RockZone 147 by ROCKZONE

Editorial 5150 S.L. no se hace responsable de las opiniones vertidas por sus colaboradores y/o lectores, así como del contenido material redaccional y gráfico por ellos remitido, física o telemáticamente, y aquí reproducido. Foto: Machine Head (Barcelona) @ Carles Rodríguez

EDITORIAL Una revista que empieza con una portada de Underoath y termina con una entrevista a Pablo Hasél no es una revista normal. Pero si de algo nos tiene que servir no ser un medio que depende de subvenciones, anunciantes del Ibex 35 o intereses ocultos, es para hacer lo que nos dé la gana. Al contrario que a Loquillo, a nosotros sí nos importa que unos raperos puedan acabar en la cárcel, ni que no nos guste especialmente su música ni comulguemos al 100% con su mensaje. Ante el retroceso de derechos fundamentales que estamos viviendo, cada uno debería intentar denunciarlo desde su parcela, sea la que sea. La nuestra es una humilde revista de rock. Enjoy!

SUMARIO

Nº 147

7 / INTERFERENCIAS

20 / CANCER BATS

28 / ANGELUS APATRIDA

34 / TURNSTILE

38 / TESSERACT

44 / ‘77

50 / UNDEROATH

58 / DISCO DEL MES

60 / CRÍTICAS

90 / WILD ANIMALS

96 / VIVEN

100 / GODSMACK

106 / BALMOG

112 / EN DIRECTO

124 / DE GIRA + AGENDA

126 / FIGURAS COLATERALES

INTERFERENCIAS

TODO LO QUE NO QUERÍAS SABER PERO QUE TE CONTAREMOS DE TODOS MODOS

NEW DEL MES_PRIMAVERA SOUND EL PRIMAVERA SOUND LEVANTARÁ DE NUEVO EL TELÓN A FINALES DE ESTE MES. COMO SIEMPRE, EL FESTIVAL MÁS EMBLEMÁTICO DE BARCELONA OFRECE UNA VARIADÍSIMA OFERTA CON CIENTOS DE ACTUACIONES DE ARTISTAS NACIONALES E INTERNACIONALES YA CONSAGRADOS Y MUCHOS OTROS POR DESCUBRIR.

Editorial 5150 S.L. C/ Zamora 46-48. 4º 1º B. 08005 Barcelona Tel: 93 300 66 33 www.rockzone.com.es rockzone@rockzone.com.es Director/Redactor jefe: Jordi Meya Subdirector: Richard Royuela Redacción y edición: Pau Navarra Dirección de Arte y Maquetación: R2D2 Responsable de publicidad: Álex Tamburini, C/ Zamora 4648. 4º 1ª B. 08005 Barcelona. Tel.: 93 300 66 33 / 638 41 57 03; editorial5150@gmail.com Colaboradores: Carles Ramírez, David Garcell, Jesús Brotons, Pablo Porcar, Samu González, Jordi Pons, Marc López, Xavier Iriarte, Andrés Martínez, Hugo de Cominges, Pau Ardid, Ignasi Trapero, Toni Castarnado, Sandra Astor, Lluís S. Ceprián, Jordian Fo, Luis Benavides, Ignacio Reyo, Laura Clavero, Kiko Vega, Gonzalo Puebla, Fer Díez, Toi Brownstone, Alejandro Lozano, Karles Sastre, Eneko Celestino, Jorge Fretes, Abel Valdelvira, Rocío Sánchez, Alba Rodrigo. Fotógrafos: Carles Rodríguez, Alfredo Arias, Eric Altimis, Rubén Navarro, Nadia Natario, Toni Villén, Javier Pérez. Web Rock Zone/Zona Zero: Ramón Franco (MONs), Rubén González (krater), Israel Higuera (wirrak), Vicente Madrigal (hollow_life), Miguel Gómez (MLACABEX), César Aguilar (CesarAguilar), Jorge Azcona (roots). Foto de portada: DR

l término ‘macrofestival’ se inventó para eventos como el Primavera Sound. Su decimoctava edición reunirá a casi 200 artistas, cuyo grueso actuarán en el gigantesco recinto del Parc del Fòrum de Barcelona del 30 de mayo al 2 de junio, pero que también se distribuirán en distintos escenarios de la ciudad antes, durante y después. Desde luego, quien no encuentre algo de su agrado es porque no quiere. Si bien la dirección del festival se ha caracterizado por no apostarlo todo a cuatro cabezas de cartel, sino en ofrecer una programación estudiadamente cuidada, no faltan grandes nombres como los de Arctic Monkeys, Björk o Nick Cave & The Bad Seeds. Junto a ellos se ha colado también en la primera fila Migos, la gran sensación del trap, para sorpresa de muchos. También estarán presentes dos de las bandas que están redefiniendo el rock americano, The National y War On Drugs, así como otras que ya han actuado anteriormente como Mogwai, Beach House, Spiritualized, Belle & Sebastian, The Breeders o Slowdive. Naturalmente tampoco faltarán Shellac, la banda de Steve

Albini, cuya presencia es ya toda una tradición. En el lado más duro del espectro, quizá este año no haya una presencia tan nutrida, pero aun así será todo un aliciente poder disfrutar del black metal de Watain, las locuras de Dead Cross, la banda de Mike Patton y Dave Lombardo, o el góspel oscuro de Zeal & Ardor, en su primera actuación en nuestro país. En nuestra agenda también tenemos marcado el retorno de Mike D. de Beastie Boys en su faceta DJ, el siempre estimulante Ty Segall y, nuestro particular guilty pleasure, las hermanas Haim. Pero al igual que ocurre en las listas de éxitos, el cartel de este año está impregnado de hip hop y sonidos urbanos. Así, raperos como Vince Staples, Tyler The Creator y A$AP Rocky desplegarán su flow, mientras artistas como Thundercat, Madlib, The Blaze o The Internet estarán representando la nueva música negra. Lo dicho, calidad y variedad, no faltan. Ahora sólo falta organizarse para que cada uno se adapte el festival a su medida. Para más información y venta de entradas, visita primaverasound.com.

