MarĂa Cuadrado
EDITA Revista WE Depósito legal: S-633-2008 DIRECTOR CREATIVO Fernando Luis Gómez fernandoluis81@gmail.com CORRECCIÓN DE ESTILO Lucía Jiménez Iglesias luziawe@gmail.com
COLABORAN EN WE número 15 Víctor Rico, María Cuadrado, Mariana Luis, Cristina López, Lucía Jiménez, Inés Carrasco Scherer, María José Amador, Sebastián Alonso, Beatriz G. Albuerne, Paula Alonso, Ula Halszka, Jose Alberto Álvarez, Nuria Rincón, Emma Cole, Dan Ramos, Clea R., Laura Carrera Buxens, Laura Sin Co y Larraitz Bikandi. Portada: Víctor Rico www.ricoimagine.tumblr.com www.facebook.com/V.Rico Contacta con WE: revistawe@gmail.com http://issuu.com/revistawe We no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores, ni de las opiniones que de ellas deriven.
Por cada puerta que se cierra, se abre otra. Y si no es así, abrimos la ventana. Esto debería definirnos: si no podemos alcanzar nuestro objetivo por un lugar, intentarlo por otro. Seamos ingeniosos y saltemos las normas, creemos para mejorar y para que los que nos rodean mejoren con nosotros, busquemos nuestro sitio con optimismo, no dejemos que nos echen atrás. Recordad que por cada puerta que siga cerrada, sólo hace falta buscar la ventana, un ladrillo y entrar.
Mariana Luis
Como no queriendo la cosa, el brillo del sol se deja ver y, al quitarnos capas de nuestra vestimenta, parece ser que no es el Ăşnico brillo que resplandece.
Ese brillo que ha estado escondido debajo de mangas largas, bufandas, orejeras y guantes ¡regresa!. Y es que, qué mejor tiempo que la llegada de la primavera, y sobre todo para variar un poco, el hablar de joyas, un tema que no había tocado antes en We. Pues ahí os va el top de mis joyas más deseadas, desde los nuevos diseñadores, hasta la legendaria casa Cartier.
Los cuatro anillos, de Maison Martin Margiela Llevan ya un par de temporadas rondando y dejándose ver en los dedos de las fashionistas por las calles de París, NY y Londres. Disponible en más de tres tonalidades, aunque yo me quedo con la versión de oro rosa o el dorado normal. También los hay en acabado plomizo, plateado y violeta. Están hechos de metal y son ajustables. Precio: £ 250.00 www.matchesfashion.com/womens/maison-martin-margiela
El brazalete LOVE, de Cartier “El amor trasciende la convencionalidad”. Son las palabras con las que la renombrada casa francesa de joyería describe esta pieza. Los tornillos que se dibujan alrededor del brazalete forman parte de la iconografía de la firma. Marcando su elegancia en una pieza redonda y clásica, que representa y le rinde tributo a los amores apasionados. Disponible con incrustaciones de diamantes o sin ellas; en oro amarillo o rosa de 18K. Incluye un desarmador para abrir y cerrar el mismo. Precio: Disponible a solicitud en tu tienda más cercana. www.cartier.com
Safety Binn’s Earrings, de Tom Binns Binn’s es el diseñador de joyas al que le agradeceremos (sobre todo nuestras madres) el que olvidemos el hecho de usar un imperdible como pendiente. Disponibles en negro, plata, oro y oro rosado, se convertirán en el mejor accesorio para esos días en los que te gustaría haber sido amiga de Vivienne Westwood en su buena época. Precio: $215.00 Dolares www.tombinnsdesign.com
Papatya Cuff, de Wanderluster Definitivamente, una pieza diferente, aunque he de decir que dudo un poco de su comodidad pero, who cares? Es la primera vez que veo algo así y, sin duda, me cautivó. Aparentemente, es un signature de la marca. Este mismo modelo está disponible en oro rosa y con pedrería de colores más vivos. Latón bañando en oro. Precio: $125.00 Dólares www.wanderlusternewyork.com
Midnight Marquis Ring, de Alexis Bittar Os interese o no la joyería, no me podéis negar que este anillo es lo más precioso que habéis visto en mucho tiempo. Su color varía en tres tonalidades e hipnotiza verlo. Es una mezcla de hermosura y agresividad. Es una belleza oscura en tus dedos hecha de diamantes agrupados y el cuerpo de plata esterlina. La piedra del medio es un corte personalizado en color azul topacio. Precio: $1,295.00 Dólares. www.alexisbittar.com
Uknown Knuckleduster Ring, de Eternamé Este anillo quedará en la lista como el más platónico de todos, ya que no he podido encontrar información relacionada con él. Lo que sí os puedo decir es que pertenece a la marca francesa Eternamé. www.etername.fr
Sacred Heart Necklace, de Pamela Love Pamela Love es, sin ninguna duda, una de mis diseñadoras de joyas favoritas. Puede que sea porque una de sus influencias (como se aprecia en este corazón) sea mi natal México. Impulsando el reciclaje y la artesanía, produce todo en su estudio de Manhattan. Esta pieza para ella representa la divinidad del amor, y a mí me recuerda a casa. Aunque de momento está agotado, se produce en bronce y en plata antigua. Precio: $230 Dolares. www.pamelalovenyc.com
Brazalete de Leopardo, de Cartier La mascota por excelencia de la casa Cartier es la pantera, la cual fue introducida al mundo en 1914. Desde entonces, la han plasmado en todo lo que Cartier pueda crear. Pero ésta es y será la pieza con la que siempre soñaré, y está hecha con 18K de oro amarillo. La cabeza de la pantera cuenta con diamantes; onyx para la nariz, los picos del collar y para crear las manchas de “su piel”; granate tsavorite para sus ojos y una piel forrada de tela para el brazalete en sí. Precio: £ 39,600. www.cartier.com
Cristina L贸pez
Lucía Jiménez
Oviedo, un sábado lluvioso de invierno, de ésos que retienen a la gente en sus casas mientras las calles, vacías, se llenan de agua. Plaza del Ayuntamiento. Entre los tonos grises de la neblina, una figura se acerca caminando, oculta por su chubasquero rojo bajo el que, pronto lo sabré, también se esconde su tesoro más preciado: una cámara de fotos. Es Javier Prendes Caravia, un gran fotógrafo asturiano que he descubierto recientemente y cuya obra me tiene impresionada por su contenido y calidad. Mi encuentro con él fue una sucesión de fotos y sorpresas, todo ello impregnado por una creciente admiración hacia él como fotógrafo, y también como persona. Javier lleva más de veinte años inmortalizando, simplemente, lo que le rodea. Sus fotos, cargadas de una impresionante sensibilidad y rebosantes de ironía en muchos casos, son instantáneas del día a día. “Llevo la cámara siempre que salgo de casa. Me sobra con Oviedo, no me hace falta ir de viaje”. Prendes se cruza
cada día con lo mismo que seguramente nos cruzamos cualquiera de nosotros, pero su mirada consigue ver algo más, mucho más, en cada persona y en cada rincón. Aunque también trabaja en digital, la mayor parte de su obra proviene de cámaras analógicas, que aportan una bonita textura a sus fotos monocromáticas. El gusto por las estatuas y el modo en que éstas “dialogan” con las personas es un elemento constante en su trabajo, como también lo es esa ironía latente que fundamenta la belleza de sus fotografías. Pero, sin duda, el gran valor de su trabajo reside en su capacidad para capturar lo que no se ve fácilmente. “Siempre me sorprendo con lo que me encuentro por ahí un día cualquiera”. Y buena prueba de ello es que este sábado lluvioso y anodino, bajo el chubasquero rojo, la cámara de Javier espera paciente a capturar con maestría algún instante de la vida que a los demás nos pasa desapercibido.
