WE 15

We are… a network El viejo dicho “la unión hace la fuerza” está actualmente viviendo una segunda juventud. Si algo hemos aprendido los jóvenes-a-los-que-la-crisis-está-dejando-sin-futuro es que

1. Sí hay un futuro, a lo mejor no lleno de coches y pisos con paredes de pladur, pero, ¿quién necesita un coche teniendo bicicleta? Y las paredes de pladur... ¡son de papel! y también que

2. Nadie nos va a regalar nada, así que, ahora más que nunca, es momento de ayudarnos entre nosotros: colaborar en proyectos, compartir recursos, intercambiar conocimientos, creer en nosotros y, lo más importante: quererse. Como dirían en Asturias: “Hay que querese”.

Y es que, amig@s, nuestra experiencia nos ha enseñado que no podemos esperar que nos lluevan los trabajos y los dineros. Como muy bien sentencian las madres, “que yo sepa, nadie regala nada”. Eso ha sido siempre así. Pero vivimos en una época de grandes e increíbles avances tecnológicos que los jóvenes-a-los-que-la-crisis-estáSUPUESTAMENTE-dejando-sin-futuro debemos aprovechar.

Ahora tenemos a nuestra disposición herramientas que facilitan lo de colaborar en proyectos, compartir recursos e intercambiar conocimientos. La informática y los nuevos medios de comunicación lo hacen más sencillo, pero esa ayuda mutua debe darse también a nivel físico.

Online u offline, igual da, lo importante es formar redes de colaboración e intercambio, cooperar de manera que se creen sinergias con beneficios para todos.

En otras palabras: do it yourself.

Por eso, desde esta revista abogamos por unirnos para ejercer una fuerza conjunta contra quienes se empeñan en quitarnos nuestro futuro, por ayudarnos entre nosotros en nuestros proyectos, por seguir creyendo en que los sueños se hacen realidad… Y por quererse, hay que querese.

EDITA Revista WE Depósito legal: S-633-2008 DIRECTOR CREATIVO Fernando Luis Gómez fernandoluis81@gmail.com CORRECCIÓN DE ESTILO Lucía Jiménez Iglesias luziawe@gmail.com COLABORAN EN WE número 15 María Cuadrado, Tristán de Monegros, Laura sin Co, Mariana Luis, Inés Carrasco Scherer, Cristina López, Fernando Luis, Daniel Ramos, Fred-Ley, Carla Guerra, Marcos Ramos, Mª José Amador, Laura Amago, Lucía Jiménez, Beatriz G. Albuerne, Laura Carreras y Federico Luis.

Portada: Fernando Luis.

Contraportada: Fernando Luis.

Contacta con WE: revistawe@gmail.com http://issuu.com/revistawe We no se hace responsable de las opiniones de sus colaboradores, ni de las opiniones que de ellas deriven.

MarĂ­a Cuadrado

Texto: Tristán de Monegros Fotos: Laura sin Co

Canales vibrantes de oscuridad en la oscuridad.

Meridiano de estaciones uniendo vidas paralelas, que nunca llegan a tocarse.

Traqueteo mudo y el pasar sin movimiento de las sombras.

Una torre de marfil hundiéndose imparable.

Nadie más mira fijamente su reflejo en la ventana, nadie más se ve en la soberanía del vacío.

Pero todos lo saben en secreto y fingen.

El desconocido no cumple una función, no hay opinión, u opción posible, es un cascarón de potencias insólitas que no veremos.

Las vidas paralelas no se tocan, pero se pueden mirar en silencio.

Otro cajón desastre más en que guardar la madeja pútrida e imposible de la vida.

Un vaso más de anhelos y soledades.

Y hay un pasar insondable

En esta masa de islas que casi vibra un pitido carmesí en el vértice del alma Hallados por accidente cotidiano compañeros impredecibles, insospechados inalcanzables ¿vacíos?

Perpetuos La mirada, soslayada en distancias opacas deviene una tormenta de silencio.

Murmullos que gritarían: socorro, no me mires, mátame... vivo.

Fragmentos astillados de amantes, de necios, de imbéciles y sabios eternos, errores, victorias, derrotas y aciertos.

Todos parecidos en nada a la infinidad, pero todos con el mismo final.

Llueve ceniza en esta caja de hierro.

Vidas paralelas entran y salen del metro, sin tocarse, apenas sin verse.

Y estamos solos.

El mundo termina conmigo.

Y estamos solos.

MarĂ­a Cuadrado

¿Desde cuándo unos Louboutins son más cómodos que unas Nike air?

Parece ser que los suburbios de Nueva York tomaron Manhattan, Londres y París por sorpresa (o sin ella). En esta última, aparentemente se colaron en los altiers de las casas de alta costura para traernos un street style lleno de chaquetas abombadas, pantalones con tela de chándal y sudaderas, todo, esto sí, con los mejores acabados y con divertidos puntos de cruz. Lo mejor es que los looks se complementan con un colorido par de zapas Nike air, Kenzo para Vans o New Balance.

Sin coincidencia.

Las casas de alta costura han abierto sus puertas para un refrescante futuro de la mano de nuevos talentos como Raf Simons para Dior, quien, a pesar de tener su propia firma, ha hecho proyectos para Adidas y con la reconocida marca de los laureles Fred Perry. Simons, a pesar de ser conocido por ganar su lugar como representante de Dior, está en boga entre los raperos gracias a que A$AP Rocky pose y diga que viste de Simons y de Dior homme.

A la vez, quien marca su nombre con tan sólo 29 años en los talleres de alta costura es el joven Wang. Se dice que la llegada del chico neoyorquino Alexander Wang, reconocido mundialmente por su estilo street-luxury-wear / sport wear, a París, no causó el impacto que en su día causó Nicolas Ghesquièrés al mando de la casa Balenciaga. Aún así, sabemos que la colección debut de Wang marcará historia, pues conservó perfectamente la línea de diseño que caracteriza a Balenciaga y supo integrar las nuevas tecnologías y tejidos creando una colección simple, lujosa y monocromática.

