficos, como la raya y el menos.
rior del cuadratín y esto no es algo que debamos a la tradición tipográfica sino que trabajar dentro de estos límites asegura al diseñador que en todo tipo de composición existirá el suficiente espacio entre líneas.
El cuadratín del diseñador de tipos
El cuadratín del desarrollador de software
Similar al cuadratín del tipógrafo, el “cuadratín del diseñador” de tipos también está conectado al tamaño en puntos, pero al contrario que el tipógrafo que lo usa como una medida de espacio horizontal, el diseñador de tipos contempla el cuadratín como una medida de espacio vertical. Forma el espacio de diseño en el que cada letra o signo de una tipografía es dibujado.
Un desarrollador de software probablemente tendrá poco que añadir a lo que ya hemos visto. Voy a intentar simplificarlo un poco, pero lo que sigue es sobre todo de tipo técnico.
Veamos como trabaja. Cuando un diseñador tipográfico dibuja un glifo, sus dimensiones se ajustan al espacio disponible para cada uno de ellos. No se trata de una medida absoluta sino de un área establecida donde los glifos se dibujan. La altura de este espacio está determinada, en parte, por la distancia entre el borde inferior de los trazos descendentes y el superior de los ascendentes. A esta medida se le añade usualmente una pequeña cantidad de espacio adicional en ambos extremos para prevenir que en composiciones compactas (sin espacio entre líneas) los caracteres se superpongan. De esta forma todos los glifos que componen una fuente son dibujados, alineados y espaciados tomando como referencia el “cuadratín del diseñador”, del que adoptan las diferentes proporciones necesarias. El resultado es que cada glifo presenta una altura uniforme independientemente de las formas de los mismos. El concepto de “cuadratín del diseñador” ya fue utilizado en los tiempos de la tipografía de plomo donde todo tenía que ajustarse a las limitaciones físicas del espacio disponible en el bloque de metal, o cuerpo, donde se fundía el caracter. En la actualidad, y pese a que estas limitaciones ya no existen, muchas fuentes digitales, sobre todo para composición de textos, todavía respetan de manera general los límites superior e infe-
El “cuadratín del desarrollador de software” es similar al del diseñador tipográfico ya que también considera el espacio vertical que contiene a cada carácter de la fuente. La diferencia consiste en que el desarrollador contempla este espacio como una rejilla dividida en unidades fraccionales, conocidas como unidades de cuadratín. La forma del glifo, así como la información referida a su espaciado, se dibuja de acuerdo a estas unidades. Cada punto y cada curva están localizados en esta rejilla. Usualmente, una unidad de cuadratín equivale a 1/1.000 del cuadratín. Esto significa que la altura del cuerpo para todos los glifos de la fuente es de 1.000 unidades de cuadratín. El ancho, que puede variar dependiendo de la forma de los glifos, también se expresa en unidades de cuadratín y esta es la base para la información del espaciado de la fuente, o “metrics”. Los datos contenidos en los “metrics” de una fuente son el punto de partida para la posición de cada glifo durante la composición digital, la cantidad de espacio entre ellos y el espacio entre líneas. Los sistemas de composición de texto digital combinan la información contenida en los “metrics” con las magnitudes introducidas por el usuario acerca del tamaño en puntos, el espacio entre palabras y la interlínea, para componer la línea tipográfica con el espacio implementado por el diseñador de la tipografía.
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Conclusión El contexto es importante cuando se quiere definir al cuadratín. Para el tipógrafo se trata de un espacio en blanco que se puede utilizar para señalar una sangría en la primera línea de un párrafo. Para el diseñador de tipos, el cuadratín es el área donde dibuja los diferentes glifos de la fuente. Y para el desarrollador, el cuadratín es una unidad de dimensión utilizada para almacenar la forma de los glifos y la información adicional acerca de sus espacios laterales.
