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Contenido El cine es poesía Reservoir Dogs 2
Tesoros fílmicos Legend 6
La mente maestra American Gangster 10
La caja de Pandora Once Upon A Time In America 15 Esperamos tus críticas y comentarios en Facebook
Editorial With a great effort the Don opened his eyes to see his son once more. The massive heart attack had turned his ruddy face almost blue. He was in extremis. He smelled the garden, the yellow shield of light smote his eyes, and he whispered, “Life is so beautiful.” [...] And his father dying had said, “Life is so beautiful.” Michael could never remember his father ever having uttered a word about death, as if the Don respected death too much to philosophize about it.
En portada: Once Upon A Time In America (1984)
[...] Michael observed all this with a tight, polite smile. He was not impressed. Yet, he thought, if I can die saying, “Life is so beautiful,” then nothing else is important.
Super 8 Número 123 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Amaury Hernández, Manuel Pineda, Libertad Pineda. Arte y Diseño: Azucena Mecalco Ciudad de México Mayo 2020
The Godfather Mario Puzo
Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.
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EL CINE ES POESÍA
Por Libertad Pineda Mr. Blonde: Hey Joe, you want me to shoot this guy? Mr. White: [laughs] Shit... You shoot me in a dream, you better wake up and apologize.
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uentin Tarantino ha realizado un sin número de películas, que han logrado permanecer en la memoria de millones de cinéfilos, alrededor del mundo. Varias de ellas han tenido referencias o han sido versiones completas de otras. Ha ido adaptando filmes basados en películas del cine italiano o japonés para el público contemporáneo
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y, sobre todo, para el público americano. El resultado ha sido un producto visual entretenido. Sin embargo, en algunos casos, sus trabajos fílmicos han logrado rebasar la barrera del entretenimiento para colocarse en el campo del cine de culto.
tiene moral; él que sólo tiene sed de caos y sangre; el que está sólo por hacer un trabajo más: el neurótico y que sabe que hubo algo mal; uno más que hace trabajos arriba del ladrón promedio; se encuentra también, por supuesto, el jefe del grupo, quien tiene todo un imperio de negocios Reservoir Dogs es un caso esturbios pero es un viejo lobo de pecial al ser la película que lanzó Cada uno de los mafiosos en mar, y al final su heredero, cuyo al estrellato a Quentin Jerome cuestión son el perfecto cliché valor único es ser hijo del jefe. En Tarantino, quien sorprendió al de hampones profesionales. En- esa canasta de personajes se demundo hollywoodense con una contramos al old school, el cual, cantan muy buenas actuaciones historia típica de mafiosos, pero con una aproximación distinta, vibrante y fresca. La película no sigue una línea de tiempo plana. Nos lleva desde la planeación meticulosa, al durante y después de un robo. Los saltos en la línea de tiempo nos conducen a un sin número de emociones. La escena donde se presentan los integrantes del grupo resulta
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hilarante, es una joya. Cada uno acuerda tener un nuevo nombre, si bien algunos no lo encuentran lógico o agradable, terminan por aceptarlo. Ver a Steve Buscemi ser nombrado Mr. Pink, tiene su mérito en sí. Su voz chillante y su trabajo actoral llegan a exasperar.
de Harvey Keitel, Tim Roth, Lawrence Tierney y Michel Madsen, este último convirtiéndose en un socorrido actor de Tarantino en posteriores películas. Mr. Pink: You kill anybody? Mr. White: A few cops. Mr. Pink: No real people? Mr. White: Just cops.
A pesar de haber sido acusado de plagio, en varias ocasiones, el Tarantino ha logrado entrar en la zona de directores laureados. Una escena que me viene a la mente, y que ilustra el por qué de su sitio, es la imagen memorable de Mr. Blonde bailando, Stuck in the middle with you, destila ultra violencia, nostalgia por los años setenta y sirve de cuadro para la tortura. La violencia que transpira esta cinta apoyada en el neo noir a inicios de los años noventa, con los elementos de filmes de crimen y un humor bastante negro, la arroja directo a las películas clásicas del
cine contemporáneo. Es curioso que a su estreno en Estados Unidos no fuera tan exitosa comercialmente, aunque sí popular entre los festivales de cine de América. La buena acogida vino de Reino Unido donde recaudó el doble de lo ganado en casa. El largometraje mezcla de manera eficaz los géneros noir y el humor negro, lo que resulta en un trabajo sumamente mordaz, aunque llevadero. Quizás algo que no se vuelve a ver en las
últimas obras de este director. Me atrevo a señalar que en sus primeros trabajos realmente se veía algo diferente, si no había originalidad, había frescura en sus productos finales. Situación que ya no encontramos con los recientes, pues, parece estar cortando las cintas de sus anteriores películas, mezclarlas y volverlas a unir en una nueva trama. Finalmente, este trabajo ha trascendido en el tiempo, cada vez que la miras, terminas con una nueva lectura o descubrimiento.
