RockZone 115 - 06/2015 by ROCKZONE

ROGER HARVEY

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Our Last Night © Rubén Navarro

EDITORIAL Escribimos estas líneas con más impaciencia de lo habitual. En dos días estaremos en Madrid para el primero de nuestros conciertos de celebración de nuestro décimo aniversario. Allí nos esperan Brand New y muchísimos de vosotros que, vista la venta de entradas, tenéis tantas ganas de verles como nosotros. Os damos las gracias por anticipado y esperamos veros también en el concierto de Every Time I Die en Barcelona y en la extensa gira de Cancer Bats de septiembre. Mientras todo eso llega, esperamos entreteneros con este número de junio encabezado por Muse. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 115

7 / INTERFERENCIAS

32 / ASH

44 / MUSE

52 /

66 / DISCO DEL MES

68 / CRร TICAS

102 / THE GHOST INSIDE

AFRAID TO SPEAK IN PUBLIC

106 / GROEZROCK

36 / MARMOZETS

40 / THE EARLY NOVEMBER

56 / FOUR YEAR STRONG

60 / AUGUST BURNS RED

96 / D GENERATION

100 / RED CITY RADIO

114 / EN DIRECTO

124 / DE GIRA

SUMARIO

Nº 115

TU OPINIÓN ES IMPORTANTE. DEJA TU VALORACIÓN EN LA APP STORE O GOOGLE PLAY O HÁZNOSLA LLEGAR A ROCKZONE@ROCKZONE.COM.ES

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: Javier Guerrero Calduch Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 46-48. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordi Forés, Javier Yela, Luis Benavides, David Sabaté, David Fuster, Eduard Petrolillo, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Salva Rubio, Kiko Vega, Sofía Cuevas, Gonzalo Puebla, Ignacio Pato, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Andrea Genovart. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Rubén Cougil (Kreeper), Jorge Pérez (Fear 57), Manuel Piñeiro (ManuKn), Marta Mariño (Smartita), Israel Higuera (wirrak). Foto de portada: DR

NEW DEL MES_HELLFEST LOS AMANTES DE LOS SONIDOS DUROS TENEMOS UNA CITA INELUDIBLE EN LA PEQUEÑA LOCALIDAD FRANCESA DE CLISSON LOS DÍAS 19, 20 Y 21 DE JUNIO. ADEMÁS, ESTE AÑO SE CELEBRA EL DÉCIMO ANIVERSARIO DEL HELLFEST.

n evento que ha ido creciendo, de las cenizas del Fury Fest, hasta convertirse en uno de los mejores festivales de metal del mundo, tanto a nivel organizativo como por el caché de sus bandas. Aunque todavía no haya conseguido batir el récord de su homólogo Wacken, agotando sus entradas el mismo día en que salen a la venta, ya hace meses que no queda ni un abono disponible para esta nueva edición. Además, con sólo echarle un ojo al cartel de ambos comprobaremos que el Hellfest ya está muy por encima en el nivel de sus bandas. Quizá lo único que podamos reprocharle a los organizadores es que, tras el cartel de infarto del año pasado, con Iron Maiden, Black Sabbath y Aerosmith a la cabeza, les ha resultado imposible superar las expectativas en su décima edición. Eso sí, la lista de bandas apetecibles este año es casi interminable. Desde sus cabezas de cartel, Slipknot, Scorpions y Faith No More, pasando por bandas del calibre de Motörhead, Judas Priest, ZZ Top, Slash, Korn, Lamb Of God o Marilyn Manson, encontra-

mos más de 120 nombres que cubren todos los espectros del metal, hard rock y hardcore a lo largo de varias generaciones. Además de sus dos escenarios principales, el recinto cuenta con otros cuatro escenarios temáticos. Los fans del black y el death metal podrán disfrutar bajo las carpas con Venom, Meshuggah, Satyricon, Mayhem o Cannibal Corpse. Los sonidos más áridos tendrán su representación en otra carpa en la que descargarán Saint Vitus, Orange Goblin o High On Fire. Los pogos estarán asegurados en el escenario dedicado al punk y el hardcore con NoFx, Rise Against o DRI. Con semejante cartel y seis escenarios, lo más duro será tener que sacrificar a muchas bandas imprescindibles por culpa del solapamiento de horarios. A ver quién es capaz de elegir entre Mastodon, Alice Cooper y Cradle Of Filth sin que se le rompa un poco el corazoncito. Menos mal que siempre nos quedará subir a su gigantesca noria para que se nos pase el disgusto. Para toda la información sobre el festival, visita www.hellfest.fr

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INTERFERENCIAS

LO PEOR DE MÍ_ EVERLONG

uede que sea porque es un país con muy poca historia, pero siempre me ha fascinado la facilidad y audacia con la que Estados Unidos es capaz de generar su propio patrimonio. Éstas pasan, por ejemplo, por el reconocimiento a quienes ejercen su profesión durante un largo tiempo. Es el caso de David Letterman, conductor del programa Late Show With…, quien se despidió de los telespectadores el pasado 20 de mayo después de haber estado al frente de 6.028 emisiones a lo largo de 33 años. Resulta curioso que, a pesar de ser una cultura obsesionada con lo nuevo, al mismo tiempo sea capaz de valorar tanto la veteranía. O no. Porque al contrario de aquí, donde la mayoría de profesionales se van apoltronando y llenando de caspa a medida que pasan los años, allí no pierden el pulso de lo que ocurre a su alrededor. Es muy significativo que, a sus 68 años, Letterman escogiera a Foo Fighters como invitados musicales de su programa de despedida para interpretar ‘Everlong’ en lugar de alguien de su quinta. Y mientras, en España, Jose Luis Moreno y Raphael siguen teniendo barra libre. (JORDI MEYA)

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INSTANTGRAMO

@AlbertStorm Me ha encantado la entrevista de @RockZone a Donna Sparks, uno de los grandes iconos de los 90. ¡Queremos gira de L7 en España, Dios! @liddsg Cuando va In Hearts Wake a Barcelona en exámenes y quieres llorar... @ElenaReturns La columna de Assaf no está, la columna de Assaf se fue, la columna de Assaf se fue de mi vida... @kikovegar Lo mejor de colaborar en @RockZone es leer el número del mes y descubrir el disco de @LieutenantMusic @calvedillo Hey @themenzingers between August 22nd and 28th you got some days... What about a visit to Barcelona? =) @miquelgobe Només @RockZone és capaç de trobar un forat per parlar d’un grup de culte tant gran com Jawbox. Felicitats! #Dreamless @wearebrawlers So @RockZone have reviewed our album this month and they were very kind! Spanish people go take a look!

Simplemente Jay. La foto se hizo el 17 de junio de 2014 en el concierto de Bad Religion en La Riviera de Madrid. (José M. Blanco)

*¿Te has hecho una foto con algún músico famoso? Envíanosla a rockzone@ rockzone.com.es junto con un breve comentario sobre el encuentro y la verás publicada en esta sección.

DESDE EL TÍBER ¿Recordáis a vuestro hermano o primo pequeño que no paraba de tocar los huevos con 3-4 años para llamar la atención? Pues esto es lo que parece que está sucediendo estos últimos años en el mundillo de la música metal y hardcore: un montón de bandas mediocres sin talento intentando llamar la atención haciendo el subnormal. Si tu banda no tiene nivel, o dejó de existir hace tiempo, de nada sirve que tu cantante desaparezca, que os separéis repentinamente o, inclusive, que finjáis peleas con vuestro productor. Si tu música es buena, no te hace falta liar teatrillos y encima esperar a generar ventas o ayudas en campañas de crowdfunding. Si quieres que tu música sea tomada de manera profesional, compórtate de manera profesional y ten una carrera impecable, llama la atención con tus temas, con el boca a boca, no con el puto marujeo. Ya era hora de que hubiese una columna en condiciones y con verdades, y no tonterías de un gordo que se dedica a despotricar de la propia revista en la que escribe. Si veis a Assaf por la calle o en algún concierto, por favor, os lo pido from the bottom of my heart: ponedle una pegatina en la espalda que ponga ‘El tonto de RockZone’. (MARIUS TIBERIAN)

INTERFERENCIAS

DEMO-LEDORES_POR PAU NAVARRA PARALELUM WHILE YOU SLEEP

FLANAGAN

PROTHEUS

ALGÚN VALIENTE

BRIDGE OF REGRET

(AUTOEDITADO)

(RIGHT HERE RIGHT NOW)

(AUTOEDITADO)

Vamos a ver, ahora es cuando a Pau se le echan encima por cabrón y hater… La verdad es que siempre intento ser muy constructivo en esta sección, así que vamos a tratar de suavizarlo porque de nada sirve cebarse con bandas noveles: la guitarra de Sebas arropa con algo de potencia este EP, el bajo de Javi le da punch al resto de banda, pero la batería de, por ejemplo, ‘Independence’, ¿es así de simple adrede o no se llega a más? Lo mismo con el cantante Diego… Presenta cierta rabia, pero a la hora de entonar… Chico, aquí faltan horas. En ‘Castle Thunder’ no están todo lo inspirados que nos gustaría, pero en cambio bajando las revoluciones en ‘Absenta’ se nos antojan algo más interesantes. Canciones como ‘Otherside’… Bueno, no vamos a hacer sangre de esto, no es el espíritu de Demo-ledores. Quien quiera juzgar por sí mismo este trabajo de Paralelum que indague por la red, porque yo lo voy a dejar en un ‘muy justito’.

Esta hormiga mutante lleva meses dando vueltas por mi despacho y no sé por qué aún no me había puesto con ella… Vamos a enmendarlo, pues, aunque ya os avisamos que la cosa no va de criaturas atómicas y brutalidad desatada, más bien al contrario… Flanagan presentan en este largo un pop rock alternativo de lo más dicharachero y de cristalina producción, donde las letras de Vic Plana dominan el cotarro entre composiciones llevaderas y sonoridades simpáticas. Tienen una vertiente electrónica que asoma muchas veces gracias a los teclados y sintes, así que los de Mataró gustan de revestir sus canciones con opciones poco previsibles. A mí la verdad es que sus formas y discurso me han recordado y mucho a otra formación catalana ya extinta, Malaventura, pero aunque el bajo de Pablo Toral esté siempre muy presente, cabe decir que Flanagan son mucho menos funk. Su música busca el bailoteo y la sonrisa, así que cumple plenamente con su cometido.

Majetes, con dilatas, tatuajes… Banda de core fijo… Pero dejémonos de pamplinadas y vayamos al quid de la cuestión: ¿Pegan o no pegan fuerte Protheus? Pues la verdad es que sí, que aunque puedan sonar algo trillados entre la sobreexplotada escena estatal, ejecutan con solvencia los cuatro temas que aquí presentan. Un EP que mezcla djent, deathcore y metalcore para asemejarlos con bandas del palo As They Burn. ¿Por qué sobre todo con los franceses? Pues por algunas voces, pero en mayor medida por huir también de la velocidad y golpear en el píloro con una producción gruesa, bien gorda, de la mano de Jona de los Unwavering Studios. La verdad es que este lanzamiento va de menos a más, empezando algo liviano para despegar con potencia en ‘A Faded Memory’, romper cuellos con el down tempo de ‘I Am Yours’ y rematar el trabajo con ‘Bridge Of Regret’. Me sobran las voces melódicas, pero van para jefes.

www.facebook.com/paralelum.metalband

www.facebook.com/somosflanagan

https://protheus.bandcamp.com/releases

SI QUIERES APARECER EN ESTA SECCIÓN, MANDA TU MAQUETA AQUÍ: ROCKZONE (DEMO-LEDORES) C/ZAMORA 46-48 4º 1º B 08005 BARCELONA 10

ROGER HARVEY

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA .

>> TH’ BOOTY HUNTERS INTERPRETAN ‘GIVE ME CASH’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE.

odría parecer que la distancia musical entre el Delta del Llobregat y el Delta del Mississippi es tan enorme como la geográfica, pero desde 2010 Th’ Booty Hunters llevan intentando que ésta sea un poco más pequeña. Después de dos discos, Brothers In Farms (2011) y Chernobilly (2012), el grupo formado por Xavi (voz, guitarra, banjo), su hermano Jordi (batería, voces), Dani (guitarra, lap steel), Javi (bajo) y Marc (fiddle) entregan Wild N’ Drunk, primera referencia del nuevo sello Stash Records. “Ante todo hemos intentado hacer el disco a nuestro gusto eligiendo las canciones que Xavi había hecho”, nos cuenta Javi. “Ha sido un placer poder elegirlas y trabajarlas. Hemos dado lo mejor de nosotros mismos en estos momentos. Las novedades que hemos ofrecido respecto a otros discos pueden ser que hemos apostado por dar un mayor protagonismo al fiddle de Marc, con gran satisfacción para nosotros”. La grabación realiza-

da de manera “rápida y muy cómoda” se llevó a cabo en los Ground Estudis con Didier Richars detrás de los controles. En el álbum encontramos un poco de todo, temas locos, otros más tradicionales, baladas... una mezcla de country outlaw, bluegrass y rock, que ha sido descrita como ‘garrulograss’. “No queremos cerrarnos o encasillarnos en un estilo en concreto. Somos gente de gustos variados y diversos. Nos gusta desde Junco hasta Johnny Cash. La lista de influencias es interminable, creo... GG Allin, Trio Rudy, Bill Monroe, Venom, Los Chichos y cualquier rumano con un violín o acordeón. Intentamos absorber todo como una esponja en un cuarto oscuro. Intentamos dejarnos llevar”. La delicadeza con la que son capaces de interpretar algunas de sus piezas en el estudio contrasta con el desparpajo etílico que suele presidir sus conciertos. “Sí, la verdad es que nos sale así de natural. En estudio intentamos dar lo mejor de nosotros y en vivo dejarnos llevar por

lo peor de nosotros”.Acostumbrados a que la mayoría de grupos tengan el mal hábito de quejarse constantemente, la actitud de Th’ Booty Hunters es toda una anomalía dentro del panorama. Y sin bien por la calidad de su música podrían aspirar a pillar cacho en el mercado internacional, ellos se muestran totalmente felices. “Realmente la banda empezó siendo algo fraternal”, explica Javi. “No teníamos ninguna pretensión, así que a día de hoy estamos muy contentos de poder seguir haciendo lo que nos gusta y llevar nuestra música a todos los sitios posibles. Creo que hemos recibido más de lo que nos merecemos”. Sólo nos queda resolver una última cuestión: ¿Son Th’ Booty Hunters tan salvajes y borrachos como sugiere el título de su nuevo disco? “Estáis invitados a ir con nosotros a alguna fecha cuando queráis y lo comprobaréis en vuestras carnes”. Consultaremos nuestra agenda, aunque no sabemos si es una invitación o una amenaza.

ROGER HARVEY

INTERFERENCIAS

PISANDO FUERTE_SOUL ASIDE FORMACIÓN: Adam V. (voz, guitarra), Gabi A.G. (guitarra), Edu Seoane (bajo), Marc Prim (batería)

PROCEDENCIA: Barcelona AFINES A: Minor Empires, Thrice, Toundra PRESENTAN: Canvas (autoeditado)

“NUESTRA ACTITUD ES DE IR A SACO. NO EN EL SENTIDO DE VENDERNOS PARA GANAR CUATRO PERRAS, SINO DE TRABAJAR MUCHO HACIENDO LO QUE NOS GUSTA” ADAM V.

n Soul Aside, banda barcelonesa que acaba de publicar su primer álbum Canvas, encontramos la unión de dos músicos, Adam y Gabi, a quienes tenemos ubicados como miembros de Madee y Foscor respectivamente. Aunque el grupo empezó a dar sus primeros pasos en 2010, la relación entre ellos viene de mucho más lejos. “Gabi y yo hace como veinte años que nos conocemos”, nos cuenta Adam. “Cuando yo tenía 16 años monté un grupito con amigos y el batería, que iba a otro instituto, se trajo a un colega que tocaba la guitarra, y ése era Gabi. Enseguida tuvimos muy buen rollo a nivel personal y tocando nos entendimos a la primera. Era entre metal y punk, a mí me recordaba al rollo Faith No More (risas). Con ese grupo hicimos dos maquetas, y aunque luego lo dejamos, Gabi y yo siempre hemos seguido tocando juntos”. A pesar de que sus caminos se separaron de cara al público, el dúo siguió trabajando de manera privada llegando a componer y grabar caseramente una veintena de canciones. “Nos planteamos qué hacer con eso porque no nos gustaba la idea de tocar en directo disparando bases, somos gente de banda. Así que decidimos formar una porque, aunque compongamos nosotros dos, mola tener

aire fresco y que cada uno aporte algo”. Fue entonces cuando encontraron a Marc Prim, batería de Sargon, una banda de metal en catalán y, finalmente, después de un par de bajistas que no cuajaron, a Edu, que toca con Marc en un grupo tributo a Metallica. Ha sido esta formación, la que después de un EP homónimo en 2013, afrontó la grabación de su primer disco. Desde fuera parecería que Adam con Madee y Gabi con Foscor, y anteriormente en Lux Divina, podrían tener dos visiones musicales muy distintas, pero en Canvas queda claro que han encontrado un terreno común en el que se sienten igual de cómodos. “Precisamente en eso ha influido el hecho de llevar tocando tanto tiempo juntos”, explica Adam. “Nunca nos hemos dicho ‘vamos a hacer esto’. Simplemente cogíamos las guitarras y tocábamos. Cierto es que los dos tenemos una base bastante rockera, o hard rock, nos va la caña pero con matices. Yo soy la vertiente más indie, me gusta más Sunny Day Real Estate, Archers Of Loaf, el rollo 90’s, y Gabi es más metal, en plan Katatonia, pero creo que ahí está la gracia. Pero no buscamos un estilo concreto, sino que hacemos lo que nos hace sentir a gusto. Puede haber temas más poperos y otros más cañeros. Hemos

intentando ir puliendo nuestro propio estilo. El EP quizá tiraba más al metal y Canvas ha salido un poco más accesible, pero no estaba programado”. La experiencia que todos han tenido por su cuenta es un plus a la hora de tirar un nuevo grupo adelante, pero a la vez también les hace ser conscientes de lo difícil que es. ¿Con qué espíritu se plantean la carrera de Soul Aside? “Ánimos y ganas las tenemos todas”, asegura Adam. “Es algo esencial. Si te planteas simplemente ir tirando, es difícil llegar a algo. Nuestra actitud es de ir a saco. No en el sentido de vendernos para ganar cuatro perras, sino de trabajar mucho haciendo lo que nos gusta. Ojalá llegase el día en que pudiésemos comer de esto, pero somos realistas. Por ahora es un hobby, pero desde hace muchos años la música forma una parte esencial de nuestras vidas”. Como mínimo parece que ahora mismo hay una mejor recepción del público ante una música que picotea tanto del rock alternativo como del post rock. “Público hay y mola mucho esta nueva hornada de grupos que está surgiendo. Pero nosotros tampoco somos un grupo instrumental, aunque cuidamos mucho la música y tratamos la voz como si fuera un instrumento más. Creo que podemos gustar al público del post rock, y por lo que hemos visto, la voz no molesta”.

ROGER HARVEY

INTERFERENCIAS

DE CINE_CON KIKO VEGA MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA FURY ROAR

ad Max: Furia En La Carretera es como esos programas de tíos locos por el motor y los bugas que van buscando viejas mierdas o coches destrozados por el paso de los años, muertos de asco y aparcados en el oscuro garaje de un solar abandonado, para transformarlos en supercoches de la hostia del futuro. George Miller, veterano que nunca ha querido (o puede que no hayan dejado) formar parte de la industria, pega una patada en las partes bajas del cine de acción retomando el universo apocalíptico que dejó abandonado en nuestros corazones hace 30 años muy largos y jodidos. Con un lifting de cásting y los cojones por bandera, el septuagenario más loco de Australia estrena una película donde todo está bien y donde, curiosamente, no se entiende que sea así. Warner Bros pone sobre la mesa el presupuesto de Los Vengadores o del próxi20

CON LA MAGIA EN LOS ZAPATOS EL BENDITO WTF

mo Cazafantasmas, dos películas que recaudarán lo suficiente como para no ser un suicidio, en una película clasificada R, sin apenas diálogos y donde podríamos medir el metraje tanto en minutos como en excesos. Violenta, divertida y en continuo movimiento, la cuarta entrega de las aventuras de Max Rockatansky, además de ser el acontecimiento más extremo del año para las salas comerciales, es un ejercicio de cine puro, libre y de autor. Y un blockbuster también. Por eso uno no es capaz de asimilar de buenas a primeras todo lo que hay dentro de este cóctel molotov hecho celuloide. ¿Es un blockbuster? ¿Es una película de autor? ¿En Warner esperan recaudar el triple de su presupuesto? ¿Por qué no está George Miller atado para las próximas dos mil películas de James Bond? Mad Max: Furia En La Carretera es una prueba nuclear en el desierto donde ni sobra ni falta nada: mutaciones, gente asquerosa, sangre, sudor y gasolina. Gasolina como sangre al fin, quizás el sueño y el mensaje definitivo que Miller quería transmitir hace 40 años. También (dicen) hay una desmedida apología del feminismo radical, pero yo veo una guerra de sexos (literal) a toda velocidad. Un episodio de los Autos Locos que pareciera dirigido por… George Miller. El viejo bólido pasa la ITV muy sobrado.

ahora toca peli junto a Happy Gilmore, los puretas se rasgan las vestiduras con The Cobbler

o, que me considero un fan incondicional de Adam Sandler, soy el primero en reconocer que tiene títulos repugnantes, pero también creo que son minoría. Ahora parece que Sandler presenta así, en voz bajita, una de esas pelis/ venganza que retratan a todos los que prejuzgan cada nuevo título suyo. Sin llegar a ser un virtuoso del cine (como P.T. Anderson, con quien Sandler brilló en Punch Drunk Love), Thomas McCarthy fue aplaudido por todos con The Station Agent, The Visitor y Win Win. Como

(ay, Con La Magia En Los Zapatos en España), una nueva comedia pocha, costumbrista y, sí, mágica, donde Sandler hace eso que tan bien se le da: llevar encima toda la bajona y rebosar empatía. McCarthy es un maestro a la hora de narrar vidas tristes, y aquí sigue en su línea, añadiendo toques de cuento mágico con retazos de superhéroes, con Darkman como principal referente, en un popurrí que se presume indigesto pero que termina por ser un WTF en toda regla. Un puñado de secundarios con carisma y un personaje protagonista que se mete en un lío que le viene demasiado grande para una de las ¿comedias? más extrañas, artesanales y fantásticas de la temporada. El final de la película abre un universo nunca visto que, por desgracia, no volverá a abrir sus puertas. Jode que en Hollywood no se rueden nuestros sueños...

ROGER HARVEY

INTERFERENCIAS

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDI FORÉS, PAU NAVARRA FOTOS: DR

GUS Y YO

Keith Richards, ilustrado por Theodora Richards (MAL PASO)

ste es un álbum familiar

das

en todos los sentidos

‘ M a l a g u e ñ a’

del concepto. En primer

-me dijo- podrás

lugar, porque está concebido

tocar cualquier

para el disfrute de padres con

cosa. Practiqué

hijos o de abuelos con nietos; de hecho, la presentación en

y practiqué con

Barcelona estuvo acompañada de un taller infantil donde los

aquella guitarra

niños tenían que fabricar sus propios instrumentos. En segundo

tan

lugar, porque Gus era el abuelo de Keith Richards (el ‘yo’ del

comencé a lle-

título) y Theodora, quien se encarga de las ilustraciones, es la

varla a todas partes y me dormía con ella entre los brazos”.

hija del famoso guitarrista de los Rolling Stones. Como veis,

El libro se acompaña de un CD donde el propio Richards

todo queda en familia para explicar la afectuosa relación en-

nos cuenta su entrañable historia mientras toca los acordes

tre Keith y su abuelo Gus: él fue quien le inculcó su amor por

de ‘Malagueña’, pues parece que le pilló el truco bastante

la música, quien le regaló su primera guitarra y quien le dio los

rápido. Pero, ya que entramos en materia, ¿por qué limitarnos

primeros consejos. “Se sentó conmigo y me enseñó a sujetarla,

y llenar menos de 8 minutos del CD? ¿Por qué no aprovechar

a rasguear las cuerdas, a puntear un poquito… Cuando apren-

el espacio sobrante para incluir algunos riffs más?

tocar

hermosa,

LA BIBLIOTECA SECRETA

Haruki Murakami, ilustrado por Kat Menschik (LIBROS DEL ZORRO ROJO)

i el año pasado

quizás sea por esos relieves que sólo se descubren al trasluz.

Este relato, publicado originalmente en el año 1990, es corto,

nos hicimos eco de

fácil de leer y representa una fábula que acaba convirtiéndo-

Sueño, el primer resultado

se en pesadilla. “Aunque me había limitado a llamar con los

tangible de la sinergia entre

nudillos, un ruido siniestro retumbó por los alrededores como

los textos de Murakami y las

si hubiera aporreado con un bate de béisbol las puertas del

ilustraciones de Kat Mens-

infierno. Estuve tentado de dar media vuelta y salir huyendo.

chik, este año no podíamos

Pero no escapé. Porque eso es lo que me han enseñado: que,

dejar pasar la oportunidad

una vez has llamado a la puerta, has de esperar a que respon-

de reseñar La Biblioteca Secreta, un libro que se sitúa en la

dan”. Murakami nos ofrece un descenso a las catacumbas del

misma línea editorial que aquél. Pero, en este caso, puedo

conocimiento y el deseo humanos, una historia laberíntica de

asegurar que la parte gráfica consigue eclipsar en más de una

inspiración fantástica y surrealista que, para quien la lea, pue-

ocasión a las palabras del reconocido autor japonés, y es que

de convertirse en un motivo para no volver a pisar la biblioteca

los dibujos de la artista alemana desprenden un halo especial,

pública de su barrio.

RockZone

CHORIZOS: ATRACO A LA ESPAÑOLA

Ricardo Vilbor y Ricar González (GRAFITO)

Otra de las potentes apuestas de Grafito Editorial. Un trabajo valiente, ya que se trata de una obra de sátira política a ritmo de ‘atraco’ a lo Ocean’s Eleven por el que durante un tiempo ninguna editorial quiso mojarse. Tal vez el tono tan político echase para atrás a otros editores, y sólo por eso, que llegue por fin en formato tomo es una alegría. Un retrato de la España de nuestros días con una serie de personajes estereotipados que planean el atraco del siglo para hacer frente a los días de crisis que vivimos en un estilo Berlanga 100%. SG

LOS MUNDOS DE VALKEN: OCÉANOS EN LLAMAS Nacho Fernández (GRAFITO)

La obra más personal de Nacho Fernández. Si fuese una película, reventaría todas las puntuaciones del Test de Bechdel ya que es un trabajo que rebosa feminismo para nada superficial: las mujeres de este tebeo, que son las protagonistas absolutas, son personajes empoderados, cada una con sus circunstancias, conscientes del mundo hostil en el que viven y luchando contra un heteropatriarcado en forma de Castas y Casas Nobles en el mundo de Valken. Crítica social y ciencia ficción de auténtico lujo. SG

...NO OPTION! Pep Pérez

(ENTRECOMICS CÓMICS)

¡Llega a su final esta ‘tuttifruti space opera’! Disponibles ya los números 5 y 6 que cierran el ‘primer arco argumental’ o temporada, es ahora un estupendo momento para deleitarse las meninges con semejante viaje de ácido en cuatricromía. Pep Pérez ha construido un universo de locura mental y poderosos planos de historias cortas episódicas en cada número. El estilo gráfico es contundente y plástico, mostrando además un estupendo dominio de la narrativa que ha hecho que esta miniserie sea uno de los trabajos más excitantes que se han publicado en los pasados meses. SG

LA VIDA SE TE ESCAPA Joaquín Guirao

(ENTRECOMICS CÓMICS)

YOUNG RONINS 1A5 Víctor Santos

(GRAPA! ANILLO DE SIRIO)

Publicado originalmente en Francia, ahora ha llegado aquí en un nuevo formato y en una arriesgada jugada: ofrecer el cómic de manera semanal, ocupando durante todo un mes la zona de novedades de las tiendas. El estilo gráfico de Víctor, reconocible desde lejos, se muestra ágil y dinámico, siendo toda una gozada su lectura. Con un marcado carácter juvenil, el ritmo frenético que presenta invita a leerlos todos de golpe. Desconocemos si habría posibilidad de que fuesen recuperados estos personajes, lo cual sería una estupenda noticia para el mercado patrio. SG

VINLAND

Salva Rubio y Stebba Ósk Ómarsdóttir (THULE)

La Vida Se Te Escapa es un relato amargo y a la vez tremendamente cómico, repleto de gags incómodos que provocan la carcajada salvaje y luego malestar por haber reaccionado así. El tomo presenta un día en la vida miserable de un tipo despreciable con el que se acaba empatizando por representar muchas de las angustias vitales que pueden acecharnos en nuestra vida. Terminas la lectura sabiendo que sólo ha sido ‘un día más’ en la existencia vacua que nos ha tocado vivir, y siento que como lo ha hecho ha creado una genialidad deliciosa. SG

Si todavía crees que Colón ‘descubrió’ América es que poco sabes de los vikingos y su valentía náutica… En Vinland nuestro colaborador Salva Rubio, con la ayuda de los fantásticos dibujos de Stebba Ósk Ómarsdóttir inspirados en la ancestral estética de las runas nórdicas, recrea la truculenta historia de ambición y avaricia de Freydís, hija de Erik el Rojo y última escandinava en cruzar ese charco, por aquellos tiempos, aún más lejano y peligroso. Un cuento para adultos basado en sucesos históricos. PN 23

TOI’S IN THE ATTIC FEEL THE GOOD HIT OF THE SUMMER

aludos amiguitos Os escribo desde una playa paradisíaca bajo un sol abrasador, con mi pamela tope glamurosa y disfrutando de una deliciosa piña colada, rodeada de machos alfa dispuestos a darme un viaje a la mínima que haya contacto visual. Os doy envidia, ¿eh? ¡Nah! Quedaos tranquilos que estaba soñando despierta. En realidad estoy en la puta oficina, con una cantidad de curro imposible y sudando como un pollo asado porque llevo dos días con el aire acondicionado estropeado. En eso consisten mis veranos, en pringar. Aun así, sigo pensando que hay cosas positivas inherentes a esta estación que al ser humano no le deberían resultar indiferentes. El calor, insoportable en ocasiones, provoca que la gente salga a la calle, tenga muchas ganas de emborracharse, entre en un estado de euforia y, por supuesto, que las ganas de follar se desaten a niveles estratosféricos. Y os digo una cosa, el que diga que no, miente como un bellaco. Pero si hay algo que me gusta es-

pecialmente de esta estación es, sin duda, recuperar esas canciones necesarias para disfrutar del calorón, que te fuerzan a ponerte unas gafas de sol en plan molón y que te hacen sentir el rey del mambo. Es hora de dejar aparcados a Screaming Trees y a AFI durante unas semanas. Es el momento de recuperar un espíritu festivo completamente aletargado durante el invierno. Hablo de esos temas que te hacen sentir como un David Lee Roth de la vida y que te suben el ánimo a lo más alto. Y no me refiero a ‘Paquito Chocolatero’ o ‘Bomba’ con las que más de uno vibráis borrachos en las fiestas de vuestros pueblos, ni a las canciones del verano de Georgie Dann, sino a ‘Panama’ de Van Halen, ‘Feel The Good Hit Of The Summer’ de Queens Of The Stone Age o ‘Paradise City’ de Guns N’ Roses. Auténticos himnos festivos que potencian la lujuria, el hedonismo y las ganas de vivir. Sudemos, bebamos, bailemos y follemos, coño, que la vida dura cuatro días. (TOI BROWNSTONE)

ROGER HARVEY

No More, llegó el momento de darse cuenta de que era un cantante espectacular. Su

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame particular es el debut homónimo de Mr. Bungle. “What. Is. It? It’s it. What. Is. It?”. Eso no era sólo lo que Mike Patton cantaba, sino lo que nos preguntábamos nosotros al ver el vídeo de ‘Epic’ de Faith No More. Patton mojándose con la lluvia en un estudio de televisión, mientras llevaba una camiseta en la que parecía poner ‘Mr. Bungle’, llamaba la atención de todos los fans de los Faith. Aquellos que nos preocupamos en ir un poco más allá nos preguntábamos ‘¿Qué cojones era Mr. Bungle?’. A la que el boca a boca fue aumentando, y Patton empezó a sacarse la etiqueta de ‘nuevo cantante’ y ser un simple sustituto de Chuck Mosley, vocalista original de Faith 26

currículum musical fuera de Faith No More podía hacer dudar a sus compañeros de banda sobre su compromiso en una formación que estaba llegando al mainstream, pero, los fans, no podíamos estar más felices con él. Finalmente todos desciframos lo que era Mr. Bungle: era el grupo en el que estaba Patton antes de entrar en el combo de Roddy Bottum y demás. De hecho, era la banda de Patton en el instituto. Cuando Faith No More explotó y se convirtieron en protegidos de la MTV, Patton consiguió un contrato discográfico con Warner para Mr. Bungle y así editar su álbum de debut. Dejémoslo claro: el primer álbum de Mr. Bungle es uno de mis discos favoritos de todos los tiempos. ¿Cómo no se puede adorarlo? La primera vez que lo escuché entendí por qué Patton nunca abandonó a la banda, a pesar del éxito masivo de Faith. Mr. Bungle me parecían la banda más grande de todos los

tiempos, mezclando metal, pop, lounge, polka, ska, rap, pedorretas y bandas sonoras porno, todo mezclado en un estresante lío. Para ser 1991, era una mezcla bastante bizarra. Desde canciones esquizofrénicas como ‘Egg’, ‘Stubb (A Dub)’ y ‘My Ass Is On Fire’ al funk sleazy de ‘The Girls Of Porn’, Mr. Bungle han envejecido espectacularmente bien si los comparamos con otros contemporáneos, incluidos los propios Faith No More. Lo que es evidente es que ninguna banda hoy en día se atreve a llegar al nivel de locura al que llegaron ellos. Un maravilloso legado para una formación, pero un hecho que pone en evidencia la música actual. Acabé viendo a Mr. Bungle durante la gira de su primer álbum. Patton salió al

escenario con una máscara de látex y no se la sacó durante todo el show. Si no fuera por su característica voz, uno no hubiese podido saber si lo que había encima del escenario era un imitador o el verdadero Patton. Además, ese Patton caracterizado golpeó en la cabeza a un aspirante a stage-diver, sin venir a cuento, aunque luego me explicaron que ese afortunado fan fue invitado a conocer a la banda, a pesar de su sangrante cráneo. Afortunadamente para nosotros, si ese fan hubiese decidido demandarle probablemente nos hubiésemos perdido Disco Volante, la también obra maestra que siguió a su disco de debut en 1995. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

ROGER HARVEY

WILD AND RARE ES UNA SECCIÓN DE ROCKZONE EN SOLIDARIDAD CON OXFAM Y APOYADO POR ASICS. EL INVITADO EN NUESTRO TERCER CAPÍTULO ES JOEY CAPE DE LAGWAGON.

ienvenidos de nuevo a Wild And Rare! Esta sección consta de dos partes que podrás disfrutar dándole al play en el vídeo superior. En WILD, los artistas contestan las preguntas no convencionales (y a veces salvajes) de nuestros lectores. Si quieres participar en ella, estate atento a nuestro Facebook, desde donde os convocaremos para que podáis preguntar aquello que siempre habíais querido, y nunca os habían dejado, a vuestros músicos favoritos. En RARE, cada artista dibuja una parte de una obra colectiva que una vez finalizada será única e irrepetible. Una vez completada será sorteada entre los que hayan hecho un pequeño donativo en nuestro proyecto en solidaridad con Oxfam Intermón. El 100% de lo recaudado irá destinado a Oxfam.

