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E
Editorial
l cine es un arte paradójico. En cualquiera de sus facetas, se caracteriza por lograr la identificación física o mental con su público. Mas, al mismo tiempo brinda la magnífica posibilidad de desprenderse de la realidad, por lo menos de la realidad cotidiana e individual, e ingresar en un mundo completamente distinto del nuestro. Sin embargo, y pese a que existen miles de cintas que se valen de la ciencia ficción como medio para cautivar, entretener o concientizar al espectador, no por ello dejan de ser proyecciones de la realidad cotidiana. Así podríamos continuar con este círculo eterno, o mejor dicho con esta espiral estético-visual, en la que sin importar que se nos presente en pantalla, ya sea una historia documental, realista, surrealista, naturalista o ficticia, el argumento, y su base siempre se engendran en una visión individual de la cotidianeidad, simplemente modificada por las percepciones, y sobre todo por los recursos del director y su equipo. Pues como bien ha señalado pier Paolo Pasolini, el cine es ka semiología de la realidad.
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Contenido El cine es... poesía: El secreto de sus ojos 2
Tesoros fílmicos: Blade runner 6
La caja de Pandora: Dr. Strangelove 16 Super 8 Número 41 Editor: Azucena Mecalco Redactores: @AMAURY1984, Jorge Alonso Espíritu, Estefania Hipólito, Fafner Svern, Héctor Benita Arte y Diseño: Azucena Mecalco México Distrito Federal 1 de septiembre de 2014
En portada: Blade Runner
La mente maestra: Denis Villeneuve 11
El extra: Filosofía natural del amor 20
Además Había una vez: Jane Austen 24 Top Five: Las muertes más morbosas del cine 30 En cartelera 33
EL CINE ES... POESÍA
EL se
el vacío d
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ecreto de sus ojos
del amor que sobrevive a la muerte Por Jorge Alonso Espíritu
¿Q
ué sentido tiene vivir la vida? Es una pregunta que no admite respuestas generales. ¿Qué sentido tiene vivir nuestra vida?
se desbordan en las tareas más diversas para soportar la existencia, apropiarla, escribir nuestra historia personal y a veces subsistir en el relato de los homLos seres humanos somos an- bres venideros. Nuestra existenimales extraños. Somos instinto cia tiene sentido en la vocación. y somos raciocinio. Somos nat- Decidir ser. Decidir vivir, morir, uraleza, al mismo tiempo que amar. somos imaginación. También placer, vértigo, riesgo y miedo. Para contenernos, para gaSomos criaturas pasionales que rantizar la salud de la especie, nos hemos creado una serie de normas explícitas o no que delimitan nuestra normalidad: la corrección, lo higiénico, lo sano para nuestra vida física, social, mental y hasta espiritual. La cor-
riente de la superación personal abdica a los placeres más íntimos por demostrarnos que los vicios corroen. Subyace la búsqueda del “yo” estereotipado: un sujeto que es feliz a través del antropocentrismo más personalizado, del egocentrismo más exitoso, del emprendimiento más financiero, de la economía más conveniente. Una ruta que termina en la calma más engañosa: la plenitud del hombre moderno. Pero la vida no está escrita en un libro: se bifurca y da vueltas sin un eje establecido, más como un insecto loco que como un juego de feria. La razón de los protagonistas –bendita literatura- se aleja de la salud del blanco cuarto de hospital, pintando las paredes
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de colores tan intensos y distintos que de no ser porque creemos en la ficción, no creeríamos que existen. Allí está lo distinto, siendo parte de lo común, rompiendo un poco la norma, dejando lo extraordinario. ¿Cuál es el sentido de la vida? No importa cuál diga el instructivo, para los personajes de esta historia es uno bien claro: amar hasta morir.
Vivir para amar ¿Cuántas historias de amor hemos conocido en nuestras vidas? ¿Cuántas películas de amor hemos visto en nuestra vida? No es algo que carezca de valor pues, la narrativa monótona de las relaciones personales incentivada por la televisión y la industria del entretenimiento configura los prototipos del
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amor y el comportamiento humano. ¿Cuánta gente espera a un príncipe azul, a una damisela en peligro o a un caballero que haga más a una mujer minusculizada ya por los patrones de conducta? Pero el amor nunca podrá relegarse en el orden de los temas fundamentales de la vida. Porque nunca debe subestimarse a una persona que ha decidido amar. Amar tanto que lastime. Amar con totalidad. Porque el amor eterno, ese concepto desgastado, sin más alcance que una fecha calendárica, sin más escenario que los momentos perfectos, sin más credibilidad que la de los votos matrimoniales, sin más duración que la de una
telenovela, es tan improbable que nos convierte a los humanos en una raza ajena al espejo en el que solemos vernos: nos pintamos perdurables y nos evaporamos pronto, muy pronto.
Pero aunque improbable, no es imposible. Y a veces ni la muerte termina con la convicción del sentimiento que nos entrega al ser amado. Amor por siempre, mientras yo exista. Amor gigante, más allá de lo sano, más allá de lo imaginable. Esa es la premisa de El secreto de sus ojos, la fantasía de Eduardo Sacheri llevada a la pantalla por Juan José Campanella. ¿Y qué cuando el amor no muere? El secretario de juzgado Benjamín Espósito acaba de jubilarse de su trabajo en un juzgado penal. Asfixiado por la soledad, acompañado por los recuerdos y enamorado aún de Irene, su antigua jefa, decide contar la historia; una historia que bien pudo ser ajena, pero que arrastró toda su vida: en 1974 una mujer es
violada y asesinada. Por estricto turno, pero sin ánimos, el departamento de Benjamín se encarga del caso. Pronto es conmovido por la brutalidad del asesinato y la corrupción del sistema penal, que culpa a trabajadores inocentes. Así Espósito se involucra en una campaña para encontrar al asesino de la mujer, y ayudar a Morales, su novio, a encontrar la justicia y la paz. El filme, entre el thriller policiaco y la historia de amor de Espósito e Irene, teje una trama más difícil de contar, más dolorosa, más trágica. La historia de Morales. La historia de amor de Ricardo Morales hacia la joven Liliana Colotto de Morales. La desesperación por no perderla cuando ya la perdió, y la fuerza que no da ninguna resignación. La venganza. El duelo eterno. La muerte propia. Allí la tragedia más dura de la historia: ����������������������� ¿���������������������� cómo evitar que la memoria se difumine entre tantos
recuerdos, muchos de ellos falsos? ¿Cómo recordar para siempre de qué era el dulce y cuantos eran los terrones de azúcar con que endulzaron el té la mañana en que ella fue asesinada? Porque la mente es débil y de a poco olvida los sucesos aunque nunca olvide las sensaciones. Olvida los rostros, pero no la emoción de ver un rostro. Y de pronto, dice Morales: “ya no sé si es un recuerdo o el recuerdo de un recuerdo lo que me va quedando, ¿Se da cuenta?”.
existencia? Existencia que también se pierde en la rutina de amar sin saber hacer otra cosa. O sin querer. Porque poder es posible. Pero la voluntad es endeble enfrentada a la pasión. La pasión es la fuerza que construye y derriba las estructuras del mundo. Sin pasión, un humano no lo es. Y ninguna voluntad es tan fuerte como la que procede de la pasión. Y sin ella los años se llenan de nada.