Desde mi punto de vista, el cuadratín es una unidad tipográfica fundamental. Juega un papel crítico en el diseño de una tipografía, en la tecnología para componer e imprimir la fuente y, finalmente, en las decisiones tomadas por el tipógrafo cuando compone con ella. De hecho, desde el punto de vista del diseñador de tipos, el cuadratín es el módulo básico utilizado para componer letras que forman palabras, palabras que forman líneas y líneas que se convierten en párrafos. No todas las tipografías ni todos los sistemas de composición o todo software se adecuan exactamente a la forma en que he desarrollado el tema en este artículo. Nos podemos encontrar con tipografías cuyos caracteres exceden los límites del cuadratín, software que utiliza fórmulas adicionales para determinar el espaciado o diferente vocabulario al que yo he utilizado. Tomando como punto de partida este artículo se puede incluso desarrollar el término y el conocimiento sobre el tema.
En fin, ha sido una explicación muy larga para un término pequeño. Y ahora con toda seguridad puedes olvidar bastantes cosas acerca del mismo, sin que la manera en que utilizas la tipografía se vea afectada. Gracias a la composición de texto automática, se puede componer texto sin saber mucho acerca de lo que en realidad es el cuadratín. De hecho, muchos autores han puesto de manifiesto que se puede incluso escribir un buen libro acerca de la composición tipográfica sin explicar en qué consiste este famoso espacio. Pero, una vez leído este artículo, seguramente que ya tienes una idea más acabada acerca de qué sucede cuando compones textos. Finalmente, queda por aclarar una cuestión importante. El espacio M y la letra M se pronuncian de la misma forma en inglés. No obstante, cualquier otra relación entre el espacio M y la letra M es pura coincidencia. (1)
Traducción: Gabriela Ventureira Editor: Ariel Garofalo *Cyrus Highsmith es diseñador tipográfico en la fundición digital Font Bureau. Nota del traductor: (1) En el mundo anglosajón el término que se utiliza para designar el cuadratín es el de “espacio M”; así como para el medio cuadratín se utiliza el de “espacio N”. Con el fin de no inducir a errores o confusiones como la que el autor recuerda en este párrafo, hemos decidido, de acuerdo con él, traducir la denominación de los espacios anglosajones por la española.
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Joviales y talentosos Estos 9 pequeños creativos llenan de frescura el mundo de la moda y el diseño
Son apenas adolescentes, pero ya deslumbran con sus creaciones en las pasarelas que se presentan. Son miembros de una nueva generación de diseñadores que propone, viaja y desarrolla un talento nato. Son juveniles caras que vienen a refrescar el ámbito de la moda y que sobre todo, proyectan un promisorio futuro en el mundo del diseño.
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“El diseño no tiene edad”. Con esta frase, Yolanda Sánchez de Bribiesca y Alejandro Bribiesca Cárdenas, directores del Centro Internacional de Diseño y Moda Imaginarte, resumen la razón de ser de su proyecto Teens. Pequeños desde los 10 años de edad, acuden a este centro educativo tapatío para desarrollar su creatividad y formar parte de este diplomado que incluye materias como joyería, costura, patronaje, ilustración, principios de diseño, entre otras. A pesar de su juventud, los pequeños diseñadores muestran su pasión por la moda y participan activamente en pasarelas, visitas de campo y proyectos de comercialización. “Los Teens nos tienen maravillados con las cosas que hacen, pues además son muy responsables y sumamente creativos. Algunos de ellos han ido a Fashion Week, a viajes a Europa, a museos de moda, al taller de Agatha Ruiz de la Prada, e incluso, tenemos 5 boutiques que ya están comprando los productos que ellos están generando”. Detectando y promoviendo estos talentos desde temprana edad, Imaginarte se basa en programas y talleres avalados en Europa. “La idea de este programa Teens es que los jovencitos desarrollen sus habilidades y si desean seguir en el diseño, más adelante continúen con carreras técnicas, o incluso las licenciaturas, que próximamente abriremos aquí en la escuela”, concluyen. www.imaginartegdl.com
Alejandro Bribiesca Cárdenas y Yolanda Sánchez de Bribiesca
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Azul
Maya Olmos Inició a estudiar diseño cuando tenía sólo 14 años. Primero lo hizo para aprovechar el tiempo con unos cursos de verano, pero el diseño la atrapó y desde entonces lo vislumbra como parte de su porvenir profesional. Ya como parte del programa de diseño de imagen, debutó en el Salón de Eventos Shazzam, modelando dos faldas y una blusa de su creación; después modeló en Unitec una de sus blusas y en el 2007 participó con un vestido en la pasarela del “Día del mercadólogo”, en la Universidad Panamericana. Azul tiene como proyecto profesional estudiar un Master de diseño en Barcelona. “Me motiva el saber que estoy haciendo lo que me gusta, el poder crear cosas nuevas, innovadoras, poder romper con los esquemas y las limitaciones”. Esta prometedora diseñadora ha participado además en pasarelas homenaje a Dior y Valentino, en la pasarela Bicentenario dentro de la Guadalajara Diseña y viajó a Roma para presenciar la Retrospectiva de Valentino.