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LO PEOR DE MÍ_DINASTÍA

i hablamos de culebrones, el de Fleetwood Mac merecería todos los premios. Olvídate de Kiss o Aerosmith, a lo largo de sus más de 50 años de historia, los enredos, intrigas, peleas y reconciliaciones, adicciones, entradas y salidas en Fleetwood Mac han sido tan constantes como su capacidad para escribir canciones enormes. No en vano su disco más famoso lleva por título Rumours. Aun así, uno esperaría que a su edad -la media de sus componentes es ya de 70 años- querrían transitar la última etapa de su carrera por aguas tranquilas y dejarían sus rencillas a un lado. Pero no. El 10 de abril, la banda anunciaba que en su próxima gira por Estados Unidos iban a prescindir del cantante y guitarrista Lindsey Buckingham, posiblemente su miembro más en forma. Su talento es tan grande que para sustituirle han necesitado fichar a dos grandes músicos: Mike Campbell

de The Heartbreakers, en paro desde la muerte de Tom Petty, y Neil Finn de Crowded House. La relación de Buckingham con el grupo siempre de amor/odio, un espejo de su relación con la vocalista Stevie Nicks, pero esta vez la ha llevado al límite. Al parecer su intención era retrasar los ensayos para su nueva gira hasta noviembre de 2019, mientras que el resto querían empezarlos este mismo junio. Teniendo en cuenta la pasta que hay en juego (su última gira recaudó casi 200 millones de dólares) sorprende que ninguna de las dos partes diera su brazo a torcer y quizá para demostrarle que nadie es insustituible decidieron echarle. Con cualquier otra banda, podría sospecharse que se trata de una estrategia para vender una gira de reunión en el futuro, pero en el caso de Fleetwood Mac es simplemente un día más en la oficina. (JORDI MEYA)

EL BUENO

EL FEO

EL MALO

Hace poco más de dos semanas, una fan de This Wild Life les preguntó a través de Twitter cuántos RT serían necesarios para que tocaran en su boda. El dúo californiano le contestó que 100.000 e, increíblemente, la chica lo consiguió. Fieles a su palabra, Kevin Jordan confirmaba a través de un vídeo que el grupo interpretará su nuevo single ‘Hold You Here’ en la ceremonia. Así da gusto casarse.

Las cosas se están poniendo tan feas que, el 12 de abril, los hermanos Sakis y Themis Tolis de Rotting Christ, fueron arrestados en el aeropuerto de Tbilisi (Georgia) porque, al parecer, ambos aparecían en una lista de negra por satanistas y terroristas. Tras varias horas encerrados, finalmente fueron liberados. Por desgracia, no es la primera vez que los griegos tienen problemas por culpa del nombre del grupo.

“ETA fue a la política lo mismo que el ‘Death Metal’ ha sido a la música: una pesadilla sin paliativos, un horror indescriptible, una murga que sólo puede interesar a alguien que no estén bien de la cabeza”. Por semejante frase escrita en la sección Las Siete Esquinas del Diario de Mallorca, Eduardo Jordá se merece el puesto del malo este mes. Mal periodista y mala persona.

ZONA DE OZZYO

TEXTOS: SAMU GONZÁLEZ, RICHARD ROYUELA FOTOS: DR

NACER•CRECER•METALLICA•MORIR Ian Winwood y Paul Brannigan (MALPASO)

i en la reseña de La Historia Del Heavy Metal de Andrew O’Neill destacamos la misión imposible que es hacer a estas alturas una cronología del metal, tampoco es nada fácil hacer una biografía de Metallica que realmente valga la pena. No hay grupo de metal en cualquiera de sus ramificaciones sobre el que se haya escrito o hablado tanto, y que haya estado expuesto de tal manera a la luz pública. Cosas de tener un éxito monumental y alguien como Lars Ulrich dentro de la banda... Editado en 2013, y ahora por primera vez en castellano, Nacer · Crecer · Metallica · Morir, lema que reinaba en la parte de atrás de algunas de las camisetas más famosas del cuarteto, se centra en los diez años iniciales de la banda, ésos que van de sus primeros días hasta los inicios del megaestrellato del Black Album. Seguramente no haya ninguna biografía donde se haya podido entrar tan profundamente dentro del mundo de Metallica, pero sus dos autores Ian Winwood y Paul Brannigan pudie-

ron vivir de primera mano cómo la banda fue creciendo gradualmente. Eran tiempos en que los grupos eran muchos más accesibles, cuando no existía el miedo a que una interioridad tuya fuese conocida al minuto siguiente en internet. Y ahí es donde este libro marca la diferencia. Probablemente hasta el conocedor más profundo de los de San Francisco encontrará algún detalle desconocido hasta el momento, existe una gran información sobre las grabaciones de los primeros álbumes –muy curiosa la forma de grabar las baterías… ¡No haremos spoiler!- y por descontado, se dan pistas del porqué las relaciones entre sus componentes han sido siempre tan peculiares. Lectura compulsiva donde la haya. Ya esperando esa prometida segunda parte. RR

