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Editorial
Contenido
Pese a ser uno de los detalles menos atendi-
El cine es poesía Elisyum y Spectre 2
dos por el espectador de forma consciente, el color es una de las partes más importantes de un filme. Es a través del color que el director pone al descubierto, en primera instancia, el
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tipo de ambiente en el que quiere sumergir al público.
La mente maestra Total Recall 10
El uso de una paleta determinada puede cambiar por completo la interpretación de una película. El color es capaz, además, de modificar la percepción y los estados de áni-
La caja de Pandora Michiyo Yasuda 15
mo. De esta manera es posible que una escena sangrienta resulte más o menos terrorífica o desagradable únicamente modificando los colores con los que se presenta.
Había una vez Zhang Yimou 18
En este número de Super 8 presentamos un recorrido a través del color y su importancia en la cinematografía.
Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook
La revista Super 8 felicita a su editora en
En portada: Mononoke Hime
su cumpleaños, y agradece su colaboración a lo largo de estos 114 números de la revista.
Super 8 Número 113 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Amaury Hernández, Manuel Pineda, Jorge Slonso Espíritu, Libertad Pineda. Arte y Diseño: Azucena Mecalco Ciudad de México Agosto 2019
Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.
Spectre y Elysium la interpretación de la ciudad a través del color Por Manuel Pineda
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n este número de Super 8 nos vestimos de colores porque el número está dedicado al color en la cinematografía. Como sabemos, el color llegó al cine cuando empezaron a construir argumentos, el trabajo más destacado en el uso del color dentro del cine fue el de Georges Mélies, sin embargo se institucionalizó a través de la empresa Technicolor para ser
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superada por Eastman Kodak durante los años 50. Desde ahí hasta la actualidad nos cuesta trabajo concebir una película sin color, y aunque se siguen produciendo películas en blanco y negro éstas cuentan con una justificación argumental, artística, o hasta de presupuesto. Pero aun con la tecnología actual, que puede manipular tan
fácilmente todos los elementos en pantalla, el color sigue siendo uno de los imanes principales para atraer al público. Su importancia es tan fuerte que podemos encontrar múltiples guías o videos que explican el uso del color en el cine. El color es importante porque a través de él puedes reforzar los sentimientos o la situación por la
EL CINE ES POESÍA
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municipios con mayor pobreza de la zona. La termoeléctrica en Ecatepec de Morelos, el tiradero de basura del Bordo de Xochiaca en Nezahualcóyotl, y muchas tomas áreas de ambos municipios además de la vista de la ciudad desde este punto.
que pasan los personajes. Desde un nostálgico Joaquin Phoenix en Her (2013), pasando por el amor trágico de una pareja de guerreros en Hero (2002) y finalizando con una agresiva batalla de Kaiju en Godzilla: King of the Monsters (2019). Con la tecnología actual se puede modificar el color de manera inimaginable comparándolo a los procesos anteriores, pero esta facilidad para intervenir una imagen conlleva una gran responsabilidad, al estilo Spider Man. Porque con el color, a través de la interpretación de una situación, la recreación de un hecho histórico o la ilustración de una ciudad, puedes influir en el juicio del espectador que no sea capaz de distinguir la ficción de la realidad. Así podemos ilustrar una ciudad diferente a su esencia real, convertir un país habitado por gente mala, por seres fantásticos o por mutantes, por mencionar algunos ejemplos. Hay muchas películas filmadas en México y su capital, muchas de ellas muestran ciudades muy diferentes a lo que son, y desde luego la capital es una de las más
