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Editorial
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a idealización es una enfermedad frecuente en el mundo, una de la más terribles, desgastantes y al mismo tiempo placenteras que existen. Idealizamos situaciones, objetos y personas.
Contenido La caja de Pandora Help! 2
Tesoros fílmicos The Doors
La música, como instrumento de creatividad se ha encargado de materializar la idealización, trasformando a los compositores de las melodías y las canciones en íconos de las sensaciones abstractas que proyectan a través de los sonidos que nos permiten visualizar imágenes y sentimientos. Estos personajes pasan a formar parte de nuestros mapas mentales pero difícilmente lo hacen en su forma humana; se encuentran, por el contrario, unidos a nuestra mente por la asociación de sus creaciones instrumentales o sus interpretaciones instrumentales. Se consolidan y se transforman en leyendas en formas diferenciadas de sí mismos, perdiéndose por completo en la latente idealización que los envuelve; y así se presentan sus historias en libros, exposiciones y películas que retratan, para inconformidad o fascinación del público, las facetas que decidimos ignorar al fingir que el interprete se posiciona como parte de nuestro contexto, pero en un mundo ajeno al que no podemos acceder sino es a través de su música.
Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook En portada The doors
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La mente maestra: The wall 11
El cine es poesía Violeta se fue a los cielos
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Había una vez La historia de Eddy Duchin 18
Para conocer Till the clouds roll by
En cartelera
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Super 8 Número 64 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Manuel Pineda, Alma Ricardo, Libertad Pineda , Jorge Alonso Espíritu Arte y Diseño: Azucena Mecalco México Distrito Federal 1 de octubre de 2015
Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.
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a música es parte de nuestra vida. Al escuchar una canción, recordamos alguna escena de nuestra historia personal. Se
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vuelve una actividad sensorial. Quizás nos venga el aroma, la luz y las emociones experimentadas. Todo eso y más nos puede detonar un estribillo, una melodía.
Una comedia para los fans de The Beatles, y también, para los que no lo son. Sin embargo, ¿de qué trata esta película?, ¿es un video musical que dura una hora y treinta minutos?
Recuerdo claramente la primera ocasión que vi Help! Me acompañaba mi hermana, quién a sus tiernos tres años, movía la cabecita al ritmo de Ticket to ride, pero sobre todo bailaba con Help. Ciertamente aquella infante, seguía con atención las peripecias del grupo. Por mi parte, vibraba con I Need You, bueno, con todas las canciones. Me emocionaba ver a los Beatles actuando y tocando.
La historia comienza con un sacrificio humano que intenta llevar a cabo una secta, en algún lugar remoto de la India. Todo va bien hasta que se dan cuenta que la futura sacrificada no lleva el simbólico anillo del sacrificio. La siguiente escena abre con un close up de una mano tocando la batería. El espectador rápidamente adivina la identidad del personaje: Ringo Starr, integrante del famoso cuarteto inglés. Se abre el cuadro, y vemos al sumo sacerdote Chang, con muy mala
LA CAJA DE PANDORA
Por Lupita Pineda cara. Él esta mirando el televisor, una transmisión de un video de los ingleses. Se enerva al ver cómo Ringo toca y su mano porta el anillo de una resplandeciente piedra roja. Extravagante, pensamos. La extravagancia y el exotismo es lo que despierta ese anillo. Quizás parte de la personalidad de Ringo. Aquí comienza la aventura, la cual se va desarrollando en los escenarios más inverosímiles, y de formas, por de más graciosas. Incluso rayando en los actos más ingenuos, nos hacen reír durante más de una hora. La secta se muda completamente a Inglaterra, comienzan los personajes de la banda es lle- por fin se dan cuenta de la persela persecución. La ingenuidad de vada hasta el minuto 15. Dónde cución de la que son objeto.
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Comienza un desfile de personajes y acciones diversas. Escenarios, diálogos hilarantes, una aventura que se apoya en el exotismo de la idea de la India, tan lejana de occidente, y a la vez, cercana a los británicos.
ramos de alguna mujer tomando de los científicos son comedia el baño tranquilamente en la In- pura. Un ejercicio lúdico con el dia. grupo más famoso de la época.