Así, Morales muere, mientras se esfuerza en revivir todos ¿Para qué amar cuando la los días a Liliana. Uno debería fuerza más grande, la muerte, ya olvidar, Ricardo lo sabe, pero el terminó con toda posibilidad de amor subsiste transmutado en que el ser amado reciba nuestra venganza. Cada año es un poco más de muerte. Una muerte planificada: asistir cada día a la estación de tren hasta que por una improbabilidad estadística el asesino pase por allí. Quedan las miradas. Amar con todo. Con todo. Hasta que en el recuerdo veamos por última vez esa mirada. Disminuidos. Menos sociales. Más humanos. Pero no traicionar. No traicionarnos. Sin importar nada. Elegir. Elegir amar por siempre. Hasta terminar de morir. Algún día.
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TESOROS FÍLMICOS
BLADE RUNN
Inspiración e
“A new life awaits you in the Off-World colonies. The chance to begin again in a golden land of opportunity and adventure. New climate, recreational facilities… absolutely free. Use your new friend as a personal body servant or a tireless field hand–the custom tailored genetically engineered humanoid replicant designed especially for your needs.” Anuncio sobre replicantes – Blade Runner
U
na nueva vida nos espera en las colonias del mundo exterior…
uno y mirarlos sucesivamente hasta el cansancio. Sin embargo, había algo distinto en este, detalles que no había apreciado, eran escenas nuevas y al mismo tiempo hacían falta detalles: era la versión del director. ¿La versión del director? ¿Cómo es eso? ¿Una versión alternativa? ¿Universos paralelos? Resulta que el termino «versión del director» consiste en la visión del cineasta acerca de cómo fue concebida, un producto final fiel a su argumento; una película que no ha sido modificada por los productores para satisfacer las necesidades de tener un éxito en taquilla con base en los estudios de marketing. Así se descubre una realidad, los que quieren hacer un cine auténtico no siempre lo logran por estar supeditados a los deseos de los financiadores. Blade Runner es uno de esos ejemplos.
Finales de la década de los 90, mi padre había comprado un reproductor de videocasete porque el viejo armatoste ya no funcionaba, para celebrarlo adquirió el VHS de la película Blade Runner. Independiente de las transmisiones en televisión pública, era maravilloso tener en formato casero del filme ya que La película, que originalmense puede manipular al antojo de te se llamaría Dangerous Days,
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tiene distintas versiones: Workprint (1982); U.S. Theatrical Cut (1982); International Theatrical Cut (1982); Director’s Cut (1992); y The Final Cut (2007).
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estética y visual Por Fafner Svern La primera fue proyectada en las funciones especiales para el público y la crítica en 1982, la respuesta fue un desastre, los comentarios impulsaron a los estu-
dios a modificarla; de este modo surgió la U.S. Theatrical Cut, con un final “feliz” (en donde se usó archivo fílmico no usado en The shining, de Stanley Kubrick), voz en off y poca violencia en comparación a la International Theatrical Cut que tiene escenas con violencia explícita. A principios de los 90 se proyectó en varios festivales de cine la versión Workprint, promoviéndola como la edición del director sin la aprobación de Ridley Scott; como la respuesta del público fue positiva, Warner Brothers decidió editarla en VHS y Laserdisc con asesoría de Michael Arick quien a su vez se apoyó con notas de consulta que Ridley proveyó. Entre la Workprint (versión preliminar usada durante el proceso de edición) y la Director’s cut la diferencia es mínima, destaca la pobre calidad de audio/video con la que fue editada, la eliminación de la voz en off, se insertó la secuencia del sueño de Deckard (el unicornio
cabalgando, símbolo importante dentro de la comprensión de la historia) y se eliminó el final feliz impuesto por el estudio. Finalmente, en el 2007 para festejar el 25 aniversario del estreno de la película, se lanzó en DVD, HD DVD y Bluray la edición Final (Final Cut) de Blade Runner, que en palabras de Ridley Scott es su versión favorita. Tuvo control total de la remasterización, edición y filmación de nuevas escenas, entre las que destacan: la secuencia de la controvertida muerte de un replicante; y, el baile de mujeres exóticas. Se eliminaron errores previos de edición, continuidad, además se le hizo justicia al diseño artístico al darle un tratamiento a la imagen. Quién haya visto este corte final en cualquiera de sus formatos podrá compararlo con las versiones anteriores y notar que la película rejuveneció para así competir en calidad de audio y video con las producciones actuales; como
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referencia, este efecto también sucedió en la transferencia a digital que se hizo con 2001 una odisea en el espacio del maravilloso Stanley Kubrick.
El calvario La producción de la película, cuentan las personas involucradas, fue muy problemática. Era el primer trabajo de Scott en Estados Unidos, el equipo de diseñadores creía que estaban desarrollando un estilo similar al de Alien, lo que no deseaba Scott ya que la historia era un
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universo aparte; se desarrollaba en la ciudad de los Ángeles en el año 2019, su principal inspiración visual provenía de The long tomorrow, del dibujante francés Jean Giroud Moebius. Las principales características del universo de Blade Runner son la sobrepoblación, polución y la pobreza; estos elementos fueron factor clave para su fracaso en taquilla, puesto que el público estadounidense no quería un futuro distopico en pantalla, querían ver una utopía, un porvenir que reflejara el discurso político de Donald Reagan acerca del bienestar de la nación. Ridley Scott siempre ha sido un artista visual comprometido con su trabajo, un perfeccionista, lo cual provocó conflictos con el departamento de dirección artística y diseño de
producción, ya que él estaba trabajando sobre los diseños acompañado del diseñador industrial-futurista visual Syd Mead. Ésto generó conflicto ya que el equipo creía que Scott no tenía confianza en ellos, aunque en repetidas ocasiones ha declarado que no tenía necesidad de estar atrás de ellos pues era gente que sabía hacer su trabajo; la situación más conocida fue el uso de playeras con una frase denostando a Ridley Scott, quién a su vez mando a hacer playeras con la frase “la xenofobia apesta”. El diseño que prevalece en la cinta es una clara referencia al cine negro, los edificios muestran sus órganos por el exterior (ductos de ventilación, cables eléctricos con predominantes anuncios de luz neón); para cubrir la evidencia de los escenarios al igual que las locaciones exteriores, el equipo de filmación se valió de tres factores importantes: humo, lluvia y noche. Cada uno de estos elementos, además de cumplir con su función de “cubre defectos”, ayudaban a la creación de la atmosfera opresiva del filme.
