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Editorial
Contenido El cine es poesía Monsieur Lazhar 2
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n la actualidad, por lo menos en México, las palabras «profesor» y «maestro» se utilizan como sinónimos para designar al sujeto que se para frente a un grupo de alumnos para dar una clase, independientemente de sus conocimientos, posición o títulos.
Y aunque la RAE sí hace una distinción entre ambos términos, la palabra «maestro» termina adquiriendo tantas acepciones que impide clarificar de forma real las diferencias. Sin embargo, pese a todas las distinciones lingüísticas que se puedan enarbolar en torno a ambos conceptos, lo cierto es que el «profesor/ maestro» cuenta con una función primordial dentro de todos los grupos sociales.
Tristemente la figura idealizada del «profesor/maestro» que apreciamos en el cine se aleja mucho de la realidad, incluso Óscar Wilde señalaba, de manera bastante agresiva y generalizadora, que «todos los que no son capaces de aprender se han puesto a enseñar», una afirmación demasiado general, pero difícil de contradecir.
En este número, Super 8 presenta diversas perspectivas de esas figuras que se encargan de transmitir conocimiento de las más variadas formas.
Tesoros fílmicos The man who knew infinity 6
La mente maestra Un detective en el Kinder 10
La caja de Pandora En la casa 15
Había una vez La sociedad de los poetas muertos 18
Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook
En portada: Un detective en el Kinder
Super 8 Número 1101 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Amaury Hernández, Manuel Pineda, Jorge Slonso Espíritu, Libertad Pineda. Arte y Diseño: Azucena Mecalco Ciudad de México Mayo 2019
Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.
Espíritu o s n o l A e g Por Jor
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EL CINE ES POESÍA
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Sin embargo, en los centros escolares, lo anterior es solo una pequeña parte del ambiente educativo, que por ser una actividad humana que abarca buena parte de nuestra vida joven, desde el preescolar hasta las universidades, tiende hacia la complejidad en todo aspecto del ser: los educandos y los educadores trasladan su propio universo a las aulas, con toda su riqueza, con sus sueños, alegrías y dolores, que son sublimados, reprimidos o reflejados de incontables maneras.
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En el primer mundo, en una escuela con una educación de avanzada, una profesora decide suicidarse colgándose de un rincón del aula. El hecho, como es
natural, trastorna a los alumnos que rondan los 12 años -aunque sólo dos de ellos hayan presenciado el cuerpo de la docente-, y sirve como epílogo a una de las
cintas sobre profesores mejor logradas de los últimos años: Monsieur Lazhar. Tras el incidente, la directora del colegio contrata al profesor del título: Bashir Lazhar, un maduro profesor, migrante de la lejana Argelia, que no ha superado el shock del exilio, y menos aún cuando se trata del sistema educativo: la enseñanza que practica está muy alejada de la del país que ahora reside, lo mismo en la disposición del mobiliario que en el afecto que se expresa a los pequeños. Desorientado, Lazhar llega a dar un manotazo en la cabeza de uno de los niños protagonistas.
El choque cultural, el duelo, el aprendizaje crean un curioso escenario que se aleja de los tópicos comunes del cine del género, en el que necesariamente el profesor es una figura disruptiva, liberal, provocadora y motivadora, quien, gracias a esas características, provocará en los alumnos un movimiento inusitado en su movilidad de saberes y por tanto en sus propias vidas. Así ha sido en decenas de cintas, desde La sociedad de los poetas muertos de Peter Weir; La Mente indomable, de Gus Van Sant; la cubana Conducta; la ambientada en la Guerra Civil española, La Lengua de las mariposas; e incluso en la serie Merlí.
