DISEŇO GRÁFICO //
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DISEŇO GRÁFICO
Por Luz Elena Sanz
El evento de diseño multidisciplinario más grande de México, anunció la lista completa de ponentes para su edición 2012. Destaca la presencia del despacho sueco Snask, el diseñador industrial español Carlos Tiscar; la ilustradora brasileña Anna Anjos; el creativo coreano Sean Yoo; y el tipógrafo chileno Daniel Hernández. Por México estarán presentes el diseñador grafico Javier Henríquez, las diseñadoras de moda Paulina Castro; el director de arte Adrián Álvarez; la diseñadora de joyería Tanya Moss, el ilustrador Christian Michel, la empresa de animación Kaxan Media Group y el director de arte Dan Padilla.
Designfest 2012 18 al 20 de octubre Teatro Diana GUADALAJARA, JALISCO www. design-fest.com
Icograda Design Week
Design Thinkers
15 al 21 octubre / SARAWAK, MALASIA
8 y 9 noviembre. / TORONTO, CANADÁ
Bajo el lema Rediscovery, proporcionará una plataforma para compartir, colaborar y ser fuente de inspiración para diseñadores locales e internacionales en una atmósfera impregnada de las culturas y tradiciones indígenas de Sarawak. Se tratarán sobre todo los temas de integración de estrategias de diseño en el desarrollo de prácticas sostenibles y la innovación social en las industrias artesanales.
Edición 13 de esta conferencia anual que reúne a comunicadores líderes en la industria visual, quienes discutirán cómo el diseño construye las relaciones entre las organizaciones, productos y las personas. Desde la marca sostenible, el diseño interactivo editorial y el cine, los visionarios de la industria mostrarán cómo el diseño gráfico se ha adaptado a la nueva diversidad en comunicación.
http://sarawak.icograda.org
www.designthinkers.com
Inside Job
Projecting Design 2012: Cumulus Conference
10 noviembre / HOUSTON, TX.
14 al 17 noviembre. / SANTIAGO, CHILE Organizado por AIGA (The Professional Association for Design) en Houston, Inside Job es un evento de conferencias que está dirigida a ayudar a los diseñadores a afrontar con éxito las exigencias del mundo del diseño corporativo sin perder su ventaja creativa. En el evento participarán Tim Hale, director creativo de Fossil Inc, Jennifer Miller, consultora principal de Cohen Miller Consulting; así como el autor y diseñador Stefan Mumaw. http://houston.aiga.org/
Organizado por Cumulus, Aalto University y Duoc UC, Projecting Design 2012 es una cumbre internacional del diseño y comunicación. La conferencia ofrecerá una oportunidad única para construir un intercambio de experiencias y visiones del presente y futuro, que permitirá a los asistentes un mapa de las calificaciones profesionales clave de las nuevas generaciones, además explorará los desafíos torno a temas principales, a través del análisis de trabajos de investigación académicos, experiencias relevantes internacionales y regionales. www.cumulusassociation.org
CONTENIDO35 REDiseňo // SEPTIEMBRE-OCTUBRE 2012
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África Mía Ciudad del cabo prepara una brillante fiesta de diseño con su designación como Capital Mundial del Diseño 2014.
Colorida geometría
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Cristalizan el futuro
Hogar Sustentable Green Home Design 2012 mostrará un espacio para combinar el diseño con las ultimas tendencias de creación de edificios y casas sustentables.
Swarovski, el Museo del Diseño de Londres, y nuevos diseñadores colaboran para examinar el futuro de la memoria en la era digital.
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luz saludable
28 muebles orgánicos
25 evocación oriental 26 río en el desierto 11 moda para leer 16 estilo inglés REDiseño es una publicación bimestral. Número 35, septiembre de 2012. Todos los derechos reservados. REDiseño es una marca registrada ante el IMPI con el folio Número 960008. Registro ISSN No. 1870-6894. Se permite la reproducción total o parcial citando la fuente / OFICINAS: Av. Enrique Díaz de León 21, Colonia Villaseñor, CP 44600, Guadalajara, Jalisco, México. Tels +52 (33) 1204-0262. Tiraje: 4 mil ejemplares impresos en Guadalajara, Jalisco, México. / WWW.REDISEÑO.COM
34 La podrán pedalear PUBLISHER: LMKT. Alejandra Reynoso Tirado EDITOR EN JEFE: DI. Luis E. Reynoso Vilches REPORTAJES: Guillermo Arroyo, Israel Reynoso T., Daniela Nava, Rosaura Mc.Gregor, Alfredo Robles, Luz Elena Sanz, Luis Roca, Tony Luna, Gonzalo Villalón / DISEÑO: Anais Sutto y Victhor Chávez / Comercialización: Carmen Salcedo / Administración: Rocío Tirado / Atención a clientes: Rosa Ramírez / Producción Web: Comflyer / Jefe de impresión: Héctor Torres / Circulación: Israel Reynoso / Envíos: Luz López
CONSEJO EDITORIAL: Alejandra Aceves Luis Enrique Bolívar Julio Cesar Chávez Espino Ricardo Duarte Méndez Carlos Garnier Ortiz Ricardo Gómez Quiñones Roberto Iñiguez Flores
Amparo Jiménez de Taylor Florencia Leaño Covarrubias Luis Adolfo López Amaya Edgardo López Martínez Mario A. Orozco Abundis Gabriel Orozco Grover Alejandro Rodríguez Alvídrez
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Confeccionan su negocio 17 diseñadores mexicanos se presentaron de manera conjunta en la plataforma comercial de la exposición Intermoda.
40 perú: marca país 42 creatividad andina
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Latin Style Las tipografías del chileno Daniel Hernández, figuran en el mercado internacional y ganan los lugares de honor en sitios especializados como myfonts.
50 maestros de la forma
45 con mucha pila
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Snask La audacia y genialidad son los principales componentes de esta agencia nórdica de diseño, branding y cine.
56 del editor
12 Anna Anjos
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YOUNG TALENT
Colorida geometría amoATO presentó su línea de muebles Tessella, inspirada en las formas geométricas del origami y las teselaciones.
Constantine Mesa de centro dedicada a Evgenii Konstantinovitch Fiodorov.
Fotos: Pedro Luján V.
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Tessella es la primera colección de mobiliario diseñada por amoATO Studio, la cual está inspirada en el trabajo en papel que el estudio ha realizado a lo largo de su carrera. Es una colección que presenta muebles de estilo contemporáneo en donde la mezcla de materiales y acabados juega un papel importante. Para la realización de los muebles, el despacho utilizó una gama de color muy distintiva que incluyó tres colores contrastantes: verde, azul y amarillo; los cuales se combinaron con tonalidades de gris, con el uso de maderas macizas de nogal y maple y con textiles que van de la lana al microlino. Así, cada pieza incluye un pequeño detalle en una de las patas, el cual está hecho por capas de papel prensado, que es sello de la colección y del trabajo del estudio con este material. La inspiración principal fueron las teselaciones, que son un patrón de figuras que cubre completamente una superficie plana, sin dejar huecos ni superponer figuras. Las teselaciones triangulares que se forman en las superficies de los muebles con cambios en los planos y
Johannes El nombre de la silla hace referencia a Johannes Kepler.
detalles geométricos en el uso de textiles, hacen alusión a los dobleces del papel característicos del origami y son la base del diseño de cada una de las piezas. En esta colección se buscó mantener la cualidad de modularidad, lo que permite personalizar las piezas de acuerdo a las necesidades de los clientes. Por ejemplo, el librero y la consola son un sistema modular que parten de la misma base y se pueden adaptar o configurar a cada usuario. Cada persona puede seleccionar el número de módulos para así tener una consola o un librero; además pueden escoger el tipo de módulo que más les agrade. Las opciones que hay son: módulo con cajoneras, con puerta de madera o con puerta de tela, abierto con repisas, ya sea de 60 ó 120 centímetros de largo. También estos módulos pueden
YOUNG TALENT //
Voronoi Sillón dedicado a Georgi Voronói. Hecho de madera maciza maple/nogal, lana, algodón, lino, y papel en el detalle de la pata.
