RockZone 109 - 12/2014 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Berri Txarrak © Galder Izagirre

EDITORIAL Despedimos 2014 dedicando por tercera vez la portada a un grupo por el que nunca hemos escondido nuestra devoción. Berri Txarrak celebran su 20 aniversario de la mejor manera, lanzando Denbora Da Polígrafo Bakarra, un triple trabajo en el que expanden todo aquello que nos gusta de ellos y un poco más. Y como no sabíamos qué regalarles en este feliz cumpleaños, nos hemos sacado de la manga una edición especial con su entrevista traducida al euskera para quien desee leerla en la misma lengua en la que cantan. Ventajas del mundo digital. Enjoy!

SUMARIO

nยบ 109

9 / INTERFERENCIAS

24 / ANTEMASQUE

36 / BUSH

60 /

ESPECIAL FOTO: PRIMAVERA CLUB

104 / COMBICHRIST

40 / BERRI TXARRAK

66 / BLACK VEIL BRIDES

108 / RAISED FIST

30 / PIANOS BECOME THE TEETH

50 / 1349

34 / THE HOLE

54 / TURBONEGRO

72 / DISCO DEL MES

74 / CRíTICAS

114 / MISS OCTUBRE

116 / EN DIRECTO

SUMARIO

134 / DE GIRA + AGENDA

nº 109

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INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: Javier Guerrero Calduch Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Santi Comelles, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, David Fuster, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Salva Rubio, Kiko Vega, Sofía Cuevas, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Andrea Guinovart. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: Galder Izagirre.

new del mes_REFUSED LA INFLUYENTE BANDA SUECA PIERDE A UNO DE SUS GUITARRISTAS AL MISMO TIEMPO QUE CRECEN LOS RUMORES SOBRE LA GRABACIÓN DE UN NUEVO DISCO DE ESTUDIO. ¿QUÉ ESTÁ PASANDO EN REFUSED?

l 5 de diciembre de 2012 Refused ponían fin a su gira mundial de reunión con un concierto en su ciudad natal, Umeå. Todo apuntaba a que, ahora sí, la historia del grupo se cerraba para siempre. Pero el pasado 31 de octubre el guitarrista Jon Brännström colgaba un duro comunicado en su página de Facebook contando que había sido despedido del grupo, dando a entender implícitamente que Refused seguían en activo. “No recibí una explicación y no se me invitó a sentarme y hablar sobre ello, así que no estoy completamente seguro de por qué han decidido seguir sin mí”, escribía. “Siempre hemos sido mejores haciendo punk rock que en los procesos democráticos y resolviendo conflictos, así que tampoco me sorprende tanto que acabara así. Estoy bastante triste, pero quizás sea lo mejor. (…) Lo que más me duele es obviamente el gesto. (...) Solía sentirme orgulloso de llamarles amigos míos”. El guitarrista también aprovechaba para dar las gracias a sus fans por su apoyo y espíritu de lucha. Al día siguiente la banda replicaba con su propio comuni-

cado, dando a entender que la separación no había sido consensuada. “Cortamos con Jon en 2013 porque no compartía nuestra pasión por la banda. No sabemos por qué decidió emitir su narración en Facebook o por qué lo ha hecho ahora en lugar de llamar a uno de nosotros, pero le deseamos lo mejor en sus futuros proyectos”. Para hacerlo todo todavía más confuso, el 11 de noviembre los rumores sobre un posible nuevo disco de estudio se disparaban de manera accidental. Autry Fulbright II, bajista del grupo …And You Will Know Us By The Trail Of Dead, colgaba una foto en su Instagram en la que se veía al vocalista de Refused Dennis Lyxzen con la siguiente captura: “Esta noche en Austria para el Ahoipop festival junto a St. Vincent y este tío de la banda INVSN que está haciendo esto mientras termina las voces para el nuevo disco de Refused que saldrá el próximo año”. El hecho de que la foto fuera borrada al día siguiente da a entender que alguien le advirtió de que la había cagado. Por el momento no hay más informaciones, pero parece que en 2015 Refused resucitarán.

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INTERFERENCIAS

LO PEOR DE MÍ_

GRUPOS TRIBUTO

ltimamente es imposible andar por las calles sin ver carteles de conciertos adornados con los logos de bandas como Metallica, AC/ DC, U2, Rage Against The Machine, Queen, Barricada o Héroes Del Silencio. Viendo el tamaño de los pósters y las salas donde se celebran está claro que la cosa tiene gato encerrado y lo que se anuncia en realidad son conciertos de bandas de versiones. El fenómeno es cada vez mayor y las agendas de algunas salas ya casi parecen tener más oferta de tributos que de grupos originales. Sé que a muchos, yo incluido, estos tributos les dan bastante grima, incluso rabia, pero la realidad es que la mayoría funcionan bastante bien. Podríamos debatir si resulta triste que la gente prefiera pagar una entrada por ver a imitadores recreando el repertorio de otros que a músicos interpretando sus propias canciones, pero también podríamos preguntarnos si el problema no será que hay demasiadas bandas incapaces de escribir temas con el gancho suficiente como para que el público se divierta con ellos de la misma manera que lo hacen escuchando ‘Highway To Hell’ o ‘Enter Sandman’. Ni que sea de segunda mano. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@MoralityShow Dios, ¡hacía mucho tiempo que no me apuntaba tantos discos pendientes para escuchar como en este último número de la @RockZone! @iriaka ¡¡¡He ganado el concurso de Enter Shikari de la @RockZone!!! Por si no quedaba claro que iba a ir a ese concierto JAJAJAJA. @ann_crush @RockZone Ésa ha sido la primera app instalada para testear el regalito. @kikovegar Mi ordenador acaba de explotar mientras terminaba mi entrega mensual de @RockZone. #comovoybiendetiempoeh @muzzlightyear1 @berritxarrak Arriesgado, pero el rock es eso: ¡Riesgo! @CtrlRockmag Arriesgado, no fácil de pillar a la primera, pero precioso. @vierimars @berritxarrak ¡Sin palabras! ¡Increíbles!

¡Buenas! Os mando la foto con mi hermano Carlos y todos los miembros de Lagwagon, que nos firmaron pósters, discos y hasta camisetas. Genial que el Resu tenga iniciativas como ésta y te permitan tener cerca durante un rato a tus artistas favoritos. (JOSE LUIS)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección. 10

LA COLUMNA DE ASSAF Se acaba otro año… ¡De mierda! Tan convulsos que están los tiempos, deberían estar saliendo artistas que quieran romper las normas de lo establecido, y en cambio sólo salen basuras de peña gritando mientras tocan el teclado Casio que le regalaron sus viejos a los 9 años, que ahora seguramente llaman ‘casio core’ y venderán camisetas de colorines a punta pala. Las pocas buenas noticias musicales que hemos tenido este año es que bandas como Rival Sons o Royal Blood mantienen el pulso a las heces que se producen hoy día, y que AC/ DC en unos días sacarán disco nuevo. Ná, que ni el de Foo Fighters, ni el de At The Gates, ni la canción nueva de Faith No More, ni tu vieja tocando el arpa. ¡Y no sólo lo musical se pudre! Me atormenta la de polleces que uno lee en esta revista (que reconozco que sólo hojeo para criticar al personal) u otras del género; harto ya estoy de que se invente una nueva etiqueta por cada pedo que se tira algún yanqui pijo y que aquí les riamos las gracias. Menos flequillos y menos barbas, ¡que tanto pelo que peinar no os deja pensar! Y no Gonzalo, Wovenhand no son una banda de stoner psicodélico... Son una banda de ROCK. Que Eduardo Bort nos proteja. ¡Y un sonoro ‘jódete’ a Pau Navarra! (ASSAF LASZEWICKI)

INTERFERENCIAS

DEMO-LEDORES_POR pau navarra ILION

INCURSED

THE BURIAL CHAMBER

Feeding The Brave

Beer Bloodbath

Empire Of The Lies

(AUTOEDITADO)

Los jovencísimos Ilion sacaron el pasado noviembre su primer EP, este Feeding The Brave que ahora reseñamos. Embarcados en el metalcore melódico, este quinteto formado por Juan Gómez como vocalista, Jordi a la guitarra solista, Jhon a la rítmica, Hugo al bajo y Alberto a la batería sólo lleva desde finales de 2013 dándole al callo, pero eso no les ha impedido registrar ya su primera referencia. Con solamente tres temas, este lanzamiento se inicia con ‘00’, una canción que muestra sus ganas de jugar con varios tipos de voces y sonidos, aunque ‘Seven’ nos acerque su versión más cañera. De lo que más tira su cantante Juan, algo que agradezco mucho, es de guturales, secundado muchas veces por sus compañeros de banda, así que, como en ‘Kio’, aquí la melodía viene muy dada por los riffs de guitarra, aunque eso no quiere decir que no se permitan un buen breakdown entremedio. Eso sí, rematado hacia el final con un largo solo y unos coros épicos algo sorprendentes. Todavía les faltan unas cuantas primaveras, pero por algo hay que empezar. Ahora a perfeccionar vuestros puntos fuertes y, sobre todo, a tocar dónde sea para no parar de ganar experiencia. ¡Mucha suerte!

Antes de lanzar su nuevo álbum Elderslied, los bilbaínos Incursed han querido regalarnos este caramelito previo en forma de EP. El nivel de producción (muy alto) es el mismo que encontraremos en su inminente largo, pues los vascos han avanzado aquí dos temas de este próximo álbum, además de ofrecer cortes extra y versiones alternativas. De esta forma, asegurando estar ante un producto 100% profesional desde un primer instante, su pagan metal y folk te golpeará fuerte con ‘Beer Bloodbath’, un tema con todo lo que esperas del género. ‘Raging Wyverns’ es tremenda, épica y genialmente ambientada en la heroicidad que seguro relata, larga y sinuosa como la legendaria criatura alada a la que apela su título. Tras esto nos encontramos con la regrabación de ‘Die By The Sword’, tema original de su primer Morituri. Luego viene ‘Game Of Thrones’, de la que espero no necesitáis más detalles, y para rematarlo, ‘Beer Bloodbath (Drunken Version)’, otro tema que no precisa de más señas. Si te flipan formaciones como Korpiklaani, Eluveitie, Equilibrium o Finntroll, ya estás tardando. Incursed no tienen nada que envidiar a ninguna formación del norte de Europa, ni en sonido ni en ejecución. Buenísimos.

Empire Of The Lies es un EP maquetero como los de antes. No lo criticamos, sólo faltaba, pero sorprende dado el brutal nivel de perfeccionismo que exhiben actualmente las bandas noveles. Ya entrando en el plano estrictamente musical, destacar en primer lugar que The Burial Chamber practican un metalcore que tira hacia su vertiente melódica, pero que como bien muestra ‘Fuckingsaurus’, de las voces y riffs más asequibles del cantante Jose Castillo y del guitarra Dani Solé también se puede llegar a cotas de mayor agresividad. La segunda ‘Dying Breath’ es otra muestra de lo contado, con fraseos a lo Killswitch Engage para luego articular breaks bestiajos que suben la temperatura del EP. ‘Built In Belfast’ aporta fuerza desde el principio, y seguramente con una mejor producción habría petado mucho más, mientras que la final ‘Aeons’ seguramente es el resumen perfecto de todas las características enumeradas. Tras verlos hace nada en directo, sólo puedo decir que los catalanes ganan enteros en vivo, donde estas canciones lucen mucho más, y también que Jose debería explotar más su vena death en próximos envites. Junto a esto, una grabación más puntera, y veréis qué cambio.

https://ilion1.bandcamp.com/releases

http://incursed.bandcamp.com

http://theburialchamber.bandcamp.com

INTERFERENCIAS

PISANDO FUERTE_OBLIVION “Para nosotros Oblivion es una banda de hardcore que bebe de todos los estilos musicales y que no tiene miedo de experimentar con ellos” PETRO

FORMACIÓN: Alex (voz), Karl (guitarra), Petro (guitarra), Xavi (bajo), Will (batería) PROCEDENCIA: Barcelona AFINES A: Brutality Will Prevail, Cancer Bats, Converge PRESENTAN: No Room For Fools (Cruzade Records, Tiberian Records, Pick You Twelve, Fair Warning)

rocedentes de varias bandas del área de Barcelona, los componentes de Oblivion empezaron a tocar juntos motivados por el resultado de tocar con “afinaciones más graves y cuerdas más gruesas”. Dos años después el quinteto acaba de publicar su primer álbum No Room For Fools, tras haber tomado la temperatura a la escena con el EP Face Reality. Pero en el camino el grupo sufrió dos cambios importantes en su formación. Empezando por el de su vocalista, justo un mes antes de empezar la grabación de su debut. “Desgraciadamente la salida de la banda de Rubén fue algo forzada y complicada”, nos cuenta Petro, uno de sus guitarristas. “Su visión de las cosas era muy diferente de la del resto y así era imposible construir nada. Vimos demasiado claro que si no actuábamos, poco tardaríamos en acabar mal. Alex vino a probar y nos dejó con la boca abierta”. El grupo vio cómo no sólo su voz encajaba a la perfección con su música, sino que tuvo el coraje de aceptar escribir todas las letras en un mes y grabar el disco tal y como estaba planeado sin retrasarlo. “Su entrada en la banda ha sido una motivación increíble para todos”, añade Petro. “El ambiente dentro del grupo ha cambiado mucho, los ensayos, la forma de componer, de entendernos musicalmente, el modus operandi del grupo en gene-

ral, y todo ha cambiado para mejor. Todas las controversias que rodeaban esta banda han desaparecido y no nos parece casualidad”. El siguiente cambio se produjo en esta ocasión después de la grabación con la entrada de Will, batería de Clouds Over Normandy y Boïra. No Room For Fools refleja perfectamente las dos almas del grupo, una más cercana al stoner y otra al hardcore. Pero para Petro su campo de influencias va todavía más allá. “El rock de los 60 y los 70, el punk, el thrash de los 80, el grunge y el metalcore de los 90 son estilos que nos han marcado y no podemos evitar que la música que creamos se empape de todo esto. Siempre hemos intentado ser honestos con nosotros mismos. Para nosotros Oblivion es una banda de hardcore que bebe de todos los estilos musicales y que no tiene miedo de experimentar con ellos. Por eso mismo no nos resulta difícil combinar hardcore y stoner, y también porque amamos los riffs macarreros por encima de todo”. Esta versatilidad les ha permitido haber compartido escenario con varias bandas internacionales como Parkway Drive, Silverstein, Deez Nuts o Brutality Will Prevail. “No me quedaría con una en concreto sino con todas las experiencias que hemos tenido con bandas de fuera, porque de todas aprendes”, señala Petro. “Incluso de las que pien-

sas que son unos capullos, aprendes cómo no quieres ser”. Con esta experiencia y un disco tan bueno como No Room For Fools es lógico que el grupo se esté planteando salir a la conquista de Europa, algo que no es tan fácil de llevar a la práctica. “Nos estamos mentalizando de que en algún momento del próximo año vamos a tener que hacer una inversión que lo más seguro no vayamos a recuperar”, dice el guitarrista. “Ojalá que podamos mover el disco estos primeros meses y esperemos que sea todo un poco menos difícil. El único consejo útil que podría dar a una banda española que quiera salir a Europa es ‘hacedlo’. Si creéis en vuestra música y lo demostráis cada noche con cada nota y movimiento en el escenario, la gente os va a valorar. No les importa que vendas tu ropa en Impericon, tengas X sponsors o tropecientos ‘Likes’ comprados en Facebook. El concepto de la música y la cultura fuera de España es muy diferente. Merece la pena salir e intentarlo. Es lo que vamos a hacer nosotros. Sí o sí”. Es quizá esta fe en ellos mismos la que les ha llevado a iniciar su biografía en Facebook con una frase como “Born in the Barcelona suburbs, Oblivion has taken hardcore to a new level”, que les ha provocado algunas críticas. “La verdad es que sí somos un poco vacilones, pero tenemos buen corazón”, dice riendo. “Nos han llegado a decir que somos unos prepotentes sin humildad que nos creemos mejor que nadie con argumentos totalmente inventados. Buena suerte a los que juzgan a las bandas por gilipolleces, sacando de contexto todo lo que se dice y hace, a nosotros nos preocupa la música y poco más. Pero si se nos acusa de tomarnos esto en serio y de creer en nuestra banda, entonces sí somos culpables”.

INTERFERENCIAS

ZoNA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS FOTOS: DR

LA BÚSQUEDA EN SUEÑOS DE KADATH LA DESCONOCIDA H.P. Lovecraft (ALPHA DECAY)

adath ciudad

una

perdida

donde moran los

Grandes Dioses; Randolph Carter es un viajero que desea encontrarla para preguntarles sobre la maravillosa ciudad que sólo se puede

del Abismo a los que incluso los Grandes temen y cuyo señor no

contemplar en sueños y al atardecer. Por eso, emprende una bús-

es Nyarlathotep sino el antediluviano Nodens. Se trataba de los

queda que no tiene pausa alguna a lo largo de las 150 páginas

temidos famélicos nocturnos, que no tienen rostro y revolotean sin

de esta novela escrita en 1927 por H.P. Lovecraft y publicada seis

fin en la oscuridad del valle de Pnath y los pasos al mundo exte-

años después de la muerte del mítico escritor de Providence. Al

rior”. A pesar de todas las monstruosidades narradas a lo largo

atravesar la Puerta del Sueño Más Profundo, el buscador debe

de este viaje de pesadilla, este relato acaba resultando una oda

enfrentarse con innumerables peligros y toparse con gran parte

a los sueños, a los recuerdos de la infancia y a la tierra en que

del bestiario particular que surgía de la desbordante y enfermi-

crecimos. Amantes de las sagas de El Señor De Los Anillos y de

za imaginación de Lovecraft: “Había visto antes a esas criaturas

La Guerra De Las Galaxias, ya tardáis en desempolvar la literatura

rapaces que vuelan en silencio, a esos guardianes irracionales

de Lovecraft.

LA LEYENDA DEL SANTO BEBEDOR Joseph Roth, ilustrado por Pablo Auladell (LIBROS DEL ZORRO ROJO)

l refrán dice que los

primera vez y varias veces más seguidas, pero que no sabe

niños y los borra-

aprovecharlo para mejorar su existencia por culpa del alcohol

chos siempre dicen

y de las malas compañías: “Con la seguridad de la persona

la verdad, así que viendo

que sabe que lleva dinero en el bolsillo, pidió una absenta y la

la nariz hinchada de Joseph

bebió también con la seguridad de una persona que ya ha be-

Roth en la foto promocional

bido muchas en su vida. Tomó un segundo y también un tercer

de este libro, no me extra-

vaso, pero cada vez echaba menos agua. Y cuando pidió la

ñaría que La Leyenda Del

cuarta absenta ya no supo si había tomado dos, cinco o seis

Santo Bebedor fuera real e

vasos. Y tampoco recordaba por qué había entrado en aquel

incluso se basara en las propias vivencias del escritor austríaco.

café”. Para redondear el ambiente sórdido y sin esperanza de

Ambientada en las tabernas parisinas de los años 30 del siglo

la novela, nada mejor que las ilustraciones grotescas, despro-

pasado y en los míticos puentes sobre el río Sena, esta obra

porcionadas y expresionistas del artista alicantino Pablo Aula-

póstuma de Roth narra la historia de Andreas, un exconvicto sin

dell y la cita inicial del propio Roth: “Así soy realmente, maligno,

techo aficionado a la bebida a quien la suerte le sonríe una

borracho, pero lúcido”.

COSAS MÁS ABSURDAS SUCEDEN EN EL UNIVERSO Joseph Haller

DISJECTA MEMBRA Alberto

Hontoria Maceín

A DOS VELAS Liz Prince (LA CÚPULA)

(EL DESVELO)

(AUTOEDITADO/AMAZON)

Imagina que Monty Python en su etapa más loca y creativa, cuando Flying Circus reventó los cerebros de medio planta, hubiesen desarrollado una aventura espacial, repleta de toneladas de gags, y ni uno malo. Esto es en esencia esta novela, deudora de ese imposible humor británico y con pizcas de otros clásicos como Guía Del Autoestopista o Mundodisco de Terry Pratchett. La aventura de ida y vuelta de un mediocre neoyorkino vendedor de palitos de pescado para salvar al universo de la tiranía de Dios. SG

VERSUS

Luis Bustos (ENTRECOMICS COMICS)

Relato de ficción superheroica con un discurso interesante sobre personas que, habiendo perdido algunos de sus miembros o facultades, son sometidas a operaciones para implantarles prótesis que a la larga les harán convertirse en el primer paso hacia una nueva forma de entender al ser humano. De lectura agradable y ágil, esta novela también plantea las complejas relaciones de lo público y lo privado en un mundo que busca el máximo beneficio, aun cuando parece que sea para el beneficio común. SG

1900

R. Ruiz-Dávila y Nacho Tenorio (ANILLO DE SIRIO/GRAPA!)

Luis Bustos, autor de dilatada y variada carrera, se lanza con este trabajo a narrar una historia desgarradora de relevo generacional: la vida (y el tiempo) no dejan ni perdonan una. Aspiraciones y necesidades vitales bajo la metáfora de la lona pugilística usando la historia de un boxeador en sus (no reconocidos) últimos días de carrera. Puede leerse como una historia homenaje a este deporte y su épica, pero la maniobra del texto que subyace pone los pelos de punta allá donde trates de extrapolarla. SG

El nuevo sello editorial de Anillo De Sirio ofrece a todo color, formato de cuadernillo grapado y a un precio irresistible contenido de cómic patrio de corte comercial, buscando la espectacularidad y diversión. En 1900 observamos un mundo alternativo donde el Imperio Español y la Suprema Inquisición dominan una Europa steampunk en el que una atípica resistencia presentará batalla contra el orden establecido. Tanto éste como el resto de sus lanzamientos editoriales merecen toda tu atención y complicidad. SG

Comedia de corte autobiográfico, grafismo sencillo y gags efectivos creada por la autora americana Liz Prince y que ahora, recopilada en formato tomo, llega en castellano, dándole forma completa al hilo de gags con los que fue creada originalmente. Una chica con un serio problema de cinismo y sinceridad convive con gatos y trata de darle sentido a sus sinos amorosos. Podrás identificarte con muchos de sus chistes; no se trata (ni ofrece) nada nuevo, pero no por ello se convierte en absoluto en un cómic malo. SG

TÍo BUDO Víctor Coyote (FULGENCIO PIMENTEL)

Cuento infantil enfocado tanto a niños como a adultos, quedando muy difuminada esta barrera de edad una vez disfrutado. El relato, hermoso e ilustrado que da verdadero gusto, funciona a las mil maravillas para leer con la criatura (o dárselo como regalo). El añadido final, las reflexiones/juegos sobre qué es ser tío/a y lo que ello implica es la otra cara de esta joya, que también hará disfrutar a los pequeños y robarán sonrisas a quienes se lo lean, haciendo que la línea hacia quién va dirigido quede tan poco clara. SG 17

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stos días estoy disfrutando un montón con la serie de documentales Sonic Highways creada por Dave Grohl y Foo Fighters. En sus veinte años de carrera no me he considerado una gran fan, aunque su trayectoria siempre me ha parecido muy interesante, con momentos memorables. A pesar de haber pasado prácticamente desapercibido en Nirvana, siempre he creído que Dave Grohl es uno de los tíos más inteligentes y exitosos dentro del negocio musical, y personalmente me cae bien. Es cierto que es un yanqui histriónico y que rebosa narcisismo por los poros de su piel, pero al final del día me encantan los tíos como él, capaces de embarcarse en mil proyectos y colaborar con otros artistas, no tanto por un afán monetario sino por una enfermiza pasión por su trabajo. Me vienen a la cabeza Josh Homme, Ryan Adams o Cedric BixlerZavala y Omar Rodríguez-López como claros ejemplos de este perfil de workaholic musical que tanto me fascina, y que actualmente están muy en boca de todos. Además de

situarse en un rango de edad similar y de compartir carreras bastante extensas, puesto que todos despegaron siendo prácticamente adolescentes con picores, estos músicos se caracterizan por ser muy prolíficos. Además, el hecho de haber alcanzado mayores audiencias y más eclécticas los ha puesto en el punto de mira de voces críticas que cuestionan su ‘autenticidad’ y su talento. Es habitual escuchar que son unos vendidos, que ya no son ‘lo de antes’, o que sus últimos trabajos son demasiado comerciales. Por otra parte, la comunidad musical los aplaude y siguen recibiendo una gran atención mediática. Me parece injusto estigmatizar a un artista por sobreproducir y experimentar, pero entonces recuerdo que vivimos en un mundo en el que la combinación de mucho-ybueno no goza de demasiada aceptación. Afortunados somos los que disfrutamos de la hiperactividad de estos genios, que alimentan nuestra ilusión gracias a sus constantes regalos. (TOI BROWNSTONE)

TV EYE TH E BIG BANG TH EORY

uando surgió Big Bang, resultó una bocanada de aire fresco en las sitcoms. Comedia inteligente sobre jóvenes científicos tan brillantes en sus respectivas áreas como frikis, con referentes guiños nerds que cualquiera que hubiera tenido su infancia en los 80 y 90 podía captar. Si a eso le añadimos un volátil personaje que pone en jaque al cuarteto, la espontánea y, sí, preciosa Penny, habían conseguido la fórmula idónea. Todos los personajes tenían su encanto y función. Sheldon, el maniático genio con síndromes de Asperger y TOC. Leonard y su paciencia casi infinita. Rajesh con su patología de no poder hablar con el sexo opuesto, además de los estereotipos indios y de los de un extranjero en el país de las oportunidades. Y Howard, protoclásico judío obsesionado con el sexo, auténtica carne de comedia. Los territorios como personajes, otro apunte importante. La tienda de cómics, la universidad, el restaurante donde Penny ejerce de camarera… y un plantel de secundarios que daban la talla. Las situaciones ingeniosas, estrambóticas e in-

cluso comunes que nos pasan en el día a día eran traspasadas en la pantalla con guiones sólidos, que compaginaban los gags con la rigurosidad científica, esto último revelado en un episodio especial donde contaban secretos de la serie y aparecía un científico que los guiaba para que no cometieran pifias. Dado el éxito de las primeras temporadas, la serie continuó con un desarrollo articulado, haciendo de Penny, cual esponja, un personaje que a su ya perspicacia, añadía más sabiduría. También incorporaban nuevos personajes, o daban más protagonismo a los tapados. Sumergirse en el universo particular de estos cuatro cerebritos suponía un oasis de 20 minutos al día. Hasta que llegó su hora. A diferencia de casi todas las series británicas, las americanas exprimen hasta la saciedad y el tedio las temporadas, hasta un punto en que el Big Bang se hace realidad y las finalizan mal. Es el problema de la octava; ha perdido la chispa. Esperemos que remonten, renueven una temporada más y le den al caballo un disparo digno. (IGNACIO REYO)

INTERFERENCIAS

DE CINE_CON KIKO VEGA ALLELUIA

LOS LOCOS DE LA LUNA DE MIEL

o lo tiene fácil Fabrice Du Wezl. Ni lo tiene fácil ni lo pone fácil. Precisamente por eso, por su valentía y por haber sido derrotado en sus intentos por rodar algo más grande, pero probablemente también menos personal, ha vuelto a las Ardenas y a las andadas. Cuando Calvaire (2004) aterrizó en nuestras pantallas, los aficionados al fantástico tomamos buena nota y lo colocamos en la lista de la hornada de la nouvelle vague del horror francófono, que no francés. Du Welz es belga. Con su segundo trabajo, Vinyan, se lo cargaron entre todos y puede que por esa razón el de Bruselas centrara sus esfuerzos en rodar una película grande. Pero ninguno de sus intentos cuajó. Colt 45 fue un fracaso monumental. No quedaba más remedio que volver a los orígenes. Alleluia es el segundo de tres episodios de horror desarrollados en la región de las Arde22

nas, como Calvaire, y actualiza Los Asesinos De La Luna De Miel, presentando a dos personajes con graves problemas mentales, más o menos enamorados y dedicados en cuerpo y alma a matar mujeres necesitadas de amor. Hay mucha fuerza en las poderosas imágenes de la peli, fotografiada de manera alucinante y alucinada por el gran Manuel Dacosse (Amer), y donde el sonido cobra una importancia capital en secuencias como la del cine donde proyectan La Reina De África o en uno de los asesinatos de la pareja, que aseguro será recordado durante mucho tiempo. Todo impacta e incluso puede molestar aquí, desde el tono a las grandiosas interpretaciones de Laurent Lucas y nuestra Lola Dueñas, que ha sabido arriesgarse y jugar valiente en esta ocasión. Por el momento, la recepción del film no ha podido ser más positiva para su director, ya que se ha llevado los premios gordos del Fantastic Fest de Austin (película, director, actor y actriz), además del prestigioso Melies de Oro a la mejor película fantástica europea del año, premio que se entregó en el último festival de Sitges. Alleluia recupera a un director enrabietado, con mucho que decir y que se desenvuelve perfectamente en las distancias más cortas y locales. Bravo, uno de los títulos imprescindibles de este año.

THE BABADOOK

ENCERRANDO FANTASMAS

prometedor: un libro troquelado de cuentos infantiles con un protagonista aterrador entra en escena. Pero luego la película no termina de avanzar en la dirección prometida. Lo que antes era Repulsión termina siendo Poltergeist, y lo que debía ser Pesadilla En Elm Street termina siendo terror minimalista

he Babadook está cerca de ser la película de terror puro y duro de la temporada. La relación disfuncional entre madre viuda traumatizada e hijo huérfano de padre también traumatizado, es la protagonista absoluta del primer acto de esta película australiana, debut de Jennifer Kent adaptando un corto rodado por ella misma hace diez años. Como digo, la atmósfera, las interpretaciones y el dolor latente sirven en bandeja lo que sea que tenga que pasar después. Y lo que pasa es altamente

centrado en esconder los fantasmas personales en el sótano de nuestras vidas. Casi una puesta al día del drama de una madre que debe sacar adelante dos vidas en una situación complicada, y ahí es donde podemos bajarnos del barco. Al contrario que en un Haneke o en Du Welz, donde los elementos dramáticos son tan potentes que terminan por entrar de cabeza dentro del fantástico (algo que también pasa con Lars Von Trier), The Babadook parte de unos elementos puramente terroríficos que desembocan en los farragosos lodos del drama familiar de superación. ¿Y dónde está Babadook?

Las Arnette Sessions nos muestran el lado más cercano, íntimo y crudo de los músicos que se acercan a la redacción de la revista RockZone. A pelo, sin segundas oportunidades ni efectos especiales, este formato no es apto para productos prefabricados, sólo para quienes disfrutan y respiran la música .

>> DAYLIGHT INTERPRETAN ‘NOW OR NEVER’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

ue el nuevo disco de Daylight se titule One More Fight tiene todo el sentido del mundo. Desde hace diez años la banda liderada por los hermanos Olek y Wojtek Burek lleva empeñada en llevar su música al público que potencialmente podría disfrutar de su pegadizo punk pop. Una tarea nada fácil teniendo en cuenta que ninguna otra banda estatal ha conseguido por el momento triunfar con este estilo. “Aquí hay un problema de base”, explica Wojtek. “No conozco a ningún grupo nacional de este estilo que haya metido 500 personas, pero vienen bandas internacionales como Fall Out Boy, Sum 41 o Blink-182 y llenan los recintos. Así que público hay, lo que pasa es que no presta atención a las bandas locales. Hay mucho odio, muchas envidias, pero el público está. Quizá los grupos estamos haciendo las cosas muy mal, pero hay bandas de muchísima calidad”. El título de su nuevo disco también resume la actitud que ha tenido el grupo en el último año y medio a raíz

de la marcha de su antiguo cantante. “Ha sido una época muy turbulenta”, explica Olek. “Somos una banda que intentamos girar al máximo y hacer muchas cosas, y eso es imposible con una persona que no te sigue el ritmo y te hace de freno. Así que decidimos cambiar de cantante y empezamos a mirar opciones. Pero al final mi hermano y yo decidimos tirar de la parte vocal”. Los dos gemelos junto al inseparable batería Víctor Vera decidieron encerrarse en el local para componer nuevo material y ensayar a muerte hasta asegurarse que Olek y Wojtek estaban preparados para asumir el reto. Con la suma del guitarrista Albert Domènech, la nueva formación ya estaba completa para irse a Italia y grabar su nuevo trabajo junto al productor Andrea Fusini. Una vez terminado One More Fight, en el que suenan mejor que nunca, la banda barcelonesa tomó la decisión de hacer de Daylight razón de vida. “Mucha gente se creía que nos dedicábamos 100% a la música, pero no era verdad”, cuenta Víctor. “Fuera del local teníamos que sacarnos

la carrera, trabajar… es ahora cuando hemos decidido apostar por esto como máxima prioridad. Así que en este tiempo entre disco y disco hemos aprovechado para solventar todos los asuntos externos al grupo”. Habiendo girado por Asia y con la vista puesta en Estados Unidos y el mercado internacional, Olek tiene claro que no les queda muchas más opciones que haber sido tan drásticos. “Si quieres salir de gira por Europa es imposible compatibilizarlo con un trabajo a tiempo completo. No puedes decirle a tu jefe ‘el mes que viene no vengo a trabajar’. Nuestro amor por la música es incondicional. Si pudiera dedicarme toda mi vida a esto, yo firmaba ahora mismo. Es la diferencia entre tener un grupo como hobby o como nosotros, que nos dedicamos realmente a esto y tenemos unas metas”. A lo que Wojtek añade “Estamos zumbados. Si utilizásemos las neuronas haría tiempo que habríamos abandonado el barco y nos hubiésemos dedicado a otras cosas más útiles. Pero la música se hace con el corazón, y por eso seguimos aquí”.

ANTEMASQUE

¿TERCER ACTO O

PARÉNTESIS?

Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala retoman su amistad y, por ende, su simbiosis musical. Si en la cultura del zen del protagonista de la difunta serie Life uno más uno es uno, y no dos, Antemasque sería la confirmación definitiva de que el dúo ha sabido consensuar y resolver sus distancias, creando un grupo que, definitivamente, se asemeja más a una democracia. Texto: Ignacio Reyo Fotos: DR/Sergio Gálvez para WARP Edición/Retoque: Rubén Márquez

“Yo estaba cansado de the Mars Volta, no quería hacerlo, no estábamos de acuerdo, y se quedó en eso. No era algo tan dramático. Cedric y yo somos una pareja de 24 años” OMAR RODRÍGUEZ-LÓPEZ

l final de The Mars Volta y las fricciones que ya arrastraban Omar y Cedric antes de sacar su último disco, Noctourniquet, fueron una de las máximas sorpresas de la escena musical. En otra década, hablaríamos del final de una banda legendaria, como en su tiempo sucedió con Jane’s Addiction, Soundgarden o cualquier grupo que se os pase por la cabeza, que marcara un antes y un después, que transmitiera con su música un universo propio. Los tiempos han cambiado, ya lo predijo Dylan. En pleno 2014 las noticias desaparecen con la misma celeridad con que han aparecido. Sólo una minoría de bandas de rock, que se pueden contar con los dedos de una mano tullida, retumba en los oídos del ámbito público. Tampoco saldrían destacados en los noticiarios extramusicales. Ese vector es lo que ha conseguido que apenas hubiéramos sabido hasta la reciente reunión de Antemasque qué sucedió entre los dos amigos, y por qué. En la entrevista Omar aclara todos esos agujeros negros. También explica este nuevo proyecto que, honestamente, sin ser un producto vacío, no llega a la altura del grupo predecesor, que los hizo aún más visibles que en At The Drive-In. Rock conciso, ausencia de cambios de registro sonoro inesperados, accesible, y que se encuentra a medio camino del garage y el pop. No se eleva a la agresividad de At The DriveIn, ni a la imaginación de The Mars Volta. Diez canciones que sin perder los manierismos inherentes a los protagonistas de la historia, se quedan en un progresa adecuadamente. Curiosa la balada ‘Drown All Your Witches’, lo más asequible que han grabado hasta ahora. Al menos nos queda la esperanza de los múltiples proyectos de Omar, y, dado lo inusual de ambos, quién sabe si este proyecto avanzará hacia directrices menos obvias, más interesantes y arriesgadas. 25

ANTEMASQUE

gundo disco? Veo que sigues hiperactivo… “Sí, sí, grabamos un segundo disco y ése también está padre, me gusta mucho. Tiene otra onda. Es la personalidad de este grupo, Antemasque, canciones más precisas, más directas, cortas. Sí suena como un segundo disco, no como una extensión del primer álbum”.