En este caso el Señor Lazhar no es disruptivo por innovador, sino por conservador; no motiva a los alumnos a través de la provocación, sino del cariño e incluso el castigo físico; los alumnos no son un reto por problemáticos, sino por haber despertado a la vida y a la muerte de forma prematura. Ambos, profesor y alumnos, conviven con el dolor, lo sienten y buscan la salida al duelo. El sufrimiento forma una capa sobre el trabajo audiovisual, pero la depresión no se impone a la esperanza. A pesar de ser un evento de choque, las incertidumbres del alumnado y de los docentes, no son enemigos a vencer, sino retos que superar, convirtiendo a esta cinta en una de las más bellas de este género. FICHA TÉCNICA Título original: Monsieur Lazhar Dirección: Philippe Falardeau Guión: Philippe Falardeau Música: Martin Léon Fotografía: Ronald Plante Reparto : Mohamed Fellag, Sophie Nélisse, Émilien Néron Año: 2011 País: Canadá Duración: 94 min.
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Un mente brillante… sobresaliente Por @AMAURY1984
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ólo se puede definir a alguien como el señor Srinivasa Ramanujan como un prodigio. Un hombre que desde muy joven entendió, elaboró y desarrolló el lenguaje matemático más complejo. Algo que la mayoría de nosotros encontramos más complicado que resucitar de entre los muertos para él era como respirar. No quiero y no pretendo hablar de sus aportaciones porque simplemente no las entiendo. Sacar el porcentaje de
propina que se debe dejar en un restaurante ya significa un reto para mi. Por suerte para nosotros beodos ignorantes de lo que el señor Ramanujan quiso explicar, el realizador estadounidense Matt Brown dedicó parte de su trabajo a presentar de manera emotiva y simplista su vida. El señor Brown tiene una carrera muy limitada. En 2000 presentó London Town como
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guionista y no fue hasta 2015 que realizó un nuevo proyecto en el que decidió tomar la dirección: The man who knew Infinity. Brown nos adentra en la difícil vida de un cerebro privilegiado que nace en condiciones paupérrimas; el esfuerzo de dedicar su talento a actividades mejor remuneradas se ve truncado por cómo se viste o se ve. Para Ramanujan la cosa va más allá, ya que al haber nacido en la India colonial sometida al Imperio británico su color de piel lo marcaba para fungir como mano de obra. A pesar de esto, su gran trabajo en el área de las matemáticas llegó a manos de un eminente académico británico con el que colaboró. En un ejercicio dramático Brown decide mostrar a los benevolentes imperialistas europeos con un poco más de apertura de la que sospecho realmente tuvieron ante la aparición de tan prominente genio en uno de sus territorios sometidos. Ciertamente Ramanujan fue pasó buena parte de su corta vida en la Universidad de Cambridge, pero en un principio se negó por sus creencias religiosas y llevo algo de instrucción académica en la universidad de Madras. Desde luego para enaltecer la relación maestro - alumno que Ramanujan y su mentor británico, el matemático Godfrey Harold Har-
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dy, Brown decide omitir en su historia dicho evento y presentar a Hardy como el hombre que le brindó el acceso a la academia que le permitiría más tarde al matemático indio dar estructura a sus descubrimientos y diferentes formas de llegar a resultados idénticos a los obtenidos por métodos tradicionales. La realización de Brown lleva la historia del matemático por camino sentimental lleno de innecesarias escenas con una esposa totalmente irrelevante en lo que respecta a los eventos presentados. Y un supuesto conflicto en la familia que separa a esta pareja más del tiempo necesario. Cuando la gran guerra llega al imperio Británico el filme muestra de manera innecesaria una escena durante un bombardeo que deja demasiado que desear. Una triste realización o un limitado presupuesto nos deja con una escena que provoca más tristeza por lo mal maquillado de la mujer muerta y el Zepelín
de Playstation 2, que por los horrores de la guerra. El resto de la estancia de Ramanujan en Cambridge aborda su problema de tuberculosis. Enfermedad que terminaría por costarle la vida a los 32 años. Brown construye una narrativa en la que Ramanujan y Hardy entablan amistad a pesar de sus abismales diferencias en materia de fe y conocimiento. The man who knew Infinity es una película biográfica construida con el molde de muchas otras como A Beautiful Mind o The theory of everything. En ese sentido no propone nada nuevo y se mantiene a flote gracias a la labor de Jeremy Irons y Dev Patel que le imprimen carácter a los perso-
najes. No me malentiendan; no creo que Irons haga un gran esfuerzo por no ser Irons; sino que el papel de hombre algo necio algo cuadrado le queda muy bien. Mientras que Patel y su tradicional exceso de drama que hemos visto en Lion, por ejemplo, se siente genuino en el contexto del indio oprimido que espera dejar su huella gracias a los susurros divinos que pusieron en su cabeza y él a su vez en papel, las fórmulas que han hecho grande al avance científico de nuestros días.