Como he mencionado, Ridley es un perfeccionista, por ende todo lo que se ve en la película fue construido: los automóviles en escala real cómo en miniatura, el edificio de la corporación Tyrell junto con su oficina, el mercado, el bar de Taffey Lewis, el departamento de Deckard; las dos únicas locaciones exteriores (el hotel Bradbury y la Estación Central) sufrieron una transformación increíble para darle más realismo a la película. Hasta el momento en que se filmó no se usó ningún efecto generado por computadora; sólo para el corte final de 2007 se usó la tecnología del alma, evidentemente Ridley digital. aceptó y el resultado se refleja en la pantalla de una forma magistral. Pero, su mejor aportación fue el diálogo del clímax de La selección de actores para la la película, la famosa frase: película fue un asunto especial, ya que no querían actores muy “I’ve seen things you peoconocidos: Harrison Ford, Rutple wouldn’t believe: attack ger Hauer, Sean Young, Edward ships on fire off the shoulJames Olmos. Cada uno de ellos der of Orion. I’ve watched aportó de manera significativa a c-beams glitter in the dark la película. De manera personal, near the Tannhäuser gate. Edward James Olmos trabajó en All those… moments will un detalle que siempre imprebe lost in time, like tears in siona, la creación del lenguaje rain. Time to die…” cityspeak, que es un multilenguaje compuesto por el idioma La frase en el guión era larga y Húngaro, Alemán y Francés; su tediosa, Rutger decidió jugar un personaje multiétnico, obsesio- poco con el guión y al improvinado con verse bien, es un ejem- sarlo fue del gusto del director, plo claro de la multiculturiza- Ridley ha dicho en varias entreción que se daba en el universo vistas que Rutger Hauer es un de Blade Runner, y que no está hombre teatral, un hombre poélejano de nuestra realidad, con- tico. forme pasa el tiempo nos acercaEl caso mos a esa combinación de cultude Harrison ras, a la transculturización. Ford es algo Rutger Hauer interpreta a Roy c u r i o s o , Batty, el nexus 6 más impresio- como se ha nante y el replicante más huma- mencionano que los humanos (“more hu- do la proman than human is our motto” es ducción fue el lema de la corporación Tyrell); accidentael actor dio grandes aportes, le da: las predijo a Ridley que si podía impri- siones de mir las cosas que no pertenecían los finana la película, las cosas increíbles ciadores, el sobre la gente como el sentido rigor de Ride la poesía, del humor, del sexo, dley Scott ser como un niño, el sentido al filmar, la
El reparto
perfección en los pormenores y la atención del director en ciertos detalles más que en otros. Ford no se sentía contento de estar ahí, en primer lugar no sentía la conexión con su personaje, en diversas entrevistas ha declarado qué para ser un detective no hacia trabajo de investigación durante la película; se quejaba acerca de Ridley por la falta de atención para la caracterización de su personaje, puesto que estaba atento en la producción además de orientar a Sean Young, quien era una actriz inexperta. Ford casi no salía de su remolque y era tanta su frustración durante el rodaje que se ve reflejada en su actuación, lo cual fue decisivo para brindarle el toque depresivo que caracterizó al personaje Rick Deckard.
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La música es, sin duda alguna, una de las mejores bandas sonoras creadas para un filme. El soundtrack fue compuesto por el músico Vangelis (Evangelos Odysseas Papathanassiou), quien combinó música electrónica (sintetizadores), étnica (mayoritariamente japonesa) con sonidos del jazz y blues. Esta combinación se realizó para generar el ambiente de cine negro y futurista que Ridley quería. La música a diferencia del filme fue bien recibida por el público; pero sufrió las consecuencias del fracaso en taquilla así que por mucho tiempo no se comercializaron las pistas originales, y sólo se podían conseguir en los mercados dos versiones de la banda sonora: una que grabó la NEW American Orchestra y otra que era una versión pirata que circulaba en los circuitos de las convenciones. Fue hasta 1993 que se editaron dos discos, uno del estudio Off World Music, Ltd. con pésima calidad de audio, el otro de Gongo Records
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que mejoraba en calidad sonora. Actualmente se consigue una edición lanzada en 2007 que se llama Blade Runner Trilogy, y se compone de tres discos: el primero contiene los tracks oficiales; el segundo posee música de la película que no había sido publicada; y el tercer disco tiene música inspirada por el espíritu de la película.
Es una importante fuente de inspiración de estilos visuales, sobre todo en el subgénero del cyberpunk, su estética postapocalíptica se impuso como un referente obligado, para muchas obras cinematográficas (Matrix, Robocop, El quinto elemento, Total Recall y Minority Report), novelas gráficas (Akira, Ghost in the Shell), series de televisión (Battlestar Gallactica, Futurama), y videojuegos (Deus Ex, su influencia están fuerte que me aventuro a decir que se podría considerar Blade Runner es una obra maes- como parte del universo de Blatra de la cinematografía moderna, de Runner). a tal grado que en 1993 fue seleccionada para que se resguarde Blade Runner abre la interrouna copia en el Registro Nacional gante acerca de la humanidad de Filmes (NFR por sus siglas en junto a su deshumanización, la ingles) de la Librería del Congre- visión de un futuro tan cercano a so de Estados Unidos, lugar en nuestra realidad en donde la indonde se encuentran al resguardo dividualidad del ser nos convierobras como 2001: A Space Odys- ten poco a poco en máquinas y a sey, Apocalypse Now, Annie Hall, su vez las máquinas se sensibiliAlien, Taxi driver, Casablanca, etc. zan hacia la humanidad. La lonEl autor de la obra original (¿So- gevidad, la creación, la morfoñaran los androides con ovejas eléc- logía, los recuerdos, los sueños, tricas?), Philip K. Dick aprobó lo el miedo, la frustración, son los que alcanzó a ver filmado de Bla- temas presentes en la obra. de Runner, y aseguró que era como si se hubieran metido Los humanos son androides, a su cabeza y sacado las imá- los androides son humanos. El genes de ahí. A partir de este ser humano plasmado en Blade filme Hollywood fijó sus ojos Runner, ¿será el ser humano al en la literatura del escritor que estamos destinados en un para adaptarla a cine: Total futuro no tan lejano? DesafortuRecall, Minority Report, Next, nado que no sobrevivamos para The Adjustment Bureau, Pay- verlo, pero, ¿Quién lo hace? check, A Scanner Darkly.