Es la cuarta entrevista con Omar, y sospecho que al decir que me reconoce, se trata de pura cortesía y amabilidad del músico más imaginativo, articulado de nuestra actual generación. ¿Qué originó Antemasque? Ha sido todo muy repentino. De separarse The Mars Volta y no saber nada a escuchar de nuevo música tuya con Cedric. OMAR RODRÍGUEZ-LÓPEZ “Los inicios fueron súper, temo usar la palabra ‘orgánico’ porque se usa tanto hoy en día... pero muy orgánicos, muy naturalmente. Estábamos jammeando Cedric y yo, empezamos a tocar la guitarra, yo le enseñé algo, él me enseñó otra cosa y dijimos ‘ay, vamos a trabajar esto’. Él con la batería. En el inicio de la banda era el baterista también (risas). En un cuartito, de ensayo, yo tocaba la guitarra, las canciones, y él la batería, escribiendo sus letras, se ponía a cantar, y lo grababa. De repente, cuando llegamos a una grabación más profesional, marqué a mi amigo Flea, que tiene un estudio en Los Ángeles, donde vive Cedric. De hecho, respondió, ‘sí, estamos acá en Malibú haciendo un disco de los Chili Peppers, no hay 26

nadie ahí, si queréis usarlo, usadlo por un mes’, y yo pensé ‘chévere’. Nos pusimos a grabar las canciones y decidimos contratar un baterista más fuerte. Cedric no había tocado mucho tiempo. A mí me encanta cómo toca, sólo que se sentía un poco incómodo con tocar la batería en el disco. Le marcamos a David Elitch, un poco cabrón, como está en el disco. Obviamente, estando en el estudio de Flea, necesitábamos un bajista. En dos días hizo todo el disco él. En vez de seguir el proceso normal para nosotros, que es hacer el disco, mezclarlo, masterizarlo, el sello, la promoción, el bla bla bla, que toma muchos meses, dije ‘voy a hacer lo que hacen los jóvenes hoy en día, que ponen las canciones en la red’. No es que sea viejo (risas). Pusimos tres canciones para que la gente conozca el grupo. Fue un poco al revés. La gente donó dinero, y con ese dinero grabamos el segundo disco. Mientras, en ese tiempo, tuve que fijar cómo íbamos a sacar este disco, el sello, la promo, que es cuando la gente ya conoce el álbum. La buena onda es que estando de gira, y a pesar de que el trabajo no había salido, la gente conocía las canciones”. ¿Ya habéis grabado un se-

Sinceramente, The Mars Volta fuisteis, en mi opinión, la mejor banda del milenio y al romper, me dejasteis helado, como si tu novia te dejara. ¿Qué sucedió? ¿Por qué decidisteis separaros? “Porque sí. Ya era tiempo. Hicimos At The Drive-In por diez años, The Mars Volta por 13 años. De repente las cosas se calman un poquito y necesitas hacer otras cosas. Así sucede. La media explota la situación y hace la situación más grande de lo que fue. Para nosotros fue más sencillo. Tuvimos un pleito, no un pleito… discutimos algo por primera vez en 24 años, lo cual es increíble si lo piensas bien. Desafortunadamente, lo hicimos en público, somos personas que hacen cosas en público y se habla. Yo estaba cansado de The Mars Volta, no quería hacerlo, no estábamos de acuerdo, y se quedó en eso. No era algo tan dramático. Somos una pareja de 24 años”. Tras romper, vino la reconciliación. Generalmente, las reconciliaciones son más apasionadas. “Sí, lo mismo. Fue buenísimo. Nuestra primera discusión fue a ver cómo mejorar la situación. ‘Yo no sabía que te sentías así, ni tú que te sentías de esa

“Podemos ponerlEs etiquetas, sigue siendo rock. At The Drive-In era rock, Mars Volta tocando a full. Antemasque es lo mismo, con otro sabor, otro color, manteniendo nuestro sonido, el de Cedric y el mío” OMAR RODRÍGUEZ-LÓPEZ

manera’. Así es como fue”. ¿Qué significa ‘Antemasque’? “En los tiempos antiguos, en Grecia, siempre había como una mini obra que sucedía entre la obra. En mitad de la obra, sacaban otra mini en contraste a la principal”. ¿El álbum en sí posee algún concepto o preferís que cada canción sea independiente y tenga su propio significado? “Son canciones y ya. Es todo mucho más sencillo, ligero (risas). The Mars Volta era mucho más pesado en cada aspecto”. Las letras continúan siendo crípticas. Cedric da pie a que cada persona pueda interpretarlas desde múltiples perspectivas. “Claro. Lo interesante para él, y para mí, es que aún siendo sencillas, son muy diferentes a lo común. Eso es dado por la personalidad de Cedric. Así escribe, algo increíble”. De The Mars Volta, qué disco posicionarías en lo más alto. “El mejor disco… Frances The Mute,

el segundo. Ése fue el mejor porque el inicio era algo muy violento; dejar el otro grupo, la incertitud de todo, vas haciendo canciones, mucha ansiedad… a otras personas les encanta ese sonido. Para mí llegamos a un lugar donde habíamos girado, éste es el grupo, nuestra propia onda, vamos a hacer otro disco. Fue el más difícil, que siempre es lo mejor. Lo que te cuesta bastante trabajo da muchos frutos. Fue súper tardado, súper involucrado. La primera vez que pude grabar con una orquesta, fui a Puerto Rico a colaborar con el pianista Larry Harlow, una leyenda de la salsa. La experiencia en sí, súper increíble”. Parece un milagro el éxito que alcanzasteis The Mars Volta. Ahora, con Antemasque, ¿qué expectativa de éxito albergáis? “Pues sí. Yo veo que hemos sido súper afortunados. El primer milagro, At The Drive-In, mirando la época, el contexto, fue raro que esa música punk fuera mainstream. Mars Volta fue un milagro aún más grande, canciones de siete minutos, de 14 minutos, psicodélico… el hecho de que fue un

éxito enorme fue el segundo milagro. Yo estoy contento con dos milagros. Si Dios quiere enviarme un tercer milagro, está bien, pero no lo necesito”. Antemasque tenéis un sonido rockero y norteamericano, pero ¿has pensado en realizar por tu cuenta proyectos más latinos? “Sí, ya he grabado varias cosas de guajira y guaguancó, lo que es la salsa. Edité una canción. Siempre toco música tradicional. Quiero grabar en Puerto Rico y que toda mi familia sean los músicos”. ¿Quién cantaría? “Lo más seguro, mi padre; está jodiendo que quiere cantar. Él es un cantante, tiene un grupo. Compuso dos canciones de una de las bandas más importantes de allí, El Gran Combo De Puerto Rico, ‘Reina De Mi Vida’, y no recuerdo la otra. Quiere venir, subirse al escenario y cantarlas con nosotros”. ¡Psiquiatra y músico! Lo expulsa todo, el intelecto y la emoción. 27

“Las redes sociales se supone que nos conectan más, pero nos están separando. Eso se ve en la actitud del ser humano, la vida cotidiana, la interacción” OMAR RODRÍGUEZ-LÓPEZ “(Risas) Sí, exactamente”. ¿Esperas que Cedric repita cantando en castellano en el futuro? “Espero que sí. Ojalá que se anime”. Volviendo a Antemasque, qué estilo de conciertos dais. “Una experiencia nueva. Sigue siendo rock. Podemos ponerles etiquetas, sigue siendo rock. At The Drive-In era rock, Mars Volta tocando a full. Antemasque es lo mismo, con otro sabor, otro color, manteniendo nuestro sonido, el de Cedric y el mío”. Nunca te he preguntado cómo os conocisteis. “Lo conocí en el 89, en un concierto de punk. Lo vi y dije ‘guau, este tipo lo conozco de algún sitio’. En 28

realidad no, yo acababa de llegar a El Paso, Texas. Lo reconocí de otra vida. Lo vi brevemente. Una semana después, ensayaba con mi grupo, con 12 años, en la casa de un amigo. Justo yo entraba cuando él iba saliendo. Los grupos se conocían y había pocos lugares donde ensayar. Allí nos hablamos. ‘Hola, yo soy Cedric’, ‘yo soy Omar’, cosas de niños chiquitos. ‘Toma mi teléfono, hay que vernos’. (Risas) Empezó todo”. Has producido este año de nuevo a Le Butcherettes. “El segundo disco de Le Butcherettes, un grupo increíble de Guadalajara, México. Yo fui el productor del debut, es el proyecto de Teri Gender Vender. Viví en Guadalajara cuatro años, los vi tocar, y edité y produje el disco. De ahí ellos giraron mucho con Jack

White, Queens Of The Stone Age, The Flaming Lips. Se volvieron muy populares en Estados Unidos y afortunadamente, me contrataron para el segundo disco, y creo que es su mejor disco. Digo, el tercero está también increíble pero todavía no sale, sale el próximo año”. La mayor rareza es que no hayas sacado aún en 2014 un disco en solitario, es insólito en ti. “(Risas) Pues sí, no he grabado un disco solista en mucho tiempo. Tengo muchos discos que nunca edité de otras épocas. Ahora, la persona que está manejando mi sello, R.L.P. (Rodríguez López Productions –ndr.), va a empezar a editar discos el año que viene. Han elegido doce discos. En enero sale uno”.

El último, que recuerde, es Sólo Extraño. “Ah, sí, cierto. Increíble, es del 2009 ó 2010. En ese disco yo toqué todos los instrumentos y Deantoni Parks la batería. Es de mis favoritos, tiene algo de jazz. No me gustó tanto la mezcla, sí el disco”. ¿Te has planteado llegar al récord Guinness de artista con más discos? “No, no. Lo dudo (risas)”. ¿Bosnian Rainbows sigue adelante? “Sí, esa banda sigue. Como estábamos haciendo Antemasque, pues el segundo disco de Bosnian Rainbows iba a salir este año y yo les pedí que se aguantaran, para entender el nuevo grupo con Cedric. Lo grabamos el año pasado, es casi todo en español, es más minimalista. Me gusta, es muy diferente. Se editará el año que viene”. En el ámbito cinematográfico, aún diriges. “Hemos estrenado dos películas en los festivales de cine y han tenido su propia vida. Les ha ido muy bien en ellos y con la competencia. Por eso mismo nos han dado dinero para hacer otra película. En enero haremos otra producción de cine. No tenemos una película que haya alcanzado el mainstream, han sido películas independientes. Dios quiera que en alguna lleguemos al próximo nivel”. ¿Verá la luz el documental que repasa la trayectoria de The Mars Volta? “Yo creo que sí. Dije que ese documental sería cuando la banda no exis-

tiera. Bueno, existe, como todo, pero no sacando disco nuevo, siendo un grupo activo, y el documental saldrá”.

espacio del otro. Son ignorantes, te pisan, se meten en su camisa. No tienen contexto, no tienen perspectiva”.

¿Te gusta Blade Runner? “Sí, me fascina. Una de mis películas favoritas”.

Vivimos dentro de la misma vida dos existencias. Una es la de las redes, otra la de andar. Por ejemplo, yendo de viaje no me gustan nada quienes, si no son fotógrafos, se pasan los días fotografiando cada aspecto del mismo. Prefiero vivirlo que fotografiarlo. Andar por calles diferentes; hablar con otras personas te abre la mente. “Es lo que la gente no entiende. Lo que estaba en los libros de ciencia ficción se cumple, no directamente, sino de forma realista. Había mucha plática de la realidad virtual, que una persona se pone unas lentes y está en otro mundo. No es tanto así, pero está sucediendo ahorita. Hay otra realidad que está sucediendo que no es esta realidad. Lo que tú dices, están viendo no a través de sus ojos su experiencia, sino de sus ojos viendo la pantalla de su teléfono que está tomando la foto de la experiencia. El ser humano está creando una realidad virtual, sin ser una realidad”.

Entroncándolo con la era en que vivimos, de crisis en distintos ámbitos, cómo crees que será el futuro del ser humano. “Quién sabe. Es una pregunta grande. El ser humano ha podido superar todo en la historia. Desde los inicios de no tener ni fuego, Ulises, batallar contra los elementos. Espero que podamos superarlo. Lo que me preocupa es que estamos metidos en una época del individuo. Yo soy un individuo, yo tengo mi Facebook, yo tengo mi Twitter, mi selfie, yo soy una industria, yo soy muy original. Las redes sociales se supone que nos conectan más, pero nos están separando. Eso se ve en la actitud del ser humano, la vida cotidiana, la interacción. Lo veo porque estoy viajando, y ves a la gente súper desconectada, metida en su teléfono. El ser humano puede superar cualquier cosa siempre y cuando estén conectados y animados a servirse el uno al otro. Si el ser humano está pensando sólo en sí mismo, sí que hay un problema grave”. Gran verdad. Estás en el metro, o esperando un vuelo, y parece que haya autómatas más que personas. “No se ven el uno al otro, no tienen contacto, comunicación. Y se transmite vulgarmente. Eso causa que no sean corteses, no se dan cuenta del

Finalicemos con una cuestión más positiva. ¿Qué me recomiendas de bandas nuevas? “Me gusta Le Bucherettes, que ya he mencionado. Un grupo de San Francisco llamado Sister Crayon. Apolo de la ciudad de México. Haim, que son muy populares. Hay muy buena música”.

Para grabar su tercer disco Pianos Become The Teeth decidieron reconducir su sonido dejando atr谩s los gritos y la agresividad, pero con la intenci贸n de no perder ni un gramo de intensidad emocional. Lo han conseguido. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

“Hace años nuestros gustos musicales eran distintos a los que tenemos ahora… y siguen cambiando” MIKE YORK

urgidos de la misma generación de bandas como Touché Amoré o La Dispute, Pianos Become The Teeth consiguieron hacerse un nombre dentro de la escena con dos potentes discos de post hardcore, Old Pride en 2009 y The Lack Long After en 2011, y un directo de alto voltaje. Pero durante su gira en 2012 junto a Title Fight, la banda de Baltimore empezó a componer el material para su tercer disco y observó que algo estaba cambiando, sobre todo en la manera de cantar del vocalista Kyle Durfey. La sensación se confirmó cuando se fueron a una casa de la familia del bajista Zac Sewell en Taylors Island, Maryland, y surgieron canciones como ‘Say Nothing’ o ‘Lesions’, en las que quedó claro que Kyle no tenía interés en seguir gritando como antaño, sino en proyectar su voz de manera limpia y melódica. Con el fin de capturar esta nueva orientación musical, la banda -que completan los guitarristas Mike York y Chad McDonald y el batería David Haikdecidió trabajar con el productor Will Yip (Circa Survive, Title Fight) durante un mes en su estudio en Conshohocken, Pennsylvania. De ahí salieron con Keep You (Epitaph), un trabajo más atmosférico y elegante del que se sienten totalmente orgullosos. ¿Cómo resumirías los tres años transcurridos entre vuestro anterior disco The Lack Long After y Keep You? MIKE YORK “Los últimos tres años han sido increíbles. Giramos un montón, vimos más mundo del que ninguno de nosotros creyera que fuera posible y tuvimos la oportunidad de

conocer a un montón de gente. Ha sido la hostia”. ¿Qué actitud os gustaría que tuvieran vuestros fans al escuchar Keep You por primera vez? “Me encantaría que la gente se tomase su tiempo con este disco. Por supuesto queremos que a la gente le guste tanto como a nosotros, pero sobre todo quiero que la gente le dé tiempo y que se convierta en algo que les envuelva completamente. Quiero que tengan una mentalidad abierta”. Cuando lo escuché por primera vez me sorprendió mucho. Visto desde dentro, ¿también lo veis como algo muy distinto a lo que habéis hecho antes? “La verdad es que a nosotros no nos resulta tan distinto porque todavía exhibe la misma cantidad de contenido emocional que los anteriores. Sí creo que presenta un enfoque distinto en el cómo lo hacemos, pero sigue siendo totalmente ‘nosotros’”. ¿Y qué os llevó a ir en esta dirección? ¿Fue algo premeditado o simplemente hacer las cosas de manera distinta os llevó hasta aquí? “Creo que el principal cambio se debe a la música que escuchamos y que nos influencia. Hace años nuestros gustos musicales eran distintos a los que tenemos ahora… y siguen cambiando. ¡Así que quién sabe qué nos influenciará en el próximo disco!”. En los temas escucho ecos de R.E.M., The Smiths, Counting 31

“Una de mis partes favoritas de la grabación fue probar cosas nuevas que antes no habrían tenido sentido para nosotros” MIKE YORK

Crows... ¿Son bandas que siempre os han gustado? “Sí, desde luego, pero ahora incluso más, personalmente en lo que a los Smiths se refiere”. Obviamente un gran cambio es el registro vocal de Kyle. ¿Es algo que tenía en mente desde hacía tiempo? ¿Cómo fue el proceso de adaptación a esta nueva voz? “Fue una progresión natural. No es algo que necesariamente fuera muy pensado. Creo que Kyle quería complementar la música que estábamos escribiendo y sintió que cantar de esta manera era lo más adecuado, y nosotros estuvimos totalmente de acuerdo. El proceso fue básicamente de ensayo-error (risas), ¡pero creo que al final lo clavó!”. Trabajar con menos distorsión y un sonido menos agresivo requiere cierta disciplina por parte de los músicos. ¿Fue una grabación más exigente que en otras ocasiones? 32

“Creo que fue más divertido hacer partes heavies sin la necesidad de usar distorsión. Fue un desafío pensar en cómo hacer las cosas fuera de lo habitual, intentar que las canciones fueran lo mejor posibles sin los recursos que se esperan con pedales de distorsión, feedback, etc. Una de mis partes favoritas de la grabación fue probar cosas nuevas que antes no habrían tenido sentido para nosotros”. ¿Cómo crees que todo esto va a afectar a vuestros directos? “Creo que nos permitirá concentrarnos en tocar lo mejor que podamos sin necesidad de tenerlo todo con el volumen a tope. Creo que nos permitirá concentrarnos más en la dinámica de la música que en el volumen”. ¿Qué mérito le das a Will Yip en el resultado final? ¿Había algún disco en particular en el que hubiera trabajado que os alentara a grabar con él? “Fue una parte integral porque compartía exactamente la misma

visión que nosotros. No creo que hubiera un álbum en concreto por el que quisiéramos trabajar con él, sino más bien el indudable entusiasmo que mostró por lo que queríamos hacer”. ¿Qué os dijeron la gente de Epitaph cuando escucharon el disco por primera vez? “Brett (Gurewitz) estaba tan emocionado que hizo que nosotros todavía nos emocionáramos más”. Siempre habéis demostrado mucho gusto con las portadas. ¿Quién es el responsable? “¡Gracias! Normalmente intentamos pensar en un concepto y entonces Danielle, la mujer de Chad, hace fotografías con varias ideas que luego seleccionamos, y entonces nuestro amigo August hace el diseño. Hemos trabajado con ellos desde el principio y seguiremos haciéndolo porque captan muy bien lo que queremos”.

ThE HOLE

EN EL FIN DEL MUNDO Su procedencia canaria parece ser su mayor enemigo a la hora de exportar su death thrash a la Península, pero THE HOLE no parecen amilanados ante esta prueba de fuego. Desde luego, su primer álbum bien merece que tomen el primer avión que se les tercie para pasarnos por encima sobre un escenario. Texto: Pau Navarra Foto: DR

ODAVÍA NO ME HABÍA LLEGADO a las manos el debut de The Hole, A Monument To The End Of The World (Necromance Records), que ya eran varias las voces que me habían alertado sobre su valía. Nacidos en 2010 en Las Palmas de Gran Canaria, el cuarteto formado por Edu Rodríguez (bajo, voz), Pab Guerrero (guitarra), Ancor Ramírez (guitarra) y Héctor Lorenzo (batería), viejos conocidos de la escena local y estatal por su militancia en bandas como Archantia, Scandelion, The Zeronaut, Jotnar o Witches’ Sabbath, pronto despuntarían para empezar a grabar en 2013 la que sería su primera obra, un disco a petar de riffs afilados, con death y thrash de la vieja escuela, pero que para nada se cierra a mostrar la propia visión personal que estos músicos puedan tener del

estilo. Ante la calidad mostrada con este trabajo, nos ponemos en contacto con Edu para que responda a nuestras inquietudes sobre el grupo.

death metal europeo, en sus diferentes vertientes, como Hypocrisy o At The Gates por ejemplo, con el thrash de toda la vida”.

La influencia de Legion Of The Damned o The Crown parece clara en vuestro debut, ¿pero qué grupos diríais que os incitaron en mayor medida a crear The Hole? EDU RODRÍGUEZ “Tienes razón en que compartimos con esas bandas una forma muy death de entender el thrash metal… ¡O viceversa! Aunque la verdad es que son dos bandas que ninguno de nosotros escucha demasiado. Es difícil decir qué grupos nos influenciaron ya que escuchamos mucha música y llevamos mucho tiempo tocando. Quizá sí es cierto que teníamos claro que queríamos mezclar el sonido

Todos los miembros tenéis una larga trayectoria en otras formaciones, y tú incluso formas parte de Witches’ Sabbath… ¿Qué lecciones extrajisteis de vuestras anteriores aventuras? “Así es. Aunque ya no estoy en esa banda, aprendí muchísimo con ella. Está claro que tantos años tocando nos han servido para bien a la hora de crear The Hole. Es probable que lo más valioso que hayamos aprendido sea el ser prácticos a la hora de trabajar y economizar mejor el tiempo y los medios de los que disponemos. También nos ha ayudado sobre las tablas, ya que, independientemente de

lo de ‘maduritos’! (Risas)”.

“Una de nuestras premisas es tocar metal extremo pero sin autocensurarnos, como ha ocurrido durante mucho tiempo en la escena underground” EDU RODRÍGUEZ

las condiciones del bolo, en todas las circunstancias nos concentramos en dar el 100%”. En canciones como ‘Crushin’’, ‘Apocalyptic Collapse’ o ‘The Third Seal’ hay caña a raudales, pero en ‘Warrior’s Roar’ o ‘Harsh Times’ también demostráis que buenas ideas no os faltan. Formar este grupo ya maduritos ayuda a no tener miedo a la hora de salirse un poco de lo típico, ¿no? “De hecho es algo que hablamos al formar el grupo. Una de nuestras premisas es tocar metal extremo pero sin autocensurarnos, como ha ocurrido durante mucho tiempo en la escena underground. Tenemos claro que, con coherencia, se pueden mezclar casi todas las vertientes metálicas. Por cierto, ¡me gusta especialmente

Los medio tiempos ‘Moonlight’ y ‘Pro Patria Mori’ están entre lo más sorprendente del disco. Tienen un aire blacker, sobre todo la segunda a los Belphegor más reposados, que muestra otra de vuestras pasiones, ¿verdad? ¿Cómo se compusieron? ¿Erais conscientes de ello? “La mayoría de la gente que ha escuchado el disco coincide con tus palabras. Es a lo que me refería con la respuesta anterior… puedes mezclar el black con el death o el thrash y no sonar mal o incoherente. Con ‘Moonlight’, deliberadamente hicimos un tema más frío. Por eso la intro, con un arpegio distorsionado, y las voces, más rotas, para luego terminar con un riff de black primigenio. Creo que conseguimos lo que pretendíamos. En el caso de ‘Pro Patria Mori’, la idea original era hacer un tema más épico para dar algo de variedad al álbum, pero finalmente se dirigió hacia otros terrenos e, incluso, lo han comparado con los primeros Moonspell. Así que creo que, aunque ‘fracasamos’ en nuestra idea original, la canción es de las que más ha gustado”. Tu versatilidad con la voz, y siempre dentro de la brutalidad, es uno de vuestros puntos fuertes. “¡Pues muchas gracias! Desde que comencé en esto en los 90, con Witches’ Sabbath, es mi firma, creo. Cantar todo el tiempo con el mismo registro me parece muy aburrido… me refiero a mientras ensayamos o tocamos en directo. Cantar de distintas maneras me divierte más y, sobre todo, creo que va a favor de hacer las canciones

más dinámicas. Voy a aprovechar para confesar algo que no había dicho nunca antes… ¡¡¡Y es que eso se lo debo a Dani Filth!!! (Risas) Cuando empecé a tocar la mayoría de las bandas que escuchaba eran muy planas cantando, hasta que salió The Principle Of Evil Made Flesh (de Cradle Of Filth, 1994 -ndr.). Me fascinaron los cambios de voz. Aunque siempre me ha parecido un vocalista más bien flojillo, le doy ese mérito. Yo soy más de Mikael Stanne (Dark Tranquillity), Glen Benton (Deicide) o Jan-Chris de Koeijer (Gorefest)”. ¿Cómo es ser una banda de metal extremo en Canarias? En la Península ya es complicado, y de por sí tener un grupo de música en el archipiélago ya es chungo, así que encima de metal extremo… “Como bien dices, es muy complicado. Y lo es por distintas razones. Primero porque casi no hay locales para tocar y de los pocos que quedan, no todos aceptan un género tan extremo. Y lo más difícil para una banda canaria, independientemente del estilo que toques, es la falta de oportunidades para ir a girar por la Península. Sólo los costes del avión nos dejan prácticamente vetados”. Aun así, ¿tenéis pensado dar algún show en la Península o es algo que todavía no os podéis plantear? “Sí. Aún no sabemos muy bien cómo lo haremos, pero es algo que tenemos en mente y que vamos a intentar hacer por todos los medios”.

BUSH

En diciembre de 1994, ocho meses después de la muerte de Kurt Cobain, una banda británica conseguía triunfar en América con un sonido sospechosamente parecido a Nirvana. Pero VEINTE años más tarde, Cobain ya no está y Gavin Rossdale sigue publicando discos con Bush. Texto: Jordi meya Fotos: DR

sus 49 años y después de haber vendido millones de discos con Bush, todavía parece que Gavin Rossdale tenga algo que demostrar. Si en su Inglaterra natal la prensa siempre le trató con cierto desprecio y atribuyó el éxito de Bush a ser una mera copia de Nirvana, en Estados Unidos, donde la banda fue realmente grande, desde hace años es más conocido por ser el marido y padre de los tres hijos de Gwen Stefani que por sus propios méritos. Quizá por todo eso después de haber liquidado el grupo en 2002, de publicar un álbum con Institute, producido por Page Hamilton de Helmet, en 2004, y un trabajo en solitario en 2008, WANDERlust, con el que obtuvo el hit ‘Love Remains The Same’, Rossdale decidió resucitar Bush incorporando a Chris Traynor (guitarra), Corey Britz (bajo) y con el batería Robin Goodridge como único superviviente. El mundo del rock no se paralizó cuando publicaron su disco de retorno, The Sea Of Memories, pero debió motivarle lo suficiente como para darle continuidad tres años después. Man On The Run (Sony Music) aparece a las vísperas del 20 aniversario de su millonario debut Sixteen Stone, pero durante nuestra charla queda claro que Rossdale tiene más interés en mirar al futuro que en recrearse en su pasado. “¿Desde dónde llamas de España?”, me pregunta nada más descolgar el teléfono. Su curiosidad tiene lógica…

Una hermana tuya vivió en Barcelona, ¿verdad? GAVIN ROSSDALE “Sí, sí. Y ahora tengo a una sobrina viviendo allí. Me encanta España, ojalá pudiéramos ir a tocar. Tienes que hacernos grandes allí (risas). Cada año voy de vacaciones a España y me encanta. Siempre me ha frustrado que no vayamos con la banda”. Éste es el segundo disco que grabas con la formación actual de Bush. ¿Te sentiste más cómodo esta vez? “Creo que este disco es la consolidación del retorno de Bush. La experiencia que cogimos durante la gira y la conexión que tuvimos con el público me inspiraron mucho para escribir estas canciones. Creo que es un álbum que a nuestros fans les gustará escuchar”. Tu disco en solitario tuvo bastante éxito en Estados Unidos. ¿Por qué no hacer otro? “Porque echaba de menos la camaradería de Bush. Y te aseguro que cuando los fans se me acercaban no me preguntaban cuándo iba a salir mi segundo disco en solitario (risas). Tenía ganas de volver a hacer rock y nada mejor que Bush para eso”. ¿Fuiste a buscar a los productores Nick Raskulinecz y Jay Baumgardner para conseguir ese sonido más rock en Man On The Run?

“Bueno, la verdad es que el disco era heavy desde el principio. Las maquetas ya sonaban de esta forma, así que busqué a Nick, que es alguien con una gran energía, precisamente para preservar ese nivel de intensidad. Nunca dejó que hiciera algo excesivamente sentimental o dulce porque él viene del metal. En cuanto a Jay, he trabajado muchas veces con él. Sabe grabar muy bien a la banda, cómo sonamos. Así que la combinación de ambos era perfecta. En un mundo que cambia tan rápido para mí es emocionante grabar un gran disco de rock. Por un lado se dice que ahora todo se basa en los streamings y por otro que todo se basa en tocar en directo, así que mi objetivo era satisfacer las dos cosas. Un disco con grandes canciones, pero ponerlas en un contexto que pudiera funcionar muy bien en directo”. ¿Mentalmente, dónde te encontrabas cuando escribiste estas canciones? “Como siempre en todas partes (risas). Mi dinámica es de tener momentos muy eufóricos y grandes bajones. Me preocupan muchas cosas. Vivimos en un mundo muy volátil. Viajo mucho, estoy lejos de mi familia, tengo hijos pequeños y eso hace que tu vida parezca lo mejor y otras que te sientas muy miserable (risas). Pero hay una belleza en esa dualidad. Me gusta ser una esponja. Intento que en mi música no haya política, pero a la vez la emoción de la política que nos 37

rodea tiene que salir en ella. Intento que mi música sea muy personal, muy humana, que conecte de persona a persona, pero al mismo tiempo, está influenciada por el mundo. De ahí sale el título Man On The Run. Puede referirse a cualquiera. Ya sea por el trabajo, por la familia, por la política… todo el mundo se mueve. Todo el mundo intenta solucionar los problemas, ver cómo conseguir que todos esos aspectos coexistan y no dejar que el poder le domine”. Desde fuera podría pensarse que alguien como tú, que ha tenido una carrera de éxito, que está casado con una gran estrella del pop, que tiene hijos, que todo le va bien, no tiene nada de lo que quejarse. “Lo que pasa es que los seres humanos somos más complejos que eso. Pensar que estar casado, tener hijos y una banda de éxito equivale a la felicidad o a sentirse satisfecho es demasiado simple. Yo soy más complejo que eso y seguro que tú también. Hay otras cosas que te afectan. Soy un compositor, así que lo que pasa a mi alrededor me afecta. Observo y tengo amigos con problemas, he tenido pérdidas importantes en mi vida, suicidios, drogas, mentiras, relaciones fallidas… Soy un ser humano que está vivo y respira y que está en contacto con gente que sufre mucho y eso también me hace sufrir. Tengo una historia de sufrimiento, y para mí es imposible deshacerme de ella y no tener conflictos emocionales. Ojalá fuera el caso que tener éxito, tener una mujer, un coche, equivaliera a una lobotomía y que olvidaras todo lo demás, pero no es así. Es imposible 38

aislarte de todo lo demás. Y además, creo que el rock especialmente te permite sacar todo eso, quejarte. Posiblemente en el jazz es más difícil trasladar esa emoción, pero el rock es más primitivo. Yo escribo de manera muy natural, es sólo cuando hago entrevistas que analizo todo el proceso. El sonido que sale es algo muy natural, nadie me dice cómo tengo que sonar”. Aunque en cada disco has intentado experimentar, hay un sonido Bush del que parece que no puedes escapar. ¿Eres consciente de ello? “Sí, es por culpa de mi voz. No puedo escapar de mi voz, ¿sabes? En este disco creo que hemos intentado agitar las cosas un poco. Cuando empiezo a componer utilizo básicamente ritmos, teclados y mi voz. Es luego, a medida que avanza el proceso, que todo el mundo quiere añadir más guitarras. Si fuera por mí, quizá no habría tantas. Así que aunque haya canciones que son bastante diferentes en origen, a la que añades mi voz y las grandes guitarras acaba sonando a Bush. Es como volver al principio. Para mí a veces es un poco frustrante, pero los productores, los mánagers, la banda, los fans, aman ese sonido. Pero en este caso el corazón me pedía hacer un disco de rock vibrante con el que

poder girar por todo el mundo y quizá de cara al siguiente haga algo más intimista. Pero al final, creo que todo se reduce a mi voz. A alguna gente le gusta y a otra no”. Este mes se cumple el 20 aniversario de vuestro debut Sixteen Stone. Ahora que es común que los grupos hagan giras conmemorativas, ¿planeas hacer algo así? “No creo que lo hagamos. Estoy muy feliz con este disco nuevo. Me encanta Sixteen Stone y me dio una vida, pero no entiendo toda esta moda revivalista. La gira de veinte años, la gira de 25 años… para mí no tiene mucho sentido. Todo el mundo puede seguir escuchando ese disco si quiere en Spotify, no hace falta resucitarlo. Para mí lo más importante es avanzar, hacer nueva música. Estoy muy orgulloso de seguir haciendo música, así que para mí el 20 aniversario es más un símbolo de mi trayectoria. A pesar de lo que ha cambiado el mundo, la industria musical, el público, todavía sigo siendo músico y haciendo discos. Para mí

“Intento que en mi música no haya política, pero a la vez la emoción de la política que nos rodea tiene que salir en ella” GAVIN ROSSDALE estoy aquí hablando de un nuevo disco”.

eso es lo importante. Hacer una reedición del álbum y tocarlo entero no lo es al lado de lo otro”. ¿Cómo asimilaste el gran éxito de Sixteen Stone en su momento? “Mmm… ¿Cómo lo asimilé? Me sentí muy aliviado después de muchos años de sufrimiento, de sobrevivir sin apenas nada, de muchos años en que la gente no creyera en mí. Así que no es que quisiera vengarme, pero me sentí justificado por no haberme rendido. Nunca tuve un plan B. Siempre hice de la música mi prioridad. Nunca tuve un trabajo normal a excepción de hacer de obrero y pintar casas, porque para mí lo más importante era tener tiempo para hacer canciones, grabar maquetas, ensayar. Nunca tuve dinero porque lo invertía todo en la música. Compraba grandes bolsas de pasta para no gastar nada más en comida (risas). Así que pasar de que mi música fuera ignorada por los sellos a tener un debut de tanto éxito me dio fuerza y confianza para seguir adelante. Y ya ves, veinte años después todavía

Como pasa con otros grupos de los 90, no sois suficientemente viejos para ser considerados clásicos, pero obviamente no sois una banda joven. En tu cabeza, ¿dónde sitúas a Bush dentro del mundo del rock? “Es una buena pregunta. Yo me siento como siempre me he sentido. Creo que siempre nos hemos sentido alejados de lo que ocurría, vivimos en nuestra propia atmósfera. Por supuesto que cuando estábamos en la cúspide fue una locura, fue alarmante, pero luego te das cuenta de que todo es temporal, todo evoluciona. Puedes mantener una posición, pero la cultura se mueve. Yo creo que estamos en el espacio en el que están todas las bandas que me gustaban, las que siento algo por ellas. Mi sueño siempre ha sido que alguna persona en algún lugar escuche un disco nuestro y sienta que le está hablando, que le alivia, que le libera, que le hace sentir todo lo que le gusta de la música. Y que luego esa persona vea que voy a tocar donde vive y venga a vernos tocar. No puedo esperar, ni pedir nada más que eso. Sería absurdo esperar más que eso porque no lo hay. Tengo muchos amigos en el mundo

creativo: actores, músicos, pintores, escritores… Algunos pintores son muy famosos y otros viven exponiendo en pequeñas galerías y son la mar de felices. Creo que tu única responsabilidad es hacer algo que merezca la pena y si lo haces, el público te encontrará. Querer gustar a todo el mundo es imposible. Ahora aquí en América lo más grande es el pop, pero no es pop de verdad, con alma. Son sólo compositores escribiendo para chicas muy atractivas. Eso es lo que gusta. Ahora el hip hop tampoco es como era. Ahora es todo EDM. Si eres un rapero ya no puedes rapear como hace cinco años. Todo va por ciclos. Así que lo único que puedes hacer es dar lo mejor de ti y hacer que el mundo artístico sea más rico. Todo está muy fragmentado, pero en cada fragmento puedes encontrar cosas buenas. Hay buen rock, hay buen rap, hay buen EDM… a mí me gusta todo lo que sea bueno. Así que a lo que aspiro es a hacer algo bueno”. Y a tus hijos, ¿Bush les parece bueno? “Sí, les gusta. Les gusta la energía y el poder, y cuando me vienen a ver tocar o escuchan cosas en el estudio les parece liberador y ruidoso. Creo que se identifican con eso (risas)”.