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LA MENTE MAESTRA
Investigando en la infancia Por Manuel Pineda
I´m the party pooper. Detective John Kimble
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esde pequeño he visto muchas películas, claro, muchas de ellas han sido a través de la televisión pública y los formatos caseros. Durante esta época era fanático de Arnold Schwarzeneger ya que era una
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de las estrellas hollywoodenses del momento con películas como Total Recall, Terminator, Conan, Commando, Predator, entre otras. Yo tenía pocos años y ver a este musculoso de hierro salvar el día y tener a la chica soñada me hacían volar la imaginación, bueno, no siempre era la chica soñada también era ver a un Hércules contemporáneo además del uso de las armas, automóviles, aviones, helicópteros o viajes espaciales, lo que todo un infante soñaba, al menos en mi caso.
Arnold era el buenazo, desde su Pero, querido espectador, clásico papel del T-800 que lo usted se ha de preguntar ¿Qué ha marcado de por vida hasta el quiere decir este sujeto? Bueno, gemelo de laboratorio. para este numero de Super 8, me correspondió escribir sobre una Esos tiempos eran simples película que se puede considerar aunque albergaban otro tipo de mediocre pero que tiene algo pensamiento tanto en la industria especial para mi: Kindergarten como en la vida cotidiana de los Cop o mejor conocida como Un citadinos y ahora escolares. ¿Por detective en el kínder. que digo esto? Porque ahora, Kindergarten Cop es una mirar una película de hace 29 película estadounidense que se años te enseña todo lo que ha estrenó en 1990, fue dirigida por cambiado en una sociedad, y Ivan Reitman, quien nos ha dado aunque uno diga “ah me saliste joyas como las dos películas de muy estadounidense, ¿no?” no los Cazafantasmas, Twins o Seis se puede negar la influencia, en días y Siete noches. Los guionistas Por eso, cada vez que veía algo nuestra conducta, en la forma fueron Herschel Weingrod y con Arnold interpretándolo me de comunicarse e incluso de Timothy Harris (Space Jam, encantaba, aunque fueran cosas pensamiento, proveniente de burdas como Twins, The Last nuestro vecino estadounidense Twins) basados en una historia de Murray Salem, quien actuó Action Hero o True Lies. Para mi de América.
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Claro, la película es de finales de la década de los 80, aun faltaba para el fin del milenio, no sucedía la masacre en Columbine y todavía no pasaba el famoso ataque a las Torres Gemelas. Así que cuando miras la película, consideras algo normal y lógico que haya un hombre armado entre niños de preescolar. La historia lo amerita y lo permite. Además es un policía que esta en una cruzada personal, que se gana la confianza de los niños con disciplina casi militar, donde la directora permite el método de enseñanza e incluso golpea a un padre frente a la instalación educativa. Definitivamente eran mejores tiempos.
misma problemática mostrada en la película: el abuso infantil, el precario sueldo de los maestros, el acoso entre estudiantes, la ausencia de disciplina, las relaciones enfermizas, la impunidad, y la relación entre padres de familia con los maestros. Pareciera una película sencilla, ¿no? Kindergarten Cop es parte de este cine hollywoodense simple pero con muchos subtemas que se descubren en la etapa adulta. Es un gran ejemplo sobre revisar nuevamente aquellas películas que vimos estando pequeños o que denostamos al catalogar de “bodrios” hollywoodenses.