Antes he mencionado brevemente a Kenzo, quien sin duda es uno de los más importantes referentes de París para la calle. La colección Resort 2013 fue brillante; las prendas eran la perfecta combinación de high fashion con street style. Esto, gracias a que supieron escoger a sus colaboradores de accesorios. En calzado, fue Vans quien puso sus clásicos modelos slip-on y van doren estampados con los más chillantes colores que también fueron plasmados en gorras de la famosa marca New Era. Esta colección sigue siendo un best seller, pues está al alcance de todos. Y lo más importante es que nos recuerda, y les recuerda a los grandes de la moda, el poder de la calle.

Mariana Luis

Inés Carrasco Scherer

Ya que en la mitad de Europa la primavera rehúsa llegar, y en su lugar lo único que parece avecinarse es más frío, más lluvia y (Dios nos libre) más nieve, he tenido que inventarme cosas que hacer, ver, leer y pensar para no dedicarme a llorar. He aquí la lista de dichas cosas.

Escucha

Ve

Lee

Celebra

La diferencia entre oír y escuchar es que se oye sin querer y se escucha con propósito. Tomando esto como principio, recomiendo escuchar al nuevo genio del rap, Kendrick Lamar. Su álbum, Good kid, m.A.A.d city salió a la venta en octubre del año pasado, pero como soy lenta con estas cosas, lo llego a recomendar hoy. Producido por campeones del medio como Dr. Dre, Pharrell Williams, y Just Blaze (entre otros), este disco cautiva con cada canción. Las 17 canciones narran la juventud y adultez de Kendrick, con análisis introspectivo y letras poderosas. Más que nada, este álbum nos recuerda que el rap puede ser divertido, ligero, político, inteligente y con substancia, todo al mismo tiempo. Aunque podría haber sido la tipíca historia del chico en el ghetto, Lamar le inyecta una inteligencia y creatividad innovadoras a sus rimas. Oír las canciones en orden es un verdadero deleite narrativo, el disco se escucha como un libro y las canciones se siguen como capítulos. Maravilloso, hasta para los que no procuran el género. (Si sólo escuchas una, escucha ‘Sing About Me, I’m Dying of Thirst’).

Para seguir con el tema japonés, recomiendo leer a Haruki Murakami y a Yukio Mishima. Mishima es considerado uno de los escritores más exitosos del Japón de la post-guerra y El Rumor del Oleaje (1954) nos invita a reflexionar sobre la modernidad y la tradición. Aunque se basa en Japón, las ideas pueden aplicarse a cualquier lugar, y Mishima es un maestro de la escritura, lo cual hace de este libro un tesoro literario. De Murakami, ¿que más se puede decir que no se haya dicho? Recomiendo su libro de historias cortas, Sauce Ciego, Mujer Dormida (2006); bello y triste, pinta un Japón diferente al de Mishima, pero sin duda con una nostalgia similar.

Inspirada por un proyecto del Japón contemporáneo, recientemente vi el documental, Jiro Sueña con Sushi (2011). El documental se basa en Jiro, dueño de un pequeñísimo restaurante de sushi en Tokyo. El local no tiene más de una docena de lugres, y sin embargo, los comensales reservan con dos meses de anticipo para poder darse el lujo de probar el sushi de Jiro. Los ingredientes son simples, pero la preparación es exquisita.

Todo tiene un método infinitamente preciso y todo se hace a la perfección.

Jiro comparte el secreto de su éxito con la audiencia: para vivir una vida ‘honorable’, uno debe dedicarse a su trabajo y nunca dejar de perfeccionar su obra. Jiro vive por hacer sushi y su pasión es contagiosa. Este es un documental para revivir los ánimos de seguir adelante y para inspirar un viaje a Japón – o por lo menos al sushi de la esquina.

La retrospectiva del gran Bowie abrió sus puertas a dedicados fanáticos hace algunos días en la capital inglesa, bajo el nombre de David Bowie Is (David Bowie Is, 2013). Yo digo que David Bowie es una locura auditiva y visual, así que aunque no puedas visitar la exhibición en persona, recomiendo celebrar la vida, música y estilo de este icono viendo su terrible clásico Dentro del Laberinto (1986), escuchando su nuevo álbum The Next Day y vistiéndote como alienígena andrógino porque, ¿qué hay que perder?

Come

Aunque pronto veremos portadas de revistas con las fórmulas mágicas para un cuerpo de supermodelo, y a nuestras amigas más inteligentes y capaces dedicarse enteramente a bajar X kilos para los meses de sol y playa que (supuestamente) se avecinan, yo digo que nos olvidemos de esa mentalidad por completo. Protesta estándares arbitrarios de belleza y deja de odiar lo que sea que odies. En particular, sugiero deleitar a tu paladar con la abominación de la meta-galleta: una galleta dentro de una galleta. Las instrucciones son simples: usa cualquier receta de galletas con chispas de chocolate que desees e inserta una oreo dentro de la masa. Repite hasta que acabes, mételo al horno y disfruta. ¡Qué maravilla!*

* Si mueres al tercer bocado, WE no se hace responsable.

Corría el primer decenio del siglo veintiuno cuando vi estas fotos en algún espacio del ciberespacio, cuando a mis tiernos 17 años inocentemente me sentía especial por tener mi propio espacio en el ciberespacio. Todo esto antes de que los espacios del ciberespacio, que parecían nuestros espacios, comenzaran a desaparecer y acabaran siendo los espacios de Justin Timberlake.

Mi espacio era mío y como todos mis espacios estaba lleno de elementos de diversa categoría artística, o de ninguna en absoluto, que yo subdividía en destacables o simplemente admirables sin criterio alguno y de forma totalmente aleatoria.

Pues bien, esta serie de retratos de Mike Brodie, cuyo nombre conozco ahora, unos 6 años más tarde que su fotografías, ha estado siempre entre mis favoritas de todos los tiempos del mundo mundial y muy probablemente haya sido por el misterio mismo que su autor/a entrañaba para mí.

Pero el misterio se ha desvelado y la magia se ha roto.