Este mes recibimos a Joey Cape, vocalista de Lagwagon, así como componente de Me First And The Gimme Gimmes y de Bad Astronaut. Joey aterrizó en Barcelona en compañía del canadiense Chris Cresswell, líder de The Flatliners, con quien ofrecería algunos conciertos acústicos como complemento de la gira de ambas bandas. El dúo visitó nuestra redacción un rato antes de actuar en el Rocksound Bar, y como podréis ver en el vídeo, Joey estaba de lo más animado a pesar del jet lag. Además de su simpatía contamos con la colaboración de las divertidas preguntas que diez de vosotros nos hicisteis llegar. Gracias a ellas hemos descubierto quién es el miembro más bajo de Lagwagon, si él o el bajista Joey Raposo, cuál era su mote en el colegio o quién era el que

ligaba más del grupo cuando estaban solteros. Como veréis en el vídeo, sus respuestas no tienen desperdicio. ¡Y gracias por adelantado por vuestra aportación para Oxfam Intermón! Haz tu aportación aquí.

ROGER HARVEY

INTERFERENCIAS

VAMOS DE TIENDAS CON RECORD STORE DAY en la tienda. En Malasaña vive mucha gente conocida y es también un sitio al que otros tantos acuden cuando están en Madrid, así que no es raro ver alguna cara conocida echando un vistazo a los discos”.

CUERVO STORE Dirección: Calle Velarde 13, Madrid Año de fundación: 2010 Especialidad: vinilos rock, metal, indie, libros, ropa, ilustraciones, complementos... Página web: www.holycuervo.com

¿Cómo decidisteis abrir una tienda de discos? MARCOS PAREDES “Paco Fernández y yo abrimos con la idea de hacer algo que nos gustara a nosotros porque todas las tiendas estaban cerrando. Pensamos en unir toda la fuerza, experiencia y pasión que teníamos y tenemos para hacernos con el trabajo de nuestras vidas”. ¿Cuáles han sido los mayores cambios que habéis experimentado desde que se abrió? “Tenemos como máxima crear un diferencial con el día anterior, y en el 80% de los casos lo cumplimos. Cuervo Store es un lugar vivo que se alimenta de las cosas que pasan dentro. Nosotros 30

intentamos divertirnos, y para ello intentamos estar siempre pensando en cosas nuevas, por más extrañas que puedan parecer en un principio. Queremos que la gente alrededor nuestro entienda la tienda como un espacio que es suyo también, por lo tanto necesitamos sus ideas también”. ¿Puedes citar algunos clientes famosos? “Han pasado multitud de músicos, gente de Watain, Ty Segall, In Solitude, Imperial State Electic, Bellrays, Eli Paperboy Reed, Growlers, Black Rebel Motorcycle Club, Dictators, Voivod, Belle And Sebastian, Amaral o Paul Collins, Ben Howard, Brett Dennen... la lista es inmensa, algunos incluso han tocado

¿Cuál crees que es el disco que más has vendido en tu tienda? ¿Y cuál el que todavía sigues vendiendo? “Es difícil saberlo con exactitud porque no llevamos la cuenta de los que vendemos, pero hemos vendido mogollón de copias de novedades como el último de Jack White, el último de Ghost, Push The Sky Away de Nick Cave... Pero también hay cosas que hemos editado nosotros como el último de His Majesty The King o los del Record Store Day, que funcionan muy bien”. ¿Cuál ha sido el álbum más curioso que has vendido? “Tenemos el que publicó Earache con las canciones más cortas de la historia, con una de Napalm Death de 1,9 segundos, un vinilo con la galleta de un 12” y las pistas del tamaño de un CD, es una pasada. Lazaretto de Jack White se está convirtiendo en el disco más curioso de todos, por todas las aportaciones y curiosidades que suman a la escucha de música en un formato como el vinilo

consiguiendo que hasta los más escépticos quieran tenerlo en casa”. ¿Recomendarías a alguien abrir una tienda de discos en estos momentos? “Rezo para que en Malasaña y en todos los lugares se abra una tienda de discos en cada esquina”. ¿Ha cambiado tu relación como fan de la música desde que has abierto la tienda? “Sí, ha cambiado. Ha mejorado en muchos aspectos y soy mejor comprador y tengo más conocimiento, aunque también hay momentos en los que prefiero disfrutar de los trabajos de los grupos el tiempo necesario, puedo tirarme muchas horas escuchando un solo disco hasta que me lo aprendo de memoria”. ¿Qué supone para ti y para vuestro negocio el Record Store Day? “El Record coincide con el aniversario de Cuervo Store, así que es un día de absoluta celebración y en todos los sentidos el día más importante del año. Siempre lo vivimos como unas fallas, damos la bienvenida al siguiente año y celebramos todo lo construido en torno, siempre queda un antes y un después de cada edición. Os esperamos a todos cada 18 de abril”.

ROGER HARVEY

“YO ASPIRABA A TENER UN SINGLE EN EL TOP 40 CADA DOS SEMANAS Y NO FUE EL CASO (RISAS)” TIM WHEELER

ASH

VIENDO SUS NUEVAS FOTOS PROMOCIONALES, ESTÁ CLARO QUE LOS AÑOS PASAN PARA TODOS, INCLUSO PARA UNA BANDA DE ETERNOS ADOLESCENTES COMO ASH. PERO AFORTUNADAMENTE, LAS DOCE NUEVAS CANCIONES QUE PRESENTAN EN KABLAMMO! RECUPERAN LA MISMA ENERGÍA DE SUS INICIOS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ACE SEIS AÑOS, el trío norirlandés formado por Tim Wheeler (voz, guitarra), Mark Hamilton (bajo) y Rick McMurray (batería) fueron víctimas del clima de confusión que vivía la industria musical y de la poca repercusión que había obtenido su último disco Twilight Of The Innocents (2007). Ash anunciaban que a partir de entonces dejarían de publicar discos para pasar a ir publicando canciones sueltas de manera periódica con el fin de adaptarse a los nuevos hábitos de los consumidores. El resultado fue una colección de 26 temas que publicaron a lo largo de 2009 y 2010 bajo el título génerico de A-Z Series. Pero a pesar de que el grupo pudo expandirse musicalmente, ni de lejos obtuvo el impacto que buscaban. Quizá por ello, Ash decidieron tomarse un tiempo de reflexión y aunque seguían actuando en festivales o haciendo giras esporádicas, todo parecía apuntar que creativamente el trío ya había dado todo lo que tenía por ofrecer. Es por eso que la reciente aparición de Kablammo! (EarMusic) ha supuesto toda una sorpresa. No sólo por el hecho de que hayan vuelto al formato de álbum que creían muerto, sino por la calidad y frescura que desprende. Tim Wheeler nos atendió desde su casa en Nueva York para explicarnos su cambio de chip.

Es genial tener un nuevo disco vuestro después de tantos años. Sonáis como si no hubiese pasado ni un día desde el último trabajo. TIM WHEELER “Eso es bueno (risas). Como hacía tanto tiempo que no sacábamos nada queríamos recuperar un poco el sonido de nuestros inicios. Esperamos haber mantenido la frescura y la energía de entonces”. Yo creo que sí. Aunque os hayáis hecho mayores, creo que la música conserva ese espíritu juvenil. ¿Crees que es una parte esencial de la música de Ash? “Sí, es nuestra manera de ser. Cuando tocamos en directo queremos que la gente se mueva y se divierta, queremos obtener esa reacción. Llevamos tanto tiempo tocando juntos que forma parte de nuestro ADN. A veces también probamos otras cosas, pero la energía y la melodía son lo que nos define”. Antes de hablar de Kablammo! quería preguntarte por vuestra colección de singles A-Z Series. ¿Crees que fue una buena idea artística pero un suicidio comercial? “Desde luego fue un fracaso en cuanto a mis ambiciones. Yo aspiraba a tener un single en el Top 40 cada

dos semanas y no fue el caso (risas). Pero creativamente cumplió mis objetivos porque pudimos experimentar más y dado el formato, no tuvimos que preocuparnos por si las canciones encajaban entre ellas o no. Si hubiéramos hecho otro disco en ese momento, nos habríamos acabado repitiendo. Necesitábamos dejar de hacer álbumes. La última vez que lo escuché me pareció genial y me siento muy orgulloso de haberlo hecho. Crear el sello discográfico para lanzarlo y promocionarlo durante un año nos costó mucho dinero, fue muy duro. Así que en ciertos aspectos fue un fracaso y en otros un éxito, pero no me arrepiento”. Supongo que todavía seguimos todos perdidos en medio de esta adaptación de la industria musical y todavía nadie ha dado con la fórmula correcta. Es obvio que el mercado está más orientado a las canciones y que los singles son muy importantes, pero los amantes de la música queremos seguir teniendo álbumes. “Sí, eso es lo que descubrimos. El resurgir del vinilo es una buena señal. Mucha gente prefiere un álbum en el que poder centrar toda su atención, más que ir pasando de un playlist a otro. Creo que hay tanto bombardeo 33

de información que probablemente la mejor manera de conectar con los fans es entregar un álbum con diez canciones. Es un período extraño, la verdad”. De todos modos, han transcurrido cinco años desde las A-Z Series, un tiempo en el que publicaste también un disco en solitario. ¿En algún momento pensaste que Ash era un proyecto finiquitado? “No, porque cuando hice el álbum en solitario seguíamos girando con Ash. Algo que noté cuando hicimos las A-Z Series es que buscábamos nuevos sonidos, distintos sentimientos, y lo disfruté, pero en cuanto nos salía un tema que sonaba a los primeros Ash y que escribíamos sin apenas 34

esfuerzo, lo regalábamos gratis a la gente que estaba suscrita a las Series y ésas eran las que tenían la mejor respuesta de los fans. Los fans quieren que Ash seamos Ash (risas), así que pensé que quizá debía hacer un disco en solitario para experimentar pero que Ash debería seguir siendo Ash sin preocuparse en nada más (risas). Además, mi padre había muerto y perderlo había supuesto un gran cambio en mi vida, así que quería escribir sobre ello. Ese material era demasiado personal para una obra de Ash. Pero tenía claro que en cuanto acabara mi disco, me pondría a trabajar en uno de la banda”. Supongo que cualquier músico de éxito tiene ese dilema entre hacer lo que sabe que

gusta a su público o hacer lo que le gustaría a él. “Sí, a veces es duro. Muchas veces crees que las cosas buenas son las que requieren esfuerzo y para nosotros es muy fácil sonar a Ash. Nos sale sin ni intentarlo porque llevamos tanto tiempo juntos... Pero al mismo tiempo me gusta aprender y probar cosas nuevas. Cuesta encontrar el equilibrio porque tampoco puedes repetirte constantemente o la gente se aburrirá”. Así que escribir el nuevo disco de Ash fue pan comido… “Bueno, me llevó un tiempo. Nos juntamos y empezamos a componer, pero nos llevó un par de sesiones tener el estado mental adecuado. Me llevó como un año poder sacar mi

“NUNCA NOS HA PREOCUPADO CREAR UNA MÍSTICA O UNA IMAGEN ALREDEDOR DEL GRUPO” TIM WHEELER disco en solitario, así que estaba frustrado por poder lanzarlo. Me costó un poco volver a escribir de manera simple, así que hice cosas como escribir con un ukelele (risas). Me obligué para que salieran cosas muy simples y así es como surgieron ‘Cocoon’, ‘Machinery’ y ‘Shutdown’. Así que recuperé la simplicidad del punk a través de un ukelele (risas). Y luego cuando las tocábamos como una banda de rock, sonaban fantásticas. Así que ahí tienes el truco (risas)”. Sois una de las pocas bandas que seguís con la misma formación que al principio. ¿Ayuda conocerse tanto creativamente o quizá el estar tan cómodos los unos con los otros puede llevar a escribir material aburrido? “Lo que ocurre es que Rick es alguien que se esfuerza mucho en ser mejor batería. Siempre está tocando. Y yo igual. En cambio Mark no lo hace en absoluto (risas). Es un buen equilibrio porque Rick siempre añade cosas interesantes, pero Mark hace lo mínimo. Y está bien porque eso nos ayuda a sonar como Ash. Al final es positivo que no quiera ser mejor músico (risas). Desde luego discutimos menos que antes porque confiamos los unos en los otros”.

Deduzco que la grabación fue muy rápida. “Tenemos nuestro propio estudio, así que lo hicimos en un período largo de tiempo. Pero en cuanto nos ponemos a grabar somos muy rápidos. Rick puede grabar tres temas en un día, así que igual no empleó más de seis días en hacer todo el disco (risas). Y Mark igual. Soy yo el que soy más lento porque voy probando letras y voces distintas, así que igual estuvimos diez días para la música y unas tres semanas para las voces, pero a lo largo de seis meses”. Además, tu vives en Nueva York. “Sí, llevo diez años aquí”. ¡Diez años ya! ¿Crees que vivir ahí ha influido en algo tu música? “Sí. Hay una gran energía creativa. No sabría decirte en qué específicamente porque no he escrito nunca sobre Nueva York... Pero quizá debería hacerlo (risas). Básicamente es un gran sitio en el que trabajar. Una cosa que intenté también para este disco fue escribir veinte canciones en doce horas. Lo hice ocho veces, pero sólo logré escribir siete u ocho cada vez. Es duro. Lo hice a la vez que otros músicos y al final del día nos mostrábamos lo que había hecho cada uno. Hay una buena comunidad artística y desde luego, eso ayuda. Sería bastante difícil hacer eso en el campo, en casa (risas)”.

va York eres bastante anónimo. ¿Te ha ayudado eso a madurar, vivir como tú mismo en lugar de como Tim de Ash? “Sí, me encanta ser un tío más. Por eso vine aquí. Creo que no pude ser un adulto normal hasta que me mudé aquí. Irlanda del Norte es una comunidad relativamente pequeña y en Londres somos muy conocidos, así que necesitaba ir a un lugar donde fuera uno más. No sé si me entiendes pero quería tener una vida más corriente para poder sentirme inspirado. No puedes vivir en una burbuja y escribir buenas letras”. ¿Crees que Ash tenéis el reconocimiento que merecéis comparado con otras bandas británicas? ¿Quizá sois demasiado normales para que se os valore más? “Supongo que sí (risas). Nunca nos ha preocupado crear una mística o una imagen alrededor del grupo. Creo que siempre se nos ha infravalorado, especialmente ahora que ha pasado mucho tiempo desde que estuvimos en la cima. A veces me frustra porque creo que seguimos haciendo música igual de buena que entonces, pero bueno, seguiremos trabajando. Y en directo creo que desde hace cinco años estamos tocando mejor que nunca. Pero creo que al final la persistencia tendrá su recompensa. Para mí el secreto es la persistencia”.

Aunque vuestros discos se han publicado en Estados Unidos y habéis girado por ahí, me imagino que en Nue35

HERMANOS DE SANGRE CON SU PRIMER ÁLBUM THE WEIRD AND WONDERFUL, MARMOZETS SE HAN CONVERTIDO EN UNA DE LAS REVELACIONES DEL ROCK ALTERNATIVO BRITÁNICO. EN JULIO PODREMOS DISFRUTAR DE SU EXTRAÑO Y MARAVILLOSO DIRECTO EN EL BILBAO BBK LIVE. TEXTO: DAVID GARCELL FOTOS: DR

OMO SI FUERAN LA TRIBU DE LOS BRADY en versión hardcore, la historia de Marmozets se inicia con la unión de dos grupos de hermanos de la pequeña población de Bingley, en el condado de West Yorkshire.

C 36

Los Macintyre –Becca (voz), Sam (guitarra) y Josh (batería)- y los Bottomley –Jack (guitarra) y Will (bajo)- empezaron a tocar juntos siendo estudiantes y dieron sus primeros conciertos en 2007. Cuatro años después y tras curtirse compartiendo escenario con bandas

como Gallows, Young Guns o The Used, publicaban su primer EP Passive Agressive, en el que ya apuntaban un sonido heredero del math rock, con riffs complejos e inesperados cambios de ritmo, con el toque diferencial aportado por la voz de Becca que les ha llevado a ser

MARMOZETS

popularidad no ha parado de crecer... Hasta el punto en que los mismísimos Muse decidían ofrecerles el codiciado puesto de teloneros en la primera parte de su Psycho Tour. No está nada mal para una banda que apenas ha superado la mayoría de edad. Ayer nos suspendieron la entrevista porque estabais atascados en la frontera de Canadá. ¿Qué pasó? WILL BOTTOMLEY “Sí, estuvimos parados un buen rato. Estuvieron haciendo un registro. No fue demasiado divertido”. ¿Encontraron algo sospechoso? “No, no, era algo rutinario. Pero estamos acostumbrados a que nos paren (risas)”. ¿Os estáis también acostumbrando al éxito que estáis cosechando con el primer disco? “La verdad es que todo está saliendo bastante bien. Trabajamos con ese objetivo y se está cumpliendo”.

definidos como un cruce entre The Dillinger Escape Plan y Paramore. Tras publicar un par de singles y otro EP, el sello Roadrunner decidía ficharles para lanzar su álbum de debut. The Weird And Wonderful Marmozets veía la luz en septiembre de 2014, y desde entonces su

Ahora estáis en Estados Unidos. Allí es muy difícil para una banda extranjera tener un impacto. “Habíamos estado en el Warped Tour y volvimos a girar por aquí en noviembre y fue mejor de lo que esperábamos. Pero como dices, es muy difícil tener un impacto porque este país es enorme. Para que te hagas una idea, hemos tenido trayectos de 22 horas entre un concierto y otro. Con ese tiempo

puedes cruzar nuestro país varias veces (risas)”. Hace poco habéis estado dando unos conciertos con Muse por el Reino Unido. ¿Cómo os fue? “Fueron muy bien. Son una de las bandas más amables con las que hemos girado. Ha sido increíble tocar con ellos. Tocábamos en locales que son pequeños para Muse pero muy grandes para nosotros (risas). Fue una gran experiencia y lo disfrutamos”. ¿Cómo conseguisteis meteros en la gira? Porque debe haber miles de grupos queriendo tocar con ellos... “Sabíamos que a Chris, el bajista, y a Dom, el batería, les gustábamos. Eso fue toda una sorpresa. Siempre les gusta tocar con algún grupo nuevo y presentarlos a su público, y creo que fue Dom el que más insistió para que fuéramos nosotros”. ¿Os dejaron escuchar su nuevo disco? “No, no todavía. Escuché los nuevos singles y me gustan. De hecho, cuando estábamos de gira creo que todavía les estaban dando los últimos retoques”. ¿Cómo os recibió su público? “El público metal salta más y se vuelve más loco. El público de Muse era más observador. Pero parece que lo aprecien más. En nuestros propios conciertos, tenemos un poco de todo. Chavales dándolo todo, otros que lo cantan todo y otros que simplemente lo miran y disfrutan, sobre todo los que son más mayores. 37

más seria? “Creo que todos pensábamos igual. Todos queríamos hacer esto por encima de cualquier otra cosa. Nos parecía una carrera divertida y queríamos llevarla tan lejos como pudiéramos”. Vuestra música suena a menudo como dos bandas distintas tocando juntas. A menos que tengas un especial interés por la zoología es ¿Cómo fue el proceso muy posible que no tengas ni idea de dónde puede haber de moldear vuestro sacado su nombre la banda de Yorkshire. Al parecer fue un sonido? compañero de clase de los Macintyre quien les sugirió que “Cuando empezamos se llamaran Marmosets. A los hermanos les gustó la idea, éramos mucho más duros, pero decidieron cambiar la S por una Z. Pero, ¿qué es un más tipo Dillinger Escape marmoset? Pues lo que en español se conoce como Tití, Plan, pero la realidad es un pequeño mono de apenas 20 centímetros originario de que tenemos gustos muy Sudamérica y que a menudo son criados en cautividad para variados y poco a poco adoptarse como mascotas. Misterio resuelto. todos esas influencias fueron cogiendo importancia. Eso es lo que intentamos reflejar en el Es una buena mezcla”. álbum, una mezcla de todo”.

¿QUÉ ES UN MARMOSET?

Hablando de vosotros, siempre se dice que los grupos con hermanos son potencialmente conflictivos. En vuestro caso sois dos grupos de hermanos tocando juntos... ¿Cómo lo lleváis? “No sabría decirte la diferencia porque siempre he tocado con mis hermanos. Es todo lo que conozco y como me crié. Creo que en el fondo es beneficioso porque nadie te conoce mejor que un hermano y pase lo que pase va a estar ahí apoyándote”. ¿Quién fue el instigador de tomarse el grupo de manera 38

¿Hay un compositor principal o lo hacéis todos juntos? “Lo hacemos juntos. Siempre empezamos con un riff, y poco a poco vamos aportando distintos elementos, hasta que al final Becca le pone la melodía. Pero a veces puede ser uno el que lleve la idea principal”. ¿Cómo conseguisteis fichar por Roadrunner? “Dave, el jefe de A&R de Roadrunner nos vio tocar en Essex, donde abríamos para Senses Fail. Era un concierto pequeño, para no mucha gente, pero fue muy divertido. El

caso es que le gustó mucho y nos pagó los vuelos a Nueva York para que tocáramos allí para gente de la compañía. Había ocho bandas más, la mayoría de metal, pero al final salió todo bien y nos ficharon. Esto era en 2013, creo”. Mucha gente considera que hoy en día ya no es necesario tener un sello detrás, ¿pero para vosotros qué ha supuesto estar en Roadrunner? “Cuando empezamos teníamos una mentalidad más punk de que no deberías fichar por un sello y deberías mantenerte unido a tus raíces. Fichamos por Venn Records, que llevan un par de miembros de Gallows y que son amigos nuestros. Sacamos un single con ellos y, después, cuando vino Roadrunner, tuvimos ciertas dudas porque pensábamos que nos arrebatarían el control creativo, pero la realidad es que nos han ayudado mucho. Desde el principio nos dijeron que no nos dirían lo que teníamos que hacer, que son un sello de rock y que no quieren forzar a las bandas para que compongan de determinada manera. La verdad es que todo ha sido positivo”. Grabasteis el disco con Larry Hibbitt, guitarrista de Hundred Reasons. ¿Erais fans de la banda? “Mi tío era muy fan suyo y yo les había escuchado mucho antes de conocer a Larry. Recuerdo que nos ofrecieron tocar con ellos en Kingston, un garito pequeño para el que agotaron las entradas en 5 segundos (risas). Larry es muy buen tipo. Es muy calmado.

“NO CREO QUE TENGAMOS NADA QUE VER CON PARAMORE. CUALQUIERA QUE ESCUCHE EL DISCO EN LUGAR DE MIRAR LAS FOTOS PUEDE VER LA DIFERENCIA” WILL BOTTOMLEY Nunca se pone nervioso si algo lleva más tiempo de lo necesario. Es un buen tío para tener cerca porque sabe separar la parte personal de la profesional”.

“Sí, antes de cada concierto nos damos un abrazo de grupo, nos decimos cosas para animarnos, contamos hasta tres y pegamos un grito (risas)”.

¿Estáis contentos al 100% con cómo quedó el disco? “Sí, por supuesto. El disco nos llevó mucho más tiempo de lo que pensábamos porque teníamos todos los temas grabados, pero cuando llegó el momento de grabar las voces, Becca se puso enferma, tuvo bronquitis. Tuvimos que esperar a que se recuperara para terminarlo, pero mereció la pena”.

¿Dónde se hizo la foto? “En el 100 Club de Londres. Nos la hizo Tom Barnes antes de salir a tocar. Estábamos un poco nerviosos porque había como unas 400 personas para vernos. Era un buen recuerdo y nos gustaba mucho aunque no la hubiéramos usado de portada”.

Me gusta mucho la portada del álbum. ¿Es un ritual abrazaros antes de los conciertos?

¿Os molestan las comparaciones con Paramore? “No creo que tengamos nada que ver con ellos. Cualquiera que escuche el disco en lugar de mirar las fotos puede ver la diferencia”.

¿Pero hasta qué punto crees que tener a Becca como cantante os ha ayudado a tener más visibilidad? “Desde luego ha ayudado. Que una chica de una pequeña ciudad pueda cantar y gritar como ella llama la atención. Le da un toque distinto al grupo. Ha mejorado muchísimo. Al principio era muy tímida en el escenario, pero ahora es una bestia (risas)”. ¿Y cómo lleva el tener que viajar con cuatro tíos? “No creo que sea un problema. Se lo pasa muy bien. Es una de nosotros, sólo que es una chica (risas)”.

THE EARLY NOVEMBER

DURANTE UN TIEMPO PARECIÓ QUE ACE ENDERS TENÍA CUALQUIER OTRA COSA EN LA CABEZA ANTES QUE THE EARLY NOVEMBER, LA BANDA CON LA QUE SE GANÓ LA FAMA. AFORTUNADAMENTE EN LOS ÚLTIMOS AÑOS VUELVE A SER SU PRIORIDAD, COMO PUDIMOS COMPROBAR EN LONDRES. TEXTO: ALEJANDRO LOZANO FOTOS: DR/ALEJANDRO LOZANO (DIRECTO)

E PODRÍA DECIR QUE THE EARLY NOVEMBER han vivido varias etapas desde que empezaran allá por principios de 2000 en la legendaria Drive-Thru Records, aquella discográfica que ejerció como factoría de grupos punk y emo durante más de una década y presentó al mundo bandas como New Found Glory,

S 40

Finch o The Starting Line, entre otras. Ace Enders (cantante, guitarra) iba a ejercer un cargo de líder indiscutible en la formación, que completan Joseph Marro (guitarra, teclados), Bill Lugg (guitarra), Sergio Anello (bajo) y Jeff Kummer (batería), desde que se pusiera al frente de ésta, participando de forma activa en la composición y producción de todos sus trabajos.

Ese carácter exigente llevaría a los de New Jersey a hacerse un hueco entre sus compañeros de sello después de publicar dos primeros EPs y un álbum, The Rooms Too Cold (2003), que se convirtió en un clásico para los melancólicos del género en escaso tiempo, y que les llevó incluso a juicio con The Get Up Kids simplemente porque en la canción ‘Baby Blue’ plagiaron la frase

“SUPERAMOS TODO LO QUE HABÍA ENTRE NOSOTROS Y RECORDAMOS LO INCREÍBLE QUE ERA TOCAR JUNTOS DE NUEVO” ACE ENDERS

Volvéis a encabezar una gira por Europa después de mucho tiempo. ¿Cómo se siente volver pasados tantos años? ACE ENDERS “Genial. Está yendo mejor de lo que me esperaba. Es verdad que estuvimos hace un par de años por aquí en Inglaterra haciendo algún festival, pero no habíamos hecho una gira por nosotros mismos desde 2005 ó 2006, así que había ganas después de tanto tiempo”.

“I don’t want to love you anymore” de la canción ‘No Love’ por el hecho de homenajear a sus ídolos de aquel entonces, y que dejaron de serlo desde que se quedaran con la mitad de los derechos del corte. Sin tanto éxito como su predecesor, el segundo largo de los de Ace y compañía, The Mother, The Mechanic And The Path (2006), tardaría en llegar tres años, debido tanto al tiempo que dedicaron a su elaboración (formato de tres discos) como a los consiguientes rechazos de la discográfica californiana a tan longeva composición, siendo ésta, presumiblemente, la última que harían

en mucho tiempo debido a su repentina separación hacia la mitad de 2007, meses después de que lanzaran esa obra. En 2011 anunciaron su regreso a los escenarios y, tras pasar seis años en sequía musical, volvieron cual ave fénix gracias a un notable tercer álbum, In Currents (2012). Ya con todo en orden, y su cuarto trabajo, Imbue (Rise), a punto de tocar la calle, nos reunimos con Ace en Londres con el motivo de cazarlos en directo y que nos contara un poco sobre el pasado y presente de la banda, aunque nos confesara no haberlo pillado en un buen día.

Esta noche será la primera vez que vea un directo vuestro, y sinceramente, era algo que me costaba imaginar cuando os declarasteis en hiato temporal en 2007. Ahora que finalmente va a pasar, quería preguntarte, ¿cómo surge esa vuelta o qué es lo que os hace volver oficialmente como banda? “Bueno, supongo que fue algo que simplemente tenía que pasar. Superamos todo lo que había entre nosotros y recordamos lo increíble que era tocar juntos de nuevo. Sobre todo, también diría que el superar esas etapas de la vida que van surgiendo y que te hacen madurar; éramos muy jóvenes por aquel entonces. Creo que todo cobra un sentido ahora que miramos atrás y nos damos cuenta de que era lo que necesitábamos hacer en ese momento”. 41

Empezasteis pronto a retomar la forma con In Currents, que, he de decir, me encantó, y ahora este mes que viene presentáis vuestro cuarto álbum, Imbue. ¿Cómo fue ese proceso de grabación? “Muchas gracias. Pues fue muy bien, sobre todo porque lo hicimos en dos partes de tiempo separadas. Grabamos la primera mitad hace cosa de un año y medio, y la otra mitad hace recientemente poco. Ha sido la primera vez que lo hacía en mi vida y, bueno, fue diferente pero interesante”. Una vez más produces el álbum en tu Living Room Studio, donde también produces a otros grupos. ¿Cómo estás llevando ese rol de productor? “Muy bien, la verdad, lo disfruto bastante. Tengo la ventaja de mantenerme creativo todo el tiempo y, al menos, es algo que siento que hago bien (risas)”. El disco de Aaron West & The Roaring Twenties da fe de ello. ¿Qué tal llevaste la grabación con Soupy de The Wonder Years? “Gracias. Fue mejor de lo que me esperaba. Soupy trajo todo muy preparado y fue un placer formar parte de todo ese proceso con él. Lo recuerdo como una buena experiencia”. Ahora que andas también liado con la producción a bandas noveles, me gustaría saber qué labor ejerces en esa producción, si sueles ayudar en el proceso creativo... “Bueno, suele ir variando. Dependiendo del artista establecemos unas bases, y sobre ellas nos manejamos. 42

A algunos les gusta ser más abiertos a la hora de escuchar consejos o de pedirlos, y otros son más de traer una idea preconcebida que no quieren cambiar. A veces podemos estar de acuerdo en hacer una canción de una forma y luego volver a cambiarla o empezarla de cero. Lo que siempre intento es que el producto sea auténtico para ellos”. Como supongo será para vosotros lo nuevo que presentáis próximamente... ¿Hay alguna canción de la que te sientas especialmente orgulloso en este nuevo disco? “Diría que ‘Narrow Mouth’, la que presentamos como primer single en Spotify. Es mi canción favorita del álbum”. He podido observar que tocáis mucho material de vuestros primeros discos y sobre todo de The Rooms Too Cold. Con el paso del tiempo, ¿hay algún tema entre ellos al que le tengas más aprecio que a otros? “Supongo que a ‘Ever So Sweet’. Creo que es la que más le gusta a la gente. Es el momento más especial para mí en todos los conciertos”. Echando un poco la vista atrás, vosotros que vivisteis la época dorada de Drive-Thru en vuestros inicios, ¿cómo ha sido cambiar a Rise Records? “Bueno, fue un poco duro al principio, sobre todo porque cuando empezamos lo único que conocíamos era Drive-Thru y éramos muy jóvenes”. De hecho les mandasteis vuestras primeras demos a ellos

directamente, ¿no? “Sí, exacto. Fueron unos años increíbles y nos sentimos muy orgullosos de haber pertenecido a esa familia. Ahora en Rise estamos muy contentos. Nos tratan muy bien y nos dejan hacer todo lo que queremos, lo cual es genial”. Eso es fundamental. ¿Estás también al tanto de nuevas bandas o hay algo que te guste especialmente del panorama musical de ahora? “No suelo fijarme en los grupos de hoy en día. Pongo la radio cuando escucho música y simplemente oigo lo que me gusta en ese momento. Es como que no tengo preferencias, puede ser pop, folk, metal...”. Pero alguna banda favorita tendrás... “Bueno, es cierto, mi banda favorita de siempre es Pearl Jam. Eso no cambiará nunca (risas)”. Ahora que volvéis a tener que girar como antes, ¿se os hace difícil coger la rutina y estar tanto tiempo fuera de casa? “Me encanta poder estar de gira y

“MI BANDA FAVORITA DE SIEMPRE ES PEARL JAM. ESO NO CAMBIARÁ NUNCA” ACE ENDERS

“¡Ojalá que sí! Tenemos muchas ganas de tocar por allí. En cuanto sea el momento adecuado y veamos que todo nos cuadra será una de nuestras prioridades para la próxima vez que vengamos por Europa”.

venir a sitios como éste, tan lejos de mi país y que además conozcan mi música. Pero bueno, también se hace duro a veces y hoy la verdad es que estoy un poco cansado; he dormido tres horas y me duele la garganta. Lo siento, tío (risas)”. Bueno, es lo que tiene estar de gira (risas). Ya para ir terminando, ¿vais a estar totalmente centrados en The Early November a partir de ahora o tienes también planes con tus proyectos en solitario como I Can Make A Mess Like Nobody’s Business? “Ahora mismo estamos concentrados en The Early November desde que volvimos y queremos que siga siendo así porque lo estamos disfrutando por segunda vez, y de momento estos últimos años ha ido todo genial, excepto por mi voz (risas). Pero bueno, ya te digo que nunca se sabe lo que puede pasar... Eso sí, lo que tenemos en este momento nos encanta, así que seguiremos mientras todo continúe así”. ¿Puede que algún día os veamos por España?

TERMINADA LA ENTREVISTA, quedaba lo mejor de la noche. La cita tendría lugar en el barrio de Islington, concretamente en la sala The Garage. Desconocía desde un principio a los dos grupos que acompañaban a los de Enders en toda esta gira por el Reino Unido, Groezrock incluido, y por lo que había podido escuchar días antes prometían como para no perdérselos. Con poca gente aún en la sala, A Great Big Pile Of Leaves entretuvieron bastante a base de canciones con toque indie rock, más cercano a la escuela del emo revival, entre Bombay Bicycle Club y Modern Baseball, por así decir. Fue una sorpresa ver que su guitarrista era Matt Fazzi, el cual formó parte de Taking Back Sunday desde que se marchara Fred Mascherino, y que pocos años después tuvieron que despedir por la vuelta del guitarra original, John Nolan. Algunos temas a destacar fueron ‘Snack Attack’, ‘We Don’t Need Our Heads’ y ‘A Few Screws Loose’. Acabado su turno darían paso a You Blew It, y aunque tampoco parecían gozar de más seguidores que los anteriores, al ser declarados admiradores de Weezer ya despiertan simpatía instantánea. En cuanto a su estilo se podría decir que serían una banda más de Drive-Thru si ésta siguiera exis-

tiendo. ‘Match And Tinder’, ‘Award Of The Year Award’ o ‘House Address’ serían canciones a resaltar. Llegaba el momento de que se presentaran en el escenario los que protagonizaban la velada, y el ritmo de guitarra de ‘Frayed In Doubt’ abriría la veda de un set que iban a repartir equitativamente entre sus dos etapas como banda. De la primera se sucedieron clásicos como ‘I Want To Hear You Sad’, ‘A Mountain Range In My Living Room’ o ‘Fluxy’. La voz de Ace Enders no defraudaba por mucho que sufriera su garganta en canciones como ‘Something That Produces Result’, ‘Decoration’ o el tan buen single ‘Narrow Mouth’. Una renovada ‘Digital Age’ (regrabada para su nuevo disco) junto a otro avance de Imbue, ‘Boxing Timelines’ y la soberbia ‘A Stain On The Carpet’, precederían al gran final que llevaban establecido durante toda la gira. Empezando por ‘Ever So Sweet’, que fue por supuesto uno de los momentos top de la noche por la buena participación del público, terminaban antes del bis con la conflictiva ‘Baby Blue’, dedicada a su mujer allí presente, y dejando que la frase de la discordia la corearan sus fans. Tras el falso adiós, volvieron para acabar aún más alto con la fabulosa ‘Tell Me Why’ y la primera canción compuesta por la banda, ‘Every Night’s Another Story’, con la que incluso se llegó a formar un repentino pogo como anécdota final.