LA HISTORIA DEL HEAVY METAL Andrew O’Neill (BLACKIE BOOKS)

estas alturas es tarea imposible hacer una acurada historia del heavy metal. Son ya casi 50 años de historia, y los subestilos y escenas se han ramificado de tal manera que, hasta en una enciclopedia de diez tomos, encontraríamos algo a faltar. Andrew O’Neill no pretende sentar cátedra sobre el estilo, sino más bien situar la cultura del heavy metal dentro del panorama musical y reivindicarlo como un género saludable y en constante evolución… aunque ahora mismo la evolución sea mirar al pasado. Bajo el peso constante de un humor inglés –no olvidemos que el libro es la consecuencia de su espectáculo de comedia sobre el metal- que no siempre es fácil de entender y traducir a otras lenguas, O’Neill 10

sabe situar perfectamente los pros y los contras del metal y sus seguidores, dando bastante en el clavo de por qué nunca ha sido un estilo muy valorado más allá de los propios metalheads, que darían la vida por él. Seguramente todo el mundo encontrará algún punto débil en su visión de los estilos, ya que por ejemplo no esconde su debilidad por el metal extremo –del cual demuestra un gran conocimiento-, de todo lo que sucedió en los 90 –que es cuando le tocó ser un adolescente-, pero apenas menciona un estilo como el power –de nula repercusión en Inglaterra pero totalmente influyente en Europa-, su total y divertido odio al hair metal, y su devoción por Metallica a pesar de los pesares... pero obviar la lectura de este libro si tienes algún interés por el metal –y si no, también- sería un pecado, ya que pocas veces se puede tener visiones que van más allá de los tópicos y ensayos tan bien cuidados y tratados como éste. RR

AMÉRICA Gabby Rivera y VV. AA.

EL REY ARAÑA Vann y d’Armini

MI VIDA - DE LA

(GRAFITO)

HEAVY METAL Elisa C. Martín

(PANINI)

DELINCUENCIA AL

(GARAGE)

América Chávez por fin debuta con cabecera propia. Personaje creado en 2011 y que bebe de los primeros tiempos de la era preMarvel, las aventuras en solitario de la segunda encarnación de Miss América llega con la frescura de una editorial abierta a ofrecer contenido de calidad de la mano de autores comprometidos. La guionista Gaby Rivera ofrece en esta aventura inicial un arco de viajes interdimensionales y mucha sororidad superhéroica aderezada con la acción desbordante de los mejores tebeos del género. SG

La dosis de fantasía más moladora del mes la aporta esta obra premiada con el Bronze Ledger de Australia en 2017. Épica vikinga, clanes familiares, decisiones trascendentales que provocarán tremendos baños de sangre... y alienígenas. Cuando un parásito alien se disponga a arrasar con toda la vida del planeta solo unos valientes guerreros armados con tecnología extraterrestre podrán hacerle frente. Sí, tan loco como suena y tan espectacular como te lo estamos contando. No te lo pierdas. SG

Elisa C. Martín (Dark Moor, Dreamaker, Fairyland, Hamka) relata en primera persona, sin florituras ni pretensiones literarias, su recorrido vital desde la infancia hasta su entrada a la primera división del heavy metal patrio y su salto a la escena europea. Un trabajo valiente, bravo e inspirador. Su autobiografía desea mostrar el crecimiento personal de alguien que siempre tuvo las ideas claras pero que, en un momento complicado de su situación, perdió el rumbo para luego regresar como una persona nueva y renacida. SG

YO, ROBOT Raúl Cuadrado

SAINT COLE Noah Van Sciver

SLAM! Ribon, Fish y Perr

(DIBBUKS)

(LA CÚPULA)

(FANDOGAMIA)

Una agradable sorpresa para todos los amantes de la ciencia ficción. Yo, Robot, desde el título, es un maravilloso homenaje a los inicios de la Serie De Los Robots del maestro Asimov, conteniendo tres historias inspiradas en sus relatos cortos dibujadas con gran mimo y todas resueltas con gran habilidad. Los aficionados reconocerán todas las referencias que el autor ha deseado introducir y cualquier lector se encontrará con un estupendo trabajo que le dejará con ganas de profundizar en este universo de sci-fi. SG

Primer cómic publicado en castellano (y segunda obra larga) de este dibujante norteamericano de corte underground. En este trabajo el autor se presta a narrar cuatro jornadas en la vida de un individuo comido por el patetismo de la vida y su existencia, lanzándonos a la cara sus problemas con el alcohol y sus relaciones personales y laborales ofreciendo, de esta forma, un relato asfixiante, que a la vez nos puede resultar familiar, repleto de frustración y derivas existenciales. SG

Roller derby molón y mucho cachondeo con sentimiento de la mano de un equipo creativo de lujo, con Pamela Ribon (reconocida escritora que participó en el guión de Moana) y Veronica Fish (una dibujante brutal). El primer tomo nos ofrece los primeros pasos de las protagonistas en este deporte, sus vivencias y experiencias vitales entremezclados con la adrenalina de la recreación de esta práctica al que uno puede quedar enganchado tras leer este tremendo trabajo. SG 11

DE CINE_ CON KIKO VEGA ISLA DE PERROS

OFFSCREEN Y BIFFF 2018

JAURÍA EMOCIONAL

uando Wes Anderson dio un paso al frente y se atrevió, nada menos, que a fabricar a mano la mejor adaptación que jamás se hará de una obra de Roald Dahl con Fantastic Mr. Fox, nosotros, simples mortales con capacidad limitada de visión, creímos verlo todo. Su habilidad, puesta en escena y gusto minucioso por el más mínimo detalle, llegaba a unas cotas de preciosismo inédito hasta entonces. Casi diez años después, Anderson da otro paso. Un salto. Uno de fe, para des-

OTRO AÑO FANTÁSTICO EN BRUSELAS

lumbrar como nunca nadie ha hecho a través del cine de animación. Primero fue Pixar, luego Laika, más tarde Aardman… siempre ha habido un momento para cada generación de cineastas animados y revolucionarios, pero lo que el director logra en su décima película, la segunda de animación, es histórico. Es algo inaudito y que probablemente sea demasiado para el ojo humano. Isla De Perros es un clásico. No hay ni un segundo de respiro en Isla De Perros, que consigue una cosa realmente difícil: ser una película de animación técnicamente insuperable. El problema llegará precisamente por eso: todo es tan abrumador, tan infinitamente hermoso, que esa belleza podrá jugar en su contra. Isla De Perros es asquerosamente perfecta tenga o no algo que contar. Pero, qué diablos, ¿no es eso el cine?