Ahora tengo su nombre, su web, su caralibro, puedo ver una galería completa con sus trabajos, conozco su historia, la cual me interesa pero no me importa, y hasta podría tratar de que me respondiera a algunas preguntas para publicarlas aquí o escribirle cual seguidora virtual para decirle que sus pictures are fucking awsome, ¿y qué?

Ahora he descubierto que no todas sus fotos me gustan, que muchas son de ese postureo sucio que queda tan bien en la cámara, y quizá ese punto de provocación fácil ya no me llama tanto la atención. Ahora pienso que se hubieran quedado en una galería de fotos más desfilando por mi pantalla de no habérseme puesto los pelos de punta al volver a encontrarme con esta serie de retratos que tanto me fascinaron y me fascinan.

Para mí estas fotos son muy especiales, las siento muy especiales y sé que realmente no tiene mayor importancia, pero es como encontrar la canción que te lleva días rondando la cabeza, el libro que contiene la cita que te cautivó aquella vez o que esa persona en quién te fijaste casualmente resulta tener otra conexión más relevante en tu vida.

Que os voy a contar yo si a todos nos ha pasado.

Cristina López

Modelos: Carla Guerra y Fred-Ley. Joyería: Oh My Lord.

Estilismo: Carla Guerra y Fred-Ley. Producción: Paula Alonso y Daniella Holland.

Fotografía: Fernando Luis.

Texto: Daniel Ramos Sánchez

Jesús

(Nazareth 1979-Jerusalén 2013) Rabino a tiempo parcial. Carpintero.

Activista antisistema, rey pescador, icono popular del independentismo sionista.

María

(Magdala, 1983): Primera fan de la historia, bendita entre todas las groupies.

Domingo por la mañana. Un jardín.

- ¡Rabbí, rabbí! ¡Rabbuni!

- ¡No me toques!

- Has vuelto a este jardín.

- ¿Has vuelto para buscarme? Sabías que estaba muerto, pero viniste.

- Íbamos a ser tú el nuevo Adán y yo la nueva Eva. Este iba a ser nuestro jardín.

- Me traicionaste con un beso.

- Era un beso de amor. Quizás el único amor que recibiste, hombre que predica el amor.

- Me negaste tres veces. Antes de que cantase el gallo.

- ¿Y qué ves colgando de mi cuello? El cráneo de ese gallo, que llevo ahora como penitencia.

- No estabas bajo la cruz. Sólo vi a Pedro, Juan y Santiago.

- Te vi por televisión. Saliste en todas las cadenas.

Tu hombre de piedra y tus hermanos de trueno te adoran y te utilizan, pero no te aman de verdad.

- Tu útero se secará por blasfemar. Te llamarán prostituta las generaciones.

- Nunca lo fui. Me violaron los hombres que te invitaban a comer y beber. Aquella misma noche te escribí por primera vez.

- Mi misión era anunciar el Reino de Dios.

- ¿Quién es Dios? ¿Es un hombre, es un espíritu o es un mito? Dime la verdad.

- ¿Qué es la verdad?

- La verdad somos tú y yo, rabbí. Sólo tú y yo.

Texto:Marcos Ramos Fotografía: Dooroom

“Amamos a la gente”. Así es como se define el colectivo Dooroom, que en septiembre de 2012 comenzaba sus andadas en la ciudad de Bilbao. Sofás underground, exposiciones efímeras, batallas de almohadas, conciertos improvisados y cualquier otro tipo de acto creativo que les venga a la mente son los que, entre algo de beber, buena gente y muchas ganas de pasarlo bien, amenizan la noche bilbaína.

En su última noche, Dooroom realizó un micro-evento, o microdooroom, que se desarrolló en una sola habitación.

Llenaron la sala de objetos sonoros y los asostentes fueron llevados uno a uno con los ojos vendados. “Comenzaron a generarse un montón de situaciones curiosas”, y como resultado obtuvieron la composición que titularon Sinfonía nº5 in my face. Cerraron el evento con un pequeño concierto de los también bilbaínos Last Fair Deal.

Tras asistir a alguno de sus eventos, WE ha tenido el placer de poder entrevistar a algunos de los integrantes de Dooroom. Éste ha sido el resultado: WE: ¿A qué sabe Dooroom?

Pablo Rego: Sabe a una mezcla de madera, escayola y sudor de sus asistentes.

Berta: Mucha mezcla de sustancias empapadas de salsa blanca y especias hacen del Dooroom una buena opción de merienda.

WE: ¿Cómo surge éste vuestro colectivo?

Pablo Iturriaga: Pues como la vida misma. Nos encontramos un grupo de gente ociosa y con ganas de hacer cosas, principalmente en el mundo de la acción creativa. Además, dio la casualidad de que nos caíamos bien y nos entendíamos a la hora de trabajar en equipo.

Una prueba, otra prueba, otra prueba y parece que la cosa funciona. Empezamos tres personas con la idea, le dimos algo de forma y convocamos a un montón de perfiles interesantes a ver que salía. De ahí fue surgiendo todo lo demás.

P.R.: Desde mi perspectiva Pablo Reguil, surge de las ganas de hacer algo colectivo antes de acabar la carrera.

No pensaba para nada en algo tan grande cuando empezamos. Es más, cuando Laura y yo nos reunimos con Pablo Iturriaga el primer día, no teníamos absolutamente nada sobre la mesa. Sólo nos unían las ganotas de movernos de cualquier manera. Total, que reclutamos a algunos otros y a la semana siguiente ya teníamos una reunión en toda regla.

WE: Actualmente sois 9, pero ¿como trabajáis entre todos?

P.I.: Somos 9, y llegamos a estar casi 12 personas en algún tiempo. Las reuniones se hacen en spots secretos, compartimos algo de alimento para no desfallecer, algo de líquido para hidratarnos y, en ocasiones, alguien echa mano de alguna sustancia psicotrópica. Tratamos de que haya buena música y todo el mundo hable con educación. Tras intensas horas de brainstorming, sacamos algo en claro, ya sea una acción determinada o un área sobre la que poder trabajar en adelante.

B: Somos muy tradicionales, con libreta en mano y puntos del día además de alguna latilla para no tener seca la boca de tanto interrumpirnos.

