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Contenido El cine es poesía Midnight Run 2
Editorial Vos, mi creador, me destrozaríais en mil pedazos y os preciaríais de semejante triunfo. Recordad eso... y decidme por qué debería apiadarme de un hom-
Tesoros fílmicos Wag the Dog 6
bre que no tiene piedad de mí. Si me arrojaseis a una de esas grietas de hielo y destruyerais mi cuerLa mente maestra The king of comedy 10
po, obra de vuestras propias manos, ni siquiera lo llamaríais asesinato. ¿Debo respetar a un hombre que me condena? Mejor será que convivamos y colaboremos amablemente, y, en vez de daños, derra-
La caja de Pandora Mary Shelley’s Frankenstein 15
maría sobre vos todos los beneficios imaginables, con lágrimas de gratitud. Pero eso no puede ser; las El extra The Intern 19
emociones humanas son barreras infranqueables para nuestra alianza. Pero no me someteré como un esclavo abyecto. Vengaré mis sufrimientos; si
Esperamos tus críticas y Comentarios en Facebook
En portada: The King of Comedy (1982)
no puedo inspirar amor, causaré terror; y principalmente a vos, mi enemigo supremo, porque sois mi creador, os he jurado odio eterno. Me esforzaré en destruiros, y no daré por terminada mi tarea hasta que arrase vuestro corazón y maldigáis la hora de vuestro nacimiento. Frankenstein o el moderno Prometeo de Mary Shelley
Super 8 Número 126 Editor: Azucena Mecalco Redactores: Amaury Hernández, Manuel Pineda, Libertad Pineda. Arte y Diseño: Azucena Mecalco Ciudad de México Agosto 2020
Súper 8 felicita a su editora por su cumpleaños.
Todas las imágenes que aparecen aquí pertenecen a sus respectivos autores, y han sido utilizadas y editadas sin fines de lucro.
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EL CINE ES POESÍA
Por Libertad Pineda Jason: You don’t look like a criminal. Jonathan Mardukas : I’m a whitecollar criminal.
«M
idnight run» es una expresión coloquial que significa «ir por un ‘mandado’» y se caracteriza por ser algo muy rá-
pido, fácil y nocturno. Por ejemplo, una visita a la tiendita de la esquina, en medio de la noche, con el propósito de comprar cervezas. Una oficina que se encarga de cobrar recompensas por criminales de medio pelo le asigna un midnight run a Jack Walsh (Robert De Niro), un ex-policía, de edad mediana que está listo para retirarse del negocio si le pagan
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la cantidad adecuada. Jack busca a un criminal de cuello blanco, apodado ‘El Duque’. Todo parece salir bien, hasta el momento en que el FBI y un grupo de mafiosos de Chicago se unen a la persecución del mismo personaje. Este filme pintaba ser un thriller, policíaco de acción, sin embargo, se torna rápidamente en una accidentada cacería sumamente cómica. Durante los 126 minutos, reímos al unísono con los comentarios mordaces y las acciones que lleva a cabo Jack, para tratar de cumplir con su sueño: instalar una cafetería. El personaje de Jack Walsh es un hombre que ha sufrido los estragos de la corrupción, por ser comprometido y honorable con su oficio de policía. Jonathan Mardukas (Charles Grodin), El Duque, también ha tenido su propia cruzada con la mafia y el sistema judicial. Y en este viaje ambos irán descubriendo sus paralelismos, sus debilidades y sus fortalezas, todo enmarcado en las risas provocadas al espectador, por las aparatosas y ridículas persecuciones que rayan en lo burlesco. El desarrollo de la historia nos toma de la mano para descubrir la naturaleza de ambos personajes, con escenas típicas de road-movies que incluyen muy buenos
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momentos que mueven a la risa. Realmente es divertida sin caer en lo simple o absurdo. Tony Darvo : That fellow Walsh is pretty good, Jimmy. Jimmy Serrano : Well, if Walsh is that good, Tony, maybe I should hire him to hit YOU. Todos los personajes llevan a cabo su papel de forma magnífica. El oficial del FBI, Alonzo Mosely, interpretado por Yaphet Kotto (Alien, 1979), es el cliché
del policía, y los representantes de la mafia también; Jimmy Serrano (Dennis Farina) y Tony Darvo (Richard Foronjy) el primero, la cabeza de la mafia y el segundo el brazo ejecutor.
escritor de Bad Boys (1995) y los personajes de Bad Boys II (2003) y Bad Boys IV (2020). En el podemos ver un trabajo más conciso en el área de la comedia y lo policiaco.