Inés Carrasco Scherer
Los meses de frío siempre me incitan a ser un poco egoísta. En inglés, egoísta es selfish, que me recuerda mucho a shellfish (crustáceo), que, de nuevo, me recuerda al invierno y a hibernar. Hasta ahora, he hibernado con los grandes amores de mi vida: Morrissey* y yo. En agosto de este año, el diccionario Merriem-Webster aceptó e incorporó la palabra ‘selfie’ a su enorme lista de vocablos. Selfie, como me imagino la mayoría sabe, viene del inglés “myself” (refiriéndose a uno mismo) y se utiliza regularmente con # cuando el/la persona en cuestión comparte en medios sociales una foto de sí mism@. Claro que, los selfies no son nada nuevo. Desde que hemos tenido manera de retratarnos, los seres humanos hemos estado más que deseosos de vernos a nosotros mismos por la lente de algún aparato. Lo nuevo de los selfies es que no solamente se han vuelto comunes, sino también controvertidos –no faltan los quejones. Sin embargo, vale la pena tomar consciencia –somos parte de la primera generación que puede representarse a sí misma, catalogarse y explicarse sin intermediarios. Nuestros gustos, looks, amigos, vida, todo, todo lo podemos expresar nosotros sin ayuda de nadie. Esto resulta particularmente importante para cualquier grupo marginal, sea éste el que sea. Tod@s aquell@s que nunca figuraron en los medios tradicionales son las estrellas de su propio Instagram, e invaden nuestros newsfeeds, lo cual me parece excelente. Hay una difusión masiva
de cuerpos, caras y vidas alternativas a las que ya nos aburren en la televisión y los medios tradicionales. Es interesante pensar, por ejemplo, que como mujeres podemos controlar nuestra imagen, sin dejar que la mirada masculina figure en nuestros cuadros. No tenemos que esperar a vernos ‘bonitas’ para la cámara de nadie, o llamar a amigas para una foto de solidaridad grupal. No tenemos que congelar la sonrisa ni posar dramáticamente. Nosotras, una cámara y un espejo, selfie. Este es un auto-retrato espontáneo (o no tanto), en el que enfrentamos (a veces) al observador y aceptamos (casi siempre) que nos tomamos una foto porque nos gustamos y nos queremos, y lo lindo hay que compartirlo. Viva la vanidad, ¡que revolución! Finalmente, somos capaces de mostrarnos como queremos, y qué maravilla es ver a mujeres que se ven a sí mismas. Es inmensamente poderoso difundir la imagen propia, con absoluto control del contenido. Aquí estamos y así nos queremos ver. *Tristemente no con él, pero con su bellísima autobiografía, que recomiendo a cualquier fan de The Smiths o persona melancólica adquiera ¡ya!
#selfie
¿Qué es el arte? —dices mientras me acechas— ... y tú me lo preguntas, mirando dentro y fuera de mí?… El arte eres tú… Todos llevamos dentro a otro que de vez en cuando nos sorprende, se hace visible y nos impresiona en indeterminados trances, que quizás tengan que ver con ese otro sujeto, alguien que nos libera el hormiguillo en circunstancias críticas y excepcionales, que te incita a mostrarte en aspectos más creativos que se encuentran escondidos en nuestra cómoda mediocridad. No somos tan simples, la pasividad y la indiferencia son los mayores enemigos de la imaginación, del arte y de la existencia en general. Somos Artistas cuando dejamos de ser neutrales, nos posicionamos y tomamos partido. El Arte está en todo lo
cotidiano, Fotografía y Arte pueden hacer de la imagen poesía. La prosa la pone nuestro amigo Ion Canut, que como forma natural de expresión del lenguaje, es capaz de reflejar conceptos, fuera de medidas y cadencias establecidas. Él “crea” peinados que trascienden más allá de los patrones, de las reglas y hasta de las leyes de la gravedad. Y así, con su jerga y estilo, hace que los tocados puedan ser comparados con verdaderas obras de arte. Hay creaciones exclusivas de reconocido valor, estamos inundados de imágenes por doquier, nuestros clientes ya no nos comparan con la competencia de la esquina, ahora nos buscan en las fotografías de Anne Geddes y en loshh peinados de Antoine… eso sí, al mejor precio.
Texto: Beatriz G. Albuerne Fot贸grafo: Dylan Benjamin Isaiah Modelos: Morzhton Mitchard bboy Skei CJ Shell Walsh Make up: Nicola Iles Estilista: Eva Lazarus
Not Too Shabby Clothing es una marca de camisetas nacida en Bristol, ciudad que rebosa diversidad, cultura urbana, música y arte callejero. Estos factores configuran el estilo de la marca, cuyo objetivo es crear camisetas de calidad con diseños únicos y originales, en ediciones limitadas. Not Too Shabby se presentó al mundo el noviembre pasado con tres colecciones iniciales: Glow Tribal, Creature Kicks y Old and Phat. Cada colección cuenta con tres diseños diferentes, todos serigrafiados a mano en camisetas de algodón 100%. La marca apuesta por detalles originales, por ejemplo, la línea Glow Tribal nace inspirada por una combinación entre pinturas faciales de tribus africanas y la cultura nocturna de otra clase de tribus urbanas… Además, para la serigrafía de la línea Glow Tribal se utilizó tinta fosforescente que hace que ciertos detalles brillen en la oscuridad (muy rave y club-friendly). Recientemente, Not Too Shabby Clothing ha lanzado su cuarta colección, de nombre Iconology, y que gira entorno a los aspectos fundamentales de la cultura Hip Hop y sus elementos: graffity, rap, breakdance y turntablism. Cada diseño tiene historia y nombre propios. Todas las camisetas van numeradas individualmente, y la marca anima a conservar la etiqueta para futuras competiciones y rifas. Los materiales utilizados para la paquetería y el embalaje son bio degradables o reciclables, y Not Too Shabby espera poder fomentar una moda sostenible y respetuosa con el medioambiente. El sentimiento de comunidad y colaboración es un factor clave para Not Too Shabby Clothing. Para la promoción de sus diseños tienden a contar con la ayuda de fotógrafos, músicos y artistas locales. Por ejemplo, para lanzar Iconology contaron con fantásticos b-boys y b-girls. La marca se esmera en promover calidad, causas y artistas, publicando con frecuencia interesantes artículos y entrevistas en su blog. El espíritu de Not Too Shabby Clothing es el de seguir creando diseños originales y camisetas de calidad, hechas con mucho entusiasmo y gran atención por el detalle, así como fomentar las colaboraciones, la producción local y otras causas sociales. Aunque basados en Bristol, el equipo es mitad español, mitad inglés y las camisetas se pueden adquirir en la tienda online desde cualquier parte del mundo. Pero basta ya de formalidades. Roto el hielo, pásate por nottooshabbyclothing.com y échale un ojo a los diseños, pilla el que más vaya contigo, lee su último blog o simplemente, join in and say Hi! www.nottooshabbyclothing.com @ntshabby #ntshabby
Un día se me cansaron los ojos y los cerré para descansar. Fue totalmente decidida y conscientemente, nunca hubo enfermedad ni desaliento. Pasó una hora, y después un día entero, no sentí ningún deseo de abrirlos. Dormí sin apretar los párpados, sin levantarlos, sereno, como sereno recibí el amanecer al siguiente día y al siguiente del siguiente. No quise ver más el sol. Continué mi vida en la oscuridad, continué mi vida a tientas sin necesidad por fin de alzar ni bajar la vista ante nadie. Ya no existían las vistas para mí y apenas había notado la diferencia, tan sólo existía ahora una tira lisa de realidad a tramos deshilachada a la que llamé vida. En ocasiones, la percepción de algún olor, algún sabor o sonido se salía de la tira monocroma y lisa que elegí por días, pero ya nada fue lo suficientemente relevante como para despertar la curiosidad de dirigir una mirada perpleja. Cristina López
Han pasado años, y todos, al igual que todo lo que conocí, han muerto. Y ahora, y sólo ahora, tengo miedo, tengo miedo de abrir los ojos y ver que estoy solo. Tengo miedo de abrir los ojos y morir también como ellos.
