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Contenido
Editorial
El cine es poesía Pride and Prejudice 2
Tesoros fílmicos Sin novedad en el frente
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La mente maestra Breakfast at Tifannys 10
La caja de Pandora El padrino II 15
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En portada: Breakfast at Tifanny´s (1961)
Pero si Miss Golightly no llegó a enterarse de mi existencia, excepto en mi calidad de práctico portero, a lo largo de aquel verano yo acabé convirtiéndome en toda una autoridad sobre la suya. Descubrí, observando la papelera que dejaba junto a su puerta, que sus lecturas normales eran la prensa popular, los folletos de viajes y las cartas astrales; que fumaba unos pitillos esotéricos de la marca Picayune; que sobrevivía a base de requesón y tostaditas; que su cabello multicolor no era obra de la naturaleza. La misma fuente de información me permitió saber que recibía montones de cartas del frente. Siempre estaban rotas a tiras alargadas, como registros. A veces me llevaba uno de esos registros para utilizarlo en mis lecturas. Recuerdo y te echo de menos y llueve y escribe, por favor, y maldita y condenada eran las palabras que más a menudo se repetían en esas tiras de papel; éstas, y soledad y te quiero.
Desayuno en Tiffany´s Truman Capote Super 8 Número 124 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Amaury Hernández, Manuel Pineda, Libertad Pineda. Arte y Diseño: Azucena Mecalco Ciudad de México Junio 2020
Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.
Jane Bennet: Mr. Bingley is just what a young man ought to be. Sensible, good humour... Elizabeth Bennet: Handsome, conveniently rich. Jane Bennet: You know perfectly well that I do not believe that marriage should be driven by thoughts of money!
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EL CINE ES POESÍA
Por Libertad Pineda
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as películas basadas en libros generalmente dejan insatisfechos a los lectores o a los cinéfilos. Es difícil satisfacer en los dos campos por diferentes razones. Normalmente lo que leemos en una novela de trescientas o novecientas páginas, no va a poder materializarse en la pantalla grande, quizás por tres motivos: uno, cada lector cristaliza en su mente imágenes y emociones distintas; dos, el hecho de que
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sería tremendamente costoso; y tres, podría no ser atractivo para una gran audiencia. Pocas producciones cinematográficas han cumplido con los altos estándares de un lector, y de un cinéfilo, un ejemplo claro, ha sido The Lord of the rings, la cual alcanzó una gran aceptación entre los lectores y cinéfilos, e incluso atravesó la barrera del cine comercial, llegando a una audiencia mucho mayor. Las narraciones en un libro, muchas veces, representan una era o una época pasada, así como sus costumbres. El autor debe describir a detalle, no sólo entornos; sino también la psicología de los personajes y, claro, en la narrativa no hay tope, hasta cierto punto tiene la libertad de hacerlo por largos tomos
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e intrincados pasajes. Por otro lado, el cine es un medio diferente del de los libros. Requiere de una fuerte suma de dinero para poderlo llevar a cabo, de una narrativa diferente y de otros elementos de imagen y producción. Lo interesante de estos medios es la capacidad de juntarlos y crear nuevos obras o historias frescas para el deleite de todos. Cuando se logra una buena mezcla se obtienen aportaciones para la historia original.
con los personajes, incluso cambiándoles por completo el rol del de la historia original. Aunque hay que apuntar que esta versión de 1940 se da en plena Segunda Guerra Mundial. Además de que el mismo estudio que produjo Gone with the wind se encargó de Pride and prejudice y al final decidieron tomar vestimenta de la era victoriana, la que le recordó a la audiencia el éxito de la película antes mencionada. Aparte introdujeron modales y maneras de la época de los cuarentas para La película que nos atañe esta atraer al público. ocasión es Pride and Prejudice, Después vinieron adaptabasada en la novela de Jane Ausciones en miniseries produciten, escritora británica del siglo das por la BBC, de las cuales, la XIX. Esta novela se tomó en los producida en 1995 resultó ser años cuarenta para una adaptauna adaptación apegada al libro. ción al cine de Hollywood. Sin Además de haber invertido en embargo, sólo se utilizaron ciervestimenta inspirada en el tiemtos elementos y se jugó bastante po en que fue publicado el libro,
en enero de 1813. El éxito de la adaptación resultó en un nuevo interés por la obra de Jane. Por último, en 2005 Joe Wright (Anna Karenina, 2012; Darkest hour, 2017) nos presentó una adaptación nueva de la misma historia. Una buena producción acompañada de una adecuación al siglo XXI, de los peinados de los personajes femeninos y del afamado Mr. Darcy, así como de la vestimenta de los personajes y, en específico, de este último, quien va cambiando conforme su interés crece. Si bien el libro se centra en el matrimonio de la mujer en general, en la película es más claro el objetivo particular de dos de los personajes: el proceso del enamoramiento. Es interesante ver cómo hace doscientos años el matrimonio era el medio y el fin para que una mujer alcanzará el reconocimiento social y evadiera la pobreza. Por supuesto, todavía está sucediendo en nuestro presente, en varias culturas. Otro tema importante es la clase social y su importancia relevante para una sociedad estratificada. Es curioso, cómo han cambiado muchas situaciones de estas, pero en algunas formas, en esencia, sólo se han adaptado.