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¿Y, el color? Bueno, aunque pareciera que la película filmada en estos lugares no necesitara mucho retoque digital la presencia del color fue significativa para ella. Las escenas dentro de la termoeléctrica tiene colores fríos dignos de una ensambladora de androides, la secuencia filmadas; y gracias a su registro en el hospital y en el área de podemos apreciar qué tanto ha libertad condicional podemos cambiado el paisaje, además apreciar mas colores neutros el color ayuda mucho porque como el gris o el café en diferentes podemos definir cuáles eran los tonalidades pero ambientando la colores más populares en una decadencia de las instituciones. época determinada. Lo único que es cálido son los recuerdos de Max con la joven De entre todas las productoras Frey y la monja. extranjeras que han venido a filmar al país, hablaré de dos Las escenas exteriores producciones por su relevancia y definitivamente aprovechan el relativa presencia en los medios ambiente natural del basurero a además de su influencia en las cielo abierto. El polvo, la basura, actividades del habitante de la las casas de cartón, los arbustos, ciudad y su área metropolitana. no tuvieron la necesidad de ser intervenidos por el departamento En el 2013, el cineasta de arte y los colores reales de los sudafricano Neill Blomkamp lugares se respetaron. El único estrenó Elysium, una película detalle fue la intensidad del color de ciencia ficción que muestra que se modificó digitalmente un futuro distópico: en el año para que estuviera acorde con los 2154, el mundo se ha sobre androides y las naves. El grafiti poblado, así que los millonarios también fue un elemento artístico han construido su propia colonia presente tanto en locaciones como interiores, espacial nombrada Elysium. Los exteriores respetando la estética urbana pobres están condenados a vivir a la que se está acostumbrado, en la miseria dentro del planeta Tierra. La acción se desenvuelve haciendo presencia con esos entre Los Ángeles y la estación colores que sólo los aerosoles pueden dar. espacial. Toda la parte de Los Ángeles fue Elysium habrá sido muy filmada en el área metropolitana criticada por cómo ilustran de la ciudad, correspondiente Los Ángeles además de cómo al Estado de México, en los una producción extranjera se
aprovechó de los escenarios naturales de nuestro México mágico, pero algo es cierto: los escenarios y sus colores son reales, sea futuro o no, es algo presente que puedes visitar en este momento, que puedes distinguir con facilidad donde estuvieron parados Matt Damon o Sharlto Copley. No es hipócrita el cómo usaron los lugares, es la realidad que no se puede negar. En cambio, hubo otra producción extranjera que se sobrepaso al ilustrar el centro histórico de la capital. Spectre (2015) fue la última película que se estrenó de la saga de James Bond y tuvo, en palabras de los productores, una de las introducciones más caras de la saga que se filmó en el centro histórico e ilustró una interpretación muy particular sobre una de las tradiciones de la mexicanidad: el Día de muertos.
Algo que nunca se había hecho puede tener esa idea. El amarillo en México. es un exceso. Realmente estos 10 minutos son un festival de colores protegidos por temperatura cálida, generando un aspecto árido de la Ciudad de México, una ambientación que sólo se ve en los días de contingencia ambiental y que dista mucho de los días en que fueron filmadas esas escenas, ya que eran días despejados con un clima hermoso para la urbe.
Sé que la ciudad es una plasta de concreto sobre un lago pero tampoco es tan desértica como se ilustra y es ahí donde busco una justificación narrativa o artística para que haya sido ambientada de esa manera: pero no la encuentro. Definitivamente fue por puro gusto y sé que Londres lo ambientan con colores fríos pero tampoco es así porque como todas las ciudades debe de tener Spectre y su equipo de un festival de colores vivos. producción aprovecharon la temperatura cálida de los El cine es una exquisitez softwares de etalonaje para darle visual pero en algunos casos el un aspecto único a las calles y artista o técnico suelen exagerar explanada principal del centro. lo que vemos en pantalla. Por Sin duda alguna cada vez que veo eso no debemos de olvidar que esta introducción pienso en la al final sólo es una ficción e capital como una ciudad ubicada interpretación de un grupo de en una zona desértica y creo que personas. alguien que no conozca la ciudad
La producción británicoestadounidense eligió la ciudad de México y el Día de muertos como elementos únicos para ser exhibidos en la película. La preproducción de una secuencia de aproximadamente 10 minutos se llevó a cabo durante meses, donde se convocó a las escuelas de arte y los grupos de danza más importantes de la capital para organizar un desfile como parte de los festejos del Día de muertos.