“Me motiva el saber que estoy haciendo lo que me gusta"
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Lorea
Pérez Iriarte Esta joven tapatía tiene apenas 14 años y cursa el segundo año de secundaria. Cuando tenía ocho años, recibió como regalo un set de diseño que incluía plantillas, papeles, listones, botones; ahí nació su fascinación por la confección de ropa, zapatos y accesorios. “Nunca he sido muy buena dibujando, pero me encantaba combinar papeles y listones para crear algo”, comenta. En apenas mes y medio en Imaginarte, Lorea ha desarrollado aún más su gusto por la moda y el diseño. Admiradora de personalidades reconocidas en la moda como Naeem Khan y Agatha Ruiz de la Prada, comenta que su meta a futuro es desarrollar su propia marca especializada en vestidos de novia y de noche. “Me gusta el diseño pues creo que es una manera de expresarte y de reflejar cómo eres. Es fascinante cómo la moda va cambiando y eso es algo divertido del diseño de modas”.
“Me gusta el diseño pues creo que es una manera de expresarte y de reflejar cómo eres"
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Vanessa Bon
“Una maestra me dijo que los buenos dibujantes éramos terribles matemáticos. En mi caso, aplica esa teoría”, comenta esta adolescente tapatía. Recién cumplidos sus trece años, inició con sus clases de diseño de moda. Primero, fue sólo por el gusto de dibujar, pero después descubrió su fascinación por el vestido. Vanessa es una convencida de que la conceptualización es la base de todo el trabajo creativo. “En la escuela aprendí a pensar antes de actuar, a ponerle una base, una razón y un concepto a mi diseño. Desde ahí nunca me ha faltado la inspiración, pues creo que es fundamental que el diseñador base su trabajo en la conceptulización”. Cada sábado, Vanessa desarrolla atractivos proyectos de moda en su escuela con un talento natural que poco a poco aprende a pulir.
“Una maestra me dijo que los buenos dibujantes éramos terribles matemáticos"
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Luis Daniel
Torres Adalid Los sábados son los días más esperados para este adolescente de 14 años. Desde el 2006, acude a Imaginarte donde en su grupo de diseño de modas, ha aprendido corte y confección, armado de joyería, ilustración, modelaje, colorimetría, protocolo y bordado, por ejemplo. Estos conocimientos le han llevado a participar en eventos como la pasarela tributo a Christian Dior; el concurso Piedra, Papel y Tijera 2009, de Designfest; la Semana del Diseño Guadalajara Diseña; y en la pasarela tributo a Valentino Garavani. Daniel cursa actualmente el tercer año de secundaria, y hace apenas unas semanas, participó en la pasarela de la tienda de interiores Zenth, donde presentó dos accesorios con motivos de azulejo de la misma empresa. “Me encanta la carrera, el diseño, y en la escuela recuerdo mucho un viaje que hicimos a la Ciudad de México donde estuvimos presentes en la pasarela de Tommy Hilfiger, visitamos los museos de David Lachapelle, Franz Mayer, y el Soumaya”.