La música de la película es definitivamente la transición entre los ochentas y los noventas. El director de esta pieza es Martin Brest también conocido por Scent of a woman (1992), o Meet Joe Black (1998). Por otro lado, el guionista George Gallo,
Robert De Niro ha sido un destacado actor. Ha trabajado en un gran número de películas y, casi siempre encontramos a un Robert que funciona bien, incluso en películas mediocres. La versatilidad de este actor le da un amplio espectro de movimiento, permitiéndole actuar en cualquier género. Disfrútelo. La cinta, la puede encontrar en una famosa plataforma digital y es apta para toda la familia.
FICHA TÉCNICA Título: Midnight Run Director: Martin Brest Guionista: George Gallo Protagonistas: Robert De Niro, Charles Grodin, Dennis Farina, Richard Foronjy, Yaphet Kotto Año: 1988 País: E.U.A. Duración: 126 minutos
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TESOROS FÍLMICOS
Por @AMAURY1984
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Wag the Dog: Un buen plan hoy or alguna extraña razón las es mejor que uno excelente maña- películas de la década de los na. 1990 han envejecido de una manera horrenda. Pero ese no el Why does a dog wag its tail? tema de este texto… Because a dog is smarter than its tail. Allá por 1998 se presentó If the tail were smarter, la película Wag the Dog que en castellano querría decir «Menea The tail would wag the dog. al perro». Es una producción dirigida por el señor Barry Le-
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vinson que se hizo de un buen nombre por su trabajo en Rain Man, Good morning Vietnam y Disclosure. Levinson se asoció con Robert De Niro en la producción y trajo a su actor fetiche Dustin Hoffman para que ambos protagonizarán esta sátira cinematográfica al caos que suelen ser las elecciones de gobierno en cualquier país. El guión es de Hilary Henkin que adaptó la novela homónima del célebre autor estadounidense Larry Beinhart.
el presidente. Es ahora labor de más tarde se convertiría en una su estratega político y sicario in- tormenta para administración telectual arreglar todo. El tipo en cuestión es Conrad Brean, interpretado por De Niro, un fascinante cínico que tiene que tapar el escándalo de la niñita para que su jefe mantenga el trabajo. A tan sólo segundos de saber del escándalo empieza a escupir ideas sin sentido, su cabeza hará La trama gira entorno a la re- más tarde el trabajo de elección del presidente de los conectarlas en una fraE.U.A.. En busca de un periodo se: habrá guerra. más en la casa blanca; el primer mandatario va en “caballo de haDatos curioso, el cienda”. O así era hasta que le estreno de esta pelícuexplota en la cara un escándalo la sufrió mucho y casi que podría tirar su campaña a pasó desapercibido por tan sólo 11 día de las votaciones. el famoso caso de MoPeriódicos, noticieros, comen- nica Lewinsky. A finataristas y demás se voltean a la les de 1997 cuando el mansión presidencial al conocer filme estaba listo para que una pequeña niña explora- salir, se filtró a la prendora dice haber sido acosada por sa vía rumores lo que
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Clinton. En febrero de 1998 la película llegó a las salas, pero la realidad le pasó por encima. El señor Brean sabe que si el escándalo de la pequeña niña exploradora llena las pantallas, todo será real, por lo que es prioridad llenar al medio masivo con otra cosa. Así parte hacía Los Ángeles para encontrarse con el titán de la industria, el productor Stanley Motss. El objetivo de Brean es que Motss se encargue de construir el conflicto bélico que él apenas esbozó: el perverso estado de Albania atenta contra la vida del mundo libre y demócrata. Y aunque en un principio el productor le dice que eso es imposible, pronto su mente se mete en el mismo río de pensamientos. Música, monumentos e infinidad de cosas pueden hacerse para crear el evento bélico