La moral de aquel momento también se ve reflejada, y también tiene sus aristas, ya señalé la importancia del casamiento y la nula movilidad social; asimismo, las que son dignas de elogio como lo son las virtudes: la honestidad y la honradez. El éxito o el fracaso de los personajes se basa en seguir un código moral inquebrantable. Si, suena romántico, pero quizás en nuestros días haría falta apegarnos más a ese aspecto de la vida en sociedad. Por otro lado, el orgullo y el prejuicio llevan a los personajes a sus tribulaciones y a actuar según lo que perciben del otro. Quizás resulta trillado decir que primero hay que dar y conocer al otro, antes de emitir un juicio, pero es necesario practicar. La adaptación mantiene las frases y argumentos memorables del libro, y la acción de los intérpretes le agrega el sentimiento necesario sin caer en lo melodramático. Es una cinta que se disfruta con los puntos importantes del libro, pero con mayor énfasis en la relación de la señorita Bennet (Keira Knightley) y el señor Darcy (Matthew Macfadyen). Para terminar, cabe decirse que a veces leer primero el libro y luego ir por la película le puede restar mérito a esta
última. Pero no debemos olvidar que ambos medios artísticos obedecen a diferentes amos creativos y lenguaje. Ambos cumplen funciones diferentes aun así nos conmueven de cualquier forma. En este caso primero leí el libro, luego por casualidad encontré la película y, en un primer momento, no hizo más que agregar una emoción extra. Sin embargo, volví a releer el libro y me gustó mucho más que la adaptación, aunque no me dejó con amarguras o desencanto. Gustosamente la volvería a ver y volvería a leer, ya que la última vez descubrí que la autora tocó temas de su tiempo que perduran sorprendentemente en el nuestro. FICHA TÉCNICA Director: Joe Wright Guión: Debborah Moggach Protagonistas: Keira Knightley, Matthew Macfadyen,Tom Hollander,Rosamund Pike,Carey Mulligan Lenguaje: Inglés Año: 2005 País: Reino Unido
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Sólo hasta las doce...
Por @AMAURY1984
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ruman Capote publicó en 1958 la novela Breakfast at Tiffany’s, en ella aborda la historia verídica de una muchacha que denominaríamos hoy día como “Sugar Baby”. Alquilando en un lugar muy exclusivo de la isla de Manhattan, la señorita Holly Golightly se codea con la clase adinerada neoyorquina. Escritores,
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abogados, modelos y empresarios la conocen por siempre estar presente en los eventos más importantes y en las fiestas más alocadas. No teniendo ni un centavo para pagar el costoso acceso a este cúmulo social se ha valido hasta ahora de gentileza de adinerados caballeros que intentan por todos los medios conquistar a la muchacha.