He despertado de mi prohibida siesta de verano en este sofá blanco que por fin, y a menos de treinta días de marcharme, me hace sentir en casa. De espaldas a la ventana, me incorporo, extiendo los brazos a lo largo del respaldo de madera y echo la cabeza hacia atrás. Mi mente aún renqueante por el espesor del sueño consigue llevarme hasta la cocina en busca de un vaso de agua fresca para aclararme los labios y despertar el alma. Con un vaso rojo de melamina en la mano vuelvo a sentarme en el mismo sofá que meció mi descanso, y mirando el agua ahí sostenido observo cómo flotan pequeños pedazos de hielo en la superficie, doy un trago. Su sabor es dulce, debe de ser el regusto de alguna infusión que contuvo previamente. Con este trago he despertado y me he vuelto triste de repente. Me vuelvo triste al pensar en las horas pasadas y en las horas que me quedan, me vuelvo triste porque ése es el estado natural al que siempre volvemos quienes a él pertenecemos. Sólo escribir me alivia, sólo escribir puede hacerme olvidar de mí misma y del mundo ahí fuera que inevitablemente muere día a día conmigo. El gato se empeña en acomodarse entre los recovecos de mi cuerpo, se empeña en permanecer conmigo, con quien sin ser su dueña ha compartido largas horas de soledad y aburrimiento. Miento. Nunca he experimentado aburrimiento alguno, es angustia lo que llena mis días, es ansiedad y melancolía escapadas de los libros que leo y de todas las ideas que en mi cabeza bullen. Con ellas construyo enormes castillos sujetos con recuerdos, castillos que dibujan formas de ensueños pasados, rumio proyectos de construcciones megalíticas y acumulo enormes montañas de escombro cerebral. Todo me abruma, es más que evidente, no puedo conciliar mi realidad con la de ahí fuera, con las leyes represivas, con el sistema inhumano e inamovible que trata de ordenar mi vida, con esa ficción que se nos obliga a aceptar como dogma, creo que me estoy volviendo loca.
Sueño con aguas cristalinas, con suaves ráfagas de viento, e incluso con lenguas de fuego porque no puedo más con esta tierra. La misma tierra que en algún tiempo sentí madre ahora rechina en mis engranajes y me dejaba la boca seca. Prefiero mil veces construir castillos de sal con mis ideas y dejarlas morir en el fondo del mar a ver mis pensamientos prisioneros en constructos urbanos anquilosados de base. Ya sólo quiero escribir, escribir para cumplir algún absurdo deseo de trascendencia, pero me preocupa el si algún día alguien me leerá. ¿Alguien sabrá leer? ¿Alguien les enseñará? En poco tiempo sólo leerá la persona que arda, la que pueda volar y explorar los fondos marinos, leerá la persona a la que no le expliquen y entienda, la que no pregunte y comprenda. Pero definitivamente, sí, creo que sí me leerán. Me leerán aun sin conocer las letras con las que escribo porque no necesitarán conocer las letras para leerme, igual que yo en unos días tampoco necesitaré de ellas para escribirme.
Texto:Jose Alberto Álvarez Fotografía: Fernando Luis
La aventura de Pablo Und Destruktion es un proyecto que complementa lo visual con lo musical y lo literario, y donde humor y seriedad se dividen y confunden. En Animal con Parachoques encontramos canciones sinceras acompañadas de luces, taladros y ecos que expresan las contradicciones del amor, y los sentimientos extremos. Ahora con Sangrín recién sacado, nos encontramos con un Pablo que levanta la mirada y habla en clave de rock del mundo, de cómo llego aquí. La combinación de música e imágenes juega un papel decisivo en la experimentación de un nuevo rock-folk psicodélico y futurista que se traduce en un enfoque musical novedoso a través del arte audiovisual y de la interpretación: toda una manifestación artística de la música acompañada de imágenes. Pablo Und Destruktion es un indio sin tribu que se viste de dandi y que baila poseído por fantasmas. Se pinta con carbón extraído de minas muy profundas y busca sus raíces, se las inventa y las vuelve a destruir. www.pablounddestruktion.com pablounddestruktion.bandcamp.comn.bandcamp.com/
Emma Cole
1. Open – Rhye (SOHN Remix)
2. Tsim Sha Tsui – Jack Steadman
SOHN (pronounced Sonn) based in Vienna, originally from London, for me is all about remixes and this minimalistic version of Rhye’s ‘Open’ is a beautiful example of that. Sohn’s debut album, Tremors, is due for release on April 7, ’14. Rhye on the other hand released their debut album on March 4 ’13, which is accompanied by a set of melancholy videos certainly worth watching.
Jack is no newcomer to the world of music, he is in fact already in a very successful English rock band, Bombay Bicycle Club. Which is why it’s no surprise to find he has the skill to create sophisticated house tracks that whimsically entice the listener without much effort. Sampled from Wallace Collections ‘Daydream’ Tsim Sha Tsui, although not his most recent, is one of those tracks.
https://soundcloud.com/rhyemusic/rhye-open-sohn-remix
https://soundcloud.com/jack-steadman/tsim-sha-tsui
3. Vehl – Kidnap Kid
4. Make Me – Ambassadeurs
A few weeks ago Kidnap Kid hit us with his latest release, an EP entitled Stronger, which includes a progressive late-night title track of the same name, as well as “Like You Used To” a more vocally tinged house number. I have however chosen a track from his third EP and first with Black Butter Records, Vehl, it’s charming from the very first time you hear it. “Your voice, your eyes, your hands, your lips, the look, the words and the fact that I love you”. Marvelous.