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e s n e Crim
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ace un par de semanas el realizador antes conocido como Nicolas Winding Refn presentĂł su primer trabajo para la TV. En exclusiva para Amazon Prime, Too old to die young aborda los temas del crimen, drogas, carteles, fanatismo y violencia. Bajo una historia extraĂąa con personajes inmersos en un miasma que los hace parecer lentos y miles de colores neĂłn, el ahora conocido
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TESOROS FÍLMICOS
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como #NWR desata nuevamente su obsesión con las mafias. La serie arranca con un par de policías no muy correctos que detienen a una mujer que conduce bajo el influjo de sustancias. A escasos minutos de iniciada, uno de ellos muere víctima de una “vendetta” de carteles de la droga mexicanos. Lo primero que podemos notar
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en la brutalmente bien realizada fotografía es que para #NWR no existe la oscuridad de la noche. Puede ser nubosa, nítida o clara pero siempre acompañada de rosa, azul, verde, amarillo, rojo, etc. No es sino hasta finales del primer episodio que uno nota que las actuaciones, como ya es costumbre en el trabajo de #NWR, se sienten acartonadas y que los personajes pueden estar no muy bien pensados. La fotografía logra su cometido, nos distrajo un buen rato, no lo hace sola desde luego. La gran banda sonora elaborada por Cliff Martinez “entra al quite” para sostener el interés de la audiencia. La serie cuenta con 10 episodios, ninguno con una duración menor a los 60 minutos y terminado el primer capítulo uno descubre que Too old to die young es un magistral ejercicio audiovisual, pero dista mucho de ser un buen trabajo narrativo. A pesar de haber encontrado “el frijolito en mi arroz blanco” decidí terminar de ver el primer proyecto televisivo de #NWR. Episodio tras episodio los puntos que considero negativos de su trabajo estaban ahí, actuaciones planas, diálogos lentos, incoherencias argumentativas. Pero la terminé de ver. Too old to die young es un proyecto poco amistoso con la audiencia por lo largo de sus episodios y lo contemplativo de sus secuencias. Y lo que alejará a más de uno es que no está concebida para ser consumida de la manera en que actualmente se ve más televisión: en pequeñas pantallas con nefasto sonido. No importa si usted ya se compró el Galaxy 23 o el iPhone X fukinosom, las pantallas por más claras y bien iluminadas siempre sufrirán de reflejos y luces, a eso agréguele que siempre vienen acompañadas de mediocres bocinas suelen recibir el contenido de streaming con compresión. Too old to die Young se debe ver
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en una televisión de más de 50 pulgadas, con resolución 4k, tecnología HDR OLED conectada a internet de no menos de 50 megabytes por segundo y al mejor sistema de audio de 7.1 canales que el dinero pueda comprar... Al terminar la serie me puse a pensar sobre trabajos que la
precedieron, creo que los juzgué mal. Específicamente las dos películas que comparten estética con Too old to die young: The Neon Demon y Only God forgives. Esta última la vi en la sala 1 de la cineteca nacional de la Ciudad de México; una de las pantallas más grandes disponibles en cines y una de las más oscuras.
Acompañada por un sonido que siempre ha dejado mucho que desear. The Neon Demon no tuvo tanta suerte. Fue en una de las nada artísticas “Sala de arte” de Cinepolis mejor conocida como “la pantalla de cine más pequeña del mundo”. Por su parte Only God Forgives se ve bastante mejorada en su edición en Blu-ray. Acompañada de algo de tecnología, la extraña historia de los hermanos Julian y Billy encuentra un nuevo sentido. Las largas y pausadas escenas lucen y dan la estética obsesiva del crimen lleno de brillos y colores que de verdad pasé por alto la primera vez que la vi. En efecto, sigue siendo extraño el policía cantante y Crystal, la madre de Julian. Pero los cuadros creados por el realizador danés son una verdadera belleza… que se vería mejor en Ultra HD.
