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Editorial
Contenido
El cine es una maravillosa herramienta que
El cine es poesía Man on fire 2
nos introduce a paisajes, lugares y situaciones muchas veces desconocidos. En ocasiones conocemos más a través del cine que de las experiencias materiales. Es
Tesoros fílmicos Einsenstein en Guanajuato 6
de esta manera que muchos hemos tenido la oportunidad de descubrir lugares o personas,
La mente maestra Predator 10
y gracias a las imágenes en pantalla contamos con referencias visuales de sitios que nunca hemos visitado. No resulta difícil ubicar los monumentos de París, Nueva York o Londres
La caja de Pandora The Black Scorpion
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gracias a las imágenes que el cine nos ha otorgado, pero ¿qué tan fidedignas son esas representaciones cinematográficas? Aunque nosotros las tomemos como refe-
Había una vez Romeo y Julieta 18
rente, es preciso recordar que las ciudades que vemos en el cine siguen siendo la visión de un director y su equipo de producción acerca de
Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook
un lugar, en un momento específico bajo una lente detreminada. Es por eso que en esta oca-
En portada: Predator (1987)
sión Super 8 presenta una serie de visiones de la Ciudad de México revisada a través de las lentes hollywoodenses.
Super 8 Número 115 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Amaury Hernández, Manuel Pineda, Jorge Slonso Espíritu, Libertad Pineda. Arte y Diseño: Azucena Mecalco Ciudad de México Septiembre 2019
Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.
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EL CINE ES POESÍA
Por Azucena Mecalco
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a mafia italiana, sus andanzas y vicisitudes, sus enfrentamientos por la búsqueda de territorio, o sus continúas luchas con la justicia son un tema de amplio espectro que ha dado pie a la creación de grandes cintas de la cinematografía; así como de incontables novelas, folletines y hasta cómics. Como parte de esa gama se encuentra la novela Man on Fire del escritor Philip Nicholson, mejor conocido en el mundo literario como A.J. Quinnell. La novela comienza cuando Rika Balletto decide que Italia no es el
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lugar más seguro para su familia; sobre todo para su pequeña hija Pinta, por lo cual presiona, con sutileza, a su esposo, Ettore, para contratar un guardaespaldas que vele por la pequeña. Las coincidencias los llevan a contratar a Craisy, un ex agente norteamericano, quien después de un largo servicio se ha convertido en un desempleado, inconforme con la vida y alcohólico. La convivencia con Pinta cambia pronto su perspectiva del mundo. Mientras ella encuentra en él a un padre,
amigo y casi podríamos decir un amor platónico; él comienza a ver en ella una alternativa a la desesperanza que lo oprime. Todo marcha sobre ruedas hasta que la pequeña es secuestrada, violada y asesinada. Creasy decide entonces cobrar venganza con sus propias manos y castigar a todo aquel que haya intervenido en el secuestro de Pinta.
ciaca de venganza y redención. Sin embargo, cuando Arnon Milchan, conocido por producir grandes historias de la talla de Fight club (David Fincher, 1999), decidió comprar los derechos de la novela, pensó que una nueva historia con la mafia italiana como elemento principal no aportaría nada nuevo al cine. Necesitaban adaptar la historia en un contexto creíble pero Visto así, el libro de Nichol- novedoso, así que junto con el son sonaba a un excelente mate- director Tony Scott decidieron rial para crear una historia poli- llevar la historia del guardaespaldas a la realidad mexicana, que por aquellos años contaba con un escalofriante índice de secuestros. La historia de la película retomó todos los elementos principales de la novela de Nicholson. Un empresario que vive con su esposa y su hija decide contratar un guardaespaldas para la protección de ésta última, pese a lo cual la niña es raptada y aparentemente asesinada. Hasta este punto el guión de Brian Helgeland parece bastante fiel a la historia original. Desde luego los
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escenarios cambian y en lugar de observar las pequeñas calles italianas somos testigos de la inmensidad de las avenidas principales de México. Y al mismo tiempo que visitamos Lomas de Chapultepec, la Colonia Roma, Insurgentes o el Zócalo capitalino; acudimos también a lugares reconocidos por su pobreza y marginación como Ciudad Netzahualcóyotl y las zonas menos favorecidas de Naucalpan de Juárez, sin contar con carreteras desoladas como la México-Puebla. Por otra parte, dentro de la película de Scott podemos ver una relación bastante perturbadora entre John W. Creasy, interpretado por Denzel Washington y la muy joven Pinta, encarnada por Dakota Fanning. Si bien en el libro ambos personajes expresaban su afinidad, las perfectamente filmadas escenas de Scott entre la niña y su guardaespaldas
dejan mucho que imaginar a los malpensados que no podemos evitar ver algún grado de correspondencia del guardaespaldas hacia la niña.