Cornelis Consola de madera maciza, cuyo nombre recuerda a Maurits Cornelis Escher.
Maurits Librero creado en honor a Maurits Cornelis Escher.
Thiessen Hace referencia a Alfred H. Thiessen. El escritorio está hecho de madera maciza maple/nogal, triplay, laca, y papel en el detalle en pata.
El dato personalizarse en cuestión de acabados. Así, se obtienen muebles de acuerdo a las necesidades y estilo de cada usuario. Tessella es el resultado de la inquietud de amoATO Studio por explorar nuevos territorios del diseño, en donde parte del conocimiento y experiencia que el despacho ha adquirido se traduce en piezas que reflejan su pasión por el trabajo en papel. Cada pieza tiene un nombre especial que rinde tributo a científicos o estudiosos que dedicaron parte de su tiempo a explorar las teselaciones y sus variantes. R>D
amoATO surge en el 2011. El nombre del despacho nació a partir de la canción infantil, que hace la pregunta ¿Qué quiere usted?, como reflejo de la satisfacción que buscan dar a sus clientes. Formado por Melissa Falcón, Raymundo Botello y Saraí Noguez, el colectivo desarrolla proyectos de diseño industrial, empaque, conceptualización, mobiliario, ilustración. imagen corporativa, branding, así como interiorismo residencial y comercial, instalación artística y escaparate. www.amoatostudio.com
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EVENTOS
África Mía Por: Tony Luna
ciudad del cabo prepara una brillante fiESta de diseño con su designación como capital mundial del diseño 2014.
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Siendo la metrópoli más antigua de Sudáfrica, con una bellísima geografía y agradable clima, Ciudad de Cabo es uno de los destinos turísticos de mayor pulso en el mundo. Su moderno puerto marítimo, la imponente cadena montañosa peninsular que se extiende sobre el Océano Atlántico, la conjunción natural de flora y sus exóticos acantilados verticales, se han vuelto el centro de atracción de centenares de miles de visitantes. La ciudad es la capital de la Provincia Occidental del Cabo, así como la capital legislativa de Sudáfrica, donde se ubican tanto el Parlamento Nacional como muchas otras sedes gubernamentales. Su territorio, de tres veces la extensión de Nueva York, alberga a casi 4 millones de habitantes. En 2010, la ciudad fue anfitriona del primer Mundial de Fútbol en el continente africano, con lo cual se equipó de una infraestructura de clase mundial, y ha migrado su entorno a un estilo de vida más cosmopolita. Con el más alto nivel de vida de todas las ciudades de Sudáfrica, Ciudad del Cabo es la puerta de entrada al continente negro, rico en su patrimonio histórico, talento creativo e innovador.
Capital del Diseño Desde hace algunos años, Ciudad del Cabo ha manifestado un férreo interés por obtener la designación como Capital Mundial del Diseño, máximo reconocimiento en su tipo que otorga bianualmente el Consejo Internacional de Sociedades de Diseño Industrial (ICSID). La designación la obtienen las ciudades en función de sus compromiso de utilizar al diseño como una herramienta eficaz para el desarrollo social, cultural y económico. Esta distinción la han logrado Turín, Italia, en 2008; Seúl, Corea, en 2010; y Helsinki, Finlandia, este 2012. La búsqueda de Ciudad del Cabo obtuvo frutos el 26 de octubre de 2011, en el marco de la clausura del Congreso Internacional de la Alianza de Diseño, en Taipei. Ahí se hizo pública su designación como Capital Mundial de Diseño 2014 (WDC). El entonces Presidente de ICSID, y miembro de la Comisión de Selección, el Dr. Mark Breitenberg, declaró: Es alentador ver cómo Ciudad del Cabo planea utilizar el diseño como una herramienta para resolver problemas urbanos. Estoy seguro de que este nuevo miembro de la familia de WDC demostrará la mundo cómo el diseño se está expandiendo en aplicación e influencia.
EVENTOS //
ciudad del cabo es una ciudad creciente y vibrante, donde el diseño ha sido durante décadas un factor importante en su deseo de construir una ciudad abierta. Patricia de lille alcalde ejecutivo de ciudad del cabo.
Ciudad del Cabo se impuso a otras 56 localidades, de 24 países, que buscaban este mismo nombramiento. Entre los candidatos finales se encontraban la fastuosa provincia española de Bilbao y la mercantil ciudad irlandesa de Dublín. La decisión de la Comisión de Selección no fue fácil, por la alta calidad de las ofertas que fueron consideradas entre los candidatos finales”, agregó el Dr. Breitenberg. “La promesa del enfoque de Ciudad del Cabo para ampliar el ámbito de la Capital Mundial del Diseño, y dar forma al futuro de este programa, fueron los factores decisivos que condujeron a la designación de la ciudad para 2014. Para Ciudad del Cabo, su designación viene exactamente dos décadas después de alcanzar la democracia. Patricia de Lille, Alcalde Ejecutivo de la ciudad, declaró tras el anuncio: 2014, será momento en que nuestro pasado y futuro se reunirán en Ciudad del Cabo, en contemplación y acción. Es un reflejo de cómo la ciudad se ha reinventado a sí misma social y físicamente. La visión estratégica de Ciudad del Cabo se basa en el diseño socialmente responsable, sustentable e innovador. Live Design.
Transform Life es el eslogan de la campaña donde se desprende toda la estrategia de comunicación para promover al diseño como factor de responsabilidad e igualdad social, principalmente en sus suburbios. Este plan fomenta la labor del diseño para el equilibrio social, en las áreas de Reconstrucción de Ciudad del Cabo con la cohesión de la comunidad; Mayor impulso a la infraestructura, y Reposicionar una nueva economía del conocimiento. El pasado viernes 29 de junio de 2012, se signó el acuerdo oficial entre Ciudad del Cabo y el Consejo Internacional de Sociedades de Diseño Industrial (ICSID), mismo que se realizó en el Centro de Diseño Freeworld. El evento fue parte de las celebraciones del Día Mundial del Diseño Industrial y el 55 aniversario de la fundación de ICSID. Además de la firma del documento, se realizó la presentación del logotipo que dará identidad a Ciudad del Cabo, que emplea el color amarillo como una referencia del optimismo y la esperanza, los ideales para el futuro urbano de la metrópoli. Con ellos, Ciudad del Cabo alista su brillante participación como la cuarta Capital Mundial de Diseño. R>D
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DISEŇO GRÁFICO
LIBROS //
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MODA PARA
HISTORIA DE LA MODA. DESDE EGIPTO HASTA NUESTROS DÍAS. Bronwyn Cosgrave
Libros que confeccionarán tu acervo en el apasionante mundo del vestir.
De los schenti utilizados por los egipcios en el año 3000 a.deC. hasta un traje de Armani en la actualidad, la vestimenta ha estado estrechamente relacionada a lo largo de los siglos con la posición social, profesión, cultura o el clima. Este libro analiza el recorrido de cinco mil años del traje, desde sus inicios en Egipto hasta el imperio global en nuestro siglo.