FICHA TÉCNICA Título: Reservoir Dogs Director: Quentin Tarantino Guión: Quentin Tarantino Fotografía: Andrzej Sekula Protagonistas: Harvey Keitel, Steve Buscemi, Tim Roth, Edward Bunker, Lawrence Tierney Lenguaje: Inglés Año: 1992 País: E.U.A. Duración: 99 minutos
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Juego de gemelos Por @AMAURY1984
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a carrera del realizador estadounidense Brian Helgeland empezó, como dirían por ahí, “con el pie izquierdo”. Reconocido como un gran guionista a cargo de la parte escrita de la emblemática L.A. Confidential, decidió iniciarse en la dirección con su guión de Payback en 1999. Más
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tarde se colocó en los reflectores con la polarizada A knight’s tale. En total cuenta con cinco películas de su puño y visión personal. Y se dice por ahí que se encontraría planeando la producción de una película sobre la mafia Bostoniana y una más sobre la emperatriz egipcia Cleopatra.
TESOROS FÍLMICOS
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Allá por 2015 presentó Legend, su primera adaptación realizada del libro de John Pearson The Profession of Violence: The Rise and Fall of the Kray Twins. La adaptación en guión de Helgeland nos lleva por el ascenso de los reconocidos hermanos Reginald y Ronald Kray, los jefes de “La Firma” londinense. Desde sus inicios para controla todo el lado este de la ciudad británica hasta el control de los negocios de la mafia estadounidense en la década de 1960. La película del señor Helgeland arranca con la forzada salida de Ronald Kray de un hospital psiquiátrico. Tras ser persuadido por Reginald para aprobar la salida de su hermano, Ronald Kray regresó al negocio. Se encontraba ahí debido a la esquizofrenia que padecía y aunque su doctor terminó por ceder ante la presión, le recomendó ampliamente a Reginald mantener a su hermano medicado. La película lleva por narradora a Frances Shea, la joven hermana del chofer de Reginald. Tras un cortejo bastante sencillo y sin chiste, el mafioso y la adolescente tienen su primera cita en el club nocturno propiedad de los Kray. En palabras del personaje, la personalidad de “su cuñado” la aterra y la hace padecer en una época de su relación. Pero si uno presta atención termina por entender que esta relación amorosa siempre tuvo un tercero presente. Reggie y Ron siempre fueron uno solo. Cuando Ronald fallece en 1995 tras 25 años en prisión, su hermano Reginald, también metido en la cárcel desde 1969, organiza por medio de sus parientes un fastuoso desfile luctuoso. En las flores, se pudo leer el mensaje: “En memoria de mi otra mitad”. Helgeland construye en su visión cinematográfica una relación de tres narrada por ella. Lo papeles principales los lleva a cuestas Tom Hardy, que
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básicamente es él mientras representa a Reginald y es… pues una especie de mezcla entre su papel de Bane para The Dark Knight Rises y Reginald cuando se trata de representar a Ronald. Creo que el director falla a la hora de construir los personajes de esta biografía mafiosa. Emily
Browning en el papel de Frances es básicamente Emily Browning disfrazada y sin guía. El conflicto principal en este triángulo amoroso se basa en el crecimiento y el complot. Helgeland nos presenta el crecimiento del Imperio Kray bajo la direc-
ción de Reginald que es seguido por la inagotable punción de autodestrucción de Ronald. Quien a pesar de estar enlodando con sus errores a sus cercanos presenta nulo remordimiento. Legend es una película biográfica con respetables valores de producción, goza de un buen ritmo, un guión interesante, pero una muy olvidable dirección de actores. Helgeland falla en un punto básico, aunque conociendo su carrera creo que nunca ha sido su fuerte.
FICHA TÉCNICA Título: Legend Escribe y Dirigie: Brian Helgeland Fotografía: Dick Pope Edita: Peter McNulty Musicaliza: Carter Burwell Protagonizan: Tom Hardy, Emily Browning, Colin Morgan, Joshua Hill, Sam Spruell, Taron Egerton y más.