SÓLO EN SUEÑOS

BERRI TXARRAK

Para celebrar su 20 aniversario Berri Txarrak se liaron la manta a la cabeza con un proyecto casi fara贸nico: grabar veinte canciones repartidas en tres EPs a cargo de tres productores distintos. Despu茅s de muchas horas y miles de kil贸metros recorridos Denbora Da Pol铆grafo Bakarra es un hat-trick en toda regla. Texto: Jordi Meya Fotos: Galder Izagirre

3 de diciembre de 2002. Ésa fue la fecha en la que por primera vez vi a Berri Txarrak en directo. No es que tenga una memoria prodigiosa, pero un ya amarillento póster del primer Eastpak Rocksound Tour que tenemos colgado en la redacción me ha dado la pista definitiva. Lo que sí recuerdo de aquella noche es haberme cagado en sus muertos porque el entonces cuarteto llegó a la sala KGB de Barcelona cuando el concierto que organizábamos ya había empezado. No recuerdo si habían tenido un problema con la furgoneta o si se habían perdido, da igual, pero sí que sin ni siquiera haber probado sonido, se subieron al escenario, se enchufaron y… ¡Boom! “Así son los vascos, no se andan con hostias”, dijo alguien. Sin desmerecer a Afterfeed-Back o Hedtrip, que también formaban parte del cartel, tuve la sensación de haber visto a un grupo que llegaría, o al menos merecía llegar lejos. Ni que no fueran guapos, ni que cantaran en euskera… Desde aquella noche de iniciación he perdido la cuenta de cuántas veces los he visto en directo, pero ya fuera en el escenario de un gran festival o en una sala pequeña como el Rocksound Bar, donde actuaron como banda sorpresa para celebrar nuestro número 50, siempre me han transmitido la misma pasión, la misma entrega, la misma fe en lo que hacían. Es por todo eso que puedo decir sin que se me caigan los anillos que Berri Txarrak han sido una fuente de inspiración. Y visto su éxito, no debo ser el único. Muchas veces digo que tirar adelante una revista se asemeja mucho a tirar adelante un grupo. Las posi-

bilidades de lograrlo son mínimas, y todo parece mucho más bonito desde fuera que desde dentro. Las relaciones personales se entremezclan con las profesionales y a veces unas y otras no van en la misma dirección. Es cojonudo poder dedicarte a lo que te gusta, pero os aseguro que nadie regala nada y no hay otra opción que seguir adelante. Pase lo que pase. Estoy seguro que sin esta determinación, Gorka Urbizu (voz, guitarra) no habría conseguido llevar a Berri Txarrak a sus primeros veinte años de existencia. En el camino han quedado amigos como Aitor Oreja, guitarrista hasta 2005, Mikel López ‘Rubio’, bajista hasta 2008, o Aitor Goikoetxea, batería hasta 2010. Sin ellos Gorka no habría llegado hasta aquí, pero sin Gorka, Berri Txarrak simplemente no existirían. Reconozco que con la despedida de Aitor yo mismo dudé de si la banda sería capaz de conservar ese halo indestructible que transmitían. Pero cuatro años más tarde me cuesta imaginar a otros Berri Txarrak que no sean los formados por David González (bajo) y Galder Izagirre (batería). El tiempo es así de cruel y de sensato. Es con ellos que Gorka ha creado un disco tan ambicioso y poliédrico como Denbora Da Polígrafo Bakarra (Only In Dreams). Veinte canciones nuevas dividas en tres EPs en los que Berri Txarrak destilan su fórmula en tres elementos básicos para entender su sonido: la fuerza del metal, la melodía del pop y la urgencia del punk. Ross Robinson en Venice, California, Ricky Falkner en Madrid y Bill Stevenson en Fort Collins, Colorado, fueron los productores y los destinos en los que el trío de Lekunberri depo-

sitó su confianza para hacer realidad su sueño. De todo ello conversamos con los implicados a mediados de noviembre. Vayamos un poco al origen del proyecto. ¿Cómo surge la idea de hacer tres EPs con veinte canciones y tres productores distintos? GORKA URBIZU “La primera idea que surgió fue la de hacer veinte temas con la excusa de los veinte años. Teníamos claro que había que hacer algo diferente, que no fuera otro disco de estudio más, y se nos ocurrió esa idea. Una vez decidimos eso, empezamos a darle vueltas a cómo hacerlo y pensamos en diseccionarlos por estilos. Queríamos mostrar tres maneras de entender el rock con nuestras distintas influencias y hacer tres EPs distintos, cada uno con un productor del palo. Nos pusimos a componer sabiendo quién lo iba a producir y más o menos fue cronológico. Compusimos un disco y lo grabamos en Venice. Volvimos, compusimos el segundo y grabamos en Madrid. Y luego el tercero en Fort Collins”. ¿Componer veinte temas para un álbum es una anomalía en vosotros o soléis trabajar con este volumen de canciones cuando preparáis un nuevo trabajo? DAVID GONZÁLEZ “No es lo habitual. Aunque era un reto componer veinte canciones en menos de un año, la verdad es que es la primera vez que incluso hemos descartado canciones. En las tres sesiones de composición se han quedado fuera algunas canciones casi completas y varias ideas. La verdad es que ha

“El miedo que tenía a priori era que hacer tres discos fuera psicológicamente una losa que pesara demasiado, Pero no ha sido así” GORKA URBIZU

sido un año de lo más productivo”. ¿Vivisteis algún momento de estrés en el que deseasteis no haberos metido en semejante lío? GALDER IZAGIRRE “La verdad es que no. El factor que más nos lo ha dificultado es que tampoco preveíamos dar tantos conciertos entre las grabaciones, pero por lo demás no. Hacer las veinte canciones no nos ha supuesto demasiado esfuerzo extra, pero sí el tener que cambiar de chip y preparar canciones viejas y repertorio para los conciertos”. DAVID “Pero es verdad que al principio parece más fácil de lo que después es. Desde que cogimos el concepto y lo desarrollamos, las ideas fluyeron, pero una vez que te pones, el trabajo de cada EP ha sido el mismo que el de hacer un disco entero. Sentimos que hemos hecho tres discos, no uno con veinte canciones”. Esta pregunta es un poco la

del huevo y la gallina, ¿pero hasta qué punto la elección de cada productor condicionó la composición de los temas, o fue la naturaleza de los temas la que determinó el productor? GORKA “Es la primera vez que nos ponemos condiciones a la hora de escribir. En los discos de Berri siempre hay bastante color, son heterogéneos y le haces hueco a distintas sensibilidades. Aquí salían ideas que molaban pero que apartábamos porque no encajaban en el EP en el que estábamos trabajando. Queríamos diferenciar mucho cada EP por sonido, por producción, incluso por las letras. Pero creo que al final los escuchas y dentro de cada EP también hay matices diferentes. También a medida que iba avanzando el proyecto te dabas cuenta de lo que habías hecho y lo que quedaba por hacer y qué cosas le faltaban. Por ejemplo, para el tercero vimos que tenía que ser muy fresco, muy directo y sin florituras;

canciones de dos minutos. A veces tenías la tentación de alargar la canción porque igual podía quedar más redonda, pero decíamos ‘no’”. DAVID “Creo que los productores no nos han influenciado en absoluto. Lo que lo ha hecho fue la decisión de diferenciar los EPs por estilos. Eso es lo que nos condicionó luego la elección de los productores. En el primero, que queríamos sonoridades más duras, queríamos a Ross Robinson; en el segundo, que queríamos hacer algo más melódico y más pop, pensamos en Ricky; y el tercero, que queríamos algo más punk, de inmediato pensamos en Stevenson”. Ahora que en cocina está la moda de la deconstrucción, en cierta manera los tres EPs deconstruyen lo que es Berri Txarrak en tres elementos que ya estaban en vuestros discos y que aquí van por separado. GORKA “(Risas) Es verdad. Por 43

ejemplo en Jaio.Musika.Hil estaba ‘Oreka’ y luego podías pasar a una canción muy punk y luego a otra más metalera. Había mucho contraste. Y en éste hemos hecho esta disección de estilos e influencias de las que bebe Berri Txarrak, pero creo que no sólo se queda en eso y hay una evolución más respecto a discos anteriores. Ofrecemos lo que somos capaces de hacer en tres versiones diferentes, pero en el primer EP sigue habiendo pasos adelante. Y en el segundo, que puede que sea el que más sorprenda, casi se puede hablar de unos nuevos Berri Txarrak. Creo que como lo hemos enfocado es bastante novedoso. Quizá el tercero sea el más reconocible, donde la gente más se identificará, pero son canciones más cortas que nunca. Es Berri Txarrak en el 2014, un paso más”. Ha coincidido que al mismo tiempo que vuestro disco aparece el de Foo Fighters, que aunque con muchos más 44

medios, obviamente, presenta un concepto parecido, el de documentar las influencias de distintos sitios, distintos estudios, y la búsqueda de la inspiración a través del entorno. DAVID “No sé si la gente se lo va a creer, pero mucho antes de que se supiera lo que iban a hacer Foo Fighters, nosotros ya estábamos enfrascados en nuestra historia. Pero no creo que ni ellos ni nosotros hayamos inventado nada. Al final se trata de desarrollar y darle una vuelta de tuerca a algo que está ahí. Hace poco leía que Dave Grohl decía que después de veinte años de carrera, que también es nuestro caso, hay que reinventarse y hacer las cosas de una manera diferente”. GORKA “También ha coincido con el disco de El Drogas, con el de Eric Fuentes (risas). Ha sido un año prodigio en discos triples”. GALDER “También todo viene por no querer hacer la típica celebración de mirar atrás y hacer un revival de

temas anteriores. Si estás con salud musical y creativa, lo que intentas es hacer algo divertido y mirar adelante para seguir aprendiendo. Para nosotros es como hacer másters fuera de aquí con gente que admiramos. Aprendemos mucho y sacamos muchas conclusiones para los siguientes discos”. Con Ross Robinson ya habías trabajado en Haria, el disco anterior. ¿Fue muy distinta la grabación por el hecho de conoceros mejor? GORKA “El trabajo fue bastante parecido. El método que utiliza siempre Ross es buscarte las cosquillas, tus límites y tus puntos débiles para que les hagas frente y hagas la toma de tu vida. Lo que sí cambió es que ya conocía a Berri y nosotros ya sabíamos a lo que íbamos. La verdad es que las tres grabaciones han sido muy fluidas. Cuando grabas un disco tienes que tomar decisiones que quedan para siempre y es una mochila

bastante pesada que provoca que a veces salgan tensiones. El miedo que tenía a priori era que hacer tres discos fuera psicológicamente una losa que pesara demasiado, pero no ha sido así. Las tres grabaciones fueron muy distintas pero muy fluidas. En cada una aprendías mucho, veías la manera de trabajar de cada productor y eso ya es muy positivo”. DAVID “Si algo aprendimos de trabajar con Ross en Haria es que cuando te pones en manos de una persona ajena al grupo has de confiar plenamente en sus decisiones y no tener miedo a sus propuestas. En Haria lo aprendimos y lo hemos aplicado en estos tres EPs. Creo que es algo que tanto los productores como nosotros hemos agradecido. Cuantos menos miedos y prejuicios tengas, y cuanto más delegues, más oportunidad le das al productor de llevar al límite su trabajo. Creo que ésa ha sido la magia de que todo haya funcionado tan bien. Nos lo comentaba Ricky, que estaba encantado de que dijéramos ‘sí’ a todas sus propuestas”. De los tres, la elección menos obvia era la de Ricky Falkner. ¿Cuál fue su primera reacción cuando se lo propusisteis? GORKA “Tenemos un background diferente, pero eso para nosotros era muy atractivo. A mí me gustan esos choques de escuelas y ver qué sucede. Cuando ves un grupo de metal con un productor de metal ya te imaginas qué puede salir de ahí. Pero lo otro tiene más de experimentación, de riesgo, y es lo que te dispara la adrenalina en la grabación. Ricky estaba encantado y nosotros también. Supongo que es lo que les pasa a algunos actores, que son buenos,

pero que se empiezan a encasillar. Creo que Ricky agradeció que un grupo que no estaba en su quiniela le llamara. Vino a Lekunberri a escuchar los temas y lo único que le dijimos es que se olvidara de la idea que pudiera tener de Berri, si es que tenía alguna. Aunque hablemos mucho de los productores y los estilos, lo cierto es que estábamos muy contentos de las canciones. Lo que he visto es lo que ya sospechaba, que Ricky es un músico total y eso en un productor hace mucho. Quizá de los tres es el que más ha ejercido de productor y el que ha tomado decisiones más drásticas, llevando las canciones a otro sitio”. DAVID “El segundo EP era el que por estilo menos podíamos dirigir y creo que él ha sido la persona idónea para abrirnos puertas que en los otros dos EPs quizá nosotros ya éramos capaces de abrir”. GALDER “De todos modos, creo que las canciones tampoco han cambiado tanto en ninguno de los tres. Han cambiado sonoridades, arreglos, pero las estructuras y las bases no han cambiado, han mejorado”. Para acabar con el tema de los productores, contad la experiencia con Bill Stevenson. Desde fuera parece un personaje muy friki... ¿Se confirma en la distancia corta? GORKA “Es un mito y muy majo. Nos echábamos unas risas porque hablaba castellano con acento mexicano (risas). El tío con 50 tacos ensayaba todos los días de nueve a doce con los Descendents en su casa y luego venía a hacer el disco. El caso es que para el tercer EP teníamos muy poco tiempo, lo cual era incluso me-

jor para no poder darle muchas vueltas. Se compuso en un mes y luego se grabó y mezcló en apenas ocho días. Lo grabamos todos juntos en una sala, sin mucho margen para meterse en camisas de once varas. Tanto él como Jason (Livermore), porque hay que entenderlo como una dupla, se centraban más en el aspecto técnico, en la afinación, en los amplis… Son más perfeccionistas”. DAVID “Se centraron más en ser ingenieros que productores. Cuando trabajas con esos márgenes, de grabar en cinco días en directo y mezclar en tres, tampoco se puede hacer mucho más. Pero también eran los temas que más claros y más atadas llevábamos”. GORKA “Lo que queda claro es que controla este estilo perfectamente. Para mí suena muy bien”. De todo el proyecto, ¿qué ha sido lo más difícil de llevar a cabo? DAVID “La verdad es que hacer tres EPs, veinte temas, en ocho meses, no es fácil. Sobre todo lo difícil era cuadrar las agendas con gente que está muy ocupada y que graba con grupos de primer nivel. Coordinar el calendario de entradas y salida del estudio ha sido todo un récord. Al último llegamos bastante justos de tiempo. Los últimos días en Fort Collins nos dedicamos a mandar directamente el master a fábrica”. ¿En algún momento os planteasteis ir publicando los EPs a medida que los grababais o querías que la gente escuchara los tres de golpe? GALDER “No nos lo planteamos en ningún momento. El concepto estaba 45

claro y que iba a salir todo de golpe también”. Otra de las cosas que me gusta es que habéis evitado el recurso facilón de hacer un EP acústico. GORKA “Hubo tentación de hacer algo así, pero nada, nada…”. DAVID “Tampoco era acústico del todo, pero se nos dan mejor las guitarras enchufadas”. Gorka, para ti escribir veinte letras también tiene que haber sido todo un reto. GORKA “Sí, porque en los últimos discos ya me pasa que me cuesta más hacer una letra que una canción. Como mínimo me da más respeto y me cuesta más sentirme satisfecho. Encontrar el concepto, el estilo de escritura, se hace complicado. No estamos acostumbrados a hacer discos conceptuales, pero esto se le acerca bastante. Son tres estilos distintos y las letras también podían servir para diferenciarlos más. Cada EP tiene su enfoque. Para mí ha sido el mayor quebradero de cabeza”. ¿Tienes la sensación de haber dicho todo lo que tenías que decir? GORKA “La música tiene algo que ver con el desahogo y en cierta medida, sí. Son letras que dan bastante que pensar. Más que una liberación es ponerte delante del espejo y ver las preguntas que tienes. Quizá en el tercer disco el mensaje es más del punk de toda la vida, de ‘jódete’ y sacar el dedo, y creo que en el primero y el segundo son letras bastante oscuras. La sensación es que todo se va a la mierda y nos preocupa pero 46

a la vez es como si tuviéramos una indiferencia pegada. Una vez más es un álbum bastante oscuro (risas). Hay gente que me echa en cara que no deje una luz al final del túnel. Pero si no lo sientes de verdad, al final acaba notándose. Sí hay un par de temas en los que dejo más esperanza, pero en general la cosa está bastante complicada”. En estudio habéis podido diferenciar más cada EP con un estilo y un sonido. ¿Cómo lo vais a hacer en directo? ¿Creéis que se va a unificar todo más? DAVID “Pues imagínate. Éste sería el octavo disco y encima con veinte canciones. Todavía estamos en ello. Estamos con los primeros ensayos viendo cómo plasmar los tres trabajos juntos. Ver qué cosas funcionan y cuáles no. La verdad es que no sabemos aún cómo hacerlo. Lo que está claro es que, como con todos los discos, tocaremos, si no todas, muchas canciones del nuevo. Nos gusta convencer a la gente de que las canciones que presentamos son las que nos representan ahora mismo”. GORKA “De verdad que no es postureo, pero no sabemos cómo hacerlo. Tenemos un marrón bastante guapo (risas). Se aceptan ideas (risas). Si quieres tocar los tres EPs ya es hora y 20. Y tampoco nos gustan los conciertos muy largos, no por una cuestión física, sino porque para el oyente estar tres horas atento es muy difícil. Nuestro dilema es hacer un bolo de dos horas y poder tocar casi enteros los tres EPs”. Aunque el disco no mire al pasado, para ti Gorka este

20 aniversario supone un momento de mirar atrás y hacer balance, supongo. GORKA “Estoy empezando ahora con la promo porque me están preguntando mucho por los veinte años. Nos han hecho un medio documental y tendré que buscar fotos y no te queda otro remedio que mirar atrás. No soy muy de hacerlo, pero es una efeméride importante y te das cuenta de que llevas más de media vida con Berri y de todas las cosas que han pasado. Cuando te cuelgas una guitarra no sabes qué va a pasar y, joder, fíjate qué viaje más alucinante. También está bien darle un poco al ‘pause’ y valorar lo que ha pasado. Es mucho más de lo que cualquiera hubiera pensado. No había ningún objetivo en el horizonte, pero poco a poco te das cuenta que has tocado por todo el mundo, que has trabajado con grupos y productores que para ti son referencia. Y luego está la comunidad de Berri. Yo creo que la gente asocia Berri Txarrak a una forma de hacer las cosas, a un respeto hacia la música, y creo que para mucha gente somos más que un grupo. Eso es emocionante. Tener un público así de fiel es un privilegio. Con este disco sentimos que hay muchas ganas de escucharlo, como hacía tiempo que no sentía. Pero claramente nuestro mensaje es que hemos pasado el 20 aniversario componiendo veinte canciones nuevas. Es un gesto de cara al presente y el futuro”. ¿En qué disco sientes que se definió la personalidad de Berri Txarrak? GORKA “Es complicado decir un disco o un año. Siempre digo que nuestro primer álbum creo que se

“Yo creo que la gente asocia Berri Txarrak a una forma de hacer las cosas, a un respeto hacia la música, y creo que para mucha gente somos más que un grupo. Eso es emocionante” GORKA URBIZU

quedó entre dos tierras. Veníamos de una maqueta que era casi puro thrash y en el primer disco ya se veían nuevas influencias de Nirvana, Weezer… pero musicalmente no éramos capaces y como estilo todavía se estaba gestando. En el segundo, Ikasten, se marcan otras cosas que ya han sido señas de identidad de Berri. Luego hay hitos importantes durante la carrera como Libre ©, que fue un disco con el que noté que algo estaba pasando. Y luego el punto de inflexión fue con Jaio.Musika.Hil. Nos convertimos en trío, que es otra de nuestras características y todo lo que conlleva de mágico que tiene en directo y lo que te condiciona a la hora de escribir canciones. No hay lugar para florituras. También en Jaio ya empezamos la senda de trabajar con productores, ni que fuera al 50% con Ed Rose y tocar en Japón, Nicaragua… lo que se vio en el documental. Y por qué no decirlo, vuestra portada también fue importante. Creo que hubo un antes y un después con

ese disco. Suena a tópico, pero cada bolo que has dado, cada maqueta, tiene que ver con lo que haces hoy en día. Esto es hacer camino y sumar. No renegamos de nuestros inicios, pero hemos ampliado todo lo que hemos podido nuestro espectro musical. A día de hoy somos un grupo bastante impredecible y eso me gusta. Si ahora anunciáramos un disco nuevo habría mucha gente que pensaría ‘¿Y qué coño harán ahora?’. Creo que es una de nuestras señas de identidad”. Pues igual que se lo pregunta la gente, supongo que vosotros debéis pensar: ‘¿Y qué coño haremos luego?’. DAVID “Todavía no hemos tenido tiempo para hacernos esa pregunta”. GORKA “En 2015 tocar. Para mí ha sido un año de mantener un secreto porque hemos ido enseñando las cartas poco a poco. No queríamos anunciar desde un principio que iba a ser un disco triple para quitarnos un poco de pressing externo. Hemos ido

dando sorpresas y ha sido muy divertido, pero nos moríamos de ganas de que saliera el disco y de que la gente pudiera escuchar el trabajo”. DAVID “Sí, cerrar el ciclo y sacar las canciones a la calle para compartirlas. Ahora no tenemos más hueco para pensar en nada más”. Como seguidor del grupo una de las alegrías que tuve es que hace unos años, con la salida de Aitor, parecía que se podría haber diluido la esencia de la formación; sin embargo habéis conseguido que Berri se siga viendo como una banda y no sólo como el proyecto de Gorka con dos músicos más. GORKA “Para mí es muy importante ese sentimiento de banda. Obviamente yo también me hacía esas mismas preguntas cuando en el margen de cuatro, cinco años, lo dejó Aitor, lo dejó Rubio y luego el otro Aitor. Fueron mazazos. A mí no me gustan 47

“A día de hoy somos un grupo bastante impredecible y eso me gusta. Si ahora anunciáramos un disco nuevo habría mucha gente que pensaría ‘¿Y qué coño harán ahora?’. Creo que es una de nuestras señas de identidad” GORKA URBIZU los cambios en las bandas, pero en tantos años y la velocidad de crucero que cogió Berri y lo que te exige es normal que ocurran ese tipo de cosas. Cada uno tiene su plan de vida y hay que respetarlo. La verdad es que con David y Galder empiezan unos nuevos Berri Txarrak que son igual o más interesantes. Para mí sigue prevaleciendo el espíritu de las canciones y la manera de hacer las cosas. La gente va a los conciertos y se compra los discos porque se identifica más allá de los nombres. Es un poco como un club de fútbol, que da igual quién entrene o juegue. O como Queens Of The Stone Age, que siguen siendo Queens aunque cambien los miembros. Salvando mucho las distancias, claro, creo que también Berri es un ente por encima de estilos y las personas que lo formen”. ¿Qué te han aportado David y Galder ahora que tienes un poco más de perspectiva? GORKA “Musicalmente no tenía mucha duda por el background de cada uno. Ya sabía que eran dos musicazos. Pero cuando entra gente en un grupo lo más importante es casi lo extramusical, las horas que tienes que pasar juntos y que comparta la filosofía de ir a muerte. Eso no deja de ser una especie de lotería y no podría estar más contento. El otro día me di cuenta de que es la primera vez que una formación repi-

te grabación desde Eskuak/Ukabilak a Libre ©. Eso te da una idea de cómo se ha tenido que ir adaptando la cosa y que ahora estamos en un momento dulce, de estabilidad”. En los últimos años habéis centrado bastantes esfuerzos en poder abriros al exterior y tocar fuera. ¿Os resulta más fácil abrir camino o sigue siendo una epopeya? GALDER “Antes de salir el disco parece que todo va a ser más fácil, pero luego cuando empiezas te das cuenta de que sigue siendo muy complicado”. GORKA “A veces lo que ocurre es que se nos olvida que van ocurriendo cosas. El año pasado tocamos en el Hellfest. Hemos tocado de teloneros con Sick Of It All en París. Este año hemos estado en el Xtrem Fest. Hemos hecho una gira de nueve conciertos en Estados Unidos y hemos dado bolos guapos. Todo eso creo que cuenta. Lo que pasa es que a veces te gustaría tocar en el O2, pero es complicado. Las cosas van más lentas que aquí. Ya llevamos más diez años tocando en el guiri. No es fácil, pero vas consiguiendo ese tipo de cosas. Ahora volveremos a salir a Europa y también haremos otros continentes. Ahora vemos muchos comentarios en el Facebook de gente de Sudamérica para que vayamos. Lo poco que se consigue

se valora”. DAVID “Al final creo que estamos en la misma situación que la mayoría de las bandas que apuestan por salir fuera y llegar al máximo de gente posible. Yo sigo yendo a conciertos de bandas yanquis que tocan en un bar delante de diez personas y subsisten de esa manera. Esto no tiene otra. Nosotros tenemos la suerte de tener una base de fans en Euskal Herria que nos dan lo que yo llamo ‘la gasolina’. Conseguimos llenar el depósito con ellos para luego poder llegar a otros sitios”. Dado que durante la grabación ibais dando conciertos y ahora vais a empezar la nueva gira, prácticamente habrá empalmado una con otra. ¿No os da miedo saturaros o quemaros? GORKA “El último concierto lo dimos en agosto y el primero lo daremos en enero. Son bastantes meses sin la droga del directo. No sé, es que no hay otra, somos currelas del rock. Hay momentos en los que te pillarías vacaciones, pero al fin y al cabo hacemos lo que nos gusta”. DAVID “Siempre intentamos encontrar el equilibrio entre tocar y dosificarnos nosotros y la gente para que vuelvan a tener hambre de vernos”. GORKA “Para mí lo más complicado son los finales de gira cuando realmente ya no tienes nada que ofrecer y no estás creando nada nuevo. Se me hace más duro eso que cuando empiezo. Cuando tienes canciones nuevas que tocar se regenera todo”.

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Desde su particular infierno noruego, 1349 vuelven cuatro años después para demostrar que su crudo invierno es eterno. La peste negra está al acecho, Europa sufrirá bajo terribles fiebres y tormentos su nuevo Massive Cauldron Of Chaos. Texto: Pau Navarra Fotos: Jorn Veberg

1349

UNQUE ALGUNOS CONSIDEREN A 1349 como a una banda segundona sólo por el mero hecho de no haber pertenecido a la primera gran ola de black metal noruego, el hecho de que nacieran en 1997 y que la institución Frost esté detrás de la batería deberían ser suficientes motivos para tener al cuarteto de Oslo en mucha mayor consideración. Si uno además se aleja de banales elucubraciones estúpidas y se somete al oscuro pandemonio que este combo lleva invocando desde el saturadísimo Liberation de 2003, encontrará sin duda a una banda que nunca ha tomado prisioneros, de iracunda concepción musical y que, en pleno 2014, sigue defendiendo a capa y espada los valores artísticos e ideológicos del black metal de toda la vida. En efecto, 1349, que se completan con Ravn a las voces, Archaon a la guitarra y Seidemann al bajo, son toda una garantía de black metal como nunca debió dejar de ser, y como perfectamente indica su presente Massive Cauldron Of Chaos (Indie Recordings), que esto cambie, como mínimo a día de hoy, está muy lejos de producirse. En estos tiempos donde las pandemias vuelven a ser el foco de atención por su devastadora mortandad, así como la sempiterna maldad humana que tanto les inspira, conviene armarnos de valor para intercambiar perversos salmos junto a Archaon y Seidemann.

¿Por qué cuatro años para publicar un nuevo álbum? Supongo que son Frost y Satyricon quienes dictan el calendario, ¿no?

ARCHAON “La explicación natural es que hemos estado girando, tocando en todos los grandes festivales. Después de que hayamos hecho un álbum, eso es en gran medida un gran proceso que consume mucho tiempo en sí mismo. En cuanto a Frost, obviamente estamos al tanto de la situación en la que nos encontramos, pero para los momentos en los que, por cualquier razón, no es posible contar con él, hemos manejado soluciones en su lugar. Tengo que decir que, cuando lo hacemos, por supuesto preferimos tocar con la alineación completa”. ¿Cuándo empezasteis a componer para este nuevo álbum? ¿Cómo lo recordáis? ARCHAON “Discutimos internamente un enfoque a través de un aspecto más thrasher, así como algunos ejemplos en los que inspirarse, como el sonido de guitarra de Bathory. En este día y era, algunos ingredientes como éste son fácilmente olvidados o, peor, ignorados. Con esto en mente, nos embarcamos en componer las canciones más potentes, indudablemente oscuras y personalmente satisfactorias posibles, y las ensayamos mucho. Una buena cantidad de arreglos también tuvieron lugar antes de entrar en el estudio por aquel entonces, y estamos extremadamente contentos y orgullosos con la forma en la que Massive Cauldron Of Chaos ha resultado”. ¿Quién fue el productor y por qué le elegisteis? ARCHAON “Trajimos a nuestro FOH (front of house, su técnico de directo –ndr.), Jarrett Pritchard, desde Estados Unidos. En realidad ha asu-

“La banda tomó su nombre del año en que la peste negra asoló Noruega, cosa que también parecía adecuado para una banda de nuestro estilo. Creemos que 1349 acompaña la música que llevamos a cabo y el arte que representamos”

Archaon mido el rol de productor con nosotros en esta ocasión, algo que ha dado un muy buen resultado. Además de él, utilizamos a Kjartan Hesthagen de los Studio Studio como productor, quien ha estado detrás de prácticamente todos nuestros discos anteriores. Aparte de lo mencionado, sólo es más o menos 1349 en su forma pura lo que Massive Cauldron Of Chaos tiene que ofrecer”. Así, ¿fue muy diferente de hacer este nuevo trabajo en comparación con vuestros otros cinco discos, o no? ARCHAON “El álbum fue hecho de nuevo como en el caso de todos los demás discos, a excepción de Liberation. Fueron grabados en los Studio Studio, como te he dicho antes. Estos tíos que lo llevan nos conocen muy bien y Jarrett conoce 1349 desde un punto de vista técnico porque lleva ajustando nuestro sonido en directo desde 2008, por lo que tiene su propio toque perfecto cuando se trata de lograr nuestro sonido óptimo. Él fue muy práctico a lo largo de todo el proceso, asegurando que cada 51

“La mente humana ha demostrado por ella misma que no sólo está en la cima de la cadena alimenticia o del nivel de inteligencia, sino también en los niveles de truculencia inimaginables y las acciones bárbaras”

Archaon pizca de esfuerzo saliera de cada uno de nosotros”. Massive Cauldron Of Chaos es un gran título para resumir vuestra nueva obra. Ésta es extremadamente rápida, abrasiva y demente, pero por otro lado, seguís introduciendo nuevos sonidos y arreglos como siempre, ¿verdad? ARCHAON “Sentimos que el título resume el álbum en su conjunto, además de ser, particularmente hablando, en la vena 1349”. De hecho, 1349 fue una elección perfecta como nombre de banda… Vuestra música es como la peste negra, promoviendo el caos y la violencia desde Noruega hacia el 52

mundo… Además de la fecha histórica, en términos musicales, ¿fue una consideración como ésta tenida en cuenta a la hora de adoptar este nombre como grupo? ARCHAON “La banda tomó su nombre del año en que la peste negra asoló Noruega, cosa que también parecía adecuado para una banda de nuestro estilo. Creemos que 1349 acompaña la música que llevamos a cabo y el arte que representamos, así que ése es básicamente el trasfondo que hubo bajo la sugerencia de Ravn si volvemos a ese día. En cuanto a la música, se describe mejor como ‘aural hellfire’ (‘fuego infernal auditivo’ –ndr.), una oscura, bruta fuerza que entra en amplios paisajes musicales en su propia forma intransigente”.

Creo que Massive Cauldron Of Chaos está más influenciado por vuestros tres primeros álbumes, pero por otro lado, Archaon, estás tocando ahora riffs más técnicos que nunca, poniendo especial empeño en conseguir toques épicos en temas como ‘Slaves’, ‘Exorcism’ o ‘Godslayer’. ARCHAON “Si bien la composición del material evidenció que había un poco de espacio para elementos como estas distintas soluciones, podían proporcionar además una gama dinámica en el álbum como un total. Para mantener el interés y evolucionar, hay algunos métodos que no podrían ser comúnmente conocidos como partes integrales del black metal pero que nos pareció que se ajustaban al material, así que nos

tomamos la libertad de controlar eso en mayor medida. Hay un poco de indulgencia hacia tirar hacia el thrash en ello, pero no es la primera vez que esto forma parte de 1349”. ‘Mengele’s’ es una canción jodidamente increíble, seguramente mi favorita del disco. ¿Qué me podéis contar sobre su composición y letras? ¿Por qué decidisteis escribir una canción sobre el Ángel de la Muerte nazi? ARCHAON “En las artes oscuras que estamos realizando, en ese aspecto es natural la forma de profundizar en temas como, por ejemplo, cómo se asocia el nombre de nuestra banda en sí mismo. La mente humana ha demostrado por ella misma que no sólo está en la cima de la cadena alimenticia o del nivel de inteligencia, sino también en los niveles de truculencia inimaginables y las acciones bárbaras. Convertir el desquicio en arte es lo que hacemos con nuestro enfoque, siendo este título en cuestión uno de muchos ejemplos. Y sí, yo creo que la canción en sí tiene un interesante factor hacia ello”. Ravn canta como una presencia demoníaca, su voz es una pieza básica de vuestro sonido extremo, y en ese sentido, presenta un don muy apreciado: la personalidad. ¿Es ésa una rara facultad en la escena black metal? ARCHAON “La voz de Ravn es en buena medida una gran mezcla de los rasgos más tradicionales del black metal salpicada con algunas introducciones a elementos no comunes. Es de esa forma en la que la

creatividad se explora de la mejor manera en 1349: no sólo apegándose a los caminos ya conformados, sino también mirando hacia el futuro e intentando llegar a lo que vemos como soluciones interesantes. Tiene una voz de fuerza y autoridad que se adapta muy bien a la música”. Revelations Of The Black Flame fue un álbum distinto en vuestra discografía, es oscuro y realmente lóbrego… Fue un nuevo capítulo en vuestra experimentación black, pero decidisteis volver a la velocidad y crudeza con el fantástico Demonoir, y Massive Cauldron Of Chaos prosigue también esta senda. ¿Por qué tomasteis esa decisión? ¿Creéis que en un futuro podríais volver a grabar un álbum como Revelations Of The Black Flame? ARCHAON “Hacemos lo que tenemos ganas de hacer, que nunca ha sido ni alguna vez será. Nuestra idea es elaborar esa fuerte referencia a nuestros trabajos previos, pero no vamos a decir algo como ‘vamos a hacer tal o cual cosa otra vez’. Si un capítulo está cerrado, nos movemos y la emoción se preserva al no limitarnos a nosotros mismos de una forma como ésa. No esperes oírnos repitiendo algo que ya hayamos hecho”. ¿Qué opináis acerca del reciente interés de medios mainstream como Pitchfork hacia el black metal? ¿Es una simple moda, una ofensa hacia la escena…? ARCHAON “No le presto mucha atención a eso, no es mi tarea en el

‘aparato’, por así decirlo… Nos concentramos en la creación de nuestra forma de arte, y eso es lo que mejor sabemos hacer”. Ahora mismo, ¿cuál es vuestro papel dentro del black metal noruego? 1349 no estabais presentes en la histórica primera ola de vuestro país, pero por otro lado, vuestro éxito es obvio y reconocido en todo el mundo… SEIDEMANN “El papel de 1349 es hacer black metal de la manera en que 1349 quiere que sea el black metal. Somos lo suficientemente egoístas como para hacer esto para nosotros mismos, y si otras personas disfrutan con ello, es un añadido pero no un prerrequisito”. ¿Cuál diríais que es el estado actual del black metal? ¿Estáis interesados en nuevas bandas black o preferís escuchar otros estilos en vuestro tiempo libre? SEIDEMANN “Dejé de prestar atención al estilo en torno a 1997, cuando 1349 empezamos como una reacción a la forma en que percibíamos que el black estaba yendo por aquel entonces. Realmente no estoy muy atento al black metal ni a las nuevas formaciones de cualquier otro género. Tengo la suerte de girar y a veces descubrir bandas interesantes de ese modo, pero ya no busco activamente más nuevos grupos. En casa prefiero disfrutar del silencio”.

