We 2 by Revista We

Inicio con mucho entusiasmo porque sé que, al menos, una persona leyó las líneas que ocupan este espacio titulado Editorial de nuestro primer número. Además, el hecho de haber presentado ante la sociedad nuestras páginas contenidas bajo el nombre de We no es cosa menor, especialmente cuando hemos sido acogidos con tanto afecto. El parto ha sido venturoso y tú has hecho la mejor parte. Gracias.

Finalmente, hemos incorporado en We una característica que le da un plus; no tiene cámara integrada ni reproduce MP3, pero ahora que el calor agobia, la puedes coger con una mano, moviendo a ritmo la muñeca como trazando un vigoroso vaivén frente a tu rostro, y obtendrás, sin gasto de corriente eléctrica, una brisa tan refrescante al cuerpo como la que su lectura entrega a tu ánimo.

Encaminados nuestros pasos, continuamos; el ordenador nos ve venir muy decididos y facilita convertir las ideas en palabras y en imágenes que la tecnología pondrá, previo paso por la imprenta, en tinta sobre papel. De pronto, una idea había surgido, la compartimos con los más cercanos, y poco a poco se fue haciendo más tangible; ahora la tienes en tus manos nuevamente. Aquel sueño se hizo realidad porque, antes que nada, creímos en nosotros mismos y porque vosotros habéis también creído.

* Hazlo Tú Mismo: Paso 1: coge una We. Paso 2: léela. Paso 3: cuando hayas acabado, ciérrala, cógela con una mano y ponla frente a tu cara. Paso 4: mueve la muñeca de derecha a izquierda ajustando el grado de velocidad al calor que tengas. Paso 5: siente en tu rostro una refrescante brisa y disfrútala.

Ahora toca continuar creciendo y es en lo que estamos aplicándonos; nos apasiona la tarea de crear y lo hacemos con entusiasmo buscando aquello que alimente el espíritu e incite a la mente una espontánea sonrisa.

Paso 3: cuando hayas acabado, ciérrala, cógela con una mano y ponla frente a tu cara.

Paso 4: mueve la muñeca de derecha a izquierda ajustando el grado de velocidad al calor que tengas.

Paso 5: siente en tu rostro una refrescante brisa y disfrútala.

Obedece al gigante Otra vez lo mismo. Y ya era la cuarta en tan sólo una semana. De nuevo, Hurley se encontraba en la calle principal de Providence (Rhode Island), en pie, frente a un semáforo, inmóvil, mirando aquella pegatina y tratando de descifrar su significado. En pocos días, se había topado con ella 4 veces, pero ya no sabía si era él quien la buscaba inconscientemente o que la cara de André El Gigante se había expandido como una plaga y había decidido perseguirle. Sin embargo, lo que realmente atraía su atención eran las 4 misteriosas palabras que acompañaban al retrato: Giant has a posse (El Gigante tiene una pandilla)… ¿Por qué? Era el año 1989, y Hurley no fue el único al que André hacía reflexionar. Un joven estudiante de diseño llamado Frank Shepard Fairey acababa de poner en marcha lo que él mismo denominó un experimento de Fenomenología. Imprimió pegatinas con la cara del luchador televisivo André El Gigante

y decoró varias ciudades con esa imagen y el texto Giant has a posse. Shepard iniciaba así una campaña callejera desprovista de mensaje, con la que simplemente pretendía despertar la reflexión en los viandantes, tan acostumbrados a mensajes publicitarios en los que todo tenía sentido. Con el tiempo, la imagen de El Gigante se propagó por ciudades de todo el mundo y Shepard realizó diferentes versiones (como en la que simplemente incluye la palabra OBEY –obedece-), hasta que la obra acabó convirtiéndose en un icono de finales del s. XX. Giant fue una de las primeras campañas callejeras en utilizar pegatinas como soporte, y su autor un pionero en esta técnica. Sin embargo, Shepard ha realizado más obras urbanas, todas impregnadas por una severa crítica social, pero sobre todo, por su peculiar estilo, una espléndida combinación del cartelismo soviético, el cómic estadounidense y el arte pop. Actualmente, Shepard trabaja para la empresa publicitaria Blackmarket y vende diseños a marcas muy conocidas. Pero al mismo tiempo, continúa desafiando a la autoridad con sus intervenciones callejeras. De nuevo, un artista que critica duramente al sistema mientras vive de él. No lo entiendo - pensó Hurley. Y se marchó. * www.obeygiant.com