Mark Dobson aka Ambassadeurs shows that he was born in the ’80s by this homage to Strike’s classic ‘U Sure Do’. In true Ambassadeurs’ style the track is bursting with snares and an assortment of synth melodies, led in this case by a thick chorus of inhumanly pitched vocals. I would highly recommend checking out his self titled EP as well as his latest Alone In The Light. Having fairly recently signed to Tru Thoughts record label lets hope we don’t have to wait too long for his much anticipated debut album. https://soundcloud.com/ambassadeurs/make-me
www.loopcassette.tumblr.com
Soy Adam, Príncipe de Eternia, defensor de los secretos del Castillo Grayskull. Éste es Cringer, mi fiel amigo. Un fabuloso poder secreto se encuentra en mis manos cuando desenvaino mi espada mágica y grito “Por el poder de Grayskyll… ¡Yo tengo el poder!” Cringer se convierte en Battle Cat y yo en He-Man, el hombre más poderoso del Universo. TODO LO QUE SIEMPRE QUISISTE SABER SOBRE LOS MASTERS DEL UNIVERSO Y SÓLO WE MAG SE ATREVE A RESPONDER Texto: Dan Ramos Sánchez Ilustración: Stjepan Sejic
¿Quién es el hombre más poderoso del universo? Los niños de los ochenta lo teníamos claro: He-Man. Las mañanas de Reyes olían a muñeco de plástico, los paquetes envueltos de los cumpleaños tenían el tacto de su embalaje y oíamos al Ratoncito Pérez dejar bajo la almohada su bulto inconfundible. Los juegos de nuestros abuelos y padres iban sobre piratas o vaqueros. Los nuestros tenían como protagonista un musculoso guerrero en taparrabos que empleaba la tecnología más futurista con la misma soltura que arcaicas armaduras y espadas. Master del Universo fue la franquicia de mayor éxito de los años ochenta, quizás sólo superada por Star Wars, con quien compartía muchas cosas. El muñeco original inspiró todo tipo de productos con su imagen: dibujos animados, cómics, libros, ropa, material de papelería… y aún sobrevive en canciones, parodias y otros homenajes. Yo tenía un maletín de los Masters del Universo, os lo juro sobre mi carnet de miembro del Club He-Man. Pero, ¿cuál es la historia de este fenómeno?
Creando a He-Man Uno de los peores errores de juicio de la historia empresarial, casi como el del representante de la Decca que no quiso contratar a los primerizos Beatles, fue el que emitió en 1976 el ejecutivo de la Marvel, Ray Wagner, cuando declinó la oferta para que su compañía fabricase las figuras de acción de una película de aventuras que aún estaba en desarrollo y que tenía el rancio título de The Star Wars. Pero, por otra parte, la historia de este error es uno de los ejemplo más claros de que no hay mal que por bien no venga. Arrepentidos de su ceguera, en Marvel se pasaron los años siguientes desarrollando figuras para poder competir con el éxito de La Guerra de las Galaxias, cuya línea juguetera había irrumpido dando comienzo a una nueva era en el sector del juguete. Tras muchos intentos, finalmente se consideró crear una figura estándar que pudiese adaptarse a cualquier entorno y, por esa razón, se le dio un nombre genérico que contuviese la idea de un héroe de gran fortaleza: He-Man. Así, los primeros prototipos
de He-Man eran… un juguete totalmente distinto. Roger Sweet, al que podemos llamar padre del concepto de He-Man, propuso tres modelos diferentes: un soldado, un astronauta y un bárbaro. Fue este último el elegido, quizás por la popularidad que la estética del género espada y brujería tenía por entonces, debido las ilustraciones de Frank Fazzetta. Las recordaréis de las decoraciones de máquinas de pinball y los pósteres, con sus amazonas prácticamente desnudas abrazadas a la pierna de un musculoso guerrero salvaje. Los cómics de Conan, entonces un éxito de la Marvel, eran el otro pilar de esta moda. Esto llevó posteriormente a la acusación de que He-Man era la respuesta a unas negociaciones fracasadas para fabricar figuras de la película de Arnold Schwarzenegger. La demanda presentada contra Marvel no fructificó, ya que, en realidad, se había estrenado con los juguetes ya en el mercado. Las sospechas estaban fundadas: este “proto-He-Man” tenía un casco con cuernos y el pelo oscuro como el famoso bárbaro. Estos últimos detalles fueron modificados para darle el aspecto más parecido
al de un ejemplar de feria ario y sueño genético de las SS, aunque conservó una piel más bien bronceada. Como curiosidad, cabe decir que el prototipo original fue incluido en 2011 en la reciente serie de figuras con el nombre de Viktor y presentándolo como uno de los varios He-Man que precedieron a Adam. Aunque es mejor no adelantar mucho más al respecto. Masters del Universo (1982) El universo original fue esbozado por primera vez en los minicómics que acompañaban a cada figura en su embalaje. Se trataba de un mundo y una línea argumental que poco tenían que ver con la historia popularizada en las serie de los estudios Filmation y se acercaba más al mundo de la espada y la brujería. En ellos, He-Man era una especie de bárbaro de las junglas del planeta Eternia que dejaba su tribu para defender el Castillo de Grayskull blandiendo su hacha, Skeletor era un demonio de otra dimensión que buscaba abrir un portal para permitir a su raza conquistar Eternia, Teela era una guerrera de cabellos rubios que montaba un unicornio y la Hechicera era una diosa de piel verde vestida de serpiente. Al recibir DC Comics licencia para reproducir las historias, el mundo se modificó de nuevo para dar cabida a la identidad secreta de He-Man e introducir la corte real de Eternia. Aunque las figuras resultaban innovadoras por su mezcla de elementos futuristas y del género de espada y brujería, así como el original diseño, que incluía un mecanismo que permitía tensar el torso del personaje y soltar “puñetazos”, la distinción definitiva llegó en 1984 con la serie de dibujos animados. Frustrados pero no amilanados por haber dejado escapar la oportunidad de adaptar La Guerra de las Galaxias, en Mattel decidieron dar la vuelta a situación: por primera vez, se crearía una serie televisiva basada en unos muñecos y no al revés. Esto, además, permitiría promocionar la línea de juguetes. Se encargó el proyecto a Filmation, una compañía que, a mi juicio, poseía muchos de los defectos de una época muy poco gloriosa para la animación como la segunda mitad de los setenta (a pesar de los grandes progresos en animación alternativa para adultos). Con Lou Scheimer, fallecido el pasado mes de octubre, al frente del equipo, el trabajo fue más que notable y por encima de la media de la compañía, que consiguió el mayor éxito de su historia. La serie logró transmitir un universo épico que cautivó a los niños de entonces. De nuevo, un fracaso en negociaciones comerciales había obtenido un inesperado efecto triunfal: habiendo rechazado la cadena ABC adquirir la serie, se acabó distribuyendo en sindicación (es decir, como paquetes de episodios a disposición de cualquier comprador), lo que permitió una difusión rápida por todo el mundo. Los dibujos terminaron de dar forma al mundo de He-Man. Quedó ya establecida como canónica la línea principal de argumento sobre la que se iba a desarrollar la serie a partir de entonces, y que es la más conocida. Eternia es un mundo extraterrestre donde la tecnología futurista y la magia conviven. Adam, príncipe heredero de Eternia, es elegido en secreto por la Hechicera, guardiana del Castillo de Grayskull, como defensor de los poderes místicos que esta antiquísima fortaleza guarda. Para ello, le otorga una espada mágica con la que, tras recitar las palabras adecuadas, se convierte en He-Man, un guerrero que iguala su fuerza descomunal con su carisma e inteligencia como líder. Sólo tres personas conocen que Adam y HeMan son la misma persona: la propia Hechicera, el mago transdimensional Orko y Duncan, el hombre de armas del