“Me encanta la carrera, el diseño, y en la escuela recuerdo mucho un viaje que hicimos a la Ciudad de México"
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Andrea Michelle Moreno Ortiz
Su debut como diseñadora lo hizo nada menos que ante la presencia de Agatha Ruiz de la Prada, en la pasarela homenaje a Valentino, en la ciudad de Guadalajara. “Ese día presenté mi primer vestido, y tuve la fortuna de presentarlo también en una pasarela del salón de eventos Torreza”. Andrea tiene apenas 14 años, cursa el tercer grado de secundaria y es una de las jóvenes aprendices de moda en el programa Teens de Imaginarte. Destacada por su manejo de texturas y colores, esta adolescente creativa siente especial atracción por el diseño de vestidos, pantalones y camisas. “Me apasiona el mundo de la moda. Me gusta diseñar y crear nuevos estilos en ropa. Mi meta está cien por ciento enfocada en continuar con esta carrera” explica.
“Me apasiona el mundo de la moda. Me gusta diseñar y crear nuevos estilos en ropa"
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Lorena Villegas
Se dice conservadora en su forma de vestir y diseñar. Su gusto por la moda inició con el dibujo, y luego de que le regalaran 4 figurines de modas, hojas blancas y lápices de colores. “Siempre me encantó dibujar. Empecé con el tiempo a vestir las mujeres que yo misma dibujaba, y sin saberlo, empecé a diseñar”. Ingresó a Imaginarte cuando tenía 12 años. Hoy en día, un año después, para ella el diseño es más un hobbie y está decidida a seguir sus estudios profesionales y crear su propia marca. Dentro de su joven carrera, Lorena realizó ya el vestido “Fusión de dos mundos”, que presentó en la pasarela del Bicentenario realizada en mayo pasado en Guadalajara y participó en el concurso Origomu, que planteó crear piezas a partir de las piezas plásticas de los sixpack. “La moda es para mi un arte de expresión. En seis años más, cuando tenga 19, me veo trabajando en crear mi propia marca”.
En seis años más, cuando tenga 19, me veo trabajando en crear mi propia marca”
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Design Hotels Daniela
Vergara Ricaud
A punto de cumplir un año en Imaginarte, Daniela tiene claro que su futuro profesional está en el diseño y la moda. A sus 16 años, y cursando a la par el tercer semestre de preparatoria, ya ha participado en pasarelas como la del Bicentenario, en la Semana del Diseño Guadalajara Diseña, y el tributo a Valentino, donde pudo platicar con Agatha Ruiz y mostrarle una de sus piezas. También participó en el concurso de Origomu, realizado en Nueva York. “La moda no son sólo prendas, sino que también es un arte y necesitas pasión para ello. Las pasarelas, revistas, bocetos, prendas, fotos de moda y sobre todo diseñar, son cosas que me hacen sentir bien”. Daniela es admiradora del diseñador Karl Lagerfeld, por ello, desea crear también su propia marca especializada en bikinis, que es la prenda que más disfruta producir. “Me encanta que la gente vea mis prendas en las pasarelas, pero sobre todo, que se lleven la esencia que esas piezas tienen”, concluye.
“La moda no son sólo prendas, sino que también es un arte y necesitas pasión para ello"
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Leslie Monserrat Parra Rivas
A sus 17 años, fue ganadora del concurso Gran Plaza Fashion Mall. Ingresó a Imaginarte cuando tenía sólo 14 años. Desde su perspectiva, el diseño de moda es un arte que ayuda a las personas a vestirse y sentirse bien. Al terminar sus estudios de preparatoria, ingresará a la carrera de diseño de modas. “Me encanta la moda, pues me permite explotar mi imaginación, el diseño y la creatividad”. Enfocada en el dibujo y la combinación de materiales para fabricar sus propios diseños, Leslie Monserrat ha participado en diversas pasarelas y desarrollado atractivas prendas, principalmente para dama. “El diseño y la moda te ayudan a tener una actitud más positiva y mucha seguridad. De verdad es una gran carrera en la que aprendes mucho y es muy grande la satisfacción cuando a la gente le gustan tus diseños”, comenta.