LEER www.ggili.com.mx/
MERCHANDISING DE MODA Virginia Grose Este libro ofrece una visión panorámica de la industria mediante un repaso pormenorizado de cada una de las etapas que intervienen en el negocio de la moda: desde la conceptualización de ideas y tendencias, continuando con el desarrollo de producto, la estrategia de venta al detalle o la cadena de suministro, hasta llegar a la promoción, las ventas y el análisis del comportamiento del cliente.
PRINCIPIOS DE GESTIÓN EN EMPRESAS DE MODA Susan Dillon Facilita la iniciación en el negocio de la moda a través del examen de los procesos, funciones y objetivos que definen este sector. Analiza conceptos como la predicción de tendencias, la comunicación y la tecnología aplicadas a la moda, las compras, el aprovisionamiento y las cadenas de abastecimiento, el marketing o las iniciativas empresariales.
PATTERN MAGIC 2. LA MAGIA DEL PATRONAJE Tomoko Nakamichi Uno de los libros de culto del patronaje contemporáneo lanzó su segunda parte: Pattern Magic 2. La magia del patronaje recopila una treintena de patrones que permiten diseñar prendas esculturales y vanguardistas, gracias a la desbordante imaginación de Tomoko Nakamichi, autora también del primer volumen. La autora utiliza recursos como el trampantojo, la papiroflexia o la geometría para crear prendas de siluetas imposibles.
Lápiz,
forma y
color Por: Tony Luna
el mágico universo creativo de la ilustradora brasileña anna anjos.
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Inundada por la energía festiva, alegre y tropical de la tierra que la vio nacer, la ilustradora carioca Anna Anjos ha hecho que su gráfica tome importancia y reconocimiento de alcance internacional. Sus destacados personajes, que han formado ya un estilo reconocible por su fisionomía y rica proyección en una llamativa paleta de colores, lo mismo aparecen en campañas comerciales, libros, revistas, pósters, envases, textiles, y hasta carcazas para iPod y otros gadgets. La definición de su estilo, sus recientes proyectos y las recomendaciones prácticas para la nuevas generaciones que desean hacer de la ilustración su empresa, son parte de los temas que la creativa brasileña compartió en la siguiente entrevista para la revista REDiseño.
GRÁFICO //
Anna, ¿cómo te iniciaste en el mundo del dibujo? Dibujo desde que tengo memoria. Desde entonces habito este mundo mágico de lápiz, colores y tintas. Mis padres, al darse cuenta que deseaba expresarme a través del dibujo, fomentaron en mi esta habilidad. Cuando me gradué y comencé en el mundo laboral, tenía unas ganas tremendas de dibujar; fue entonces cuando empecé a focalizar a la ilustración como mi medio de vida. En 2008, comencé a trabajar en una productora donde colaboraba como colorista del guión gráfico. A partir de ese momento, inicié a tener mayor contacto con un entorno más artístico. A mediados de ese mismo año, decidí salirme de la empresa e iniciar mi camino independiente como freelance. Fueron meses difíciles, pues el mercado no conocía mi trabajo; pero eso no me desmotivó, al contrario, fue un desafío profesional que me impulsó a seguir adelante. ¿Cómo construiste tu estilo, tu gráfica? Fue un proceso gradual, que no sucedió de la noche a la mañana. Buscaba mi estilo mientras estudiaba Diseño Gráfico en la Universidad de Bellas Artes, en Sao Paulo. Indagaba en todo tipo de referencias, los portafolios de otros ilustradores, etc. Lo que nunca dejé de hacer fue dibujar, para poner en papel lo que estaba pensando. Tener una libreta a la mano ayuda mucho para registrar las ideas gráficas que pueden ser útiles en el futuro. En lo personal, me gusta mucho la alegría y el mundo surrealista de Dalí, Miró, Bosch y Tarsila, principalmente su paleta cálida y tropical. La música brasileña, principalmente la música tropical de los años 60 y 70, estuvo siempre presente en mi infancia. En 2009 fui a Argel, la capital de Argelia en el norte de África. Al hacer contacto con la cultura local estaba fascinada por las formas geométricas y los colores brillantes de los textiles y objetos domésticos. Mi universo artístico se expandió de manera exponencial. Cuando regresé a Brasil, decidí crear un proyecto personal, el Afrotropicalismo, que era precisamente la unión de referencias tropicales y la cultura africana. El desarrollo de Afrotropicalismo se basa en un universo habitado por seres mitológicos.
tener una libreta a la mano ayuda mucho para registrar ideas gráficas que pueden ser útiles en el futuro. anna anjos
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BRANDING
anna anjos forma parte de los diseñadores invitados a la sexta edición de DesignFest 2012. La ilustradora dictará la conferencia Universo de Colores, e impartirá el workshop Creando Mundos.
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Dibujo desde que tengo memoria. Desde entonces habito este mundo mágico de lápiz, colores y tintas. anna anjos
¿Cuáles son los principales características de tus creaciones? Trabajo como ilustrador freelance desde el año 2008, y desde ese momento he ofrecido mi trabajo al mercado de Brasil y el extranjero, con ilustraciones que poseen una fuerte carga lúdica. Al principio me preguntaban si yo era otro tipo de ilustradora, con un estilo distinto. Yo les contestaba que no, porque yo no quería que me vieran así. Sin embargo, poco a poco las agencias y los estudios me han estado contactando a causa de esto. Esta clara diferenciación de mi trabajo, más que una conquista financiera, fue una victoria para mí en sentido profesional. ¿Qué proyecto te ha dejado mayores satisfacciones? Me gusta mucho todo el trabajo de diseño editorial, sobre todo libros y revistas para niños, moda, y por supuesto la publicidad. En cada proyecto hay un poco de mí, de mi personalidad. Hoy, cuando veo un proyecto del pasado, noto una clara evolución técnica. No negaré que en ocasiones, cuando veo algunos de mis primeros proyectos, me provocan un poco de malestar (risas); pero entiendo que eso es parte del proceso de maduración y, a veces, puede ser muy agradable ver a través de los ojos del pasado y notar el progreso que hemos logrado a lo largo del camino. Uno de los proyectos más difundidos fue cuando en 2010 una agencia brasileña me invitó a crear las ilustraciones para los envases de huevos de pascua de Nestlé. Se imprimieron 15 mil latas de edición limitada para Brasil. Aunque fue un proyecto sólo para mi país, me dio una gran proyección internacional. Al año siguiente me invitaron a crear las ilustraciones para la campaña del Carnaval Multicultural de Recife, en Brasil; y recientemente, participé en la creación de algunas piezas de la campaña de otro Carnaval, esta vez para la Sal de Frutas ENO.
