RockZone 145 by ROCKZONE

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EDITORIAL Como canta Andrew W.K. en su último disco, “Vale la pena vivir por la música”. En el último mes, hemos tenido el placer de comprobarlo en varias ocasiones, empezando con el concierto de Metallica, pasando por el de PUP y acabando con la segunda edición del Ferrish Fest. No hay una sensación que supere la de disfrutar de buena música, cantando y rodeado de buenos amigos. Ese mismo sentimiento es el que ha inspirado, en parte, el nuevo disco de The Wonder Years, a quienes dedicamos su primera portada en RockZone. No se publicará hasta el 6 de abril, pero os aseguramos que os va a encantar. Enjoy!

SUMARIO

Nยบ 145

7 / INTERFERENCIAS

20 / MOOSE BLOOD

26 / MINOR EMPIRES

32 / JUDAS PRIEST

38 / AMERICAN NIGHTMARE

44 / ZEKE

50 / THE WONDER YEARS

58 / CRร TICAS

90 / SUMMONING

96 / KOP

100 / ESCAPE THE FATE

104 / FUTURO TERROR

108 / SCHIZOPHRENIC SPACERS

112 / IAMX

116 / EN DIRECTO

134 / DE GIRA + AGENDA

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

NEW DEL MES_ SMASHING PUMPKINS LA GIRA DE REUNIÓN DE SMASHING PUMPKINS YA ES OFICIAL. BILLY CORGAN VUELVE A TENER A SU LADO A JAMES IHA Y JIMMY CHAMBERLIN, AUNQUE LA AUSENCIA DE LA BAJISTA D’ARCY WRETZKY HA DEJADO UNA SENSACIÓN AGRIDULCE ENTRE SUS FANS.

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo, Berta Martínez. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Israel Higuera (wirrak), Vicente Madrigal (hollow_life), Miguel Gómez (MLACABEX), César Aguilar (CesarAguilar), Jorge Azcona (roots). Foto de portada: DR

ra inevitable que en algún momento Billy Corgan decidiese jugar la carta de la nostalgia y reunir a la formación clásica de Smashing Pumpkins. Después de años de desencuentros públicos, el guitarrista James Iha y el batería Jimmy Chamberlin vuelven a la banda que les lanzara a la fama en los 90. La ambiciosa gira, bautizada como Shiny And Oh So Bright Tour, recorrerá, por ahora, Estados Unidos y Canadá entre el 12 de julio y el 7 de septiembre. También es probable que más pronto que tarde llegue un nuevo álbum que incluiría, al menos, un tema producido por Rick Rubin. Pero lo que tenía que ser una gran celebración con el 30 aniversario de la banda se ha visto envuelta de una gran polémica, como no podía ser de otra manera tratándose de los Pumpkins, debido a la ausencia de la bajista D’Arcy Wretzky. Pocos días antes de que se oficializara la gira el 15 de febrero, la bajista hizo público su malestar con Corgan a través de las redes y concediendo una entrevista a la web Alternative Nation,

soltó lindezas como “Sinceramente creo que quizá tenga un tumor cerebral. Siempre ha sido insufrible”. Wretzky, que abandonó el grupo en 1999 y que, desde entonces, ha estado retirada del mundo de la música, denunciaba que Corgan se había desdicho del trato inicial para repartir los beneficios en partes iguales y que no la había avisado para participar en la grabación del nuevo álbum. Al parecer, Corgan habría ofrecido la oportunidad de que Wretzky apareciera en los conciertos para tocar algunas canciones, al estilo de lo que hicieron Guns N’ Roses con el batería Steven Adler en un par de shows. Finalmente, al no haber logrado un acuerdo, Corgan contará con Jack Bates como bajista, así como con el guitarrista Jeff Schroeder, quien lleva formando parte del grupo desde 2007. La ausencia de Wretzky ha supuesto una gran decepción para sus fans y podría tener que ver con la pobre venta de tickets que ha tenido la gira en sus primeros días de estar a la venta. Veremos cómo evoluciona el culebrón.

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LO PEOR DE MÍ_ MUDANZAS

l sueño de cualquier melómano sería que le tocara la lotería y poder pegarse el gustazo de recorrer tiendas de discos, las pocas que quedan, de todo el mundo comprando todos aquellos álbumes que alguna vez ha deseado. ¿Quién no ha soñado poder entrar en Amoeba con un carro de esos de hipermercado e ir acumulando vinilos y CD’s sin tener que reparar a cuanto asciende la cuenta? Pero aun sin haber podido vivir esa experiencia, al menos todavía, lo cierto es que quienes ya tenemos cierta edad hemos ido acumulando más discos de los que nunca podremos llegar a escuchar en lo que nos queda de vida. Seguro que quienes compartimos este vicio, nos hemos quedado más de una vez embobados admirando la colección que hemos ido acumulando con los años. Pero, ay, esa felicidad se vuelve en

una auténtica pesadilla cuando llega el momento de cambiar de vivienda. Todo el placer que hemos sentido disfrutando de tanta música se transforma en odio y frustración al ver como vas llenando cajas y cajas, y ves que aquello no parece tener fin. Además, aunque no lo parezca, los putos discos pesan una barbaridad. Siempre he pensado que quienes ya nacieron en la era digital, se estaban perdiendo algo, que no serían capaces de disfrutar de la música de la misma manera que lo he hecho yo. Pero la verdad, ante la perspectiva de una mudanza, casi envidio su desapego por el formato físico. Tiene que ser la leche sentir que con una conexión a Internet ya tienes suficiente para estar plenamente satisfecho. Por desgracia, para mí ya es demasiado tarde. Os dejo que sigo haciendo cajas. (JORDI MEYA)

EL BUENO

EL FEO

EL MALO

Como todos los grandes grupos de rock, Metallica tienen fama de peseteros. Pero eso no quita que no debamos reconocerles el bonito gesto que tuvieron a su paso por nuestro país. La banda donó un euro por cada entrada que habían vendido para causas benéficas. En Madrid fueron 31.000 euros para la Fundación Rais, y en Barcelona fueron 17.500 para Fundació Arrels. Ambas organizaciones luchan contra la exclusión social. Bien por ellos.

Para feo, el que han hecho Judas Priest a su ex guitarrista K.K. Downing. El músico declaró estar “asombrado y en shock” por el hecho de que el grupo no le ofreciera volver tras la reciente salida de Glenn Tipton como consecuencia de sus problemas con el Parkinson. Por ese motivo, aunque legalmente sigue siendo miembro de Judas Priest, Downing ha señalado que se ha dado cuenta de que tomó la decision correcta cuando abandó el grupo en 2011.

Ya sabemos que cuando se trata del control de armas, la mentalidad norteamericana no tiene nada que ver con la nuestra. Pero aun así, parece de muy mal gusto que pocos días después de la ultima matanza en un instituto de Florida, Phil Labonte de All That Remanins saliera en defensa de la Segunda Enmienda de su Constitución. El vocalista aseguró que prohibir las armas semiautomáticas no reduciría este tipo de incidentes. ¿En serio?

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, JORDIAN FO, RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

NICK CAVE: MERCY ON ME Reinhard Kleist (ECC)

l artista alemán Reinhard Kleist se maneja muy bien con el relato biográfico. Muestra del gusto por el género son algunos de sus cómics previos, como los dedicados a Johnny Cash o Fidel Castro. Con este nuevo trabajo, autorizado por el mismo Nick Cave, ofrece a los lectores un acercamiento a la psique del artista repasando bastantes de sus hitos vitales y compositivos, permitiéndose el lujo de recrear varios pasajes de su vida inspirándose en sus temas musicales. El hilo narrativo parte desde la génesis de The Birthday Party, con todos sus excesos y delirios hasta alcanzar la etapa actual de madurez de sus The Bad Seeds. Entre todo esto, decenas de temas musicales incluidos dentro del relato encajando a la perfección dentro del drama y una representación minuciosa de la obsesiva personalidad de Cave, un tipo que se lleva por delante todo lo que pueda siempre que el final sea la consecución de la composición perfecta. Kleist nos presenta aquí a un pobre diablo, a un genio-cretino contenido en su cuerpo

PAUL MCCARTNEY LA BIOGRAFÍA Philip Norman (MALPASO)

e salida, el grosor de las 800 páginas que conforman la biografía de Paul McCartney puede asustar, pero no olvidemos que estamos hablando de una de las figuras claves de la música popular del siglo XX, y en este caso, que son más de 50 años de carrera y que, de una forma u otra, había que dejar constancia de manera oficial de su paso por esta tierra. Escrito por Philip Norman, curiosa elección teniendo en cuenta que los dos habían tenido

mortal, consciente de su finitud y empeñado en encontrar los resortes de la inmortalidad a través del arte. En ocasiones, este Cave se hace odiar y en muchas otras desprende una lástima tremenda, conectado el lector siempre con el imaginario del artista maldito y torturado, pero no cabe duda de que la potencia de cada una de sus viñetas y el poderoso pulso que hay en cada uno de los capítulos hace de esta lectura un relato que se devora, dejando al final la duda de cuántas de las anécdotas que podrían ser reales son meros embustes incrustados para llevar hasta el extremo esta solicitud por el músico australiano para que nos apiademos de él. JF

sus más y sus menos precisamente a raíz de otra biografía que éste había escrito no dejando en muy buen lugar al de Liverpool, esta primera y, probablemente, única biografía oficial de McCartney, tiene todos los elementos necesarios para que nadie la deje a medias. Desde el mismo prólogo escrito por el propio Noman, en el cual reconoce que no había sido muy justo con Paul en el pasado, da la impresión de que todo el mundo quiere sincerarse sobre la que ha sido una vida que, difícilmente, veamos otra igual. Conducido en muchos momentos a través de entrevistas con el propio McCartney, no queda en el tintero absolutamente nada. No negaremos que el tono es amable, pero tampoco se pasa de puntillas por los temas espinosos, como el fin de los Beatles, una zigzagueante carrera en solitario y una vida personal no exenta de momentos muy complicados. Una obra indispensable para cualquier fan, en la que se acaba por humanizar a un personaje que, por momentos, habíamos pensado que era de otro planeta. RR

FRANK Ximo Abadía (DIBBUKS)

EL GRAN LIBRO DE LOS MAGOS Cristian Timoneda y Sabrina Cámara (GRAFITO)

MARIE CURIE Jordi Bayarri y Dani Seijas (COLECCIÓN CIENTÍFICOS)

Álbum de corte didáctico dirigido a chavales y centrado en la figura de Marie Curie, vida y obra. La recreación está realizada con mucho pulso y ritmo, sirviendo al lector para indagar tras su lectura en los logros científicos y la historia del momento en el que vivió. Este cómic forma parte de una colección dedicada a grandes figuras (Galileo, Aristóteles, Ramón y Cajal, etc.) que bien merece estar en las estanterías de los críos en edad de formación, para picarles el gusanillo por la ciencia y el conocimiento. SG

MI PEQUEÑO Olivier Schrauwen (FULGENCIO PIMENTEL)

Estupenda nueva edición que le hace completa justicia a la calidad gráfica de este inclasificable de Olivier Schrauwen centrado en el amor incondicional que un padre muestra por su hijo. Un trabajo revienta sesos, lleno de momentazos que descolocarán al lector y realizado con un estilo gráfico que busca homenajear a los pioneros del cómic americano de principios del siglo XX. Las situaciones son tan locas, los personajes transmiten tanto y la potencia visual del conjunto es tan apabullante, que deja sin aliento e invita a la revisión. SG

Este relato ilustrado pone el dedo en la fractura que el dictador Francisco Franco dejó en la sociedad española y acerca pensando en los lectores más jóvenes la figura de este siniestro personaje. Conceptos como la libertad, la Guerra Civil, los poderes alineados con la dictadura o la memoria histórica aparecen reflejados en sus páginas de manera alegórica, en bellas planchas, algunas con una potencia visual increíble (tremendas las dedicadas a la Iglesia y a los miles de muertos enterrados en cunetas). Hacen falta más obras como ésta. SG

BUDAPEST Chema Peral (LA CÚPULA)

Segundo trabajo en formato cómic de Chema Peral, éste realizado durante su estancia en la afamada Maison des Auteurs de Angolulême. En Budapest propone un viaje con grandes dosis de psicodelia hacia una tierra prometida, un lugar donde dejar atrás el pasado. En el proceso, el protagonista de la aventura aprenderá a afrontar sus odios, miedos e indeterminaciones hacia lo que desea en la vida. Aderezado con grandes momentos y resoluciones estrambóticas, su lectura deja un estupendo poso de felicidad una vez concluida. SG

Podría reseñarse en una sola frase para entender la invitación que hace este libro ilustrado, algo así como ‘Mago risas leyéndolo’. OK, el juego de palabras no está a la altura de lo que sus autores proponen, pero va en esta línea tontorrona: juegos de frases y palabras con la palabra ‘mago’. La colección de ilustraciones de Sara que acompaña a cada frase es deliciosa y cada nuevo juego de palabras que plantea Timoneda arranca carcajadas. Y de propina, lo acompañan con un minicómic con Gandalf y Dumbledore. SG

NIGHT BUSINESS Benjamin Marra (AUTSAIDER COMICS)

Una auténtica salvajada que encantará a los fans del cine chungo, aquél que mezcla las artes marciales, bandas callejeras, rambos y similares sin ningún tipo de vergüenza ni pudor. Marra aprovecha todo el feísmo que puede ofrecer en cada página para sacarte una mueca, ya sea de sonrisa incómoda o de reprobación, pero sin que puedas apartar la mirada. Un psicópata está asesinando a bailarinas de striptease y diferentes personajes, cada uno con sus motivaciones, decidirán tomar la justicia por su mano. Demencial. SG 11

DE CINE_ CON KIKO VEGA BLACK PANTHER

EL HILO INVISIBLE

BLACKBUSTER

os volvemos locos. El cine atraviesa un momento delicado donde no abunda la calidad y donde el consumo instantáneo se traslada del salón de casa a las salas de cine a la misma velocidad. Hypear, consumir, detestar, olvidar. Ése está siendo el ciclo de la vida cinematográfica de los últimos años. La exageración y el peloteo por parte de la prensa especializada no hace ningún favor al cine, y trabajos como Blade Runner 2049 llegaron tan hinchados de tierras lejanas que luego nadie quiso probar a ver

THERE WILL BE DRESSES

si esa peli de tres horas merecía la pena o no. Algo parecido ha pasado con Black Panther, sólo que convirtiendo la película de Marvel (importante no olvidar eso: esto es Marvel, no cine social de denuncia comprometido) en el quinto mejor estreno de la historia, haciendo más daño si cabe a su rival directo y poniendo de acuerdo a todos los progres que se dedican a juntar letras como buenamente pueden. Tranquilos, ya estoy yo aquí: Pantera Negra es un entretenimiento justito y con un diseño de producción entre lo espantoso y lo ridículo, por muy mal que quede decirlo mientras otros dirán ‘tío, es cultura africana en su máxima expresión’. OK, pero no cuela. La cultura africana en su máxima expresión no puede ser un blockbuster de 200 millones de dólares con persecuciones de automóviles de la era Matrix y un rumbo que nada entre Agente Juvenil y un Ragnarok tomado en serio.

aul Thomas Anderson tiene que ser un tipo detestable. Ocho películas de personajes desagradables, a juego con su actitud pasota y un tanto presumida, pueden haber estado dando pistas sobre la personalidad y el carácter de un director con fama de inaccesible. Molón, genio, pero inaccesible. Como los más grandes. Con su último largometraje, porque él no rueda películas, rueda largometrajes, puede estar presentando por primera vez su lado más sincero, sin restricciones. Viejo prematuro, genio, cabrón, refinado. Toda su personalidad volcada en la extraordinaria interpretación de Daniel Day-Lewis, un talento sobrenatural para la interpretación que lleva demostrando que es capaz de memorfosearse en lo que se proponga desde hace más de 30 años. Junto al protagonista de Lincoln, flanqueando al protagonista de la historia, nos encontramos a la revelación Vicky Krieps con el

personaje que trastocará los cimientos de ese caserón de las sombras donde una vez se vendió un alma a cambio de la moda eterna. El nombre del personaje, Alma, no es nada casual. Anderson, de nuevo guionista, no deja nada a la improvisación. Ni frases, ni gestos, ni contraplanos a una montaña nevada que Woodcock jamás logrará coronar. El modisto de la realeza que protagoniza Phantom Thread deberá aprender a convivir con el amor y el deseo, único remedio para mitigar la profunda ira que carcome su alma, hasta que una situación inesperada y agradecida por el espectador, poco acostumbrado a las emociones fuertes del drama romántico de los 50, nos recuerde que el amor no tiene que ser necesariamente hermoso. Ni siquiera compartido. Entre sudores, discusiones y atisbos de descomposición, física y emocional, Anderson nos va guiando hacia lo que termina siendo su trabajo más amable. Una comedia romántica fuera de toda lógica, seca, áspera, donde demuestra que a pesar del protagonista, nadie toma mejor las medidas que el propio director, un diseñador de cine puro que debería ser especie protegida. El último apunte, genial, nos recuerda que en esto del amor, lo más importante no es no decir nunca ‘lo siento’: es saber tragar.

PISANDO FUERTE_ BONEFLOWER “NOS ENCANTAN, PERO CUALQUIER BANDA QUE INTENTE PARECERSE A VIVA BELGRADO LA ESTÁ CAGANDO”

ERIC

FORMACIÓN: Eric (voz, guitarra), Desan (bajo), Jaime (batería) PROCEDENCIA: Madrid AFINES A: Hotel Books, Touché Amoré, Pianos Become The Teeth PRESENTAN: Empty Rooms, Full Bodies (varios sellos)

a carrera de los madrileños Boneflower no podía empezar mejor. Con su primera referencia, I’ll Be The Bones, You’ll Be The Soul, se patearon media Península y parte del Viejo Continente. Ahora su post hardcore musculoso y gritón con pasajes de tensa calma propios del post rock cotiza al alza dentro y fuera de nuestras fronteras. “Tocar en el festival Miss The Stars de Berlín fue un premio para nosotros y nos hizo mucha ilusión”, nos cuenta Eric, su cantante y guitarrista. “El Fluff Fest, telonear a Harakiri For The Sky y hacer un sold out con Viva Belgrado en la Caracol también han sido momentos destacables para nosotros”. Ese debut formado por cinco temas rebosantes de pasión y emoción encuentra dos años después una continuación natural en Empty Rooms, Full Bodies, un trabajo que mantiene la esencia de una banda todavía en crecimiento, en busca de su propia identidad. “El primer EP ha sido un constante punto de referencia para nosotros. Queríamos mantener el rollo emotivo y agónico dándole un punto más extremo, más agresivo, pero también más sensible”, explica Eric. “También queríamos conseguir ese concepto de álbum como un todo en el que las canciones tengan sentido si lo escuchas entero y, sobre todo, hacer un disco muy variado para no aburrir”.

Y lo consiguieron con creces. “Hemos huido de todo lo que nos parecía predecible. En ese aspecto, madurado como banda, pero la esencia y la actitud es la misma”. Entraron en los estudios Westline con las ideas muy claras, con los nuevos temas bien perfilados, y la dosis justa de presión. “Con el primer EP giramos tanto que si el primer disco era una basura nos daría la impresión de haber vacilado a la gente con tanto ajetreo para nada”. La elección de los estudios de Juan Blas (Nothink, Minor Empires, The Big Bench) no fue casual y tampoco podían estar más contentos con el resultado final. “Grabar con Juan, que ha trabajado con bandas que nos molan y tiene experiencia en varios géneros entre los que nosotros nos movemos, era pisar sobre seguro. Ha dejado un sonido muy orgánico, muy nítido y muy fiel a lo que hacemos. Todo está muy bien equilibrado y hay de todo en su justa medida. Si hubiera que destacar su trabajo por algo, serían las voces”. Precisamente la versátil voz de Eric juega un papel protagonista en este segundo disco. En Empty Rooms, Full Bodies se canta, se grita e incluso se recita. Se nota que son fans del spoken word de Hotel Books, sobre todo en el primer tema, ‘We’re Gonna Die, We Don’t Care’. “Es uno de nuestros artistas favoritos y, sin duda, es una gran influencia, sobre todo

para las letras del disco”, reconoce. “Ojalá algún día consigamos transmitir la mitad del sentimiento que Hotel Books transmite”. Eric, Desan y Jaime también escuchan últimamente bandas como Foxing, Birds In Row, Fjort, Touché Amoré, Pianos Become The Teeth, y algo de todas estas formaciones asoma en su primer largo. A nivel estatal, admiran el talento y la trayectoria de Viva Belgrado, una de nuestras bandas con mayor proyección internacional. “Nos encantan, pero cualquier banda que intente parecerse a Viva Belgrado la está cagando. Que nos comparen con ellos es algo que hemos querido evitar a toda costa. Cada grupo tiene que encontrar su propia identidad”. Las similitudes entre los madrileños y los cordobeses son tantas como las diferencias. Para empezar, a diferencia de sus amigos Viva Belgrado, Boneflower cantan en inglés. Eso sí, en este disco aparece su primer tema en castellano con la aportación de la cantante del dúo Ordesa. ¿Se estarán planteando el cambio de idioma? Pues no, pero no descartan nada... “Hace mucho pensamos en cantar cada canción en un idioma diferente (risas). Quizá algún día…”. Boneflower siguen creciendo y, con mucho acierto, no se quieren encasillar ni limitar. “Lo de ser parte de una escena es algo que siempre nos ha dado igual. Nos llevamos genial con muchísimas bandas y todo el mundo nos ha tratado muy bien de manera desinteresada. Es con eso con lo que nos quedamos. Podríamos mencionar a Eros+Massacre, Drei Affen, Meltdown y El Altar Del Holocausto”. (LUIS BENAVIDES)

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame es Power Windows de

Rush. La música es una cosa loca. Puedes escuchar una canción y amarla a la primera, hasta que llega un momento en el que la aburres y acabas rechazándola cuando escuchas las notas iniciales. Lo mismo se puede decir de una canción que, al principio, odias, para, pasado un tiempo, acabarte gustando. Cuando eso pasa con un álbum, los resultados pueden ser casi mágicos. Cuando era un chaval, comprar discos (o en mi caso cassettes, que eran más baratos) era un acto que tenía que pensar mucho. Con poco dinero y sin internet para tenerlos gratis, había de tener cuidado con cada disco que compraba. Tenía que medir los pros y los contras. Si 16

pillaba una revista musical, miraba las reseñas para asegurarme que mi compra merecía gastar el dinero que tanto me había costado ahorrar. A veces acertaba de pleno. Otras veces acababa con un álbum mediocre, pero como no tenía muchos discos para escuchar, múltiples escuchas acababan haciendo que lo disfrutara. Pero había esas chustas que daba igual las veces que las escuchara, pues seguían siendo terribles. Cuando compré Power Windows de Rush, me sentí terriblemente decepcionado. No sé ni por qué lo compré. Quizás porque me sentía obligado a hacerlo ya que Rush eran de Toronto. Debería haber comprado Moving Pictures, Signals, A Farewell To Kings o Permanent Waves, pero el single ‘Big Money’ sonaba en la radio, así que al menos conocía una canción del álbum y, además, estaba de oferta. Pero tío, eso para mí no era rock. No era heavy. Eran teclados, por encima de teclados, por encima de teclados. Incluso la guitarra sonaba como si estuviese comandada por los teclados. Aun así, lo oía

constantemente para ver si me perdía alguna cosa. Lo escuché muchísimo y, sin ser consciente de ello, las canciones se quedaron grabadas en mi cerebro para siempre. No sé la de veces que debí escucharlo, pero aun así, era incapaz de que me gustara y cuando finalmente me deshice de los cassettes a favor de los vinilos, Power Windows fue el primero que tiré a la basura. Pasaron los años y poco a poco fui descubriendo los discos adecuados de Rush, ignorando una vez tras otra Power Windows. Esto fue hasta el mes pasado, cuando haciendo el tonto, me fui a Spotify para pegarme unas risas con ese álbum que compré cuando era un crío y que odiaba. Lo que pasó, inesperadamente, es que me di cuenta de que había sido víctima de un engaño muy bien construido. Para mi

sorpresa, Power Windows era/es… INCREÍBLE. Juro que esta revelación me pasó justo después de este año nuevo. Todavía estoy en shock descubriendo lo jodidamente bueno que es este álbum. Las melodías y las canciones son buenísimas y aguantan perfectamente a día de hoy. Añade a eso los recuerdos de mi niñez asociados a cada canción. Aparte del single ‘Big Money’, otros temas a destacar son ‘Manhattan Project’, ‘Territories’, ‘Middletown Dreams’ y ‘Mystic Rhythms’, pero realmente todo el álbum es bueno. Quizás es porque desde aquellos días han empezado a gustarme los teclados, los sonidos digitales y las buenas melodías. No me gustaría llamarlo madurez, sino evolución. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA.

>> KITAI INTERPRETAN ‘LEJOS’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

on su segundo disco Pirómanos (Entrebotones), los madrileños Kitai han dado un vuelco tanto a su sonido como a su propia imagen. Algo que se hace evidente cuando vemos a Álex (voz), Edu (guitarra), Fabio (bajo) y Daiv (batería), entrar por la puerta de nuestra redacción con cuatro chaquetas rojas a juego. “Queríamos desarrollar algo que fuera más que música”, nos cuenta Álex sobre su ‘uniforme’. “Nos hacía ilusión crear una estética. Nos atraía el tema de la llama. Y de manera natural utilizábamos un lenguaje tipo ‘vamos a fuego’, ‘hay que salir a fuego’, y al final decidimos llamar al álbum Pirómanos y creamos una estética alrededor de eso con el color rojo”. Pero más que cuestiones cromáticas, lo relevante es su nueva propuesta musical en la que han dado cancha a nuevos elementos electrónicos que no tuvieron presen-

cia en su debut Que Vienen de 2015. “Kitai es una banda de rock, pero no hacemos apología del rock”, explica el vocalista. “Hacemos apología de la música. No nos encasillamos dentro de un estilo. Hay mucha música por delante, muchos discos, y muchas cosas por crear. Hay que tener la mente abierta. Yo descubrí vuestra revista con la portada de Biffy Clyro y Nothink, hace un huevo. Y una de las cosas increíbles que tienen Biffy Clyro es lo abiertos que son con su música. Son capaces de hacer de todo. Son una referencia”. La banda señala al productor Juanma Latorre (Vetusta Morla) como principal responsable en haberles ayudado a dar ese paso. “Que Vienen fue un disco totalmente autoproducido”, prosigue Álex. “Esta vez teníamos la necesidad de oxigenarnos y encontrar, más que un productor, un quinto miembro. Alguien que tuviese

una visión externa que no tuvimos en el primer álbum”. A lo que Fabio añade., “Juanma siempre nos dice que si las canciones no hubiesen estado ahí, no hubiese participado en el proyecto. Vio que podía aportar algo. Teníamos el crudo y él nos llevó al resultado que aparece en el disco. Ahora diferenciamos lo que es el directo, y otro concepto distinto es el disco. En Que Vienen intentamos reproducir el sonido del local de ensayo, y esta vez hemos intentado darle otra vuelta”. De momento, su apuesta ha sido acertada y el grupo ha ganado a un montón de seguidores, aunque tienen claro que nadie regala nada. “El secreto es trabajar”, concluye Álex.. “Nosotros somos una banda muy de local, cada día estamos currando y creemos que ése es el camino. Si te centras en currar, salen las cosas. Da igual a lo que te dediques”.

MOOSE BLOOD

SANGRE AZUL DISPUESTOS A DEJAR ATRÁS LA SALIDA FORZADA DE SU BATERÍA, INVOLUCRADO EN OTRO CASO MÁS DE ACOSO SEXUAL, EL PASADO MARZO, MOOSE BLOOD REAPARECEN CON SU TERCER ÁLBUM I DON’T THINK I CAN DO THIS ANYMORE . VOLVER A PONER EL FOCO EN LA MÚSICA SE ANTOJA COMO LA MEJOR SOLUCIÓN. TEXTO: BERTA MARTÍNEZ FOTOS: DR

ACE AHORA UN AÑO, EL CUARTETO INGLÉS MOOSE BLOOD SE ENCONTRABA EMPEZANDO SU

primer gran tour norteamericano, en el que presentaban Blush, editado en 2016. Sabemos que les gusta girar, que son una banda que disfruta mostrándonos lo que hacen y compartiendo momentos con sus fans. Apenas doce meses más tarde, los encontramos habiendo grabado y a punto de editar su nuevo disco, I Don’t Think I Can Do This Anymore (Hopeless). Han crecido, han madurado y han cerrado un círculo. Con tres singles lanzados hasta la fecha, los de Canterbury se embarcan en una gira de cuatro

meses, casi simultánea al lanzamiento, que sus fans esperan con ansia a juzgar por las continuas muestras de afecto que pueden verse en las redes sociales. A mediados de febrero tuvimos la oportunidad de hablar con Mark E. Osborne, guitarra y voz del grupo que completan Eddy Brewerton (voz, guitarra), Kyle Todd (bajo) y Lee Munday (batería), sobre su nuevo disco y dónde se encuentran ahora personalmente. Quisiera empezar hablando un poco sobre la gira que estáis a punto de comenzar a principios de marzo y que va a durar cuatro meses, ¿no es así? MARK E. OSBORNE “Sí, exacto. Em-

pezamos el 2 de marzo y nos quedaremos por el Reino Unidos hasta el 10, entonces creo que nos vamos a Estados Unidos durante unas cinco semanas”. Luego, si no me equivoco, volvéis a Europa para terminar en un festival en Madrid.

“¡Sí, en el Download!”.

“QUIZÁ NUNCA TENGAS LA OPORTUNIDAD DE SACAR OTRO DISCO, ASÍ QUE CADA VEZ QUE LANZAMOS UNO, DAMOS TODO LO QUE PODEMOS DE NOSOTROS, Y MÁS AÚN EN ÉSTE” MARK E. OSBORNE

Exacto, además será vuestra primera vez aquí, ¿verdad?

“Sí, y siempre hemos querido ir a tocar a España, tenemos muchísimas ganas, pero muchas, muchas. Tenemos luego un descanso después de la gira que haremos por Estados Unidos, antes de volver a Europa, pero sí, será básicamente eso: Reino Unido, Estados Unidos, y volvemos a casa antes de empezar con Europa”.

nidad enorme poder viajar y girar y encontrarte con gente que quiere verte, conocer lugares y gente nueva increíble. Ir de gira son experiencias únicas que no has tenido antes y que nos han llevado a lugares en los que nunca antes habíamos estado. Es genial, ¿sabes? Nos sentimos muy afortunados”. La última vez que fuisteis a Esta-

Os gusta girar, sois una banda

dos Unidos tuvisteis unos cuantos

que se mueve mucho.

sold out y era, se podría decir,

“¡Sí! Giramos mucho, es una oportu-

vuestra primera gran gira por

allí, además del Warped Tour en el que también estuvisteis. ¿Qué esperáis de ésta?

“Sí, exacto, fue la primera como cabezas de cartel allí. Habíamos abierto para otras bandas, pero hacerlo así como cabezas de cartel no, y tuvimos unos resultados buenísimos en los conciertos, fue una locura, nos seguían comunicando que habíamos hecho otro sold out, era alucinante. Desde nuestra humilde experiencia anterior, era brutal poder ir a Canadá también y encontrar

esa sensación familiar... Así que creo que ésa es la mayor diferencia, pero la forma en la que la gente está respondiendo es brutal, en eso no hay diferencia, la gente es increíble vayamos donde vayamos”. ¡Eso es genial! Hablemos ahora de vuestro nuevo álbum que está a punto de salir, el 9 de marzo. Planteemos algo: imagina que alguien nunca os ha escuchado ni visto antes y le cae este disco en sus manos. ¿Cómo se lo describirías en tres palabras?

“Uff... Temperamental, emo y rock, posiblemente algo así. Quiero decir, es mucho más temperamental que lo que hemos hecho hasta ahora, es un poco más rockero también, el tono... y la forma en la que lo hemos escrito. No es más pesado, pero sí más profundo quizá, menos popero que otras veces (risas). Definitivamente es menos popero que Blush, que fue un disco de pop rock”.

”

Háblame sobre el título, I Don’t

Think I Can Do This Anymore. Creo que habla por sí mismo,

esa cantidad enorme de gente... simplemente increíble. ¡Esperemos que ocurra de nuevo! Aunque, ya sabes, tendremos que esperar y ver, pero ojalá vivamos algo parecido”. Por cierto, ¿veis diferencias entre girar por Europa y Estados Unidos?

“Mmm... no, no creo. No, definitivamente no lo creo. Bueno, Europa siempre ha sido un poco distinta. No podría decirte exactamente en qué o qué es, pero cuando giras por

el Reino Unido es como estar en casa, es obviamente más familiar, y cuando vas a Estados Unidos te tiras allí un montón de tiempo, pero sigues en un mismo país, con la misma moneda, el mismo idioma, ¿sabes? Y cuando vuelves a Europa vas de un país a otro y no terminas de acostumbrarte a ninguno, y eso es diferente a cuando haces un tour completo por Estados Unidos. Cuando estás por Europa quizá son sólo dos semanas, pero terminas yendo a varios países y nunca consigues

pero ¿de qué o con qué estáis tan quemados? Espero que no sea de girar...

“¡No, definitivamente no es de girar! (Risas) Habla básicamente de una relación y la perspectiva de estar dentro de esa relación. Os hacéis felices el uno al otro y las cosas funcionan, pero simplemente sientes que ya no puedes más. Y todos hemos tenido este tipo de emociones alguna vez, incluso estando de gira. A veces, durante los viajes, sientes que ya no puedes más. Somos no-

sotros, espalda con espalda, y ya son cuatro años, y a veces, sin importar las circunstancias, todos tenemos nuestro punto de ruptura en el que necesitas tu espacio, y todos nos sentimos identificados con esto, así que decidimos llamar así al álbum”. ¿Y las canciones? Porque, personalmente, encuentro vuestro disco relativamente feliz musicalmente hablando, pero creo que las canciones no cuentan lo mismo... ¿Realmente cuentan quienes sois? Sé que uno de los singles, ‘Have I Told You Enough’, tiene un significado especial

banda a tiempo completo. Estamos girando más y nos hemos adaptado a este cambio total de forma de vida. Obviamente esto afecta a tu vida, a la gente que quieres, familia, amigos... es algo muy positivo, pero cuando estás fuera de casa tanto tiempo los echas mucho de menos. Y es básicamente eso, adaptarse a esto. Nos pasó con Blush, y para este disco teníamos claro sobre qué escribir. Ya habíamos hablado sobre estar lejos de casa y echar de menos, y este álbum lo hemos compuesto desde otro punto de vista distinto, desde otro lugar en el que nos encontramos ahora”.

para Eddy, ¿verdad?

“Sí, es el tributo de Eddy a su hija y cómo aprecia su relación con ella. Sí, básicamente de la relación y de la seguridad de tenerla, de eso trata esa canción”.

Te entiendo perfectamente. Debe ser complicado y es genial que hayáis podido hacerlo parte de vuestra vida. Cuéntame un poco sobre vuestras influencias musicales. Si me permites, vi

¿Quién las escribe?

quizá un poco de Taking Back

“Las letras las componemos entre Eddy y yo. Dependiendo de qué canción escuches, la habremos escrito Eddy o yo, y creo que se nota (risas)”.

Sunday en vuestro primer disco

Veo que madurar está presente en vuestras letras y es algo patente en el disco. No sólo madurar, sino convertiros en alguien más fuerte. ¿Os sentís así ahora, más fuertes como banda?

“Bueeeno, no realmente. Creo que nos hemos adaptado a que sea esto lo que hacemos, a crecer de esta manera y a madurar en este tipo de situaciones, que para nosotros no son habituales. Nos sentimos muy afortunados y hemos dejado atrás nuestros trabajos para ser una

y algo de Brand New en Blush. ¿Qué podemos encontrarnos dentro de éste?

“(Risas) Una vez hecho este disco, la verdad es que hemos plasmado influencias que siempre hemos tenido pero que quizá no nos habíamos dado cuenta de que teníamos. Sobre todo, el efecto que tienen en la música que escribimos. Cosas como The Cure o The Killers, Kings Of Leon... por supuesto otros como Blink-182 o Angels And Airwaves...”. Más indie...

“¡Sí, exacto! Cosas que siempre hemos escuchado y que estaban ahí, pero que no habían salido en nuestra música. Y es genial poder

ser comparados a estas grandes bandas, es halagador”. ¿Y cuál es tu banda favorita?

“(Risas) Nirvana, sin lugar a dudas”. ¡También tenéis un lado grunge!

“¡Desde luego!”. Decís que este álbum, puesto al lado de los otros dos, cierra el círculo.

“Sí, así es como lo vemos, casi cierra un círculo. Pero no ha sido algo intencionado, es algo que hemos visto al terminar el disco y analizar qué relación guardaba con los anteriores. Hemos podido ver que, escribiendo el primero, acabábamos de empezar como banda, luego Blush hablaba sobre el proceso que iba del primer disco a esta nueva etapa de la vida en la que entrábamos, girar tanto, estar lejos de casa, adaptarse a echar de menos... y con éste, plasmamos las circunstancias, las repercusiones de estar fuera. Y vemos que están unidos, hablando de cosas similares, pero desde puntos de vista diferentes. Pero nunca fue intencionado, ha salido así. Hemos contado nuestras experiencias personales en momentos diferentes de nuestra vida, y sin querer están enlazadas”. Y ahora que sois una banda a tiempo completo, ¿cómo cambia vuestras vidas?