“El diseño y la moda te ayudan a tener una actitud más positiva y mucha seguridad"
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Darinka Mariel Pérez Galván Sus padres son propietarios de una fábrica de ropa, por ello, desde muy pequeña, Darinka tuvo contacto directo con la producción de textiles y la moda. Con papel y lápiz, elaboraba sus propios diseños imaginando tener algún día su propia colección. Hoy, con apenas 15 años de edad, ya cuenta con la experiencia de dos años de cursar el diplomado de modas en Imaginarte. Hace poco, en lugar de fiesta de XV años, prefirió viajar a Europa para visitar las ciudades más importantes de la moda en el viejo continente. “Me apasiona la moda y me gusta vestirme bien con las tendencias. Mi sueño es seguir estudiando, ser una gran diseñadora y lograr que el negocio de mis papás sea una marca reconocida”.
"Mi sueño es lograr que el negocio de mis papás sea una marca reconocida”
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Alta Joyería Las joyas resuelven el problema más profundo del ser humano, que es sentirse bien consigo mismo Paula Guzmán
Por Guillermo Arroyo
Paula Angélica Guzmán Gutiérrez es una joven diseñadora de joyería que rápidamente ha destacado en su actividad profesional. Egresada de la carrera de Diseño Integral del ITESO, desde pequeña compartió su gusto por la creatividad, con el baile y la música, sus grandes pasiones. “Mi familia estudió en el ITESO y yo no fui la excepción, aunque en realidad llegué al diseño de rebote, pues lo que me gustaba era bailar, por lo que practicaba cuatro horas al día”.
Experiencia europea Al concluir su carrera, se aventuró a un viaje a Italia donde estudió Diseño de Joyas en el Istituto Europeo di Design, en Roma, donde tuvo como maestros y sinodales al comprador de plata la casa de subasta Christie`s o al comprador de monedas antiguas romanas de Bulgary, por ejemplo. Luego de dos años, concluyó satisfactoriamente sus estudios. “Fue una gran experiencia, Italia es un país que vive, come y respira diseño, y eso definitivamente me marcó. Los proyectos de la escuela eran geniales y de alto nivel, por ejemplo, participábamos en un desfile en la Semana de Alta Moda de Roma y
Colección Princesas Lunares
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Proyecto Barragán Hecho con Peñoles y AD (architectural digest) Tema: Barragán Ventanas de la obra de Barragán
podíamos estar al lado de Valentino, Armani, etcétera”. Su tesis en el ITESO, llamada Mu-Nari, por la admiración que tiene al diseñador Bruno Munari, estuvo enfoca en la alta joyería a partir de piezas que elaboró con crines de caballo.
El talento no se regala
Hace apenas dos meses, Paula se estrenó con su línea propia de alta joyería, misma que buscará comercializar en el extranjero, por lo que en mayo próximo viajará a la feria JCK, de Las Vegas. “Pretendo que se venda fuera no por cuestiones malinchistas, sino que no busco competir con precio, yo vendo diseño”.
Los buenos resultados obtenidos en Italia, le abrieron las puertas de firmas de renombre a nivel internacional, Paula asegura que es increíble la manera de cómo algunas firmas se aprovechan de los jóvenes talentos. “Creen que por el hecho de que en tu currículo aparezca que trabajaste su marca te pueden pagar lo que quieren. Para mi el trabajo ni el talento se regalan, eso lo tengo bien claro”.
La inspiración no existe
Cobrar por diseñar
“Mi visión a largo plazo es crear mi propia marca, en la que bajo el mismo concepto pueda comercializar mis joyas, bolsos, calzado y otros artículos, Es un proyecto ambicioso, pero poco a poco estoy dando pasos en ello”, concluyó.