Texto: Lucía Jiménez Iglesias

“Jazz es un término blanco para definir la música negra: lo que yo hago es música clásica negra” Bautizada, parida o dada a luz, lo que quieran, como Eunice Kathleen Waymon (un nombre supercomercial), Nina Simone es, aún a día de hoy, uno de los iconos más representativos del soul y del blues en EEUU. Apodada con el sobrenombre de High Priestness of Soul (Gran Sacerdotisa del Soul, rollo egipicio moderno), demostró su gran talento desde jovencita. Como casi todos los famosos ilustres de los que hablamos en esta revista (excepto Fast Food), a los 4 años ya tocaba el piano y a los 10 ofrecía recitales (y cuales), aunque por entonces también destacaba en los coros Gospel de las iglesias, que para los incrédulos e incautos van mucho más allá de Sister Act. (Eso sí, Lauren Hill nos trimola). A los 18 años, ingresó en la Escuela de Música Juilliard de Nueva York, y después en el Instituto Curtis. Sin

embargo, no era aquélla una buena época: por un lado, Nina no podía afrontar los gastos, y por otro, tampoco soportaba el racismo institucional de la gran nación estadounidense, de modo que las dos tentativas fracasaron. Pero encontraría el camino de la verdad suprema (el jazz y el soul) currando en garitos de noche para poder ganarse la vida. Y es que si en algo tenemos que ver con los yankees es en que allí también hay mucha cultura en los bares. En 1954, adoptó el nombre artístico de Nina Simone, una especie de dinozor entre el “Nina” cursi de su novio y el nombre de la actriz germano-francesa Simona Signoret, oscarizada allá por 1958 por la película “Les chemins de la haute ville”. Gracias a la versión de Gershwin I Love You Porgy, Nina entró como una exhalación en el “Top40” de EE.UU, y a partir de ese momento iba a ser difícil pararle los pies, tanto musicalmente -firmaba sus primeros contratos discográficos serios, como en la lucha antirracista y por los derechos civiles, componiendo por entonces To Be Young, Gifted and Black, Blacklash Blues, Mississippi Goddam Pirate Jenny… Todas ellas con gran fuerza, carácter político y denuncia social. En 1969, fue asesinado Martin Luther King. Una vez más, EEUU era ejemplo del mundo, y mientras la mitad de los americanos celebraba en secreto y no tan en secreto su asesinato, Nina abandonó el país cansada del racismo y de la rancia industria musical estadounidense (que pese a todo, era infinitamente mejor a la de la mayoría de los países del mundo). Casi tan arrogante como espectacular, Nina moría en 2003 en Carry-le-Rouet, la costa azul francesa, con un carácter ablandado por la edad y habiendo pasado los últimos años de su vida haciendo duetos con Raphael, algunas piezas de la BSO de El Rey León o visitando a Nelson Mandela.

Texto: Marcos Ayuken - Nuria Olmos Ruano

Lost Cada episodio, un personaje. Cada personaje, una historia. Cada historia, una mínima parte de un argumento imposible. “Perdidos” o “Lost” es, sin ánimo de ofender y con algún que otro permiso, la mejor serie creada para televisión. Esta obra maestra tiene suspense, impacto y dinamismo, todo lo que la mal llamada “caja tonta” necesita para ser un éxito. La trama de partida es sencilla: un grupo de personas sobrevive a un accidente de avión y queda atrapado en una misteriosa isla de la que no se puede salir. Sin embargo, nunca en la historia de los relatos ha habido giros y soluciones semejantes a los de esta serie norteamericana. Personas, lugares, objetos, números… Todo es susceptible de albergar un misterio oculto al que sólo el paso del tiempo y un nuevo enigma darán solución. Como ocurre en la mitología griega, en este universo todo esta relacionado. Además, el concepto de la serialidad de la historia está entendido a la perfección, y es que cuando un capítulo termina, el espectador tiene la necesidad vital de ver el siguiente. Si aún no lo ha hecho, no lo dude, cualquier momento es bueno para entrar en este fenómeno de masas. Ojo; como les sucede a los protagonistas, cuando entre en la isla ya no podrá escapar.