n mi amado Offscreen, en Bruselas, nos hemos quedado prendados, como siempre, del viejo cine proyectado en 35 mm. Así pudimos disfrutar de clásicos como la trilogía apocalíptica de Castellari, la aproximación al mismo de Martino (en una de sus más divertidas gañanadas) y apasionantes revisiones en celuloide de clásicos de culto, como The Hunger, o clásicos en general, como Noche De Miedo. Además, siguiendo con la regla habitual, esas proyecciones sirven para que algunos podamos descubrir verdaderas obras maestras como Forajidos 77, título español de Il Grande Racket, una de las mejores y más alucinantes películas sobre justicieros urbanos que verás en tu vida. Y llevaba ahí desde 1976. El cine actual se dejó ver con Revenge, premiada en Sitges, y que llena de luz, color y un toque femenino algo tan poco femenino como puede ser el rape&revenge, Gutland,

un noir con la protagonista de Phantom Thread, Vicky Krieps, la última locura de Jan Švankmajer o algunos de los mejores títulos del año pasado que siguen inéditos en medio mundo, como Brawl In Cell Block 99 o A Ghost Story. Un mes del mejor rollo posible en su edición más triste, la primera sin Wim Castermans, uno de los programadores más acojonantes que nunca haya tenido un festival de cine. Va por ti. Por su parte, el Bifff ha entregado una buena sartenada de premios. Dhogs, de Andrés Goteira, se llevó el premio de la crítica; Salinjaui Gieokbeob (Memoir Of A Muerderer) fue elegido el thriller del año, algo lógico cuando narras la historia de un asesino en serie con alzheimer que debe proteger a su hija de su novio psicópata. El Méliès de plata se lo quedó The Cured, de David Freyne, con Ellen Paige y su revisión del cine zombi. Las otras triunfadoras, Inuyashiki, la adaptación del manga, y Vuelven, de Issa López. Personalmente, me quedo con la estupenda aventura de uno de los directores jóvenes con más futuro del panorama fantástico, el mexicano Isaac Ezban, que con Parallel salta de la literatura pulp al comicbook con una facilidad insultante. Quédate con su nombre, dará que hablar.

TOI’S IN THE ATTIC EL PULITZER DE KENDRICK LAMAR

ola amigos! Hace unos días la noticia invadió las redes sociales: el rapero Kendrick Lamar había sido galardonado con el premio Pulitzer a la música. ‘¡Ah! ¿Pero existe la categoría musical?’, os preguntaréis. Pues sí, pero su repercusión pasada ha sido tal que francamente no tenía ni idea. El premio se otorga “al logro y excelencia” conseguidos por un artista americano dentro de ese mismo año, en el caso de Lamar estamos hablando de su álbum DAMN.. El de Compton se convierte en el primer artista fuera del jazz o de la música clásica en recibir el galardón, y esto es lo destacable, puesto que automáticamente se ensalza un estilo mainstream, en un momento en el que el rap se encuentra en un momento álgido. Con tanto revuelo decidí escuchar la obra

galardonada en busca de la excelencia, canción por canción, leyendo letra por letra, porque no sabéis lo que casca el tío en cada canción... Alejandro Sanz y sus frases son una chorrada en comparación. Además de que realizar este tipo de ejercicio es muy gratificante y recomendable, el resultado fue positivo. En la superficie, musicalmente DAMN. es impecable, y si uno profundiza en las letras, resulta interesantísimo la manera de reflejar una sociedad, un ghetto, injusticias… o como alguien tituló en algún medio, “la complejidad de la vida moderna afroamericana”. Alguien apuntó que debería hacerse lo mismo con Bob Dylan, que también ganó un Nobel, pero tal vez su mensaje y musicalidad me resultan más obsoletos, o a lo mejor yo soy demasiado moderna. (TOI BROWNSTONE)

ste mes el escogido para mi Hall Of Fame particular es Look What The Cat Dragged In de Poison. Hay dos cosas que han pasado recientemente que me han hecho escribir sobre Poison. La primera fue escribir el mes pasado sobre cómo Night Songs de Cinderella ha sido un disco largamente malinterpretado e ignorado, cuando se habla de música rock. Hablando sobre esto mencioné que el debut de Poison, Look What The Cat Dragged In, editado el mismo año, prácticamente representó todo un género (las dos bandas fueron metidas erróneamente dentro del saco del glam). También acabé comentando que el glam utilizaba de manera constante “estribillos baratos”, “imitadores de Vince Neil”, “aspirantes de 16

David Lee Roth” e “insulsos” solos de guitarra; algo que Poison venían a representar. Ellos eran tan amados como odiados (amados por las chicas, odiados por los chicos). Siendo un thrasher orgulloso que amaba el crossover, denuncié a Poison de manera pública. La segunda razón para escribir sobre Poison este mes fue que, recientemente, escuché el podcast de Jamey Jasta de Hatebreed con Steve ‘Zetro’ Souza de Exodus como invitado, donde admitía que era fan de Dokken y Ratt. Eso fue la bomba para mí. A pesar de que yo también sea fan de Ratt y Dokken, que Zetro lo admitiera públicamente es algo que va en contra de lo que se suponía que representaban Exodus cuando era adolescente. Pero estamos en 2018, amigos, y todas esas líneas invisibles se han derribado, por lo que, siguiendo a Zetro, me voy a lanzar al barro y admitir que no sólo he sido fan de Look What The Cat Dragged In de Poison durante años, ¡sino que además lo he comprado dos veces! Sí, es verdad. Mi afición por Poison es