LLUVIA DORADA Después de haber triunfado en la última edición del Resurrection Fest, Turbonegro regresan a nuestro país en una de las giras que celebran el décimo aniversario del festival. Tony Sylvester nos cuenta cómo ha llevado EL pasar de ser fan del grupo a convertirse en su cantante. Texto: Toi Brownstone Fotos: DR

espués de una década marcada por la inestabilidad, con algunos episodios memorables y otros lamentables, numerosas tensiones entre los miembros de la banda y la salida de un líder como Han Von Helvete, tan carismático como enajenado, parece que este nuevo resurgimiento de la 54

cenizas de Turbonegro con Tony Sylvester, ‘Duke of Nothing’, al frente de la banda, ha supuesto un punto de inflexión real, con unas bases para un futuro prometedor bastante asentadas. Si bien es cierto que su estilo se aleja completamente del de Helvete, y su maquillaje es menos molón, también lo es que ha dado un nuevo aire más agresivo y más macarra a la

banda noruega. Ya han pasado dos años desde el lanzamiento de Sexual Harrassment (Scandinavian Leather Recordings), pero para Turbonegro 2014 ha sido un año decisivo, han puesto las cartas sobre la mesa fuera de casa, y concierto tras concierto han ido reclutando a muchísimos fans para su ejército. Tanto los reticentes, como los que apuestan por la ban-

“Podríamos decir que somos unos chamanes, somos los sacerdotes de la juerga y vosotros sois el rebaño” TONY SYLVESTER

da, tenéis la oportunidad de verlos en directo este mes en varios puntos de nuestra geografía. Sylvester no me puso las cosas fáciles para poder llevar a cabo la entrevista como había planeado, pero una vez superadas las dificultades técnicas, resultó una charla absolutamente genial. Una cosa os adelanto: Sylvester es el mayor fan de

Turbonegro del mundo, y se nota. Ya estamos contando los días que faltan para veros en directo, sobre todo tras vuestro éxito en el Resurrection Fest. En general los asistentes quedaron satisfechos y disfrutaron mucho a pesar de la lluvia. TONY SYLVESTER “Es que no sólo estaba lloviendo, sino que encima eran ¡las dos de la mañana! Estamos muy agradecidos a todo el público por aguantar esas condiciones y quedarse con nosotros. Fue una sensación alucinante. Gracias a todos de nuevo”. ¿Qué tal ha sido 2014 para Turbonegro? “Ha sido un buen año, la verdad. El año pasado tocamos prácticamente en cada rincón de Noruega, pero este año dejamos esto a un lado y nos concentramos en movernos por otros países. Hemos tocado en Italia, en España, ahora en Gran Bretaña, Alemania y otros países escandinavos… estamos disfrutando mucho. Tenemos mucha suerte de poder tocar en todos estos lugares y saber con seguridad que vamos a tener un buen público, motivado y con ganas de vernos y de disfrutar con nosotros. Es un gustazo. Personalmente prefiero los conciertos en recintos cerrados, me gustan las salas. Así es como he crecido y así es como me gusta disfrutar de las actuaciones, por lo que me apetece muchísimo hacer estos conciertos en invierno”. ¿Tenéis preparado algo especial para estas actuaciones? “Ahora mismo estamos trabajando en material nuevo. Tenemos pendiente

recuperar temas que nunca hacemos en directo, o que ya hace tiempo que no tocamos, y siempre estamos trabajando en nuevas versiones y probando distintas cosas para poder sorprenderos, así que sí podría decirte que estamos preparando unas cuantas sorpresas para vosotros, pero no te puedo contar cuáles, porque entonces dejarían de ser sorpresa (risas)”. Cuéntanos qué es necesario para ser un auténtico party animal. ¿Nos podrías dar algunos consejos? “En realidad creo que esta pregunta se la deberíais hacer a mi gran amigo Andrew W.K., que ha creado los pilares de una filosofía centrada completamente en la fiesta, ¡bien por él! Nosotros seríamos más bien los operativos, los proveedores de las herramientas necesarias para la fiesta. Un turboshow sería nuestra contribución si queréis montar una buena. La gente trabaja y tiene sus obligaciones, y nosotros somos más bien un grupo de fin de semana. La gente viene a los conciertos a vernos, desconectan de sus problemas y se liberan. Eso es lo que nosotros aportamos, somos como una válvula de escape para algunas personas. Así que podríamos decir que somos unos chamanes, somos los sacerdotes de la juerga y vosotros sois el rebaño (risas)”. Pues a mí ya me va bien (más risas de Tony). Ya ha pasado suficiente tiempo para asentarte como líder de Turbonegro, pero confiesa: además de numerosos ensayos para ver si encajabas, ¿tuviste que hacer alguna prueba especial para ganarte los galones? 55

¿Algo sexual quizás? “¿Que si…? ¡Oh, no, no, no! Debo admitir que tuve mucha suerte y me libré de cualquier tipo de rito de iniciación principalmente porque la banda y yo nos conocemos desde hace bastantes años y ya me tocó en el pasado cuando nos hicimos amigos, así que esta vez nos olvidamos del tema. Prefiero no acordarme de aquellos momentos (risas). Fue hacia el año 2000 cuando nos conocimos y me tocó arrodillarme y ese tipo de cosas, así que cuando me uní al grupo ya me conocían demasiado como para hacerme una prueba de iniciación”. ¿Se requiere también para ser presidente de alguna de las divisiones de Turbojugend pasar por distintos rituales? “También aquí fui muy afortunado, puesto que fui el fundador de la división Turbojugend London, así que sólo tuve que iniciar a otros miembros. La división de Londres dejó de estar activa cuando falleció el vicepresidente Richie Crimewave, un gran amigo mío, como un gesto de tributo hacia él. Ya ha pasado mucho tiempo de esto. Lo cierto es que una ciudad tan grande e importante como Londres necesita volver a tener una representación de fans, y creo que Richard opinaría igual. De la misma manera que Turbonegro renace de sus cenizas una y otra vez, ahora que Turbojugend es más grande que nunca, la división de Londres debe volver a activarse, y voy a encargarme de que esto suceda”. Eso estaría muy bien. “¡Sería cojonudo! Londres es mi ciudad, donde he crecido, y es demasiado importante para que no haya una asociación Turbojugend consolidada. 56

Me consta que hay pequeños grupos por distintas zonas de la ciudad, pero hace falta una sección londinense”. Me hace gracia esto porque el primer concierto al que asistí de Turbonegro, cuando ni los conocía, fue precisamente en Londres, en 1998. “El concierto en London Garage, ¡yo estuve allí! Fue justo antes de que se separaran. Es curioso porque en ese momento sólo tenía el disco Ass Cobra, y cuando fui a verlos no conocía ninguna canción del Apocalypse Dudes porque creo que acababa de publicarse. Fue algo totalmente distinto a lo que me esperaba, incluso mucho mejor. Tocaron un montón de temas que no conocía, pero a la vez sonaba muy familiar porque identificaba sus influencias, que también me encantan. Podría decirte que lo que determinó mi amor por Turbonegro fue sin duda ese concierto. Los temas de Apocalypse Dudes me engancharon totalmente”. Siguiendo con las coincidencias tengo que confesarte que también te he visto con The Dukes Of Nothing. “¡Oh, Dios mío! ¿Cuándo fue eso?”. En 2003, en el Barfly de Camden. “Pues sí, parece que sí que nos viste (risas)”. ¡Ya lo creo! Recordando este concierto y el disco War & Wine, me preguntaba cómo ha sido la evolución de estar con Dukes, que eran puro punk súper agresivo y salvaje, a juntarte con Turbonegro. “En realidad no se puede hablar de

una evolución de un estilo a otro, puesto que entre una banda y otra pasó bastante tiempo, y además estaba en un grupo de hardcore llamado 33 cuando Turbonegro contactaron conmigo, así que en realidad debería hablar de este último cambio como bastante radical, porque el estilo de 33 era mucho más intenso, por decirlo de alguna manera. Dukes eran más parecidos a Motörhead, y 33 seguíamos los pasos de Cro-Mags y el hardcore de Nueva York. Pero dejando esto aparte, lo más duro para mí ha sido encontrar el lugar en el que mi voz encajara dentro del estilo de Turbonegro. Querían mucho de la parte agresiva, obviamente, y les gustaba mi forma de cantar, fuerte y contundente, pero este tipo de voz no implica necesariamente que se pueda ajustar a repertorios de 90 minutos en directo, y además, hay un montón de melodía en sus canciones. Lo que siempre me ha encantado de Turbo son las letras, que son esenciales, y la parte melódica, así que he tenido que trabajar mucho para poder adaptarme, y sigo haciéndolo, sobre todo por la cantidad de ensayos que me pierdo. Para mí esto ha sido lo peor. Así que siempre estoy trabajando la voz, y tratando de aprender nuevos registros y buscando técnicas para mejorar mi rendimiento vocal. ¡Eh! Pero no te preocupes, que para cuando vaya a veros habremos ensayado lo suficiente y lo haré bien (risas)”. Estoy segura de ello, Tony. ¿Cuál crees que ha sido tu máxima aportación al grupo? “No es justo que sea yo quien responda a esta pregunta, eso es tarea de los chicos, pero desafortunadamente no están aquí. Lo que sí puedo decirte

“Para mí estar en un grupo y entretener a la gente consiste en no ser uno mismo, en crear algo distinto” TONY SYLVESTER

es que soy muy feliz de que la banda haya vuelto, porque como ya has visto, soy un gran fan, y me encanta que vuelvan a tocar, y que la reacción de la gente haya sido tan positiva. Es increíble ver el apoyo que hemos recibido, y ver que cada vez tenemos más fans. Pero el contrapunto para mí es que nunca voy a volver a presenciar un concierto de Turbonegro, porque siempre voy a estar tocando. Siempre estaré ocupado cuando toquen y no podré ir a verlos, porque estaré con ellos (risas), por lo menos hasta que no se invente un nuevo sistema de clonación (risas)”. ¿Cómo llevas el tema de la distancia Londres-Oslo? “Aunque no lo creas, funciona bastante bien. Todo el mundo tiene otras cosas, familia… vivimos en el mundo real. Para mí ésta es la prioridad número uno y siempre voy a estar ahí cuando me necesiten, puesto que tocamos varias veces a lo largo del año, pero preferiría hacerlo con más frecuencia, sería más sencillo para mí hacer más conciertos, pero hacemos

lo que podemos teniendo en cuenta las circunstancias de todos. Como te decía, me siento muy afortunado de poder hacer los conciertos que hacemos, y tocar en los sitios que tocamos. Y también me ayuda el hecho de que me convierto en un personaje diferente cuando lo hago. Soy una entidad distinta cuando me subo a un escenario. Me gusta tener mis dos facetas tan separadas”. ¿Y viajas mucho a Noruega, con mucha frecuencia? “Sí, claro. Más o menos entre idas y venidas, paso unas seis semanas al año allí. Voy tres o cuatro días, luego vuelvo a Londres y estoy unas semanas en casa, y así continuamente. Oslo se ha convertido en mi segundo hogar”. ¿Y ya sabes hablar algo de noruego? “¡Qué va! Ni una sola palabra (risas)”. ¿Nada de nada? “No tengo ni idea. Pero a diferencia de España y otros países, el nivel de inglés que tienen allí es increíblemente

alto. Me avergüenza no tener ni idea de su idioma. Cada vez lo leo mejor, pero me resulta imposible. Me resulta más fácil la fonética del español o del francés. Sus vocales suenan muy distintas”. ¿Has notado una gran diferencia cultural? “Me ha sorprendido que no hay tanta diferencia. Con los suecos sí es cierto que hay más cercanía por su sentido del humor y su estilo, aunque tanto su cultura como su inglés tienden a ser muy americanos, mientras los noruegos hablan con acento muy inglés, como si hubieran crecido viendo programas de la BBC por la tele. Les encanta la comedia británica y por tanto, su sentido del humor, y les encanta la liga inglesa de fútbol. Así que estoy encantado de ver que no somos tan distintos”. ¿Y de marcha? Ya sabes, clubes, lugares de S&M, saunas y demás, ¿qué ciudad prefieres? “Sinceramente, no te puedo responder. Cuando voy a Oslo es por trabajo, y no tengo demasiado tiempo para salir 57

cómo se deletrean (risas). Más o menos todo el mundo que conozco está metido en distintos proyectos, pero en realidad no estoy muy metido en la escena. El sábado en Oslo tocamos con Giuda, de Roma. Me encanta esa banda, suenan como a glam rock de principios de los 70, y tienen un punto que me recuerda a Bowie. Estoy muy contento de tocar con ellos”. Eso es lo bueno que tiene tocar en un grupo, supongo... Que puedes compartir escenario con bandas que te gustan. “Imagínate este verano, que tocamos en el Hellfest con Black Sabbath. ¡Fue una locura!”. de juerga, y cuando vuelvo a Londres lo único que quiero es quedarme en casa de relax, así que mi vida nocturna ya ha pasado. Pero claro, siempre elegiré Londres porque es mi ciudad. Además, Oslo es una ciudad terriblemente cara. ¿Sabes lo que cuesta una puta cerveza? ¡Es una ruina! Ahora en serio, Oslo es una ciudad muy bonita, pero parece un pueblo. A cualquier lugar que vas, parece que siempre conoces a alguien”. En cuanto a la escena local, ¿estás familiarizado con bandas o movimientos que estén pegando fuerte? “No mucho. Casi todos mis amigos están tocando en grupos. Me encanta el grupo de Knut (Euroboy), Mirror Lakes. Son muy, muy buenos. Tommy estaba tocando con Silver, que parece que van a volver. Y me gustan un par de bandas cuyos nombres tendría que mandarte por mail, porque no sé ni 58

¿Me puedes adelantar los planes que tengáis para 2015? “Pues lo primero que puedo decirte es que saldrá nuevo material, aunque no puedo confirmar todavía ni cuándo, ni cómo, ni qué, pero estamos seguros de esto, y estamos ya rellenando el calendario de conciertos, con intención de ir a países en los que nunca hemos tocado. Siempre hemos querido girar por Sudamérica, también viajar por Asia, y vamos a intentar que esto suceda, pero de momento todo lo que está programado hasta el momento será en Europa y Estados Unidos. Va a ser un año entretenido, creo, y lo que espero con más ganas es publicar nuevos temas”. Hombre, es que ya va siendo hora. “Ya lo sé, tienes toda la razón (risas)”. Cambiando de tema: ésta es

una reflexión personal, aunque bastante compartida, sobre Turbonegro y su vinculación con la película de William Friedkin, Cruising (A La Caza). Aunque simpre he pensado que es algo implícito, me gustaría saber si esta peli ha sido una fuente de inspiración para la banda. “Es gracioso porque jamás he hablado de esto con los chicos, porque para mí también es algo que va implícito con la identidad de la banda. Me encanta la película, y especialmente que The Germs formen parte de la banda sonora. Cruising es muy película muy extraña, con Friedkin y Al Pacino. Fue un completo desastre comercial y todo el mundo la odiaba. Y además, está todo ese metraje perdido de más de 40 minutos, que se eliminó para poder pasar la censura, con mucho hardcore explícito en el Leather Bar, que nadie ha visto. Todo esto me resulta fantástico. Cuando hicimos el vídeo de ‘I Got A Knife’ con el director Andy Capper, que también trabaja como editor en Vice, hablamos mucho sobre Cruising”. Precisamente preparando la entrevista volví a ver ‘I Got A Knife’ y pensé ‘¡Joder! ¡Pero si esto es Cruising!’. “¡Ah, qué bueno! Está claro que es la influencia principal. Es más, la gorra de cuero que llevo en el vídeo y que siempre me pongo en los conciertos la compré en una tienda de cuero, The Leather Man, en Christopher St, en Nueva York. Probablemente la gente del ambiente de finales de los 70 iba a comprar sus juguetes y accesorios en esa tienda. Cruising es sin duda la inspiración para este vídeo”.

“No queremos llevar maquillaje para resultar más atractivos. Queremos tener una apariencia rara y turbia” TONY SYLVESTER

Si surgiera un proyecto similar, ¿os gustaría formar parte de la banda sonora? “¡Dios, claro que sí! Soy un apasionado de las bandas sonoras y me encantaría aparecer en alguna. Para una peli de ese estilo, Cruising o Maniac, creo que pega más una música más escalofriante, con muchos sintetizadores, como lo que hacían Goblin en los 70 o Cold Cave actualmente. Ese sonido siniestro y aterrador”. El look de Turbonegro siempre ha sido un rasgo muy distintivo del grupo, y tanto vosotros como los fans más acérrimos lo tenéis muy en cuenta. Si se tuviera que establecer una etiqueta para los asistentes a vuestros conciertos, ¿qué normas se deberían seguir? “Creo que, en cierto modo, esto ya sucede. En nuestros conciertos siempre abunda el denim, mucho rollito marinero, y ese tipo de cosas, y es genial. Nunca vamos a decir a la gente cómo debe vestir o actuar, pero siempre es agradable percibir esa afinidad cuando ves a la gente siguiendo nuestro rollo. Siempre me ha gustado que las bandas tengan una apariencia distinta sobre un escenario, que se tomen la molestia de crear algo especial para ese momento, algo totalmente distinto a lo que viví en mi juventud, con el hardcore y todo el grunge de los 90. Todo consistía en ser auténtico y honesto. Para mí estar en un grupo y entretener a la gente consiste en no ser uno mismo, en crear algo distinto”.

No hay mejor banda que ejemplifique lo que dices que Kiss. “Exacto, Kiss. Igual que un montón de bandas de glam rock. Pero es que podrías ir hacia atrás y llegar hasta Elvis y el rock’n’roll de los años 50. Hasta el country sigue una estética muy particular que mantienen todos los artistas. ¿No te parece interesante?”. Te hemos visto con la gorra de cuero que decías, con bombín, con vaqueros y hasta con chalecos. ¿Qué prefieres, denim, cuero o trajes de sastre? “(Risas) Me gusta mucho el look de macho con cuero, pero luego una camisa tejana combinada con el bombín y unas botas altas de poli, o la gorra de cuero con pantalones de poli… siempre que sea todo muy macarra. Llegamos a hablar de llevar todos un uniforme de denim, pero como en el ejército, que tienen un uniforme de batalla y otro de gala, que llevan a los desfiles. El denim sería nuestro uniforme de batalla. Tendríamos que buscar unos trajes para encontrar nuestro uniforme de gala (risas)”. ¿Crees que vuestra apariencia resulta atractiva o causa algún tipo de impacto en la gente? “Es una de las cosas que más me gustan de este grupo, y lo primero que hizo que les prestara atención. Reparé en Turbonegro cuando Ass Cobra llegó a mis manos, justo en un momento en el que estaba escu-

chando un montón de música. Me llamaron la atención sus pintas y todas las referencias a otros discos y otros grupos como The Beach Boys o Alice Cooper, y a un montón de cosas mezcladas tan confusas que no podía parar de pensar en qué coño era eso. Y eso es lo que espero que todavía se mantenga. Que la gente que descubra a Turbonegro hoy se sienta confusa por todo esta ambigüedad y les haga indagar. También me gusta que algunos digan que tenemos unas pintas horribles, o que somos ridículos. Esto mismo sucede con el tema del maquillaje. Tom y yo hemos hablado de esto varias veces. No queremos llevar maquillaje para resultar más atractivos. Queremos tener una apariencia rara y turbia. Como cuando sales por ahí de juerga y al final de la noche estás sudado, el maquillaje completamente corrido, el pelo sucio… y estás horrible. Pero eso también confirma que han pasado ‘cosas’“. Una última pregunta: si tuvieras que irte a una isla desierta con uno de tus compañeros, ¿a quién elegirías? “¡Dios, no lo sé! Me has pillado, buena pregunta. Creo que me llevaría a Tommy, el batería, porque me parece que es el más práctico. Pero sinceramente, no lo sé. Sí, creo que me llevaría a Tommy. O quizás a Rune Rebellion, que es el más mayor y tiene más experiencia. ¡Ay, no tengo ni idea! De todas formas, creo que no estaría tan mal pasar por ese trago con cualquiera de la banda, aunque espero que nunca llegue a suceder (risas)”.

ESPECIAL FOTO

NOTHING

Un año más el hermano otoñal del festival Primavera Sound ocupaba varias salas de Barcelona a modo de escaparate para formaciones emergentes de la escena independiente. Entre el 31 de octubre y el 2 de noviembre, el Primavera Club sonó al ritmo marcado por bandas nacionales como Rebuig o Fighter Pillow y otras venidas del otro lado del Atlántico como Cerebral Ballzy o Nothing. Aquí te lo contamos en imágenes. fotos: CARLES RODRÍGUEZ

IEPI

FIGHTER PILLOW

EAST INDIA YOUTH

THE COATHANGERS

REBUIG

CEREBRAL BALLZY

PERFECT PUSSY

Rozando la gloria

BLACK VEIL BRIDES

Black Veil Brides

Casi sin darnos cuenta hemos pasado de ver a como una banda de Ésas que acaparan titulares durante cinco minutos y que luego desaparecen a hacerlo como una formación asentada en línea ascendente. Seguro que algunos no se lo explican, pero algo de crédito habrá que darles. Texto: Richard Royuela Fotos: DR

hora que la credibilidad de las bandas cuesta cada vez más ser contrastada, no se puede culpar a quienes pusiesen una mueca de desaprobación cuando Black Veil Brides dieron su gran salto de popularidad con el que fue su segundo disco, Set The World On Fire. Esa imagen histriónica, que bebía a su manera de las bandas de hair metal de los 80, un hard/heavy con toques metalcore algo genérico y un directo justo, por decirlo de alguna manera, no jugaban a su favor. Pero debajo de todo eso existía una banda que demostraba que, a pesar de todo, podía escribir buenas canciones e incluso pequeños himnos generacionales. Desde entonces el quinteto compuesto por Andy Biersack (voz), Jake Pitts y Jeremy ‘Jinxx’ Ferguson (guitarras), Ashley Purdy (bajo) y Christian ‘CC’ Coma (batería) ha sabido nadar a contracorriente hasta llegar a Black Veil Brides IV (Spinefarm), el que es el disco más completo de su carrera o, al menos, el que ha sabido encontrar mejor la personalidad de la banda. Tras una atronadora producción marca de la casa de Bob Rock, los de Cincinatti han creado un disco que, por sorprendente que pueda parecer a más de uno, destila un aire de hard & heavy de toda la vida y que ratifica lo que ya se intuía: que estos tíos son algo más que una banda creada para derretir a las adolescentes. Si buscas buenos temas de rock, es probable que los encuentres en Black Veil Brides.

os encontráis ya metidos en la gira de presentación. ¿Cómo van estos primeros días desde el lanzamiento? ANDY BIERSACK “Bien, desde luego. Las reacciones están siendo buenas y es nuestro segundo disco que entra en el Top 10. Es un alivio, porque hemos puesto mucho de nosotros en este álbum y es bueno tener este tipo de retorno por parte de los fans, y ver que lo están disfrutando”.

Con vuestro nuevo álbum habéis entrado en el Top 10 de las listas americanas y

Más de una vez habéis comentado que cada nuevo disco es una especie de reacción

Hace poco más de un año y medio que se editó Wretched And Divine: The Story Of The Wild Ones. Es sorprendente lo rápido que habéis sacado un nuevo álbum, ya que es difícil ver a una formación que tarde menos de dos años entre disco y disco teniendo en cuenta lo que se alargan las giras. ¿Se encuentra el grupo en un buen momento creativo? “Realmente a nosotros nos gusta escribir canciones y es algo que estamos haciendo constantemente. Nos dimos cuenta de que teníamos un montón de temas lo suficientemente buenos para ser grabados, y lo último en lo que nos fijamos es el tiempo que ha pasado desde la anterior colección. Nos gusta ir al estudio, y además surgió la oportunidad de poder grabar con Bob Rock, por lo que no había motivo para darle muchas vueltas al asunto”.

al anterior. Vuestro tercer trabajo era un disco complejo, al menos conceptualmente hablando, y éste es mucho más directo y clásico. ¿Es ahí donde está la diferencia? “Sí. Nos gustó hacer un álbum conceptual como lo fue el anterior, pero echábamos en falta hacer algo más

como Bob. Sólo eso ya hace que debas tenerle el máximo respeto. Dicho esto, ha sido genial ver cómo no nos ha tratado como a una banda secundaria, sino que ha puesto todo de su parte para crear el mejor disco posible. Puede que se tenga una imagen mística de él como ‘el gran Bob Rock’, pero nada de eso tiene que ver con la realidad. Él ha sido uno más en el estudio, ha disfrutado y ha dado todo lo mejor de sí para hacer el mejor álbum. Y eso es algo de lo que estamos muy agradecidos”.

“Los rock stars en los 70 U 80 eran tíos millonarios, bebiendo y pasándoselo bien a todas horas, pero eso ya no es así. Ya no podemos agarrarnos a eso”

Andy Biersack

básico, menos complicado, más rock si quieres llamarlo así, y es lo que hemos hecho. Además, tener a alguien como Bob Rock te lleva a hacer esa clase de disco”. Bob Rock es conocido por sus grandes producciones de rock y haber hecho discos como

Dr. Feelgood de Mötley Crüe o Black Album de Metallica. Teniendo eso en cuenta, supongo que ha tenido que ser todo un reto para vosotros encerraros en un estudio con alguien como él. “Evidentemente no puedes pasar por alto el currículum que tiene alguien

Desde luego, el tipo de álbum que habéis hecho encaja perfectamente con lo que se espera de alguien como él. ¿Crees que Black Veil Brides IV hubiese sido muy diferente de haberse grabado con otra persona? “Desde luego hubiese sido un álbum muy diferente de no haberlo hecho él. Como he comentado, Bob fue el que se puso en contacto con nosotros, y sabiendo que iba a estar en la producción empezamos a crear un tipo de disco que encajase con lo que podíamos esperar de él”. Dos de mis canciones favoritas son ‘Goodbye Agony’ y ‘Walk Away’, que las podemos considerar como dos power ballads en toda regla, un género algo olvidado. ¿Queríais devolver el espíritu de esa clase de temas? “Bueno, no es que necesariamente quisiésemos poner las power ballads de moda, pero no puedo negar que me gusta escuchar canciones como ‘November Rain’ de Guns N’ Roses e ir descubriendo todo lo que tienen 69

en sí. Para mí ‘Walk Away’ es una canción que va en esa onda, debido a la grandeza que tiene con sus coros, sección de vientos, etc. Es muy inspirador hacer esta clase de canciones”. Otra canción que me gusta mucho es ‘Last Rites’, que me recuerda a Dokken. ¿Sois fans suyos? “Desde luego, son un gran grupo”. Otra cosa que nos devuelve al pasado son las guitarras. Hay mucho solo de la vieja escuela. “Sí, se ha trabajado mucho en ese aspecto. No es que en nuestros anteriores discos las guitarras no hayan sido importantes, pero ahora los dos guitarristas llevan tocando juntos más de media década y eso se empieza a notar. Están en plena forma, así que, ¿por qué no mostrar lo mejor de ti si puedes?”. Las voces también se ven muy trabajadas. Una buena melodía vocal es básica para tener un hit, y de eso Bob sabe un rato. Supongo que debes de haber trabajado con él muy intensamente en ese aspecto. “Desde luego. Ha sido un aprendizaje tremendo el que he tenido a su lado. Me ha enseñado a lograr registros que, hasta ese momento, no había sabido desarrollar del todo y no puedo valorar toda la ayuda que he tenido. Ha sido magnífico”. El álbum se titula Black Veil Brides IV. ¿Que lleve el nombre de la banda cómo lo te70

nemos que interpretar? ¿Es en cierta manera el inicio de algo? “Queríamos buscar un título que representase lo que se podía escuchar en el disco y cuando finalmente lo escuchamos acabado, vimos que nada mejor que llamarlo como el propio grupo, porque nos definía exactamente. Muchas bandas, cuando sacan un disco homónimo, es porque se encuentran en un momento crucial de sus carreras, y así es como nos sentíamos nosotros”. Desde luego, vuestra imagen ha cambiado de manera radical. El maquillaje ha desaparecido por completo y ahora en vuestras fotos tenéis la apariencia de una banda de rock clásica con el cuero y todos de negro. ¿Es ésta la imagen que va a desarrollar la banda a partir de ahora? “Yo creo que sí. A pesar de que ha sido algo muy importante en nosotros, creo que el maquillaje y esa imagen más excesiva ya no nos representa del todo como grupo. De vez en cuando me apetece llevar un poco más de maquillaje más teatral, pero así es como no sentimos más cómodos ahora. Ya no queremos ser esa banda que iba maquillada de los pies a la cabeza. No nos representa”. Uno de los problemas que parecen afrontar bandas como vosotros o Avenged Sevenfold es que vuestro sonido cada vez es más clásico, pero por otro lado, parece que tenéis dificultad para atraer a un público mayor, que ahora mismo

ya podría disfrutar de vuestros temas. ¿Piensas que esto puede cambiar pronto? “La verdad es que en este tour y la última vez que estuvimos en Europa, hace medio año, empezamos a ver que las cosas estaban cambiando un poco. Seguimos teniendo un público muy joven de 15 ó 16 años, lo cual nos encanta, pero a la vez ya veíamos metalheads de diferentes edades que ya estaban disfrutando con la banda. No sé, había gente de 40 años que los podrías ver perfectamente en un concierto de Mötley Crüe, y eso es algo muy satisfactorio para nosotros. A mí personalmente me encanta”. Lo que debe de ser un triunfo para vosotros es estar aquí, con vuestro cuarto disco, y en el momento de más popularidad. Mucha gente no daba un duro por vosotros en vuestros primeros tiempos. “Sin duda alguna. Es justo eso”. ¿Te molesta, a estas alturas, que haya gente que no se tome la banda en serio? “Si te soy sincero, nos sentimos muy afortunados de que le guste y se preocupe por lo que hacemos tal número de gente y, visto esto, prefiero no perder el tiempo quejándome por la gente a la que no le gustamos o que no se toma la molestia de escuchar lo que hacemos. No puedes convencer a todo el mundo. La gente va y viene y tú tienes que seguir ahí, haciéndolo lo mejor posible”. Cuando tocasteis en Barcelona, me llamó la atención una imagen tuya, que tuviste que salir de la sala para ir al hotel

“Ya no queremos ser esa banda que iba maquillada de los pies a la cabeza. No nos representa”

Andy Biersack

y tuviste que ir con un par de guardaespaldas porque si no la gente se te tiraba encima. ¿Hasta qué punto te incomoda tener que hacer estas cosas? “Bueno, tengo un tipo muy interesante de fama. Yo puedo ir por la calle tranquilamente y no me pasa muy a menudo que me señalen diciendo ‘ahí va el tío de Black Veil Brides’. Lo que sucede es que, la gente que me conoce, sí que se muestra excitada al verme y a mí ya me va bien. Creo que un músico en el 2014 debe tener contacto con su público, y ese tipo de fama, anónima por un lado, es perfecta para mí”. La popularidad de la banda ha ido muy de la mano de las redes sociales. Algo peligroso en cierta manera, ya que da la impresión de que la banda es mucho más popular que la cantidad de discos que vendéis o incluso de la gente que os puede ir a ver en directo. “La realidad es que nadie parece que vaya a vender álbumes nunca más. Este año sólo un disco ha conseguido llegar a ser platino y la industria ha bajado un 20% respecto al año anterior.

Y no espero que nosotros vayamos a ser la excepción a esa regla. Tengo asumido que las ventas de discos van a ser limitadas ya que, especialmente el público joven, tiene acceso a los ordenadores y puede descargarse los discos para oírlos en su teléfono o usar algún servicio de streaming. Aun así, me siento contento de que haya todavía gente interesada en comprar discos, aunque no sé muy bien cuál va ser el futuro de la industria discográfica. A veces creo que cualquier día los CDs van a desaparecer porque eso es lo que está pasando actualmente en las tiendas. Creo que van a tener que buscar nuevas vías porque parece claro que nunca nadie va a volver a vender millones de copias. Nosotros podemos estar contentos porque la venta de entradas, de merchandising, etc. va subiendo, lo que supone que nos podamos ganar la vida con esto, pese a no sacar casi nada de dinero de los álbumes”. Lzzy Hale de Halestorm me comentó algo muy interesante sobre los músicos de rock de hoy en día. Decía que los músicos ya no pueden permitirse ser rock stars porque tienen

que trabajar muy duro para tirar adelante y que eso no es compatible con estar de fiesta las 24 horas del día. ¿Estás de acuerdo? “Totalmente. Intento explicar a mis fans que no soy un millonario… desafortunadamente (risas). Les digo que soy un músico de rock en 2014 y que la realidad es que, como hemos hablado antes, ya no podemos hacer dinero de la venta de discos y que todo viene de las giras. Eso supone que tenemos que estar constantemente en la carretera, solemos estar entre nueve y diez meses, para poder vivir. Sé que puede resultar desalentador para las bandas más jóvenes si ven que alguien como yo, que está en un grupo popular, no gana mucho dinero, pero así es como están las cosas en la música. Los rock stars de hoy en día no son héroes financieros (risas), los rock stars de ahora es esa gente que cuando eran adolescentes veían a sus ídolos en las revistas y pensaba lo guay que tenía que ser ser uno de ellos. Los rock stars en los 70 u 80 eran tíos millonarios, bebiendo y pasándoselo bien a todas horas, pero eso ya no es así. Ya no podemos agarrarnos a eso”.

DISCO DEL MES

N Welcame (NUCLEAR BLAST/REPRESSION) HARDCORE, RAP METAL

RISE OF THE NORTHSTAR

ada más ver el logo de Rise Of The Northstar supe que lo iban a petar. Fue amor a primera vista, tuve una intuición semejante a cuando me topé con la portada de Opus Eponymous de Ghost curioseando la Rock Hard alemana. Como con los suecos, quise saberlo todo de los galos, y es que cada vez más la música entra antes por los ojos que por los oídos. En ambos casos, si jugaban con astucia las cartas de su imaginería, a poco que les dejaran se iban a salir con la suya. Los franceses no tenían ni álbum y ya estaban copando titu-

lares de la prensa hardcore, girando sin parar por Europa. Contaban con sólo una demo y un EP que hasta de bajar costaba, y como no te los toparas tocando en tu ciudad no era fácil comprar su escasa música en ese doble CD nipón que muchos guardamos como oro en paño. Y sí, Rise Of The Northstar también contaban y cuentan con esa atractiva fascinación por la cultura japonesa del manga y el anime, un estrambótico orgullo nerd que choca frontalmente con, a su vez, pinta de chicos duros, matones. Como si fueran una gang estadounidense formada por colegiales del

Extremo Oriente. Cuando realmente se me ganaron no fue viéndolos varias veces en directo, siempre una fiesta, ni siquiera tocando dos veces consecutivas en el Resu, cosa nada fácil, por cierto… No, qué va… Cuando Rise Of The Northstar se ganaron mi respeto definitivamente fue bajándose de un Never Say Die! Tour con todo unos Emmure, Carnifex o I Killed The Prom Queen. ¿La razón? Ellos no pagan por tocar, una práctica mucho más extendida de lo que muchos pensaréis. Puro orgullo, y ya era hora de que alguien alzara la voz. Hace nada, debatiendo

con un artista barcelonés sobre este peaje que hoy en día parece insalvable si quieres entrar en una gira tocha, sentenció la conversación con un “¿Pero hay alguien que no lo haga?”. Pues parece que sí, que al menos hay una banda en el país vecino que los tiene bien puestos, que no pasa por el tubo y que, además, le va a salir bien la jugada. Rise se pavoneaban de no necesitar agencia de booking o management, que ni sello buscaban… Pero bien, supongo que no todos los días te llama Nuclear Blast, la disquera metálica más potente del mundo, y te comenta que quiere publicar tu debut. Y ya entrando en materia, pues Welcame ni defrauda ni alucina. Diga-

pura bilis, sus compañeros lo dan todo en los coros y deja muy claro que éste es un paso de gigante para ellos, tanto en producción como en detallismo. ‘Welcame (Furyo State Of Mind)’ es un tema 100% suyo, aunque parezca un poco de refrito de Demonstrating My Saiya Style al principio. Ese pitido que se va repitiendo es todo un guiño al ‘Jump Around’ de House Of Pain, pero cuando entran directamente en el rap es con ‘Simon Says’, una versión crossover de Pharoahe Monch. Comenta el sello que hay algo de Slayer en estas canciones, y no le falta razón… La velocidad que toma el tema título y cómo despega ‘The New Path’ son una prueba, aunque aquí la cosa siga yendo, sobre todo,

“La bola hace ya tiempo que echó a rodar y nadie, sobre todo ahora, va a poder frenarla” mos que es lo que esperas. Ni más, ni menos. Rise Of The Northstar juegan con los intangibles, con las personas que siempre vamos a encontrar mil veces más bueno un solo de Angus Young que el riff más enrevesado y virtuoso de Meshuggah o Beyond Creation. Con el sentimiento, con el feeling, y en su caso, con el flow. Novedad y arte llevado a la enésima potencia, pues muy poquito; desfase y saltar como condenados, todo lo que quieran. Unas guitarritas y un punteado abren ‘What The Fuck’ para que luego ésta entre en tromba por tus altavoces. Es violentísima, Vithia escupe

del New York Hardcore de Madball, de Terror, Nasty y Biohazard. ‘Samurai Spirit’ es carne de hostias como panes en el pit, muy Hatebreed, y eso sólo puede ser bueno. ‘Dressed All In Black’ machaca, ‘Again And Again’ aplasta, ‘Tyson’ directamente mutila, ‘Authentic’ despedaza. Son unos jefazos del beatdown, y aunque es posible que aquí no haya ningún corte tan bueno como ‘Sound Of Wolves’, qué más da… La bola hace ya tiempo que echó a rodar y nadie, sobre todo ahora, va a poder frenarla. Porque a veces, las cosas, simplemente ocurren. PAU NAVARRA

críticas

BLOWFUSE HAS DE SABER... FORMACIÓN: Óscar (voz, guitarra), Sergi (guitarra),

Víctor (bajo), Ricard (batería) PRODUCIDO POR: Blowfuse AFINES A: NoFx, Adolescents, Pennywise PÁGINA WEB: www.blowfuseofficial.com

RECOMENDADO POR:

Foto: A4PS.com

C Couch

(LA AGONÍA DE VIVIR/PIFIA) HARDCORE MELÓDICO

on una orgánica y significativa mejora respecto a su debut en lo que a técnica y tratamiento armónico se refiere, este cuarteto barcelonés nos presenta Couch. Siete bombas sonoras que hacen que cada día que pasa rubriquen a los cuatro vientos el sonido Blowfuse, con su característica espiral y estética en la que imperan pelos a lo loco y camisas 90’s style. Amantes del skate por encima de todas las cosas, este álbum contiene a unos Blowfuse más contundentes, con unas letras muy sofisticadas y mucha más atención a la hora de componer. Afirmamos que son los fieles representantes patrios del añorado clásico sonido Costa

Oeste, consiguiendo que por momentos parezca que estés escuchando a míticas bandas como Pennywise, NoFx, L7, All, The Meanies o incluso guiños a los Dead Kennedys. Temas como ‘Storyteller’, de los mejores del disco, demuestran que su estado de forma es excelente, por su sonido y su brutal onda. Otros como ‘Fantasy Society’, con sus riffs interminables, la acelerada ‘Radioland’ o su himno ‘Reach For The Sky’, con una línea de bajo letal por parte de Víctor, unida al excelente trabajo de Ricard a las baquetas en todo el álbum, hacen de este Couch una propuesta imprescindible para ponerte los cascos y abstraerte del mundanal ruido

tirado en tu sofá. Siete cañonazos ideales también como banda sonora perfecta para ir a ripar a cualquier bordillo o skatepark que se precie… El trabajo del cantante Óscar es muy destacable, ya que se curra muchos coros molones, y eso unido a su labor como guitarrista junto a Sergi, el otro seis cuerdas, convierten a Blowfuse en una máquina imparable. Les deseamos toda la suerte del mundo en sus infinitas giras y a buen seguro formarán parte de lo más destacable de este año en las listas de éxitos de nuestra isla sonora con bandera de color negro que podréis encontrar en www.rtve.es/ banderanegra. RAMIROQUAI

HABLAMOS CON... BLOWFUSE En este momento estáis de gira por Europa... ¿Cómo está yendo la cosa por ahí? “Pues ahora mismo estamos en Varsovia, Polonia, a 0 grados y con las manos heladas (risas). ¡Y de ahí es la foto! Está yendo muy bien, apenas llevamos una semana y ya hemos podido presentar Couch en Italia, Austria y la mitad de Polonia. La gente está respondiendo de lujo y la salas se llenan poco a poco cada vez más, sobre todo aquí en el norte. ¡Tener fans por aquí es acojonante! Nos quedan dos meses más en la carretera y no nos saciamos de tocar cada día. Eso sí, estamos todos enfermos y hechos mierda, ¡puto frío!”. ¿Contentos de cómo ha quedado Couch? ¿Qué es lo que más destacaríais de él? “Mucho. Creo que es lo mejor que hemos hecho hasta ahora, y teniendo en cuenta que ha sido compuesto en menos de tres meses, es todo un logro. Supongo que esa espontaneidad ha hecho que suene fresco y algo más

directo. ¡Y eso nos encanta! Quizás lo que más destaca y en lo que más nos hemos centrado esta vez ha sido en la parte vocal, las melodías. ¡Estamos muy contentos con ello! Y por otra parte, el sonido del disco. Mucho más analógico, y más agresivo, más parecido a lo que siempre hemos buscado”. Esto iba a ser una EP, pero al final es casi un álbum... ¿Se os fue de las manos o qué? “¡Un poco! (Risas) La cosa fue así: quisimos grabar un par de canciones como mera excusa para poder presentar algo nuevo en esta gira de 2014/2015, ya que Into The Spiral se nos quedaba un poco corto. Pero como siempre nos ocurre, nos empezamos a involucrar más y más en ello, a trabajarlo con más entusiasmo y nos olvidamos completamente del propósito de ese EP. De repente teníamos casi un álbum con siete canciones y cada una de ellas sonaba mejor que la anterior. Así que decidimos grabarlo y editarlo como un álbum. ¡Y aun así se nos queda corto!”.