“Ahora mismo somos muy afortunados de poder dedicarnos completamente a esto y que no nos deje tiempo para nada más. Acabamos de pasar las fiestas de Navidad y hemos aprovechado para estar en

MOOSE BLOOD

casa y nada más, ver a los nuestros antes de volver a los ensayos y preparar todo para la gira con el tour manager, los vídeos, el merchandising... y es entonces cuando ves lo afortunado que eres de poder hacer esto, un sueño hecho realidad”. Ya que mencionas los vídeos, quería preguntarte por lo que os traéis entre manos con los fans. Habéis sacado la partitura para guitarra del single ‘Talk In Your Sleep’ y pedido que os manden vídeos con la cover. ¿Qué queréis hacer con ello?

sacar otro disco, así que cada vez que lanzamos uno, damos todo lo que podemos de nosotros, y más aún en éste. Saber que has hecho todo lo que podías es muy reconfortante. Estoy más orgulloso de este disco que de todo lo que hemos hecho anteriormente”.

Glenn Harvey. Creo que vuestro comunicado estuvo a la altura y fue muy correcto, pero, ¿os está afectando como banda?

“No muchas, únicamente tres demos que no han entrado. Podíamos haber hecho un disco más largo, pero creemos que las que han entrado son las que tenían que estar”.

“Bueno, obviamente nos ha afectado como grupo, ha sido algo muy gordo que casi nos destruye. Es un hecho terrible. Hemos tenido que procesarlo, actuar al respecto y seguir adelante con lo que hacemos. La parte positiva de todo es haber incorporado a Lee a la banda, está siendo increíble y ha sido un soplo de aire fresco. No podría haber encajado mejor, tanto que ojalá hubiera estado desde el principio”.

que os lo envían...

¿Y qué crees que vuestros fans

Eso son palabras muy bonitas

“Eso sería genial, para nosotros ha sido algo muy guay y que queríamos hacer, así que esperamos que salga bien”.

encontrarán en el álbum? ¿Qué

para Lee.

pensarán y sentirán?

“Sí, lo cierto es que está haciendo un trabajo impresionante”.

“Queríamos presentar la canción de una manera diferente, sin revelarla del todo, y que la gente pudiera leerla e interpretarla a su propia manera. Ahora hemos pedido que nos envíen los resultados para poder juntarlo todo en un vídeo y ver las diferentes versiones que nos llegan”. Creo que es algo muy interesan-

¿Se quedaron muchas canciones fuera?

te, conozco a varios que seguro

Seguro que sí. Decís que siempre trabajáis en un álbum como si fuera el último, ¿por qué?

“Sí, especialmente con éste, nos hemos volcado completamente en él. Ha sido distinto, hemos incluido todo lo que queríamos escribir y componer, éste era el momento de hacerlo porque nunca sabes qué hay a la vuelta de la esquina. Quizá nunca tengas la oportunidad de

“¡Espero que les guste! Siempre que lanzas algo nuevo siempre esperas que reaccionen bien, como lo han hecho hasta ahora, pero siempre da un poco de miedo. Hemos visto comentarios bastante positivos sobre los singles, ¡ojalá siga así!”. Estamos llegando ya al final

Finalmente, Mark, ¿hay algo que quieras añadir?

“Daros las gracias por hablar con nosotros y también a los fans que están esperando nuestro disco. Estamos deseando ir a tocar a España y poder compartirlo con vosotros”.

de la entrevista y lamentablemente te tengo que preguntar por cómo estáis viviendo el escándalo sexual en el que se vio metido vuestro anterior batería,

MINOR EMPIRES

SEGUNDAS PARTES SIEMPRE FUERON BUENAS

MUCHO MÁS TARDE DE LO ESPERADO PERO CUMPLIENDO CON LO PROMETIDO, MINOR EMPIRES SE REACTIVAN CON EL SEGUNDO VOLUMEN DE UNITED STATES OF EMERGENCY. UNA REVÁLIDA Y, AL MISMO TIEMPO, LA CONFIRMACIÓN DE UNA DE LAS MEJORES BANDAS NACIONALES SURGIDAS EN LOS ÚLTIMOS AÑOS. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: SERGIO ALBERT

OMO BIEN NOS RECUERDA JUAN BL AS DURANTE L A ENTREVISTA

que realizamos en sus Westline Studios después de presenciar un ensayo del grupo a pocos días del estreno en directo de sus nuevas canciones, Minor Empires siempre se han caracterizado por ir a su ritmo sin agobiarse. Así fue cuando, tras un par de años de rumores en los mentideros de la red, aparecía finalmente su debut en 2014 que ya les hizo colgar el cartel de ‘no hay entradas’ en algunas ciudades, amén de participar en festivales como el Resurrection o el Aloud Music Fest. Lo escaso de su repertorio por aquel entonces les hizo volver a entrar rápidamente en el estudio para así registrar más material con el que poder salir nuevamente a la carretera. Aquello terminó resultando en un United States Of Emergency Vol. 1 que veía la luz a finales de 2015 y cuya segunda mitad se esperaba que no tardase demasiado. Pero a medida que Juan, Javi Seisdedos (bajo), Fernando Moreira (guitarra, voz) y Reto Ramírez (batería) iban tachando fechas del calendario, la ansiada continuación seguía sin llegar. La creciente actividad de otros proyectos conjuntos como Caboverde o Trono De Sangre parecía indicar que el grupo había entrado en estado de hibernación permanente. Hasta ahora. Finalmente, y bajo el paraguas de su propia marca como Linsey Records y

con la ayuda de otras disqueras independientes como The Braves y Underground Legends, el segundo volumen de United States Of Emergency es desde hace unos días toda una realidad a la que le seguirá una extensa gira de presentación durante los próximos meses que incluirá, por primera vez, visitas al extranjero, con las que Minor Empires confían en seguir conquistando nuevas zonas. En noviembre de 2015 publicasteis la primera mitad de United

do, pero luego, no sé, llámalo bloqueo creativo o lo que quieras, pero al final las cosas tienen un porqué y salen así. La verdad es que tampoco teníamos prisa porque, al margen de nosotros mismos, no teníamos una compañía detrás con la que rendir cuentas. Al final los temas los hemos compuesto y grabado nosotros y lo vamos a sacar por nuestra cuenta con la ayuda de sellos amigos. Presión en cuanto a compromisos con terceros, no es nuestro caso. Simplemente, queríamos hacerlo bien, sin más”.

States Of Emergency. A lo tonto han tenido que pasar más de dos

Pero imagino que en este tiem-

años para tener la segunda...

po habréis notado que mucha

JUAN BLAS “Sí, nos lo hemos tomado

gente se preguntaba cuándo

con calma, como puedes ver (risas). Supongo que el que se haya retrasado ha sido debido a una mezcla de todo. En aquel entonces, lo que teníamos no estaba listo del todo y pensábamos que podíamos hacerlo un poco mejor. La prisa nunca ha sido algo que nos haya caracterizado. Recuerdo la primera entrevista que nos hiciste, que el destacado que pusieron fue “En Minor Empires nos gusta tomarnos las cosas con mucha calma”. La volví a leer hacer poco y dije: ‘Joder, qué razón teníamos’ (Risas). Esto es una prueba de que aquello era cierto. Como te decía, fue un poco todo. Por ejemplo, las letras no llegaban. No estaba listo para enseñarlo todavía. En un punto pensábamos que en cuanto a la música teníamos muchas cosas compuestas y que iba a ir todo un poco más rápi-

iba a salir. JUAN “Sí, alguno decía que si nos

habíamos separado (risas). Pero sí, de hecho, éste ha sido el pan de cada día dentro de la propia banda. Pero si no estaba, es que no estaba. Sacar algo mal y rápido nunca ha sido nuestra filosofía a la hora de currar”. Además de tener otras cosas que atender aparte del grupo, ¿le distéis muchas vueltas a las canciones? El haberos tomado más tiempo del previsto habrá tenido su peso. JUAN “Claro que sí, y creemos que

para bien. El haber tenido más tiempo lo hemos utilizado precisamente para eso: hacer mejores letras, melodías, que el disco sonara mejor, 27

mejor mezcla... mil historias. Cuanto más le dedicas tiempo a algo, en teoría, debería estar mejor hecho”. De hecho, noto que, con respecto al primer volumen, las ideas parecen más claras y definidas. ¿Vosotros veis que se diferencien en algo? JUAN “Creo que nos hemos quitado

también ciertos corsés. Por ejemplo, la mayor participación de Fernando a las voces es uno de los síntomas. A veces decíamos: ‘A mí esto sinceramente me aburre. ¿Podemos darle algo más de dinámica?’. Y al final a la gente que hasta ahora les hemos enseñado el disco es una de las cosas que más les ha gustado. Que hubiera más dinámica en cuanto a las voces, que no fuese sólo una durante 4 minutos. En ese sentido, hemos esperado. Hablo en nombre de todos, pero a nivel personal, todavía más. Pensaba: ‘Esto no está. Hay que esperar’. Hemos seguido ensayando con la misma frecuencia de siempre, por lo que dentro del grupo era también una ansiedad”. JAVI SEISDEDOS “Al final el disco ha sido que parecía que iba a ser sietemesino, pero no (risas). Al principio empezamos con un buen ritmo de composición. Pero como te decía Juan, queríamos tener la seguridad de que todo estuviese asentado y no sacar cualquier cosa”. FERNANDO MOREIRA “Una diferencia que sí es importante es que, si este segundo volumen hubiese salido antes, yo seguramente haría coros y ni cantaría. Es la impresión que me da. Fue una movida que salió hacia el final del proceso. Pensábamos invitar a alguien a colaborar a las voces, pero

lo probábamos conmigo y quedaba guay. Y ya que en un tema funcionaba, lo aplicamos a otros”. JUAN “A raíz de eso yo me he atrevido a tocar algunas cosas que si lo hubiéramos hecho tan rápido, no habría sido así. Quizás hubiera quitado complejidad a ciertas partes. Y también sucede que cuando la música se compone muy rápido, luego te tienes que sentar delante de un papel a contar una historia y resulta que no tienes nada que decir. Igual tengo que esperar un mes a que me pase algo y mi cabeza haga click y necesite hablar de ciertas cosas. Eso no se puede forzar tanto como coger una guitarra y hacer

una melodía. Escribir unos textos me parece que debe de tener algo más profundo”. FER “En cuanto a la parte musical, e incluyo a Reto en esto, aunque él entró antes que yo, creo que en el primer volumen los dos estábamos aterrizando, buscando nuestro sitio, sin querer invadir demasiado. En cambio, en éste nos hemos sentido más libres para hacer lo que nos saliese sin tener un corsé impuesto”. RETO RAMÍREZ: “Sí, nos hemos dejado llevar más. Esta vez ha ido todo mucho más rodado. Ahora hemos dado más nuestra opinión a la hora de decidir ciertas partes. Antes era:

¿La grabación tuvo algo de distinto respecto a la primera parte? FER “Sí. Para mí ha sido todo más

directo, más vivo. Hemos grabado todas las partes por separado, pero intentando hacer tomas muy largas, a ser posible el tema entero. No hemos hecho corta y pega o regrabar partes específicas. Buscábamos algo más natural y orgánico. Por ejemplo, yo grabé las guitarras en la sala del estudio donde ensayamos con los amplis y micros de ambiente. Igual hay que ser un poco friki para notarlo, pero para mí se percibe”. RETO “Las baterías también las hicimos con Fer tocando conmigo al mismo tiempo para darme referencias”.

“EL DISCO ES UNA RETRANSMISIÓN DE LA DECADENCIA, UN PRIME TIME SHOW DE TODO ESO, DE LO MAL QUE NOS VA COMO SOCIEDAD” JUAN BLAS

‘Vale, ¿y esto cómo queréis que lo haga?’. Porque el primer disco era de una determinada manera y tampoco queríamos, nada más llegar, ponernos a enredar y a cambiarlo todo”. FER “Por ejemplo, cuando entré en el grupo, Víctor (Gacía Tapia, guitarrista en el debut de Minor Empires -ndr.), me dijo: ‘Qué guay, así tú también puedes cantar’. Y yo pensaba: ‘Bueno, si eso meteré algún coro y ya’. Y mira lo que ha tenido que pasar desde entonces para que ocurriese (risas). Creo que todo empezó cuando surgió la idea de hacer un tema más hardcore, y como yo berreo en Trono De Sangre, pues éstos me animaron a hacerlo (risas). A

partir de ahí salían ideas como hacer los estribillos a pachas y demás”. JUAN “Esta segunda parte es el mejor resumen de lo que somos hoy en día. El anterior fue lo primero en lo que trabajábamos juntos. Este material nuevo que sacamos ahora viene de girar con ellos durante dos o tres años y es más fruto de todo eso, como utilizar recursos que antes no teníamos como las voces o incluso yo, en lugar de hacer rítmicas, he metido algún punteo. Nos hemos atrevido con otras cosas que no habíamos hecho antes”. JAVI “Aparte, también las canciones que han salido son más variadas y directas”.

JUAN “No hemos utilizado tanto el

estudio para sacar el sonido, sino que ha sido cuestión de colocar cuatro micros y adelante. No ha sido ni tan de directo como era el primer disco ni tan de cirujano como el primer volumen. Ha sido una mezcla, más bien”. La última vez que nos vimos me hablabais de que este disco trataba sobre la situación de emergencia en la que vivimos en la sociedad actual. En los dos años que han pasado desde entonces, el mundo en general parece ir todavía a peor. ¿Ha tenido eso su importancia a la hora de escri-

bir las letras? ¿Hay un tono más

Trump. Todo va apareciendo se-

pesimista?

gún conviene.

JUAN “Minor Empires nunca se ha

JAVI ”Está todo mediatizado. Suce-

caracterizado por tener un tono optimista en las letras, eso está claro. No hablamos de cosas personales, sino a nivel global, de lo que nos pasa a todo el mundo. Muchas de ellas son historias que hablamos entre nosotros cada día y se acaban plasmando en el papel. Al final, toda la temática del grupo va orientada a eso que comentas: ese punto de autodestrucción que vivimos a nivel social. Da un poco de miedo ver que todo sea tan agresivo, que se muestra de una manera obvia a los ojos del mundo porque, además, lo televisamos”. JAVI “También el individualismo que hay. Es como una anestesia general, como por ejemplo lo que ha pasado con los refugiados de Siria, y Europa no ha hecho nada. En España creo que íbamos a acoger como a 18.000 refugiados y al final sólo han sido 2.000. Eso se televisa y nos parecen imágenes muy duras, pero como vemos tantas, al final es como si no pasase nada. Al día siguiente te levantas, te haces tu café, vas al curro... y mientras tanto se están ahogando en el mar miles de personas. ‘Big Parade’ habla un poco de eso. El gran espectáculo al que asistimos”. JUAN “El disco es una retransmisión de la decadencia, un prime time show de todo eso, de lo mal que nos va como sociedad”.

den muchísimas cosas en el mundo y de las que nos llegan la mayoría de ellas están muy sesgadas. Hay un montón de frivolidad que no nos permite empatizar hasta que nos toca realmente de cerca”. JUAN “En nuestra mano está el contar todo eso. Al final se trata de hacer música, arte o llámalo como quieras. Hay gente que disfruta hablando de cosas tan banales como la salchipapa, y a nosotros nos gusta tratar este tipo de cosas y ponerle la música que hacemos”.

Ciertamente, parece que estemos haciendo un zápping continuo sobre las desgracias que ocurren. Cuando no son los refugiados, es el problema de Catalunya o la presidencia de

Cambiando de tema, además del segundo volumen, también vais a publicar ahora la edición conjunta de United States Of

Emergency. ¿Habrá algún aliciente para quien ya los tenga por separado? JUAN “Bueno, más bien al revés

(risas). Queríamos recompensar a la gente que se ha comprado los vinilos de los dos volúmenes. La gente que se compre el CD tendrá lo que es realmente el álbum. Los vinilos, pues son eso, unos volúmenes de lo que es el disco con algunas canciones extra. El CD cuenta con el hándicap que es la única edición que existe en ese formato de toda la historia que hemos hecho, que es algo que nos pedían también mucho desde que sacamos el primer volumen en vinilo hace ya casi tres años. Creo que cada edición tiene lo suyo, pero en los vinilos sí que queríamos mantener ciertas cosas que le dieran un aliciente a la hora de comprarlo como tener la portada en formato panorámico, más temas...

Es algo que nos gustaba de bandas como The Hellacopters, que también lo han hecho. En el CD hay canciones que estaban tachadas y ponía: “Sólo en vinilo”. Te comprabas el vinilo y ahí estaba esa bonus track. Es con lo que queríamos premiar a la gente que se lo comprase así”. En los próximos meses vais a empezar la gira de presentación y por primera vez vais a incluir fechas en por buena parte de Europa... ¿Que expectativas tenéis con esta primera incursión en el extranjero? JUAN “Pues sobre todo hacerlo.

Tenemos muchas ganas de estar tocando en Suiza y al día siguiente en Holanda y que nos vea gente que no nos ha visto nunca y que de primeras reciba las canciones de otra forma al estar cantadas en inglés, que en Europa ya sabemos que está más avanzado que aquí, aunque cada año va mejorando. Sobre todo de enfrentarnos a otro público, viajar y vivir la experiencia”. JAVI “Queremos testar el qué le parecerá a la gente de fuera la música de unos españoles cantando en inglés. Y veremos sus reacciones en directo. Igual si les gusta vamos allí más de vez en cuando”. FER “De todas maneras, ahora que tenemos canciones nuevas, también apetece volver a sitios donde ya hemos estado. Es como si vas a ver a tus padres a casa, pero llevas a otra novia (risas)”.

JUDAS PRIEST

SHOW MUST

TODO PARECÍA ESTAR EN ORDEN EN EL MUNDO DE JUDAS PRIEST. CON UN NUEVO DISCO BAJO EL BRAZO, FIREPOWER, QUE ES LO MEJOR QUE HAN GRABADO EN AÑOS, Y UNA GIRA MUNDIAL EN OLOR DE MULTITUDES, ESTE 2018 PINTABA COMO UNO DE SUS MEJORES AÑOS... HASTA QUE EL MALDITO DESTINO SE LA HA JUGADO. TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

GO ON...

L PASADO 12 DE FEBRERO EL LEGENDARIO GUTARRISTA GLENN TIPTON

anunciaba que su enfermedad de Parkinson había empeorado y que no era capaz de salir a la carretera y tocar las canciones como se merecen. Tras el shock entre la comunidad metálica, el propio Tipton decía que había pedido a Rob Halford (voz), Ian Hill (bajo), Scott Travis (batería) y Richie Faulkner (guitarra) que siguiesen adelante con la gira mundial que tenían planeada, y que en verano recalará en los festivales Download Festival Madrid y Rock Fest Barcelona, e incluso buscó a su propio sustituto en la persona de Andy Sneap, uno de los productores de su nuevo trabajo. No descarta subir a un escenario de nuevo, pero a partir de ahora será de manera puntual y para tocar unas pocas canciones. La respuesta en apoyo a Glenn ha sido unánime, aunque eso lleva al debate de si es lícito que una banda siga adelante cuando empiezan a faltar piezas fundamentales de ésta. Sin entrar a valorarlo, esto es algo que cada vez será más común dada la edad que van cumpliendo los músicos de los grupos más veteranos y que, por otro lado, hay que comprender porque es muy difícil parar la maquinaria cuando está en marcha y prescindir del estilo de vida con el que llevas tantos años. Lo mejor que podemos hacer es disfrutar de lo que queda mientras dure y, en el caso de Judas Priest, todavía más, visto el disco que están a punto de publicar y lo en forma que están en directo desde la entrada del guitarrista Richie Faulkner.

La entrevista con Ian Hill se llevó a cabo antes de que todo esto sucediera –probablemente era algo que ni ellos intuían que iba a pasar-, pero visto el entusiasmo que transmite con todo lo relacionado con Priest, ahonda en la sensación de que el espectáculo debe continuar. Habéis grabado un gran álbum. Me da la impresión de que es el

Painkiller de lo que podemos llamar la segunda etapa de Judas Priest con Rob Halford. IAN HILL “Bueno, algo de eso hay,

creo que estás en lo cierto. Es un disco que causa impacto y no deja de ser un paso adelante de lo que fue Redeemer Of Souls. Es algo que siempre intentamos con cada álbum y creo que esta vez nos ha salido bien la cosa (risas)”.

con nosotros con algunos trabajos en directo y remezclando nuestros discos antiguos. Respecto a Andy, como has comentado, pensamos en él para darle al álbum el espíritu más joven de alguien conectado a la escena actual. Su nombre fue el primero que salió, nos conocimos y nos llevamos bien desde el primer momento. Esa clase de cosas que fluyen desde el primer minuto. Creo que con la aportación de Andy hemos tenido un verdadero dream team. Creo que el álbum habla por sí mismo respecto al buen trabajo que se ha hecho”. Después de tantos años de carrera ya sabéis lo que tenéis que hacer. Pero por otro lado, el trabajo de un productor es poner orden y decir si algo no funciona o dar ideas. ¿Fue Andy lo sufi-

Es obvio que desde el primer

cientemente valiente como para

momento habéis querido jugar

discutiros algo?

fuerte. De la misma manera que

“¡Ya lo creo! Y pienso que está muy bien que haya una tercera opinión para mejorar las cosas. Cuando lo haces tú mismo, a veces tiendes a ponerte una venda, se pasan por alto ciertas cosas y vas en una sola dirección. Por eso está bien que te hagan probar otros caminos distintos o, al menos, cuestionarlos. Tom siempre ha trabajado así, le gustaba ponernos en nuestro sitio y si íbamos en la dirección equivocada, no se cortaba en decírnoslo. Además, hay que tener en cuenta que los dos son unos grandes ingenieros. El trabajo que ha hecho Andy, particularmente con mi bajo, es fantástico”.

vuestros dos anteriores trabajos habían sido producidos por la propia banda, en Firepower habéis contado con Andy Sneap, algo así como el productor número 1 de la ‘nueva’ hornada de productores de heavy metal, y habéis recuperado a Tom Allon, que grabó todos los clásicos de los 80. ¿Queríais unir lo viejo y lo nuevo?

“Más o menos ésa era la intención. El nombre de Tom salió esta vez a la palestra porque creímos que podía aportar cosas. Hacía mucho tiempo que no trabajábamos con él. Ram It Down fue el último disco, y eso fue a finales de los 80, aunque es cierto que ha estado conectado

Parece además que esta vez habéis grabado la mayoría del

“CLARO QUE IMPORTA LO QUE LOS FANS PIENSEN, PERO CREO QUE LO QUE HAY QUE VIGILAR ES QUE NO TE DESVÍES MUCHO EN TU CAMINO COMO BANDA. QUE NO LOS DESPISTES” IAN HILL álbum en vivo. Ahora la tendencia es más bien lo contrario... A veces los discos se graban con

sentimiento que destila una canción es mucho mayor. No hay espacio para la frialdad”.

“Es bastante espontáneo. Evidentemente tienes algunas ideas de la dirección en la que quieres encarar el álbum. Richie y Glenn vienen con sus ideas, las enseñan y a partir de ahí, es como las canciones crecen. Rob hace sus letras y melodías y todo coge forma. No hay un gran secreto detrás de ello, ni una gran fórmula, ni nada que se le parezca. Cuando las hemos trabajado y tenemos una colección que nos convence, es el momento en que pensamos que ha llegado la hora de ir al estudio”.

“Mira, tú sabes mejor que nadie cuándo has hecho algo bueno y cuándo no. A veces tu opinión no coincide con la de otros, esto también pasa (risas), pero normalmente sabes si vas por el buen camino. Claro que importa lo que los fans piensen, pero creo que lo que hay que vigilar es que no te desvíes mucho en tu camino como banda. Que no los despistes. Creo que si es así, los fans, en mayor o menor medida, siempre apreciarán lo que hagas. Siempre te gusta la idea de que puedas ganar nuevos fans, pero nosotros somos muy afortunados de tener una base de seguidores muy fiel, que nos han seguido durante muchos años, y que incluso han tolerado momentos más complicados como fue grabar Point Of Entry, por ejemplo. Siempre han estado allí y eso es muy satisfactorio”.

Éste es vuestro álbum de estu-

Imagino que no siempre todos

dio número 18 y llevas sacando

estáis contentos con el resultado

discos durante más de cuatro

final de un álbum. No debe ser

décadas. ¿Te preocupa lo que la

fácil poner a cinco personas de

gente pueda opinar?

acuerdo.

los músicos en sitios diferentes.

“Exacto. Ahora puedes grabar un disco estando en diferentes continentes, pero justo para el nuestro salió la idea de hacerlo así. De todas maneras, nosotros hemos trabajado bastante de esta forma a lo largo de los años. Con Tom siempre fue así aunque, curiosamente, esta vez fue Andy quien lo puso encima de la mesa. Y en cierta manera nos abrió los ojos y no vimos motivo para no intentarlo. Y he de decir que ha funcionado increíblemente, he disfrutado de verdad grabándolo. Ver cómo las canciones van tomando vida mientras las tocas es una sensación muy especial. Cuando escuchábamos lo que íbamos grabando, teníamos una sensación tremenda de naturalidad, de estar haciendo algo genuino. No sé, hay algo especial cuando grabas en directo. Puede que haya imprecisiones, que son muy difíciles de notar por otro lado, y que no sea perfecto, pero el

A la hora de grabar un nuevo álbum, ¿vais con ideas ya preconcebidas o es todo bastante espontáneo?

“CREO QUE BRITISH STEEL FUE EL ÁLBUM QUE DEFINIÓ LO QUE PODEMOS LLAMAR ‘CLASSIC METAL’” IAN HILL

En Europa vais a hacer bastantes shows junto a Ozzy Osbourne. No deja de ser algo romántico que, después de casi 50 años de carrera, esos chavales de Birmingham estén en sus momentos finales, tocando en grandes recintos y encabezando festivales.

“Claro, eso pasa. Otras se piensa que es necesario probar cosas nuevas. Cojamos Turbo como ejemplo. Veníamos de Defenders Of The Faith. No nos engañemos, era muy difícil dar continuidad a un disco como ése y mantener el nivel. En aquellos momentos nos ofrecieron probar las guitarras sintetizadas y pensamos que por qué no darle una oportunidad a todo aquello, y acabamos haciendo un disco diferente. Estábamos confiados de haber hecho un buen disco, pero también preocupados por cómo podía afectarnos como banda. Lo que está claro es que has de ser honesto y saber que has hecho lo mejor posible”. Con mis mayores respetos hacia K.K. Downing, al cual no se le puede negar su vital papel dentro de Judas Priest, creo que la

sotros. Eso por un lado, pero es que además es un gran guitarrista, tiene mucha presencia escénica y eso ha jugado a nuestro favor. No hay que olvidar que él tenía un gran reto por delante al entrar en Priest y lo hizo bien desde el inicio. Su primera actuación fue cuando salimos en American Idol delante de millones y millones de telespectadores, y manejó la situación de manera fantástica. Hemos sido muy afortunados de encontrarlo, porque es un gran músico, una buena persona y es bastante humilde, teniendo en cuenta el talento que tiene. Podemos decir que ahora es un amigo, además de compañero de grupo. Meter una persona nueva siempre es un peligro y con él nada malo pasó. Todo lo contrario, conforme pasa el tiempo todo está más asentado. Ya lleva seis o siete años con nosotros…”.

entrada de Richie Faulkner ha supuesto una especie de punto

¡Madre mía, cómo pasa el tiem-

de inflexión. ¿Cómo lo ves tú?

po! Todavía lo vemos como el

“Tengo que estar de acuerdo. Creo que es evidente. Pienso que siempre hemos tocado bien, pero la llegada de Richie supuso una inyección de vitalidad tremenda para todos no-

recién llegado (risas).

“Así es. Parece que lo estábamos probando ayer, pero ya hemos hecho dos discos, giras… Todo va muy deprisa”.

“No puedo estar más de acuerdo y seguro que Ozzy también lo piensa. Nunca pensamos que este camino iba a ser tan largo y que estaríamos aquí después de todo este tiempo. Cuando empezamos era todo muy ingenuo y llegar tan lejos era algo que ni contemplabas. De hecho, no existían en aquellos momentos artistas con 50 años de trayectoria como hemos conseguido nosotros, así que no había referentes que te hicieran ver que eso era posible. Todo esto no era más que un hobby con la intención de pasarlo bien y hacerlo lo mejor posible, nunca nos planteamos que podríamos vivir de ello. Pero llegó un momento en que te ofrecían un concierto un martes por la noche a 200 kilómetros de donde vivías y tenías que escoger entre el trabajo y el concierto (risas). Ya sabes lo que escogí, ¿no? Una vez decidimos ir a por la música, ya no hubo vuelta atrás. No he tenido un trabajo fuera de la banda desde principios de los 70. Ha sido un largo camino, con una larga trayectoria. Cuando miro hacia atrás recuerdo esos primeros años como muy duros, de mucho trabajo, aunque en aquel momento no lo parecía tanto. Éramos jóvenes y nos gustaba dormir en la furgo (risas). Esos años son absolutamente fundamentales para construir cimientos y poder manejar mejor la banda cuando empieza a crecer”.

Una vez K.K. Downing dejó la

“(Risas) No, para nada. Siempre hemos sido una banda muy democrática. A veces si alguien se pone muy persistente con algo tiramos adelante pero, en general, cuando se toma una decisión es porque la mayoría lo quiere, no solemos tener muchos problemas con ese tipo de cosas”.

Fue evolucionando de la misma manera que lo hicimos nosotros. Pienso que fue con la llegada de British Steel en 1980, el primer disco que hicimos con Tom Allon, cuando todas las piezas se pusieron en su sitio y se creó el sonido. Era rápido, heavy… eran los inicios de las grandes producciones. Creo que British Steel fue el álbum que definió lo que podemos llamar ‘classic metal’. Creo que será por lo que la gente nos recordará, por definir el metal. Claro que había bandas como Sabbath que habían hecho cosas heavies, pero no de la manera en que lo definimos con ese álbum”.

¿Pero eres consciente de tu pa-

¿Cuál es tu opinión de las ban-

pel en la banda? No eres uno de

das tributo a Judas Priest?

los principales compositores, tu

“Ripper Owens venía de una banda tributo a Judas Priest (risas), así que no tengo nada en contra de ellas. No deja de ser un honor que haya un grupo que rinda tributo a tu música. No puedes tocar cada año, ni ir a todos los sitios, así que cuando estás parado es una manera de que tu música se siga tocando en directo. Mantienen tu legado, si quieres decirlo así, cuando estás parado, y creo que es fantástico para nosotros y también para los fans que quieran escuchar los temas en vivo mientras no estamos de gira. En resumen, lo veo como algo beneficioso. Sé que hay gente que no está de acuerdo con las bandas tributo, pero yo no lo veo así”.

banda, te convertiste en el único miembro realmente original, pese a que Rob y Glenn ya grabaran el primer álbum. Pero tú eres el único que estuviste allí desde el principio. ¿Te da eso un papel distinto? ¿Tienes derecho a tener la última palabra?

presencia escénica es secundaria, pero al mismo tiempo, se ha convertido ya en icónica para los fans del grupo.

“Oh, eso que dices es muy amable. Te lo agradezco mucho. Pero no soy nada consciente de eso”. Pues deberías serlo. Mira, he visto cambios en Priest, he podido sobrevivir a veros sin Halford, pero no estoy seguro de estar preparado para ver a Judas Priest sin Ian Hill (risas).

“(Risas) Dios te bendiga. Muchas gracias”. Judas Priest son uno de los gran-

Sí, pero siempre estamos encallados en la misma discusión. El heavy metal vende discos, entradas, es un estilo muy sano para la industria, porque además no precisa de grandes y costosas campañas de márketing, pero nunca tiene el reconocimiento de esa misma industria.

“No sé muy bien el motivo, pero lo cierto es que no hay grupos de heavy metal. Tienes de rock, pop, country, y no entiendo por qué cuesta tanto tener grupos de heavy. Es que hasta un grupo como Black Sabbath necesitó nueve nominaciones hasta que los admitieron, lo cual es ridículo en un grupo de su importancia… Así que, visto el panorama, nuestras posibilidades son remotas. Supongo que necesitas algún gran hit para que te consideren, y lo cierto es que no sé ni quién son la gente que está en el Rock And Roll Hall Of Fame, quién vota…”. Ya, ¡pero es que es que vosotros sí que tenéis hits! ‘Living After Midnight’ es todo un clásico en cualquier emisora de classic rock. Va mucho más allá del heavy metal.

“(Risas) Lo sé, lo sé, pero ¿qué puedo decir sin ponerme impertinente? Es injusto, desde luego. Nos gustaría estar algún día ahí, pero parece imposible ahora mismo”. Supongo que de retiro nada de nada.

des pilares de esto que hemos

Cada año, con las nominaciones

decidido llamar heavy metal, eso

al Rock And Roll Hall Of Fame,

es indudable. Pero en tu opinión,

se reactiva el debate acerca del

¿cuál es el verdadero legado

trato tan peyorativo que se le da

que dejará la banda?

al heavy metal.

“El heavy metal tampoco es algo que pasó de la noche a la mañana.

“Desde luego no les gusta el heavy metal”.

“No, no, no (risas). Nos encanta hacer esto demasiado como para dejarlo”.

PESADILLAS

RECURRENTES AMERICAN NIGHTMARE

UNA DE LAS GRANDES SORPRESAS QUE NOS DEPARABA 2018 ERA EL RETORNO DISCOGRÁFICO DE AMERICAN NIGHTMARE TRAS 15 AÑOS DE SILENCIO. LA INFLUYENTE BANDA HARDCORE DE BOSTON HA RECUPERADO NO SÓLO SU NOMBRE ORIGINAL, SINO TAMBIÉN LA ILUSIÓN POR VOLVER A PRODUCIR NUEVA MÚSICA JUNTOS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

A C ARRERA DE AMERIC AN NIGHTMARE FUE MÁS BIEN CORTA .

Apenas un par de discos, Background Music (2001) y We’re Down Till We’re Underground (2003) -éste publicado como Give Up The Ghost tras una disputa legal con una banda de Filadelfia que tenía registrada la marca ‘American Nightmare’- y un puñado de EPs, fueron el testimonio de su existencia, pero aun así, su impacto se dejó notar en una escena hardcore que se encontraba algo descolocada ante la explosión del emo. Si bien musicalmente seguían los patrones del género -eso sí, de manera excelente-, tanto su estética, más propia de un grupo de post punk británico, como las letras del vocalista Wesley Eisold, que se apartaban de los tópicos optando por desnudar su alma y usando referencias literarias, sirvieron para generar un culto a su alrededor. Incluso Pete Wentz de Fall Out Boy le tomó prestadas varias de sus letras en temas de Under The Cork Tree e Infinity On High y se vio obligado a citarle como ‘inspirador’ en los créditos. Pero ya sabemos que ser admirado por un círculo selecto no da de comer, y el desgaste acumulado junto a la imposibilidad de funcionar con el nombre que querían, desembocó en su separación en 2004. Eisold se centró primero en la banda Some Girls con miembros de The 39

Locust y Unbroken, y también en una editorial, Heartworm Press, dedicada a libros de poesía y fotografía. Pero fue a partir de 2008 que Eisold encarriló de nuevo su carrera musical con el proyecto darkwave Cold Cave, en la que sacó todo el partido a su limitación de haber nacido sin la mano izquierda, una condición que le había privado de tocar la guitarra o la batería, pero no de trabajar con secuenciadores o bases programadas. A pesar del éxito como Cold Cave, el vocalista aceptó en 2011 volver a tocar en directo con sus antiguos compañeros Brian Masek (guitarra), Josh Holden (bajo) y Alex Garcia-Rivera (batería), y desde entonces han ido ofreciendo conciertos puntuales casi cada año. Aun así, pocos imaginaban que seis años después esa reunión se materializase en American Nightmare (Rise), un disco homónimo que vuelve a situarlos en el presente. Unos días antes de que viese la luz a mediados de febrero, teníamos la oportunidad de charlar con su visionario cantante.

¿Así que el nombre era el princi-

¿tocabais ya material nuevo o

pal obstáculo?

era todo antiguo?

“Tenía mucha importancia, sí. No queríamos publicar un nuevo disco como Give Up The Ghost, que es el nombre que usamos temporalmente. Pero cuando recuperamos el nombre original fue como un chute de energía. Habíamos estado dando conciertos con cierta asiduidad, pero creemos que emocionalmente era muy importante poder presentarnos con nuestro nombre”.

“Empezamos a tocar temas nuevos hacer un par de años. Tocábamos dos temas nuevos para ver cómo nos sentíamos. Eran nuestros temas preferidos de tocar precisamente porque eran nuevos para nosotros. Tenían una nueva energía. Habíamos estado tanto tiempo tocando el mismo repertorio que fue un alivio poder tocar algo nuevo y ver lo bien que encajaban con los anteriores”.

