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Editorial
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os estereotipos nos rodean a donde sea que vayamos. La vestimenta, música y habla nos delimitan y encasillan como parte de un círculo social. Sin embargo existen estereotipos generales que se han incorporado a las creencias habituales como paradigmas irrefutables.
Contenido El cine es poesía Cuenta conmigo 2
Entre ellos se encuentra la preconcebida idea de la bondad e inocencia como naturaleza fundamental e intrínseca de los niños. En muy pocas ocasiones somos conscientes de la falsedad de ese argumento como parte de una realidad absurda e idealizada. Los niños, en todas sus versiones, colores, razas y edades, no dejan de ser pequeñas personas que comienzan a experimentar el mundo con las herramientas que tienen a su alcance. Con éste parámetro como punto de inicio existen algunos filmes que intentan alejarse de la postura errónea de la infancia como sinónimo de la inocencia y nos muestran de forma realista la construcción de los universos infantiles como realmente son, o por lo menos dejando de lado la falacia de la pureza e ingenuidad que se esfuerzan por creer quienes, al parecer, han olvidado que también fueron niños y que como tales tenían sueños, miedos, deseos, pensamientos siniestros y aspiraciones tan complejas como las que tienen los adultos.
Tesoros fílmicos Matar a un ruiseñor 6
La mente maestra La infancia y la guerra 11
Había una vez Billy Elliot 18
Para conocer Ma vie en rose 23
En cartelera
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Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook En portada: La infancia de Iván
Super 8 Número 73 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Manuel Pineda, Alma Ricardo,, Cristóbal Torres, Libertad Pineda Arte y Diseño: Azucena Mecalco México Distrito Federal 1| de febrero de 2016
Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.
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EL CINE ES... POESÍA
Cuenta conmigo la mejor adaptación de un libro de Stephen King Por Cristóbal Torres Aviso: el texto puede tener reLa historia de tinte autobioferencias al argumento. Si no gráfico se basa en una vivencia han visto la película, leer con ocurrida al autor cuando éste era precaución. un infante. “Un niño con el que
salía a jugar fue arrollado por un tren mientras estábamos en las vías”, rememora. Cuenta Conmiuál es la mejor película go contaría la historia de cuatro que se ha hecho de alguno de tus amigos que van a ver ese cadálibros?”, preguntó la revista Ro- ver. lling Stone a Stephen King en el Halloween de 2014. “ProbableAquel acontecimiento sucemente Stand by me”, es lo prime- dió de muy joven, lo suficiente ro que respondió. como para que Stephen no tenga un recuerdo vívido de éste. “No La película dirigida por Rob guardo memoria alguna de aqueReiner, que en Latinoamérica se llo, sólo gracias a que lo he conllamó: Cuenta conmigo, se estre- tado con los años es como me nó en 1986 sin ninguna expec- acuerdo”, confesó. tativa y el tiempo se encargó se añejarla como pocas. El arguPor su génesis, resulta natural mento se basa en la novela: The que la película brille por su hisBody: Fall From Innocence, que toria. El guión estuvo a cargo de forma parte de la tetralogía: Di- la mancuerna: Bruce A. Evans / fferent Seasons, escrita por St- Raynold Gideon. Originalmente pehen King y publicada por pri- la dirección iba a estar a cargo de mera vez en 1982. Aquella fue la Adrian Lyne, pero éste tuvo que primera antología que King pu- dimitir pues en aquel entonces blicó fuera del género de terror. terminaba Nueve semanas y media.
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Rob Reiner, que al principio no conocía la historia, poco a poco se documentó hasta llegar al punto de cambiar un poco el enfoque. “La novela trata de cuatro chicos, pero después de pasar cinco días pensando me di cuenta que esta era la historia de Gordie”, contó el director. La película utiliza a un narrador: Gordie Lachance, personaje que en la primera escena recuerda su niñez y a partir de ese momento únicamente su voz es la que cuenta la historia hasta su reaparición en la escena final. “Rob tenía un punto de vista diferente sobre quién era el héroe de la historia, para mí Gordie es más narrador que héroe; me parece si hay un héroe trágico, ese es Chris Chambers”, opinó Stephen King en: Walking the Tracks, un documental lanzado en el marco del 25 aniversario de la película.
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Chris Chambers es el eje cardinal de King en The Body, un niño cuya mala reputación se anticipa siempre a los hechos por lo que es señalado de las cosas malas ocurridas a su alrededor sin importar su inocencia (es decir: su exención de culpa). Las expectativas respecto a la película eran tan bajas, que Reiner le advirtió a sus guionistas: “No hay manera de que esta película tenga éxito”. Sin embargo, el mérito de Stand by me no giró exclusivamente alrededor de la historia, la dirección de actores fue uno de los factores por los que la película brilló.
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Cuenta conmigo tiene como protagonistas a: Gordie Lachance (Wil Wheaton), Chris Chambers (River Phoenix), Teddy Duchamp (Corey Feldman) y Vern Tessio (Jerry O’Connell). Elegi-
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dos entre más de 300 jóvenes, el director pasó casi dos semanas con ellos en Oregon realizando ejercicios de improvisación. Durante ese momento los actores tuvieron oportunidad de convivir y no fue sino hasta después de ese periodo de reconocimiento que el director finalmente los puso a leer el guión. El trabajo previo puede verse a plenitud en varias escenas a lo largo de la película. Muchas de sus tomas incluyen a los cuatro actores a la vez, evadiendo primeros planos de cada uno, en un acto de confianza al trabajo que realizaban como grupo. “Sabían moverse correctamente, sus tiempos eran buenos, como una pieza musical. Creo que es un testamento de lo bien que practicamos y lo duro que trabajamos en eso”, explicó el director.