El clan de los irlandeses (Phil Joanou)

Las cosas no van bien para Terry en su vuelta a casa. En una operación de narcotráfico, liquida a dos tipos. Durante el tiempo que ha estado fuera, las cosas han cambiado por el barrio. Frankie, hermano mayor del mejor amigo de Terry, manda ahora en la banda. La antigua novia de Terry, también hermana de Frankie, se ha trasladado al centro y trabaja en un hotel de lujo. Para rematar la estampa, los irlandeses ahora tienen que negociar con los italianos si quieren mantener los negocios en su propia zona. En este contexto, el protagonista se encontrará ante varias encrucijadas que marcarán el transcurso de los acontecimientos. Con un guión bien cimentado, sólido, la película va tejiendo una trama que atrapa desde el principio. Sean Penn encabeza un reparto formado por, entre otros, Ed Harris, John Turturro y Gary Oldman en una cinta que nos acerca one more time al duro y sucio mundo de las bandas de gansters neoyoquinas. Un tema bastante recurrente en el cine gringo que, sin embargo, la película enfoca con un estilo original, desde una perspectiva bien construida y con un buen as en la manga que sorprenderá al espectador. Pero si todo lo anteriormente expuesto no ha satisfecho tu apetito de datos curiosos, te daré la guinda musical: en una secuencia puede escucharse de fondo “Sweet child of mind” de Guns and Roses y la banda sonora corre a cargo del mitiquísimo italiano Ennio Morricone.

Berri Txarrak

Zertarako amestu dvd documental 25 meses. 3 continentes. Un disco: Jaio-Musika-Hil (nacermúsica-morir). El grupo euskaldún nos hacía semanas atrás uno de los mejores regalos que se puede hacer a los seguidores de un grupo: el documental “Zertarako Amestu” (Para qué soñar) . Ibon Antuñano Totorika, que ya había trabajado anteriormente con la banda en el videoclip de Oreka, nos muestra con un más que interesante montaje los más de dos años de gira en los cuales los de Lekunberri han atravesado medio mundo y prácticamente todo el Estado español. 68 minutos de metraje prácticamente íntegros en b/n que sumergen al espectador en un universo de épica en lo narrativo y de gran contraste en lo puramente visual. Un documental cercano, de sentimientos. Y eso no es todo. La segunda parte del Zertarako Amestu nos presenta también un directo de 42 minutos, grabado expresamente para ello en la Sala Astra, de Guernika, hace unos meses. Por 13 euritos más gastos podéis, bueno, debéis pedirlo en la página del sello. Porque acojona. Eta lo bagaude, zertarako amestu? Ta zertan esnatu hemen ez bazaude? (Y si estamos dormidos / ¿Para qué soñar? / ¿Y para qué despertar / si no estás aquí?)

Rubia de verano Soy rubia ocasional. Casi por casualidad, no por vocación ni por accidente, por aburrimiento. Me teñí la pasada Navidad. Mi regalo para el nuevo año sería una nueva yo. Muchos por esas fechas caemos en tal error, y medio año después sólo soy medio año más anciana. Pero la pasada Navidad trajo consigo regalos más afortunados. Rubia de verano me acompañaría algunas noches de invierno en mi “pequeño apartamento” de alquiler. Cuatro, para ser exacta. Cuatro historias que componen un cómic fascinante para cuatro momentos de esplendoroso descubrimiento. Y es que los personajes que nos presenta Adrian Tomine (1974) son tan humanamente imperfectos… Desagradables y ásperos, solitarios más que les pese, geniales y únicos. El trabajo de este artista californiano recuerda por momentos al Daniel Clowes menos bestia, con personajes no tan truculentos pero igual de extraños al mundo que les rodea. Tomine escribe, dibuja y edita Optic Nerve, su propia serie de comic-books desde 1991, y gracias a este cuidado tomo de ediciones La Cúpula podemos disfrutar en España del recopilatorio americano Summer Blonde, que incluye los números 5 al 8 de Optic Nerve. En Rubia de verano, además de acosar a la vecina en un relato con este mismo título, podremos soñar despiertos con una Escapada a Hawai, ser los Alter Ego de un prometedor y obsesivo escritor, e incluso volver al instituto para salir de él por amenaza de bomba. Y todo esto acompañado de la ilustración de Tomine que, particularmente,

me gusta (y mucho), aunque yo descubrí el cómic con las novelas de Clowes… El artista dibuja aquello que narra sin temor a arriesgar en la composición de los planos y muestra al espectador las situaciones desde el lugar más adecuado. Buscando en Internet he leído que la primera traducción del título original fue “Rubia Platino” (más acertada quizá para conectar con el lector español) y yo, que desde la pasada Navidad intento liberarme del estigma que supone llevar tal tinte, pongo a prueba mi astucia con la siguiente afirmación: un buen cómic es como una película de Kubrick en versión original subtitulada, sólo que tienes que volver las hojas. Y si con esto no paso a los anales de la historia, ya sólo quedará medio año para ser morena de nuevo (o pelirroja).