¿Os costó dinero recuperar el nombre o llegasteis a un acuerdo

El nuevo álbum es muy directo

amistoso con la otra banda que

y feroz, pero al mismo tiempo,

tenía los derechos?

tiene profundidad. Entiendo que

“Básicamente era una cuestión de tiempo porque el registro de marcas tiene una caducidad. Cuando la otra banda dejó de existir, el nombre quedó libre y pudimos solicitar su registro, pero había que esperar a que nadie lo reclamase. En realidad, nunca lo usaron, pero tenían ellos el registro. De todos modos, todo cuesta dinero (risas)”.

para vosotros es importante

Tienes que verlo como una inPara mí ha sido una sorpresa

versión, vaya.

recibir un disco nuevo de Ameri-

“Claro, pero sobre todo es un alivio. Para nosotros el nombre ‘American Nightmare’ representa un sentimiento, y la tipografía, todo, es parte de la banda. No creo que pueda haber otro nombre mejor que pueda representar lo que queremos transmitir. Los nombres de los grupos cobran su propia vida, ni siquiera piensas en las palabras que lo forman, sino que se convierten en una entidad propia y evocan muchas cosas. Por eso era tan importante recuperarlo”.

can Nightmare. ¿Lo ha sido para ti también el haberlo hecho? WESLEY EISOLD “En parte sí, pero,

claro, no ha sido algo que ocurriese de la noche a la mañana. Cuando nos reunimos en 2011 no pensamos en hacer un disco, pero tampoco estábamos cerrados a la idea. Hubo varias razones para no hacerlo en ese momento, estábamos ocupados y todavía estábamos luchando por recuperar los derechos del nombre. Fue cuando los conseguimos hace un año y medio cuando de verdad nos planteamos grabar un nuevo álbum”.

ofrecer algo más que intensidad, ¿no?

“Correcto. Para nosotros es totalmente natural que salga así. Queríamos hacer un disco de hardcore punk veloz y violento, muy directo, como has dicho. No queríamos una producción refinada o un productor, sino hacer algo muy básico que reflejara la esencia del grupo, que es todo lo que he mencionado y unas letras con significado. Siempre hemos tenido un lado oscuro en este grupo porque nuestro enfoque es muy personal, en lugar de tratar algunos de los temas, en mi opinión, aburridos del hardcore, como beber o no beber; son cosas mundanas que no me interesan demasiado. Así que sabíamos que sería un disco básico, primitivo y oscuro con letras que encajaran con eso. Intenté usar menos palabras de lo que hacía antes para que encajaran mejor con la música”. Cuando os separasteis en 2004

Durante este tiempo en el que

lo atribuisteis a ‘razones per-

habéis estado dando conciertos,

sonales’. ¿Eran razones a nivel

“PARA NOSOTROS EL NOMBRE ‘AMERICAN NIGHTMARE’ REPRESENTA UN SENTIMIENTO, Y LA TIPOGRAFÍA, TODO, ES PARTE DE LA BANDA. NO CREO QUE PUEDA HABER OTRO NOMBRE MEJOR QUE PUEDA REPRESENTAR LO QUE QUEREMOS TRANSMITIR” WESLEY EISOLD

individual o diferencias entre vosotros?

“Cuando empezamos íbamos a saco, girábamos sin parar y no nos tomábamos un descanso. Sólo parábamos unas pocas semanas, y además apenas teníamos dinero para poder pagar un alquiler. Eran tiempos duros, sin nada de glamour. Pero teníamos 20

años y una energía inagotable. A esa edad no me importaba si llegaría a los 30, ¿sabes? Pero en 2004, después de tocar siempre las mismas canciones y vivir lo mismo una y otra vez, de que cada día alguien te invite a beber o a drogarte, empecé a cuestionarme si tenía algún sentido vivir así. Tocas cada día, pero apenas ganas dinero. Creo

que todos tuvimos nuestras propias crisis existenciales. Es algo que te acaba desgastando. Estar en el grupo era algo muy sincero e importante para mí y cuando se convirtió en simplemente ‘un grupo’, empecé a perder interés. Todo el aspecto del negocio, tener que reunirnos en una oficina o simplemente decirle al público cada noche ‘¿Cómo 41

estáis?’ no me inspiraba en absoluto. Sentíamos que ya lo habíamos hecho todo, habíamos tocado en todas partes, con todos los grupos, pero al final todo empezó a hacerse muy pesado. Sentíamos que American Nightmare o Give Up The Ghost se había agotado y era el momento de dejarlo. Sigo pensando que hicimos lo correcto”.

Ahora estamos en una posición en la que tocamos en el grupo como un alivio catártico, supongo que es una forma de felicidad. Ninguno está estresado. Aunque con Cold Cave no me tengo que dejar el físico o la voz cada noche, todavía tengo esa necesidad de liberarme de alguna manera. Y a la vez, también me siento identificado con el público que viene a vernos”.

Y supongo que la diferencia es que ahora estáis en el grupo por-

Efectivamente, después de sepa-

que queréis, no porque sea una

raros diste un giro radical a tu

obligación.

carrera y empezaste con Some

“Exacto. Nadie lo hace porque tenga que hacerlo. Cada uno tiene su vida.

Girls y luego con Cold Cave, tu

proyecto electrónico. ¿Qué has

sacado de esa experiencia que quizá ahora puedas usar en esta nueva etapa de American Nightmare?

“Lo primero que me viene a la cabeza es que cuando empecé con Cold Cave fue porque nunca había hecho música yo solo. Y vi que no era tan diferente a lo que había hecho como cantante desde un punto de vista creativo. Con American Nightmare, no sabía cómo cantar, pero tenía algo que decir y estaba decidido a hacerlo, y lo hice. Y con Cold Cave fue un poco lo mismo. No importan tus conocimientos o tu dominio de un instrumento, lo más

objetivo con esa canción, y lo cumplimos a la perfección. Da igual si podría ser mejor o peor. Creo que Cold Cave me dio un montón de seguridad a la hora de hacer música”. Supongo que también debía ser

“EN 2004, DESPUÉS DE TOCAR SIEMPRE LAS MISMAS CANCIONES Y VIVIR LO MISMO UNA Y OTRA VEZ, DE QUE CADA DÍA ALGUIEN TE INVITE A BEBER O A DROGARTE, EMPECÉ A CUESTIONARME SI TENÍA ALGÚN SENTIDO VIVIR ASÍ” WESLEY EISOLD

importante es que si quieres hacer una canción, puedes hacerla. Aprender eso y pasar a ser no sólo el cantante, sino alguien que da forma y que controla un proyecto, me ayudó mucho. Ahora sé mucho mejor lo que quiero y lo que me gusta también para American Nightmare. Esta mañana un periodista me preguntaba cómo me sentía ante la respuesta del adelanto que lanzamos hace unas semanas, y la verdad es que para mí ya no es importante lo que la gente piense. Por supuesto es importante que la gente conecte, pero no estoy a merced de una crítica o de un comentario en un foro. Teníamos un

emocionante meterte en una escena totalmente diferente a la del punk y hardcore, tocar para gente distinta en sitios distintos…

“Desde luego. Cuando empecé Cold Cave ni siquiera ponía mi nombre en los discos porque no quería que la gente pensara que era un tío de una banda de hardcore intentando colarse en otra escena por la puerta de atrás. Empecé desde cero y a propósito no le dije a nadie de la escena hardcore que éste era mi nuevo proyecto. Esperaba que la gente lo descubriera por sí misma. Creo que me conseguí un respeto por mí mismo, sin aprovecharme de haber sido el cantante de American Nightmare. Pude crecer y desarrollar mi propia identidad con una música que ha sido muy influyente para mí y que sigue siendo mi favorita, mientras que American Nightmare era mi primera banda punk siendo un crío. De hecho, cuando empecé con American Nightmare, ya ni siquiera escuchaba mucho hardcore. O en todo caso, escuchaba hardcore antiguo, de bandas que habían sido muy importantes para mí como Minor Threat, SSD, Cro-Mags o Black Flag”. ¿Te costó recuperar tu voz gritada al volver a cantar en Ameri-

ta. No sabía lo que hacía, siempre estábamos de gira, con mi voz al límite, y cuando entrábamos al estudio intentaba hacerlo lo mejor posible, pero a veces sonaba bien y otras no. No me gusta mi voz en ningún disco excepto uno. En We’re Down Til We’re Underground mi voz suena bien en un par de temas, pero en el resto me horripila (risas). Ahora tengo mucho más control y sé lo que quiero. En ese sentido no me costó recuperar mi voz agresiva porque es como quería expresarme y me salió de manera natural. Como te decía, ahora tengo más control y ya no me quedo sin voz en los conciertos”. ¿Y te sientes más conectado a la actual escena con bandas como Turnstile o Touché Amoré que cuando os separasteis en plena fiebre del emo?

“En cierta manera sí. Creo que hay mucha más diversidad. Ya no sólo hay straight edges y machotes, sino que coexisten todo tipo de personas. Cuando empezamos American Nightmare justo empezaba internet, así que no tuvimos tiempo de estudiar ni la ropa, ni los directos de otros grupos que nos gustaban. No éramos actores de método, por decirlo de algún modo. En cambio, luego sentí que muchos grupos posaban exactamente o actuaban como lo hacían otros grupos. Nunca voy a criticar a nadie si eso es lo que quieren hacer, pero yo prefiero un poco más de originalidad. Supongo que es una cuestión de gusto personal”.

can Nightmare o te salió de manera natural?

“Si escuchas nuestros discos anteriores, en cada uno mi voz suena distin-

ZEKE

CADENA PERPETUA

LA BANDA MÁS VELOZ E INTENSA DEL PUNK RECUPERA TODA SU ESENCIA EN SU DISCO DE RETORNO, HELLBENDER. LAS MISMAS GUITARRAS AFILADAS CON OLOR A GASOLINA, LAS MISMAS LETRAS VENENOSAS CON ALIENTO DE WHISKY Y LA MISMA ACTITUD IRREVERENTE QUE FUERON UN CONTRAPUNTO A LA ESCENA GRUNGE DOMINANTE EN SU CIUDAD. ZEKE HAN VUELTO PARA QUEDARSE. CELEBRÉMOSLO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

UNQUE NA DIE ESTABA LLEVANDO L A CUENTA COMO EN EL C ASO DE TOOL,

en Madrid (Gruta 77) y el 21 en Donostia (Dabadaba Club). Perdérselos sería un pecado.

hacía muuucho tiempo que Zeke (pronúnciese ‘Zik ’) no sacaban nuevo álbum. Exactamente 14 años. Después de la publicación de ‘Til The Livin’ End en 2004 y su posterior gira, su alma mater Blind Marky Felchtone, hastiado del duro estilo de vida del rock’n’roll underground, optó por colgar la guitarra y dedicarse a otros menesteres, entre ellos criar a su hija. Pero cuando uno lleva la música en la sangre, no es tan fácil resistirse al impulso de hacer ruido de nuevo. Poco a poco, Marky fue gestando el retorno de Zeke con una formación renovada que incluye a Kyle Whitefoot (guitarra), Kurt Colfelt (bajo) y Dayne Porras (batería). Tras desestimar un disco que había grabado en un estilo más lento y pesado, su propia hija le animó a grabar uno con su sonido clásico de riffs supersónicos y mala leche a raudales. Hellbender (Relapse) verá la luz el 30 de marzo y al mes siguiente los tendremos por aquí para interpretarlo junto a su extenso catálogo, concretamente el 18 de abril en Barcelona (Rocksound), el 19 en Zaragoza (Sala López), el 20

que publicasteis vuestro último

Ha pasado mucho tiempo desde disco. ¿Cuándo te planteaste empezar a trabajar en uno nuevo? BLIND MARKY FELCHTONE “Pues

hace seis años (risas). Después de publicar Death Alley en 2001 decidimos parar. Había tenido a mi hija y estaban pasando muchas cosas, me puse a trabajar en el mundo de la construcción, un trabajo de verdad, ¿sabes? Pero a Relapse les había gustado mucho ese disco y querían sacarnos uno nuevo. Yo había estado escribiendo temas para otra banda mía, The Witches, que tengo con Jeff de Speedealer, pero algunas las había estado ensayando con Zeke también. Así que finalmente grabamos esos temas como Zeke y las publicamos en ‘Til The Livin’ End. Es por ese motivo por el que sonaba distinto. Pero realmente sólo lo hicimos porque estábamos emocionados con sacar un álbum con Relapse, pero igualmente luego nos separamos. Hace unos años, empezamos a componer de nuevo y a dar algunos conciertos. Llegamos a un punto en el que teníamos material para un disco entero que se iba a llamar Thunder In The Ozarks. Muchos eran temas lentos

y heavies, parecidos a los tres últimos 7” que sacamos con Relapse. Empezamos a grabar, pero luego me tomé un año libre fuera de la música, y cuando llegó el momento de retomar el disco, no tenía banda. Tenía que buscar una nueva formación, así que fiché a Kurt de The Load Levelers, que ya había estado en Zeke entre 1994 y 1996, y él me ayudó a buscar a los otros dos tíos. Y con ellos tres compusimos Hellbender en dos semanas y lo grabamos en otras dos. La mitad la hicimos con Jack Endino, luego nos fuimos a girar por Europa, y luego cuando volvimos estuvimos otra semana grabando. Así que el álbum en sí se hizo muy rápidamente, probablemente más rápido que ningún otro, pero fue fruto de un proceso muy largo”. Hellbender sin duda transmite esa urgencia.

“Ésa es la razón. Probablemente si hacemos otro disco, lo intentaremos hacer de la misma manera. Simplemente lo grabaremos como tocamos en directo”. Durante el tiempo que estuviste apartado de la música, ¿qué es lo que más y lo que menos echabas de menos de Zeke?

“En realidad no echaba nada de menos. Lo que más me gusta es componer y tocar en el local de ensayo. Tocar en directo está muy bien, siento que nací para esto, pero el estudio es lo peor. No me imagino un peor entorno. Preferiría trabajar en el mundo de la construcción el resto de mi vida que tener que pisar un estudio para grabar un disco cada año. Pero es parte del trabajo, claro. Y tampoco me gustaba tener que estar alejado de mis seres

queridos. No me gustaba estar 200 o más días dando vueltas por ahí. Pero cada mujer que he tenido me ha dejado por ese motivo y mi hija ahora tiene 14 años y ya no me necesita, así que ahora es el momento de volver a la carretera (risas). La verdad es que no sé si me gusta algo de Zeke, pero he tenido la suerte de tener a gente interesada en la música que hago y siempre he querido tocar en un grupo, así que sigo haciéndolo. Sería un poco egoísta no hacerlo”. ¿Se le hace raro a tu hija que ahora te vayas de gira? La mayor parte de su infancia has estado en casa.

“Bueno, como te decía, 14, así que está encantada con perderme de vista. Fue ella quien me animó a volver. Me dijo ‘Papá, quiero que salgas y toques rock’n’roll, porque es lo que te gusta’. Fue una gran inspiración para Hellbender. Cuando empezamos a grabar Thunder In The Ozarks, se lo puse y me dijo ‘No, tenéis que volver a grabarlo porque no es suficientemente rápido’. Y pensé ‘Tienes 14 años, no tienes ni idea de lo que hablas. Yo soy el artista y sé lo que me hago’. Pero al final, cuando llegaron los dos nuevos miembros Kyle y Dayne, pensé que quizá mi hija tenía razón y teníamos que hacer un disco old school de Zeke. Y eso es lo que hicimos, y me pareció mucho más natural”. Así que a tu hija le gusta el punk rock…

“Sí. Hace poco tocó ‘Cherry Bomb’ de las Runaways en la escuela”. Deberías estar orgulloso.

“¡Lo estoy!”.

¿Te daba miedo pensar que no te volvería a salir música de Zeke como la de antes o sabías que seguía estando dentro de ti?

“Es una buena pregunta. Como te he dicho, en estos seis años habíamos escrito un disco muy épico. Había temas de 7 minutos (risas). Pensaba que iba a ser el disco más increíble de Zeke, y la verdad, pensaba que nunca más me iba a apetecer escribir un disco rápido, pero al final salió muy bien. Toqué un riff, se unió la banda y acabó siendo la canción ‘All The Way’. Y pensé ‘Vaya, Zeke todavía somos capaces de tocar rápido y me sigue gustando’. Y después escribí ‘Redline’, y a partir de ahí todo fue rodado. Kurt escribió un par de temas, Kyle, que tiene 26 años y estaba en The Hookers, también escribió un par de temas, y fue genial. Así que, respondiendo a tu pregunta, sí, tenía miedo, pero acabó siendo mucho más fácil de lo que imaginaba”. ¿Probaste a mucha gente para la nueva formación?

“No, también tuve suerte en eso. Fue increíblemente fácil. Creo que nuestra música trasciende los géneros, así que no podemos tener a un guitarrista sólo de rock o a un batería sólo de hardcore. Necesito gente que tenga mucha versatilidad. Kyle salió de la nada. Nos mandó un vídeo tocando todos los temas de Death Alley, y si a mí me mandas un vídeo tocando todos los temas de Death Alley, ¡estás contratado! (Risas) De hecho, se pagó su billete de avión para venir a Seattle. Al día siguiente tenía un trabajo, al siguiente una novia, y en una semana ya tenía un sitio donde vivir.

“PREFERIRÍA TRABAJAR EN EL MUNDO DE LA CONSTRUCCIÓN EL RESTO DE MI VIDA QUE TENER QUE PISAR UN ESTUDIO PARA GRABAR UN DISCO CADA AÑO”

BLIND MARKY FELCHTONE

Es un tío espabilado y me siento muy afortunado. Y Dayne es un gran fan de Zeke. Venía a todos los conciertos y se conoce los temas de arriba abajo. Hace un gran trabajo también”.

A lo largo de vuestra carrera os han comparado mucho con Motörhead. ¿Te has llegado a cansar de ello o realmente fueron tu principal inspiración a la hora de empezar Zeke?

Lo cierto es que, cuanto mayor se hace uno, más manías tiene. ¿Te afectó eso a la hora de decidir a quién querías para la banda?

“¡Claro! No quería salir de gira y tener que volver a dormir en los suelos o estar rodeado de gente borracha, tomando drogas y armando escándalo. Eso me preocupaba y no quería formar parte de eso porque no es como vivo en casa. Pero lo que acabó pasando es que, en las dos últimas giras, una por Europa y otra en Estados Unidos, acabé durmiendo en suelos y rodeado de borrachos… ¡Pero no me molestó! Quizá con la edad me he vuelto más tolerante (risas). Es la pura verdad”.

“Tal como yo lo veo, que te comparen con Motörhead es todo un halago. Recuerdo que cuando me mudé de Arkansas a San Francisco, vivía con una chica que me descubrió un montón de música. Cuando vives en el sur de Estados Unidos no vas a oír a X, o a los Germs o Minor Threat, o Discharge o ni siquiera GG Allin. Sé que pensarás que es imposible, pero la primera inspiración para Zeke fueron The Gun Club. Me gustaban porque parecían tener una base blues y, a fin de cuentas, yo me considero un guitarrista de blues. Así que fue así como empecé a escribir música. Pero habiendo crecido en el Sur, la única música ‘distinta’ a la que tenía acceso era el metal. Así que crecí escuchando mu-

cho metal. Una de las cosas que le dije a mi novia fue ‘quiero empezar un grupo que sea como Motörhead’ y se rio y me dijo ‘no lo hagas, todos los tíos queréis tener un grupo que sea como Motörhead’. Y yo pensé ‘¿De verdad?’. Aun así, no creo que Zeke fuéramos como Motörhead cuando empezamos porque cada uno tenía su personalidad. Éramos yo, Donny (Paycheck) y Dizzy (Lee Roth) y cada uno teníamos nuestros gustos, pero todos teníamos raíces en el blues, el country y el metal, y compartíamos un sentido del humor muy enfermo porque todos habíamos tenido una vida un poco salvaje. Pero nunca intentamos escribir una canción que se pareciese a Motörhead, fue algo más inconsciente. Pero por supuesto amo a Motörhead”. Me ha sorprendido mucho la mención a The Gun Club. Nunca os hubiese relacionado.

“Es ese rollo heavy blues, es lo que

“NINGÚN GRUPO QUERÍA TOCAR CON NOSOTROS, ASÍ QUE TUVIMOS QUE IR A LA NUESTRA”

BLIND MARKY FELCHTONE

queríamos hacer, pero un poco más heavy. Queríamos que fuera intenso y quizá nos pasamos de vueltas (risas). Soy consciente que perdimos los matices del country o el rockabilly y fuimos más al metal. Nos gusta tocar alto y rápido. Así que empezamos a tocar cada vez más y más rápidos. Creo que ahora somos una banda de hardcore por lo rápido que tocamos”. Como guitarrista, qué mano crees que es más importante, ¿la izquierda o la derecha?

“Las dos son importantes. Como guitarrista debes tener las dos en la guitarra todo el tiempo (risas). La mayoría de mis solos son muy perezosos, básicamente son variaciones de fraseos de Jimmy Page que aprendí cuando tenía 16 ó 17 años. Así que lo que hago son los fraseos de Led Zeppelin más rápidos que nunca haya escuchado (risas). Así que mi mano derecha es perezosa y mi mano izquierda, muy rápida. En

cuanto a las rítmicas, lo que hago es muy parecido a lo que Discharge hacían en los 80. Tengo buenas manos (risas)”. Tú viviste en Seattle toda la explosión del grunge. ¿Qué opinabas sobre esas bandas en ese momento?

“Cuando me mudé aquí el grunge justo empezaba. Antes había estado metido en la escena underground de San Francisco y trataba con muchos camellos. Tenía un grupo de psicodelia bastante cañero, y dos de los miembros, que eran marido y mujer, eran de la costa del noroeste del Pacífico y me aseguraron que si me mudaba allí, lograría salir de la heroína. Me pareció bien porque la cosa se estaba poniendo fea, la policía iba a por mí como tiburones, así que tenía que salir. El caso es que cuando me mudé a Seattle descubrí que no era un buen sitio para dejar las drogas y también

que había una escena musical emergente. No había escuchado a ninguno de estos grupos. Sabía que existía el sello Sub Pop, y creo que sólo había escuchado una canción de Mudhoney. Pero al poco tiempo, me puse a trabajar de camarero en un club y también como obrero. Creo que la primera banda que vi allí fue a The Melvins un domingo por la noche y habría como cinco personas. Vivía encima del club, así que escuchaba grupos cada noche. Y un día estando ahí, vi la luz y escribí los dos primeros discos de Zeke. Pero para serte sincero, la escena grunge nos aisló por completo, de la misma manera que el punk rock de izquierdas también nos aisló. Ningún grupo quería tocar con nosotros, así que tuvimos que ir a la nuestra”.

THE WONDER YEARS

EN LA DISTANCIA

ESTÁ LA CLAVE

DESPUÉS DEL CALUROSO RECIBIMIENTO POR NUESTRAS TIERRAS EL PASADO AÑO, PODRÍA DECIRSE QUE THE WONDER YEARS HAN ENCONTRADO EN NUESTRO PAÍS UN BUEN ALIADO. Y TODO APUNTA A QUE CON SU NUEVO ÁLBUM SISTER CITIES ESTE IDILIO PUEDE IR A MÁS. INSPIRADAS EN DISTINTAS CIUDADES QUE VISITARON EN SU ANTERIOR GIRA, UNA DE ELLAS BARCELONA, CADA CANCIÓN ES UN REFLEJO DE LA MADUREZ QUE HAN ALCANZADO COMO MÚSICOS Y COMO PERSONAS. TEXTO: ALEJANDRO LOZANO FOTOS: DR

ESDE QUE COMENZARAN A DARSE A CONOCER POR ESTA REVISTA A PARTIR DE SU TERCER DISCO, SUBURBIA I’ VE GIVEN YOU ALL AND NOW I’M NOTHING ,

no era muy difícil pensar que en algún momento se les recompensaría con su presencia en portada, y más aún cuando en un mes saldrá Sister Cities (Hopeless), su sexto álbum desde que comenzaran su carrera en 2005. Estos seis ya treintañeros, Matt Brasch (guitarra), Casey Cavaliere (guitarra), Mike Kennedy (batería), Josh Martin (bajo), Nick Steinborn (guitarra, teclados) y Dan ‘Soupy’ Campbell (voz), aquéllos que solían juntarse para tocar en el sótano de casa de sus padres en una pequeña ciudad al norte de Filadelfia, se han visto, casi sin querer, como una de las bandas más prolíferas del punk rock. Sin llegar al mainstream, The Wonder Years han copado portadas en la prensa americana y británica, y participado en giras con algunos grupos que tomaron como referencia desde que se dieran a conocer en la escena como Blink-182, Motion City Soundtrack o New Found Glory. Pero si bien se les colocó como estandartes del lema ‘Defend pop punk’, su música muy pronto albergó otro tipo de influencias. En este nuevo trabajo han vuelto a demostrar que su propio sonido puede continuar madurando, sin cambiar de estilo ni parecer repetitivo. Personalmente, creo que el adelanto ofrecido

con ‘Sister Cities’ no refleja la potencia que desprenden otros temas como ‘It Must Get Lonely’ o ‘Raining In Kyoto’, pero entra a la perfección una vez se digiere el disco completo. Los dos intentos que hicieron falta para tener esta entrevista con su entrañable frontman, que en la primera llamada estuvo impedido de poder hablar por un problema repentino de estómago y tuvimos que posponerlo al día siguiente, nos han permitido

conocer los entresijos del nuevo álbum que presentan y, a la vez, conocer un poco más al hombre que pone voz y letra a -aquellos maravillosos- The Wonder Years. ¿Qué tal estás, Soupy? ¿Cómo te encuentras hoy? DAN ‘SOUPY’ CAMPBELL “Mucho

mejor, tío. No sé qué me pasaba ayer, pero fue levantarme de la cama y pensar ‘quiero vomitar’. Así

“SI TUVIERAS UNA MÁQUINA DEL TIEMPO QUE ME LLEVARA A CUANDO TENÍA 19 AÑOS Y ME ENSEÑARAS ESTE DISCO DICIÉNDOME QUE LO HABÍAMOS HECHO MIS AMIGOS Y YO, NO TE PODRÍA CREER, TE MANDARÍA A LA MIERDA Y TE DIRÍA QUE TE ESTÁS RIENDO DE MÍ” DAN ‘SOUPY’ CAMPBELL

que lo hice y luego estuve toda la mañana fatal. Pero bueno, me he tomado varios medicamentos y ya me encuentro mejor. ¿Qué tal estás tú?”. Bien, aunque con un poco de

“Sí, tío. Nunca lo he probado. Cuando la gente me dice que están de resaca nunca sé qué decirles para que puedan sentirse mejor porque no he experimentado esa sensación y me hace sentir mal (risas)”.

¿En serio?

Tengo que decirte que he leído ahora tus últimos tweets y me ha

resaca, si te soy sincero.

“¡Vaya hombre! De eso no te puedo dar consejos porque no he bebido alcohol en mi vida”.

muy raro que lo hiciera. No es que piense que esté mal hacerlo o que sea inmoral, simplemente creo que no es para mí”.

Pero, ¿no has probado ni una

sorprendido mucho el triste dato

gota?

sobre tiroteos en institutos ame-

“No, nunca he querido probarlo. Es algo que he mantenido durante toda mi vida, y ahora con 32 años sería

ricanos en lo que llevamos de año: 19 tiroteos en 31 días escolares es algo difícil de asimilar.

“He de decir que no estaba del todo acertado en los datos que dije porque malinterpreté las cifras. Al decir ‘en lo que llevamos de año’ quería decir ‘durante el curso escolar’, pero igualmente, 19 tiroteos en medio año sigue siendo aterrador. Uno ya es demasiado”. Es difícil de creer que esto siga ocurriendo después de las veces que se lleva repitiendo desde Columbine.

“Pues sí. Han pasado 19 años desde Columbine y no hemos hecho nada. No sé si sabes que muchos de los estudiantes que han vivido una experiencia así están protestando y manifestándose para que pueda haber algún cambio. Estos chicos ya tienen 17 y 18 años, son los que van a hacer que esto cambie de una jodida vez, estoy seguro. Verles cómo toman un liderazgo y se levantan después de lo que han vivido para luchar para que nada parecido vuelva a ocurrir da muchas esperanzas para creer en que ellos van a conseguir ese cambio”. Eso esperamos. Pasando ya a algo más alegre, quería que empezaras contándome cómo habéis promocionado la salida del nuevo disco, que es bastante curioso.

“Sí, claro. La verdad es que podría hablar de esto durante días, pero intentaré resumirlo. El concepto de este disco va sobre cómo conectan las personas. Da igual el país en el que vivan, el idioma que hablen o la religión de cada uno. Se trata de conectar con todo el mundo y empatizar entre todos. Basándome en esto que-

ría encontrar una manera con la que poder expresar esta idea, y quería que fuera interesante, así que escribí un poema en el que contaba el propósito de este álbum y busqué gente que pudiera grabarlo en seis idiomas diferentes. Así, allá donde lo mandáramos todos iban a poder entenderlo directamente. Lo grabamos en un vinilo de 7‘‘ sobre una cara, y en la otra iría el single ‘Sister Cities’ que da nombre al álbum. Ese tema habla de la importancia que tienen las distancias en 2018. Hace cientos de años para ir a Barcelona desde aquí podía durar meses y ahora me llevaría seis horas, lo que vivimos tiene casi un efecto inmediato y puede afectar a gente totalmente aleatoria. Así pues, se lo enviamos a doscientos fans y, no sé si lo has podido ver, pero no tenía nada en la portada relacionado con la banda, estaba totalmente en blanco. Nuestra idea era que lo recibieran en sus casas y dijeran: ‘¿Qué mierda es esto?’. Básicamente nuestra intención era que interactuaran entre ellos, y ahí es donde entra la parte de los pósters. Mandamos quince piezas a distintos amigos por el mundo, Tokio, Río de Janeiro, Toronto, Barcelona, y les pedimos que se hicieran una foto con el póster y la localización de donde estuvieran haciéndolo. Los pusimos todos en una página web y lo que no sabían era que cada uno llevaba una letra, formando así una contraseña que, para poder averiguarla, tenías que hablar con gente de esos diferentes países, y si la conseguías, poner en la web, donde te aparecía la portada y la fecha de lanzamiento del nuevo disco”. Vaya, pues sí que era curioso.

También tengo entendido que cada una de las canciones está inspirada en una ciudad diferente entre once países.

“Sí, exacto. Puedo darte un ejemplo, en concreto con España. ¿Has escuchado todo el disco?”. Sí, un par de veces.

“Vale, perfecto. Hay una canción que se llama ‘It Must Get Lonely’, ¿te suena?”. De hecho es una de las que más me gusta (risas).

“Genial. Pues ese tema lo escribí estando en Barcelona. La estrofa que se repite durante la canción “I saw you there just a block off to see your road home on an empty street, where the others have been torned out and you’re the last one standing”, y ya dice “It must get lonely”, tiene que ver con que estábamos de gira por Europa y habían pasado dos semanas sin que hubiéramos visto la luz del sol en ninguna de las ciudades en las que habíamos tocado. Después de tanta oscuridad, cuando íbamos de camino a la sala en Barcelona, con el mar de fondo y un sol espectacular, vi una casa que me llamó la atención y le saqué una foto. Era una casa que pertenecía a una especie de urbanización pero era la única que quedaba en pie de todas las demás. En el libro de 200 páginas que acompañará el disco se puede ver la foto, y también los bocetos de la letra antes de terminarla. Viendo la foto me imaginé cómo sería ser lo único que queda de un grupo, que todos tus amigos hubieran desaparecido, y empecé a acordarme de gente de mi ciudad. Ahora

THE WONDER YEARS

mismo en Estados Unidos estamos teniendo a mucha gente enganchada a los opiáceos que mueren por la heroína, así que pensé en alguien que se hubiera quedado el último de entre varios amigos que se hubieran ido por culpa de esas drogas. Así que todo eso lo escribí en mi diario estando en Barcelona y lo convertí en una letra”. Interesante. La verdad es que

Hay varios temas más, como

se nota que estás muy orgullo-

‘We Look Like Lightning’, ‘The

so de este disco.

Orange Grove’ o ‘Pyramids Of

“Sí, es el álbum que más orgulloso me siento de haber grabado, y este tema es también uno de mis favoritos por lo que nos costó componerlo. El tema pasó por varios cambios, la melodía era igual más o menos pero no tenía casi alma, hasta que decidimos cortar con la canción para luego volver a ella y hacerla así”.

Salt’, que pueden ser también

El primer tema del disco, ‘Raining In Kyoto’, es de los más directos que os he escuchado. ¿Fue a propósito colocarlo en primer lugar?

“Gracias. Sí, de hecho este álbum no hubiera salido adelante sin ese tema. Queríamos una canción que fuera inmediata para que el oyente se metiera de lleno desde el principio. Es cierto que en los dos últimos siempre tirábamos un poco de un pequeño espacio para poder ir entrando poco a poco, pero en éste salimos con todo desde el primer segundo. Estuvimos pensando varias ideas, como poner un sample con una voz durante los primeros segundos y empezar después con la canción, pero dijimos ‘¿Y si rompiera directamente?’, y creo que hemos acertado”.

buenos singles.

“Sí, creo que hay como seis o siete temas que podrían ser single perfectamente. Considero que hay muy buen trabajo en el sonido de las guitarras para este álbum. ‘The Orange Grove’, por ejemplo. Parece un tema simple, pero cuando llega el estribillo y entran las tres guitarras con esos riffs tan pesados, hacen que tenga un impacto mucho mayor. Y lo mismo con ‘We Look Like Lightning’. Una cosa que teníamos en mente a la hora de componer este disco era cómo tener momentos en las canciones donde pudiéramos hacer que se engrandecieran, y otros que te prepararan para poder sentir que llega ese momento”. ¿Tuvo mucho que ver en eso vuestro productor Joe Chiccarelli a la hora de enfocar cómo queríais este álbum?

“A ver, Joe es uno de los mejores productores que hemos tenido y su trabajo con Manchester Orchestra, The Strokes o Beck es una garantía con la que cuentas para que puedas tomarte bien cualquier consejo que

pueda dar. Él y su asistente, que ha hecho el último de Paramore y Jimmy Eat World, han hecho un trabajo increíble. Nosotros somos un poco obsesivos y neuróticos para estas cosas, y cuando quedamos para comenzar las sesiones de grabación ya teníamos todas las canciones compuestas y escritas, e incluso ya teníamos unas demos que llevábamos escuchando semanas. Esas demos las habíamos hecho como tres veces diferentes, así que cuando fuimos al estudio lo teníamos todo muy claro. Igualmente, Joe cambió alguna que otra cosa, pero lo que realmente hace bien es conseguir que actuemos como banda. Desde el primer momento nos hizo saber que nosotros somos una banda de directo y necesitábamos sacar todo eso en el álbum. Todo en este disco se grabó todos juntos en una misma habitación, nosotros normalmente empezamos grabando las baterías, luego el bajo… Pero esta vez queríamos conseguir una sensación de directo y gracias a Joe pudimos tenerla”. ¿Os llevó grabarlo más tiempo del que pensabais?

“Pues estuvimos cinco semanas, que es lo que menos hemos estado en

nuestra carrera como grupo, y de hecho, teníamos más tiempo cogido desde un principio, pero Joe nos pidió si podíamos hacerlo en un poco menos porque le había surgido otro proyecto que debía empezar. Así que nos esforzamos por hacerlo lo antes posible. Siempre solemos tardar como seis o siete semanas, y estábamos un poco nerviosos por terminarlo antes, pero creo que salió todo como debía”. Ahora que han pasado trece años desde que comenzarais a tocar juntos, ¿en algún momento pensaste que ibais a poder vivir de esto?

“Sinceramente, no hubiera pensado ni que íbamos a durar más de un par de conciertos (risas). Cuando empezamos este grupo no habíamos tocado delante de nadie, y fue algo totalmente legítimo que hicimos para pasarlo bien, tocando sin pensar en que en algún momento podríamos llegar a tener lo que tenemos ahora mismo. Para mí era como pasar el rato en el garaje de nuestros padres hasta que fuéramos a la universidad, y que ahí terminaría. Así que no, no llegamos a pensar que daríamos tantos conciertos, viajando por todo el mundo y llegando a tocar en sitios como España. Si tuvieras una máquina del tiempo que me llevara a cuando tenía 19 años y me enseñaras este disco diciéndome que lo habíamos hecho mis amigos y yo, no te podría creer, te mandaría a la mierda y te diría que te estás riendo de mí (risas). No existen palabras para poder expresarte lo orgulloso que estoy de esta banda”. Y, ¿qué hay con respecto a tu

otro proyecto como Aaron West And The Roaring Twenties? ¿Tienes pensado sacar algo próximamente?

“Sí, por supuesto. De hecho tengo ya varias canciones que estoy componiendo. En cuanto terminemos me voy a poner con el portátil a retocar cosas que estoy grabando, así que, como ves, estoy trabajando ya mismo en ello (risas). La verdad es que estoy bastante entusiasmado con este proyecto también. Me gustaría algún día poder irme de gira por Europa. Aún no he podido hacerlo con banda porque es difícil costear el llevar a toda una formación para allá, pero probablemente con el siguiente disco podamos hacerlo. Yo puedo hacerlo sin problema por mí solo, pero sinceramente, quiero que sea con banda y poder llevar mejor los temas al directo”. Ya para terminar, una última pregunta importante… ¿Tenéis planeado pasar por España este año?