¿En qué proyecto trabajas actualmente? Paralelamente a mi trabajo comercial —cuya principal herramienta es digital—, también me he dedicado a la pintura en acrílico, algo más manual, más orgánico. Por lo general, los primeros ilustradores explotan todo el universo de los materiales convencionales y luego traducen su trabajo en el medio digital. En mi caso ocurrió lo contrario, lo cual es curioso. Es una manera interesante de tener un contacto más cercano con el público, y de obtener por mi obra ingresos adicionales. También estoy estudiando el modelado 3D. Comencé a sentir la necesidad de poner mis personajes y mi universo en un ambiente más realista, por decirlo de cierto modo. Por supuesto, todavía tenemos algún tiempo para madurar el resultado de los personajes tridimensionales, pero ya he realizado algunos proyectos. En un futuro tengo la intención de ofrecer al mercado publicitario mi universo visual también en 3D. ¿Qué recomendación ofrecerías a las nuevas generaciones que desean dedicarse a la ilustración? ¿Realmente te gusta lo que haces? Esta es la primera pregunta que deben plantearse. Amar lo que haces, en mi opinión, es fundamental. No es que sea lo único, pero si la respuesta es “no”, o dudan al responder, entonces tendrán que revisar dónde están parados. Es cierto que a nadie le va a gustar al cien por ciento lo que hace; la profesión no es como una receta culinaria que al mezclar los ingredientes se obtendrán los mismo resultados. Segundo, no tener miedo de poner su personalidad en sus proyectos. Si se es independiente, entonces uno es su propia marca. Tu identidad debe estar allí de alguna manera. Esto se logra con sus propias referencias, viajes, la retroalimentación con otros profesionales; la inspiración no cae del cielo, es fruto del bagaje cultural adquirido durante la vida. Finalmente, otro consejo importante: no permitan que la principal motivación profesional que los guíe sea el dinero. Esto debe venir como resultado del trabajo. Uno debe saber lo importante que es para el mercado, no dejar que el mercado lo diga por nosotros. R>D www.annaanjos.com
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LA SILLA
Estilo inglés El afamado diseñador Tom Dixon produjo Fan, una moderna reinterpretación de la mítica silla inglesa Windsor.
Fan nació como una versión moderna de la clásica silla Windsor. Un arquetipo británico, es así reinventado con un silueta más contemporánea. Las formas y líneas del mobiliario le permiten adaptarse a cualquier espacio. El proceso de fabricación incluye piezas de madera cuidadosamente moldeadas y estilizadas que van dando forma a una silueta a base de rejillas. La silla del creativo inglés está disponible en color natural, que le permite adaptarse a lugares más orgánicos y relajados. Para otro tipo de espacios, la madera se puede teñir en un llamativo color Indigo y un asiento de cuero en color negro. Fan mide112 centímetros de alto por 87.5 de ancho. Se puede adquirir directamente en el sitio web de Dixon, a un precio promedio de mil 200 euros. R>D
www.tomdixon.net
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Swarovski junto al Museo del DiseĂąo de Londres, colaboran con una nueva generaciĂłn de diseĂąadores para examinar el futuro de la memoria en la era digital.
INDUSTRIAL //
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Cristalizan
el futuro >
Con el fin de conocer la visión de afamados diseñadores sobre el final de la era analógica, y cómo la relación de los humanos con los objetos está cambiado a partir de una nueva etapa digital, el Museo del Diseño de Londres y la firma internacional de productos de cristal Swarovsky, presentan desde el pasado 5 de septiembre la exposición Digital Crystal. La muestra dará a conocer nuevos diseños que han sido encargados a importantes creativos de fama internacional, así como piezas que han marcado un hito en la industria en el pasado. Los organizadores manifestaron que esta idea nació a partir de un análisis de cómo en el siglo XXI, la evolución del mundo del diseño ha sido alucinante. El ejercicio dará cuenta también de cómo la adaptación ha suplido a la tradición, y el cambio al que han tenido que adaptarse los diseñadores cuando en la actualidad, los consumidores marcan más rápidamente el final de su relación de lealtad con los objetos. Swarovski, como proveedor de cristal, fue pionera en tecnología de corte desde principios del silo XX y ha dominado la industria durante décadas. Ese sitio no fue sencillo, y la marca tuvo que adaptarse a los cambios y ampliar su negocio a las joyas, la moda y a la innovación tecnológica como agentes de cambios. Bajo el liderazgo de Nadja Swarovski, la empresa encargó a Ron Arad, Yves Béhar, Paul Cocksedge, Random Internacional, Semiconductor, Fredrikson Stallard, Troika, Anton Alvarez, Arik Levy, Philippe Malouin, Hye-Yeon Park, Hilda Hellström, Marcus Tremonto y Maarten Baas, todos ellos figuras del diseño de talla internacional, a conceptualizar, desarrollar y compartir sus obras más radicales. En total, los 14 creativos expondrán sus innovaciones hasta el próximo 13 de enero de 2013. Digital Crystal será prácticamente un Museo de Exhibición de Swarovski. Más allá de los eventos o ferias especializadas en los que continuamente participa la firma, este ejercicio promete ser un estudio riguroso del estado de la técnica de diseño y su legado consagrado por el tiempo; será, literalmente, una visión cristalizada de la era digital y el futuro. R>D
Atrás, izq. a der: Deyan Sudjic, del Design Museum; Anton Alvarez; Ian Stallard, de Fredrikson Stallard; Philippe Malouin; y Hilda Hellstrom. Frente, izq. a der: Conny Freyer, de Troika; Patrik Fredrikson, de Fredrikson Stallard; Florian Ortkrass, de Random International; Paul Cocksedge; Nadja Swarovski; y Ron Arad / Foto: Felix Kunze
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INDUSTRIAL
Crystallize Creada originalmente en el 2005 por el inglés Paul Cocksedge, esta lámpara utiliza un solo cristal montado sobre un bastidor tubular de vidrio para canalizar un láser, para de esta manera, puede crear un efecto único. Los rayos de luz en cascada de cada cristal marcan en efecto luminoso de gran belleza. Foto: Andrea Ferrari
Lolita Esta lámpara es ya todo un clásico de la iluminación. Fue creada en 2004 por el diseñador Ron Arad, para Swarovski Crystal Palace. Con sus finísimos cristales y las luces LED, en un principio transmitía mensajes de texto SMS. Hoy ha sido completamente rediseñada para la exposición de manera que el teléfono móvil tradicional, así como el teléfono inteligente, puedan interactuar con la instalación para que también pueda recibir tweets. Foto: Carlo Lavotri
INDUSTRIAL //
Amplify
Pandora
Esta luminaria de Yves Behar, lanzada en el 2010, sorprende al emitir un resplandor suave como si fuera una “linterna de papel". Con el objetivo de crear un efecto cristalino partiendo de un cristal, el candelabro utiliza la refracción de la luz produciendo un efecto mágico con materiales mínimos.
El dúo de diseñadores Fredrikson Stallard vuelve a escena con su mítica lámpara colgante Pandora, presentada en el 2007. Para esta ocasión, su pieza tiene un secreto añadido: se mueve de arriba hacia abajo, generando una nueva explosión de luz y cristal, antes de regresar a su forma y posición original. Foto: Leo Torri
Hard Coded Memory
Unfamiliar Mass La diseñadora Hye- yeon Park, ex residente del Museo del Diseño de Londres, produjo un anillo de cristal que llevó el material a sus límites en términos de tamaño. El anillo de cristal de 30 centímetros se abre revelando en su interior un cristal con forma de oso polar.
El estudio Troika se basó en la fotografía, el cine y el cuaderno de notas como punto de partida, en los tiempos en que éstos objetos eran los únicos registros de la memoria. Hoy en día internet es nuestro banco de memoria y la cámara digital nos permite tomar imágenes sin fin. Esta instalación proyecta una fotografía a través de una lente de Swarovski para reproducir una imagen borrosa de una fotografía original.
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DISEŇO LA LÁMPARA GRÁFICO
LUZ SALUDABLE Las frutas fueron la fuente de inspiración de esta deliciosa lámpara de mesa.