La gran dirección actoral se cristaliza en las mejores escenas de la película, como aquella en la que Chris llora a los pies de un árbol con Gordie. Ahí el director le pidió a River Phoenix que recordara un momento en el que algún adulto lo había defraudado. “Aun cuando la escena había acabado, lo tuve que abrazar porque seguía llorando”, recuerda Reiner. Otra escena memorable es la del tren, cuya producción costó mucho trabajo. “Les dije que no se preocuparan de que el tren los matara, que mejor se preocuparan por lo que yo les haría”, explica Rob. Y es que tanto Jerry O’Connell como Wil Wheaton, no mostraban miedo en sus rostros y bajo un implacable sol todo el equipo debía repetir la escena.
El tren estaba muy lejos y fue gracias a una lente de 600mm que pudieron reducir la sensación de profundidad en aquella escena. A falta de lágrimas, Rob Reiner tuvo que gritarles al punto de asustarlos y aprovechar eso para grabar una escena que hasta la fecha se sigue recordando aun sin saber de qué película se trata. La película costó 8 millones de dólares, todos otorgados por Norman Lear después de vender Embassy Pictures (productora encargada del largometraje) a Coca Cola. La satánica refresquera, al no mostrar interés en el proyecto e incluso casi cancelarlo, orilló a Lear a financiar todo. Rob Reiner no tardó en mostrársela a Stpehen King. “Cuando terminó la película, lo abracé porque me conmovió hasta las lágrimas, era muy autobiográfica”, dijo King para Rolling Stone. Sin embargo, años después reconocería que “estaba más interesado en ver a Chris a través de los ojos de Gordie en vez de ver sólo a Gordie”. El paso de los años acentuó el significado de la película para los actores. El cuarteto siguió frecuentándose, siendo el aspecto más llamativo lo ocurrido a River Phoenix quien murió años después por una sobredosis de cocaína. En la película, es su personaje (Chris Chambers) el único que muere de los cuatro y, sin ser premonitorio, las últimas escenas del filme donde desaparece aún conmueven a los involucrados hasta la fecha. “Los libros y las películas son como manzanas y naranjas, ambas lucen deliciosas pero no saben igual”, reconoció Stephen King al hablar de Cuenta Conmigo, una película que posee la gracia de ser vista en diferentes etapas de la vida y en cada una brindar experiencias distintas.
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TESOROS FÍLMICOS
Por Azucena Mecalco
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l mundo de los niños es complejo. No sólo tienen que lidiar con el cúmulo de emociones que van surgiendo en su ambiente cotidiano; sino también con la incompresión de los adultos que, erróneamente, piensan que los niños lo tienen todo sencillo porque de acuerdo con su perspectiva, no tienen problemas ni preocupaciones. La infancia es la época en la que se forman la mayoría de nuestras concepciones del mundo, todas ellas de acuerdo al contexto en el que nos movemos y siempre con el eje rector de los adultos que observamos, sin que ellos se den cuenta que cada uno de los actos que llevan a cabo determina una característica de la personalidad de los infantes que los rodean.
En 1960, Harper Lee, una joven proveniente de Alabama, escribió una novela en la que narraba de forma magistral cómo los niños perciben los temas del racismo, violación, discriminación, etc., desde su propio punto de vista, quizá con un dejo de fantasía anexado a ellos, pero no por eso menos reales y lacerantes que el resto
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de las personas; y cómo construyen sus bases morales y su esquema de valores a través de los ejemplos sociales que se les presentan. El libro, titulado To kill a mockingbird, fue un éxito comercial, sobre todo cuando al año siguiente de su estreno recibió el Premio Pulitzer. La novela contaba además con un sinfín de referencias autobiográficas que hacían alusión a la infancia de la escritora, incluso se ha llegado a decir que el papel de uno de los niños del libro es nada menos que Truman Capote, vecino y amigo de Harper Lee, Debido al éxito inmediato que generó la novela, Universal Pictures decidió aprovechar su popularidad y realizar la producción de la versión fílmica de la conmovedora historia, que se ha catalogado como una de las mejores novelas del siglo XX. Fue así que en el año de 1962 se presentó la versión cinematográfica de Matar a un ruiseñor, con una inversión de 2 millones de dólares y una recaudación final de más de 13 millones. El director a cargo del proyecto fue Robert Mulligan, y para el papel principal se eligió a Gregory Peck, quien encarnó a Atticus Finch. La película narra la historia de Jean Louis Finch, quien relata uno de los episodios más importantes de su infancia, el momento en que su padre, Atticus Finch, joven abogado viudo, y padre amoroso, es puesto a cargo de la defensa de un joven negro acusado de violación.
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En tanto Atticus lidia con las amenazas de sus vecinos y la preparación del caso, Jean Louis, a quien todos llaman Scout, y su hermano mayor, Jem, viven sus propias aventuras mientras tratan de comprender cuál es la diferencia entre un hombre negro y uno blanco, y qué elementos definen la maldad o la bondad de una persona.
a las pantallas la obra que la catapultara a la fama, y por la cual comenzara su desapego del famoso escritor de A sangre fría, quien no sólo olvidó felicitar a Harper por el éxito de su novela, o anexarla como parte primordial de su investigación para la elaboración de su obra
maestra, citada antes, sino que tampoco se esforzó por negar los morbosos comentarios que aseguraban que él había sido el autor real de Matar a un ruiseñor o por lo menos el escritor y corrector de la mayor parte de la novela. Mas, lejos de los chismes que la relación de la escritora con Capote hayan podido engendrar, el filme que inspiró su libro es en realidad una película con actuaciones soberbias que engancha al espectador y lo catapulta de inmediato a otro mundo, otra época, y un ambiente diferente, todo desde una perspectiva infantil que corrobora la idea de que los niños sienten, sufren, gozan y desean igual que los adultos aunque sus experiencias y forma de concebir éstas no sean exactamente las mismas.