“Sí, al 100%. España es uno de nuestros sitios favoritos. La gente es tan amable, siempre alegre y tan llena de vida, que nos hace muy felices de poder estar allí. La verdad es que últimamente la gente está asistiendo más a conciertos de lo que hacía antes y eso se nota a la hora de poder hacer giras más extensas. Cuando empezamos a girar por Europa nos avisaron de que íbamos a ver muchas salas vacías cuando estuviéramos por allí, y eso nos asustó bastante. Para nosotros ir a Europa era algo totalmente nuevo, y estar fuera de nuestro hogar y tan

lejos de nuestras familias era duro de asimilar. Pero desde la primera vez que fuimos de gira a España siempre nos hemos sentido como en casa. La primera vez fue sorprendente ver que teníamos fans tan pasionales allí, pero esta última con Tiny Moving Parts, el año pasado, fue algo increíble. Tengo

“EL CONCEPTO DE ESTE DISCO VA SOBRE CÓMO CONECTAN LAS PERSONAS. DA IGUAL EL PAÍS EN EL QUE VIVAN, EL IDIOMA QUE HABLEN O LA RELIGIÓN DE CADA UNO. SE TRATA DE CONECTAR CON TODO EL MUNDO Y EMPATIZAR ENTRE TODOS” DAN ‘SOUPY’ CAMPBELL

que decir que vuestra revista es prácticamente la razón por la que nos conocen en España, y sobre todo por la que nos han invitado a tocar allí. Me gustaría daros las gracias por haber hablado de nosotros durante estos años. Recuerdo cuando Suburbia I’ve Given You All And Now I’m Nothing

estuvo entre los mejores discos del año en 2011 junto a Touché Amoré con Is Survived By. Recuerdo que lo hablé con Jeremy (Bolm) y le dije: ‘Tío, parece que en España han empezado a escucharnos y esta revista es la que ha logrado que nos conozcan’, y me dijo que a ellos también les había

pasado algo parecido. De verdad, os agradecemos el trato por todos estos años porque allí nos habéis hecho sentir como si estuviéramos en casa”.

DISCO DEL MES

S AGAINST THE ODDS (LISTENABLE) THRASH METAL

iendo como soy buena persona (la mejor del mundo, según mi santa madre), tiendo a alegrarme de las cosas buenas que les pasan a las otras buenas personas que me rodean. Y el caso de mis paisanos Crisix no es una excepción. Los que seguimos de cerca la escena metalera de aquí y hemos tenido la suerte de tropezarnos con ellos en algún festival, abriendo para unos cabezas de cartel o ya plenamente consolidados como banda puntera que son, nos hemos repetido internamente o chuleando con los colegas ‘¡Yo ya lo dije!’. Y no, no es que uno sea un lumbreras,

CRISIX

es que había que estar ciego y sordo para no darse cuenta de que estos tíos la iban a liar. Disco a disco, bolo a bolo, picando piedra y dejándose muchas horas y mucha energía, han llegado hasta hoy para ofrecernos su cuarto disco y, sin duda alguna, su mejor trabajo hasta la fecha. Si ya con su anterior From Blue To Black se marcaron un discazo, esta vez han dado un paso al frente y se han superado con creces. Confiando la grabación de nuevo en las mismas manos (mismo estudio, mismo productor, mismo mezclador), han demostrado que estaban en el camino

correcto y que cuando algo funciona, mejor no tocar nada. La fiesta empieza con ‘Get Out Of My Head’, un trallazo directo al estómago que es una declaración de intenciones contra aquella ¿música? y aquellas ¿canciones? que tienes la mala suerte de escuchar algún día sin querer y que ‘despacito’ e inexorablemente se te quedan grabadas a fuego en la cabeza. ‘Leech Breeders’ es otro puñetazo dedicado a las sanguijuelas que nos gobiernan y dominan el mundo, y a su maldita manía de reproducirse como una auténtica plaga.

‘Technophiliac’ es sin duda otro temazo que, sin abandonar el thrash, coquetea con el death y donde Juli demuestra un registro de voz más amplio, como nos tiene acostumbrados últimamente. Y ‘Perseverance’ es, por supuesto, su tema más autobiográfico hasta el momento, donde se nota que han puesto toda su alma y dedicación con esos coros iniciales que te introducen a la melodía y una letra donde hablan de la dedicación y el esfuerzo empleados para sembrar los frutos que ahora están recogiendo después de diez intensos años como banda. Temazo, amigos. Y como son unos frikis de cuidado,

aquellos que no se callan nunca y su estribillo es, desde ya, un himno a gritarle en la cara al primer pelmazo que empiece a hablar y no cierre la boca. Y para terminar nos regalan la épica ‘The North Remembers’ dedicada al gran George R. R. Martin y a su universo de tronos, hielo y fuego. La intro, con los coros de “The north remembers, the north remembers…”, seguro que levantará los puños y los cuernos del personal cuando la toquen en directo. Otro himno. Porque esto es lo que nos han regalado estos (casi) imberbes que llevan desde 2008 sorprendiendo a propios y extraños mientras se agranda su base de fans: himnos y autenticidad.

“DISCO A DISCO, BOLO A BOLO, PICANDO PIEDRA, HAN LLEGADO HASTA HOY PARA OFRECERNOS SU MEJOR TRABAJO HASTA LA FECHA”

se marcan un homenaje a Alien en ‘Xenophorm Blood’, donde las guitarras de Albert y Busi brillan más que nunca. Y llegamos a mi corte favorito del álbum, ‘Prince Of Saiyans’, otro guiño (en este caso a Dragon Ball) que conectará seguro con todos los que crecimos viendo esta gran serie y adoramos a Vegeta. ‘Leave Your God Behind’ ya deja a las claras por dónde van a ir los tiros y a quién van dedicados los mismos. Quizá el corte más técnico y más killer, donde todos rinden como una máquina perfectamente engrasada. En ‘Cut The Shit’ escupen toda su rabia contra

Parecen ser los mismos chicos de Igualada que empezaron a tocar como tantos otros por diversión o por amistad pero que, poco a poco, haciendo las cosas con dedicación, esfuerzo y picando piedra desde abajo, demuestran que quien la sigue, la consigue. Y encima, en un país donde escuchar, ver o disfrutar del metal es mucho más complicado que hacerlo en otros más civilizados de nuestro alrededor. Ojalá muchos más años de Crisix... ¿Contra todo pronóstico? No, macho, esto se veía venir desde hace tiempo. ¡Y que dure! KARLES SASTRE

FEED THE RHINO HAS DE SABER... Lee Tobin (voz), James Colley (guitarra), Sam Colley (guitarra), Oz Craggs (bajo), Chris Kybert (batería) PRODUCIDO POR: Oz Craggs AFINES A: Stray From The Path, Killswitch Engage, While She Sleeps PÁGINA WEB: www.feedtherhino.co.uk FORMACIÓN:

C The Silence (CENTURY MEDIA) METALCORE

on la publicación de su tercer álbum The Sorrow And The Sound en 2014 y su posterior gira, Feed The Rhino sentían que habían tocado techo. Pese a la calidad de sus tres trabajos y las alabanzas que recibían por sus potentes conciertos, la banda de Kent, Inglaterra, veía cómo su número de fans seguía sin crecer a un ritmo que les permitiera tener una vida mínimamente confortable. Así que, como otras bandas, optaron por dejarlo durante un tiempo y dejar su continuidad en suspenso. The Silence rompe ese silencio voluntario y lo hace para, en cierto modo, reorientar su carrera. La crudeza y fiereza de antaño

ha quedado en un segundo plano y nos encontramos con una producción mucho más refinada y unas altas dosis de melodía, sobre todo en el apartado vocal. Sobre el papel, este cambio de orientación debería permitirles llegar a un mayor número de público, pues al fin y al cabo, grupos como Killswitch Engage o Still Remains lo han conseguido antes, pero al mismo tiempo, corren el peligro de pasar a ser otra banda de metalcore más. Los estribillos de ‘Heedless’ o ‘Fences’, donde la banda baja el tempo en contraste con las estrofas, se ha usado mil veces antes y les hace prácticamente indistinguibles. Si algo les hace estar por encima de la media es

que Lee Tobin es un cantante fuera de serie que todavía es capaz de escupir fuego cuando se lo propone, como en ‘All Work And No Play Makes Jack A Dull Boy’. De igual manera, sus compañeros también brillan cuando se emplean en dar caña y sacan por ahí alguna influencia de Black Sabbath en los riffs, siendo el tema que da título al álbum uno de los mejores resueltos en su nueva dirección. También nos encontramos algún toque nu metalero en ‘Nerve Of A Sinister Killer’, mientras que ‘Lost In Proximity’ apuesta por un sonido más cercano al de While She Sleeps. Hablando en plata, el rinoceronte se ha domesticado. DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... LEE TOBIN Esta vez os habéis decantado por un sonido más sofisticado. ¿Qué lo ha motivado?

“Desde luego hemos querido evolucionar. Diría que es un sonido más maduro. Queríamos ver lo lejos que podíamos llegar experimentando como compositores. Creo que muestra una gran progresión respecto al anterior”. ¿Os sentíais estancados?

“Tiene mucho que ver con no aburrirte. Tienes que forzar tus límites. Si no intentas crecer y llegar a nueva gente, puedes llegar a estancarte. Creo que seguimos siendo lo que éramos antes, pero este disco también muestra lo que somos ahora”. Como vocalista te has centrado más en las melodías.

“Tiene que ver con la misma actitud que te comentaba. Pero cuando compones,

o estás en el estudio, también tienes que tener en cuenta de lo que eres capaz de hacer en directo. Odiaría grabar algo y no ser capaz de cantarlo en vivo. Pero siempre intento mejorar, probar nuevas técnicas, aunque la intención sea la misma. Siempre hemos tenido furia, pero esta vez la queríamos combinar con algo más. Mezclamos melodías más limpias con las partes más agresivas por las que somos conocidos. Fue un reto”. Ha pasado bastante tiempo desde el disco anterior. ¿Se refleja en las letras?

“Siempre escribimos desde experiencias personales. Cuando estuvimos parados fue difícil porque todos somos muy buenos amigos, pero después de nuestro tercer disco nuestra relación se estaba deteriorando. Decidimos parar y durante seis meses estuvimos sin hablarnos, lo

cual fue muy extraño. Fue como romper con tu novia. Fue un periodo complicado y desde luego todo eso fue a parar a las nuevas canciones. Creo que me he expuesto mucho en las letras”. ¿Qué os volvió a unir?

“Tomarnos ese descanso nos hizo ver que todavía nos quedaban dentro muchas cosas por decir y hacer. Decidimos juntarnos sin ningún tipo de presión. Quedábamos un fin de semana, nos tomábamos unas cervezas y nos poníamos a tocar. Y de ahí empezaron a salir ideas y nos hizo volver a emocionarnos con el grupo. Nos sentíamos bien otra vez. En una banda es muy fácil sentir cuándo las cosas van mal, pero también cuándo van bien. Y tocar los cinco juntos, sin pensar en nada más, nos hacía sentir muy bien”. (DAVID GARCELL)

TURNSTILE

Time & Space (ROADRUNNER) HARDCORE

n algún momento el hardcore perdió parte de su espíritu transgresor y se convirtió en un mero vehículo para un exceso de testosterona. Y como pasó con el metal, los puristas del género, lejos de preservarlo, sólo lo hacían más pequeño. De ahí que una banda como Turnstile sea tan bienvenida y necesaria. Su música está profundamente arraigada en la esencia del estilo, desde la voz de Brendan Yates perfectamente articulada a través del grito hasta algunos riffs diseñados para liarla en el pit, pero al mismo tiempo,

no temen, como en su día hicieran Bad Brains o Black Flag, desviarse del camino e incorporar elementos procedentes de otros estilos. Son pequeños detalles, como las palmas encima del solo de guitarra en ‘Generator’, el piano a lo Stooges en ‘Hight Pressure’, el aire Jane’s Addiction de ‘Can’t Get Away’, el riff nirvanero de ‘Right To Be’, con producción adicional de Diplo, o los coros femeninos de Tina Halladay de Sheer Mag en la melódica ‘Moon’, que ayudan a oxigenar la agresividad de temas como ‘Real Thing’ o ‘Big Smile’. Además, en interludios como ‘Disco’ o ‘Bomb’, se permiten jugar con el lounge o el R&B. Es una pena que no hayan arriesgado un poco más llevándolo todavía más lejos, pero, aun así, en apenas 25 minutos el grupo expone un montón de buenas ideas. Al igual que Code Orange, con quien comparten productor, Will Yip, Turnstile también publican su nuevo trabajo a través del sello Roadrunner. Esperemos que sirva para que lleguen al público potencial que merecen. JORDI MEYA

MORGAN Air

(NORTH) POP ROCK, SOUL

ara entender cómo una banda debutante sin discográfica, cantando en inglés y practicando un estilo tan atemporal como alejado de las modas actuales como Morgan haya llegado tan lejos en apenas dos años, basta con escuchar un disco como North. Los madrileños sólo necesitaron de unas canciones escritas desde el corazón y tratadas con todo el cariño del mundo para ganarse el favor del público. Hubiera sido sencillo escuchar los cantos de sirena que aconsejaban pasarse al castellano viendo el éxito de ‘Volver’, pero en lugar de eso, han preferido

seguir su propio instinto a la hora dar el siguiente paso. No obstante, en Air han repetido jugada con ‘Sargento De Hierro’, un corte que a buen seguro volverá romperte el alma en pedazos. Pero Nina y sus compañeros se han dirigido hacia donde más cómodos se sentían, ya fuese sumergiéndose en la espiritualidad de ‘Planet Earth’, con pasajes a lo Pink Floyd que denotan su buen gusto por los clásicos de toda la vida, o explorando su lado más soul en la disco ‘Another Road (Gettin’ Ready)’ y la alegre ‘Flying Peacefully’. La sensibilidad para construir canciones en apariencia simples sale a flote en ‘The Child’ cuando te elevan con un coro celestial en la parte final sobre el que Paco López se luce a la guitarra. ‘Blue Eyes’ presenta un patrón rítmico y otro riff que enganchan en una de las canciones más adictivas del disco. Al igual que en sus conciertos, ‘Marry You’ pone el broche con una interpretación impecable. Si siguen haciendo trabajos como éste, Morgan llegarán a donde ellos quieran, pero el cielo ya se lo tienen ganado. GONZALO PUEBLA

LA SELECCIÓN

THE BABOON SHOW Radio Rebelde (KIDNAP) PUNK ROCK

i bien todo el mundo está de acuerdo en que The Baboon Show te ganan por su directo, su nuevo álbum Radio Rebelde pone de relieve que el cuarteto sueco también puede ser de lo más disfrutable en su formato grabado. Gracias a la ayuda del productor habitual de The Hives, Pelle Gunnerfeldt, la banda presenta un sonido más pulido y trabajado respecto al que tienen sobre los escenarios, en el que caben coros a múltiples voces (‘All Of Me’) o teclados (‘Same Old Story’). Pero está claro que la voz rota de Cecilia Bromstom garantiza que conserven un punto de aspereza por muy melódicas que se pongan las cosas (no sé si será sólo cosa mía, pero no he podido evitar pensar en Dover al escuchar estribillos como los de ‘Radio Rebelde’ o ‘Overdosed On You’). Pese a que sus cimientos están en el punk rock, sus gustos abarcan otras influencias.

‘Hurray’ es un homenaje nada disimulado a AC/DC, con unos coros clavados a los de ‘Dirty Deeds Done Dirt Cheap’, ‘You Get What You Get’ tiene algo de The Kinks, ‘Same Old Story’ fluye con una narrativa sobre el mundo obrero muy Springsteen, mientras que ‘Again’, cantada por el guitarrista Hakan Sörle, cuenta con unas estrofas a lo Social Distortion para luego cambiar de tercio hacia postulados más épicos. Un puñado de nuevos himnos que seguro funcionarán de maravilla en su inminente gira por nuestras tierras. DAVID GARCELL

H TURBONEGRO

RockNRoll Machine (UNIVERSAL) ROCK

abrá quien a estas alturas aún se siga rasgando las vestiduras al no ser capaces de concebir unos Turbonegro sin la presencia de Hank Von Helvete, pero la realidad es que han pasado seis años desde la publicación de Sexual Harassment y la leyenda del rock escandinavo ha demostrado sobradamente seguir viva con dignidad como hemos podido comprobar en sus reiteradas visitas a nuestro país. Con Tony Sylvester ya asentado en la formación, los noruegos vuelven con un nuevo plástico que, a buen seguro, tampoco agradará a la facción más rematadamente pureta de la Turbojugend. Y es que RockNRoll Machine tiene mucho de homenaje, tanto a algunas de las bandas que les han inspirado como a ellos mismos. Aunque el disco se abre al ritmo

N MARMOZETS

Knowing What You Know Now (ROADRUNNER) ROCK ALTERNATIVO

o es nada habitual que un grupo debutante se tome cuatro años para grabar su segundo disco. A la velocidad que va todo, era muy posible que la atención que recibieron con su primer trabajo The Weird And Wonderful Marmozets se hubiera desvanecido, pero el quinteto británico ha hecho bien en no precipitarse porque no hay mayor decepción que no desarrollar todo tu potencial por culpa de las prisas. En Knowing What You Know Now, Marmozets han sacrificado su lado más radical y cercano al mathcore para entregarse a las canciones con más

punk de la urgente ‘Part II: Well Hello’ tras una intro llena de teclados y sintetizadores ochenteros, éste es claramente un trabajo que tiende hacia la parte más hard rockera de su sonido. En ‘Part III: RockNRoll Machine’ y ‘Fist City’ no hacen dudar de su amor por AC/DC (hasta fusilan sin ningún pudor los coros de ‘T.N.T.’), mientras que ‘Skinhead Rock & Roll’ podría ir firmada por los Van Halen de 1984 del mismo modo que Europe hubieran

hecho lo propio con ‘John Carpenter Powder Ballad’ mediante un toque ochentero tan hortera que hará levantar sarpullidos y erecciones a partes iguales. Entre tanto guiño también hay espacio para que Turbonegro suenen a Turbonegro, ya sea vía death punk en ‘On The Rag’ o con singles infalibles como ‘Hurry Up & Die’ y ‘Hot For Nietzsche’. Estará lejos de lo mejor que pueden ofrecer, pero para animar una fiesta me viene que ni pintado.

pegada melódica. En resumen, suenan menos raros, pero igual de maravillosos. Quizá viendo la poca suerte que ha tenido un grupo afín como Rolo Tomassi, no sea una mala opción. Sobre todo, porque el poderío de su nuevo repertorio es indudable y, al fin y al cabo, siguen siendo capaces de sorprender metiendo, por ejemplo, unas trompetas en ‘Major System Error’, dotando de un aire brit pop a ‘Like A Battery’, o evocando a los Pixies en la balada febril ‘Insominia’. De hecho, no sé si por culpa o como consecuencia de contar con Gil Norton como productor, el álbum tiene un marcado aire 90’s.

No es difícil imaginar los estribillos de ‘Play’, ‘Meant To Be’ o ‘Lost In Translation’ en manos de grupos de la época como Republica o Veruca Salt. Pero, al mismo tiempo, Marmozets suenan como una banda totalmente actual. El foco de atención cae más que nunca en Becca Macintyre, quien nos ofrece un variado muestrario de registros siempre con una entrega máxima. Acertadamente, el grupo reserva para el final una de sus composiciones más redondas, ‘Run With The Rhythm’, dejándote la sensación de haber escuchado un gran álbum de principio a fin.

GONZALO PUEBLA

JORDI MEYA

ARCANE ROOTS

Melancholia Hymns (EASY LIFE) ROCK ALTERNATIVO

uchos vimos a los británicos Arcane Roots como los sucesores al trono -si es que alguna vez lo abandonanocupado por Biffy Clyro. Los segundos hace tiempo que llenan grandes recintos con sus potentes estribillos, y Arcane Roots parecían tener prácticamente todo para seguir sus pasos. Escuchabas los primeros trabajos de los protagonistas de esta reseña, apabullantes en muchos sentidos, y era inevitable pensar en nuestros queridos escoceses. El parecido era incluso físico, pues sus dos barbudos cantantes parecen primos hermanos.

Puedo entender que esas comparaciones recurrentes, en un principio halagadoras, se convirtieran en una losa para la carrera del trío londinense. Eso podría explicar el volantazo que supone este Melancholia Hymns, su segundo largo. Como si estuvieran hartos de esperar su turno, Andrew Growes y compañía han tomado otra dirección, bastante más arriesgada y experimental. Melancholia Hymns reserva la pirotecnia de antaño, tan efectiva, para momentos contados, como en la progresiva ‘Matter’, ‘Off The Floor’, ’Curtains’, mi favorita ‘Everything (All At Once)’ y la parte final de ‘Arp’, un último guiño a Biffy Clyro, su particular ‘The Golden Rule’. Y es que, si por algo destaca este trabajo grabado con Chris Coulter en los Decimal Studios de Londres, es por las atmósferas intrigantes de los temas, recordando en muchos pasajes a los Radiohead de Kid A, y la incorporación de teclados y sintetizadores vaporosos asociados a artistas de electrónica como James Blake y Burial, e incluso con el último disco de Bon Iver. LUIS BENAVIDES

HARMS WAY Posthuman (METAL BLADE) HARDCORE, METAL

a primera vez que te cruzas con Harms Way sobre un escenario se te queda bien grabada. No porque te cambien la vida con su música, sino porque en lugar de un vocalista, ellos tienen a una montaña de músculos. James Pligge es enorme y, además, siempre empieza los shows directamente sin camiseta. Con el tiempo, la propuesta de la banda también se ha ido adaptando al imponente físico del cantante, y así, por primera vez publicando con un sello realmente tocho, Metal Blade, los de Chicago nos presentan ahora una obra robusta, de instintos muy

básicos, con una distorsión pesadísima facturada por el productor Will Putney (The Acacia Strain, The Amity Affliction), pero que también está atenta a las tendencias más novedosas y ruidosas del hardcore. Con un metalcore tan devaluado como el que tenemos hoy en día da un poco de cosilla meterlos en ese saco, pero si de la unión entre metal y hardcore han salido grupos como Code Orange, de los que beben y mucho, damos en el clavo si los emparentamos con ello. Y como muestra, las industrialoides ‘Last Man’, ‘Call My Name’ y una ‘The Gift’ que casi podrían haber firmado los autores de Forever. Por el contrario, ‘Unreality’ nos recuerda y de qué manera a los Sepultura de mediados y finales de los 90, y ya no digamos a Soulfly. ‘Become A Machine’, la citada ‘Call My Name’ o ‘Dead Space’ reparten estopa y dejarán tu cuello tan hinchado como un bíceps de Pligge, pero quizá las influencias de la banda aparezcan de una forma demasiado obvia en Posthuman. PAU NAVARRA

PIANOS BECOME THE TEETH Wait For Love (EPITAPH) EMO

ianos Become The Teeth descolocaron a muchos con la edición en 2014 de Keep You. Las sonoridades más agresivas de sus dos trabajos anteriores, empezando por el registro vocal de Kyle Durfey, habían desaparecido por completo y en su lugar encontrábamos una apuesta total por la contención y la elegancia. A pesar de que llegué a disfrutar mucho de ese disco, visto en perspectiva, ahora aparece como una obra de transición que nos tenía que llevar a este más redondo Wait For Love. En él, la banda de Baltimore ha encontrado el equilibrio entre esta nueva manera de enfocar

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su música, sin renunciar a la energía, logrando un conjunto de canciones más vibrante. Durfey vuelve a jugar la carta de cantar exclusivamente con una voz limpia, pero se le nota mucho más seguro, elevando las melodías a otro nivel. Y por su parte, sus compañeros han logrado, sin tener que recurrir a subir la distorsión, que la base musical tenga más empaque. Gran responsable de ello es el excelente trabajo del batería David Haik, quien mantiene el pulso y la tensión de los temas en todo momento, incluso en los más lentos como ‘Bay Of Dreams’. Las guitarras de Chad McDonald y Mike York, mucho más cercanas conceptualmente al post rock que al post hardcore, apuntalan el tono intimista del álbum con bellos arpegios y feedbacks atmosféricos. Como su título sugiere, las letras de Durfey en Wait For Love están inspiradas en el amor, en todas sus vertientes: a su mujer, a su hijo, a su padre… aunque no puede evitar teñirlas de melancolía. Es lo que tiene ser emo. JORDI MEYA

NECROPHOBIC Mark Of The Necrogram (CENTURY MEDIA) BLACKENED DEATH METAL

ue Necrophobic siguen siendo un ciclón en directo es algo que cualquiera que les haya visto últimamente no puede negar, pero claro, una cosa es dar bolazos con un cancionero que ya es historia viva del metal extremo, y otra muy distinta es que una alineación tan renovada, por mucho currículo que tenga, sea capaz de entregar un nuevo álbum a la altura de su legado. De primeras podemos decir que, una vez superado su bache de 2013 y gracias a esta segunda etapa de los guitarristas Sebastian Ramstedt y Johan Bergebäck, así

como del cantante en su legendario debut en largo The Nocturnal Silence, Anders Strokirk, tanto Alex Friberg (bajo) como Joakim Sterner (batería) han obtenido el suficiente apoyo como para que en Mark Of The Necrogram no eches en falta ni uno de los elementos distintivos del grupo. Básicos para entender qué es el blackened death, Necrophobic suenan aquí fríos y punzantes, rápidos e incisivos, con los seis cuerdas apuntando directamente a la yugular, aunque sí es cierto también que en algunos momentos habría estado bien soltar un poco más de mala baba. Igualmente, y como apuntábamos al principio, ‘Odium Caecum’, ‘Sacrosanct’ o ‘Crown Of Horns’ son todo lo que uno espera de tan querida formación, gélida velocidad y riffs elaborados de lo más noventeros, y si encima te cae un temarraco como ‘Tsar Bomba’ de propina, poco espacio queda para el reproche. En serio, pero qué buena es… Una de esas bandas que explican por qué Suecia sigue siendo la tierra prometida. PAU NAVARRA

DOGHOUSE

Never Cry Wolf (MORNING WOOD) PUNK ROCK

n el año 1996 Descendents sacaron uno de los discos seminales del punk rock melódico: Everything Sucks. Un par de años después, en la remota Belgrado, cuatro serbios empezaban a tocar bajo el nombre de Doghouse, el título de la octava canción de aquel disco legendario. Pasó el tiempo y, tras un hiato que duró siete años, el cuarteto balcánico decidió fichar en 2015 por Morning Wood Records para lanzar su EP de regreso Dysfunction. Ahora presentan Never Cry Wolf, un álbum que, de haber sido editado

por Epitaph, Fat Wreck o algún otro sello de gran reconocimiento a nivel mundial, habría acabado fácilmente en las listas de lo mejor del año pasado. No es mi intención que deduzcáis que está a la altura del Everything Sucks de Descendents, pero sí que afirmo con rotundidad que es un disco redondo donde no sobra ni un tema y que todos rozan la genialidad absoluta. Para convenceros de mis palabras, escuchad por ejemplo ‘Goodbye’, ‘War’ o ‘Dream’. Uno se da cuenta de que está ante un trabajo especial (y no otro del montón de los que se cubren de polvo en las estanterías del punk rock) cuando oye la intro (una especie de rap) o la composición final, un tema acústico con aire folk y épico titulado ‘Who’s Got The Way’. Son las dos excepciones a la regla porque, por lo demás, el sonido de Doghouse destila lo mejor de las melodías de Face To Face, de la rabia de Good Riddance y de la trascendencia de Social Distortion. Son muy buenos estos tipos. JORDIAN FO

TWITCHING TONGUES

Gaining Purpose Through Passionate Hatred (METAL BLADE) HARDCORE, DOOM METAL

witching Tongues no son una banda fácil. De hecho, por mucho que lo intente, nunca me han acabado de entrar del todo. Y sé que son buenos, claro que lo son, pero es que hay veces que me dan ganas de estrangular a su vocalista Colin Young, así de simple. Esos melódicos entre los breakdowns, ese rollete gothic doom que te asalta tras un guitarrazo que podría partirte en dos… Con ellos tengo la sensación de estar escuchando una fusión entre Mastodon y Xibalba, por ejemplo, y la verdad, soy de los que piensa que experimentar sin fronteras

no es necesariamente sinónimo de genialidad, y ya no digamos de buen gusto. Y es que de valentía van sobrados, así lo atestiguan ‘Kill For You’ o esa ‘Forgive & Remember’ que parece poseída por Paradise Lost, por no hablar de una balada ochentera en toda regla como ‘Long Gone’, que tira de piano sin contemplaciones. Pero es cuando ‘T.F.R.’ me aplana la cara con su duro hardcore de aires oi! e incluso southern en su parte final, o cuando se disfrazan de Slayer en ‘Gaining Purpose’, o cuando casi parece que se tiren de cabeza al beatdown con ‘The Sound Of Pain’, que los angelinos más me triunfan. Conozco gente de la que respeto su criterio que les tienen en un pedestal, así que igual estemos ante mi enésima cagada y debas chequear esta banda de inmediato para fliparlo. Por si no se ha notado, mientras me irritan, a Twitching Tongues también les aplaudo. Esas cosas raras que tiene la música… Crear ‘Defection (Union Of The State)’ debería valer para una residencia perpetua en esa modernada en la que se ha convertido el Roadburn. PAU NAVARRA

PHILIP H. ANSELMO & THE ILLEGALS

Choosing Mental Illness As A Virtue (HOUSECORE) SLUDGE METAL, DEATH METAL

e duele en el alma decir esto, y quizás me arrepienta (o no), pero de verdad: lo único que le sobra al nuevo álbum de Philip H. Anselmo & The Illegals es el propio Phil Anselmo. Y es que el tito Anselmo no paró durante el pasado 2017, teniendo varios frentes abiertos como Scour o Superjoint, y, cosas de la vida, la jugada no le ha salido bien en este nuevo álbum de los Illegals. Uno se siente hasta culpable de decirlo, pero la voz arruina lo que podría ser un disco perfecto de sludge. Una formación renovada

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con Walter Howard IV al bajo y Mike DeLeon a la guitarra que, junto a los Superjoint Stephen Taylor y Jose Manuel Gonzales, entrega una inspirada y precisa ejecución instrumental, no evita que en varios momentos de este álbum tengamos que apretar los dientes para no soltar un puñetazo. Hasta la mezcla, totalmente cruda específicamente para la ocasión, acompaña grandes momentos como ‘Photographic Taunts’, pero es el intento de varios registros de Anselmo (casi todos equivocados) y su falta de inspiración en las letras lo que nos hace pensar que, en esta ocasión, la enfermedad es él. El pobre Dan Swanö ha hecho todo lo que ha podido, y nos flipa que las guitarras estén totalmente al frente esta vez (incluso tirando más hacia el death metal en temas como ‘Individual’), pero quien tiene el control absoluto del proyecto es otro. Una gran formación que realiza su trabajo a la perfección durante 46 minutos, pero donde también pides que se ponga otro frente al micrófono. JORGE FRETES

TEMPLETON PEK

Watching The World Come Undone (DRAKKAR) PUNK ROCK

e congratula saber de Templeton Pek después de tanto tiempo sin adentrarme en su música. Y es que recuerdo los inicios del trío de Birmingham. Los descubrí en esa plataforma del Jurásico digital llamada Myspace y tuvieron a bien de enviarme una copia de su inminente primer disco, No Association, a cambio de una reseña. Esa red social acabó degenerando, todos la abandonamos y les perdí la pista para siempre. Han pasado diez años desde ese imponente primer largo y Templeton Pek siguen en la brecha. Los nuevos temas de la banda navegan entre

el punk rock melódico de Rise Against y afines (‘The Awakening’, ‘The Aftermath’, ‘Sirens’) y el rock alternativo con estribillos memorables (‘On Our Own’ podría pasar por una interesante aproximación a los mejores Foo Fighters). Así, después de escuchar sus anteriores discos y ponerme al día en un tiempo récord, puedo afirmar que las coordenadas musicales de esta banda ajena a las modas y siempre con el DIY por bandera han cambiado poco o nada. La principal novedad de Watching The World Come Undone, grabado con Davey Warsop en los Hurley Studios de California (Green Day, Avenged Sevenfold), radica en el apartado lírico. Kev, Neal y Jon comenzaron a escribir este quinto trabajo después de la votación del controvertido Brexit (la citada ‘The Awakening’) y de la entrada de Donald Trump en la Casa Blanca, e inevitablemente el contexto se acabó filtrando en este álbum, posiblemente el más comprometido y rabioso hasta la fecha con permiso del anterior, el también recomendable New Horizons, publicado en el año 2015. LUIS BENAVIDES

IMPERIAL STATE ELECTRIC Anywhere Loud (PSYCHOUT) ROCK’N’ROLL

ejos quedan aquellos días en los que publicar un álbum en directo daba cierto prestigio a la discografía de un grupo. La facilidad de poder visionar decenas de conciertos a través de internet ha terminado restando parte de la gracia que tenían este tipo de lanzamientos anteriormente tan bien valorados por los fans. Aun con todo, sigue habiendo formaciones que bien merecen disponer de un documento de este tipo, y desde luego Imperial State Electric son una de ellas. Bien es cierto que sus continuas giras son las que les han terminado otorgando más fama que cualquiera de sus cinco trabajos de

estudio hasta la fecha (a pesar de que algunos son bastante mejores de lo que muchos se atreven a reconocer). Tampoco es de extrañar que Anywhere Loud recoja canciones grabadas durante uno de sus conciertos en Madrid teniendo en cuenta su asiduidad a nuestro país, así como también otras actuaciones registradas en Tokio y Estocolmo. Y he ahí el principal problema que encuentro, ya que como disco en directo carece de esa cohesión que ayude a sumergirte de verdad en una actuación única. Pero si de algo servirán los 23 cortes aquí compilados será para refrendar que, sobre las tablas, los de Nicke Andersson suenan más aguerridos en detrimento del componente melódico. Y es que a lo tonto ya cuentan con un cancionero de temas imprescindibles como ‘Deja Vu’, ‘More Than Enough Of Your Love’, ‘Anywhere Loud’, ‘Uh Huh’ o ‘All Over My Head’, además de guiños a clásicos como Kiss, Black Sabbath o los Dead Boys. De todos modos, me da que volveré a verles en concierto mucho antes que recuperar este artefacto. GONZALO PUEBLA

PEARS AND DIRECT HIT!

Human Movement (FAT WRECK) PUNK ROCK

at Mike rara vez falla cuando le echa el ojo a una banda para su sello. Pears y Direct Hit, dos de sus últimos descubrimientos, no podían ser una excepción. Pears, aunque son una banda relativamente nueva, con apenas cuatro años en la brecha, ya llevan unas cuantas referencias auspiciadas por la escudería del incorregible bajista de NoFx y Me First And The Gimme Gimmes. Ahora comparten un disco con Direct Hit, una banda de Milwaukee con tres largos e incontables EPs y compartidos. A diferencia de otros splits, referencias menores para seguidores

e incluso para las propias bandas, aquí Pears y Direct Hit se han estrujado bien las neuronas y dan lo mejor de ellos mismos. Human Movement recoge cinco temas nuevos de cada banda, y cada formación ofrece además una versión de la otra. Así, mientras Direct Hit versionan el ‘You’re Boring’ de Pears, los segundos hacen lo propio con el ‘The World Is Ending (SORTA)’ de los primeros. Este disco es un buen escaparate para Direct Hit, capaces de combinar piezas encabronadas como ‘You Got What You Asked For’ con otras más punk poperas como la saltarina ‘Blood On Your Tongue’. Pears, una de las bandas al alza del sello y la escena, mantienen el nivel y te dejan con ganas de mucho más. A destacar, los guiños que trufan sus nuevas composiciones. No comentaré todos, porque son unos cuantos y seguro que se me escapan otros tantos, pero en ‘Hey There, Begonia’ asoman System Of A Down por ahí, y el arranque de ‘Mollusk’s Mouth’ es un claro homenaje a sus compañeros Propaghandi. LUIS BENAVIDES

ANDREW W.K.