película cuenta con la increíble facultad de atrapar al espectador desde los primeros encuadres, y arrastrarlo lentamente en una madeja de situaciones que se alejan del control del espectador Dejando de lado ese nimio produciendo estrés e ira. detalle, esta producción no sólo cumple con ser una excelente Además de resta versión del película policiaca de venganza; año 2004, existen otras adaptaademás aproxima al espectador ciones de la novela de Nicholson; a distintos niveles de las relacio- pero la más completa y empática nes y motivaciones humanas. es sin duda la de Tony Scott, que además cuenta con un soundMan on fire es un muy intere- track memorable que encapsula sante ejercicio cinematográfico en cada composición la melanrealizado por el fallecido Tony colía, desesperación y las más diScott en el que somos testigos de versas emociones que acaecen a la relación de dos seres humanos los protagonistas. que encuentran en el otro un complemento a la desolación y la desesperanza, enmarcado en FICHA TÉCNICA el contexto de una ciudad plagada de violencia en la que los Título: Mano n fire contrastes entre la riqueza y la Director: Tony Scott pobreza son más evidentes que Guión: Brian Helgeland basado el mismo color del cielo. Esta en la novela del mismo nombre de A. J. Quinnell Música: Harry Gregson-Williams Fotografía: Paul Cameron Elenco: Denzel Washington, Dakota Fanning, Christopher Walken, Giancarlo Giannini, Radha Mitchell, Marc Anthony, Mickey Rourke Año: 2004 País: E.U.A./México Duración: 146 min.
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Guanajuato en Einsestein;
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l realizador británico Peter Greenaway es al Reino Unido lo que Felipe Cazals es a México. Todo un guerrillero de la cinematografía, dispuesto a hacer lo que se propone con lo que tiene a la mano sin someterse a los estándares de una industria vendida (se enrolla en la bandera soviética). Su trabajo incluye guiones propios, polémicas adaptaciones y referencias de-
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TESOROS FÍLMICOS
; el que entendió, entendió
Por @AMAURY1984
batibles. Es bien conocido por haber escrito y dirigido 8 ½ Women en clara referencia al clásico de Fellini 8 ½. O por su adaptación a la novela de la escritora japonesa Sei Shōnagon, Makura no Sōshi (El libro de almohada). Pero en tiempos recientes Peter Greenaway ha pasado desapercibido, como Cazals, escondidos debajo de la marea de películas comerciales que hacen imposible que
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trabajos independientes lleguen a pantallas. En 2013, después de adentrarse en la boyante y prometedora tecnología del cine en 3D… ehm..., al lado de grandes de la dirección como Jean-Luc Godard; Greenaway decidió que su siguiente trabajo sería entorno a la figura de un emblema del cine, el realizador ruso Sergei Einsestein. En específico de su estancia “coff exilio coff” en México. Bajo el título Einsestein in Guanajuato, Greenaway nos lleva por una especie de documental novelizado del momento en que el realizador ruso es considerado huésped de honor (previamente encarcelado por rojillo) y su llegada a la ciudad de Guanajuato, ciudad que Greenaway tenía en mente desde su visita al Festival de cine estatal en 2009. Es en parte narrado por Greenaway y mayormente explicado por su protagonista. Fue construido bajo un ritmo y una dinámica en las imágenes que permitiese transmi-
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gías modernas los cuadros en blanco y negro pasan de ser un pasado distante a un cuadro vivo y lleno de color. La escena de los vehículos antiguos adentrándose en los inconfundibles túneles de la entrada a Guanajuato goza de una bella manufactura en esa nítida oscuridad lograda por el cinematógrafo holandés Reinier van Brummelen; mancuerna de Greenaway de muchos años tir a la audiencia el “montaje” atrás. Ambos aprovechan el cuade imágenes construido por el dro para presentar varias escerealizador ruso que en nuestros nas de la película ahí. tiempos es conocido como la fundamental edición. Greenaway nos lleva por conocidos parajes de Guanajuato Desde la primera escena Gre- como el teatro Morelos, el panenaway se muestra presumido, teón municipal, el museo de las quiere mostrar la belleza de la momias de Guanajuato, el pueciudad en la que se encuentra. blo vecino de San Miguel de Gracias a la ayuda de tecnolo- Allende, entre otros.