TESOROS FÍLMICOS
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En 1960 el productor Richard Shepherd y el director Blake Edwards se hicieron con los derechos para el cine y pusieron en manos de George Axelrod la adaptación a guión. Axelrod que venía de un éxito rotundo con The seven year itch, tanto en teatro como en cine, convirtió la obra de Capote en un absurdo argumento rosa que dejó deleitados a Edwards y Shepherd. Justo lo que requerían para seguir impulsando la boyante carrera de la seleccionada protagonista británica Audrey Hepburn. A los dos minutos de iniciada la obra sabemos el porqué del emblemático título: Una joven arreglada para la mejor fiesta de la ciudad desciende de un taxi frente a la joyería
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Tiffany´s de New York. De entre su abrigo saca una pequeña bolsa de papel en la que guarda el tradicional “desayuno continental” de pan y café. La joven empieza a engullir su alimento mientras echa un ojo a los apa-
radores. Más tarde llega a su edificio. Su vecino, un japonés en sus 40, la ha tenido que soportar día tras día con sus llegadas inoportunas en medio de la noche, estruendosas fiestas y amantes insistentes. Pero nunca
se ha callado, siempre ha solicitado algo de decencia de la muchacha que se vale de sus encantos juveniles para zafarse de cualquier embrollo. Hoy en particular en un día especial en el edificio citadino. Un nuevo inquilino ha llegado. Un joven de buen porte se encuentra con la señorita Golightly, él le ayuda a cargar unas bolsas y ella sin el más mínimo conflicto empieza a sacar y otorgar información. El muchacho responde al nombre de Paul Varjak, o por lo menos así lo hará hasta que Holly le empiece a llamar “Fred” por su notable semejanza a su hermano. Paul vive al igual que Holly “de la gentileza de personas mayores”. Fungiendo como el “Sugar Baby” de una acaudalada mujer que le puso y decoró el departamento. En la adaptación de Axelrod, Holly trata de escapar de uno de sus enamorados por la escalera de incendios ahí nota la relación de Paul y “2E”. Axelrod remata la escena con Holly quedándose dormida en el pecho desnudo de Paul. Evento que deja muy en claro las intenciones de la adaptación. Las intenciones de la Holly de Axelrod empiezan a ser claras, encontrar marido millonario, y si viene con intenciones de
amor, pues qué mejor. El escritor y dramaturgo además decide mantener un de los discursos más emotivos de la protagonista, pero en la realización deciden presentarlo en un momento gris en el que ella también aborda su relación con el mafioso Sally Tomato. Pero la adaptación melosa pasa a ser el segundo de los puntos negativos de la producción. La nefasta interpretación de “La Hepburn” que no tiene la intención maliciosa del personaje que tiene que llenar ocupa el primer punto. Luego está la terrible decisión de darle Mickey Rooney el papel de japonés. Una decisión que deja en claro que al Hollywood de aquellos
días le daba igual insultar a toda una raza poniéndole una prótesis de dientes gigantes a Rooney que además le imprime el clásico tono con “L” en lugar de “R” que a mí en lo personal me parece gracioso pero que, conociendo el personaje de Capote, sabemos que le sirvió a Shepherd y a Edwards de “Comedy Relief” en una historia que no lo necesitaba. Es de destacar la gran actuación de Orangey, el gato brincó cuando debió de hacerlo, aguantó pasear por el barullo de la producción y toleró ser empapado para la escena más cursi de toda la película.
FICHA TÉCNICA Título: Breakfast at Tiffany’s (1961) Dirige: Blake Edwards Produce: Richard Shepherd Escribe: George Axelrod basado en el libro de Truman Capote Fotografía: Franz Planer Edita: Howard A. Smith Musicaliza: Henry Mancini Protagonizan: Audrey Hepburn, George Peppard, Martin Balsam, Mickey Rooney, Patricia Neal, Alan Reed, Orangey y más.
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Que desperdicio serĂa morir e
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LA MENTE MAESTRA
en el frente y que a los minutos se declarara el fin de la guerra
Por Manuel Pineda
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a guerra es parte de nuestra naturaleza humana. Desde que empecé a recibir educación en los centros escolares públicos, la clase de Historia de México como Universal se dividían en periodos que estaban marcadas por algún conflicto bélico, la Historia en esa época se enseñaba de esa manera (ahora no sé cómo la enseñen): «Díganme las fechas y causas de la Revolución mexicana», «Fecha de inicio de la Primera Guerra Mundial», «Consecuencias de la guerra de los pasteles en México», «Año de la caída de Tenochtitlan», etcétera. Así eran las preguntas o frases sobre los conflictos bélicos que nos hacían aprender
e imperaban en los honores a la bandera y las efemérides de todos los lunes en la educación básica.
