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Editorial
Contenido
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ueridísimo padre:
El cine es poesía El rey león 2
»Hace poco me preguntaste por qué digo que te tengo miedo. Como de costumbre, no supe darte una respuesta, en parte precisamente por el miedo que te tengo, en parte porque
Tesoros fílmicos Lizzie 6
para explicar los motivos de ese miedo necesito muchos pormenores que no puedo tener
La mente maestra Al este del edén 10
medianamente presentes cuando hablo. Y si intento aquí responderte por escrito, sólo será de un modo muy imperfecto, porque el miedo y sus secuelas me disminuyen frente a ti, in-
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cluso escribiendo, y porque la amplitud de la materia supera mi memoria y mi capacidad de raciocinio.» Carta al padre, Franz Kafka La figura del padre dentro de la cultura fue asociada por mucho tiempo con los símbolos de la represión, la manutención, el liderazgo y la autoridad, en tanto a la madre se le concedían los más nobles atributos de protección, bondad y amor. Con el paso del tiempo los roles de cada uno han mutado hasta disolverse casi por completo; sin embargo, dentro de la cinematografía aún existe un rezago en la presentación de esas variaciones paternales.
Había una vez Korparna 18
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En portada:El rey león
En este número de Super 8 presentamos algunas de las visiones cinematográficas asociadas a la figura paterna.
Super 8 Número 112 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Amaury Hernández, Manuel Pineda, Jorge Slonso Espíritu, Libertad Pineda. Arte y Diseño: Azucena Mecalco Ciudad de México Junio 2019
Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.
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a vida es un ciclo eterno del que somos parte. Todo aquello que nos rodea contribuye a formarnos como individuos dentro de la sociedad en la que nos desarrollamos, en donde cada uno de nuestros actos acarrea consecuencias, positivas o negativas, no sĂłlo para nosotros; sino tambiĂŠn para nuestro entorno. Y dentro de ese ciclo vital, existen
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EL CINE ES POESĂ?A
Por Azucena Mecalco personajes, situaciones, momentos que nos impactan mĂĄs que el resto y se fijan como parte de nosotros. En primera instancia, y de manera casi general, son nuestros padres los primeros personajes que impactan en nuestra vida. El psiquiatra y ensayista suizo Carl Gustav Jung aseguraba que la
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madre es el primer ser al que reconocemos como «otro» dentro de nuestro mundo, y como tal su presencia es fundamental en nuestra formación y desarrollo como individuos, y ¿dónde queda la figura del padre?
género cómico y el resto no se compara en proporción con la cantidad de filmes en los que las madres se llevan el papel protagónico. Como ejemplo basta recordar Bambi, película clásica de Disney, en la que todo el mundo llora por la muerte de la madre y Pues bien, pese a que aún se el trauma del venado; pero nadie sostiene que vivimos en una le da ni un poquito de crédito sociedad «patriarcal», es inne- al macho alfa gable que la figura del padre ha sido relegada en muchos aspectos de nuestra formación, no sólo en el ámbito psicológico sino también en el social. Incluso en el cine es posible apreciar la sutil discriminación que sufre «el padre», como figura de protección y sobre todo como figura amorosa. Y aunque existen filmes como Mrs. Doubtfire (Chris Columbus, 1993), Father of the Bride (Charles Shyer, 1991), y otra larga lista, la mayor parte de ellos se adscriben en el
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que tuvo que criar solo a su hijo además de seguir guiando a su manada. Es en este tipo de películas en donde podemos inscribir a El rey león (1994), que además está por ser reestrenada en su versión
digital. Esta película pertenece a la era dorada de las animaciones Disney, y como tal ha pasado a formar parte de las «películas de la nostalgia», de las cuales hace uso la casa productora con la finalidad de llevar a las salas al público cautivo y hacerse al mismo tiempo con público nuevo. Mas, fuera de la idea del monstruo que está detrás de su producción, El rey león se encargó de presentar una de las relaciones más entrañables padre-hijo, que se hayan visto en el cine. Pese a la escasa convivencia que existió entre Simba y Mufasa, es innegable la huella que dejó este último en su muy joven hijo, quien con el paso del tiempo se ve obligado a tomar el lugar que le corresponde. Desde luego, esta animación sigue con el ciclo de películas que bien podrían traumar a cualquier infante por su sutil agresividad y marcado drama. Mas, para aligerar la situación, se recurrió a una muy brillante paleta de colores cálidos, característica de una gran parte de las películas de Disney. Además se sumó la presencia de los clásicos personajes cómicos, en este caso encarnados por las figuras de Timón y Pumba, quienes ayudan a que el argumento se vuelva menos trágico e incluso nos enseñan el hakuna matata.