You’re Not Alone (SONY) ROCK

nadie debería sorprender que la primera palabra que se escucha en el nuevo álbum de Andrew W.K. sea ‘party’ en una canción titulada ‘The Power of Partying’. Porque puede que hayan pasado ocho años desde su anterior trabajo, pero su espíritu sigue siendo el mismo que cuando consiguió su primer hit ‘Party Hard’ a principios de la pasada década. A partir de esa introducción épica y pomposa, el californiano usa todos los trucos posibles para subirte el ánimo y contagiarte de su positivismo. Cada canción es un himno, y desde ‘Music Is Worth Living For’ a ‘You’re

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Not Alone’ recibimos un chute de energía con un sonido que bebe tanto del hard rock como de los musicales de Broadway. Todo es elevado a la enésima potencia, como si Meat Loaf estuviera al frente de Turbonegro haciendo versiones de Abba producidos por Phil Spector. La grandilocuencia hecha punk. A algunos les parecerá una horterada máxima, pero es indudable el poder que tienen las melodías de ‘Keep On Going’, ‘Break The Curse’, ‘The Devil’s On Your Side’ o ‘Total Freedom’ y lo divertidos que resultan temas como ‘Ever Again’ o ‘Part Mindset’, con un toque a los Beach Boys de los 80. En su afán por hacernos seres más felices, incluso recurre al spoken word en tres ocasiones para ofrecernos discursos motivacionales con títulos como ‘The Feeling Of Being Alive’ o ‘In Your Darkest Moments’. Precisamente tienen su gracia porque están hechos sin pizca de ironía. Y es que si algo que me queda claro es que nadie se toma tan en serio la fiesta como este hombre... JORDI MEYA

CACHEMIRA Jungla

(HEAVY PSYCH SOUNDS) HARD BLUES, JAM ROCK

unque sea a toro pasado y con varios meses de retraso respecto a su publicación, seguimos encontrándonos con obras que bien merecen su hueco en nuestras páginas una vez finalizado 2017. En el caso de los barceloneses Cachemira está más que justificado, ya que su primera referencia ha sido una de las grandes sorpresas de la pasada temporada en lo que al circuito de sonidos retro se refiere. Militantes procedentes de formaciones como Brain Pyramid, Prisma Circus o 1886, lo que nos propone este power trio a la vieja usanza es toda una aventura por esa Jungla

que supone un auténtico ejercicio del mejor jam rock bañado en psicodelia deudor de los 70. Tal vez por el feeling que transmiten sería sencillo encuadrarles junto a contemporáneos como Graveyard, pero el espíritu inquieto y nervioso de su música les sitúa más cerca de una The Jimi Hendrix Experience totalmente desbocada con una inequívoca tendencia hacía la improvisación. La base rítmica que componen Alejandro Carmona tras la batería y Pol Ventura a las cuatro cuerdas no concede tregua alguna, mientras que Gaston Lainé no para de sacar chispazos de magia de su Statocaster mientras combina fuzz y wah wah a partes iguales. Todo ello se condensa en las cinco composiciones que aquí ofrecen, pudiendo destacar títulos como ‘Sail Away’ y ‘Overpopulation’. Pero a decir verdad, más que canciones, lo que aquí sobresale es el conjunto en sí que fluye de una manera tan vertiginosa que su media horita de duración se pasa volando. Una verdadera delicatessen para los gourmets más exigentes con gusto por lo vintage que en directo se multiplica. GONZALO PUEBLA

SENSES FAIL

If There Is Light, It Will Find You (PURE NOISE) PUNK POP

aya, esto sí que no me lo esperaba. Después de que en sus dos discos anteriores Renacer (2013) y Pull The Thorns From Your Heart (2015), Buddy Nielsen acercara más que nunca a sus Senses Fail al metal, en su séptimo trabajo da un giro de 180 º y transforma a la banda en una de punk melódico. Ignoro si ha tenido que ver la renovación total que hizo de la formación hace un par de años o si le ha dado por recuperar sus discos de juventud, pero el caso es que aquellos riffs pesados y aquellos gritos desgarrados han quedado

borrados del mapa y nos encontramos melodías pop a cascoporro. “Recuerda la pasión que tenías cuando la música era lo único que tenías” canta Nielsen en la inicial ‘Double Cross’, un tema que como el resto nos transporta al punk pop de principios de los 2000, cuando bandas como New Found Glory o Midtown lo petaban. Si su propósito era crear el disco más pegadizo de su carrera, lo ha conseguido, si bien resulta extraño encontrarse con un artefacto como éste a estas alturas. El tono jovial y juvenil domina a lo largo de todo su minutaje con punteos de guitarra saltarines y una producción en la que todo está en su sitio con la voz nasal de Nielsen en primer plano. ‘New Jersey Makes, The World Takes’ encantará a los fans de New Found Glory y ‘First Breath, Last Breath’ es un medio tiempo que podría haber escrito Tom DeLonge para cualquier disco de Blink-182. Pero por suerte, la banda evita caer en algunos de los artificios de las bandas contemporáneos del género. Un disco de puro revival. DAVID GARCELL

MY TICKET HOME UnReal

(SPINEFARM) ROCK ALTERNATIVO

ormalmente es una muy buena señal que lo único negativo que se pueda decir sobre un disco es que no me guste la portada, que el nombre de la banda no me parezca acertado (¿My Ticket Home? ¡Buf!) y que las etiquetas que se hayan autoasignado (nu metalcore, puke rock) me parezcan ridículas. Porque lo que realmente importa es la música, las canciones, y os aseguro que las trece que se incluyen en UnReal son magníficas. Si fuera DJ de una emisora de radio de rock alternativo me costaría decidir cuál de ellas pinchar cada vez, ya que todas son singles en potencia.

También me costaría definir el sonido de My Ticket Home, porque hay temas que suenan a Linkin’ Park (‘Flee The Flesh’, ‘Hyperreal’, ‘Cellophane’, ‘We All Use’), otros a Deftones (‘Flypaper’, ‘Redline’, ‘Melancholia’) y algunas composiciones remiten a los Therapy? de la última época (‘Thrush’, ‘Gasoline Kiss’, ‘Down Life’), aunque también hay momentos para el sosiego (‘Time Kills Everything’, ‘Joi’ y la final ‘Visual Snow’). Guitarras pesadas alternadas con otras más atmosfericas, melodías bien definidas y un tono oscurillo, pero no depresivo, modulan la personalidad de un disco que en otros tiempos podría haber tenido un buen recorrido comercial. Personalmente agradezco muchísimo que no haya ni rastro de (heavy) metal a lo largo del tercer LP de este cuarteto de Columbus (Ohio), porque últimamente parece que si no metes un solo de guitarra de vez en cuando, dobles bombos, ritmos machacones a saco o varios breakdowns no estés en la onda de la música moderna. Lo dicho: UnReal es uno de los discos más excitantes que he escuchado en los últimos tiempos. JORDIAN FO

O DASHBOARD CONFESSIONAL

Crooked Shadows (FUELED BY RAMEN/WARNER) POP ROCK

cho años después, Chris Carrabba ha vuelto a enfundarse el disfraz de Dashboard Confessional para grabar su séptimo disco. Lo que empezó como un proyecto acústico con el fin de reparar su corazón partido, pronto se convirtió en uno con un sonido de banda, que no le hacía ascos a las superproducciones y la épica, y que le proporcionó hits como ‘Don’t Wait’ o ‘Vindicated’. Y más o menos eso es lo que encontramos aquí con el aliciente, o el hándicap, dependiendo de cómo se mire, de querer actualizarse para las nuevas generaciones. De ahí que en ‘Belong’ haya contado con los DJ Cash Cash para una producción más electrónica, que en ‘About Us’ suene a Imagine Dragons o que en la balada ‘Open My Eyes’ participe la violinista youtuber Lindsey Stirling. La afectación emo con la

P WALKING PAPERS WP2

(LOUD & PROUD) ROCK

or mucho que las dos caras más reconocibles de Walking Papers sean la sección rítmica formada por Duff McKagan y (en menor medida, todo hay que decirlo) Barrett Martin, exbatería de Screaming Trees, es indudable que el alma del grupo es su cantante y guitarrista Jeff Angell. El debut homónimo que lanzaron en 2013, acompañados también del teclista Benjamin Anderson, fue una más que agradable sorpresa demostrando que la vieja guardia de Seattle no se reduce únicamente a Pearl Jam. Los compromisos de McKagan en los últimos años con la reunificación

que Carrabba cantaba en sus años mozos sigue ahí, pero si antes tenías la sensación de que las letras iban dirigidas a alguien en concreto y estaban repletas de detalles muy reales, ahora todo es mucho más genérico, perdiendo su impacto emocional. Pese a todo, el de Florida sigue siendo un gran creador de melodías con gancho. Las hímnicas ‘We Fight’ y ‘Be

Alright’ logran contagiarte de su determinación, ‘Catch You’ es una buena tonadilla power pop y el dueto ‘Just What You Say’ con Chrissy Costanza de Against The Current resulta bonita a pesar de pecar de cursi. Aunque el mejor tema es sin duda ‘Heart Beat Here’, en el que nos reencontramos con el Carrabba más austero y auténtico.

de Guns N’ Roses a buen seguro habrán retrasado la salida de esta segunda entrega, pero a pesar del tiempo transcurrido, el grupo ha sabido definir aún mejor su identidad. Ni grunge, ni alternativo, ni etiquetas superfluas. Esto es rock clásico de toda la vida, ejecutado con toneladas de clase y puesto al día. Sería tan cierto afirmar que el álbum puede llegar a hacerse un pelín largo como decir que cuesta encontrar una sola canción mala entre las 13 que contiene. Cuando apuestan por meter la directa con ‘My Luck Pushed Back’, ‘Somebody Else’ y ‘Hard To Look Away’, en la que

pueden llegar a recordar a Rival Sons, Angell está en su salsa tirando de hard blues mientras Duff le cubre muy bien las espaldas. ‘This Is How It Ends’ daría para una buena película gracias a sus historia de delincuentes narrada con fidelidad cinematográfica. Tampoco fallan a la hora de bordar momentos más sombríos como esa ‘Don’t Owe Me Nothin’’ que parece sacada del magistral Above de Mad Season y la final ‘Right In Front Of Me’ con su tono crepuscular. Tienen muchas cicatrices en su currículum, pero estos perros viejos todavía se saben unos cuantos buenos trucos.

JORDI MEYA

GONZALO PUEBLA

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BALMOG Vacuum

(VARIOS SELLOS) BLACK METAL

a respuesta al rotundo Svmma Fide es más violencia, más oscuridad, mayor búsqueda en los confines del conocimiento humano, exuberante exploración de todas las posibilidades de su arsenal musical. Con ese minuto de intro y ‘Eating The Descendant’, Balmog te anuncian literalmente que vas a ser engullido por un pandemonio que poco a poco adquiere matices, dejando bien claro que están al nivel de los grandes nombres del black actual. ‘Hodegetria’ ya pone el listón por las nubes. Su personalidad queda totalmente plasmada

mientras explotan muchas otras facultades. Cabe decir que, esta vez, Balc y su voz han ido más lejos que nunca, ofreciendo un generoso repertorio que no hace sino acentuar el componente ocultista del trío. Y es que éste es uno de los grandes logros de los gallegos: a ellos te los crees, sobre todo encima de un escenario. Sabes que lo suyo es bastante más que la simple adscripción a un estilo metálico, es una consagración en cuerpo y alma. Grabado en Moontower Studios bajo la batuta de su hombre de confianza, Javi Félez, y masterizado en Suecia, en un templo como Necromorbus Studio, ‘Vigil Of The Blinds’ o la espectacular ‘Come To The Pulpit’ brillan entre la penumbra, preparándote para que la imponente ‘Gignesthai’ y la sorprendente épica de la perfecta ‘…Sed Semper Vivit Occisus’ rematen otro opus al alcance de muy pocos. Si tras su anterior obra albergaba pocas dudas, Vacuum ya me ha certificado que estamos ante la mejor banda de black metal que hayamos tenido nunca. PAU NAVARRA

THE LILLINGTONS Stella Sapiente (FAT WRECK) PUNK ROCK

a sabiduría de las estrellas. Así podemos traducir el título del nuevo trabajo de los punk rockers The Lillingtons, Stella Sapiente, su estreno en la escudería Fat Wreck. Como bien sugiere el libreto y títulos como ‘Golden Dawn/ Knights Templar’ y ‘Zodiac’, las sociedades secretas, la astrología y el ocultismo centran el discurso del disco, el sexto largo para la banda liderada por el cantante y guitarrista Kody Templeman, más conocido por sus labores al frente de Teenage Bottlerocket. Esta nueva fascinación por el Más Allá y la oscuridad -aunque

sus letras nunca fueron precisamente personales o mundanas- tiñe de negro el sonido de la banda, hasta la fecha mucho más festivo y ramoniano. Así, The Lillingtons regresan diez años después de su anterior largo, The Too Late Show, con un largo marcado por unas ambientaciones misteriosas y estribillos infecciosos que recuerdan agradablemente a los Alkaline Trio de From Here To Infirmary y Good Mourning. La citada ‘Zodiac’, ‘Insect Nightmares’ y ‘K6’ son tres buenos ejemplos. En realidad, la banda liderada por Matt Skiba y Dan Adriano es sólo el referente más cercano. En piezas como ‘Night Visions’, ‘Cult Of Dagon’ y ‘The Walker’, el cuarteto bebe directamente del llamado gloom rock, una suerte de rock sombrío y melancólico parido en los 80 por bandas como The Cure, Sisters Of Mercy y Joy Division. Bien por ellos. El negro y esas guitarras con delay les sientan genial. Una prueba de que incluso dentro del punk rock también se puede evolucionar sin renunciar a tus orígenes. LUIS BENAVIDES

in haber pasado nunca de la segunda división en términos de popularidad o haber sido un grupo aupado por la crítica, Scott Hill y sus Fu Manchu llegan con Clone Of The Universe a la docena de álbumes publicados a lo largo de 24 años. ¿Quién decía que ser un pothead estaba FU MANCHU Clone Of The Universe reñido con ser productivo? Bromas aparte, lo que está (AT THE DOJO) claro es que la banda ha STONER ROCK hecho de la regularidad, en términos de fiabilidad, 70 su mayor virtud. Son tan incapaces de hacer una obra maestra, como de hacer un mal disco. Pero quizá por esa sensación, justificada, de inmovilistas, los californianos han querido ofrecer algo distinto a sus seguidores en su nuevo disco. O al menos en la mitad de él. Los primeros seis temas, lo que sería la cara A del vinilo, transitan por territorio conocido. ‘Intelligent Worship’ revienta los altavoces con un riff

A TREES WILL TELL L’Apple Du Vide (THE BRAVES) POST HARDCORE

pesar de su corta trayectoria de tan sólo tres años, The Braves Records se está empezando a ganar la reputación de ser un sello de calidad fiable dentro del underground patrio. Además de las bandas de sus fundadores (De La Cuna A La Tumba, Catorce, Tenpel, Delobos), cuentan con un catálogo de lo más interesante en el que se pueden encontrar referencias de nombres en alza como Santo Rostro, Khmer, Aathma o Oddhums, entre muchos otros. El último en sumarse al roster de la escudería andaluza es Trees Will Tell. Este quinteto procedente

vacilón y un chorro de fuzz, y ofreciendo un estribillo bastante pegadizo. ‘(I’ve Been) Hexed’, ‘Don’t Panic’ y ‘Clone Of The Universe’ siguen su misma estela, mientras que ‘Slower Than Light’ y ‘Nowhere Left To Hide’ son más para pegar una buena calada y dejarse llevar. La sorpresa llega en el séptimo tema, que ocuparía entera la cara B del vinilo. ‘Ill Mostro Atomico’ es una pieza de 19 minutos, dividida en cuatro secciones, prácticamente

instrumental, excepto por medio minuto donde Hill suelta unas cuantas frases, y que cuenta con la colaboración del gran Alex Lifeson de Rush soleando en su parte inicial. A base de un encadenamiento de riffs, Fu Manchu han firmado la pieza más épica de su carrera, alternando pasajes más alucinógenos y otros más contundentes, pero manteniendo siempre el interés. Un powertrip en toda regla.

de Barcelona con apenas unos años de vida llega a su puesta de largo con un álbum del que estoy convencido que sonará mucho en los próximos meses. Porque a pesar de transitar por caminos ya conocidos para quienes están versados en el post hardcore contemporáneo, L’Apple Du Vide es un trabajo al que pocas pegas se le pueden encontrar. El binomio de introducción que componen ‘Hierath’ y ‘Providence’ ya nos ponen sobre aviso que el contraste entre partes limpias con guitarras cristalinas y descargas en las que su cantante Joey Rego lleva

su garganta al límite van a ser la constante. Eso no impide que haya instantes más directos como ‘From The Blue’ y ‘Kintsugi (Son Of A Burning City)’, donde van al grano, como que aparezcan otro tipo de recursos como el spoken word de ‘Nevermind The Beating Heart’. Aunque es en ‘Cold Beds’ y ‘Wearing My Wounds’, donde consiguen construir piezas tan sugerentes como poderosas, cuando alcanzan su cenit. Si entre tus bandas de cabecera figuran Touché Amoré o Viva Belgrado, estás ante una de las revelaciones de la temporada.

JORDI MEYA

GONZALO PUEBLA

THERION

Beloved Antichrist (NUCLEAR BLAST) METAL SINFÓNICO

isculpe, ¿tiene tres horazas de su vida para oír la historia de nuestro señor Satanás?’. Así debería dirigirse Christofer Johnsson al oyente antes de empezar a sonar el nuevo trabajo de Therion. Cualquiera que esté familiarizado con la banda comprenderá que Beloved Antichrist resulta el proyecto más ambicioso del compositor, su “I have a dream” particular hecho realidad, aunque seamos nosotros quienes vayamos a sufrir sus efectos soporíferos. Esta historia épica, convertida en una ópera, ofrece una versión modernizada del

relato A Short Tale Of The Antichrist del filósofo ruso Vladimir Soloviov. Tres actos divididos en escenas, compuestos por más de 30 personajes a través de múltiples solistas y un coro. Sin embargo, el problema no reside en su extensa duración, sino más bien en lo descompensado que resulta el tiempo y la atención que hay que invertir en ello con lo que realmente nos aporta. Incluso analizándolo como una ópera como tal y no como un triple disco, ni siquiera se llega a distinguir las diferentes emociones de los personajes por su entonación o la música (aburrida y plana) que les acompaña. De modo que no encuentro justificación para alargar la agonía durante 46 canciones. Quizás Beloved Antichrist llegue a funcionar como una pieza íntegra nacida para llevarla a grandes teatros, con puesta en escena por todo lo alto y libreto de mano. Pero si venías buscando algún resquicio de los Therion más extremos, asume que hace mucho, mucho tiempo que pasaron a mejor vida. ALBA RODRIGO

PORTAL ION

(PROFOUND LORE) DEATH METAL EXPERIMENTAL

inco años después de Vexovoid, por fin nos llega el quinto álbum de Portal, y lo hace también en un contexto muy diferente para ellos. Gozan de más atención que nunca, aunque sigamos hablando de un combo muy underground, pero no se puede negar que su influencia en varias bandas de reciente aparición ha propiciado que muchos les descubran ahora, tres lustros después de Seepia. Los suspiros abisales de The Curator, sus disonancias, su burla de los tempos y, sobre todo, esos riffs deformados, más allá del entendimiento de los demás mortales, no

tardan en hacer acto de presencia en ‘ESP ION AGE’. Luego son ‘Husk’ y ‘Phreqs’ las que, decididamente, les complican la vida a nuestros oídos y cerebro… son las que demuestran que Portal siguen reinando en lo suyo. Por el contrario, es posible que los habituales a sus maquinaciones musicales no descubran muchos artificios nuevos en este disco, pues la secta australiana no ha añadido demasiados ingredientes más a una pócima ya de por sí hermética, virulenta y experimental. Donde habrá unanimidad es en señalar a ‘Crone’ como una canción terrorífica, a ‘Revault Of Volts’ como una continuación de ese caos acechante y en identificar a ‘Spores’ como la prueba fehaciente de que el quinteto concibe la música en un plano muy distinto al nuestro. De hecho, ya hasta el final, con ‘Phathom’ y ‘Olde Guarde’, esta obra raya a un nivel espectacular. Y es que, como su lejana Brisbane, Portal siguen en las antípodas de cualquier idea preconcebida que pudieras tener sobre el death metal. PAU NAVARRA

BROTHERS TILL WE DIE

The Thin Line Between Death And Immortality (SOBRY MUSIC) PUNK, HARDCORE, METAL

ejemos que se presenten ellos mismos: “Hola, somos Brothers Till We Die, una joven banda de metal de Madrid. Hace poco hemos sacado un nuevo disco y queríamos enviaros una copia. Esperamos que os guste. Un saludo enorme, BTWD”. Estas líneas estaban escritas a boli en un papelito dentro de la caja del CD; además, está firmado por sus cinco miembros. Ya sé que suena a vieja escuela, pero estas cosas se agradecen en un mundo tan tecnológico y deshumanizado. Tercer trabajo para un grupo ya habitual en nuestros escenarios y festivales,

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The Thin Line Between Death And Immortality, y que empieza con una intro titulada ‘Survival Or Defeat’, bastante sosegada, que despista sobre lo que escucharás a continuación: muchos minutos de agresividad, mala baba y violencia sonora. Este quinteto madrileño se postula como los putos amos del breakdown y sólo deja respirar en un tema, ‘Body.Mind.Soul’, que es un interludio entre las cafres ‘Back In The Game’ y ‘Bushido’. Aunque el nivel general del disco es bastante constante, prefiero los momentos en que aceleran los ritmos y los coros acompañan a los guturales de Felipe. En cuanto a las letras, BTWD tratan temáticas ya exploradas por otras bandas antes pero demuestran una madurez impropia de su juventud y de su todavía corta trayectoria (se juntaron en 2012). Aquí va un buen ejemplo: “Tengo que destruir todo lo que conocía y reconstruirlo desde las cenizas”. Esta música es perfecta, sobre todo para destruir. JORDIAN FO

GYOZA Gyoza

(CYDONIA/RADIX) ROCK ALTERNATIVO

os barceloneses Gyoza no tuvieron ningún problema para acabar en calzoncillos en el videoclip de ‘Yes Sir, Yes Ma’am’, el primer adelanto del presente disco. Los miembros de la banda son jóvenes, apuestos y, sobre todo, insultantemente competentes con sus instrumentos. Se pueden permitir esto, como también se pueden permitir emular a sus ídolos sin miedo a caer en una copia barata e insustancial. Ahí están temas robustos como ‘Are You Mad’, con un final frenético y atronador al mismo tiempo que parece

sacado del mismísimo Songs For The Deaf de Queens Of The Stone Age. Grabado y mezclado en Estudio Nautilus por Lluís Cots (Madee, Prats), Gyoza incluye una decena de buenas canciones de rock alternativo con múltiples referentes, siendo la banda liderada por Josh Homme una de las más evidentes en cortes como la citada ‘Are You Mad’, ‘A Song’ y, sobre todo, ‘Magma’, con unas armonías vocales y una cadencia que parecen sacadas del libro de estilo de la banda de Palm Desert. Sin embargo, la dieta musical de esta formación, con miembros enrolados en otros proyectos tan interesantes como Mourn y Coherence, va más allá del stoner rock de Homme y compañía. Así, en el estribillo de la aguerrida pero accesible ‘Glue’, por ejemplo, aparece la alargada sombra de Foo Fighters, mientras ‘Walking Alone’ pone el punto y final al disco con un interesante punteo de guitarra deudor de Radiohead y una estrofa grandilocuente digna de los primeros Muse. Sin duda, un muy meritorio debut que, además, saben defender en directo. LUIS BENAVIDES

RIVERS OF NIHIL Where Owls Know My Name (METAL BLADE) TECHNICAL DEATH METAL

lvida casi todo lo que sabías sobre los americanos, libera tu mente. Quítate todos los prejuicios que puedas tener sobre cómo debía ser este otoño en su progresión musical lógica y, entonces, y sólo entonces, dale al play. Eso es más o menos lo que debería poner en la pegatina que acompañe este trabajo. Quizá no sea la mejor estrategia de márketing, pero os aseguro que es un aviso necesario para esta tercera obra conceptual de Rivers Of Nihil. Mi experiencia ha sido ésa, pues he necesitado darle varias vueltas para entender qué es lo que estoy escuchando, qué intención

tiene y, sobre todo, cuál es su propuesta. ¿Quieren ser una banda con un groove adictivo como Gojira? ¿Quieren ser un grupo de deathcore desgarrador a lo Carnifex? ¿El progresivo setentero es una opción, como lo es para Enslaved? ¿Queremos el preset de baterías de Fallujah? Me surgieron muchísimas preguntas durante las tres primeras vueltas y después de asentarlo todo, en una quinta, me di cuenta de que lo habían conseguido: no son un corta-pega. Han sacado una personalidad propia dentro de un estilo donde las líneas son muy resbaladizas, los arcenes muy pequeños, y donde puedes caer rápido por el precipicio de las copias sobreproducidas o en el olvido de lo mundano. Y si bien el álbum tiene sus aciertos (introducción de instrumentos ajenos al metal ortodoxo con muy buen gusto) y sus errores (esa batería sobreproducida, mecánica y algo irreal), es un disco que aporta muchísimo al género, algunos cortes exquisitos y con un concepto muy elaborado. Tras el choque inicial, han conseguido llevarme a su terreno y conquistarme. ABEL VALDELVIRA

SAXON

Thunderbolt (SILVER LINING MUSIC) HEAVY METAL

oder con Saxon. Cuando mi colega Jordi Sociats me comentó que ya tenían nuevo álbum, no me lo podía creer. ¿¡En serio hace tres años del notable Battering Ram!? Madre mía, cómo pasa el tiempo… Menos para Biff Byford y compañía, claro, pues para ellos parece que se haya parado el reloj y que su heavy metal se conserve en formol. En Thunderbolt siguen en plena forma y nos dan exactamente aquello por lo que les amamos, o incluso más… Que no te extrañe fliparlo con la destreza que aún conservan en ‘The Secret Of Flight’, la brillante ‘Sons Of Odin’ o ‘They Played Rock

And Roll’, el sensacional homenaje que le dedican a su gira con Motörhead en el 79. Otro detallazo se lo marcan en esa ‘Roadies’ Song’ para todos aquellos que hacen posible que la banda nos encandile noche tras noche encima de los escenarios. ‘A Wizard’s Tale’ también está muy bien, esa combinación de estribillo con punteado épico hará las delicias de sus fans. Además, los elementos orquestales oscurillos y esas voces maléficas tan suyas en ‘Nosferatu (The Vampires Waltz)’ o ‘Predator’ me han encantado al recordarme álbumes como Unleash The Beast o Metalhead, obras con mucho por ofrecer aunque algo olvidadas al haber salido en los 90. Igual fue un tiempo muy duro para el metal clásico, pero musicalmente, durante esa década los ingleses siguieron aguantando el tipo. Nuevo plástico, nueva gira, nueva oportunidad para degustar todos sus clásicos además de las mejores piezas de Thunderbolt. Igual ya están en plan nostálgico, pero en realidad la vida sigue igual para Saxon, y eso sólo puede ser positivo para el heavy. PAU NAVARRA

TALCO

And The Winner Isn’t (PUNKCHANKA) PUNK FOLK

alco han conseguido mediante sus festivos conciertos hacerse un hueco importante en nuestro país. Hay quien se acerca hacia ellos desde el punk, otros desde el ska, otros desde el mestizaje, otros desde posiciones políticas antifascistas, pero al final todos acaban bailando juntos. Y por lo escuchado en su séptimo álbum And The Winner Isn’t seguirán haciéndolo durante mucho tiempo. La banda italiana no desfallece a la hora de seguir creando himnos bailables a la par que reivindicativos. Si bien el disco empieza con las estrofas acústicas de ‘Al Parto

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Sfigurato Della Superiorità’, con ese banjo suyo tan característico, bien pronto entran los vientos y esos ritmos más ska para animar el cotarro. El siguiente corte ‘Onda Immobile’ sube las revoluciones, con un riff más punk rock y unos coros que se te clavan en la cabeza. Si algo se va notando a medida que avanza el disco es que la banda ha subido el nivel de las guitarras, dejando aflorar ese lado más punk californiano que quizá antes quedaba matizado por influencias más europeas. Es posible que haber contado con Jason Livermore, el socio de Bill Stevenson en The Blasting Room, para las mezclas y el mastering haya sido definitivo para conseguir ese efecto. La sucesión de temas pegadizos ‘Señor Hood’, ‘Bomaye’, ‘Lunga La Macabra Stanza’ es imparable, y les asegura tener munición de sobras para su próxima gira. El interludio instrumental ‘And The Winner Isn’t’ con acordeón incluida, da paso a ‘La Verità’, uno de los temas más logrados de un trabajo con un marcado tono crítico. MARC LÓPEZ

GOLPE RADIKAL Sombras

(ROCK ESTATAL) HARDCORE, METAL

ada vez que arde un bosque en Galicia debería surgir un grupo de hardcore para denunciarlo. Parece que fue así en el caso de Golpe Radikal, o al menos a mí me gusta creerlo después de escuchar ‘Cinzas’, la tercera canción de Sombras. Es el único tema cantado en gallego y desde aquí animo a utilizarlo más a menudo; sí, me considero un defensor de las lenguas minoritarias y, cuanta más música escucho en mi vida, más reivindico la novedad y diversidad que ello representa. Golpe Radikal se formaron en el año 2011 en un pequeño pueblo de

A Coruña llamado A Pobra do Caramiñal y este disco supone el segundo LP de su carrera después de editar El Sello Del Diablo. La mejora experimentada por la banda entre ambas obras se nota desde la primera composición de este CD, que es la que da título genérico al álbum. Con un sonido agresivo y contundente que los emparenta rápidamente con combos del calibre de Habeas Corpus, Narco, Hamlet o KOP, su rasgo más diferencial es que son un sexteto y que cuentan con dos cantantes. Así, los dos registros vocales (el grave me recuerda al de Vikingo de Narco) van alternándose a lo largo de las canciones creando un efecto muy potente en cortes como ‘Nunca Rendirse’, ‘Filósofos Del S.XXI’ o ‘Abre Los ojos’. Los más metaleros del lugar agradecerán los solos que meten de vez en cuando los guitarristas de Golpe Radikal; personalmente, y para ser justo, debo confesar que la mayoría de solos suman en vez de restar. Ojalá que grupos como éste logren que quien los escuche, mueva el culo. JORDIAN FO

RUTA 57 1995

(LENGUA ARMADA) ROCK

on 18 años los que lleva ya nuestro buen colega Nano Ruiz apoyando a muchos soñadores a través de su sello Lengua Armada, principalmente bandas jóvenes que luchan por abrirse camino en el negocio. La penúltima de ellas es Ruta 57. Esta formación procedente de Alcalá de Henares lleva operando desde 2011 con una marcada base de rock alternativo y funk que hace que se les emparente rápidamente con clásicos de los 90 como pudieran ser Red Hot Chili Peppers o Living Colour. Tras dejar un par de EP’s a sus

espaldas, a finales de 2017 es cuando hacen su puesta de largo con 1995, un debut bien acabado y que deja muestras de su versatilidad. Su single de presentación, ‘Almas’, ya avisa de su sonido directo y guerrero sin descuidar las melodías y una técnica instrumental a prueba de bombas. ‘1995’ y ‘Suéltalo’ añaden más gasolina al motor mediante esas referencias noventeras que antes comentaba. Sus letras oscilan entre el día a día en la carretera, como es ‘La Ciudad’ (que cuenta con un interesante desarrollo final que no terminan de atreverse a llevar más lejos), o historias de delincuentes y atracadores, caso de la cinematográfica ‘El Gran Golpe’, donde cuelan algunos fraseos rapeados. Su lado más sensible sale a relucir en ‘La Historia Del Mundo’, una balada muy cuidada que no renuncia a un incluir un puente de lo más potente. Cierra el álbum una ‘Fuego’ donde se dejan llevar por un estilo más libre y relajado con buenos resultados. En general, un primer esfuerzo con ideas bien asentadas sobre las que caminar y evolucionar. GONZALO PUEBLA

NO END IN SIGHT Faded Memories (MORNING WOOD) PUNK ROCK

i echamos un vistazo a las listas de mejores discos del 2017 uno de los fijos en la mayoría de ellas ha sido Victory Lap de Propagandhi, una banda que debutó en 1993 con un álbum titulado How To Clean Everything. Ese LP parece haber sido fundamental para la creación musical de No End In Sight, un trío también canadiense que ha convertido el How To Clean Everything en un manual de estilo en Faded Memories. A pesar de tratarse de su tercer disco largo (tras Invasion y Happy Never

After, y primero bajo el sello Morning Wood) los de Quebec parece que incluso plagien los solos de guitarra que meten en la mayoría de canciones. No es el único homenaje que intuyo: en la intro de ‘Middle Class Drunk’ se oye la mítica frase de Harry El Sucio ‘Go Ahead, Make My Day’, unas palabras que también utilizó Dexter Holland, cantante de Offspring, para titular el primer recopilatorio de su discográfica Nitro Records. Más cositas originales: en los títulos de dos canciones han recurrido al término punk rock. Una de ellas es ‘Punk Rock Romance’ y la otra es la pretenciosa ‘It’s My Fault That Punk Rock Is Gonna Die’ (en la letra de la cual nombran, entre otros, a Fat Mike, Fletcher, Green Day, Descendents y Greg Graffin). Lo que sí resulta curioso es que Nick Prince, el cantante de No End In Sight, aparezca en los créditos del disco como guitarrista y batería; no tengo ni idea de cómo se lo montará en directo para tocar los dos instrumentos a la vez. JORDIAN FO

BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB

Wrong Creatures (PIAS) ROCK

engo la sensación de que Black Rebel Motorcycle Club es un grupo que gusta a mucha gente, pero que realmente no tiene fans que se desvivan por ellos. ¿Vosotros conocéis a alguno? Quizá tenga que ver con su actitud pasota, de ir a la suya, sin esforzarse en caer simpáticos. Desde que saltaran a la fama con el hit ‘Whatever Happened To My Rock’N’Roll? en 2001 han ido sacando discos sin que nadie volviera a prestarles verdadera atención. Fue como si, por una simple asociación temporal, la debacle de The Strokes les

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hubiera arrastrado también a ellos. Y es una pena, porque como prueba este octavo trabajo, todavía son capaces de ofrecer cosas interesantes. Al contrario que Kings Of Leon, el trío no pierde el culo por encabezar festivales o sonar en la radio, haciendo honor a la actitud rebelde de su nombre. Wrong Creatures nos invita a dar un paseo por el lado oscuro, pero por el camino deja algunas luciérnagas para iluminarnos como esa preciosa ‘Echo’. Más cinemáticos que nunca -casi todos los temas podrían sonar en Westworld o Peaky Blinders -, Peter Hayes y sus compañeros sacan partido a líneas de guitarra que se pierden en el horizonte de un paisaje de western (‘Ninth Configuration’) y consiguen un ambiente inquietante (‘Question Of Faith’). Se nota que la banda ha encontrado en estos pasajes más misteriosos su zona de confort, pero, al mismo tiempo, cuando tiene que rockear un poco más, todavía les sale con naturalidad (‘King Of Bones’, ‘Little Things Gone Wild’). A reivindicar. MARC LÓPEZ

7 YEARS Lifetime

(MORNING WOOD) PUNK ROCK

esde que el sello Burning Heart Records ha ido perdiendo fuelle a la hora de publicar el punk rock melódico que se factura en Europa parece que la discográfica Morning Wood está decidida a tomar su relevo. Lifetime es una de sus últimas referencias y en ella encontramos a una banda que bebe tanto de las fuentes californianas (RKL, No Use For A Name, Blink-182 en ‘For Better Or For Worse’, Good Riddance en ‘Here And Now’) como de las suecas (No Fun At All, Satanic Surfers). En su cuarto LP, estos italianos

de Livorno han conseguido un sonido difícilmente mejorable en el que se distingue cada uno de los instrumentos a lo largo de las 13 composiciones que incluye el disco; además las letras están más que bien, sobre todo esa carta de amor de un padre a su hijo titulada ‘Punk Rock Daddy’. Vale, me sobran varios solos de guitarra, pero lo compensan con creces las colaboraciones externas al grupo: Hans Roofthooft de F.O.D. en ese himno particular que es ‘DIY Or DIE’ y Joey Cape de Lagwagon en ‘Never Down’ (como no podía ser de otra manera, dos de las mejores canciones del álbum). Pero 7 Years también quiere ofrecer detalles que se salgan del guión establecido por el punk rock melódico: el inicio poco común de ‘Coma’, la tranquila ‘Everything Is Nothing’ o las notas de piano que suenan en ‘For Better Or For Worse’. Un último dato: este cuarteto formado en el 2001 ha teloneado hace poco a Satanic Surfers en su ciudad natal, Livorno. Seguro que lo pasaron de miedo. JORDIAN FO

GOSPELBEACH

Another Summer Of Love (ALIVE NATURAL SOUND) ROCK

ospelbeach nos dejaron extasiados con su debut Pacific Surf Line de 2015 donde se daban una vuelta por las playas californianas de finales de los sesenta homenajeando de paso a nombres tan sagrados como The Byrds o Gram Parsons. Ahora con su esperado regreso no han querido repetirse y sin salirse de su tono jovial y luminoso han evolucionado, y con ello también ha llegado una notable mejoría. Su líder Brent Rademaker (recordemos ex miembro de los inmerecidamente olvidados Beachwood

Sparks) parece que ha querido alejarse un tanto del country rock y del pop más optimista para decantarse por un rock de corte más clásico sin olvidarse de esas melodías que tan bien sabe componer. Se ha hablado de Eagles, Steely Dan e incluso del ya añorado Tom Petty y no van los tiros equivocados. Escucha ‘In The Desert’ por ejemplo, si como yo amáis aquellos discos que Jeff Lynne produjo para el genio de Florida desaparecido recientemente, es imposible que no caigáis rendidos a un tema tan perfecto. ‘California Fantasy’ es otra maravilla de guitarras robustas y bellísimas armonías vocales, de hecho no faltan los temas enérgicos donde los potentes acordes se funden con esas melodías de otro mundo, ‘Hangin´On’ o la rítmica ‘Runnin´Blind’ por ejemplo siguen ese camino. El gran Neil Casal esta vez no participa en la grabación, pero no se le echa en falta. Tanto Rademaker como Trevor Beld Jimenez se bastan y se sobran para facturar uno de esos discos que te levantan el ánimo casi sin querer. ANDRÉS MARTÍNEZ