En ningún lado están seguros, llegan a pedir protección en los sitios, que parecerían los más seguros del Reino unido. Reímos La búsqueda de una salida con la sátira de los cuerpos de a este predicamento los lleva a seguridad inglés. buscar a la ciencia, falso camino. Ello sólo suma más elementos Las actuaciones son sin duda, en la persecución. La secuencia acciones naturales. Enfatizan es interrumpida por algún inter- su manera de ser. Podemos demedio, dónde intercalan imáge- cir, que son ellos mismos, simnes repetitivas de los músicos en plemente divirtiéndose. Juegan alguna actividad sin sentido. Sin todo el tiempo, fingen reír, finembargo, sirve para darle pasó a gen sorpresa, y eso causa gracia una metahistoria. Así, nos ente- en el espectador. Los personajes
La imagen corrió a cargo de la dirección fotográfica de David Watkin. Quién nos lleva a un mundo colorido y cálido. Sí, colores, en Inglaterra, famosa por su luz gris o plana. Logra un magnifico trabajo con la luz. Los músicos descansan en su casa, tocan la canción You’ve got to hide your love away. Escena, dónde claramente se nota la iluminación natural a través de la ventana. Esa luz hace cálida una canción melancólica. El espectador debe dejarse llevar por la luz de Watkin, el color que nos hace viajar de Londres, la ciudad, luego el campo y a los Alpes suizos, para cerrar en las Bahamas. En 1985 Watkin recibió el premio Óscar por su dirección de fotografía en Out of Africa. Asimismo, colaboró en Carros de Fuego.
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El director de tan divertida historia es Richard Lester, previamente había dirigido a los Beatles en A hard day’s night. Más adelante dirigiría Los tres mosqueteros y dos películas de la saga de Superman. La contribución de Lester en esta película esta en los videos musicales. Básicamente aporta al genero del video musical: dinamismo, cortes, close up.
Vanguardia para la época, que al día de hoy siguen usando los directores de video clips. Su trabajo de dirección, además de narrar una historia, se liga a la
música, todo de manera natural. Sin forzar nada. Podemos buscar en la red el video I need you, grabado durante la rodaje de la película. Vemos a la banda tocando a campo abierto, movimiento de cámara saltando de instrumento en instrumento, tomas abiertas, toma general del área, podemos ver que están frente a Stonehenge, así cómo protegidos por el Ejército Británico. Sin duda, se disfruta sólo o en película completa.
Durante 96 minutos vemos y disfrutamos de cada canción del álbum Help! del lado uno. El video clip en su era innovadora. Dinamismo sin pretención, ni elementos sobrantes, es decir, sin barroquismo visual. De por sí, la película se vuelve exótica de un momento a otro, con el cliché de la secta hindú. El penúltimo de los videos musicales de la película es Another Girl, dinámico y simple. Tocando y disfrutando de su música en la orilla del mar. Este video es el parte aguas de un cambio de comportamiento de los integrantes de la banda hacía su colega Ringo, por fin, llega el valor. La última canción, cómo se esperaría es Help… debes disfrutarla. Richard Lester obtuvo la Palma de Oro por una comedia sexual: The Knack… and How to Get It en 1965, el mismo año de rodaje de Help. Para el año siguiente, fue miembro del jurado del Festival de Cannes. La música no sólo esta a cargo de los Beatles también participa Ken Thorne y George Martin. En cada escena de persecución oímos la música que acompaña a nuestros personajes en la sobreviviencia o en la victoria de la huida. También en algún momento escuchamos la novena sinfonía de Beethoven, la elección no podría ser mejor.
A partir del momento en que ví esta película hace 15 años, me acompaña la imagen de Ringo con un anillo enorme. Y es una de las películas con músicos o de músicos que disfruto ver. Me recuerda además las tardes agradables en compañía de mi pequeña hermana. Quién ahora disfruta de otros estilos musicales sin perder su gusto por esta banda. Todavía vibramos con Help y Another Girl. Y sí, todavía reímos de las simplezas de los actores tratando de capturar a la siguiente victima de la diosa Kaili. Quizás es una historia que sirvió de pretexto para jugar. Una narrativa simple, con buena música. FICHA TÉCNICA Dirigida: Richard Lester Producida: Walter Shenson Escrita: Charles Wood, Marc Behm Protagonizada: John Lennon, Pail McCartney, George Harrison, Ringo Starr, Leo Mckern, Eleanor Bron, John Bluthal, Patrick Cargill, Victor Spinetti, Roy Kinnear, Mal Evans. Música: The Beatles, Ken Thorne, George Martin. Distribuida: United Artists Paìs: Reino Unido Año: 1965 Duración: 96 min Idioma: Inglés
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«La vida duele mucho más que la muerte. Cuando la muerte llega, el dolor termina.» Jim Morrison 6
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xtravagante, excéntrico, talentoso, atractivo, inteligente, agresivo y más son las características asociadas a la figura de Jim Morrison. El hombre que se alzó con el grito de «yo soy el Rey lagarto, puedo hacer lo que sea», en medio de la multitud de la posguerra que plañía por un cambio, y que a través de la música y la poesía se convirtió en ícono y símbolo de una muy necesaria revolución. Aquella que se distorsionó con las drogas, la exuberancia y el vituperio de los
TESOROS FÍLMICOS
Por Azucena Mecalco ideales inalcanzables que se extendían frente a la inconformidad por los conflictos irracionales que plagaban la cotidianeidad de los años 60. Su figura representó la violencia y descontento de millones de jóvenes que deseaban, ante todo, ser escuchados, comprendidos.
