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Editorial E
n su libro Esculpir el tiempo, Andrei Tarkovsky se preguntaba con desesperada intensidad por qué las personas comenzaban a demeritar el cine artístico a favor del cine comercial, aludiendo a la simplicidad de la creación cinematográfica de este estilo. Desde luego no podemos decir que en la actualidad el cine contemplativo, de larga extensión, escasos diálogos y tomas eternas como el que podemos ver en Eclipse de Antonioni, se encuentre dentro del gusto de las masas que acuden a las salas a consumir grandes producciones como El planeta de los simios. Sin embargo, es un tanto injustificado catalogar al cine, en su nivel artístico-estético, como “cine de arte”, “cine comercial” o cualquier otro mote que podamos añadirle a la palabra «cine». El cine es simplemente una expresión, el pensamiento traducido en imágenes, si su finalidad última es o no comerciar con él ello no afecta el contenido de forma pragmática, es decir que siempre ha existido y seguirá existiendo público para cada una de las categorías cinematográficas que surjan y todas ellas, sin excepción, aportan y enriquecen la cultura cinematográfica.
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Contenido
En portada: Full Metal Jacket
Para conocer: Reconstrucción 2 La mente maestra: Xavier Dolan 10 Full Metal Jacket 6 Había una vez: Wes Anderson 20 La caja de Pandora: Río de Janeiro visto por Julien Temple16 Super 8 Número39 Editor: Azucena Mecalco Redactores: @AMAURY1984, Cristóbal Torres, Jorge Alonso Espíritu, Estefania Hipólito, Héctor Benita Arte y Diseño: Azucena Mecalco México Distrito Federal 15 de agosto de 2014
Además El extra: Tuberculosis en el cine 24 Top Five: Top cumpleañero 30 En cartelera 33
PARA CONOCER
RECONSTRUC La idealizaci贸n del amor
y los conflictos d
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CCIÓN
de pareja
Por Jorge Alonso Espíritu
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odo es una mentira. Tú no existes. El cabello suave que acaricias y aroma que desprende; el sudor el vapor, el rastro salino. No existe la copa en el bar, que no tomamos, ni existe el bar, no el choque de manos, ni el humo, ni el cigarrillo, ni las volutas de humo. No existes tú ni existo yo. Y si ninguno de los dos existe, por qué no pedir una taza de café y empezar a conocernos. Mentirnos, diciéndonos la verdad. Viéndonos a los ojos, siguiéndonos los pasos, palpando la piel, contando un cuento, diciendo Adiós.
hermosa y amor. Empecemos de nuevo. Primero, un hombre solo. No, él no está solo, todavía. Ese es el primer paso: el hombre. Luego vienen las risas, la mujer y el amor. Míralo. Podemos empezar por aquí, Y después, o antes, da igual, la aunque aquí no es donde cofabulosa síntesis de Christoffer mienza. Sin embargo es imporBoe, prologando, cerrando desde tante que empiece aquí, créeme. un inicio a su cinta: “Así es como El hombre entra al bar, ve a la siempre termina. Un poco de mujer hermosa. ¿Se conocen? magia, otro poco de humo… algo No parecen conocerse, pero es flotando. Pero esto no funciona como si se reconocieran ¿Quién sin el empuje necesario. Un poco conoce a quién? ¿Es el comienzo de risas. Un hombre. Una mujer
o el final? Ahora lo veremos. Es el comienzo y el final. El amor y la despedida”. Y es un filme. Y necesita personajes. Veamos los personajes: Cuatro personas, Aimee y August –el narrador, el creador-, Alex y su novia Simone. O tam-
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bién podríamos ser Tú y Yo. O nosotros, todos, y Christoffer Boe. El delirante escritor que se asoma a la espalda de Aimee para contarnos una historia- ¿Cuál historia? La de gente buscando el amor. Corriendo por amor. Precipitándose en caída libre, en algún punto de alguna ciudad igual que todas.
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Una percepción o interpretación errónea de un estímulo externo real. Pero no somos reales. No es real la sonrisa de Simone cuando abraza a Alex y piensa que él, esa ilusión se evapora y ella se va quedando sola, despojada de las promesas, del amor que se suponía ser de dos, pero él nunca dice “Te amo”. Mintamos, Simone, todo está bien, Alex te ama.
¿Somos felices? ¿Estamos completos? O necesitamos una Pintemos, para un ambiente ilusión, adicional y prestemos menos sombrío, la realidad de atención a esa palabra: ILUSIÓN. distintos colores. Pintemos con luz, Alex, fotógrafo. Pintemos de rojo los labios, de rojo intenso los labios, Aime, y cubrámonos del frío. Huyamos del frío, Alex. Abrigo. Subterráneo. Nicotina. Una mirada. Un abrazo. Un beso. Tierno. En la sien. Te amo. Espero que lo sepas. No te vayas. No pierdas esta historia. No
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pierdas la historia. La historia bella. Única. La historia inmejorable de dos. Alex, no vayas por otra historia. Otro lugar. ¿Roma? ¿Por qué Roma? ¿Quién es ella? ¿Ya lo olvidaste? Hablemos del tiempo. Tomemos una taza de café y pen-
¿Cómo se contiene el llanto que nos inducimos? ¿Cómo comprender sin lágrimas que la otra historia también nos hace existir? ¿Cómo existes, Alex? ¿Cómo no morir? ¿Cómo se detiene el colapso de un mundo que nos decidimos –ingenuos, cobardes, estúpidos- a derrumbar? ¿Cómo se detiene una caída, cuando no queda nada de que asirse? Y la desesperación. Por la narrativa, claro. Por la confusión. Por no perder. Por el amor. Por el final. Por la elección. Allí está el punto. El amor y la elección. El amor como objetivo o como medio. La compañía, o quedarnos solos. Decidir, a tiempo. Elesemos. ¿Existe el futuro? ¿Tenemos un pasado? ¿Existimos en esa historia que alguien se obsesiona en recordar, como cierta, fuera de toda duda? Ella y tú, por ejemplo, y una alegría perfecta. Yo y ella en un futuro resultado de un plan perfecto. ¿Podemos confiar en el tiempo? ¿Podemos confiar en nosotros? La mano toca la pierna que antes tocó otras texturas. El aliento y la respiración, exhalación de partículas desprendidas de otros cuerpos. La pluma que raya, elimina. ¿Quién está escribiendo nuestra historia? En cuál punto perderemos la sintaxis, seremos desechados de una narrativa que, tal vez, ni siquiera sea la nuestra. ¿A quién pertenece Aimee? ¿A quién pertenece Alex? ¿Y tú? ¿Y yo? ¿Qué lava el agua que cae por la regadera? ¿Quién es el protagonista de la ficción, cine, de la ficción, vida? Hablemos de las sonrisas. Y del llanto. ¿Cómo se oculta el golpe en el estómago que sucede al descubrimiento del desamor, o la traición, o eso que llamamos de forma genérica “mentira”? ¿Cómo recuperar la verdad que abandonamos, que rechazamos?