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I always wonder if people know when history’s being made. And what they’re doing at the time. This, for instance, could be a historic moment, and you’re sipping a glass of water. Tosca
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n el cine estamos acostumbrados a algunos géneros, sobre todo dependiendo de la formación hogareña que uno tiene, he conocido familias que prefieren exclusivamente comedias, otros que solo aman los musicales, y los que eligen acción para el fin de semana; claro, no es exclusivo ser fanático de un solo género, pueden tener gustos mixtos, incluso hay personas que se comprometen con una productora fílmica como el caso de Disney, ellos sólo van al cine a los estrenos de estas películas. En
mi caso, como lo he mencionado muchas veces en este medio, prefiero el cine bélico, acción, ciencia ficción, fantasía y el crimen. Para este número de super 8, nos han pedido que hablemos sobre el subgénero gánster y he elegido una película de uno de mis cineastas preferidos: Ridley Scott. Sin embargo, voy a hablar un poco sobre el gánster, ya que estamos acostumbrados a su presencia no sólo en el cine, sino en la vida real, vivimos en un país
LA MENTE MAESTRA
Por Manuel Pineda
de tercer mundo, mi residencia es en la capital y en algún momento de mi vida me he cruzado con el mafioso.
nematografía se han producido películas que nos muestran las andanzas de malhechores organizados, algunas de estas historias han sido dramáticas, otras Para empezar, la real acade- cómicas y algunas violentas. mia de lengua española nos indica que la palabra gánster sigPelículas silentes como La nifica: “Miembro de una banda banda del automóvil gris (Méorganizada de malhechores que xico, 1919), otras sonoras como actúa en las grandes ciudades” Little Caesar (Estados Unidos, (RAE, 2020). Leyendo este sig- 1931), The public enemy (Esnificado, es inevitable pensar tados Unidos, 1931), Scarface: que esto podría ser la idea prin- The shame of the Nation (Estacipal de cualquier argumento de dos Unidos, 1932) y White Heat guión cinematográfico. Desde (Estados Unidos, 1949), entre el inicio del argumento en la ci- otras, crean la base de lo que
será el subgénero cinematográfico de gánsteres. La estructura de las películas de gánsteres es similar, nos presentan al protagonista en la cumbre o el ocaso de su carrera, y a partir de ahí nos van contando su origen para ir escalando al punto donde se encuentra el personaje. Generalmente es pobre, inmigrante, huérfano, perteneciente a una minoría e incluso un subalterno que aprovecha la oportunidad del momento para escalar dentro de una estructura criminal o incluso formar
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Ridley Scott incursiona en el subgénero de forma increíble, con una técnica cinematográfica madura, forjada a través de su experiencia, al mostrarnos esta historia basada en hechos reales. Estamos tan acostumbrados al mafioso italoamericano que, al ver al carismático Denzel, no dudamos en la tenacidad de su interpretación.
la propia. En algunas ocasiones le ponen pareja sentimental, en otras la encuentra en el camino o su vínculo emocional es hacia un familiar. El antagonista suele ser un policía, detective, agente especial, un fiscal, un reportero o algún abogado. Siempre se muestra el crecimiento, el éxito, la muerte de algún leal, la traición, el error y el declive, en algunos casos suele haber redención o una muerte “honorable” para el criminal. En la industria fílmica estadounidense, a finales de los años 60, hubo un repunte del subgénero ya que se abolió el Código Hays, una ley que censuraba las películas que edificaban la figura del gánster junto al crimen organizado. Así, algunos cineastas jóvenes, como Martin Scorsese, empezaron a contar las historias de los mafiosos que gobernaban a través de la corrupción o el tráfico de influencias durante su infancia y adolescencia. Otros productores fílmicos aprovecharon obras literarias preexistentes para adaptarlas al cine, como Francis Ford Coppola con The Godfather. Y unos más, como Brian de Palma, decidieron rehacer las películas de los años 30 como Scarface. Así llegamos al American Gangster, una película estadounidense del 2007, interpretada por dos actores emblemáticos del nuevo siglo: Denzel Wash-
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ington y Russell Crowe. Esta fue la primera colaboración de Denzel con Ridley Scott, aunque ya había trabajado con Tony Scott, hermano del cineasta. Respecto a Russell, ya se había convertido en el actor de cabecera de Ridley desde su gran éxito: Gladiator (Estados Unidos, 2000). La película trata sobre Frank Lucas (Denzel Washington), un afroamericano neoyorquino, quien es chofer del gánster local Ellsworth “Bumby” Johnson. Al fallecer “Bumby”, Frank decide seguir los pasos de su jefe, cobrando las deudas pendientes y posicionándose en el tráfico de heroína, cien por ciento pura, traída directamente de Tailandia, sobornando a funcionarios del ejército estadounidense, a través de los vuelos que devolvían a los soldados de la guerra de Vietnam. Poco a poco, Frank Lucas se va posicionando con la calidad de su heroína a precios irrisorios sobre la competencia, superando en ingresos a los mafiosos italoamericanos y latinoamericanos; llamando la atención del detective Richie Roberts, quien no es querido dentro de la fuerza policiaca por negarse a robar dinero de la mafia; sin embargo, gracias a su honestidad, le encargan la dirección de una fuerza especial para investigar a los lideres de la mafia y la corrupción de los funcionarios públicos.