Y lejos de la entretenida y lacrimógena historia que conmovió al mundo a principios de los noventa, El rey león contó con una excelente calidad técnica y equipos enteros que realizaron observación de los escenarios reales que posteriormente transformarían en espacios animados. Sin contar con el increíble soundtrack compuesto por Hans Zimmer, quien siempre presenta trabajos de calidad que capturan las emociones de cada uno de los participantes en una escena
a través, incluso, de un solo instrumento. Pese a sus obvias referencias shakesperianas y su descarado parecido con Jungle Taitei (Kimba, el león blanco, 1960) de Ozamu Tezuka, El rey león se incorporó como una de las películas favoritas del público; y es una de las pocas cintas de Disney en la que se reivindica el papel del padre como parte trascendental del desarrollo del individuo.
FICHA TÉCNICA Título: The Lion King Director: Rob Minkoff, Roger Allers Guión: Chris Sanders, Linda Woolverton, Joe Ranft, Irene Mecchi, Jonathan Roberts Música: Hans Zimmer, Elton John, Tim Rice Elenco: James Earl Jones, Nathan Lane, Jeremy Irons Año: 1994 País: E.U.A. Duración: 88 min.
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TESOROS FÍLMICOS
para o papá dispara Por @AMAURY1984
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izzie Borden nació en Fall River, Massachusetts, en el seno de una familia acomodada en el año de 1860. Tres años después perdería a su madre, quedando a cargo de su padre y su pequeña hermana. El señor Andrew Borden era un tipo reconocido por su renuencia a lo nuevo que se abría paso lentamente por el territorio rural de los Estados Unidos. Años después del fallecimiento
de la madre de Lizzie, el señor Borden contrajo nuevas nupcias con una mujer de nombre Abby Duffey Gray. Si bien estos cuatro individuos vivían en la misma casa, para nada se podía decir que tuviesen una buena relación. Durante los años de juventud de Lizzie y su hermana Emma, nunca dejaron de pelear con la madrastra. Esta a su vez mantenía una relación con un hombre bastante más grande que ella y
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sola a la calle, visitar la ópera local y frecuentar uno que otro espacio social. Lizzie se manejaba, para los estándares de la época de manera independiente y eso no era bien visto. En rumores se podía escuchar que algo raro había en la casa Borden. Y no solo por el hecho de que no tuvieran luz eléctrica. Somos introducidos rápidamente por Kass y Macneill a lo que hizo famosa a Lizzie: el asesinato de Andrew y Abby Borden. Una mañana la mucama de la casa escucha el grito desesperado nunca pudieron concebir hijos propios. A pesar de tan complicada relación con Andrew Borden, ninguna de la tres se separó de su lado. Era bien conocido por los miembros de la clase acomodada de Fall River que las hermanas Borden ya se habían quedado “A vestir niños Dios”. En la obra escrita por Bryce Kass y dirigida por Craig William Macneill ya conocemos a Lizzie Borden en sus “treintas”. Una mujer que gusta de salir
de Lizzie. El cuerpo violentado del Señor Borden yace en un diván, mientras que Abby, su esposa, yace muerta en el piso de su cuarto. Como pueden ver esto no es un thriller, a los pocos minutos de iniciada la película se puede intuir mucho. Pero Kass y Macneill deciden iniciar la narrativa apuntando al género del suspenso. Dándonos a conocer los detalles de la relación fa-
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miliar y la llegada de la nueva encargada de la limpieza doméstica. Y es que sin muchos amigos o conocidos Lizzie rápidamente entabla amistad con la joven mucama. El señor Borden ya entrado en años vive en una casa llena de mujeres a las que no les tienes mucha estima. Las ha visto en las habitaciones de su casa pero no confía en ellas. Y es que a su edad se empieza a pensar en qué clase de manos dejará su legado. Es un hombre machista, no tolera que se discutan sus decisiones y considera que hay algo mal con sus hijas pues no han podido conseguir, ni con una jugosa dote, quien las despose. Hacia sus últimos días (sin saberlo) Andrew Borden decidió que su ex cuñado sería el encargado de asumir el control de los bienes de la familia Borden en caso de faltar e inició los trámites que no pudo terminar. El papel del señor Borden es interpretado de muy buena manera por Jamey Sheridan. En unos pocos minutos hace reconocer en su efigie a un despreciable hombre cuyas acciones se sienten sumamente agresivas para la audiencia de nuestros tiempos. Lizzie es llevada a la pantalla por Chloë Sevigny que tiene experiencia en papeles de época y nos presenta un personaje que, en lo personal, sospecho pudo
tener un poco más de carácter frente de la lente. Siempre que es momento de actuar parece que está decidida a hacerlo hasta alguien más se le pone enfrente. Lo que en el momento cumbre de la película te hace dudar de que sea capaz de hacer lo que hizo. El papel de la joven mucama Bridget Sullivan es interpretado por Kristen Stewart, a quien yo considero la última expresión de “andar de jetona”. Lo que funciona magistralmente a la hora de traer a la vida a alguien que detesta su trabajo y que para colmo tiene que lidiar con asuntos fuera de lo laboral.