gir. No vacilar. Y correr. Correr. Olvidarse de la estúpida economía. Dar todo. No existe el tiempo. Sólo algo en el presente. El punto final es la soledad. Casi siempre es la soledad. La soledad que golpea. Que abre canales en el cuerpo. Que nos entierra en los subterráneos de las ciudades. La soledad. El mundo no existe, por eso se nos va de las manos. Todo es mentira. Somos mentira, por eso nos desvanecemos. Todo es ficción. Reconstrucción. Pero aun así, lastima.
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TESOROS FÍLMICOS
Cuando la guerra es la pr Por Azucena Mecalco
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ensaba en rodar un filme de guerra. Dije: “hiciste Paths of glory”. Dijo: “lo consideran un film antibélico. Quiero un film para considerar la cuestión sin una posición política o moral, sólo el fenómeno”, recuerda Michael Herr, en entrevista para el documental Stanley Kubrick, una vida en imágenes. Fue así como en el año de 1980 el controvertido director de A clockwork orange inició su proyecto para rodar el único filme de guerra en la historia del cine, en el que ésta es el protagonista de la trama: Full metal jacket.
obra maestra de la cinematograTal como se lo proponía, Ku- fía y la estética sin planteamienbrick realizó una cinta sin pos- tos políticos o morales. La trama turas. Quizá sin saberlo creó una comienza cuando un grupo de
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jóvenes ingresa a los marines y narra cada una de las peripecias de éstos para formar parte del grupo encargado de proteger a
rotagonista
los E.U.A. su nacionalismo, recursos, convicciones e ideales. A través de cada una de las escenas podemos apreciar la frustración y angustia de los jóvenes; así como el orgullo desmedido frente a sus acciones bélicas y las ideas inoculadas del siste-
ma nacionalista estadounidense, en el que los cuestionamientos morales y éticos son una falacia de justificaciones irracionales para conducir al hombre, no en su estado de ser pensante; sino simplemente como máquina carente no de convicción o emociones, pero sí de remordimientos, al ver sus actos como parte de una causa de índole superior: el bienestar, el país, la gloria…
Sin embargo, estas características, como bien podemos apreciar en el filme, no son propias del sistema norteamericano belicista, sino de todos y cada uno de los países que buscan en los conflictos bélicos la hegemonía sobre las pequeñas naciones, bajo el estandarte del poderío:
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que surgen tras cometer los actos más viscerales, para retornar nuevamente a éstos. Kubrick, sin embargo, lo logró.
un oficial y sus subordinados, en un lugar en el que no existes como persona sino como parte de un todo mucho más extenso y en el que esa idea se encuentra por encima de cualquier necesiCada uno de sus personajes es dad: una pequeña pieza de ajedrez en el muy extenso tablero que conhoy son marines, forman parte de una hermandad. forma la extensión, y totalidad, Recuérdenlo siempre. A mientras más poder se demues- de un micro universo latente a partir de hoy, y hasta el día tre más te temerán y menos cada instante en la inmersión del de su muerte, estén donde amenazado estarás ¿de qué? Eso sistema militar. estén, cada marine será herno lo sabemos, lo que sí sabemos mano suyo. La mayor parte es que la guerra es un negocio y Las actuaciones son una obra irán a Vietnam. Algunos que el que sale victorioso reafir- de arte de puesta en escena. Ninno regresarán. Recuérdenlo mará y obtendrá ganancias del gún diálogo está de más, basta resiempre. Los marines muesufrimiento ocasionado. cordar que en sus desesperados ren. Para eso estamos aquí. intentos por crear una atmósfera Pero el cuerpo de marines A pesar de que los filmes de creíble para con el espectador, el permanece vivo y eso quiere guerra se encuentran por cien- director se sirvió de un sargento decir que ustedes vivirán por tos, son muy pocos, por no decir real: Ronald Lee Ermey, en el pasiempre. ninguno, los que se centran en pel del sargento Hartman, quien plasmar la perspectiva del sol- con su actuación memorable y Full Metal Jacket es simpledado ante las calamidades, y el diálogos improvisados para cada círculo vicioso entre los efíme- escena logró capturar por com- mente una fotografía de la realiros sentimientos de consolación pleto la relación amor-odio entre dad. Lo irracional, lo visceral, el
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fotografía tomada en estado natural, en la que no podemos eliminar los detalles que nos molestan lo mismo ocurre en el filme, y desde luego en la vida real.
miedo y la incoherencia de los actos, así como la falta de concordancia entre los ideales implantados y los formados a consciencia se encuentran implícitos porque, tal como ocurre con una
La música por otra parte es un compendio exquisito de canciones que, si bien pueden catalogarse dentro del ámbito de lo popular, también reflejan una época, un estilo de vida, es una conglomeración de sensaciones cotidianas que te arrastran a la atmósfera caótica bien ilustrada a lo largo de la película. Full Metal Jacket es en conclusión LA película de guerra por excelencia, un trabajo impecable en la vida de un impecable director.
FICHA TÉCNICA Título: Full Metal Jacket Dirección: Stanley Kubrick Guión: Stanley Kubrick, Michael Herr, Gustav Hasford Música: Vivian Kubrick Fotografía: Douglas Milsone Reparto: Matthew Modine, Adam Baldwin, Vincent D´Onofrio, R. LeeErmey País: reino Unido Año: 1987 Duración: 111 min.