Esta película no es sólo una de las mejores adaptaciones cinematográficas que se ha hecho de un libro; es también una historia conmovedora que no ha perdido validez pese a que ha pasado más de medio siglo desde que Harper Lee escribiera su obra. Aunado a ello se encarga de crear un fiel retrato de la situación política y sociocultural que enfrentaba Estados Unidos en los años de la Gran depresión; y la vida sureña del país, pero sobre todo la postura de los niños como víctimas indirectas de los prejuicios y estereotipos. La adaptación resultó tan bien lograda que incluso la misma escritora elogió el trabajo de los productores, director y elenco que llevó
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La infancia en la guerra dejemos de mirar No están aquí. ¡Todos están muertos! Glasha – Ven y Mira
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l ser humano siempre ha buscado la manera de expresarse y que ésta sea clara, precisa, contundente, congruente y fiel a lo que percibe la mente que busca desahogarse. Afortunadamente se ha expresado a través de distintos medios como la pintura, la música, la escultura, la literatura, el grabado, la narrativa gráfica, la fotografía y por supuesto la cinematografía. A través del cine, la humanidad ha reflejado cada uno de sus pensamientos, perspectivas, sueños, sus recuerdos y hasta lo más profundo de su subconsciente. Las personas han pasado por muchos traumas originados desde su núcleo familiar, por sus amistades e incluso por sus gobiernos.
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Aunque pareciera que tenemos control sobre nuestros destinos realmente no lo tenemos, ya que si una persona quiere salir adelante por el contexto político es muy difícil que lo haga. Y si esto le pasa a un adulto, con los niños es peor. En los últimos años hemos visto como han aumentado las leyes, tratados internacionales, convenios, declaraciones junto a las acciones para proteger a los seres más indefensos de la humanidad y no estoy hablando de los inocentes animales, sino de los infantes. Claro, estas acciones no surgen porque se les haya ocurrido, sino porque a pesar de que vivimos en las eras de la democracia y la digital aún existe la esclavitud. Las grandes compañías siguen promoviendo la esclavitud de los más pobres para realizar los componentes eléctricos de los aparatos que utilizamos cotidianamente, también tejen la ropa o arman los tenis que vestimos, hacen los ladrillos que usamos para construir nuestras casas e incluso siembran los cultivos en
zonas no tan remotas de nuestro país y, claro, con el fenómeno persistente de las ultimas décadas del narcotráfico también cultivan las plantas que se usan para la creación de las drogas, trabajan en laboratorios clandestinos, distribuyen la droga y hasta asesinan en nombre de algún grupo delictivo. Bueno, la esclavitudexplotación-trata de personas sigue vigente dentro de nuestra corruptible sociedad. Pero no nos alejemos del tema, recordemos que aquí hablamos de cine. El asunto de la protección infantil surgió por uno de los eventos más violentos del siglo pasado: la Segunda Guerra Mundial. La historia la escriben los vencedores… o los que tienen el poder en ese momento. Desde que los estadounidenses retomaron las riendas de su industria después de que acabara la Segunda Guerra Mundial, empezaron a desarrollar decenas de películas sobre la victoria de los aliados contra el eje. Desde ilustrar los momentos decisivos del conflicto bélico hasta las historias
LA MENTE MAESTRA
Por Manuel Pineda particulares de los soldados, la resistencia e incluso los juicios de guerra. Desde luego, en parte era para contar su perspectiva de la historia y legitimar las atrocidades que cometieron al usar las bombas atómicas sobre Japón.
Segunda Guerra Mundial, la visión de los franceses, ingleses, italianos, españoles, japoneses, chinos, los polacos, los alemanes y por supuesto… los rusos. Si hay un opositor internacional del líder occidental en el continente Americano es Rusia, hasta en el Así vimos al cine cómo propa- cine algunos imbéciles los han ganda para convencer al resto del puesto a competir. Sin embargo mundo que los campos de con- cada cultura tiene una perspecticentración que albergaban gita- va diferente de la vida y del cine. nos, judíos, negros y gente non Y como cualquier país se usa al grata para el nacional socialista era peor que soltar dos bombas atómicas sobre poblaciones civiles con consecuencias todavía visibles en el presente. Estados Unidos nos invadió ideológicamente con su cine, lo consumimos. Conforme fue avanzando la globalización y las tecnologías de comunicación, en México se empezó a recibir otro tipo de cine, el que sólo se podía ver en ciclos de las salas especializadas o el que traía algún académico de Europa y Asia.
cine como propaganda, por algo la visión rusa es peculiar y sobre todo previo a la caída de la Unión Soviética. Mientras los estadounidenses muestran a soldados implacables y un sólo escuadrón capaz de destruir a medio ejército, los rusos muestran a soldados del pueblo valiéndose de un rifle y unas balas para acabar con los nazis. Pero aun así las víctimas
Entonces fue que las personas gustosas del cine conocieron otra perspectiva sobre la
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vsky, El Imperio del Sol de Steven Spielberg y Ven y Mira de Elem Klimov. La infancia de Iván (1962) es el primer largometraje del cineasta ruso Andrei Tarkovsky, se basó en un cuento corto de Vladimir Bogomolov de 1957. El guión fue escrito por Mikhail Papava aunque tuvo una modificación por parte de Tarkovsky cuando el proyecto llegó a sus manos en 1961.