DIRECT HIT! Domesplitter (FAT WRECK) PUNK ROCK

e tenido que recurrir a esa inmensa hemeroteca que es Internet para discernir las particularidades de este disco. Intentaré explicarlo brevemente para aquellos que no hayan seguido de cerca la trayectoria de Direct Hit!: en el período 2008-2010 esta banda de Milwaukee lanzó cinco EPs y en el año 2011 sus miembros decidieron recopilar esas diez canciones en un único álbum al que titularon Domesplitter. Más tarde, en 2016 Fat Mike los ficha para su sello y les publica el LP Wasted

Mind; para aprovechar la coyuntura, Fat Wreck ha reeditado hace poco el disco compilatorio que vio la luz en 2011 y aquí estamos. Comentado esto, queda claro que vamos a hablar de unos temas que hace casi una década que se compusieron y que, tal vez, no reflejen la música que factura actualmente Direct Hit!; en efecto, si ahora la mayoría de fuentes califican su sonido de pop punk, por lo que se escucha en este CD queda claro que sus inicios fueron auténticamente punks. La punkarrada incluida en Domesplitter es tal que lo voy a colocar junto a mis discos de US Bombs, Pears (con quienes han publicado un LP compartido cuya reseña también podéis leer en este número) y Snuff (por ese teclado que se escucha de fondo en la mayoría de canciones). Los diez temas son de notable alto pero ‘Living Dead’ tiene el estribillo más fácil de recordar y los dos últimos (‘In Orbit’ y ‘They Came For Me’) parecen cantados en coro, con lo que ganan en su atribución de himnos. JORDIAN FO

TENPEL SUMMONING

LA BOCA DE SAURON VITAL MOMENTO TRAS 25 AÑOS DE CARRERA, SUMMONING SIGUEN HOMENAJEANDO A LA TIERRA MEDIA Y TODO LO QUE SE DERIVA DE ELLA A TRAVÉS DE SU PARTICULARÍSIMO BLACK METAL. SI CREES QUE BLIND GUARDIAN SON LAS MÁXIMAS AUTORIDADES MUSICALES EN CUANTO AL UNIVERSO LITERARIO DE TOLKIEN SE REFIERE, ES QUE AÚN NO CONOCES AL DÚO AUSTRÍACO. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

UÉ HARÍAMOS SIN ESOS VERANEOS QUE NOS ABREN

los ojos musicalmente hablando. Todos hemos tenido un tío, un hermano o un colega más avispado que, durante uno de esos largos periodos estivales, nos ha abierto la caja de Pandora para, decididamente, ir un paso más allá en el metal. En el caso de mi familia hubo varias figuras capitales, pero yo personalmente os quiero hablar de Ivan, un pájaro de mucho cuidado que a mediados,

finales de los 90, en Lloret de Mar, nos empezó a bombardear con cintas de Cradle Of Filth, Ancient o insuperables burradas como Panzer Division Marduk. Ese jefe ya estaba realmente metido en el black metal, pero lo que recordaré siempre es cuando nos enchufó a Summoning. Por aquel entonces los de Viena sólo tenían en la calle Lugburz, Minas Morgul, Dol Guldur a lo sumo, y cuando no entiendes algo, cuando aún no estás capacitado para comprenderlo, la reacción más normal

de tu no tan desarrollado cerebro de homo sapiens es ridiculizar, reírte de ello por pura ignorancia. Claro, estamos hablando de una banda particular dentro de las bandas particulares, capaz de cantar en la lengua negra de Mordor, de un combo para el que incluso hubo que inventar una etiqueta para intentar identificarlo con algo, epic black metal, que viene a ser una especie de black atmosférico que, en vez de baterías, tiene midtempos de percusiones marciales, y donde teclados y elementos sinfóni-

cos tienen muchísimo más peso que las guitarras. Todo esto, unido a unas producciones absolutamente raws, se antoja ininteligible para alguien que todavía esté inmerso en Testament, Pantera, Metallica, Iron Maiden, Deicide, para un jovenzuelo acostumbrado a sonidos con cara y ojos de la factoría Terry Date o del mítico Scott Burns, por no hablar de cómo estaba golpeando ya el power metal en mi sesera. Con el transcurso de los años, mi veneración hacia Summoning no ha 91

mundo real? SILENIUS “Bueno, el año pasado

“LAS CANCIONES DE SUMMONING SIEMPRE SE HAN PRESENTADO COMO IMÁGENES MUSICALES DEL UNIVERSO DE LA TIERRA MEDIA. SIN ALEGORÍAS NI PARÁBOLAS, SIN DISTINTAS INTERPRETACIONES”

SILENIUS parado de aumentar hasta el punto de convertirse en una de mis formaciones favoritas de todos los tiempos. No son fáciles de cazar. De hecho, nunca han realizado ni un concierto, pero la aparición de su fantástico nuevo álbum, With Doom We Come (Napalm Records), ha propiciado que Protector (voz, guitarra, teclados, programming) y Silenius (voz, teclados, bajo) por fin aparezcan en nuestras páginas con todos los honores. Y con una sinceridad abrumadora por su parte, todo hay que decirlo, pues parece que no haya nada normal en 92

me compré algunos nuevos libros de Tolkien en inglés que en parte no conocía, o que fueron publicados recientemente por Christopher Tolkien (hijo del genial escritor y principal editor de las obras póstumas de su padre –ndr.): The Lay Of Aotrou & Itroun, The Fall Of Arthur, Beren And Luthien, y The Story Of Kullervo. Además, busqué diferentes escritos y poemas que podía usar y tejer con el concepto de la Tierra Media. Al final usamos una mezcla de ambos: poemas de Tolkien y otros escritos. Ves que la inspiración sigue presente y que la llama está ardiendo. Las canciones de Summoning siempre se han presentado como imágenes musicales del universo de la Tierra Media, como una forma del escapismo más puro. Sin alegorías ni parábolas, sin distintas interpretaciones”. A través de estas obras, ¿has aprendido lecciones que sirvan para la vida real?

esta banda… Sobra comentar que, tras varias revelaciones francamente sorprendentes acerca del dúo, esta entrevista concluyó con una enjabonada antológica por mi parte, un tremendo agasajo que no hace falta reproducir aquí. Culto es poco hacia los herederos de Elendil.

“No porque no están destinadas a ser usadas de esa forma, y por cierto, todavía no he leído todos los libros mencionados. Lamentablemente, la mitad de ellos no se tradujeron al alemán, por lo que todo precisa de su tiempo”. Vuestra propuesta musical apareció muy clara desde el principio, y eso no es demasia-

Tras un cuarto de siglo en la

do común… ¿Cómo recuerdas

brecha, ¿qué es lo que os da el

los pasos iniciales de la banda

universo creado por J.R.R. Tol-

y cómo decidisteis practicar un

kien para seguir creando can-

estilo tan singular dentro del

ciones sobre él? ¿Es una especie

black metal?

de vía de escape del mierdoso

“Cuando empezamos no había esce-

na black metal en Austria. Estaba la escena noruega y tal vez dos o tres puñados de bandas más en el resto de Europa, y por supuesto no había internet para obtener información. Todo estaba alzándose y tuvimos la suerte de ser parte de ello. En ese tiempo no era sólo música, era un ambiente muy vivo y una especie de revuelta juvenil. Con Lugburz y las demos anteriores, simplemente copiamos a nuestros ídolos noruegos de esa época, pero con Minas Morgul construimos y creamos nuestra propia identidad sonora y musical. No fue un plan maestro, sino que ocurrió como consecuencia de algunos acontecimientos de ese momento. Primero echamos a nuestro batería Trifixion, y luego decidimos no buscar a uno nuevo, sino trabajar con sonidos de batería de teclado. Y a diferencia de las baterías rápidas y febriles de Trifixion, ahora todo se volvió lento. En segundo lugar, ya nunca más compusimos nuestras canciones para guitarra y bajo, sino sólo para teclado. Entonces, la música se volvió épica. Y tercero, queríamos distinguirnos del concepto satánico de Abigor, de quienes era el vocalista en ese momento, así que se formó ese lado oscuro con el concepto de Tolkien”.

comercializó y las bandas desarrollaron sus sonidos hacia muchas distintas direcciones, a nuestro sello se le ocurrió esta cosa del ‘epic black metal’. Creo que está bien, incluso cuando ya no nos consideramos a nosotros mismos black metal simplemente por esa falta de contenido satánico. Todavía usamos elementos de ese estilo de música y lo combinamos con diferentes influencias, principalmente con estilos no metálicos. No nos consideramos músicos, sino compositores, y por tanto no componemos como músicos de rock, sino mucho más en la línea de un compositor cinematográfico. Y sí, me dieron clases de piano cuando era un niño durante algunos años. Una tarde tuve que tocar ante una gran audiencia y olvidé por completo cómo empezaba la canción. Tal vez ésa fuera la piedra angular de mi posterior antipatía hacia los conciertos…”.

ca tocaremos en vivo. O eso fue sólo un error o algún joven empleado simplemente no sabía que no tocamos en directo (risas). La razón básica por la que no hacemos conciertos es que dejamos de ensayar cuando lanzamos Lugburz (¡En 1995! –ndr.) y Trifixion tuvo que dejar el grupo. Desde ese momento hasta ahora sólo compusimos. Grabamos los riffs o canciones e inmediatamente lo olvidamos todo tras la grabación. Durante mucho tiempo Protector ni siquiera tenía su propia guitarra, algunos discos fueron grabados con guitarras prestadas. Así que realmente no había absolutamente ninguna motivación para ensayar una presentación en vivo, e incluso si actualmente quisiéramos cambiar nuestros puntos de vista hacia ello, no tendría sentido, porque no tenemos ninguna práctica en absoluto. Cada banda de escuela sería mejor que nosotros”.

Vaya… En el primer mail que

¿Y de verdad nunca tenéis la

recibí acerca de vuestro nuevo

tentación de meter algún blast

álbum, Napalm Records escri-

beat visceral en uno de vuestros

bió “TBA” en la sección ‘Tour-

temas? (Risas).

dates’… To be announced?! ¿¡En

“En Minas Morgul hicimos algunos experimentos en esa dirección, como por ejemplo al final de ‘Marching Homewards’, pero al final consideramos que eso no encajaba con el lado épico de nuestra música, por lo que más adelante lo evitamos. Ya hay muchas otras bandas haciendo blast beats, así que no hay absolutamente ninguna necesidad de que lo hagamos nosotros”.

serio!? (Risas) Ya imaginé que se trataba de una gigantesca errata… (Risas) Hace unos años leí una entrevista con vosotros

Epic black metal, atmospheric

donde explicabais muy bien

black metal, epic atmospheric

por qué nunca habíais dado un

black metal… Creo que has de-

show en directo. Algo del 50%

finido muy bien lo que hacéis.

que se necesita de músico para

Es como un black ligero con un

subir ahí arriba, y el otro 50%

pie en la música clásica, ¿no?

de actor que evidentemente no

¿Tuviste una educación musical

tenéis. Pensé que era una re-

durante tu infancia o algo así?

flexión muy inteligente que tras-

Como explicabas antes, Sum-

“Nunca hemos dedicado ni un solo pensamiento a definir nuestra música. Al principio todo era sólo black metal. Más tarde, cuando todo se

ladar a nuestros lectores y que,

moning fuisteis pioneros del

desgraciadamente, no todas las

black en Austria, y estabais

bandas tienen presente.

muy en contacto con Abigor

“No lo sabía, pero por supuesto nun-

o Pazuzu, con quienes incluso 93

compartíais miembros… Me imagino un círculo muy pequeño de jóvenes metalheads extremos… Cuéntame más sobre esos años.

“Sí, al principio sólo éramos nosotros tres. Poco después, T.T. de Abigor me entrevistó para un fanzine local llamado Taub. Me habló de su banda y me di cuenta de que no estábamos solos. A través de él me puse en contacto con Napalm Records, que ya estaban desde muy al principio, o Lethal Records. Entré en contacto con Pazuzu y otras personas se unieron. Paso a paso se construyó una escena en Austria, qué momento tan excitante fueron esos años… Al comienzo nos ayudábamos mutuamente, pero cuando conseguimos contratos discográficos surgió una especie de rivalidad, y especialmente, cuando echamos a nuestro batería se convirtió en odio. Napalm fichó bandas contra bandas fichadas por Lethal, con un montón de ofensas verbales desde ambos lados”. Mmm… me suena mucho. Summoning nunca os habéis callado acerca del asco que os produce el NSBM, el black metal nazi. O el capitalismo salvaje o, últimamente, el auge de payasos peligrosos como Donald Trump. Tampoco es muy común encontrarse con bandas de black con conciencia social…

“En primer lugar, es Protector el único que hizo comentarios políticos en entrevistas de Summoning. Creo que es obvio que su corazón late hacia la izquierda. Políticamente, me consideraría alineado con la derecha conservadora, pero al contrario que Protector, no siento ninguna motiva94

ción por compartir con el mundo mis puntos de vista sobre la política actual. Summoning siempre se presentó como un sujeto no político, pero desde que Protector salió con eso no hay entrevista sin preguntas políticas. Creo que, mientras tanto, se está dando cuenta de que Summoning se encuentra cada vez más en un rincón al que no pertenece, por lo que, con suerte, reducirá sus declaraciones de ese tipo en un futuro. Si no, lo respetaré también, pero la gente sabrá que ésa es su opinión personal y que no es representativa de Summoning como un todo”.

“Normalmente, para Summoning es una tradición abrir con una intro instrumental de teclado, pero esta vez en lugar de eso hicimos una larga canción entera e introductoria. Además, quería usar algunas canciones más instrumentales para el álbum como hicimos en Minas Morgul o el EP Lost Tales. La idea detrás de eso es que Summoning tiene un lado metálico pero también un lado ambiental, similar a Burzum, por ejemplo. Originalmente ‘Silvertine’ debería de haber sido una continuación lírica de ‘Tar-Calion’, pero las supuestas letras no encajaban, así que cambié el concepto”.

OK… Yendo ya hacia el nuevo disco, creo que os habéis centra-

‘Herumor’ es seguramente uno

do más que nunca en presentar

de los temas que mejor explora

teclados luminosos y profundos,

la riqueza de voces de este ál-

y especialmente, coros grandio-

bum. De nuevo, esos coros po-

sos. ¿Estoy en lo cierto?

derosos emocionan.

“Básicamente, veo a nuestro nuevo álbum como a una continuación o un hermano pequeño de Old Mornings Dawn, simplemente porque fue construido alrededor de riffs y canciones inacabadas de esa sesión. Quizá tenga un toque más melancólico esta vez, y algunas personas opinan que es menos épico. Pienso que es porque en esta ocasión pusimos todas las melodías de teclado al mismo nivel sin melodía principal destacándose. Tenemos coros, pero sólo en pequeñas dosis, y si escuchas atentamente, puedes escuchar una voz femenina integrada en ese coro”.

“Cuando empezamos las grabaciones de voces para el nuevo disco, tuve algunos problemas para encontrar otra vez mi estilo para Summoning. Tienes que saber que en estos años anteriores hice de vocalista para el álbum Leytmotif Luzifer de Abigor y el CD split que le siguió. Mi estilo vocal suena totalmente diferente allí y, de alguna manera, tuve problemas para encontrar el camino de regreso al estilo de Summoning. Al final lo encontré de nuevo, pero todavía se pueden escuchar influencias de Abigor, como por ejemplo, en la parte de en medio de ‘Mirklands’. Y sobre todo, que mi voz es más profunda esta vez”.

‘Tar-Calion’ y ‘Silvertine’ son dos grandes piezas para abrir… A mí me parece que Summoning

Ya que mencionas a

sois cada vez más y más épicos,

‘Mirklands’, ella y especialmen-

aunque la esencia permanezca

te ‘With Doom I Come’ me pare-

intacta.

cen obras cumbres. No encuen-

tro las palabras para expresar cómo me conmueven… Cuando las estabais creando, ¿no miraste de pronto a tu compañero y pronunciaste, excitado, ‘¡Lo tenemos!’?

“No exactamente, al contrario. Al principio tenía miedo de que la canción del título sonara demasiado romanticona y cursi, pero con el estilo vocal de Protector, los coros épicos al final y las letras adoradoras de Morgoth, encontramos el equilibrio correcto. ‘Mirklands’ se construyó alrededor del riff de piano inicial, que tiene un potente aire a lo Burzum. Siempre imaginé algo frío y helado al escuchar esa melodía. Es quizás la canción más oscura y melancólica del álbum. Algunas personas dicen que encajaría perfectamente en Dol Guldur”. 25 años en una misma banda es mucho tiempo… ¿Cómo es vues-

“TUVIMOS MUCHAS PELEAS, ESPECIALMENTE ESTA VEZ, QUE LA BANDA CASI SE SEPARA. SOMOS COMO UNA PAREJA DE ANCIANOS: EL AMOR SE FUE, PERO TODAVÍA HAY RESPETO”

SILENIUS

tra relación? Supongo que sois más que dos simples miembros de una formación, aunque ya

los tiempos que corren…

cos de Ice Ages o una hipotéti-

me hayas expresado algunas

“Sí, y al final nuestro trabajo musical puede verse como una unidad fuerte, no sólo lírica, sino también óptica. Conozco a Markus (Riedler) y Karl desde hace tanto tiempo, que ya no habrá ningún cambio. Somos los últimos dinosaurios en un sello que actualmente, por supuesto, no tiene nada que ver con la discográfica de cuando empezamos”.

ca reunión de Die Verbannten

desavenencias…

“No es fácil, por supuesto. Tuvimos muchas peleas, especialmente esta vez, que la banda casi se separa. Somos como una pareja de ancianos: el amor se fue, pero todavía hay respeto. No buscamos la proximidad entre nosotros, pero sabemos que somos responsables de nuestro bebé, y ése es Summoning”.

Si precisáis de cinco o siete años Yo sigo viendo una buena histo-

para entregar nuevo material

ria sobre la lealtad, esa lealtad

de Summoning, puedo dedu-

que ha permitido que siempre

cir que, hoy en día, os resulta

hayáis publicado vuestras obras

extremadamente complicado

con Napalm Records. Con ellos

componer o centraros en otros

desde el principio hasta hoy.

proyectos musicales, pero…

Estamos ante otra anomalía en

¿Podemos esperar nuevos dis-

Kinder Evas en un futuro más o menos cercano?

“Pues sí, ahora mismo Protector está trabajando en nuevo material de Ice Ages. No está claro si habrá una versión física o sólo una descarga y streaming. Dvke está muerto y enterrado. Hice las voces para el nuevo disco de Abigor, Höllenzwang (Chronicles Of Perdition), que se lanzó estos días, y algunas más para una nueva canción de Amestigon que será parte de un split LP en un futuro cercano”.

KOP

DESDE LAS CALLES

CON REVOLTA , KOP PONEN BANDA SONORA AL MOMENTO DE REIVINDICACIÓN Y PROTESTA QUE ESTAMOS VIVIENDO. UN TRABAJO CON SEIS CANCIONES, Y OTRAS TANTAS COLABORACIONES, PARA COMBATIR A LOS QUE LES GUSTARÍA IMPONER EL SILENCIO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: CARLA UYN

UN AÑO DE CUMPLIRSE EL 20 ANIVERSARIO DE L A EDICIÓN

de su primer disco, Internacionalista, KOP no dan muestras de querer vivir de rentas. En Revolta (Rock De Kasba), su nuevo mini LP, la banda barcelonesa suena más vital que nunca. La intensidad política y social vivida en los últimos meses en Catalunya en la que el pálpito de la calle ha sido más real que nunca en la historia reciente, proporcionaron a Juanra, su vocalista y único miembro original, combustible de sobras para encenderle la chispa creativa. Además, el fichaje de Santi Garcia como productor ha aportado un toque de naturalidad y crudeza a su rock metalizado. Con las secuelas de un catarro todavía pasándole factura, el cantante nos hizo una visita a la redacción para darnos su propia visión de este nuevo capítulo de su banda.

concisos. Después de una mirada retrospectiva nos apetecía este concepto de mini LP y en formato vinilo. Es lo que visualizaba. La portada también está pensada para el vinilo, aunque también saldrá en CD porque es lo que se demanda. Pero por eso pensamos en Roc Black Block, que es un artista en el estilo grafitero urbano de protesta. También nos cogió esta época política y de ahí salió el título Revolta que lo ligaba con el contexto actual”. De todos modos, ¿teníais más canciones?

“Teníamos once canciones, nueve con letra. Nos pusimos a discutir porque unos miembros querían sacar más temas, pero para mí el sentido redondo del disco eran estos seis temas. Incluso discutimos si meter un séptimo tema, pero no había consenso porque unos querían un tema y el resto, otro. Así que nos quedamos con los seis en los que estábamos de acuerdo todos”.

¿Sacar un mini álbum de seis te-

Como has dicho, estuvisteis

mas se debe a que no tenías más

un tiempo parados. ¿Ahora el

material o tiempo, o realmente

funcionamiento del grupo ya

era como lo teníais concebido?

es normal? ¿Ensayáis todas las

JUANRA “La verdad es que, como

semanas, por ejemplo, o es más

veníamos de Radikal, que era un doble CD con 17 temas, porque habían pasado cinco años desde Acció Directa y teníamos la necesidad de explicar todo lo vivido en ese periodo de tiempo, esta vez queríamos ser mucho más

a rachas?

“Ahora la actividad es desbordante. Es verdad, que, en 2014, 2015, con los cambios de formación, hubo más parón, sobre todo a nivel creativo, pero ahora hay una formación estable

y hemos coincidido en un nivel creativo muy alto. No paramos. Ensayamos dos veces por semana, estamos preparando nuevo repertorio y ya estamos trabajando en nuevas ideas para 2019, no sólo de canciones, sino que estamos preparando una sorpresa que todavía no puedo desvelar (risas)”. Habéis grabado con Santi Garcia por primera vez. ¿Cómo fue la experiencia?

“Yo hacía tiempo que le tenía en el punto de mira, en el sentido positivo. Santi tiene una cantidad de registros impresionante y viene de una escuela que siempre me ha llamado la atención. Todo el punk y el hardcore melódico de Sant Feliu de Guíxols y El Maresme ha pasado por sus manos. Es un tío autodidacta, de mi quinta, nos conocemos mutuamente. Ahora es un gurú del sonido indie y todo el mundo peregrina a su estudio, pero yo le conozco de antes. Nosotros hasta ahora habíamos buscando un sonido muy contundente, más metal, y él es la frescura absoluta. Quedamos para hablar antes con él para que ver cuál era su metodología, y nos dijo que nos había visto en directo y que quería ese sonido, usando nuestro propio material. Tiene claro el sonido y las herramientas para conseguirlo. Ha sido una experiencia increíble y vamos a repetir seguro. Su único hándicap es que tiene la agenda súper llena... Segura97

“LA LEY MORDAZA ES UN ESCÁNDALO Y LA GENTE QUE LA ESTÁ VIVIENDO CON 14 AÑOS ACABARÁ FORMANDO GRUPOS QUE VAYAN EN CONTRA DE ESO. CADA MOMENTO TIENE SU REFLEJO EN LA MÚSICA” JUANRA

mente hasta mayo de 2019 no podrá hacernos un hueco”. Creo que ha conseguido un equilibrio muy bueno entre vuestra base más metalera y el toque más punk del directo.

“Sí, es esa frescura. Santi saca la misma contundencia sin necesidad de doblar guitarras, por ejemplo. Ha sido una manera muy tranquila de trabajar. Creo que su truco es la naturalidad con la que trabaja y la espontaneidad que saca de ti”.

en este contexto político, pero es que a KOP siempre nos ha influenciado eso. Normalmente tenemos mucha mala hostia, y sigue existiendo en Revolta, pero a la vez, está modulada por el positivismo del momento. Obviamente luego llegó octubre y una época de represión muy cruda, golpeando unas libertades que creíamos conquistadas, y nos ha devuelto a una época de protesta que creíamos superada. Pero todo ese crescendo del verano, con la voz del pueblo pidiendo ser escuchada, influyó mucho al disco”.

¿Cómo os influyó la situación política catalana? ¿Teníais la necesi-

¿Y ahora tocará volver a la mala

dad de hacer oír vuestra voz?

hostia pura y dura?

“En verano de 2017 fue cuando empezamos a sacar los temas definitivos del disco. Estábamos inmersos

“La mala hostia nunca se fue, lo que pensábamos que había unas líneas rojas que no se cruzarían y

que no se llegaría a esta regresión de derechos”. Pero vosotros ya habíais sido víctimas de esta represión... ¿Realmente pensabas que no volverían los palos?

“Creo que se han quitado la careta de manera muy desacomplejada. No sólo han aplicado el artículo 155, sino que quieren arrasar con todo. Amenazan con entrar en las escuelas y entrarán en TV3 y la arrasarán. Tienen el poder y van con toda la chulería de los hidalgos de la meseta española. Nosotros sabemos que son los herederos de la Santa Inquisición, pero estamos en el siglo XXI, en el contexto de la Unión Europea, y pensábamos que no se permitirían ciertas barbaridades. Hoy mismo

ha salido una sentencia del Tribunal de Estrasburgo que condena dos casos de tortura en el Estado español. Estamos hablando de ese nivel. Pero ahí siguen, diciendo que no hay presos políticos. Nos toca seguir apretando desde la calle. Creo que es desde la calle donde se conseguirá reordenar la situación. Igual soy iluso, pero creo que la voz de un pueblo no puede silenciarse”. ¿Tenéis miedo de que os pongan de nuevo en la diana?

“Yo nunca he tenido miedo y a estas alturas ya no me dan miedo las consecuencias ni de mis palabras ni de mis actos. El año pasado tocamos en Badalona en un concierto por la libertad de expresión y una semana después salió García Albiol y el Partido Popular pidiendo en el consistorio que no se pueda celebrar ningún tipo de acto cultural en las calles de Badalona en la que participe alguien que haya estado condenado por terrorismo. Básicamente era una ley para que KOP no pueda tocar en Badalona. Y la aprobaron porque el PSC no quiso oponerse. Pero tranquilos, que este año o el siguiente, KOP hará algo en las calles de Badalona. No conseguirán echarnos atrás. Sus leyes no nos dan miedo”. En el disco hay varias colaboraciones. En ‘Tres Voltes Rebels’ contáis con las voces de varias mujeres. ¿De dónde surge la idea?

“Hacía tiempo que quería escribir una canción con el estribillo de ‘Tres Voltes Rebels’, pero necesitaba encontrar un buen enfoque para desarrollar la letra. No quería hacer algo sobre el feminismo y la lucha de las

mujeres desde una perspectiva paternalista. Los tíos no tenemos que decirles a las mujeres cómo tienen que reaccionar ante las agresiones, las violaciones o la discriminación. Tenía muy claro que la voz de las mujeres tenía que tener mucha presencia, quería una colaboración coral. Hablamos con Marta de The Capaces y enseguida dijo que sí, luego con Momo de Violets, con Tricky de Los Tronchos, con Pimen de Milenrama y Carla Uyn, que es una colega nuestra que nos hace fotos y viene con la estructura de KOP. Ellas cinco le dan el peso que queríamos a la voz de las mujeres. Luego está la colaboración de Hodei de Arkada Social, que viene de las profundidades de Mondragón, con esa esencia de radicalidad. Luego, en ‘Cárceles En Llamas’, cuando la hicimos me sonaba a una de nuestras influencias básicas, Sepultura, y enseguida pensé en Funu de Moksha y Assot”.

quizá no haya un relevo con un mensaje tan directo como el vuestro, Boikot o S.A.?

“Las cosas están muy chungas y creo que en cinco años saldrán un montón de grupos. Las tendencias musicales han evolucionado y creo que hay dos grupos que han marcado tendencia. Uno es la escuela de Obrint Pas o La Raíz, de la que han salido grupos como Zoo, que han evolucionado la propuesta musical, y la otra escuela sería la de Berri Txarrak, que vienen más del rock, pero tienen una manera más intimista y más reflexiva de decir las cosas. Pero es verdad que los grupos que hablamos más claro somos los que llevamos más años. La Ley Mordaza es un escándalo y la gente que la está viviendo con 14 años acabará formando grupos que vayan en contra de eso. Cada momento tiene su reflejo en la música”. Hablando de Berri, creo que en

Y luego está la versión de ‘Salta

todos los conciertos que les he

La Luna’ de Lengua De Trapo con

visto tocan vuestra canción ‘Sols

Boikot.

El Poble Salva El Poble’. ¿La ves

“Sí. Un día llegué al local y les dije que no hacía más que pensar en esta canción y que pensaba que la podíamos versionar. Sé que sorprende mucho porque es punk rock clásico, pero me encantaba la letra y la visualizaba como un tema de KOP. La hicimos y sonaba a Boikot por todos lados. Como tenemos mucha relación con ellos, les llamé y les dije que no quería la típica colaboración, sino que lo hiciéramos entre las dos bandas. No nos juntamos físicamente, pero gracias a la tecnología se grabó entre cuatro estudios”.

casi como una canción más suya que vuestra a estas alturas?

“Hay dos maneras de enfocar una versión: una es respetar la original y tocarla lo más fiel posible, y la otra es coger la esencia del grupo y pasarla por tu mirada. Berri tuvieron la valentía de coger un tema muy emblemático y muy popular y llevarlo a su manera de explicar las cosas. Para mí lo que hicieron es una obra de arte. Es algo espectacular”.

¿Tienes la sensación de que 99

ESCAPE THE FATE

ERRORES HUMANOS

ESCAPE THE FATE PODRÍAN ESCRIBIR UN MANUAL SOBRE TODO LO QUE HAY QUE HACER PARA QUE TU CARRERA SE VAYA A PIQUE. PERO A PESAR DE HABER TOMADO UN MONTÓN DE DECISIONES EQUIVOCADAS, LA BANDA SIGUE ADELANTE Y CONSERVANDO UN BUEN NÚMERO DE FANS. TEXTO: JORGE FRETES FOTOS: DR

ESTAS ALTUR AS, ESC APE THE FAT E P O D R Í A N H A B E R D E SA PA R E C I D O D E L M A PA

perfectamente. Surgidos en plena explosión del emo a mediados de la década pasada, el grupo llamó la atención, más que por su música, por sus pintas más cercanas al glam metal y, sobre todo, por los problemas con la justicia de su vocalista Ronnie Radke, quien tras su salida del grupo, y de la cárcel, seguiría su carrera con Falling In Reverse. La llegada de su sustituto, Craig Mabbitt, calmó un poco las aguas, y poco a poco el grupo fue encontrando una cierta estabilidad. Y así, llegados a 2018, la banda de Las Vegas sigue intentando dejar las polémicas de antaño y que se les valore exclusivamente por sus méritos artísticos. Veremos si con su sexto trabajo, I Am Human (Eleven Seven Music), por fin lo consiguen. Habéis dicho que, aunque este disco es un paso adelante en la carrera de la banda, también recuerda bastante a vuestro trabajo más famoso, This War Is Ours. ¿Crees que I Am Human tiene ese toque nostálgico con ciertos arreglos modernos?

hay canciones pesadas. Algunos fans están nerviosos, pero es que la gente no ha escuchado el disco aún, pero sí que hay canciones heavies. Definitivamente, llamaría a este disco This War Is Ours Parte II”. Ese disco se publicó en 2008. De hecho, es el primer trabajo de la banda contigo de cantante después de dejar Blessthefall. ¿Qué es lo que más recuerdas de esa época? ¿Fueron tiempos jodidos?

“Lo que mas recuerdo de esa época es la emoción, pero también el miedo, todo al mismo tiempo. Estaba muy emocionado, era un chaval e iba a trabajar con John Feldmann, que es mi productor favorito, y que lo sigue siendo, grabó algunos de mis discos favoritos como los de Story Of The Year y The Used. También seguía teniendo una base de seguidores de Blessthefall, una etapa más screamo de mi vida, y de repente me veo en el estudio cantando canciones como ‘Ashley’, que sigue siendo de nuestras canciones más populares. No sé, venía de este background screamo y de repente estoy cantando una canción de pop sobre una chica, incluso menciono su nombre en las letras... Había mucho miedo por cómo iba a resultar el disco, pero también mucha emoción”.

CRAIG MABBITT “En verdad, ésa

era nuestra meta cuando estábamos en el estudio. Sabemos que, todavía hoy, a la gente realmente le encanta This War Is Ours, es el disco favorito de nuestros fans, siguen hablando de él, siguen comprándolo y aún tocamos muchas de las canciones de ese álbum en nuestro set. Quizás luego fuimos a por algo más oscuro, y ahora quisimos volver a nuestras raíces, pero te prometo que en este álbum

Aunque haya una conexión entre ese disco y este nuevo, las diferencias son palpables, especialmente en el sonido. También la escena ha cambiado bastante... ¿Crees que en 2018 es posible hacer un disco que suene exactamente como sonaban los álbumes hace diez años?

“Sí, yo creo que es posible. Por ejemplo, ahora hago de DJ varias noches

en unas sesiones que se llaman Emo Night y que reúnen a gente de mi edad a la que le gustaba ese tipo de música entonces, entre 21 años y 30 y pico tienen. Nos reunimos un montón de gente para cantar canciones que amábamos hace 12 ó 15 años, la gente sigue amando ese género. Te hace preguntar: ‘¿Por qué los grupos ya no escriben temas como ésos?’. Si la gente ama tanto este tipo de música, ¿dónde están las bandas nuevas que lo hagan? Es por eso que creo que todavía hay una plataforma para este tipo de música y para este disco. Por supuesto que también hay gente que odia el álbum, aunque no lo haya escuchado, pero lo mismo pasó con This War Is Ours. La gente pensó ‘se han vuelto muy pop’ o ‘han cambiado el vocalista, ya no molan’, pero con el tiempo el álbum se convirtió en lo que es hoy en día. Aquí me tienes, diez años después, hablando contigo de otro disco (risas)”. Este disco lo grabasteis con Howard Benson, famoso por trabajar con My Chemical Romance o Adam Lambert, el actual vocalista de Queen. ¿Cuánto ha contribuido a que el disco finalmente salga así? ¿Ha metido mucha mano?

“Creo que el álbum hubiese sido diferente si hubiésemos trabajado con otro productor, así como creo que algunas canciones no estarían en I Am Human de haber trabajado con otro productor. La gente no se imagina la importancia que tiene tener un productor, y te soy sincero cuando digo que en muchos momentos tuvimos discusiones por las nuevas cosas que estaba probando con nosotros. Al final del día te das cuenta de que es un tío que tiene 101

“EN DIEZ AÑOS HEMOS TENIDO TANTAS MOVIDAS QUE DE VERDAD SIENTO QUE ESCAPE THE FATE ES LA BANDA QUE MÁS ODIO HA RECIBIDO DE TODAS LAS DE NUESTRO ESTILO” CRAIG MABBITT

a sus espaldas muchos discos exitosos, muchos premios, y nosotros hacemos caso de alguien así. Cuando nos decía ‘tranquilos, probad esto, funcionará’, nosotros lo intentábamos, porque sabíamos que alguien así sabe lo que se lleva entre manos. Dicho esto, también hay que decir que llega un momento en el que tienes que decir ‘esta banda es mía, y si algo me gusta irá en el disco’. Porque puede que camines por un pasillo de su estudio lleno de discos de oro, pero ¿cómo sabes que esa banda en su momento no se impuso? Probablemente muchos de sus hits fueron por cabezonería del grupo”. El tener muchos proyectos como tienes tú, finalmente acaba por exprimirte en cuanto a creativi-

hasta ahora, pero también se debe a que llevo mucho tiempo cantando y mi voz es más madura ahora. Me escucho en canciones antiguas, las de This War Is Ours, y noto que era bastante joven... Mi voz ha cambiado”. Hay bandas que lo estaban petando en 2007 y 2008 que ahora ya ni existen... en cambio, aquí tenemos un nuevo lanzamiento vuestro. ¿Qué os distingue de aquéllas que han desparecido?

“Creo que hay dos cosas que nos separan de esas otras bandas: una de ellas es la dedicación que nuestros fans tienen con nosotros, y la otra es la propia dedicación que nosotros le ponemos a Escape The Fate. Es literalmente nuestra vida”.

dad, y sé que eres alguien que intenta poner una voz diferente

¿Con el tiempo has aprendido

a cada cosa que hace. ¿Intentas-

a darle mas importancia a las

te hacer algo rompedor en este

letras? No sé, toma por ejemplo

nuevo disco de Escape The Fate o

el nuevo single ‘Empire’. ¿Crees

te limitaste a lo viejo conocido?

que los fans tienen en cuenta ese

“Bueno, es cierto que en este disco he añadido algunas armonías más bajas sobre la pista principal de voz, cuando lo normal que hago es añadir armonías muy altas por encima de ellas, así que eso sí es diferente esta vez. Eso es algo que no he hecho en un álbum

tipo de cosas o que la melodía es

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esto no es sólo nuestra banda, sino también es nuestro negocio, y por supuesto que miramos qué va bien para nosotros. La gente estos días ya no compra discos, es una pena, pero son los cambios que vienen con el tiempo. Como la gente ya no compra discos nos fijamos en Spotify, ya que todo el mundo escucha nuestras canciones allí, y si te fijas, la canción más popular en esa plataforma es ‘One For The Money’. ¿Sabes que en su momento no quería lanzar esa canción por lo tonta que me parecía la letra? Para mí no significaba nada, pero la melodía es tan buena y pegadiza que tenemos que tocarla cada noche. A veces tienes que componer canciones así por tu bienestar como artista, por el bien del grupo. Yo personalmente soy una persona que prefiere las letras más profundas, que signifiquen algo, pero el resto de la banda va a por las canciones más pegadizas”.

lo principal?