Lizzie no es la gran historia de asesinato e intriga que los hechos reales prometen. Se queda algo corta, cumple. Estamos hablando de un asesinato suscitado a finales del siglo XIX cuyas referencias en el presente eran mínimas. Se pudo haber creado un excelente thriller que Kass y Macneill nos supieron manejar. FICHA TÉCNICA Título: Lizzie (2018) Dirige: Craig William Macneill Escribe: Bryce Kass Fotografía: Noah Greenberg Actúan: Chloë Sevigny, Kristen Stewart, Jeff Perry, Fiona Shaw, Jamey Sheridan, entre otros.
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padre e hijo Por Manuel Pineda Adam Trask: If you want to give me a present, give me a good life. That’s something I can value.
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n este mes de junio, en la revista Super 8, les hablaremos sobre cómo el cine se ha expresado acerca de la paternidad. En la sociedad mexicana estamos acostumbrados al tema de la maternidad, el diez de mayo (día de la madre en México)
LA MENTE MAESTRA
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es una fecha obligatoria para festejar a nuestras mamás. En la sección de efemérides del sitio de internet perteneciente a la Universidad de Guadalajara, la autora Lucy Virgen redactó lo siguiente “Según la investigadora especializada en Ciencias Sociales y Estudios de Género, Marta Acevedo, esta iniciativa fue en realidad una reacción a un movimiento feminista que se estaba gestando en Yucatán, entonces con la gubernatura de Felipe Carrillo Puerto.” (http://www.udg.mx/es/ efemerides/10-de-mayodia-de-la-madre). México es uno de los pocos países que tiene un día fijo para festejar a la madre desde 1922. Sin embargo para el día del padre, nos atenemos a las reglas internacionales de festejarlo el tercer domingo del mes de junio, a pesar de que la tradición de la iglesia católica
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europea lo suele celebrar el día de San José. Hasta hace unos años empezó a tener relevancia dentro de la sociedad mexicana, pero sigue con poca difusión al contrario del día de la madre. Poco a poco la sociedad va encontrando el camino de la equidad, pero falta mucho por recorrer. Así que en estos días empezaremos a ver películas, en la parrilla de programación televisiva, cómo Un padre no tan padre o No se aceptan devoluciones para festejar al progenitor. Pero aquí les tengo una recomendación para que analicen la relación que tienen con su papá. Al Este del Edén es una película estadounidense de 1955, fue dirigida por Elia Kazan y protagonizada por James Dean. El guión fue escrito por Paul Osborn, basado en la novela homónima del autor John Steinbeck. Elia Kazan nacido en Constantinopla (ahora Istanbul, Turquía), fue un cineasta muy prolífico que dirigió varias películas cumbre de la cinematografía hollywoodense como Un tranvía llamado deseo (1951), ¡Viva Zapata! (1952), On
the Waterfront (1954), A face in the crowd (1857), entre otras. La obra cinematográfica de la que hablo en esta ocasión trata sobre Cal (James Dean), un joven californiano que no se siente querido ni valorado por su familia, así que empezará a buscar su identidad y hará lo posible por ganar la aprobación de su padre.
experimental o de principiante, es una película hecha con profesionalismo.