VISTA DE PÁJARO

MUSE

TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

“ESTA VEZ QUERÍAMOS HACER UN DISCO SÓLIDO DE ROCK. VOLVER UN POCO A LOS ORÍGENES Y DESHACERNOS DE ELEMENTOS CON LOS QUE HABÍAMOS EXPERIMENTADO EN LOS ÚLTIMOS DISCOS” CHRIS WOLSTENHOLME

MUSE

ODA BANDA que logra tener una carrera significativa pasa por varias fases. En la primera, que podríamos comparar con la niñez, los grupos invierten un largo tiempo en descubrir quiénes son, en buscar una identidad y esforzarse en darse a conocer. Luego llega la segunda fase, la de autoafirmación y reconocimiento público, que suele asociarse al éxito, y finalmente, la tercera, de madurez, en la que te soporta una base de seguidores estable y tu música es considerada relevante e influyente en formaciones que todavía están en la primera fase. De alguna manera, llegar a esta última posición te sitúa por encima del bien y del mal, y aunque saques discos mejores o peores, cuentas con un colchón suficiente como para lograr mantenerte en ella hasta que llegue tu final. Desde que publicaran su debut Showbiz en 1999, Muse han ido quemando etapas a una velocidad vertiginosa y con su quinto disco The Resistance (2009) ya conseguían el hito al que aspira cualquier banda británica: llenar el estadio de Wembley. Muse lo hicieron dos noches. Pero naturalmente llegar tan lejos también conlleva sus peligros (la au46

tocomplacencia, la falta de control, la pérdida de motivación…) y, por supuesto, una mayor exposición a las críticas. Aunque Muse, como U2, Coldplay o Radiohead, están tan arriba que es posible que ni siquiera las oigan. Pero en algún punto en los dos últimos años, durante la gigantesca gira de The 2nd Law, Matt Bellamy (voz, guitarra), Chris Wolstenholme (bajo) y Dominic Howard (batería) sintieron, quizá por primera vez en su carrera, que entre robots gigantes, suites instrumentales, experimentos con el dubstep y bailarinas colgando de globos aerostáticos estaban perdiendo la conexión con la música que, en origen, les había llevado a conseguir todo esto. Fue entonces cuando decidieron que en su séptimo disco volverían a hacer música como un trío, sin sintetizadores, programaciones ni orquestas. Pero naturalmente, de una banda tan épica como Muse tampoco podíamos esperar que grabasen un disco primitivo de rock garajero. Y por eso Drones (Warner), que verá la luz el 9 de junio y que presentarán como cabezas de cartel del festival Bilbao BBK Live el 11 de julio, llega con la firma de Robert John ‘Mutt’ Lange,

uno de los productores más exitosos de la historia (AC/DC, Def Leppard, Bryan Adams o su ex Shania Twain se hincharon a vender millones de copias gracias a él), amén de un concepto complejo sobre el papel (los drones como metáfora de la insensibilización del ser humano), pero que se ha trasladado a unas letras bastante pobres. Es un disco de rock, sí, pero con la carrocería de un coche deportivo. Un día después de poder escucharlo en las oficinas de su discográfica, bajo el tipo de celo reservado exclusivamente a los más grandes lanzamientos, tuvimos la oportunidad de charlar con Chris Wolstenholme, posiblemente el miembro de Muse al que menos ha cambiado formar parte de una de las bandas, pese a quien pese, más enormes del planeta. A pesar de todo el concepto que rodea Drones, musicalmente se trata del disco más simple y directo de vuestra carrera. ¿Era ésa la idea? CHRIS WOLSTENHOLME “Es posible. Teníamos la idea de que el álbum tuviera un concepto más sólido. En el pasado hemos hecho discos que hasta cierto punto eran conceptuales, pero en éste queríamos que tuviera una historia que pudiese seguirse de principio a fin, y eso es algo que no habíamos hecho antes. Y a nivel musical queríamos que tuviera un sonido un poco más consistente. Comparado con The 2nd Law, en el que cada canción era de un género distinto y saltaba de uno a otro, en éste queríamos hacer algo más homogéneo. Hay gente a la que le costó asimilar tanta diversidad, aunque personalmente me gustó ese

disco por ese motivo. Pero entiendo que hubiera quien no lo entendiera del todo. Así que esta vez queríamos hacer un disco sólido de rock. Volver un poco a los orígenes y deshacernos de elementos con los que habíamos experimentado en los últimos discos. Queríamos basar el sonido en guitarra, bajo y batería, que es lo que hacíamos al principio, y en el que basamos los tres primeros discos. Ésa era la idea para Drones”. ¿Te sorprende que hayáis sido capaces de publicar un nuevo álbum en menos de tres años teniendo en cuenta lo larga que fue la gira de The 2nd Law? “Sí, la verdad es que lo hicimos bastante rápido. Pero durante la gira anterior Matt ya estaba componiendo nueva música, así que cuando terminó, él ya tenía una buena idea de por dónde iría la obra. Nos tomamos un pequeño respiro y él siguió componiendo más. Creo que fue en mayo del año pasado cuando empezamos a trabajar las canciones juntos y durante el verano estuvimos haciendo ensayos de manera regular. No teníamos ni idea de cuánto tiempo nos llevaría y, en realidad, no nos importaba. Sólo queríamos hacer un disco realmente bueno, eso era lo importante. Trabajamos de manera muy relajada, sin plazos ni fechas de entrega. Pero en octubre nos metimos ya en el estudio y, si te soy sincero, todo ocurrió muy rápido. Desde luego mucho más que en los dos anteriores. Estuvo muy bien, la verdad. Supongo que el hecho de que fuera un álbum más básico, sin tanta electrónica ni orquestaciones, lo hizo posible porque eso te quita

“ESCUCHAS LA RADIO Y MUCHAS VECES SUENA POP DE USAR Y TIRAR QUE NO ME GUSTA NADA. ASÍ QUE MEJOR QUE SONEMOS NOSOTROS, ¿NO?” CHRIS WOLSTENHOLME

mucho tiempo. El hecho de poder juntarnos los tres en la sala y grabar lo hizo todo más fácil”. También sorprende teniendo en cuenta la fama de perfeccionista de Robert John ‘Mutt’ Lange, alguien que puede tirarse años para terminar un disco o, como explicaron Def Leppard, grabar un acorde de guitarra cuerda por cuerda para conseguir un sonido perfecto. ¿Fue distinto con vosotros? “Fue genial. Disfruté mucho trabajando con él, es un gran tipo y me encantó tenerle cerca. Es un productor de la vieja escuela. Está muy, muy centrado en la música. Muchos productores actuales viven dentro un ordenador, es todo muy técnico; en cambio Mutt se preocupa por la música y el sonido. Fue muy interesante trabajar con él, porque apenas se sabe nada de él. Es una persona

muy reservada. Creo que nunca ha dado entrevistas y no le gusta ser el centro de atención. Es una persona que ama la música y trabajar con músicos. Tuvo ideas muy buenas. Creo que varias canciones ganaron mucho gracias a su aportación. Dicho esto, es un perfeccionista (risas). Nos hizo repetir un montón de tomas. En comparación a otros productores, diría que con él hemos repetido el triple de tomas. Pero estuvo bien porque los dos discos anteriores los producimos nosotros mismos y al final pasamos más tiempo detrás de la mesa de control que tocando. Era importante para este álbum centrarnos en lo que somos buenos, que es tocar. Así que pasamos mucho más tiempo con los instrumentos en nuestras manos que con un ordenador. Funcionó muy bien y creo que Drones es una de nuestras obras con mejor sonido. Suena muy buen y las interpretaciones son muy poderosas. Tienen energía y eso es lo que sobre 47

todo necesitaba el disco”. En casi todos los discos que ha producido, desde Def Leppard a Bryan Adams, a Shania Twain, su sello personal está muy presente. ¿Os preocupaba antes de empezar que el álbum sonara más a Mutt Lange que a Muse? “En realidad no. Nosotros tenemos un sonido muy definido. Sabemos lo que queremos en cuanto a los sonidos de las guitarras o el bajo. Eso es importante. El sonido de una banda tiene que venir de la banda. Muchas veces los grupos dejan que sean los productores quienes elijan los sonidos, pero no es nuestro caso. Cuando vamos al estudio sabemos lo que queremos. Y aparte del equipo que usamos, el sonido del grupo procede de nuestra manera de tocar. Eso es algo que sólo nosotros podemos hacer. Así que no nos preocupaba acabar sonando como alguien más. Si hubiésemos visto que nos llevaba en esa dirección, o nos distanciaba demasiado de quiénes somos, simplemente hubiéramos parado la grabación. Creo que Mutt es realmente bueno sacando lo mejor que puedes ofrecer y consigue capturar a los grupos en un momento determinado de su historia. Por suerte, escuchó las maquetas que le mandamos antes de empezar y entendió nuestra idea. Hablamos bastante con él, sobre el sonido, sobre el concepto, y lo entendió. No quería cambiar lo que le estábamos proponiendo, sino hacerlo lo mejor posible”. Grabasteis el disco en Vancouver. ¿Por algo en especial? “El motivo principal fue porque los 48

“POR MUCHA CONFIANZA QUE TENGAS EN TU BANDA, NUNCA IMAGINAS QUE PODRÁS LLEGAR A LLENAR ESTADIOS. ES ALGO QUE TE GUSTARÍA HACER, PERO QUE PIENSAS QUE ES INALCANZABLE. ES BASTANTE INCREÍBLE QUE LO HAYAMOS CONSEGUIDO” CHRIS WOLSTENHOLME

Warehouse Studios tiene una mesa Neve, y sólo hay tres iguales en el mundo, creo. Una de ellas está en el estudio donde grabamos el disco anterior y la otra la tiene un coleccionista, así que el acceso a ellas es bastante limitado. Es una mesa que es genial para hacer rock y como queríamos hacer justo eso, nos recomendaron ese estudio en particular porque se consigue un gran sonido de batería”. ¿Realmente es tan importante hoy en día usar una mesa en concreto teniendo en cuenta toda la tecnología que existe? “Bueno, quizá haya algo psicológico (risas). El saber que otras bandas la han usado resulta inspirador. Me gustó mucho el documental de Dave Grohl sobre Sound City porque realmente, cuando entras en según qué estudios, notas que tienen un aura especial. Así que, de un modo u otro, esas cosas cuentan”.

En The 2nd Law tuviste la oportunidad de componer y cantar un par de temas. En éste todo vuelve a ser escrito y cantado por Matt. ¿No te sentiste cómodo haciéndolo? ¿Lo discutisteis? “Me gustó hacerlo, pero para serte sincero no disfruté del todo cantando, especialmente en directo... me costaba bastante. Creo que en el caso de Drones hubiera sido difícil para mí escribir en base al concepto de otra persona. No me parecía lo adecuado ni para mí ni para el grupo. Matt tenía un concepto y una música muy buena y no pensé que fuera necesario escribir nada más. En cambio, en The 2nd Law, que como he dicho antes era mucho más diverso, sí que me pareció que podía aportar algo”. ¿Qué tenía exactamente Matt en la cabeza cuando pensó en el concepto de Drones? ¿Cómo os lo explicó?

en el comedor y todo el mundo está hablando con otras personas que no están ahí. Pero supongo que mi padre pensaba lo mismo cuando me veía a mí jugando con la consola. No sé, lo que me preocupa es qué pasará de aquí a veinte años. Hoy en día ya no necesitas salir de casa para hacer nada, para comprar, para ver una película, ni siquiera para charlar con otra persona. No sé qué pasará, pero es probable que todos estemos encerrados en casa conectados a una pantalla”.

“Como sabes, Matt es alguien que le da muchas vueltas a todo (risas). Drones es una mezcla de cosas, desde muy personales a muy universales. Básicamente es una metáfora sobre la pérdida de empatía en el mundo. El hecho de que puedas matar a seres humanos a través de drones provoca que ni siquiera puedas sentirte culpable o responsable de tus acciones. Y a nivel más general, ése es el efecto que la tecnología tiene en todos nosotros”.

Volviendo a la música, en algunas canciones diría que habéis tirado más que nunca hacia el rock clásico. El inicio de ‘Reapers’ recuerda al de ‘Hot For Teacher’ de Van Halen y el puente es un poco como ‘Still Of The Night` de Whitesnake. “(Risas) Sé lo que quieres decir. Es posible que haya más influencias de hard rock, pero también tienes cosas más alternativas como ‘The Handler’. Para mí, cuando escucho ‘Reapers’ me suena más a alguien que está tocando el violín con una guitarra o algo así. Pero sí, tiene un rollo un poco más metal (risas)”.

Supongo que muchos tenemos sentimientos encontrados respecto a la tecnología... Ofrece cosas geniales, pero otras veces piensas que sólo sirve para que nos controlen aún más. “Sí. Es algo que veo con mis hijos. La manera en que ellos se comunican es muy distinta a como lo hacía yo a su edad. Ellos se socializan de manera virtual. A veces estamos todos juntos

Por el contrario, el último tema, ‘Drones’, es como un himno religioso a capella. ¿Cantáis los tres o es sólo Matt? “No, es sólo Matt. Es una pieza clásica, como un canto gregoriano. Debido al concepto del disco, al final no sabes si se ha ganado o perdido la batalla. Esa canción funciona de manera brillante porque es ambigua. La letra no se escucha bien y no sa-

bes si el final es positivo o negativo. Queríamos dejar el final abierto para que cada uno lo interprete como quiera”. A medida que el grupo ha ido creciendo y es habitual que vuestras canciones suenen en la radio, ¿no os sentís cada vez más obligados a tener que componer pensando en términos comerciales? Porque por ejemplo ‘Aftermath’ es una balada totalmente mainstream... “No lo creo. Puede que haya quien lo piense, pero nosotros sólo queremos componer buenas canciones. ‘Aftermath’ era una canción importante para el disco porque sabíamos que en algún momento se necesitaba un punto de calma. Porque, sinceramente, es un álbum rockero de principio a fin y queríamos un tema un poco más reflexivo. Mutt Lange creyó mucho en esta canción y trabajamos en ella a fondo. No tengo ni idea de si será un single o si funcionará o no, pero cumple su propósito dentro del álbum. Creo que hay muchos temas que podrían ser singles, ‘Dead Inside’ era uno evidente, ‘Mercy’, ‘Revolt’… pero no pensamos demasiado en ello. Pensamos más en el álbum como un todo. Estamos en una época muy orientada a los singles, por iTunes y las descargas, pero personalmente me encanta la idea de un álbum. Es una obra que significa algo y a lo que los grupos dedicamos mucho tiempo. Escuchas la radio y muchas veces suena pop de usar y tirar que no me gusta nada. Así que mejor que sonemos nosotros, ¿no? (risas)”. Hoy en día casi toda la mú49

sica comercial lleva incorporado un punto electrónico, vosotros mismos lo habéis venido haciendo, ¿pero no te parece que eso hace que todo acabe sonando demasiado parecido? “Lo que pasa es que hoy en día es muy fácil hacer música. Hay mucha gente que hace música sin saber tocar un instrumento. La tecnología aplicada a la música ha avanzado una barbaridad en los últimos veinte años. Puedes hacer una canción en 20 minutos con Garageband sin saber tocar nada. Por eso tanta gente hace singles. Escuchas la radio y sale alguien con un gran hit, pero luego nunca más vuelves a oír de él. Es extraño porque si has crecido tocando un instrumento, lo que quieres es juntarte con otra gente que hace lo mismo y formar un grupo para hacer música. Pero parece que la cultura de las bandas está desapareciendo y para mí es una pena. Miras a los grupos de los 60 y los 70 y tenían carreras largas. Ahora tienes que tener mucha suerte para pasar de tu primer disco. Es una pena que la industria musical haya acabado así y por eso nadie quiere formar bandas. Si fracasas con tu primer disco, tu carrera se ha terminado. Es criminal”. Vuestra última gira por estadios fue realmente espectacular... ¿Tenéis la intención, al igual que en el nuevo disco, de simplificar un poco las cosas o todavía queréis ir más lejos? “Bueno, empezaremos con los festivales, lo cual está bien porque no los hicimos con el disco anterior. En 50

los festivales todo será más simple porque obviamente compartes el escenario con otras bandas. Pero luego haremos pabellones y tenemos pensado algo espectacular porque el concepto del disco te abre muchas posibilidades. Puede dar pie a mucho contenido de vídeo y efectos. Creo que de nuevo llevaremos el espectáculo al límite (risas)”. Matt ha especulado con que habrá drones involucrados… “Ya veremos (risas). El problema es con las compañías de seguros. Ya sabes, si falla uno caería encima de la gente y podría ser peligroso. Tendríamos que poner una red de seguridad encima del público para que no pasase nada. No sé todavía qué haremos al final”. Recuerdo haber leído una entrevista, creo que era con vuestro mánager, en la que decía que en la última gira habíais perdido dinero debido a lo caro que era el montaje, pero que realmente lo veía como una inversión para posicionar a Muse como a una banda de estadios. Cuando terminasteis la gira y mirasteis las cuentas, ¿pensasteis que se os había ido la olla? “Bueno, cuando haces un show así sabes que cuesta un montón de dinero y que puede que gastes más de lo que ganes, pero al mismo tiempo, fueron grandes conciertos y tenemos grandes recuerdos, y no puedes ponerle un precio a eso. Al final estar en un grupo se trata de tener experiencias increíbles, no de ganar dinero. Desde luego en la gira

de estadios de hace dos veranos no ganamos nada porque lo gastamos todo en fuegos artificiales (risas), pero son shows que recordaremos para siempre. Son conciertos que nunca imaginábamos que podríamos hacer. Por mucha confianza que tengas en tu banda, nunca imaginas que podrás llegar a llenar estadios. Es algo que te gustaría hacer, pero que piensas que es inalcanzable. Es bastante increíble que lo hayamos conseguido”. Pero más que los robots gigantes y la pirotecnia, lo extraño hoy en día es encontrar una banda que tenga un repertorio que pueda sostenerse en un estadio. Y en vuestro caso es así. “Sí. Es algo que se consigue a base de tener muchos discos. Es complicado porque cuando tocas en un estadio o en un festival tienes que tocar todos los hits porque es lo que quiere la mayoría de la gente, pero al mismo tiempo también hay fans que quieren escuchar otras cosas. Es difícil porque si tocas en un estadio no puedes tocar una cara B de tu primer disco. Por eso a veces damos conciertos en sitios más pequeños donde tocamos todo lo que no solemos tocar, muchas caras B, temas de los primeros álbumes, y es muy divertido. Pero es genial tener seis o siete discos de los que poder elegir. Cuando hicimos la gira de Showbiz, desde luego, no teníamos ese problema (risas)”.

AFRAID TO SPEAK IN PUBLIC

Sin Miedo A VolVer 34

EL 6 DE DICIEMBRE DE 2012, AFRAID TO SPEAK IN PUBLIC VOLVIERON A SUBIRSE A UN ESCENARIO CON MOTIVO DEL 20 ANIVERSARIO DE LA SALA GARATGE DE BARCELONA. SE ENCENDÍA ASÍ UNA CHISPA QUE LES HA LLEVADO A GRABAR UN NUEVO ÁLBUM DE ESTUDIO, DOS MINUTOS DE ODIO. TEXTO: ANDRÉS MARTÍNEZ FOTOS: DR

UERON AÑOS CONVULSOS, LOS 90. Tiempos en los que la etiqueta alternativa agrupaba a bandas de muy diferente pelaje y donde mes tras mes se editaban discos que hoy en día son considerados como clásicos. Nuestro país también vivió su particular edad de oro. Recuerdo ver a Dover vender discos como churros, mientras grupos como Psilicon Flesh, Alius, Doomsday, Chococrispis, Groove Crew, Dut, Manta Ray, Corn Flakes o Killer Barbies llenaban salas con pasmosa facilidad. De entre toda esa cohorte de jóvenes intentando abrirse paso en nuestra escena sobresalían Afraid To Speak In Public, cuatro chavales de Badalona que antes de separarse nos dejaron tres discos que han de ser considerados como auténticas joyas de unos años donde el riesgo y la originalidad en la música estaban a la orden del día. 15 años después, han dejado de ser aquellos jóvenes furiosos que pusieron patas arriba una escena nacional que ellos enriquecieron con su maníaco crossover, pero como demuestran en su flamante nuevo álbum Dos Minutos De Odio (Los Afraid), todavía tienen muchas cosas que decir. Monti, su carismático cantante, que junto a Mariano (guitarra), Alex (bajo) y Gato (batería) siguen con el proyecto que se reactivó en 2012, se puso en contacto con nosotros para contarnos

cómo van las cosas en la banda ahora que son gente “madura y responsable”. Cuando os entrevisté para recordar la grabación de Showcase y que nos contarais un poco todo el tema de la reunión, me comentasteis: “Vamos a hacer el concierto de celebración del Garatge Club y ya veremos qué pasa”. ¿Es hora de pensar que Afraid están de vuelta como banda asentada de nuevo? ¿Cuáles fueron las principales motivaciones para meteros de nuevo en un estudio para grabar nuevas canciones? MONTI “Simplemente que las sensaciones del concierto de reunión fueron inmejorables. Enseguida nos dimos cuenta de que todavía teníamos cosas que aportar, sólo Rafa prefirió después de aquello quedarse al margen. Los demás teníamos muy claro qué rumbo debíamos tomar, nos preparamos todos los temas que pudimos ya con Gato a la batería y empezamos a hacer algunos conciertos puntuales para probarnos a nosotros mismos. Vimos que podíamos tener recorrido y qué mejor forma de retomar una carrera que entrando a grabar temas nuevos. Fue todo un reto después de tantos años pero disfrutamos mucho de ello, o sea que sí, es un retorno

en toda regla. Ya veremos dónde nos lleva este nuevo camino”. Antes de entrar en materia con las nuevas canciones, déjame preguntarte por dos de los miembros originales de la banda que ya no están. Carlos, vuestro primer bajista, ya no tomó parte de aquel concierto de Garatge, y Rafa, que sí estuvo, como has dicho, lo dejó. ¿Puedes concretar un poco más los motivos? “Carlos desgraciadamente hace años murió en un accidente, por eso en el concierto de Garatge lo presenté señalando al cielo, para recordar que fue una parte importantísima de Afraid y que no le olvidamos. En cuanto a Rafa, como ya te he comentado, prefirió simplemente no continuar. Básicamente porque algunos de los hechos que propiciaron la separación del grupo en los 90 todavía seguían presentes en él. No le culpo de nada. Todos somos libres de elegir nuestro camino, pero creo que no es bueno vivir aferrado al rencor del pasado”. Dos Minutos De Odio es lo que ha salido de vuestras retorcidas mentes musicales esta vez. ¿Cómo definiríais vosotros el disco? En mi opinión es como si no hubieran pasado todos estos años enlazando estas nuevas canciones con las que grabasteis en vuestro tercer álbum, el homónimo, con claras reminiscencias de vuestro sonido más kamikaze de los principios. “El disco es una mezcla de canciones hechas por completo en el local, a 53

“CREO QUE HEMOS CONSEGUIDO HACER UN DISCO MÁS UNIFORME Y COHERENTE EN SU CONJUNTO QUE LOS ANTERIORES. DEBE SER QUE NOS HACEMOS MAYORES (RISAS)” MonTi

la vieja usanza, con algunos temas recuperados de hace unos años. Al separarse Afraid, Manolo (guitarra) y Alex (bajo) montaron un nuevo grupo que se llamó Dos Minutos De Odio que sonaba como una evolución del sonido típico de Afraid, y algunos de los temas proceden de ahí. Lógicamente 15 años de diferencia se notan, pero yo también creo que este disco es un digno heredero del tercer álbum. Decidimos llamar el nuevo trabajo así primero porque 1984 es una obra maestra de la literatura y segundo como un pequeño homenaje a aquel grupo que inspiró buena parte del disco. En cualquier caso, el álbum creo que suena totalmente a Afraid 2015”. Esto que comentas se nota especialmente en temas como ‘Geminis’ o ‘Death In Excess’, que podían haber estado perfectamente en Afraid To Speak In Public o incluso en Showcase. Por eso te decía antes que parecía una continuación de allí donde lo habíais dejado. 54

“Precisamente esas dos canciones que dices son de las que recuperamos del antiguo grupo de Mariano y Alex (risas). Eso sí, en aquella banda no tenían cantante y te aseguro que casi me explota la cabeza para incorporar una línea de voz a temas como ‘Geminis’, que por cierto es una de mis favoritas. Ya les dije ‘¡Cómo se nota que no teníais cantante, cabrones!’ (Risas). De los temas más actuales digamos que tienen un toque más clásico, para nuestros estándares, claro… No sé, creo que hemos conseguido hacer un disco más uniforme y coherente en su conjunto que los anteriores. Debe ser que nos hacemos mayores (risas)”. En una conversación anterior no estuvisteis muy de acuerdo en que dentro de vuestro particular amalgama de estilos se podían encontrar ciertos ‘elementos comerciales’. He de decir que sigo pensando lo mismo. ‘Walking On Glass’, por ejemplo, me parece un hit en potencia. “Pues esta vez te tengo que dar la ra-

zón, de hecho ése es el tema elegido como primer single y vídeo. Creemos que es una buena canción para llegar a un nuevo público, algo vital si queremos tirar esto para adelante. A mí me gusta pensar que, dentro de un relativo caos como es el de nuestra música, nosotros conseguimos hacer canciones. Sin ninguna estructura clara, pero canciones al fin y al cabo (risas). Hay grupos que hacen ruido por hacer ruido, cambios cada tres segundos y mil estilos de música a la vez, pero se olvidan de que también hay que hacer buenos temas. Tiene que haber algo que conecte con la gente, algo que emocione a todos los niveles, algo que tu subconsciente retenga para toda la vida y que haga de esa canción algo atemporal, no sólo locura porque sí. No digo que nosotros lo hayamos conseguido, pero al menos ésa ha sido la intención”. De hecho, una de las cosas que más me ha sorprendido es el tono más ‘comedido’ de tus voces, y lo pongo entrecomillado porque me refiero

a que quizás te has centrado más a dotar de más texturas y riqueza estilística a tus voces en lugar de poner tanta furia como antaño. “Sí, puede ser. Lo que no voy a hacer es algo que vaya en contra de cómo siento la música hoy en día. Probablemente si hubiera grabado estas canciones hace diez años lo habría hecho de otra forma, pero ahora, como tú bien dices, he querido buscar emoción y versatilidad además de rabia. Estoy muy satisfecho con mi aportación en la grabación y eso que te aseguro que había temas que eran una locura para hacer algo coherente con la voz. Estos últimos años he escuchado un montón de grupos en los que el cantante se limita exclusivamente a gritar como un poseso, suene lo que suene. Sólo grita y además siempre de la misma forma, y a mí esto me aburre mucho. Me gusta lo que hacen gente como Mastodon, ahí hay un trabajo de voces brutal. La furia está muy presente, pero también hay montones de melodías que consiguen emocionar. Yo prefiero los cantantes versátiles que no lleguen a la parodia”. ¿Continuáis componiendo las canciones como si fueran pequeños monstruos de Frankenstein, uniendo pedazos de ideas de aquí y de allá? “Depende del tema. Las más nuevas no, son más bien el desarrollo de un solo ritmo o un riff que va evolucionando por sí solo y que vamos trabajando poco a poco en el local. Otras son canciones que Mariano, el alma mater compositiva del grupo, nos trae enteras a los ensayos y, una vez allí, las vamos mutando hasta hacerlas un

poco más a lo que es el sonido de la banda. Eso sí, respetando siempre la idea base o simplemente tocándola tal cual él nos la trae porque nos gusta a todos. Las más antiguas se han respetado bastante porque nos parecían brutales tal y como estaban, lo único es que las líneas vocales le daban un aire completamente nuevo… para bien o para mal (risas)”. He de decir que me encantan esas breves marcianadas como ‘Shakesperado’ o ‘Geminis II’, pero no puedo evitar pensar en lo que podría salir si se desarrollasen más hasta convertirse en canciones... ¿Cómo decidís por ejemplo que ‘Geminis II’ se quede como una simple intro? “En realidad ésa es el final original de ‘Geminis’. Lo que hicimos fue repetir la jugada que ya hicimos en el tercer disco con ‘Deep Red’, que una vez grabado se dividió en tres partes con algún retoque en postproducción. ‘Shakesperado’ es una locura, cómo no, de Mariano. A mí me gustaría desarrollarla más en directo, pero no me veo cargando con un acordeón en el escenario (risas)”. De todas maneras seguís siendo más raros que un perro verde. Vuestro cóctel imposible de punk, hardcore, metal, jazz, blues y rock inclasificable nació en los 90, una época en que la apertura de miras del público fue un hecho. Ahora que parece que vuelve a estar un poco sectarizado de nuevo, ¿cómo crees que puede ser recibido un disco tan atractivo pero tan

complicado como Dos Minutos De Odio? “Bueno, ya se verá. Yo creo que el público de hoy en día es más abierto y está más acostumbrado a cualquier marcianada musical, se llame como se llame. En nuestra contra tenemos, quizás, que a pesar de esa mayor cultura musical, la gente se decanta más por músicas de consumo rápido y de fácil digestión. Vamos, lo mismo que hace veinte años, y además internet puede ser un arma de doble filo que puede hundir al grupo más válido por el simple hecho de ser un poquito complejo. Tristemente la vida de una banda o un artista está a un solo click de ratón, la música ha perdido parte de su magia desde que la tienes toda a tu alcance. Irónico pero cierto”. ¿Cuál crees que es el futuro de la banda ahora mismo? ¿Qué expectativas tenéis? “Yo confío en que podamos hacernos un hueco en la escena actual y que con esfuerzo y constancia, tal como hicimos en el pasado, podamos tirar para adelante una propuesta como la nuestra. Aunque me temo que, una vez más, el escenario, nuestros directos, tendrán que ser nuestra arma. Creo sinceramente que hemos conseguido darle a nuestra música un aire nuevo, fresco y actual que podrán disfrutar tanto los viejos seguidores de la formación como un nuevo público potencialmente más joven que sólo nos conoce por referencias o por cuatro vídeos de YouTube”.

EL 2 DE JUNIO ES LA FECHA EN LA QUE VERÁ LA LUZ FOUR YEAR STRONG, EL SEXTO ÁLBUM DE… ¿LO ADIVINAS? FOUR YEAR STRONG. EL CUARTETO VUELVE CON LA MORAL ALTA... Y LAS BARBAS IGUAL DE LARGAS, DISPUESTO A RECUPERAR EL TIEMPO PERDIDO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

ORMA PARTE DE LA NATURALEZA HUMANA no darse cuenta de lo que uno tiene hasta que lo pierde. Los miembros de Four Year Strong, Alan Day (voz, guitarra), Dan O’Connor (voz, guitarra), Joe 56

Weiss (bajo) y Jake Massucco (batería) necesitaron tomarse un respiro y desactivar el grupo en 2013 para sentir la necesidad de volver a tocar juntos. Superadas totalmente su marcha de la multinacional Universal y la del teclista

Josh Lyford, el cuarteto de Worcester publicaba el julio pasado el EP Go Down In History y volvía a embarcarse en el Warped Tour. Con las pilas cargadas, a principios de 2015 entraban de nuevo en el estudio para grabar su primer álbum desde que hicieran In Some Way, Shape Or Form en 2011. Gracias a colocar al guitarrista de Converge, Kurt Ballou, en la silla de productor, el grupo ha facturado un sexto álbum, bautizado con su propio nombre y publicado por Pure Noise

período de inactividad? ALAN DAY “Un poco sí. Quizá más que para ponernos en forma fue para recordarnos por qué habíamos empezado el grupo en su momento. Cuando hicimos Rise Or Die Trying había sido el resultado de años y años de influencias y escribir temas, y queríamos mostrar al mundo lo que era Four Year Strong. Luego seguimos haciendo discos y estábamos en otros momentos vitales, y por eso poco a poco fuimos variando. El EP fue sobre todo la manera de recuperar la energía que tenemos en directo, porque a fin de cuentas lo que más nos gusta es tocar juntos delante de la gente. En In Some Way, Shape Or Form, nuestro anterior disco, cambiamos un poco nuestra manera de componer. Pensamos más en el disco en sí mismo y no tanto en el directo, y eso cambió nuestro sonido más de lo que habíamos previsto. Así que en EP queríamos volver un poco atrás y recuperar la emoción del directo. Y es algo que hemos mantenido en este nuevo disco”.