colaterales siempre son los desprotegidos. Los niños fueron de las grandes víctimas en la Segunda Guerra Mundial, por eso cuando finalizó se creó la UNICEF para proteger a las victimas infantiles. He de mencionar que los niños junto a los ancianos siguen siendo las víctimas colaterales
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La historia trata sobre un niño que trabaja como informante para el ejército soviético. Colabora con un comandante que desea mandarlo a una escuela mifavoritas de las bombas estadou- litar pero Iván no está dispuesto nidenses y europeas en las na- a abandonar el campo de batalla ciones orientales. por estar lleno de furia debido a la guerra. De entre todo el cine que se ha filmado sobre la Segunda Guerra En la película se le dio una Mundial me gustaría destacar perspectiva más heroica a Iván, tres obras cinematográficas que quien quería ayudar al ejército ilustran bella y terriblemente a soviético para vencer a los aleestas víctimas infantiles. La In- manes. Por supuesto la visión fancia de Iván de Andrei Tarko- soviética sobre la guerra difiere mucho de la perspectiva hollywoodense ya que vemos a hombres comunes/aldeanos siendo parte del ejército soviético, inclusive la vestimenta de los soldados es desalineada por estar en la zona de guerra. La mayor parte de la película se desarrolla en un cuarto donde esperan instrucciones aunque tiene escenas en el exterior que se mezclan con momentos que referencian a recuerdos de la
y hermanas. Pero el camino de la victoria sobre los alemanes no es sencillo, hay horrores, pérdidas, exterminio y una serie de actos salvajes perpetrados por el ser humano, Flyora no será el mismo cuando termine la guerra.
vida de Iván. El soldado más importante es un niño ruso. Con una impecable imagen, Tarkovsky nos retrató una historia sobre la Segunda Guerra Mundial donde la infancia se ha perdido debido a los horrores de la guerra. Iván físicamente es un niño, mentalmente es un adulto que busca vencer al enemigo sin importar lo que cueste. La película es un poema visual con un contraste perfecto entre el blanco y negro, los escenarios aunque simples son cien por ciento creíbles y la actuación de Nikolay Burlyaev, que interpretó a Iván, es única. Nikolay tenía 16 años cuando se estrenó la película en 1962. Fue su primera película, aunque ya había participado en el teatro, ya que había nacido dentro de una familia de artistas y traía el arte de la interpretación en sus genes. Su actuación como Iván y la imagen que proporcionó Tarkovsky ayudaron a que la película fuera un éxito dentro de la población rusa junto a la comunidad intelectual ya que creadores como Ingmar Bergman y Krzysztof Kieslowski elogiaron la película a tal grado de indicar que fue una inspiración para sus obras. También Andrei recibió cartas de la gente que le agradeció por haber descrito su infan-
La película Ven y Mira, que originalmente se llamaría Maten a Hitler, fue una obra que se produjo en 1985 por el 40 aniversario de la victoria soviética sobre la Alemania Nazi. Fue producida por Mosfilm y Belarusfilm. La historia surge porque el director Elem Klimov había peleado junto a los partisanos bielorrusos, y estuvo leyendo el libro Soy de la aldea quemada, que narra los tescia a través de la película. timonios de los sobrevivientes a los ataques de los nazis en las alEl infante en el cine pasaba deas de Bielorrusia. de ser una víctima a un protagonista en la guerra pero a un alto Elem quería mostrar los hecosto. chos que habían sucedido en Bielorrusia ya que nadie lo había Otra de las películas que tam- reconocido, el mundo tenía que bién retrata a la infancia perdida conocer que los alemanes quede los niños durante la Segunda maron alrededor de 600 aldeas Guerra Mundial es la famosa Ven en esa región donde murieron y Mira del cineasta Elem Klimov mujeres, ancianos, niños y adulquien tenía las ganas de expresar tos. Y por supuesto expresar sus sus recuerdos sobre la guerra. recuerdos, la película en sí es En la edición en DVD comenta una mezcla de recuerdos propios cómo tenía presente el recuerdo y testimonios ajenos. de la ciudad de Stalingrado incendiada, así que para él existía El niño que interpretó a Fluna obligación de filmar esa pe- yora no era un actor que tuviera lícula. alguna formación artística, eligieron a Aleksei Kravchenko, un Ven y Mira (1985) trata sobre un Flyora, un niño que quiere incorporarse a los partisanos soviéticos para luchar junto a ellos contra los soldados nazis y para esto necesita conseguir un fusil. Su necedad por ser útil para contrarrestar la invasión alemana hace que abandone a su madre
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vejecimiento prematuro de los niños por la guerra y los traumas. La película es bella visualmente, Elem nos proporcionó unas imágenes perfectas entre la calma y la guerra, desde dos niños bailando inocentemente entre la lluvia, el llanto de las personas, el recorrido por los bosques, el marchar de los partisanos, e incluso el lodo o los cuerpos apilados impresionan visualmente, pero hay una característica que sobresale: el rostro. Los gestos, las arrugas, el lodo salpicado, las lágrimas, la cara de la guerra, no recuerdo una sola película que trate sobre conflictos bélicos que tenga un rostro tan impresionante como el de Flyora. niño sencillo, para que pudiera sentir los horrores de la guerra que iban a recrear, se necesitaba a un muchacho que no se protegiera a través de alguna técnica de actuación. El equipo lo preparó para las experiencias que viviría durante la filmación y a su vez lo protegieron de las tensiones recreadas para que no enloqueciera.