El disco me ha sonado mucho a NoFx. ¿Los habéis estado escuchando más de lo habitual? “Pues la verdad es que no… Sí que el disco es un poco más melódico y quizá la voz de Óscar es un poco más rabiosa de lo habitual, pero NoFx nunca han sido la mayor influencia en la banda”. Couch va a ser lanzado en Estados Unidos... ¿Cómo surgió? “Sí, estamos muy contentos con eso también. La cosa fue que Darian Rundall, nuestro productor en Into The Spiral y el encargado de mezclar Couch, tuvo una corazonada con este disco y decidió invitar a su estudio a Robert de A.S.S. Records, American Surf Skate Records, mientras trabajaba en el álbum. A los de ASS les flipó y nos llamaron el mismo día desde el otro lado del charco para ofrecernos una primera y pequeña edición allí. La verdad es que es un pequeño gran paso entrar en el mercado americano, y estamos ansiosos por ver qué tal responden”. (JORDI MEYA)

cr í ticas

FOO FIGHTERS

Sonic Highways (SONY) ROCK

s Sonic Highways un álbum a la altura de lo que se espera de Foo Fighters o con todo el lío de la serie documental que lo acompaña la música ha quedado en un segundo plano? Pues ni sí ni no, sino todo lo contrario. Si simplemente fuera un trabajo más dentro de su discografía, Sonic Highways se queda algo cojo ya que, con sólo ocho temas, sabe a poco, y más después de haber dado en el pleno con Wasting Light. Si lo consideramos como la banda sonora de la serie (excelente, por cierto) en algunos casos queda algo dispersa la relación entre la canción y la ciudad en la que

se inspira (‘In The Clear’ no me suena a New Orleáns), ni se aprecian diferencias notables por haber sido grabado en ocho estudios distintos, ni tampoco lucen las colaboraciones de invitados como Rick Nielsen, Ben Gibbard o Joe Walsh, lo cual le quita un poco del carácter diferencial que esperaba de este proyecto. Por contra, nos encontramos con unos Foos más aventureros, más ricos, y sin reparos en profundizar en incursiones instrumentales (‘Something From Nothing’) o probar algunas atmósferas nuevas como la sutil ‘Subterranean’, que tiene algo del Bowie berlinés. No faltan grandes melodías (‘In The Clear’, ‘Congregation’, ‘What Did I Do?/God As My Witness’), pero es evidente que su prioridad no era crear hits facilones. Dave Grohl sigue siendo un jefe componiendo y le respalda una banda con el aplomo de un clásico moderno, pero la sensación que te queda es que Sonic Highways ha quedado encorsetado por el formato de la serie sin haber exprimido del todo las posibilidades que potencialmente tenía. JORDI MEYA

LAGWAGON Hang

(FAT WRECK CHORDS) PUNK ROCK, HARDCORE MELÓDICO

omo ya nos comentó el propio Joey Cape en nuestro pasado número, el motivo por el que Lagwagon hayan tardado casi una década en dar continuidad a Resolve se debía a que la banda prefirió esperar al momento adecuado para meterse en el estudio que estar editando trabajos que no les convenciesen simplemente por las exigencias del mercado discográfico. Y bien que han hecho, porque si a algo suena Hang es a un grupo con energías renovadas y, sobre todo, sonando fresco, que eso hablando de gente que ya lleva más de veinte

años en esto ya es bastante. Puede que alguien se sienta descolocado cuando escuche ‘Cog In The Machine’, ‘Drag’ o un corte que se va más allá de los cinco minutos como ‘Absolute Obsolete’, en el que los riffs de regusto hard rock y metalero toman el protagonismo, pero el que haya seguido toda su trayectoria ya sabrá que en sus primeras referencias se podían encontrar canciones similares, además de que aquí consiguen darle un aire variado y dinámico al conjunto. Porque no se crean ustedes que Lagwagon se han olvidado de fabricar esos temazos veloces de zapatilla con melodías fantásticas. ‘Reign’, ‘Burning Out In Style’ o la preciosa ‘One More Song’, dedicada a Tony Sly y que cuenta con un genial arreglo de piano, son especialidades marca de la casa. ¿Y qué decir del cierre con ‘In Your Wake’? Ese glorioso coro final se te queda grabado a fuego antes de que arremetan con todo para despedirse. Les ha costado, pero a cambio nos han traído uno de los mejores discos de su carrera. Casi nada. GONZALO PUEBLA

BEACH BEACH The Sea

(LA CASTANYA) POP ROCK

Disfruta de un consumo responsable 35ª

omo sucede con los vinos, a los chicos de Beach Beach les han servido los años desde su primer disco para refinar su proyecto y tomarse las cosas con más calma. El guitarreo de ‘Easier’ o ‘Maneouvre’ se difumina para integrar melodías algo más relajadas pero más pegadizas, de ésas que recuerdan al típico baile de fin de curso de película añeja. Eso no significa que, cual camaleón prudente en su entorno, hayan decidido arraigarse descaradamente a un indie clásico de voz remasterizada, sino que dentro de esta nueva apuesta encontramos canciones íntegras que te dejan con el buen sabor de boca de las cosas cerradas por bien hechas. Y es que en The Sea encontramos ese matiz que denota lo cuidado en lo ya oído: si nos introducimos con el capricho de pieza

instrumental happy sound con ‘Friendly’, aceptamos trasladarnos a un anuncio de Estrella Damm con ‘Just Like Before’ o a un Madrid de baladas melódicas de Los Secretos con canciones como ‘Glaring Sweet’. Muy bien han dialogado los de Mallorca con una nueva generación de grupos como Valius, Extraperlo o El Último Vecino, que se adueñan de los pasos que hicieron en su momento la ola de pasotismo fingido encabezada por Los Planetas. Insistiendo con los juegos del teclado, Beach Beach es, básicamente, un sonido fresco que deja transpirar la cualidad de la sencillez; de esos que, desde el trasfondo cedido a quienes deciden no impactar con acordes nunca escuchados se van haciendo un hueco nada molesto en tu tatarateo de después. Bienvenidos sean. ANDREA GENOVART

cr í ticas

THE GHOST INSIDE Dear Youth (EPITAPH)

METALCORE, HARDCORE

i yo mismo sería capaz de descifrar el jeroglífico de por qué una banda como The Ghost Inside están destacando entre ese continuo aluvión de combos metalcore que no parece tener fin. Pero definitivamente, hay un ‘algo’ extra que los hace distanciarse de otros y, si incluso el sello Epitaph ha querido llevárselos a su casa, será por algo. Contando con parte del equipo que ha hecho grande a A Day To Remember, su vocalista Jeremy McKinnon y el productor Andrew Wade, no es que The Ghost Inside se estén convirtiendo en una versión metal de éstos, pero sí que se empieza a ver una intención de redondear los temas para que tengan el gancho necesario para que se vayan quedando en

MACHINE HEAD

Bloodstone & Diamonds (NUCLEAR BLAST)

METAL

na de las claves para que Machine Head regresaran a la primera división del metal a partir de Through The Ashes Of Empires fue que el propio Robb Flynn se hiciese cargo de la producción. Nadie mejor que él mismo para entender cómo tenían que sonar, y viendo el excelente trabajo que ha realizado en sus últimas entregas, es obvio que fue una decisión acertada. Es por eso mismo que sorprende que en Bloodstone & Diamonds Flynn no haya estado lo suficientemente acertado como para separar el grano de la paja. En una primera

tu cabeza tras un par de escuchas. Tomando como punto de partida la crisis existencialista que parece estar viviendo su vocalista Jonathan Vigil –el álbum gira en torno a la pérdida irremediable de la juventud y hay que reconocer que tiene más de una reflexión inteligente que te deja descolocado-, Dear Youth se nos presenta como un álbum que muestra a una banda con ganas de dar un paso

hacia adelante sin perder sus señas de identidad, pero que desprende honestidad, algo que suele fallar en este tipo de formaciones. La furia de ‘My Endnote’ convive a la perfección con la complejidad de ‘Move Me’, y quizás en esa variedad es donde podamos empezar a resolver ese enigma del motivo por el cual The Ghost Inside están sacando la cabeza por encima de otros.

escucha al octavo álbum de los de Oakland, resulta evidente que hay demasiados momentos de relleno que no hacen otra cosa que entorpecer la fluidez con la que avanza el mismo. Cortes como ‘Damage Inside’ e ‘Imaginal Cells’ no tienen otro cumplido más allá que el de engordar la extensión con minutos basura. ¿Tan difícil habría sido quedarse con los siete mejores temas? Porque ante todo no hay duda que, a lo largo de una hora y pico, Machine Head siguen siendo capaces de crear grandes momentos. Siguen la senda de sus últimas obras con canciones extensas en las

que explayarse a gusto, caso de ‘Now We Die’, con unos épicos arreglos de cuerda que no resultan cargantes. ‘Night Of Long Knives’ es una andanada entre el groove y el thrash marca de la casa, mientras que ‘Killers & Kings’, ‘Eyes Of The Dead’ y ‘Game Over’ van algo más al grano que de costumbre. Hasta en la pantanosa ‘Beneath The Slit’ se desmarcan con un riff que Down habrían firmado gustosamente. Vamos, que material de calidad había de sobras, pero por querer abarcar más de lo debido se han quedado un tanto a medias.

RICHARD ROYUELA

GONZALO PUEBLA

FOSCOR

Those Horrors Wither (ALONE)

BLACK METAL, PROGRESIVO, DOOM

uena señal es cuando a un disco cuesta colgarle una sola etiqueta para definirlo. En su cuarto trabajo los catalanes Foscor dejan ir sus tentáculos para abrazar múltiples influencias que se intuían en trabajos anteriores pero que aquí colocan en un primer plano. Escuchados sus siete temas no sorprende que les haya llevado cinco años dar continuidad discográfica al anterior Groans To The Guilty, pues en muchos aspectos el grupo ha tenido que olvidarse de recursos familiares y aprender a cómo manejarse entre nuevos y dispares elementos. Si el

espíritu oscuro del black, y de su propio nombre, se mantiene, formalmente Those Horrors Wither escapa del género y lo transforma en un metal de aires progresivos en los que caben melodías limpias con inflexiones que incluso pueden recordar a Joy Division (‘Addiction’, ‘Graceful Pandora’), desarrollos post rockeros o pinceladas de lúgubre doom. El atrevimiento de Fiar con múltiples registros vocales en un mismo tema es la máxima expresión de la libertad artística con la que han trabajado, pero está claro que ha sido toda la banda la que ha asumido el reto de utilizar sus instrumentos aplicándole la misma liquidez. Tres temas en catalán (‘Senescència’, ‘L.Amor.T’ y ‘Graceful Pandora’) sirven para reafirmar que los orígenes del grupo no están en cuestión, sino que precisamente son la base sobre la que han edificado una obra que cumple lo que prometía: llevarte de viaje donde otros no se atreven a ir. JORDI MEYA

cr í t i ca s

ULVER

Trolsk Sortmetall 1993-1997 (CENTURY MEDIA) BLACK METAL

o que han reunido aquí Ulver y Century Media es muy grande. Ante una formación única como la noruega a uno se le acaban los adjetivos, pero sí debo decir que me saco el sombrero ante estas fantásticas reediciones y cajas con las que el sello en cuestión nos está deslumbrando últimamente (Dawn, Treblinka, Morbid…), mas cuando no acabo de conectar con su nueva política de fichajes. Joyas del underground extremo que te pueden costar un riñón y parte del otro si

pretendes conseguir sus primeras ediciones, eso en caso de encontrarlas, ahora mismo están presentes en cualquier establecimiento del mundo y a precios más que asequibles. Gracias, de verdad, pues aunque la etapa black de Ulver tampoco es que deba ser catalogada como pura arqueología, da gusto ver con qué mimo y respeto ha sido recopilada en Trolsk Sortmetall 1993-1997. Que algo no iba bien en la cabeza de estos chicos se nota desde Vargnatt, la demo que inicia el primero de los cinco CDs remasterizados de esta publicación, cuatro vinilos con la posibilidad de elegir color y otros extras, como un libreto con fotos inéditas, apuntes o las traducciones de sus letras al inglés, en el caso de las ediciones más sibaritas. Le siguen obras tan esenciales como sus tres primeros álbumes, contando además con las maquetas rehearsal de Nattens Madrigal. Llegan a rematarlo con el split que sacaron junto a Mysticum en 1994 y les juro amor eterno. PAU NAVARRA

SLOAN

Commonwealth (YEP ROC)

ROCK ALTERNATIVO, POWER POP

o es habitual hablar de bandas con once discos y 25 años de carrera a sus espaldas, pero escuchando a Sloan uno se percata de inmediato de que no se trata de una banda al uso. Su último lanzamiento tiene un punto de partida conceptual bastante curioso, que consiste en la división de sus 15 cortes en cuatro partes que coinciden con los cuatro reyes de una baraja de cartas, y que a su vez se asignan a los diferentes miembros de la banda, repartiendo el mismo nivel de protagonismo y a la vez, aportando una gran e interesante variedad en

cuanto a estilo, dinamismo y arreglos. Las composiciones de los responsables de las dos primeras caras juegan con melodías de voz, son muy frescas, y se decantan por un sonido de power pop clásico, con ‘Cleopatra’ de Jay Ferguson, o ‘You Don’t Need Excuses To Be Good’, firmada por Chris Murphy, que recuerdan a grupos como Redd Kross o Urge Overkill. La segunda mitad supone un giro total, y resulta más arriesgada y oscura. La única pieza del batería Andrew Scott, ‘Forty-Eight Portraits’, de 18 minutos de duración, engloba distintas partes perfectamente ensambladas, que la convierten en una pequeña y espectacular mini ópera, resultando un excelente cierre para tan peculiar experimento. Para los fans de Sloan, tal vez éste sea el trabajo menos cohesionado debido a esta libertad e individualidad compositiva, pero estoy segura que sabrán apreciar esta oportunidad para intimar con cada miembro identificando tanto sus fuentes de inspiración como su aportación personal. TOI BROWNSTONE

MANCHESTER ORCHESTRA Hope

(FAVORITE GENTLEMENT) ROCK

uando todavía no he podido absorber toda la excelencia que contiene Cope, el sublime último trabajo de los de Atlanta, éstos han querido darle una inesperada vuelta de tuerca a ese cancionero grabando Hope, donde podemos encontrar la revisión de cada una de esas canciones en clave acústica. Bueno, relegar al término acústico lo que han hecho en este álbum no sería hacerle justicia, ya que lejos de pillar unas simples guitarras acústicas y recrear los temas, el quinteto ha cogido las entrañas de esas excelentes canciones y las ha llevado a una nueva dimensión. La

ironía de todo esto está en que hayan decidido crear un proyecto como éste, partiendo de la base de lo que han sido las canciones más guitarreras y directas que nunca han hecho Manchester Orchestra, y que deja al descubierto lo que ya todos sabemos: que una buena canción es una buena canción independientemente de cómo ésta sea interpretada. Y eso es lo que vamos descubriendo conforme van cayendo las diferentes gemas de Cope, ahora también de Hope, bajo unos cuidados arreglos de cuerda, piano, coros femeninos, un Andy Hill que sencillamente se sale y con algunos ligeros cambios de letra, que se adaptan a la perfección a la nueva vida de las composiciones, como son ‘Top Notch’, ‘Girl Harbour’ o ‘All That I Really Wanted’, que acaba por convertirse en la joya de la corona. Hope no es un pequeño complemento de Cope hecho como mero entretenimiento, es un álbum con vida propia que muestra el tremendo estado de forma en el que ahora mismo se encuentran Manchester Orchestra. RICHARD ROYUELA

BILLY IDOL

Kings & Queens Of The Underground (BFI/POPSTOCK!) ROCK

gual a algunos les puede parecer un chiste ver que Billy Idol, alguien tan conectado a esa década de los 80 que a algunos les gustaría obviar, esté todavía en activo y se atreva a sacar discos a sus, nada menos, que 58 años. Pero, sin llegar a decir que está viviendo una segunda juventud, seguro que nadie hubiese apostado a que Idol llegase a estas alturas del partido con opciones de ganar. Nueve años han pasado desde Devil’s Playground, el que fue considerado su álbum oficial de retorno y donde hizo las paces de manera

definitiva con su, algo más, que mano derecha, Steve Stevens. Aquel álbum dejó sorprendidos a los que no daban un duro por la pareja, además de ponerlos de nuevo en la carretera con unos resultados que ni el más optimista podía esperar. Después de algún trago innecesario –es difícil disculparle por aquel horrible álbum navideño-, Kings & Queens Of The Underground nos devuelve a las sensaciones que nos dejó Devil’s Playground. El binomio Idol/Stevens puede todavía funcionar a pleno rendimiento como demuestran temazos como ‘Can’t Break Me Down’ -¡Vaya single!- o ‘Postcards From The Past’, que hubiese encajado a la perfección en Wiplash Smile, pero vuelve a pecar exactamente de lo mismo: el nivelazo de la primera parte del disco no se aguanta, dejando una segunda parte del álbum bastante más olvidable, como esa plomiza ‘Ghost In My Guitar’. Aun así, resultado dignísimo, y nosotros contentos por tenerlo de vuelta. RICHARD ROYUELA

críticas

OWL CAPTAIN HAS DE SABER... FORMACIÓN: Gonzalo Ruiz (voz, guitarra), Héctor Ngomo

(guitarra), David Bernabé (bajo), Chris Peterson (teclado), Juan Diego Gonsálvez (batería) PRODUCIDO POR: Brian Hunt AFINES A: Local Natives, City And Colour, L.A. PÁGINA WEB: owlcaptain.bandcamp.com

C Nights EP (AUTOEDITADO) INDIE ROCK

on Nights llega el debut en solitario del malagueño Gonzalo Ruiz. Por medio de seis can� ciones, se presenta como una apuesta firme a tener en cuen� ta dentro de la incesante olea� da de lanzamientos de hoy en día, y es que ha conseguido reunir un trabajo que, de forma breve pero efectiva, cautiva desde la primera escucha. Existe una atmósfera oscura a lo largo de cada corte que consigue adentrarnos en ese mundo de la noche del que Gonzalo saca partido para su inspiración. Su voz tiene mu� cho protagonismo, y le pode�

mos escuchar en diferentes re� gistros, expresando sentimiento en cada palabra, como refleja en ese deje que inevitablemen� te se puede asociar al de �� Dal� las Green (City And Colour). Además, se suma lo bien que ha estado acompañado por miembros de bandas como Russian Red, Trono De Sangre o Being Berber, que han sa� bido aportar más calidad si cabe al EP. Comenzando por ‘Wolves And Saints’, canción que abre y cierra el disco, a más de uno se le quedará en la cabeza cuando termine la escucha gracias a ese angustioso estribillo que repite

sobre unos preciosos coros de fondo. Con ‘Guns (It’s All Just Fine)’ nos empieza a acostum� brar a meter partes guitarreras con batallas de solos y finales explosivos, teniendo presen� cia al final, como también la tendrán otros dos temazos: el single ‘Fireworks’ y la preciosa ‘Rare Finds’. No podía acabar sin mencionar ‘Day/Sleep’, una canción que llena gracias a esa magnífica voz, con la que incluso me llega un pequeño aroma a Bon Iver. Un trabajo muy bien llevado a cabo, con evidente pasión y dedicación en cada arreglo. ALEJANDRO LOZANO

HABLAMOS CON... GONZALO RUIZ ¿Como surgió la idea de este proyecto? “Pues, más o menos, todo empieza cuando se disuelve el grupo de metal que tenía en Málaga. Cuando vivía allí tenía unos amigos con los que formé una banda rollo Pantera, Mastodon, pero con el tiempo no veíamos que fun� cionara y por circunstancias decidimos dejar de tocar juntos. Yo quería seguir con la música pero tenía ganas de pro� bar algo que fuera opuesto a lo que estábamos haciendo en ese momento. Si iba a seguir tocando metal sólo iba a ser con ellos, por lo que no me atraía meterme en otro grupo de ese estilo. Me pillé una acústica y empecé a componer canciones como Owl Captain antes de venirme a Madrid”. Lo de cantar en inglés, ¿es por proyección internacional o es más un tributo a la música que escuchas? “Si te digo la verdad, no te podría decir ninguna de las dos, porque para

mí sobre todo me parece más cómodo a la hora de escribir las letras y luego cantarlas delante de la gente. Al princi� pio intenté alguna en español pero no me convencía. Me sentía raro a veces cuando cantaba delante de amigos o gente desconocida y les soltaba mis cosas, porque bueno, mis letras son muy personales, así que me empecé a sentir más cómodo cuando ya me de� cidí por el inglés. Además de que me suena mucho mejor”. ¿Se te hacen pesadas las comparaciones con grupos como City And Colour o L.A.? “No, para nada. Cada persona le encuentra un parecido diferente a cada canción. Me han llegado a decir que alguna les ha recordado a �� Soundgar� den, ¡o incluso a Katy Perry! (Risas) No sé de dónde lo han podido sacar, pero bueno, ya te digo, es normal que la gente asocie la música a lo que tiene más cerca, siempre depende de cada uno. Para mí las influencias

que tengo son muchas, pueden ir desde Local Natives a Bon Iver o, por ejemplo, en el tema de ‘Rare Finds’, el final me recordó muchísimo a My Morning Jacket cuando escuché ya el EP terminado, y no fue algo que llevara planeado; llevo sin escucharlos mucho tiempo”. ¿Qué planes tienes a partir de ahora? “Pues ahora mismo ponerme a tocar todo lo que pueda y moverme lo máxi� mo posible por aquí en España, y si se puede por el extranjero, pues encan� tado. Estoy hablando con mi amigo Nacho Silvestre para empezar alguna pequeña gira en la que iré solo con la guitarra, pero también intentando mover a la banda cuando tengamos la posibilidad. Además, para este año que viene, quiero sacar más material; aún no he decidido si será otro EP o si tendré suficiente para el LP, pero mi intención es que sea disco”. (ALEJANDRO LOZANO)

cr í ticas

PRIMORDIAL

Where Greater Men Have Fallen (METAL BLADE)

CELTIC METAL, BLACK METAL

rimordial es uno de los grupos más elegantes y emotivos que haya escuchado nunca, y aunque mi amor por ellos siga intacto, no he podido dejar de sentir algo de decepción escuchando su nuevo Where Greater Men Have Fallen. Tampoco seamos insensatos, porque un ‘mal disco’ de los irlandeses sigue siendo absolutamente superior al 90% de la morralla a la que las grandes disqueras suelen someternos últimamente, pero claro, si colocas este lanzamiento al lado de la sucesión de obras maestras de la que veníamos, pues sí, la cosa ha bajado un poquito, ¡pese a la buena nota! Sus señas de identidad siguen inalterables, sabes que es Primordial desde el primer instante, con

HE IS LEGEND Heavy Fruit (TRAGIC HERO)

ROCK ALTERNATIVO

l quinteto He Is Legend saboreó las mieles del éxito en 2004 con su primer trabajo, I Am Hollywood, en plena eclosión screamo; y su pertenencia al sello Solid State les emparentó con otras bandas de filiación cristiana como Underoath, The Chariot o Zao. Han pasado diez años desde la publicación de ese genial debut, y los de North Carolina han vuelto sin esas etiquetas y postizos. Su reaparición con Heavy Fruit nos puede haber pillado por sorpresa,

esas guitarras afectadas, esa eterna apelación a los sentimientos más arcanos y profundos de la humanidad, con un Alan Averill ‘Nemtheanga’ único en las voces, pero esta vez son más las seis cuerdas de Ciaran MacUiliam y Michael O’Floinn las que nos tocarán la fibra de forma directa (‘The Seed Of Tyrants’). Pese a algún amago, llorar, lo que se dice llorar a lágrima viva como siempre he hecho

con cada nueva obra de los de Dublín, esta vez no ha ocurrido, pero canciones como ‘Come The Flood’ o ‘Wield Lightning To Split The Sun’ siguen estando por encima de demasiadas propuestas actuales. Su estatus no ha parado de crecer desde To The Nameless Dead, así que los que les seguimos desde el cochino 1995 no podemos estar más que felices.

cinco años después del ‘It Hates You’, pero no así su sonido. Y es que Schuylar Croom y compañía siguen la senda marcada por su anterior trabajo. En otras palabras: He Is Legend siguen alternando piezas de rock duro basadas en riffs muy pesados (la inicial ‘No Visitors’ es un auténtico panzer y la metálica ‘ABRACADRABA’ tampoco se queda corta con un final muy Faith No More) y mucho southern rock (las vacilonas ‘This Will Never Work’, ‘Spout Mouth’, ‘Be Easy’) con algo de post grunge

(‘Miserable Company’ es de papá Soundgarden y mamá Alice In Chains) y alguna concesión a las radio fórmulas con estribillos peligrosamente adictivos (‘Something, Something, Something’) y baladas de mechero (‘Time To Stain’). Es muy probable que pase desapercibido para el gran público, pero una cosa está clara: el presente Heavy Fruit es uno de los discos de la cosecha 2014 más variados, refrescantes y estimulantes. Una escucha atenta y me daréis la razón.

PAU NAVARRA

LUIS BENAVIDES

STATE CHAMPS

The Acoustic Things (PURE NOISE)

PUNK ROCK

na buena versión implica ese algo de creación incorporado en la canción que hace que agradezcas tal desafío. Cuando se trata de tus propias composiciones, es lógico que las expectativas de ser sorprendido sean todavía más altas: tú conoces esos puntos clave de tu obra que permiten jugar con ellos y, a fin de todas, lucirte. No obstante, parece ser que el año de margen entre The Finer Things y el presente The Acoustic Things no ha sido suficientemente provechoso para State Champs. Encontramos en el

último lanzamiento una cara B auxiliar del CD precedente –a excepción de dos temas nuevos, ‘Leave You In The Dark’ e ‘If I’m Lucky’- que podría haberse reducido a un regalito de tres temas acústicos aceptables si quieres regodearte en el dolor y el rencor provocado por tu ex una vez se ha esfumado la adrenalina hardcore. Si pretendían seguir siendo igual de duros, están lejos de parecerlo: por mucho que se fuerce una voz rascada en ‘Deadly Conversation’ o ‘Simple Existence’, ha quedado atrás ese punk rock que tenía más que ver con una compleja compenetración de las distintas aportaciones musicales del grupo que con la simulación de una actitud despiadada. Es cierto que ya nos avisan de su desplazamiento en el título del disco, pero no por eso uno debe entender lo acústico como un freno que te acomoda en una simplicidad vacía que no permite que emerja la fuerza particular que nos vienen mostrando en los últimos años. ANDREA GENOVART

SLEATER-KINNEY Start Together (1994-2006) (SUB-POP)

ROCK ALTERNATIVO

n 2014 un montón de discos míticos que acompañaron nuestra dorada postadolescencia han cumplido veinte años, señal obvia de que nos estamos haciendo jodidamente abuelos. Depresiones generacionales al margen, siempre es bueno mirar las cosas con perspectiva, y dos décadas parecen una distancia suficiente. SleaterKinney también nacieron en aquel dorado 1994, y esta caja con sus siete discos remasterizados (para 2015 han anunciado el octavo, No Cities To Love) es una buena manera de volver a mirar al trío de Olympia. En

plena eclosión del movimiento riot grrrl, Corin Tucker, Carrie Brownstein y Janet Weiss tuvieron la suerte de estar en el sitio adecuado en el momento oportuno, pero es que su propuesta era realmente interesante. PJ Harvey, Courtney Love, Kim Gordon o Kim Deal le pusieron cara y ovarios al rock de aquella época, pero detrás había muchas otras voces femeninas que también quisieron reclamar protagonismo y su propia perspectiva en un mundo jerarquizado y tradicionalmente masculino como el del rock. Y ese juego de voces entrelazadas de Tucker y Brownstein escupía rabia, activismo feminista, sexualidad desenfadada y voluntad de cambiar tantísimas actitudes retrógradas que siguen anclando esta sociedad global asquerosamente conservadora. Mientras siga habiendo libros, escuelas y padres que continúen prolongando absurdos roles de género, una discografía como la suya será infinitamente más educativa y recomendable. Y disfrutable. IGNASI TRAPERO

cr í ticas

DOWNFALL OF GAIA

Aeon Unveils The Thrones Of Decay (METAL BLADE)

POST METAL, BLACK METAL

a avalancha de discos que los medios padecemos desde hace años hizo que, en su momento, 2012, pasara de largo ante un álbum como Suffocating In The Swarm Of Cranes, obra que ahora recupero cuando, esta vez sí, no he dejado escapar la ocasión de sumergirme en el tumultuoso inframundo de Downfall Of Gaia y su nuevo Aeon Unveils The Thrones Of Decay. Con unas raíces enmarcadas dentro del crust, este cuarteto germano llegó al post metal, el sludge y el black metal para dar forma a sus peores pesadillas a través de las tres obras que ya contemplan. ‘Darkness Inflames These Sapphire Eyes’ funciona a mamporros, tan pronto te crea inquietud con sus acoples como te sobresalta con una cabalgada black

MINUS THE BEAR Lost Loves (DANGERBIRD)

INDIE ROCK

esde el epicentro mundial del grunge cinco chavales bajo el nombre de Minus The Bear desafiaron al mundo en el año 2001 con los seis cortes que conformaron This Is What I Know About Being Gigantic, una personalísima amalgama de sofisticados punteos de guitarra, cajas de ritmos y sintetizadores de otro planeta que ahora podríamos catalogar como post emo o math rock. Esa referencia todavía a día de hoy descoloca, casi tanto como sus títulos surrealistas, donde ‘Lemurs, Man, Lemurs’ y ‘Potato Juice & Liquid Bread’ se llevan la palma

por las buenas, pero con lo que te quedas es con el inmenso dolor y sufrimiento que pueden causarte tres cantantes como Dominik Goncalves dos Reis (guitarra), Peter Wolff (guitarra) y Anton Lisovoj (bajo). Ideas bastante rompedoras como las de ‘Carved Into Shadows’, ‘To Carry Myself To The Grave’ o ‘Whispers Of Aeon’ no dejan de atacarte en ningún momento pese a algún

lapso como ‘Ascending The Throne’, siendo esta banda teutona una cascada de violenta musicalidad e indisimulable aflicción. Como unos Tombs llevados al límite, unos aventajados alumnos de Neurosis hartos de tomar apuntes. Tampoco inventan nada, pero esto es desesperado, tirando a suicida. La bala que necesitas para dejar esta vida.

sin duda. Cuatro discos después, después de muchas experimentaciones y no pocos tumbos, los de Seattle han refinado sus formas, pulido sus aristas. Cada vez nos sorprenden menos, cierto, pero su buen gusto y saber hacer siguen intactos. Eso va en el ADN de Minus The Bear, está claro. Quizás por eso una compilación con auténticos descartes como el presente Lost Loves puede sentar tan bien. Recoge temas inéditos o rarezas de sus tres últimos trabajos de estudio: Planet Ice, Omni e Infinity Overhead. Quizás no hay temazos del calibre de ‘Pachuca Sunrise’, ‘Throwing

Shapes’ o el más reciente ‘Diamond Light’, pero para ser sinceros, tampoco andan muy lejos. Pienso en la impulsiva y musculosa ‘Electric Rainbow’, por ejemplo, pero aquí hay mucho más. También la frenética ‘Broken China’, la seductora ‘Cat Calls & Ill Means’ o el estribillo marca de la casa ‘Walk On Air’ atrapan a la primera de cambio. En resumen, un disco muy variado como cualquier otra compilación, pero terriblemente consistente por el inconfundible sello Minus The Bear. Ni más, ni menos.