más efímero de todos los tiempos. Su mente viaja tanto que el estratega decide bajarlo un poco de su sueño: “no haremos la película, este sólo será un teaser”. Como buena comedia de situación Wag the dog, enfrenta a sus protagonistas con altercados e incidentes. Todos construidos de manera óptima en el guión, aunque desconozco si están construidos de la misma manera en la novela. La historia no da muchas sorpresas, uno espera que Brean se salga con la suya desde el principio porque es un viejo lobo de mar en este océano oscuro de la política. Creo yo que el personaje de Dustin Hoffman queda a deber. En un principio nos lo presentan como “Él” productor de Hollywood. Un hombre exitoso con la carrera más envidiable y la vida más glamorosa. Un tipo que sabe su labor, que mueve equipos
enormes de gente y que siempre consigue lo que quiere. A pesar de su éxito vive atormentado por algo estúpidamente inverosímil, la carencia de reconocimiento hacia su gran labor. En un mundo de nombres como Coppola, Weinstein, Kennedy y Spielberg este muchacho vive en trauma… ok. En algún punto del filme se queja de que no existe el Óscar a mejor productor (sí existe, es el de mejor película que se otorga a los productores), y su obsesión por dicho reconocimiento termina por tirar el desenlace de la historia. Aún así vale a pena echarle un ojo a la película de 96 minutos.
FICHA TÉCNICA Título: Wag the Dog Dirige: Barry Levinson Guión de: Hilary Henkin y David Mamet basados en la novela de Larry Beinhart. Fotografía: Robert Richardson Edita: Stu Linder Musicaliza: Mark Knopfler Protagonizan: Dustin Hoffman, Robert De Niro, Anne Heche, Suzie Plakson, Kirsten Dunst, Willie Nelson, Denis Leary, Woody Harrelson y más. Año: 1998
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La eterna búsqueda de tu lugar Por Manuel Pineda Better to be king for a night than libremente sin requerir el movischmuck for a lifetime - miento de “etiqueta”. Los niños Rupert Pupkin con sus manos mugrosas o pegajosas las llevaban directamente a la boca sin temor a las bacterias y virus, también se podía asistir al cine, disfrutar de esa bella exace un año la vida públi- periencia de la audiencia cineca era muy distinta, uno salía a matográfica: ir con el personal hacer compras al mercado local de taquilla, pasar a comprar dulo al supermercado; también se ces, palomitas, bebidas a precios podía sentar libremente en las exorbitantes, entregar el boleto, bancas de los parques, entrar sin sonreírle al personal, hacer uso restricción a los locales de aba- de los baños antes de entrar a la rrotes, comprar comida rápida sala, buscar el lugar identificado en los puestos móviles calleje- con tu boleto, sentir el piso peros; incluso podías estornudar gajoso, disfrutar del sonido de la
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sala, la calidad digital del proyector, escuchar las conversaciones de los otros asistentes, estar mirando una película era una mezcla de experiencias entre lo individual y colectivo, ¡qué tiempos aquellos! El punto es que estábamos en una dinámica completamente distinta a la actual, agosto del 2020, en donde los aficionados a la expresión cinematográfica, a los chismes de la farándula fílmica, además de diversas ramas artísticas, estábamos a la expectativa de los estrenos en las salas de
LA MENTE MAESTRA
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cine. Así, en octubre del 2019, se estrenó una película que marcó tendencia por unos meses (esta caducidad es normal debido a la forma de consumo de productos culturales), y que impulsó a revisar las obras fílmicas que sirvieron como base de inspiración directa e indirecta: Joker, Dir. Todd Phillips. Joker creó controversia gracias a los subtemas desarrollados dentro de la película, sin embargo, también fueron notorias las influencias cinematográficas dentro del argumento, la técnica fílmica, los tipos específicos de encuadres, movimientos de cámara, además la vestimenta, el maquillaje e incluso el contexto social en el que se desarrolla la producción. Pero de las inspiraciones fílmicas más fuertes es una que nos muestra sobre la cultura del acecho a los artistas