ese capítulo de la guerra tan olvidado. Los niños sobrevivientes que se unieron al ejercito soviético en busca de venganza, los campesinos que sobrevivieron y fueron testigos de cómo quemaron a sus familiares junto a sus
La recepción de la película fue excelente, se ha considerado como una de las mejores películas para los especializados en la crítica cinematográfica y entre el público también fue bien recibida aunque se dice que en al-
El filme se estuvo preparando desde 1977, pero el Goskino (Comité Estatal de Cinematografía) no quería que fuera rodada por tener una estética sucia y naturalista. Fue hasta 1984 que Elem empezó a filmar sin ninguna restricción. En la película se utilizaron armas, vehículos y munición real para que la obra cinematográfica fuera lo más apegada a la realidad, incluso Aleksei declaró que las balas pasaron muy cerca de él en las escenas con tiroteo y fue sometido a la fatiga y hambre, tuvo una dieta severa que lo vecinos dentro de los graneros dejó muy delgado y con el cabe- o iglesias, los traidores que ayullo color gris. daban a los alemanes para que sus paisanos fueran quemados La intención del director era y asesinados. Las miradas de los evidente, retratar precisamente sobrevivientes, los gestos, el en-
gunos cines se tuvo que llamar a ambulancias para atender al espectador mas impresionable. Se cuenta que en un debate sobre la película, un anciano alemán declaró haber sido soldado de la
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Werhmacht estando en Polonia y Bielorrusia reconociendo que todo lo que se vio en el film era real y que le daba más vergüenza saber que sus hijos y nietos verían esa película. Ven y Mira es una película única que retrata fielmente los recuerdos de Elem como adolescente y que en palabras del coautor del guión, Ales Adamovich, “… es algo que debemos dejar como legado, como evidencia de la guerra y como un alegato a favor de la paz. Para finalizar hablaré de otra película que también retrata el drama infantil en la guerra y que plasma una perspectiva diferente a la rusa, desde Estados Unidos se nos trajo la visión de Spielberg con El Imperio del Sol (1987). Esta es una película dirigida por Steven Spielberg basada en el libro homónimo de J. G. Ballard con un guión de Tom Stoppard y producida por el propio Spielberg, Kathleen Kennedy, Frank Marshall y Robert Shapiro. Trata sobre la vida de un niño que es descendiente de británicos colonizadores en la ciudad de Shanghái en China durante la invasión de Japón en la Segunda Guerra Mundial. Jamie “Jim” Graham (Christian Bale)
se separa accidentalmente de sus padres mientras tratan de evacuar la ciudad por la llegada de los japoneses, estando solo tiene que sobrevivir durante la ocupación apoyándose de Basie (John Malkovich), un estadounidense vividor, ladrón y estafador. Jim pasa por diferentes situaciones, adaptándose para sobrevivir, perdiendo la noción sobre la nacionalidad y admirando a los japoneses por sus increíbles aviones puesto que es aficionado a la aviación.
Spielberg no fue el primer candidato para dirigir la película, sin embargo por ser un tema sobre la Segunda Guerra Mundial y sobre la pérdida de la inocencia, le llamó la atención además que era fanático de El puente sobre el Río Kwai y sintió similitudes entre la obra cinematográfica y la literaria de J. G. Ballard. En múltiples ocasiones, Spielberg ha considerado ésta como su película más humana. El Imperio del Sol se filmó en los estudios Elstree en Inglaterra, en Shanghái y en la localidad de Trebujena en España donde se construyó el campo de prisioneros con su hospital, el aeródromo y el estadio que se observan en la película. Christian Bale interpreta a Jamie, fue su segundo papel y sin duda alguna recibió muchos elogios por su actuación a su corta edad de 12 años. Incluso el autor de la obra original J. G. Ballard aseguró que Bale se parecía mucho a él cuando tenía la misma edad. Bale audicionó junto a otros 4,000 niños. El papel que interpretó también exigía mucho como actor y aunque ya tenía una formación artística fue un papel muy difícil.
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cinematográficas mencionadas, el drama del infante se mantiene muy rebajado durante toda la película, aunque veas que las personas de su alrededor van falleciendo o el maltrato por parte del gran enemigo del sol naciente, Jim no sufre.
Jamie sufre la soledad, sufre la explotación por parte de Basie, y a través de la película vemos cómo se va transformando su infancia, se va adaptando al contexto de la guerra. A pesar de ser un niño que nació en cuna de oro, se adapta fácilmente a la carrera por sobrevivir, escapando constantemente a través de la fantasía aérea. Sutilmente Jamie se convierte en un niño sin tierra, abandonado por sus padres, por los británicos, por los chinos y poco a poco por sí mismo. Ve en los pilotos japoneses un héroe, admira sus aeronaves e incluso encuentra a un amigo entre los enemigos. La guerra es de adultos, los niños solo quieren jugar a volar. Por supuesto la visión estadounidense es una perspectiva más limpia, mas rosa, ya que a pesar de la recreación de la guerra con sus explosiones y sus muertos, Spielberg trata de mantener alejado a Jamie de los horrores, disfrazando la guerra con un aire calmado y que incluso con apoyo de las partituras de John Williams se convierte en algo
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alegre. Realmente los dos únicos momentos de tensión en la película, y por lo tanto en la historia de Jamie, son cuando se separa de sus padres entre la multitud y cuando reconoce con una cara llena de lagrimas que no puede recordar el rostro de sus padres. En comparación a las dos obras
S t e v e n Spielberg quería ahondar en la pérdida de inocencia, pero durante la película sólo hay pérdida hasta el final justo cuando ha terminado la Segunda Guerra Mundial con la entrada triunfante de los soldados estadounidenses (con una escena súper heroica bebiendo leche de Milwaukee) y los paquetes de ayuda. Pero Spielberg apenas si habla de la
infancia de los niños británicos abandonados-huérfanos y esboza algo acerca de los niños chinos o japoneses, aunque la película tenga un gran sentido moral no se ve lo que quiere demostrar al cien por ciento: la guerra es terrible, es entre adultos y los únicos que pierden son la población civil, los desprotegidos, los animales y los niños.
las invasiones de Estados Unidos y los aliados europeos, las Coreas siguen en conflicto y si la historia no miente a lo mejor vuelven a entrar en conflicto Japón y China. Y por supuesto el olvidado África donde los niños son secuestrados para enlistarlos en ejércitos y las niñas son violadas; los niños sirios y palestinos que
mueren o pierden extremidades por las bombas estadounidenses, francesas, rusas e israelíes. El ser humano es terrible, sigue sin aprender. El cine no olvida, estuvo, está y estará presente para que los seres humanos expresen sus miedos, sus sueños y sus traumas.