del conflicto. Y él, como persona, se catapultó a los anales de la cultura popular con su efímera eufórica y vehemente existencia, siempre rodeada de escándalos, amoríos y excesos. A pesar de que el tiempo ha pasado su impacto en el mundo de la música y la cultura resulta inefable todavía. Se han producido una Con el paso de los años, Jim cantidad casi absurda de libros, Morrison, y su banda The doors, revistas, ensayos, reportajes y se transformaron en referente documentales que intentan capde toda una generación, emble- tar uno o varios lados de sus fima y bandera de la mentalidad gura sin alcanzar a rozar siquiera
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la halo del símbolo que representa. En 1991, Oliver Stone decidió crear una cinta en la que se captará la rápida ascensión de The Doors a la fama, la vida de Morrison y desde luego su muerte, el nombre no fue muy original: The Doors. La cinta desató críticas, muchas más en contra que a favor, los fanáticos casi devoraron vivo al director e incluso Ray Manzarek, ex tecladista de la banda, criticó el filme por su inexactitud y la forma “psicótica” en la que se retrató al artista que era Morrison. Si bien es cierto que Oliver Stone se enfocó principalmente en mostrar de forma hiperbólica la cara morbosa de la controvertida vida de Morrison, no se puede negar el excelente trabajo estético y la asombrosa composición de imágenes en tonos cálidos que utiliza para ilustrar, no sólo la tormentosa vida del cantante; sino también el contexto en el que se movía, las personas con las que convivía y el ambiente político, social y cultural de la posguerra. Es impresionante la cantidad de recursos visuales que plasman en la pantalla las canciones. Así es, el señor Stone, con todo y las críticas malintencionadas, se encargó de traducir la música en imagen, en euforia y poesía visual. Las escenas que muestran los “viajes” logran realmente crear esa atmósfera de sublimación que te adentra
en el mundo en el que es posible tocar los colores y escuchar las imágenes. Por otra parte Val Kilmer logró una actuación bastante decente. Aunque los primeros minutos no le crees nada de lo que dice y sientes dolor de estomago al ver como pisotea la imagen idealizada de Morrison, conforme avanza la cinta se adentra en cada una de las escenas y reconfigura por completo su representación del personaje hasta lograr convertirse de verdad en él. Por instantes parece apagado y falso, pero cuando se requiere retoma el curso de la filmación y demuestra que de verdad sabe lo que significa actuar. El argumento se basó en el libro Riders on the storm del ex baterista de la banda, John Densmore, y la historia es de sobra conocida, tanto que podría resumirse en “se conocieron, cantaron y se separaron” dejando de lado las inagotables anécdotas, conflictos y demás curiosidades que se extienden frente al nombre de una banda que por sí misma personifica un universo total. Hablar del soundtrack sería sobrado, puesto que se compone, en su mayoría, por las canciones de la banda. Una selecta lista de canciones entre las que se encuentra, por supuesto, la exageradamente conocida Light my fire, aunque desde luego se agradece que People are Strange sólo sea uti-
lizada durante diez segundos, no más. Finalmente basta decir, como siempre, que la película no es ni buena ni mala, es disfrutable, entretenida, visualmente atractiva, estresante por momentos y cumple con la función de presentar una excelente historia explotada desde su perspectiva más mórbida. Sería imposible, y lo ha sido hasta el momento, encapsular la vida de un hombre que creía en el «prolongado desorden de los sentidos para alcanzar lo desconocido», el poeta que leía a Huxley y Jack
Kerouac, quien creía intentar «liberar a la gente con su poesía» cuando en realidad era a sí mismo a quien liberaba a través de su voz profunda y gesticula-
ciones eróticas y sugerentes, y para quien la vida no era sino el camino que te conduce a El fin.
FICHA TÉCNICA Título: The Doors Director: Oliver Stone Guión: Randall Jahnson, Oliver Stone Fotografía: Robert Richardson Música: The Doors, Carl Orff, The Velvet Underground Elenco: Val Kilmer, Meg Ryan, Kyle MacLachlan, Frank Whaley, Kevin Dillon, Michael Madsen País: E.U.A. Año: 1991 Duración: 128 min.