La influencia
LA MENTE MAESTRA
Ne jouez pas avec le Québec:
DENIS VILLENEUV E Por @AMAURY1984
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l pueblo canadiense ha sabido de alguna manera defenderse de la masiva invasión estadounidense … y de su cine. Tras la fundación del National Film Board of Canada (NFBC) en 1939 han permitido la producción de cine local, independiente y de calidad. Y lo mas importante, han permitido que talentos jóvenes con proyectos bien planeados tengan acceso a financiamiento, lo cuál ha sido muy redituable en términos de reconocimiento internacional en festivales; lo que me lleva a hablarles de uno de los directores canadienses que más Nacido en la “Monterrey” de quería formar parte de las filas aprovechó la facilidades del Canadá, Quebec, el señor Denis de la fuerza laboral mediática gobierno: Denis Villeneuve. Villeneuve siempre supo que del país nórdico. Fue por eso
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que estudió cine en la Université du Québec à Montréal, una de las cunas de creativos más importante del país. Gracias a sus
múltiples acuerdos con empresas mediáticas como CBC, Viacom y CBS de los EE.UU. Villeneuve inició su carrera laboral dentro de la CBC Radio-Canada como becario y más tarde como trabajador del departamento editorial. Mientras trabajaba en aquella empresa, elaboró varios guiones para cortometraje con los que en 1993 decidió pedir apoyo al NFBC para la realización del que consideraba su mejor idea REW-FFWD. La idea era hacer un cortometraje en el que la audiencia escuchará la grabación de una tradicional “grabadora / caja negra”, en la que escuchamos la voz de una narrador que le sugiere a un personaje en primera persona
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lo que está sintiendo y viviendo en ese momento en el que su vehículo lo deja botado en un suburbio jamaicano. Villeneuve inscribió su cortometraje REWFFWD al festival de cine de Locarno en el que obtuvo el premio del jurado.
de un proyecto que uniría el trabajo de seis realizadores: Jennifer Aellyn, Manon Briand, Marie-Julie Dallaire, Arto Apragamian, Andre Turpim y Denis Villeneuve. El objetivo del proyecto era presentar una versión refrescada de un filme anterior que reunió Su incursión en el cine lo puso directores jóvenes a contar en los reflectores del círculo pequeñas historias entorno a un de realizadores independientes personaje. La versión propuesta de Canadá; y fue invitado por por Frappier giraba entorno “EL” productor canadiense a Cosmos, un personaje que Roger Frappier a formar parte debía estar presente en las seis
historias presentadas. El filme estrenado a finales de 1996 creó algo de bullicio en la sociedad canadiense e inclusive fue enviado como la selección del país a competir por el Óscar a Mejor película extranjera, pero este no llegó a la nominaciones. Tras este ejercicio en conjunto, Roger Frappier instó a Villeneuve a arriesgarse e incursionar con un largometraje. Villeneuve tenía un par de ideas para cortometrajes en las que veía material para construir algo mucho más grande; entre estas estaba la de una joven que sufre un accidente que le cambia la visión sobre lo frágil que es su vida y lo que ha hecho con ella. Ese guión llevó por nombre Un 32 août sur terre cuando
llegó al escritorio de Frappier. Tras discutir algunos detalles de la historia, el productor y el director pusieron manos a la obra a principios de 1997. Y confiaban tanto en que el producto final sería importante para el cine canadiense que inscribieron el filme al festival de Cannes con una versión temprana. Un 32 août sur terre participó en la selección del Un Certain Regard de 1998 y aunque salió con las manos vacías de Cannes, construyó reputación de entre los jóvenes directores canadienses de los 1990.
carrera con otra historia sobre una chica asediada por la imagen de su famoso padre; ella por su parte intenta hacer carrera en el mundo de la moda. Pero nada complace su deseo de sobresalir de detrás de la sombra del padre. Esto la llevaba a buscar en lo excesos del alcohol y la drogas un espacio que primero supone es inspiración, pero termina como una ventana de escape frente a lo que no parece tener salida. La historia llevó por nombre Maelstörm, ese tornado acuático que jala todo al fondo. Villeneuve estreno Maelstörm en Agosto del 2000 en el marco del festival de cine de Montreal de donde salió galardonada y lista para su distribución en diversos festivales y mercados.
Tras el estreno masivo de Maelstörm en 2001 Villenueve puso su carrera en hibernación, sólo levantada de su letargo por dos cortometrajes que hizo entre los años 2001 y 2008. El primero de esto fue 120 seconds to get elected de 2006, financiado por la fundación Sundance, Bravo!FACT y otros más. En este pequeño trabajo, realizado con un teléfono y algo de postproducción, Villeneuve presenta un cínico político intentando convencer a una audiencia de votar por él con argumentos de felicidad y riqueza tras su Villeneuve estaba fascinado elección. con la construcción del actuar femenino frente a la crisis que El otro de estos pequeños las hace cambiar radicalmente su trabajos llegó a principios del comportamiento. Continuó su 2008. El cortometraje de nombre Next Floor presenta a una decadente elite engullendo un desagradable banquete. Su voracidad los hace caer y aunque de cierta manera parecen estar conscientes de lo irracional de su consumo, no pueden parar. Next Floor entró a competencia en el marco de
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Festival de Cannes de ese mismo año saliendo victorioso con el título de Mejor cortometraje. Para su siguiente proyecto Villeneuve quería retratar un hecho que marcó a la sociedad de la ciudad de Montreal; un crimen de género perpetrado por un joven estudiante en contra de un cuantiosos número de mujeres de su escuela. Dicho evento tuvo lugar en 1989 y para conmemorar los 20 años del masivo feminicidio, Villeneuve se apoyó en el guionista Jaques Davidts y juntos escribieron Polytechnique. Una versión muy fiel a los hechos que marcaron la vida de los estudiantes de la École Polytechnique de Montreal. La cinta tuvo una recepción decente dentro del mercado canadiense, pero no consiguió ser un proyecto rentable. Para su siguiente proyecto Villeneuve decidió adaptar al celuloide la obra teatral Incendies del dramaturgo Wajdi Mouawad. Un inmigrante libanés con gran aceptación dentro del mercado teatral francoparlante. Incendies narra la historia de unos mellizos que tras la muerte de su madre emprenden la búsqueda del padre que creían muerto y de un hermano que no conocían. Esta búsqueda los lleva a la tierra materna en donde tienen que ver a los ojos a la destrucción de la nación libanesa tras años de conflictos bélicos.
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El éxito de la obra de teatro en mercados internacionales le abrió las puertas a la versión fílmica, que fue muy bien recibida por el público y la crítica durante su estreno en 2010. Incendies además fue elegida por la academia canadiense para representar a la nación en los premios Óscar y Bafta. El trienio siguiente Villeneuve construyó dos proyectos distintos: Prisioners y Enemy. El primero de éstos construido del guión de Aaron Guzikowski sobre un misterioso secuestro.