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LA MENTE MAESTRA
XAV IE R DOLA “Le nouvel enfant terrible du cin
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AN éma”
Por @AMAURY1984
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ermítame preguntarle algo: ¿su vida y sus acciones se basan total y completamente en su identidad como individuo social? ¿Entiende usted “los zapatos del otro”? Ya sea usted heterosexual u homosexual, por nacimiento o convicción; se cree capaz de contarle al espejo por cinco minutos la historia de un personaje contrario a sus preferencias. Abandonemos por minutos el asunto de la sexualidad y cambie esas dos palabritas por lo que se la antoje; judío o musulmán, metalero o reguetonero, lector o televidente. Parece fácil en principio ya que la historia que construyamos, a nuestros ojos, estará bien construida dado que a pesar de que según nosotros estamos pensando como el otro, no hemos dejado de lado
todo nuestro esquema mental. Por lo tanto, dicha historia invariablemente, llegará a ojos y oídos de alguien que dirá “eso no es creíble”.
Este es a grandes rasgos mi problema con el realizador de moda dentro del cine Canadiense, el muchacho Xavier Dolan-Tadros.
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Dolan inició en el mundo de la farándula con apenas 15 años y desde entonces ha crecido en múltiples áreas de la industria del cine independiente. Nacido en 1989 llegó a la actuación de mano de su padre, Manuel Tadros. Participó en producciones canadienses desde 1994 y cuando cumplió 18 se sintió lo suficientemente maduro y vivido como para escribir una obra autobiográfica que llevó por nombre J’ai tué ma Mère (Yo mate a mi madre). En 2008, por sus propios medios, Dolan consiguió presupuesto para un proyecto que pretendía llevar J’ai tué ma Mère al cine. Un proyecto de un año en el que Dolan, escribió, dirigió, protagonizó, produjo y post-produjo su historia encarnada en la vida Hubert, un joven de 16 años sumamente egocéntrico, que a sus ojos tiene que lidiar con
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una nefasta madre. Que si bien se nota una carencia de interés en su hijo, no lo deja a la deriva. Así bien dos seres imperfectos viven juntos por un lanzo biológico que a ninguno tiene atado. Hubert aborda a la audiencia presentando sus pensamientos sobre su madre en una serie de monólogos y Dolan insiste en presentarnos la visión
de Hubert sobre su madre, pero no la de la madre sobre su hijo y lo más importante: sobre sí misma. Para Hubert su madre es tonta, superficial y carente de cualquier aspiración a la trascendencia. Mientras que la madre de su novio es fresca, jovial y activa. Pero algo dentro de él no le permite expresar explícitamente a la audiencia el repudio que siente por su
madre claramente expresado en el recorrer del filme. J’ai tué ma Mère se estrenó en 2008 dentro del marco del Toronto International Film Festival, recibiendo buenas críticas del jurado. Pero el gran éxito en festivales vino con el reestreno en 2009 durante el Festival de Cannes de donde salió con tres reconocimientos de la mano. Durante 2009 Dolan puso en producción otro de sus proyectos en los que tomaría gran parte de los créditos. Les Amours Imaginaires (Los amores imaginarios) nos aborda presentándonos las diversas referencias que tienen varios sujetos respecto a un individuo en particular: Nicolas. Un joven recién llegado a la ciudad que tiene ese carisma que atrapa a la gente. Carisma que lo acerca a un grupo de amigos. Pero particularmente desata cierto interés por las pareja que forman Marie y Francis. Nicolas se vuelve el centro de interés de sus vidas conquistándolos juntos o separados a pesar de la envidia que provoca en ellos la atención del rubio carismático. Podría decirse que Les Amours Imaginaires es para la carrera de Dolan lo que fue para Pasolini su Teorema. Estrenada en el marco del seleccionadas para salir Festival de Cannes de 2010, Les con el reconocimiento de la Amours Imaginaires sorprendió selección un Certain Regard. siendo una de la obras Uno de sus proyecto mas polémicos fue el siguiente en su carrera. Dolan escribió un guión sobre el amor entre un caballero y una dama… Si… bueno se que suena normal a primera
instancia. Laurence es un maestro de Instituto que vive una buena vida, tiene buenas amistades y es buen ejemplo para sus alumnos, pero Laurence siente que él no es él, sino que toda su vida ha sido ella atrapada en un cuerpo que no le pertenece. Justo antes de enfrentarse al proceso de conversión Laurence conoce Frédérique, una chica a la que le profesa amor y a la que le pide le acompañe en el proceso. Laurence Anyways fue prácticamente financiada por
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los galardones de Les Amours Imaginaires y llegó a las mismas instancias de su predecesora en la historia del realizador canadiense, que por primera vez abordaba un tema del que la crítica lo vio alejado, ya que el transexualismo nada tenía que ver con su hasta esa fecha asiduos personajes de homosexual. Laurence Anyways también llegó al festival de Cannes y al TIFF en 2012; de Cannes nuevamente salió con el Un Certain Regard. Ese mismo año, Dolan conoció a Michel Marc Bouchard a través de su obra Tom à la Ferme y por
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primera vez contemplo la idea irse nunca. Tom forma pues de llevar a la pantalla grande con el paso de su reclusión, una algo que el no hubiera escrito desde la soledad de su computadora portátil. Algo que, en sus palabras “no fuera sobre amores i m p o s i b l e s ”. Dolan y Bouchard escribieron juntos la adaptación de la historia de Tom, un joven publicista de la gran ciudad que ha perdido a su pareja sentimental, Guillaume, y decide ir a la casa de su infancia donde la familia de Guillaume lo recibe y lo acoge para prácticamente no dejarlo
relación de control y sumisión con la madre y el hermano de Guillaume. Tom à la Ferme cambió la sala de premios para Dolan, esta vez el festival de cine de Venecia
de donde salió con el premio Fipresci.
el gran problema del chico no es la al personaje del hijo desde madre perse, sino un asunto que otro que, obviamente, no es involucra a ambos personajes?. él. Esto es digno de analizarse. Este 2014 Xavier Dolan En otras palabras: mamá, ya retomó el asunto de la madre con tengo la madurez suficiente Mommy; lo que lo llevó a meterse para entender que todos mis al mundo del cine. Esta vez traumas de la adolescencia no Dolan le concede a “la madre” el son tu culpa. Y Dolan decide por beneficio de la duda. ¿Y que tal si alguna extraña razón abordar
Aunque parece que ya entendió su parte de responsabilidad en sus traumas de chavo de preparatoria, no esta listo para que el personaje se parezca a él. Mommy ganó el premio del jurado en la más reciente presentación del Gran premio del jurado del festival de Cannes en donde además lo llamaron “Le nouvel enfant terrible du cinéma” en una clara agresión al desterrado Lars Von Trier. Si no ha visto Mommy es probable que llegué en meses próximos de la mano de las típicas muestras de cine mexicanas.