El Viejo y el Mar Ernest Hemingway ¿Quién no ha tenido que luchar por sus sueños?, ¿quién no ha hecho sacrificios por conseguir sus objetivos? De una u otra manera, todos nosotros nos hemos visto en una situación similar, sufriendo en el camino mientras intentábamos conseguir algo, pero también disfrutando cuando finalmente fuimos capaces de alcanzarlo. “El Viejo y el Mar” es una novela de lucha y desarrollo personal en la que se nos muestra la historia de Santiago, un viejo pescador cubano que está pasando por una mala racha. Una mañana cualquiera, sale a navegar en su pequeña barca y, mientras espera con el cebo en el agua, un pez enorme pica el anzuelo. A partir de este momento, da comienzo una durísima lucha entre el

hombre, quien tendrá que soportar el intenso sol, la sed, el hambre e incluso el dolor físico, y el pez, que parece no darse por vencido. Este intenso enfrentamiento, en que los contrincantes parecen hacerse uno, ocupa la mayor parte de la obra y nos hace ver una clara afirmación del deseo de vivir a pesar de las frustraciones y los desengaños, así como la intensa relación que existe entre las fuerzas de la naturaleza y el hombre. Esta novela de lectura fácil, pero a la vez obligatoria, trata temas que tienen que ver con personas ordinarias con vidas normales, personas que, como todos nosotros, han de enfrentarse a sus miedos, lidiar con sus limitaciones y esforzarse por ser mejores. “El Viejo y el Mar” se trata de una novela sencilla en esencia con un toque simbolista muy especial que, con el paso de los años, se ha convertido en uno de los clásicos de la literatura norteamericana del siglo XX, situando a su autor, Ernest Hemingway, entre los iconos literarios más representativos de este periodo.

Cómic: Laura Amago Cienfuegos. Series: Víctor García Martín. Libros: Nuria Olmos Ruano. Música: Marcos Ayuken. Cine: Javier Laso.

Ilustración: Daniel Blázquez… Y su boli bic.

Uno es… Muy poco. Voy a contar hasta uno. Uno. ¿Veis? Ya terminé. Definitivamente, uno es realmente poco… Sin embargo, estoy de acuerdo con la máxima mínima de Van Der Rohe: “menos es más”, y lo puedo demostrar. ¿Qué propiedades tiene que tener algo para provocar interés? Ser escaso. ¿Y para fascinar? Ser único. En principio, parece que la idea de ser únicos no nos disgusta, incluso creo que estamos bastante por la labor y nos aplicamos considerablemente para tal fin. Sin embargo, ¿para qué? Si es una característica que traemos ya todos de serie, como el pecado original. Es tremendamente aburrido, somos todos únicos. Únicos por obligación, porque no podemos existir fuera de nuestra individualidad y sólo tenemos una perspectiva cognitiva, unitaria, intransferible, incanjeable. Nos guste o no, es ella en definitiva la que modera y define nuestro mundo. No el mundo en general, sino el que cada uno de nosotros mira, toca, huele hasta que lo convierte en una realidad tangible que nace y muere con nosotros. Así somos todos y cada uno, únicamente únicos. Sin embargo, parece bastante cuestionable nuestro sentido de la autenticidad, porque en nuestro afán de individualizarnos tendemos a la disolución absoluta. Se puede decir que es el individualismo más colectivista del mundo, parece incluso que nuestro deseo es generalizarnos, desvanecernos, fundirnos y confundirnos. Más que ser uno, se diría que lo que de verdad deseamos es ser… Uno más. De cualquier manera, y como mis reflexiones nunca ven la luz, prefiero remitirme al que nunca se equivoca y delegar en él como siempre. Dios nos creó, a su imagen y semejanza, y amén. Claro que… Bien pensado, algo falla, porque como sabemos, Dios es uno y trino, y nosotros, uno y punto. No, no quiero pensar que Dios haya tenido intenciones engañosas, no lo creo. Habrá sido un malentendido, un error de datos. En dos mil años las cosas se lían, es normal. De todos modos, aquí sí que estoy con Dios, ¡con uno basta!