En Prisioners un padre muy comprometido pierde a su hija cuando visitan a unos conocidos. El sospechoso es un joven que vive en un Caraván con un problema psicológico. El padre esta convencido de que ál secuestro a su hija, pero la autoridad no puede probar cargos en contra del joven que, al ser liberado, es abordado por el padre de la joven para sacar la verdad a como de lugar. Prisioners, protagonizada por Hugh Jackman y Jake Gyllenhaal, tuvo una buena recaudación en taquilla y dado que fue producida por un equipo estadounidense, entró a competir por un Óscar a Mejor fotografía.
fetiche de Villeneuve. Enemy es la adaptación de Villeneuve y Javier Guillón a la obra de Jose Saramago: El hombre duplicado. La historia aborda la vida de Adam Bell, un profesor que tras ver un filme que le han El otro proyecto inició casi recomendado, descubre a un de inmediato tras terminar actor que es idéntico a él. Adam Prisioners. En Enemy, Villeneuve emprende un desesperado y decidió dar el protagónico misterioso viaje para encontrarse a Jake Gyllenhaal, a quién la con ese ser que podría ser parte prensa ahora considera el actor de una dualidad.
Tras su presentación en el festival de Toronto, la versión de Villeneuve a la historia de Saramago recibió positivas reseñas de la crítica. Denis Villeneuve es uno de los más importantes directores canadienses y un estandarte del cine independiente al servicio no sólo de contar historias, sino también el de la generación de taquillas con ganancias para el inversionista fílmico.
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Dr.Strang
Cómo aprendí a dejar de p S
tanley Kubrick es sinónimo de buen cine, sobre todo en estos tiempos en donde películas como Gravity (o prácticamente cualquier película de terror, bélica o espacial) se roban unas dos o tres páginas de sus guiones. Con un Óscar en su haber, Kubrick es también ejemplo de que una buena carrera en el ambiente fílmico no siempre está llena de reconocimientos, sino de retar lo establecido a través de nuevas formas de hacer películas.
the Bomb es quizás su única obra imprevista. Se dice que durante Dr. Strangelove or: How I Lear- con tintes cómicos, lo cual, habrá las primeras fases de la producned to Stop Worrying and Love que aceptarlo, surgió de manera ción, Kubrick planteaba su obra
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LA CAJA DE PANDORA
gelove o:
preocuparme y amar a Kubrick Por Héctor Benita
como un thriller sobre la posibilidad de una guerra nuclear accidental. Mientras trabajaba en el guión, se dio cuenta que varias de las escenas que había escrito resultaban graciosas, por lo que tomó la decisión de convertirla en una sátira bélica nuclear, subgénero desconocido en su época y que, obviamente, produciría una reacción dividida entre la audiencia.
Sin embargo, al acercarse como espectador a este peculiar trabajo fílmico, uno no puede más que agradecer y valorar una infinidad de detalles y elementos sorpresivos. La actuación de Peter Sellers es tan magnífica, que podemos apreciar cómo el ritmo completo de la historia recae en él, y el actor, de manera responsable y hábil, se recrea en sus dones artísticos para sacarnos una sonrisa culpable.
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Con tres personajes en el filme, Sellers (con ayuda de la edición, indudablemente) se roba la película, sobre todo con el personaje que le da nombre al filme. Es el Dr. Strangelove su caracterización más peculiar y la que agrega el puntal final en el tono satírico de la obra. Su origen (obviamente alemán), su estado de salud (confinado a una silla de ruedas y sin poder controlar una mano) y sus comentarios científicos (una burla a las múltiples ideologías y teorías que ha tenido la humanidad), colaboran para generar carcajadas, incluso entre el resto de los actores. Debido a ello son los incesantes cortes que tiene el filme, al menos en sus escenas, ya que poco podían durar sus compañeros actores sin reír al estar cerca de él.
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Con toques críticos y una visión pesimis-
ta (casi burlona) sobre la realidad humana y el miedo como condicionante en la toma de decisiones, Kubrick logra mezclar de manera perfecta personajes tanto serios como irreverentes, haciendo así creíble una historia de lo más aterradora: un general brigadier estadounidense toma la decisión personal de comenzar un ataque nuclear sorpresa a la Unión Soviética, apoyado en un plan de acción a utilizar en caso de que el alto mando se viera comprometido o hubiera desaparecido totalmente. Esta situación provoca que el gobierno estadounidense se comunique con el soviético y aclare que esta acción no representa la intención de comenzar las hostilidades, sino que es un acto de locura de una sola persona.
Ésta es, sin duda, una propuesta que se mantiene actual, hasta nuestros días. Por eso, después de reír con los militares americanos y soviéticos, nos quedamos con un sentimiento de culpa: ¿Hasta dónde me puedo reír de una guerra nuclear? Es la desgracia diplomática la que genera las carcajadas en una situación que no nos puede parecer extraña ni ajena, teniendo en cuenta la situación global en que vivimos. Kubrick entrega una película que nos cuestiona sobre la cantidad de poder que cada quien puede tener en una ca-
dena de mando, que nos escupe realidades posibles, que nos reta a pensar en una solución ante el desastre inminente, y que, finalmente, en su carácter didáctico, nos enseña la más valiosa lección de todas: el miedo nos debería de dar risa.
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EL EXTRA
La pelĂcula donde cab
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ben todas las historias Por Jorge Alonso Espíritu
¿C
uál es su historia? ¿Cómo fue la primera vez que se encontraron? ¿Cuándo decidieron ser uno? ¿Años? ¿Meses? ¿Días? ¿Segundos? ¿Qué palabras? ¿Cuáles gestos? ¿Cómo entrelazar las manos, que es una forma de entrelazar las vidas, que es una forma de entrelazar las historias? Somos más lo que somos, que lo que creemos ser. Y casi nunca lo que planeamos.
Recapitulemos. ¿Cuál es tu historia? ¿Cuál es la historia de él o de ella? ¿Dónde empieza? Y si empieza, ¿termina? “Todo principio/ no es más que una continuación, / y el libro de los acontecimientos/se encuentra siempre abierto a la mitad”. Escribió Wislawa Szymborska. La cinta Filosofía natural del amor, entre el ensayo íntimo y el relato breve, dirige nuestras miradas a la vida a los ciclos naturales de cortejo y reproducción, pero humanizados, trans-
formados por las construcciones culturales y sus trasgresiones, que rigen el ser y el hacer de los hombres. Manuel, 36 años, fumador, solitario, niño callado que espera que el tiempo pase sentado en las prensas de un diario de circulación nacional se enamora de Alma, 15 años, fleco cayendo por la frente hasta donde comienzas las gafas. Manuel y Alma caminan por la ciudad sin tomarse de la mano. Manuel y Alma suben a la azotea de un edificio insulso,
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arquitectura del olvido, a ver la Porfirio, taxista. Conductor ciudad que se queda, con ellos, del río salvaje. Las calles del gimientras la vida y los aviones gante, Distrito Federal. Aquí pasan. todo sucede. Tantas historias.