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de la farándula: The King of Comedy. El Rey de la Comedia (1982), película estadounidense, dirigida por Martin Scorsese, nos muestra la vida de Rupert Pupkin, un orgulloso Robert De Niro, aspirante a comediante que se encuentra al acecho de su ídolo Jerry Langford. Jerry, interpretado magistralmente por Jerry Lewis, es un comediante y exitoso presentador de televisión con su propio programa de variedades. Pupkin ha ideado un plan dentro de su cabeza para convertirse en el primer y único “Rey de la Comedia”. Sin duda alguna, esta película es la mejor representación fílmica de la obsesión, de la determinación y la imaginación enfermiza que muchos tenemos. Desde que empieza la historia
en movimiento y conforme observamos los pensamientos de Rupert Pupkin, piensas en algún desequilibrio mental. Sin embargo, al avanzar te das cuenta de que muchos de sus procesos mentales y sus productos no son ajenos al juicio común, tal vez lo diferente es la aplicación y materialización de éstos. Pupkin sólo quiere ser una estrella de la farándula, el gran comediante que siempre ha deseado ser y que sea él al que buscan para pedir favores, su autógrafo e incluso su consejo. Quiere ser un comediante y ya no está dispuesto a esperar. La película juega con la historia, como sabemos, el tiempo es relativo y su percepción dentro del filme se adapta a su duración. El proceso de transformación por el que pasa Pupkin es casi imperceptible, pero desde que él toma la decisión de abordar a Jerry para abrir camino a su destino, empieza una metamorfosis en el personaje. De un tipo patético, del perdedor que vive con su madre, a un hombre que exige y que arrebata lo que él considera como suyo. Pupkin no quiere ser pisoteado, quiere que se le reconozca su valor y capacidad como comediante, aunque para el espectador de la pantalla piense que carece de él, realmente descubres sus destellos cómicos dentro del argumento, y que sin importar sus acciones realmente es gracioso. Es interesante ver cómo el director Martin Scorsese aborda el tema de los acechadores, realmente no recuerdo otra película que toque este tópico. La gente que esta afuera de los estudios de televisión, esperando a que salga el artista para poder obtener el autógrafo o la fotografía, el intercambio de firmas entre sus comunes, la destreza de obtener datos personales e incluso la competencia entre ellos, sin duda alguna te sorprende porque sabes que en la realidad es peor que lo representado por
la ficción. Al leer más sobre el filme uno aprende cómo es importante el trabajo de retroalimentación entre el equipo de producción y los actores, porque resulta que Jerry Lewis ayudó a mejorar los diálogos y las representaciones de las interacciones entre los artistas y los fanáticos. Incluso, una de las escenas donde Jerry va caminando en las calles esta basada en un evento real que le pasó él, así que cuando a Jerry Langford le desean que le diagnostiquen cáncer por no querer firmar un autógrafo, no fue un hecho muy alejado de la verdad. Las actuaciones de los interpretes son sensacionales. Para empezar, Robert De Niro como Rupert Pupkin sorprende, independientemente de la capacidad del actor que ya venía de colaborar con Martin Scorsese en su último trabajo Taxi Driver, su actuación impactó a tal grado que al finalizar se le ofreció el papel de Jesucristo para La Ultima Tentación de Cristo; sin embargo, a De Niro no le interesaba, para él su mejor opción era hacer una comedia. Su preparación para el papel consistió en interactuar con varios de sus acechadores y cazadores de autógrafos de ese momento, él empezó a cazarlos, a hacerles preguntas e incluso confrontó a uno de ellos, quien sólo quería invitarlo a cenar y decirle que su madre le había enviado saludos a De Niro. También estuvo analizando y aprendiendo los movimientos y acciones de los comediantes, para poder entregar una actuación memorable.