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Río de J desde los ojos Por Cristóbal Torres
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ace unas semanas terminó el Mundial, pero Brasil no dejará de estar en la opinión pública. Ahora se vienen los Juegos Olímpicos y con ello el país sudamericano volverá a estar en
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boca de todos. Por eso considero pertinente hablar de Rio 50 Degrees: Carry on CaRIOca, un documental centrado exclusivamente en Río de Janeiro, ciudad donde se jugó la final de la últi-
ma Copa del Mundo y que próximamente será sede de los Juegos Olímpicos. Rio 50 Degrees: Carry on CaRIOca tiene varias bondades.
LA CAJA DE PANDORA
Janeiro
de Julien Temple Además de ser una gran fuente de conocimiento sobre la ciudad, el trabajo no se limita a ser un simple encargo del gobierno brasileño para presumir su paraíso tropical. Esto se debe en gran parte a que el director de este documental es el británico Julien Temple. Temple tiene un pasado interesante: sus primeros documentales retrataron la escena punk de Inglaterra. Lástima que se fue por ahí y no por la mítica N WO B H M (New Wave of British Heavy Me-
tal), aunque no estuvo lejos de hacerlo. En 1980 hizo Biceps of Steel, un trabajo sobre la banda Samson, que en aquel entonces era comandada por Bruce Dickinson, quien un año después sería invitado a formar parte de Iron Maiden.
El constante contacto con escenas musicales subterráneas indudablemente sembraron en él un espíritu lleno de cuestionamientos respecto al funcionamiento del mundo y sus instituciones. Con el paso del tiempo el discurso de su obra combinó la música y la posmodernidad;
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a través de músicos, bandas y canciones, pintaba ciudades posapocalípticas donde la industrialización trajo más daños que beneficios. Con el paso del tiempo dejó de ser un director periférico al
punto de que varios de sus documentales han sido producidos por la BBC de Londres, tal es el caso de Rio 50 Degrees: Carry on CaRIOca. Bajo esa situación, sería fácil pensar que su ácida visión de la sociedad de apagó, pero afortunadamente no.
En Rio 50 Degrees: Carry on CaRIOca, Temple hace un recorrido histórico por Brasil, usando material de archivo y material grabado por él mismo. No utiliza narrador, simplemente se mete a todos lados, tanto zonas burguesas como favelas, para platicar con las personas y conseguir interesantes testimonios que contrastan entre sí. Su recorrido es cronológico, partiendo desde la conquista europea y saltando de un tema a otro de manera casi imperceptible; demuestra que tanto las playas, las favelas, la música, el crimen y la desigualdad económica son parte de una misma cosa.
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Es interesante cómo no toca el fútbol, jamás menciona el estadio Jornalista Mário Filho (mejor conocido como El Maracaná), ni el maracanazo ni nada que tenga que ver con el balompié. Esto lejos de ser un defecto, es un punto a favor porque demuestra que hizo una gran investigación con resultados que le dieron para hablar de muchas cosas más. Sólo menciona la Copa del Mundo y los Juegos Olímpicos para darle contexto a las manifestaciones masivas que suceden en las calles. El recorrido histórico de Rio 50 Degrees: Carry on CaRIOca nos permite entender a plenitud la situación actual de la ciudad brasileña; es una historia más de explotados y de la eterna lucha por tener para que nadie más tenga. Pareciera que al final Temple se centra mucho en esta desigualdad social, pero a título personal eso es mucho mejor que haber dado su brazo torcer y mostrar un sitio idílico. El documental no ha tenido un estreno como tal. Mucho tiene que ver que Rio 50 Degrees: Carry on CaRIOca fue hecho para la televisión. No obstante, esta obra formará parte de una retrospectiva que próximamente la Cineteca hará sobre Julien Temple. Si no quieren verla gratis por internet, bien pueden vaciar sus bolsillos y verla en una sala.
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HABÍA UNA VEZ
WES AND
La nostalgia de la
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es Anderson es, sin duda, uno de esos directores cuya obra es fácil de identificar. Con cinco minutos de filme sabes que estás ante una de sus películas, sobre todo considerando que las más recientes manejan una estética similar. Su manera de contar historias, junto con su obsesión en los detalles, hace que sus películas se sitúen en un nicho específico en el panorama fílmico mundial. Hacer un análisis global de su obra podría ser una tarea ardua, pero que nos puede dejar con un mayor entendimiento de su obra y de él, como persona.
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Es con Rushmore, su drama romántico preparatoriano, donde comienza a desenvolverse con soltura, presentando personajes reales con los que cualquiera se puede identificar. Te deja con un sentimiento de que tal vez, sólo tal vez, presenciaste un episodio de la vida misma del director, dado que el protagonista (Max Fischer) tiene toda la personalidad como para estar dirigiendo esta película. La inocencia, la diferencia de edades como inspirador de impotencia, y el romance estudiantil forman parte de este drama ligero, que nos presenta un triángulo amoroso un poco disparejo, con un final que cierra perfectamente cada una de las historias que desarrolla, y que marca el tono de todos los finales de Anderson. The Royal Tenenbaums es su obra familiar por excelencia. Nos cuenta la historia de una familia de genios peculiares, todos afectados por la lastimada dinámica familiar, donde el padre (Royal) desea regresar al ambiente familiar después de años de ausencia, todo esto rodeados de una atmósfera “de abuelita” cargada
de nostalgia, que sería recurrente en las películas de Anderson. Quizás ligeramente basada en su experiencia personal (sus padres se divorciaron cuando Anderson tenía ocho años, hecho que el describe como “el evento más crucial en mi desarrollo”), ésta película logra una identificación profunda en el espectador, a pesar de lo diferentes que pueden
DERSON
a estética infantil
Por Héctor Benita
resultar los personajes. Todos y cada uno tienen motivaciones internas y externas definidas, ambiciones y dolores reales que todos hemos experimentado, en cierta medida. Un detalle interesante en este filme es que representa el primero en donde Anderson introduce la idea de que nunca se superan los traumas o éxitos de la infancia. A partir de esta película, éste sería inspiración recurrente para el desarrollo de sus personajes, todos (o la mayoría), tienen que lidiar con aquello que vivieron de pequeños, y que modifica sus ambiciones y motivaciones a futuro. Tan marcada es la influencia del pasado en este filme, que los tres hermanos usan la misma ropa de origen setentero (con algunas modificaciones) durante toda la película, aludiendo a
que ninguno ha podido avanzar todos por igual. Este filme es uno a partir de sus glorias pasadas. de los menos logrados por parte de Anderson, quizás por lo alejaCon The Life Aquatic of Steve do que se encuentra de la realiZissou, Anderson lidia con un dad de su protagonista, o quizás tema peculiar en su obra: el ge- porque la misma historia no tienio venido a menos, la creativi- ne una profundidad dramática. dad del artista disminuida por el Sin embargo, Anderson sigue paso de los años y las tragedias manejando un desarrollo de perque vienen con la edad. Si Rus- sonajes interesante, algo que es hmore representa un poco su característico de él y que hasta adolescencia, The Life Aquatic que no ves varias de sus obras podría ser un vistazo a su futuro logras identificar: es imposible personal. odiar a alguien en sus filmes. Sin presentar buenos y malos desaZissou, empujado rrolla un drama humano, lleno por la venganza y la de detalles y de grandes (grandídecadencia de su popu- simos) actores. laridad, emprende una última aventura, a la Una de mis favoritas es The cual arrastra a amigos, Darjeeling Limited. Este filme toca tripulación y familia, uno de los temas más enraizados
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en el universo de Wes Anderson, y que se remontan a The Royal Tenenbaums: la relación de hermanos. Los tres personajes principales, al viajar en un tren por la India, enfrentan a sus demonios internos y de paso mejoran su relación. En esta película Anderson, a través de Francis,
el personaje interpretado por Owen Wilson, propone un viaje espiritual y de autoconocimiento, que debemos enfrentar con una mentalidad abierta, a pesar de que pueda ser doloroso, para así poder encontrarnos con nosotros mismos.