algo que sólo admito cuando estoy entre amigos, pero nunca lo he hecho públicamente. Objetivamente, Look What The Cat Dragged In es simplemente imbatible como disco festivo de glam rock. En ningún momento intentaron reinventar la rueda, de la misma manera que les pasó a otras muchas bandas… con la diferencia de que ellos sí que pensaban que la habían reinventado. Eso es precisamente porque me gusta… ¿Amo...? Look What The Cat Dragged In. La absoluta ausencia de pretensión. Canciones como ‘Cry Tough’, ‘I Won’t Forget You’, ‘Look What The Cat Dragged In’ y, por supuesto, ‘Talk Dirty To Me’, no pretenden ser

nada más que instigadoras para la fiesta. Admitamos que las voces son justas, la guitarras mediocres y la imagen estridente, pero ¡las canciones! Esas canciones podían hacerte huir de la monotonía en un momento. Al fin y al cabo, ¿no es eso lo que queremos en una banda de rock’n’roll? Al final, me dejé llevar por la presión de mis compañeros y dejé de seguir a la banda después de ese debut, que todavía tiene un sitio especial en mi corazón. Si no fuese por el implacable juicio de los thrashers y punks dictando veredictos de manera desfavorable sobre mis gustos, me hubiese aventurado a explorar su discografía y, quizás, me hubiese gustado. Hasta el mes que viene, DANKO JONES

LAS ARNETTE SESSIONS NOS MUESTRAN EL LADO MÁS CERCANO, ÍNTIMO Y CRUDO DE LOS MÚSICOS QUE SE ACERCAN A LA REDACCIÓN DE LA REVISTA ROCKZONE. A PELO, SIN SEGUNDAS OPORTUNIDADES NI EFECTOS ESPECIALES, ESTE FORMATO NO ES APTO PARA PRODUCTOS PREFABRICADOS, SÓLO PARA QUIENES DISFRUTAN Y RESPIRAN LA MÚSICA.

>> GORKA (BERRI TXARRAK) INTERPRETA ‘ZALDI ZAURITUA’ EN LA REDACCIÓN DE ROCKZONE

ocos días antes de su último concierto en Barcelona, Gorka Urbizu, cantante y guitarrista de Berri Txarrak, fue tan amable de visitar nuestra redacción para interpretar uno de los temas de su último disco de Infrasoinuak (Only In Dreams). Dado que por delante estaban los tres primeros conciertos en los que presentarían el álbum, incluido uno tan importante como el del BEC de Barakaldo, decidimos esperar a entrevistarle hasta que pasaran, para que pudiera hacer balance. Como era previsible, cuando contactamos con el fin a finales de abril, Gorka estaba entusiasmado. “El disco está funcionando como un tiro y desde que salió teníamos muy buenas sensaciones del público, pero luego en los conciertos se ha visto refrendado. Nos hacía especial ilusión hacer sold-out en la Razzmatazz

que es una sala donde hemos visto muchos conciertos, y pensábamos ‘cómo molaría algún día llenar esto’, y ha ocurrido. En Madrid repetir La Riviera también fue genial. Y lo del BEC, aquí ha sido como un antes y un después. Es un hito en nuestra carrera y diría que casi trasciende a Berri. Dentro del rock euskaldún ha sido un evento que trascendió lo musical y se convirtió en otra cosa. En realidad, era la presentación de un disco nuevo, pero parecía como si fuera el reconocimiento a una carrera”. A toro pasado, y visto el increíble éxito de reunir a 10.000 personas, puede parecer que tuvieran muy claro que iba a salir bien, pero realmente, cuando reservaron el BEC, ¿no lo veían una locura? “Daba un poco de vértigo”, reconoce Gorka. “Pero forma parte de Berri cambiar el planteamiento. También es verdad que con los últimos dis-

cos en Euskal Herria siempre hacíamos sold-out y haciendo varias fechas en una misma sala, pero mi apuesta personal para el BEC era meter 4000 o 5000, que ya me parecía la rehostia. Pero poco vimos ya vimos que iban a ser más. He perdido muchas apuestas y cenas (risas)”. El concierto del BEC se alargó hasta las tres horas, pero los de Barcelona y Madrid no anduvieron muy lejos. ¿Le han pillado el gusto al rollo Foo Fighters, Sprinsgteen de hacer conciertos maratonianos? “No, por favor”, dice riendo. “Pero queríamos darles un status especial a estos tres conciertos. Yo como espectador prefiero bolos no tan largos. Pero también es verdad que vas acumulando discos y cada vez es más difícil hacer un setlist. Pero ahora en los festivales de verano habrá que economizar”. Esperemos que tampoco mucho.

CANCER BATS

AVENTURAS PARA SIEMPRE EL 20 DE ABRIL CANCER BATS SORPRENDÍAN A TODO EL MUNDO LANZANDO SIN PREVIO AVISO UN NUEVO DISCO. CON THE SPARK THAT MOVES, LOS CANADIENSES REIVINDICAN SU INDEPENDENCIA RECORDANDO, TANTOS A SUS FANS COMO A ELLOS MISMOS, QUE, POR MUCHO QUE LES GUSTE EL METAL, EN EL FONDO SIGUEN SIENDO UNA BANDA PUNK. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