mentalidad viciada la que me ha- son los actores que pueden locía sentir así; y al mismo tiempo, grar que sientas algo parecido. su forma de actuar para alcanzar su destino es admirable. La obra cinematográfica es increíble con un final que te deja Respecto a los demás actores, reflexionando sobre el destino tampoco te defraudan con su y los medios para llegar ahí. Si trabajo, sin duda alguna parecie- comparo mi experiencia como ra que estas viendo a gente real, audiencia cinematográfica de ver a las personas que se obsesionan The King of Comedy con Joker, es con los famosos del medio del inevitable pensar en las similientretenimiento. Incluso pien- tudes técnicas y argumentales, sas que algo así no puede exis- además de las referencias, pero tir; sin embargo, si recuerdas la lo mas exacto es el dolor de cafarándula local y los programas beza que me produjeron ambas sobre rumores o chismes de fa- películas. No por el sonido enmosos, se te olvida de inmedia- volvente de la sala de cine cuanto esa idea. Sin duda alguna, es do vi Joker ni por los brillantes real un mundo donde hay gente colores en la pantalla de mi casa acechando a los actores y la in- al ver The King of Comedy; sino, terpretación de estos sujetos es tal vez, por el dolor interno que fidedigna durante toda la pelícu- experimentan los protagonistas la. La interpretación de Sandra por no ser reconocidos por lo Bernhard es única, no dudas en que son: dos seres humanos que pensar que tiene una enferme- sienten, desean, sueñan, aman y dad mental e incluso puedes ge- quieren ser validados a través de nerar repulsión hacia ella, pocos la comedia.
Realmente es increíble todo el acto de comedia, a pesar de que como espectador sabes que muchas cosas pueden salirse de control, uno está a la expectativa del acto, quieres que al Rey de la Comedia, del cual nadie recuerda su nombre, le salga a la perfección. De hecho, todo el tiempo experimentas constante vergüenza por los actos de Pupkin, aunque tal vez haya sido mi
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LA CAJA DE PANDORA
Por Azucena Mecalco
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finales del siglo XVIII surgió en Inglaterra un género literario cuya atmósfera se desarrolló en medio del suspenso, lo sobrenatural, las emociones hiperbolizadas, el erotismo y la intriga, la novela gótica. Dentro de ese espectro se incrustó una obra maestra que mezcló todas las características anteriores con la ciencia ficción y las reflexiones filosóficas del yo con respecto al otro, los límites de la ciencia y la vida: Frankenstein o el moderno Prometeo de Mary Shelley.
El impacto de la obra de Shelley, que rebasó los límites literarios para adentrarse en la introspección de los deseos más viscerales y las aspiraciones mórbidas del ser humano, la consolidó como una obra clásica que continúa teniendo influencia hasta nuestros días. Con el surgimiento del cine y el comienzo de la adaptación de obras literarias al formato visual, no pasó mucho tiempo para que la novela de Shelley se incorporase a los anales de la cinematografía. En el año 1910 se realizó un primer
cortometraje de la obra dirigido por J. Searle Dawley, con Charles Ogle como la criatura. A partir de ese momento la historia del científico fue adaptada en más de un centenar de ocasiones, hasta el punto de insertar la figura del monstruo como parte de la cultura popular ya con el nombre de su creador. Adaptar una obra literaria al cine siempre conlleva una «gran responsabilidad»; puesto que, en muchos casos, las personas esperan ver materializada la historia
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hecha en sus cabezas, sin tener en cuenta que el producto audiovisual que verán es el resultado de la interpretación de todo un equipo de producción encabezado por un director, que trata de plasmar su propia perspectiva de un material previo, adecuándolo a los recursos de los que dispone.