exposiciones en los museos vienen divididas en fechas donde también sobresalen los conflictos bélicos, así que con toda esa sobreexposición a la naturaleza Si tenías un maestro excelen- bélica de la humanidad no es de te, la clase de Historia sería en- sorprendernos que las películas tretenida, pero si el maestro solo sobre guerras sigan teniendo un cumplía con la dinámica podía nicho especial en los productoser un momento muy aburrido res y los espectadores. en la vida escolar diaria. Generalmente se recurría a dinámiEn la búsqueda de una histocas complementarias a la clase ria para adaptar en cine no ha como visitas a museos, revistas sido tan difícil encontrar, porque especializadas, excursiones es- tenemos miles de conflictos en colares y proyecciones de pelí- la historia humana, si en Méxiculas documentales o ficción, co se pusieran a hacer películas aunque no advertía que sólo son sobre las guerras dónde ha sido representaciones e interpreta- participe como lo ha hecho su ciones de una época pasada. Las vecino norteño, tendríamos una
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Hace un tiempo me proporcionaron una novela sobre la Primera Guerra Mundial, que fue adaptada en dos películas que no había visto, sin embargo, era un título que siempre se menciona en la lista del género bélico: All quiet on the western front (Sin novedad en el frente).
vasta presencia en el género bélico. E incluso aunque no haya sido participe se puede adaptar de otras ramas artísticas como lo ha hecho Hollywood, retomando obras de ingleses, alemanes o francés, por ejemplo. Estamos tan acostumbrados al cine bélico estadounidense que muchas veces olvidamos las películas bélicas de nuestro país o de otros, además siempre vemos las historias contadas desde la perspectiva del ganador e incluso pensamos, siendo muy ingenuos, que los buenos siempre hablan inglés y los malos otro idioma ya que nunca nos lo habían subtitulado o doblado, hasta ahora. Afortunadamente el cine se volvió democrático y en la búsqueda de nuevas perspectivas, ahora es más fácil encontrar películas del género bélico que te hablan de ambos bandos, de la ambigüedad entre el bien y el mal, de la naturaleza humana violenta, de los horrores de la guerra, de las afectaciones psicológicas en el soldado, del daño humano como las heridas corporales, la perdida material del cuerpo, la mente o las relaciones sociales.
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Pero esto no es tan nuevo como parece, este tema ya se había tocado en la historia del cine, sin embargo, fue eclipsado por otro tipo de producciones fílmicas o simplemente no fue distribuido ampliamente. Gracias a la masificación tecnológica ahora es más fácil conseguir material al que no se tenía acceso, lo puedes rentar o comprar digitalmente o pedir de otros países para que llegue a la comodidad de tu casa y en otras circunstancias encuentras bases de datos en línea que te pueden proporcionar acceso a esos documentos.
El libro trata sobre un grupo de estudiantes alemanes, qué al finalizar el periodo escolar, deciden reclutarse en el ejercito debido a los aires de juventud, al nacionalismo influenciado por la escuela y la sociedad en general. Son entrenados por el cartero de su comunidad, quien ahora es instructor de ejercicios, para ser enviados directamente al frente contra los franceses. Ya en el campo de batalla, Paul Baumer y sus compañeros evolucionarán de unos adolescentes de campo a unos hombres marcados por la guerra. Erich Maria Remarque, un alemán que en su juventud fue soldado durante la Primera Guerra Mundial, es el autor de Sin novedad en el frente. Cuando tuvo la
oportunidad decidió escribir sobre los recuerdos de su experiencia en el frente y lo publicó en 1929, siendo este el primero de una trilogía de libros sobre la guerra y sus horrores: De regreso (1930) y Tres camaradas (1937). En 1930 se estrenó la primera adaptación de la novela en cine, fue dirigida por Lewis Milestone y originalmente se estrenó como una película silente que duraba 152 minutos, sin embargo, la Biblioteca del Congreso restauró una versión con sonido que dura 133 minutos y que es la que se puede ver actualmente tanto en sitios de streaming como en formatos digitales, en formato físico es posible conseguir la versión completa. Tanto esta película como el libro fueron prohibidos durante la Alemania Nazi por ser contrarios a su ideología.
Conforme vas viendo la película, encuentras muchas escenas que son representaciones fidedignas de la obra original, las acciones de los personajes, los escenarios, incluso los sonidos ambientales que la cabeza produce al leer el libro se representan de forma fehaciente en la película para televisión. Los caballos gritando, el grito de desesperación del soldado, el último suspiro de vida, el sonido de las explosiones, el lodo metiéndose en la ropa, los gases, los sentimientos y las sensaciones, todos los elementos descritos se encuentran presentes en la obra audiovisual.