LIAM CORMIER SÓLO HAY UNA COSA QUE LE GUSTE TANTO COMO L A MÚSIC A: IR EN MOTO. El inagotable y siempre

positivo frontman de Cancer Bats aprovecha cualquier oportunidad que le permite el apretado calendario de su banda, o el de Bat Sabbath, el cotizado tributo que tienen a Black Sabbath, para subirse a una moto y hacer kilómetros. Fue precisamente el año pasado, mientras viajaba solo por Noruega, que vivió una experiencia que, de algún modo, marcaría el sorpresivo lanzamiento de su quinto álbum. Bajando por una montaña en

medio de una tormenta, a Liam se le abrió la chaqueta y perdió el móvil. Cuando se dio cuenta, ya era demasiado tarde para recuperarlo. Lo que podría haber sido una putada sin más, en su caso era más grave, ya que tenía que culminar su trayecto hasta Inglaterra, sin teléfono, GPS, ni ninguna de las reservas que tenía donde hospedarse. Pese a todo, Liam llegó a su destino final a base de pedir indicaciones y, por primera vez en mucho tiempo, interactuar de manera más humana con desconocidos. El sentimiento de satisfacción y alegría tras esta aventura le hizo darse cuenta de lo atados que estamos a la tecnología y lo previsibles que son

nuestras vidas como adultos. De algún modo quería trasladar ese sentimiento de excitación ante lo desconocido también a Cancer Bats. Por eso, en lugar de seguir el guión establecido de lanzar un teaser, luego un adelanto, luego un vídeo… él y sus compañeros Scott Middleton (guitarra), Jaye R. Schwarzer (bajo) y Mike Peters (batería) decidieron autoeditarse su quinto disco The Spark That Moves y publicarlo por sorpresa, coincidiendo con el décimo aniversario de Hail Destroyer, el álbum que les puso en el mapa. Escuchándolo, se percibe totalmente esa energía renovada de la que podremos disfrutar en directo en el próximo Resurrection Fest. Apenas dos semanas antes de que destaparan su sorpresa, teníamos la oportunidad de charlar con Liam sobre sus dos grandes pasiones.

LLEVAMOS LLEVAMOS 13 13 AÑOS AÑOS Y Y VIVIMOS VIVIMOS DE DE ESTO” ESTO”

¿De quién fue la idea de publi-

LIAM LIAM CORMIER CORMIER

“NUESTRA “NUESTRA BANDA BANDA ES ES UNA UNA ANOMALÍA. ANOMALÍA. LA LA GENTE GENTE NO NO LO LO ENTIENDE ENTIENDE PORQUE PORQUE NO NO SOMOS SOMOS UNA UNA BANDA BANDA GRANDE, GRANDE, PERO PERO

car el disco por sorpresa? LIAM CORMIER “Fue mía. Le di

muchas vueltas a lo que teníamos que hacer con este disco y mientras estábamos de gira como Bat Sabbath, hablé con nuestro agente Ross Warnock y le dije que quería hacer algo que tuviera un impacto, como cuando hicimos los shows del Pentagrama con el disco anterior. Hacer algo que se saliera de lo normal y que fuera divertido. Creo que ése es el espíritu de la banda, hacer cosas que nos diviertan en lugar de hacer lo que hacen todos los grupos de rock o de punk. Run The Jewels sacaron su álbum gratis

y me pareció muy interesante. Y el que se cumplieran diez años de Hail Destroyer me hizo pensar en toda la gente que nos ha estado apoyando todo este tiempo y que forman parte del grupo también. No me gusta que la gente tenga que esperar desde que se anuncia un disco hasta que sale, y al fin y al cabo, con los servicios de streaming tampoco tiene mucho sentido un lanzamiento tradicional. No queríamos sacar un vídeo, y al cabo de tres meses otro vídeo, y dos meses después sacar el disco. Como fan no me gusta relacionar-

me con los discos de esa manera, así que, ¿por qué iba a hacerlo con mi banda?”. ¿Ha sido difícil mantenerlo en secreto?

“Sí. Especialmente hoy en día es complicado. Estábamos en el estudio y no pusimos nada en las redes sociales, nadie colgó nada en Twitter o Instagram. Casi parecía contranatura no colgar nada (risas). Filmamos un documental que saldrá más tarde y hemos filmado un vídeo. Lo bueno es que llevamos trabajando con la misma

años es posible que lo hagas. Cuando tienes 37 ó 38 años y te pones a componer puedes olvidarte de esas cosas, pero igual tienes fans de 22 que escuchan Dead Set On Living, y aunque les mole el stoner, no necesitan un disco entero de stoner de Cancer Bats. Jay y yo hablamos mucho cuando estábamos componiendo. Cuando escribí ‘Brightest Day’ había vuelto de un viaje por la Costa Oeste y conocí a un montón de fans de Cancer Bats muy guays, y me hablaban de canciones como ‘Grenades’ de Birthing The Giants. Y parecía que hablaran de canciones muy viejas. Creo que ‘Road Sick’ de Dead Set On Living tiene algo de esa energía, pero quizá nos habíamos olvidado un poco de eso y para mí es parte fundamental del grupo. Sólo porque a mí me guste escuchar Church Of Misery y Eyehategod no quiere decir que todo el mundo lo haga (risas)”. Escuchando el disco acabé exhausto imaginándote cantando estos temas. Son canciones muy

gente que cuando empezamos, así que todo el mundo, como vosotros, a quienes hemos contado lo del lanzamiento sorpresa es de absoluta confianza”.

hacer cosas”. Si te soy sincero, el álbum me ha sorprendido por ser más punk de lo que esperaba. Pensaba que seguiríais más por la

¿Cuándo lo grabasteis?

línea más groove, doomera.

“En enero, hace sólo un par de meses. Una vez fijamos la fecha de lanzamiento, nos obligó a terminar el disco a tiempo. En parte está bien porque si no tienes una fecha, nunca te pones las pilas. Al final, siempre acabas apurando hasta el último minuto. En mi vida soy igual, necesito tener fechas para

“Sí, es muy punk. Me mola. Escuchamos todos los discos de Cancer Bats y queríamos hacer algo que encajara ahí. Queremos progresar, pero no alejarnos de lo que somos. No queremos olvidarnos de dónde venimos y ni por qué empezamos el grupo. Para mí esas cosas son importantes, pero cuando llevas 13

exigentes vocalmente, ¿no?