Inspirado en las formas y esencia natural de las frutas, el diseñador japonés Hisakazu Shimizu, del despacho creativo S&O Design, ideó esta atractiva lámpara de mesa que fue presentada por primera vez en la exhibición Fruits, en la Galeria Vivid de Rótterdam, Holanda. Los colores amarillo, naranja, rosa y azul, en tonos pastel y muy delicados, hacen remembranza de algunos deliciosos alimentos como la
naranja, el plátano o la toronja. Ideal para colocarse sobre una mesa o el comedor principal, incluye una pequeña base de madera, que le otorga un sentido más natural y hogareño. La lámpara forma parte de una completa colección, inspirada en las frutas, que incluye también otros objetos de decoración y utensilios como relojes o vajillas. R>D
www.sandodesign.com
Fotos: Yoshie Shirane
LA LÁMAPRA //
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Evocación oriental La luminaria Pingxi, del español Hugo Tejada, hace un homenaje a los tradicionales faroles asiáticos.
Pingxi es una colección de lámparas de inspiración oriental y fabricada en Artecoon, material que se comporta como si fuese una piel artificial adaptándose a cualquier tipo de estructura. La colección está inspirada en faroles orientales, y su nombre hace referencia a un pequeño pueblo de Taiwan donde se celebra el festival más famoso de faroles. Pingxi se puede fabricar en una variada selección de colores y medidas, además se completa con aplicaciones de techo y de piso, por lo que es adecuada para un sinfín de grandes instalaciones, espacios o proyectos de decoración. Esta luminaria es fruto del ingenio del diseñador industrial Hugo Tejada, quien fundó su estudio en el año 2011 en la ciudad de Valencia, España. Ha colaborado con varias compañías internacionales de iluminación y mobiliario como Fambuena, Aribau, Mantra, Ole by FM, Maniluz, Anperbar y ACB Iluminación. Su estudio es un espacio creativo en donde las ideas y conceptos son creados usando una variedad de recursos sin olvidar la tradición y el contacto constante con los materiales. R>D
www.hugotejadadesign.com
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MOBILIARIO
Río en el
Desierto Atractivo a la vista, modular y placentero, el asiento River fluye y refresca todos los espacios.
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Cual ancho río que se abre camino entre llanuras dejando tras de sí formas curvas que parecen casi infinitas, el asiento modular River nació para refrescar los espacios públicos y las salas de espera. Creado por el despacho Bartoli Design (Carlo, Paolo y Anna Bartoli), este sistema de asientos tapizados permite múltiples configuraciones de tamaño y forma que lo hacen fácilmente adaptable a cualquier entorno. Mostrado por primera ocasión durante la pasada edición de la Feria del Mueble de Milán, cuenta con una base de aluminio, así como amplios respaldos que ofrecen comodidad a los usuarios. Hecho a partir de poliuretano moldeado, puede ser cubierto con tela o cuero. Para brindar un diseño siempre fluido y suave, River se puede acompañar de una atractiva mesa de centro circular, que completa todo el concepto orgánico de la pieza. Hecho para la firma italiana Segis, este innovador mueble inunda ya las principales galerías y tiendas departamentales de Europa. R>D
www.segis.it
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ECO DESIGN
Muebles orgánicos
Clorinda Amplio sillón de cartón en tres dimensiones, que con sus formas sinuosas brinda comodidad y mucho espacio al usuario. Ideal para espacios habitacionales, o inclusive pequeñas salas de espera. Su superficie está recubierta de una capa rígida y de una película impermeable que garantiza su mayor duración. Esta disponible en una amplia variedad de colores.
El cartón es la materia prima creativa en la nueva colección de mobiliario de Kube Design.
El cartón no sirve solamente para crear empaques, sino también para darle vida a una atractiva gama de muebles y mobiliario. Ese es el toque distintivo de la firma italiana Kube Design, que este año ha presentado su nueva colección. Contrario a lo que se puede pensar, el cartón tratado con técnicas innovadoras se convierte en un material altamente resistente. Además de ecológico, permite crear interesantes formas que llenan los espacios de un toque natural, moderno y funcional. Esta nueva colección fue creada por el diseñador Roberto Giacomucci.
Crisanto Pequeña mesa de centro que cuenta con un espacio que cumple la función de estantería o revistero. Uno de sus modelos está disponible con una cajon interior, que permite almacenar otros objetos. Está disponible en una amplia variedad de colores para adaptarse a cualquier entorno.
Biancaneve Atractiva lámpara de pie que en su parte superior incluye un portalámpara revestido de polipropileno. Incluye también una película impermeable para mejorar su calidad. Es muy ligera, por lo que se puede llevar con facilidad y adaptar a diversos espacios como oficinas o recamaras. www.kube-design.it
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DISEŇO GRÁFICO
ECO //
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r e l a b g a o H sustent n esig D n Home á un ree G r ar t s o m r 12 20 ar a combina p o i c a s p a s l e n o oc ñ e s i ias d c n el e d ten s a m i ult de n ó i c a de cre y casas s o i c i f i d e s. e l b a t susten
huella Casa una baja a n n o u c r n a n ció Cultiv estigació construc una inv mas de e te d is s s te s Lo pre a par fueron or la em , p o n s o te b n r ie de ca y donde ños rec en los a ldo Cibic A a d r a o z li p a re igida sa está . La ca hop, dir à s r k o r C o o w un Cibic Tommas nstruyó también ue se co q a r a o r b e n la s a o c ale . El em les natur ñamo, d ia á r c te e a d a m con Italia, hech poráneo ecido en r m a p te a n s o e c si d diseño ducción alidad ca de la pro n la actu ia e r , to o is m h a cáñ lave en la mento c fue un ele aís. de ese p agrícola
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ECO
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INDUSTRIAL
la producción de la bicicleta fue financiada a través del sitio kickstarter
INDUSTRIAL //
La podrán
pedalear
el estilo clásico y refinado de la faraday porteur cautivóa más de 300 personas, quienes aportaron cerca de 170 mil dólares para concretar su producción.
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Luego de haber capturado el gusto de ciclistas, entusiastas de la tecnología, diseñadores y expertos en la materia, la bicicleta Faraday Porteur podrá ser producida para su venta al público. Diseñada originalmente por la firma de innovación IDEO para el concurso Oregon Manifest, la bicicleta recibió elogios y fue ganadora del premio del público. Faraday tiene un motor eléctrico inteligente que asiste al ciclista en subidas complicadas, baterías de litio y luces LED estéticamente colocadas. Los cables eléctricos se ocultan en la propia estructura. Para darle un toque retro muy estilizado, puede incluir diferentes detalles en piel y madera, así como una canastilla desmontable que se puede colocar en el frente para transportar diferentes objetos. Inspirada en las bicicletas de los años 40 y 50, la Faraday Porteur tiene una estética de gama alta, actualizada con componentes modernos y de construcción técnica. Su nombre fue dado en honor a Michael Faraday, físico del siglo XIX que hizo notables avances e investigaciones para el desarrollo de los motores eléctricos que se usan hoy en día. La bicicleta costó cerca de 5 mil dólares en su prototipo. La manera de llevarla a producción fue a través de Kickstarter, un sitio de internet que promueve el financiamiento de proyectos creativos mediante donaciones en masa. Los patrocinadores, que pudieron donar desde 5 hasta 250 dólares, recibieron a cambio postales, camisetas, posters u otros detalles conmemorativos. Por otra parte, quienes aportaron 3,500 dólares a la causa, serán los primeros en recibir una bicicleta Faraday Porteur 2013. Los diseñadores tenían como meta reunir 100 mil dólares, cifra que fue rebasada al llegar a los 177 mil 269 dólares. La e-bike, de corte clásico, cuenta sistema de 11 velocidades, ofrece una asistencia al pedaleo de entre 10 y 15 minutos gracias a su motor eléctrico de 250 W. Las baterías pueden cargarse en sólo 45 minutos. R>D
www.faradaybikes.com
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MODA
Confeccionan su negocio
Bajo el cobijo del proyecto Designers Corner,17 diseñadores mexicanos se presentaron de manera conjunta en la plataforma comercial de la exposición intermoda.