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El muro del ego “I don’t need no arms around me. And I don’t need no drugs to calm me. I have seen the writing on the wall. Don’t think I need anything at all. No! Don’t think I’ll need anything at all. All at all, it was all just bricks in the wall. All in all, you were all just bricks in the wall.” Pink – The Wall
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través de la cinematografía se han llevado todo tipo de historias, desde las fantasías, las dudas, las recreaciones históricas, los acontecimientos sociales de actualidad, las biografías autorizadas y las no autorizadas de algún personaje público, los sueños, las adaptaciones de videojuegos, de libros, de obras de teatro y hasta de canciones. Además el cine continuamente va de la mano con distintas artes del ser humano, en el caso de la música son muy unidas.
explotable de distintas formas para asegurar el mencionado ingreso. Cuando el grupo musical Pink Floyd entró en una crisis económica y creativa que los estaba llevando cuesta abajo, Roger Waters, que se sentía confundido por este declive, empezó a necesitar una separación entre la agrupación musical y el público, ya que sentía una sobreexplotación de la banda. Este sentir se lo comentó al productor musical Bob Ezrin, el productor construyó dos esqueletos para un nuevo álbum, Actualmente el cine y algunas uno para la agrupación, otro de estas artes están definidas para una interpretación solista por la creación de ingresos de Roger, así el atormentado económicos significativos, por lo integrante y el productor llevaron tanto los productores tratan de la idea a la banda. Aunque a hacer una obra artística que sea los integrantes les disgustó
LA MENTE MAESTRA
Por Manuel Pineda la idea ilustrada en la concepción del álbum por múltiples características del músico, no tuvieron otra opción debido a la crisis económica por la que pasaban, era hacer un disco o aventarse al precipicio. El productor tenía todo un escenario estructurado para el futuro de la banda. Entre presiones producidas por la disquera y por el propio Waters, Pink Floyd grabó su undécimo álbum de estudio con una duración de 81 minutos. Los esqueletos del álbum estaban definidos a través del género
conocido cómo ópera rock, para ser representados a través de la teatralidad, una composición que se puede apreciar a través de la música y de la puesta en escena. The Wall fue un éxito, fue el bote
salvavidas para el grupo inglés, sin embargo su éxito también fue el clímax de la enfermedad del ego que caracterizó por muchos años a Roger Waters.
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que formaría parte de la historia del cine. La historia trata sobre una estrella de rock: Floyd Pinkerton (Pink). Un músico que se encuentra asediado y fastidiado por la fama, por los excesos, por la soledad que genera, por la falta de cercanía con su familia, por el dinero, y decide hacer un muro mental que lo separe de la multitud, que lo separe del otro, con la finalidad de encontrar paz, sin embargo a través de sus alter egos exterioriza su sentir de una forma inimaginable.
Los millones que generó la venta del álbum sirvieron para que, sin dudarlo, la disquera, el productor Bob Ezrin y Roger Waters maquinaran la película del disco. Así es, en vez de que una película tuviera su banda sonora, ahora el álbum musical tendría su propio film, pasando a formar parte de las múltiples bandas de rock que habían incursionado en el cine como The Beatles o The Who.
protagónico, ya que había plasmado muchos símbolos respecto a sus experiencias personales, y unos cuantos detalles inspirados en Syd Barret. Estas metáforas estaban basadas en los traumas de la infancia y a la ausencia del padre debido a la Segunda Guerra Mundial, el abandono junto a la soledad se convirtieron en el muro mental que cada uno construye dentro de sí mismo. La ópera rock que se había La película The Wall fue constituido para crear uno de encargada al director de cine los álbumes más vendidos de la Alan William Parker, un cineasta banda, se convirtió en la base inglés que había dirigido Expreso bien cimentada de una película de Medianoche, y musicales como Bugsy Malone y Fama. Sin duda, la elección de Alan Parker había sido adecuada debido a su creciente fama por los múltiples elogios y premios que había recibido además de que era fan de la banda, de hecho él se acercó con la disquera EMI para preguntar si se podía adaptar el disco a cinematografía. Parker tenía un interés particular por la estructura del álbum, que debido a la naturaleza de su concepción tenía un aspecto visual explotable. El guión de la película estuvo a cargo de Roger Waters, quien también quería el papel
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Originalmente Roger quería interpretar a Floyd Pinkerton, sin embargo se le dio el papel a un músico punk Bob Geldof, quien estaba renuente a aceptar el papel per su manager no lo dejó rechazar pensando en lo mejor para su carrera artística o para los bolsillos del propio manager. También se tenía pensando en contratar actores poco conocidos para no interferir en la visualización de la película. Su actuación fue impresionante, aunque pensándolo no había gran ciencia porque era un músico actuando de otro músico alterado por la fama, por el poder, por su símbolo que representa y se gesta en la mente de los jóvenes capaces de hacer lo que sea por Pinkerton. Además que