En 1979 se estrenó otra versión adaptada para televisión, dirigida por Delbert Mann quien se dedicó en su mayoría a producciones televisivas. Esta adaptación también sufrió diversas ediciones reduciéndola en tiempo o aumentándola, dependiendo del mercado al que era ofrecida, por ejemplo, en Reino Unido hay una versión de 2 horas con 3 minutos, en Países Bajos hay otra de 2 horas con 30 minutos y Ambas obras presentan a jótambién está la edición completa venes estimulados por el nacioque dura 2 horas con 37 minu- nalismo, por la sociedad en la tos. que se desarrollan, creyendo en el honor y la aventura que proLa versión de 1979, que fue la porciona la guerra. Adolescenque vi para este artículo, es muy tes que por voluntad propia o similar a lo narrado en el libro, inconscientemente se enrolan debido al lenguaje audiovisual dentro del ejercito para cumplir televisivo sobresale la voz en off una función y que estando en que pertenece a Paul Baumer, la guerra se dan cuenta que sus personaje principal de la historia, enemigos son como ellos, son quién narra todos los hechos tan- otros adolescentes que también to en el libro como en la película. se enlistaron de la misma forma.
Y que al regresar a casa se percatan de que son menospreciados por los hombres de antaño y por sus familias, que es muy fácil hablar de la guerra en la lejanía e incluso los horrores de la guerra son inexistentes para sus cercanos y aquellos que controlan el poder. Sin duda alguna los adolescentes que se fueron a la guerra ya no serán los mismos, ellos sólo querían jugar, reír, amar, no quería morir por un disparo, asfixiados por los gases, en la locura o con los miembros amputados. La guerra es horrible, la violencia, el horror, la ambigüedad, ambos lados siempre cometerán crímenes y aun así la guerra seguirá existiendo. Por eso me quedo con uno de los diálogos que resume la esencia de la película, del libro y de cualquier conflicto «Yo no quería matarte… nunca me había encontrado con un enemigo cara a cara… si no fuera por esta situación podríamos ser hermanos, pero ellos no quieren que lo sepamos».
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LA CAJA DE PANDORA
Crónica de un destino anunciado Por Azucena Mecalco
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orre el año 1901, bajo el sol inclemente de Sicilia, la viuda de Antolini, acompañada de una comitiva del pueblo y su hijo menor, Vito, recorre el camino de terracería que la llevará al lugar para sepultar a su esposo. Justo antes de llegar, el cortejo es interrumpido por las estridentes detonaciones de un arma de fuego, con ellas llega también la noticia: Paolo Antolini, el hijo mayor, acaba de ser asesinado. Desesperada, la madre de Vito acude suplicante a Don Ciccio para implorar por la vida de su hijo me-
nor, lo único que le queda en la vida. Desde luego, el hombre se niega, temeroso de que, al crecer, Vito cobre venganza por las muertes de su padre y hermano. Sin más opción, la viuda toma a Don Ciccio como rehén para permitirle escapar a Vito, quien antes de huir ve caer el cuerpo inerte de su madre.
grandes trilogías del cine: The Godfather.