Claro, como mencioné, estas películas tienen un limite muy difuso respecto al bien y el mal. En American Gangster, Ridley trata de recordarnos que su protagonista bondadoso y amoroso con su familia también es un despiadado al matar a la luz del día, sin importar que haya testigos, además nos muestra las victimas colaterales como todos los huérfanos que deja la adicción a la heroína. Por otro lado, tampoco el antagonista es del todo bueno, ya que es un hombre comprometido con la justicia, con su trabajo y el deber. Sin embargo, su papel de padre o esposo amoroso no destacan como una de sus virtudes, e incluso por momentos Frank Lucas es más noble que el propio Richie Roberts. Hay varias partes que me encantan porque refleja esta critica hacia el estereotipo italoamericano, como las escenas cuando Frank negocia con el jefe Dominic Cattano, otra donde Richie trata de convencer a un funcionario estadounidense sobre el liderazgo de Frank sin ser parte de alguna “familia de la mafia” y, por último, cuando trata de convencer a Frank para que coopere con el policía, resumiéndolo con el dialogo pronunciado por Richie “They’re not my kind. They’re in business with you, they ain’t my kind. They ain’t my kind like the Italians are not yours”. American Gangster fue una película exitosa con todo y la
filtración que tuvo dos semanas antes del estreno oficial, en la carrera individual de cada actor también fue un acierto, manteniendo la ola de producciones fílmicas donde participarían posteriormente. Para mí es una obra que debe verse para darte un aire fresco respecto a otros filmes sobre gánsteres, aunque al final los estadounidenses te dirán que ellos siempre han tenido a los mejores mafiosos y que nadie trafica como ellos. Actualmente existen muchas películas sobre mafiosos, que usualmente glorifican al villano, los personajes están tan bien construidos que el carisma de las interpretaciones te gana como audiencia, poniéndote de lado del malhechor, deseando que logré escapar de la policía y aniquile violentamente a su competencia. En México siempre se mantuvo el cine sobre gánster, pero moldeado conforme a su contexto histórico y social, así que en vez de tener italoamericanos o, en este caso, afroamericanos, tenemos mexicanos narcotraficantes, bandas de ladrones de autos, autopartes, de celulares, etcétera. También hemos tenido criminales famosos, pero ninguno cuenta con una película con un lenguaje cinematográfico similar al estadounidense, no está mal porque cada país contiene su propio lenguaje, sin embargo, nuestra constante exposición a Hollywood nos limita en percepciones. El cine sobre gánsteres seguirá permeando en la cultura popular, algunos los glorifican, otros los criticaran, sólo hay que recordar que también influye el estilo artístico en cada película y aunque veamos una muerte “bella o visualmente espectacular”, en la realidad no es hermoso. Cada mafia trae dolor, muerte y sufrimiento, y ninguna vida humana vale un monumento, un penthouse o el poder absoluto.
Por Azucena Mecalco
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n años recientes, el creciente enaltecimiento de las figuras del narco ha dado origen a la idea de la Narcocultura, dentro de la cual, la figura idealizada del criminal se vuelve al mismo tiempo ídolo y producto de consumo. Sin embargo, la mitificación del crimen y sus protagonistas viene de mucho tiempo atrás. Basta con acercarse al folklore popular para encontrar figuras arquetípicas como la Ro-
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bin Hood que ha trascendido bre de masas» desarroépocas y fronteras. llado por Umberto Eco en más de uno de sus Las historias de criminales trabajos. La explotación como protagonistas son tam- de la mafia y el crimen bién una de las fuentes del cine organizado en cualquiehollywoodense para crear ar- ra de sus versiones y gumentos fílmicos, en la mayor nacionalidades llega al parte de ellas se recrean las vi- punto en que, tan sólo vencias y peripecias de los perso- en IMDB, observamos najes; dotándolos de complejas y 4486 títulos que refieempáticas características que los ren al «gangster» como transforman en «el súper hom- personaje principal.