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El color en la ciudad de México Por Manuel Pineda
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esde que el color se instauró en la cinematografía se han creado múltiples herramientas tecnológicas para mejorar y resaltar su naturaleza policromática, desde entintar manualmente la película cinematográfica hasta colorear digitalmente a través de una computadora. La transición
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del blanco y negro al color no fue sencilla ni rápida como integrar el sonido a la película cinematográfica, fue un proceso largo, que sigue en constante cambio debido al desarrollo de las nuevas tecnologías como resoluciones o paneles digitales que pueden intensificar al color.
LA MENTE MAESTRA
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Actualmente, como seres visuales, estamos muy acostumbrados a pantallas brillantes, tenemos una invasión de productos con resoluciones Full HD, 4K, 5K, 6K, 8K y en desarrollo 16k. Los paneles que se usan están diseñados para dar más intensidad, profundidad, vivacidad, con tecnología Led, Qled, Oled, ips, laser, lcd o plasma, aunque estos dos últimos ya son obsoletos y las otras tecnologías son muy parecidas pero con nombres diferentes dependiendo de la compañía que los fabrique. Pero como consumidor, que está sumiso ante los productos de los fabricantes tecnológicos, se asombra con la nueva intensidad de color que ofrecen sus productos. Estamos tan acostumbrados al color que las aplicaciones digitales, de fotografías y redes sociales, tienen múltiples filtros o tratan de aprovechar al máximo los sensores o lentes instalados en los dispositivos móviles. Las cámaras y videocámaras para consumidores también tienen estos modos de imagen para personalizar lo que capturas.
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Claro, con la tecnología digital todo es más sencillo, ya no es la cámara análoga en la que necesitabas película en blanco y negro o a color. Ahora si tu quieres registrar imagen en movimiento o fija, sólo eliges la función para hacerlo monocromático o policromático. Incluso puedes hacer postproducción de tu imagen registrada, a través de otro dispositivo y presentar un producto acabado con resultados inimaginables.
Durante muchos años se ha hablado de cómo la industria cinematográfica extranjera, sobre todo la Hollywoodense, ha ilustrado a nuestro país, México, en las películas que ha filmado aquí, tanto interpretaciones positivas como negativas. Las producciones extranjeras en tierra mexicana no son antiguas, desde el inicio de la historia del cine han venido artistas o técnicos a filmar los bellos paisajes, las comunidades, los eventos El color ha sido importante, históricos y sociales que han no sólo en la cinematografía sino acontecido en México. en todas las artes, actualmente Hay películas de fantasía ya no podemos concebir un o ciencia ficción que se producto audiovisual sin paleta filmaron en la capital como de colores bien definida o usada. la coproducción MéxicoSomos insectos que nos dejamos Estadounidense The Black llevar por los colores; y no está Scorpion, película de 1957, mal, pero sí debemos de tener en presenta escorpiones cuenta que lo que vemos a través que gigantes prehistóricos que de la pantalla no se ve en la atacan la capital mexicana. realidad con la misma intensidad. Y como la percepción de la Esta película fue filmada en realidad es muy importante de blanco y negro, presentando comprender ya que es muy fácil lugares emblemáticos recién ilustrando manipular las imágenes a las que construidos, una ciudad en uno de sus estamos expuestos, es necesario mejores momentos. Pero me hablar de cómo la cinematografía voy a enfocar en una obra influye en nuestro juicio.