WE: En Dooroom encontramos de todo: música, arte, cocina, fiesta... ¿Cómo os lo montáis?

P.I.: Nos lo montamos bastante bien para el sarao que supone. Unos se encargan de hacer toda la compra, -normalmente entre estos se encuentra la tesorera-, otro

hace el cartel, otro contacta con los grupos y les propone la idea, otros con los artistas que nos parezcan, otros se encargan de dinamizar las redes para darle bombo, colgar la publi y, según las actividades y el piso, vamos comprobando si las proposiciones encajan. La última semana antes de la noche Dooroom suele ser una locura.

Hasta media hora antes estamos montando cosas la mayoría de las veces. 5 minutos antes de empezar, tratamos de reunirnos y dividir tareas para que nadie se tenga que comer todo el trabajo solo, y después intentar ser lo mas responsables que podamos y cumplir nuestro cometido, ¡pasándolo bien, claro!

B.: Nos parece todo fantástico cuando nos abordan de fiesta y nos dan sus propuestas. Es broma. Creemos que el arte puede encontrarse en cualquier disciplina, incluso cuando se va de las manos hay que ver el lado mágico.

WE: ¿Cómo elegís vuestros espacios?

B.: Creo que son los espacios los que eligen a Dooroom, luego Dooroom se encarga de transformarlos.

P.I.: Principalmente, nuestros espacios son cedidos por personas individuales que quieren formar parte de toda la iniciativa durante un día. Mucha gente piensa que sólo hacemos cosas en casas, pero hemos estado en la calle, e incluso en establecimientos. Respecto a las viviendas, son aquellas que nos ceden, y tampoco tenemos mucho donde elegir. Solemos encontrarnos con los dueños de la casa y el espacio para ver si nos convence. Queremos estar cómodos, tanto nosotros como la gente que venga a participar, por eso damos mucha importancia a los inquilinos y el entorno. Una vez elegida la casa, invertimos una buena cantidad de tiempo en preparar el espacio y elegir las acciones determinadas que vamos a llevar a cabo. Es un trabajo que debemos realizar con mucho

mimo, ya que al final las sensaciones de los asistentes dependerán mucho de lo que transmitamos.

WE: ¿Qué os inspira para seguir trabajando día a día?

P.R.: Los resultados anteriores, estar juntos ideando lo próximo y la incertidumbre del futuro. Creo que sin esa incertidumbre nos aburriríamos y lo dejaríamos.

P.I.: Realmente hacemos esto porque a nosotros mismos nos llena (como diría el Rey) de orgullo y satisfacción.

Cuando vemos las caras de la gente o escuchamos los comentarios de personas que no conocemos, se nos enciende algo dentro que nos gusta. Ver que la gente en ocasiones se tiene que quedar sin entrar a las noches Dooroom nos da mucha pena, pero a la vez nos da energía para hacerlo aún mejor. Además, encontrarnos entre nosotros de vez en cuando para ponernos al día, enseñar influencias (venimos de mundos muy diferentes) y, en definitiva, generar una escena artístico-creativa más interesante es una motivación suficiente. El día que percibamos que el proyecto debe terminarse, lo dejaremos morir como toda obra, pero ahora mismo la motivación es seguir con el desarrollo creativo. Por supuesto, no hay motivación económica alguna.

WE: ¿Cómo veis el panorama creativo de Bilbao y del resto de España?

P.R.: Muy variado, interesante, no interesante, poco variado, en ebullición, estancado, de mentira, muy real, serio, juguetón, loco, no loco, escrito, no escrito, ordenador, no ordenador, hola, no hola, etc...

B.: Difícil, muy difícil. Yo como creadora que intento buscarme la vida lo veo realmente complicado. Tal vez tengamos la suerte de movernos por Bilbao que tiene más tradición artística que otras ciudades, aunque también es verdad que las tijeras afectan a todo, y sobre todo a las

ayudas. La mayoría de las ayudas vienen de instituciones privadas las cuales nos hacen competir entre nosotros como buitres a la carroña. Cada vez menos y en peores condiciones, aunque yo soy optimista y creo que el que la sigue la consigue, y que si se lucha puedes llegar a poder vivir de ello (o eso quiero pensar).

P.I.: Todo depende de qué se entienda por panorama.

Todo lo institucionalizado tiene un punto a rancio, que si bien no afecta a la calidad de lo que se ofrece, sí que se percibe en el formato y la verdad de lo que ocurre allí dentro (la interacción artista-obra-espectador). Y España es, lamentablemente, un territorio donde mucha gente pelea por institucionalizarse. En el mundo de la música, en los videojuegos, o incluso en los medios de comunicación se ha despertado una corriente independiente de los poderes “heredados” que han generado escena por sus propios medios y aportan puntos de vista diferentes, abriendo todo un camino nuevo de mercado, por supuesto, pero también de aporte de valor creativo.

En el mundo del arte, posiblemente, y pese a que hay muchísimo nivel, las vías principales siguen copadas por viejos estereotipos y modelos. En Dooroom apostamos por vías diferentes, no sabemos si mejores o peores, pero sí diferentes.

WE: ¿Creéis que son muchas las dificultades a las que se enfrentan los colectivos de arte que desarrollan sus actividades al margen de museos y galerías?

P.I.: ¿Muchas? No. A priori, no depender de nada ni de nadie nos hace más libres, y las dificultades aparecen, en teoría, cuando algo te reprime o te obliga a hacer algo de una manera. Nuestras limitaciones máximas son el espacio y el tiempo, algo con lo que malamente puedes jugar en ninguna otra liga creativa. A partir de ahí, somos 9

cabezas pensando y haciendo, sin prisa pero sin pausa, algo bello como acción en sí misma y que además aporta un valor, de ocio, creativo, o de interacción entre individuos que se sienten interesadas por las mismas cosas que nosotros. No tenemos mucho dinero, esto está claro, pero tampoco nos hemos visto limitados por eso. De todas maneras, conviene aclarar un tema: Dooroom no realiza su acción al margen de museos y galerías, o no hace esto de “manera militante”, es decir, nosotros hemos creado una vía distinta de expresión artística porque consideramos que era necesaria y porque es nuestra manera de expresarnos. Esto no quiere decir que seamos “outsiders”, “indies” o cualquiera de estas etiquetas. En las galerías y museos ves cosas maravillosas y cosas nefastas, sin embargo, la interacción es lo que bajo nuestro punto de vista se queda pobre y ahí es donde nosotros tenemos un producto fuerte. Todo asistente a un evento Dooroom está formando parte de la obra, es uno de los colores de nuestra paleta, el ratón del ordenador, la neurona que se queda perdida o el pincel, está haciendo la obra, es parte de un cuento. Por eso funciona.