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Fotos: Rafa Reynaga y Guillermina Fernández, para IM Intermoda
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Con el objetivo de impulsar y posicionar el talento creativo mexicano, y bajo el concepto de La Moda es un Negocio, la exposición Intermoda, en su edición número 57, presentó en Guadalajara su nuevo proyecto Designers Corner, enfocado en impulsar a los jóvenes talentos del diseño nacional que ya figuran en el ámbito de la moda, algunos de ellos incluso a nivel internacional. Designers Corner dio cabida a diseñadores que ya cuentan con una línea comercial o bien, pret-âporter y la capacidad de una producción importante para ofrecer su colección a tiendas departamentales o compradores de gran volumen, mencionó Mario Flores, presidente de Intermoda. Es importante dar cabida al diseño nacional, otorgar espacios comerciales y sobre todo, diferenciarse de plataformas donde el diseño sólo se concibe como en un aparador, cuando el objetivo es redondear el proceso del diseño para la captación de un mercado final.
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El apoyo económico por parte de Intermoda para los diseñadores, incluyó un stand en la feria que recibió a más de 20 mil compradores, facilidades de hospedaje y un curso inductivo sobre cómo participar en ferias y exposiciones de moda, para proporcionarles tips sobre las fortalezas y áreas de oportunidad al presentarse en un escaparate de captación masiva de compradores. La iniciativa por parte de Intermoda se reforzó al otorgar a este colectivo la Pasarela Noche IM, en donde en un evento de gala presentaron sus novedosas colecciones otoño invierno 2012-2013. El Colectivo Designers Corner estuvo compuesto por: Pink Magnolia, Alejandra Salcido, René Orozco, DAARMA, Stres, Aline Moreno, Chabe, Concepto T3, Julia y Renata, Trista, Malafacha, Punto, Carla Fernández, Alejandro Medina, Lydia Lavín, Alfredo Martínez y Alejandro Carlín. Durante la pasarela, los 17 diseñadores del Designers Corner presentaron cinco piezas cada uno, en donde desfilaron varios de los modelos diseñados exclusivamente para este espacio y que no habían sido mostrados en ninguna otra plataforma. Más de 80 piezas se dieron a conocer durante el desfile, dando muestra del talento de estos jóvenes creativos nacionales. R>D
Designers Corner by IM buscó que diseñadores mexicanos no solamente exhibieran sus piezas en pasarela, sino tuvieran también acceso a los compradores.
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BRANDING
Se ha convertido en una de las Marcas País más exitosas de Latinoamérica. La imagen gráfica, acompañada de una excelente estrategia de comunicación, ha sido multipremiada a nivel mundial.
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Como parte de una estrategia de promoción del Perú en el exterior, diversos actores industriales decidieron construir una Marca País que desarrollara los tres sectores comerciales con mayor exposición internacional: turismo, exportaciones y atracción de inversiones. En la actualidad, Perú se encuentra en un proceso de crecimiento de su economía, por lo que el desarrollo de la Marca País era un objetivo clave. El proyecto comenzó en julio de 2009. La tarea contemplaba la observación y análisis de los componentes de la identidad de un país multicultural y, por eso, un equipo interdisciplinario de más de 15 integrantes de la empresa FutureBrand se hizo cargo del desarrollo de la propuesta. El trabajo fue liderado por PromPerú (Comisión de Promoción del Perú para la Exportación y el Turismo).
BRANDING //
Perú en Londres Los juegos olímpicos de Londres 2012 congregaron a millones de personas de todo el mundo en la capital británica. Por esto, PromPerú aprovechó este evento deportivo para promocionar a su país con paquetes turísticos. Gracias a una alianza estratégica realizada con Sta Travel del Reino Unido, se vieron espacios publicitaros ofertando los atractivos peruanos en el metro londinense. Además, los atletas peruanos que participaron en la justa, portaron la Marca País en sus respectivos uniformes.
El Sistema de Identidad El foco de la identidad estuvo centrado en la palabra Perú. Por tratarse de una marca que debería servir a diversos sectores, no incorporó ningún complemento verbal adicional a su nombre: se propuso como el núcleo de un ecosistema comunicacional amplio, que admitió múltiples mensajes, imágenes, conceptos, paisajes, y culturas. El rojo, presente es la bandera peruana es un color intenso, vibrante y energético. El protagonismo del rojo en el sistema de identidad es indudable, pero como uno de los atributos de marca es lo polifacético, el sistema de identidad contempló una paleta multicolor que representó las diferentes facetas del Perú, su diversidad de regiones y paisajes, su carácter vibrante y estimulante. La forma de espiral de la letra P refirió a uno de los motivos gráficos presentes en todas las culturas peruanas, que marcan evolución, cambio y transformación. Refiere también a una huella digital, en línea con el concepto de hay un Perú para cada quien y por eso también el uso de una tipografía manuscrita, construyendo un logotipo a partir de una sola línea. Con focus groups realizados a nivel nacional e internacional, el sistema de identidad tomó así grafismos de diferentes regiones y culturas del país. Campaña internacional A través de un autobús rojo, la Marca País peruana viajó a los poblados de Peru, Nebraska, y Loreto, Italia, en donde se desarrollaron dos impresionantes documentales que han sido multipremiados a nivel mundial y rotundos éxitos a través de Internet. En ellos, un grupo de peruanos organizan festivales culturales y gastronómicos, para mostrarles a los pobladores estadounidenses e italianos, sus derechos como peruanos y loretanos. R>D
El logotipo realizado en una sola línea, así como los documentales hechos en estados unidos e italia, han posicionado globalmente a la marca país de perú
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FASHION
Creatividad Andina
Fotos: Rafa Reynaga y Guillermina Fernández, para IM Intermoda
Inspirada en los tejidos, alpaca y artesanías peruanas, la moda de Harumi Momota se abre paso en las pasarelas internacionales.
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Ampliamente reconocida en su país por desarrollar actividades en diseño, desarrollo de productos e impulso de talleres de capacitación artesanal y textil, la creativa peruana Harumi Momota ha destacado en los años recientes por la utilización de materiales típicos, así como tejidos en la confección de atractivas prendas para dama. Y no sólo eso. Su experiencia incluye la capacitación y la gestión de más de quinientos artesanos de los poblados de Puno, Juliaca, Ayacucho, Tarma, Junín, Cerro de Paso, Arequipa y Cuzco, con quienes ha creado cadenas de suministro que cumplen con estrictos controles de calidad necesarios para la comercialización de los productos peruanos de textiles y artesanías en los mercados internacionales. Las colecciones de Harumi Momota llevan al glamour y romanticismo de los años 50, en un toque de tendencias naturales y ecológicas. Inspirada siempre en sus Andes peruanos, la creativa combina de manera magistral la alpaca (materia prima que se encuentra en grandes cantidades en su país), con el sentido artesanal de cada una de sus piezas. Muchos de sus diseños se tejen a mano, con agujas, o incluso utilizando máquinas de origen ancestral. Para el mercado masivo, ha desarrollado piezas como suéteres, faldas y abrigos, que se componen de un 15% de alpaca, 5 % lana de oveja y un 80% de fibra acrílica. Harumi Momota ha presentado sus colecciones en eventos importantes como Prêt à Porter Paris, Perú Moda, y en exposiciones o eventos de negocios en Francia, Colombia, Chile, Alemania, Estados Unidos y Japón. Dentro de la edición 57 de la exposición Intermoda, realizada hace unas semanas en Guadalajara, Momota presentó parte de su colección inspirada en los andes peruanos. Mis diseños son para mujeres dinámicas de entre 25 y 40 años. La mayoría de las piezas son divertidas y versátiles con faldas, suéteres, pantalones largos y cortos, en las
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FASHION
Perú concentra el 80 por ciento de la producción mundial de fibra de alpaca y compite en el mercado internacional con fibras tan exquisitas como el cashmere y el mohair. que trabajo mucho con las texturas. He querido mostrar todo lo que se puede hacer en tejido, cosas muy divertidas. Mucha gente piensa que el tejido engorda y le tiene miedo, por eso he mostrado con mis colecciones, que no engrosa la silueta, comentó. Entre las piezas que presentó la diseñadora peruana, también destacó el uso del algodón Pima peruano, que se caracteriza por su gran suavidad y por tener una de las hebras más largas y finas del mundo y una excelente caída, además de ser una fibra que da mayor brillo y frescura a las telas. El desfile de la peruana confirmó su talento en la creación de piezas únicas y llenas de contrastes, que demostraron que los tejidos pueden adquirir distintas formas y texturas. El tejido es súper versátil, no es aburrido. Los colores que presenté son de acuerdo a la temporada Otoño Invierno 2012-2013, con un paleta clásica, pero con tonos cálidos enfocados a las tendencia, concluyó. R>D
AUTOMOTRÍZ //
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Con mucha
pila Combinando motores eléctricos con biometanol, este pequeño vehículo ecológico podría alcanzar autonomía de hasta 800 kilómetros.