FOUR YEAR STRONG

Records, en el que ofrecen una versión más cruda de su sonido sin renunciar a sus características melodías vocales. En medio de su actual gira por Estados Unidos junto a The Story So Far, Alan Day nos llamó desde St. Louis para contarnos cómo está viviendo esta segunda etapa. El pasado verano publicasteis el EP Go Down In History. ¿Fue una manera de poneros en forma después de un largo

Así, ¿ves In Some Way, Shape Or Form como un disco que no os acaba de representar? “Sí. Cambiamos totalmente la manera de componer en comparación a como lo habíamos hecho. Siempre habíamos escrito toda la música primero y luego le añadíamos las melodías encima y las letras. Era una fórmula que funcionaba y nos salía bien. En cambio en ese disco empezamos a componer con guitarras acústicas, pensando en melodías, en progresiones de acordes y todo eso. Queríamos hacer canciones más compactas, menos locas, pero no nos dimos cuenta de que al hacer eso perdíamos la esencia de Four Year Strong, que es

“EN EL DISCO ANTERIOR QUERÍAMOS HACER CANCIONES MÁS COMPACTAS, MENOS LOCAS, PERO NO NOS DIMOS CUENTA DE QUE AL HACER ESO PERDÍAMOS LA ESENCIA DE FOUR YEAR STRONG, QUE ES TENER ESE PUNTO DE LOCURA” ALAN DAY tener ese punto de locura”. Lo cierto es que el nuevo álbum suena como si os hubierais divertido más tocándolo. “Sí, porque los temas son más difíciles de tocar. Ahora que hemos empezado a tocar en directo nos hemos dado cuenta de que incluso nos pasamos (risas). Es un desafío”. Por su energía recuerda a Enemy Of The World… “Sí, es posible. Yo incluso diría que éste aún tiene más fuerza, es más guitarrero. No eres el primero que dice que los nuevos temas le recuerdan a los de Enemy Of The World, así que debes tener razón (risas). No es que intentáramos copiar ese álbum, pero como te decía antes, ya con el EP queríamos ir un poco hacia lo que hacíamos antes”. ¿Desde la marcha de Josh os sentís más liberados también al no tener que pensar en cómo encajar los teclados? “Sí, desde luego. Ya no tuvimos teclados en In Some Way, Shape Or Form, pero la razón fue precisamente porque siempre nos ocurría que cuando ya lo teníamos todo compuesto teníamos 57

que pensar cómo meter los teclados. Muchas veces simplemente hacían la misma línea que la guitarra y eso nos parecía forzado. Ahora creo que todo suena mucho más natural y honesto”. Me sorprendió mucho enterarme de que Kurt Ballou iba a producir la obra. ¿Cuál fue su reacción cuando se lo propusisteis dado que está acostumbrado a grabar bandas mucho más duras? “La verdad es que fue genial. Siempre nos ha gustado su manera de grabar, pero teníamos asumido que no querría trabajar con nosotros precisamente por lo que dices. Lo que pasó con el EP es que Dan acababa de tener una hija y no quería estar lejos de casa. Antes habíamos grabado en New Jersey, en Nueva York, y esta vez nos decidimos 58

a encontrar un estudio en Massachussets, y ahí fue cuando nos planteamos de verdad el poder hablar con Kurt. Nuestros amigos de Every Time I Die estaban grabando con él, así que le hicieron llegar nuestras intenciones y de inmediato respondió diciendo que le encantaría. Después, hablando más con él sobre su carrera, nos comentó que el problema que tiene es que sólo le hacen propuestas bandas cañeras porque es por lo que se le conoce, pero que en realidad le gustaría hacer otras cosas porque tiene gustos muy diversos. Así que el trabajar juntos fue beneficioso para ambos porque pudimos probar algo nuevo”. Me parece muy curioso lo que cuentas. ¿En este punto de vuestra carrera todavía os sentís inseguros a la hora de

hablar con productores o músicos porque piensen que sois demasiado pop para ellos? “No es eso. No creo que nos sintamos inseguros, en este caso simplemente pensamos que Kurt no estaría interesado. La verdad es que estamos bien de autoestima (risas)”. Y en realidad, si quitas las voces, vuestra música está lejos de ser blandurria... “Sí, nos gusta desmarcarnos del mundo del punk pop siendo un poco más duros. Nos gusta mucho el metal y crecimos en la zona de Nueva Inglaterra, donde hay una gran tradición de bandas duras como los propios Converge, Hatebreed o American Nightmare, que nos gustan mucho. Intentamos que nuestros riffs tengan fuerza y en este disco hay más riffs

“ESTÁBAMOS HARTOS LOS UNOS DE LOS OTROS, PERO POR SUERTE NO TOMAMOS NINGUNA DECISIÓN RADICAL O NOS SEPARAMOS, Y ESO NOS PERMITIÓ PODER VOLVER CON MÁS GANAS QUE NUNCA” ALAN DAY que nunca. Es lo que nos divierte”. Como también os divierte poner títulos raros como ‘Here’s To Swimming With BowLegged Women’... ¿De dónde surgió? “Mmm… Para serte sincero ni recuerdo qué canción es ésa (risas). Es que cuando grabamos utilizamos títulos provisionales y ahora mismo no caigo en cuál es”. Es la octava del disco… “Ah… Creo que sé cuál es (risas). Bueno, la verdad es que tampoco nos gusta explicar los títulos o las letras. Dan y yo escribimos las letras en función a lo que sentimos nosotros y si otra persona proyecta lo que siente y conecta con ellas, no quiero estropearlo explicando exactamente sobre qué tratan. Igual para alguien una canción es muy profunda y le fastidiaría saber que la escribí pensando en la crema de cacahuete (risas)”. ¿Pero dirías que en general seguís hablando de lo mismo que cuando empezasteis? “Bueno, obviamente ahora hemos madurado… o eso espero (risas). Todos tenemos cerca de 30 años y somos más adultos. Las situaciones de las que

hablamos son distintas a las de cuando teníamos 19 ó 20 años, pero en el fondo, cada día seguimos aprendiendo cosas porque la vida nunca deja de sorprenderte”. ¿Cómo dirías que la paternidad os ha cambiado? “Bueno, por ahora sólo Dan es padre. Lo único que ha cambiado es que quiere estar más en casa, pero te diría que si lo ha cambiado ha sido para sentirse aún más emocionado con el grupo. Tiene ganas de tener una carrera de la que su hija pueda sentirse orgullosa”. ¿Y tú te ves con hijos? “Sí, algún día. Este año me voy a casar. El año pasado me compré una casa con mi prometida. Tendremos hijos, pero no tenemos prisa en absoluto (risas). Tengo 27 años y mi prometida 30, así que aún hay tiempo”. ¿Cómo llevaste el tiempo que el grupo estuvo parado? “Fue muy extraño. Después de tantos años de gira, te sientes más cómodo en la carretera que en casa. Pero al mismo tiempo estaba tan, tan quemado de estar fuera y estábamos tan hartos los unos de los otros que necesitábamos parar. Así que estuvo muy bien tener tiempo para nuestras novias, mujeres, familias, amigos… Fue una gozada. Pero luego empezó a volverse raro porque nunca habíamos estado tanto tiempo en casa. Nunca había pasado tanto tiempo con mi novia en cinco años de relación. Siempre eran unas pocas semanas… aunque habláramos cada día. Fue muy interesante porque pudimos conocernos mucho mejor. Y también nos dio la oportunidad de explorar otros hobbies. Joe es

carpintero y pudo dedicarse a ello. Yo empecé un proyecto en solitario y a producir otros grupos. Dan tuvo su hija… Así que cada uno pudo dedicarse a sus cosas hasta que llegó el momento en que echábamos mucho de menos el tocar juntos”. En el fondo es un privilegio. A mucha gente le iría bien poder tomarse un descanso de su relación o su trabajo para poder echarlo de menos y volverse a enamorar con lo que hace. “Sí, es una gran suerte poder parar. Pero todavía es más suerte poder volver a hacer lo que te gusta. Como te decía, estábamos hartos los unos de los otros, pero por suerte no tomamos ninguna decisión radical o nos separamos, y eso nos permitió poder volver con más ganas que nunca. Nos dio la oportunidad de reflexionar y recuperar la ilusión por la música. Y el que los fans todavía sigan ahí es increíble”. ¿Ves a los fans apreciando más al grupo que antes? “Sí, veo mucha emoción en las caras de la gente. Lo curioso es que en este tiempo nos hemos saltado una generación y ahora vemos una nueva hornada de fans jóvenes que nos ven como si fuéramos un grupo nuevo. Eso es emocionante para nosotros. Ahora que estamos de gira con The Story So Far, quienes tienen fans más jóvenes, resulta muy obvio. Así que estamos muy felices por todo”. Felices y barbudos… “Sí, felices y barbudos... Mola”.

¿ABURRIDO DEL METALCORE? AUGUST BURNS RED TAMBIÉN, Y POR ESO ESTÁN DECIDIDOS A PONERLE UN POCO DE IMAGINACIÓN AL GÉNERO QUE LES ENCUMBRÓ. EN SU NUEVO DISCO FOUND IN FAR AWAY PLACES ENCONTRARÁS DESDE GUITARRAS SURF HASTA MÚSICA FOLCLÓRICA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

AUGUST BURNS RED

PESAR DE QUE AUGUST BURNS RED comenzaron su andadura a principios de la pasada década, en plena eclosión del metalcore, con el tiempo les ocurrió lo mismo que a muchos de nosotros: empezaron a aburrirse del estilo. Los primeros indicios se detectaron en las declaraciones que hacían sus componentes -Jake Luhrs (voz), JB Brubaker (guitarra), Brent Rambler (guitarra), Dustin Davidson (bajo) y Matt Greiner (batería, piano)- en las entrevistas, en las que se quejaban de la saturación de grupos clónicos y la reiteración de los mismos elementos musicales, algo que, por otra parte, ellos eran tan culpables como los demás. Pero su hastío no era sólo de boquilla y a partir de su cuarto disco Leveler (2011), la banda de Pennsylvania ha ido incorporando nuevos recursos cada vez más sorprendentes. Que la popularidad del grupo no se haya resentido, más bien lo contrario (su anterior Rescue & Restore entró en el número 9 del Billboard), confirma que pese a lo conservador que suele ser el público, quizá no lo es tanto como piensan los músicos y la industria en general. Y así llegamos a su sexto álbum, Found In Far Away Places, con el que se estrenan en el sello Fearless, y en el que dejan patente su gran estado creativo. Su guitarrista Brent Rambler nos explicó los pormenores de esta nueva obra. El nuevo álbum es un paso más en vuestra idea de seguir introduciendo nuevos elementos a vuestra música. ¿Es hacer un nuevo disco un reto cada vez más difícil? BRENT RAMBLER “Sí, claro que es difícil, pero se trata de aceptar el desafío y no tener miedo de probar cosas nuevas. Muchos grupos se conforman con mantener una fórmula, pero quizás no se dan cuenta de que al final la gente se aburre de ti. Para nosotros eso no es una opción. Queremos ser lo más abiertos de mente que podamos”. ¿Dirías que en general vuestra música es una reacción a lo que suele hacerse en la escena metalcore? “No sé si es una reacción, pero desde luego no somos muy fans de muchas bandas de la escena. Naturalmente, como en cada género, hay grandes grupos, pero desde luego buscamos nuestras influencias en otras partes. Queremos romper moldes, pero tampoco diría que ésa es 61

“A VECES LAS BANDAS PROGRESIVAS SE PASAN Y ACABAN ABURRIENDO. INTENTAMOS IR AL GRANO. QUEREMOS QUE CADA CANCIÓN SEA EMOCIONANTE DE PRINCIPIO A FIN”

nuestra principal motivación”. ¿Os gustaría ser vistos como los Mars Volta del metalcore? “(Risas) Creo que ellos eran mucho más marcianos que nosotros”. Bueno, mis temas favoritos son los más marcianos, como ‘Identity’, con esa parte surf, o la parte balcánica 62

de ‘Separating The Seas’... ¿Pero alguna vez habéis descartado algo por ser precisamente demasiado marciano? “Sí, a veces ocurre. Por ejemplo dudamos mucho sobre si la parte de ‘Separating The Seas’ era demasiado larga. Siempre miramos cada sección con atención. En este disco no hemos descartado nada, pero sí en otros trabajos. Tampoco queremos convertirnos en una parodia. Todo tiene que fluir de manera natural para que funcione”. Escuchándote hablar, y por otras entrevistas que os hemos hecho, para vosotros tiene que ser un suplicio girar en estos paquetes de cuatro o cinco bandas de metalcore. ¿Os aburrís mucho?

“(Risas) Puede ser, sí. Las dos primeras noches quizás te quedas a ver a los otros grupos, pero de todos modos es raro que los músicos se queden a ver las actuaciones de los demás. Personalmente hasta que salgo a tocar prefiero irme a cenar, o a un bar, o al gimnasio. Pero te digo de verdad que ningún músico se queda a ver al resto porque es muy aburrido (risas)”. ¿Cuál ha sido el último grupo que sí te has divertido viendo, o incluso te ha inspirado? “Uno de los mejores grupos actuales son Architects. Son increíbles y por fin se les está haciendo caso. Llevan tiempo sacando grandes discos y con el último parece que han dado en la diana. Tienen un gran directo y siempre que puedo, los veo. Y también intento ver siempre a

Between The Buried And Me. Dentro del metal destacaría a estos dos. Oh, y hace poco hemos girado con Northlane y son increíbles. Están aportando algo fresco al género. En la última gira los vi cada noche”. La última vez que estuvisteis aquí fue con A Day To Remember. ¿Os gusta más tocar con bandas como ellos, que son menos duras que vosotros? “Sí, hicimos esa gira sabiendo que éramos la banda más metal del cartel, y eso hace que destaques más. Pero bueno, tampoco somos una banda extrema, tenemos partes pegadizas, así que podemos gustar a muchos públicos. Después de A Day To Remember estuvimos girando con Lamb Of God, así que lo más positivo es poder encajar en diferentes opciones. Eso me encanta porque nos ayuda a expandirnos”. Tengo que decirte que después de veros en directo me hice mucho más fan porque vi que tocabais de verdad. Hoy en día nunca sabes si los grupos tocan realmente o no, o si lo llevan todo pregrabado. “Sí, hay muchos grupos usando un montón de pistas grabadas. No voy a mentir y decir que no las usamos, porque también lo hacemos, pero sólo para las partes que hemos grabado con otros instrumentos. No escucharás voces pregrabadas o un solo de guitarra pregrabado. Así que no tengas miedo, sabemos tocar nuestros instrumentos (risas)”. Es que da mucha rabia que

los grupos ya ni toquen. Pasa como con los DJ’s que llevan un pendrive con la sesión y sólo hacen el paripé. Odio que eso se esté asimilando en el mundo del rock. “Tienes toda la razón, está pasando. Supongo que en los DJ’s su talento está en la creación de sonidos, no en saber ejecutarlos porque no tocan instrumentos. Pero cuando ves un grupo de metal que lo hace es ridículo. Si te subes a un escenario y no sabes tocar tu instrumento, quizá te deberías plantear lo que estás haciendo (risas)”. ¿Y qué te parece la nueva hornada de bandas de metal más técnico tipo Periphery? “Periphery y Tesseract son las dos mejores. Tocamos con Tesseract en el Soundwave y son una gran banda. Periphery están liderando toda la escena djent. Cogieron todo el rollo rítmico de Meshuggah e hicieron algo diferente. Por desgracia, como pasó con el metalcore, hay demasiadas bandas sonando igual. Pero al final, sólo quedarán las mejores”. Vosotros también tenéis un lado progresivo, pero, salvo excepciones, ofrecéis canciones relativamente cortas. ¿Es algo que hagáis deliberadamente? “Sí. A veces las bandas progresivas se pasan y acaban aburriendo. Intentamos ir al grano. Queremos que cada canción sea emocionante de principio a fin. Hay grupos que parece que cojan tres canciones distintas y las unan porque sí. Supongo que como no empezamos

como una banda progresiva, siempre hemos intentado ser más concisos”. ¿Dirías que hay un disco que supuso un punto de inflexión en vuestra carrera en cuanto a conseguir hacer la música que realmente queríais? “Creo que el paso que dimos entre Messengers y Constellations fue enorme. En Messengers intentábamos ser lo más agresivos posibles, mientras que en Constellations nos planteamos escribir canciones realmente buenas. Es el punto en el que maduramos. Y también entre Leveler y Rescue & Restore fue cuando empezamos a ser más progresivos. Para mí ésas son las dos etapas que han marcado lo que somos ahora”. Aun así, todavía hay elementos inherentes al metalcore en vuestra música como los breakdowns. ¿A estas alturas lo veis todavía como algo que no podéis dejar atrás? “Bueno, sí es parte del género, pero es que cuando lo escuchas hacer bien a otras bandas piensas ‘buff, es la polla’ (Risas). Hay algo en los breakdowns que hace que tu cuerpo se agite. Es lo que atrajo a la gente hacia el metalcore, esa parte rítmica que rompe con las partes más rápidas. A nosotros nos gustan y por eso los metemos en nuestras canciones. Son muy divertidos de tocar y en directo es la leche. No sé si seguiremos haciéndolos en el futuro, y hemos hechos canciones que no los tienen, pero creo que de un modo u otro están aquí para quedarse en nuestra música”. 63

“SI TE SUBES A UN ESCENARIO Y NO SABES TOCAR TU INSTRUMENTO, QUIZÁ TE DEBERÍAS PLANTEAR LO QUE ESTÁS HACIENDO”

Además de tocar la guitarra también escribes algunas letras. ¿En qué te inspiraste esta vez para hacerlas? “De hecho en este disco escribí siete canciones. Hablo de muchos temas. Experiencias vitales, o de gente que conozco. Me gusta que la gente piense o mire su vida e intente mejorarla. También hablamos del medio ambiente, de cuestionar tus creencias. No hay límites sobre lo que podemos hablar. Todos votamos sobre qué letras utilizamos y en este disco, escogieron las mías”. Volviendo a A Day To Remember, en ‘Ghosts’ tenéis a Jeremy McKinnon cantando. ¿Fue una invitación por amistad o realmente creíais que su voz era la mejor posible para ese tema en concreto? “Un poco las dos cosas. Conocemos a esos tíos muy bien. En 2008 hicimos el Warped Tour con ellos y luego hemos girado varias veces. Creo que en cuanto a voces limpias, 64

la suya es la mejor de la gente que conocemos. Básicamente queríamos aprovecharnos de él (risas). Cuando hicimos esa canción, pensamos que encajaría muy bien y se lo propusimos. Resultó que estaba en el estudio grabando a otra banda, así que lo tenía a huevo para grabar su parte. Nos mandó una maqueta con lo que quería hacer y a todos nos encantó. Y luego ya hizo la toma definitiva”. ¿Cantará Dustin esa parte en directo? “Sí, creo que le tocará a él”. De todos modos, August Burns Red soléis evitar el rollo de intercalar voz limpia y voz agresiva, eso tan común en el metalcore. ¿Alguna vez alguien de vuestro entorno o discográfica os ha presionado para que lo hagáis y ser así más comerciales? “No. Jake puede modular su voz, pero no le sale una voz limpia. Y Dustin puede cantar, pero sus partes de bajo son complicadas (risas). Puede cantar si hace acordes, pero suele tocar muchas notas, así que no es una opción. Básicamente por eso nunca lo hemos hecho. Pero tampoco nunca nadie nos ha

empujado a hacerlo. Mucha gente pensó cuando fichamos por Fearless que lo haríamos porque es un sello con bandas más melódicas, pero nos ficharon porque les gustamos, no querían cambiarnos. Después de cinco discos ya sabían lo que estaban comprando (risas)”. ¿Sigue siendo un paso importante fichar para un nuevo sello o para un grupo establecido es sólo una cuestión de negocio? “Es muy importante. Hablamos con muchos sellos para ver lo que ofrecían y al final nos decidimos por Fearless porque tenían el mejor equipo de márketing. Tienen un gran equipo humano y eso es importante para nosotros. Nos gustaron mucho sus ideas y los grupos que tienen están felices con ellos y les va bien. Es importante trabajar con gente con ideas frescas, que intenten cosas nuevas. Por eso fichamos por ellos”. ¿Habláis con otros músicos para ver qué opinan del sello donde están? “Sí, no lo dudes. Si tienes un mal mánager o estás en un mal sello, la voz corre muy rápido. Por eso hace siglos que nadie quiere fichar por Victory Records (risas)”. ¿Tienes alguna idea de si os podremos ver pronto por aquí? “Estamos trabajando en algo de cara a otoño, así que manteneros alerta. Nos encantaría volver”.

ROGER HARVEY

REFUSED

DISCO DEL MES

Freedom (EPITAPH) ROCK, HARDCORE PUNK

l 6 de octubre de 1998, la policía irrumpía en un sótano de Harrisonburg, una ciudad universitaria de Virginia, para cortar el concierto de una banda sueca de hardcore político. En aquel momento ninguno de los 50 asistentes lo sabía, pero acababan de presenciar la última actuación de Refused. Apenas habían pasado cinco meses desde la edición de su tercer álbum The Shape Of Punk To Come, pero las tensiones entre el vocalista Dennis Lyxén y el resto de miembros llevaron al grupo de Umea a despedirse con un agrio manifiesto titulado Refused Are Fucking Dead. Desde

entonces la influencia de la banda, y en especial de este tercer álbum, en el mundo del hardcore y hasta fuera de él, no dejó de crecer. Podríamos decir que el día que la banda terminó, empezó la leyenda. Naturalmente, durante los años siguientes, los miembros del grupo intentaron distanciarse de la inevitable sombra de Refused con otros proyectos, pero su pasado les perseguía. La posibilidad de una reunión parecía totalmente imposible, pero finalmente, en la primavera de 2012 Refused volvían a subirse a un escenario. Lo que en un principio iban a ser unos pocos conciertos puntuales en festivales se expandió

en una gira en toda regla de 82 shows. Como era de esperar, la excitación que sintieron aquellos que fuimos testigos de sus actuaciones tuvo como contrapartida un aluvión de críticas, totalmente oportunas, entre quienes consideraron que Refused se habían vendido al capital rompiendo todos los principios que proclamaban en sus canciones. Pero si bien demostraron estar a un gran nivel en directo, la mayoría de sus fans dudaban de si serían suficientemente atrevidos para meterse en el estudio y poner en riesgo su propio legado. De no haberse separado, grabar la continuación de The Shape

Of Punk To Come ya hubiese sido una tarea titánica. Hacerlo 17 años después, cuando el álbum es considerado un clásico absoluto, era prácticamente un suicidio. ¿Y bien? ¿Es Freedom, que verá la luz el 29 de junio, la mayor cagada de su vida o Refused han obrado el milagro? Pues diría que está más cerca de lo segundo que de lo primero. Dejando de lado cualquier consideración política (ya sé que habrá quien piense que es un elemento indisociable del grupo) y centrándonos en la música, lo más valioso de Freedom es que mantiene su espíritu aventurero y ganas de trascender géneros. Quien busque un disco de hardcore ortodoxo, mejor que acuda a los de AC4, la otra banda de Lyxzén y el guitarrista

a un ritmo programado y una voz recitada que nos introduce a una ‘Old Friends/ New War’ marcada por una agresiva guitarra acústica y líneas de teclados vintage. Una mezcla extraña que, por disparatada que parezca, suena tanto a Refused como a Kayne West. Son estos elementos, procedentes del hip hop y el funk (‘Françafrique’ y ‘Servants Of Death’ presentan un poderoso groove), así como una producción nada temerosa a utilizar recursos de la electrónica, los que hacen que un estilo como el hardcore suene mucho más sexy de lo normal. Por contra, el último tema ‘Useless European’ suena como un réquiem gélido con cuerdas atmosféricas, como la sintonía de House Of Cards hecha por Nick Cave.

“FREEDOM MANTIENE SU ESPÍRITU AVENTURERO Y GANAS DE TRASCENDER GÉNEROS” David Sändstrom; sin embargo, quien esté dispuesto a escuchar una obra que, sin ser redonda, sí da fe de que su creatividad sigue activa, puede acercarse a Freedom sin miedo. Sus diez temas destacan por su eclecticismo y en ellos encontramos rastros, no sólo de lo que fueron Refused, sino también de lo que sus miembros han seguido haciendo durante su ausencia y de lo que podrían ser en un futuro. El elástico y retorcido riff de ‘Elektra’, un tema que va resultando más explosivo a medida que más lo escuchas, y que junto a ‘Thought Is Blood’ es el más cañero del álbum, da paso

También se nota, y mucho, el paso de Lyxzén por The (International) Noise Conspiracy y así, ‘War On The Palaces’ es un fogonazo de proto punk propulsado por una sección de vientos, mientras que ‘366’ tiene un estribillo de melodía soul. Los contrastes entre las influencias blancas y negras, clásicas y modernas, rabia y melodía, incluso la propia contradicción de que el disco exista, hacen de Freedom una metáfora sonora sobre lo complejo, confuso, vibrante y espantoso que es estar vivo en 2015. Y quién lo iba a decir, estamos en 2015 y Refused are fucking alive. JORDI MEYA

THE STORY SO FAR

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Parker Cannon (voz), Kevin Geyer (guitarra),

Will Levy (guitarra), Kelen Capener (bajo), Ryan Torf (batería) PRODUCIDO POR: Sam Pura AFINES A: Man Overboard, Neck Deep, The Swellers PÁGINA WEB: www.thestorysofarca.com

The Story So Far (PURE NOISE) PUNK POP

oda banda de punk pop tiene que decidir en algún punto de su carrera si se contenta con seguir proyectando en su música una visión idealizada de la juventud o si prefiere dar un paso adelante y dejar atrás la adolescencia. The Story So Far ya dieron un aviso de cuál sería su opción en el EP acústico Songs Of, publicado el año pasado, en el que se atrevían a mostrar una cara más íntima, y ésta se confirma en su tercer álbum que, significativamente, han decidido bautizar con su propio nombre. Es un gesto que, de alguna manera, advierte una intención de decir ‘Esto es The Story So Far, esto es lo que

queremos ser’. Naturalmente sus ocho años de trayectoria les han permitido crecer como músicos y ahora tienen en su mano que su voluntad de madurar no suene forzada. Si le añadimos que, por lo que se deduce por algunas letras bastante agrias, el vocalista Parker Cannon ha pasado por una difícil ruptura sentimental, con cuernos incluidos, tenían todos los elementos para que sus nuevas canciones confirmasen que su objetivo se había hecho realidad. Pero una cosa es querer y la otra es poder, y aunque el quinteto californiano muestra una progresión (sobre todo en ‘Distate’, ‘Solo’, ‘How You Are’ y ‘Phantom’) y por

ejemplo han sabido jugar mejor con distintos sonidos de guitarras y el batería Ryan Torf muestra imaginativos recursos, todavía hay momentos en los que suenan demasiado como otras bandas de la escena. Por no hablar de que, como tantas otras, les falta crear estribillos realmente memorables que rompan cierta linealidad de las estrofas. Si el grupo ha logrado despuntar es porque dominan realmente bien el género, como dejan claro en buenos fogonazos como ‘Heavy Gloom’, ‘Nerve’ o ‘Scowl’, pero quizá todavía les queden unos años, y hostias, para llegar al nivel de unos The Wonder Years. MARC LÓPEZ

HABLAMOS CON... WILL LEVY ¿Sientes que habéis dado un gran paso adelante en este disco? “Sí, creo que hemos progresado musicalmente y nos hemos esforzado por escribir mejores canciones y mejores partes. Ése siempre es el objetivo cuando te pones a hacer un disco”. ¿Teníais más o menos clara la dirección que queríais tomar? “No nos fijamos ir en una dirección en particular, sino que nos dejamos llevar. Si encaja, bien, y si no, tampoco es un problema y seguimos avanzando. Nos tomamos nuestro tiempo para componer y cuando entramos en el estudio con Sam, nunca habíamos estado tan preparados”. ¿Crees que el álbum os puede ayudar a llegar a un nuevo público? “Sería genial. Nos encantaría llegar a

todo tipo de gente, gente joven, más mayor. Poder tocar para otro público que todavía no nos conoce”. ¿No os sentís en absoluto condicionados por un estilo? “Bueno, tenemos un estilo, el nuestro, pero no intentamos ceñirnos a nada, la verdad. Sabemos que cualquier cosa que surja de nosotros acabará sonando a nosotros”. ¿Hubo alguna canción que sintieseis que era algo totalmente nuevo para vosotros? “Seguramente ‘How How You Are’ y ‘Phantom’. Son bastante alejadas de lo que solemos hacer. Pero fueron muy divertidas de grabar”. ‘Phantom’ me recordó bastante a Title Fight... “Sí, es un tema bastante alucinógeno”. Las letras parecen muy, muy personales...

“Son cosa de Parker, no hablo sobre ellas”. ¿Que el álbum suene más maduro es una simple consecuencia de ir cumpliendo años? “(Risas) Sí, creo que eso es decisivo. Es una progresión natural. Compusimos nuestro primer disco cuando éramos adolescentes, ahora todos tenemos 23, 24 años, así que es sólo una cuestión de tiempo. Hace cinco años dejé la universidad para dedicarme a la música, así que ha sido un gran cambio en mi vida y eso se tiene que notar, seguro”. ¿Te sorprende que tu vida se haya convertido en lo que es ahora? “(Risas) Sí, es muy extraño. Es genial, pero extraño. Para qué engañarnos, ¡es jodidamente increíble!”. (JORDI MEYA)

ANTI-FLAG

American Spring (SPINEFARM) PUNK ROCK

unque con su anterior The General Strike el combo de Pittsburgh había retomado su lado más inmediato y punk, yo al menos echaba en falta que Anti-Flag volviesen a sacar un disco de grandes himnos como lo fueron The Terror State y muy especialmente For Blood And Empire. Pues bien, American Spring nos trae de regreso los enormes estribillos para cantar con el puño en alto. El primer adelanto, ‘Fabled World’, ya avisaba siendo un tema reconocible al 100%. ‘The Great Divide’, al igual que ‘To Hell With Boredom’, pone las cartas encima de la mesa en forma

de explosiones adrenalíticas de apenas unos pocos segundos. Pero es cuando aparecen la redonda ‘Sky Is Falling’ (probablemente el tema más completo que hayan escrito en años) o ‘Brandenburg Gate’, donde Tim Armstrong de Rancid hace un breve cameo, cuando la cosa empieza a coger color. Entonces se van sucediendo los cortes con un potencial para poner patas arriba cualquier sala (‘Song For Your Enemy’, ‘Set Yourself On Fire’, la tremendamente coreable ‘The Debate Is Over (If You Want It)’ o ‘Without End’, en la que su buen amigo Tom Morello aporta un solo de guitarra marca de la casa) y armar un buen pogo (‘Break Something Today’, ‘Believer’), y te das cuenta de que estos crestudos anti-belicistas siguen conservando intacta su magia para crear temazos, así como su mensaje político. Sólo cabe esperar que Justin Sane y los suyos cumplan con su palabra y podamos volver a tenerles por aquí antes de que se celebren las elecciones generales. Pocas maneras mejores de concienciar a la gente se me ocurren... GONZALO PUEBLA

COAL CHAMBER Rivals (NAPALM) NU METAL

s un secreto a voces que la disolución de Coal Chamber fue de todo menos amistosa. Teniendo en cuenta esa circunstancia, y que a Dez Fafara no le ha ido mal del todo liderando DevilDriver, las posibilidades de una reunión con sus antiguos compañeros Miguel Rascón, Mike Cox y Nadja Peulen eran bastante improbables. Pero 13 años después de publicar Dark Days, aquí les tenemos de nuevo haciendo música juntos y juzgando el resultado, incluso se diría que han disfrutado del proceso. Cargados con sus

riffs machacones, sus bases groove y esa imaginería gótico-chandalera que siempre les identificó, Coal Chamber ofrecen un digno regreso discográfico. El disco lo abre la animada ‘I.O.U. Nothing’ con un estribillo al que te imaginas cantando al Marilyn Manson más agresivo. Más potente es aún el arranque de ‘Bad Blood Between Us’, en el que te sientes como si hubieras subido a una moto que va cambiando de marchas y que, a través de un ritmo bailable, desemboca en un coro a lo Rob Zombie. En la misma línea prosiguen con ‘Light In The Shadows’ o ‘Suffer In Silence’, que cuenta con la colaboración de Al Jourgensen de Ministry, añadiéndole un punto extra de furia. Mientras que ‘The Bidges You Burn’ o ‘Wait’ son puro nu metal, una más tirando a Korn, la otra más a Slipknot, recordándonos de dónde vienen. A medida que avanza el disco cae en la reiteración, pero a pesar de ser los mismos perros con los mismos collares, bien harían sus fans en escuchar de nuevo sus ladridos. DAVID GARCELL

LA SELECCIÓN

ARENNA Given To Emptiness (NASONI)

PSYCH ROCK

iempre he pensado que escuchar a Arenna es muy parecido a tomar ácido. Requiere de una serie de precauciones y un estado de ánimo óptimo para poder disfrutar de la experiencia en su máxima plenitud. Su debut, Beats Of Olarizu, publicado hace ya cuatro años, mostraba un nivel compositivo espectacular que fue aplaudido dentro y fuera de nuestras fronteras. El estilo de Arenna fue rápidamente etiquetado como stoner rock; sin embargo Given To Emptiness va más allá de una compilación de contundentes riffs de guitarra, o de un intento de evocar ese sonido desértico como tantas otras bandas. Con su segundo trabajo no sólo confirman encontrarse en estado de gracia, sino que además nos dan las llaves para ese extraño territorio en el que convergen lo real y lo onírico. Como hicieran los cantos de sirena con el protagonista de la obra de Pascal Quignard cuyo nombre

da título a su primer single, ‘Butes’, estos siete temas son irresistiblemente cautivadores. Es complicado etiquetar y describir un trabajo cuyas composiciones parecen estar dotadas de vida propia, haciendo que el oyente se sienta inmerso en un extraño viaje sensorial como sucede con ‘Drums For Sitting Bull’ o la instrumental ‘Chroma’. Arenna han dejado de centrarse tanto en los riffs y se han convertido en unos exploradores del sonido. Las predominantes líneas de bajo de Javi, las texturas creadas por baterías y guitarras y las melodías lisérgicas a cargo de Txus Dr. Sax son tales herramientas de seducción que han hecho que Given To Emptiness se convierta en uno de los discos imprescindibles de 2015. TOI BROWNSTONE

DEEZ NUTS Word Is Bond (CENTURY MEDIA)

HARDCORE

n guitarrón duro y grueso como una buena polla subsahariana te da la bienvenida a Word Is Bond, el cuarto álbum de Deez Nuts. ‘Word’ es contundente y concisa, una maldita roca, y enseguida da paso a la siguiente ‘Yesterday’, igualmente áspera y directa a la cara, muy cachas tras horas de gimnasio. Menudo sonidazo, ¿quién coño ha producido esto? Podría ser un Zeuss hasta las trancas de anabolizantes, pero los causantes de esta barbaridad son Andrew Neufeld de Comeback Kid y Shane Frisby (The Ghost Inside, Bury Your Dead). Casi nada… ‘What’s Good?’ es dinamita, un temón de agárrate y no te menees, y con ‘Behind Bars’ toca violent dancing a piñón, reventarle la tocha al primero que te encuentres en el pit. ‘Chess Boxin’’ es simple a más no

AND SO I WATCH YOU FROM AFAR Heirs

(SARGENT HOUSE)

ROCK INSTRUMENTAL

speraba con ansia el cuarto trabajo de los irlandeses And So I Watch You From Afar, Heirs, y debo admitir que no ha cumplido con todas mis expectativas. Porque eran muchas, quizás demasiadas. Heirs es un disco notable, pues para estas bestias pardas hacer un disco malo debe ser humanamente imposible, pero falta algo. Y me duele decir algo así de esta banda, sin duda mi favorita de entre todas las que juegan la Champions League de la música instrumental. Con ellos he vibrado y me he emocionado, y todavía se me eriza la

poder, pero los resultados son devastadores, pero es que luego ‘Don’t Wanna Talk About It’ también puede hacer mucha pupita. Si empezaron siendo una parodia, un chiste, aquí no hay ni rastro de broma alguna. Esto es un putadón muy serio. A JJ Peters se le han hinchado los huevos de ser el graciosete de la escena y Deez Nuts van a tomar el mando con

esta obra. Con la ayuda de Drew York de Stray From The Path, que canta en ‘Party At The Hill’, y de Sam Carter de Architects, cuya mano se nota y mucho en ‘Face This On My Own’, los australianos han parido un álbum rabioso y honesto como pocos, donde por fin han gritado todo lo que tenían dentro. Discazo, joder, discazo.

piel si escucho ‘Voiceless’ y me engorilo como el primer día cuando explota ‘A Little Bit Of Solidarity Goes A Long Way’… casi cinco años después. Con Heirs no conecto ni de lejos como con sus dos primeros trabajos, el homónimo y el genial Gangs, aunque hay muchos temas marca de la casa como la inicial ‘Run Home’ y ‘These Secret Kings I Know’. Quizás ahí está el problema: no sorprenden como antes. La otra gran pega que encuentro está en las partes cantadas. Empezaron tímidamente en su último trabajo, el vitalista All Hail Bright Futures, y tenía su gracia, porque esos coros

bien colocados aportaban frescura. Ahora parece que le han cogido el gusto a los cánticos y, por momentos, se les va de las manos en Heirs. Dicho esto, porque a las grandes bandas les tenemos que exigir grandes discos, tengo que aclarar que hay momentos brutales que hacen buena la adquisición de este plástico. Pienso en el arranque de ‘Wasps’, con unos redobles cargados de épica, la guitarra tarareable de ‘Redesigned A Million Times’, la subida sin fin del viaje ‘A Beacon, A Compass, An Anchor’ o el remate final de ‘Heirs’.