P.R.: Todo depende de tus pretensiones. Si quieres hacerte rico lo tienes chungo, aunque es posible. Si sólo quieres jugar, es muy fácil.

WE.: Y por último, ¿cuáles son los planes de futuro de Dooroom?

B.: Tiene mucho que recorrer todavía. No es lo mismo el futuro de los integrantes que el futuro de Dooroom.

P.R.: Hacer una reunión la semana que viene. A partir de ahí, es todo demasiado oscuro y pantanoso.

P.I.: Hablar de futuro sería ser médium, y no lo somos. Si nos preguntas en qué trabajamos ahora, sí que te podemos contestar: preparamos con ganas alguna acción de

calle de la que no podemos dar mucha información.

Intentamos definir una acción en clave más social que, de salir, sería una obra de desarrollo largo e intenso Además, elaboramos con mimo una próxima noche llena de magia. Y, por supuesto, seguir llenando de buen rollo a cada una de las personas que nos encontramos por la calle.

Intento sonsacarles algún dato sobre su próximo evento, pero son una tumba: “Respecto al próximo evento, no podemos adelantar nada. Estamos en procesos de negociación. Hay muchas variantes y estamos a la espera. Pero no ofreceremos nada mediocre”, nos dice Pablo Rego.

Mientras tanto, si queréis participar en una de sus noches Dooroom, colaborar con ellos o enteraros de sus últimos movimientos, noticias, opiniones e idas de olla, podéis hacerlo a través de Facebook, Twitter y Tumblr.

Contacto: Email: dooroomcollective@gmail.com Facebook: Dooroom Collective Twitter: @dooroomcol Tumblr: www.dooroomcollective.tumblr.com

“I’ve known these guys for a few years but I feel as if I have no idea about their music… So, how the hell I dare to write about WAVEn400?”

I was thinking about that when I decided to play their debut EP, fully self-produced and released last November, and it helped me greatly to get started! I have been stuck for the last few days trying to write something remotely readable in a language that is not my mother tongue and to be honest, it hasn’t been easy. Thankfully, their melodies have inspired me, hallelujah!

I’m listening to Sunblind now, a song recovered from their previous project. Three of the band members started out as musicians in a band called Aye Aye back in the year 2007.

After achieving a well-deserved recognition in Bristol’s music scene they took the plunge for a change, and a new member appeared on the scene. Soooo...

They moved on, the four of them eager for new experiences and determined to experiment, and here they are, welcome: Wave n400! Hurrayyyy!!

WE had the chance to talk with Pablo, the guitarist and the voice in the band, about the Wave and it’s effects. Let’s get started!

Despite getting to the top with Aye Aye, you decided to leave the lemur out of business. Are you missing him?

Yes, sometimes, sure thing it was a nice romance.

Why “WAVEn400”? I’m intrigued… It’s such a puzzling name!

The N400 is part of the normal brain response to words and other meaningful (or potentially meaningful) stimuli, including visual and auditory words, language signs, pictures, faces, environmental sounds, and smells. We like that.

In a few years time, do you see yourselves living off your talent?

I tend to think like a football player here, step by step, the next match and all that.

WAVEn400 debut EP has just been released! Tell us about the experience of recording with Toybox Studios in Bristol.

It was good yes, nowadays we are going to give it a go to record ourselves.

How are your concerts going, is the band feeling all right on the stage already?

We are adding songs to the set, slightly more energetic than previous ones, last gig at Start the Bus was good despite of a 2 month stop. We´ll have to tell you in April because we have 6 gigs coming.

To create a song, do you always follow the same steps, like a process? Or is it more like an inspiration wave?

You have to be methodic to compose a song, repetitive steps are needed of course, inspiration is the stimuli of the mind, is just a part of the process then you have to work it out.

Pablo, you are the voice in the band and the one who writes the lyrics. Do you usually have something in mind that you want to write about or the story comes to you after the melody has been created?

More often I get first the melody and the feeling of the song, then it comes the hard work, threading the needle.

I have written down many lyrics but many of them won’t fit what we are doing at the time. I will use them for my own project I guess.

shoot another soon.

You have a couple of gigs in London, it seems that the wave is spreading fast! Do you think it’s a sign that you are looking to a bright future?

Yes we are recently getting more gigs outside of Bristol, which is cool because we are really looking forward to play in new cities, new audiences, and travel around with our music, that’s exciting.

It is worth visiting their blog: waven400.wordpress.com And if you wish to support the band you can either:

The band is based in Bristol, do you think the city has been an inspiration? Do you find it easier to spread your music in this city rather than in other places?

It is inevitable that the city, the people, the experiences you live will have an influence on you, but I don’t think Bristol is that important in terms of inspiration. What is great about Bristol is that there´s a strong music activity, I couldn’t compare with other cities.

Your first video clip, the one for Notorious World, was shot in an abandoned jail. Did you enjoy the experience?

Yes, thanks for asking about that! It was good fun overall cause we did it all ourselves. We are looking forward to

Download their EP from Bandcamp waven400.bandcamp.com/album/wave-n400 “Like” them on Facebook www.facebook.com/Waven400 Or “Come to our gigs!!” as they like saying

Laura Amago

Lucía Jiménez

Resulta fascinante conocer a una persona con tanto talento y en tantas disciplinas diferentes. Alguien como Nerea, que dibuja, pinta, es performer, artista urbana, interviene el espacio… y se siente cómoda en cualquiera de estos ámbitos. Tal y como ella misma afirma, “depende todo del momento y de lo que quiera plasmar o con lo que me apetezca más trabajar en ese instante”.