LA CAJA DE PANDORA
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Dentro de esos 4486 títulos había una vez una cinta con valores de producción tan destacados que se fijó en la memoria de los cinéfilos alrededor del mundo como una de las mejores películas de mafiosos, basada en un libro y dirigida por Sergio Leone: Once Upon a Time in America. Como muchas grandes producciones del cine clásico hollywoodense, Once Upon a Time in America, realizó una dura travesía para lograr materializarse. En 1952, Herschel Goldberg, mejor conocido como Harry Grey escribió un libro autobiográfico titulado The Hoods, el cual llegaría a las manos de Sergio Leone, quien a principios de la década de los 70 decidió que debía adaptar la historia de Grey al cine. En 1977, se anunció que comenzaría el rodaje tan ansiado por Leone, entre las figuras que participarían se encontraba Gerard Depardieu. Sin embargo, a última hora el rodaje fue detenido debido a que Alberto Grimaldi, productor, se encontraba trabajando al mismo tiempo la película de un tal Fellini: Il Casanova di Federico Fellini. En 1982, con el israelí Arnon Milchan como productor, Leone dio inicio a la filmación de la historia de Grey. Con la soberbia fotografía de Tonino Delli Colli, quien antes había trabajado en The Decameron (1971) de Pasolini, asistimos como cómplices y espías en encuadres amplios y detallistas a la década de 1920, en el gueto del Lower East Side de Manhattan, lugar donde se entreteje la vida y drama de David Aaronson, Noodles, encarnado de manera brillante por Robert DeNiro en su etapa adulta y por Scott Tiler en su adolescencia. La película de Leone se construye de la evocación y la nostalgia que el propio protagonista, Noodles (DeNiro), le concede a
cada uno de los recuerdos que aparecen en su mente, una vez que su vida llega al punto sin retorno donde lo único que aún conserva son las memorias imprecisas que lo atormentan al ritmo de la música de Ennio Morricone. Cada cambio, sensación y estado de ánimo cuenta con su propia melodía. El soundtrack no fue creado como mero acompañamiento; sino como personaje y elemento narrativo, porque en esta película Morricone no musicaliza las emociones de los personajes sino del correr tiempo. Al mismo tiempo, la música nos ayuda a empatizar con personajes cuya construcción psicológica se encuentra tan bien lograda que se transforman en seres mezquinos, demasiado humanos, arrogantes e individualistas, que en uno u otro momento de la película, con sus 3 horas y 49 minutos de duración, consiguen decepcionar al público con su sordidez. Existen diferentes versiones de este trabajo de Leone, cuentan las leyendas que el primer
corte de seis horas fue rechazado por su imposibilidad de ser estrenado en una sola exhibición en el cine. Posteriormente, lo redujo a cuatro horas y treinta minutos, pero por mucho que trató, los ejecutivos lo mandaron de vuelta al cuarto de edición a recortar la película. Al final, consiguió aglutinar una historia en la que no existen huecos ni residuos. Cada nota de Morricone se funde con cada encuadre de Tonino Delli, creando escenarios magistrales, casi oníricos, más allá de la simple representación de atmósferas.
Como muchos otros filmes, éste cuenta con sus sobre interpretaciones en las que se hace alusión a que toda la historia no es más que un sueño de Noodles, un viaje de opio. Sin embargo, ni el argumento, ni los personajes, ni mucho menos la fotografía y música requieren de sobre interpretaciones para mostrar de forma explícita un producto que vale la pena revisar, pues pese a ser otra cinta de mafiosos, se aleja mucho de la exaltación moderna (y no tan moderna) de la figura del criminal como ídolo o producto. FICHA TÉCNICA Título: Once Upon a Time in America Director: Sergio Leone Guión: Leonardo Benvenuti & otros, basados en la novela The Hoods de Harry Grey Fotografía: Tonino Delli Música: Ennio Morricone Elenco: Robert De Niro, James Woods, Elizabeth McGovern, Treat Williams, Joe Pesci, Scott Tiler, Burt Young, Tuesday Weld Año: 1984 País: E.U.A. Duración: 229 min.
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