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Contenido El cine es poesía Olimpia 2
Editorial
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ste 2019 fuimos testigos de grandes obras cinematográficas,
finalmente llegó a pantalla la última película de Woody Allen, Ari Aster presentó una obra maestra del cine de terror y Scorsese su controvertida y digitalizada realización. Godzilla volvió a
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las pantallas, Us decepcionó a muchos después de la expectativa generada por su campaña publicitaria y sobre todo por su anteLa mente maestra Joker 10
cesora. Christian Bale y Daniel Craig regresaron con películas que escapan de sus roles anteriores y un sinfín de obras más dieron de qué hablar. Gemini Man, Terminator o Hobbs & Shaw dejaron claro que el
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Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook
cine de acción, con o sin argumento sólido, continúa teniendo un nicho propio. Cientos de filmes de terror nos mostraron fórmulas gastadas y nos llevaron a preguntar cuándo se refrescará el género. Joker rompió récords en taquilla con una obra magistral y la monumental actuación de Phoenix; Endgame, por su
En portada: Joker (2019)
parte, generó millones con una obra de muy poca calidad que pinta para envejecer rápido y Frozen II confirmó que «libres somos» para ver una película sin atributos, diseñada para vender al nuevo monito tierno de las pantallas. Y el año aún no termina… Es por ello que Super 8 presenta la opinión de sus colaboradores sobre lo mejor o peor del año desde su perspectiva, siempre conscientes de que cada película está dirigida para un público particular y que, al final, es el espectador el que decide qué película vale o no la pena. Super 8 y todos sus colaboradores les desean felices fiestas, y
Super 8 Número 118 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Amaury Hernández, Manuel Pineda, Libertad Pineda. Arte y Diseño: Azucena Mecalco Ciudad de México Diciembre 2019
agradecen su compañía durante este año 2019, un año lleno de cine, mucho cine.
Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.
Por Libertad Pineda
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a tragedia, que según se dice, abonó el camino de la democratización del país, se escribió el 2 de octubre de 1968. El gobierno reprimió con fuerza las protestas estudiantiles gestadas ese año, teniendo como clímax la masacre de dicha fecha. De este hecho histórico, se han escrito y hecho infinidad de piezas artísticas. Ahora mismo recuerdo a Francis Alÿs, con su instalación en el Zócalo, la cual quedó documentada en video: la imagen de un
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rebaño de ovejas dando vueltas alrededor de la asta bandera. En el cine recordamos Rojo Amanecer, cuyo trabajo fue hecho con tibieza y con poco presupuesto, en días en que la censura aún era muy poderosa. Para el 50 aniversario se organizaron coloquios, conversatorios, exposiciones de arte y gráfica relacionados al instante, y a la época. Sin embargo, el área cinematográfica quedó a deber bastante.
EL CINE ES POESÍA
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El director de Olimpia recuJosé Manuel Cravioto no se rrió a los archivos de la Filmo- aventura a hacer algo fuera de teca de la UNAM y de la revista las historias que se conocen, y Proceso, así como a historias de a nivel visual, se basa puramentestimonios verdaderos del sesenta y ocho. El también guionista recoge momentos significativos de individuos y los cruza con la imaginación para darle vida a este relato. Durante la narración acompañamos a los personajes en su renacer en un mundo diferente en el que fueron criados. La vorágine de los acontecimientos sociales los consume, cambiándoles la vida para siempre.
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te en la documentación de los archivos consultados. Las únicas escenas recreadas fueron en Ciudad Universitaria, las cuales
sirven de marco a las historias de sus personajes. A nivel de factura, se tomaron las imágenes ya vistas mil veces, que no demeritan el sentido documental e histórico del hecho; sin embargo, para la narrativa visual resultan poco atractivas. Da la sensación de estar viendo un documental lindante en lo ilustrativo. Aunque hubo una intervención a través de la rotoscopia, a cargo de estudiantes de la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, durante los primeros 20 o 30 minutos, resultó fastidiosa a nivel visual. Incluso provocó molestia física a algún asistente. Si la intención era molestar el ojo del espectador, lo lograron bastante bien. La historia en sí no es placentera, la intervención visual tampoco lo fue. Los actores también adolecieron de su aire del siglo veintiuno. Y algunas actuaciones fueron acartonadas y con un tufo de cliché. Como el militar a cargo de la operación, así como los días de encierro de uno de los personajes.