Si bien es conocido el dicho de «segundas partes nunca son buenas», con este filme Francis Ford Coppola demostró que siempre existen excepciones a la regla. La película no sólo se encargó de continuar con la historia de Michael Corleone y Con esta escena trágica, pla- sus andanzas como nuevo cagada de tensión, excelentes beza de la mafia; sino también actuaciones y hasta un cadá- creó un espacio diegético paver que mueve la mano, inicia ralelo en el cual se mueve un la secuela de una de las más protagonista distinto, en medio
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de un ambiente por completo película, transitamos tanto en el diferente. presente de don Vito como su pasado; con excepción de que en En tanto presenciamos las esta película la historia que compreocupaciones de Michael para parte pantalla con el pasado del lograr la legitimidad de su fa- Don no es la suya; sino la de «su milia legal e ilegalmente, cono- hijo predilecto, el más amado»: cemos también, por medio del Michael, después de algunos uso de analepsis, la vida de Vito años de la muerte de su padre, la fundador de la familia Corleone. cual no se encuentra en el libro Pero no sólo eso, con su infinita de Puzo. paciencia y falta de temor por la duración, Coppola muestra un Sin perder el estilo fotográsinfín de subtramas asociadas a fico que caracterizó la primera los personajes secundarios que entrega de la saga, con su ilumicomponen la historia principal. nación cenital y paletas de color Nos sumerge en la vida completa de la familia Corleone en dos épocas divergentes, para lo cual se valió de escenarios creíbles, barrocos y pintorescos: por una parte, la ostentosa vida de los Corleone actuales y por otra la miseria de la generación anterior, en medio de la paupérrima realidad que enfrentaban los migrantes italianos en su paso por obtener el sueño americano. El guión de la película estuvo a cargo del propio Coppola y Mario Puzo, tomando como base principal para la historia de Vito el libro original del escritor, en el cual, tal como ocurre en la
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subexpuestas, acudimos a conocer las peripecias de Michael, sus preocupaciones familiares, su afán por limpiar el apellido de su padre al tiempo que pelea por conservar su lugar como jefe de esa otra familia que permanece, tal como las luces de la película, en las sombras. Por otra parte, los filtros amarillos logran brindarle a la historia paralela un deje nostálgico y añejado, sin perder de vista la calidez de la composición. Y aunque en esta segunda entrega
no se contó con la participación de Anna Hill Johnstone (19131932) para el diseño de los vestuarios, Theadora Van Runkle (1928-2011), se encargó de esbozar los elementos necesarios para complementar la atmósfera por medio de vestimentas acordes con cada una de las épocas de la película. Gracias a ello se creó una de las secuencias dinámicas más hermosa jamás filmada. Vito (Robert DeNiro) se reúne con Fanucci (Gastone Moschin), instigador del barrio, tras convencerlo de esperar para recibir su soborno, lo sigue por las azoteas, en tanto éste camina en medio de la multitud que festeja al santo vecinal. El paralelismo plagado de contrastes en el que vemos a Vito a punto de cometer su primer asesinato, saltando y escalando como gato mientras su pesa avanza confiada, rindiendo homenaje y saludando al gentío, en medio del que él se alza casi como el propio santo en el pedestal, queda acentuado por Murder Of Don Fanucci, que continúa durante la secuencia. Pronto el sonido de los pasos de Fanucci en las escaleras se mezcla con el griterío, las fanfarrias expectantes y los destellos en el momento en que éste descubre a Vito frente a él. En ese instante, la detonación de los fuegos artificiales, que se intercalan con los disparos del arma de Vito hasta fundirse con los gritos gloriosos de la multitud en las calles, introduce a la Marcia Stilo Italiano, composición que acompaña a Vito moviéndose entre la gente como si fuese a él a quien celebran, hasta llegar a lado de su familia, para tomar entre los brazos a su hijo menor. Ya con Ninna Nanna A Michele de fondo, Vito besa al bebé para terminar con: «Michael tuo padre ti vuole bene assai, bene assai», consolidando así las tres grandes facetas que componen al personaje: el negociador, el asesino, el padre de familia; todo ello sin omitir la profundización de atmósferas
con música de Nino Rota, Carmine Coppola y la interpretación de Nino Palermo. Es preciso, además, hacer una mención especial al trabajo de Robert DeNiro en el papel de Don Corleone joven, pues en gran medida es su actuación la que consigue volver entrañable al personaje, y mantenernos cautivos pese a que sabemos desde el inicio cómo terminará su historia. Porque, mientras las aventuras de Michael se centran en el «qué» ocurre y el «quién» lo desencadena; lo verdaderamente importante de la historia de Vito es el «cómo». De esta manera presenciamos una evolución consuma en el personaje que pasa de ser un tímido y bonachón padre de familia a convertirse en el hombre más poderoso de su tiempo, en concordancia
con una premisa trabajada por más de un filme de Jodorowsky, «todo lo que vas a ser ya lo eres, lo que buscas ya está en ti». FICHA TÉCNICA Título: The Godfather Director: Francis Ford Coppola Guión: Francis Ford Coppola y Mario Puzo basados en la novela The Godfather Música: Nino Rota, Carmine Coppola Fotografía: Gordon Willis Elenco: Al Pacino, Robert DeNiro, Robert Duvall, Diane Keaton, John Cazale, Talia Shire, Gaston Moschin, Bruno Kirby Año: 1974 País: E.U.A. Duración: 3 horas 22 min.
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