PAU NAVARRA

LUIS BENAVIDES

SCOTT WALKER + SUNN O))) Soused (4AD)

ROCK, POST METAL

romeando el otro día con un amigo coincidíamos en que esta colaboración entre Scott Walker y Sunn O))) venía a ser algo parecido a la versión cool y respetable de lo que hicieron Lou Reed y Metallica en Lulu. Mientras no se tuvo piedad con un álbum que, estoy convencido, con el tiempo ganará prestigio, a ver quién es el guapo que tiene narices de cargarse este Soused aunque pueda pensar en sus adentros que es un peñazo. Por suerte, tampoco es para tanto, aunque ni de lejos es esa obra maestra

que por algún sitio nos están intentando vender. Pese a que en muchos momentos la conexión entre ambos mundos parece funcionar a la perfección, los 9 minutos de ‘Fetish’ te van metiendo en un espiral de drones ante la cual es difícil escapar, y en general los cinco temas que componen Soused tienen momentos de lucidez que le dan sentido a la unión. De la misma manera que en esos mismos cortes hay momentos –tengamos en cuenta que el tema más corto clava los 8 minutos- donde cada uno parece ir por su lado sin saber muy bien cómo cohesionarse y buscar el fin común. El valor de Soused está en ver lo interesante que puede ser la colaboración entre dos artistas tan separados generacionalmente y, a priori, también con backgrounds diferentes, con ganas de experimentar, pero llevar eso al terreno de lo sublime suele ser complicado, y para muestra este botón. Interesante, pero aconsejable que la curiosidad se quede aquí. RICHARD ROYUELA

THE GROWLERS Chinese Fountain (FATCAT)

ROCK

os californianos The Growlers llevan ocho años tocando sin parar aquí y allá, y los últimos meses han sido especialmente intensos, recorriendo el mundo de arriba abajo (los que les pudieron ver en el Primavera 2014 dicen que el suyo fue un gran concierto). Con todo este trasiego y un incidente bastante ballotellinesco (se les quemó el estudio por culpa de unos fuegos artificiales; ¿qué estarían haciendo?), prepararon estas once canciones en casa del guitarrista Matt Taylor en Topanga, y las grabaron en una semana y media en los

estudios Sea Horse Sands de Los Ángeles. En este quinto disco (si contamos como tal el EP de siete canciones del año pasado, Not. Psych!), su sonido ‘gótico de playa’ suena especialmente nostálgico, y seguramente más limpio que nunca, como si le hubieran quitado algo de polvo al garaje. Las guitarras siguen teniendo ese toque surf oscuro tan característico de la banda, pero las melodías y la voz de Brook Nielsen (que me sigue recordando mucho a los registros vocales de Alex Turner) suenan melancólicas y con cierto punto de desaliento (‘Good Advice’, ‘Not The Man’, ‘Magnificient Sadness’…), aunque eso no le reste encanto a la atmósfera global del disco. También abren la puerta a secciones rítmicas de aire funk (‘Chinese Fountain’), o hasta reggae (‘Dull Boy’, ‘Going Gets Tough’), pero sin dejar en ningún momento que interfieran en el envoltorio garage surf de baja fidelidad que le da la textura general al álbum. IGNASI TRAPERO

críticas

UNEARTH

Watchers Of Rule (CENTURY MEDIA) METALCORE

unque siempre me hayan parecido uno de los grupos más cañeros que hay dentro del metalcore, a excepción de The Oncoming Storm y III: In The Eyes Of Fire, disco que me parece una auténtica obra maestra y que es probablemente de mis favoritos dentro de este género musical, Unearth no se ha mantenido entre mi ránking de grandes bandas debido a sus últimos dos trabajos de estudio, The March y Darkness In The Light. Ambos trabajos son muy técnicos y con grandes producciones, pero a nivel musical me aportan muy poco, no me llenan. Con su reciente nueva obra, Watchers Of Rule, me

he vuelto a enamorar. Este álbum ha hecho que resurgiera mi gusto por el metalcore, por la melodía y desde luego, el headbanging. Dejemos el deathcore a un lado. Desde el primer tema, ‘The Swarm’, hasta el quinto, ‘From The Tombs’, es un no parar de riffazos y de estructuras, un tanto repetitivas en ocasiones, pero tremendas sin lugar a dudas. Sí que es verdad que la segunda mitad del disco no es tan brutal como la primera ya que, aunque sigue en la misma línea de potencia extrema, los temas no impactan directamente, pero no pasa nada: Unearth han vuelto con un álbum arrollador que voy a quemar de tanto escuchar. Cada vuelta que le doy encuentro algo nuevo como la salida de estilo que se pegan en ‘To The Ground’ o los toques heavy metal y hardcore con los que nos abofetean en ‘Burial Lines’, e incluso el toque Slayer de ‘Birth Of A Legion’. Este disco es una joya que necesita ser escuchada una y mil veces, y atesorada como se merece. FER DÍEZ

COHEN Rooms

(DESERT PEARL UNION/PICK YOUR TWELVE/FAIR WARNING)

POST HARDCORE

n su cuarto trabajo, Cohen optan de nuevo por no especular. En apenas 23 minutos repartidos en ocho temas los gipuzkoanos confirman las buenas sensaciones dejadas por el EP Cancer Days después de su reconversión en trío. Sus influencias siguen procediendo de sospechosos habituales como At The Drive-In, Refused o Glassjaw, pero son presentadas ahora con una mayor serenidad, dejando la sensación de que cada vez más son Cohen quienes llevan las riendas de

su música y no al contrario. Tomemos como ejemplo ‘Skywalker’, el tema de apertura donde unos arreglos electrónicos aportan un toque de sofisticación antes de que la canción estalle en dos partes. Aunque Rubén Ramos se desgatiñe cantando “predictable, predictable”, lo cierto es que el tema no tiene nada de predecible. Otro ejemplo: ‘Schrôdinger’s Cat’ se abre con un riff enroscado para, en la segunda estrofa, acariciar la dulzura con la voz de Wenda Novak y en medio entregar un estribillo melódico. Mientras que la disonancia armoniosa de ‘Home Is Where The Heart Is’, el vals crepuscular de ‘Swang Song’ o el latigazo de ‘The Tide’ confirman que no han perdido nervio. Casi al final, la bonita instrumental ‘Subtitle’ da profundidad a un trabajo donde Cohen, de la mano de Juan Blas (The Big Bench, Minor Empires), siguen jugando con las estructuras pero consiguen crear su colección más redonda de canciones hasta la fecha. JORDI MEYA

SANCTUARY

The Year Sun Died (CENTURY MEDIA) HEAVY METAL

an pasado 25 años desde que Sanctuary lanzaran su segundo y último disco, el inolvidable Into The Mirror Black, pero teniendo en cuenta que durante gran parte de estos años era casi una utopía pensar que un día volveríamos a ver un trabajo con el nombre de la mítica formación en él, esto es mucho más que un regalo. Tras el catastrófico final de Nevermore, algo así como un spin off de Sanctuary, no era complicado pensar que si Warrel Dane y Jim Sheppard –Jeff Loomis se ha quedado fuera de la partida- habían

decidido darle una nueva oportunidad a tan sacro nombre era para hacer algo a la altura de lo que ese legado exige… como finalmente así ha sido. Y es que es oír el primer tema del álbum, ‘Arise And Purify’, y tener la sensación de que con un solo tema han aplastado como una apisonadora toda la carrera de Nevermore. No son los únicos –ahí tenemos a Jag Panzer, Malice o Vicious Rumors por poner algunos ejemplos-, pero Sanctuary representan y glorifican todo lo mejor del US power metal. Por lo tanto esperemos riffs matadores, ‘Questions Existence Fadin’, solos de otro mundo, ‘Exitium (Anthem Of The Living)’, cantantes que dignifican la profesión metalica,’I Am Low’, y en definitiva, una excelsa colección de canciones que continúan manteniendo a Sanctuary en ese olimpo del metal, en el cual los hemos tenido durante todos estos años. Ojalá esto sea el inicio de una nueva etapa que nos traiga más momentos de gloria. RICHARD ROYUELA

DISGRACER

Cursed Since Birth (TUPATUTUPA/ODIO SONORO)

DEATH METAL, THRASH METAL

uienes me conocen saben que soy un animal de costumbres, sobre todo en lo que se refiere a lo musical. De esta manera, es de esperar que un grupo que recuerda a los primeros Sepultura, Demolition Hammer, Master, Possessed, Death y demás perlas de aquella época en la que el metal se embrutecía a marchas forzadas, dando forma a lo que sería más tarde conocido como nuestro querido death metal, haga las delicias de mis castigados oídos. Pues bueno, así ha sido, ya que no puedo hablar

más que mieles de la ópera prima de esta joven aunque prometedora formación. No han inventado la rueda, ¡ni falta que hace! No negaré que lo suyo es un pupurri de fórmulas que en su día rompieron moldes y sentaron cátedra en el inframundo del metal extremo. Pero un pupurri bien hecho. La ejecución de los temas y un sonido que les hace justicia hacen de estas siete patadas en los huevos algo a tener sin duda en cuenta. Siete puñaladas compactas, oscuras, malcaradas y aguerridas, a caballo en todo momento entre el death y el thrash primigenio junto con algún que otro guiño al crossover cabezón, dando como resultado una prueba más de que no todo son beatdowns y gorras planas en la escena metal actual. Disgracer han venido para quedarse, se han meado en la puerta de nuestras casas marcando territorio y han insultado a nuestras madres. ¿Qué vais a hacer al respecto? ¿Os vais a quedar mirando con cara de tontos? XAVIER GUERRERO 89

críticas

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Fan2 (voz, bajo), Raúl (guitarra, voz), Draky (batería) PRODUCIDO POR: Noel Campillo AFINES A: Blink-182, MXPX, Less Than Jake PÁGINA WEB: www.facebook.com/puk2band

Forza Interna (AUTOPRODUCIDO) PUNK POP

rimero fue Famiglia, luego vino Vendetta Infinita y ahora es el turno de Forza Interna. Podría ser la trilogía de una banda italiana como Vanilla Sky o Sun Eat Hours. Nada más lejos de la realidad. Como las citadas, Puk 2 también hacen punk pop, pero son de un pequeño pueblo de Castellón al que dedican el segundo corte del presente disco, ‘Burriana’. Grabado en los estudios Rockaway, el tercer largo del trío hace honor al nombre del disco con una exhibición de fuerza quizás antes algo contenida, catalizada por un productor de confianza como Noel Campillo (NoWayOut) y mezclada con mucha pegada por Joe Marlett (Blink-182,

Fenix Tx). Arrollan desde los primeros compases de ‘¡Viven!’, disparada a bocajarro en apenas un minuto, y después regalan el primer gran estribillo con coros ultrapegadizos en la mencionada ‘Burriana’. El himno es ‘Mi Batallón’, donde amontonan terminología del ejército y parafernalia militar con una clara vocación generacional. Sólo tres temas y queda patente el salto cualitativo. Pero hay mucho más. Así, mientras la estrofa a piñón de ‘Heroína’ tiene un regustillo NoFx interesante, ‘Alz’ es una muy meritoria versión actualizada del ‘Stay Together For The Kids’ de sus amados Blink182. Empalman con la impronunciable ‘Litr.Ft2g’, un

corte experimental que bien podría haber sido parido por el propio Tom DeLongue. Y tras el marciano interludio, la influencia del trío de San Diego sigue sobrevolando porque ‘¿Dónde Está Mi Planeta?’ es su particular revisión del ‘Alien’s Exist’. El riff metalizado de ‘Barco Fantasma’, la desnudez acústica ‘Caída Libre’ y los vientos de la festiva ‘Montaje Del Director’ al más puro estilo Less Than Jake funcionan de maravilla y mantienen el nivel hasta el último segundo. Forza Interna es un trabajo variado dentro de los parámetros punk pop, donde se mueven con la soltura que otorgan doce años como banda. LUIS BENAVIDES

HABLAMOS CON... PUK 2 ¿Forza Interna es el disco que siempre quisisteis grabar? “El último disco debería ser siempre el que siempre quisiste grabar… (Risas) Estamos orgullosos de cada uno de nuestros trabajos porque no dejan de ser un paso más como banda y como amigos. Es como ver viejas fotografías que te traen recuerdos de cosas vividas. Creo que con este nuevo trabajo hemos conseguido plasmar un sonido más directo y con carácter que casa muy bien con los temas. Nos gusta poder hacer sentir cosas con la máxima sencillez, sin grandes florituras ni irnos por las ramas”. En este disco tocáis temas como el alzheimer y el cambio climático… Para que luego digan que las letras de las bandas punk pop son pueriles. “Puk2 es nuestro rincón donde podemos desahogarnos y soltar todo aquello que a veces cuesta decir, revivirlo en

cada concierto y transformarlo en algo positivo que mueve a otra gente. El título del disco, Forza Interna, hace referencia a una fuerza que llevamos dentro y que necesita salir a toda costa. Por suerte las letras son cosa de los tres, y al igual que en la composición musical, todos participamos en las letras para tener una satisfacción plena de lo que decimos y defenderlo con todas nuestras fuerzas cada vez que las tocamos”. ¿Soy yo o los Blink-182 os han marcado mucho? También Bipolar de NoWayOut, ¿me equivoco? “Es verdad que esos grupos y discos nos han marcado o influenciado, pero en este último álbum tal vez hemos sacado a relucir viejas influencias que nos han seguido a lo largo de nuestras vidas desde el día en que escuchamos aquellos grupos por primera vez. Son grandes discos de grandes bandas

y eso deja huella, por pequeña que sea. Hablamos de The Offspring, Lagwagon, Alkaline Trio, Less Than Jake, NoFx, Green Day... Tampoco nos planteamos el sonar de una forma u otra, simplemente nos dejamos llevar”. Por último, las tres piezas de PUK 2 encajan de maravilla, sobre todo en directo... ¿Cuántos años lleváis juntos? “En mayo de este año hicimos doce años como banda. En estos años nos han pasado muchas cosas, unas buenas y otras malas. El hecho de poderlas disfrutar o afrontar los tres juntos y poder compartir todas las experiencias con las mismas personas con las que empezaste a vivir en este mundo de la música lo hace muy grande y especial. Creo que todo ello se ve reflejado en el escenario. Es una complicidad que sólo se puede conseguir de esta forma”. (LUIS BENAVIDES)

cr í ticas

THE PINK ELEPHANTS

Wasted Youth (PICNIC)

PUNK ROCK

uando uno escucha bandas como The Pink Elephants asiste a la proyección de diapositivas mentales donde se suceden imágenes de cuando uno era adolescente y no tenía más prioridad que ser uno de esos ‘sk8ter’ respetados al que podría acompañarle como banda sonora cualquier canción de Blink-182 o Bowling For Soup. Y es que el cuarteto de Barcelona no podía invitar más a la desobediencia: además de melodías que siguen de cerca la rebeldía típica del adolescente que busca ser alternativo y celebra obsesionadamente el carpe diem, sus letras invitan a la exaltación de uno mismo a costa del rechazo misántropo del resto. No nos hace falta un esfuerzo de implicación en su proyecto, pues a ritmo de un punk rock bastante

Q MARK LANEGAN BAND Phantom Radio (VAGRANT)

SYNTH POP, ROCK

uerido Mark; hasta la fecha, te tenía en mi particular pódium de artistas intocables. De ésos que aún no sólo no habían sido capaces de decepcionarme ni un sola vez en toda su trayectoria, sino que, además, eran capaces de seguir asombrándome con cada nueva aventura. Ya fuese con los extintos y siempre reivindicables Screaming Trees, tu carrera en solitario o las cientos de colaboraciones con artistas de toda índole, siempre había sentido absoluta devoción por tu trabajo. Pero amigo Mark, me temo que

sobado uno es directamente interpelado como la bala perdida que posiblemente ya haya dejado de ser: “Do you remember your time in high school? (…) Don’t bother to walk the line we’re destined for nothing”. Pero lejos de acomodarnos en el recuerdo melancólico de la compañía que nos hicieron tantos grupos de la misma era musical, se esconde el bagaje musical de unos años

que van quedando atrás pero que no han podido no dejar huella. Sin embargo, cabe señalar cómo su apuesta por el rescate enérgico del género no se limita a tocar la misma escala de acordes, sino que se atreven con capelas a lo Dexter Holland, solazos como en ‘Shallow Grave’ y ramalazos ska con ‘Born Again’. Una buena referencia para merecidas reverencias.

esta vez has errado. Vale que ya nos venías avisando desde hace un tiempo con tus acercamientos a la electrónica, e incluso me encantó lo que hiciste en Blues Funeral, demostrando que con tu voz cavernosa podías con cualquier cosa que te echasen. Y aunque aquí, en este nuevo artefacto que llamas Phantom Radio, se ve que quieres profundizar aún más en esa vertiente, el resultado no me termina de convencer de ninguna de las maneras. Las composiciones son planas, sin sustancia ni gracia alguna que las haga especiales. Me cuesta creer que alguien del talento de

Alain Johannes haya estado echándote un cable en la composición de algo tan flojo. Ni tan siquiera tu rasposa garganta es capaz de salvar de la quema medianías como ‘Seventh Day’ o ‘Torn Red Heart’. Precisamente, lo poco rescatable es cuando decides dejarte de experimentos raros, pillar la acústica y arroparlo todo con ese registro que los Marlboro te han dado (‘I Am The Wolf’). Lo de probar cosas nuevas es divertido, ya lo sé, pero ¿qué tal si para el siguiente vuelves por ahí, eh? Un abrazo y nos vemos en la próxima gira.

ANDREA GENOVART

GONZALO PUEBLA

OPHIS

Abhorrence In Opulence (CYCLONE EMPIRE) DEATH DOOM

os que seguimos entendiendo el doom como una rama del metal extremo, y no como la mejor excusa para desempolvar los pantalones de campana de nuestros viejos, hemos tenido que refugiarnos en el funeral doom o su vertiente death para no sentir vergüenza de un estilo que, pese a pasar por su mejor momento, muchas veces parece haberse olvidado, pues de eso, de ser extremo. Es lo que pasa con las modas, que desvirtúan los conceptos. Tergiversan. Está claro que Ophis opinan lo mismo, y seguro que sienten un enorme respeto hacia esos pioneros setenteros que no deben ni entender por

qué ahora son venerados cuando nunca se habían comido una mierda, y así, los alemanes se ciñen al estilo que de verdad floreció del todo en los 80, sobre todo en sus últimos años y a inicios de los 90. Fue entonces cuando se acuñó el término ‘doom’, cuando éste fue visto ya no como un anecdótico y minúsculo corpúsculo de átomos perdidos en la historia del rock, sino como una escena con multitud de bandas. Los 15 minutazos de ‘Disquisition Of The Burning’ nos traen un enorme homenaje a los detalles en la batería y los riffs de My Dying Bride, aunque todo bajo su mórbido halo death doom, como ‘Resurrectum’, y ‘Among The Falling Stones’ no es más que otro largo y tortuoso sepelio, de bellísimo devenir en sus estertores. ‘A Waltz Perverse’ es sin duda el corte que más me ha sorprendido, un desesperado llanto que roza el depressive black, y ‘Somnolent Despondency’ es sin duda la más funeral del disco, un lentísimo tormento con unos guturales aberrantes. ¿Psicodelia, stoner, blues rock? No me hagan reír. PAU NAVARRA

WASTED

We’ll Never Be So… (CRUZADE...)

HARDCORE PUNK

omo una oveja negra en medio de un rebaño de ovejas de un color blanco virginal, Wasted no siguen las modas actuales ni los cánones establecidos hoy en día, sino que fijan sus referentes en los 80, concretamente en el hardcore punk o punk auténtico de aquella época tan legendaria. Sí, lo suyo es la vieja escuela, la música rápida, sucia y urgente, con voz cascada, estribillos para corear con tu crew y algún solo de guitarra que supone un guiño al crossover. Por tanto, pocas florituras a lo largo de siete canciones que en rara ocasión superan los

dos minutos de duración y todo actitud en esta banda de Mallorca que ha planchado un EP que es todo un homenaje a Poison Idea, Dead Kennedys y Minor Threat. Sobre estas líneas aparece el nombre de Cruzade Records como sello responsable de la edición, pero lo justo sería nombrar a los otros cinco que han colaborado para que We’ll Never Be So… viera la luz: Old Kids Brigade, Black Sheep Records, Zero En Conducta, Yellow Dog Records e In My Heart Empire. Nada más y nada menos que seis sellos se han aliado para editar en vinilo las canciones que Wasted incluyeron en un cassette compartido con Mallörkaos; no en vano, este grupo formado en 2013 cuenta con miembros de los ya citados Mallörkaos, además de Bad Taste, Mostros y otras bandas de la isla ocupada desde hace años por los guiris alemanes. Merece la pena pillarse este EP sólo por su sonido y por ese diseño tan old school. JORDI FORÉS 93

críticas

TEMPLES

Sun Restructured (HEAVENLY/PIAS) PSICODELIA, ELECTRÓNICA

unque este disco se nos venda bajo el nombre de una de las bandas revelación de 2014, los británicos Temples, Sun Restructured no es exactamente eso. Los también británicos Beyond The Wizard’s Sleeve (formados por el DJ y productor londinense Erol Alkan, y el también productor y miembro de The Grid Richard Norris) han cogido el exitoso debut de Temples Sun Structures y han hecho una relectura a partir de las canciones originales. La columna de esta reinvención la forman cinco de los temas del disco (‘Sand

Dance’, ‘Shelter Song’, ‘A Question Isn’t Answered’, ‘Golden Throne’ y ‘Move With The Season’), pero a lo largo de este viaje sónico de 42 minutos también tamizan otras cuatro canciones del álbum original (‘Keep In The Dark’, ‘Sun Structure’, ‘Test Of Time’ y ‘Colours To Life’). En la relectura pierden fuerza las guitarras y ganan protagonismo las atmósferas ambientales y un punto de electrónica no demasiado indigesta, manteniendo bastante el espíritu psicodélico de la ópera prima. Pensado para formar parte de una reedición de lujo del disco debut de los Temples (también disponible para descargar), acaba siendo un experimento curioso para los seguidores más acérrimos de la banda o para coleccionistas y arqueológos musicales. ¿Era necesario? ¿Jugar con discos tan redondos no acaba difuminándolos? Cada uno tendrá sus propias respuestas, pero yo lo que tengo más que claro es que me quedo con el original de aquí a Lima, pasando por el sol. IGNASI TRAPERO

ANAAL NATHRAKH Desideratum (METAL BLADE) INDUSTRIAL BLACK METAL, GRINDCORE

esde que Anaal Nathrakh debutaran en 2001 con The Codex Necro que dejaron muy claro que ellos siempre irían por libre, presentando una volátil y personal propuesta situada entre el black industrial y el grindcore. Si la melódica, apocalíptica y maquinorra ‘Unleash’ es la carava, ‘A Firm Foundation Of Unyielding Despair’ simplemente lo peta. Es un afiladísimo tema de black metal melódico que encima se permite un descaradísimo breakdown propio del metalcore o el deathcore. Lo mismo ocurre en ‘The

Joystream’, así que esta vez se notan más que nunca las vivencias junto a Bleeding Through del guitarra, bajista y programador Mick Kenney. David Hunt (Benediction) se ha dejado la piel en estas voces, y es que la sucesión de berridos y fraseos cantados en ‘Monstrum In Animo’, ‘The One Thing Needful’, la bakala ‘Desideratum’, ‘Idol’ o ‘Ita Mori’ es frenética. El que eche en falta algo de grind tendrá que esperar varios cortes, pero finalmente llega con ‘Sub Specie Aeterni (Of Maggots, And Humanity)’, aunque a su manera, claro… Con este dúo han colaborado Attila Csihar de Mayhem, Sethlans Teitan de Watain, el batería Nick Barker o Shane Embury y Danny Herrera de Napalm Death, así que ya te puedes imaginar que no estamos hablando precisamente de nanas. Cruza a Dimmu Borgir con Fear Factory y The Black Dahlia Murder y verás qué flipada. Hiere y emociona al mismo tiempo… Una buena y feroz cabronada. PAU NAVARRA

HUSSEY

Songs Of Candlelight And Razorblades Deluxe Edition (EYE WHITE RECORDINGS) ROCK

egundo disco en solitario de Wayne Hussey. Si en el anterior había practicado un ejercicio notable de autoindulgencia realizando versiones de su cancionero y ajenas, en esta ocasión se trata de 14 canciones originales. Mezclando estilos, apreciamos varias de las fuentes de las que el líder de The Mission ha ido bebiendo estos últimos años. Del jazz de piano bar que abre el disco, a las canciones acústicas y melódicas que se alejan del territorio británico en una cercanía a Estados

Unidos. Piezas de orfebrería que consiguen con la voz del cantante su punto idóneo. Existen un par de excepciones, en dos cortes, uno after punk que lo acerca a The Cure y otro más experimental, una letanía industrial de mensaje político que cierra el disco. Él mismo sabe que con cada álbum en que se aleja de los parámetros del grupo que lo hizo visible pierde a los fans menos flexibles musicalmente hablando. Esta edición de lujo incluye un libreto con las letras y, como gran aliciente, el disco en su versión instrumental. Lo que parece un truco fácil se traduce en un vehículo perfecto en el que apreciamos, sin dejarnos llevar por las melodías de Hussey, los matices instrumentales de uno de los mejores álbumes de este año. Gana con las escuchas, demostrando los recursos de un músico que lleva tiempo encajonado en un género, el rock gótico, que traspasó en Masque, y sólo ha recuperado en grabaciones en contadas ocasiones. IGNACIO REYO

BRYAN ADAMS Reckless - Deluxe Edition (UNIVERSAL) ROCK

unque parece que empieza a existir una tímida reivindicación, el nombre de Bryan Adams ha sido asociado durante muchos años a los guilty pleasures. Tampoco lo ha puesto fácil. A pesar de que sus conciertos siempre han mantenido un nivel muy alto, poco hemos podido rascar discográficamente desde el glorioso Waking Up The Neighbours... ¡Y hablamos de 1991! Reckless fue el cuarto disco de Bryan Adams y el que le convirtió en toda una estrella. No hay que darle muchas vueltas para buscarle un por qué. Como

él reconoce, “fue el disco adecuado en el momento adecuado”, pero que nadie se engañe: Reckless es un disco perfecto de principio a fin, no un producto coyuntural de los 80. Era un disco perfecto entonces y lo sigue siendo ahora, 25 años después de su edición. Pese a que en aquellos días se le tildó de versión rockera de Springsteen, Petty y compañía, lo de Bryan Adams era otra cosa y Reckless representa todo lo bueno que tenía por ofrecer. Desde temas rozando el hard rock,‘Kids Wanna Rock’, a baladones atemporales, ‘Heaven’, pasando por canciones rock con un alto grado de melodía, casos de ‘One Night Love Affair’ o la ya icónica ‘Summer Of ‘69’, sin olvidar ese mítico dueto con Tina Turner en ‘It’s Only Love’. Diez canciones redondas, de las que fueron singles más de la mitad, 15 millones de copias y ser uno de los discos más icónicos de los 80 es el bagaje de Reckless. Ha llegado el momento de reivindicar sin temor al Sr. Adams. RICHARD ROYUELA

críticas

DENIRO

HAS DE SABER... FORMACIÓN: David Gómez (voz), Nano Ruiz (guitarra),

A. Niño Sánchez (guitarra), Frank Iván (bajo), Oscar Sánchez (batería) PRODUCIDO POR: Carlos Santos AFINES A: Uzzhuaïa, Tenpel, Evohé PÁGINA WEB: www.deniro.es

Sueño Que Arde (LENGUA ARMADA) ROCK

uando uno tiene que enfrentarse a las adversidades del destino, normalmente sólo tiene dos opciones: darse por derrotado, o luchar y levantarse con mayor fuerza si cabe. Nano Ruiz, guitarrista de Deniro y exHabeas Corpus, está más que acostumbrado a lidiar con este tipo de situaciones. La última de ellas fue la de afrontar la baja de William Miller al micrófono, dado que éste decidió centrarse al 100% en su carrera como actor. Por suerte, la banda supo inteligentemente anticiparse a los acontecimientos y ya contaba con un sustituto en las ocasiones en que Miller no podía actuar en directo debido a su agenda. Y lo

que en un principio podría haber sido un contratiempo ha terminado reforzando más si cabe al combo madrileño, ya que el nuevo encargado de las voces, David Gómez, anteriormente en Evohé, ha sido capaz de llevarles a un nuevo estadio. Un cambio que ha traído aires renovados, mutando su sonido hacia un espectro mucho más melódico, luminoso y, por qué no decirlo, también positivo en todos los aspectos. Basta con escuchar ‘Entre Tú Y Yo’ y ‘Cruce De Caminos’, donde se aprecia una inmediatez que atrapa a las primeras de cambio. ‘Haima De Cristal’, elegida como primer single, sin duda es otra muestra de esta nueva orientación, que sin resultar forzada, bien

podría acercarles a un nuevo tipo de público (no obstante, hace bien poco han fichado por Universal, dando una idea de las posibilidades que se les abren). Pero que nadie piense que Sueño Que Arde es una obra destinada al consumo fácil, pues ahí están ejercicios tan potentes como ‘Tengo Tu Nombre’, la soberbia y final ‘El Luchador’ o una ensoñadora ‘Ésta No Es Tu Piel’, donde despliegan todos sus recursos en un tema deliciosamente tejido. Sin duda, una obra que no para de crecer a cada nueva escucha y que debe marcar un punto de inflexión en la carrera de Deniro. Tras sortear tantas piedras en el camino, bien merecen una recompensa así. GONZALO PUEBLA

HABLAMOS CON... NANO RUIZ Como ya nos comentaste con el anterior álbum, la posibilidad de que William Miller dejase el grupo era algo que teníais meditado. Ahora que se ha producido, ¿se ha debido a los motivos que ya imaginabais o ha habido algo más? “No, ese momento, por la vorágine del trabajo de William, tarde o temprano iba a llegar. El problema es que teníamos el disco compuesto prácticamente en su totalidad y William nos anunció que finalmente se piraba de un día para otro a vivir a Los Ángeles ocho meses o casi un año. Sabíamos que podía pasar, pero era su carrera o la nuestra, y deseándole que le vaya bien, la mejor decisión era buscar un nuevo cantante para que afrontara la grabación. Se ha hecho todo de una forma natural, ya que a David ya le conocía y le teníamos como sustituto”. De hecho, llegasteis a publicar

dos temas nuevos con William, ambos en inglés, justo antes de que abandonase Deniro. ¿Teníais el disco ya terminado por aquel entonces? “En cuanto sucedió esta historia decidimos hacer dos canciones de despedida para William que llamamos ‘Breath’ y ‘007 (Every Name Has A Number)’, que en el disco en castellano son ‘Ésta No Es Tu Piel’ y ‘Tengo Tu Nombre’ respectivamente. Las sacamos por febrero o marzo de este año. El disco estaba prácticamente compuesto, pero el problema de trabajar con William en el último año es que no se podía contar con él. Así que decidimos parar en seco y sacar esos dos temas para que quedaran para la posteridad como caras B. Es algo que nos apetecía porque estas canciones estaban compuestas para él y para nosotros. Cuando entró David, quisimos recuperarlas para darlas el toque de

Deniro en castellano. Las mezclas, el mastering e incluso la duración han cambiado. Las melodías no existían, las letras no tienen nada que ver con cómo eran antes... así que ha habido un poquito de curro extra”. ¿Qué dirías que ha aportado la incorporación en David? A primera escucha, se nota un sonido más melódico y positivo que en los anteriores trabajos. “Este disco cierra la etapa de los tres primeros discos de Deniro. Indudablemente es el más positivo. La forma de cantar de David, por decirlo de una manera, es más brillante y melódica. Creo que acerca más a la gente. La forma de cantar de Will quizás era más impostada. David es un cantante con mayores posibilidades, que construye las canciones para que a la hora de ser escuchadas, al oyente le entren los estribillos a fuego”. (GONZALO PUEBLA)

cr í tica s

LEGACY OF BRUTALITY Giants (CHIEF) BRUTAL DEATH METAL

a intro ‘Hostis Humani Generis’ ya es sugerente, pero el huracán que te zarandea en ‘Cathedral Of Hatred’ te mostrará a unos Legacy Of Brutality renovados, sí, pero igual de apabullantes, o incluso más. Hate Eternal o Misery Index te vendrán a la mente en estos primeros compases de su segundo álbum Giants, pero para ‘Under The Hammer Of Doom’ no estamos tan preparados. En una vena épica y melódica bastante más acentuada que en su debut, éstos nos fulminan con un temazo de puño en alto, a lo Unanimated o

primeros In Flames, para que ‘Labyrinth Of Madness’ nos muestre a una banda poderosa como los Nefilim bíblicos. Virguerías a cascoporro en los mástiles de los guitarristas Borja Suárez y Jaime Méndez en ‘Giants’, canción título que incluso aporta un señor breakdown bajo el dominio de las baquetas de Javi Fernández (Sound Of Silence), el reconocido como mejor batería de Asturias. ‘Emperor Of A Dying Garden’ es otro corte para enmarcar, emocionante a más no poder, para caer en una ‘Insanity Supreme’ bastante Deicide. ‘Buried With A Brick In Mouth’, la brutalmente Behemoth ‘The Whip And The Chain’, la aplastante ‘Your Kingdom Come’… De cualquier forma, Legacy te darán una lección que no olvidarás nunca. Colaboraciones de miembros de Cathexia, Carnivorous Voracity o Thirteen Bled Promises y dos bonus, versión de Napalm Death incluida, completan un trabajo, como bien indican, digno de gigantes. PAU NAVARRA

MUGGA Gamut

(AUTOEDITADO) ROCK

ien es sabido por todos que desde hace tiempo los grupos de aquí cada vez tienen menos que envidiar a los de afuera y que podemos presumir de tener una escena con suficiente nivel que exportar. Pero aun con todo, sigue habiendo bandas que se encuentran sumergidas dentro del underground más desconocido y que son todo un secreto para los oídos más inquietos. Sin duda uno de ellos son los madrileños Mugga. Hace ya un tiempo quedamos tremendamente estupefactos cuando reseñamos su debut en largo, Polar, una obra que sorprendía por presentar

una amalgama de estilos que iban desde el funk más salvaje, la psicodelia, el rock progresivo, el rap y decenas de recursos al alcance de unos chavales cuyas mentes no parecen conocer los límites de lo imposible. Su nueva entrega titulada Gamut es un EP disfrazado de disco, o viceversa, ya que en apenas media hora sus cinco canciones dan para mucho. En la cachonda ‘Chupito De Ron’ parecen unos The Mars Volta vacilones con saxos y percusiones de fondo. Más contenidos suenan en ‘Halves’, donde prueban con cadencias más propias del post rock. ‘Temples’ y ‘Words That Somebody Said’ son ejemplos de cómo sonar accesibles pero sin ir por el camino fácil. Y la propia ‘Gamut’ nos muestra su versatilidad en todo su esplendor, primero con un flow incontestable para que a continuación nos lleven por senderos más elegantes sin perder la intensidad. Quizás les queden por pulir un par de cosas, pero no duden de que de aquí puede salir un auténtico bombazo en algún futuro no muy lejano. GONZALO PUEBLA

BYE BYE PEDRO El Derrape (PORNOYONKI) PUNK ROCK

ejando al margen el punk rock escuela Fat Wreck y la escatología habitual, los tres álbumes hasta la fecha de Bye Bye Pedro tienen en común una portada con dos muchachas como protagonistas en todo tipo de situaciones esperpénticas. En su última referencia, El Derrape, los manresanos respetan esa constante pero con una firma estelar: Dan Sites. Quizás su nombre no te diga nada, pero este norteamericano es el ilustrador responsable de algunas de las portadas más

célebres de RKL, una de las bandas de cabecera para el combo catalán. Por si fuera poca la potra de Bye Bye Pedro, la banda también ha conseguido liar a media docena de músicos en la grabación del presente disco, como Busi, guitarra de Crisix, y Eric Fuentes. Al exlíder de los siempre reivindicables Unfinished Sympathy, por ejemplo, le pidieron que cantase en castellano una parte calcada al ‘Lori Meyers’ de NoFx, y supera la prueba con nota. Alocado, muy variado e ingenioso son tres adjetivos perfectos para describir este trabajo o, para ser exactos, tema de 18 minutos y medio al más puro estilo The Decline de NoFx. Sí, la misma idea y con un resultado muy disfrutable. ¿Lo peor de todo? El Derrape es su última referencia para dos terceras partes de la banda, Kimi y Félix, batería y bajista originales. Se les echará de menos y nada será igual a partir de ahora, pero algo nos dice que Bye Bye Pedro seguirán en la brecha. LUIS BENAVIDES

EINHERJER

Av Oss, For Oss (INDIE RECORDINGS) VIKING METAL

ras su súbito estallido, el viking metal y el folk no pasan ahora mismo por su mejor momento creativo, perdidos entre horteradas y sonidos estridentes que sólo a un bebé podrían atraer, pero de vez en cuando conviene hacer un alto y prestar atención a lo que los pilares del movimiento pagano nos ofrendan, caso obvio de Einherjer. Nacidos en Noruega en 1993, desde su icónico Dragons Of The North que el trío es todo un estandarte del viking, mas tras finiquitar su primera etapa con el complejo y espectacular

Blot. Volvieron en 2008 y publicaron hace tres años el cumplidor Norrøn, pero ahora sí retornan a la actualidad discográfica con una obra que me ha resultado del todo satisfactoria. Marciales, crudos y de concepciones simplistas, Einherjer no han dejado de lado su vena más prog en ‘Hammer I Kors’ o ‘Nornene’, pero por otro lado podrían asemejarse a los últimos Satyricon más rockeros o a Kampfar en ‘Nidstong’. La voz del también guitarrista Frode Glesnes ‘Grimar’ me encanta, podrida y hecha un verdadero asco, dando un necesario aire de autenticidad a su propuesta. Y es que no se puede rememorar cómo Fenrir le arrancó la mano a Tyr cantando como una nena, seamos claros. Si no recuerdas por qué te atrajo con fuerza este estilo hace unos años, con canciones como ‘Hedensk Oppstandelse’ o ‘Nord Og Ner’ recuperarás la fe en Odín. Los casi 11 minutos de ‘Av Oss, For Oss’, majestuosos. PAU NAVARRA

cr í ticas

THE AFGHAN WHIGS

Gentlemen At 21 (WEA INTERNATIONAL INC/SUB POP) ROCK ALTERNATIVO

odavía recuerdo la primera vez que leí sobre The Afghan Whigs hace 21 años. Fue precisamente una reseña de Gentlemen en el periódico local. El nombre del grupo me pareció fascinante, el título sencillo y maravilloso, y la portada muy atractiva. Recorté la nota y me la guardé convencida de que iba a ser uno de ‘esos discos’. Ha pasado mucho tiempo, y aunque me costó mucho ceder a la intuición, mereció la pena. El poder hablar ahora de una reedición de esta obra maestra resulta mágico. Difícil de catalogar, aunque las bases de soul, R&B y rock

100

son firmes y evidentes, su contenido no sólo ha mantenido el tipo a lo largo de estos años, sino que además se ha revalorizado por su singularidad, puesto que ni antes ni después ha habido una banda que pudiera igualar a los de Cincinnati. Gentlemen desprende elegancia y clase a raudales, está cargado de sexualidad, y las letras, llenas de resentimiento, pesimismo y frustración, el fiel reflejo del interior de Greg Dulli. En esta reedición, además de poder disfrutar de temazos como ‘Be Sweet’, ‘My Curse’ o ‘Fountain And Fairfax’, los Whigs nos regalan ocho versiones demo originales que fueron grabadas y mezcladas por el bajista John Curley en su estudio Ultrasuede, las caras B de ‘Debonair’, la versión ‘The Dark End Of The Street’ y ‘Mr. Superlove’, y los tres temas que conformaron el EP What Jail Is Like, grabados en directo en mayo de 1994 en el Denver’s Mercury Café. Un aperitivo perfecto para hacer más llevadera la espera hasta su próxima visita en febrero. TOI BROWNSTONE

SEA LION

Big Moon (Early Songs)/Cobra’s Eyes (TURNSTILE)

INDIE, FOLK

i se pretende encontrar alguna diferencia que permita saber hacia dónde apunta el proyecto de esta chica con sus dos EPs, Big Moon y Cobra’s Eyes, no la busquéis: está más claro que el agua. Sea Lion no se mueve de sus casillas: un phsych folk melancólicamente tranquilo y sutilmente acompasado. Se trata de una música agradable no tanto por los temas en sí como por el ambiente que son capaces de crear, sobre todo si aparecen del tirón:

la linealidad monótona de la expresividad de sus canciones permite integrarte en una situación que roza una música de ambiente suficientemente polivalente. Y es que la inalterable voz de niña buena que canta con su guitarra mientras se refugia de la lluvia puede hermanarse con la serenidad de Warpaint o Mazzy Star, o con los tonos más bajos y uniformes de Devendra Barhart. Parece, de hecho, que las composiciones introspectivas que hacen de tu escucha un previsible círculo cerrado mucho tengan que ver con su paisano de Göteborg José González y su grupo Junip. Tal vez se echa en falta una pieza algo distinta de la anterior y que rompa con la ya dado, pues escuches el tema que escuches, tienes la sensación de oír siempre los mismos acordes. Algo de atrevimiento y experimentación sería la guinda, aunque acaba de ‘empezar’ y se le perdona. Quien mucho abarca poco aprieta, y Sea Lion, de momento, aprieta fuerte. ANDREA GENOVART

HUMMANO

We Hate You All!!! (BLOOD FIRE DEATH) DEATHCORE

as prisas no suelen ser buenas consejeras, pero en el caso de Hummano publicar un segundo disco apenas un año después de debutar con Is The Shit no ha supuesto un problema. Es más, con él prueban que su impacto en la escena nacional no fue casual. Habrá quien vea en su portada, en la que los madrileños aparecen disfrazados de hair metaleros 80’s, un recurso fácil para llamar la atención, pero quien les critique por ello debería escuchar más que nadie este disco. We Hate You All!!! va precisamente dirigido a quienes tienen

como deporte favorito rajar de los demás. Haters, trolls, cizañeros… ¡Que os den! Si en su primera entrega y en sus directos quedaban pocas dudas de que Hummano sonaban como un cañón, aquí demuestran que además han aprendido a canalizarlo en mejores canciones. Más directas, más redondas, más pegadizas, pero sin que ello signifique que hayan tirado por el camino fácil. Además Hummano también se han dado cuenta de que no hace faltar meter un breakdown en cada tema y eso hace que cuando aparecen (‘Conscious Orchiectomy’, ‘Omphaloseptic’), éstos tengan aún más fuerza. No se trata simplemente de que hayan incorporado más melodía, que también, sino que por ejemplo el riff a lo Pantera de ‘Bitch-Slap’ es tan memorable como el estribillo que nos suelta en la cara Thomas Shutter. La coreable ‘You Suck’ o la descomunal ‘I, Hater’ son otros dos buenos ejemplos de lo que han crecido. Ahora mismo, un paso por delante del resto. JORDI MEYA

TORI SPARKS El Mar

(GLASS MOUNTAIN) FOLK, FUSIÓN

n su quinto álbum, Tori Sparks, la cantautora norteamericana afincada en Barcelona, se hace acompañar del trío de flamenco Calamento, a quienes conoció en un concierto benéfico hace un par de años. Con ellos presenta una interesante colección en la que caben nuevos temas, relecturas de otros ya publicados y versiones de artistas como Leonard Cohen, Roy Orbison o Javier Ruibal. Musicalmente El Mar propone una mezcla de sabores en los que los orígenes folk, rock y country de Sparks se sazonan con palmas, punteos y ritmos aflamencados e influencias

orientales y mexicanas. El hecho de que se atreva a cantar también en castellano aún acentúa más esta sensación de estar escuchando algo exótico y difícil de ubicar. El disco lo abre una versión de ‘Everybody Knows’ de Cohen en la que su base synthpop se transforma en una delicia acústica con un gran solo a cargo del guitarrista Pepe Camacho. Igual de original es el tratamiento que recibe el clásico ‘Quizás Quizás Quizás’ con una línea de bajo y el cajón marcando el paso. Curioso es también el lavado que reciben composiciones propias como ‘Sinner’s Shoes’, ‘Mama’, ‘Cold War’ o la jazzy ‘Under This Yellow Sun’, donde suena como una Joni Mitchell de vacaciones en Granada. Sin embargo, en algún momento, cuando los arreglos son demasiado estándares, caso de ‘Llorando’, la versión de ‘Crying’ de Orbison o ‘La Llorona’, Sparks y sus músicos se acercan peligrosamente al easy listening de terraza de hotel pijo. Ante la duda, mejor optar siempre por el riesgo. JORDI MEYA 101

cr í ticas

BLOODBATH Grand Morbid Funeral (PEACEVILLE)

DEATH METAL

i después de seis años de silencio, el cuarto disco de Bloodbath ya hubiera levantado expectación de por sí, y más teniendo en cuenta que era el primero que grababan desde la salida de Mikael Åkerfeldt (Opeth) como vocalista, el anuncio de que habían fichado a otro ilustre personaje, Nick Holmes, para sustituirle todavía aumentaba más la curiosidad. Sin embargo, el fichaje del cantante de Paradise Lost por los suecos generaba tanta sorpresa como dudas. ¿Estaría la garganta de Holmes en suficiente forma para volver a cantar en gutural? ¿Afectaría su entrada al sonido de la banda? Las respuestas las encontramos en Grand Morbid Funeral. Lo primero que hay que decir es que Bloodbath siguen sonando a Bloodbath. Death metal

GUNS N’ ROSES

Appetite For Democracy 3D: Live At Hard Rock Casino-Las Vegas (UNIVERSAL)

DVD HARD ROCK

102

upongo que a estas alturas discutir si los Guns N’ Roses de hoy en día son merecedores de seguir defendiendo ese nombre que lo significa todo para tanta gente es estéril y sobre todo aburrido. Ya no hay nada más que decir y el debate sencillamente se ha acabado. Dicho esto tengo que posicionarme del lado de Axl Rose. Si él no hubiese estado allí, por mucho Izzy, Slash o Duff, Guns N’ Roses no hubiesen tenido la misma magia. Axl es un personaje excéntrico, impredecible y genial, y eso es justo lo que

clásico con reminiscencias de Entombed, Morbid Angel o Dismember basado en riffs mórbidos y oscuros que en su mayor parte atacan velozmente (‘Mental Abortion’, ‘Unite In Pain’) pero que en otros momentos apuestan por una pesadez más cercana al doom (‘Chruch Of Vastitas’, ‘Grand Morbid Funeral’). Aquí hay trallazos de consideración, en especial ‘Famine Of God’s Word’ y ‘My Torturer’, con un gran

trabajo en las guitarras, y la aparición como invitados de Chris Reifert y Eric Cutler de los norteamericanos Autopsy garantiza el nivel de técnica y putrefacción adecuado. ¿Y Holmes? Pues la verdad es que el tipo resuelve más que bien la papeleta y canta con el poderío que el material demanda. Otra cosa será ver si en directo es capaz de dar la talla, pero el primer round lo ha ganado.

son los Guns actuales, a medio camino entre aquella inolvidable formación a punto de la combustión espontánea de sus inicios y la cansina multi orquesta que se paseó por los estadios del mundo entero en la parte final de los Illusions. Este DVD grabado en la que ha sido su primera residencia en Las Vegas -pocos personajes en el mundo del rock encajan tan bien actualmente en ese entorno como Axl- muestra de una manera fidedigna todo lo bueno y malo que tienen que ofrecer Guns N’ Roses en 2014. Conciertos

de tres horas repletos de solos en su mayoría innecesarios, momentos de autoindulgencia, excesos propios de otras épocas pero, señores, cuando la máquina se pone en marcha, a ver quién es el guapo que se atreve a cuestionarlos. Incunables como ‘Welcome To The Jungle’, ‘Paradise City’ o ‘Nightrain’ siguen siendo dignificadas por este combo que merece más crédito del que tiene y, ¡vamos a decirlo!, los temas de Chinese Democracy aguantan el tipo entre tanto clásico.