Otro recurso al que recurre en momentos cumbre de su narración y que me parecen un tanto molestos es la implementación de una cámara que sospecho, va montada sobre rieles circulares y le permite al realizador británico secuencias largas de discusión entre sus personajes con exceso de movimiento. De entrada un siente que la escena es muy dinámica pero bastan un par de vueltas para sentirse un poco estresado. El colmo es que como lo mencioné el recurso se presenta un par de ocasiones más. La realización de ¡Qué viva México! pasa a segundo plano rápidamente. Greenaway decide
enfocarse en la relación de Einsestein con su guía local, el joven maestro Palomino Cañedo. Y es que a ojos de este “ensayo sobre Einsestein”, el realizador ruso pudo descuidar su producción debido a su “salida del closet” en tierras mexicanas. Ya con la confianza que le permitía ser un extranjero en tierras lejanas, el Einsestein de Greenaway se presenta algo soberbio frente a los reclamos de los enviados de su mecenas estadounidense el escritor y productor Upton Sinclair. Einsestein en Guanajuato, formateada en el estándar 21:9 (lo que conocemos como widescreen o película con barritas negras arriba y abajo X-D) trata de acompañar las jóvenes imágenes tomadas por Greenaway con trabajos del realizador ruso, imágenes del México de los 1930 y pasajes tomados en blanco y negro. Esto sigue un formato de tercios de manera religiosa. Nunca se esfuerza por una
composición que vaya más allá. Si el protagonista o el director requieren de explicar algo con imágenes, estas se presentarán a la izquierda o la derecha o en una línea horizontal de tres. Al final uno le encuentra sus detalles a la película de Peter Greenaway (como los cables de luz que cruzan por su escena del campanario de la iglesia) pero en realidad se dejan pasar gracias al buen ritmo que toma entre escenas muy dinámicas y momentos de diálogos largos pero con buen contenido. FICHA TÉCINA Título: Einsestein in Guanajuato Escrita y dirigida por: Peter Greenaway Fotografía: Reinier van Brummelen Edición: Elmer Leupen Protagonizan: Elmer Bäck, Luis Alberti, Maya Zapata, Lisa Owen, entre otros. Año: 2015 Duración: 105 min.