dido, el director se encargó de tramar una serie de conflictos para justificar la necesidad del protagonista de desafiar todas las leyes establecidas para dar vida a un ser con mejores características que las humanas. Y es en esa vía de justificación que se concentra todo el primer acto de la película, dejando de lado la De esta manera, la adaptación verdadera naturaleza del sujeto de la obra de Shelley realizada descrita por Shelley con esmero por Kenneth Branagh en 1994, en su obra. como parte del díptico Drácula/ Frankenstein, planeado inicialAsimismo, el ritmo de la pemente por Francis Ford Coppola, lícula se vuelve irregular y el desató opiniones desfavorables, constante movimiento de cámapese a contar con la participa- ra, quizá planeado para generar ción de uno de los mejores acto- ansiedad, se torna fatigoso para res del cine hollywoodense en el papel de la criatura, Robert DeNiro. La aproximación de Branagh cuenta con grandes virtudes, opacadas por el desequilibrio entre la historia del monstruo y la de Frankenstein. Desde el inicio la historia está planeada, argumental y visualmente, para procurarle a Branagh la atención completa de los reflectores, y es en ese punto donde la magia se termina. En su afán por mostrar a un Víctor Frankenstein menos sór-
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la vista después de cuarenta minutos sin descanso. Aunque sin duda la fotografía de Roger Pratt, quien entregó trabajos monumentales como Brazil (Terry Gilliam, 1985), regala a la vista escenas de increíble belleza como la puesta de sol reflejada en un inmenso lago mientras Elizabeth (Helena Bonhan Carter) y Víctor (Kennet Branagh) galopan en pos de la criatura; o el momento en que la sábana roja, que cubre el cuerpo de Elizabeth en brazos de Víctor, se desliza por las escaleras de la mansión, no dejan de ser elementos que de alguna manera parecen ajenos a la narrativa visual del filme, y
que en términos argumentales no aportan algo más que una imagen atractiva. Las verdaderas virtudes de la película las recoge el drama del monstruo, en donde verdaderamente las imágenes que obsequia Pratt transmiten visualmente las desgarradas emociones que atraviesan a un ser obligado a vivir, despreciado por su propio creador y arrojado sin nombre al mundo. La actuación de De Niro es notable y violenta hasta las lágrimas; logra transformar su personalidad de el asesino agresivo que provoca una revuelta en medio de la crisis sanitaria, al monstruo sensible que se moldea a sí mismo y mantiene una relación de amor/admiración-odio/resentimiento con el sujeto que le dio la vida. Las imágenes en el bosque y el Polo Norte son un reflejo de la soledad que transmite con una mirada el actor. Pese a ser menos extensa su aparición en pantalla,
con pocos gestos encapsula la esencia del monstruo que resulta quizá más humano que su propio creador. Por desgracia la mayor parte de la película se encargó de enfocar la casi teatral y shakespeariana actuación de Branagh, que en presencia del monstruo queda reducida a lo técnico. Y aunque se mantuvo una de las escenas memorables de la novela, el momento en que la criatura esboza su pensamiento para hacer una petición a su creador, la acumulación de momentos exageradamente dramatizados por el protagonista en los diez minutos que siguen a la conversación, disminuye el impacto del discurso. Por otra parte, tanto el diseño de producción como la iluminación comparten elementos muy similares con otras producciones del mismo estilo como Interview with a Vampire (Neil Jordan, 1994) o con la propia Bram Stoker´s Dracula (Francis
Ford Coppola, 1992), en tanto la música, de Patrick Doyle, siempre grandilocuente, rescata el ambiente gótico y la sensación de asfixia necesaria para dar vida a algunas de las escenas mejor trabajadas de la historia. La película de Branagh logró construir un universo propio, congruente y creíble, en el cual la actuación de Robert De Niro es el gran acierto, seguida por la música y la fotografía. Es una obra digna de ser revisada, siempre teniendo en cuenta que no deja de ser una adaptación y como tal obedece a las necesidades creativas de su director, que en este caso se centraron en presentarlo a él como eje de la película.
FICHA TÉCNICA Título: Mary Shelley´s Frankenstein Director: Kenneth Branagh Guión: Steph Lady, Frank Darabont Fotografía: Roger Pratt Música: Patrick Doyle Elenco: Robert De Niro, Kennet Branagh, Tom Hulce, Helena Bonham Carter, Aidan Quinn, Ian Holm Año: 1994 País: E.U.A. Duración: 123 min.
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¡No vives de ensalada! Por @AMAURY1984
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l cinéfilo promedio respeta al señor Robert De Niro por ser un gran actor. Lo recuerda con cariño por aquellos emblemáticos papeles en Taxi Driver, Raging Bull, The deer hunter o Falling in love. Lo reconocemos por su proactiva participación en el festival de cine de Tribbeca y por sus incesantes apariciones en las salas de cine. Por otro lado, el consumidor de cine “estándar” reconoce a Robert De Niro por las horas de hilarantes escenas de películas como Analize Me, Meet the Fockers o The big wedding.