La música con la que se acompaña es salvable gracias a esas cuerdas que rememoran la música de protesta de aquel momento. Si bien el cineasta ha declarado a este tema como una inquietud de su niñez, marcada por las fotos de los libros de su sala, así como por los comentarios de testigos del momento, no se puede considerar esta cinta como un trabajo cinematográfico maduro. De repente se gira en sí misma para volverse en un ejercicio fílmico universitario.
Las nuevas generaciones se pueden servir de dicho largometraje para vincularse con su pasado, que a cincuenta años puede parecer ajeno, pero no lo es; pues, pertenece al presente de este país en eterna evolución. Pero, eso sí, no pueden servirse de él para una experiencia estética. Otros detalles rescatables, fueron la inclusión de la historia del baño de la Facultad de Filosofía y su poema, que parece ser vigente en varias partes. Así como ser la primera película con apoyo de la UNAM.
FICHA TÉCNICA Título original: Olimpia Guion y Dirección: José Manuel Cravioto Música: Andrés Sánchez, Juan Andres Vergara Fotografía: Animación, Ivan Hernandez Productora: Pirexia Films / Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) País: México, 2018 Duración: 120 min
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Siéntate Disney,
tenemos que hablar de:
Por @AMAURY1984
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e encantan las películas animadas, me suelo divertirme bastante y no formó parte, desde hace mucho… mucho tiempo, del público objetivo de dichos productos cinematográficos. Dicho esto, tampoco es que me trague cualquier pedazo de mierda que algún estudio decida lanzar hacia mis ojos.
su estudio Walt Disney Animation Studios (WDAS), me respetaba como audiencia. De alguna manera, desde su debut en el mundo de la animación 3D, percibía que con cada proyecto se imponían ciertos estándares a superar. La época de oro de WDAS arrancó con Entangled en 2010. Una versión muy a la Disney del clásico de los hermanos Hasta hace algunos días yo Grimm lleno de canciones, percreía que Disney, y en específico sonajes simpáticos y chistes un tanto simplones. Era tan ligera
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TESOROS FÍLMICOS
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y agradable que hizo ver a Brave (2012), de los estudios Pixar, como algo tirado demasiado al drama. Para pesar de Pixar ese mismo 2012 cerró con un nuevo proyecto de WDAS en animación 3D: Wreck-it Ralph.
Mucho se habló de la secuela de Wreck-it Ralph después de su éxito, pero WDAS decidió no tirarse en ese hoyo llamado «secuelas» que tenía a Pixar entre la genialidad y la mediocridad. Estuvo trabajando en un nuevo proyecto que vería la luz en diRalph el demoledor cuenta la ciembre de 2013: Frozen. historia de un clásico villano de juego de arcade, que entra en WDAS recurría a otro clásico un conflicto existencial sobre cuento de hadas, está vez Snesu rutina y la irrelevancia de su dronningen de Hans Christian participación en algo que ni si- Andersen para agregar una prinquiera lleva su nombre. Wreck-it cesa más a larga, larga lista de Ralph cuenta con una animación Disney y lo hacía con canciones de excelencia, que acompaña un tan pegajosas como la miel. Froargumento agradable, y mantie- zen fue un trancazo en taquillas, ne el humor de su audiencia con formatos físicos, jugueterías y buenas escenas de comedia. Para moda. Cualquier cosa a la que se mí este era el nuevo estándar a le pudiera poner la cara de Elsa, alcanzar y Pixar quedó muy lejos Anna u Olaf seguro se vendía. de alcanzarlo con Monster University de 2013. En 2014, este estudio interno de Disney tomó una propiedad