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Depre Vacacionand
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éxico es un país hermoso, diverso, lleno de contrastes, rico en escenarios naturales como artificiales. Por lo tanto no es asombro cuando las productoras extranjeras deciden filmar en territorio mexicano, claro, hay una tradición fílmica gracias a la época de oro pero también hay
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LA MENTE MAESTRA
edador do en México Por Manuel Pineda talento en nuestros técnicos y tenemos grandes estudios donde se puede recrear lo que sea, desde el paisaje marciano hasta Washington D.C. Cada vez que viene algún representante de las productoras
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solucionaron los obstáculos de filmar en un escenario real donde no puedes taladrar o tirar paredes fácilmente como si fuera el interior de un estudio. Cada vez que veo la escena donde James Bond (Daniel Craig) camina sobre la orilla de la azotea para fisgonear una conversación privada siempre aparece ante ,mí la duda de cómo instalaron el templete en una altura mayor para situar un dolly y desplazar una cámara, si conocieran el cinematográficas, para hacer el escenario de una película, y lugar se darían cuenta de la exploración de locaciones genera orgullo sin importar cómo complejidad de la tarea. para filmar, se hace eco en los usaron la locación; claro, siempre Andar en la estación de medios de comunicación porque puede haber inconformes por metro Chabacano siempre emociona la posibilidad de ver alguna situación económica o a los actores de Hollywood, al menos así sucede la mayoría de las veces. También existe la posibilidad de que estos pidan confidencialidad exclusiva que al final, sobretodo en estos tiempos de necesidad o exceso de información, es muy difícil de mantener. Pero en las comunidades donde se decide filmar se llevan una grata sorpresa, como queda constatado en los videos de los pobladores del municipio de Yautepec en el estado de Morelos, dónde descendió de un helicóptero el actor Will Smith, a un campo de futbol para filmar secuencias ambiental que genera oposición me hace pensar en Arnold de acción para la última película a la producción fílmica. Pero, yo Schwarzenegger, por dios, estoy de la saga Bad Boys titulada Bad por ejemplo, cada vez que veo caminando donde él estuvo, tal Boys for Life. una película filmada en lugares vez en cualquier momento salgan donde he estado, me imagino los malosos y me persigan como Para la gente es increíble lo interesante y complicado que a Quaid en Total Recall (Paul saber que su comunidad fue es filmar en esos lugares, cómo Verhoeven). Otros pensamientos surgen cuando voy manejando sobre periférico norte y paso por el puente peatonal del deportivo Morelos del IMSS y recuerdo como lo transformaron para convertirlo en un lugar lúgubre donde camina Denzel Washington en su papel como “El Oso” Creasy, guardaespaldas de Lupita Ramos en Man on Fire (Tony Scott); y para finalizar mis procesos mentales sobre lugares filmados, sentí orgullo cuando vi las escenas filmadas en el extinto basurero del Bordo de Xochiaca en Elysium (Neill Blomkamp), durante muchos
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años pasé por ahí debido a que producción estadounidense que mi abuelo llego a ser recolector marcaron mi infancia: Predator de basura, entre muchos otros (John McTiernan, 1987). trabajos realizados. No lo podía creer, conocería Sí, tal vez usen la Ciudad de la cascada donde aparece Dutch México y al país mismo como (Schwarzenegger) y el cazador un escenario distópico, sin ley intergaláctico (Kevin Peter Hall) y orden, plagado de violencia, además de la selva de Palenque corrupción, contaminado, con que también aparece en la crimen organizado, con altos película. Era importante por mi números de secuestros, con gusto a este personaje que me desastres naturales, como nido daba mucho terror y emoción, de bestias o titanes milenarios, ya que es el cazador definitivo. con calaveras y tradiciones ricas Desde que veía la película en en estética colorida. ¿Pues saben televisión junto a su secuela, me qué? Nos lo hemos ganado a pulso, decía que quería ser soldado para esta tradición escenográfica se pelear contra extraterrestres ha ido formando a través de la que se caracterizaban por ser los Historia de nuestro país y no mejores guerreros del universo, podemos ni debemos de negarla. con armas y tecnología superior pero con un código de honor Hace diez años andaba muy estricto. viajando a través del estado de Chiapas, no tenía un objetivo Cuando era niño no me especial y mi acercamiento con imaginaba que la película estaba el cine no era tan profundo como filmada en México, recuerdo que lo es ahora, pero mi raíz fílmica me habían dicho sobre la frontera estaba presente. A pesar de la con Guatemala pero no estaba riqueza cultural y natural que consciente de la representación caracterizan a la entidad estatal, geográfica además mi percepción estaba muy emocionado porque sobre las distancias era enorme. iba a conocer los lugares donde Al enterarme sobre la filmación, se filmó una de las películas de no podía concebir cómo le