La relación entre padre e hijo es la clave fundamental de la película a pesar de que impera la analogía a la historia bíblica de Caín y Abel. El padre Adam Trask, interpretado por Raymond Massey, es un hombre honrado de formación cristiana quien se dedicó a educar a sus dos Al Este del Edén es hijos, Aron (Richard Davalos) maravillosa, no puedo decir otra y Cal, ya que la madre murió cosa. Desde que presenta a Cal, cuando eran muy pequeños. deambulando por el pueblo, acechando, interactuando con El favorito del padre, su hermano, su cuñada y su evidentemente, es Aron ya que padre, empiezas a involucrarte cumple con las características con los sentimientos del joven. del hijo ideal: bien portado, con Poco a poco vas identificando formación educativa, atento, una momentos de tu adolescencia novia (Abra interpretada por aunque el contexto sea de un Julie Harris), trabajador y que provinciano estadounidense de apoya los proyectos del padre. Cal principios del siglo XX. siente envidia de esta relación, haciendo todo lo posible por La narración se va tener la atención del padre. A construyendo con los personajes, través de la pantalla podemos las actitudes, el cambio de percibir el conflicto entre Cal personalidades, el movimiento y y Adam, fruto de una conexión posición de cámara que refuerza negativa real entre los actores, emociones o situaciones dentro ya que Raymond consideraba de la película, y sin duda alguna a Dean como un muchacho cuenta con un gran ejemplo de inmaduro que no sabía actuar. lenguaje cinematográfico bien Elia Kazan estaba consciente de desarrollado, esto no es cine estas actitudes, y aprovechó para
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capturarlo y explotarlo a través muy natural en toda la película, de la cámara, sin duda un acierto de hecho se dice que fue muy del cineasta. emocional durante el rodaje ya que rompía en llanto mientras No puedo hablar del desenlace filmaba. Uno de los rumores porque arruinaría la experiencia indica que el llanto de Dean en para quien vaya a ver o leer la una escena con Raymond es real. historia. Pero les puedo decir que como espectador sientes Las películas son un reflejo de empatía por cualquiera de los los autores, de la época en que se personajes y hoy en día pocas crearon y de la audiencia que las películas pueden crear ese contempla. efecto. Los temas que se han Otro aspecto a destacar es la desarrollado a través de la música del compositor Leonard cinematografía son universales Rosenman, estadounidense que aunque tengan contextos trabajó para televisión y cine, diferentes, desde el amor de una destacando sus obras en Barry pareja, la relación de hermanos, Lyndon (1975), Rebelde sin la venganza contra un jefe de Causa (1955), Viaje Fantástico la mafia, el asesinato de una (1966), Robocop 2 (1990) y la persona, las injusticias sociales, versión animada de El señor de el abuso de autoridad, el acoso los anillos de 1978. La música sexual, la ambición por el te lleva de la mano con las poder, ser prófugo de la justicia emociones y situaciones que y en este caso la relación de viven los personajes, ajustando los padres hacia los hijos, son más la simbiosis de la imagen temas que pueden conectar con con el sonido. el espectador sin importar que hayan pasado 60 años desde la La película fue un éxito dentro realización de la película. de la critica y la audiencia, ya que catapultó al estrellato a James Así que cada vez que aprecias Dean, quien actuó de forma una película nueva o de hace
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100 años, te encuentras con una forma de pensamiento que sigue vigente para la fortuna de unos e infortunio de otros. Pero vas aprendiendo cómo ha evolucionado el pensamiento, las actitudes y el lenguaje. El mirar Al Este del Edén es asomarse a través de una ventana para observar el pasado y así darte cuenta de que los problemas de la paternidad siguen vigentes, siendo necesaria la comunicación entre padre e hijo. Si se expresara el amor todo sería diferente, pero, ¿quién le enseña la paternidad al padre? Si no existe la educación sexual, la planificación familiar y la formación educativa para ser progenitor, será muy difícil que se resuelvan los problemas filiales que se arrastran de hace 100 años o más. Es interesante comprender cómo el cine puede generar el dialogo sobre cualquier tema, y no solo la cinematografía sino cualquier arte, ya que la trascendencia de ambos puede vibrar en el ser del espectador cientos o miles de años después de su creación.