A su regreso a México, Paula obtuvo el primer lugar en el concurso Perlas de Tahití, gracias a la creación de un anillo llamado Lóverture sur L´univers, elabora con una sola perla. Después fue nombrada “Joven talento de la joyería mexicana”, y gracias al patrocinio de Peñoles y una firma austriaca de piedras de color, realizó un espectacular desfile en Expo Joya. “Recuerdo que al tiempo me invitaron al Salón del Diseño, y ahí vendí mi primer pieza que fue el anillo ganador de las Perlas de Tahití”.
En repetidas ocasiones, esta joven diseñadora comenta que para ella la inspiración no existe, que en lo único que cree es en el trabajo y la investigación. “A mi nunca me ha caído un costal de inspiración para hacer una joya. Yo creo en los recursos de investigación y es lo que trato de compartirles a mis estudiantes en donde imparto clases.
www.paulaguzman.com
Ingresó a trabajar en la industria joyera, siendo de las primeras creativas en diseñar para firmas productoras de oro. “Creé piezas que se vendieron en Italia, Hong Kong y Turquía, por ejemplo, con un diseño hecho a la realidad de cada país”. Después de algunos años, decidió dejar la industria joyera y emprender sus proyectos propios. “La realidad es que me cansé de tratar de educar a la gente, porque muchos sólo ven el precio del oro y no el valor agregado de una joya a través del diseño”.
Once Upon A Time… Rapunzel
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Diseño Incluyente
La diseñadora Victoria Saja, propone una museografía adaptada para los discapacitados visuales
Por Daniela Nava ¿Cómo puede alguien con una discapacidad visual disfrutar y ser partícipe en eventos de carácter cultural? Es la pregunta que abordó la mexicana Victoria Saja en su tesis para titularse como licenciada en Diseño de Información Visual, por la Universidad de las Américas Puebla (UDLAP). Preocupada por la falta de instalaciones de promoción cultural que incluyeran y consideraran las necesidades de personas invidentes, la joven se dio a la tarea de desarrollar la exposición “Museografía alternativa para discapacitados visuales”, la cual fue exhibida en las Galerías de la Casa del Caballero Águila en la ciudad de Cholula, Puebla. Para esta exposición, que consistió de una representación de la obra de la japonesa Yayoi Kusama, la diseñadora adaptó el espacio de presentación para poder brindarle al asistente con dificultades visuales una experiencia interactiva en la que podía participar de manera independiente y más natural.
Para poder lograr un proyecto sólido en el que realmente se tomara en cuenta la manera de percibir de personas normo visuales, Victoria propuso desarrollar su proyecto a través de una metodología de siete pasos: investigación, estudio del usuario, tema, espacio, realización del material, montaje y evaluación. De acuerdo con la creativa, esto permitió que como diseñadora de información pudiera encargarse “de convertir la educación que el museo proporciona en un proceso interactivo”. Saja, quién actualmente trabaja de manera independiente, busca promover su museografía en diferentes plataformas a lo largo de México con el objetivo central de que tanto diseñadores como artistas plásticos busquen incluir en sus creaciones y diseños a personas con capacidades diferentes. victoriasaja@gmail.com
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Información en metodología Braille
Conocimiento a través del sentido del tacto
La experiencia fomenta el uso del resto de los sentidos
Tocar, usar y sentir, es parte de la propuesta
Victoria Saja busca promover museografía para débiles visuales
El museo se basa en un proceso interactivo
La exposición se montó en las galerías de la Casa del Caballero Águila, en Cholula
El olfato permite también el conocimiento y aprendizaje
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Tiene su MODO Dedicado al diseño y la comunicación, el MODO resguarda
Bruno Newman
parte de la evolución creativa en los recientes doscientos años Por Alfredo Robles
Con un acervo de más de 30 mil objetos de 1810 a la fecha, que muestra maravillosos ejemplos del diseño del empaque, el envase, la publicidad y las artes gráficas, se abrió en la Ciudad de México el Museo del Objeto del Objeto (MODO).