PAU NAVARRA

LUIS BENAVIDES

MILLENCOLIN True Brew (EPITAPH)

PUNK ROCK

emasiado tiempo llevaban Millencolin anticipando su tan ansiado octavo álbum de estudio. Primeramente, en 2011 conmemoraron el décimo aniversario de Pennybridge Pioneers, su obra más reconocida, con una gira en la que lo interpretaron en su integridad. Al año siguiente vio la luz una compilación de material descartado durante la pasada década bajo el nombre de The Melancholy Connection junto a un par de temas nuevos. Era de prever que, de alguna manera, tanto echar la vista atrás acabase afectando a los de Örebro, como así se ha confirmado tras escuchar este back to the roots llamado

True Brew. Eso sí, tampoco esperéis que vuelva la velocidad supersónica de Life On Plate... Si hubiera que situarlo en algún punto de su discografía, éste estaría en algún lugar intermedio entre Home From Home y Kingwood. Lo que está claro es que se han dejado de experimentos raros y han firmado trece canciones donde se respira la quintaesencia del grupo. Personalmente destacaría el tridente central de ‘Bring Me Home’, el single ‘Sense & Sensibility’ y la certera ‘True Brew’ para resumir el contenido del disco: ritmos acelerados, guitarras directas y sin excesivas complicaciones y el personal timbre vocal de Nikola Sarcevic como principal arma. También han sabido incluir un par de arreglos puntuales (la introducción al piano de ‘Wall Of Doubt’ y el pedal steel en ‘Mr. Fake Believe’) con los que darle un sabor especial y diferente al conjunto. Al igual que el oso polar de la cubierta, los suecos se han despertado feroces tras estar hibernando durante siete años. Ya iba siendo hora. GONZALO PUEBLA

PARADISE LOST

The Plague Within (CENTURY MEDIA)

GOTHIC METAL

n algún momento de la última década, Paradise Lost debieron darse cuenta de que, por mucho que experimentaran, les sería imposible seguir presentándose como una banda innovadora, y menos aún que sus fans apreciarían su esfuerzo por desmarcarse de sus raíces. Fue entonces cuando iniciaron una especie de regresión, en la que su propio pasado se convirtió en su mayor fuente de inspiración. Y después de 25 años de carrera y con una influencia inapelable dentro del mundo del metal, ¿alguien puede culparles? Sobre todo cuando sus últimos trabajos han mostrado

un nivel encomiable. The Plague Within, su decimocuarto disco de estudio, sigue en esa línea revivalista a través de diez cortes (para qué más) en la que muestran su autoridad a la hora de practicar un género del que ellos fueron pioneros. Quién sabe si influenciado por su paso por Bloodbath, Nick Holmes vuelve a utilizar su registro gutural en la mayoría de temas, dándole un aire muy old school a todo el álbum. El disco se abre y se cierra con ‘No Hope In Sight’ y ‘Return To The Sun’, dos himnos cercanos a su época noventera, pero canciones como ‘Terminal’ o la doomera ‘Beneath Broken Earth’ son todo un viaje a sus orígenes, y ‘Flesh From Bone’ y ‘Cry Out’ se situarían entre lo más heavy que han grabado, dejando claro que están lejos de haberse domesticado. ‘Sacrifice The Flame’ y ‘Victims Of The Past’, ambas adornadas con arreglos de cuerda y un aire más melancólico, aportan aún más variedad a un álbum con el que chuparse los dedos. JORDI MEYA

INCUBUS

Trust Fall (Side A) (ISLAND)

ROCK ALTERNATIVO

o termina de convencerme esta nueva tendencia entre las bandas de sacar EPs en lugar de álbumes completos. En el caso de Incubus, tener que esperar cuatro años desde el soporífero If Not Now, When? para terminar publicando sólo cuatro temas me parece una broma de dudoso gusto. Al menos la formación californiana ya ha avisado de que la segunda cara de este Trust Fall estará en la calle antes de que finalice el curso. En cuanto al contenido del mismo, me alegra comprobar que han

vuelto al punto donde lo dejaron antes de dedicarse a hacer música de ascensor. El corte titular da muestras de la destreza de Mike Einziger a las seis cuerdas y la elegancia de Brandon Boyd en las melodías, como siempre ha sido. Buen tema para abrir que lamentablemente se ve cortado por una ‘Make Out Party’ lentísima y en falsete que nada aporta. Mejores sensaciones deja el single ‘Absolution Calling’, aunque está lejos de competir con sus más celebrados hits. Clausura la rockera y vacilona ‘Dance Like Your Dumb’ con un curioso coro de góspel en el puente, certificando ese aire más divertido y desenfadado. Resultado un tanto irregular e insuficiente para valorar el momento en el que se encuentran Incubus a día de hoy, por lo que tendremos que mantenernos expectantes a que llegue la (Side B). Lo que sí parece claro es que, al igual que sus colegas Red Hot Chili Peppers, su época dorada queda ya tan lejos que la autocomplacencia ha acabado ganando al talento y la magia. GONZALO PUEBLA

BEST COAST

California Nights (UNIVERSAL)

POP ROCK

i alguien podía crear un disco perfecto para el verano, ése era el dúo formado por Bethany Cosentino y Bob Bruno. Desde que publicaran su debut Crazy For You en 2010 en el que ofrecían una refrescante interpretación de surf punk pop en clave lo-fi, estaba claro que tenían un disco así dentro. Y aunque en el siguiente The Only Place optaron por mostrar una cara más madura (algo a lo que contribuyó la mano en el estudio del productor Jon Brion), en su tercer intento han conseguido sacarlo. California Nights supone además el momento en que Best Coast

abandonan formalmente el mundo indie (han fichado para Universal) y explotan a fondo las posibilidades de una producción concebida a lo grande. Si antes sonaban más contenidos, aquí no se cortan un pelo y con la inestimable ayuda de Wally Gagel (Miley Cyrus, Muse) han engordado el sonido de las guitarras, doblado y triplicado las voces y coros y dado un mayor empuje a la sección rítmica. Prácticamente cada canción podría ser un single. ‘Feeling Ok’, ‘Fine Without You’, ‘In My Eyes’, So Unaware’ o ‘Sleep Won’t Ever Come’ combinan la simplicidad de acordes de los Ramones con melodías radiantes de puro pop al estilo de las girl groups de Phil Spector y toques de indie rock de los 90. Una receta ganadora que sólo se ve rota en las ensoñadoras, e igualmente satisfactorias, ‘California Nights’ (de lo más ambicioso que han hecho) y ‘Wasted Time’, que cierra el álbum haciendo un guiño al sonido más vaporoso de sus inicios. El mejor antídoto contra Georgie Dann se llama Best Coast. JORDI MEYA

EMERY

You Were Never Alone (BADCHRISTIAN/RUDE)

EMO, METALCORE

e ha hecho esperar el nuevo trabajo de los norteamericanos Emery, You We Never Alone, cuya publicación estaba prevista para el pasado año. Que finalmente hayan sacado el álbum con su propia disquera, la primeriza BadChristian, podría ser parte de la explicación. Sea como sea, Emery cogen con fuerza las riendas de su carrera por primera vez y han conseguido sacar su sexto largo al mercado internacional, que tiene su mérito. En lo estrictamente musical, su nuevo disco se vuelca en el pop rock de guitarras potentes y emotivas.

Ahora, más que nunca, están en la onda de Jimmy Eat World y Amberlin, con la diferencia que ellos tienen dos muy buenos cantantes y bordan unos juegos de voces sin parangón. Han refinado disco a disco su sonido y en You Were Never Alone los encontramos en las antípodas de su álbum más cañero hasta la fecha, We Do What We Want, publicado en 2011. Una pena, porque las partes de puro screamo las clavaban como pocos, a la altura de los mejores Underoath, y ahora los cortes más burros son meras anécdotas. Sólo en ‘Taken For A Bath’, ’Pink Slip’ y, sobre todo, la cafrísima ‘Thrash’ (con un final tan imprevisto como delicioso que te deja roto) dejan campar a sus anchas a la bestia que llevan dentro. Dicho esto, debo reconocer que los de South Carolina siguen en plena forma, con el buen gusto intacto. ‘The Less You Say’, ‘The Beginning’ o ‘To The Deep’, por poner sólo unos ejemplos, presentan melodías monumentales. Con discos así nunca estarán solos. LUIS BENAVIDES 75

METZ HAS DE SABER...

FORMACIÓN: Alex Edkins (voz, guitarra), Chris Slorach (bajo), Hayden Menzies (batería) PRODUCIDO POR: Graham Walsh AFINES A: Viet Cong, White Lung, Nirvana PÁGINA WEB: www.metzztem.com

II (SUB POP) NOISE ROCK

lgo me dice que el debut homónimo de Metz sirvió para reconciliar al sello Sub Pop con sus inicios, con las guitarras distorsionadas, con el indie rock y el grunge de los 90. Y es que el primer largo del trío canadiense, publicado en 2012, fundía a altas temperaturas el garaje gritón de los seminales Mudhoney, la concreción visceral de Nirvana y el ruidismo de Sonic Youth. En otras palabras, lo mejor de cada casa unido en una producción casi industrial y algo futurista tan llamativa como discutible. Con ese trabajo homónimo los de Toronto fueron uno de los

hypes más sonados hace dos años, de ésos que acabas cogiendo algo de tirria porque te los encuentras hasta en la sopa, pero el tiempo y sobre todo su directo de alto voltaje les ha confirmado como uno de los power trios más en forma y más sólidos del panorama internacional. Su segundo trabajo, II, es una continuación con todas las letras y hará las delicias de sus fieles, al tiempo que enganchará perdidamente al resto de amantes del guitarreo con pelotas en cuanto se dejen azotar por ’Acetate’, construido sobre un riff de bajo obsesivo, o ‘Spit You Out’, con

esa estrofa escupida con desdén y una parte final enmarañada, violenta y decadente. Las citadas, como las incontestables ‘Landfill’ y ‘Nervous System’, por citar las más efectivas y rotundas, son piezas 100% Metz pero con un sonido aún más real, más crudo. Nueva artilleria para que el grupo pueda seguir saliendo al escenario a matar. Salvando las distancias, que no son pocas, me atrevería a decir que II es el In Utero de Metz: una respuesta valiente a la sobreproducción de su debut que reafirma e incluso realza su esencia. Aquí hay banda y para rato. Amén. LUIS BENAVIDES

HABLAMOS CON... ALEX EDKINS ¿Cómo os ha cambiado el hecho de pasar de ser una banda que operaba a nivel local a una que gira por todo el planeta? “No lo sé... Pero tienes razón, nuestras vidas han cambiado. Tenemos mucha suerte de poder dedicarnos a esto porque no era el objetivo. Sólo queríamos hacer música juntos, así que descubrir que otra gente conecta con ella es asombroso. Es el mejor sentimiento del mundo”. ¿Por qué crees que la gente ha conectado con vosotros? “No lo sé. Creo que ahora mismo hay mucha música que suena falsa, sobre todo la más popular, pero dicho esto, creo que en el underground y el punk hay un montón de buena música. Sólo

es cuestión de si los medios deciden prestarle atención. En todo caso, no creo que seamos una banda revival, hacemos música moderna”. Este segundo álbum suena incluso más crudo que vuestro debut. “El disco está totalmente influenciado por los dos últimos años de nuestra vida, y naturalmente por la cantidad de conciertos que dimos. Pudimos ver mucho mundo, lo bueno y lo malo del mundo, así que el disco es un reflejo de lo que hemos acumulado en nuestras cabezas. No queríamos darle demasiadas vueltas, así que es una representación muy honesta de dónde estamos musical y personalmente”. El primer disco me pareció más una presentación de vuestro

sonido, pero en éste veo una mayor preocupación por las canciones. ¿Fue realmente así? “Sí, me encanta que lo digas. Todo músico quiere crecer y nosotros no somos distintos. Queremos componer mejor, tocar mejor y ser más creativos. También creo que hemos mejorado en la producción”. ¿Qué es lo que más os cuesta de conseguir en el estudio? “Lo más difícil es conseguir que las voces tengan la misma fuerza que la música. A nivel instrumental nos resulta bastante fácil porque lo hacemos igual que tocamos en directo, pero grabar después las voces encima es algo agotador. Queremos que todo suene igual de crudo”. (JORDI MEYA)

BABY METAL Baby Metal (EAR MUSIC)

METAL, J-POP

robablemente Baby Metal sólo podrían haber surgido de un país deliciosamente enfermo como Japón. A estas alturas me imagino que más o menos todos sabréis de qué va esto: tres adolescentes de imagen tierna cuyas voces infantiles suenan sobre una base de metal futurista bastante cañero. Año y medio después de haber sido lanzado en su país con gran éxito, se edita oficialmente su primer álbum en el resto del mundo. Juzgar un disco como éste con los mismos parámetros con los que solemos hacerlo resultaría bastante absurdo, pues Baby Metal más que una banda es un puro producto prefabricado de consumo y desde luego sus canciones no aspiran a pasar a la historia. En todo caso el que sea tan evidente

DUSTIN KENSRUE Carry The Fire (VAGRANT)

POP ROCK

finales de 2014 recibíamos con alegría la noticia de que Thrice ponían punto final a su corto parón de apenas tres años. Más allá de unas cuantas fechas puntuales en festivales (España de momento no parece estar en su hoja de ruta), poco más se sabe sobre sus planes de futuro. Por lo tanto, el tercer disco de Dustin Kensrue en solitario, si obviamos EPs previos, es la primera muestra de actividad creativa de uno de sus miembros tras el anuncio de su retorno. Regresando a una temática lírica más personal y común tras el religioso The Water

incluso se agradece, pues al contrario que otros grupos igual de falsos, no se molestan en ocultarlo. Es esta desfachatez la que hace que tomada en pequeñas dosis (tragarse sus 13 temas puede llegar a enloquecerte), la música de Baby Metal resulte refrescante y divertida. La mezcla es totalmente absurda con riffs nu metaleros, ramalazos de dubstep, voces guturales, melodías salidas de una

serie de anime, bases industriales, pasajes de reggae y música tradicional japonesa conformando irresistibles disparates como ‘Gimme Chocolate!!’, ‘Doki Doki Morning’, ‘Head Bangeeeeerrrrr!!!!!’ o ‘Road To Resistance’, en el que participan los dos guitarristas de DragonForce. Los fans metaleros de Bola De Dragón ya tienen su nueva banda favorita.

And The Blood, Kensrue apuesta en Carry The Fire por un pop rock de lo más convencional. Se trata de un álbum corto, agradable y hecho con mimo, pero sin la capacidad transgresora de la que presumía en su banda madre. ‘Back To Back’, ‘Juggernaut’ y ‘Death Or Glory’ se descubren como cortes efectivos, que incluso podrían funcionar sin problemas en las radios comerciales sin que por ello pusiese en peligro su integridad. Hay también algún acercamiento al indie más bailable en ‘Gallows’ con buenísimos resultados, así como ‘Of Crows And

Crowns’, donde el piano es el que conduce el tema. Para los que echamos en falta su lado más folk de su debut, Please Come Home, ‘There’s Something In The Dark’ y ‘What A Beautiful Things’ se nos antojarán como los dos mejores cortes de todo el lote, siendo ‘Carry The Fire’ la que más nos puede recordar a Thrice. Y es que, aunque como ya hemos dicho se trata de un trabajo disfrutable, lo mejor de Dustin sale cuando se junta con sus otros tres compañeros. Confiemos en que no tarde demasiado en hacerlo.

JORDI MEYA

GONZALO PUEBLA

SORCERER

In The Shadow Of The Inverted Cross (METAL BLADE)

EPIC DOOM METAL

uy curiosa la historia de esta banda. Fundados en 1988 en Estocolmo, Sorcerer grabaron dos demos y nunca más se supo. Ahí se acabaría la historia si dichas maquetas no hubieran tenido una gran aceptación dentro del underground, o si su primer show no hubiera sido con Count Raven, o si no hubieran tocado junto a Entombed la primera vez que éstos lo hacían bajo su nuevo nombre… O si no estuvieran formados por el bajista Johnny Hagel,

que los dejó en el 92 para unirse a Tiamat, o por el exguitarrista de Therion Kristian Niemann, o por el curtido vocalista Anders Engberg (220 Volt, Lion’s Share, Therion…). Como ven, lo suyo es una historia de tardía reunificación, pues ésta se dio en 2010, cuando cada uno de ellos ya se había labrado un porvenir en esto de la música. Y sí, ahora presentan su primer álbum, y lo que en él hallamos es epic doom pulcro, refinado y enemigo del ruido, heavy metalero, con Engberg dominándolo todo con su voz limpia en ‘The Dark Tower Of The Sorcerer’ o ‘Lake Of The Lost Souls’. Y la verdad es que el tipo está extraordinario en el micro, incluso en las más movidas ‘Exorcise The Demon’ y ‘The Gates Of Hell’. Con esta obra Sorcerer se posicionan como los compañeros de gira perfectos para Below, pero de la misma forma, también suenan demasiado lineales, previsibles y luminosos. Un debut que, pese a tener sus momentos, no creo que vaya a cambiarle la vida a nadie. PAU NAVARRA

THERAPY? Disquiet

(AMAZING RECORD CO)

ROCK ALTERNATIVO

i de algo no se le podrá acusar a Therapy? es de haber tirado por el camino fácil. Desde que lo petaran con Troublegum en 1994, el trío norirlandés siempre se ha resistido a repetir la misma fórmula que les llevó al éxito, publicando discos que primaban más la búsqueda de nuevos sonidos que la fidelización de un público. Pero después de haber hecho una gira conmemorativa de 20 aniversario de dicho álbum, Therapy? han dado su brazo a torcer y en Disquiet ofrecen lo que podríamos considerar una secuela

de aquél. Naturalmente el impacto que consiguen en el oyente es mucho menor que el de entonces -a menos, claro, que éste sea el primer disco que escuches de ellos-, pero no hay duda de que han facturado su colección de canciones más redonda en años. La satisfacción es inmediata desde que la maléfica voz de Andy Cairns nos reciben con ‘Still Hurts’ y en apenas 20 segundos ya nos están soltando un estribillo que nos devuelve a los 90. Aun más melódicas son ‘Tides’ o ‘Good News Is No News’, que afianzan esa idea de la recuperación del sonido de Troublegum. En ‘Idiot Cousin’ y ‘Helpless Still Lost’ vuelven a fusionar con acierto a Hüsker Dü con Killing Joke, mientras que en ‘Vulgar Diplay Of Powder’ recuperan esos riffs densos que tan bien hacían Helmet. Los 7 minutos finales de ‘Deathstimate’ acaban de convencernos de que quizá Disquiet no sea más que un ejercicio de nostalgia, pero, paradójicamente, éste sirva para que Therapy? puedan afrontar el futuro con mejores perspectivas. JORDI MEYA

AGNOSTIC FRONT The American Dream Died (NUCLEAR BLAST)

HARDCORE

día de hoy, pocos valores hay más fiables en la música que la nostalgia. Toda banda veterana que haya aguantado el tipo durante décadas sabe que cualquier tiempo pasado fue mejor, e incluso los combos noveles intentan por todos los medios igualar esa gloria perdida, actualmente inalcanzable, de la que sí gozaron sus ídolos de juventud. Agnostic Front no son tontos, su sueño americano murió hace años, como el de su país, como el de todo el mundo, y como Victim In Pain ya cuenta con 31 primaveras, con canciones punk rockeras como ‘Old New York’, ‘Never Walk Alone’ o ‘Just Like Yesterday’ saben muy bien a lo que juegan. Y encima, cuatro años después de My Life My Way, lo hacen con

PRIMA DONNA Nine Lives And Forty Fives (ALIVE)

ROCK ALTERNATIVO

evin Preston sabe cómo componer canciones, joder si sabe. Con espíritu punk, cierto aire garajero, mucho poso power pop y toneladas de purpurina glammy encima, nuestro hombre acompañado de sus secuaces nos presenta once pepinazos de genuino rock’n’roll con pelotas y actitud como para parar un tren. Y de acuerdo, reconozco que lo primero que llama la atención es una impecable y certera versión del inmortal ‘Rock’n’roll Is Dead’ de los Rubinoos, pero una vez recuperados del shock de tan tremenda cover, lo que realmente nos causa sorpresa

una vitalidad encomiable. El minuto y medio de ‘The American Dream Died’ te coloca exactamente en la situación que desearías estar ante el undécimo álbum de los neoyorquinos, y ya no digamos la virulenta ‘Police Violence’… La primera es puro hardcore, con la inconfundible voz de Roger Miret dándole a la matraca, mientras que la segunda es un torpedo crossover thrash a todo trapo. Más tralla en

‘Only In America’, en ‘Test Of Time’, y es que se les nota especialmente cabreados con cómo están marchando las cosas también en ‘Social Justice’, ‘No War Fuck You’ o ‘Enough Is Enough’. Casi 28 minutos de recorrido total y todos contentos, y es que actualmente es muy complicado que una leyenda del New York Hardcore te decepcione con una nueva obra. Esta peña no se vende.

son las perlas de cosecha propia. ‘Born Yesterday’ por ejemplo es como si Matthew Sweet se hubiese hecho acompañar de los Hives. En ‘Living In Sin’ amagan con mutarse en los mismísimos Clash, para después dejarnos perplejos con un pedazo de single como ‘Pretty Little Head’, que esconde uno de esos infecciosos riffs de garaje troglodita fusionado con esos coros que evocan lápices de labios y brillantes camisas de lentejuelas doradas. Sigamos porque esto es un no parar. Los vientos de ‘Like Hell’ impregnan de aires rhythm & blues otra de esas bombas de corazón punk y espíritu

detroitniano, y rubrican la media hora de maximum rock’n’roll del álbum con dos homenajes más: un fantástico ‘Rip Her To Shreds’ de Blondie y una potentísima ‘I´m On Fire’ de ese gran y oscuro compositor llamado Dwight Twilley. Seguramente no será éste un disco que aparecerá en las listas que siempre se confeccionan al finalizar el año, pero creedme cuando os digo que yo llevo semanas sin dejar de escucharlo. Ya sabéis lo que dicen, es sólo rock’n’roll, pero qué jodidamente bien sientan pildorazos tan vitales como éstos de vez en cuando.

PAU NAVARRA

ANDRÉS MARTÍNEZ

THE DECEMBERISTS What A Terrible World, What A Beautiful World (TUCKER MARTINE)

INDIE FOLK

hat A Terrible World, What A Beautiful World permite recalcar los efectos del paso de un tiempo que cumple con las diferentes fases de un ciclo vital. El séptimo disco de los estadounidenses es fruto de un proceso de maduración que incluso llega a identificarse con el reposo de los que ya tienen trazado un largo recorrido. Así pues, no es arriesgado decir que nos encontramos frente a 14 temas sin apenas digresiones ni experimentaciones

melódicas. Pese a que la crítica aplaude que hayan sentado cabeza, uno no puede evitar pedirle al grupo alguna particularidad más allá de aquellas que nos ofrecen tantísimos grupos subidos a caballo de la era indie pop. Con unos ritmos prácticamente idénticos, constituidos por una batería casi inalterable, se ofrece una nueva imagen tan pulida que agota todo rasgo complejo que lograba caracterizarlos. No obstante, cabe reconocer que ‘Calvary Captain’, ‘The Wrong Year’ o ‘AntiSummersong’ rompen con una lista de temas absolutamente monotemática al incluir tonos festivos y tropicales cual ‘Billie & The Vision’. Sin embargo, se echa en falta ese puntal de autenticidad, sí presente en sus inicios, que justifique el terreno donde se han afincado. Pero para gustos colores, y es entonces cuando The Decemberists, tal y como nos había advertido con el juego significativo del título de este último lanzamiento, presenta las dos caras de una misma moneda que tiene por precio el mismo devenir. ANDREA GENOVART

HALF JAPANESE Overjoyed (JOYFUL NOISE)

INDIE ROCK

ace cuatro décadas ya que los hermanos Jad y David Fair fundaron Half Japanese, y sólo el primero se resiste a ponerle fin a esta aventura de irreverente actitud punk. Llevaba ya más de 13 años sin editar disco del grupo, desde aquel Hello de 2001. Y aunque la banda ya no es la misma que en sus inicios hacía sucias canciones lofi con sonido cassettero, el espíritu no dista tanto de aquello. Sí, ahora la producción es más limpia (en este caso, a cargo del Deerhoof John Dieterich), pero las canciones continúan

teniendo ese punto marciano, anárquico y anti-pop que juega con distorsiones, desafinaciones, cambios de ritmo y un abanico estilístico completamente abierto (desde al punk al noise, pasando por lo tropical). Y la parte vocal, a medio camino entre recitada y cantada, y con ese timbre que parece a medio camino entre Lee Ranaldo (Sonic Youth) y Andrew ‘Falco’ Falkous (Mclusky). Canciones sobre lagos de chocolate, diálogos con animales, declaraciones de amor adolescente y ese eterno punto de ironía que Jad no va a abandonar ahora que está de vuelta de todo con seis décadas de edad a sus espaldas. Todo vale: guitarras esquizofrénicas (‘In Its Pull’), bongos y cuerdas africanas (‘Brave Enough’), ritmos hipnóticos y voces enfermizas (‘Do It Nation’), baladas habladas (‘We Are Sure’)... forman parte de ese olimpo de bandas semi anónimas sin las que otros no habrían sido luego tan grandes (y no hace falta recordar de qué grupo era la camiseta que llevaba Kurt Cobain cuando murió…). IGNASI TRAPERO

ALT-J

This Is All Yours (INFECTIOUS/PIAS)

INDIE

frontaba la escucha de este segundo disco de Alt-J desde la curiosidad y total virginidad con la banda inglesa: ni había escuchado su disco de debut, An Awesome Wave, ni había leído todo lo que se había dicho sobre ellos. Simplemente el hecho de que varias personas me hubieran hablado maravillas del grupo de Leeds, o su aparición en listas de lo mejor del año, me había impulsado a acercarme, curioso, a su música. He insistido varias veces, he hecho los deberes con su debut, y me he puesto al día sobre su historia. Y, desde la distancia, tengo la impresión de que ni son los

herederos de Radiohead que dicen unos, ni tampoco la mierda pinchada en un palo que afirman otros. Centrándome en este This Is All Yours, al principio me aburrió bastante. Por aquello de que la música es cuestión de químicas y percepciones, no logré conectar con esas atmósferas de tediosa densidad. A medida que lo iba machacando empecé a encontrarle el placer a pasajes sonoros realmente bellos presididos por la delicada voz de Joe Newman (‘Arrival In Nara’, ‘Choice Kingdom’, ‘Pusher’…), o a temas que parecían el pulpo inesperado en el garaje (‘Left Hand Free’, más propio de un disco de Beck o Mondo Fumatore). Aunque admito que, como conjunto, hay algo que me flojea en un disco que parece destinado a quedar arrinconado entre las toneladas de CDs con las que comparto piso, limitando su uso a momentos introspectivos muy concretos. Y lo del sample de Miley Cyrus en ‘Hunger Of The Pine’ ya lo comentaremos otro día... IGNASI TRAPERO

ENTRAILS

Obliteration (METAL BLADE)

DEATH METAL

on semejante portadón cualquier banda ya tendría mucho ganado. Si encima la encabezan los clasicistas Entrails, uno de los valores más seguros del death sueco actual, poco margen de error queda. Unas campanas sombrías anuncian la llegada de ‘No Cross Left Unturned’, tema inicial que entra en tromba para demostrar que poco ha cambiado en ellos en su cuarto álbum: death metal tan old school como su propio logo indica, un guiño a Entombed en toda regla pese a ser una banda que,

con muy distinta suerte, fue contemporánea a las mayores leyendas del estilo en su país. ‘Epitome Of Death’ demuestra que si quieren pueden ofrecer composiciones novedosas, pero por manido y típico, que entonen la ‘Marcha Fúnebre’ de Chopin para finiquitar el tema no me acaba de convencer. ‘Beyond The Flesh’ irrumpe a saco para enmendarlo, pero también hallarás en ella desarrollos poco habituales, y lo mismo ocurre en ‘Obliterate’. De acuerdo, por sonido, actitud y caña este disco se enmarca de forma irremediable dentro la tradición de Estocolmo, pero también hay que destacar que no es para nada un vulgar ‘más de lo mismo’. El gran Dan Swanö se ha encargado de que la producción presente esos graves y grumos que el death metal de esas latitudes demanda, pero a su vez, una escrupulosa nitidez hace que ‘Midnight Coffin’ o ‘Abyss Of Corpses’ echen a volar. Imposible que Jimmy Lundqvist y los suyos defrauden a ningún aficionado a los sonidos descritos. PAU NAVARRA

AINARA LEGARDON

Every Minute (ALOUD MUSIC)

ROCK ALTERNATIVO

a bilbaína ha vuelto a sorprendernos con su nuevo LP. No porque haya superado el listón de unas expectativas injustas, sino porque ha ampliado, todavía más, los horizontes de posibilidad del panorama musical. Amparada en la particularidad de su modus operandi, percibimos la firmeza de la dirección tomada en We Once Wished. Nos encontramos ante la contundencia de una voz que viaja en las aguas de un rock alternativo, ante ocho temas que no dejan indiferente, no tanto por su carácter sui generis como

por la incomodidad en la que te sumergen. Y es que Ainara Legardon construye una serie de sonidos que se suceden de un modo áspero y árido, abriendo violentas grietas, abrupto hasta la médula. Viéndonos obligados a envolvernos en una relación intimista con una música que rompe con cualquier forma de pasividad, se impone su presencia a través de la fuerza de una voz que se sitúa entre el canto y la mera entonación pero que se alza como única protagonista. De este modo, Every Minute logra trasladar a nuestro imaginario un espectáculo ensombrecido donde tiene lugar esta peculiar conexión. Emprendiendo este viaje con ‘Last Day’, una composición minimalista pero que hace prescindible todo refuerzo instrumental, llegamos a un clímax emotivo que aquí recibe el nombre de introspección. Estupefactos, nos sumamos a este proceso degradador hasta la propia fragilidad. Quizá sin preverlo, quizá sin quererlo, pero quizá también por ello se definen las verdaderas obras de arte: por una fascinación que escapa de nuestro control. ANDREA GENOVART

THE BLOODHOUNDS

Let Loose!

(ALIVE NATURALSOUND)

GARAGE, BLUES, ROCK’N’ROLL

ólo hay un debut en la vida, o al menos esto es así para una banda. Tal obviedad me hizo gracia hace un tiempo, y curiosamente me volvió a la cabeza la primera vez que escuché Let Loose!, el primer álbum de estos chavales de Los Ángeles. Un disco que a bote pronto podría colar perfectamente como firmado por cualquier combo de garage 60’s, con toques muy Stones, y también un puntito de buen chili mexicano, pero que con varias escuchas va ganando en matices y sonidos. The Bloodhounds, bastante populares por tocar en las calles para público

espontáneo, son capaces de atrapar esta esencia en su disco, conferir una actitud chulesca a sus temas y recuperar los tópicos del rock’n’roll clásico en sus letras, alcohol, mujeres o blues. ‘Indian Highway’, canción elegida como punto de partida con mucho acierto, es de ésas que captan tu atención de inmediato. Guitarras muy rockabilly, partes de piano muy honky tonk y un ritmo pegadizo que atrapa. El blues está muy presente también en ‘Wild Little Rider’, que quiere recordar a Los Lobos con esa harmónica, o ‘The Wolf’, y al más puro estilo de las antiguas jug bands, recuperan las cucharas y una vieja tabla de lavar en la estupenda ‘Dust Bibles & Silver Spoons’. Desde luego no son pocas las referencias clásicas que surgen en estos doce cortes... Un debut directo, callejero y sencillo, que deja con un buen sabor de boca sin llegar a ser apabullante, pero que suscita el suficiente interés como para seguirles el rastro y comprobar de lo que pueden ser capaces. TOI BROWNSTONE

THE DARKNESS Last Of Our Kind (CANARY DWARF/POPSTOCK!)