viaje, no necesariamente nuestros mejores amigos. La convivencia diaria, antes que unirnos, nos puede separar. Y es sólo a través de alejarnos, volvernos un poco desconocidos, y tratar de reconocernos en el otro, como podemos volver a tener una relación estable. Es así como Anderson regresa a sus temas recurrentes, de nuevo con personajes bien desarrollados, con un reparto estelar, y con una obsesión en los detalles estéticos, cada vez más cargados, pero que no nos distraen de los personajes, sino que colaboran en crear una atmósfera creíble, a pesar de resultar peculiar y casi mágica. Fantastic Mr. Fox, hasta el momento la única película completamente animada de Anderson, representa un viaje mágico a su infancia. No resulta difícil imaginar a Anderson leyendo de pequeño este clásico cuento de Roald Dahl (autor también de Matilda, James y el melocotón gigante, Charlie y la fábrica de chocolate, Las Brujas, Los Gremlins, etc.). A través de una animación que responde completamente al gusto estético del director (la simetría, las atmósferas cargadas, etc.) presenta una historia mágica casi real (a diferencia de sus otras películas donde todo resulta realista, excepto algunos detalles).
Ultimadamente nos plantea una realidad que quizás no nos guste: nuestros hermanos son En esta película Anderson simplemente compañeros de vuelve a retratar a un “adulto” peculiarmente infantil, que nunca ha terminado de madurar y que arriesga todo por un sueño juvenil de ambición. Un símil a Steve Zissou se presenta, de nuevo con consecuencias mezcladas y con detalles que nos hacen reír y conmovernos, hasta olvidarnos de que estamos ante la animación de un
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cuento infantil. Siguiendo (y quizás superando) la tradición de Pixar, nos presenta una historia de niños para adultos, haciéndonos reflexionar sobre ese detalle: hay historias universales, que cualquiera puede entender y que generan una empatía curiosa. Identificarme con un zorro animado, debo decir, es de las cosas más raras que me han pasado al ver una película. Es Moonrise Kingdom la cúspide de su hasta ahora brillante carrera. Este filme, basado en la inocencia del amor infantil, es el punto máximo de sus historias, gracias quizás a que es la más infantil, precisamente, y a
que se presta de mejor manera a la visión del director. Prácticamente cada escena nos mantiene con una sonrisa en el rostro, mirando con nostalgia algo que cualquiera pudo haber vivido o imaginado. Anderson desarrolla una historia de niños como un niño lo haría, con una solemnidad característica y tomándosela bastante en serio. Reconoce que el primer amor podría ser el más desinteresado y a partir de personajes (de nuevo) peculiares desarrolla una historia entre niños y adultos, donde unos se comportan como los otros, y donde, como en Rushmore, los mayores tienen
el poder, más no siempre la razón. Es hasta este filme que podemos entender que Anderson no cuenta historias casi mágicas, sino que es su perspectiva inocente con las cuales las plantea la que agrega detalles y conceptos de otra manera imposibles. Su visión positiva se hace de nuevo presente, otorgándoles a sus personajes un final optimista pero no demasiado, lo que contribuye a la atmósfera realista. Por último, es Grand Hotel Budapest quizás su trabajo más complejo, con tres líneas narrativas que seguir. Anderson nos cuenta la historia de M. Gustave, concierge servicial, dedicado y de gusto exquisito, un caballero discreto a todas luces, que se ve envuelto en una red de misterios al hacerse acreedor a una herencia. Logrando una gran armonía entre los personajes, la historia se desenvuelve poco a poco, siendo por momentos demasiado emocionante tratándose de una obra de este director, lo cual habla muy bien de él, ya que no impone ni una estética ni un ritmo estorboso, sino que estos elementos colaboran al desarrollo de la historia. Sin embargo, pareciera que Anderson nos habla directamente, utilizando de nuevo la voz de su protagonista para expresar su personalidad. Nos mantiene siempre con una ligera sonrisa (no carcajada), a la expectativa de qué sucederá en este thriller nostálgico y peculiar.
Y es después de ver ésta película que lo entiendes, como espectador. No es casualidad. No es casualidad que su obra sea cómica, aún sin tratar de serlo. Tampoco es casualidad que sus personajes sean tan peculiares, o que las figuras paternas sean tan importantes en sus obras. No es coincidencia la estética nostálgica con que nos cuenta cada historia, ni el toque infantil y visión inocente. Y es que al final, Anderson es Max Fischer, es cualquiera de los Tenenbaum. Anderson es definitivamente Steve Zissou, y también Mr. Fox. Anderson es cualquiera de los tripulantes del Darjeeling Limited, y también es un boy socut enamorado. Porque Wes Anderson, al final de cuentas, es también M. Gustave, del que se puede decir: “Para ser franco, su mundo se había esfumado mucho antes de que él hubiera aparecido pero, le diré: definitivamente supo mantener la ilusión con maravillosa gracia”.