cinematográfica filmada en la capital mexicana, que ha influido en la imagen de la ciudad y su área metropolitana. Total Recall (1990), o El Vengador del Futuro en Latinoamérica, es una película estadounidense producida por Carolco Pictures, dirigida por el cineasta Paul Verhoeven, de protagonistas tiene a Arnold Schwarzenegger, Rachel Ticotin, Sharon Stone y Michael Ironside. Está basada en el cuento We Can Remember It For You Wholesale, del escritor de ciencia ficción Philip K. Dick. Es una de las películas que tuvieron presencia significativa en mi infancia, claro por Arnold, la aventura que presenta y por las locaciones exteriores donde fue filmado el primer acto de la película. Esta película fue filmada enteramente en la Ciudad de México, los interiores fueron construidos dentro de los sets de los Estudios Churubusco; mientras que los exteriores fueron en el Heroico Colegio Militar, en las estaciones Chabacano e Insurgentes del Sistema de Transporte Colectivo Metro, en una fábrica de cemento y en una montaña de tezontle para las escenas del planeta Marte. Debido al género de la película, ciencia ficción, y al contexto del argumento, el futuro donde existen colonias marcianas, además de la implantación de recuerdos en el cerebro; la ambientación de la Ciudad de México tenía que ser congruente con la historia. Para Paul Verhoeven y su equipo artístico fue afortunado que la ciudad contara con edificios que poseían el diseño estético que él mismo llamó como “Nuevo Brutalismo”: arquitectura con forma de búnker, donde predomina el gris del hormigón dentro de
una ciudad atrevida con el uso apreciar la neutralidad de los de los colores. colores generando una sensación única sobre el futuro, y al pasar a Los colores neutros como el las instalaciones de transporte, gris, y fríos como los azules, junto Metro Chabacano, vemos un a las luces neón de los anuncios pasillo largo de tonos fríos donde publicitarios, hacen presencia la gente se desplaza para pasar en los escenarios que vemos en a través de un escáner, subir pantalla. Los accesos al edificio o bajar en escaleras eléctricas donde vive Quaid (Arnold) con señalamientos sobrios. son lo que conocemos como el Además hay una secuencia Colegio Militar, donde podemos de acción dónde nos enseñan
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mucha sangre y muertos, pero a pesar de lo anterior, cuando Quaid entra al vagón, la gente se siente indiferente, reforzando la necesidad de la existencia de una compañía como Rekall que implanta recuerdos de vacaciones extraordinarias para gente ordinaria. Del departamento y las instalaciones del Metro, pasamos a escenas en el exterior, donde podemos ver la persecución más simple que aprovecha plenamente el diseño arquitectónico de la explanada de la estación Insurgentes. Bueno, primero vemos a Quaid salir al exterior en una plaza comercial muy conocida por los citadinos, aunque es de noche los anuncios neón iluminan el escenario de forma única, recordando un poco la estética del futuro mostrado por Blade Runner. En la actualidad la explanada ya no está como fue filmada en ese tiempo, los gobiernos la dejaron caer y hoy en día se está modernizando pero en esa escena, el espectador puede ver una zona urbana futurista con taxis automatizados con androides como operadores. Por cierto, los colores de los taxis van acorde a lo que hemos visto,
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tonos grisáceos, con bandas negras y amarillas; además de que los robots operadores tienen uniforme color azul, dejando una sensación fría sobre el futuro. Para acabar la última escena exterior del primer acto, se filmó en una fábrica de cemento en desuso, no pude identificar cuál pero al igual que las anteriores escenas, la temperatura de la secuencia también es fría y lo único cálido es el video donde se explica un poco de lo que está sucediendo. De hecho el artefacto que usa para escanear y extraer lo que hay en su cabeza al igual que el portafolio son de una estética muy particular pero todo es de color plateado o gris:
cada uno de los dispositivos que se usan son grises o plateados, y muestran tecnología fría e indiferente hacia el ser humano. Realmente no hay una queja sobre cómo se ilustra a la Ciudad de México, obviamente la historia no está contextualizada en México, temporalmente está ubicada en el año 2084. Creo que para los citadinos es recordada con orgullo por la presencia de Arnold, el trabajo que se realizó con Verhoeven y la filmación en los lugares mencionados ya que son fáciles de identificar, en contraste con otras producciones extranjeras qué ilustran de forma negativa a la capital.