palacio de los reyes de Eternia. La mayor amenaza a la que debe enfrentarse es Skeletor, un nigromante con rostro de calavera cuya presencia desencadena la elección de Adam como He-Man. Para acompañar a He-Man en su lucha, se reúne un grupo de guerreros que adoptan el nombre de Master del Universo. A su vez, Skeletor congrega a su alrededor un ejército de abominables sirvientes y mercenarios que a menudo resultan ser un reflejo oscuro de los propios Masters. Pero un argumento maniqueo basado en dos polos acaba resultando aburrido por repetición. De esta manera, se introdujo un nuevo contendiente en la lid: Hordak, un brujo con aspecto de vampiro que había sido expulsado a otra dimensión en el pasado y ahora lograba volver a Eternia para vengarse. Hordak fue presentado como el antiguo maestro de Skeletor y poseedor de un amargo rencor contra él, convirtiéndose en un peligro para los dos bandos existentes. Era un villano mucho más sabio, sádico y moralmente ambiguo que obligaría en ocasiones a He-Man a aliarse con su enemigo tradicional. Una cuarta facción se añadiría al final de la línea de juguetes: los Hombres Serpiente. Provenientes de un pasado prehistórico donde tenían subyugados a los hombres, estos reptiles humanoides fueron despertados de su letargo bajo la Montaña de la Serpiente por Skeletor. En la línea clásica duraron muy poco, frustrando la serie de personajes heroicos que en el concepto original debían hacerles frente: Los poderes de Grayskull. No obstante, en la serie de 2002 tuvieron mayor protagonismo. She-Ra, Princesa del Poder No nos vamos a detener demasiado en She-Ra. Fue un intento de crear una versión femenina de He-Man para el mercado de las niñas. Según el argumento, She-Ra era Adora, la hermana melliza de Adam, secuestrada por Hordak cuando era un bebé y llevada al planeta Etheria, donde al llegar a la mayoría de edad, recibió poderes análogos a los de He-Man, abandonó a su captor tras superar un fuerte Síndrome de Estocolmo y se unió a la Gran Rebelión contra Hordak. La línea de She-Ra enfatizaba más los elementos mágicos frente a la tecnología y la estética medievalizante de los Masters originales. Mucha purpurina, arcoíris y unicornios para un juguete que estaba en la incómoda posición de no asumir completamente ninguno de los roles de género impuestos. No duró mucho, pero hay que reconocer su valentía como pionera cuando las dos alternativas de muñeca eran Barbie o los bebés de plástico. Quizás sería bueno que algún día volviese She-Ra. Las aventuras de He-Man (1990) Los 90, por mucho que nos quieran engañar, fueron en muchos aspectos, una década mala y transitoria; una adolescencia de la cultura popular reciente sin el encanto de los 80 ni los cambios tecnológicos y sociales del nuevo siglo. En los 90, todo tenía que ser más llamativo, estruendoso y guay. La línea de juguetes degeneraron, y clásicos como los GI Joe acabaron llenando sus filas de mutantes tóxicos y personajes del Street Fighter II. Sólo faltaba que He-Man rapease. Probablemente lo haya hecho y yo (afortunadamente) no me haya enterado. Así pues, los directivos decidieron que la espada y brujería estaban pasadas de moda y, exagerando al máximo los elementos de ciencia-ficción de la serie, se inventaron una trama en la que He-Man debe acudir en rescate de los habitantes de ¡un planeta alienígena del futuro! Skeletor
seguirá a su archienemigo para intentar la conquista de dicho planeta y no tardará mucho en hacerse un grupo de compadres con los que cometer fechorías. Como veremos que era habitual, el cómic tenía una trama mucho mejor. En este, He-Man se transforma ante Skeletor, perdiendo así su identidad secreta. Lo hiere de tal manera (llegamos a ver su cabeza cadavérica sin capucha y llena de heridas) que necesita partes cibernéticas para sobrevivir. Eso lo obliga a seguir a HeMan esperando encontrar en el futuro su cuera en lugar de quedarse para conquistar una Eternia sin protector. La serie no estaba mal, tenía una colección de villanos bastante buena, pero no era lo mismo. No tenía los elementos que hacían mágica la historia original. ¡Con tantas partes del universo tradicional por explorar! Para bien o para mal, Las nuevas aventuras de He-Man no duraron mucho y los Masters no lograron entrar en la nueva década. Existió a mediados de los 90 un intento de volver a Eternia con He-Ro, Hijo de He-Man, que se desarrollaba 10 años después de la trama original. Pero las negociaciones entre Mattel y Lou Scheimer no dieron fruto y se suspendió el proyecto. Fue una suerte, ya que los bocetos que recoge la “biblia” de la serie, con diseños que podrían haber sido descartado de los Power Rangers por mal gusto, nos hubiesen dado un muy mal sabor de boca. Llegados los años finales de los 90, He-Man era sólo
un recuerdo de infancia. Masters del Universo (2002) Al igual que en los cómics, llegado el nuevo milenio se enterraron los excesos noventeros y se volvió a los orígenes, pero renovando y adaptando. Se podría hablar de un neo-clasicismo. Con una mirada más realista, se diría que cuando los niños ochenteros llegaron a la mayoría de edad, demandaban una versión auténtica de sus héroes infantiles. Con una mirada más cínica, se podría decir que salía mejor renovar el viejo material que crear nuevo. En el año 2000, Mattel decidió sacar una edición limitada de réplicas de las figuras originales por petición de fans y coleccionistas y, de paso, tantear el mercado para un posible retorno de la línea. Naturalmente, obtuvieron gran éxito y eso acabó animando a la compañía a dar un paso adelante: volver a traer a He-Man para una nueva generación. La versión MOTU de 2002 tenía muchos ingredientes para triunfar… pero no cumplió todas las expectativas. Se encargaron figuras a Four Horsemen, uno prestigioso estudio artístico especializado en figuras de acción de personajes de cómic. Se decidió recurrir a la historia original e incluso se la dotó de la coherencia y continuidad de la que carecía antes, aunque renovando ciertos aspectos. Los diseños respetaban el aspecto básico
Ilustracion: Boris & Julie