El ser humano tiene una tendencia autodestructiva única, no le importa que lo que está alrededor sea natural, animal o humano. A través del cine se trata de hacer consciencia para que no se repita o catarsis para liberar al cuerpo de los recuerdos tan traumáticos que marcaron a los que fueron testigos de terrible guerra. Y no olvidemos, las guerras continúan, en México está el terror del gobierno y el narcotráfico, en Medio Oriente
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HABÍA UNA VEZ
No dej es de ser tú mis mo
Por Alma Ricardo
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uchas veces se piensa que los niños deben de seguir el ejemplo de los padres y ser o dedicarse a lo que ellos hacen, sin embargo esto no debería de ser así ya que cada una de las personas es diferente y lo que llegan a ser en el futuro no obedece a las expectativas de sus progenitores, más bien depende de todas las vivencias que tienen durante el camino, hasta de las cosas que escuchan, comen y leen. Billy Elliot es una película británica del año 2000 dirigida por Stephen Daldry y prota- es brillante, ya que gracias al tos logra transmitirnos, alegría, gonizada por Jamie Bell; conjunto de muchos elemen- coraje, tristeza, desesperación,
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nostalgia, desde el principio has- música, sin embargo el sonido ta el fin. del piano representa para su padre un recuerdo doloroso y le La música es un elemento dice a Billy que calle. primordial desde el comienzo y podemos escuchar música cláBilly siente la música desde el sica o rock punk. La cinta abre momento que la escucha, pero con la mano de un niño colo- su familia no entiende esto, su cando un disco de acetato en un padre espera que el niño practocadiscos, entonces se escucha tique boxeo al igual que él y el la música y aparece Billy (Jamie abuelo, además de que son una Bell) saltando alegremente en su cama, después en la noche su hermano mayor Tony (Jamie Draven) lo regaña por tomar sus cosas sin permiso. Poco a poco empezamos a conocer a su familia, además de vivir con su hermano el niño tiene una abuela (Jean Heywood) y su padre, Jackie, (Gary Lewis), la madre de Billy está muerta, pero en la casa hay un piano que le pertenecía, quizás de ahí surja la sensibilidad de Billy por la
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familia de mineros que ven como cosa de niñas el ballet. La historia es ficticia, pero se ubica en un periodo real de la historia británica; la huelga minera en Reino Unido que duró de 1984 a 1985, la cinta critica a la sociedad masculina de esa época , en la que los hombres solucionan todo mediante la lucha
y la violencia, por lo que para el personaje era difícil emerger y más intentando hacer algo totalmente prejuiciado y que lo encasillaría como “marica”, hay que destacar que en la cinta predominan más los personajes masculinos, sin embargo los femeninos tiene más fuerza y pueden enfrentar a todos esos bravucones que piensan tienen la razón. Billy es llevado a clases de boxeo por su padre, sin embargo en lugar de pelear comienza a bailar, por lo que el profesor lo deja castigado. Mientras cumple su castigo se acerca a la clase de Ballet de la Sra. Wilkinson (Julie Walter) que está a un lado; y después de que una de las alumnas lo invita a unirse comienza a hacer la misma rutina que las demás.
Sin embargo su padre descubre que Billy ha dejado de ir al box y decide castigarlo prohibiéndole las lecciones de ballet; pero antes de aceptar su castigo él le pide que le diga porqué el ballet no es para niños, lo cual hace enfurecer a su padre y después de un forcejeo escapa corriendo acompañado de la canción Children of the Revolution.
su maestra para seguir tomando clases a escondidas y comenzar a prepararse para un examen de la Real Academia de Ballet. Cuando llega al gimnasio y se encuentra con su maestra le lleva algunas cosa para practicar, entre ellas está la carta que su madre le escribió y una parte de la carta nos muestra porque el niño es tan perseverante y siguen practicando ballet a pesar de las críticas y A pesar de la oposición de su los prejuicios, a los que se puede Mientras que la huelga con- padre, Billy decide ir en busca de enfrentar. tinua Billy clandestinamente acude a sus clases de Ballet en lugar de ir al box, el tiempo empieza a transcurrir y lo podemos apreciar ya que Billy, después de robar un libro sobre posturas de ballet, practica constantemente cómo dar una vuelta sobre su propio eje y lo vemos dando vueltas; pero el lugar y la vestimenta cambian a cada segundo hasta que logra dar la vuelta sin caerse y su cara de satisfacción, puede llenar de deleite al público.
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… contigo en todo momento, y que siempre lo estaré. Estoy orgullosa de haberte conocido, orgullosa de que hayas sido mío, no dejes de ser tu mismo, siempre te querré… Después de leer la carta, Billy y la Sra. Wilkinson escuchan un cassete con música boogie y ambos comienzan a bailar, escena que nos remite automáticamente a Fred Astaire bailando. Cuando se acerca la prueba en la Academia de Ballet, llegamos al clímax de la cinta y casi consecutivamente vemos dos secuencias realmente buenas: una es cuando los huelguistas, entre ellos su hermano, se enfrentan con la policía , todos corren y el hermano de Billy empieza a ser perseguido entre las casas abre y cierra puertas mientras los policías van unos pasos detrás del él, Billy lo observa todo desde una barda, y cuando parece que va a escapar se encuentra con un muro de policías, quienes lo llevan preso, la canción que suena al fondo es London Calling. Billy pierde la prueba, pero la Sra. Wilkinson va a buscarlo y enfrenta al padre y al hermano de Billy pero el último, en un intento de hacerle ver a la maestra que eso es ridículo sube a Billy a la mesa y le ordena que baile, mientras tanto la frustración de Billy es trasformada en una be-
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lla y furiosa danza, el niño golpea las paredes y sale a bailar a la calle, dando vol te re t a s y azotando los pies contra el piso intenta deshacerse toda la frustración, hasta que una pared de láminas de metal se interpone en su camino, se queda sentado y como despertando de un sueño todo el camino ante sus ojos aparece nevado, todo esto pasa mientras suena de fondo Town called malice La huelga continúa y para soportar el crudo invierno el piano de su madre es convertido en leña, sin embargo la noche de navidad el niño va con su amigo al gimnasio y le enseña ballet, pero su padre lo descubre y en lugar de acobardarse comienza a bailar, después de eso Billy triunfa, demuestra que con determinación puedes ser lo que quieras ser sin importar que te enfrentes a toda una sociedad. Asimismo me parece magnífica la respuesta que Billy da sobre lo que siente al bailar durante su entrevista en la escuela de ballet:
No sé… Me siento muy bien. Al principio estoy agarrotado, pero cuando empiezo a moverme lo olvido todo. Y… es como si desapareciera, y todo mi cuerpo cambiara. Como si tuviera fuego dentro de mí y me veo volando, como un pájaro. Siento como electricidad. Sí, como electricidad. Esta película debería de ser vista por muchos jóvenes ya que nos muestra que no puedes dejar que los demás te digan cómo debes ser, tienen que hacer lo que realmente te gusta aunque todo parezca estar en tu contra, hacer aquello que haga que sientas como la electricidad recorre tu cuerpo.