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EL EXTRA
LA PESTE BLANCA Tuberculosis en el cine U
na leve tos y después la muerte, así es como en algunas películas los personajes, enferman, no se menciona el nombre de la afeccion, pero la tos es un síntoma característico de una enfermedad, la tuberculosis. La mayor asesina del mundo, es así como muchos médicos llaman a esta enfermedad, que desde tiempos antiguos ha teminado con miles de vidas, también era conocida como tisis, por ser una padecimiento que debilita o consume, otro término que se usaba para referirse a ella era peste blanca por la palidez con la que lucían los enfermos. La época más mortífera de esta enfermedad fue durante la Revolución Industrial, por el ascinamiento que se producía en las urbes. El cine ha utilizado este padecimiento en muchas ocasiones, y existen un sinnúmero de películas donde hay una clara referencia a ésta, y en general se enfatizan su carcter mor-
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Por Estefania Hipólito tal en las que están ubicadas antes de la década de los 50. En la película A la sombra del puente de 1948 del director Roberto Gavaldón, uno de los personajes de la trama conocido como El Tigre, interpretado por Andrés Soler, es liberado de prisión por padecer tuberculosis, además en una escena él tose en un vaso y obliga a uno de sus compañeros a beber.
La cinta Ask the Dust de 2006, dirigida por Robert Towne, es sobre un joven escritor, Arturo Bandini (Colin Farrell), está ubicada en los años 30, en esta película dos personajes enferman de tuberculosis pulmonar CamiMientras que en Finding Ne- lla (Salma Hayek), quien presenverland de Marc Forster, se re- ta tos con sangre y otro personatrata un periodo de la vida de je que es cercano a ella. J.M. Barrie (Johnny Depp) cuando conoce a la familia Llewelyn Otro ejemplo lo vemos cuanDavies: cuatro niños huérfa- do Nicole Kidman protagonizo a nos de padre y su madre Sylvia Satine en la película Moulin RouLlewelyn Davies (Kate Winslet), ge de 2011, este personaje era la quien se encuentra visiblemente estrella del cabaret donde actuaenferma y muere. ba, pero al contraer tuberculosis
su estado se empieza a debilitar hasta que comieza a escupir sangre y muere en escena. La tuberculosis afecta a diversos órganos, pero particularmente los pulmones. Además es una enfermedad infecciosa que se transmite a través del aire, al toser, estornudar o hablar. Estos síntomas son retratados en las películas. Por ejemplo tenemos la adaptación cinematográfica de la obra de Charlotte Brontë Jane Eyre de 1943, del director Robert Stevenson, en esta queda de manifiesto como al no obtener un tratamiento adecuado y
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un diagnóstico oportuno ante la enfermedad, ésta terminaba con la vida del enfermo , así nos cuentan como cuando Jane Eyre ( Peggy Ann Garner) vivió en
«Lowood Institution» y se hizó amiga de Hellen, quien por vivir en habitaciones extremadamente frias y verse presa de los castigos, contrae una tos que después
la llevara a la muerte, si bien el nombre la tuberculosos no es mencionado, todos los síntomas que describen la enfermedad de la niña parecen indicar que se trata de tisis. En la película Las campanas de Santa María de 1945 del director Leo Mac Carey, se relata la relación entre el padre O’Malley (Bing Crosby) y la hermana Benedicta (Ingrid Bergman), esta última es diagnosticada con tuberculosis, cuando después de desmayarse es sometida a una revisión, donde las radiografias muestran que padece la enfermedad.
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Muchos personajes famosos del pasado padecieron esta enfermedad y en las películas
que hacen referencia a su vida y obra se habla del padecimiento. Romy Schneider siempre será recordada por la trilogía que realizó sobre la emperatriz Sisi, en la tercer película El destino de Sissi, dirigida por Ernst Marischka se relata como la emperatriz contrae tuberculosis . Todas las películas que hablan sobre la vida de Chopin, tocan el tema de la tuberculosis y A Song to Remember de 1945, del director Charles Vidor, es una de ellas; en ella se hace incapie en como la humedad perjudicaba al compositor y como Chopin lucía durante su última gira, para al final terminar con un estado de salud bastante deteriorado por la enfermedad.
cinta Nixon, personaje que en la En la película Modigliani de vida real se enfrentó con lo dura que puede ser esta enfermedad, ya que dos de sus hemanos murieron de tuberculosis, también muestra el temor que tiene la gente al haber convivido con personas tuberculosas.
2004 del director Mick Davis, Andy Garcia interpreta a este pintor y se muestran sus últimos años de vida y los demonios que lo aquejaban, además al final la tuberculosis termina con su vida. En 1995 Oliver Stone dirigió la
(Ingrid Bergman), después del suicidio de su hijo, quien decide dedicarse a los más necesitados, dentro de este grupo de personas conocerá a una prostituta, quien se encuentra muy enferma
La prostitucion es una práctica que en los argumentos de las películas suele asociarse con este padecimiento y siempre son
mujeres que tienen pocos recursos para salir adelante.
de tuberculosis pulmonar, ante la falta de tratamiento oportuno sus dos pulmones han sido afectados y después muere.
En la película Europa ‘51 de Roberto Rossellini, retrata la vida de una mujer, Irene Gilrad
En Lost Horizon de Frank Capra, sólo Shangri-La, un valle donde la vida es larga para sus habitantes, es capaz de que Gloria Stone (Isabel Jewell) una prostituta con tuberculosis terminal pueda curarse.