Asturiana, de Somiedo, Nerea S. Lorences ha adquirido su rica formación en artes plásticas y escénicas a base de esfuerzo, constancia y viajar, mucho viajar. “Lo que vives es lo que te construye como individuo. En Galicia hice mi primera performance, en Holanda mi primer graffiti, en Bilbao me empezaron a interesar los espacios abandonados... es un suma y sigue de experiencias, de gentes, de comidas, de lugares…”. Lugares a los que hay que añadir Augsburg (Alemania), Glasgow (Escocia), y muy pronto también Metlika (Eslovenia). En todos ellos y alguno más (Bruselas, Nueva York y, cómo no, Asturias) ha realizado Nerea exposiciones, individuales o colectivas, performances y otras intervenciones.

Pero volvamos al origen de todo esto, que se encuentra no sólo en Taller 3 -una escuela de Oviedo donde, de niña, Nerea dio sus primeros pasos artísticos haciendo cerámica, escultura o teatro-, sino, tal como ella afirma, al arte urbano. “Todo empezó en el arte urbano, es la base

de todo lo que he ido haciendo después”. Y es que a esta artista multidisciplinar le interesa especialmente reactivar espacios abandonados a través de la intervención artística. “Para mí los lugares abandonados supusieron un punto de partida, una estrategia para poder trabajar en la calle sin riesgo de ser multada, sin necesidad de permisos y con total libertad, ya que suelen estar en la periferia y en sitios donde apenas hay vigilancia”.

Unas intervenciones que pronto se llenaron de mensaje.

“En cuanto tomé contacto con ellos me invadieron una serie de preguntas sobre el porqué del abandono; empecé a leer sobre urbanismo y cómo en la mayoría de los casos se debe a estrategias políticas y económicas, con lo que mi planteamiento inicial cambió, y pasé de trabajar prácticamente escondida a hacer una llamada de atención sobre esos espacios”.

Esto se percibe perfectamente en Ruina sobre ruina, la obra de la asturiana que recientemente ha sido seleccionada para la XXIII Muestra de Artes Plásticas del Principado, y en la que la artista centra su atención en un muro medianero. “En Ruina sobre ruina se representa un muro medianero. Siempre me han llamado la atención, son espacios muy peculiares: donde antes había una casa, de un día para otro la tiran y aparecen un solar y una pared que nos muestra partes de esa casa. Espacios

z

que anteriormente eran privados, casi íntimos, pasan a ser exhibidos a todo aquel que pasa por delante. Se da la peculiaridad de que estos espacios nacen como algo eventual, pero al explotar la burbuja inmobiliaria parece que se van a quedar así por mucho tiempo, pasando a ser algo muy característico en las calles actuales”.

Otra vertiente imprescindible del arte de Nerea S. Lorences es la performance. Algunas de sus acciones, como No soy inmune, dejan entrever las líneas generales de su obra, muy relacionada con el espacio urbano y los recorridos. “En mis performances hasta ahora me interesa mucho la idea de recorrido, recorridos entre espacios o en el espacio, por lo tanto, sin espacio urbano no hay performance. En otras ocasiones cuando he realizado alguna performance o happening en espacios más convencionales he intentado que apareciera el espacio urbano de alguna manera en la obra, bien a través de vídeos o fotografías”. Un espacio urbano, que, por cierto, Nerea ve hoy con grandes posibilidades: “en este momento de revueltas sociales donde se reivindica la calle como un espacio propio del pueblo, es donde se están articulando las propuestas más creativas, no sólo a nivel pictórico o de intervención, sino también trabajos que mezclan el arte con el contexto social. Por otro lado la popularidad de artistas como Bansky o Space

Invader, entre otros, hace que la gente conozca y respete cada vez más esta disciplina, y los nuevos medios de comunicación nos permiten la difusión y el conocimiento de obras que de otra manera nos perderíamos”.

Aunque el panorama artístico actual no resulta muy halagüeño, la artista asturiana no deja de ser optimista y asegura que “aunque la vida del artista siempre fue mísera -con la crisis sobrevivir se está convirtiendo en algo bastante asfixiante-, se están dando respuestas colectivas muy interesantes, inventándose nuevas fórmulas, redes y sinergias que están paliando la problemática del panorama artístico actual y que son realmente esperanzadoras”.

Por ahora, Nerea S. Lorences se va un año a Eslovenia, donde trabajará en proyectos que ayudan a la integración de los jóvenes a través de la cultura. La artista no descarta regresar a Asturias para continuar con sus proyectos propios y los del colectivo artístico Paraíso (Oviedo), del que forma parte. Pero por ahora, Nerea se centrará en sacar el máximo partido de ese nuevo lugar, otro más para adquirir sensaciones, absorber experiencias y seguir desarrollando su gran talento. www.esnalando.blogspot.com.es

Lucía Jiménez

Beatriz G. Albuerne

I’ve just finished watching the second series of American comedy drama Girls (HBO) and I have to admit that I really enjoyed it!

The topic of young women falling in love, messing up and getting in trouble, is quite a widely seen subject that, let´s face it, most of the time ends up in cliche, unwatchable dramas (ie. Skins, Gossip Girl...) So far with Girls, there seems to be something slightly new and fresh about it (fingers crossed it stays like that for another couple of series at least).

For a start, the characters are quite interesting. Their personalities are easy to relate to, nothing too far from the world we all live in but with added bits of quirkiness that make them attractive and funny. The ‘pretty girls’ are no longer in charge, in my opinion they are the less interesting ones, whereas the main character Hanna (Lena Dunham herself) and the secondary Shoshanna (Zosia Mamet) are absolutely fantastic and hilarious.

Their life isn’t glamorous, nor too easy or too difficult.

Friendship, relationships and adult life are the main pillars of this comedy drama, full of embarrassing moments and scenes that everyone has probably experienced at some point in their transition to adulthood. There’s no pretentiousness and you could agree that the series quite accurately represent their current generation.