habían hecho e incluso creía que el depredador podía seguir en la selva chiapaneca además de la evidencia como las explosiones y los cadáveres. Bueno, si existía ese horror sangriento pero no tenía que ver con extraterrestres. Conforme fui profundizando en la producción de la película, descubrí que originalmente el actor que interpretaría al cazador alienígena sería Jean-Claude Van Damme pero desistió durante las primeras semanas de filmación porque era muy difícil filmar en la selva con un disfraz de hule espuma, se deshidrataba fácilmente. Su lugar fue tomado por Kevin Peter Hall, además que se tuvo que cambiar el diseño original para darle menor peso y un respiro al actor, así que se agregaron los elementos que caracterizan actualmente al cazador. El diseñador definitivo fue el difunto Stan Winston, y se dice que la inspiración para que la criatura tuviera mandíbulas provino de una sugerencia de James Cameron. Esta película tuvo un rodaje muy accidentado y
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demandante para todo el equipo de producción, los actores estuvieron sometidos a grandes retos físicos, desde el ejercicio de pesas que ellos mismos se imponían, pasando por las escenas de nado en los ríos o cascadas, las persecuciones en terrenos lodosos y planos inclinados, finalizando con una diarrea por la alimentación que tenían, Arnold la llamaría la maldición de Moctezuma cuando volvió para filmar Total Recall. Es curioso, en los créditos finales aparece agradecimiento a los restaurantes que alimentaron al equipo. La filmación de una obra cinematográfica moldea la estructura social del lugar donde se realizó, porque los guías de turistas y pobladores son los primeros en mencionar el dato como uno de los eventos históricos más importantes. Tal vez para algunos intelectuales o para algún sector específico no sea trascendente pero resulta interesante para otro grupo poblacional; además, esta influencia se ve reflejada en los recuerdos materiales que te venden en el lugar como el cráneo, hecho de resina, del depredador. Y esta pieza ósea no solo la encuentras en Chiapas o Puerto Vallarta sino también en zonas arqueológicas como Teotihuacán o el Tajín, junto a representaciones en resina u obsidiana de la máscara de Pakal, de la Piedra del Sol, de
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los dioses Quetzalcóatl o Tláloc. Es increíble cómo un modelo contemporáneo, un diseño hecho para película, termina integrándose a la cultura, en este caso a los símbolos prehispánicos. No se puede subestimar ni infravalorar el poder de un símbolo o de un producto audiovisual, mucho menos la interpretación externa de una persona sobre la cultura de un grupo de personas de una zona geográfica en específico. La filmación de una obra cinematográfica en una locación exterior, real, tiene un impacto en distintos niveles sociales, que sea bueno o malo, eso no lo podemos determinar fácilmente, prácticamente eso lo juzgará la Historia.
El caso clásico y reciente es el del desfile del Día de Muertos para Spectre (2015), que se instauró a partir de la coproducción fílmica de nacionalidad estadounidense y de reino unido, criticado mucho por el hecho de que el desfile sea un producto extranjero que se apropió de la tradición de veneración de los muertos, pero al final la sociedad mexicana fue la que realmente se adueñó de un ritual extranjero adaptándolo a su riqueza cultural. Otro tipo de consecuencias es que algún espectador del momento de la filmación en la locación se percató de la existencia de más posibilidades a su realidad cotidiana, ampliando el espectro de objetivos de vida, a lo mejor deciden convertirse en actores, dobles de riesgo, escenógrafos, eléctricos, carpinteros, fotógrafos, cineastas o cualquier otra rama relacionada a la industria audiovisual. Uno no sabe en qué momento vas a inspirar al próximo genio creativo y no estamos en posición de limitar las posibilidades a los seres humanos, todos debemos de tener la oportunidad de ser lo que deseamos.