Que la convivencia es muy mala. Ya nos cuesta aclarar nuestras ideas siendo uno (o una), qué no sería siendo tres. El conflicto estaría servido, todos queriendo ser la paloma… No. Dios así lo decidió y sus razones serán sabias como lo es su persona. Perdón, sus tres personas. Claro que, bien pensado, tampoco le veo a ese asunto tanto mérito (a lo de ser sabio digo), y lo digo sin acritud. No será necesario explicar que las oportunidades de aprender van bien en nuestro detrimento, y que las diferencias entre Dios y nosotros son sustanciales porque dónde vamos a comparar el ser uno y trino, y tener a disposición de uno –o de los trestoda la eternidad, a ser uno, sólo, finito y con un miserable y caduco visado para la vida. ¡Nos ha jodido! “Vive para ti sólo si pudieres que cuando mueras tú solo mueres”.

Quevedo

Texto: María José Amador

lto en la El yonki zanahorias está sue no le deis ciudad. Si os pide un eurillo os para qué nada, porque todos sabem rían ingresar, lo va a usar. Al pobre le debe oria podrida que le da igual una zanah ha llegado que una de plástico, incluso al sol. a atacar meñiques tostados

hijos. Sin irnos e a ili m fa e n s tie El Chupacabra oco. r parió hace p je u m su s, jo r de le más , pero en luga le b ra o d a s e o El pequeñ res. muerde fiamb morder cables

Texto e ilustraciones: Andrea Gómez Galayo

Ricardo cambió su nombre por el de Richard Stone, soñaba con ser cantante. Además de cambiarse el nombre, se compró una guitarra; pero el día que se dio cuenta de que no tenía boca sus cuerdas vocales se pusieron tristes y nunca volvió a roncar.

as tapada por las lata. Claudia está apen de lo a an añ m la de cuerpo. Los ojos El silencio nes más oscuros de su co rin los luz la a do ricias que sábanas dejan se abandona a sus ca te en tam len y n ira m ma curiosos de Carlos la te guiadas por el aro en em av su n de ien sc de civos retortijones, galopan silenciosas y tos, provocándole las cre se de da ora ulc aliento. La de su piel ed de vista, dejándola sin do un m el do en rdi pe o sobre estremeciéndola, dió sus brazos, cayend ten ex y e ntr vie su otó pudor, hasta que brisa de la mañana az , despojándola de todo an brí cu las tes an e qu sus pequeñas las sábanas se desvaneció dejando o erp cu su r po rría co el huracán que rodillas temblorosas. 15

Texto: Natalia Morales García.

“Amamos esta jodida dependencia”. (Berri Txarrak, documental Zertarako Amestu) Una de las mejores cosas que tiene escribir en una revista como ésta es saldar las cuentas pendientes que la vida, por una razón o por otra, ha ido dejando a un lado. Y así he podido cumplir una de las cosas que más deseaba desde que conocí al grupo en un escenario, y mucho más, después de conocerlos en persona. Berri Txarrak nació en Lekunberri allá por 1994 (dos años después que los pesados de Cobi y Giraldilla) y constituyen uno de los mejores ejemplos de superación y lucha en este mundo de locos llamado por muchos “escena musical” (menudos festivales y etiquetas que se montan algunos hoy en día). Llamadlo como os dé la gana, pero habré visto a Berri Txarrak una decena de veces y cada vez que llega un fin de semana sigo mirando fechas para repetir, y repetir… Hablamos con Aitor, batería de la banda y la única persona que conozco capaz de pasarse todo un concierto sonriendo de felicidad mientras toca. Zertarako amestu - Para qué soñar. ¿No hay motivos suficientes para hacerlo después de todo lo que habéis conseguido? Siempre hay algo por lo que soñar, siempre; tanto en los momentos más jodidos en los que dejas de creer en todo, como en los más dulces en los que crees que casi todo está hecho. Siempre quedan cosas por hacer, y como diría uno de mis mejores amigos, ¡parar es morir! ¡Ja, ja! 27 meses ya girando sin parar, salas llenas en Europa, 3 continentes… ¿Os ha cambiado mucho la vida desde aquella maqueta supertrash de mediados de los 90? ¡Puff…! Mucho, muchísimo. Han pasado 14 años desde que fundamos el grupo y todos hemos pasado por todo tipo de estados físicos y mentales en todo este tiempo. Pero lo que está claro es que las ganas de hacer cosas, en vez de aminorar, han crecido al mismo tiempo que las experiencias vividas. Yo por lo menos, tengo claro que esto es lo que