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intelectual de su relativamente recién adquirido emporio Marvel y presentó la película Big Hero 6. Grandes animaciones y grandes personajes acompañaron esta aventura algo acompañada de violencia física. Tema que siempre ha sido tabú para el imperio del ratón. 2015 fue el año de Pixar, con su primer intento por acaparar las salas. Disney había optado por dejarle el verano a la casa de Toy Story y la Holiday season a WDAS. Pero 2015 dejó claro que no puedes ganarlas todas y mientras que en verano nos maravilló con Inside Out, fracasó rotundamente en invierno con The Good Dinosaur. La recepción de los productos de Pixar puso nervioso al buen Mickey Mouse porque ya tenía planeado que WDAS tomará las carteleras de 2016 con
dos películas, permitiéndole a Pixar enfocarse en estrenar hasta 2017. La nube de escepticismo se despejó cuando en febrero de 2016 WDAS estrenó la que posiblemente sea su mejor película hasta ahora: Zootopia. Y digo que es la mejor porque más allá de la manufactura en animación y lo entretenido de los sketches Zootopia es posiblemente el guión cinematográfico para niños más complejo que se le haya ocurrido a Disney. Acercando a su audiencia a temas como la discriminación, la pobreza, la economía, la corrupción y las drogas. Me ganaste Disney, me tenías en la palma de tu mano y fui a ver el segundo estreno de WDAS de aquel 2016 y a pesar de ser una historia más para tu club de princesas, me puse a cantar con la muchacha Hawaiana que se lanza a la aventura para salvar a su pueblo. 2017 le tocaba a Pixar y arrancó el verano de aquel año con la olvidable Cars 3. Un rotundo fracaso comparada con las entregas anteriores del Rayo McQueen, cuyos fanáticos ya cargaban encima 11 años más. Por suerte para nosotros, y para Disney, Pixar anotó un hit en octubre con el estreno de Coco: una belleza animada en la que Pixar da a conocer el día de muertos mexicano. En 2018 Disney decidió retomar el modelo “1 y 1” con dos secuelas. Por su parte Pixar se lanzó al verano con Incredibles 2 que fue bien recibida. Mientras que WDAS retomaba su tradi-
cional Holiday season con la secuela de Wreck-it Ralph llamada Ralph breaks the Internet. Yo supuse que 2018 fue de secuelas porque tenías grandes proyectos para 2019. Pero a estas alturas del partido ya sabemos que este 2019 no fue más que una copia del 2018. En verano Pixar llenó las salas con Toy Story 4. Una secuela innecesaria que rompe con el gran cierre que Pixar nos había brindado con Toy Story 3. Pero Toy Story 4 es una joya de la cinematografía comparada con el producto que está llenando las salas de cine este noviembre de 2019: Frozen 2.
tiempo y lo expongo, como puedes ver, con conocimiento de lo que WDAS y Pixar pueden hacer cuando no los presionas por lanzar productos malos. Lo curioso es que parece que ya sabías a qué barranco te estabas lanzando, o alguien te hizo notar que la liga de las secuelas ya no aguantaba más y 2020 será un borrón y cuenta nueva para ambos estudios de animación. Por su parte se espera que Pixar presente Onward y Soul. Mientras que el decepcionante WDAS tiene planeado regresar en noviembre de 2020 con Raya and the last Dragon.