como Simon The Zealot en la hermosa serie Jesús de Nazaret Y aunque el escenario descrito Cuando veía la obra y en la Espía que me amó de la ya no sea común o genere cinematográfica no entendía serie cinematográfica James controversia, sigue existiendo la mucho realmente, me quedaba Bond. Salem escribió varios guiones pero se los quedaban los estudios, el único que se le reconoce como autor es el de esta película. La película te dice la historia en su título ya que trata precisamente sobre un detective en el kínder, es decir, un policía obsesionado con atrapar a un criminal descubre una pista que lo llevará a convertirse en maestro sustituto a nivel preescolar. No se puede decir más.
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con lo superficial, como la belleza de Joyce (Penelope Ann Miller), la fuerza y carisma de Kimble (Schwarzenegger), o la maldad de Crisp (Richard Tyson). Me encantaba que Kimble ligara con Joyce, que le pegara al padre abusador y la relación paternal con el hijo de Joyce, además que había una escena donde el malo compraba una autopista eléctrica para su hijo. Me encantaba porque mis papás nos habían regalado el mismo juguete, había mucha identificación a pesar de que la vi cuando tenía aproximadamente ocho años.
siempre generará controversia, no por él sino por su naturaleza como personaje público. Desde que he leído mas sobre él me sorprende su capacidad de lograr sus ambiciones. Definitivamente La película no está bien parada no es el austriaco torpe que con la crítica, ya que en su estreno pareciera. Así que muchachos, fue recibida con críticas mixtas, vean sus películas e investiguen algunas alabando el nivel de sobre la vida de los personajes comedia con Gemelos del mismo que les interesen, se pueden Reitman. Pero en taquilla fue llevar grandes sorpresas. diferente, la película se produjo con 26 millones de dólares, Disfruten del cine, de todo aproximadamente, y recaudó a tipo, pero sean objetivos, nivel mundial alrededor de 200 aprendan de lo que ven, lo que millones de dólares. Nada mal. leen, y escuchen, a todos y a uno ¡Lo hiciste de nuevo Reitman! mismo. Eso me ha dejado Un detective en el kínder. Esta película tiene varias Arnold Schwarzenegger ha peculiaridades tanto en la sido un actor y personaje que pre-producción como en el legado. Extrañamente los desarrolladores del primer videojuego de Silent Hill usaron la escuela de la película como modelo para la escuela del pueblo siniestro. También fue una de las películas que se apegaron a las condiciones de Arnold para que actuara en ella, como la elección del director ya que solicitó personalmente a Ivan Reitman, además quería un gimnasio disponible para su ejercicio y lo mas particular fue
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lo siguiente por parte de Arnold y Reitman: solicitar que se hablara de los temas sobre abuso infantil, hogares rotos y la vida familiar dentro de la historia.
LA CAJA DE PANDORA
Por Azucena Mecalco
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i pensamos un poco acerca de «las funciones del maestro», descubriremos que son tantas y tan variadas que cada sociedad o persona tiene su propia concepción. En términos estrictos generales, los maestros deberían cumplir con enseñar y fomen-
tar el aprendizaje. Siguiendo este patrón, existen profesores que recurren a la provocación para alentar a sus estudiantes a explotar sus talentos, pero ¿qué pasaría si el estudiante en turno no es capaz de aceptar dicha provocación como mero incentivo,
sino que la transformara en una afrenta personal cuya finalidad última es llevar al profesor a ser víctima de su propia herramienta de enseñanza? Esta situación es precisamente a la que se enfrenta Germain,
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un profesor de edad madura que vive frustrado al haber perdido esa «chispa» que lo incentivaba a dar clase de literatura francesa. Tras la revisión de un trabajo de redacción encargado a sus alumnos, Germain descubre el talento de Claude, un muchacho promedio que ambiciona la vida de una familia estable de clase media, y que decide adentrarse en la vida de uno de sus compañeros como un voyeur que documenta cada instante de la vida familiar, al mismo tiempo que empieza a crear situaciones complicadas para poner en movimiento la vida de la familia. El magnífico talento narrativo de Claude captura a Germain, quien poco a poco comienza a anhelar las descripciones del muchacho, al mismo tiempo que recupera la pasión por su trabajo. Sin embargo, el acercamiento de
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ambos personajes detona una serie de circunstancias inesperadas, de las cuales Germain no logrará escapar ileso.