la presencia de Waters estuvo todo el tiempo tras Geldof a través de la historia porque como he comentado, está plagado de situaciones personales de Waters. Aparte de la música de Pink Floyd y la actuación de Geldof, una de las características sobresalientes de la película son las secuencias animadas que ilustraron algunos puntos clave de la crisis mental por la que pasaba Pinkerton. El ilustrador y animador es el inglés Gerald Scarfe quien se ha caracterizado por sus cartones críticos a la realeza inglesa además de los personajes pertenecientes a la política, Scarfe había trabajado previamente con Pink Floyd. Nick Mason y Roger Waters habían visto un film animado de él en el canal BBC, la película en cuestión era A Long Drawn Out Trip. Antes de The Wall, Scarfe hizo varios clips animados para el video de Welcome To The Machine, al igual que hizo las ilustraciones del álbum The Wall, y otros videos animados para promocionar el tour de 1980-1981. Las ilustraciones del disco y las animaciones del tour sorprendieron a muchos, así que era evidente que Gerald Scarfe estaría a cargo de la parte animada. Para el que haya visto el tour o la película, es impresionante la fuerza de las imágenes, desde el grupo de cruces/aviones surcando por el cielo, los martillos marchando (convirtiéndose en una imagen emblemática), el muro, las flores, la bandera de Inglaterra desarmándose, sin duda es una exquisitez de animación, además que
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se presentaba con un sonido Dolby Estéreo, siendo la séptima animación en el mundo que se presentaba con esa calidad. Para un fanático de Roger Waters, The Wall se puede considerar como su mejor obra, al parecer él piensa lo mismo porque sigue explotándola, tan sólo este 29 de septiembre se estrenó a nivel mundial el documental sobre el Tour. Aunque ya se hicieron dos documentales sobre la película: Pink Floyd – The Wall también conocido como The Other Side of the Wall emitido en MTV en 1982; y el segundo documental The Retrospective, dividido en dos partes, producido en 1999. Ambos se encuentran como extras en el último DVD editado de la película. La película resulta como un anuncio del declive del grupo por el egocentrismo de Waters, quien se quiso quedar con los derechos sobre el nombre y la marca de la banda. Los demás integrantes tuvieron una batalla legal por dichos conceptos, donde salieron ganadores David Gilmour y compañía, sólo Roger tuvo poder sobre The Wall como espectáculo. Así desde los años 80, se ha explotado incesantemente el espectáculo. Tan solo en México se presentó dos veces en lo que vamos del siglo XXI. Actualmente la única presentación donde se han visto a todos los integrantes de Pink Floyd juntos fue en el concierto limitantes que uno cree tener, de beneficencia Live 8 en el 2005. e incluso romper con el muro que crea la sociedad alrededor La película cumplió con de uno. The Wall es un llamado la tradición de la ópera rock a destruir el fascismo que se transformada en cine, se impone a nuestro alrededor, convirtió en un referente llámese progreso, nómbrese visual para nuevos directores democracia, piénsalo como de cine y televisión, además de legitimidad, categorícelo como reforzar la enajenada mente de civilidad o derechos humanos, los fanáticos, pero también se nadie puede imponerse sobre el convirtió en un símbolo, en un otro. mensaje que indica que cada persona puede romper ese muro The Wall es un ejemplo claro mental que se crea, que cada de la traducción de la música a quien construye conforme a las la cinematografía, claro que no
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es el único, pero sin duda tiene un legado importante por lo que representa y no me refiero a los demonios personales de Roger Waters, sino a las múltiples lecturas que se infieren. The Wall es un arma de doble filo, tiene muchos lados, muchas perspectivas, y la persona que no entienda debido a su muro mental, debido a la ignorancia, puede mal interpretar, los símbolos son muy peligrosos si se usan indebidamente.
EL CINE ES POESÍA
Por Jorge Alonso Espíritu
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ay muertes que dan vida. Hay vidas que son raíces. Si la creación artística da vida, pocas han sido tan fecundas como la de la flor chilena: Violeta Parra. Cantautora, pintora, bordadora, arpillerista, antropóloga musical, el trabajo de Violeta es indispensable para entender
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no sólo las corrientes artísticas del país sudamericano, también para comprender el
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propio correr histórico del Si su obra es prolífica, la vida Chile del siglo XX. misma de Parra es de tal magnitud que se antoja difícil resumirla, mucho menos en un par de horas. Sin embargo Andrés Wood lo intenta en un trabajo digno que nos entrega bajo el nombre de Violeta se fue a los cielos. Incapaz de dimensionar el compromiso social de Violeta, el director busca el relato de la intensa vida privada de la artista, entregando un relato emocional y emocionante, a ratos duro y casi siempre ambivalente, necesario en la compositora del himno Gracias a la
versos de amor en la soledad más profunda. Esta Violeta, la que está consciente de que la vida no es una fiesta, es al fin y al cabo la que produce a la inmortalizada artista folklorica, tejida en arpilleras junto a su guitarra llena de cantos de pájaros, a la artista que nace en el Louvre, donde otros egresan. La paloma de la décima espinela, lingüista formada en el campo, junto a los ancianos. La que prefiere estar con la gente que ser famosa. Y es por eso que este dibujo se vuelve ideal para regresar a sus canciones.