“Es algo de lo que hemos hablado mucho en la banda, y siempre hemos mirado ese aspecto en las canciones que han funcionado mejor entre los fans y las que no. Ten en cuenta que

Es vuestro sexto álbum... No creo que ahora os pongáis a experimentar para encontrar un sonido diferente. Vamos, que se puede decir que Escape The Fate ya van a sonar así para siempre. ¿O no?

“No sabría qué decirte, somos personas que escuchamos muchas bandas de rollos diferentes, pero nos damos cuenta de que los fans también. Si coges ahora mismo mi móvil y entras en Apple Music o Amazon Music, verás que escucho desde Aerosmith a Drake, y luego Post Malone... Amamos todos esos estilos diferentes y es algo que nos gustaría hacer con nuestra banda. Tanto como nos gustan las canciones de pop punk también nos gusta hacer shredding con la guitarra, y si sumas todo eso, te das cuenta de que el soni-

do de Escape The Fate no es otra cosa que algo muy diverso. No creo que sonemos a algo muy específico”. ¿Y qué te parece el trap? Imagino que lo has escuchado...

“Sí, no estoy tan metido como para saber la diferencia entre trap y dubstep, ya que hay tantos subgéneros, pero sí que he escuchado trap y me gustan varias canciones. Parece ser un género que ahora está muy de moda y es curiosos verlo en las listas de éxitos”.

y me he visto envuelto en situaciones así. He sufrido situaciones donde yo mismo me sentía que estaba siendo abusado... Creo que la gente debe aprender a decir no, a decir que algo no es correcto. No tienes que hacer nada que no quieres hacer”. Creo que al mismo tiempo que entrasteis al estudio para grabar

I Am Human, también se vio la resurrección de tu proyecto Dead Rabbits. ¿No se te forma un cacao mental cuando compones

¿Cómo crees que la gente recor-

canciones de diferentes proyec-

dará Escape The Fate dentro de

tos al mismo tiempo?

veinte años? ¿Crees que, con el

“Creo que ya está todo muy bien definido, o al menos yo lo tengo pensado de esta manera: Dead Rabbits será el escaparate para mi lado más pesado y agresivo, y Escape The Fate el escaparate para esas canciones más melódicas que todo el mundo quiere cantar. Soy un gran fan de la música pesada, Dead Rabbits me permite darle salida a eso, y por ello me encanta”.

tiempo, la gente considerará a la banda como leyendas de la historia del rock?

“No sé, todos esperamos eso. Llevamos poco tiempo juntos, pero espero que en veinte años al menos lleguemos a tocar en España (risas)”. Ahora mismo están saliendo acusaciones muy polémicas en

tra banda ha sido un caos durante mucho tiempo (risas). Se podría hacer un Behind The Music (risas). Un miembro fue a la cárcel, otro está metido en las drogas, otro que ya no quiere seguir con el grupo, otro que intenta robar dinero del grupo... En diez años hemos tenido tantas movidas que de verdad siento que Escape The Fate es la banda que más odio ha recibido de todas las de nuestro estilo. Si miras las redes sociales y buscas ‘Escape The Fate’, sólo verás blanco o negro, hay gente que dice que apestamos, gente que dice que nos vayamos a la mierda... Pero luego les preguntas cuál fue el último álbum que escucharon y te dicen que dejaron de escuchar Escape The Fate cuando cambiaron de vocalista. Son personas que tienen 20 años y llevan odiando Escape The Fate desde que tienen 3 años o así (risas). En esta banda hay tantas historias que no tiene ningún sentido, hay gente que necesita tener algo a lo que odiar”. Ahora que lo mencionas, ¿sabes

el mundo del rock, el del cine...

¿Estás 100% contento con cómo

si alguno del grupo tiene algún

Hace nada acusaron al batería

se está vendiendo vuestro pro-

tipo de contacto con Ronnie des-

de Pierce The Veil de acoso se-

ducto por parte del sello?

de que estuvo en la cárcel?

xual a menores de edad. ¿Qué

“Creo que si la banda gana y es exitosa, todos ganan, es la meta de todos los sellos del planeta. Somos una banda muy apasionada sobre lo que escribimos, sobre lo que publicamos, cómo lo hacemos, así que el sello lo tiene fácil para venderlo como tal. Somos un grupo sencillo con el que trabajar”.

“No sé de los demás integrantes, pero sé que Robert sigue en contacto con él y siguen quedando para salir. Yo tampoco me llevo mal con Ronnie, me lo encontré jugando a bolos y nos fuimos al bar, nos tomamos algo juntos. Todo está bien. Cada uno estamos con nuestras propias movidas, él con Falling In Reverse, y yo con las mías. Todos hacemos lo posible para compartir nuestra música con el mundo”.

harías tú si descubrieses que alguien de tu banda hace algo así?

“Mmm… No sé qué haría, no sé cómo reaccionaría, sería un shock, especialmente porque soy padre. Tengo una hija de 11 años, no creo que lo dejara pasar así como así. Hay una delgada línea entre ser un depredador y un ser humano, pero siempre hay tres caras de una misma historia: la verdad y las partes de las dos personas involucradas. Nunca está bien hablar así a un menor de edad, nunca, y te puedo asegurar que yo mismo he sido menor

Se podría decir que habéis conseguido todo lo que queríais, al menos en popularidad y éxito.

“Siempre aspiramos a lo más alto, hemos conseguido la mayoría de las cosas que queríamos, y eso que nues103

FUTURO TERROR

O D TO O D E I M ESE

CON TRES DISCOS EN CUATRO AÑOS, FUTURO TERROR DAN FE QUE DE CANTIDAD Y CALIDAD TAMBIÉN PUEDEN IR DE LA MANO. EN PRECIPICIO, EL TRÍO ALICANTINO AFILA SU PLUMA Y SU PÚA PARA PINTAR UN RETRATO NADA ESPERANZADOR DE LA REALIDAD QUE NOS RODEA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ALEXANDRA PENA

FINALES DE SEPTIEMBRE PASADO, FUTURO TERROR

publicaban su tercer álbum Precipicio (BCore) cosechando unas críticas fabulosas por el paso dado adelante. Si sus dos primeros trabajos presentaban un punk garajero donde primaba la inmediatez, en éste, Jose Pazos (voz, guitarra), Néstor Sevillano (bajo) y el incorporado en su anterior gira Héctor Bardisa (batería), han apostado por algunos desarrollos más audaces y un tono más oscuro, creando un punto de intersección entre Parálisis Permanente, Wipers o Velvet Underground. Desde la misma portada, se advertía este cambio estético dejando el colorismo del anterior disco por un diseño en blanco y negro, obra de María Gea, más conceptual. Pero tampoco es que el trío se haya puesto estupendo y sus canciones sean ahora indescifrables; para nada, bajo una aspereza formal siguen latiendo melodías que te atrapan a la primera. Para hablar sobre su evolución, y algo de política, contactamos con ellos hace unas semanas.

Antes de hablar de Precipicio, el año pasado sacasteis un cómic muy chulo con Adrián Bago. ¿Cómo surgió? JOSE PAZOS “La idea salió porque

cuando hicimos la portada del se-

gundo disco (Su Nombre Real Es Otro, 2016 -ndr.), queríamos hacer unas viñetas que contaran una historia. Eso al final quedó como contraportada. Pero tanto Adrián, que es quien la hizo, y es amigo nuestro, como nosotros, quedamos en hacer algo más juntos. Y nos propuso hacer un tebeo de Futuro Terror y nos pareció de puta madre. Hicimos números y vimos que era factible hacerlo y recuperar la inversión, y que además, podía ser un artefacto muy bonito. Es un cómic de terror basado en nuestras pesadillas, nuestras anécdotas. Cada historia está basada en algo personal que sólo sabemos nosotros”. ¿Y tenéis la idea de hacer más?

“En principio no. Adrián va súper liado, tiene muchos encargos. Pero yo estoy trabajando con él en otro tebeo como guionista. El pobre chaval está enclaustrado dibujando doce horas al día y se está volviendo loco (risas)”. ¿Y a vosotros cómo os va desde que sacasteis Precipicio?

“Estamos súper contentos. Con el segundo disco ya fue muy bien la cosa, de hecho, está agotado, y los conciertos fueron súper bien. Y los conciertos que llevamos hasta ahora con éste, igual. Está viniendo mucha gente a los bolos, y no nos podemos quejar de nada, la verdad”.

Más allá de los méritos musicales, lo más complicado es conectar con un público, y creo que vosotros lo habéis conseguido.

“Nunca sabes qué es lo que más influye, si el producto en sí, si el trabajo de promo que hay detrás, las relaciones públicas que también hacen, o qué. Yo creo que al final es un poco de todo. Nos hemos juntado gente que llevamos un montón de tiempo tocando y entonces conocemos a mucha gente. A la hora de salir a tocar, eso lo hace todo más fácil. Eso, unido al trabajo de promo que hace BCore, ayuda mucho. Luego que el producto sea mejor o peor, prefiero no juzgarlo yo mismo (risas). No quiero parecer un ególatra, pero claro, a mí me gusta (risas)”. El secreto a veces es tan sencillo como tener un buen directo.

“Futuro Terror es un grupo muy de directo, eso es verdad. El disco es mucho más tranquilo, por llamarlo de alguna manera. En directo es donde se ve que al final somos un grupo de punk rock. En álbum, somos un grupo de pop”. Casi diría que Precipicio es una versión contenida de lo que sois.

“No lo sé. A ver, ha habido un cambio en la batería, que no es el mismo que en los dos anteriores, y Joan, el antiguo batería, tocando era muy, muy nervioso. Para mí era la urgen-

105

FUTURO TERROR

No reniego de la técnica, pero me he dedicado a otras cosas”. ¿Y una evolución compositiva? ¿Hay alguna canción del primer disco, por ejemplo, que ahora harías distinta?

cia personificada en un batería, y Héctor, el de ahora, es la contundencia. Creo que ese cambio se nota mucho en este disco. No es más contenido, sino más contundente. Pero las canciones al final son parecidas”. Más que por comparación con los discos anteriores, lo decía respecto al directo, que, por otra parte,

discos de Masshysteri, The Vicious y cosas así. Queríamos hacer algo así en castellano. Pero ha ido mutando hacia una cosa más propia a medida que hemos escuchando más cosas. En este disco, por ejemplo, los ritmos de batería que son más complejos, tienen que ver con que hemos escuchado más a bandas como Diät o Protomartyr”.

Otro gancho son vuestras le-

es normal, pero hay más peso de la melodía, de los matices…

¿Tiene que ver con que sepáis

“Puede ser. También es que voy aprendiendo a cantar. Yo había cantado muy poco antes y supongo que se va notando (risas)”.

tocar mejor también?

¿Y también estáis aprendiendo a sacarle más partido al estudio de grabación?

“Sí, totalmente. Tanto en el primer como en el segundo álbum todavía no sabíamos a qué queríamos sonar. En éste, Néstor y yo hemos ido sabiéndolo. El grupo nació de las cenizas de Ansaldo Tropical, que también estábamos en Discos Husmeantes, y Joan, que también era el batería de ese grupo, y yo, nos quedamos con ganas de hacer otra cosa, y teníamos claro el tipo de grupo que queríamos ser. Queríamos hacer algo muy sencillo, pero que fuera eficaz. Nos fijamos mucho en los

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“A mí las canciones me gustan como están. No tocaría nada. Pero a medida que vas componiendo más, te resulta más fácil. En este disco hay canciones de cuatro minutos y medio o cinco minutos que antes no hubiera sabido resolver. Antes una canción de más de dos minutos y medio me resultaba un coñazo insoportable. A lo mejor es porque mi nivel no me daba para desarrollar eso. Seguro que hemos ido evolucionando en ese aspecto”.

“En mi caso no (risas). Te puedo asegurar que yo con la guitarra no he hecho ningún progreso en los últimos cuatro o cinco años. A lo mejor estoy más suelto a la hora de salir a tocar, pero igual ni eso. Cantando, sí me noto un poco mejor. Y Néstor siempre ha tocado bien el bajo. No creo que haya habido una evolución técnica. No, no (risas). Al final es una cuestión de estudiar. Igual yo antes me ponía un tutorial de un friki que tocaba heavy e intentaba aprender algo. Ahora ya no. Debería hacerlo (risas)”. Es un coñazo, ¿no?

“No, es guay. Es muy agradecido porque, luego, cuando lo aplicas, notas que le sacas partido. No lo he hecho porque soy un vago (risas).

tras. ¿Las escribes en base a la música o vas tomando notas por ahí?

“Tengo varios recursos. Uno es como más temático, como por ejemplo ‘El Paso Dyatlov’, donde cojo ese tema y desarrollo una canción a su alrededor porque me parece interesante y divertido que da para hacer una letra. Te pones a investigar y a coger frases divertidas, y vas construyendo en base a eso. Y luego hay otras que son más poesía, que tienen un rollo más libre. Normalmente me pongo a tocar un riff que tengo y voy escribiendo muchas frases, y a lo mejor de 50, me quedo con diez que me sirven. Y otras veces me salen del tirón. Hay de todo…”. He denotado cierta rabia hacia el hipsterismo.

“Sí, me da bastante rabia. No lo voy

“EN DIRECTO ES DONDE SE VE QUE AL FINAL SOMOS UN GRUPO DE PUNK ROCK. EN ÁLBUM, SOMOS UN GRUPO DE POP” JOSE PAZOS

a esconder. Pero en las letras tampoco está eso, ¿no?”.

vez es más mito”. Lo digo porque el individualis-

O llámalo malestar a cómo están

mo pesa cada vez más, incluso

las cosas a nivel cultural.

en la gente que se considera de

“Evidentemente lo que hay todo el tiempo es una crítica al capitalismo y a reírme de sus contradicciones. Yo veo mucho pijo con Mercedes con barba perfecta y que vive en un barrio gentrificado. Al final es una cuestión de lucha de clases. Me da igual si es hípster o no. Lo que me da asco es ver cómo se gentrifica todo y barrios donde había solidaridad obrera se convierten en barrios llenos de cafeterías de cupcakes”.

izquierdas.

Sin ánimo de polemizar, ¿pero no crees que la solidaridad obrera es más mito que realidad?

“Para nada. O bueno, sí, quizá cada

“Hay casos. Mentiría si dijera que todo el mundo que se declara de izquierdas es una persona que vela por la colectividad. He conocido gente de izquierdas tremendamente egoístas. Mentiría si dijera lo contrario. Pero a mí no me importa tanto cómo la gente se defina sino la cuestión de la clase. La gente que es trabajadora o la que vive del cuento, o de la explotación de los demás. La solidaridad obrera se está perdiendo por la falta de conciencia de clase. La gente vota lo contrario de lo que debería por sus intereses. Pero luego a nivel de barrio, ves que existe mucha solidaridad entre la gente de a

pie. Todo el mundo se echa un cable e identifica a quien viene a oprimirle. Pero luego hay una maquinaria mediática que se dedica a todo lo contrario. Hay un lavado de cerebro constante. El problema es la desideologización”. ¿Crees que la música debe tener una función social?

“Puede tenerla, pero no es una obligación. A mí se me hace muy difícil que vaya separada una cosa de la otra, porque yo, al final, intento escribir con naturalidad. Me sale lo que me sale y subyacen mis preocupaciones. Si crees que vives en un mundo injusto, esa denuncia va a salir por un lado o por otro, aunque no sea muy evidente”.

107

SCHIZOPHRENIC SPACERS

SIN RENDICIÓN SON UNA RARA AVIS EN EL PANORAMA NACIONAL, Y YA SE SABE QUE NUNCA ES FÁCIL DESTACAR CUANDO LA GENTE NO SABE DÓNDE ENCAJARTE Y CUANDO EL ARTE ESTÁ POR ENCIMA DE CUALQUIER CONCESIÓN A LA COMERCIALIDAD. ASÍ SON ELLOS Y NO PARECE QUE LAS COSAS VAYAN A CAMBIAR. TEXTO: RICHARD ROYUELA FOTOS: DR/CRISTIAN BERTOLO (DIRECTO)

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UE EN ESTOS TIEMPOS UN GRUPO SE AVENTURE A SACAR

un álbum doble lo dice todo sobre la actitud de Schizophrenic Spacers. Al final uno tiene que estar contento con lo que hace y ser honesto. Ésa debería ser la principal premisa de una banda de rock. It Better Be Good (autoeditado) es un disco que puede gustar más o menos, pero seguro que entre sus 22 canciones todo el que esté leyendo esto encontrará algo donde rascar, y demuestra que la versatilidad estilística

a alguien que ha aprendido los tics de todos los grandes para luego llevárselo a su terreno-, es un erudito como nadie en materia de rock, y eso hace que sus recursos compositivos nos lleven a disfrutar trabajos como éste, en el que se pasa del glam rock a la psicodelia sin que suene forzado. De lo complicado de las cosas, del estado de la banda –que se completa con tres escuderos de lujo como Alberto Belmonte, guitarra de clase y gusto incomparable, Manuel Fernández, bajista sin el cual sería imposible imaginarse la banda, y Jesús ‘Tete’ Tejada, el batería con el que finalmente han conseguido la estabilidad-, del futuro y del rock y la vida en general, hablamos con Sergio. Si tienes 80 minutos de tu vida con los que no sabes qué hacer, dedícaselos a escuchar It Better Be Good. Te aseguramos que sí es bueno. Álbum doble. Sin complejos. SERGIO MARTOS “Exactamente.

del grupo está fuera de lo común. Podemos decir que, si esto lo hubiese hecho una banda de renombre, ahora estaríamos hablando de un clásico y el disco hubiese encabezado los tops de todos los medios, pero en cambio, se dirá que si éste no es un país para una propuesta como la suya, que si esto o lo otro… Por desgracia, las cosas son mucho más complejas. Su vocalista Sergio Martos, interlocutor en la entrevista, además de un frontman sin igual –imaginemos

Lo del álbum doble era algo que teníamos en la cabeza hacer desde hace tiempo. Con Riot ya lo planteamos, pero en aquel momento no había ni el dinero ni tantas canciones. Esta vez ha ido creciendo de manera natural y vimos que era el momento. También he de reconocer que hay el punto ególatra de hacer algo que han hecho algunos de tus ídolos como Hendrix, Zeppelin o Beatles”. Muchas bandas se autocensuran en hacer cosas así por un

darse el gustazo si es eso lo que te ronda la cabeza.

“Así es. Nosotros vamos a vender lo mismo sea el álbum doble o no, a no ser que pase algo excepcional, que no creo. Al final haces esto para ti, para complacerte a ti mismo”. ¿Cómo se equilibra un álbum con 22 temas? ¿Hay filtro? ¿Hubo incluso canciones que se quedaron fuera?

“No, fueron esas 22 canciones. Una vez las tuve decidí parar y no darle más vueltas. Las nuevas ideas ya se iban a quedar para el futuro. No hubo sobrantes”. El álbum sí parece tener cierta estructura. Empieza de una manera muy dinámica con temas como ‘Night Squirrels’, cercanos al glam 70’s, para ir hacia terrenos más complejos o densos.

“No sé si ‘densa’ es la palabra, porque al final del álbum vuelve a remontar a nivel de energía en la parte final. Cuando tienes temas más introspectivos, por llamarlos así, siempre tienes el dilema de dónde los cuelas para, al que le van más los temas de 3 minutos, no le puedan molestar. Ahí es cuando tienes que trabajar en ese equilibrio. De hecho, creo que el error es oírlo en CD o Spotify, porque ahí sí que se puede hacer largo. Creo que lo bonito es cogerte el vinilo, oírte un día uno y dejarte el otro para el día siguiente. Pueden convivir de manera independiente. No hay un hilo conductor. Cada canción tiene su propia vida”.

supuesto miedo comercial. Es absurdo, ya que es probable

Alguien tan prolífico como tú

que acabes vendiendo lo mismo,

componiendo y con tanta infor-

así que seguramente es mejor

mación musical, ¿cómo lo hace? 109

la de Dani, nuestro antiguo guitarra, por ejemplo, así que si lo hubiese tocado él, estaríamos hablando de otro sonido. Las estructuras serían las mismas, pero el sonido no. Lo importante es que cada uno desarrolle lo mejor de sí mismo una vez tiene las canciones entre las manos”. Con los baterías tenéis vuestra propia versión de Spinal Tap.

¿Eres metódico?

“Yo compongo con la cabeza, ahí desarrollo la canción. Cuando llego al local tengo esa melodía, la trabajo un poco con el bajo o guitarra y ya se desarrolla con el resto de la banda. Siempre tengo claro cómo ha de sonar un tema, pero no tengo un método. Creo que la inspiración llega cuando llega”. ¿Tienes bloqueos?

“He de decir que, después de Riot, los tuve. Fue acabar el disco y no tener ni un tema más hecho. Por eso, en parte, grabamos el disco en directo, para ver a dónde nos llevaba la historia. Creo que estuve como unos tres años sin componer, probablemente fruto de la propia desidia de ver que no acaba nunca de pasar nada con el grupo. Si no cuidas las cosas y tienes desidia, es muy difícil que puedan pasar. Hasta que un día todo cambia. Tienes cambios personales de malos a buenos y el cáncer que tuvo nuestro guitarra Alberto me sirvió para tirar adelante, como si no hubiese tiempo que perder y él no tuviese que pensar en nada. De golpe, en unos pocos meses había vuelto a 110

la inspiración”. Para este álbum has contado finalmente con un productor en la persona de Hendrik Röver…

“Hemos pasado de hacer demos con buen sonido a un álbum”. Supongo que el disco, con 22

“Cuando Alberto entró nos decía que el problema de este grupo no era encontrar un batería, era encontrar un batería que se sepa la discografía de 150 bandas. Y algo de eso hay (risas). Pero mira, Tete es un batería que no necesita haberse mamado la discografía de un grupo para entender el sonido que se quiere conseguir. Tiene la facilidad de captar lo necesario según se necesite”.

temas, necesitaba un poco de foco externo.

¿Seguirías el grupo sin ellos?

“Evidentemente lo que hizo Hendrik fue poner las cosas en orden, y si algo no le entraba era el primero en decirlo, porque no deja de ser una persona externa en la banda. Y eso está bien, pero en los temas sí que no tuvo mucha incidencia. Los temas se quedaron tal como estaban”.

“Soy el único miembro original, por decirlo de alguna manera, pero a estas alturas de la película no me veo sin ninguno de ellos. Pero tío, hace tiempo que aprendí a decir que nunca sabes lo que puede pasar mañana. Antes era un tío con las ideas muy claras y cuantos más años tengo, sé que las tengo menos. Tanto en la vida como en la banda, que no deja de ser reflejo una de la otra. Las relaciones humanas. Un grupo no puede ser sólo cuatro tíos que van a ensayar, tiene que haber una base de algo para que haya una compenetración”.

Eres el punto de referencia de Schizophrenic, creo que eso es evidente, pero conforme más conoces la banda, más valoras el trabajo de Alberto y Manolo. ¿Crees que el grupo sería igual sin ellos?

“Es que lo que me preguntas es muy complejo. Las canciones seguirían siendo las mismas, pero la forma de tocar de Alberto es muy diferente a

Pero la música está llena de ejemplos de bandas que no son amigos. Y míralos.

“Yo creo que siempre hay un inicio, por breve que sea, en el que sí son amigos. Otra cosa es que con el paso de los años la relación se pudra. Yo creo que ha de haber un mínimo espacio en el que sí generes una pequeña complicidad. Luego te puedes pelear y, ser tan bueno, que la banda pueda chutar si tener que mirarte a los ojos. Otra cosa es la química, eso sí que no se puede crear. Está o no está, pero creo en ese punto de partida de amistad”.

sido la música y en eso lo he invertido todo. Tenía dos opciones: irme a tocar con mi banda a un garito de Logroño donde posiblemente iban a ir tres, que igual luego ésos iban a ser más, o cogerme un avión e irme a ver The Who”. Es que ésta es la otra parte. Como concepto tampoco me parece mal. También puedes tener la mentalidad de hacer pocas

“UN GRUPO NO PUEDE SER SÓLO CUATRO TÍOS QUE VAN A ENSAYAR, TIENE QUE HABER UNA BASE DE ALGO PARA QUE HAYA UNA COMPENETRACIÓN” SERGIO MARTOS

necesitaba a alguien que me apretara en la banda, que dijera ‘venga tío, vamos a por todas’. Y no culpo a nadie. Yo también podía haber buscado a gente que pensara así y no lo hice”.

cosas y disfrutar la banda sin presión. Pero las dos cosas sí

¿Crees que tu personalidad escé-

Siempre eres muy crítico con la

que no se pueden tener.

nica, y bueno, también no escé-

suerte de la banda y las pocas

“Hoy en día me apetece eso, hacer diez bolos y estar cómodo haciéndolos, que al final nunca lo estás porque como no tienes la inercia, hay siempre una sensación de inicio y nervios. Si hiciéramos 30 bolos, al séptimo ya pierdes ese miedo o nervios, pero nunca se llega a ese punto. Y sí, ese concepto de hacer cada seis meses un bolo y tomártelo como el bolo de tu vida está muy bien, pero por otro lado, me frustra porque veo que se ha acabado”.

nica, marca a la banda?

oportunidades que tenéis para demostrar vuestra valía…

“Es que tal como están las cosas, yo creo que hemos grabado un discazo. Al menos así lo percibimos desde dentro, pero la realidad es, ¿quién se va a enterar?”. Yo pienso que a veces las bandas no os esforzáis lo suficiente. En vuestro caso no tengo ninguna duda en afirmar que sois un grupo muy por encima de la media y tú como frontman estás

Otro problema de las bandas.

a años luz de la mayoría, pero

En vez de disfrutar lo poco o

creo que os falta un espíritu de

mucho que habéis conseguido,

luchar por mostrar estas cancio-

veis todo como una frustración.

nes. Como mínimo hay que inten-

No sé, has grabado muy buenos

tarlo para decir que no funciona.

discos, has hechos conciertos

“Es cierto y entiendo lo que dices. Todo tiene origen en que en los primeros tiempos de la banda, veía grupazos que me gustaban que se partían la cara por tirar adelante y no pasaba mucho. Supongo que vi el lado erróneo. Yo trabajaba en la construcción y empecé a mover dinero muy pronto, nunca he tenido un duro porque me lo he gastado todo y he disfrutado todo lo que he podido. Mi amor ha

tremendos, eso no te lo quita

“Es lo que hay, doy todo lo que tengo, sé que soy bueno en lo que hago, pero también asumo que hay un montón de barreras. Hay gente que me puede ver en el escenario y que piense que lo que estoy haciendo no es serio”. ¿De verdad crees que a un tío al que le interesa el rock puede pensar que lo tuyo no es serio?

“Depende de qué rock hablemos. Sé que hay gente que aprecia lo que hacemos y cómo me desarrollo en un escenario, pero también todo lo contrario, gente que no tiene ningún tipo de respeto. Pero eso nunca me ha importado. Uno de nuestros máximos ídolos es David Lee Roth, y mira si fue odiado”.

nadie.

“Ya, desde luego, pero no es tan fácil. Es darte cuenta de que quizás podías haber hecho las cosas de otra manera. Yo veo dos cosas fundamentales que has de tener cuando inicias una banda. Una es no tener tu vida laboral muy establecida para darte cierta libertad, cosa que a mí no me pasó, y por otro lado, nunca tuve cuando

Entonces, ¿tiene la banda alguna razón de ser?

“Se trata de estar un poco a verlas venir y ver qué sucede. No quiero darle muchas más vueltas al tema”.

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IAMX

AL FINAL DEL TÚNEL

EL SIEMPRE INTROSPECTIVO CHRIS CORNER PARECE HABER DEJADO SU PERIODO MÁS OSCURO ATRÁS Y ENCONTRADO UNA NUEVA LUZ EN SU VIDA. SU NUEVO DISCO COMO IAMX, ALIVE IN A NEW LIGHT, EN EL QUE CUENTA CON LA COLABORACIÓN DE LA MEDIÁTICA KAT VON D., ES UN REFLEJO DE ESTE ESTADO VITAL. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

OS DOS ÚLTIMOS TRABAJOS DE IAMX, EL PROYECTO EN SOLITARIO

iniciado en 2004 por Chris Corner, exvocalista de Sneaker Pimps, habían venido marcados por la profunda depresión en la que estaba inmerso. Con la salud mental de los artistas en el centro del debate después de algunas trágicas muertes vividas en los últimos tiempos, es reconfortante encontrarse que, al menos, hay uno que parece haber superado sus problemas. Alive In A New Light (Caroline Int./Music As Usual) es una celebración del estado de ánimo más positivo a través de un sentido mucho más expansivo de su música. Si bien las texturas electrónicas de sus nuevas canciones siguen recordando ese linaje compartido con artistas como Depeche Mode, Nine Inch Nails o Bjork, también encontramos sonidos más orgánicos y aventureros en la exótica ‘Stalker’ o la teatral ‘Big Man’, que podría encajar en una película de Tim Burton. Muy pronto, el 6 de marzo en la sala But de Madrid y el 9 en la Salamandra de L’Hospitalet de Llobregat, podremos comprobar cómo se traslada todo esto a su nuevo espectáculo en directo. Además, su cita en la capital será una de las pocas fechas europeas en las que le acompañará la tatuadora y celebrity Kat Von D., quien ha participado en cuatro de los cortes del nuevo disco.

contenido, intuyo que estás en

ceso creativo? Muchos artistas

una nueva fase de tu vida. ¿Es lo

buscan la inspiración en su lado

que querías transmitir?

más oscuro. ¿El encontrarte me-

IAMX “Creo que tienes razón. Sin

jor te hizo temer que quizá afec-

entrar mucho en detalles, me siento mucho más en paz conmigo mismo. Pasé por un periodo bastante turbulento y creo que me he ganado estar mejor”.

taría tu música?

Te entrevistamos cuando sacaste Metanoia en 2015 y hablaste con bastante franqueza de tus problemas con la depresión. ¿Ha quedado todo eso atrás?

“Nunca lo dejas totalmente atrás, pero me gusta verlo como que estoy sobrio de depresión. Estoy en un buen lugar y siento que controlo la situación”.

“Es el viejo mito de que el artista tiene que sufrir para crear. Pero yo no lo veo así. Cuando sufres una depresión, no te sientes más creativo, simplemente no sientes nada. Eres más creativo cuando estás en paz contigo mismo y puedes acceder a ese pozo de oscuridad que todos tenemos de una manera controlada. La creación de este disco ha sido mucho más productiva, más fácil. Siempre he sido productivo, pero siempre iba unido a un nivel de estrés y ansiedad que llegaba a ser un problema. Esta vez no ha sido así”.

¿Lo has logrado tú solo o has recurrido a terapia?

A nivel de sonido, el disco es

“Hice bastante terapia cuando estaba en el peor momento. A lo largo de los años he ido varias veces, y generalmente ha sido una experiencia positiva. Aprendo bastante rápido y me esfuerzo mucho cuando se trata de aspectos psicológicos, así que cuando entendí el concepto de lo que me pasaba y aprendí las herramientas que me ayudan a equilibrarme, fue simplemente cuestión de ponerlo en práctica cada día. Hablo de herramientas mentales. Así que, poco a poco, logré llegar a donde estoy ahora”.

mucho más diverso. ¿Tiene que ver con no mirar tanto en tu interior y mirar más al exterior?

“Desde luego hay un sentimiento más universal. Sigue siendo un álbum privado, de autoanálisis, pero a la vez, también hay espacio para la esperanza en la humanidad y algunas canciones son pura elevación. Cuando escribí el tema ‘Alive In New Light’ quería elevarme y ser muy honesto conmigo mismo, y eso es lo que salió”. Para mí tus discos anteriores sonaban más como una invitación

Tanto por el título como por su

¿Cómo afectó todo esto tu pro-

a entrar en tu habitación, y éste

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es más una invitación a viajar juntos.

“(Risas) Es una bonita manera de decirlo. Siempre he hecho discos en sitios muy pequeños e íntimos, quizá sí era mi habitación más privada a nivel mental, pero ya no siento que necesite hacer eso. Mi música siempre será una expresión de lo que tengo en la cabeza, pero ahora vivo en Los Ángeles, salgo más, tengo amigos, tengo un hijo… Todo eso me ha cambiado”. Grabaste el álbum en el desierto, en California. ¿Cómo acabaste ahí? ¿Era un estudio fijo o uno móvil?

“Es un estudio móvil que construí en un remolque. Es básicamente una caja insonorizada (risas). Tengo una casita en el desierto de Mojave, en la que ahora paso bastante tiempo y que está muy cerca del parque de Joshua Tree. Es como estar en otro planeta y es realmente hermoso e inspirador. En Europa no tienes acceso a un lugar así. Me encantó grabar allí. Hay tanto silencio, que absorbe el sonido. Era el lugar perfecto para meterme dentro de mí mismo (risas). Pero también pasé mucho tiempo sin hacer música, buscando trozos de metal y haciendo esculturas ridículas (risas). Es un lugar muy liberador”. ¿Siempre te gusta estar aislado cuando haces música?

“Sí. En general me gusta estar aislado. Tengo una necesidad desesperada por conectar con la gente, pero no me gustan las relaciones sociales, las charlas banales… Si quiero hablar con alguien, quiero ir a la raíz de la verdad y hablar sobre lo que nos ocurre como seres humanos. Pero la

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realidad es que el mundo, tal como es, no lo permite. Por eso me gusta hacer entrevistas, porque se va directo al grano (risas)”.

sonidos. Llevo muchos años pensando en hacer un disco acústico y este tema es un paso en esa dirección. Tomó vida propia y se convirtió en este dueto fantástico”.

Pero estás en el negocio equivocado. En la industria musical hay

Ya que lo mencionas, Kat Von

un montón de relaciones sociales

D. colabora cantando en varios

y charlas banales…

temas. ¿La conoces desde hace

“(Risas) Sí, era una de las cosas que me deprimía. Cuando empecé con Sneaker Pimps y fuimos directos al mundo comercial nunca había escuchado tantas gilipolleces. Por suerte, ahora tengo mucho más control de todo. Pero a veces pienso que me gustaría hacerme monje y retirarme al desierto a meditar. Aunque sé que tampoco funcionaría, necesito encontrar un equilibrio”.

mucho tiempo?

“No, es algo bastante reciente. Un día la vi postear sobre su interés en la música y la vi tocando el piano, y se creó un respeto mutuo. Contactamos con ella y mostró interés en hacer algo juntos. Lo que me gusta de su voz es que es bastante grave, así que tiene un tono profundo que contrasta con el mío. Yo puedo cantar en agudo y ella en grave, así que hay una mezcla interesante de género”.

Hay tres canciones que son bastante distintas a lo que haces

¿Escribiste ya pensando en ella

habitualmente. Una de ellas es

o fue algo posterior?

‘Big Man’, con una música como

“En parte sí. Empecé escribiendo pensando que parecía una historia entre dos personas, y que podría ser una situación romántica un poco retorcida que podría dar pie a un dueto. Se desarrolló de manera natural, no lo forcé para que ella encajara, pero era consciente de cuál era su registro y lo que podía cantar”.

de circo o carnaval.

“Siempre me ha gustado ese sentimiento de circo o cabaret. Creo que forma parte de mi influencia. Me atrae esa idea de que, aunque todo está jodido, vamos a seguir dando saltos y ser ridículos. Si miro el ambiente político y las locuras que ocurren en el mundo no hay motivos para hacerlo, pero todo el mundo sigue queriendo divertirse. Es algo que me fascina”. Otra es ‘Stalker’, que tiene como un aire oriental. ¿De dónde surgió?

“No lo sé, de verdad que no. Siempre me dejo llevar. Quería probar algo distinto a nivel rítmico y ser un poco más orgánico con los arreglos y los

¿Recibiste un tatuaje gratis a cambio?

“(Risas) No. La verdad es que no tengo tatuajes, sólo una pequeña ‘X’ en mi pecho y algunos bastante feos de cuando era un crío que me tapé. Nunca he estado muy metido en ese mundo, la verdad. Pero le he pedido que en algún momento me cubra el cuerpo entero, quizá cuando sea viejo (risas)”.