“conocida red social” y entre las respuestas no dejó de saltar un título: The Intern o Pasante de Moda. Aparentemente desde su llegada al servicio de streaming de Netflix la comedia protagonizada por De Niro y Anne Hathaway se ha convertido en parte de la canasta básica de lo que mucha gente decide ver. Forma parte de la programación de Warner Channel que sutilmente la pone en su señal de 4 a 8 veces por mes. La comedia costó para la productora 35 millones de dólares y le ha pagado hasta la fecha más de 200 millones de dólares.
Recientemente escuche a alguien preguntar por la mejor The intern nació como película de De Niro dentro de proyecto de la realizadora
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EL EXTRA
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estadounidense Nancy Meyers, a quien podríamos llamar “La reina de las comedias de viejitos”. En su abundante carrera no ha tenido fracaso alguno. Ha
llenado salas con Jack Nicholson y Diane Keaton en Something’s gotta give; con Mel Gibson y Helen Hunt en el bombazo taquillero What women want; y con Me-
ryl Streep y Alec Baldwin en It’s Complicated. Toda una experta en hacer reír, llorar y provocar emociones que llenan el corazón...coff-cursi-coff. En The intern Robert De Niro interpreta a Ben; un pensionado hastiado de su vida en el retiro. Tras la muerte de su esposa hacer viajes, aprender idiomas o tomar cursos se ha vuelto vacío. Un buen día mientras va de compras, encuentra de manera casi mágica la posibilidad de regresar al ambiente laboral en una joven empresa online dedicada a la venta y envío de ropa. No lo piensa mucho y con algo de complicaciones realiza un video para ser presentado como currículum. Después de unas hilarantes entrevistas con
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el personal de “About the Fit” Ben ingresa a unas oficinas llenas de jóvenes. Su primer contacto con la presidenta de la empresa, Jules Ostin, se dan cuando lo asignan a apoyarla como su asistente. Jules es una joven ambiciosa cuyo negocio creció de manera importante en muy poco tiempo. En el instante en que Ben y Jules se conocen, la joven empresaria no pasa por su mejor momento. Ha tenido que tomar las riendas del servicio al cliente y sus inversionistas le insisten en pensar en un nuevo nombre para dirigir las riendas del emporio de ventas. Desde luego el desarrollo de la trama girará a partir de ese punto en el aporte de la experiencia vivida por el hombre mayor a la jo-
ven y acelerada vida y carrera de la empresaria. El sutil distanciamiento entre los personajes al principio de la trama es removido de manera muy absurda en el guión, pero de alguna manera funciona y los personajes de Meyers empiezan a desarrollar una amistad que los llevará a apoyarse en lo momentos más críticos de la empresa. La corta premisa es complementada por el desarrollo de pequeñas subtramas que Ben tiene con sus colegas de trabajo, sus amistades de toda
la vida y Fiona, la masajista de planta en la empresa. Hay momentos en los que Meyers equivoca el camino. A mi parecer convierte a Ben en una especie de consciencia al estilo de Pepe Grillo para casi todos los personajes salvo Fiona y Jules. Es como un adulto sorprendiendo a los pequeñines haciendo cosas malas. Al final tras la resolución de los conflictos todo se convierte en un futuro promisorio para los personajes y una lección de vida. Termina con un tierno mensaje sobre la madurez y la experiencia. Y nos deja un buen sabor de boca. Eso es en gran medida lo que hecho de Nancy Meyers una “clásica” de la comedia estadounidense.
FICHA TÉCNICA Título: The Intern Escribe y dirige: Nancy Meyers Fotografía: Stephen Goldblatt Edita: Robert Leighton Musicaliza: Theodore Shapiro Protagonizan: Anne Hathaway, Robert De Niro, Rene Russo, Adam Devine, Zack Pearlman, Christina Scherer, Anders Holm y más. Año: 2015
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