LA CAJA DE PANDORA
Por Azucena Mecalco
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elículas de monstruos existen por millares, películas filmadas en México otro tanto. Sin embargo ninguna tan original, conmovedora y misteriosa como The Black Scorpion, del director Edward Ludwig. Sí, efectivamente, The Black Scorpion es una obra maestra
del cine serie B, y no existe trama más original que la narrada en esta película: después del surgimiento de un volcán en San Lorenzo, una zona rural en México, los geólogos Dr. Hank Scott y Dr. Arturo Ramos inician una ferviente investigación para analizar al nuevo cuerpo. Sin embargo su investigación
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los lleva pronto a darse cuenta de que bajo el lugar se ocultan un grupo de escorpiones prehistóricos gigantes dispuestos a salir al mundo y reclamar lo que es suyo por derecho. Sin razón aparente los geólogos pasan de ser científicos especialistas en vulcanología a ser Indiana Jones y tratar de deshacerse de las prehistóricas criaturas antes de que terminen con el pueblo entero y sigan su camino hacia la ciudad. La historia es realmente lenta desde el inicio, y trata de hacer una mezcla entre drama campirano de la época de oro y monster movie. Dado el evidente título acompañado de la portada de la película, que ofrece un monstruoso y enorme escorpión, a los veinte minutos de andanzas, coqueteos entre los geólogos y la hermosa dueña de una de las haciendas de San Lorenzo y las actividades para la restauración del lugar después de la aparición del volcán, uno empieza a preguntarse seriamente si en algún momento habrá monstruo. Pero cuando el monstruo en cuestión aparece la situación no mejora, pues somos testigos de un stop motion casi conmovedor, sin contar con que los actores difícilmente ubican hacia donde deben mirar o con quien pelear. Para la creación y representación de las míticas criaturas se recurrió principalmente a tres técnicas: stop motion, maquetas y rotoscopia. Así podemos ver a los actores entrando a cuevas que evidentemente son grabaciones previas de otros espacios con los escorpiones gigantes de fondo, o enfrentando a monstruos inexistentes que aparecen en grabaciones detrás de los protagonistas. Para los close up se utilizó un muñeco que más que dar miedo genera ternura con sus cuatro únicos movimientos: cerrar los
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ojos, abrir y cerrar sus pinzas, salivar y agitar su cola, o aguijón. Con estas técnicas fue posible mostrar en pantalla una relativa interacción entre actores y monstruos. Y al mismo tiempo que vemos interactuar a Richard Denning, Mara Corday, y compañía con las criaturas, es posible apreciar también distintos lugares representativos de la ciudad de México. El Hemiciclo a Juárez y la Alameda Central, el monumento a la Revolución, el estadio universitario, y Ciudad Universitaria son algunos de los lugares que fueron utilizados como locaciones para la cinta, y que vistos en la actualidad muestran el paso del tiempo a través de los cambios evidentes para quienes transitamos diariamente en la ciudad. Y aunque realmente esta película resulta terrorífica por la
lentitud con la que se mueve, la serie de errores de continuidad y huecos argumentales evidentes, cuenta también con algunos aciertos técnicos, como las escenas de escapes y persecuciones, que a diferencia del resto de la película, están muy bien logradas y realmente transmiten la idea de terror en una población atacada por monstruos.
Sorprendentemente esta es una de las cintas que retratan con mayor fidelidad la ciudad de México y sus alrededores, y aunque nadie puede creer que todo el mundo hable en inglés de forma cotidiana en la ciudad y pueblos circundantes, la película merece un serio reconocimiento por tratar de poner a la ciudad como locación de una película de terror y ya no como sitio de mafia, secuestro, o historias pos apocalípticas.