“Sí, pero creo que mi voz por fin ha llegado al nivel en el que puedo hacer todo lo que quiero. Creo que los años de cantar con Bat Sabbath y Axe Wound y llevar mi voz al límite en Searching For Zero han servido para sentirme totalmente cómodo cantando lo que sea. De manera natural me sale cantar en distintos estilos. No necesito ir cortando y haciendo tomas por separado, me pongo delante del micro y soy capaz de hacerlo del tirón. Hay como cinco temas en los que grabé los estribillos en tonos muy altos y muy

“ESCUCHAMOS TODOS LOS DISCOS DE CANCER BATS Y QUERÍAMOS HACER ALGO QUE ENCAJARA AHÍ. QUEREMOS PROGRESAR, PERO NO ALEJARNOS DE LO QUE SOMOS. NO QUEREMOS OLVIDARNOS DE DÓNDE VENIMOS Y NI POR QUÉ EMPEZAMOS EL GRUPO” LIAM CORMIER graves, gritados y melódicos. Por eso suenan así de locos. Estoy muy contento de por fin tener una voz que me permite hacer todo eso”. A pesar de lo directo que es el disco, se nota que los temas están muy trabajados. Hay un montón de detalles.

“Sí, creo que es uno de los discos que más hemos trabajado. Cada uno de nosotros tuvo que trabajar por su cuenta y hacer suyos los temas. No es el sonido que saldría de tocar los cuatro juntos en una habitación, sino la suma de cuatro personas metiéndose a fondo dentro de los temas”. Aunque no vaya a haber un single como tal, ¿qué canción hubieras elegido de haber uno? 24

“Hay varias. La primera, ‘Gatekeeper’, porque tiene mucha caña y refleja muy bien el momento del grupo. También la última, ‘Winterpeg’, es una gran canción para nosotros. Compusimos y grabamos el disco en Winnipeg y además contamos con Chris Hanna de Propagandhi en las voces. Para mí el concepto de single es más bien qué canción estás tan orgulloso que le pondrías a tus colegas para que la escucharan. En este caso, es el disco entero porque vamos a compartirlo con todo el mundo a la vez”. ¿Y hay otros invitados en el álbum?

“Sólo están Chris y Jenna de Mobina Galore, que canta en ‘Rattlesnake’. Luego tuvimos a un montón de amigos de Winnipeg

haciendo coros. Queríamos tener a una buena mezcla de hombres y mujeres haciendo coros, porque en nuestros conciertos también es así (risas). Me gusta que nuestros conciertos sean un espacio seguro donde todo el mundo se siente seguro y cómodo. Por eso quería voces femeninas, porque representan lo que es un concierto de Cancer Bats. ¡Hemos creado la utopía! (Risas) Y además, creo que hay muchas bandas punk con tías que molan. Por eso quería tener a Jenna. Estoy aburrido de escuchar sólo a tíos (risas). Para mí el disco de Sheer Mag es uno de los mejores trabajos que han salido en años”. Uno de los temas más pegadizos es ‘Bed Of Nails’.

“Sí, ésa la escribimos Jay y yo, es

muy melódica. Pensábamos en un tema hardcore de finales de los 90, y haciendo la letra pensé en hacer algo más melódico tipo The Bronx o Queens Of The Stone Age. Es la ‘Scared To Death’ de este álbum”.

o más metal porque ya tenemos material así. También escuché a The Explosion y Strike Anywhere, que hacía años que no escuchaba, y me apetecía hacer algo así, más punk”. ¡Me encantaban The Explosion!

Ya no sólo a nivel musical, sino en la manera en la que os sacáis el disco vosotros, todo parece un poco una vuelta a las raíces. Mirando atrás, ¿crees que la etapa de Searching For Zero, con Ross Robinson y BMG, un single más comercial como ‘Satellites’, fue vuestro último intento de lograr jugar con las reglas de la industria para intentar ser una banda más grande?

“No, no, porque aunque trabajamos con Ross y salió por BMG, escucho Searching… y es un disco muy crudo, intenso y oscuro. Suena como un concierto en un sótano (risas). Como te decía, todo alrededor del nuevo álbum vino después de una charla sobre los diez años de Hail Destroyer. Las canciones son un reflejo de de dónde venimos y por qué a la gente le sigue gustando nuestro grupo. Si miras nuestro setlist… Creo que tenemos que escribir canciones que encajen ahí, con nuestra historia. Nuestros nuevos temas tienen que estar al mismo nivel de las diez ó 15 canciones que podamos tocar cada noche en un concierto. Hemos escrito bastante retorcidas como ‘Pray For Darkness’ o ‘All Hail’, no necesitamos más temas de ésos. Prefiero tocar ‘Pray For Darkness’ que escribir otro tema igual porque no aportaría nada. No queremos que en cada disco tenga que haber un tema más thrash

“Sí tío, eran increíbles. The Explosion fue la banda que más escuchaba cuando hicimos el primer disco, y me había olvidado completamente de ellos. Necesito escuchar a Danzig y The Explosion, y These Arms Are Snakes, otra banda súper importante en nuestros inicios, en el mismo playlist. No quiero olvidarme de esas bandas que fueron tan importantes, aunque a veces queramos sonar como Entombed (risas)”.

This Drama, todo tenía sentido. Me gusta hacer cosas distintas, pero creo que tanto nosotros como nuestros fans prefieren vernos en nuestros propios conciertos. Tocar en un sitio para 300 personas y que todo el mundo se vuelva loco es lo que más nos gusta”. Es aquello de qué prefieres ser, cola de león o cabeza de ratón.