Aquella limitante de que los autos eléctricos podían recorrer sólo unos cuantos kilómetros antes de tener que ser recargados otra vez, parece que puede quedar atrás con el reciente desarrollo de QBEAK, un prototipo original de la firma danesa Ecomove. Lo más sorprendente de este auto, además de su diseño, es que puede ofrecer una autonomía de hasta 800 kilómetros, muy superior a la que ofrecen autos que ya han sido lanzados comercialmente y que se encuentran disponibles en el mercado. Esta autonomía la logra añadiendo un pequeño depósito de carburante en el doble fondo de bastidor, donde se rellenaría de biometanol que haría las veces del portador de energía. El QBEAK destaca por el hecho de que en su chasis se instalaron seis módulos de celdas solares, con lo que se mejoran de manera sustancial sus fuentes de energía. Los motores eléctricos del vehiculo se encuentran integrados en las ruedas delanteras, algo también innovador en este tipo de automóviles. Ofrece plazas configurables, desde 1 hasta 6 pasajeros. Es muy compacto y tan solo mide 3 metros de largo, 1.75 de ancho y 1.63 de alto. En su versión EV, el auto podría ser lanzado al mercado a finales de este año. Los propietarios podrán elegir entre una amplia gama de opciones interiores y exteriores, incluyendo asientos adicionales, colores personalizados y paneles intercambiables para el mayor aprovechamiento de espacio. Esta versión, solamente eléctrica, podría dar una autonomía de 300 kilómetros. El QBEAK pesa sólo 425 kilos sin las baterías y puede brindar una velocidad máxima de 120 kilómetros por hora. Este vehículo ha sido galardonado con el European Electric Vehicles Early Stage Investment Opportunity Award 2012. R>D
http://en.ecomove.dk
Style
Latin
Por: Tony Luna
las tipografĂas del chileno daniel hernĂĄndez, figuran en el mercado internacional y ganan los lugares de honor en sitios especializados como myfonts.
TIPOGRAFÍA //
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Mientras cursaba la carrera de Diseño Gráfico en su natal Chile, Daniel Hernández se interesó de inmediato en la creación de letras y fuentes tipográficas. Su acercamiento a esta disciplina lo impulsó a desarrollar sus primeros alfabetos en 2004, utilizando Photoshop, para después migrarlos a una versión antigua de Fontographer, sitio donde ocurría la magia; una dinámica puramente autodidacta que lo guiaría a lo que hoy se ha convertido en su principal empresa y fuente de importantes reconocimientos internacionales.
no poseemos la misma tradición europea o norteamericana, lo cual es relevante, pero podemos probar cosas nuevas sin miedo, sin prejuicios, sin pasado, pero con mucho futuro. DANIEL HERNÁNDEZ
Luego de egresar de la Universidad, Daniel trabajó durante un periodo corto en una agencia, donde descubrió que no era bajo ese régimen en que deseaba desarrollarse profesionalmente. El desprendimiento le permitió buscar sus propios proyectos y dedicar más tiempo a su verdadera pasión: el diseño tipográfico; una decisión que en principio lo llevaría a padecer altibajos económicos. Aún así, Hernández hizo del diseño de marca y editorial su principal fuente de prospectos y clientes, mientras a la par, impartía cátedra en algunas universidades y academias en Chile. Fue hasta 2010 que, a través de contactos de diseñadores tipográficos de Argentina, comenzó a comercializar sus fuentes en Sudtipos, un portal electrónico de venta de licencias de fuentes hechas por creativos principalmente del cono sur. Esta experiencia lo profesionalizó en el medio que, para esas épocas, se encontraba en un pujante crecimiento.
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TIPOGRAFÍA
Como un eslabón más a esta cadena de aciertos, Daniel formó alianza con Miguel Hernández y Luciano Vergara, un par de exitosos tipógrafos también chilenos. Esta unión resultaría en Latino Type, una fundidora online de venta de licencias de familias tipográficas. Bajo el eslogan Latin type, in latino hands (Tipos latinos, en manos latinas), los miembros fundadores han trabajado para hacer de su empresa una plataforma para la promoción y difusión del talento de los diseñadores tipográficos de Latinoamérica. Actualmente, Latino Type se ha convertido en un gran laboratorio, con un sin fin de proyectos experimentales en términos gráficos y conceptuales, sin dejar de lado sus rigorosos criterios de calidad y su gestión como empresa. La experiencia de Daniel Hernández queda plasmada en sus creaciones tipográficas como la sensual Guadalupe, la corpulencia alegre y campirana de Hernández, la anquilosada figura de Rita, la dinámica anatomía de Sánchez, y la exquisitez en las formas de Merced. Estos destacados trabajos, han permitido al creativo chileno obtener en fechas recientes los primeros lugares de ventas internacionales en sitios web especializados, como MyFonts.