JORDI MEYA

RICHARD ROYUELA

IRIS

Something To Live For (ENGINEER)

ROCK

no de los secretos mejor guardados de la escena musical del sureste del Reino Unido, el cuarteto rock melódico Iris, podría pegar el pelotazo en los próximos meses y nosotros somos los primeros en avisarte. Aquí todavía son unos absolutos desconocidos, de acuerdo, pero les seguimos la pista desde su anterior Out Of Fiction, un EP bastante inspirado auspiciado por el sello Engineer Records en 2012. La competencia siempre es durísima, más si cabe en su país, pero no descartaría verlos luciendo palmito en las portadas de revistas especializadas como

Rocksound o NME. Quizás suena algo exagerado, pero con sus dos anteriores EPs ya consiguieron lo impensable como es participar en diferentes festivales y, sobre todo, compartir escenario con bandas como Feed The Rhino, Deaf Havana o los geniales Arcane Roots. El número de seguidores de la banda en las redes sociales no ha parado de crecer y crecer desde la publicación del citado Out Of Fiction, y con el presente largo debut Something To Live For, los de Kent deberían mantener esta tendencia. Sus cada vez más numerosos fans gozarán de lo lindo con esta nueva entrega repleta de novedades como los guitarrazos pesados con una producción ultralimpia (‘Candle’), alguna pieza punk pop acelerada (‘Something To Live For’), punteos emotivos escuela Biffy Clyro (‘Roll The Dice’), flirteos con el screamo moderno (‘Anti-social’), un riff al estilo ‘No Way Back’ de los Foo Fighters (‘Second Best’) e incluso medio tiempos para estadios (‘Haunted’). En otras palabras, un disco de rock accesible y resultón con opciones de pegar fuerte. LUIS BENAVIDES

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COMBICHRIST

HACIENDO MONSTRUOS Allá donde la música industrial, el metal y la electrónica cruzan sus caminos encontramos a Combichrist. El grupo liderado por Andy LaPlegua llega este mes a nuestro país para presentar su último trabajo We Love You. Nosotros también. Texto: Jordi Meya Fotos: DR

s más que probable que, como tanta otra gente, descubrieras a Combichrist a raíz de sus conciertos como teloneros de Rammstein. En activo desde 2003 y con media docena de discos en su haber, esa gira mundial fue el escaparate perfecto para que los fans de los gigantes teutones descubrieran la música generada por la mente del

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noruego Andy LaPlegua y ejecutada actualmente en directo por Eric13 (guitarra), Abbey Nex (bajo), Z Marr (teclados) y Joe Letz (batería). Al igual que ocurre con Nine Inch Nails y Trent Reznor, Combichrist es básicamente la criatura de LaPlegua, quien compone y graba todo el material en el estudio, pero es en sus impredecibles shows donde la banda se convierte en un animal feroz que intenta comerse al público a bocados. En su séptimo

álbum, We Love You (Out Of Line), publicado el pasado marzo, nos encontramos a un grupo más volcado en la vertiente electrónica, aunque no faltan temas con guitarrazos, y un LaPlegua menos hedonista y más reflexivo. Los próximos días 5 de diciembre en Madrid (Sala Arena), 6 en Barcelona (Salamandra) y 7 en Erandio (Sonora) tendremos la oportunidad de comprobar cómo suenan en directo en unos conciertos

metal. ¿Fue una reacción a este último? “Bueno, No Redemption en realidad no era un disco de Combichrist como tal, sino que sobre todo era la banda sonora de un videojuego, así que sonaba de esa manera porque era lo que encajaba mejor con el juego. Fue divertido hacerlo, pero no creo que nos representara del todo como banda. Para mí fue un proyecto separado. Así que We Love You es en realidad la continuación de Making Monsters”.

“Para mí Dios es una ficción. Y si existiera, que le jodan, porque no está haciendo bien las cosas” ANDY LAPLEGUA

en los que estarán acompañados por William Control, el proyecto del exvocalista de Aiden William Francis. El propio LaPlegua nos pone al corriente. ¿Cómo ha sido recibido el material de We Love You en los conciertos que habéis dado hasta ahora? ANDY LAPLEGUA “Siempre es muy emocionante descubrir qué

aceptación tendrá un nuevo disco. Hasta ahora hemos tenido suerte. Tenía muchas ganas de poder salir y tocar esta nueva música. Ha gustado mucho y siempre es reconfortante ver que el público no responde sólo con los hits, sino también con las nuevas canciones (risas)”. Este nuevo disco es más electro que No Redemption, que quizá estaba más orientado al

¿Qué querías expresar en este nuevo disco? “Estuvimos mucho tiempo girando, sobre todo después de hacerlo con Rammstein. Para mí el álbum era una manera de resumir todo lo que me había inspirado y ocurrido en la carretera. Intenté capturar la esencia del grupo en directo y trasladarla a un disco. Ése era mi objetivo principal, acercarnos a cómo sonamos en directo, con más energía y un sonido más grande”. Las letras del trabajo parecen tener un mayor contenido social de lo que es habitual en ti. ¿Fue también una consecuencia de haber girado por tantos lugares distintos? “Desde luego. Cuando viajas no puedes evitar ver cosas. Siempre he dicho que yo no soy un político y tampoco espero que los políticos hagan música. Siento lo que siento. Así que, más que dar opiniones, intento escribir como un observador. Intento evitar ser político, pero si escribo desde el corazón, es difícil aislarme de lo que me rodea”. 105

COMBICHRIST

buen humor, ¿sabes? Siempre escribo en base a sentimientos, así que a veces me cuesta. Suelo trabajar por las noches, soy una persona nocturna, y entonces es cuando mentalmente me siento mejor para ser creativo. Cuando estoy de gira aprovecho las largas noches en la carretera para componer también”.

‘Denial’, por ejemplo, habla de religión… “Tengo una relación difícil con la religión. Para mí la religión es una vía de escape y una forma de esconderse bajo algo que no existe. Es sólo mi opinión personal. Respeto a la gente creyente, pero yo no creo. Nunca he tenido un motivo para creer. Para mí Dios es una ficción. Y si existiera, que le jodan, porque no está haciendo bien las cosas (risas). Conozco mucha gente feliz que no es creyente, en cambio muchos creyentes están llenos de sufrimiento”. Desde fuera, por la imagen y la orientación de la música, Combichrist pueden parecer una formación muy frívola, pero para ti supongo que ponerte a pensar en estos temas resulta algo bastante más profundo. “Para mí esta banda es una manera de aprender. La vida es un constante aprendizaje. A nadie le regalan una vida genial. A nadie la regalan todas las piezas del puzzle, todas las respuestas. Tienes que encontrarlas a medida que vives. Esta banda siempre me ha motivado en mi deseo de aprender más, de superarme”. 106

La dirección creativa del grupo es cosa tuya... ¿Hasta qué punto consideras Combichrist más un proyecto personal que una banda? “Es ambas cosas. En el estudio es personal porque soy sólo yo, pero también es cierto que cuando hago esta música estoy pensando en la banda de directo. Siempre la tengo presente. Me pregunto ‘¿Qué haría Joe aquí?’. La música no funcionaría en vivo si no pensara en ello. Y por otra parte, nuestro directo es parte esencial de la banda y tampoco podría hacerlo sin ellos, así que ambas cosas están superconectadas”. Cuando estás trabajando tu solo en el estudio, ¿te resulta fácil mantener la concentración o hay momentos en los que te sientes perdido y te gustaría tener a alguien más para ayudarte? “La verdad es que soy bastante bueno manteniendo la concentración. Pero al mismo tiempo, tienes que sentirlo para poder hacerlo. A veces estoy de mal humor y me cuesta mucho trabajar en una canción en la que trabajé la semana anterior cuando estaba de

Te he escuchado alguna vez decir que cuando sales al escenario te metes en la piel de un personaje. ¿Tienes presente también este personaje a la hora de componer? “Para mí son facetas separadas de una misma cosa. Siempre comparo estar en el estudio y tocar en directo con la diferencia entre hacer el amor y follar. Las dos cosas son geniales, pero son sentimientos distintos. Tocar en directo es más visceral. Te dejas llevar más. En el estudio te tomas más tiempo, eres más consciente de todo”. Hablando de sexo, esta música siempre ha estado muy relacionada con el fetichismo y el BSM. ¿Te sientes parte de esa cultura también? “Me siento más conectado a la escena fetish. Incluso cuando tocaba en bandas punk y hardcore me interesaba. Todos tenemos nuestros fetichismos (risas)”. Describe cómo es una fiesta fetish para alguien que nunca haya estado en una. “(Risas) Es muy interesante. Creo que todo el mundo se sentiría fascinado de un modo u otro a menos que seas alguien muy conservador. La realidad es que vas a estas fiestas y

te encuentras abogados, banqueros, contables… No está lleno de gente loca. Es gente normal que necesita esto como vía de escape, una manera de ser ellos mismos. A veces hay gente muy rara que incluso me impresionan a mí (risas), pero no es mi papel juzgarles”. Antes has mencionado la gira con Rammstein. ¿El tocar en grandes recintos es algo a lo que aspires o lo ves totalmente inalcanzable? “La verdad es que nunca me lo he planteado. Lo pasé muy bien en esa gira y nos fue genial. Rammstein son como familia para nosotros, pero mi objetivo principal es seguir haciendo música y tocando en directo. La verdad es que cuando nos ofrecieron la gira nunca me había planteado tocar en arenas. Me siento perfectamente feliz tocando en salas para nuestro público. Es una comunidad y tocar en salas hace que todo sea más íntimo. Me gusta tocar en sitios grandes también, pero no es mi objetivo”. Pero tú eres noruego y te mudaste hace años a Estados Unidos... Algo de ambición tendrías, ¿no? “Para mí fue una decisión personal. Siempre he pensado que no importaba donde viviera mientras fuera feliz. Una de las cosas buenas de trabajar solo en el estudio es tener esa libertad. Podría vivir en Japón si quisiera. Estuve de gira en Estados Unidos y me enamoré de Atlanta, pero podría volver a Noruega o irme a Italia”. En esta gira vendréis con William Control como telonero.

“Siempre comparo estar en el estudio y tocar en directo con la diferencia entre hacer el amor y follar. Las dos cosas son geniales, pero son sentimientos distintos” ANDY LAPLEGUA ¿Lo escogiste tú? ¿Tienes una relación personal con él? “En marzo giramos con él por Estados Unidos a sugerencia de nuestro management. La verdad es que nos llevamos muy bien. Ellos nunca han estado en Europa y siempre me gusta poder llevarme de gira a gente en la que creo y que tiene talento. Creo que es una buena oportunidad para ellos”. ¿Y sigues en contacto con Wes Borland, que participó en el disco Making Monsters y algunos conciertos? “Me encanta trabajar con Wes. Estuvo tocando con nosotros hasta que volvió a reunirse con Limp Bizkit y entonces ya estaba demasiado ocupado. Pero es muy inspirador tocar con un guitarrista tan bueno como él y con tanta presencia escénica. Es una de mis personas favoritas y me encantaría volver a hacer algo con él”. Ahora mismo en Estados Unidos la música electrónica está en pleno auge. ¿Crees que de algún modo puede resultar beneficioso para Combichrist? “Las dos próximas giras que tenemos

programadas en Estados Unidos son con bandas de rock. Ya veremos cómo va. Todos venimos del metal y el punk, así que nuestros shows tienen esa energía. Hay bandas como The Bloody Beetroots que hacen electrónica con un show muy rock y la gente parece que empieza a aceptarlo. Es algo que está ahí”. Tengo entendido que tienes un taller de coches antiguos. ¿De dónde te viene la afición? “Siempre me han gustado los coches de los 50, supongo que por las películas y eso. También me gustan mucho las motos. Además, en la escena rockabilly es muy común que la gente sea aficionada a eso. Como dices, tengo mi taller. Es a lo que me dedico cuando no estoy de gira. Es mi vida”. ¿Y en qué estado se encuentran todos tus otros proyectos, o ahora estás 100% centrado en Combichrist? “Icon Of Coil es algo que siempre está ahí. Ninguno de los tres miembros hemos decidido dejarlo, pero tampoco es nuestra prioridad. Si tiene que ocurrir, ocurrirá, pero ya está. Con Panzer AG probablemente sólo tocaremos en directo, pero no creo que hagamos otro disco, y lo mismo con Scandinavian Cock. En este momento siento que he cogido toda la inspiración de esos proyectos y los he concentrado en Combichrist. Prefiero centrar todas mis energías en esto, y también me siento más libre”.

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EL CLUB DE LA LUCHA CON SU PRIMER DISCO EN ALGO MÁS DE UN LUSTRO, LOS SUECOS RAISED FIST VUELVEN A POSICIONARSE EN LA PUNTA DE LANZA DEL HARDCORE EUROPEO. FROM THE NORTH ES LA PRUEBA DE QUE SIGUEN SIENDO UNA FORMACIÓN INDOMABLE. Texto: GONZALO PUEBLA Fotos: DR

RAISED FIST

“En Raised Fist siempre queremos hacer algo nuevo, renovarnos y probar cosas diferentes. No queremos ser una copia de nosotros mismos o de otras bandas” ALEXANDER HAGMAN

unque nunca se me ha presentado la oportunidad de visitarla, siempre he sentido cierta fascinación por Suecia. Obviando por supuesto su descomunal escena musical, que es capaz de abarcar formaciones tan dispares como Abba, The Hellacopters, Refused u Opeth, su cultura y tradiciones me resultan atractivas. Incluso la peculiaridad de que en ciertas zonas las noches duren días enteros y el invierno larguísimos meses (y os lo dice alguien que detesta el frío). Un hecho que sin duda puede acabar afectando a la personalidad de las gentes que habitan allí. Raised Fist, procedentes de la localidad de Luleå, al norte del país, son un claro ejemplo de ello. Durante más de dos décadas, Alex Hagman (voz), Daniel Holmberg (guitarra), Andrea Johansson (bajo), Matte Modin (batería) y el más reciente en llegar, Jimmy Tikkanen (guitarra), se han dedicado a pasear su potentísimo hardcore a lo largo de todo el globo, siendo una de las formaciones de referencia en el Viejo Continente dentro del género. A la indiscutible fuerza que transmiten sobre las tablas hay que añadir una discografía que en sus últimos movimientos ha pretendido ir un poco más allá de los límites que marca el estilo. Algo que, como acostumbra a suceder en estos casos, les ha acarreado alguna crítica. Pero como suelen declarar, Raised Fist no están aquí para contentar a nadie que no sea a ellos mismos, y bajo esa premisa presentan From The North (Epitaph), que verá la luz el próximo 19 de enero. Una obra que les sigue haciendo perfectamente reconocibles, además de reivindicar su procedencia y manera de ser. Tras un par de intentos fallidos, conseguimos que Alexander descolgase el teléfono para responder a nuestro cuestionario. Con una recién estrenada paternidad y a punto de cumplir los 40, este sueco hipermusculado loco por las artes marciales es uno de esos tipos que no para de soltar por su boca todo lo que piensa a una velocidad vertiginosa. Un auténtico regalo para los plumillas. Habéis estado parados durante mucho tiempo desde que salió publicado Veil Of Ignorance en 2009. ¿Necesitabais un respiro para volver a retomar la carrera 109

de Raised Fist con energías renovadas? ALEXANDER HAGMAN “Sí, definitivamente. Siempre ha sido así, incluso si han sido dos, tres, cuatro o, como en esta ocasión, cinco años. Teníamos pensado sacar el disco en 2011 o en 2012. Todos estábamos de acuerdo en que era una buena fecha, pero no estábamos del todo conformes. Es como si plantases una semilla y la vieses crecer. Algunas veces saldrá bien y otras no tanto. Necesitábamos encontrar nuestra propia creatividad y que las canciones saliesen por sí solas. No podemos forzarlo, sino que tenemos que esperar y esperar hasta llegar al momento en el que tengamos algo acabado. Por supuesto que podríamos forzar el proceso de sentarnos e intentar escribir nuevas canciones, pero eso no marcaría la diferencia. En Raised Fist siempre queremos hacer algo nuevo, renovarnos y probar cosas diferentes. No queremos ser una copia de nosotros mismos o de otras bandas. Queremos llevar el sonido de Raised Fist a otro nivel. Y eso no es algo que puedas forzar. Algunas veces puedes hacerlo de un día para otro, pero en otras necesitas tomarte un par de años. Esta vez nos llevó cinco. Pero tengo que decir que ya teníamos los temas listos un año antes de entrar a grabarlos. Así que fueron cuatro años y luego un año y medio hasta que fijamos las fechas en el estudio, encontramos al productor adecuado... Todo lleva su tiempo”. ¿Y a qué os habéis dedicado durante estos años de descanso? ¿Habéis hecho vida normal? “Sí, hemos estado haciendo otras cosas, pero también hemos estado 110

tocando en directo durante mucho tiempo. Raised Fist somos una formación que puede tocar en cualquier momento. No necesitamos sacar un disco nuevo para girar. Podemos salir de gira todos los años, eso no importa. Por ejemplo, la última vez que fuimos a Canadá había gente que llevaba muchísimos años esperando para vernos. Tengamos un disco nuevo que presentar o no, podemos ir allí, después tocar en Australia y luego hacer un tour por Europa. Y podemos hacerlo durante el resto de nuestras vidas. Estuvimos dando muchos conciertos durante los tres primeros años desde que salió Veil Of Ignorance y no fue hasta el tercero en el que ya cubrimos todas las áreas para el ciclo de ese álbum. Este verano pasado hemos estado haciendo festivales en España, Francia, nos ofrecieron tocar en el festival más importante de Suecia, también en Canadá... y éste era el quinto año y no teníamos ningún álbum nuevo. Así que no importa cuánto tiempo tardemos porque, desde ese punto de vista, no necesitamos estar trabajando constantemente en nueva música para que el grupo siga funcionando. Aún hay muchas zonas del mundo a las que no hemos ido, como Asia o el hacer una gira por Estados Unidos, que es algo que nunca hemos hecho en 21 años. Siendo cinco años, tienes que entender que el primero estarás ocupado, el segundo también, el tercero es en el que más trabajo tienes, el cuarto más o menos... y ahí es cuando tienes que empezar a crear nueva música. Realmente no es tanto tiempo. No es como si hubiéramos parado para dedicarnos a la vida terrenal. Este año hemos tenido que decir que no a muchos festivales porque queríamos centrarnos

en el disco, pero aun así hemos dado algunas fechas como en España y un par más. Es una respuesta larga para un preguntar tan corta (risas). Pero sí, hacemos cosas normales. Cuando dejamos el estudio, podemos hacer algo que no tenga nada que ver con la música, expandir nuestras mentes, y así cuando nos reunamos tendremos una nueva energía, nuevas canciones, nuevas influencias en la manera en la que escribimos y podremos continuar siendo la banda más dura del planeta”. Pasemos a hablar entonces de From The North. En vuestros dos últimos trabajos se veía que queríais abrir más vuestro sonido dejando entrar diferentes influencias y aquí seguís explorando ese camino... “Es el sonido de Raised Fist. Es el sonido que hemos desarrollado por nuestra cuenta. No hay ningún otro grupo que suene como Raised Fist y eso es lo que queremos hacer. Cuando estamos escribiendo necesitamos sentir que estamos yendo hacia una dirección diferente. Hay muchas bandas de hardcore o metal que sólo son capaces de hacer el mismo tipo de riffs de manera automática o se ponen a gritar como los trolls de El Señor De Los Anillos (risas). Eso no es lo que nosotros hacemos. Cada uno de nosotros compone de manera diferente. Yo escribo canciones, toco la guitarra, la batería, etc. Nuestros dos guitarristas tienen proyectos en solitario. Nuestro nuevo guitarra, Jimmy, tiene otro grupo donde él es el frontman y también toca la guitarra, hacen un rollo más rock’n’roll. Así que teniendo tantos buenos compositores en el grupo sería una pena no saber aprovecharlo para

“Nuestros seguidores saben que en todo ese tiempo nunca les hemos fallado y que cuando hacemos nueva música es porque lo sentimos en nuestros corazones” ALEXANDER HAGMAN

enriquecer nuestro sonido. Pero la clave está en que somos gente que tiene una fuerte influencia de la escena hardcore y metal, tanto de la vieja escuela como de la nueva. No importa si en un par de canciones tocamos con un ritmo algo más lento, porque seguimos siendo más duros que la mayoría de grupos”. Aun con todo, seguís manteniendo la esencia de vuestros inicios. Habéis evolucionado, pero seguís siendo totalmente reconocibles ¿Por qué crees que cuando otros grupos intentan cambiar su sonido, aunque sea ligeramente, les cuesta tanto conseguir esto? “Las cosas salen de manera natural si viene desde el corazón. Nosotros no escuchamos lo que la gente piensa o dice al respecto de cómo sonamos. Ayer tuve la primera entrevista sobre este nuevo álbum con nuestros amigos de Metal Magazine, y nos dijeron

que le iban a dar cinco estrellas en la crítica que saldrá en enero. Y pensé: ‘Guau, eso está muy bien’. Pero por otro lado, no me importa un carajo lo que otra gente pueda opinar, porque nosotros pensamos que realmente es muy bueno. Cuando lo pones en un buen equipo de música, con los altavoces a tope, puedes sentir que tu casa tiembla y que es jodidamente poderoso. Y el poder es lo que necesitas, incluso si tocas de una manera más melódica o sensible. Cuando eres explosivo, debes ser también dinámico, y eso es en lo que creo que Raised Fist somos buenos. Por muy suave que pueda ser, siempre hay la sensación de que puede explotar de un momento a otro. Cuando la gente nos ve en los conciertos puede ver que lo hacemos de una manera honesta. Y algunas personas cuando intentan hacerse un hueco dentro de este mundo lo primero que hacen es sacar un disco todos los años, y lo segundo es que sólo tienen una ligera

idea de cómo deberían de ir modificando su sonido. No lo hacen porque quieran probar cosas nuevas y elaboradas con su música, sino que van con una idea de cómo tiene que ser su carrera, de cómo tienen que sonar para entrar en los programas de radio y que pinchen sus canciones. Tienen un pensamiento comercial. Entonces pasa que llegan a un nuevo tipo de público, pero los viejos fans piensan ‘¿Qué coño están haciendo?’. Raised Fist no es así porque no estamos pensando en tener un reconocimiento a nivel comercial. Somos una banda de nivel medio. Podríamos ser el grupo más grande del mundo si lo hubiéramos pretendido. Hemos girado muchísimo a lo largo del mundo, al igual que otros grupos que sí tenían ese objetivo. Pero no lo hemos hecho en los 21 años que llevamos en esto. Nuestros seguidores saben que en todo ese tiempo nunca les hemos fallado y que cuando hacemos nueva música es porque lo sentimos en 111

“En el hardcore existe esa filosofía de que si no tocas o vistes de una determinada manera, estÁs fuera. En el metal no es así” ALEXANDER HAGMAN

nuestros corazones. La gente que nos apoya entiende lo que hacemos, y ésa es la gran diferencia. Algunos grupos evolucionan y son honestos con el camino que toman, mientras que otros lo hacen intentando sonar en la radio. Si alguna vez haces eso, tus seguidores te mandarán a la mierda y nunca regresarán. Cuando escuchamos nuestras canciones, empezamos a hacer headbanging, nos miramos los unos a los otros y pensamos: ‘esta mierda es buena’ (Risas). Entonces sabes que estás en el buen camino, ésa es la diferencia. No importa si es ‘Some Of These Times’, ‘Flow’ o cualquier estilo de música mientras te haga sentir algo”. Ayer estuve escuchando el disco por primera vez y aunque para mí aún es pronto para decir que es una obra maestra, desde luego me pareció un álbum muy bueno... 112

“He estado escuchándolo durante mucho tiempo mientras lo estábamos produciendo en el estudio. Sabemos cuándo tenemos algo bueno entre manos. Lo hemos estado tocando una y otra vez durante la grabación y todos en el grupo estamos muy excitados. Eso no pasó con Veil Of Ignorance. No había ninguna canción en ese disco que me volviese loco de verdad. Sí que había muchas que pensaba ‘OK, esto está bien’, pero no había ninguna que fuese en plan ‘Joder, esto sí que es realmente bueno’. No estoy satisfecho del todo con ese disco. Obviamente la gente que nos escucha puede no estar de acuerdo, pero para mí es así. Si le preguntas a los chicos del grupo te dirán que no estaba mal, pero ni siquiera ‘Friends & Traitors’, que es la canción más grande de ese trabajo, nos parece de las mejores que hayamos escrito. En cambio, con Sound Of The Republic, cuando lo estábamos grabando, fli-

pábamos diciéndonos ‘Mierda, éste sí que es un buen disco’. Y ahora con From The North volvemos a tener esa sensación otra vez. Todos los días lo ponemos en el coche y nos encanta. Aunque es un poco ridículo valorar nuestra propia música (risas), pero eso significa que estamos contentos con lo que hemos hecho, y es lo importante. Si otra gente lo disfruta, me sentiré orgulloso y agradecido. Pero tú no le pides a un pintor que haga un dibujo de esta manera o de la otra. Eso no es ser un verdadero artista. Nosotros pintamos lo que sentimos y tiene que ser bueno desde nuestro punto de vista. Entonces lo colgaremos en la pared y podrás venir a nuestra casa y decir ‘OK, éste me gusta’ o ‘éste no es tan bueno’. Y así es como funcionamos, necesitamos pintar cuadros todo el tiempo”. ¿El título del álbum es una especie de reivindicación del

lugar de donde venís? “Sí, por supuesto. Hemos discutido muchas veces por qué esta banda es tan diferente a las demás que hemos conocido a lo largo de todo el mundo. Incluso en Suecia, la costa oeste o suroeste, la zona de Estocolmo... la gente es diferente. Ahora mismo miro por la ventana y está todo oscuro afuera, apenas puedo ver más allá de tres metros. Y eso afecta nuestra manera de ser. Nuestra música es áspera y melancólica. Podemos tener melodías, pero no sonamos como una banda de skate punk de California como Millencolin, sino que somos más rudos. Supongo que debe ser porque no vemos el sol tanto como otra gente (risas). Con este disco lo que queremos decir es que vamos a seguir haciendo las cosas a nuestra manera, sin importar si es algo guay, está de moda o no. Nosotros venimos del frío, de donde no hay sol. Vamos a salir a tocar ahí fuera, vamos a hacer que la gente se calle durante 45 minutos, daremos nuestro concierto y seguiremos nuestro camino. Y ya está. No nos vamos a quedar por ahí discutiendo sobre lo que es cool o no lo es. Es nuestra modo de hacer las cosas”.

pero no son algo nuevo para Raised Fist. Ya sacamos Sound Of The Republic y Dedication también con ellos, lo que pasa es que era una coedición junto a Burning Heart. Epitaph compró Burning Heart al cabo de un tiempo con todo lo que ello conlleva, así que seguimos teniendo el mismo tipo de contrato desde que empezamos prácticamente. En cuanto a lo de alcanzar un nuevo nivel, todo el mundo que está alrededor nuestro tiene ciertas expectaciones. Yo creo que lo que hará Epitaph será trabajar más duro en el tema de la promoción, prensa, redes sociales, etc. Pero la gran diferencia es que Veil Of Ignorance fue editado por Epitaph en Europa, y este nuevo disco va a salir en todo el mundo al mismo tiempo por la misma compañía. Y eso puede que sea importante. Tenemos expectativas de que este álbum esté en buenas manos y tenga el reconocimiento que merece, pero suelo tener mucho cuidado con hacerme ilusiones sobre dónde deberíamos de estar. Como he dicho antes, esto sólo se trata de nosotros pintando cuadros. No es como un videojuego en el que tengamos que alcanzar un nuevo nivel”.

From The North va a ser editado por Epitaph, al igual que ya pasara con Veil Of Ignorance, y anteriormente habíais trabajado con Burning Heart, que ahora ha vuelto después de un periodo de inactividad. ¿Esperáis que estar en un sello así de grande todavía os pueda llevar a un nuevo nivel o después de más de veinte años de trayectoria ya os lo tomáis de otra manera? “Epitaph está trabajando muy bien,

Siempre habéis estado relacionados con bandas y sellos de punk y hardcore, pero a la hora de girar es bastante habitual veros en carteles junto a grupos de metal. ¿Os sentís cómodos en esa especie de dualidad en la que podéis ser aceptados en ambos círculos? “Totalmente. No hay nada de extraño en ello. Algunos del grupo tocan los dos estilos. Nuestro batería ha grabado discos de metal con Dark Funeral. Todos hemos estado relacionados con

este género. Incluso yo he colaborado con gente importante dentro de la escena death metal. Discos como Dedication, que eran muy duros, obtuvieron el respeto de la comunidad metal. Creo que la gente de esa escena es muy abierta a otro tipo de géneros. Si lo escuchan y les gusta, le dan su aprobación, ya está. En el hardcore existe esa filosofía de que si no tocas o vistes de una determinada manera, estás fuera. En el metal no es así”. Para acabar, sé que algunos miembros del grupo sois grandes aficionados al thai boxing. ¿Seguís practicándolo para poder realizar esos saltos increíbles que os marcáis en los conciertos? “(Risas) No, bueno, lo de los saltos no es algo que entrenemos. Tengo un entrenador y también doy clases, pero los saltos que hago en el escenario no tienen nada que ver (risas). Eso viene de que cuando era un chaval e iba pegando saltos por todos lados. Yo suelo practicar thai boxing, jiu-jitsu, de todo. Entreno todos los días”. ¿Y alguna vez te has lesionado antes de un bolo o de una gira importante? “Alguna vez, pero solamente cosas pequeñas. De todas maneras, procuro no esforzarme tanto cuando estamos a punto de iniciar una gira. El año pasado tuve un par de lesiones. Me rompí la nariz. Es algo que suele pasar, pero intento tomármelo con calma cuando se acercan los conciertos”.

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MISS OCTUBRE

BANDAS HERMANAS

De la unión de miembros de Barricada, Dikers y Lilith surge Miss Octubre, Una banda que viene a demostrar que el rock no entiende NI de edades ni DE géneros. Texto: Jordi Meya Foto: DR

ace aproximadamente un año, Alfredo Piedrafita se encontraba en una situación insólita para él. Después de 30 años, la banda de su vida, Barricada, había anunciado su disolución y el guitarrista tenía que reorientar su carrera. En un primer momento su idea fue la de realizar un disco en solitario al estilo del que hizo Slash invitando a diferentes cantantes, pero a raíz de mandarle el tema ‘Una Entre Un Millón’ a su amiga Agnes Castaño, vocalista de los barceloneses Lilith, y comprobar el 114

gran resultado, el proyecto empezó a dirigirse en una nueva dirección. “Yo pensaba que hacer un disco con varios colaboradores podía ser muy bonito, pero que realmente a él le servía de poco”, explica la propia Agnes. “Creía que lo que necesitaba era una banda. Aparte, lo que ocurrió es que cuando se supo sobre este primer tema que iba a hacer en el disco de colaboraciones, hubo cierta confusión y algunos medios y algunas personas pensaron que habíamos hecho un nuevo grupo, y la respuesta tuvo tanta aceptación que nos sirvió de empujón”.

A partir de ahí decidieron comentarle a Iker Piedrafita, líder de Dikers e hijo de Alfredo, si le apetecía unirse. “Nos sentimos muy seguros con él, como guitarrista, como cantante y como productor, y era algo que nos hacía falta”, explica Alfredo. “No tuvo que pensárselo mucho y enseguida dijo que sí. Terminamos las canciones que ya teníamos en marcha e hicimos alguna más. Aprovechamos el momento de forma mental en el que te metes las canciones de lleno y ves que te van saliendo cosas, tanto musicalmente, como las letras.

“Todo ha sido muy apasionado, muy intuitivo y muy emocional. Parecía que la banda ya estaba ahí y sólo hacía falta reunirnos” AGNES CASTANO

Y luego una vez terminamos todos los temas, pensamos en la banda para el directo. Y con Rafa (Malo), el bajista de Lilith, y Sergio (Izquierdo), el batería de Dikers, ya empezamos a grabar el disco”. En Miss Octubre confluye una curiosa mezcla de géneros, generaciones y relaciones familares, aunque Alfredo se apresura a dejar claro que esos lazos no tienen nada que ver con la presencia de padre e hijo en un mismo grupo. “Yo con Iker he trabajado muchas veces, tanto en estudio como en directo, y cuando estamos trabajando nos

alejamos de cualquier tipo de parentesco”, aclara. “Está donde está porque realmente vale, no porque sea mi hijo”. En lo que Alfredo sí está de acuerdo es que trabajando con gente más joven ha recuperado algunas sensaciones que ya creía perdidas. “Yo alucino porque pensaba que había cosas que con el tiempo se perdían, como por ejemplo estar 24 horas obsesionado con el grupo como me había pasado cuando empezamos Barricada. Pensaba que nunca iba a volver, pero veo que sí es posible”. Musicalmente Miss Octubre también se desmarcan de los grupos de rock estatal tradicional de los cuales Barricada fueron un buque insignia, pero más por casualidad que por una intención buscada. “Las canciones las fuimos haciendo según nos sentimos en ese momento, por eso el disco es muy variado”, asegura Alfredo. “Hay desde temas más punk a otros más pop en cuanto a melodía, y no nos importa en absoluto. No tenemos ningún complejo. Es más, creo que nos gusta esa variedad. Eso es lo que creo que podemos aportar de fresco. Hacer un álbum coherente pero con diferentes estilos, con toques de rock muy actual y otros toques de rock de los 70, que a mí me marcó mucho”. Agnes insiste en la importancia del momento vital por el que estaba pasando cada componente a la hora de plasmar tanto la música como las letras.