HARD ROCK

ue The Darkness hayan titulado a su nuevo álbum Last Of Our Kind no debe tomarse como una simple anécdota. Bandas como The Darkness quedan muy pocas y ellos los saben como nadie. Después de petarlo con su debut Permission To Land, el fracaso de su segundo álbum (comercial, que no artístico) hizo parecer que la vida de The Darkness había llegado a su fin, y más cuando sus componentes se dividieron en dos formaciones como fueron Stone Gods y Hot Leg. Por fortuna, decidieron salvar distancias y su álbum de retorno, Hot Cakes, fue

seguramente el mejor de su carrera. Ahí tuvimos a unos The Darkness más moderados, Justin Hawkins ya no era aquel histriónico cantante del principio, pero capaces de crear monumentales canciones. Esa tendencia sigue en pie con este nuevo álbum, que los confirma como una banda totalmente válida en el panorama rockero actual manteniendo su más que alto nivel compositivo. Last Of Our Kind es el álbum más rockero, visto desde el punto más clásico del término, que ha hecho el cuarteto inglés. El guitarrista Dan Hawkins es la verdadera alma de The Darkness a día de hoy y eso queda reflejado en los tremendos riffs de ‘Barbarian’, ‘Mighty Wings’ o el homenaje que hacen a Billy Duffy y The Cult en ‘Open Fire’. Mucho rock, pocas baladas y falsetes controlados es lo que son The Darkness hoy en día. Puede que menos originales que en sus inicios y más genéricos, pero también bastante más sólidos que en su primera etapa. RICHARD ROYUELA

THE ANTI-PATIKS Comptes Vells, Baralles Noves (PROPAGANDA PEL FET)

PUNK ROCK

on su primer LP, pues hasta la fecha habían publicado tres EPs, The Anti-Patiks parecen dispuestos a saldar cuentas pendientes pero también a librar nuevas batallas. Masterizado en The Blasting Room por el reputado Jason Livermore, Comptes Vells, Baralles Noves nos muestra a la milicia más preparada que nunca para dar guerra a base de punk rock y de buenos himnos para corear en catalán mientras hacemos pogo. Y si bien el cuarteto de Terrassa reconoce abiertamente algunas de

sus influencias en las letras (Sex Pistols, U.S. Bombs y su magnífico disco War Birth), a lo largo del CD queda claro que también se han empapado mucho de The Clash y de la escuela californiana. En efecto, varios solos parecen salidos de la guitarra de Eric Melvin de NoFx y cuando las guitarras ‘conversan’ entre ellas recuerdan a los momentos en que los instrumentos de Tim Armstrong y Lars Frederiksen de Rancid se responden mutuamente. Hablando de seis cuerdas y de U.S. Bombs, Kerry Martinez mete un solo de guitarra en ‘Vells Temps’, una de las composiciones más reconocibles de este álbum. Por cierto, un consejo para los que tengan prisa: cuando acaba el último corte que aparece en los créditos, ‘T’estimo II’, suenan unos acoples de guitarra durante un par de minutos; pues bien, no apretéis todavía el stop porque la banda nos regala dos hidden tracks con mucha mala baba (pura onda Total Chaos) que son de lo mejorcito que han grabado hasta la fecha. JORDI FORÉS

TOMMY BOLIN Teaser - 40th Anniversary (UDR)

ROCK

ay gente que está en el lugar y momento adecuado y otra que les pasa todo lo contrario. Para todo aquel que esté mínimamente familiarizado con la vida de Tommy Bolin, sobra decir cuál fue su destino. El guitarrista norteamericano no sólo se encontró con el marrón de tener que sustituir a Ritchie Blackmore en Deep Purple, unos Purple ya moribundos por otra parte, sino que su estilo versátil y elegante estaba a años luz del barroquismo y técnica del Hombre de Negro. Las malas críticas que cosechó su álbum junto a Purple en

aquel momento, Come Taste The Band, la disolución del grupo y sus adicciones le llevaron a una prematura muerte con sólo 25 años. Tan sólo unos meses antes de la edición de Come Taste…, Bolin lanzaba Teaser, su primer álbum en solitario del que ahora se celebra el 40 aniversario. No fue una buena jugada editar el disco tan sólo unos meses antes del de Purple ya que éste quedó relagado a un ostracismo del que sólo lo ha sacado el paso del tiempo. Lo inaudito de esta edición conmemorativa es que, a pesar de ser una caja de tres vinilos y dos CDs, no se incluye el álbum original y lo único que ofrece son tomas alternativas y grabaciones en directo. Esto es para fans muy fans, sobra decirlo, pero si de algo sirve esta edición es para refrescar el talento que tenía Bolin y lo que una futura carrera hubiese podido deparar. Como con tantos otros nos quedamos con las ganas, pero es innegable que, si de figuras de culto hablamos, el nombre de Tommy Bolin está en un lugar bien alto de la lista. CARLOS MARTÍNEZ

VIRGEN

Polsaguera (ROCK ESTATAL)

ROCK ALTERNATIVO

ocas veces ha estado tan justificado que un disco empiece con una canción titulada ‘Resurrección’. Nueve años después de haber debutado con Primera Vez, los alicantinos Virgen han regresado con un segundo disco sorprendentemente vital y fresco. Más que resucitar, Virgen se han reencarnado en una banda mucho mejor y arriesgada de lo que eran. Gracias a este gran lapso de inactividad, al menos pública, el grupo no está, ni se siente, ligado a ninguna escena, moda ni tendencia. Los temas de Polsaguera transmiten que Virgen viven

ahora en su propio planeta, tanto musical como lírico (al interludio ‘La Casa De Las Conchas’ me remito). Es algo que salta a la vista desde que nos dan la bienvenida las guitarras espaciales de ‘Resurrección’ y la voz envolvente de Jorge. En ‘Le Gran Mondongo’ y ‘Máscara De Perro’ las pulsaciones van subiendo con los riffs cobrando fuerza y las melodías atacando de manera más rasgada. En ocasiones la banda se adentra en un post hardcore algo progresivo que recuerda a los Thrice de su época intermedia (‘Ojos De Arcasil’), en otras se acercan a Refused para dar caña (‘Abocaperro’), en otras premian la creación de atmósferas (‘Embelesá // Surreá’) e incluso se abrazan al shoegaze (‘La Tronera Está Por Llegar’). Exagerando, hasta podría decirse que por su variedad de registros, riqueza de arreglos, detallismo en la producción y complejidad de las ejecuciones (ojo a la batería), los nueve años de espera han estado justificados. JORDI MEYA 85

FOO FIGHTERS Songs From The Laundry Room (UNIVERSAL)

ROCK

no ya no sabe ni por dónde empezar para hablar de Dave Grohl y, por extensión, de Foo Fighters. Lo sabemos, Grohl es omnipresente y mete las narices allá donde puede pero, al fin y al cabo, está haciendo lo que todos haríamos en su lugar: hacer realidad todos sus sueños de adolescente. Después de la magnífica serie documental Sonic Highways su siguiente paso ha sido ser embajador del Record Store Day y, de paso, sacarse de la manga un nuevo lanzamiento, este Songs From The Laundry Room, por el que en estos

momentos ya se empiezan a pagar precios de vértigo. No nos engañemos, esto es un 10” de cuatro temas al que le ha puesto un poco de jeta pero, por otro lado, es de esa clase de lanzamientos que los fans quieren tener cual tesoro. De nuevo, Grohl es perro viejo y sabe cómo los melómanos valoran este tipo de artefactos. Lo que podemos encontrar no pasará a la historia, pero no deja de resultar curioso escuchar cómo sonaban las demos de dos de los temas bandera de su primer álbum, ‘Big Me’ y ‘Alone + Easy Target’, que sin variar en exceso de lo ya conocido suenan, aún más, crudas y desnudas. La cara B se completa con una apañada versión de ‘Kids In America’ y un tema inédito, ‘Empty Handed’, que, pese a ser correcto, no se convertirá en un clásico de la banda precisamente. Y ahí estamos, con continuas noticias de Grohl y con la gente peleándose por conseguir un ticket para su próximo concierto en Barcelona. RICHARD ROYUELA

ANESTESIA

Zirkulutik Espiralera (BONBERENEA EKINTZAK)

HARDCORE, CROSSOVER THRASH

n activo desde 1988, Anestesia son una de las bandas hardcore y crossover más longevas que hayamos tenido, pese a cierta intermitencia causada por la apretada agenda del guitarra Mikel con, entre otros, Negu Gorriak o Kuraia. Bendito problema, pensarán, aunque esto explique que, nueve años después de Terapia, justo ahora los vascos presenten Zirkulutik Espiralera, ‘sólo’ su sexto álbum de estudio. Que Anestesia son una formación a la que le gusta mimar los riffs se nota y mucho en ‘Noraino Versus Nondik’

o ‘Erre’, pero que la tralla siempre formará parte de su ADN también queda clarito en este último corte citado, que acaba haciéndote trizas, ‘Korapiloak’ o ‘Maite Zaitut, Hil Nazazu’. Grabado en su misma Zarautz, en el estudio Fidelenea, es en temas como en la oscura y brutal ‘Droneak, Gerra Makurra’, que casi acaba doom, ‘Arrain Abisalak’, el espasmo grind ‘Epaia’ o las salvajes ‘Abdikazio’ y ‘Zaborra Gara’ cuando notas que la experiencia es un grado, de acuerdo, pero que mantener esta belicosidad casi tres décadas después de haberse formado es de todo menos fácil. Que tiene mérito volver al ruedo con esta obra, vaya, pues el nombre del grupo sigue siendo garantía de saber hacer mientras no se para de repartir tortas. Bien harían muchos imberbes flequilleros en tomar apuntes de su próxima descarga en el Resu… Y es que llevarán todo el tiempo que ustedes quieran, pero a esta gente no se les ha olvidado cómo patear culos a destajo. PAU NAVARRA

THE REAL McKENZIES

Rats In The Burlap (FAT WRECK CHORDS)

PUNK FOLK

enos conocidos que otros grupos que practican un estilo similar (me refiero, sobre todo, a Dropkick Murphys y a Flogging Molly), pero igual de queridos, The Real McKenzies llevan tocando por medio mundo desde el año de su formación, el ya lejano 1992. Esta necesidad de ir a tocar allá donde tengan un puñado de fans dispuestos a disfrutar con su música se refleja en algunas de las letras de su último disco: ‘Up On A Motorbike’, ‘Midnight Train To Moscow’, ‘Spinning Wheels’… El sexteto de

Vancouver está ya más que rodado y, con ese bagaje a sus espaldas, es capaz de destilar su noveno álbum con mucho oficio. Si bien la mezcla de punk rock y folk celta es la marca de la casa (la gaita de Matt NcNasty defiende su territorio desde el corte inicial, ‘Wha Saw The 42nd’), varias canciones se salen por la tangente. Por ejemplo, ‘Who’d A Thought’, ‘What Have You Done’, ‘Stephen’s Green’ y ‘Catch Me’ son hardcore melódico a toda pastilla pura escuela Bad Religion. Por el contrario, ‘Bootsy The Haggis-Eating Cat’ es un medio tiempo que sirve para reservar energías a la hora de encarar la parte final de su nuevo Rats In The Burlap. Y el CD acaba con ‘Dead Or Alive’, una balada-himno cargada de melancolía de ésas que tanto les gusta corear a irlandeses y escoceses en sus tabernas con una pinta en la mano mientras se abrazan al compadre de al lado. Lejos de frivolizar, esta última composición está dedicada a todos los amigos perdidos que ya no forman parte del clan McKenzie. JORDI FORÉS

VAN HALEN

Live - Tokyo Dome In Concert (WARNER)

HARD ROCK

uesta creer que desde que Van Halen editaran su primer álbum en 1977, hayamos tenido que esperar hasta 2015 para tener en nuestras manos la primera grabación en directo oficial de la banda… siempre que pensemos que Van Halen son los de David Lee Roth a la voz. Lo otro… simples sucedáneos. Mucho se ha hablado en estos últimos tiempos sobre el estado vocal de David Lee Roth, algo que no deja de resultar curioso porque éste nunca ha sido un buen cantante, así que no sabemos muy bien a qué viene ahora toda esta

controversia. Eso sí, todo lo que no tiene de voz lo suple de sobras con carisma, morro y toda la seguridad del mundo, algo que queda demostrado en este directo –escogido personalmente por Roth de entre todos los conciertos de su última gira- ya que no hay un solo retoque. Por tanto, lo que escuchamos a lo largo de este doble CD es a unos Van Halen en estado puro y desgranando con todo el oficio del mundo –Eddie Van Halen parece que esté tocando mejor que nuncaun repertorio sencillamente perfecto, donde incluso los temas nuevos encajan como un guante. Siempre podemos poner algunos ‘peros’ a esta segunda vida del grupo –la falta de Michael Anthony al bajo y sus característicos coros, que sean incapaces de venir a Europa o que los hermanos Van Halen pongan freno al hiperactivo Roth-, pero si nos llegan a decir hace unos años que hoy tendríamos a la formación clásica en este estado de forma, sencillamente, no nos lo hubiésemos creído. RICHARD ROYUELA 87

ART OF ANARCHY

HAS DE SABER... FORMACIÓN: Scott Weiland (voz), Bumblefoot (guitarra),

Jon Votta (guitarra), John Moyer (bajo), Vince Votta (batería) PRODUCIDO POR: Bumblefoot AFINES A: Velvet Revolver, Saliva, Shinedown PÁGINA WEB: www.facebook.com/artofanarchyband

ART OF ANARCHY (ANOTHER CENTURY)

ROCK ALTERNATIVO, HARD ROCK

ualquiera que haya visto en YouTube el penoso vídeo de Scott Weiland cantando totalmente pasado durante un concierto en Texas este mes de abril tendrá más o menos claro que no se encuentra en su mejor momento. Es una lástima que su indudable talento artístico se vea continuamente saboteado por su incapacidad para encauzar su vida, algo que inevitablemente perjudica su carrera. En lugar de centrarse en Stone Temple Pilots, banda con la que suele dar lo mejor de sí, Weiland va dando tumbos sin demasiado sentido y Art Of Anarchy es el último de ellos. Sólo él sabrá qué le ha llevado a

involucrarse en otro ‘supergrupo’ junto a Bumblefoot, guitarrista de los Guns N’ Roses 2.0, John Moyer, bajista de Disturbed, y los hermanos Jon y Vince Votta en lugar de, por ejemplo, darse una nueva oportunidad con Velvet Revolver. ¿Se trata de su manera de pegarle un bofetón a Slash? Es posible, porque al fin y al cabo, el debut de Art Of Anarchy sigue una línea muy parecida a lo que ofrecían Velvet Revolver, pero naturalmente sin el poderío, al menos sobre el papel, que tenían aquéllos. A estas alturas ya te habrás hecho una idea de lo que encontrarás aquí: temas de hard rock moderno resultón (‘Small Batch Whiskey’, ‘Get

On Down’), baladas y medio tiempos que aspiran a colarse en las radios americanas (‘Time Everytime’, ‘Til The Dust Is Gone’), exhibiciones puntuales de Bumblefoot y un Weiland que aún es capaz de sacar alguna buena melodía (‘Death Of It’), pero al que le falta fuelle. Se hace difícil evaluar un álbum cuando sabes que detrás no hay prácticamente nada más que negocio, que casi con toda seguridad no tendrá continuidad y que quedará como una anécdota en el currículum de sus protagonistas, pero quien no busque en la música más que un mero sonido de fondo, hasta puede que incluso lo disfrute. DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... JOHN MOYER ¿Quién fue el instigador para reuniros y formar esta banda? “Jon y Vince Votta, los gemelos del rock’n’roll, querían hacer un disco y se pusieron en contacto con su amigo Bumblefoot. Trabajaron en el álbum, componiendo y grabando, incluso un año antes de que yo me involucrara. En ese momento Scott Weiland ya se había comprometido para hacer las voces, y entonces me llamaron para participar. Volé a Nueva York sin haber conocido a ninguno de ellos antes. Era fan de Bumblefoot, pero no le había conocido. Pero entré en el estudio y grabé el bajo”. ¿Te sentiste como si estuvieras siendo simplemente un músico de estudio o la intención era que Art Of Anarchy fuera una

banda de verdad? “Desde el primer momento que hablé con ellos se me dijo muy claramente que sería un miembro más. No pude participar creativamente, pero cumplí con mi función como bajista (risas)”. ¿Qué pensaste del material que habían estado preparando cuando lo escuchaste? “Me habían enviado un par de maquetas, y me alucinaron. Me encanta tocar música distinta y me gustó mucho el rollo que llevaban. No es tan duro como otras cosas que he hecho, pero me gustó mucho. La razón por la que lo hice fue porque me gustó la música. Si no, no lo hubiera hecho”. ¿El hecho de proceder de bandas de éxito os supuso algún tipo de presión añadida?

“Sólo puedo decirte que lo hice lo mejor que pude. La situación era muy tranquila. Bumblefoot es un gran productor e ingeniero y disfruté mucho trabajando con él. Todo fue muy relajado y divertido. Todos compartimos la misma visión de lo que hace que una canción sea buena”. ¿Tenéis la intención de salir de gira con Scott Weiland o vais a buscar un reemplazo? “Por desgracia todavía no hay nada concretado. Scott está girando con su proyecto en solitario y respetamos eso. Nuestra intención es salir de gira y tampoco podemos esperar mucho. Ojalá podamos contar con Scott, pero si no puede, tendremos que considerar coger a otro”. (DAVID GARCELL)

MELECHESH Enki

(NUCLEAR BLAST)

BLACKENED DEATH METAL

e alegro por Melechesh. Desde el más profundo y complicado underground israelí no sólo han salido a flote, sino que además, desde 2010 con The Epigenesis, editan sus álbumes junto a Nuclear Blast, y eso que publicar antes con Osmose tampoco es que fuera una nimiedad… Por el camino tuvieron que exiliarse a Holanda, pues vivir en ese país que pocas lecciones ha aprendido del nazismo (o demasiadas, según se mire…) era para ellos un suplicio. Pero aquí están con su sexto largo, Enki, otra obra blackened death que, como no podía ser de otra manera, también aporta ese distintivo punto de exotismo propio de la música folk de Oriente Medio. Con Lord Curse volviendo al grupo como

DARIUS KOSKI Sisu

(FAT WRECK CHORDS)

FOLK ROCK

isu es el primer trabajo en solitario de Darius Koski, más conocido como el guitarra y compositor principal de los punk rockeros Swingin’ Utters, una formación que después de un largo hiato... ¡Lleva tres discos en los últimos cuatro años! Este retorno de la banda madre con varias giras por todo el mundo con compañeros de sello como Lagwagon no ha impedido que el bueno de Koski pueda mostrar al mundo unos temas propios que guardaba con celo desde hace años. En estos 15 temas que componen esta ópera prima el veterano, lampista de día y guitarrita en una

batería y estrenándose el bajista Scorpios, este disco empieza fuerte con ‘Tempest Temper Enlil Enraged’, pero los siguientes temas, exceptuando ‘Lost Tribes’, tampoco son nada del otro mundo. Así, no es hasta que se manifiesta en toda su grandeza ‘Enki Divine Nature Awoken’ que reconoces a los mejores Melechesh. ‘Metatron And Man’ ofrece una pizca necesaria de

velocidad y mala uva en el instante propicio, pero bajo su tamiz arabesco es también un corte repleto de momentazos. Deberían congratularse con la instrumental ‘Doorways To Irkala’ y los casi 13 minutos de ‘The Outsiders’, pero la dilatación de este tema final no es garantía de absoluta brillantez. Sin ser su mejor álbum, les abrirá más puertas todavía.

ruidosa banda de punk rock por las noches, da rienda suelta a todo tipo de ideas, eminentemente acústicas, en la onda country folk que adereza los trabajos de su banda. Si por algo destaca este trabajo es por su gran variedad, resultado de años y años con una variada dieta musical: de los Beatles a Elliott Smith pasando por Johnny Cash y Elvis Costello. Así, si en ‘Show Me The Way’ y ‘Listen!’ nos transporta a un animado honky tonk bar del suroeste norteamericano y viaja hasta las raíces del country en ‘Tension Tank’ y ‘Howls From The Gale’, en otras piezas

como ‘Sidewalk Serenade’ nos mece al ritmo de un suave acordeón y nos toca la fibra con piezas desnudas hasta el esqueleto como ‘So Help Me’ y ‘Everybody Leaves’. Koski, que empezó su carrera musical en la escuela tocando el violín y la viola, es hoy un solvente multiinstrumentista y se las apaña solito de maravilla. Eso sí, las baterías las ha confiado a su compañero en Swingin’ Utters Miles Peck y otros colegas también participan en este especial plástico grabado en los Motor Studios con Josh Garcia (The Real McKenzies, Get Dead).

PAU NAVARRA

LUIS BENAVIDES

GRUESOME

Savage Land (RELAPSE)

DEATH METAL

i te dijeran que Savage Land es una antigua joya de Massacre, Obituary o los Death del Leprosy que ha permanecido inédita hasta ahora, te lo tragarías sin problemas. Pero no, resulta que este álbum es el primer retoño de Gruesome, la nueva banda del siempre inquieto Matt Harvey, que con solamente un año de existencia ya han conseguido parir este retorno en toda regla a la época dorada del death de Tampa. El cantante y guitarra de Exhumed se ha hecho acompañar de jóvenes talentos como el guitarrista Daniel Gonzalez (Possessed)

o de Gus Rios para la batería, contando también con la bajista Robin Mazen, quien desde 2006 toca junto a las míticas death doom Derkéta. Como ya hemos dejado bien claro desde el principio, el acercamiento a lo mejor que salió de Florida a finales de los 80 y principios de los 90 es tan logrado como la misma portada, una perfecta recreación del colorista estilo de esa etapa. Así, en ‘Psychic Twin’, ‘Trapped In Hell’ o ‘Demonized’ únicamente vas a encontrar tupa-tupas de toda la vida, riffarros que tiran de espaldas, parones para fliparse, punteados de la leche y solos brutales que encima van por turnos… Buah, de éstos hay como para parar un tren. Una tras otra, sin tregua ni memeces, como en los viejos tiempos. Un death tan gigantesco como aquél no volverá a escucharse jamás, pero por suerte Gruesome rememoran con exactitud la enormidad de aquellos tiempos. Que en la última página del libreto le dediquen el álbum a Chuck Schuldiner no debería sorprendernos nada. PAU NAVARRA

SIBERIAN ESCAPE Tunguska (FUZZ COLLECTIVE)

ROCK ALTERNATIVO

ncomiable la labor que está llevando a cabo desde hace ya algún tiempo un sello como Fuzz Collective con la intención de dar salida a lo más interesante del movimiento alternativo que se cuece en un lugar tan alejado del foco principal donde suceden los asuntos importantes como es Mallorca. Al post rock instrumental de los siempre recomendables Fura hay que sumar todo un power trio como lo son Siberian Escape. Fundados en 2011 y con un par de breves referencias a sus espaldas, Wormholes y Panspermia,

Miguel (voz y guitarra), Lluis (bajo) y Domingo (batería) se consideran a medio camino entre el post hardcore y el rock alternativo que les podría emparentar con formaciones afines tales como Nothink, Día De Furia o Zimt. Ahora, con el más reciente Tunguska, pretenden dar un aire renovado a su sonido, empezando por el siempre delicado cambio del inglés al castellano, que en su caso no ha desentonado para nada. En ‘Gulag’ y ‘Sed’ ceden el protagonismo a unas poderosas guitarras sin olvidar las melodías. En el lado opuesto se encuentran ‘Anoikis’ y ‘Si Caigo...’, medio tiempos bien arreglados por acústicas y pianos puntuales, pero que apuestan por la intensidad cuando es requerida. Una melancólica ‘Uróboros’ pone el cierre a un sabroso tentempié que nos deja con hambre de más, así que nos emplazamos a seguirles la pista muy de cerca para cuando decidan lanzarse a por su primera referencia en largo. GONZALO PUEBLA

WILLIAM ELLIOTT WHITMORE Radium Death (ANTI)

AMERICANA

s muy injusto lo que está pasando con el cantautor de Iowa. Procedente, como otros muchos que se han pasado a la roots music, de la comunidad punk y hardcore, su ya prolífica carrera incluye auténticas joyas del country blues de los últimos diez años. Dejadme insistir en la recomendación de vinilos tan incendiarios como Song Of The Blackbird o Animals In The Dark, donde nuestro hombre, sacándole partido a su profunda voz, homenajea la música de raíces americana de manera sublime. En pleno 2015 y después de casi un

lustro sin grabar nuevas canciones, aquí lo tenemos de vuelta con energías renovadas en un álbum que, aun siguiendo su estilo característico, nos suena más luminoso, más optimista y, definitivamente, más vital. ‘Healing To Do’, el tema de apertura, ya da una muestra de que William Elliott pasa por una etapa especialmente positiva. Un rock’n’roll desenfrenado y directo, con una potente banda detrás respaldando un tema que definitivamente nos deja noqueados. ‘Don’t Strike Me Down’ sigue esa línea de nervio rockero que incluso nos recuerda al John Mellencamp más bullicioso. Pero a nosotros el Whitmore que más nos gusta es el oscuro trovador que nos destroza con el country y el blues más primigenio, y afortunadamente, no se le ha olvidado esa faceta suya tan atractiva. Escuchad ‘Civilizations’ o ‘Have Mercy’ con esas sinfonías de banjos de las montañas o el aroma campestre de ‘South Lee County Brew’. Pura magia para nuestros oídos, y es que no sólo de Johnny Cash vive el hombre. ANDRÉS MARTÍNEZ

SATAN’S WRATH Die Evil (METAL BLADE)

BLACK THRASH

ay que ver lo en serio que el exElectric Wizard Tas Danazoglou se ha tomado su proyecto Satan’s Wrath. Tres discos en sólo cuatro años de trayectoria, una loca carrera por devolverle la maldad al metal que aquí vive su momento de aceleración más acentuado. Y es que si por algo destaca Die Evil respecto a sus dos anteriores obras es por la velocidad, su pisotón con ganas al gas durante la mayor parte del álbum. La puta hostia tratándose de un plástico black thrash, es evidente… ‘Raised On Sabbaths’ te

sumerge en su inframundo de tiniebla para que, pronto, el batería Nathan Perrier empiece a imprimirle al disco este ritmo endiablado que comentábamos. Temas como ‘Satanic War’, ‘Diabolical Shudder’, ‘Die Evil’, ‘At The Strike Of Twelve’ o ‘Castle Of Torment’ no dan lugar al equívoco, pues desde el mismo momento de fundarse el combo Tas decidió que esto iba a ser una absoluta reverencia hacia los padres del metal extremo, todo un homenaje hacia Venom, Possessed, Sabbat, Sarcófago o las etapas iniciales de Slayer, Destruction o Sodom. ¡‘Coffinlust’ parece sacada del Welcome To Hell! Los griegos presentan varias intros en muchos cortes, pero luego… A degüello. Su nueva obra suena afilada, ruin, taimada y peligrosa, con las guitarras de V y Stamos K echando humo de tanto riff puntiagudo y solos de infarto, así que si sigues a Nekromantheon, Aura Noir, Goatwhore o Desaster, además de todo lo citado antes, toca disfrutar de lo lindo. PAU NAVARRA

IDEALIPSTICKS

Surreal As Reality (SANTO GRIAL)

ROCK

n la simplicidad está su encanto. Porque cuando ya empiezas a estar cansado de combos intentando reinventar la rueda agradeces que llegue alguien para poner las cosas en su sitio con unos cuantos buenos riffs y unas pocas melodías. Desde luego no inventan nada, la guitarra de Jave Ryjlen sigue alimentándose del espíritu sesentero que va desde el garaje más descarnado hasta el glam más sofisticado pasando por el pop de guitarras robustas y musculadas. La fusión de toda esa energía primigenia con la sensual y vibrante voz de Eva, una suerte de Joan Jett rubia, dan como resultado un

ramillete de perlas redondas, contundentes y deliciosamente certeras. Puro rock desnudo sin ningún tipo de artificio, trampa ni cartón. Temas como ‘Backtown Rd.’ (donde se disfrazan de Fuzztones) o ‘Black Hole’ enseguida se te enganchan como un bubblegum pegajoso imposible de despegar, pero no sólo de infecciosos riffs y ritmos cavernícolas vive el dúo. En ‘Sick Of This’ por ejemplo se metamorfosean con un sencillo blues acústico y en ‘On The Run’ se atreven a zambullirse en las aguas del océano Pacífico para regalarnos una exquisita pieza de surf psicodélico que vale su peso en oro. Tienen una larga carrera a sus espaldas, estamos hablando de una banda que a pesar de sus influencias no es tan sólo el típico grupo retro recreando los sonidos de tiempos pasados. Como artistas tan mediáticos y exitosos como The White Stripes o The Black Keys, los madrileños saben cómo mimetizar sus gustos para ofrecernos una propuesta fresca y alejada de la burda copia en blanco y negro. Dales una oportunidad, va. ANDRÉS MARTÍNEZ

ARCTURUS Arcturian (PROPHECY)

AVANT-GARDE METAL

ara los que lleven en el black metal veinte años en vez de cinco meses, para los que saben que las propuestas más vanguardistas ya nacieron directamente de pilares del estallido noruego como Emperor, Burzum o Enslaved, que Arcturus vuelvan a publicar un nuevo álbum una década después sólo puede provocar excitación. Más quisieran los gafapastas de hoy que Wolves In The Throne Room hubieran inventado el black atmosférico… Creados en 1991 y habiendo superado un hiato entre 2007 y 2011, Arcturus siempre fueron lo que hoy consideraríamos

una superbanda, con un exUlver, Ved Buens Ende o Covenant como Steinar ‘Sverd’ Johnsen como cerebro creativo, además de Hellhammer de Mayhem a la batería o ICS Vortex (Borknagar, Dimmu Borgir…) a las voces. Sus, por aquel entonces, visionarias obras noventeras siguen siendo de cabecera actualmente, pero por desgracia, lo que venían anunciando con sus dos discos de este siglo, The Sham Mirrors (2002) y Sideshow Symphonies (2005), ha terminado por explotar totalmente en este Arcturian. Enredados adrede en un progresivo circense a lo Bigelf, sumándole además la molesta voz de Vortex, que ya es decir, entregan un álbum con chispazos de lo que eran, pero también de lo que son. O lo que es lo mismo, que sorprender lo hacen y tiran de metal extremo a veces, pero tristemente, junto a esos rasgos aparecen elementos de un mal gusto intolerable. Entre interesante y ridículo. Una patata caliente para el fan y el crítico. Como si Willy Wonka se dedicara a quemar iglesias. PAU NAVARRA 93

THE EARLY NOVEMBER Imbue (RISE)

ROCK ALTERNATIVO

esde la primera escucha, da la impresión de que el cuarto álbum de The Early November no va a pasar desapercibido en su discografía. Para aquellos que estuvieran al tanto de la carrera de los de New Jersey y llevaran tiempo sin saber de ellos, les resultará un soplo de aire fresco. A mi parecer consiguieron, de una vez por todas, el sonido que andaban buscando desde aquel intento de madurez en su trilogía de The Mother, The Mechanic And The Path, y que años después afianzaron con In Currents. Nos decía Ace Enders que la canción que abre el disco era su favorita, y es difícil quitarle la razón cuando escuchas su voz converger en esos acordes puntiagudos de ‘Narrow Mouth’. Si hay algo que tiene el disco

SCHIZOPHRENIC SPACERS Macumba - Live At Last (AUTOEDITADO)

ROCK

a noche del pasado 7 de febrero fue una fecha memorable para Schizophrenic Spacers, y también para nosotros. Porque los que hemos crecido amando y venerando aquellos míticos dobles en directo de los 70 y 80 teníamos la oportunidad de participar en nuestra propia película. En efecto, fue una vez nuestros amigos de Schizophrenic se decidieron a lanzarse a la tan arriesgada empresa de registrar, en estos difíciles tiempos, un doble disco en vivo. Una idea de locos, pero qué sería de nuestra existencia sin esas pequeñas locuras que a veces hacemos sin pensar.

son buenas canciones; ‘Better That Way’, ‘Boxing Timelines’, ‘Circulation’ o ‘The Negatives’ entrarían seriamente en una disputa por ser el siguiente single. Destaca también el uso de nuevos registros en la voz de su cantante con canciones como ‘Harmony’, entonando una dulzura difícil de imitar, y otras como ‘Magnolia’, ‘Cyanide’ o ‘Nothing Lasts Forever’, que les acercan un poco a cuando eran aquellos

chavales de Drive-Thru Records, pero habiéndoles salido más pelos en la barba. Como añadido a estas diez nuevas composiciones han incluido una nueva versión de ‘Digital Age’ de su anterior trabajo, que sinceramente preferiría que no hubieran repescado. En definitiva, una obra que les afianza a la actualidad musical y que puede que les abra otros frentes por explorar.

De acuerdo, aquello no era el Budokan, ni el Fillmore, ni tampoco el Apollo Theatre, pero ni falta que hacía. Con un repertorio trufado de temas propios y versiones perfectamente escogidas, los catalanes pusieron la sala Rocksound al rojo vivo. Los cuadros de Lynyrd Skynyrd y Muddy Waters que decoran el local literalmente sudaban. Lo juro, yo estaba allí y lo comprobé con mis propios ojos. El sonido no es perfecto, pero es sincero, honesto y rabiosamente violento, una bocanada de aire fresco si lo comparamos con tantas y tantas grabaciones perfectamente producidas,

y sin embargo, tan vacías y estériles. El set es de ensueño, fusionando los excelsos temas de su propia cosecha con esas covers que acostumbran a recrear con tanta pasión y entrega. En ese sentido poder disfrutar en un mismo show de ‘Collector’, ‘Witches From Western World’ o ‘Sick Minds’ al lado de incendiarias recreaciones de ‘I Don’t Need No Doctor’ o esa gloriosa ‘Walking The Dog’ es un privilegio que no está al alcance de cualquiera. Una presentación espectacular rubrica un disco que debería ser adquirido por todo aquel consumidor de classic rock.

ALEJANDRO LOZANO

ANDRÉS MARTÍNEZ

COME BACK FROM THE DEAD The Coffin Earth’s Entrails (BLACKSEED PRODUCTIONS)

DEATH METAL

odido y coprofornicado death metal old school en su más sueca expresión. Hala, fin de la crítica, a no ser que… Sí, exacto, hay otros detalles a tener en cuenta en The Coffin Earth’s Entrails, el álbum de debut de Come Back From The Dead. Para empezar, la voz y estilo del cantante Paul, bastante lejos del típico y tópico gutural que suele acompañar a este tipo de propuestas. Lo suyo es más personal, no tan burrote, quizá más en la línea de un LG Petrov de Entombed.

Lo segundo es que estos gallegos vienen del punk y el crust, y claro, en según qué punteados o riffs eso salta a la vista, como en unas letras con cierta crítica social sepultada entre la podredumbre habitual. ‘Better Morbid Than Slaves’ es un ejemplo, también la cañera ‘Horror Bathory’, y ya no digamos ‘Krakenstein’, un tema que sin duda se halla entre lo mejor del lote. ‘Rise Of The Scavengers’ también merece una consideración aparte, bien conducida y mohosa como ella sola, realmente buena, y por supuesto ‘In The Vault Of Horror’, un broche final algo más doom. Quien quiera caña antigua aquí tiene cortes como ‘Hell Inside’, ‘Gravediggers From Inferno’ o ‘Psychosymphony Of Bites’ para saciar perfectamente su sed. Sin ir a quemar, con clase. Con toda la categoría que pueda garantizar una dilatada y relajada grabación en los Estudios Monte Alto de A Coruña, pero principalmente una masterización a cargo de todo un Dan Swanö. PAU NAVARRA

TRIANA El Patio

Edición 40 Aniversario (WARNER)

ROCK PROGRESIVO

l primer álbum de Triana, conocido popularmente como El Patio, lleva camino de convertirse en el disco más mítico del rock estatal… si es que no lo es ya. Al fin y al cabo, reúne todas las condiciones para ayudarle a elevarlo a ese olimpo de los dioses. Ignorado en el momento de su lanzamiento, 1975, la leyenda de El Patio empezó a crearse en el momento en que Triana comenzaron a despegar con su segundo álbum, el también excelso Hijos Del Agobio.