vida, y de la pesimista Maldigo del alto cielo. Viva por vocación y suicida por pasión, su paso por la tierra merece ser contado como el de personas fugaces, pero siempre presentes. Así, Andrés Wood deja de lado la tortura que victimizó a la artista, la fuerte militancia socialista (si bien hace adecuadas referencias a todo ello, narrando parte de su viaje a Polonia, su estancia en Europa e ironizando en palabras de la protagonista: “soy tan comunista que si me dan un balazo la sangre me sale roja”) y el entorno en guerra de la Latinoamérica de su tiempo, para dar cabida a un perfil más íntimo, mostrando menos a la heroína de la resistencia izquierdista que a la mujer caótica, pueril, autoritaria, terriblemente sensible, pero valiente como pocas. El resultado es una biopic sobre la otra Violeta; pero al mismo tiempo la Violeta más obvia, la Jardinera, la que escribió Qué he sacado con quererte. La Parra capaz de fundar
una Universidad del Folklore a las orillas de la ciudad y hacer sangrar una guitarra, cantando
A la leyenda. Violeta se fue a los cielos. Ya no vendrá. Pero su canción sigue aferrada a la tierra.
FICHA TÉCNICA Violeta se fue a los cielos Año 2011 País Chile Director: Andrés Wood Reparto: Francisca Gavilán, Cristián Quevedo, Patricio Ossa, Thomas Durand, Luis Machín, Vanesa González
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HABÍA UNA VEZ
LA VIDA DE UN PIANISTA Por Alma Ricardo
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a música es parte importante de la vida, un sonido una melodía puede lograr que un momento quede grabado en nuestra memoria, y cuando volvemos a escuchar esa melodía nos puede transportar en el tiempo, pero la música necesita ser interpretada por personas para que las partituras y notas musicales tomen vida, algunas de estas personas trascienden el tiempo por la forma en la que transmiten sus sentimientos, uno de estos hombres fue Eddy Duchin, cuya vida fue truncada por una terrible enfermedad. Eddy Duchin Story más conocida en español con el
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nombre de Melodía inmortal es En la película se muestran los una película de 1956 dirigida problemas que Eddy enfrentó por George Sidney, escrito por cuando se enamoró de Marjorie, Samuel A. Taylor, y protagonizada por Tyrone Power (Eddy Duchin) y Kim Novak (Marjorie Oelrichs), además fue filmada en CinemaScope y Tecnicolor; y una de las películas más taquilleras de 1956. La película inicia cuando un joven Eddy Duchin llega a la Gran Manzana intentando probar suerte al cambiar de profesión, ya que es farmacéutico, por lo que él cree es una oferta de trabajo a la que no puede negarse a aceptar, pero descubre que todo ha sido un mal entendido, sin embargo cuando Marjorie Oelrichs lo escucha tocar el piano le consigue un empleo.
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ya que ella pertenecía a la alta sociedad, sin embargo ambos quedan profundamente enamorados
y de forma poco tradicional es ella quien le propone matrimonio a él. En la cinta se muestran paisajes muy emblemáticos del Central Park, cuando la pareja de enamorados se dedica a dar largas caminatas por el lugar. La película muestra las presentaciones musicales que tenía Eddy en el casino, además muestra un rasgo característico de su técnica al piano que consistía en cruzar sus manos en el piano y usar un sólo un dedo de la mano izquierda; por otro lado es interesante como la cámara nos hace participes de su interpretación, ya que en un momento en medium shot se ve solo a Tyron Power tocando y cuando suenan las trompetas éstas aparecen a cuadro, después vemos a la orquesta entera y con un pequeño paneo aparece nuevamente el pianista y casi para terminar la cámara vuelve a moverse y vemos a Eddy a través del piano, es
un momento divertido, que lo- bebé por la muerte de ella, por lo gra que el espectador sienta que que lo abandona con sus abuelos. es parte de la orquesta. La iluminación de la escena de la muerte de Marjorie podría conEddy se casa con Marjorie siderarse expresionista, debido pero muere dando a luz a su hijo, a que toda la habitación esta en e inconscientemente él culpa al penumbras y solo el rostro de ella se encuentra iluminado. Edwin Duchin en la vida real se convirtió en el líder de la orquesta Reisman en 1932, esto también se ve representado en el film. Gracias a emisiones de radio que impulsaron sus ventas de discos, fue uno de los primeros pianistas en dirigir una banda de gran éxito comercial. Otro momento de su vida, que también está retratado en la película, es cuando éste se enlistó en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial, en la que sirvió como oficial de combate en un destructor escuadra, durante este periodo obtuvo muchos reconocimientos militares
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pero su fama como pianista fue disminuyendo. Una de las escenas interesantes se presenta durante la guerra, cuando Eddy toca un piano casi destruido con la ayuda de un niño pequeño y de nueva cuenta volvemos a ver al pianista a través de las cuerdas del piano. En la película se muestra cómo el pianista tiene una relación difícil con su hijo, ya que casi no se conocen, su hijo ha desmentido que esto haya sucedido en la vida real, y en la película cuando él cree que las cosas empiezan a mejorar comienza a tener problemas con una de sus manos y descubre que está enfermo y morirá, en la última escena de la película interpreta a doble piano con su hijo To Love Again, hasta que el niño rompe en llanto. La escena continua con su hijo quien sigue tocando la melodía, cuando la cámara se aleja nos damos cuenta que está solo. El 9 de febrero de 1951, Eddy Duchin murió a los 41 años en el Memorial Hospital en Manhattan de la leucemia mielógena aguda. Carmen Cavalaro quien fuera conocido como “Poeta del