Un anuncio de cerveza de 1890, empaques producidos en Japón, frascos de refrescos que hoy ya no existen, polveras de los años veinte, envases de lámina para chicles y prensas planas de hace 100 años, son algunos de los ejemplos de lo que resguarda este nuevo museo. En voz de su fundador, Bruno Newman, el MODO pretende generar proyectos educativos, de investigación y de difusión a partir de sus colecciones y fomentar la producción y la cultura del diseño, así como el análisis y profundización en los alcances de la comunicación, con especial énfasis en las nuevas tecnologías.
Este nuevo espacio, ubicado en la Colonia Roma de la capital del país, permite con sus miles de piezas entender el fenómeno del diseño y la comunicación a través de las marcas, su promoción y la evolución de éstas a lo largo de los años y cómo influyeron e influyen en la vida cotidiana. Desde hace más de 40 años, Bruno Newman comenzó a reunir y a coleccionar una serie de Objetos que le resultaron bellos unos, originales otros e interesantes todos. Artefactos singulares cuyo destino era ser perecederos como empaques, envases, exhibidores, anuncios, tipos y otras piezas relacionadas con las artes gráficas, hoy forman parte de las Colecciones Centrales del MODO. Para muchos, los objetos de estas colecciones, serán curiosos, para otros, la vuelta a un pasado nostálgico lleno de recuerdos y para otros, un descubrimiento y un estímulo estético e intelectual. Un elemento que añade un gran valor al museo es su
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sede: una casa construida en 1906 y uno de los ocho inmuebles clasificados como testimonio del estilo Art Nouveau que aún se conservan en la Ciudad de México. Además de las exposiciones, el MODO ofrecerá talleres, seminarios, conferencias, y actividades que promuevan expresiones de calidad en sus ámbitos de interés. Buscará también producir y exhibir documentales, videos, y todo tipo de manifestaciones relacionadas con el diseño y la comunicación. El Museo del Objeto del Objeto cuenta con un brazo editorial: La Gunilla Editores, cuya misión está orientada a investigar y difundir los aspectos más relevantes que giran en torno a la comunicación y el diseño, así como a manifestaciones artísticas relacionadas con estas materias. A la fecha, la editorial ha editado ocho libros de vanguardia que expresan elocuentemente los alcances de este nuevo centro de cultura. Cuatro de ellos, Mexténcil, Calcomanías, Black Book México y Arte Urbe, abordan el tema del graffiti en nuestro país como fenómeno de comunicación urbana. Otros dos, Recorrido con Recordaciones y Encuentros con Conocidos, visitan diferentes partes de la ciudad y del país inventariando hallazgos. Los dos últimos, El Objeto Insólito, o Solito y Una Gruesa de Colecciones, rinden homenaje al coleccionismo.
Sala de exhibición con impresos
Otro atractivo del MODO es La Tienda, una plataforma donde diseñadores, prioritariamente mexicanos, pueden distribuir sus creaciones y llegar a un público interesado en el diseño de calidad. Cuenta también con la Línea MODO, la cual está integrada por una serie de productos diseñados teniendo como inspiración los objetos de las colecciones del Museo, así como de sus exposiciones temporales. www.elmodo.mx
MODO ofrece un pasaje sobre la publicidad desde 1810.
Espacio de exposición de envases y empaques farmacéuticos
MODO ofrece también conferencias, talleres y seminarios
Antiguas máquinas mecánicas de escribir
Botellas y diversos envases dan un recorrido histórico por la gráfica
El museo resguarda también diversas tiras cómicas
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Estilos de vida
Como caído del cielo
El delicioso aroma del grano de café, combina armoniosamente con el diseño más sorprendente en Cielito Querido Café Información: Priscila Williams
Un lugar que sorprende. Alejado del clásico concepto de café-restaurante, Cielito Querido Café se centra en ofrecer nuevas experiencias para los amantes de esta deliciosa bebida. Localizado en la Ciudad de México, este nuevo concepto de cafetería nació a partir de la mente de Ignacio Cadena y Héctor Esrawe. La temática de Cielito se basó en la historia mexicana, en el juego, la alegría cromática, el lenguaje de símbolos y el grafismo ilustrado de finales del siglo xix y principios del xx. El oficio de los rotulistas latinoamericanos en conjunto con la gráfica de los productos de las antiguas tiendas de ultramarinos y tiendas de raya, generan un lenguaje gráfico propio de una cultura rica en su historia, pero siempre dispuesta a reinventarse y a reconquistar al mercado de manera poética, nostálgica, alegre, dinámica y altamente diferenciada. Su nombre proviene de la música popular mexicana, inspirado en la canción “Cielito Lindo” escrita en 1882 por el compositor mexicano Quirino Mendoza y Cortéz, forma un juego de palabras con otra: “México Lindo y Querido”, ésta yuxtaposición de ideas hace referencia al espíritu lúdico del lenguaje latinoamericano.