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Tantos reflejos. Tantas señales en el tránsito. El vehicular. Y el otro. Millones de personas. Hordas hambrientas, sedientas, enamoradas. Porfirio conduce con el anillo en el dedo. Porfirio ve mucho. Es taxista. Y quiere. Y se antoja. Y piensa: ¿Qué pasaría si un día? ¿si me atreviera? Somos animales en un ritual de apareamiento. La mantis religiosa devora al macho después de copular. La historia sexual de las moscas es breve: algunas solo viven un día. La araña pavo real, como muchos otros machos, danza para conquistar a la hembra. La que alguna vez fuera una pareja de humanos se encuentra después de mucho tiempo, se miran a los ojos, conversan, pero todo contacto produce violencia. Jacca camina al frente. Delante
caminos fangosos. La perdición. Sustantivo del acto de perderse. Extraviarse. En este mismo momento, hay millones de parejas extraviadas. ¿Cómo se puede hacer uno a partir de dos distintos? -A veces, muy distintos-. Cómo ser otro sin dejar de ser yo.
amor. A la fantasía dolorosa. Al sueño hecho realidad. Al cuento de entrega, resistencia, tiranía, o reciprocidad. Al momento en que la naturaleza nos utiliza para hacer perdurar sus designios. Somos animales. Somos animales que fabrican fantasías y, al final, toda historia es una historia Cuenta tu historia. Mira a tu de amor pareja y cuenta tu historia. Los desvelos. Las risas. Los desencuentros. Tu forma de decir “amo”. Encuentra tu punto débil. de la estilizada Sae. Corta cocos, Tu punto netoma decisiones, elige el camino. cio. Tu cariAmbos viajan en México, el lu- ño. Tu sexo. gar exótico. Jacca danza su cor- Tu danza. tejo permanente mientras Sae Tu forma de hace figuras con el cuerpo. Cerca vivir y soestá el mar. Los manglares. Los brevivir al
FICHA TÉCNICA Título: Filosofía natural del amor Director: Sebastián Hiriart (México-Costa Rica 2013)
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HABÍA UNA VEZ
Jane Austen
Entre lo ideal y lo real
J
ane Austen nunca imaginó que su novelas perdurarían en la memoria de la gente por muchos años, y que éstas servirían como fuente de inspiración para escritores, o que serían retomadas para hacer adaptaciones cinematográficas, e incluso que las personas se volverían admiradoras de su obra y que se nombrarían a ellos mismos como Austineanos. Jane Austen escribió en total sólo seis novela, las cuales son Sentido y sensibilidad ( 1811), Orgullo y prejuicio (1813), Mansfield Park (1814), Emma (1815), La abadía de Northanger (1818) y Persuasión ( 1818), las dos últimas son obras póstumas.
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Cada una de su novelas está caracterizada por las decisiones que debían tomar las mujeres de su época respecto a la vida y el
Por Estefania Hipólito matrimonio. Jane Austen dotaba a sus protagonistas con un fuerte carácter, éstas vivían en diferentes circunstancias y tenían diferentes orígenes, sin embargo, todos buscaban lo mismo: el amor verdadero. Además en sus novelas plasma experiencias propias, como la relación estrecha de ella con su padre, en Orgullo y Prejuicio o la re relación ente ella y su hermana Casandra , en Sentido y sensibilidad. Orgullo y prejuicio es una de las obras que más se ha
adaptado al cine y la televisión, esta novela nos cuenta la historia de la familia Bennet, así como la atracción que siente Mr Darcy por Elizabeth Bennet, a pesar de que su juicio le indica que esta simpatía no tiene razón por la forma de actuar de la familia de ella, aquí Jane Austen nos deja ver cómo debía de ser la mujer en esa época para poder conseguir un matrimonio provechosos, lo cual pone de manifiesto con esta frase: No se puede decir que alguien sea de verdad brillante si no sobrepasa con mucho a lo que encontramos de ordinario. Una mujer ha de tener un conocimiento
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Knightley en el papel de Elizabeth y Matthew Macfadyen en el de Darcy, conserva más la esencia de la novela, a pesar de que se eliminaron algunos parajes de la obra y se optó por escoger escenarios más románticos para algunas escenas, como la proposición de Darcy a Elizabeth, también se le agregó un final que no existe en el libro, sin embargo estas variaciones son las que exaltan el sentido romántico de la novela. completo de la música, del canto, del dibujo, del baile y de los idiomas modernos para merecer ese calificativo; y junto a todo eso, ha de poseer un algo indefinible en el semblante y en la manera de andar; así como en el tono de voz, la elocución y la manera de expresarse, porque, de lo contrario, sólo merecerá a medias ese elogio.
por Greer Garson y Laurence Olivier. Aunque en su época se le consideró una buena adaptación de la novela, actualmente se considera que se quedó corta, ya que los vestuarios que se utilizaron para la cinta no se adaptaban a los que se describían en la novela; mientras que la del Las dos versiones cinemato- 2005, la cual tiene un gráficas más conocidas son, la título homónimo de de 1940, Más fuerte que el orgullo, la novela y fue dirigida por Joe esta fue dirigida dirigido por Ro- Wright, donde los papeles probert Z. Leonard y protagonizada tagónicos pertenecen a Keira
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Ninguna de las dos versiones es completamente fiel a la
novela, pero en ambas perdura la imagen de la sociedad británica de la época, regida por una serie de apariencias y prejuicios que eran de vital importancia para el matrimonio. La novela Sentido y sensibilidad, gira alrededor de dos hermanas: Elinor y Marian, la primera es cauta y sensata con respecto a sus sentimientos y opiniones, mientras que las segunda es más efusiva, lo cual les lleva a enfrentarse con el amor y el desamor de maneras distintas. Asi Elinor se expresaba sobre el amor con su hermana:
Al fin y al cabo, Marianne, después de todo cuanto de sugestivo hay en la idea de
un único y constante amor, y de todo cuanto pueda decirse de que la felicidad de uno depende por completo de una sola y concreta persona, no es éste el verdadero fin...no es proporcionado...ni posible. La adaptación cinematográfico de 1995 fue dirigida por Ang Lee y las actrices que encarnaron a las hermanas fueron , Emma Thompson
en el papel de Elinor y Kate Winslet interpretando a Mariane. La película difiere de la novela en algunos puntos, empezando por el hecho de que las hermanas Dashwood, tienen 19 y 15 años respectivamente y las actrices se ven bastante
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grandes; sin embargo los paisaje británicos que se muestran nos llevan a revivir la novela, y el guión permite que el espectador nunca pierda el hilo, quizás esta sea la razón de que el guión obtuvo un Óscar, además la banda sonora cambia dependiendo de las hermanas.