de los personajes pero con una estética moderna más detallista y espectacular. Las figuras arrasaron entre los coleccionistas por su cuidada calidad. Una vez cancelada la línea principal, se siguieron produciendo torsos y figuras deluxe para seguir dando alegrías a los fans. Cómo no, también hubo una serie. Frente a la calidad muy limitada de la animación de los estudios Filmation, la nueva serie no escatimó en gastos y trajo a lo mejor del gremio a trabajar en ella. No sólo la animación era impecable, sino que la historia era compleja y elaborada, desvelando los orígenes de Skeletor, EvylLyin, Teela o el mismísimo Castillo de Grayskull. Durante toda la trama, Hordak se mantenía como una amenaza latente que en muy contadas ocasiones se comunicaba de manera mística con Evil-Lyn. Desgraciadamente, las nuevas generaciones no supieron apreciarlo –para mi desconcierto, preferían ver muñecos cachetudos zurrándose entre sí mientras sus propietarios/esclavizadores observaban desde la barrera- y la serie no concluyó su segunda temporada en pleno enfrentamiento con los hombres serpiente. Quedaba así por mostrar qué consecuencias hubiese tenido la invasión de Hordak. La “biblia” de la serie lo detalla, pero es una historia que contaremos otro día. He-Man en el cómic Los cómics de las editoriales, como suele suceder, eran más adultos, más profundos. Indagaban en territorios
que los minicómics de las figuras sólo sugerían o que los dibujos nunca se atreverían a mostrar. Conceptos como el pasado de Skeletor, su relación con Hordak o el origen de Eternia eran explicados en sus páginas, aunque, debido a las distintas licencias y autores, a veces no guardaban mucha coherencia entre sí. Basta una prueba de un cómic que leí hace mucho y que me dejó marcado: He-Man y sus compañeros intentaban viajar en el tiempo a un momento de la historia de Eternia que todos pronunciaban con temor: el Gran Caos. Durante su viaje, llegan a un lugar. Ninguno sabe si se encuentran en el pasado, en el futuro o en una dimensión paralela. Ahí, en unas ruinas de algo que parece un castillo y como en una extraña visión, una anciana decrépita con un bebé en brazos de dirigía a ellos diciendo: “Soy Teela, la hechicera, y ésta que veis en mis brazos es Teela, la hechicera”. Un escalofrío para el cuerpo y una fuente de inspiración para las pesadillas de un niño de siete años que era yo. Nada tenía lógica (¿no eran Teela y la hechicera dos personajes distintos?) pero planteaba muchas preguntas. Tal desconexión entre los elementos de la historia y la disparidad que existía entre la calidad de algunos cómics y otros se debía a que Marvel no concedió solamente licencias a DC, sino que también lo hizo con editoriales de distintos países. A España, donde Ediciones Zinco se encargó de la distribución, llegaron, además de los estadounidenses, muchos cómics del Reino Unido y Alemania. Al igual que sucedía con las historietas de los personajes Disney, las viñetas europeas se tomaban
enormes libertades respecto a EEUU, y esto acababa dando el resultado de, o bien historias genéricas de He-Man enfrentándose a la criatura del mes, o bien escenas de una imaginación impensable en la versión estadounidense, que estaba mucho más controlada por Mattel y orientada a la línea de juguetes. Aparecían escenas cargadas de originalidad como la arriba mencionada. Una línea aparte son los crossover con personajes de la DC, como el enfrentamiento entre Superman y HeMan para ver quién era el man más fuerte del universo. Recientemente, DC ha vuelto a recuperar a los Masters y también los ha vuelto a cruzar, esta vez, ampliando la formación de los superhéroes. ¿Quién fabrica mejores gadget? ¿Batman o Man-At-Arms? He-Man actualmente ¿Quiere decir esto que Masters del Universo es ahora una marca extinguida? No, de hecho, se encuentra en un buen momento. Aprendiendo de los errores cometidos a comienzos de la década anterior, Mattel decidió acotar la franquicia a un público muy especializado. Dado que el mercado de las figuras había resultado el más exitoso durante el retorno de He-Man, se decidió que era mejor centrarse en él. Una serie de dibujos era más arriesgado económicamente y, además, obligaba a los diseñadores de figuras a ceñirse a la estética y el guión de esta. En 2010, salió la primera tanda de figuras de Classic Masters of the Universe, que a fecha de hoy sigue produciendo figuras. La característica principal es que son prácticamente réplicas de las figuras originales de los 80, con un envoltorio muy similar. Pero hay una diferencia importante: las figuras nos permiten imaginar qué habría sucedido si los diseñadores originales hubieran contado con la consideración profesional y los medios de ahora. Así, las figuras mantienen el aspecto primitivo y no el rediseño de 2002, pero son muchísimo más detalladas, poseen mejor articulación y muestran más calidad escultórica. Además, aunque en muchos puntos continúa el argumento inconcluso de la serie de 2002, la falta de serie ha jugado a su favor. Por primera vez, se está dotando a cada uno los personajes de una historia detallada y coherente, sin especulaciones ni cabos sueltos. También ha permitido completar la historia pasada y futura de Eternia -existen figuras de un Adam maduro como Rey de Eternia y de sus antepasados He-Ro y el Rey Grayskull- , fabricar figuras que se habían quedado en prototipos, introducir personajes nuevos, incluir los aparecidos exclusivamente en serie de dibujos, plasmar otros que habían sido mencionados en los cómics pero cuyo aspecto desconocíamos, o recuperar las líneas abandonadas de She-Ra o Las Nuevas Aventuras de HeMan. Las figuras no son el único vehículo que han utilizado los Masters para volver. Anticipada por una miniserie publicada el año anterior, en 2013 DC volvió a editar nuevos cómics de He-Man y aparecieron en catálogo los títulos para este año. La vestimenta de los personajes heroicos ha sufrido una revisión que los ha hecho, en opinión propia y de la mayoría de los fans, horrendos. Pero, afortunadamente, una vez más los cómics vuelven a plantear una historia mucho más interesante. El primer número empezaba fuerte, con un Adam amnésico que es testigo de las conquistas de un Skeletor mucho más violento que otras encarnaciones –ordena cortar gargantas con la frecuencia que el de los dibujos estallaba en carcajadas. Incluso She-Ra vuelve pero
[spoilers] de manera mucho más coherente con su origen: el mismo Hordak que la secuestró de bebé la ha adiestrado desde pequeña para ser capitana de su ejército y el aspecto que tiene es casi el de una versión femenina de Horda. La conclusión a la trama aún está en vilo, pero hasta ahora ha brindado una escena muy esperada por los amantes de la serie: Teela clavándole a She-Ra un puñal en las tripas. Después de más de treinta años, He-Man sigue protegiendo el poder de Grayskull. La historia tejida por una serie de talentos superó las expectativas de los creadores del juguete. A diferencia de sagas como Star Wars o muchos superhéroes, Masters del Universo ha aprendido de los errores pasados y sigue ampliando su mundo de forma más callada pero sacando todo lo bueno que esta historia puede ofrecer. Mientras, esperaremos a la postergada película que algún día llegará. ¿Estará a la altura?