El lugar es por demás acogedor. Sillas de madera, pisos con figuras geométricas en blanco y azul, tipografías que dictan dichos y refranes, enormes estantes, muebles coloridamente tapizados y cientos de elementos más que buscan reivindicar lo 100% mexicano y celebrar las raíces y los elementos de nuestro país. Café en grano, barra de alimentos, té, bocadillos y hasta souvenirs complementan su oferta. El trabajo de diseño e interiorismo estuvo encabezado por el reconocido despacho Esrawe Studio, que dirige el creativo Héctor Esrawe, junto a la colaboración de Ignacio Cadena. El trabajo se centró en rescatar el valor de la cultura popular latinoamericana, fusionándola con la gráfica de la colonia, el manejo tipográfico, la comunicación y la mercadotecnia estadounidense, junto al lenguaje coloquial de los mercados y tienditas. Así, Cielito Querido Café se convierte en un armonioso refugio que combina la historia y la cultura popular, con el placer de tomarse una riquísima tacita de café. www.cielitoquerido.com.mx
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editorial
“No existe ninguna diferencia cualitativa entre el artista y el artesano (…). Formamos una nueva corporación de artífices sin la distinción de clase que levanta una arrogante barrera entre artesano y artista”. Walter Gropius
Artesanos y Diseñadores
La artesanía, generalmente relacionada a las personas que realizan un producto u objeto de forma manual, ha sido muchas veces desdeñada por algunos sectores elitistas del diseño. Hay quienes por el contrario, consideran que las labores actuales de creación de proyectos, incluso de manera digital, son continuación de los oficios tradicionales en los que la estética tiene también un papel destacado.
Ejemplos de cómo el diseño y la artesanía pueden mezclarse en trabajos de alto valor agregado (y destacable belleza), son los muebles basados en la cultura huichola realizados por estudiantes del ITESM Campus Guadalajara, y lo tenis Converse decorados por algunos artesanos de Tonalá, Jalisco, reseñados en esta edición. Mundialmente famosa y reconocida, la artesanía mexicana está llena de color, de simbolismos y de representaciones mitológicas que poco hemos sabido explotar, fomentar y reinventar. Mientras muchos diseñadores del extranjero utilizan (e investigan) sobre los atributos gráficos de nuestra milenaria cultura, nosotros en ocasiones no valoramos la riqueza y fuente de inspiración que existe en el trabajo artesanal. En la actualidad, el diseño es un negocio, eso queda claro; pero la artesanía también lo es. ¿Por qué no fomentar relaciones productivas conjuntas? ¿Por qué no desarrollar más centros de investigación, diseño e innovación que impulsen a los artesanos nacionales? Huicholes, Purépechas, Nahuas, Otomíes, Coras, Tarahumaras, y decenas de pueblos más que podrían beneficiarse y desarrollarse a través de proyectos vinculados que integren su rica visión creativa con el diseño contemporáneo. Es el momento de recobrar y fomentar la simbología de las culturas indígenas mexicanas. Sacar provecho de nuestra creatividad y sumarle la rica tradición del trabajo manual. Así el arte y el diseño, se pueden orientar a la revalorización, aplicación y difusión de nuestra cultura e identidad nacional. D.I. Luis Enrique Reynoso Vilches Editor en jefe