FICHA TÉCNICA Título: The Black Scorpion Director: Edward Ludwig Guión: Robert Blees, David Duncan Música: Paul Sawtell Fotografía: Lionel Lindon Elenco: Richard Denning, Mara Corday, Carlos Rivas, Mario Navarro Año: 1957 País: E.U.A. Duración: 88 min.
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Por Libertad Pineda
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s larga la lista de proyectos fílmicos que se han realizado en tierras mexicanas. La que hoy nos interesa es la trágica historia entre los Capuleto y los Montesco. El trabajo realizado por Baz y compañía ha sido enorme y de buen cuerpo, y hay quién señala que ya es película de culto. A sus 24 años, parece que ha ido añejándose adecuadamente. Es difícil, llevar a la pantalla grande una historia tan popular, y de origen teatral. Sin embargo, la adaptación logró mantener
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el corpus de la historia y la ambientación se adaptó de manera magistral, así como la gloriosa ciudad de los palacios funcionó de maravilla. Un mundo entero ha oído de esta tragedia shakespeariana, y lo que imaginamos es una ciudad medieval de origen latino y romano. Pues, la producción decidió filmar entre, el otrora llamado Distrito Federal, y hoy conocida como la Ciudad de México, el estado de Veracruz y (fuera de México), así cómo, Miami en Florida. Y el resultado
HABÍA UNA VEZ
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fue una maravilla contrastante pero no chillante. La ciudad de México no es medieval pero si colonial y de origen hispano y mexicana. Y el equipo de producción la encontró idónea, después de sopesar la Habana. La cual no eligieron por obvias razones políticas.
En esta adaptación de fin de milenio, Verona se bautizó como Verona Beach. Es curioso, pero cuando era adolescente y la vi, soñaba con aquella ciudad situada en la costa, hubiera sido fantástico tener la ciudad “medieval” que tenemos cerquita del mar. Acorde a la vida en la costa,
los personajes vistieron camisas hawaianas con motivos ‘sudamericanos’, sí sudamericanos, leyó bien. Utilizaron signos y elementos de la cultura popular y religiosa para vestir a los Montesco y a los Capuleto. Una de las escenas más emblemáticas es el encuentro de los adolescentes en la alberca y la fiesta filmada en el Alcázar de Chapultepec. Otro elemento a destacar ha sido la música, la cual estuvo a cargo de varias bandas y contó con sonidos emblemáticos de fin de siglo. Todos siempre vamos a tararear y recordar a los suecos “love me, love me, say that you love me”... Durante la filmación, aparte de disfrutar el clima benévolo de la ciudad de México, el equipo de filmación, incluyendo actores, y el mismo Baz, sufrieron
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de problemas estomacales. Vaya que hasta el huracán Dolly, les destruyó el set de filmación en Veracruz, razón por la cual, tuvieron que filmar algunas partes en Miami. Sin embargo, no estuvo del todo perdido el asunto, ya que sí incluyeron parte de la destrucción en una escena en la playa con Leonardo Dicaprio.
El director australiano es conocido por su cuidado trabajo en la ambientación, arte, banda sonora, tan sólo recordemos The Grand Gatsby (2013), Moulin Rouge (2001), entre otros. Sin embargo, hay quien lo ve más como buen director de videos musicales. Como siempre el espectador es el último a la hora de deci-
dir con que se entretiene y con que se emociona. Cuando vi este filme me emocioné, soñé y lo guardé con mucho cariño por las imágenes del D. F. que se reconocen fácilmente. Es, quizás, una buena producción hecha en México que no se debe perder. Además de qué se guarda el espíritu de la obra de Will. FICHA TÉCNICA Título original: William Shakespeare’s Romeo and Juliet Dir. Baz Luhrmann Productora 20th Ventury Fox Guión, Craig Pearce, Baz Luhrmann (Obra: William Shakespeare) Reparto: Leonardo DiCaprio, Claire Danes, Pete Postlethwaite, Harold Perrineau, Brian Dennehy Fotografía: Donald McAlpine Año: 1996 País: Estados Unidos Duración: 120 min
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