piano”, tenía predilección por la música de baile, los ritmos latinos, tangos y los arreglos pop y jazz de melodías clásicas, su estilo fue influenciado por el de Eddy Duchin, por esta razón fue él quien se hizo cargo de ejecutar la banda sonora original, además de que remplaza a Tyrone Power en las escenas musicales. La banda sonora incluye temas en el que destaca Chopin Nocturne in E Flat, también cuenta con To Love Again, Manhattan, Shine on Harvest Moon, It Must Be True,
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Whispering, Dizzy Fingers, You’re My Everything, Chopsticks, , On the Sunny Side of the Street, Brazil, La Vie en Rose, Varmen Cavalaro estuvo acompañado de la Orquesta Morris Stoloff. FICHA TÉCNICA Título original: The Eddy Duchin Story Año: 1956 Duración: 123 min. País: Estados Unidos Director: George Sidney
PARA CONOCER
D e B r o a d w a y a H o l l y w o o d
¿Q
Por Alma Ricardo
ué sería de Brodway sin sus musicales? ¿Qué sería de Hollywood sin las películas musicales? O mejor dicho ¿Qué hubiera sido de ambas industrias sin los compositores? Definitivamente muchas de las películas y superproducciones de los años 40 no serían lo mismo. Jerome David Kern fue uno de esos grandes compositores y escribió mas 700 canciones entre las que se encuentran “Ol’ Man River”, Can’t Help Lovin’ Dat Man, A Fine Romance, Smoke Gets in Your Eyes, All the Things You Are, The Way You Look Tonight y Long Ago.
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Till The Clouds Roll By es una La película inicia con una corcinta basada en la vida de Jerome tinilla que al traducirla diría algo Kern que es interpretado por el así: «La historia de Jerome Kern actor Robert Walker. está mejor contada dentro de las
barras, notas y la gracia de su propia música»; dando a entender que la historia de este compositor se encuentra dentro de cada una de las obras que compuso ya que, también lo dice en la cortinilla, «la música que cantaba era elocuente con el amor que sentía por la gente, su país y la vida». La cortinilla da paso a otra que nos hace referencia a una fecha diciembre 27 de 1927, el día que se estreno en Brodway la obra musical que lo llevó a la cúspide de su carrera, hablo de Show Boat, esta obra es considerada como la primera que logró integrar todos los elementos que componen a la obra con la música. La cinta utiliza un elemento muy recurrente para la época, la cámara hace un dolly de la orquesta hasta llegar al escenario.
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El argumento continúa con Jerome Kern contando su historia en voz en off, entonces comienza un largo flash back en el que lo vemos más joven, y presenciamos el momento en que conoce a la pequeña Sally Hessler y a Guy Bolton, con quien tiempo después formaría equipo para crear música. Narra lo difícil que fue encontrar una oportunidad ya que Brodway estaba cerrado para los americanos, hasta que encontró a Charles Frohman y decidió seguirlo hasta Inglaterra donde consiguió atraer su atención después de que escuchara Swing Time, lo cual comenzó a colocarlo poco a poco dentro el gusto del público, y al final logró que Charles Frohman se interesara en él y produjera una obra de teatro con la música de Jerome, la cual se titulo Girl From Utha.
de números musicales, ya que recrean bailes y escenarios para que espectador crea que en realidad está observando una obra de teatro.
Con detalles sutiles la cinta muestra el paso del tiempo, y sigue mostrando sus obras más emblemáticas, la siguiente es un musical en dos actos de nombre
La película recrea otro de sus grandes éxitos el musical Oh, Boy! Y en especial el número Till The Clouds Roll By, al que debe el nombre la película; se muestra a dos enamorados bailando y cantando bajo la lluvia. Cuando uno aprecia los escenarios es imposible dejar de notar la forma tan detallada con la que estaban hechos para que parecieran paisajes naturales, además de la sincronización de los actores y las capacidades que debía de tener cada uno para poder bailar y cantar en el escenario. Muchos pasajes de la película son ficticios, sin embargo uno de sus grandes aportes son la representaciones dentro de la película
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Leave to Jane, al cual seguirían Very Good Eddie, Have a heart, Love o Mike, Oh Lady Lady, Toot Toot, She´s a goog fellow, etc, hasta llegar a la película Sally. Judy Garland interpreta a Marilyn Miller, una de las más importantes actrices de Brodway a finales de los años 20 y principios de los 30, quien fue la protagonista de la película Sally, la cual fue musicalizada por Kern, en la cinta interpreta tres temas musicales Look for the Silver Lining, Sunny y Who? Algunos de los actores que aparecen en la cinta intepretando temas musicales son June Allyson, Kathryn Grayson, Lena Horne, Tony Martin, Dinah Shore, Frank Sinatra, Virginia O’Brien y Esther Williams. Además la cinta contó con varios directores Busby Berkeley, Henry Koster y finalmente Richard Whorf este es el único que aparece como director en los créditos.