“Estábamos todos en un momento complicado”, explica. “Estábamos cerrando etapas y abriéndolas en un momento emocional bastante intenso, y eso repercutió en las letras. Son muy de verdad. Cuando haces estos ejercicios de introspección a veces te encuentras con monstruos que estaban ahí y te pegan un susto. Todo ha sido muy apasionado, muy intuitivo y muy emocional. Parecía que la banda ya estaba ahí y sólo hacía falta reunirnos. Ha ido todo rodado, muy fluido”. A pesar de que Alfredo se encuentra ahora más liberado, Miss Octubre no supone en absoluto la disolución de Dikers o Lilith, lo cual complica un poco las cosas a la hora de encontrar el tiempo necesario para hacerlo todo compatible. “Para esta pregunta aún no tenemos respuesta todavía”, reconoce Agnes. “Habrá que hacer un esfuerzo enorme para comprender la situación de cada uno. Las tres bandas van a tener que coexistir. Tenemos alguna idea de hacer alguna cosa conjunta, pero aún no lo sabemos. Y además, los nuevos discos están muy relacionados. El de Lilith y Miss Octubre un montón, te lo digo yo. Y el de Dikers, por lo que he podido oír, también. Cómo conseguir que convivan en el espacio/tiempo es lo difícil. Estamos en ello”.

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EN DIRECTO

IMPERICON

NEVER SAY DIE! TOUR 2014 22 de noviembre de 2014 Razzmatazz 2, Barcelona Texto: Pau Navarra FotoS: RubĂŠn Navarro

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OBLIVION Stick To Your Guns

COMEBACK KID

in ningún reclamo demasiado espectacular teniendo en cuenta que los cabezas de cartel, Terror, ya nos visitaron el pasado mes de mayo, pareció que las más de 500 personas que se congregaron en la mediana de Razzmatazz encontraron su propia razón para asistir a la cita barcelonesa del Never Say Die! Tour 2014. Algunos querían ver a Stick To Your Guns como fuera, muchos otros a Comeback Kid, o la vieja guardia, como es obvio, a Scott Vogel y sus soldados. El caso es que, con mayor o menor acierto y puntuales como un reloj, las siete bandas que este año formaban parte del festival itinerante repartieron hardcore y metalcore al gusto de todos. Muy pronto, a las seis de la tarde, la banda de San Diego Capsize dio el pistoletazo de salida a la jornada con su hardcore melódico de corte alternativo. No éramos muchos en la sala todavía, pero pudimos ver a un joven combo con muchas ganas de gustar, entregado y contundente, aunque con pocas novedades que aportar al género. Los también californianos No Bragging Rights tiraron todavía más de melodía, sobre todo por esos estribillos de Mike Perez que algunos jamás soportaremos, pero en serio, su

cháchara fue aún más complicada de aguantar. La cosa iba rapidita y pronto nos plantamos ante un plato fuerte: la primera descarga en nuestro país de Obey The Brave. Sus nuevas canciones sonaron en directo mucho más bestias, algo que agradecimos al darse también en varias bandas que luego tomarían el escenario, pero igualmente ellos se alzaron como los más duros del día. Su show pasó como un suspiro. Turno para More Than A Thousand, parece que una formación tan amada como denostada por el respetable. Muchos decidieron que era el momento de descansar echando unos pitis, o quizá de ir a hacer popós, que es lo que los lusos nos provocan a bastantes. Me parecen una de las bandas más trilladas y con menos personalidad del metalcore mundial, repugnantes cuando tiran directamente de pop, pero hay que reconocer que saben dar un buen show. Stick To Your Guns tomaron el testigo con ganas, en especial su vocalista Jesse Barnett, que lo bordó, y eligiendo ‘Amber’ entre las primeras de su repertorio desataron la locura, sin costarles demasiado mantenerla luego durante el resto de concierto. Agasajados por los suyos en todo momento, fueron en volandas. Que

los próximos en salir a escena eran Comeback Kid se notó a la legua. Excitación, sing alongs desde el primer guitarrazo, entrega máxima de sus fans, que suelen serlo de forma ciega… Total, que cerrando con ‘Wake The Dead’, un Andrew Neufeld empapado en sudor y los demás miembros del grupo demostraron que siguen dándolo todo. En vivo, el hardcore melódico de los canadienses sigue siendo un valor seguro. Era el momento de Terror y el escenario debía cambiar de aspecto para aclimatar a la institución. Con su propia lona y demás attrezzo, los yanquis saltaron a nuestros cuellos como leones, con un Scott Vogel al que, quizá contagiado por la savia joven del cartel, sólo le faltó repartir patadas voladoras visto el derroche que realizó. ‘Live By The Code’, ‘Return To Strength’, ‘Hard Lessons’, invasión de escenario en varios momentos, colaboraciones y, como en mayo en Estraperlo, de nuevo el crack de la camiseta de Brasil quemando hasta el último euro de su entrada al no cesar de hacer stage diving. En esto del hardcore la experiencia sigue siendo un grado. Los mejores 37 minutos del festi. ‘Keepers Of The Faith’ de despedida y, hala, hasta el año que viene. In pit we trust. 117

odos los que nos quedamos babeando tras los devastadores efectos de Into The Maelstrom, esa auténtica apisonadora sonora con la que nos sorprendieron Bigelf a principios de año, necesitábamos constatar la validez de ese viaje cósmico sobre un escenario. Fue una gran alegría que anunciaran su visita para noviembre, además con la presencia del guitarrista John Wesley (Porcupine Tree) y en especial del animal de Mike Portnoy, como garantía segura que a priori parecía un reclamo más que suficiente para atraer a un público numeroso. Cierto es que los congregados en la sala pequeña de Razzmatazz estábamos algo apretados y pasamos bastante calor, pero ni Damon Fox ni el exbatería de Dream Theater consiguieron colgar el cartel de entradas agotadas, algo

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que, junto con la ausencia de público femenino, nos dejó a todos bastante sorprendidos y nos hizo plantearnos el impacto mínimo de Bigelf en las masas. Costó que la banda se sintiera cómoda en un escenario que se hizo demasiado pequeño con la inclusión de los dos teclados del cantante y el kit del batería, aun habiéndose simplificado respecto a lo que nos tiene acostumbrados. La sensación que transmitieron al comienzo de su set con ‘The Evils Of Rock & Roll’ y ‘Madhatter’ fue de cierto caos, dando la impresión de que todo el montaje giraba en torno al histriónico batería, para su lucimiento personal, que incluso recolocaba los focos de la sala a su antojo. Ni siquiera la vox de Fox parecía al 100%. Afortunadamente, no fue así. En el instante en el que atacaron con ‘Hypersleep’ y ‘Alien

Frequency’, de Into The Maelstrom, Bigelf como banda cohesionada a todos los niveles, comenzó a despegar. A partir de ahí la grandilocuencia sonora fue imparable, especialmente tras ‘Money Machine’, con la excelente actuación de Baron, el hijo de Damon, a la batería, dando un descanso a Portnoy, que volvió al escenario mucho más centrado y preparado para afrontar la impresionante recta final del concierto. Fue fascinante la parte del bis, que afrontaron con ‘Incredible Time Machine’ y ‘Black Ball’, tras habernos dejado embelesados con ‘Counting Sheep’, alcanzando un nivel de éxtasis entre el público abrumador. Después de presenciar semejante repertorio resulta difícil comprender cómo Bigelf no alcanzan a más público. No muchos podremos decir que fuimos testigos de un espectáculo excelso.

BIGELF 6 de noviembre de 2014 Razzmatazz 3, Barcelona Texto: Toi Brownstone FotoS: Eric Altimis

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AGNES OBEL

17 de noviembre de 2014 Teatre Principal, Barcelona Texto Y Foto: Nadia Natario

a cantautora danesa que nos quitó la respiración con su fabuloso debut Philarmonics regresaba a Barcelona para promocionar su igualmente brillante segundo disco Aventine. Su personal y extraordinaria voz está cautivando cada vez más corazones y su concierto se trasladó de la sala pequeña de Apolo al Teatre Principal en su segunda visita en tres años. Aunque en su país ha recibido varios galardones, durante tiempo fue un secreto fuera de allí, sólo reconocida por los amantes de la música más eclécticos. Una joya lista para ser descubierta por las masas. Sus canciones están llenas de elegancia y gracia y conllevan una serenidad tranquila que las convierte en la banda sonora ideal para estos días de otoño. El Teatre Principal era el recinto perfecto para sus historias y 120

la banda neozelandesa de dream pop French For Rabbits, el aperitivo perfecto mientras la gente ocupaba sus asientos. Todos estaban llenos cuando Agnes tomó el escenario. Después de unos aplausos de bienvenida se hizo un silencio sepulcral. Agnes se sentó en uno de sus pianos y acompañada de un chelista, dos violinistas y un guitarra acústico empezaron un viaje mágico con la instrumental ‘Louretta’. No sé por qué, pero cuando escucho a Agnes me imagino estando en una película de David Lynch. Quizá es el misterio de canciones como ‘Pass Them By’, ‘Dorian’, ‘Fuel To Fire’, ‘Run Cried The Crawling’, ‘Riverside’, ‘Words Are Dead’, o quizá porque su voz susurrante me pone la piel de gallina. Su voz se fusiona hermosamente con el piano de una manera que parece una sola cosa. A mitad del set nos entregó una estremecedora versión de

‘Betweem The Bars’ de Elliot Smith, de lejos la mejor que he escuchado de él. Habiendo estado influenciada por Roy Orbison, Joni Mitchell, PJ Harvey, Claude Debussy y Erik Satie, Agnes tiende a dibujar melodías sencillas que tienen el poder de hipnotizarnos, y eso es justo lo que hace con ‘On Powdered Ground’, ‘Aventine’, ‘Just So’, ‘Beast’, ‘The Curse’ y ‘Close Watch’. Ha perfeccionado el arte de ‘menos es más’ creando paisajes que generan un gran sonido a pesar de usar pocos instrumentos. Cuando habla con el público se muestra tímida y frágil, como cuando después de hora y media nos da las gracias por haber asistido al concierto. Tras recibir una ovación con el público en pie interpreta ‘Brother Sparrow’ y ‘Smoke & Mirrors’, dejándonos con ganas de todavía más. Esperemos que sea pronto.

PLACEBO 29 de octubre de 2014 Sant Jordi Club, Barcelona Texto: Laura Clavero FotoS: Nadia Natario

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ras dos décadas en activo, Placebo se han convertido en una de las bandas del rock alternativo nacidas en los 90 que mejor han sabido aguantar el tirón a lo largo de los años. Su proceso natural de evolución, siguiendo una línea estilística coherente y de calidad, adaptándose a sonidos más contemporáneos, es probablemente la clave que les ha permitido mantener su estatus entre un público fiel y ciertamente heterogéneo. Con motivo de la presentación de su último trabajo de estudio Loud Like Love, regresaban a tierras catalanas (este verano ya pasaron por el Festival de Cap Roig de Girona). Quizás por eso, contaron con una afluencia de público bastante moderada en comparación con visitas anteriores. El show dio comienzo con un tema bastante flojo como ‘B3’. Con una sobria puesta en escena, una única pantalla de fondo y vestidos de riguroso negro, los tres miembros oficiales de la banda aparecían acompañados por otros tres

músicos de gira para dotar de riqueza instrumental a su directo. ‘For What It’s Worth y ‘Loud Like Love’, a pesar de gozar de mayor aceptación por parte de la audiencia, no consiguieron alterar ese ritmo lineal y monótono del inicio. Lo más animado parecía ser los constantes intercambios de instrumentos entre la banda y, sobre todo, la horripilante guitarra arcoíris de Stefan Olsdal (ya sabemos que eres gay y no nos importa, pero no te perdonamos semejante horterada). Mi disgusto particular de la noche llegó con la versión de un tema mítico como ‘Every You Every Me’, bajando el tono e intentando darle un aire más intimista. La historia tras ‘Scene Of A Crime’ sirvió después para que Brian Molko intentase caldear el ambiente con un discurso en un español mexicanizado que tampoco surtió gran efecto. Puestos a ser honestos y dejarnos de críticas, ‘Twenty Years’ y ‘Two Many Friends’, con Stefan sustituyendo su guitarra por el piano y acompañado por la melodía de un

violín eléctrico, sonaron a la perfección. Lo malo es que los tres siguientes temas extraídos de su último álbum volvieron a sumirnos de nuevo en el letargo. Hasta que por fin llegó ‘Meds’, la medicina que Placebo parecía necesitar para despertar de su estado ataráxico y empezar a sudar el directo, apartando el piloto automático que les había guiado hasta entonces. A partir de ese momento, por fin lográbamos reconocer a una banda entregada vibrando junto a su público, mientras engrosaban el setlist con temas imprescindibles como ‘Song To Say Goodbye’, ‘Special K’ o un apoteósico ‘The Bitter End’ con Steve Forrest dándolo todo a la batería. Momento para los bises sosegados entre los que destacó la preciosa cover del ‘Running Up That Hill’ de Kate Bush. ‘Post Blue’ e ‘Infra-red’ fueron las encargadas de dejarnos un estupendo sabor de boca para terminar la noche. Un concierto in crescendo, bastante irregular, pero que consiguió satisfacer la nostalgia de muchos treintañeros. 123

LA HOSTIA

on tantas reuniones y giras conmemorativas, no está de más que algunas bandas se dediquen a reivindicar lo que hacen a día de hoy, pese a quien pese. Quizás Guano Apes no sean el mejor de los ejemplos, ya que si todos les tenemos en cuenta es por sus primeros trabajos a comienzos de siglo, cuando aparecieron a rebufo de toda la oleada nu metalera, siendo una de las formaciones europeas más exitosas de por aquel entonces. Tras una separación de apenas un par de años, los alemanes han retomado su trayectoria contando con dos nuevas obras que les han distanciado notablemente de sus comienzos, tornando hacia un sonido más pop rock. Esta nueva orientación habrá podido agradar en mayor o menor medida entre sus seguidores, pero no cabe duda de que siguen siendo muy queridos a pesar de que sus tiempos de mayor gloria hayan 124

quedado atrás. Otra cosa bien diferente es el directo, donde como pudimos comprobar, siguen demostrando toda su profesionalidad. Antes en la Joy Eslava pudimos ver cómo La Hostia abrían fuego sin demasiada fortuna. Lo cierto es que les hacen falta unos cuantos ensayos para ser siquiera aspirantes a merecer semejante nombre. No obstante, su paso por el escenario fue breve y gracias a su descaro y rock de tintes canallas no se hicieron excesivamente plomizos. Puntuales aparecieron entonces Guano Apes, con una Sandra Nasic que desde el inicio dejó claro que aparte de conservarse la mar de bien, aún es capaz de mantener toda su sensualidad y magnetismo. La verdad es que tener una frontwoman así, que sepa conectar de manera inmediata con la audiencia, acercándose a cantar con las primeras filas en todo momento, incluso cediéndoles el micro en algún

instante, es un auténtico lujo a la hora de meterte al público en el bolsillo. Tan sólo ‘You Can’t Stop Me’ y ‘Quietly’ fueran las únicas concesiones a sus comienzos durante la primera parte del set, cuyo protagonismo recayó en los temas de Bel Air y el reciente Offline. Obvia decir que canciones como ‘Fake’, ‘Hey Last Beautiful’ o ‘All I Wanna Do’ funcionaron muchísimo mejor que en su versión de estudio. A los cuatro músicos se les veía completamente cómodos, haciendo bromas constantes entre ellos, dejando claro que ante todo hay unidad y buenas vibraciones en este regreso. Los más nostálgicos tuvieron que conformarse con una recta final en la que soltaron sus principales hits que, cómo no, fueron los más celebrados: ‘Open Your Eyes’ y ‘Big In Japan’. Lástima que un tema instrumental antes de finalizar con un ‘Lord Of The Boards’ algo descafeinado no terminaran de poner la guinda al pastel.

GUANO APES

9 DE NOVIEMBRE DE 2014 SALA JOY ESLAVA, MADRID Texto: Gonzalo Puebla FotoS: Francisco Javier Pérez

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TY SEGALL

23 de octubre de 2014 Sala Apolo, Barcelona Texto: Jordi Meya FotoS: Carles RodrĂguez

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on Jack White ya aposentado en el establishment musical, parece que ha recaído en Ty Segall el papel de nuevo guardián de las esencias del rock underground. Una prolífica carrera que abarca siete álbumes en solitario desde 2008 e incontables lanzamientos, incluyendo el disco de White Fence o dos con su Ty Segall Band, avalan al californiano, que volvía a Barcelona tras su paso por el Primavera Sound. Las buenas sensaciones que dejó allí y la aclamada respuesta hacia su último trabajo, el notable Manipulator, explicaban por qué la sala Apolo estuviera prácticamente llena de treintañeros con ganas de gresca y algunos hipsters que pondrían en evidencia que no habían hecho stage diving en su vida. Ataviado con un mono grisáceo y sus características pinturas de guerra en su cara de

niño grande, Ty Segall mostró la seguridad en su nuevo disco empalmando hasta diez canciones de éste. Ningún problema dado que temas como ‘Manipulator’, ‘It’s Over’, ‘Feel’, ‘Susie Thumb’ o ‘Green Belly’ ejemplifican perfectamente su habilidad para doblegar el glam, el garage sesentero, la psicodelia y el grunge y ofrecer bonitas figuras de origami sonoro. Pero de ahí a creer que su concierto fue una especie de orgía rockera, como escuché al salir, hay un mundo. En primer lugar, porque aunque Ty tiene cierto carisma y sentido del espectáculo (hacia el final acabó lanzándose de espaldas al público sin dejar de tocar la guitarra), tampoco es que sea un performer ultramagnético. Pero sobre todo porque a la banda que le acompaña, a pesar de contar con músicos competentes, le falta estar

más implicada. El guitarrista Charlie Moothart se movió menos que un palo y a la batería Emily Rose Epstein le faltó pegada, e incluso el propio Ty debería soltarse todavía más con los solos y desbarrar, porque cuando lo hace y empieza a retorcerse de cara al ampli, la cosa sube de nivel. En la recta final recurrirían a dos temas, ‘Slaughterhouse’ y ‘I Bought My Eyes’ de la Ty Segall Band, y prendería la mecha a ‘I Wear Black’ y ‘Girlfriend’ en los bises. Uno imaginaba cómo sonaría el mismo repertorio en manos de Redd Kross, por ejemplo, y sí visualizaba un concierto antológico, pero no creo que eso fuera lo que viéramos. Aunque quizá peque de demasiado exigente, porque la mayoría de la gente pareció pasarlo en grande... El tiempo dirá hasta dónde llega, pero los mimbres son buenos. 127

MACHINE HEAD

14 de noviembre de 2014 Sala Razzmatazz, Barcelona Texto: Pau Navarra

Ante la decisión del management de Machine Head de otorgar sólo dos photopasses por ciudad para que la prensa cubriera sus conciertos, Last Tour International optó por no ofrecer ninguno con el fin de no discriminar a ningún medio. Sirvan estas líneas como muestra de apoyo a la promotora organizadora y como protesta por tan absurda medida por parte del equipo de la banda.

uando entramos en la grande de Razz minutos antes de que Darkest Hour empezaran su descarga, nos temimos una patinada económica de proporciones bíblicas. Afortunadamente, minutos antes de que Machine Head tomaran el escenario, decorado a la perfección para presentar Bloodstone & Diamonds, el recinto presentaba un buen aspecto, aunque lejos del tempranero sold out registrado en Madrid. Fue una verdadera lástima la cancelación de Howard Jones y sus Devil You Know, porque si Darkest Hour tenían que animar el cotarro antes de que salieran los protagonistas, desde luego no consiguieron vencer un ambiente más bien desangelado. Algunos cuernos, ciertos cabeceos, pero canciones tan mundanas y planas no lograron arrancar grandes aplausos. Eso sí, estuvieron mucho mejor que en su infecto último álbum, aunque eso no 128

cueste demasiado… Fue estallar ‘Now We Die’ y que el público llevara en volandas a Machine Head durante todo el show. De hecho, con sus numerosísimos coros futboleros, algo a lo que las composiciones de los de Oakland siempre se han prestado mucho, el respetable fue muy superior a la banda americana, ¡y eso que para nada dieron un mal concierto! Así, entre un ambiente totalmente festivo, se agradeció que sólo ofrecieran dos canciones más de su nuevo trabajo, ‘Killers & Kings’ y ‘Ghosts Will Haunt My Bones’, ésta última, previsible e intrascendente, evidenciando todas las carencias que su octavo álbum pueda presentar. Dicho esto, que tras el tema de apertura fueran desfilando ‘Imperium’, ‘Beautiful Mourning’, ‘Locust’, ‘Bite The Bullet’ y ‘Ten Ton Hammer’ fue casi orgásmico para sus fans de toda la vida, mostrando además que Robb Flynn y compañía no son tontos y saben contentar

a su parroquia. Y hablando de Flynn, pesado, bastante pesado con tanto parlamento estéril. Para presentar ‘Darkness Within’ se pasó tres pueblos, pero oye, si luego vienen ‘Bulldozer’ o ‘Davidian’, todo perdonado. El bajista Jared MacEachern parecía que llevara toda la vida en la banda, y a Phil Demmel se le vio pasándolo en grande con su guitarra. Los bises se iniciaron con una especie de simpático medley de ‘The Number Of The Beast’, ‘Run To The Hills’ y ‘The Trooper’ de Iron Maiden, pero pensándolo bien, dejándose de mandangas y charlando sólo la mitad, nos podrían haber deleitado con ‘This Is The End’ o ‘Take My Scars’ sin ningún tipo de problema. Para la recta final se reservaron las obligadas ‘Aesthetics Of Hate’, ‘Old’ y ‘Halo’, así que se bajaron de las tablas cumpliendo y con la faena bien hecha. No fue tan apoteósico como en anteriores ocasiones, pero siguen siendo mucho Machine Head.

OVERKILL

30 de octubre de 2014 Razzmatazz 2, Barcelona Texto: Laura Clavero/Richard Royuela FOTO: Eric Altimis

no de los principales alicientes de la noche era la oportunidad de ver por primera vez en España a los míticos Prong. Tras el éxito de su groove metal en la década de los 90, la banda parecía haber desaparecido del mapa, a pesar de haberse mantenido más o menos activa tras diversos cambios en su formación original. Los de Nueva York, no sólo no decepcionaron, sino que superaron con nota todas las expectativas. Su líder, un Tommy Victor pletórico, demostró que se encuentra en plena forma después de todos estos años. El trío desbordó actitud y mala baba, con especial mención a su nuevo bajista Jason Christopher, que no paró de moverse durante toda la actuación. Eligieron un setlist plagado de temas clásicos, pero sin olvidar tampoco sus últimos trabajos. Canciones como ‘Beg To Differ’, ‘Unconditional’ o ‘Whose Fist Is This Anyway?’ nos transportaban dos décadas atrás, para volver a hacernos sentir de nuevo como una pandilla de

adolescentes rabiosos contra el mundo. Como broche final a este viaje, nada mejor que terminar con ‘Snap Your Fingers, Snap Your Neck’ para disfrutar en directo de uno de los mejores riffs de la historia. Pese a que Prong jugaron a la perfección sus cartas, poco se puede hacer ante el poderío de Overkill. Por fortuna el tiempo está haciendo justicia a la banda neoyorquina y la entrada que ofrecía la sala era la mejor que recordaba en la ciudad de Barcelona. Lejos queda aquella imagen de 2003, cuando tocaron en la misma para apenas un centenar de fans, aunque si algo no ha cambiado es la fuerza que siguen demostrando sobre un escenario. Lo de Blitz Ellsworth empieza a entrar en el terreno de lo sobrenatural –no pasemos por alto que tiene ya 55 añosy secundado por su fiel amigo D.D. Verni al bajo, Overkill se encuentran en uno de los mejores momentos de su carrera. Sus últimas obras pueden plantar cara a sus primeros clásicos

y en directo la intensidad no baja ni un solo segundo. ‘Armorist’, el tema que abre su nuevo álbum, fue el punto de partida de un monumental show de metal, uno de esos conciertos que crean afición y que demostraron que Overkill son un punto y aparte. A medio camino entre el thrash metal y el US power metal, unido a esa actitud punk que no han perdido desde sus primeros días, durante 90 minutos pudimos disfrutar de un gran repertorio donde convivieron algunos de sus grandes clásico -‘Rotten To The Core’, ‘Hello From The Gutter’ y la propia ‘Overkill’ siguen sonando a gloria bendita- junto con cosas más recientes –‘Bitter Pill’, ‘Bring Me The Night’- en perfecta armonía y aunque, como fan de la vieja escuela siempre me gustaría escuchar algo más de su material antiguo -‘In Union We Stand’ debería de ser un fijo por decreto-, es difícil pensar en un concierto mejor de Overkill que el que dieron en Razzmatazz. Hasta la próxima, queridos. 129

SKINDRED

9 de noviembre de 2014 Razzmatazz 2, Barcelona Texto: Jordi Meya Foto: Carles Rodríguez

n un domingo reivindicativo en el que más de dos millones de catalanes salieron a votar, cerca de 500 fans de Skindred remataron la noche botando. El mes pasado el batería Arya Goggin nos había prometido en su entrevista que en sus conciertos Skindred trasladaban el ambiente de un festival a las salas… y no mentía. Usando como intro ‘Thunderstruck’ de AC/DC seguida de la marcha imperial de Star Wars en clave dubstep, la banda galesa ya tuvo al público calentito nada más salir al escenario y cuando comenzaron su set con el que quizás es su tema más popular, ‘Rat Race’, la fiesta estalló. Aunque increíblemente ésta fuera su primera visita a Barcelona, Skindred cuentan con una trayectoria 130

de más de 15 años y eso se nota en el dominio y confianza que muestran encima de las tablas. Y por supuesto, en Benji Webee tienen un frontman que vale un imperio. Ya no es sólo que el tipo tenga una voz única, capaz de cantar de manera agresiva cuando es necesaria, de presentar un gran flow en las partes ragga o de clavar las melodías, sino que además sabe cómo encabronar a los fans con autoridad y sentido del humor. Hizo que la gente se sentara en el suelo, que voltearan sus camisetas al aire para hacer ‘el helicóptero’, y cuando interpretaron ‘Kill The Power’, no cedió hasta conseguir que la gente gritara el estribillo con la rabia que su mensaje requería y a petición de alguien de la primera fila se marcó a capella

unas estrofas de su ‘Nobody’ que brilló especialmente. Desde luego, si Skindred son un grupo de fusión total es gracias a tener al frente a alguien como Benji. Sus compañeros, el guitarrista Michael Fry, el bajista Dan Pugsley, Arya Goggin y un DJ anónimo, aunque músicos de lo más competentes, no comparten esa total versatilidad y se les nota mucho más sueltos cuando liberan su parte más metal que cuando se aventuran en otros registros. La potencia y la energía de temas como ‘Ninja’, ‘Pressure’, ‘Trouble’ o la final ‘Warning’ mantuvieron a la gente de lo más entretenida durante la hora que albergó su actuación. Hasta en la duración se parece su show al de un festival.

KADAVAR

30 DE OCTUBRE DE 2014 SALA COPÉRNICO, MADRID

Texto: Gonzalo Puebla FotoS: Francisco Javier Pérez

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esulta casi imposible que en cualquier escena u estilo mínimamente superpoblado acaben apareciendo tanto grupos que verdaderamente merecen la pena como otros que no pasan de ser unos más entre el rebaño. De vez en cuando suele pasar que se ensalza más de la cuenta a algunos que nada tienen de extraordinarios o aportan bien poco. Dentro del eterno revival del rock 70’s que llevamos disfrutando y sufriendo a partes iguales desde hace años, uno de los nombres que más han quedado en entredicho ha sido el de Kadavar. Desde el principio, tanto su estética como su sonido parecían sospechosamente perfilados para gustar al fan modélico de esta vertiente. Ya saben: barbas pronunciadas, largas melenas, vestimenta retro, producciones analógicas y un buen puñado de riffs prestados de Tony Iommi. Y aunque debo reconocer que en un primer instante yo también piqué con este

power trio germano, todavía tenía mis dudas sobre el recorrido que podrían llegar a tener. Así pues acudí a su visita madrileña para intentar despejar incógnitas sobre su supuesto hype... Y más que alejarlas, confirmaron que estamos ante una banda que está recibiendo más atención de la que realmente merece. Con una buena entrada de público, Kadavar parecían tener todo a favor para ofrecer una actuación a la altura de lo esperado. Incluso la buena acústica les acompañó y consiguieron clavar el mismo sonido que reproducen en su versión de estudio. El problema es que resultan una banda tan limitada que hacen aguas en todo lo demás. Porque vale que puedes permitirte ser algo frío con el respetable sin ir más allá de un par de comentarios y agradecimientos de cortesía si te dedicas a ir a machete durante hora y media. Pero si tus canciones no funcionan, no hay nada que hacer. Todas y cada una de las piezas estaban cortadas por el mismo

patrón, dejándolo todo a la suerte de una base rítmica consistente pero sin apenas recursos y un Lupus Lindemann que ejecutaba el mismo solo tirando de pedal wah wah cada dos por tres. Del bajista Dragon y su eterna expresión de enojo con el resto de la humanidad, casi mejor ni hablamos. Por momentos, era incluso más hipnotizante observar el movimiento de sus prodigiosas melenas (créanme, aquello casi parecía digno de un anuncio de champús) que la propia música que salía de sus amplificadores. No niego que durante el bucle sónico al que nos sometieron no hubiera momentos destacados (‘Black Sun’, ‘Doomsday Machine’), pero hace falta mucho más para destacar. De hecho, hasta los teloneros, Picture Books, dejaron mejores impresiones sobre el escenario gracias a un hard blues visceral que se abría paso a base de mamporrazos de batería con las manos desnudas y punteos a dentelladas imitando a Jimi Hendrix. 133

DE GIRA

GARRETT KLAHN

13 de diciembre Café Pop Torgal (Ourense) 14 de diciembre Dabadaba (Donosti) 17 de diciembre Heliogàbal (Barcelona) 18 de diciembre Teatro del Arte (Madrid, con Dani Llamas y The Ships)

omo tantos otros músicos norteamericanos, Garrett Klahn ha pasado de no haber visitado nunca nuestro país a lo largo de su extensa carrera a volver en menos de un año una vez ha comprobado lo bien que se le trató. Pero si el pasado verano Klahn llegaba acompañado por los reunificados Texas Is The Reason haciendo felices a muchos seguidores del emo noventero que nunca habrían soñado con verles por estos lares, en esta ocasión lo hace para presentar su álbum en solitario Motion For Action, todavía inédito. Por el único tema que hemos podido escuchar hasta ahora, ‘I Don’t Care At All’, parece que la cosa va de folk rock americano, pero estamos seguros de que el neoyorquino se guarda algunos ases en la manga. Antes que nada me gustaría saber cómo ves ahora la gira

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de reunión con Texas Is The Reason. ¿Te dejó un buen sabor de boca? “Texas Is The Reason han sido parte de mi vida de un modo u otro durante más de veinte años. La última gira fue como un sueño. Estuvo lleno de risas y lágrimas, viejos y nuevos amigos. Tengo muchos recuerdos que me acompañarán el resto de mi vida”.

2015. Siento que por primera vez suena a mí. ¿Tiene sentido?”.

¿Y en concreto qué recuerdas de vuestro paso por España? “El concierto de Barcelona fue adorable. Era mi primera vez en España, así que lo recordaré para siempre”.

Para serte sincero, me sorprendió que hayas fichado por Rise Records, un sello más centrado en el metalcore moderno. ¿Cómo se involucraron? “La buena gente de Rise Records contactó conmigo hará un año. No estaba familiarizado con el sello, pero una vez investigué un poco, vi que eran verdaderos amantes de la música. Han sido muy pacientes conmigo y tengo muchas ganas de compartir mi futuro con ellos”.

Por ahora has editado un 7” en solitario con el tema ‘I Don’t Care At All’. ¿Qué puedes avanzarnos del disco Motion For Action? ¿Saldrá pronto? “Espero que salga a principios de

Supongo que sí. Al menos esa canción suena más a cantautor. ¿Es hacia donde piensas orientar tu carrera? “Bueno, soy un cantante y compositor, así que no estoy muy seguro de poder hacer otra cosa”.

¿Qué podemos esperar de tus shows en solitario? ¿Tocarás material de Solea o Atlantic/ Pacific también? “Para esta gira tocaré un puñado de canciones de mi disco con banda. Y también haré una pequeña parte acústica con una mezcla de temas de Texas Is The Reason, Solea, Atlantic/Pacific y algunas versiones”.

AGENDA DICIEMBRE ABORTED 8 Barcelona, 9 Madrid THE CAPTAIN LEGENDARY BAND 11 Zaragoza, 12 AvilÉs, 13 Cangas, 14 A Coruña, 15 León, 18 Murcia, 19 Castellón, 20 Barcelona COMBICHRIST 5 Madrid, 6 L’Hospitalet de Llobregat, 7 Erandio CRUCIFIED BARBARA 3 Madrid, 4 Barcelona, 5 Aldaia, 6 Bilbao, 7 Vitoria

¿Quién te acompañará en directo? ¿Son los mismos músicos que han grabado el disco? “La banda que vendrá conmigo procede toda de Estados Unidos. El bajista, el pianista y el batería son de Los Ángeles. Tocan en un gran grupo llamado Goldenboy. El otro guitarrista es de mi ciudad natal en Nueva York. Es un músico muy talentoso que ha trabajado en el disco conmigo. Son todos viejos amigos que comparten mi pasión por hacer música, viajar y hacer amigos en lugares lejanos”.

DIARY OF DREAMS 12 Barcelona, 13 Madrid

En este momento de tu vida, ¿te tomas salir de gira como una especie de vacaciones o realmente como una manera de desarrollar tu carrera musical? “En los últimos veinte años he pasado más tiempo girando que haciendo cualquier otra cosa, así que no estoy muy seguro de cómo responder. Es divertido viajar, pero creo que mucha gente piensa que ir de gira es eso: mucha diversión y nada de trabajo. Pero por supuesto sabemos que no es así. En esta gira vamos a dar 23 conciertos en 24 días en seis países distintos. Sólo el conducir de uno a otro ya es un trabajo. Si le añades las pocas horas de sueño, los malos hábitos alimentarios, etc. te das cuenta de que no todo es diversión. Aunque también la hay”.

OWEN PALLET 12 Madrid, 13 Barcelona, 14 Valencia

¿Qué tres objetos nunca te olvidas llevar contigo cuando vas de gira? “Gran pregunta. Unas chanclas porque nunca sabes dónde va a ser la próxima ducha. Si es invierno, siempre me llevo unas zapatillas para la furgoneta y el hotel. Me gusta estar cómodo. Y por supuesto, un buen libro”. ¿Alguna posibilidad de que Texas Is The Reason volváis a reuniros en el futuro? “No hay ninguna posibilidad de que volvamos a tocar como banda. Tuvimos nuestro momento de gloria, pero ahora toca hacer algo nuevo”. (JORDI MEYA)

ELTON JOHN 6 Barcelona ENTER SHIKARI 3 Madrid, 4 Barcelona, 5 Bilbao EPICA 2 Barcelona H.E.A.T. 4 Barcelona, 5 Madrid, 6 Bilbao MASTODON 7 Madrid, 8 Barcelona METHOD MAN & REDMAN 4 Barcelona NEW FOUND GLORY 8 Barcelona, 10 Madrid NOTURNALL 10 Madrid, 13 Zaragoza

RATOS DE PORAO 12 Madrid, 18 Barcelona, 20 Zaragoza RICHIE RAMONE 5 Madrid, 5 Barcelona, 6 Valencia, 7 Palma de Mallorca RIVAL SONS 5 Barcelona SABATON 12 Bilbao, 13 Madrid, 16 Valencia, 17 Barcelona THE SKATALITES 1 Barcelona SPIDERS 10 Barcelona, 11 Madrid, 15 Ourense, 16 A Coruña, 17 León, 18 Gijón, 19 Vitoria, 20 Zaragoza TALCO 26 Barcelona TALIB KWELI 13 Barcelona TIGERTAILZ 5 Vitoria, 6 Valladolid, 7 Madrid TREPALIUM 19 Barcelona, 20 Madrid TURBONEGRO 11 Madrid, 12 Gijón, 13 Vitoria, 14 Barcelona UNISONIC 5 L’Hospitalet de Llobregat, 6 Madrid, 7 Villava VIBRAVOID 12 Madrid WILD ADRIATIC 1 León, 2 Madrid, 3 Estepona, 4 Murcia, 5 Castellón, 6 Barcelona, 7 Torrdembarra

ENERO ASTRAL DOORS 15 Barcelona, 16 Zaragoza, 17 SedavÍ, 18 Madrid HAMMERFALL 30 Barcelona, 31 Madrid OBITUARY 27 Barcelona THE QUIREBOYS 13 Barcelona, 14 Valencia, 15 Bilbao, 16 León, 17 Madrid TANKARD 23 Madrid, 24 Bilbao, 25 Barcelona