Frozen 2 no es una nueva aventura de las hermanas Elsa y Anna, no es divertida, no tiene canciones pegajosas, no tiene comedia ligera. Frozen 2, tiene tu avaricia, Disney, en su más descarada representación. Frozen 2 es la fórmula que usan aquellos que quieren duplicar tu éxito poniendo un animalito vende juguetes. Frozen 2 es lo peor que has hecho en mucho
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Y sus mil caras Por Manuel Pineda “Comedy is subjective Murray, isn’t that what they say? All of you, the system that knows so much: you decide what’s right or wrong the same way you decide what’s funny or not.” Arthur Fleck
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scribir sobre una película, basada en personajes de cómics se ha vuelto una tarea complicada, con el exceso de información que inunda nuestras pantallas, medios impresos, conversaciones y pensamientos. Analizar, criticar u opinar sobre una obra cinematográfica debe hacerse con responsabilidad, porque va dirigido a una audiencia que está dispuesta a escuchar, a leer o replicar el juicio emitido. Claro que se puede dar una sentencia simple, pero como creadores de contenido estamos obligados a crear algo consciente e inteligente. El Joker ha sido un fenómeno audiovisual impresionante desde
su estreno, en México, el 04 de octubre; la película continúa en cartelera hasta el día de la publicación de este texto: prácticamente dos meses en exhibición, así que estamos hablando de una permanencia que se espera de producciones auspiciadas por grandes distribuidoras o estudios cinematográficos. Claro, la asistencia del público ayuda a la constancia de exhibición, ya que a nivel mundial ha recaudado aproximadamente $1 040 471 522 de dólares, para un presupuesto de 55 millones de dólares. Nada mal, señor Warner. Pero su éxito no se ha limitado a las salas de cine; sino a otros medios de comunicación, donde encontramos videos,
LA MENTE MAESTRA
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los millones de dólares que habían perdido con películas basadas en superhéroes.
música, fotografías, arte pictórico y publicaciones periódicas con volúmenes especiales dedicados al tema, e incluso la gente se disfrazó del “comodín”. También en las conversaciones ajenas o propias reinaba alguna referencia hacia la obra cinematográfica. Definitivamente fue un producto audiovisual que permeó dentro de nuestra consciencia. Debido al masivo éxito, es inevitable que para este número de Super 8, último del año, se hable sobre uno de los fenómenos audiovisuales más exitosos del 2019. Y es entendible que me haya apresurado a elegir Joker para escribir sobre ella, pero aclaro que no tengo derecho divino sobre ella para opinar; al contrario, como dije en el primer párrafo, es más complicado emitir una opinión porque se debe de justificar correctamente para la apertura del diálogo, ya que cada mente interpreta lo que su contexto le permite. Joker es una película estadounidense dirigida por Todd Phillips, quien recordaran por películas de argumentos simples pero populares como Road Trip (2000), Starsky & Hutch (2004), la trilogía The Hangover (2009, 2011, 2013) y Due date (2010); la verdad es que fue una sorpresa
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ver una obra cinematográfica de la calidad de Joker con estos antecedentes, las otras no son malas, pero no son obras maestras. El guión está a cargo de Phillips en coautoría con Scott Silver, quien ha escrito The Fighter (2010) y 8 mile (2002). Así, encontramos la dupla que supo desarrollar tanto sus influencias visuales como sus experiencias propias. El argumento de la película está de sobra porque les apuesto a que lo han leído, escuchado y lo más seguro es que ya la vieron, pero para los que no la han visto por falta de tiempo, trata sobre Arthur Fleck (Joaquin Phoenix), un payaso y aspirante a comediante, que sufre una serie de acciones desencadenando sus deseos más ocultos, teniendo repercusiones para la sociedad a la que pertenece, convirtiéndose en el criminal Joker. Evidentemente el protagonista no es un personaje original, sino una adaptación más del villano clásico perteneciente a las historietas de Batman. Después de todos los escándalos generados por el fracaso de Justice League (2017), las cabezas de ejecutivos rodaron en consecuencia a su toma de decisiones, las compañías Warner Brothers y DC decidieron apostar por un rumbo diferente, para recuperar