FICHA TÉCNICA Billy Elliot. Quiero bailar. Billy Elliot Dirección: Stephen Daldry. Reino Unido. 2000. 110 min. Intérpretes: Julie Walters (Sra. Wilkinson, profesora de danza), Jamie Bell (Billy Elliot), Jamie Draven (Tony Elliot), Gary Lewis (padre, Jackie Elliot), Jean Heywood (abuela), Stuart Wells (Michael), Mike Elliot (George Watson), Janine Birkett (madre de Elliot), Nicola Blackwell (Debbie Wilkinson). Guión: Lee Hall.
PARA CONOCER
Por Lupita Libertada Pineda
F
recuentemente he escuchado a algunos adultos, decir que ser niño es más fácil. Según esta sentencia los niños no tienen que pensar en las múltiples responsabilidades que se van adquiriendo con el crecimiento, en la edad universitaria o productiva. No tienen que pensar en llevar el pan a la mesa, y menos, pensar en las convenciones sociales, reglas, y básicamente en quedar bien con el mundo. Pero, ¿es verdad que los niños no tienen que pensar en eso? ¿Los niños no tienen papeles relevantes en la sociedad? ¿Son libres de ejercer el libre albedrío? Si lo hacen, ¿son aceptados y protegidos?
Ludovic es un niño de siete años, hijo menor de una familia de cuatro hijos. La familia Fabre, acaba de mudarse a un nuevo barrio. Un barrio de clase media, bien acomodada en los tradicionales roles sociales. El padre ha conseguido un nuevo empleo, bien ta para conocer a los vecinos, y pagado. La nueva familia del claro, para hacerse conocer. Habarrio, animada, hace una fies- cen la presentación de cada uno
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lo que lo hace ser niño, es una cuestión resumida en genes. A él le toco XY, a ella dos XX. Esto provoca en la cabeza inocente del protagonista la búsqueda de su X perdida. En el camino de nacer, se perdió su equis. Una explicación científica tan simple le dona tranquilidad a Ludo.
de sus miembros. La hija mayor que esta llegando a la adolescencia y dos hijos varones. Llaman al pequeño, quien hace una presentación magistral… lleva puesto un vestido rosa, labios rojos, pendientes largos. Los padres de éste, lo disculpan diciendo que es todavía pequeño y gusta de hacer bromas. La comunidad pasa sin contratiempos esta broma infantil. Sin embargo, Ludovic sueña con ser una niña, baila cómo la princesa Pam y sueña con casarse con un chico. Todo pasa en la cabeza de Ludovic, sus sueños y “fantasías” suceden en su mente, aunque, de vez en cuando, se manifiesta con “el disfraz”. Su manera de ser libre, es decir, de verse a sí mismo, es interrumpida cuándo es sorprendido en plena boda con otro niño. Las familias de respectivos involucrados reaccionan de manera esperada. A ambos les prohíben hacerlo de nuevo, pero
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más aún al amigo que encarnó al novio, le dicen que se irá al infierno si se vuelve marica. Por consiguiente le prohíben ser amigo de Ludovic. En este punto, comienzan las tribulaciones para la familia y para el pequeño. Al abordar el tema con su hermana, de cómo volverse una niña, la hermana responde que,
En este avatar, la familia entra en crisis, el padre viendo estos signos de homosexualidad, trata de reprimir; la madre comienza a culpar al infante de los problemas de pareja y sociales a los que comienzan a enfrentarse. La maquinaria social también comienza a mover el engranaje en contra de los que son diferentes. El vecindario, el cual nos va a recordar el estilo de vida americano, comienza a señalar y marginar. Incluso los que aparentan apertura marginan. El drama co-
personal de la vida es inocente y simple, la equis que se perdió en el camino para ser niña, “es un hecho científico”. Los padres, son una fuente frecuente de sus propias dudas. Al oír que ellos deseaban una niña, cuándo lo esperaban, él, con toda naturalidad nos hace pensar que alguien se equivocó y no ha sido él el culpable. Es quien es, y quien quiere ser.
mienza a subir de tono, la violenSorprende la seguridad del cia toma su lugar en la historia. personaje de lo que busca ser y la mezcla con su inocencia dan Los guionistas, Alain Berliner una historia sin pretensiones. y Chris Vander Stappen, toman Es un verdadero trabajo de acuna temática pocas veces abor- tuación de George Du Fresne, dada en el cine con tan buen to- quien encarna al niño Ludovic. que. A partir de un niño hablan Este niño-niña es la inocencia del transgénero. Alguien que encarnada en su búsqueda por nace con un sexo definido por volverse chica. Su interpretación sus genitales, pero que no necesariamente es regido en su mente y espíritu por lo que le ha tocado. Dibujan las tribulaciones a las que se enfrenta una persona que se sabe y se siente de una manera diferente.