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También Ismael Rodríguez, en 1948, retrata la forma de vida de los estratos mas bajos y cómo era la convivencia entre los habitantes de las vecindades. En la película Nosotros los pobres, la hermana de Pepe el Toro (Pedro Infante) supuestamente murió hace muchos años, pero en realidad es Yolanda (Carmen Montejo), una prostituta apodada La Tísica, ya que padece esa enfermedad, casi al final de la película se le ve recluida en un sanatorio y muere. A diferencia de occidente en Japón se solía asociar a la tuberculosis, con clases socioeconómicas altas y también directo-
res de este país se referían a la enfermedad. Zatôichi Monogatari del año 1962, dirigida por Kenji Misumi, habla sobre Zatoichi (Shintaro Katsu) un hombre solitario, ciego y experto en artes marciales, al tener otros sentidos más desarrollados descubre que Hirato (Shigeru Amachi) tiene tuberculosis, aunque éste en un principio lo niega, pero después de un enfrentamiento entre los dos Hirato lo acepta. En las películas de Akira Kurosawa también aparece la tuberculosis, aun sin ser el tema principal, por ejemplo en Yoidore Tenshi de 1948, Toshirô Mifune
interpreta a Matsunaga un mafioso que padece tuberculosis y en Shûbun, de 1950 la hija del abogado Masako Hiruta (Yoko Katsuragi), también padece el mal. Hayao Miyasaki ha retomado esta enfermedad en sus películas, por ejemplo en Mi vecino Totoro de 1988, Yasuko la madre de Satsuki y Mei está en un hospital por una tuberculosis, Yasuko está inspirada en la madre de Miyazaki quien contrajo esta enfermedad por un año, y en su más reciente película The Wind Rises de 2014, donde retrata la vida de Jiro Horikoshi, el ingeniero
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que diseñó el Caza Zero en la Segunda Guerra Mundial, esta compometido en matrimonio con la joven Naoko Satomi a quien también aqueja el padecimiento. Según la Organización Mundial de la Salud (OMS), cada año 8 millones de personas se enferman y 2 millones de personas mueren, tan sólo en México, en 2011, se diagnosticarón 19,445 casos nuevos de tuberculosis en todas sus formas. En películas más modernas donde se habla de la tuberculosis, la enfermedad ya
no representa un grave peligro, por ejemplo, en Alfie película de 1966 del director Lewis Gilbert, Alfie Elkins (Michael Caine) es un casanova, el cual es diagnosticado de tuberculosis pulmonar y debe ingresar en un sanatorio donde, a pesar de estar enfermo, continúa con sus conquistas. La película más reciente en la que uno personaje padece esta enfermedad es The Inmigrnat, ubicada en la década de los 20, época durante la cual muchos inmigrantes llegaron a los Estados Unidos y una de las razones por las cuales se les ponía en cuarentena al entrar al país era la temida tuberculosis El mycobacterium tuberculosis fue descubierto por Roberto Koch en 1882 y recibe el nombre de bacilo de Koch, en su honor.
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TOP FIVE
BIOPICS
Por @AMAURY1984
C
uando se trata de películas biográficas no sólo se mete uno con un personaje conocido por sus acciones e ideas. Uno se mete con fanáticos, académicos, familiares y el vox populi. El realizador tiene que trabajar como todo un relojero, tomando ciertas partes de una vida para exhibirlas frente a una cámara. Y hasta en las mejores curadurías de la historia uno no puede dejar conforme a todo el mundo. Existen también aquellos que construyen una película biográfica con base en un texto construido como una novela, porque el texto en sí es muy bueno, pero carece de veracidad dando prioridad al contenido de la novela y no a la realidad. Este es un top 5 de aquella películas que considero buenos ejemplos de películas biográficas. Coco avant Chanel, The Queen, El ultimo rey de Escocia, Todos los hombres del presidente, Social Network.
5. The last King of Scotland (2006, Dir. Kevin Macdonald) Aquí yace la historia de uno de esos encantadores líderes militares
africanos, soportados por el ojo omnipresente de los miembros de la OTAN, Idi Amin Dada. En parte porque estaban más preocupados por contener la “Gran amenaza Comunista” que poner orden en el soberano desastre que dejaron tras la descolonización del continente. Amin Dada estuvo bajo el mando de la República de Uganda de 1971 a 1979, tiempo más que suficiente para arremeter en contra de su propia población aniquilando primordialmente a disidentes políticos y etnias ajenas a la suya propia. Se estima que durante su gobierno mató brutalmente, y con lujo de tortura, a más de 300,000 personas. En la película de Macdonlad, adaptada de la novela de Giles Foden, se aborda la historia de Nicholas Garrigan, un joven médico británico que decide partir a Uganda y ejercer ahí su profesión. Por asares del destino el joven termina trabajando como el médico oficial del dictador, en el que las comodidades del poder cubre sutilmente las barbaridades de Idi Amin.
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4. All the president’s men (1976, Dir. Alan Pakula) En 1972 un suceso en las oficinas del Partido Demócrata de los EE.UU.
soltó una pequeña bola de nieve que terminó por chocar contra la Casa Blanca, sacudiendo al sistema estadounidense hasta sus cimientos. El suceso en específico fue el flagrante acto de espionaje en contra de los Demócratas, orquestado desde la oficina del entonces presidente Richard Nixon. La sociedad internacional se enteró de este suceso por medio de los periodistas Bob Woodward y Carl Bernstein. Ambos trabajando para el Washington Post fueron asignados a cubrir lo que al principio parecía un sencillo caso de robo, y terminó con la primer dimisión del cargo de un presidente de los EE.UU. La película de Alan Pakula retoma el libro que Bernstein y Woodward escribieron años después detallando los caminos por lo que los llevó la investigación. Si bien la cinta esta basada en una crónica, el guión escrito por William Goldman aborda la vida personal de los periodistas durante el transcurso de la investigación, y se mantiene como el material audiovisual al que muchos recurren para conocer el caso que termino con el gobierno del presidente republicano Richard Nixon.
3. The Queen (2006, Dir. Stephen Frears) La tercera reina de la casa Windsor, Elizabeth II, inició su rei-
nado en 1952 y a pesar de múltiples vicisitudes, es la segunda reina con el periodo de reinado más largo de la historia del Reino Unido y el Imperio Británico. En 1990 Elizabeth II vio como su pueblo le daba la espalda al conservadurismo, que ella tanto adoraba, tras la caída de Margaret Tatcher en 1990. A partir de 1997 la llegada del joven laborista Tony Blair, puso a temblar a la monarquía. Y aunado a ésto estaba la rebeldía de la joven esposa del sucesor al trono, Diana de Gales había convertido a la reina en una figura de segundo plano y hasta un poco repudiada por no soltar el poder. El filme de Stephen Frears, con guión de Peter Morgan aborda ese periodo de la vida de Elizabeth II, desde que debe aprobar la elección de Tony Blair, hasta que la casa real se ve vapuleada por las críticas debido a su actuar tras la repentina muerte de la Princesa Diana.