40 años han pasado desde que el álbum vio la luz, y cada nuevo día que pasa parece que juega a su favor. Creadores de un sonido que basculaba entre el prog rock y el flamenco, imagínense esa mezcla en aquellos tiempos, Triana crearon escuela con este disco y desde entonces su influencia es omnipresente. Pero si algo sigue dejando claro esta obra es que Triana sólo hubo unos. Únicos e inimitables. Escuchar los diez minutos del primer tema, el mítico ‘Abre La Puerta’, son suficientes para entender todo lo que era el universo del trío andaluz: unos desarrollos instrumentales nunca vistos hasta ese momento –los ritmos de Tele tuvieron que dejar a más de un batería con la boca abierta-, sus dejes aflamencados presentes en todo momento y la poesía controlada y voz de Jesús de la Rosa, fundamental para redondear la personalidad de la banda. Un carácter tan marcado y especial que incluso, y me pongo como ejemplo, a gente que no es fan del rock progresivo ni el flamenco, hechizó. RICHARD ROYUELA

GANG OF NEW YORK Y SEGUIMOS CON LAS REUNIONES. ESTA VEZ ES EL TURNO DE D GENERATION, UNA PEQUEÑA GRAN BANDA DE PUNK ROCK QUE CALÓ MUY HONDO POR AQUÍ EN LOS 90. EL FESTIVAL AZKENA ROCK SERÁ TESTIGO DE SU REGRESO. TEXTO: TOY BROWNSTONE FOTO: DR

ENÍAN UNA ESTÉTICA salvaje y una actitud callejera y amenazante, como lo fuera su ciudad, la Nueva York de los años 80. Su segundo trabajo, No Lunch (1996), se convirtió en un disco de cabecera para muchos. La banda se disolvió en 1999 sin dejar muy claros los motivos y alcanzaron un estatus de culto que siempre los ha mantenido presentes. D Generation tienen una relación muy especial con nosotros y han escogido volver a los escenarios ofreciendo un único concierto en Azkena Rock Festival este mes. Jesse Malin, que lleva una década forjándose una carrera como cantautor, se encuentra ahora mismo promocionando su último disco en solitario, New York After War, pero como él mismo afirma, D Generation es ahora su máxima prioridad, y por eso nos hizo un hueco para hablar

de la situación actual de la banda. Hace algunos meses D Generation fueron confirmados en el Azkena Rock de Vitoria. ¿Por qué elegisteis este evento para salir de la cueva? JESSE MALIN “España siempre nos ha tratado muy bien, desde nuestra primer visita con Green Day en 1998. Hemos tocado en Madrid y Barcelona y hace tres años estuvimos tocando en Santander y Benidorm en el festival TurboRock. Fue la primera vez que todos estábamos disponibles para juntarnos de nuevo, los temas sonaban muy bien y fue muy divertido. Nos han contado que el festival Azkena es estupendo, así que veremos qué pasa. Tenemos muchas ganas”. De momento sólo habéis con-

firmado esta fecha. ¿Hay alguna razón por la que no giréis más? Quizás el lanzamiento de tu álbum en solitario, New York After War... “Ahora mismo hemos sacado un single, nuestra primera canción en muchos años. Después, creemos que para otoño, saldrá nuestro cuarto disco. Este primer single, ‘Queen Of A’, ha sido publicado con motivo del Record Store Day. Queríamos haber grabado ya hace un par de años, pero no pudo ser por diversos motivos, principalmente porque no todos estábamos libres para poder juntarnos y trabajar en nuevo material”. Como comentabas antes, algunos pudimos asistir a los conciertos que ofrecisteis para el festival TurboRock, y fueron

“SOMOS COMO UNA FAMILIA, CON SUS ALTIBAJOS, PERO QUE AL FINAL QUEREMOS VOLVER A ESTAR JUNTOS” JESSE MALIN salvajes. Se os veía en plena forma, muy conjuntados y, sobre todo, disfrutando. Pensábamos que seguiríais adelante, pero no fue así. “Estábamos muy liados todos con un montón de proyectos pero no dejamos de hacer cosas. Justo cuando preparábamos estos conciertos estuvimos grabando y componiendo un montón de temas. Nuestra intención es volver como banda en forma, y si es posible incluso mejor que cuando estábamos en activo. Todo el mundo está vivo, y afortunadamente somos los mismos cinco tíos que nos juntamos para tocar la última vez. Hemos tenido suerte y no hemos tenido que buscar ningún reemplazo porque a todo el mundo le apetece que D Generation vuelvan a funcionar. La química y la sensación de hermandad entre todos se mantienen vivas, y son éstos los motivos por los cuales esto se puede llevar a cabo. Somos como una familia, con sus altibajos, pero que al final queremos volver a estar juntos”. Ahora sí podemos hablar de una reunión oficial, ¿verdad? “Sí, totalmente. Prefiero no pensar en una reunión, sino en una continuación de la vida. La continuación de un proceso, en definitiva, retomar las cosas donde estaban y seguir. A pesar de todos estos años las cosas no han cambiado y somos los mismos. Segui-

mos estando cabreados, nos seguimos odiando y queriendo entre nosotros, y todo sigue siendo un desastre (risas)”. Seguís manteniendo viva esa pasión… “¡Claro! Si no hay pasión no tiene sentido hacer nada. Pasión y ganas de diversión. Está claro que ahora somos gente un poco más civilizada. Madrugamos y ya no mandamos a la mierda a la gente que nos mira raro en los aeropuertos como hacíamos cuando éramos críos. Al menos en esto hemos mejorado (risas)”. Tuve la oportunidad de entrevistar a Donita Sparks de L7, que también se han juntado recientemente, y con quienes además compartiréis escenario el viernes en Mendizabala, y nos contaba que su reunión se ha llevado a cabo esencialmente gracias a los esfuerzos por parte de los fans de mantenerlas vivas. En vuestro caso, ¿cuál fue la razón principal para volver a retomar la actividad de la banda? “Como te comentaba, lo primero que teníamos claro es que para poder hacerlo teníamos que estar todos dispuestos y preparados para ello. Nunca hemos dejado de tener contacto, y durante años nos habría encantado llamarnos un día y decir ‘¡Hey tíos! Vamos a volver a la carga’, pero entre que yo he estado centrado en mi música y girando, y los demás también estaban haciendo otras cosas, no ha sido posible hasta ahora. Así que en realidad ha sido una cuestión de calendario hasta que hemos encontrado el momento en que hemos podido hacerlo. Y hemos querido hacerlo cuando

todavía seguimos estando presentes en la memoria de muchos fans. La experiencia de hace tres años tocando en Nueva York o Los Ángeles fue cojonuda. Fue muy divertido y la respuesta de la gente muy positiva. Tocar para gente que nos seguía en la época, pero también para chavales que nunca nos habían visto, fue estupendo. Y esto fue lo que realmente nos motivó a continuar. Tenemos muchas ganas de volver a juntarnos con L7. Tuvimos ocasión de girar con ellas en los 90 y son estupendas. Poder volver a verlas tocando ahora es algo maravilloso y nos hace ilusión poder compartir esto con ellas”. Ese día va a ser increíble. Lo esperamos con muchas ganas. “¡Sí, yo también! En serio, nos apetece tocar en un ambiente completamente festivo y juntarnos con bandas que respetamos tanto. Para nosotros esto es un gran privilegio y estamos muy agradecidos. Tenemos la suerte de poder tocar delante de gente que todavía cree en la banda después de tantos años. Y además contamos con el aliciente de tocar nuevas canciones para vosotros. Sólo un par. No queremos ser una de esas bandas que ofrecen un concierto centrándose en un setlist de temas nuevos dejando al público sin poder disfrutar de lo que realmente quieren, que es ni más ni menos que el material clásico”. ¿En qué creéis que habéis cambiado estos años? “Sin duda lo principal es que ahora tocamos mucho mejor (risas). Todos hemos ido mejorando nuestras habilidades, también hemos escuchado nuestros discos mucho y hemos ido mejorando la forma de tocarlos. Aho97

“THE ROLLING STONES, NEW YORK DOLLS O THE DEAD BOYS. ESTAS BANDAS ERAN NUESTRAS PRINCIPALES INFLUENCIAS. ESTÁBAMOS LLENOS DE RABIA, PERO NO QUERÍAMOS HACER MÚSICA PESIMISTA” JESSE MALIN

ra también escuchamos mucha más música de otras bandas, algo que me parece necesario y muy enriquecedor. Con respecto a la banda, hay cosas que han cambiado y otras que siempre serán igual. Tenemos los mismos problemas, mantenemos el mismo nivel de entusiasmo. Cuando canto algunos estribillos de nuestros temas me emociono, de verdad. Tengo ganas de tirarme de un edificio o de un escenario. Esa sensación no se ha ido. No sé, las guitarras de Danny Sage me provocan este tipo de sensaciones y me hacen sentir vivo”. Antes hablábamos de ‘Queen Of A’, el 10” que habéis lanzado para el Record Store Day. Corrígeme si me equivoco, pero esto es lo primero que habéis grabado desde vuestro último disco Through The Darkness en 1999. ¿Cómo fue volver al estudio después de tanto tiempo? “No estás equivocada, Through The

Darkness fue lo último que hicimos en estudio. En esta ocasión juntarnos para grabar fue una experiencia diferente. Nos dimos cuenta que todavía había muchas cosas sobre las cuales queríamos cantar. Las letras de D Generation siempre han estado marcadas por la angustia y la cólera. La preocupación y la frustración son el motor de nuestras canciones. Han pasado muchos años, pero esta frustración se mantiene, sobre todo si levantas la cabeza y echas un vistazo a tu alrededor. El mundo está jodido, y esto nos afecta. Escribir sobre todas estas cosas que nos amargan es como una especie de terapia. A veces necesito coger un micro y gritarle al mundo. En el estudio lo hacía (risas). El trabajo en el estudio fue magnífico. Conseguimos grabar un montón de material y mantener un sonido muy directo, como en los ensayos. Nos hemos sentido muy cómodos haciendo todo más crudo, y más suelto. Este 10” lo hemos sacado a través de Belvedere Recordings, y Danny Sage se ha encargado de la producción,

haciéndolo todo mucho más fácil”. Nos has adelantado que a finales de este año saldrá un nuevo disco y que lleváis tiempo trabajando en él. “Sí, ahora mismo sólo queda mezclar y concretar todo el tema del sello discográfico con el que lo saquemos, pero nuestros mánagers ya se están encargando de ello, así que parece que todo saldrá según lo previsto. Todavía nos queda decidir el título. Es una pena que no esté listo para el festival”. ¿Nos puedes dar alguna pista o adelantar algo? “Por supuesto que va a sonar a D Generation, pero creo que también se va a notar una evolución notable. Hablamos mucho del momento que estamos viviendo pero sigue siendo un disco de punk y rock’n’roll. No te asustes, pero ya no somos los chavales de antes, y eso se tiene que notar”. Me consta que eres muy buen

amigo de Ryan Adams. De hecho, te he visto girando con él en acústico en Oporto... “¡Oh, sí! Ese concierto fue genial”. ¿Alguna vez habéis pensado D Generation y Ryan Adams en hacer algo juntos? “Siempre tenemos en mente trabajar en algo pero nunca ha surgido la oportunidad. Ryan es un tío estupendo, y es algo que me encantaría”. En los 90, en España, no pudimos disfrutar la escena neoyorkina muy de cerca. Para nosotros D Generation era una banda explosiva y con tan sólo tres discos seguís siendo un referente para muchos de nosotros. ¿Cómo describirías a tu formación en esa época? “En esa época muchas bandas estaban haciendo grunge, o música más lenta y pesada. Todos iban disfrazados de gasolineros con una estética muy similar. Nosotros intentábamos ser más callejeros y urbanitas, y llevar un estilo más llamativo y diferente. Éramos como hermanos y teníamos un sentimiento de pandilla muy fuerte, y buscábamos disfrutar de todo intensamente mientras durara. Queríamos ser cuatro instrumentistas y un cantante, como The Rolling Stones, New York Dolls o The Dead Boys. Estas bandas eran nuestras principales influencias. Estábamos llenos de rabia, pero no queríamos hacer música pesimista”. Hace unos días Time Out os incluyó en una lista de los 10 héroes del punk en Nueva York. ¿Qué os pareció esto? “¡Guau! Fue impresionante vernos en esa lista. Nos sentimos muy orgullosos

de ostentar ese título con bandas como The Dictators. La verdad es que la recopilación de nombres en esa lista es muy interesante. Es genial notar que la gente no nos olvida y que tenemos fans muy fieles. Me sorprendió muy gratamente”. ¿Cómo era la escena punk neoyorquina en los 90? “Fue una época muy divertida, aunque un montón de gente estaba hecha una mierda. Era bastante decadente. Creo que conseguimos que la gente volviera a salir a bailar rock. Unos ponían música y organizaban fiestas, y todos nos apoyábamos entre nosotros e íbamos a todos los shows, igual que otras bandas venían siempre a vernos. Realmente queríamos que la música saliera adelante, que las bandas pudieran editar discos y aportar rock a la ciudad. Montábamos fiestas en las que Howie Pyro pinchaba The Stooges, The Cramps o Sly And The Family Stone. Queríamos crear nuestro propio mundo, lejos de las tendencias de la MTV, y recuperar todo aquello con lo que habíamos crecido”. ¿Y ahora cómo ves esa escena? ¿Sigues con tu local, el bar Niagara? “Sí, el bar sigue funcionando. Todavía seguimos montando fiestas con DJs y programando conciertos. La gente sigue saliendo a bailar y apoya a las nuevas bandas locales que tocan en sitios pequeños. Pero la ciudad se ha convertido en un lugar muy turístico y muy caro, y es cada vez más complicado mantener pequeños reductos donde se respire un ambiente más auténtico, especialmente en Manhattan. Todo se ha ido moviendo a Brooklyn o Queens. Sigue habiendo una escena,

pero ahora tienes más complicado encontrarla. Ahora todo se ha vuelto más hipster y trendy, y el rock ha vuelto a ser muy underground. Añoro los tiempos que pudimos disfrutar. Ahora nada es igual”. ¿Hay alguna formación que ahora mismo nos puedas recomendar de allí? “Me encantan The Biters, que ahora mismo están de gira con The Worms. Las dos son bandas muy potentes y tocan con frecuencia por aquí. Te diría alguna banda más, pero que no tienen demasiada repercusión. Una pena”. Parece que 2015 va a ser un año muy intenso para ti. ¿Tienes planes de gira para presentar tu disco en solitario? “Acabo de sacar New York After War, espero que en octubre salga nuestro disco, y a finales de año también tengo intención de sacar otro álbum en solitario. Durante estos últimos años he escrito y grabado muchísimo material y era imposible resumirlo todo en un solo disco, así que en lugar de lanzar un álbum doble he creído que lo mejor sería sacar dos discos dando un pequeño margen de tiempo entre uno y otro. De todas maneras, D Generation es mi banda, ahora mismo todos podemos darle un empujón, así que ahora mismo tocar con mis amigos es prioritario. Agradezco mucho todo el apoyo que nos estáis dando y tengo muchas ganas de veros en verano. Espero que no quedéis defraudados. Tengo el presentimiento de que va a ser una noche inolvidable”.

RED CITY RADIO

LA EVOLUCIÓN DE RED CITY RADIO DE UN PUNK MÁS ENÉRGICO AL ROCK MÁS CLÁSICO QUE ENCONTRAMOS EN SU NUEVO DISCO NO ES UNA NOVEDAD EN LA ESCENA... PERO POCOS LA HAN HECHO CON TANTA CLASE COMO ELLOS. TEXTO: JORDI MEYA FOTO: DR

E ENCONTRÁRTELOS EN LA ESTACIÓN DE SERVICIO de una de esas inacabables autopistas que cruzan Estados Unidos es muy posible que pensaras que esos cuatro tipos mal afeitados y con los brazos tatuados sentados en la última mesa son una panda de camioneros tomándose un descanso. Pero en realidad 100

Garrett Dale (voz, guitarra), Jonathan ‘Jojo’ Knight (bajo), Ryan Donovan (guitarra) y Dallas Tidwell (batería) son los integrantes de una de las bandas de punk rock más excitantes del momento. Red City Radio llevan tres EPs y un par de álbumes, pero ha sido con el tercero, titulado con el propio nombre del grupo y con el que debutan en el sello Staple Records, que

parece que por fin el mundo se está dando cuenta de ello. A pesar de que el grupo contó con el contratiempo de la marcha de su colíder Paul Pendley en 2014, los de Oklahoma parecen haberlo superado sin problemas, abrazando más que nunca la raíz más clásica del sonido americano. Los días 6 de julio en Barcelona, 8 en Gijón, 9 en Madrid y 10 en Blanes

tendremos la suerte de vivirlo en directo. ¡No os lo perdáis! Éste es el primer disco que hacéis sin Paul, y también el primero para un nuevo sello. ¿Lo veis como un nuevo comienzo para Red City Radio? JONATHAN KNIGHT “En cierta manera sí. La idea de titularlo como la banda tuvo que ver con eso. Pero en realidad nuestro enfoque no ha cambiado demasiado a la hora de grabarlo... En todo caso estamos muy orgullosos del resultado”. Antes de hablar del disco, ¿podrías contar un poco cómo se produjo la salida de Paul? “Paul dejó el grupo hace año y medio, por lo que ya hemos hablado mucho de ello... Aunque entiendo que se nos vuelva a preguntar porque es el primer disco que hacemos sin él. En todo caso, su decisión es algo que respetamos y que tampoco nos sorprendió en exceso. Básicamente Paul quería dedicarse a su familia. La gente tiene que tomar decisiones en su vida y él tomó ésa. Ahora ha tenido un bebé con su mujer y nos alegramos mucho por él. Pero como te decía, nosotros ya llevamos año y medio con esta formación y para nosotros es algo ya totalmente normal, y estamos muy emocionados con cómo han ido las cosas”. El nuevo disco me ha parecido más hímnico y con un sonido más cercano al rock clásico americano. ¿Lo ves igual? “Puede ser. No creo que fuera algo buscado, pero los dos últimos meses del año pasado entramos en el estudio para perfilar las canciones y pudimos trabajarlas más. Garrett dedicó

mucho tiempo a las guitarras, así que quizá eso nos llevó a un sonido más elaborado y a tender a un sonido más clásico. Pero la progresión ha sido tan orgánica como ha sido siempre”. ¿Así que dirías que esas influencias siempre estuvieron ahí pero antes quedaban más ocultas en un sonido más punk rock? “Sí, quizás es eso. Siempre he pensado que intentábamos aportar algo más que ser una mera banda de punk rock. Puede que hayan aflorado esas influencias, pero creo que la identidad de Red City Radio sigue estando ahí. Como te decía, lo veo como una progresión natural. Garrett siempre está aportando contenido nuevo”. ¿Pero mientras lo grababais tenías la sensación de estar haciendo algo distinto? “Desde luego hay partes en las que trabajamos probando cosas nuevas, pero creo que eso nos ocurre en cada disco. He leído muchas críticas hablando de que hemos cambiado, pero desde dentro no lo parece. Quizá si escuchas el primer disco y ahora el nuevo, puede que haya más diferencias. Pero creo que en Titles ya dimos pequeños pasos hacia donde estamos ahora”. ‘…I’ll Cath A Ride’ es bastante más épica de lo habitual para vosotros. “Fue una de las últimas canciones que nos enseñó Garrett. Le dedicamos mucho tiempo a cómo íbamos a pasar de una sección a otra. Es un tema en el que la dinámica es muy importante porque empieza de una manera muy ambiental y no quería-

“SIEMPRE HE PENSADO QUE INTENTÁBAMOS APORTAR ALGO MÁS QUE SER UNA MERA BANDA DE PUNK ROCK” JONATHAN KNIGHT

mos perder eso a medida que va cogiendo energía y sube el tempo. Nos costó un poco, pero creo que hicimos un buen trabajo. Es de los temas más ambiciosos del disco y también uno de mis favoritos”. Es un tema muy Springsteen. ¿Le reconocéis como una influencia? “¡Bueno, somos americanos! (Risas) Supongo que es un clásico al que es difícil ignorar, pero no creo que sea una influencia directa para nosotros. Al menos para mí”. En julio os tendremos por aquí por primera vez. ¿Qué os esperáis? “No tengo ni idea. Intentamos no crearnos muchas expectativas cuando vamos a un sitio por primera vez, pero por lo que nos está llegando parece que los shows irán bien. Estuvimos en Rusia por primera vez y los shows fueron más animados de lo que esperaba, así que espero que tengamos otra buena experiencia. No podemos dedicar mucho tiempo a nuevos mercados, así que cuando surge la oportunidad de ir a uno intentamos dejar la mejor impresión posible. España es un sitio al que siempre habíamos querido ir”.

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THE GHOST INSIDE ¿QUÉ OCURRECUANDO LO QUE PARECÍA INALCANZABLE SE CONVIERTE EN COTIDIANO? JONATHAN VIGIL TUVO QUE RECORDARSE A SÍ MISMO LA SUERTE QUE TIENE DE ESTAR AL FRENTE DE UN GRUPO COMO THE GHOST INSIDE PARA COMPONER SU ÚLTIMO ÁLBUM DEAR YOUTH. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR/JAVIER PÉREZ (DIRECTO)

ON UNA GRAN CONSTANCIA, LA BANDA DE LOS ÁNGELES The Ghost Inside vienen publicando desde 2008 un nuevo disco cada dos años. En 2014 no fallaron y en noviembre publicaban su cuarto disco Dear Youth (Epitaph), en el que repetían, de manera incluso más refinada, la fórmula que tan bien les había fun-

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cionado en el anterior Get What You Give. Básicamente coger su sonido hardcore y metal y barnizarlo con melodías más accesibles supervisadas por Andrew Wade y Jeremy McKinnon, dos de los artífices del éxito de A Day To Remember. Hay quien ha visto en este giro una clara intención comercial, y si eso fuera el caso, está claro que les está dando buenos resultados.

Aunque todavía estén lejos del nivel de popularidad de sus amigos de Florida, es evidente que cada vez cuentan con más fans. Su vocalista Jonathan Vigil está siendo el único testigo de su ascenso, ya que desde su formación en 2004 ha ido variando constantemente, y desde la marcha a principios de año del guitarrista Aaron Brooks, es el único miembro fundador que resiste.

con la gente. Pero a juzgar por lo que he visto esta noche, lo hemos hecho bastante bien (risas)”. Tengo la sensación de que Dear Youth está siendo vuestro disco más popular. ¿Es así? “Sí, nos está yendo muy bien. Cuando sacas un disco siempre esperas que funcione mejor que el anterior, y en este caso así ha sido”.

FANTASMA DE LA

JUVENTUD “TODO EL MUNDO PUEDE ESTAR EN UNA BANDA Y GIRAR, PERO HABER LLEGADO A ESTE NIVEL ES MUCHO MÁS DE LO QUE HUBIERA SOÑADO. ES INCREÍBLE ESTAR EN ESTA POSICIÓN” JONATHAN VIGIL

Por si había dudas, es su visión y determinación la que está llevando adelante a The Ghost Inside –que completan Zach Johnson (guitarra), Jim Riley (bajo) y Andrew Tkaczyk (batería)-, y por lo

que cuenta, todavía le queda combustible para rato. El pasado 19 de abril, unos minutos después de haber terminado su concierto con Sick Of It All en Barcelona, y tras una merecida ducha, Jonathan atendía nuestras preguntas. Felicidades por el concierto. ¿Sueles ser muy crítico a la hora de valorar si una actuación ha ido bien o no? JONATHAN VIGIL “La verdad es que sólo juzgo los conciertos por la reacción de la gente. No sé si hemos tocado bien los temas o no porque mi principal preocupación es conectar

¿Concebiste Dear Youth como un álbum conceptual? “No sé si es una obra conceptual, pero desde luego hay una idea central en todo el disco. Quería que se transmitiese esa idea”. ¿Cuándo empezaste a pensar en centrar las letras en torno a tu juventud? ¿Te sentías nostálgico por algo en especial? “Lo que pasó es que pasé de los 21 a los 31 años haciendo música con esta banda, estando de gira, en la carretera, y eso provocó que me sintiera muy desconectado con mi yo de antes. Intenté recordar, recuperar cómo me sentía antes, la emoción, el no saber qué me depararía el futuro, la excitación de ver nuevos lugares, porque luego todo eso se convirtió en algo normal para mí y quizá no me sentía tan ilusionado como antes por todo lo que me ocurría. Así que más que nostalgia, era una manera de recordarme la suerte que tengo por estar viviendo todo esto. Aunque tenga 30 años, todavía puedo tener la ilusión que tenía cuando era un chaval”. Es difícil tener perspectiva de lo que estás consiguiendo cuando estás en medio de todo el meollo… 103

“CRECÍ EN ESTA ESCENA EN UN MOMENTO CONCRETO EN EL QUE LOS GRUPOS QUE ME GUSTABAN ERAN LOS QUE TENÍAN UN MENSAJE DETRÁS, TE OFRECÍAN ALGO EN LO QUE CREER Y SEGUIR” JONATHAN VIGIL

sible que sí, pero como decía antes, estando tan involucrado en el día a día que los cambios que parecen muy grandes desde fuera, desde dentro no lo son tanto. Pero sí, es un poco raro que sea el único original (risas)”. ¿No te esperabas que Aaron se fuese? “La verdad es que me cogió por sorpresa. Quería crear una familia con su novia y nunca pensé que llegaría el día en que lo hiciese. Es difícil dejar esto, renunciar a lo que has construido. Pero le deseo lo mejor. Él está feliz y la banda va bien, así que no se puede pedir más”. “Sí, y es necesario dar un paso atrás y valorarlo. Cuando haces algo todos los días es difícil parar. Es como aquello de ‘no sabes lo que tienes hasta que lo pierdes’. Pues bien, yo quería saberlo sin tener que perderlo”. ¿De qué te sientes más orgulloso de lo que has logrado con el grupo? “De poder haber visto mundo. El hecho de que esté en España, en Barcelona por cuarta vez, haciendo una entrevista para una revista que le interesa lo que hago, ya es muchísimo. Todo el mundo puede estar en una banda y girar, pero haber llegado a este nivel es 104

mucho más de lo que hubiera soñado. Es increíble estar en esta posición”. Con la marcha de Aaron Brooks en enero ahora eres el único miembro original que queda en el grupo. ¿Se te hace extraño? “La situación ha cambiado desde que empezamos y no todo el mundo está hecho para llevar esta vida. Algunos quisieron volver a estudiar, otros empezar una familia... Creo que ahora tenemos una muy buena formación y tampoco siento que sea tan distinto a como era antes. Si pienso en la gente que ha pasado por el grupo, es po-

¿Crees que algún día puedas sentir lo mismo y querer dejar la formación? “Cuando le dije a mi padre que quería dedicarme a la música me dije que era el momento de hacerlo porque no siempre tienes la oportunidad de hacer lo que te gusta, y que, al fin y al cabo, el resto del mundo, de la vida, seguirá estando ahí si no sale bien. Siempre estás a tiempo de tener otro trabajo, empezar una familia… En cambio poder vivir de la música es una oportunidad única. Por eso he luchado al 100% por el grupo. No creo que me esté perdiendo nada. A veces pienso

en cómo sería mi vida si no fuera músico y por ahora nunca me he arrepentido de haber tomado este camino. Me gustaría poder hacerlo tanto tiempo como sea posible”.

camino para bandas como la nuestra. Es un honor girar con ellos. Ver que llevan tanto tiempo en activo nos da la esperanza de pensar que también nosotros podemos conseguirlo”.

¿Vais a buscarle un sustituto o seguiréis como cuarteto? “Ahora tenemos a nuestro amigo Chris de Texas In July como sustituto, pero en algún momento cogeremos a alguien permanente”.

En los dos últimos discos habéis trabajado con Jeremy McKinnon de A Day To Remember y Andrew Wade. ¿Cómo os conocisteis y qué crees que os han aportado? “Conocimos a Jeremy porque era fan del grupo y nos invitó a dar varios conciertos con A Day To Remember. A raíz de eso nos hicimos amigos y un día comentó que estaba interesado en empezar a producir otros grupos. Obviamente es un tipo con mucho talento y podía ayudarnos. Andrew y él hacen los retoques finales a nuestros temas, cosas que no podríamos hacer nosotros. Les damos las mejores canciones que podemos y ellos las hacen mejores en todos los sentidos. Pero mola, porque no son gente que se ofenda si les dices que no te gusta una de sus ideas. Está muy bien trabajar con ellos”.

Aunque el grupo esté creciendo, parece que sigues muy ligado a las raíces de este movimiento. ¿Es algo que te esfuerzas por mantener? “Sí. Crecí en esta escena en un momento concreto en el que los grupos que me gustaban eran los que tenían un mensaje detrás, te ofrecían algo en lo que creer y seguir. Cuando llegó el momento de escribir canciones para The Ghost Inside quería que también tuvieran ese algo más con lo que la gente pudiera identificarse, incluso ayudarla. Sé lo que es estar entre el público y cantar canciones que significaban algo para mí. Haga lo que haga siempre he querido mantener la mentalidad del hardcore. A veces cuando tocas en salas más grandes o en festivales puedes tener una mayor desconexión con el público, pero es casi inevitable. Aun así seguimos tocando en sitios pequeños, sin barreras, cuando es posible. Me gusta estar tan unido al público como pueda, no quiero perder ese sentimiento”. ¿Es tocar con una banda tan longeva como Sick Of It All una fuente de inspiración? “Sí. Es algo admirable, algo a lo que aspiramos. Sick Of It All allanaron el

Mucha gente asume que vuestra vertiente más melódica ha sido por influencia directa suya. ¿Es realmente así o ésa era la dirección que queríais tomar igualmente? “Ellos nunca nos han forzado a ir en ninguna dirección. Como te decía, los temas los escribimos nosotros y ellos les dan los toques finales. No nos han influenciado, pero a la hora de buscar melodías nos han ayudado a encontrar las mejores”.

ces. ¿Es otro viejo amigo? “Sí, conozco a Jason de hace mucho tiempo. Es de una ciudad vecina y llevamos yendo a conciertos desde que éramos críos. Tenerle en un tema nuestro fue como cerrar un círculo. Él fue una parte importante de mi juventud, así que era muy oportuno que estuviera en un disco como Dear Youth”. ¿Crees que letlive. es una banda destinada a grandes cosas? “Sí. Jason es un espectáculo. Siempre ha sido el foco de esa banda. Tiene la motivación, la ambición y el talento para llegar muy lejos. Creo que están en camino de conseguirlo”. ¿Qué estás escuchando en estos días? “Suelo escuchar música más suave porque estoy rodeado de ruido todo el día (risas). Entre pruebas de sonido, los conciertos… necesito un respiro y no me apetece tanta música dura. Una banda de la que tengo ganas de escuchar su nuevo disco es Landscapes. Giramos con ellos por el Reino Unido hace unos años y me gustan mucho. También me gustan mucho Pvris. Su disco es muy pegadizo y entretenido”. Para acabar, me gustaría saber vuestros planes futuros y si ya habéis empezado a pensar en el siguiente disco. “Sobre todo dar muchos shows. Vamos a Estados Unidos y luego volvemos a Europa para algunos festivales. Aún no hemos escrito nada, pero en algún parón empezaremos a hacerlo”.

En ‘Wide Eyed’ habéis contado con Jason de letlive. a las vo105

GROEZROCK 1 Y 2 DE MAYO DE 2015 MEERHOUT (BÉLGICA) TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: RUBÉN NAVARRO/JAVIER PÉREZ

REFUSED 120

SOCIAL DISTORTION

or vigésimo cuarta ocasión la localidad belga de Meerhout se convertía, por un fin de semana, en la meca del punk rock y el lugar de peregrinación para miles de fans del género en Europa. Poco importa si es la primera vez que uno asiste o si ya es todo un veterano, que el Groezrock es una de las fechas obligadas a marcar en el calendario año tras año. En esta edición, RockZone figuraba por primera vez en el cartel como uno de los medios oficiales del festival, así que ya os podéis imaginar las ganas inmensas que teníamos de plantarnos allí. A pesar del terrible frío que sufrimos por las noches en el cámping (el jueves nada más llegar nos pilló una granizada de campeonato intentando montar la tienda), el tiempo se comportó medianamente bien con nosotros. Ya una vez dentro del recinto pudimos comprobar la excelente distribución entre escenarios, puestos de comida y merch, dejando espacio más que de sobras para que no se produjesen aglomeraciones entre las más de

GOOD RIDDANCE

40.000 personas que acudieron entre los dos días. Cubrir el casi centenar de formaciones que constaban en el cartel era una absoluta locura aparte de una misión imposible, por lo que decidimos dejarnos llevar sin rompernos demasiado la cabeza intentando cuadrar horarios y procurando centrarnos en lo que, a nuestro humilde juicio, nos parecía lo más interesante dentro de la vasta oferta del evento. Esto es lo que pudimos ver y disfrutar. VIERNES 1 Tras sacudirnos el frío de la primera noche a base de café, recoger nuestra pulsera personalizada y dar la rutinaria vuelta de reconocimiento al recinto, ya estábamos preparados para el primer asalto de la maratón que nos esperaba. No éramos pocos los que habíamos hecho el esfuerzo para estar delante del Monster Stage a las doce en punto para ver a Joyce Manor, los elegidos para abrir el festival. Ahí ya pudimos comprobar el excelente sonido del escenario principal y el

joven cuarteto californiano lo aprovechó con un repertorio de casi veinte temas en apenas media hora, entre los que sobresalieron ‘Heart Tattoo’, ‘Beach Community’, ‘Constant Headache’ y una muy apropiada revisión de una de las B-sides más celebradas de Weezer, ‘You Gave Your Love To Me Softly’. Una pena que el desparpajo de su música contrastase con una actitud demasiado sosa por su parte. Más animados se vio a unos The Swellers que afrontaban esta aparición en el Groezrock como el último concierto de su carrera. Supieron estar a la altura con un set que a buen seguro agradó a sus más fieles seguidores desde la inicial ‘Runaways’ hasta el sentido cierre de ‘The Best I Ever Had’. A continuación llegaban nuestros delincuentes preferidos dispuestos a sumarse a la fiesta. Sin lugar a dudas Masked Intruder se encargaron de dar el show más divertido de toda la jornada, y es que no sólo disponen de verdaderos pildorazos de pop hipervitaminado (‘I Don’t Wanna Be Alone Tonight’, ‘The 107

THE SWELLERS

Most Beautiful Girl’, ‘I Don’t Wanna Say Goodbye To You Tonight’), sino que además saben liarla a base de bien, en parte por culpa del infame Officer Bradford, que tiene más peligro que los cuatro enmascarados juntos. Mientras reponíamos fuerzas, The Dwarves nos sorprendieron con un más que convincente paso por las tablas. Aún no sabemos qué nos llamó más la atención, que HeWhoCannotBeNamed no viniese con ellos o que Nick Oliveri estuviera haciéndose cargo del bajo literalmente en cueros, suponemos que para no desentonar demasiado. Nos tocaba alejarnos por primera vez del escenario grande y hacer la primera incursión en uno de los ‘menores’, si es que se le puede llamar así al Impericon. Allí nos encontramos con uno de los grupos que sin duda teníamos más ganas de presenciar en directo: While She Sleeps. Los de Sheffield son una de las formaciones del momento dentro del metalcore actual y si alguno se TERROR 108

preguntaba los motivos, su abrasivo concierto debió de ser una respuesta más que suficiente. Enchufadísimos y conducidos por un Loz que sabe cómo conectar con el público, descargaron lo mejor de sus dos obras hasta la fecha. ‘New World Torture’, ‘Four Walls’, ‘Dead Behind The Eyes’ y la aclamada ‘Seven Hills’ coronaron una actuación que se nos pasó volando. Ojalá les podamos ver pronto en condiciones por nuestro país. Otros que nos dejaron con ganas de muchísimo más fueron Against Me!. Tanto estábamos disfrutando del recital de los de Laura Jane Grace que cuando acabó no pudimos evitar sentir unas ganas tremendas de volver a verles lo antes posible. Sin quitar el pie del acelerador en ningún instante, soltaron himnos uno detrás de otro (‘I Was A Teenage Anarchist’, ‘FuckMyLife666’, ‘True Trans Soul Rebel’, ‘Trash Unreal’, ‘Black Me Out’) con una facilidad pasmosa, confirmando el estado de gracia en el que se encuentran ahora

MASKED INTRUDER

mismo, pudiendo mirar de tú a tú a cualquier grupo del estilo. Menos mal que justo una semana después les teníamos tocando por aquí de nuevo. El día avanzaba y los solapes empezaban a causar estragos. Por ejemplo, a Motion City Soundtrack sólo les pudimos ver apenas cuatro canciones. Fue realmente doloroso tener que marcharnos antes de tiempo porque sonaron perfectos. Para colmo de males venían interpretando al completo Commit This To Memory, posiblemente su mejor disco, pero al menos disfrutamos enormemente de ‘Everything Is Alright’ y ‘When You’re Around’. Corriendo nos fuimos a por el siguiente objetivo que no era otro que nuestros grandes amigos de Cancer Bats, los cuales actuaban en el Back To Basics, uno de los dos escenarios sin foso pensados para el stage diving y la locura sin freno. Y eso fue exactamente lo que nos dieron. Les hemos visto muchas veces, pero sin duda ésta ha

MOTION CITY SOUNDTRACK

sido de las mejores. Desde el minuto uno que no paró el público de subirse y lanzarse desde las tablas mientras escupían ‘Trust No One’, ‘Lucifer’s Rocking Chair’, ‘Pneumonia Hawk’ o las más recientes ‘Satellites’, ‘Arsenic In The Year Of The Snake’ y ‘All Hail’. Indescriptible fue el cameo que hicieron Oathbreaker para unirse en mitad de ‘Sabotage’ con la carpa en plena ebullición. Como no podía ser de otra manera, ‘Hail Destroyer’ puso el broche al que seguramente fue el mejor concierto del viernes. Tras semejante descarga, es lógico que lo de Atreyu se quedase en poquita cosa. Tampoco es que estuvieran horribles, pero se les vio algo justitos. Eso sí, el set muy bien repartido entre The Curse (‘Right Side Of The Bed’, ‘Bleeding Mascara’) y Lead Sails Paper Anchor (‘Becoming The Bull’, ‘Blow’), al que sumaron un tema nuevo llamado ‘So Others May Live’ de lo que será su disco de retorno a editar en septiembre, que sonó algo más duro de

lo habitual en ellos. A pesar de todo, sólo por la guasa que tiene el acabar una actuación en un festival de punk rock con una versión del ‘You Give Love A Bad Name’ de Bon Jovi ya se merecen nuestra simpatía. En todo buen festival uno siempre encuentra su particular grupo sorpresa y dentro de todas las bandas del cartel, personalmente éstos fueron los alemanes Broilers. Por nuestras fronteras no son precisamente conocidos (o al menos a un humilde servidor no le sonaban de nada), pero por lo visto en su tierra natal deben ser grandes por lo que intuimos con el enorme despliegue de telones que gastaron. Con un sonido a medio camino entre el punk, el ska, el reggae y el rockabilly dejaron muy buenas vibraciones antes de que afrontásemos la traca final del día con un tridente de impresión. Primero con Lagwagon, que no variaron en exceso su repertorio si lo comparamos con su última y recienta gira por España

LAGWAGON

(curiosamente habían venido a Europa únicamente para tocar en el Groez y el Viña Rock), pero aun así volvieron a evidenciar que están viviendo una segunda juventud. Ya fuese tirando de clásicos imbatibles como ‘Island Of Shame’, ‘Violins’, ‘Making Friends’, ‘Mr. Coffee’ y ‘May 16’ o de los cañonazos del sobresaliente Hang (‘Obsolete Absolute’, ‘The Cog In The Machine’, ‘Made Of Broken Parts’), los de Santa Bárbara vencieron y convencieron. Acto seguido les llegaba el turno a otros ya habituales en Meerhout año tras año. Se nota el cariño que se les tiene a Pennywise sólo con escuchar al público que ya cantaba a viva voz el coro de ‘Bro Hymn’ ¡antes de que saliesen a escena! Si con aquello ya se nos pusieron los pelos de punta, os podéis imaginar la que se montó cuando empezaron a descargar un repertorio de auténtico escándalo: ‘Something Today’, ‘Homesick’, ‘The World’, ‘Fuck Authority’, ‘Living For Today’, ‘Wouldn’t It Be Nice’, 109 133

‘Perfect People’, ‘Society’... Por si fuera poco, protagonizaron varios momentos para el recuerdo colectivo, entre ellos invitar a Joey Cape a cantar ‘Devonshire And Crown’ en memoria de Tony Sly, versionar a los jefazos de Bad Religion con un ‘Do What You Want’ que no desmereció a la original o finalizar con la entrañable ‘Stand By Me’ dedicada a Ben E. King, que justamente había fallecido el día antes, no sin antes despedirse con un ‘Bro Hymn’ que sonó más fuerte que nunca. A pesar de que muy difícilmente vayan a volver a publicar algo del nivel de un clásico moderno del hardcore melódico como All Or Nothing, en directo aún siguen manteniendo el tipo. Y lo mejor del día aún estaba por llegar... O eso pensábamos, ya que ver a Social Distortion interpretar íntegramente uno de las obras capitales de su discografía como es su álbum autotitulado era uno de los principales motivos que nos habían hecho volar hasta Bélgica. Mike Ness apareció con esa elegancia y chulería que sólo él puede gastar y sin mediar palabra se puso manos a la obra. ‘So Far Away’, ‘Let It Be Me’ y ‘Story Of My

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Life’ sonaban pulcras y cristalinas, más cercanas al rock’n’roll de su último disco que al punk rock. Y precisamente ahí estuvo el problema. La banda interpretaba las canciones con una marcha de menos, lo cual perjudicó a un set que para la hora que era se antojaba excesivamente plácido. Más de uno se volvió a la tienda de campaña antes de tiempo. Al menos los que aguantamos acabamos disfrutando de la segunda mitad de la actuación donde, gracias a los temas rescatados del resto de su trayectoria (‘Cold Feelings’, ‘Machine Gun Blues’, ‘Gimme The Sweet And Lowdon’, ‘Don’t Drag Me Down’), remontaron ligeramente el vuelo. Ahora sí, tocaba regresar al cámping para combatir las gélidas temperaturas de la pradera belga. SÁBADO 2 El segundo día nos pilló desperezándonos con Love Zombies y F.O.D.. Mientras que los primeros no pasaron de parecernos simplemente entretenidos, los segundos jugaron con el factor de locales y consiguieron liar una buena fiesta en el Back To Basics con un punk melódico que cuenta como

curiosidad que uno de sus miembros únicamente se dedica a hacer coros. Otro buen descubrimiento. El público volvía a reunirse desde muy temprano en el escenario principal para ver a unos Off With Their Heads que fueron a machete y sin contemplaciones con una propuesta desgarradora a la par que gamberra. Tomaron el relevo Teenage Bottlerocket con su pop punk hiperacelerado tan deudor de los Ramones. De hecho, su cover de ‘Blitzkrieg Bop’ (con un guiño al ‘Panama’ de Van Halen mediante) junto a temas más recientes como ‘Nothing Else Matters (When I’m With You)’ o ‘They Call Me Steve’ hicieron que ya entrásemos definitivamente en calor. Primera parada del día en el Impericon para ver a otro de los nombres que más curiosidad nos despertaban. Cierto que su reciente Two Hands no ha terminado de convencer del todo, pero aun así Turbowolf evidenciaron que su poderío en directo continúa intacto. Con Chris Georgiadis haciendo de maestro de ceremonias, sonaron certeros con balazos del calibre de ‘Rabbit’s Foot’, ‘American Mirrors’, ‘A Rose For The Crows’ o ‘Seven Severed Heads’.