LA CAJA DE PANDORA
Michiyo Yasuda: El color de la fantasía Por Azucena Mecalco Color has a meaning and it makes the film more easily understood — Michiyo Yasuda
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er un filme de los estudios Ghibli equivale a adentrarse en un mundo nuevo lleno de aventura, fantasía, emoción, música pero, sobre todo, color. Los estudios Ghibli han creado múltiples historias que van desde la batalla de unos misteriosos mapaches por asegurar
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yazaki es la mente maestra detrás del despliegue de fantasía y emoción que hemos visto en pantallas, lo cierto es que existe otra gran cantidad de artistas que no sólo han contribuido a dibujar, musicalizar y animar los trabajos del estudio, sino también a escribir y dirigir.
su forma de vida en un mundo cambiante, hasta la tragedia de unos hermanos que sufren las repercusiones de la Segunda Guerra Mundial. Y cada una de estas historias transmite una sensación diferente, y permite un acercamiento distinto a la naturaleza humana y sus conflictos, a la fantasía, la tragedia, el romance y el reencuentro las emociones más básicas las personas. Y aunque la gama de argumentos presentados por Miyazaki y compañía han mostrado su multiplicidad, todas se han caracterizado por el uso de paletas de color en tonalidades vivas. Sin importar la trama de la historia, los colores de Ghibli transportan al espectador a un sitio en el que lo
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mismo puede ser la guerra, las aventuras de un ladrón, o el planeta de los gatos, los colores brillantes siempre se encuentran presentes. Y si bien Hayao Mi-
Dentro de ese increíble equipo de trabajo se encuentra una persona que dedicó su carrera completa a introducir al público a todos los mundos posibles a través del color: la animadora y diseñadora de color Michiyo Yasuda. Michiyo Yasuda nació en Nakano, Tokio, el 28 de abril de 1939 y falleció el 5 de octubre del año 2016; dejando tras de sí toda una serie de trabajos que marcaron la pauta de cómo debía utilizarse en color en el cine animado, al mismo tiempo que crearon un estilo innovador en el que cada tonalidad correspondía a una emoción perceptible y latente, no sólo en los personajes; sino también en los paisajes e i ncl u so en los sonidos. M i chiyo Ya s u d a comenzó su carrera en el mundo de la animación en 1958, como parte del equipo de los estudios Toei Doga (Toei Animation). Diez años más tarde, mientras trabajaba en el proyecto Taiyō no Ōji Horusu no Daibōken (1968), del director Isao Takahata, conoció a Miyazaki, quien una vez que estructuró los Estudios Ghibli volvió en busca de Yasuda para ofrecerle el puesto oficial de diseñadora de color para todos los trabajos de la compañía, empezando por Rupan Sansei: Kariosutoro no Shiro (1979). El último trabajo de Yasuda con los Estudios Ghibli fue Kaze Tachinu (2013), película
que si bien no logró la popularidad de otros trabajos como Sen to Chihiro no kamikakushi (2001), sí logró mantener vivo el espíritu de las producciones del estudio a través de una impresionante paleta de color que reflejaba la capacidad de Yasuda para transmitir pensamientos, sensaciones y emociones. A la par de su papel como diseñadora de color de Ghibli, Yasuda participó también en otras producciones y trabajó con grandes directores de la talla de Mamoru Oshii. Pese a su fallecimiento, el trabajo de Yasuda continúa vigente en la actualidad; además, gran parte de sus procesos de producción han quedado encapsulados en las series de exposiciones que se presentan en el Museo Ghibli, en donde es posible observar una sala completa en la que se explica el significado exacto de cada color de acuerdo a su tonalidad, su relación con los personajes y la simbiosis con el espacio en el que éstos se mueven.