Clea R.
Allá por los 90, la editorial Ediciones B publicó el primer libro de la serie El ojo mágico, el capítulo más frustrante de la infancia de muchos, el billete de entrada a una nueva dimensión para otros. The Magic Eye, en su versión original, reproducía una serie de estereogramas, ilusiones ópticas basadas en la forma de captar las imágenes desde dos puntos de vista distintos. Esas perspectivas diferentes de los ojos humanos, son interpretadas por el cerebro como una imagen tridimensional. Esto es, a través de imágenes planas obtenemos una visión 3D sin la utilización de gafas especiales. La lámina más común es una trama repetida que aparentemente es similar. Si nos concentramos en la misma fila de rosas, con ambos ojos vamos mirando siempre la misma rosa. Pero supongamos que los ojos no están alineados y que pudieran observar rosas distintas, gracias a que son análogas podríamos fusionar la imagen, es decir, nuestro cerebro podría interpretar que
es la misma rosa. Este fenómeno se consigue cuando “bizqueamos”. Las pautas para la visualización son simples: acércate a la imagen hasta casi tocarla con la nariz. Relaja tus ojos y fija la vista en el espacio, como si miraras a través de la imagen. Cuando estés relajado, y sin cruzar la vista, aleja tu rostro de la pantalla un par de centímetros cada dos o tres segundos. Sigue mirando a través de la imagen. Párate cuando la tengas a una distancia correcta para leerla y empieza a “entrar”, es necesaria la concentración ya que instintivamente, intentarás mirar la imagen en vez de mirar a través de ella. No todos disponemos de ese ojo mágico, es necesario ser constante en la práctica, pero una vez conseguimos visualizar la primera lámina, podemos ver la nueva dimensión del resto. ¿Ya lo ves?
Aprovechar el salón de casa para celebrar conciertos acústicos es una de las máximas de este movimiento autogestionado que, desde que se inició en el año 2009, no ha parado de crecer, contagiando a más de cincuenta ciudades alrededor del mundo. Sofar Sounds (http://sofarsounds.com/#!/landing) es un movimiento de colaboración musical que se inició en Londres en el 2009 y que, en apenas cinco años, ha visto nacer versiones propias en ciudades como Nueva York, San Francisco, Buenos Aires, Ciudad de México, Mumbai, Singapur, Tokyo, Sydney, Berlín, Lisboa, Barcelona o Madrid, hasta contar más de cincuenta. Lo que nació como una reunión entre amigos, como un concierto improvisado en el salón de casa, pronto se ha convertido en una nueva forma de entender la experiencia musical, acercando distancias entre músico y espectador, entre artista y público. Se trata de reinterpretar la música en vivo, redefiniendo papeles y convirtiendo cada concierto en una experiencia única, casi mágica. Lo novedoso de esta propuesta es que los conciertos, que siempre son gratuitos, se celebran en el salón de la casa de uno de los espectadores, donde se monta un escenario improvisado en cualquier rincón de la sala. Las limitaciones de espacio, sumadas a la ‘filosofía Sofar’, propician que el número de asistentes sea muy reducido, no superando nunca las cincuenta personas. Esto permite una mayor interacción entre espectador y artista, hasta ahora separados por tarimas y cortinas infranqueables. Una segunda premisa, y no por ello menos importante, es que los conciertos son siempre secretos: ni el nombre de las bandas ni la dirección de la casa donde se celebrará el concierto son desvelados hasta unas horas antes de
que empiece el espectáculo. La clandestinidad y la incógnita, pues, son ingredientes imprescindibles de este cóctel musical. El secreto de su éxito radica en que cada concierto es único e irrepetible. El hecho de que no se tenga una plaza asegurada, sumado a la dificultad de poder repetir la experiencia, hace que se multipliquen las ganas y que, tanto el público como los artistas, tomen consciencia de la importancia de disfrutar del momento. Pero, ¿cómo se articula esta amalgama de conciertos secretos celebrados en casas particulares? El funcionamiento es sencillo: te envían un correo con la fecha del próximo concierto y, si te van bien la hora y el día, te apuntas en una lista que se cierra cuando se ha alcanzado el cupo de asistencia. Si eres seleccionado, el mismo día del concierto te mandan un correo con la dirección a la que tienes que ir. El nombre de las bandas no lo sabes hasta que no llegas al lugar, cosa que otorga espontaneidad y sorpresa a la experiencia. Una sesión del Sofar Sounds habitualmente está formada por tres conciertos de unos 20 minutos cada uno, en el que participan bandas o cantautores de variados estilos musicales, desde indie o folk, hasta rock, pasando por la música electrónica experimental. Las únicas tres reglas que se deben cumplir, y que entroncan con la filosofía creada por el Sofar London, son: uno, se debe llegar a la hora; dos, no se debe abandonar la sala a media sesión y, tres, está totalmente prohibido hablar mientras dura el espectáculo. El resto es simplemente dejarse sorprender por las bandas y gozar de la experiencia en buena compañía, comulgando con el ‘buenrollismo’ que se genera en cada Sofar.