ATREYU

Psicodelia, punk, rock’n’roll y música bailable todo en un mismo cóctel. De esas propuestas tan diferentes dentro del cartel que acaban conquistando a la fuerza. Otro gran aliciente era poder pillar a unos The Loved Ones reunidos para la ocasión. A pesar de que parece irle mucho mejor con su carrera en solitario, a Dave Hause se le vio especialmente motivado y no paró quieto ni un instante. Algunos ya no se acordaban de las buenas canciones que tienen en su haber estos tipos, caso de ‘The Bridge’, ‘100K’ o ‘Jane’. Nuevamente en el Impericon la cosa ya comenzaba a ponerse muy seria a media tarde. Raised Fist siempre han sido garantía de shows enérgicos y rompenucas como pocos. La acústica no estuvo de su lado esta vez, formando un efecto pelota de ruido que redujo demasiado la pegada habitual de los suecos. Consiguieron salvar los muebles gracias a que sus canciones se cuentan por guantazos sónicos (‘Sound Of The Republic’, ‘Flow’, ‘Killing It’, ‘Perfectly Broken’, ‘Friends And Traitors’) uno detrás de otro y los siempre espectaculares brincos del cachas de Alexander Hagman. Los que no fallaron fueron

TOUCHÉ AMORÉ

Good Riddance, quienes ofrecieron un show plagado de hits como ‘Weight Of The World’, ‘Mother Superior’, ‘One For The Braves’ o las nuevas ‘Disputatio’ y ‘Half Messures’ del recién estrenado Peace In Our Time. Esperadísimo por muchos era el momento en el que apareciesen Satanic Surfers y tampoco defraudaron a la hinchada. Con un Rodrigo Alfaro que como siempre parece estar un poco a su bola pero impecable en el micrófono, los reyes del skate punk pusieron la directa durante casi una hora de desenfreno donde brillaron los mejores temas de su gran clásico Hero Of Our Time (‘...And The Cheese Fell Down’, ‘Better Off Today’, ‘Armless Skater’, ‘Puppet’, ‘Hero Of Our Time’). Repertorio de ensueño que parecía complicado de superar. Pero entonces nos encontramos con esa mala bestia del hardcore actual llamada Comeback Kid y ya no hubo discusión alguna posible. Los canadienses tomaron la carpa de Impericon y nos sometieron a una clase maestra donde el mosh pit se puso en ebullición desde que lanzaran ‘Die Knowing’. No había escapatoria. Lo mejor de su último disco (‘Losing Sleep’, ‘Wasted Arrows’,

‘Should Know Better’) se fundió junto a los clásicos imperecederos (‘G.M. Vincent & I’, ‘False Idols Fall’, ‘Do Yourself A Favor’ y el himno hardcoreta del Groez por antonomasia, ‘Wake Up The Dead’) para realizar el concierto más devastador del festival. Lo de Andrew Neufeld más que gritar parecía un ladrido del perro de presa más rabioso que se pueda echar uno a la cara. La violencia hecha música, damas y caballeros. Para quitarse el sombrero. Tras semejante descarga, los bailoteos de The Mighty Mighty Bosstones significaron el contraste perfecto que buscábamos para la hora de la cena. Les vimos desde el césped y aparte de sonar de lujo, tenía pinta de que ellos estaban disfrutando casi tanto o más que la audiencia. Llegaba la recta final y se producía uno de los solapes más dolorosos: ¿Millencolin o Make Do And Mend? Teniendo en cuenta la de veces que hemos visto a los suecos y las de momento escasas probabilidades que tenemos de cazar a los segundos por nuestro país, la elección resultaba evidente. No nos equivocamos porque los de West Hartford estuvieron estelares sacando uno de los mejores sonidos de 111

THE MIGHTY MIGHTY BOSSTONES

todo el fin de semana, destacando la guitarra de Mike O’Toole. En un abrir y cerrar de ojos ya habían despachado ‘Don’t Be Long’, ‘Dissasamble’, ‘St. Anne’ o ‘Sin Amor’ y sin querer darnos cuenta se despidieron antes de lo previsto dejándonos con ganas de más. Por suerte, aprovechamos para salir pitando y pillar el bis de Millencolin. Al contrario que otras veces, esta vez sí estuvieron más activos y viendo cómo atacaron ‘Penguins & Polarbears’, ‘Farewell My Hell’, ‘No Cigar’ y el nuevo single ‘Sense & Sensibility’, podría decirse que con True Brew han recuperado las ganas y el hambre de antaño. Quedaba la última bala en la recámara con Refused. Aún hay gente 112

que sigue mosqueada con su regreso, pero si nos ceñimos a lo estrictamente musical, dudo que alguien les pueda poner un solo ‘pero’. Abrieron con ‘Elektra’ (al igual que hicieron en la fiesta de presentación del jueves, donde aparecieron por sorpresa), el adelanto de lo que será su disco de retorno, Freedom, que está a la vuelta de la esquina. Repasaron la obra maestra que es The Shape Of Punk To Come de arriba abajo (‘Summerholidays Vs. Punkroutine’, ‘Refused Party Program’, ‘The Deadly Rhythm’ ¡¡¡colando el riff de ‘Raining Blood’ de Slayer!!!, ‘Refused Are Fucking Dead’, ‘Liberation Frequency’) y aprovecharon para testar dos temas nuevos, ‘Françafrique’

y ‘Dawkins Christ’, que por lo que pudimos escuchar pintan muy bien. Sigo sin entender por qué no terminan con ‘New Noise’ en lugar de abrir el bis, porque después de semejante bomba cualquier otro tema que venga después se queda en nada, aunque sea ‘Worms Of The Senses/Faculties Of The Skull’. Daba igual porque ya nos habían aniquilado... Ahora los que estábamos jodidamente muertos éramos nosotros. Menos mal que tenemos hasta el próximo 29 y 30 de abril del año que viene para resucitar. Y teniendo en cuenta que en 2016 el Groez cumplirá su 25 aniversario, muy mal se tendría que dar para que no repitamos.

THE LOVED ONES

WHILE SHE SLEEPS 30 DE ABRIL DE 2015 THE FORUM, LONDRES (INGLATERRA) TEXTO: DIEGO PRIETO FOTOS: NOELIA AMIEVA

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CANCER BATS

a ascensión meteórica de los británicos While She Sleeps en los últimos dos años es un hecho. Han pasado de tocar en salas de 500 personas a colgar el cartel de sold out en toda una institución como The Forum en Londres, dejando dos discazos como This Is The Six y su más reciente Brainwashed por el camino. Si a esto le sumamos a Cancer Bats presentando nuevo disco y dos teloneros con mucho que ofrecer, era imposible decir que no. Abrían la velada Oathbreaker liderados por la particular voz de Caro Tanghe y con un sonido bastante malo durante todo su set, salvándose únicamente las partes bajadas de tempo con un aire más oscuro, que para mí es donde la banda destaca. Con actitud y el mejor sonido de la noche Hundredth salieron a comerse el escenario con un repertorio corto pero intenso, incluyendo algún que otro tema nuevo que algunos miembros de While She

Sleeps disfrutaron desde la pista. El dúo Andrew Minervini-Blake Hardman sonó contundente y con una claridad notable, todo lo contrario que las bandas con un solo guitarrista en sus filas. Como mínimo extraño... Sólo uno había hecho muy bien sus deberes en la mesa. A partir de este momento se empezaban a cocinar los platos fuertes de la noche, salían a escena Cancer Bats presentando su Searching For Zero con un Liam inconmensurable. ¿Qué falta por decir de este tío? Es uno de los mejores frontmen del planeta, pues no deja a nadie indiferente con su actitud. Empezaron como es habitual con ‘Satellites’ y pegaron un buen repaso a su discografía llena de riffs sureños, siendo su último álbum el más presente. La locura se desató con el ‘Sabotage’ de los Beastie Boys y un tramo final incluyendo ‘Hail Destroyer’ y ‘True Zero’ con el público rendido a sus pies. Un telón rojo impresionante, la bandera

ondeando y la intro de Brainwashed con más de dos mil personas formando una olla a presión. While She Sleeps son algo más que cinco tíos haciendo música e iban a demostrarlo. Arrancaron con ‘New World Torture’ y ‘Brainwashed’, dos temas nuevos que parecían llevar tocando toda la vida, y Mat Welsh no necesitó acercarse al micro porque el respetable cantaba por él. La agresividad de Sav en la batería y la calidad de Sean Long en sus dedos son la clave, sin este tío no existe While She Sleeps. Hubo tiempo para varios temas de su primer disco con colaboración de Liam de Cancer Bats incluida. ‘This Is The Six’, ‘Seven Hills’ y sobre todo el himno ‘Our Corage Our Cancer’ pusieron a más de uno los pelos de punta, entre fuego (buen detalle para el fin de gira), sudor y las lágrimas de alguno. Si me preguntas a mí, se van a comer el mundo y se lo merecen. Larga vida a los Sleeps. 115

AGAINST ME! 8 DE MAYO DE 2015

SALA ARENA, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: JAVIER PÉREZ

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ROGER HARVEY

o sabría decir muy bien si la buena acogida de la visita de Against Me! a la capital se debía al boom mediático que ha experimentado el grupo desde el anuncio del cambio de sexo de su líder, despertando la curiosidad de gente ajena hasta ahora a ellos, a que su último disco es muy bueno o porque en realidad había unas ganas tremendas de verles por fin como cabezas de cartel en una sala. Probablemente sea una mezcla de todos esos factores lo que hizo que desde muy pronto ya hubiera una cola con público muy joven y destacadamente femenino. Un hecho que aunque debería resultar cada vez más habitual, no deja de parecerme digno de reseñar. Según entramos por la puerta, los ingleses Caves ya estaban metidos en faena para despachar rápidamente sus 20 minutos de actuación. Punk rock muy juvenil donde importaba más la energía que la precisión con la que toques tu instrumento. Más radical fue el cambio

de registro cuando el cantautor Roger Harvey se presentó sobre el escenario junto a sus dos acompañantes. Quizás nadie esperaba que en un concierto de este tipo encajase un repertorio más cercano al indie intimista, pero lo resolvió bastante bien y la audiencia supo comportarse, al contrario que en otras ocasiones similares que hemos experimentado recientemente. Ahora sí llegaba el turno de Laura Jane Grace y los suyos. Si ya vimos que abriendo para Bad Religion no pararon en ningún momento, aquí tampoco iban a ser menos. Y así fue. En hora y media deteniéndose sólo lo justo consiguieron despachar más de una veintena de canciones empalmándolas asombrosamente una detrás de otra. La apertura con ‘I Was A Teenage Anarchist’, ‘True Trans Soul Rebel’ y ‘Cliché Guevara’ pintaba realmente bien. El grupo al completo sonaba como un tiro (hay que ver el empaque que da tener a un tipo como Atom Willard tras los parches) y la

chavalada estaba dispuesta a dejarse la garganta, pero no fue hasta ‘Pints Of Guinness Make You Strong’ que aquello explotó y ya fue un auténtico no parar. Recuperando joyitas de toda su carrera como ‘White People For Peace’, ‘Walking Is Still Honest’, ‘Don’t Lose Touch’, ‘White Crosses’ o una ‘Turn Those Clapping Hands Into Angry Balled Fists’ poderosísima a más no poder que junto a ‘The Ocean’ enseñaron su vertiente más desgarradora. Entre tanto, Trasgender Dysphoria Blues sonó casi en su integridad: ‘Unconditional Love’, ‘Drinkin’ With The Jocks’, ‘FuckMyLife666’, ‘Dead Friend’ y ‘Black Me Out’ como cierre antes del bis, donde cayeron una apropiada revisión de ‘Androgynous’ de The Replacements y una ‘Sink, Florida, Sink’ que no pudo ser más perfecta para despedir a una banda que está ahora mismo en lo más alto de su carrera. Probablemente el mejor concierto en sala de lo que llevamos de año. Así de sencillo. 117

OUR LAST NIGHT 10 DE MAYO DE 2015

SALA BÓVEDA, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: RUBÉN NAVARRO

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ue las reglas por las que funciona la industria musical son muy distintas a como lo hacían hasta hace diez años se hace evidente en noches como la del pasado 10 de mayo. Our Last Night, una jovencísima banda de post hardcore de New Hampshire, conseguían cambiar de las salas originalmente programadas a unas de mayor aforo sin apenas haber tenido exposición mediática en nuestro país (en esta revista hemos reseñado algunos de sus discos y poco más), y ni de hecho, tampoco en el suyo. Hasta el propio promotor de la gira estaba sorprendido ante la inusual demanda de entradas. ¿Dónde está el truco? Pues en las versiones que el grupo lleva grabando de hits del momento como ‘Radioactive’ de Imagine Dragons, ‘Skyfall’ de Adele o ‘Dark Horse’ de Katy Perry, y que se han convertido en todo un fenómeno

viral. Podría verse esta táctica como un recurso extremadamente fácil, pero al fin y al cabo, a lo largo de la historia han sido muchos artistas los que se han dado a conocer con versiones de otros, desde The Byrds a Van Halen a Marilyn Manson o Limp Bizkit, así que en ese sentido, poco hay que reprocharles. Tampoco puede echárseles en cara ser malos músicos –sonaron más que bien- o no saber conectar con el público. Con una reacción más propia del público de una boy band, éste no dejó de corear cada uno de los temas que fueron cayendo y de gritar cada vez que el guapete Trevor Wentworth se balanceaba hacia las primeras filas para que cantaran la mitad de las estrofas. El single ‘Same Old War’ de su último trabajo Oak Island y ‘Age Of Ignorance’ y ‘Fate’ marcaron la línea de lo que sería el resto del concierto. Mucho medio tiempo,

algún coro gritado y breakdown rollo core, alguna pirueta del bajista Alex Woodrow y la sensación general de que estos cuatro crecieron escuchando mucho más a Linkin Park que a Glassjaw o Thursday. Como era de esperar, las covers –cayeron la de Adele y Katy Perry- fueron aún más celebradas que sus propias composiciones, que por lo que apuntó ‘Home’ de su próximo álbum tampoco variarán en el futuro, aunque en el bis, cuando hicieron una versión acústica de ‘I’ve Never Felt This Way’, hasta pude ver un par de chicas llorando a moco tendido. Posiblemente ellas tampoco habían sentido algo así antes, pero les aseguro que con el tiempo, quién sabe si el año que viene al ritmo que va todo últimamente, se darán cuenta de que Our Last Night son una banda correcta pero por la que no merece la pena derramar ni una lágrima. 119

SOCIAL DISTORTION 3 DE MAYO DE 2015 O2 SHEPHERD’S BUSH EMPIRE, LONDRES (INGLATERRA) TEXTO Y FOTO: ÓSCAR FERNÁNDEZ

l show final de la gira europea del 25 aniversario del álbum homónimo de Social Distortion cumplió con las expectativas generadas, que no era pocas, con la sala presentando un sold out y gente venida de todas partes del mundo para vivirlo en primera persona. Está claro que a Mike Ness le gusta Londres, una ciudad habitual en sus giras y en la que se le ve disfrutar sobre el escenario. Una persona que por su bagaje musical está muy influenciada por la cultura musical del Reino Unido y que nunca escatima en halagos a bandas como Rolling Stones, Sex Pistols, The Clash... Aunque si bien el punk rock que cultivaron en sus primeros años poco a poco se ha ido transformando en un rock americano en toda regla -adaptando el tempo en favor de matices como el blues o la incorporación de un ya muy bien compactado Hammond a su sonido-, ese aura callejera que desprende Ness 120

sigue intacta. Esto queda demostrado cuando alrededor de las nueve y media de la noche suenan The Clash y un Mike Ness con chupa de cuero se acerca al borde del escenario para saludar a una sala que lo aclama como a un icono del rock. La chaqueta dura unos segundos encima de un Ness que presenta un look algo más casual, con camiseta de un club de boxeo y que se lanza junto a Jonny Two Bags, David Hidalgo Jr. y Brent Harding a una primera parte del show trepidante centrada en los clásicos que comprendían su álbum de 1990. ‘So Far Away’, ‘Let It Be Me’, ‘Story Of My Life’ y ‘Sick Boy’ suenan directas y claramente punk, contrarrestando el aire más arrastrado a lo E Street Band que se le aplica a ‘Ball And Chain’. Mientras tanto, los temas menos habituales de su álbum homónimo suenan frescos, como ‘She’s A Knockout’, con un solo de Ness claramente hard rock, o una ‘Drug

Train’ que siempre me ha recordado a los Doors más blueseros, y que sirve para alargar el tema en clave de blues eléctrico antes de iniciar una segunda mitad formada por temas del resto de su discografía. El show se resiente un poco y baja de ritmo tras ‘Cold Feelings’, con una cover de ‘Wild Horses’ de los Stones que no acaba de funcionar y una ‘I Don’t Run No More’ que tampoco engancha. Por el contrario, ‘Machine Gun Blues’ ya suena a clásico. Para el bis la banda se guarda la habitual ‘Ring Of Fire’, pero Ness decide pararla por problemas en la guitarra y empalmarla con un grito de “Back on situation!” con ‘Don’t Drag Me Down’ que suena como un tiro y que sirve para poner fin a un concierto con aire especial, pero que al final no presenta sorpresas sobre el escenario, siguiendo el guión que ha mantenido durante toda la gira. Aun así, queda patente el buen estado de la formación en su cuarta década de existencia.

THE ANSWER 7 DE MAYO DE 2015 SALA CARACOL, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTO: JAVIER PÉREZ

inutos antes de que The Answer subieran al escenario de la Caracol, echaba la vista hacía el público comprobando, no sin cierta lástima, que la sala apenas superaba la mitad del aforo. Tal vez en otras circunstancias podría haber sido hasta comprensible, pero no con un grupo como ellos que ha estado girando con leyendas como AC/DC y poseen una discografía sólida como pocas en el rock’n’roll actual, aparte de un directo incontestable. Está claro que, como bien reconocían en la entrevista que publicamos hace unos meses atrás, las cosas no han terminado de funcionar como ellos esperaban. Y es una verdadera pena, porque una banda que es capaz de sacar un quinto álbum tan bueno como Raise A Little Hell y ofrecer conciertos tan solventes como el que vimos esa noche merece bastante más. Por suerte, parece que a los norirlandeses poco les afecta si obtienen el reconocimiento que merecen

o no, o al menos por las ganas que le ponen no se les nota en absoluto. A estas alturas saben cómo llevar el tempo del show a la perfección, llevándote por donde quieren y sin bajar en ningún momento el nivel. Pueden abrir con dos temas rockeros tales como ‘I Am What I Am’ y ‘Spectacular’ para hacer entrar en calor y a continuación desmarcarse con la más blusera ‘Red’ y poco después sacudirte con toda su energía en ‘Demon Eyes’, ‘Whiplash’ o ‘New Horizon’. Que la mitad del setlist perteneciese a su nuevo álbum dice mucho de la confianza que tienen en su música. Así pues, son capaces de adentrarse en terrenos más propios del jam rock. ‘Preachin’’, con ese toque sureño tan Led Zeppelin, o la deliciosa ‘Last Days Of Summer’, con la que recordaron su visita en verano del año pasado a Moralzarzal para grabar su último disco, dieron prueba de ello. Paul Mahon demostró su gran versatilidad a la guitarra. Lo mismo te saca unos riffs y solos de los de quitarse el sombrero

que le da al slide, usa el talk box o se saca de la manga una delicada acústica ‘Stange Kind Of Nothing’. Eso sin olvidar la base rítmica de garantías de Micky Waters y James Heathley y, cómo no, el carisma del grandísimo Cormac Neeson, que acabó sudando la camisa de lo lindo como si de Camacho se tratase tras bajar a cantar entre el público ‘Raise A Little Hell’. A modo de despedida no se olvidaron de sus dos singles más celebrados, ‘Nowhere Freeway’ y la seminal ‘Under The Sky’. En otra época quizás estaríamos hablando de un grupo de una dimensión mayor, pero los que nos acercamos esa noche a verles volvimos a casa con satisfacción plena de que aún quedan formaciones de rock’n’roll como las de antes. Me dejo para el final a los muy recomendables teloneros: White Miles. Dúo de guitarra (ella) y batería (él) a medio camino entre el punk, el blues y el garage más descarado y rockero. Harán bien en ficharles. 121

TORCHE 8 DE MAYO DE 2015 RAZZMATAZZ 3, BARCELONA TEXTO: LUIS BENAVIDES FOTOS: RUBÉN NAVARRO

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orche en la sala más pequeña de Razzmatazz estrujando bien las válvulas de sus amplis. ¿Existe un plan mejor para un viernes noche? Tener al cuarteto liderado por Steve Brooks enfrente es siempre una garantía de jarana. Su ‘happy metal’ -como mis amigos describen su propuesta de stoner pesado- con algunos tintes psicodélicos no tiene parangón y ganó muchos adeptos por todo el globo en 2008 con la publicación de su segundo trabajo, el inspiradísimo y relativamente accesible Meanderthal. Mountcane, un supergrupo local con miembros y exmiembros de bandas como The Eyes, Hyde Abbey y Taquikardic Sinners, entre otras, fueron los escogidos para calentar al personal. El público apenas podía conocer los dos temas publicados digitalmente en su Bandcamp, pero entrar en el juego de estos músicos con las pelotas peladas de tocar en directo es fácil y entretenido. A los pocos minutos

ya tenían al personal moviendo la cabeza, dejándose llevar al ritmo de Mountcane. Sus mayores bazas, un sonido potente como una roca y composiciones que se disfrutan en directo, que van al grano y resultan agradablemente familiares. Uno de los temas, por ejemplo, todavía sin título definitivo fue presentado como ‘Motorhead’. Era el turno de Torche, que se quitaban de una vez por todas una espinita con Barcelona después del pinchzao en la sala Salamandra de L’Hospitalet hace un par de años, cuando presentaban Harmonicraft. Porque en esta última visita se demostró que los queremos, que Torche cuentan con una buena legión de fieles seguidores. Imperó el buen rollo, la proximidad, hasta el punto en que un perla del público con dos cervezas de más increpó al bueno de Steve por su nuevo look, afeitado al 100%. “¿Mi bigote? Se fue”, respondió entre tímido y vacilón el frontman. Los de Miami atacaron su último trabajo, Restarter, el

primero para Relapse Records, casi en su totalidad, pero tampoco echamos de menos ninguno de sus hits como ‘Grenades’, ‘Healer’, ‘Across The Shields’ o ‘Kicking’. De hecho, abrieron con ‘Pirana’ (mientars escribo esto todavía recuerdo la intro machacona del tema, lo más parecido a bajar al infierno) y ‘Sandstorm’ del tirón, una dupla excelente incluida en el citado Meanderthal. Sólo con estos dos temas ya nos tenían en el bolsillo, entregados hasta el final, incluso cuando se revolvían en el stoner más denso de su último trabajo, una vuelta a sus inicios más pantanosos. Por momentos parecía que ponían el piloto automático. Quizás se reservaban para el final, cuando remataron con cuatro temas de Restarter, ‘Barrier Hammer’, ‘Undone’, ‘Blasted’ y la devastadora ‘Annihilation Affair’. Ahí sí vimos a la banda echar el resto, como poseídos. El menudo batería de Torche, incluso, saltaba a cada golpe. Pura y deliciosa chapa no apta para tímpanos delicados. 123

DE GIRA

AUTHORITY ZERO

2 DE JUNIO (LATA DE ZINC / OVIEDO)

3 DE JUNIO (ROCKSOUND / BARCELONA)

4 DE JUNIO (LA LEY SECA / ZARAGOZA)

5 DE JUNIO

(GAZTETXE / ALTASU)

a desgraciada cancelación a última hora del Sick Of Bean Fest impidió que los fans de Authority Zero pudieran disfrutar en Madrid de su personal sonido en el que cabe punk rock, hardcore y reggae. Por suerte, el grupo de Arizona tenía programados otros cuatro conciertos en nuestro país en junio, por lo que quien quiera verles todavía está a tiempo. Con su último disco The Tipping Point ya amortizado, esta gira servirá como anticipo de lo que promete ser una temporada de mucha actividad con motivo del 20 aniversario del grupo. Como nos cuenta su vocalista Jason DeVore, en los próximos meses podemos esperar su primer álbum en directo, un nuevo disco de estudio, así como su tercer trabajo en solitario.

que este año cumplimos 20 años como banda y lo vamos a celebrar sacando nuestro primer disco en directo”.

Ponme un poco al día de lo que estáis haciendo en este momento. ¿Estáis descansando, componiendo...? JASON DEVORE “Estamos componiendo y maquetando el próximo disco. La verdad es que estamos a tope por-

Después de los cambios de formación en los últimos años con la incorporación de Brandon Landelius como guitarra en 2011, Sean Sellers como batería en 2012 y Mike Spero como bajista en 2013, ¿toda-

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¿Y tenéis algún calendario para el nuevo de estudio? “Tenemos programado entrar en el estudio en octubre para que salga la próxima primavera. Seguramente lo grabemos de nuevo con Cameron Webb. En cuanto al disco en directo será doble, con un DVD, y eso saldrá entre septiembre y octubre”. Y en breve os tendremos tocando por aquí... “Sí, tenemos muchas ganas. La última vez hicimos un show acústico, muy tarde, como a la una de la mañana. Fue muy divertido. Había muy buen rollo”.

vía os estáis ajustando o ya estás totalmente adaptados los unos a los otros? “Bueno, ahora estamos mucho mejor que antes. Tuvimos unos baches en el pasado, pero una vez hicimos los cambios, ahora es increíble. Todo el mundo está haciendo un gran trabajo y nos llevamos muy bien. Es como haber vuelto a empezar con energías renovadas”. Para los fans siempre se hace extraño que los grupos cambien de formación, pero desde dentro la historia es distinta. “Así es. Cuando yo era un chaval nunca quería que alguien sustituyese a los músicos de las bandas que me gustaban, pero la realidad es distinta. Tienes que adaptarte a las situaciones tal como vienen. Hay cambios, pero la vida sigue. Es respetable que la gente tenga otras prioridades y se quieran ir, pero es duro tanto por los fans como para los miembros que se quedan. Pero también mola encontrar a gente comprometida y que ayuden a que el grupo siga vivo”.

AGENDA JUNIO El 20 aniversario supongo que es un buen momento para reflexionar sobre lo que habéis conseguido, hacer un poco de balance. “Sí. Yo soy el único que ha estado ahí desde el principio, pero empezamos el grupo sin ninguna otra intención que hacer música y pasarlo bien. Nunca imaginé que sería capaz de vivir de esto. Ha sido un viaje centrado en la música y por eso lo celebraremos con más música”.

AC/DC 2 MADRID ASG 17 BARCELONA, 18 VITORIA AZKENA ROCK FESTIVAL (ZZ TOP, MASTODON, KVELERTAK, L7, D GENERATION…) 19-20 VITORIA-GASTEIZ C.W. STONEKING 10 BARCELONA, 11 MADRID, 12 BILBAO DESPISE YOU 11 MADRID, 13 MÁLAGA, 14 BARCELONA THE DISTRICTS 23 MADRID ELDER 22 MADRID, 23 BARCELONA

Aunque habéis tenido vuestra ración de éxito, nunca habéis llegado a entrar en el mainstream como otras bandas contemporáneas vuestras. ¿Te alegras de que haya sido así? “Las bandas que suben muy rápido luego no saben manejar la situación cuando las cosas empiezan a ir mal y acaban separándose o peleándose por el dinero. Nuestro nivel de éxito nos ha permitido mantenernos centrados en la música y los fans en lugar de los negocios y toda la mierda que conlleva (risas)”.

EVERY TIME I DIE 16 BARCELONA

Posiblemente tu manera de cantar es lo que más os distingue de otras bandas de punk rock, ya que os permite ser muy versátiles. ¿Te sientes responsable de la identidad del grupo? “No sé si lo diría así. Todos hemos intentado aportar en esa variedad, más que nada para mantener nuestro propio interés en la música. Tocar la misma canción punk una y otra vez puede ser aburrido. Creo que es positivo que hayamos mantenido esa diversidad porque nos ha permitido tocar con muchos grupos distintos y llegar a más gente”.

KILL IT KID 5 BARCELONA, 6 MADRID

¿Sigues escuchando punk rock hoy en día? “Sí, escucho punk, pero también otras cosas. Tengo gustos bastante abiertos. Pero me da la sensación de que muchos grupos jóvenes se preocupan más por la imagen que por la música. Será que me estoy haciendo mayor (risas)”. ¿Notas esa diferencia generacional cuando, por ejemplo, tocáis en el Warped Tour? “Sinceramente creo que el Warped Tour era mucho mejor antes. Entiendo lo que Kevin Lyman está haciendo para captar público más joven, pero disfrutaba más viendo los grupos antes. Hace varios años que no hemos tocado en él, pero hace tres años lo hice por mi cuenta en plan acústico y noté que el ambiente era muy distinto”. (JORDI MEYA)

HELLOWEEN 12 VILLAVA, 13 A CORUÑA HIGH ON FIRE 28 BILBAO, 29 MADRID, 30 BARCELONA HOLY CIRCUS (THE GORIES, THE KING KHAN...) 5 Y 12 MADRID HOOTEN HALLERS 23 MADRID, 24 ZARAGOZA, 25 BILBAO, 26 SANTANDER, 27 BURLADA, 28 BARCELONA IMELDA MAY 30 BARCELONA JARED JAMES NICHOLS 3 ESTEPONA, 4 MURCIA, 5 CASTELLÓN, 6 CALELLA, 7 TORREDEMBARRA JESSIE J 18 BARCELONA

KISS 21 MADRID, 22 BARCELONA LETZ ZEP 11 SEVILLA, 12 GRANADA, 13 MÁLAGA LITTLE CAESAR 19 PUERTO DE SANTA MARÍA, 26 ZARAGOZA, 27 AVILÉS, 28 CANGAS DO MORRAZO, 30 MADRID MAD SKATE DAY FEST (THE TOY DOLLS, THE QUEERS…) 27 LEGANÉS MAROON 5 14 BARCELONA, 15 MADRID THE MIDNIGHT GHOST TRAIN 24 BARCELONA, 25 MADRID THE MOVEMENT 10 BARCELONA, 11 LLODIO, 12 VIGO, 13 CASTELLÓN THE MUFFS 11 BARCELONA, 12 BILBAO, 13 ANDOAIN, 15 CÁCERES, 16 SEVILLA, 17 MADRID, 18 VALENCIA, 19 CASTELLÓN, 20 FUENGIROLA OISTE’S ROCK (HELLOWEEN, OVERKILL…) 13 A CORUÑA RADIO BIRDMAN 16 BARCELONA, 17 BILBAO, 18 GIJÓN, 19 MADRID, 20 VALENCIA RIFF RITUAL FEST (ORCHID, ELDER…) 23 BARCELONA SKINNY MOLLY 11 SEVILLA, 12 GRANADA, 14 BENALMÁDENA, 19 JEREZ DE LA FRONTERA SPANDAU BALLET 18 MADRID, 19 BILBAO, 20 BARCELONA STEVE GUNN 16 BARCELONA, 17 MADRID THE TOY DOLLS 26 MURCIA, 27 LEGANÉS VALLEY OF THE SUN 29 BARCELONA WARM SODA 8 DONOSTI, 9 OVIEDO, 10 SANTIAGO DE COMPOSTELA, 11 A CORUÑA, 12 MADRID, 13 ALICANTE, 14 BARCELONA WEEDEATER 2 BARCELONA, 3 MADRID