en los submundos que se entretejen a través de las narraciones que Claude crea para satisfacer la curiosidad de su profesor al tiempo que mitiga su propio Dans la maison es un filme del aburrimiento. director francés François Ozon, quien con maestría logró introLa trama no tiene hoyos arguducirnos el mundo de la película mentales, se encuentra perfecy, al mismo tiempo, adentrarnos tamente cohesionada, hasta el
Por otra parte, la espléndida construcción de personajes, sustentada por las actuaciones de Fabrice Luchini y Ernst Umhauer, deja que la historia se deslice sin pretensiones ni excesos, transformándola en una puesta en escena creíble, caracterizada por el contraste entre los momentos de tensión y la manera despreocupada de enfocar a los personajes en encuadres abiertos, acompañados por una paleta de colores vivos que difieren mucho con las emociones de los personajes.
punto en que no se logra discernir si realmente las historias del protagonista son narraciones de hechos verídicos o despliegues de su propia inventiva. Ozon trabajó en esa delgada línea que se dibuja entre la fantasía y la realidad en una doble dimensión: desde la perspectiva del espectador y desde la perspectiva de Germain.
justificado bajo la idea de ayudar a su alumno a mejorar sus capacidades creativas.
Con este trabajo François Ozon mostró nuevamente su capacidad para transmutar todo tipo de historias, llevándolas al cine por medio de un lenguaje expresivo y auténtico.
Los efectos de cámara como las pausas o las intromisiones de los personajes dentro de las escenas de la narración, permiten, además de ilustrar las pequeñas historias, moldear psicológicamente a los personajes, especialmente al profesor, quien manifiesta poco a poco su carácter aprehensivo, obsesivo y curioso, FICHA TÉCNICA Título: Dans la maison Director: François Ozon Guión: François Ozon basado en la obra de Juan Mayorga Música: Philippe Rombi Fotografía: Jérôme Almeras Elenco: Fabrice Luchini, Ernst Umhauer, Kristin Scott, Emmanuelle Seigner Año: 2012 País: Francia Duración: 102 min.
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HABÍA UNA VEZ
Por Azucena Mecalco
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n todas las sociedades el papel del profesor ha desempeñado una labor trascendental para el desarrollo de generaciones y generaciones de alumnos que ingresan a las aulas cada año. Sin embargo, en ocasiones, se olvida que el aprendizaje y la enseñanza son tareas simbióticas. Y aunque sin duda los profesores poseen conocimientos que los alumnos no tienen, ello no implica que no les sea posible aprender de ellos al mismo tiempo que tratan de pulir sus mentes jóvenes e instruirlos en diversas ramas de la educación. El aprendizaje no debe ser monótono y aburrido, por el contario debe generar placer y despertar el deseo de quienes son
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sentidos, situación que lo desacreditará como figura respetable en la institución y al mismo tiempo, acarreará consecuencias trágicas para sus alumnos, quienes imbuidos por su contagiosa pasión por las letras comienzan a rebelarse contra su propio sistema.