De cañas cumpleañeras con Sofar Barcelona En nuestro país, Barcelona tiene su propio Sofar desde febrero del 2013, y Madrid inauguró el suyo a finales del año pasado. El Sofar Barcelona celebró su primer aniversario de vida el pasado 28 de febrero, con una sesión doble de dos conciertos cada una que llenó de buena música cada rincón de la Blueproject Foundation, un centro de arte + restaurante situado en la calle Princesa del barrio del Born. Por primera vez en la historia del Sofar Barcelona, la sesión se celebró en una sala prestada lo suficientemente grande como para albergar a unas cien personas. La revista We estuvo allí, disfrutando del sonido garage de Santa Rita, la psicodelia de Dead Parties, la electrónica experimental de Ocellot y el indie rock al más puro estilo noventero de Me and the Bees. Las cuatro bandas barcelonesas fueron las encargadas de poner el ritmo y la melodía de una celebración que se alargó cerca de cinco horas. Lástima que la estructura de la sala no acompañara demasiado a la acústica, sobre todo para los que se encontraban en las últimas filas. Acústica a parte, al terminar los conciertos pasaron la gorra de toda la vida -o una propuesta de taquilla inversa, como lo llaman ahora-, para que cada asistente decidiera qué precio poner a la experiencia Sofar. Cabe decir que fuimos generosos, ya que éste es el único medio de financiación de un proyecto que requiere de la participación de gran cantidad de profesionales de disciplinas tan diversas como son fotógrafos, técnicos de sonido e imagen, trabajo de postproducción, organización de eventos o montaje de cada concierto. Se trata de un proyecto que requiere muchas horas de trabajo antes, durante y después de cada sesión, por lo que los seis
integrantes de Sofar Barcelona se combinan las tareas propias de la vida cotidiana con el trabajo que supone organizar un evento de esta envergadura. Al final, la perseverancia, la tenacidad y la insistencia siempre acaban recompensando a aquellos que disfrutan de su trabajo. Una muestra de esta recompensa ‘kármica’ es el éxito rotundo alcanzado por el Sofar Barcelona. A lo largo de este año de vida, por sus escenarios clandestinos han desfilado artistas de la talla de Núria Graham, El Último Vecino, Siward o Wind Atlas, entre muchos otros. Además, hemos tenido la oportunidad de descubrir muchas otras bandas que de otro modo no hubiéramos conocido, como son Mates Mates, Berlinist, Mujeres u Orchestra Fireluche. En noviembre de 2013, el Sofar Barcelona vivió uno de los momentos más emocionantes desde sus comienzos: la actuación del grupo de Cassie Ramone, Vivian Girls, la primera banda internacional que pisa sus escenarios. ¿Será éste el inicio de una nueva etapa? Todo apunta a que sí. Por nuestra parte, estaremos atentos a sus pasos, no sea que vayan demasiado rápido y nos perdamos la oportunidad de poder vivir una auténtica experiencia Sofar. Texto: Laura Carrera Buxens Fotos: Max Segura Fotos: Fede Nieto
Texto: Laura Carrera Buxens Foto: Sergi Moro
Anna Fernández es una de los seis responsables de que Sofar Barcelona lleve un año trayendo buena música a los salones de las casas de la ciudad condal. We ha tenido la oportunidad de hablar con ella. Esto es lo que nos ha contado.
conciertos de Barcelona. Los interesados deben hacer click en la fecha y mandarnos un correo diciendo que están interesados. Si son seleccionados, recibirán las indicaciones y la información la misma semana del evento.
WE. ¿Nos podrías explicar cómo funciona la organización de Sofar Barcelona? Anna. Sofar Barcelona está formado por un equipo de seis personas. Unos se encargan de la producción (buscar y contactar con los pisos, coordinación, vídeo, foto y audio); también contamos con el equipo de booking, que se encarga de seleccionar y contactar con las bandas, así como de programar las actuaciones, y el equipo que se encargan de la gestión de redes sociales, y todo lo que tiene que ver con la gestión de las invitaciones y la lista de asistentes.
W. ¿Cómo surgió la idea de empezar Sofar Barcelona? ¿Crees que lo podemos considerar un nuevo movimiento, es decir, una nueva forma de entender la música y, en definitiva, la experiencia artística? A. Comenzamos el Sofar en Barcelona porque lo trajo Mary Elizabeth, que venía de Estados Unidos. Ella ya lo conocía y quiso que se celebrara también aquí. La idea era empezar e ir viendo cómo sucedía todo. Y la verdad es que desde el primer momento engancha. Habíamos escuchado hablar, pero entonces fue cuando nos dimos cuenta de lo especial de la experiencia y, claro, decidimos seguir adelante. ¡Y que dure! Sí que creemos que se puede considerar un movimiento. Sofar comporta una actitud y una voluntad por parte del público, que quiere descubrir grupos nuevos. Ir a un concierto sin saber quién tocará y, una vez allí, mantener ciertas reglas de respeto, hacen que se cree una atmósfera muy especial. No hay escenario. La proximidad artista-público es fundamental, la gente está sentada en el suelo, nadie habla… todo ello hace que la música sea la auténtica protagonista.
W. ¿Cómo seleccionáis las bandas? A. Básicamente, estando al día de lo que pasa musicalmente en Barcelona e intentando que eso se refleje en los Sofars. Es importante saber qué grupos emergentes hay y qué novedades sacan los grupos más consolidados. W. ¿Cada cuánto celebráis conciertos? ¿Qué tenemos que hacer si queremos participar de una experiencia Sofar? A. Celebramos conciertos una vez al mes. Para apuntarse a nuestros conciertos tienes que recibir nuestro newsletter mensual, registrándote aquí: http://bit.ly/Sofarsignup. En el newsletter aparecerá la fecha prevista para los
W. El primer Sofar se celebró en Londres en el año 2009. ¿Existen algunas pautas que vengan impuestas desde el Sofar London, o tenéis autonomía a la hora de funcionar? A. Desde Londres nos vienen dadas ciertas directrices,
pero somos muy independientes. Tenemos total decisión respecto a las fechas, los pisos, los grupos… creemos que esto es lo que hace que cada Sofar sea diferente en cada ciudad donde se realiza, ya que es un reflejo de la propia escena musical del lugar. El Sofar Barcelona ha dejado su propia huella con los grupos que ha ido llevando y con nuestra propia forma de ser. W. Otros Sofars han retransmitido algunos de sus conciertos en directo por la televisión, como es el caso del Sofar New York a través de la cadena NBC. ¿Habéis pensado en darle un poco más de difusión? A. Nos gustaría mucho, ¡claro que sí! Pero el hecho de que sean conciertos secretos condiciona mucho su promoción, ya que no se puede anunciar el cartel con suficiente antelación. Sofar se debe al boca-oreja, la promoción la hacen los mismos asistentes, que cuentan la experiencia a sus amigos. Queremos ir poco a poco. No tenemos prisa para darnos a conocer. W. Sofar London celebró el año pasado su primer Sofar+, un festival que costaba unas 12 libras y que funcionó tan bien que el próximo 26 de abril se celebrará una segunda edición. ¿Habéis pensado organizar un festival anual de Sofar Barcelona? ¿Por qué no aprovechasteis vuestro aniversario para celebrarlo? A. Sí, la idea existe. Tenemos muchas cosas en mente, pero todo lo iremos viendo con el tiempo. El primer aniversario no creíamos que fuera el mejor momento para hacerlo. En Londres llevan tres años, es donde todo empezó. Aquí vamos a otro ritmo. Llevamos un año y estamos muy contentos con el resultado. Queríamos que
el aniversario, a pesar de acoger más gente, conservara la esencia Sofar. W. En las últimas ediciones habéis apostado por buscar el equilibrio entre grupos emergentes y bandas un poco más consolidadas. ¿Tenéis pensado seguir con esta tendencia en el futuro? A. Sí, la idea es equilibrar los grupos que traemos a Sofar entre grupos emergentes y otros más consolidados. Por otro lado, también tenemos la intención de seguir apostando por las bandas internacionales. Podréis ver los avances en el próximo Sofar, que se celebrará el 28 de marzo.
Fotocollage y texto: Laura Sin Co
No todo tiene que encajar. No todo tiene que tener un principio o incluso un final. La trayectoria puede tener sus saltos. Caerse de un quinto piso no es sinónimo a tener que levantarse. Game over es mera estrategia para empezar una nueva partida. Creer en esto es lo mismo que pensar en silencio así que en un sentido escéptico, puede que sea.
Ilustraciones: Larraitz Bikandi