mejor sé hacer en mi vida, y es lo único en lo que realmente me siento pleno y realizado… JAIO.MUSIKA.HIL. Los discos de Berri Txarrak marcan un cambio, una evolución constante… Pero hay algo por ahí, escondido en un riff o en una melodía, que le da ese toque personal repetido álbum tras álbum. ¿Cambian las influencias, cambiáis vosotros o, por el contrario, cambiamos los demás? Así como nosotros evolucionamos y cambiamos cada día que pasa, tanto personal como musicalmente, también lo hace el resto de la gente. La única regla que tenemos a la hora de afrontar cada disco es que nos mueva, que nos duela, que nos emocione, que nos joda, que nos moleste, que salga de las tripas… Cada disco es contemporáneo al tiempo en el que surge y al estado de ánimo en el que convive el mismo durante ese periodo. El disco “Libre” fue la punta de lanza que os catapultó hacia fuera… ¿Qué crees que ocurrió para que lejos de 16

Euskal Herria la gente empezara a escuchar también vuestra música? Pues no sé… Llevábamos un año y medio dando guerra con el “Eskuak/ukabilak”, creíamos que podíamos llegar a más gente fuera y no dejamos de intentarlo, aunque realmente al principio hubo muchas zancadillas y muchos bolos de poca gente. Pero nunca hemos tenido bajones anímicos por eso. La marcha de Aitor, el anterior guitarrista, y la salida del Jaio marcan un punto de inflexión en la vida del grupo tras el cual decidís dedicaros al 100% a la música. ¿Tuvisteis miedo de que esto no saliera adelante? ¿No da todo un poco de vértigo a veces? Todos teníamos curros, pero todos sentíamos que realmente sólo la música llenaba nuestras expectativas. Es una apuesta como la de cualquier otro currante que quiere probar cambiando de trabajo, nada más. Tampoco es oro todo lo que reluce; dormir poco, comer mal, muchísimos kilómetros, distancia de tu gente,

bajones anímicos y caseros, meses que no llegas… En fin, lo que te decía antes, Marcos… Como otros currantes. ¿Y no echáis de menos poder ir a más conciertos, como antes? Sí y no. Personalmente, me he vuelto mucho más selectivo, aunque me encanta ir a bolos y que me sorprendan. Pero por ejemplo, soy muy escéptico con los macro-festivales. Dejando aparte las fiestas que se lían en la zona de acampada, creo que musical y visualmente son una especie de globalización del género, un monstruo que intenta aglutinar todo y dártelo de golpe bajo el mismo formato… Creo que pierden ese punto especial e íntimo de un concierto propio. Cuéntame, ¿cómo es Asia y cómo es tocar, por ejemplo, en Taiwán, donde nunca antes había pisado una banda de rock de la península? Pues muy especial. Sobre todo por la gente, que es muy acogedora y extremadamente amable y educada.

Personalmente, amo ese continente también por su gastronomía, qué barbaridad de manjares… Fue curioso también ver la cantidad de chicas que tocan en grupos y el nivel que tienen… Una gozada. La infraestructura que hay en Tokio para grupos noveles es única en el mundo, ¡es una pasada! Proyectos de futuro: nuevo disco, nuevas canciones… ¿Para cuándo un poco de orden en este cúmulo de rumores y comentarios? ¿Es cierto que Rubio y tú por primera vez hacéis un dueto country? ¿Vas a animarte con el saxo, quizás? ¡Jajaja! Be patient my friend… Habrá disco nuevo en 2009 y sorpresas varias. Sé que es difícil mojarse, pero te pido el máximo esfuerzo. Dinos: Un disco y una canción que hayan marcado tu vida. Discos: NIRVANA “Nevermind”, RATM “Evil empire”, PEDRO THE LION “It’s hard to find a friend”.

Canciones: BLACK breakdown”.