instruidos en aras de fomentar la formación individual y colectiva. Mas, ¿qué tan libres son los profesores para inculcar en sus alumnos ese deseo por el aprendizaje? De manera cotidiana las escuelas optan por privilegiar el promedio y el estatus escolar por encima de los intereses de sus alumnos, sin tener en cuenta que cada uno de ellos cuenta con habilidades distintas que no necesariamente se adhieren a una norma palpable a través de una calificación. En el año 1989, de la mano del director australiano Peter Weir, llegó a los anales de la cinematografía una película que presentaba de forma más que dramática la temática expuesta. El joven profesor John Keating llega la prestigiosa academia Welton, en donde el mismo fue
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alumno mucho tiempo atrás. Keating, abalado por su excelente currículum, ha sido contratado como profesor de literatura tras la jubilación del maestro anterior. A su llegada a las aulas, Keating se da cuenta que el sistema en el que fue educado continúa vigente: los alumnos son obligados a sobre explotar sus cualidades académicas en pos de la «Tradición, Honor, Disciplina, Excelencia». Más que adolescentes en proceso de aprendizaje, los muchachos se comportan como robots en una competencia eterna entre ellos para obtener el número uno en la academia. Sin embargo, Keating decide transgredir el sistema establecido y llevar a sus alumnos a la apreciación de la poesía a través de los
Ubicada en el año 1959, Dead Poets Society describe los problemas asociados con un sistema educativo limitante, regido por el conservadurismo, la castración mental de los alumnos, así como la idea de supremacía asociada a la educación en términos económicos: mientras más cara mejor. La película cuenta con un amplio espectro que permite al público una identificación intrínseca con los personajes, puesto que cada uno de ellos desempeña un rol específico como parte de ese diminuto entramado social que se construye en el ámbito escolar, como remedo de la vida exterior a éste. Podemos ver desde el abusador, hasta el rebelde, el seductor, o el líder carismático, encarnados en las figuras de sus protagonistas, al mismo tiempo que visualizamos a los profesores tal como la mayor parte de los alumnos adolescentes los conciben: figuras de autoridad, adultos sin alma, aburridos, rígidos e incomprensivos. Y al mismo tiempo que aparece esa identificación, potenciada con los recursos expresivos propios del cine como el uso de close up para fortalecer el acercamiento a las emociones de los personajes, o la música que genera un ambiente de intimidad o aprehensión según el momento de la historia, el argumento conduce al público a la reflexión de un tema cotidiano, la enseñanza, sus oportunidades y desafíos, pero también sus limites y secuelas, como tema
principal; y como temas secundarios expone además el papel de los padres y profesores en el crecimiento intelectual y espiritual de los jóvenes, sus logros y frustraciones. Por otra parte, Robin Williams, a través de su papel de John Keating, nuevo profesor de literatura, plasma esa otra versión de la educación. Aquella que busca fomentar el aprendizaje permitiéndole a los alumnos no sólo memorizar sino abstraer, razonar y poner en práctica las enseñanzas del aula. Con una narrativa sumamente eficaz, basada en la jerarquización de diferentes pequeñas historias, Peter Weir une distintos elementos argumentales y audiovisuales que componen una excelente reflexión acerca
del campo educativo. En este punto, el papel de John Keating se transforma en un mero pretexto para enlazar a esos otros personajes: los alumnos, desenvolviéndose en medio de un contexto aún vigente.
aparición continúa mostrando algunos de los problemas que entraña la educación, a través de un trabajo de cámara bien elaborado, un interesante uso de la iluminación y su conjugación con los elementos musicales necesarios para sumergirnos en la historia.
Sumado a estas características, aparecen también las metáFICHA TÉCNICA foras, desde el vuelo de las aves hasta la reproducción del Himno Título: Dead Poets Society a la alegría, que contrastan preciDirector: Peter Weir samente con ese ambiente de enGuión: Tom Schulman cierro que viven los personajes y Música: Maurice Jarre la frustración de no poder expreFotografía: Isis Vega sar sus ideas de forma material, pues no encajan con las expec- Elenco: Robin Williams, Robert Sean Leonard, Ethan Hawke, tativas que la escuela, y sus faJosh Charles, Gale Hansen, milias, las dos instituciones más importantes de sus vidas, tienen Dylan Kussman, Allelon Ruggiero de ellos. Año: 1989 País: E.U.A. Duración: 128 min. Dead Poets Society es actualmente un clásico del cine estadounidense, y a 30 años de su
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