la protagonista no sufre de problemas financieros, por lo que se desempeña principalmente de casamentera de sus amigo, aunque no siempre sean atinadas sus predicciones de boda, además es una jovencita poco interesada en el matrimonio; sin embargo Mr Knightley, su vecino y cuñado, dieciséis años mayor que ella, Emma es otra novela de Jane es el único capaz de entender a Austen que tiene una versión ci- Emma y juzgarla. nematografica, pero en esta ocasión es una comedia en la que, a La película, que lleva el misdiferencia de sus predecesoras, mo nombre de la novela y es del
año 1996, fue dirigida por Douglas McGrath, y protagonizada por Gwyneth Paltrow y Jeremy Northam. Esta versión inicia con una narradora, acercándose en este sentido a la novela, además de que se sitúa en la época de ésta y utiliza las situaciones más importantes de la novela, asimismo la actuación de Gwyneth Paltrow se adecua muy bien a cómo describe Jean Austen a Emma, mientras que el señor Knightley es menos afectuoso en la novela que en la cinta, pero las escenas de los bailes junto con la banda sonora son hermosas. No obstante en 1995 se realizó una adaptación más moderna, Clueless dirigida por Amy Heckerling. En ella Alicia Silverstone interpreta Cheer quien sería Emma, está ambientada en un instituto de Beverly Hills, esta versión está ubicada en una época más actual, pero igual de frívola que la que describe Austen en su obra. A pesar de que en todas sus novelas el amor y el matrimonio eran el tema principal, Jane Austen nunca se casó, aunque se tiene documentado en las cartas que Jane le escribió a
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su hermana Casandra que se enamoró de Tom Lefroy, pero entre ambos existía una diferencia monetaria, impedimento para concertar un matrimonio y como consecuencia la familia de él lo envió lejos para que la relación terminara.
libro Becoming Jane Austen de Jon Spencer y fue protagonizada por Anne Hathaway como Jane Austen y James McAvoy como Thomas Lefroy. Esta película está muy bien ambientada en la época, tanto en vestuario como en paisajes; aunque se introducen elementos de la vida de Jane Esta historia de amor fue que no existieron, como una terllevada al cine con el nombre cera hermana, pero nos muestra de Becoming Jane en el año de como el dinero era algo indis2007 dirigida por Julian Jarrold, pensable para arreglar un buen la película toma como base el matrimonio, sin embargo en algunos momentos la actriz principal tuvo que ser doblada por la falta del acento inglés en su pronunciación.
“Cuanto más conozco el mundo, más me desagrada, y el tiempo me confirma mi creencia en la inconsistencia del carácter humano y en lo poco que se puede uno fiar de las apariencias de bondad o inteligencia.”
El amor definitivamente es la base de sus obras y es por eso que aún se siguen haciendo adaptaciones de sus novelas, porque en ellas plasmó un amor ideal, con el que muchos sueñan, pero también presentaba la otra faceta real del amor, y cómo las personalidades de las personas eran cambiantes y las actitudes características de su época, aunque si leemos sus obras en la actualiJane Austen era qui- dad podemos notar que existen zás una mujer adelan- elementos que no han cambiado tada a su época, o sim- mucho y que aun pueden ser apliplemente observaba cables en la vida moderna. y analizaba detenidamente lo que pasaba a Jane Austen nació el 16 de disu alrededor, ella pro- ciembre de 1775, fue el séptimo nunció algunas frases, hijo y la segunda hija de sus pamuy elocuentes, como: dres y falleció el 18 de julio de 1817, en Winchester.
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TOP FIVE
LAS MUERTES MÁS MORBOSAS DEL CINE Por @AMAURY1984
N
o existe nada que la prensa de espectáculos añore mas que una espectacular, catastrófica o misteriosa muerte. Y los actores, directores y otros miembros de la industria del cine han sabido entregar fascinantes hechos para llenar revistas y horas y horas de transmisiones especiales entorno a la muerte de alguien. Este Top 5 aborda las más morbosas muertes de miembros de la industria.
5. Brandon Lee El joven primogénito del legendario actor de ac-
ción Bruce Lee, nació y creció para aprovechar las enseñanzas y la fama de su padre. Y así lo hizo en un total de 10 filmes. Su misteriosa muerte de hecho se dio cuando filmaba su último trabajo estrenado póstumamente: The Crow. A tan sólo una semana de que terminará oficialmente el rodaje de la cinta, mientras se encontraban trabajando en una escena en la que le disparaban al actor, Brandon Lee cayó herido por una bala que debía ser de salva. Al herir en abdomen a Lee este se desangró rápidamente antes de si quiera poder recibir asistencia médica. Su muerte esta llena de misterio dado la supuesta maldición de la familia Lee y sus vínculos con la mafia. Durante mucho tiempo la producción intentó tapar el hecho diciendo que el actor había muerto en un accidente automovilístico cualquiera, pero de hace ya buen tiempo esa versión fue desechada ya que Lee realmente murió en el set por una bala dejada en un revolver que se disparo aquel 31 de marzo de 1993.
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4. Pier Paolo Pasolini El gran escritor, poeta, intelectual y director italiano conocido
por sus tendencias de izquierda y su abierta homosexualidad, fue asesinado en circunstancias hasta la fecha misteriosas. Tras el estreno de su polémica Saló, se presume que sus detractores políticos aprovecharon el revuelo que provocó para amenazarlo de muerte, y antes del estreno oficial de la película el legendario director fue asesinado por un supuesto par de prostitutos que contrató. Pasolini fue brutalmente golpeado y atropellado varias ocasiones con su propio vehículo. Aunque en un principio sus asesinos dijeron haberlo hecho porque Pasolini se había negado a pagarles, años después declararon que habían sido contratados para asesinar al director, con la garantía de una cuantiosa recompensa y una sentencia corta en caso de caer en la policía.
3. ROBIN WILLIAMS El personaje que de hecho inspiró este Top, Williams era para Hollywood como “la mascota de una marca de pan”. Agradable, inspirador de confianza y amigo de todo mundo. Ese tipo de personaje que esperabas que a sus 99 años recibiera de manos del actor popular en turno el Óscar por una larga y respetable trayectoria.
Pero lo cierto es que eso no era así, era mucho mas turbio de lo que la sociedad conocía. Robin Williams era un conocido consumidor de cocaína y un alcohólico, digamos, estándar. Como muchos miembros de la industria, había intentado dejar de lado sus adicciones, pero la ausencia de sus sustancias favoritas había creado un ser humano hundido profundamente en la depresión. Situación psicológica que se exacerbo tras conocer que padecía la enfermedad de Parkinson. Lo que aparentemente lo llevó a creer que ya nada quedaba en su vida y cometió suicidio en la soledad de su casa en California.