FLAG

“Nervous

Recomiéndanos algún grupo de tu tierra. Tengo entendido y comprobado que Guipúzkoa y el País Vasco siguen siendo cuna de grupos increíbles. Hay mucha cantera por aquí que dará guerra en un futuro cercano seguro. Naiz roxa, Cohen, Kerobia, Cobra… Una cosa más… En Salamanca la gente todavía tiene resaca del concierto del Irish Rover de hace unos meses... ¡Jajaja! Y tanto que volveremos, hay mucho mono de volver a tocar por allí. [Sirva esta entrevista de pequeño homenaje personal y de We, a todos aquellos grupos, incluidos Berri Txarrak, que han marcado y seguirán marcando nuestras vidas] Gracias a todos. Eskerrik asko, Aitor.

Texto: Marcos Ayuken.

Spencer Tunick Literalmente

Nunca se han oído estas frases fuera de su país donde, efectivamente, ha sido detenido en numerosas ocasiones con motivo de sus “desnudos urbanos”. Tunick ha tomado fotografías alrededor de todo el mundo, batiendo récords en Barcelona (7.000 cuerpos desnudos) y más recientemente en México (alrededor de 20.000). Los voluntarios que en cada congregación se animan a participar son cada vez más y, nunca mejor dicho, por amor al arte.

Olvida los complejos, las imperfecciones Libera el cuerpo, deja que respire Camina descalzo Fúndete con el entorno Vuelve al comienzo Y no lo hagas solo “La fecha está confirmada y no cambiará aun cuando las condiciones climáticas no sean favorables...” Spencer Tunick prepara su nueva instalación* y el cuerpo desnudo de decenas, cientos o incluso miles de personas pasará a formar parte para siempre del entorno, del paisaje, del asfalto. El cuerpo individual, tu cuerpo, olvida sus complejos, se funde con otros y se convierte en una manifestación artística que cambia por completo la visión de los espacios públicos y de lo íntimo. Este artista estadounidense deja a un lado el desnudo tradicional para mostrar una nueva forma de concebir el cuerpo y el espacio en fotografía. ¡Vistan a esa gente!¡Detengan al degenerado! (y deténganlo de verdad) 19

Algunos cuestionan lo artístico de sus obras, pero sólo hay que observar sus trabajos para percibir que esas imágenes muestran algo más que desnudos masivos y derecho a la libertad de expresión. Este artista consigue resaltar la belleza de cuerpos reales (nada que ver con los estereotipos a los que estamos acostumbrados) y su fusión con el medio, sea de la naturaleza que sea. En sus obras se percibe la belleza y la fragilidad del desnudo, así como la protección y resistencia que adquirimos los hombres al estar unidos. www.spencertunick.com * Dícese de aquel género de arte contemporáneo que incorpora cualquier medio (materia, naturaleza...) para crear una experiencia visceral o conceptual en un ambiente determinado.

Texto: Beatriz García Albuerne.

Willkommen, Welcome. Bienvenu… Sed bienvenidos a Berlín, punto de encuentro por excelencia y un referente para todo en Europa (no en vano, ya tuvieron sus más y sus menos franceses, ingleses, yankees y rusos -allá por 1945- para repartírselo). Cuestiones geopolíticas aparte, Berlín es un excelente plan para REPETIR. Así que si no has ido, o te compras una guía en condiciones y te lo pateas de arriba abajo, o si no tienes tiempo o dinero, te coges el bus 100 ó 200 que recorren todo el trayecto turístico más interesante de Berlín (lo bueno es que te puedes bajar cuando quieras y con el mismo billete, subirte en el siguiente bus para hacer otro tramo). Pero es lo que tienen todas las primeras veces: que si te gusta, quieres repetir. A continuación te indicamos unos lugares por los que merece la pena montarse en un avión y hablar la lengua de los bárbaros. KREUZBERG. ¿Qué sale si mezclas Chueca y Lavapiés? Pues que tenemos Kreuzberg, un barrio del sudeste berlinés en donde jóvenes, tiendas caras gays y muchos restaurantes turcos y pakistaníes (y nepalíes, e hindúes…) se mezclan en los alrededores de la Oranienstrabe. El caso es que ya no es lo que era, porque muchos de los okupas que vivían en las casa de los judíos ahora trabajan en multinacionales… Aún así, todavía se pueden ver pintorescos graffitis… Y graffiteros.

gusto. En concreto, visitad el Hackesche Höfe (ocho patios sucesivos en el antiguo gueto judío), alicatado con cerámica Judgenstill y una cafetería siempre llena y en donde se hacen veladas musicales y teatrales. PHILLARMONIE. Lo bueno de Berlín y Alemania en general es la amplia oferta cultural, y su aún mayor asequibilidad en los precios. Si eres joven, puedes ir a ver a la Filarmónica de Berlín por tan sólo 10 euros, y en primera fila. Y si no te llama la música clásica, entra por lo menos para ver una de las más peculiares salas de música: pentagonal y con el escenario en el centro (quién sabe… Dicen que consigue la acústica perfecta).