La productora y la casa editorial decidieron plantear una estrategia diferente, gracias a la persistencia de Todd Phillips, ya que presentó un proyecto de 35 millones de dólares, una cantidad meramente simbólica respecto a los presupuestos de películas basadas en personajes de historietas. Así, llegaron al acuerdo de hacer una película individual que no estuviera conectada con las películas previas, razón suficiente para que el cineasta y su equipo tuvieran libertad creativa respecto al personaje e historia; claro, sin toquetear los elementos sagrados correspondientes a Batman y sus relaciones filiales. Evidentemente la producción sobre el villano Joker tendría comparaciones con todas las representaciones audiovisuales previas del personaje, ya que varios actores lo han interpretado, y el caso del difunto Heath Ledger dejó un estándar alto para la reinterpretación. Pero no sólo influye el trabajo del actor; sino el contexto en donde se desenvuelve la ficción, ya que moldea al Joker que vemos en pantalla. Cada personaje tiene elementos inherentes y a su vez características particulares que lo diferencian de las otras lecturas por los actores, guionistas o directores. E incluso el comentario del espectador será diferente respecto a lo que se tenía pensado por los artistas que crearon la obra cinematográfica. Cada uno sirve al contexto para el que fue creado. El Joker, interpretado por Joaquin Phoenix, dirigido por Todd Phillips, escrito por el director en coautoria con Scott Silver no funcionaría en los universos creados por Christopher Nolan, Tim Burton o David Ayer. Por supuesto, las actuaciones de Ledger, Nicholson y Leto tampoco
se podrían replicar ni comparar porque cada uno fue creado para una finalidad distinta. Por si fuera poco, la audiencia evoluciona, así que la gente que asistía a las salas de cine en 1989 no es la misma del 2008, mucho menos a la audiencia del 2016 cuando se estrenó Suicide Squad. Como audiencia debemos de exigir, pero también entender cómo influyen los contextos para las interpretaciones de un personaje que ha sido reescrito por muchos autores desde 1940. En la película que se encuentra en cartelera encontramos elementos creados por Alan de análisis o video en internet; personaje de cómics creado en Moore, Brian Bollando y John sino que quiero que compren- los años 40 y que ha sufrido disHiggins para The Killing Joke, dan la diversidad de visiones tintas transformaciones por los escritores, editores, ilustradores, censores, publicistas, guionistas, cineastas, actores, y por supuesto el público. Así que cuando veas una película basada en una obra preexistente, piensa en todas las transformaciones que hay detrás de ella, no es necesario que busques una verdad absoluta o aclaración tipo “explicación del final de Logan/Rambo/Frozen/Lo que el viento se llevó”, sino que generes una interpretación/opinión/ juicio propio y, si te interesa, lo refuerces a través de fundamentos con evidencia documental. Vivimos en una sociedad de inpero también hay detalles rela- en la creación de una obra au- formación fácil, no perdamos la cionados a las estructuras crea- diovisual, sobre todo cuando se capacidad de curiosear. das por Grant Morrison y Brian habla de una adaptación de un Azzarello; sin mencionar las otras influencias visuales o argumentales provenientes de otras fuentes como los filmes. Son ingredientes pequeños pero que están presentes, la adaptación es una transformación que se vuelve compleja, en este caso, por el lenguaje literario que se convierte al cinematográfico. Realmente no quise hacer un resumen de las influencias visuales, literarias o sociales que inciden directa o indirectamente en la película, eso lo encuentras en cualquier fuente periodística,
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El filme del año Por @AMAURY1984 “Hello, it’s me
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stamos por arrancar el últi-
I was wondering if after all mo mes de 2019 y con tanto que
ver en la mejor temporada del cine, es fácil olvidar los pasados 11 meses de nuestro gran hobbie To go over everything audiovisual. Verán ustedes que en ocasiones sucede que, en MéThey say that time’s supposed xico, las películas que mejores reseñas y calificaciones tienen to heal ya empiezan a salir hasta inicios del año siguiente a su estreno But I ain’t done much healing” en otros países. También suele haber verdaderas joyas que por -Hello, Adelesalir a mediados de año llegan a