TIPOGRAFÍA //
Daniel Hernández estará presente en la ciudad de Guadalajara, México, del 18 al 20 de octubre, como parte de los diseñadores internacionales invitados a la sexta edición de DesignFest 2012. En el marco de esta fiesta, dictará la conferencia: Tipografía para vivir: De la pasión a la profesión, donde el creativo contará a detalle sus inicios y acercamientos al diseño de letras, así como sus procesos y metodologías de trabajo. Además, impartirá el workshop Iniciación al diseño de tipografías modulares, donde en un ambiente práctico y personalizado, se construirán letras análogas a partir de módulos. R>D
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INDUSTRIAL
Maestros de la forma
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Ian Stallard, nacido en 1973 en Londres, y Patrik Fredrikson, nacido en 1968 en Suecia, son dos jóvenes creativos egresados de las licenciaturas en cerámica y diseño industrial, respectivamente, de la Central Saint Martins College of Art & Design, de Londres. En el año 2002, se unieron para fundar el despacho de mobiliario Fredrikson Stallard, que al día de hoy es uno de los más reconocidos en toda Europa. El dúo de diseñadores ha conseguido crear un nuevo vocabulario dentro del mundo del diseño, mezclando la tradición con la modernidad más radical. Sus piezas, definidas como cuentos de hadas para adultos, les han convertido en uno de los principales exponentes del diseño británico contemporáneo, alcanzando un reconocimiento internacional y moviéndose con soltura entre los límites del arte y el diseño más vanguardista. No por nada, fueron elegidos por el Financial Times como uno de los 10 diseñadores más importantes de la década. Entre sus colaboraciones se encuentran marcas de renombre internacional como Chanel, Veuve Clicquot, Swarovski y Bernhardt, entre otros. Han recibido importantes reconocimientos como el Red Dot Design Award o el The Arts Foundation Furniture Design Fellowship. Su trabajo ha sido adquirido y mostrado por importantes galerías y museos de prestigio internacional como el Victoria and Albert Museum de Londres, la French National Art Collection, el
Reconocido como uno de los despachos más sobresalientes de la última década, Fredrikson Stallard se hará presente en la famosa galería londinense de David Gill. Design Museum de Londres y el Museum of Art and Design (MOMA), de Nueva York. En el año 2006, se unieron a la casa del reconocido galerista contemporáneo David Gill, por lo que varias de sus piezas y creaciones han sido exhibidos en sus galerías. Ellos trabajan contra viento y marea y con un gran optimismo. Pero la recompensa final de este proceso, esta negativa a darse por vencidos, es un trabajo que ofrece una resolución extraordinaria, comentó Gill. Fruto de esta colaboración, desde el pasado mes de septiembre, la galería David Gill, localizada en el centro de la capital británica, abrió la exposición Crush, dedicada a Fredrikson Stallard, donde se muestran por ejemplo, dos de sus más míticas creaciones: el sofá Pyrenees, creado en el 2007, y la atractiva mesa Silver Crush Table, del año 2011. R>D www.fredriksonstallard.com
INDUSTRIAL //
Silver Crush Table Mostrada por primera vez en durante la feria Design Miami Basilea 2011, la mesa refleja un estilo camaleónico clásico en los artistas. El mobiliario emplea aluminio, vidrio y acero inoxidable que le otorgan un efecto visual imponente. Los dobleces y manipulación realizada en los materiales, le permiten interactuar además magníficamente con la luz. Hemos hecho pequeños modelos en aluminio, que fueron escaneadas en formato digital. Así, el usuario tiene la sensación de que el metal está haciendo lo que quiere, comentaron los creadores.
Sofá Pyrenees Es un ejemplo clásico del estilo de los diseñadores Fredrikson Stallard. Planteado como un diálogo entre lo artesanal y lo tecnológico, el sofá fue creado a partir de un bloque de espuma esculpido a mano para lograr una forma dramática e irregular. Después, el sofá se somete a un sofisticado proceso de flocado o aplicación de varias capas de fibras, consiguiendo una textura aterciopelada. Para esta nueva exhibición en la galería David Gill, el dúo de creativos presentó el mueble en una nueva versión en color verde, que se une a la anterior creada en tono azul turquesa.
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S
audacia y genialidad son los principales componentes de esta agencia nórdica de diseño, branding y cine.
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A NS Por: Tony Luna
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Frederick Öst y Magnus Berg son fundadores de Snask, una agencia que se especializa en proyectos de creación y rediseño de marcas, identidad corporativa, publicidad experimental, desarrollo multimedia y películas comerciales. Frederick y Magnus se conocieron mientras cursaban sus estudios profesionales en en Instituto de Arte de Cumbria, en Inglaterra. Como mancuerna, y apoyados de un equipo multidisciplinario de trabajo, sirven a empresas suecas y de otras partes de Europa. En el área de branding, recientemente desarrollaron la imagen del Festival Cultural de Malmö, el evento con mayor tradición y afluencia de Escandinavia, que cuenta con cerca de tres décadas de existencia. La estrategia de comunicación para este proyecto se basó en una gráfica rectora divertida y vigorosa, dirigida a un público abierto, de diversos extractos y etnias de su contexto geográfico. La comunicación se logró a través de carteles y pendones que exhibían composiciones saturadas de elementos y colores, realizadas en sesiones fotográficas con elementos tridimensionales, además de elementos de arte pop, que tenían acción dentro de la campaña de guerrilla por toda la ciudad. La vitalidad que inyectó el nuevo proyecto, impactó favorablemente en el público. Según la apreciación del propio comité organizador, la percepción de los participantes aumentó en un 60% respecto de las pasadas ediciones.
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BRANDING
La experiencia en branding de Frederick Öst y Magnus Berg les ha permitido encabezar importantes proyectos en
Europa.
Adicionalmente, colaboraron desarrollando la identidad de la Asociación Nacional de Artesanos de Suecia (SHR) número 100, una de las organizaciones más respetadas de Europa, que suma entre sus afiliados a más de 17 mil miembros. Entre las piezas de comunicación que se fabricaron, el cartel principal ostenta en su encabezado la palabra Hemslöjden, del sueco Arte y Oficio. Sobre un fondo marrón, se construyó un universo artesanal compuesto por herramientas y coloridas piezas: aserrín y viruta, bolas de estambre y agujas, piezas talladas de madera, receptáculos de pintura, carretes de hilos y botones, etcétera; todos los elementos enmarcando al número 100 al centro, ataviado con diferentes motivos. El mensaje, sólido, claro y jovial es actualmente implementado en la identidad gráfica de todas la oficinas regionales, bajo las directrices y lineamientos sugeridos por sus creadores. La amplia experiencia en branding de Frederick Öst y Magnus Berg, los ha llevado a participar en los más importantes eventos de diseño en Asía y Europa, como el Industrial Design Festival, en Shenzchén, China, y el Belgrade Design Week, en Serbia. La brillante mancuerna de diseñadores suecos formarán parte de los conferencistas invitados de la Sexta edición de DesignFest 2012, que se realizará en Guadalajara, Jalisco, del 18 a 20 de octubre. Ambos compartirán su experiencia en la creación de marcas poderosas, a través de una conferencia magistral y un taller práctico para 25 personas. R>D www.snask.com
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DELeditor Diseño e industrias
CREATIVAS Luis Enrique Reynoso Vilches
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Desde los años 90, surgió el concepto de economía creativa, que tiene como principal componente a la creatividad, como motor para la innovación y ventaja competitiva para el desarrollo de los negocios. Este concepto de economía creativa, da lugar, primero en Australia y posteriormente en el Reino Unido, al concepto que hoy conocemos como industrias creativas.
el parlamento europeo busca aprobar en los próximos meses el proyecto europa creativa, con EL que se pretende destinar 1,800 millones de euros a la cultura entre 2014 y 2020. Las industrias creativas tienen su origen en la creatividad individual, la destreza y el talento, y que tienen potencial de producir riqueza y empleo a través de la generación y explotación de la propiedad intelectual (1). Por lo tanto, el diseño y los servicios creativos de moda, diseño gráfico, diseño interior, diseño industrial, así como los servicios de arquitectura y publicitarios, entre otros, son componentes de estas industrias creativas en México. El impacto positivo de las industrias creativas ha sido reconocido tanto por gobiernos latinoamericanos, como por organismos internacionales como la UNESCO, quienes en la última década, han elaborado propuestas de políticas y estrategias de fortalecimiento y crecimiento de sectores como la música, la edición, las artesanías y el diseño, entre otros. La participación de la industrias creativas en el PIB nacional se estima en más del 4%, por lo que los diseñadores como agentes económicos de estas industrias creativas, tenemos que integrarnos y consolidar nuestra participación en el desarrollo económico de México. Ahí está el gran reto y cada uno debemos hacer la parte que nos corresponde.
(1). Política para la creatividad. Guía para el desarrollo de las industrias culturales y creativas. Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura 2010. Argentina.
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