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2. The Social Network (2010, Dir. David Fincher) En
el 2003 Mark Zuckerberg era un despechado alumno de la Universidad de Harvard que a manera de venganza hacia su novia, puso una foto suya en un sitio web el que la gente del campus podía votar por si era sexi o no. El sitio web en cuestión había sido creado por Zuckerberg y su amigo Eduardo Saverin y su popularidad llegó hasta oídos de la fraternidad con los miembros más adinerados, entre ellos los hermanos Winklevoss, que encargaron a Zuckerberg programar un sitio web en el que los miembros del campus podían tener un perfil y un medio de contacto con sus colegas. Ésto, después de pasar por las manos del fundador de Napster y cientos de demandas, se convirtió en el imperio de miles de millones de dólares conocido hoy día como Facebook. La importancia en nuestros días de las redes sociales llevó a Aaron Sorkin y al Director David Fincher a adaptar el libro Los billonarios accidentales: La fundación de Facebook, del escritor Ben Mezrich con el apoyo de un muy despechado Eduardo Saverin.
1. Coco avant Chanel (2009, Dir. Anne Fontaine) Una pequeña niña de nombre Gabrielle fue abandonada por su padre en un orfanato. Tras cumplir la mayoría de edad tuvo que salir al mundo tan sólo con su personalidad a valerse por sí misma. Entró a trabajar a un bar como mesera en donde además cantaba de vez en cuando.
Ahí se ganó el mote de Coco entre los demás trabajadores y asiduos asistentes. Coco conoció ahí al hombre que le abrió las puertas del resto del mundo, en el que la joven destacó por su particular uso de las prendas de vestir totalmente fuera de los estándares de la socialité francesa. Se le conoce como la gran libertadora de las mujeres del yugo del infernal corsé. Prenda interior de vestir obligatoriamente usada por los dominantes diseñadores masculinos. El filme de Anne Fontaine está basado en una muy seria y casi obsesiva investigación periodística realiza por la periodista francesa Edmonde Charles-Roux, que recaudó toneladas de material entorno a la gran diseñadora de modas de la cultura francesa.
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Por Estefania Hipólito
EN CARTELERA LUCY
Una noche de diversión se vuelve totalmente confusa al día siguiente, cuando Lucy se despierta y se da cuenta que algo ha cambiado en su cuerpo.
Lucy es obligada a ser una mula y transportar una clase de droga experimental dentro de su vientre. En realidad no sabe qué pasa, y mientras está muerta de miedo sus captores cubren su rostro hasta que llega a su destino y cuando le quitan la máscara descubre que todo se pone peor, pero al ser golpeada las bolsas de droga se revientan en el interior de ella y entonces empieza su transformación. Entre tantos estrenos recientes de superhéroes, hacía falta una mujer con habilidades especiales, con las que lograra vengarse de sus captores, así Scarlett Johansson se convierte en una mujer con poderes de camaleón, en una máquina para matar, con una memoria prodigiosa y capaz de leer y ver los datos que se transmiten por las redes telefónicas. Título original: Lucy Año: 2014 Duración: 90 min. País: Francia Director: Luc Besson Guión: Luc Besson Música: Eric Serra Fotografía: Thierry Arbogast Reparto: Scarlett Johansson, Morgan Freeman, Choi Min-sik, Trailer https://www.youtube.com/watch?v=MVt32qoyhi0
SI DECIDO QUEDARME
Cqueuando siempre además has
has tenido una vida casi perfecta y en la nacido con un talento natural que te permite aprender cosas sin ningún esfuerzo, la tragedia no parece tener cabida, pero la vida cambia a cada instante. Mia tiene diecisiete años y todo es perfecto, hasta que tiene un accidente automovilístico, en el que perecen sus padres y hermano pequeño, entonces ella o su alma quedaran atrapadas en una especie de limbo, donde ella puede ver a los demás, pero ellos a ella no y tendrá que decidir si quiere seguir la luz e ir con sus padres o quedarse en este plano terrenal donde aún hay gente que la aprecia. Título original : If I Stay Año: 2014 País: E.U.A. Director: R.J. Cutler Guión: Shauna Cross (Novela: Gayle Forman) Música: Heitor Pereira Fotografía: John de Borman Reparto: Chloë Grace Moretz, Mireille Enos, Liana Liberato, Lauren Lee Smith, Jamie Blackley, Aliyah O’Brien
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EN CARTELERA LOS INDESTRUCTIBLES 3
Atoresfaltadedeacción herederos que puedan ocupar los puestos de los acde nuestra generación, los actores de grandes películas regresan a la pantalla grande con la nueva entrega de Los indestructibles, comandados por Sylvester Stallone.
En esta ocasión Los indestructibles tendrán que enfrentarse con Stonebanks (Mel Gibson), quien pondrá a prueba al grupo de amigos, pero estos cuentan con nuevos refuerzos y además se encuentran entrenando a jóvenes que deberán de ser sus sucesores. La película parece estar llena de peleas, explosiones, persecuciones y muchas caras conocidas, todos esos ingredientes que gustan a los fans de las películas de acción. Título original The Expendables 3 Año: 2014 Duración: 123 min. País: E.U.A Director: Patrick Hughes Guión: Sylvester Stallone, Creighton Rothenberger, Katrin Benedikt (Personajes: Dave Callaham) Música: Brian Tyler Fotografía: Peter Menzies Jr. Reparto: Sylvester Stallone, Jason Statham, Jet Li, Dolph Lundgren, Arnold Schwarzenegger,
Trailer https://www.youtube.com/watch?v=jQTDXMmZAmk
HÉRCULES La leyenda de Hércules, uno de los semidioses de la mitología
griega, llega a la pantalla grande, por segunda vez en el mismo año pero con una visión diferente. Hércules, mitad Dios y mitad mortal, ha derrotado a los monstruos más temibles, durante doce arduas labores, pero su familia es asesinada, entonces él decide que no alabara más a los dioses y se dedicará a entablar peleas por dinero, ya que es lo único que lo hace dejar de sentir dolor, pero el Rey de Tracia lo contrata junto con algunos de sus amigo para crear un ejército más fuerte y así derrocar a Grecia, entonces Hércules deberá reflexionar sobre si la vida que está viviendo es la correcta . Adaptación de la novela gráfica de 2008 Hercules: The Thracian War. Título original: Hercules: The Thracian Wars Año: 2014 Duración: 98 min. País: E.U.A. Director: Brett Ratner Guión: Ryan Condal, Evan Spiliotopoulos (Novela gráfica: Steve Moore, Admira Wijaya) Música: Fernando Velázquez Fo-
Trailer https://www.youtube.com/watch?v=OwlynHlZEc4
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