these years you’d like to meet
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LA CAJA DE PANDORA
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perderse en el mar de opciones. Pero con mi selección a película del año este no fue el caso; ¡maldito Almodóvar!, lo volviste a hacer, creo en ti y como el más chafa de los Peter Pan live action saliste volando con tu más reciente filme Dolor y Gloria. Cuando decidí ir a ver el más reciente trabajo de Pedro Almodóvar el título me hizo pensar en un drama como los que él sabe hacer: Hable con ella, Volver o la galardonada Todo sobre mi madre. Con escasos minutos de iniciada la película uno puede notar que no es el caso, Dolor y Gloria es otro episodio biográfico del
mismo Almodóvar llevado al cine. OTRO… otro… otro... El primer episodio de la biografía de Pedro Almodóvar es La mala educación. Escrita, dirigida, fotografiada y vivida por él mismo. Una película de 2004 que personalmente considero se ubica entre las más mediocres en la carrera del realizador español. Llena de clichés LGBTTTI+ en la que, glorificando su éxito personal, nos cuenta su perturbada infancia en el seminario. Institución eclesiástica que por aquel entonces era la manera más económica para un español de hacerse de una educación profesional. Sí, se enamora de su amiguito precoz, pero el sigue y
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sigue, y sale avante para volverse ¿Y ahora estoy sentado aquí, director de cine y poder contar en esta sala, para ver la secuela? ¡Ostia! Vale, que el tío por lo menos la ha empezado diferente, parece ha trabaja’o en darle más estructura. Veamos pues. Almodóvar decide sincerarse con el público que acepte escucharlo. Y empieza con un moóologo brutal que a cualquiera que sienta que la juventud se le escapa de las manos le caerá como balde de agua helada. Pocos momentos después nos encontramos con el afamado realizador Salvador Mallo, interpretado por Antonio Banderas. Aislado en la seguridad de su residencia, Salvador vive un retiro no anunciado; tras el fallecimiento muchas más historias con más de su madre perdió algo que lo calidad que su biografía perso- motivaba a seguir adelante. Está nal… en la segunda mitad de los 60 y
algunos achaques físicos empiezan a incentivar el letargo. Por medio de su amiga personal y agente se entera que la juventud está interesada en celebrar uno de sus filmes más emblemáticos: Sabor. La posibilidad de hablar frente a mucha gente sobre su pasado lo lleva a recordar pasajes de este, que poco a poco lo adentran en un viaje que termina en el personaje más importante de su vida: su madre. En la España empobrecida y sometida de los 1960, un niño de no más de 10 años vive bajo el yugo de una madre demasiado amorosa. Obsesionada con poder darle el mejor futuro a su hijo, decide presionar a su pareja
para estar unidos bajo un mismo techo. Techo en el que no se moverá una cortina o se levantará un plato que ella haya planeado así. Salvador regresa a su presente y se encuentra en un punto de inflexión en el que decide cerrar ciclos. Entre ellos el fantasma de aquellas palabras que su madre solía soltar sin el más mínimo tacto y los conflictos profesionales que rodearon la producción de la joya cinematográfica que la juventud española está decidida a reconocer. La lucha por sacar lo mejor de su presente no llega fácil e involucra confrontarse a sí mismo y a la desidia y pasividad que lo han invadido.
La audiencia puede deducir que esta época en la vida de Salvador Mallo terminó de la mejor manera posible; puesto que Salvador, o Pedro, tuvieron la posibilidad de presentar al mundo una verdadera joya del cine. Una película que me recuerda las primeras líneas de una canción muy conocida de Adele en la que invita a su contraparte a sentarse a platicar y ponerse al tanto de lo que ha sucedido desde aquella última vez que nos vimos. Epílogo: Te saliste con la tuya encuerando al César. Eres un “PRRO” Almodóvar.
FICHA TÉCNICA: Título: Dolor y Gloria (2019) Produce, Dirige y Escribe: Pedro Almodóvar Producción: Agustín Almodóvar Fotografía: José Luis Alcaine Edita: Teresa Font Musicaliza: Alberto Iglesias Arte: Antxón Gómez Protagonizan: Antonio Banderas, Penélope Cruz, Cecilia Roth, Leonardo Sbaraglia, César Vicente y más.
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