Lena Dunham (New York, 1986) is the creator, director and the leading actress in the series... quite intimidating I thought! So I wondered... how come this much talent??

Well, it was in her blood. Lena was brought up in the ideal environment to cultivate her writing skills.

Her mum is no less than Laurie Simmons, an American artist and photographer whose work revolves around dollhouses, ventriloquist dummies and objects on legs. Her compositions are of great creativity, studied lighting and full of intrigue.

Daddy, Carroll Dunham, wasn’t gonna be any less creative.

Although not as famous as his wife, he also has an interesting style. Influenced by pop art, his paintings and sculptures combine abstraction, cartoon and more often, explicit sexuality.

This artistic environment probably helped Lena and her younger sister Grace (poet and actress) to became very opened about sexuality, naked bodies (and minds) and all life matters in general. This honesty clearly shows in Lena’s scripts and acting which I consider the key for the success of the series. So... watch out for this one cause I believe she’s got lots of potential and I would expect to see a lot more from her (as if we hadn’t seen enough so far). *Before Girls, Lena had already written and directed a feature film Tiny furniture (2010) where her real mum and sister play the roles of themselves. This film, shot on the Canon 7D and with quite a small budget, already set the bases of her very own style that we see later more developed with Girls.

Cuando pensamos en Copacabana, pensamos en una playa de arena blanca en las orillas del Atlántico, la de Río de Janeiro, en Brasil. Pero en realidad existen más de media docena de lugares repartidos por diferentes países de América Latina que llevan este nombre. Argentina, Brasil y Perú tienen su propia Copacabana, pero todas ellas deben su nombre a una y, más concretamente, a su impresionante santuario erigido a mediados del siglo XVII, cuya capilla principal alberga la milagrosa Virgen de la Candelaria, la cual cobró tanta fama en Latinoamérica que el resto de lugares la acogieron, creando así sus propios santuarios.

Y esta no es otra que la Copacabana boliviana, en el distrito de la Paz, a las orillas del Lago Titicaca. Bañada por las aguas celestes y turquesas del lago navegable más alto del mundo, Copacabana ha sido testigo de historias gloriosas. Cuna de mitos y leyendas chiripas, aimaras, tihuanacotas e incas, Copacabana es famosa por sus celebraciones religiosas mestizas, a caballo entre la religión cristiana impuesta por los colonizadores españoles y las tradiciones indígenas de culto a la pachamama, los elementos y los fenómenos atmosféricos. Pero no hace falta visitar Copacabana en un día festivo para darse cuenta de esta mezcla: sus calles y sus plazas llevan nombres aimaras, pero también de santos cristianos; y hay en sus gentes esa mirada que te avisa de que alguna cosa todavía no está terminada, como si la cultura del lugar se estuviera construyendo a cada rato. Pero es en su santuario, situado en una esquina de la plaza de armas, donde uno encuentra la huella material, casi corpórea, de

este cruce de culturas y civilizaciones, y ésta es la estatua de la Virgen de la Candelaria de Copacabana.

El Santuario de Nuestra Señora de Copacabana fue construido precisamente para albergar la imagen de la virgen, y no al revés. En época de la colonia, había en Copacabana un importante centro religioso que era considerado profano por los padres dominicos que habían sido destinados a esa zona con el fin de evangelizar a los indígenas y darles a conocer la palabra divina y, sobre todo, de propagar una profunda devoción hacia la Virgen María. Cuenta la leyenda que Francisco Tito Yupanqui, descendiente de la realeza inca, convencido de que la fe cristiana era la salvación para su pueblo, juró ante Dios que esculpiría con sus propias manos una imagen de la Virgen María, con el fin de que sus hermanos copacabeños se convirtiesen al cristianismo. Pero Tito Yupanqui no sabía esculpir. Intentó sin éxito un primer esbozo en barro, pero las proporciones eran erróneas y la escultura resultó tosca e imprecisa. No contento con el resultado, viajó a Potosí para ser instruido en las técnicas de pintura y tallado de escultura, donde encontró al maestro español Diego de Ortiz y se convirtió en su alumno. Pero, por mucho que estudiara y trabajara en el arte de esculpir, Tito Yupanqui no conseguía una obra digna de ser considerada sacra, hasta que, una noche, se levantó de la cama entre sueños y vio, al lado de la ventana, una luz resplandeciente en la que se intuía la silueta de la mujer más dulce que jamás había visto.

Llevaba en sus brazos a un niño que apoyaba su cabecita en el seno de la mujer. Tito Yupanqui estuvo entonces

convencido que se le había aparecido la mismísima Virgen María para que supiera cómo la tenía que esculpir y para darle ánimos en que no decayera en el intento de contentarla. El resultado fue tan sobrecogedor que todas las personas que veían la escultura se asombraban.

Pero el pueblo de Copacabana se encontraba, alrededor del año 1580, dividido en dos grupos, los Anansayas y los Urinsayas. Ambos grupos habían sido instruidos en la doctrina cristiana, pero vivían todavía apegados a sus creencias primigenias. Las malas cosechas y las desventuras les hicieron pensar en erigir un templo cristiano para conseguir los favores del nuevo Dios. Los Anansayas decidieron crear una cofradía a favor de la Virgen de la Candelaria, pero los Urinsayas preferían dedicarla a San Sebastián. Cuentan que, cuando Tito Yupanqui llegó a Copacabana con la Virgen esculpida, ambos grupos quedaron maravillados y no tuvieron más dudas: la cofradía sería dedicada a la Virgen de la Candelaria, que, a partir de entonces, se convertiría en un mito para los llamados salvajes.

Pronto corrió la voz de la llegada de Tito Yupanqui con la Virgen de Copacabana y la gente empezó a peregrinar hacia la zona para verla. Pero ¿por qué la Virgen de Tito Yupanqui era tan especial? Otra vez la mezcla de creencias y culturas es la que hace de la escultura un icono único, casi mágico. Tito Yupanqui esculpió a la Virgen en madera de maguey, tal y como se le había aparecido esa noche, con el niño Jesús en sus brazos, pero algo hay en ella que la hace mestiza. Los rasgos de la cara son plenamente indígenas, los ojos son rasgados,

en forma de almendra, y en sus ropajes se reproducen los colores y las vestiduras propios de una princesa inca.