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La música de Jerome Kern fue nominada en varias ocasiones al premio Óscar, en 1935 por Lovely to Look At de la película Roberta; en 1942 por Dearly Beloved de la cinta You Were Never Lovelier; en 1944 Long Ago (and Far Away) del film Cover Girl; además de dos nominaciones postumas en 1945 por More and More de la cinta Can’t Help Singing y en 1946 por All Through the Day de la película Centennial Summer; sin embargo solo fue galardonado en dos ocasiones en 1936 por The Way You Look Tonight del film Swing Time y en 1941 por The Last Time I Saw Paris de la cinta Lady Be Good. Se podría decir que la película tiene una estructura circular ya que inicia con la canción Ol’ Man River la cual es interpretada al principio por Caleb Peterson junto a un coro conformado for afroamericanos y al final de la cinta la can-
ción vuelve a escucharse, pero en esta ocasión interpretada por Frank Sinatra. En la actualidad quizas poca gente recuerda a Jerome Kern, pero muchos conocemos la melodía The Way You Look Tonight, y si no fuera por el este tema musical no seríamos capaces de disfrutarlo. FICHA TÉCNICA Título original: Till the Clouds Roll By Año: 1946 Duración: 132 min. País: Estados Unidos Director: Richard Whorf, Vincente Minnelli, George Sidney Guión: Myles Connolly, Jean Holloway, George Wells (Historia: Guy Bolton) Música: Jerome Kern Fotografía: George J. Folsey, Harry Stradling Sr.
EN CARTELERA
Por Alma Ricardo
MISIÓN MARTE
M ark Watney (Mat Damon) sale en una misión a Marte pero después de que su nave queda atrapada en una tormenta es dado por muerto por la NASA. Sin embargo logra sobrevivir y para mantenerse con vida hasta que una misión llegue a rescatarlo raciona sus alimentos y logra crear un ambiente artificial donde las plantas crecen, además de que lograra comunicase con la Tierra, pero la misión de su rescate es demasiado peligrosa, por lo que un grupo de astronautas que están en órbita intentarán rescatarlo sin el consentimiento de la NASA.
Título original: The Martian Año: 2015 Duración: 142 min. País: Estados Unidos Director: Ridley Scott Guión: Drew Goddard (Novela: Andy Weir)
PAN
P an es la historia que narra la vida del niño antes de convertirse en Peter Pan, antes de que Garfio se convirtiera en el Capitán Garfio, de cuando Nunca Jamás era gobernado por el terrible Barbanegra.
Peter es un chico de 12 años que de un día para otro se transporta del orfanato británico en el que vive a un mundo lleno de piratas, un mundo llamado Nunca Jamas, ahí tratara de descubrir algo acerca de su madre y al mismo tiempo se convertirá en el personaje mítico conocido como Petter Pan.
Título original: Pan Año: 2015 País: Estados Unidos Director: Joe Wright Guión: Benjamin Magid
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EN CARTELERA LA FIESTA DE DESPEDIDA Edenmorir una residencia de ancianos, un hombre que está a punto le pide a sus amigos que aceleren el proceso, así
que ellos deciden crear una máquina para que su amigo deje de sufrir. La máquina es un éxito, entonces otros ancianos comienzan a buscarlos para que los ayuden, lo que representara una decisión difícil para este grupo de amigos ya que deberán de decidir si prestar este tipo de ayuda es lo correcto o no.
Título original: Mita Tova (The Farewell Party) Año: 2014 Duración: 95 min. País: Israel Director: Tal Granit, Sharon Maymon Guión: Tal Granit, Sharon Maymon
LOS HUÉSPEDES En Pensilvania una madre
lleva a sus hijos a pasar una temporada con sus abuelos, quienes poseen una granja, pero cuando los niños llegan se percatan que sus abuelos se comportan de una forma extraña y al tratar de investigar comienzan a descubrir una serie de eventos escalofriantes. Es una película de bajo presupuesto del director M. Night Shyamalan uno de sus trabajos más conocidos es el de la película El sexto sentido.
Título original: The Visit aka Año: 2015 Duración: 94 min. País: Estados Unidos Director: M. Night Shyamalan Guión: M. Night Shyamalan
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