CÚPULA REICHSTAG. ¿Aceptas el reto? Tienes que buscar el punto en el que tu cuerpo se refleje en todos los espejos de esta reciente y moderna reconstrucción de la cúpula del histórico parlamento (sí, aquél que quemó “alguien” que hizo subir a Hitler al poder…)

UNTER DEN LINDEN – KU’DAMM. Para acabar, un poco de historia: no han pasado ni veinte años desde la Caída del Muro, pero poco queda ya de las dos Alemanias. Sin embargo, aún estás a tiempo de sentir el espíritu de la Alemania Democrática si paseas por Unter Den

LOS PATIOS DE SPANDAUER VORSTADT. Tras las fachadas clasicistas que se construyeron en Berlín en 1870, fue creciendo un mundo sumergido de innumerables patios interiores (Höfe), hoy renovados con mucho 20

Linden hasta la puerta de Brandenburgo (por donde desfilaba primero el Führer y luego los soviéticos) y luego por la hipercomercial Ku’Damm, centro neurálgico de la Alemania Federal. WE(na) INFORMACIÓN Berlín NO es caro: no son sólo baratos los puestos callejeros de Würsten (salchichas), sino también los restaurantes curiosos. La cerveza… Sí, es barata y excelente. Y en un Biergarten (terrazas abiertas con calefacción), aún más. Cuidado con el transporte público (y al cruzar la calle): al principio es un poco lío porque en Berlín hay UBahn (metro), S-Bahn (tren ligero), Strabenbahn (tranvía), autobús, coches de alquiler y bicis… Easyjet vuela Madrid-Berlín (Schöenfeld) por 40 euros (aprox.). Para alojarse a buen precio, consultad la lista de albergues (hay muchos y muy buenos) o apartamentos en Berlín Este (un apartamento para cuatro personas puede costar 100 euros/noche).

Texto: Paula Pérez Sobrino, curiosa y viajera.

KENDELL GEERS IRRESPEKTIVE 27 de Junio-24 de Agosto El DA2 de Salamanca presenta la primera exposición en España del artista de origen sudafricano Kendell Geers. La obra de Kendell Geers pone a prueba los límites de los códigos y principios morales aceptados, derribándolos y recomenzando desde cero. A menudo hace uso del humor negro para pervertir el orden establecido de las cosas, pidiéndole al espectador que cuestione la construcción del mundo a través de un asalto visual que le implica en su obra. Su trabajo es un desafío de la mancha indeleble dejada por las historias heredadas. El artista devora la historia como un caníbal para, a continuación, recodificarla utilizando material proveniente de la historia del arte y del dominio público. Geers considera que en el arte contemporáneo existe una ominosa ausencia de todo sistema de creencias más allá del material y de lo físico, y en su obra encontramos una búsqueda del arte más allá del arte que propone únicamente una filosofía de sí mismo. Mediante un proceso de intercambio con el espectador, el artista desea retornar a lo sensorial y a lo visual. Geers «rasca donde no pica»; emplea estrategias de perturbación utilizando las armas de la sexualidad, la violencia y el miedo. Su estrategia de desestabilización exige que negociemos físicamente un espacio en el que existe una amenaza de peligro inmediato y muy real. El mayor reto para Geers es superar el lenguaje como estructura que limita lo que puede ser expresado. Geers se centra en el momento en el que nos enfrentamos a la experiencia que se sitúa más allá de las palabras, y la emoción que arrebata al lenguaje el poder de controlarnos. Su obra aspira a purgar estos mecanismos de control con una explosión de energía dirigida contra la implosión del lenguaje. Para la exposición, que se presenta como una retrospectiva, presenta varias obras nuevas, entre las que se incluyen The Devil You Know (Lo malo conocido), Eurovision y Monument to the Unknown Anarquist (Monumento al anarquista desconocido).