LA CAJA DE PANDORA
Por Azucena Mecalco
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l cine es un catalizador de emociones. La conjunción de la música, la fotografía, el montaje, las actuaciones, y algunos otros elementos, es capaz de sorprender, asustar o enamorar al espectador. Pero aunque todas las películas cumplen con la función de desatar o potenciar una reacción en nosotros, existen algunas que dejan una huella indeleble en quien las mira, ya sea por la fascinación que nos producen o por el horror que desencadenan. Y tal como somos capaces de ver una cinta en reiteradas ocasiones
gracias a esa emoción desencadenada transformada en un vínculo con el filme, también existen películas que preferimos no volver a ver, no precisamente porque nos disgusten; sino por el desasosiego que nos despiertan. Dentro de esta última gama de filmes se colocan los trabajos del director español Miguel Ángel Vivas, quien a lo largo de su carrera se ha dado a la tarea
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de sumergir al público en algunos de los thrillers más angustiantes que ha dado el cine español de los últimos años. Y como parte de su filmografía, en el año 2018 presentó Tu hijo (2018), una p ro d u c c i ó n española, desarrollada por Netflix con las actuaciones de José Coronado, Ana Wagener, Asia Ortega, entre otros. Jaime Jiménez (José Coronado) es un medico especialista y padre de familia responsable. Su relación con
Marcos, su hijo deportista y excelente estudiante, casi podría describirse como la relación perfecta. Salen a correr juntos por las mañanas, hablan de sus sueños y ambiciones, además de compartir intereses. Jaime sería el padre perfecto, de no ser porque su hija, Sara, al contrario de su hermano, no siente identificación con él. Lo más correcto sería decir que es él quien ha puesto una barrera para impedirle a ella esa conexión, puesto que desaprueba no sólo su actitud sino también sus preferencias sexuales. Un buen día, mientras Jaime realiza sus labores cotidianas en el hospital es interrumpido por una asistente que le informa que su hijo acaba de ser ingresado tras recibir una golpiza que le ha deformado el rostro y lo mantiene en estado de coma. Aturdido por la situación, Jaime trata de averiguar quién podría ser capaz de dañar a un muchacho como su hijo, que
siempre se ha caracterizado por su comportamiento impecable. Luego de comprobar la ineficacia de la policía para realizar la investigación, Jaime decide emprender su propia cruzada para descubrir al responsable y, de ser necesario, hacer justicia por cuenta propia. Tu hijo, es una de esas películas que mantienen al publico expectante con la serie de giros argumentales que construyen lentamente la historia completa, y aunque al final el director resuelve todo de una manera tan apresurada que da la impresión de que se le terminaba el presupuesto y todavía no tenía final, la película no deja de ser interesante y, sobre todo, muy opresiva. Las actuaciones de los personajes, y el montaje que desvela poco a poco cada una de sus características reales, llevan al punto en el que se deja de discernir entre lo correcto e incorrecto, los buenos y los malos, el amor y la complicidad. Asimismo, el uso de distintos mecanismos de fotografía, ayudados por el montaje, en el que se intercala la visión omnisciente de la cámara con la visión subjetiva de los personajes a través de los videos grabados con celular, contribuye a brindarle a la historia un deje de realismo que realza la sensación de malestar frente a la violencia completamente gráfica
que vemos en pantalla. Las película es sumamente violenta, en todos los sentidos, no sólo vemos la golpiza que recibe Marcos una y otra vez sin censura alguna; también somos testigos de la violencia psicológica ejercida, en principio, por el propio Jaime, y en un segundo plano por el resto de los personajes, pues cada uno de ellos defiende sus ideas de la verdad y la justicia. A todos estos elementos se incorpora además la idea del padre como protagonista y protector, pues es desde su perspectiva que conocemos todas las versiones de la historia, su angustia la que compartimos y sus andanzas las que nos mantienen tensos durante los 103 minutos de película. Y aunque esta no es una idea nueva, escapa de la generalidad de filmes que muestran a la madre como el ente más sensitivo dentro del ámbito familiar, además de la figura que más sufre con las tragedias acontecidas en el hogar, más aún en relación con los hijos. Sin duda esta es una película recomendable, para ver una sola vez, que voluntaria o involuntariamente conduce a la reflexión en muy distintos ámbitos, y al final deja una extraña sensación de incomodidad que indica que logró su cometido. FICHA TÉCNICA Título: Tu hijo Dirección: Miguel Ángel Vivas Guión: Alberto Marini, Miguel Ángel Vivas Fotografía: Pedro J. Márquez Música: Fernando Vacas Elenco: Pol Monen, Jose Coronado, Ana Wagener, Asia Ortega Año: 2018 País: España Duración: 103 min.