En este retrato de un tema común, observamos la reacción de rechazo de la sociedad a lo diferente. Lo que no se ciñe a las reglas debe ser marginado. Visto cómo amenaza de lo normal y correcto, será aislado y alejado. Como espectadores nos lleva a la preocupación, que la familia actúa en ese mismo tenor, sin embargo, el amor y la comprensión, finalmente acogerán a su miembro, sin miedo. ¿qué los hace cambiar?
Desde el principio busca ser y hacer su vida de una forma natural. La óptica del personaje es abordada de manera simple. Una niña con cuerpo de niño, queriendo salir a la vida con lo que tiene a la mano. Los conflictos con la realidad, son evadidos con fantasías. Pero también son la salvación del drama cotidiano. Sus viajes internos son el único lugar dónde puede ser lo que ella quiere ser.
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Es algo, estimado lector, que sí grado cambiar su identidad tras debe averiguar. un proceso judicial. La madre pide un cambio en su sociedad, Quizás es la buena voluntad para evitar más sufrimiento a de los guionistas este giro. Un las personas que no están en la tierno color rosa final para ce- línea de lo convencional. El jorrar lo que pudo ser una trage- ven sufrió acoso y terminó con dia más de la vida. Aquí, hago su dolor. De estas historias esta un paréntesis para recordar, que hecho el mundo. Por eso, Ma vie hace no más de un mes un joven en rose, devuelve un respiro cátransgenero se suicidó en Espa- lido al espectador y es alentador ña. El hecho en sí, no salta por al final. si sólo, en un mundo frecuentemente descarnado y pletórico Los niños son tan importantes de estas tragedias personales. Lo como un adulto. Todos tenemos que resalta es que Alan había lo- un rol social que cumplir, en esta
sociedad basada en papeles prefabricados, sea por la distinción genital o por el papel asignado en la obra. Ninguno tiene un papel más libre o feliz que el otro. Todos desempeñan una actividad para la estructura social. El libre albedrío, al final no es tan libre, por las formas y las apariencias que hay que cumplir. Pero, siempre hay un grupo que puede ser y hacer una diferencia auténtica y enriquecedora para todos. El cine puede ser una ventana simple de entretenimiento entre tanta banalidad, pero también puede ser un punto de flexión para mirar y analizar lo que hacemos y quizás, reinventar lo que somos. Esta es la historia bien contada de un niño que sabe lo que es y quiere ser. Es curioso cómo hay gente que en la vida de adulto, aún no lo sabe. FICHA TÉCNICA Título: Ma vie en rose Director: Alain Berliner Guión: Alain Berliner y Chris Vander Stappen Productor: Simon Arnal, Alain Berliner Protagonistas: Michèle Laroque, Jean-Philippe Écoffey,Hélène Vincent, Georges Du Fresne, Julien Rivière, Daniel Hanssens, Delphine Cadet Fotografía: Yves Cape País: Bélgica Idioma: Francés Año: 1997 Duración: 88 minutos
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EN CARTELERA
Por Alma Ricardo
LA MAESTRA DE KÍNDER
L as maestras de kínder ven pasar delante de sus ojos a muchos niños diferentes tanto de carácter, como inteligen-
cia emocional o intelectual, la cinta trata sobre el encuentro de una profesora con un niño de cinco años el cual, para su sorpresa, es un genio para la composición poética, cada palabra que sale de su boca se convierte en poesía, por esta razón la profesora buscará impulsarlo y contactará al padre del niño. Sin embargo éste se mostrará negativo ante lo cual la maestra tomará una decisión descabellada, se llevará al niño para brindarle un futuro mejor, o al menos es lo que ella piensa.
Título original: Haganenet (The Kindergarten Teacher) Año: 2014 Duración: 120 min. País: Israel Director: Nadav Lapid Guión: Nadav Lapid
LA QUINTA OLA
L a humanidad está siendo destruida poco a poco por una invasión extraterrestre, la cual ha desencadenado una serie de eventos que se han catalogado como las cuatro oleadas, en este momento los humanos están en espera de la quinta ola, que según predicciones acabará con todas las personas, ya que aparecerán seres iguales a los terrestres que se infiltrarán entre los sobrevivientes y así terminar con cada persona del planeta, mientras estos eventos devastadores tienen lugar la joven Cassie Sullivan (Chloë Grace Moretz) intentará encontrar a su hermano y sobrevivir, aunque lo único que posee como arma es su esperanza.
Título original: The Fifth Wave (The 5th Wave) Año: 2016 Duración: 112 min. País: Estados Unidos Director: J Blakeson Guión: Susannah Grant
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EN CARTELERA CAROL
D os mujeres se conocen en una tienda departamental en Nueva York en los años 50: Therese Belivet (Rooney Mara)
trabaja en una tienda de Manhattan y una día conoce a Carol Aird (Cate Blanchett), una mujer elegante, sofisticada y madre de familia, las dos mujeres al momento de conocerse sienten una atracción la una por la otra y empiezan una relación romántica. Sin embargo el peso de la sociedad será más fuerte así que deberán de luchar por los sentimientos que tienen si quieren seguir encajando dentro de la sociedad de esos años.
Título original: Carol Año: 2015 Duración. 118 min. País: Reino Unido Director: Todd Haynes Guión: Phyllis Nagy
creed
Apollo Creed en las saga de Rocky es el personaje que por
un lado primero fue el rival de Balboa, luego se convirtió en su entrenador y amigo, pero muere antes de conocer a su hijo, Adonis Johnson quien toda su vida ha tenido que cargar con el recuerdo de su padre y el peso de su nombre, por lo que decide buscar a un retirado Rocky Balboa para que lo entrene, éste al principio se niega, pero al final termina cediendo y así haciéndose compañía cada uno tendrá que luchar contra un enemigo diferente.
Título original: Creed Año: 2015 Duración: 132 min. País: Estados Unidos Director: Ryan Coogler Guión: Ryan Coogler, Aaron Covington
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