“CUANDO SUFRES UNA DEPRESIÓN, NO TE SIENTES MÁS CREATIVO, SIMPLEMENTE NO SIENTES NADA. ERES MÁS CREATIVO CUANDO ESTÁS EN PAZ CONTIGO MISMO Y PUEDES ACCEDER A ESE POZO DE OSCURIDAD QUE TODOS TENEMOS DE UNA MANERA CONTROLADA” IAMX

‘The Power And The Glory’

cierta manera ligada a la mú-

transmite un sentimiento muy

sica religiosa o tribal, en el

majestuoso, casi religioso.

sentido de que no necesita una

“Pues la verdad es que no soy una persona nada religiosa. Siempre he sido ateo o agnóstico. Prefiero fiarme de la ciencia. Lo curioso es que he vivido navegando por la creatividad, o la espiritualidad, aunque odio esa palabra, que no es una manera muy científica de vivir. Pero incluso como ateo me fascina el poder de la estética religiosa. Puedes apreciar una iglesia, aunque no creas en lo que ocurre dentro”.

narrativa para crear un senti-

El otro día charlaba sobre cómo la música electrónica está en

mente limitado por tener que expresarme con un lenguaje que la gente pueda leer y entender. En cambio, la música es puro sentimiento”.

miento de comunidad cuando la gente la escucha junta.

De todos modos, tú pareces inte-

“Me identifico mucho con lo que dices. Siendo un adolescente iba a raves y, aunque no tomaba drogas, me fascinaba cómo la gente se comunicaba sin necesidad de hablar. Desde entonces me enamoré de la música electrónica. Creo que tiene un poder increíble que no se suele reconocer. Quizá en el futuro ya no se necesiten religiones y todo pueda canalizarse a través de ese poder. Cuando escribo letras me siento total-

resado en ambas cosas, la narrativa y el sentimiento primitivo.

“Sí, desde luego. Pero cuando actúo en directo me encanta perder la cabeza y ponerme en ese estado mental en el que escapo de mi propia consciencia”.

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EL CONCIERTO DEL MES BY:

METALLICA 5 Y 7 DE FEBRERO DE 2018 WIZINK CENTER, MADRID PALAU SANT JORDI, BARCELONA TEXTO: GONZALO PUEBLA (MADRID)/PAU NAVARRA (BARCELONA) FOTOS: EDUARD TUSET

acía muchísimos años que Metallica no nos visitaban en solitario, de gira fuera del marco de los festivales, así que os hemos querido contar de forma exhaustiva cómo vivimos sus conciertos en Madrid y Barcelona. Por si había alguna duda, su paso por nuestro país fue apoteósico. 5 DE FEBRERO, MADRID Seis largos años sin pisar España, la primera vez en casi una década en recintos cerrados, y con un nuevo disco a presentar bajo el brazo. No es de extrañar que las entradas para los conciertos de Metallica en nuestro país volasen en cuestión de minutos aunque saliesen a la venta con un año de antelación. Y es que, por mucho que sigan siendo un blanco fácil para cualquier hater, los cuatro jinetes de San Francisco continúan siendo un valor seguro en directo y un acontecimiento al que, a poco que te gusten o directamente te apasionen,

hay que ir sí o sí. Ni el temporal de frío que asolaba Madrid en los primeros días de febrero impidió que desde primerísima hora de la tarde ya hubiese decenas de fans en los alrededores del Palacio vaciando las existencias de los bares cercanos. Aun así, el pabellón ya presentaba una muy buena entrada cuando Kvelertak aparecieron en el escenario central con forma de cuadrilátero dispuestos a acometer su papel de invitados. No es novedad que ser la banda telonera de Metallica supone tanto un honor como una putada, ya que además de la indiferencia de parte del público, tienes que lidiar con un sonido bastante justito. Pero si por algo se caracterizan estos vikingazos rockeros es por ser pura actitud y, de ella y de un muestrario de sus mejores cañonazos (‘Åpenbaring’, ‘Bruane Brenn’, ‘Mjød’, ‘Blodtørst’, ‘Kvelertak’), tiraron para arrancar unos cuantos aplausos tanto de los pocos presentes ya convertidos a su causa como de

los que se desvirgaban con ellos. Obviamente, cuando llegó el turno de Metallica ya tenían el partido ganado antes de que empezase. Bastó que se arrancasen con dos temas nuevos como ‘Hardwired’ y ‘Atlas, Rise!’ para tener a todo el mundo cantando cada estribillo como si de clásicos se tratasen. Y claro, cuando empezaron a llegar los de verdad, los de toda la vida, el subidón fue aún mayor. Así fue como de buenas a primeras nos estamparon un ‘Seek & Destroy’ (en las pantallas se recordaban las entradas de aquellos primeros conciertos en Madrid a finales de los 80) para ir caldeando el ambiente, seguidas de unas ‘Harvester Of Sorrow’ y la celebradísima ‘Fade To Black’ que suponían las primeras variantes respecto a la noche de dos días antes. Sin embargo, hay que decir que, presentando un disco tan exageradamente irregular como Hardwired ...To Self-Destruct, era imposible que no se notasen ciertos altibajos. Si bien los temas más 117

CARPATHIAN FOREST

brillantes funcionan de maravilla en directo (‘Halo On Fire’ y ‘Moth Into Flame’ con un espectacular escuadrón de drones a modo de luciérnagas), tampoco es una buena idea interpretar de seguido dos de los más flojos como ‘Dream No More’ y ‘Now That We’re Dead’, con un numerito de percusiones a lo Mayumana tan surrealista como cómico. Pero claro, basta con que a continuación suelten ‘For Whom The Bell Tolls’ y ‘Creeping Death’ para poner de nuevo el recinto patas arriba. No hay duda de que James Hetfield, Kirk Hammett y Lars Ulrich dominan el escenario como si estuviesen paseando por el salón de su casa en albornoz y pantuflas, pero a estas alturas hay que empezar a darle un poco de crédito a alguien como Robert Trujillo. Con todo lo que se criticó en su día su incorporación al grupo, es admirable cómo, en cierta manera, sigue representando la ilusión de los fans, ya sea homenajeando una versión

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casi improvisada de ‘Los Rockeros Van Al Infierno’ de Barón Rojo (el sábado fue el turno de Obús), rindiendo tributo a Cliff Burton en ‘(Anesthesia) Pulling Teeth’ haciendo rugir su bajo o dándolo todo en el ‘Last Caress’ de los Misfists. Tras esa parte más relajada del concierto, el setlist entró en su sección final por todo lo alto. ‘One’ y ‘Master Of Puppets’ de seguido antes de que en el bis sorprendieran con toda una ‘Blackened’ y las imprescindibles ‘Nothing Else Matters’ y ‘Enter Sandman’ transformasen aquello en un karaoke gigantesco. Y es que, por muchas veces que les hayas visto, un concierto de Metallica sigue siendo algo que merece la pena disfrutar de cuando en cuando. 7 DE FEBRERO, BARCELONA No somos conscientes del regalo que nos han hecho Metallica durante esta gira. La preventa es un engorro, casi 100 euros por un bolo cuestan

de justificar, ¿pero cómo gestionar su enésima pirueta en forma de concierto? Los californianos podrían hacer 14 Lluís Companys seguidos y todos serían sold out, pero en vez de eso eligieron el Palau Sant Jordi para su cuadrado mágico, que los ‘pocos’ suertudos que pudieran asistir a su paso por Barcelona se quedaran con un recuerdo que, por cercanía física con ellos y calidad sonora al tratarse de un recinto cerrado, durara para siempre. Ya no pueden ser más top, así que hacen lo que les place y punto. Sus conciertos, sus reglas. Además, ¿James Hetfield y compañía sondando totalmente pulcros, sin tocar de forma descuidada? Pues se ve que al fin lo han conseguido, y es que los Metallica más humanos son también los más buenos. Como no podía ser de otra forma, ‘The Ecstasy Of Gold’ ya puso el Sant Jordi patas arriba, y ‘Hardwired’ y ‘Atlas, Rise!’ fueron el pistoletazo de

KVELERTAK

salida. Ningún problema, son dos temazos. Desde mi posición en pista, sonido inmejorable, y no podía dejar de frotarme los ojos al comprobar que Metallica iban a tocar en mis narices algunas de las mejores canciones de la historia sin tener que pasar por empujones y agobios. ‘Seek & Destroy’, ‘Through The Never’ y sobre todo una ‘Welcome Home (Sanitarium)’ perfecta hacían presagiar un show legendario, pero las nuevas ‘Now That We’re Dead’ con batukada incluida y ‘Confusion’ bajaron mucho el ritmo, y ‘For Whom The Bell Tolls’ con ‘Halo On Fire’ tampoco remontaron el vuelo del todo. A algunos les sentó como un tiro la corta bromita con ‘El Muerto Vivo’ de Peret… Qué quieren que les diga… Guste o no, la rumba catalana es cultura, igual que Obús o Barón Rojo, y a mí me parece un detallazo que la banda más grande del planeta se tome la molestia de indagar qué se cuece en cada país que visitan para

ofrecer luego este tipo de sorpresas. Pregunten a Bono, Axl Rose o Mick Jagger sobre Prepárate, a ver qué les contestan… El día que aprendamos a respetar nuestro patrimonio podremos empezar a mirar de tú a tú a nuestros vecinos occidentales. Donde sí hubo unanimidad fue durante el homenaje a Cliff Burton con Robert Trujillo interpretando ‘(Anesthesia) Pulling Teeth’. Piel de gallina, y es que aquello casi parecía un ensayo con miles de espectadores presentes, donde palpabas que la química entre ellos vuelve a fluir a raudales y que disfrutan de lo lindo sobre las tablas. ‘The Memory Remains’ fue coreada como si se tratara de un himno mítico, y ‘Moth Into Flame’, una de las mejores canciones que han hecho desde Black Album, fue recibida por todo lo alto. Y es que ésa es otra… ¿Conocen a alguna otra banda gigantesca que vaya mutando su set a cada nueva fecha? Busquen, busquen, y avísenme

si la encuentran… Qué decir de ‘Sad But True’, ‘One’ y ‘Master Of Puppets’ de seguido… Semanas después, esos “Master! Master!” aún retumban por las paredes del Sant Jordi. Y así llegamos al final, con la nueva y buenísima ‘Spit Out The Bone’ y unas ‘Nothing Else Matters’ y ‘Enter Sandman’ brutalmente ejecutadas. Aunque sonaron fatal, Kvelertak le echaron agallas y demostraron tener canciones, pero yo lo único que saqué en claro es que, por mucho que nos intentemos engañar con Avenged Sevenfold, Ghost o Volbeat, seguimos a años luz de encontrar un relevo generacional para los titanes de siempre. ¿Si el repertorio de Metallica fue bastante mejorable? Desde luego, pero como show en sí, como espectáculo rock con todas las letras, como experiencia vital para guardar para siempre al tenerlos tocando a escasos metros, lo de los cuatro jinetes fue de lo mejor que he visto nunca.

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BURGER INVASION 17 DE FEBRERO DE 2018 SALA APOLO, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

120 DWARVES

THE GARDEN

a historia de Lee Rickard y Sean Bohrman, los dos fundadores del sello Burger Records, daría para un buen documental. Los californianos han logrado en poco más de una década crear un pequeño imperio underground gracias a su amor por el formato cassette y el power pop garajero. Una historia de éxito inesperado, rodeada de ese aroma cool que ha conseguido que alguna gente vuelva a comprar cintas, aunque no tenga un aparato con el que reproducirlas. En fin, cosas del mundo moderno. Planteado como un minifestival, Burger Invasion llegaba a Barcelona como un escaparate tanto de las seis bandas participantes como de ese espíritu desmadrado del sello, y el objetivo se cumplió, si bien una asistencia de apenas 400 personas deslució un poco la fiesta. No llegué a tiempo para ver los dos primeros grupos, Younghusband y Cotillon, pero sí a The Mollochs. Los angelinos desplegaron con su pose desaliñada las bonitas melodías sesenteras de canciones como ‘Ten

WAND

Thousand’ o ‘Charlie’s Lips’. A ratos más cerca del country rock y otras del rythm’n’blues, su música entró la mar de bien a esa hora de la tarde. El nivel de intensidad subió muchos puntos con sus vecinos Wand. Un sonido guitarrero bien armado con requiebros de math rock, que no tuvo un impacto aún mayor por los parones que provocó Corey Hanson al romper en dos ocasiones, una de las cuerdas de su guitarra. ¿Tanto cuesta tener una de repuesto? Pese a ello, su concierto fue notable e incluyó una potente versión de ‘Cinnamon Girl’ de Neil Young. A continuación, nos sorprendió la transformación sufrida por The Garden. Los gemelos de Orange County parecen haber tomado nota del éxito de Twenty One Pilots, y han intentado llevar a su terreno tanto su sonido como su pose escénica. Sólo con bajo y batería, y un montón de sintetizadores pregrabados, el dúo lo fía todo a la actitud. Saltaron y botaron, se metieron entre el público, pero, la verdad es que varias de sus canciones sonaron como versiones

en malo de Beastie Boys, resultando mejor llevaderos cuando se acercaban a Devo o The Cars. Aun así, la gente se lo pasó en grande. Finalmente, llegaba el turno de los Dwarves. Desde que en su primera visita en los 90 tocaran apenas 15 minutos, con ellos la pregunta es siempre cuánto rato estarán sobre el escenario. Pero está claro que aquellos tiempos salvajes han quedado atrás y ahora funcionan como otra veterana banda de punk rock más. Pese a ello, su mera presencia ya genera cierto aire de locura y, en la pista, el pogo se puso bastante duro, con fuertes empujones, caídas y vasos de cerveza volando. Su repertorio alternó bofetones y melodías gracias a temas como ‘Get Up & High’, ‘Sluts Of The USA’, ‘Let’s Fuck’, ‘Everybody’s Girl’ o ‘Fuck You Up And Get Hight’. Blag Dahlia, aun luciendo canas, sigue vacilando como nadie y siempre resulta curioso recuperar al Nick Oliveri más punk. Ahora son más entrañables que peligrosos, pero, pese a todo, siguen siendo los Dwarves.

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STEVEN WILSON 1 DE FEBRERO DE 2018 WIZINK CENTER, MADRID TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: ERIC ALTIMIS (BARCELONA)

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ontando con cinco trabajos de estudio a cada cual más notable a sus espaldas, Steven Wilson está consiguiendo lo que hace unos años hubiera parecido una osadía: hacer olvidar a una de las bandas definitivas del rock progresivo del nuevo milenio como lo fueron Porcupine Tree. Bueno, o al menos que no se les eche tanto de menos. En su afán por seguir haciendo las cosas de una forma distinta a lo convencional, el artista inglés venía presentando su gira más ambiciosa hasta la fecha, con un despliegue técnico en lo audiovisual digno de las grandes ocasiones. Para empezar, el recinto se acondicionó con asientos en la pista, lo que ya daba una idea de cuál era la intención del espectáculo. Ésta se reforzó todavía más cuando al comienzo del concierto pudimos comprobar cómo la lona que cubría el escenario hacía las veces de telón para proyecciones dependiendo de la canción, además de una pantalla de fondo que apoyaba las interpretaciones en forma de videoclips. Por no hablar del sonido cuadrafónico que se

dispuso permitiendo percibir algunos arreglos que eran disparados desde la mesa. Todas esas cualidades salieron a relucir desde el primer instante con un tridente formado por ‘To The Bone’, ‘Nowhere Now’ y ‘Pariah’ (con la primera aparición de la noche para la cantante israelí Ninet Tayeb) que ya daba pistas del peso que tendría la obra que Wilson venía a presentar. Tras semejante arranque, Steven aprovechó para explicar la mecánica del concierto que se dividiría en dos sets de una hora cada uno con un descanso de 15 minutos entre medias, al mismo tiempo que intentó romper el hielo ante la frialdad de la circunstancias. Y ése es el único ‘pero’ que le pude poner a la velada, ya que la lejanía con el escenario y el estar sentado me daban la sensación de que, por momentos, estaba presenciando una película en el cine en lugar de un concierto. Todo lo demás fue prácticamente intachable. La primera parte discurrió con visitas a su otro álbum inmediatamente más reciente, un Hand. Cannot. Erase. del que recuperó la metalera ‘Home

Invasion’ intercalada con el primer guiño al catálogo de Porcupine Tree a cargo de una ‘The Creator Has A Mastertape’ no menos contundente. De nuevo con Ninet colaborando a las voces en ‘People Who Eat Darkness’ y ‘Ancestral’ echaron el cierre a la primera mitad dando paso a un descanso que me supo a coitus interruptus total. Menos mal que al regresar la banda el clímax se volvió a situar justo donde lo habían dejado con una portentosa ‘Arriving Somewhere’ para enmarcar. A partir de aquí, el concierto ganó en versatilidad en gran parte gracias a que Wilson animó a la gente a que se levantase para lo que quedaba de actuación y se acercase al escenario. Así pudimos disfrutar al calor de esa gema pop que es ‘Permanating’ o de otros recuerdos al pasado lejano como ‘Lazarus’ y ‘Sleep Together’. Pero que el bis lo protagonizasen dos temas propios como ‘Harmony Korine’ y la sobrecogedora ‘The Raven That Refused To Sing’ vinieron a dejar claro que Steven Wilson se vale por sí mismo para seguir siendo un verdadero maestro en lo suyo. 123

DEATH FROM ABOVE 19 DE FEBRERO DE 2018 TEATRO BARCELÓ, MADRID

TEXTO: RO SÁNCHEZ FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ (BARCELONA)

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n tiempos de Royal Blood en el Palacio de los Deportes –WiZink Center sobre el papel–, parece irónico que vayamos a ver a unos referentes del género en el Teatro Barceló. Sebastien Grainger y Jesse F. Keeler elevaron los dúos de bajo y batería a la primera plana de las revistas de música, pero no consiguieron escalar el alcázar. La nobleza en su palacio y los plebeyos en sus teatros, sí, pero mientras unos viven tranquilos en castillos construidos en segundos discos de rock y fortificados por el mainstream, otros intentan despertar la revolución mediante el boca a boca entre los asistentes a sus conciertos, ésos que terminan la noche diciendo: ‘A Royal Blood se los comen con patatas’. Hay insurrección incluso en el papel de la entrada, donde combaten su denominación oficial, Death From Above 1979 –una demanda les obligó a colgar detrás la fecha de nacimiento de ambos–, con el nombre que siempre han querido tener,

impreso en grande sobre el cartel. Uno compra los tickets para los Death From Above del número, aunque sabe que viene a ver a aquéllos que están liberados del yugo de cualquier cosa que no sean ellos mismos. Libres también de expectativas, son todo lo que no podrías esperar de un dúo: tan independientes como dos solistas. Sobre el escenario cada uno ocupa un lateral y hay tanta distancia entre ellos que cuesta contemplar la escena completa. Está claro que no se tragan, no hay una mirada cómplice y apenas un cruce de palabras de mala gana. Keeler entierra el rostro en su mata de pelo negra y Grainger se encierra en su batería, de la que sólo sale para cantar algunos versos en ‘Outrage Is Now!’ frente un micrófono de pie, y ni siquiera entonces, el único momento en que los dos entran en el mismo plano, hay un mínimo gesto que indique que al menos se conocen de algo. La conversación más larga fue la bronca de Grainger con un

fan de las primeras filas que gritó “no la caguéis otra vez” después de que se confundieran en ‘Never Swim Alone’ y tuvieran que empezar de nuevo. A él le dedicó un “no la cagues tú otra vez, homie” y a su compañero un “¿Estás listo ya?” muy poco amable. Lo único que ambos tienen en común es su manera de tocar, como si intentaran seducir al instrumento entres sus manos. La destreza y soltura de Keeler al bajo y la tranquilidad con la que Grainger maneja sus baquetas al tiempo que la voz realmente pasma. Eso sí, muy bien tocado, pero frío. Al final de la noche deseas que alguien hubiese arrojado un vaso contra la tarima de la sala para ver un poco de esa furia inminente que prometen desde la portada del disco, el cartel del show y la canción que da nombre a la noche. No será porque no tengan las armas. Si esto es lo que son capaces de hacer sin mediar palabra, imagina cuando comprendan que “la revolución no se hace, se organiza”. 125

NILE

18 DE FEBRERO DE 2018 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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TERRORIZER

veces, aunque de primeras no lo parezca e incluso duelan, los cambios de miembros son para bien. Me explicaré: cuando Dallas Toler-Wade anunció que abandonaba Nile tras dos décadas de servicio, muchos vimos ahí el principio del fin. Ah, cuán equivocados estábamos… La entrada de savia nueva suele revitalizar a los combos, y así, en Razz 2 asistimos a la resurrección en directo de unos Nile que, durante los últimos años, se habían acomodado hasta tal punto que ya empezaban a aburrir. Esta vez, de tedio nada, porque los faraones del brutal death técnico nos momificaron con una vitalidad impensable hace sólo unos meses. Gran noche, la vivida, sólo empañada por unos No More Fear que tendrán guita para pagarse un slot, pero ningún tipo de talento como para girar internacionalmente. Su mezcla patatera de prog, post, death, groove y arabesco fue un suplicio. Lo de Exarsis ya fue harina de otro costal. De hecho, todos los conciertos

de thrash metal deberían ser como los suyos. Cuando el bajista Chris Poulos se quedó solo como único miembro fundador, imagino muy bien lo que les debió decir a sus nuevos compañeros: ‘Tíos, u os movéis en cada bolo como si os fuera la vida en ello, o ya os podéis ir buscando otra banda’. Y así, lo suyo fue un vendaval de principio a fin. Melenazas haciendo molinillo perpetuo, movilidad extrema. Letales y fantásticos. Seamos sinceros: el gran reclamo de este tour eran Terrorizer. Servidor, como todos los desdichados que sufrimos su catástrofe en el pasado Netherlands Deathfest, no tenía ninguna fe en lo que el trío podría ofrecer en la capital catalana, pero menuda sorpresa me llevé… O reprimenda, mejor dicho. Y es que, en realidad, lo tienen muy sencillo: World Downfall y Pete Sandoval en forma. Si cumplen con ello y se dejan de parlamentos estériles, lo suyo son showazos, y si un sonido más bien

cerduzco les acompaña, mejor que mejor. En el moshpit no pararon de llover hostias, y es que no era para menos: montaron una carnicería de aúpa empalmando un tema tras otro. Hay que ver cómo le da aún el exMorbid Angel a sus casi 50 años… Justicia para un combo histórico. A tres voces, Nile nos dejaron estupefactos con sus renovadas ganas y entrega. Se les veía cómodos, incluso risueños, liberados de la presión que a veces exige su compleja tralla, y desde luego, muy lejos de la monotonía a la que últimamente nos sometía el inclemente blast de George Kollias. Con un set muy bien ideado, con continuas subidas y bajadas, les disfrutamos como hacía mucho tiempo, y pirámides inabarcables como ‘Kafir!’ o ‘Black Seeds Of Vengeance’ hicieron el resto. Mereció la pena desprenderse de la pereza de los domingos para asistir a tan nobles palizas sónicas. 127

STEEL PANTHER

11 DE FEBRERO DE 2018 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: NADIA NATARIO

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r a un concierto de Steel Panther es algo así como sentirse dentro de la película Jacuzzi Al Pasado, en la que los protagonistas viajaban por arte de magia a los 80 y se encontraban de golpe con un show de Poison. El precio de la entrada te permite imaginar, o revivir, dependiendo de la edad de cada uno, una época que se fue para no volver. Porque a pesar del éxito que ha cosechado el cuarteto californiano y que sean capaces de convocar a unas 700 personas una noche de domingo, creo que nadie piensa, ni siquiera ellos mismos, que esto vaya a generar un revival masivo del hard rock ochentero. Así que lo mejor es disfrutarlos como lo que son: un chiste de excelente factura ejecutado por unos músicos con gran talento. Acompañándoles en esta gira venían Fozzy, la banda del wrestler Chris Jericho y el exguitarrista de Stuck Mojo, Richard Ward. Sinceramente, tampoco sabe uno si tomárselos

totalmente en serio, pues su heavy metal yanqui y puesta en escena tiene un punto histriónico. Aun así, hay que reconocer que la banda peta y es de lo más entretenida gracias a temas como ‘Judas’, ‘Bad Tattoo’ o una versión de ‘SOS’ de Abba, que entró de lo más bien. Si bien Steel Panther venían con un nuevo disco bajo el brazo, Lower The Bar, el espectáculo poco varió respecto a su anterior visita a Barcelona. Arrancaron con ‘Eyes Of A Panther’ y ‘Goin’ In The Backdoor’, para a continuación regalarnos una gran versión de ‘You Really Got Me’ de los Kinks como celebración del 40 aniversario del debut de Van Halen y, de paso, recordar sus orígenes como Atomic Punks, la banda tributo a ellos. Lejos de intentar ocultar sus influencias, Steel Panther las explotan al máximo, y en concreto el vocalista Michael Starr merece una matrícula de honor como imitador de David Lee Roth. Himnos como ‘Asian Hooker’, ‘Party Like

Tomorrow Is The End Of The World’ o ‘Poontang Boomerang’ mantuvieron los ánimos en alto intercalados con sus chistes, que son una bomba en estos tiempos de corrección política, aunque obviamente, si no dominas el inglés, pierden toda la gracia. Satchel también nos entretuvo con un solo de guitarra a base de riffs clásicos de Metallica o Maiden mientras con el pie marcaba el ritmo dándole al bombo de la batería. La power ballad ‘That’s When You Came In’ dio paso a una recta final con ’17 Girls In A Row’, en la que invitaron a otras tantas chicas a subir al escenario y animaron a que enseñaran sus pechos, ‘Gloryhole’ y ‘Death To All But Metal’. Para el bis se reservaron su balada más famosa ‘Community Property’, coreada como si estuviésemos en un estadio, y ‘Party All Day (Fuck All Night)’, su particular ‘Livin’ On A Prayer’ que dejó a todo el mundo deseando que, en lugar de domingo, fuera sábado. Que no pare la fiesta. 129

PUP

22 DE FEBRERO DE 2018 ROCKSOUND, BARCELONA TEXTO: BERTA MARTÍNEZ FOTOS: ERIC ALTIMIS

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THIS DRAMA

ocas veces tenemos el placer de ver una Rocksound así: con sold out, en la que banda y público son uno y donde por una vez no importan el calor y el sudor que característicamente acompañan a esta sala. Estamos ante unos PUP espléndidos y unos This Drama que lo dieron todo. Los canarios están acostumbrados a los directos, y eso se nota. Con una historia detrás de no pocas giras, se encuentran presentando su nuevo EP Summer Failures (producido por Scott Middleton de Cancer Bats), con un sonido nuevo y evolucionado pero fiel a sus raíces. Dieron un repaso de sus cinco EPs e hicieron lo que mejor saben hacer: transmitir toda la energía que llevan acumulando en su larga carrera en forma de hard y punk rock intransigente con canciones como ‘Poverty Year’, ‘La Santera’ o ‘Empty Handed’. Pareció que el escenario se les quedaba pequeño y con esa mezcla de furia y fuerza cubrieron de sobra las expectativas

de todos los que nos encontrábamos allí. Muchos cambios de ritmo, bajos y graves contundentes, y una banda completamente consolidada que daba paso a PUP y a la barbaridad que vivimos allí. Con sólo dos discos a sus espaldas y una carrera relativamente corta, lo que estos canadienses hacen encima del escenario es pura magia. Con sonidos que podrían parecerse tanto a The Bronx como a Built To Spill, salpicaron el concierto con sus grandes hits y el público hizo el resto. Comenzaron enérgicamente con ‘Doubts’ y ‘My Life Is Over And I Couldn’t Be Happier’, dos de los temas que componen su último The Dream Is Over, y demostrando que a Stefan Babcock no le queda absolutamente ninguna secuela de los problemas vocales sufridos tiempo atrás. El cuarteto, completamente coordinado y con un sonido muy sólido, parecía alucinar con la respuesta del público y que para nada se esperaban. Se nota que son una banda humilde y extremadamente agradecida. Oh,

Canadá... Continuaron con clásicos de su anterior trabajo homónimo como ‘Mabu’, ‘Back Against The Wall’ o la potente ‘Reservoir’, que fue uno de los momentos clave vividos en el concierto. Hubo tiempo incluso para alguna más tranquila y profunda como ‘The Coast’ que nos permitió coger aire antes de seguir. Pero lo mejor estaba por llegar y los que estábamos abajo del escenario lo sabíamos; bueno, abajo y encima, porque no fueron pocos los que aprovecharon para hacer crowdsurfing saltando desde él. El colofón vino al final y de la mano del dúo de canciones ‘If This Tour Doesn’t Kill You, I Will’ y ‘DVP’ seguidas y sin pausa, que es exactamente como comienza su último disco. Consiguieron elevar al público a lo más alto con su punk agresivo-bailón y las voces y riffs más alegres dignos de una banda de power pop. Algo más de tres cuartos de hora de concierto, en lo que fue su primera vez en España, que nos dejaron un agradable sabor de boca y muchas ganas de volverlos a ver. 131

DARKENED NOCTURN SLAUGHTERCULT

17 DE FEBRERO DE 2018 - SALA UPLOAD, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: EDUARD TUSET

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por fin Darkened Nocturn Slaughtercult aterraron Barcelona en su única fecha estatal. Habían sido varios años de anuncios que no llegaban a cristalizar desde distintas promotoras, y encima Chroma Nation presentó el show con tanta antelación que la espera se nos hizo eterna, pero, de una vez por todas, la cosa fue sobre ruedas y los germanos nos dieron nuestro merecido. Antes de que su espectral descarga nos helara el corazón, los locales Old Blood empezaron a invocar demonios invernales con su primitivo raw black. Igual se les podría exigir un poco más de interacción, pero lo cierto es que su puesta en escena estática concuerda totalmente con su inmovilismo musical. Pese a algunos errores técnicos, resultaron convincentes. La presencia escénica de Onielar es de las que no se olvida. Ataviada con su blanquísimo vestido decimonónico,

sus sangrientos esputos son esperadísimos en las primeras filas, pero no fue hasta que se deshizo del velo que la cosa echó a andar de verdad. Como por arte de magia, toda la banda se puso las pilas en ese mismo instante, y si durante los primeros temas les vimos algo titubeantes, la cosa ya no decayó hasta el final. Además, la fantasmal guitarrista y cantante aún da más miedo a cara descubierta, con esas lentillas que le eliminan el iris, increíble melenaza y esa constante gesticulación. Tiene su papel muy bien aprendido, está realmente maldita, y sus temibles shrieks atraviesan las salas como si fueran relámpagos de hielo, convirtiéndola en una frontwoman fantástica y la verdadera artífice de que, tantos años después, por fin Darkened despunten en todos los festivales europeos especializados en extremo old school. Sin piedad, con una saña exacerbada que parecía no tener fin,

los alemanes nos crucificaron con lo mejor de su ya amplio cancionero, un brutal y placentero tormento que, con salvajes puñaladas como ‘Follow The Calls For Battle’, convenció a propios y extraños. Aunque no me provocaron la tremenda conmoción de esa primera vez que les vi en la capilla del Netherlands Deathfest o no se pudo comparar con la magia de verlos de madrugada con las espectaculares luces del Brutal Assault checo, su concierto sólo pudo calificarse de excelente. Vinieron en avión para una única fecha sin su parafernalia habitual sobre las tablas y el sonido fue mejorable, pero Darkened Nocturn Slaughtercult lo compensaron sobradamente con una entrega y credibilidad que muy pocas bandas del género maldito atesoran actualmente. Y es que, junto a Watain, estamos ante una de las mejores formaciones de black metal que puedas ver sobre un escenario hoy en día. 133

DE GIRA

HEAVEN SHALL BURN 24 DE MARZO SALA BUT (MADRID) 25 DE MARZO RAZZMATAZZ (BARCELONA)

n esta próxima gira

La última vez que os vimos fue

llegado a un nuevo público.

vais a venir muy bien

abriendo para Korn, y antes

Incluso que la propia banda

acompañados con

con Parkway Drive. Tenéis

se ha rejuvenecido. ¿Estás de

August Burns Red, Whitechapel

muy buena relación con los

acuerdo?

e In Hearts Wake. ¿Los

australianos, ¿no?

escogisteis vosotros?

“Sí, somos muy amigos. En la parte alemana tocamos en sitios realmente grandes y nos íbamos alternando, la gente no sabía qué grupo tocaría el último. Y el resto de la gira también fue muy bien. Hemos estado con ellos en Sudamérica y Australia. Es genial poder girar con amigos y jugar a tenis durante el día. Lo único es que a nosotros no nos va el surf (risas). Siempre nos alegramos cuando les vemos en festivales. Creo que la gente percibió el buen rollo que había”.

“Diría que simplemente hemos mejorado en el arte de hacer discos. Creo que antes no nos importaban tanto los sonidos y la producción. Sólo queríamos capturar la energía brutal de nuestro directo. Eso sí, con Veto empezamos a pensar más en lo que realmente es el trabajo de estudio. Pero, por supuesto, eso también tiene su peligro. Puede ser que pierdas frescura y te vuelvas demasiado refinado. Creo que hemos logrado un equilibrio. También en Veto pasamos de la llamada ‘guerra de volumen’. Los discos anteriores ya no puedo escucharlos con auriculares porque, al cabo de una hora, ya estás sordo. Era demasiado”.

MAIK “Sí, es un gran paquete.

Espero que la gente venga pronto a ver todos los grupos. Creo que va a haber una rivalidad sana entre nosotros para ver quién hace el show más energético. Vamos a sudar para estar a la altura (risas). Teníamos muchas ganas de tocar con Whitechapel y lo habíamos intentado en giras anteriores, pero nunca había podido ser. Y August Burns Red también es un grupo que nos gusta mucho y les había producido Tue Madsen, que trabaja con nosotros. Nadie ha tenido que pagar para estar en la gira ni ninguna mierda de ésas”.

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Tengo la sensación de que, desde que sacasteis Veto en 2013 y especialmente

Wanderer en 2016, habéis

AGENDA MARZO Incluso diría que en directo las canciones respiran más, hay más dinamismo.

“No sé qué decirte porque cuando estoy tocando no soy muy consciente de cómo sonamos (risas). Supongo que también al tocar en sitios más grandes, el equipo es mejor que antes y puedes escucharlo mejor todo que cuando tocábamos en clubes pequeños. Pero me alegro si has notado la diferencia”. ¿Habéis empezado a pensar en el siguiente disco?

“Por ahora estamos muy centrados en esta gira porque es muy importante para nosotros. Hay muchas cosas que preparar. Es un mes entero tocando casi cada noche, así que tenemos que estar en forma. Después de la gira nos tomaremos un buen descanso, y luego ya pensaremos en el álbum, pero sin presión. No tenemos ninguna prisa”. Ahora pocas bandas pueden permitirse tomar largos descansos, pero es realmente importante para airearse.

“Nosotros no queremos ser prisioneros de la música. Empezamos el grupo como un hobby, nunca soñamos ser profesionales. Todos seguimos teniendo otros trabajos. Nuestra batería es profesor, nuestro cantante es enfermero, yo soy abogado… No salimos de gira para llenar la nevera. Lo hacemos porque lo amamos. Es un hobby que ha llegado demasiado lejos (risas), pero no hemos cambiado nuestra vida. Y nuestro sello sabe que es mejor no presionarnos”. ¿Saben tus clientes que tocas la guitarra en un grupo de metal?

“(Risas) No soy el tipo de abogado que va a juicios. Tiene más que ver con la universidad. Algunos de mis colegas lo saben, pero otros piensan que soy un mentiroso cuando les digo que me he ido a tocar a un festival a Grecia. Es genial, porque estamos en un grupo bastante grande, al menos en Alemania, pero es como si viviéramos en un universo paralelo. Y nos ayuda a mantener los pies en el suelo. Tocamos en el Summer Breeze ante 40.000 personas y tuvimos que volver directos a casa porque nuestro cantante tenía que entrar a trabajar en el hospital por la mañana. Llegó 10 minutos tarde y le echaron una gran bronca. Ahí ya no es una estrella del rock (risas)”. (JORDI MEYA)

ANCIIENTS 18 Madrid, 19 Barcelona ANVIL 1 Irún, 2 Madrid, 3 Valencia, 4 Barcelona ANGRA 27 Barcelona, 28 Valencia, 31 Barcelona AVATAR 23 Bilbao, 24 Madrid, 25 Barcelona THE BABOON SHOW 1 Valencia, 2 Badalona, 3 Zaragoza, 4 Oviedo, 5 A Coruña, 6 Valladolid, 8 Madrid, 9 Zarautz, 10 Bilbao BELL WITCH 21 Barcelona, 22 Madrid BLACK LABEL SOCIETY 10 Vitoria, 11 Santiago, 13 Madrid, 14 Barcelona BOOZE AND GLORY 15 Castellón, 16 Bilbao, 17 León, 18 La Bisbal CANNABIS CORPSE 29 Barcelona CANNIBAL CORPSE 3 Bilbao, 4 Madrid, 6 Barcelona CHRIS ROBINSON BROTHERHOOD 5 Madrid, 6 Barcelona, 7 Bilbao IAMX 6 Madrid, 9 Barcelona IMMOLATION 21 Bilbao, 23 Madrid, 25 Sevilla, 26 Valencia, 27 Barcelona MILKY CHANCE 5 Barcelona, 6 Madrid MYRATH 27 Madrid, 28 Barcelona ORPHANED LAND 2 Madrid, 3 Barcelona PROFANATICA 20 Barcelona RED SUN FEST (Necromancer, Langfinger...) 9-10 Barcelona RHAPSODY 18 Barcelona, 20 Madrid STEVE VAI 15 Madrid TALCO 1-2 Madrid, 3 Barcelona