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2. Sharon Tate Posiblemente
el asesinato más sanguinario y terrible de la historia de Hollywood. La bella actriz esposa entonces del director Roman Polanski gozaba de gran reputación tras el estreno de la cinta The Fearless Vampire Killers, dirigida por Polanski. Supuestamente el hecho de que el director polaco decidiese presentar lo que presentó en su cinta Rosemary’s Baby, desato amenazas en contra de él y su familia, de parte de grupos satanistas. Así pues, mientras Polanski se encontraba en Londres filmando; Sharon, embarazada ya de varios meses, juntó a unos amigos en su residencia para pasar una agradable velada. Lamentablemente esa misma tarde el grupo “La familia” formada por Charles Manson decidió ir en contra de Tate y por consecuencia, de sus invitados. Tres mujeres y dos hombres murieron aquella noche, golpeados, acuchillados y con disparos de un arma de fuego. La familia realmente nunca dio sus razones y se asume desde entonces que el grupo abiertamente satánico decidió ir en contra de Tate por el bebé de una tal Rosemary.
1 .Marilyn Monroe La eterna chica del cabello rubio y la sonrisa que
encanta a todo ser vivo. Monroe es y será parte de la historia del cine como la recordamos, joven y bella. A pesar de ser toda una estrella de la época de oro del cine Marilyn siempre fue una actriz insegura empecinada en ser tomada más en serio. Es por eso que en sus últimos años se hizo rodear de un grupo de profesionales con lo que pretendía trascender en sus líos mentales. La muerte de Marilyn fue anunciada la madrugada de el 5 de Agosto de 1962 por su psiquiatra de cabecera. Supuestamente Marilyn se habría suministrado una sobredosis mortal de barbitúricos, pero las investigación periciales dejaron demasiadas dudas entorno a la muerte. Se sabe que la bella actriz era íntima de la familia Kennedy y que frecuentaba reuniones entre los Kennedy y un mundo de gente que era preferible no se supiera. Es por eso que aun existe la idea de que por alguna razón Marilyn habría sido asesinada por los Kennedy o alguno de sus misteriosos amigos.
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Por Estefania Hipólito
Ubicada
EN CARTELERA CORRER O MORIR
en el año 2024, un lugar llamado el Área, donde 60 jóvenes están encerrados sin memoria, ni recuerdos de su vida anterior. Thomas (Dylan O’Brien) es un joven que despierta en un elevador y llega aun sitio donde hay otros como él, lo único que sabe es que cada noche las puertas de ese lugar se abren y los que decidan intentar escapar deberán correr por su vida, nadie sabe los que les ha pasado a los demás. Thomas tiene muchas preguntas hasta que una chica llega al Área y lo llama por su nombre, entonces el decidirá arriesgarse y correr para obtener respuestas. La película ma de James
está basada en la trilogía homóniDashner, que fue publicada en 2009.
Titulo Original: The Maze Runner Año:2014 País: E.U.A. Director: Wes Ball Guión: James Dashner, Noah Oppenheim Música: John Paesano Fotografía: Enrique Chediak Reparto: Dylan O’Brien, Thomas Brodie-Sangster, Kaya Scodelario, Will Poulter Trailer https://www.youtube.com/watch?v=3vWGtRErfoE
EL GIGANTE EGOÍSTA
La narración se sitúa en uno de los barrios marginales de la ciudad de Bradford, en el condado de West Yorkshire. Cuando somos niños pocas cosas nos causan miedo, por muy peligrosa que se la situación creemos que nada malo podrá pasar. Arbor es un niño que tiene problemas de conducta en la escuela, razón por la cual es expulsado, entonces descubre que la venta de chatarra genera dinero fácil, así que decide invitar a su amigo Swifty a su nuevo negocio, y conocen a Kitten propietario del negocio de chatarra, pero conforme pasa el tiempo Arbor comienza a arriesgarse cada vez más en su búsqueda de chatarra, entonces la relación de su amigo se pondrá a prueba ya que Kitten comenzara a utilizar a Swifty en carreras de caballos lo que generara los celos de Arbor. La película toma como base el cuento homónimo de Oscar Wild, esta es una versión trágica y hasta desgarradora, es la segunda película del director Clio Barnard y ganó en Cannes el premio de Europa Cinemas. Título original: The Selfish Giant Año: 2013 Duración: 91 min. País: UK Director: Clio Barnard Guión: Clio Barnard (Novela: Oscar Wilde) Reparto: Conner Chapman, Shaun Thomas, Sean Gilder Trailer: https://www.youtube.com/watch?v=7tEgcpTbvJ8
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EN CARTELERA
LOS BOXTROLLS
Edad, n algún momento hemos temido a los monstros de la oscurien está animación los Boxtrolls existen en Cheesebridge y se dedican a hacer de las suyas durante la noche.
Eggs es un niño humano que fue adoptado y criado por los Boxtrolls, que en realidad no son monstruos, sino más bien una especie de bichos, quienes utilizan cajas para proteger su cuerpo y solo salen durante la noche para conseguir alimento de los desechos de los humanos, así viven tranquilos hasta que las personas de arriba deciden exterminarlos, pero una niña Winnie, será quien los ayude a sobrevivir a una posible catástrofe. Adaptación del best-seller de Alan Snow. Titulo original: The Boxtrolls Año: 2014 Duración: 100 min. País: E.U.A. Director: Graham Annable, Anthony Stacchi Guión: Irena Brignull, Adam Pava Música: Dario Marianelli
Trailer https://www.youtube.com/watch?v=Q2dFVnp5K0o
EN EL TORNADO La ciudad de Silverston se verá asediada por una serie de tor-
nados, como nunca antes había sido visto. Los caza tormentas solo pueden predecir la peor de las catástrofes, mientras que las personas intentan sobrevivir y ponerse a salvo de la furia de la naturaleza. Sólo un día será suficiente para terminar con la ciudad. La película está llena de efectos especiales característicos de este género y promete mantenernos entretenidos por dos horas con las catástrofes atmosféricas que incluirán ciclones de fuego. Título original: Into the Storm Duración:89 min. País: E.U.A. Director:Steven Quale Guión:John Swetnam Música:Brian Tyler Fotografía: Brian Pearson Reparto: Richard Armitage, Sarah Wayne Callies, Jeremy Sumpter, Nathan Kress, Matt Walsh, Arlen Escarpeta, Jon Reep, London Elise Moore, Kyle Davis Año: 2014
Trailer https://www.youtube.com/watch?v=Y8ocQofC09U
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