Y es esta mezcla lo que hizo que la gente se sintiera acongojada ante la imagen de la Virgen. Tanto es así que pronto corrió la voz de que se trataba de una virgen milagrosa, que concedía deseos a todo aquel que le rezara. Desde entonces Copacabana se ha convertido en un centro de peregrinación no sólo para los bolivianos, sino para toda la gente religiosa de América Latina.

El 2 de febrero de 1583 la Virgen llegó por fin a Copacabana y, desde entonces, todos los 2 de febrero se celebra la fiesta de la Virgen de la Candelaria, en la que toda la ciudad se viste con los colores de la nación y sale a las calles a bailar danzas tradicionales, siguiendo a la virgen en procesión. La escultura que se saca a las calles es una copia, puesto que la Virgen auténtica jamás sale de su capilla, ya que se trata de una de las esculturas más antiguas de Latinoamérica.

Texto y fotografía: Laura Carreras

Texto:Federico Luis Fotografías: Rototom copyright

Por fin se acerca el verano y con él el solecito, la playita y los festivales. ¿A cuál asistir? ¿Cuál combina todos estos elementos?

Sabemos que también Collie Buddz estará allí, al igual que Anthony B, como cada año, Groundation y todos los que aún quedan por confirmar.

Bien. Empecemos de nuevo y añadamos reggae a todo esto, el ritmo perfecto para disfrutar de nuestras vacaciones en la playa, con el solecito, los colegas y los mejores representantes de la música caribeña más reconocida en todo el mundo. Los mejores DJs y sound systems en un ambiente caracterizado por la multiculturalidad europea sólo lo podremos encontrar en la 20ª edición del ROTOTOM SUNSPLASH que, como cada año desde hace 3, tendrá lugar en nuestro país, más concretamente en Benicássim.

Y para todos aquellos interesados en vivir una experiencia vibrante y diferente con el poderío de los grandes sound systems, las letras y ritmos del conscious reggae, del digital y el dub, siempre nos quedará la carpa del DUB STATION. Para la cual seguimos esperando la confirmación de los representantes de esta vertiente más comprometida con el movimiento rasta, como por ejemplo uno de los invitados del año pasado y más legendario de todos los tiempos, Jah Shaka & The Mighty Zulu Warrior.

El cartel se está llenando y las ganas de ir van aumentando. Este año, y por primera vez en el Rototom, aparecerá Damian Marley, uno de los mejores artistas jamaicanos de nuestra época, en su única actuación europea; también estarán los Skatalites, estos señores creadores del ska y precursores del reggae; Richie Spice, con su inconfundible voz y canciones que no faltan en el repertorio de cualquier selector y que, como icono del new roots, presentará sus nuevos y antiguos singles; Jonh Hold, que no necesita presentación al ser uno de los cantantes de reggae legendarios por excelencia, así como U Roy o Luciano, imprescindibles de la escena Roots and Culture.

En la edición pasada, el ROTOTOM SUNSPLASH recibió a más de 200.000 personas, 12 veces la población de la ciudad de acogida, y este año no creemos que vaya a ser menos: lets mek dis place a likkle zion!!

Cristina López

Su historia, la historia de Sixto Rodríguez como artista, es “Conmovedora” “Impactante” “Intensa e Inolvidable” “Fascinante, un must see”, tal y como reza la cartelera anunciando el documental sobre su persona, ganador en Sundance 2012 y la pasada edición del Festival In-Edit.

Bla Bla Bla...

Tras leer artículos y críticas recientes, tengo la sensación de que existe un desmesurado interés por desentrañar el misterio de la felicidad de este hombre que ha vivido su vida ajeno al éxito que su carrera como artista podría haberle proporcionado. Un interés que bajo mi punto de vista no tiene otro fin que continuar alimentando este pequeño pueblo de dimensiones mundiales devoto del chismorreo. Lo cual, debo decir que está muy bien condensado e ilustrado en “la historia más maravillosa que verán este verano (ya pasado)”, el documental de Malik Bendjelloul Searching for Sugar Man, al que toca agradecer este gran descubrimiento musical.

Pero a mí no me importa la historia conmovedora e increíble, que no deja de ser contextual, ni la figura de este gran hombre, física e intelectualmente, a juzgar por el tamaño de sus pies y la serenidad de su sonrisa.

Estas líneas están dedicadas a las letras que alumbran su persona, al discurso que se encuentra en cada estrofa, en cada estribillo, y bajo cada palabra entonada que da voz a la rebeldía y escupe sobre todos los principios del éxito

al que él nunca ha debido nada.

Sus letras son una irónica voz de desprecio hacia la condescendencia delirante de esa clase que fotografiaba hippies en los 70 y ahora publica reseñas y compra vinilos pero que no podrá alcanzar jamás un sentimiento auténtico y revelador ante la música de Seez toe, aunque así nos lo hagan creer. This is the rich folks hoax (“el engaño de los ricos”) y este engaño, como bien reza su canción con el mismo nombre, tan sólo un estúpido infantil puede creérselo.

El verdadero árbol hace ruido siempre, lo escuche o no lo escuche nadie, caiga o no caiga. La autenticidad y el verdadero éxito no se encuentra en el reconocimiento sino en poner el alma en lo que haces, sin seguir directrices ni sacrificar ideales por encima de las ventas, la fama y el dinero (no nos dejemos ningún tópico por el camino), siendo conscientes que siempre habrá alguien que sepa medirte por el rasero que te mereces.

Por eso, y respondiendo a su álbum Cold Fact sólo me queda decir: Gracias, Sixto. Gracias por el tiempo condensado entre las cuerdas y tu pluma donde se han gestado all those cold facts devolviendo rainbow colours to our dreams. Porque los acordes y las letras de tus canciones son un prisma para muchas personas, entre las que me incluyo, capaz de descomponer tu realidad en referentes para la nuestra propia.

Larraitz Bikandi