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Zhang Yimou Coloreando el cine Por Libertad Pineda “No matter what the dynasty or what the age, stories about ordinary people are the most attractive and interesting.” Zhang Yimou
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l color ha sido parte del arte desde el principio de está actividad humana, y aún antes de ella. Se sabe que formó parte del hombre prehistórico, y prueba de ello son las pinturas rupestres. Desde el hombre de las cavernas,
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que recreó figuras de su entorno con ocres, terracotas, blanco y negro, usando diferente elementos químicos en las cuevas que habitó, hasta la invención del cine y la llegada del color a la fotografía, el color tomó una posición importante, que con el tiempo y el artista, y en nuestro caso, con el director de cine, su papel se ha vuelto protagónico. En la teoría del color, sabemos que los colores primarios son el amarillo, azul y rojo, y que de la mezcla de ellos, vendrán los
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secundarios, terciarios y así sucesivamente. Pero además de saber que de la mezcla del amarillo y azul, aparece el verde, también sabemos que la luz y su descom-
Revisando el trabajo de nuestro director chino, encontramos un uso magistral del color. Si bien, por ejemplo, él ha expuesto en relación a Héroe (2002)
un color distinto para contar una historia. El rojo aparece en la pasión y en la batalla, el blanco, se hace presente en el amanecer, el azul envuelve el clímax, y se recurre al verde para los recuerdos. En trabajos anteriores a este también echa mano del cromatismo. Especialmente del rojo en sus diferentes tonalidades. El rojo imprime la pasión, pero también la ira, la opresión y sirve para señalar el poder. En La
posición, a través del lente, es lo que vemos colorido. En el campo psicológico se ha estudiado el significado del color, tomando la percepción subjetiva, cultural y también social.
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que el color no tuvo un significado en particular; es más que obvio que su estética visual se echa mano de él. Por mencionar que aplican
linterna roja (1991), donde trabaja el tema de las concubinas y la esclavitud en la que viven, lo maneja de manera mesurada sin estridencias, se ayuda de acentos en la decoración o las vestimentas, además de hacerlo en el momento exacto para resaltar o ayudar a sus personajes a evolucionar o en su caso, acompañarlos a la muerte. En este mismo trabajo encontraremos el blanco enmarcando a la muerte, así como a la falta de luz, la cual no es propiamente un color; pero así lo trataremos, en tanto el negro aparece como una inmersión a la locura y desesperanza. Otra cinta, que bien, haríamos en revisar es To live (1994), donde repasa la historia de China de los últimos 30 años –en aquel momento-, abarcando la
revolución cultural, ayudado de la vida de un hombre y su familia. El amor se viste en rojo pero también lo turbulento de la revolución, y las tragedias que conllevó este cambio en la sociedad rural. El poder
político es recreado y coloreado de bermellón hasta casi llegar al carmín. En este siglo XXI, Zhang Yimou ha manejado el color con maestría y elegancia, no sólo en lleva a la pantalla un estilo de monocromismo, que se ve interrumpido por los tonos ocres y amarillos de una piel sucia o el líquido rojo carmesí que emael diseño na de una herida. No es blanco y de pro- negro, pero si una gama de grises d u c c i ó n , y sus destellos de luz. ve s t u a r i o o usando Las películas en color fueron t e c n o l o - bienvenidas, quizás por la cercagía digital, nía a nuestra realidad. Depent a m b i é n diendo del director, y del objeha sufrido tivo que se busca, su paleta de una trans- color puede llevarnos a estados formación emocionales que de otra manera entera en no serían tan fáciles de consesus temas. guir. Los hombres de las caverY ha podi- nas fueron los primeros en dibudo ir y venir entre dramas perso- jar y usar el color como medio, nales, sociales e incluso la fanta- no se sabe si existía un objetivo sía. En Shadow (2018) vuelve a específico para el cromatismo; la carga mezclando artes marcia- lo que sí sabemos es que nuesles, movimientos nada compara- tros antepasados se expresaron bles a su poesía visual en La casa a través de él, y quizá incluso lo de los cuchillos voladores (2004) concibieron como un elemento pero si comparable con sus fan- mágico. Yimou aunque no lo usa tásticas luchas para mantener el como un fin, o para teorizar, sí poder, en está ocasión, a través lo usa para expresar y estimular de un rey y su doble. Es de des- nuestra imaginación como un tacar que en esté trabajo fílmico gran artista y director.
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