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HABÍA UNA VEZ
Por Libertad Pineda
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n qué piensa cuándo escucha a alguien nombrar a Suecia? ¿Quizás, qué es una sociedad altamente desarrollada, colmada de bienestar y bosques sobrecogedores? Por supuesto, para los amantes del cine, siempre viene Ingmar Bergman a nuestra mente, pero nunca la vida en el campo sueco, eso es seguro, y por su puesto tampoco la familia sueca.
do se proyectó en la Cineteca de está ciudad, una película donde se dibujó la historia de una familia campesina. La sala del cine estaba llena, y se vieron algunos suecos entre los asistentes. El cine sueco de estos tiempos, entretiene pero también nos da ideas de cómo se ve la Suecia que está formándose bajo la igualdad de género, el multiculturalismo, la migración, los suecos contemporáneos, así como, los de hace En nuestra cultura cinéfila, unos 40 años. siempre tenemos un lugarcito para el cine sueco. El año pasa-
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La historia corre en los años setenta. Una familia intenta sobrellevar la vida de la granja lo mejor que puede pero las deudas y la producción no son lo mejor. Y se ven en grandes dificultades, las cuales van afectando el núcleo familiar. Agnes, el padre, esta esperanzado a que su hijo Klas, quien está próximo a graduarse de la escuela, tome
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las riendas de la granja junto a él. Pero Klas tiene otros planes, éste ama la ornitología y envía una solicitud de empleo a la ciudad, lejos de la granja, para continuar con su pasión. Ambos personajes comienzan una lucha para defender lo que creen es lo correcto para cada uno. Klas va descubriendo que detrás de la rudeza y el silencio
de su padre, hubo un adolescente como él, pero que de alguna misteriosa manera sucumbió a la vida en la granja. Para cualquier persona del siglo veintiuno lo normal es ver a su hijo crecer e irse de casa con toda la libertad. De hecho, es lo que muchos progenitores desean. Pero, ¿qué sucede cuándo lo que se busca es mantener un proyecto por el que se ha dado todo, incluso por generaciones? ¿T r a d i c i ó n , medio de vida o capricho? Agnes y Klas tienen que lidiar con dos puntos de vista comp l e t a m e n te opuestos. El padre lidia con su adolescente sin escucharlo
a él, o a alguien más. El adolescente sueña con un mundo comp l e t a m e n te diferente, y se rebela con lo que tiene a la mano. Ambos actores logran una buena incursión en la pantalla, y llevan, la tensión de sus personajes, a ésta. Sin embargo, por algunos momentos es un poco pesada la narrativa. El filme se refresca por las imágenes que logra el director de fotografía, así cómo el trabajo del sonido. Vale la pena ver cómo la historia se acompaña con el paso de un par de estaciones del año. Hacia el final del relato, el público se estremeció, y no dudo que más de uno se haya visto reflejado en esta ficción. La relación paterna es un tema que estará presente en cualquier historia humana. Cada adulto ha sido marcado por la buena, o inexistente relación con el padre.
Y el resultado se ve con claridad en el tema de la igualdad de géy en mayor medida con el paso nero, aunque también encontradel tiempo. mos una sociedad plena en tradiciones, muy antiguas algunas y Jens Assur es el director y es- otras no tanto. Esta es una buena critor de guión de está cinta, la película para que se dé una idea cuál se encuentra basada en el de cómo es la campiña sueca y su libro Korparna (2011) de Tomas relación con los ciclos naturales. Bannerhed. Siendo la primer pe- Si gusta de dramas con tintes trálícula de Assur, ha sido bien re- gicos también es recomendable. cibida por la crítica, el público Si le gusta la ornitología también y los festivales. Esperamos ver es recomendable. más trabajo de esté director muy pronto. El campo sueco sigue igual de duro que en los años setenta o Suecia tiene una sociedad que en el siglo dieciocho, pero es avanzada en cuánto a los dere- suavizado por la vida tecnificada chos de todos y son vanguardia que hoy tienen, sin embargo, no es difícil encontrar historias de sacrificio pero, claro, sin tragedia y sin tanta ficción detrás.
FICHA TÉCNICA Título: Korparna Director: Jens Assur Guión: Jens Assur Fotografía: Jonas Alarik Protagonistas: Reine Brynolfsson, Maria Heiskanen, Jacob Nordström, Peter Dalle Producción: Jan Marnell, Jens Assur País: Suecia Lenguaje: Sueco Año: 2017
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