“Sí, yendo en moto he aprendido que es mucho más divertido conducir una moto lenta rápido que conducir lento con una moto rápida. Por eso prefiero tocar en salas pequeñas. Sabemos cómo hacerlo y que sea rentable”. Y además, ahora, tal como se

Bueno, más que a la música, me

montan las giras con paquetes

refería a la manera de intentar

de cuatro o cinco formaciones,

funcionar dentro de la industria.

no tiene ningún sentido para las

¿Habéis aceptado que nunca

bandas pequeñas. Les ve poca

seréis una banda grande?

gente y acaban pagando la fies-

“Sí, ya sé lo que quieres decir. Creo que la gira de Searching For Zero fue un reflejo de eso. Hemos llegado a un punto en el que sólo queremos ir de cabezas de cartel. En la industria musical haces un montón de giras que son como apuestas. Y puede ser que estés girando con un grupo que sean buenos tíos, pero al final prefieres dar tus propios conciertos. Es como cuando tocamos con Enter Shikari. Esa gira moló, pero nuestro bolo preferido de la gira fue el que montamos en dos horas con vosotros en el Rocksound Bar de Barcelona. Ese concierto nos hizo ver que es eso lo que deberíamos estar haciendo. Por eso luego, cuando hicimos la gira por España con Wilderness y

ta a la principal.

“Exacto. No me malinterpretes, a veces hay paquetes que tienen sentido. Nosotros giramos por Canadá con Billy Talent, Alexisonfire y Against Me! y eran sitios enormes. Y funcionó porque los chavales estaban ahí a las seis para vernos, nadie quería perderse ningún grupo. Pero amigos míos tocaron como teloneros de Foo Fighters en esos mismos pabellones y no les vio nadie. Sobre el papel, abrir para Foo Fighters es lo más, pero ellos me contaban que fue como hacer una prueba de sonido durante media hora porque no le importaban a nadie”. Y lo peor es cuando el grupo ha pagado pasta para estar ahí. 25

“Sí, claro. Para mí es lo más brutal del negocio de los conciertos. Nosotros nunca hemos pagado por estar en una gira. Creo que no puedes arriesgar tanto porque nunca sabes cómo va a funcionar. Creo que es mucho mejor conectar con la gente a un nivel más directo, humano. Nuestra banda es una anomalía. La gente no lo entiende porque no somos una banda grande, pero llevamos 13 años y vivimos de esto. Nosotros podemos tocar en un sitio para 300 personas y que tanto el promotor como nosotros ganemos algo de dinero y todo el mundo esté feliz. Y encima todo el mundo se lo pasa bien. A medida que hemos ido ganando experiencia hemos ido entendiendo estas cosas. Por eso ahora podemos sacarnos el disco nosotros mismos y hacer que funcione. Podemos hacerlo funcionar como un pequeño negocio, no necesitas a una gran corporación detrás. Durante la gira fuimos apartando algo de dinero para poder cubrir todos los costes. Así que el disco está pagado antes de salir y el riesgo es sólo nuestro. Es como Jay. Coge madera, hace una mesa y luego la vende. O yo con mi marca de ropa. ¿Por qué la industria musical no puede funcionar igual? Deberías ser capaz de poder hacer lo que quieras sin tener que invertir un montón de pasta. Por ejemplo, nosotros sabemos que el grupo no funciona en Estados Unidos, así que vamos a pasar de Estados Unidos. Me sabe mal porque tenemos algunos fans ahí, pero también los tenemos en Brasil y posiblemente nunca vayamos a Brasil. Las cosas son así. La realidad

es que viene a vernos más gente en Catalunya, España o el País Vasco que en Estados Unidos, así que no vamos a amargarnos por eso. Nos han invitado a tocar al Resurrection Fest, pero no a un festival en Estados Unidos. Así que… ¡España gana! (Risas) Todos los grupos se obsesionan con triunfar en Estados Unidos, porque parece que si no lo consigues, no vales nada, pero nuestra banda no funciona así”.

hora de comunicarnos y sabíamos que hacer estas cosas eran importantes para la longevidad de la banda. Todos necesitábamos hacer algo fuera de Cancer Bats para no quemarnos. Tocar con el grupo y hacer un disco nuevo tiene que ser divertido. Hacer otras cosas es la mejor manera de preservar eso”. ¿Pero os vais a tomar las giras con más calma? Porque hasta hace poco estabais constante-

De hecho, Alexisonfire tampoco

mente en la carretera.

eran nadie en Estados Unidos.

“Sí, creo que la paternidad de Mikey va a marcar nuestra agenda. Pero no lo digo como algo en contra suya, porque a todos ya nos va bien. Si por ejemplo el resto quiere volver a casa en medio de la gira europea este verano, yo me quedaré y me haré mis excursiones en moto. Igual vaya a Barcelona y desde ahí me voy en moto al Resurrection Fest”.

“Ni Billy Talent. O Danko Jones. Nosotros también aprendemos de esa gente. Se han centrado en Europa porque es donde tienen su público, y nosotros hemos hecho lo mismo. No voy a perder el sueño porque nos ignoren en Estados Unidos”. Has mencionado un par de veces el décimo aniversario de

Hail Destroyer. ¿Qué significó ese disco para la banda?

Estando tanto de gira, uno pen-

“Para nosotros marcó un gran cambio en nuestra carrera. Aunque habíamos girado por el mundo con Birthing The Giant, fue con Hail Destroyer que dimos un salto. Ese disco nos permitió dejar de ser unos homeless y ganarnos la vida (risas)”.

saría que lo último que quieres

Desde el último álbum, Scott se ha casado y está produciendo a otros grupos, Mikey tuvo un niño, tú te has liado con tu marca de ropa Treadwell Clothing… ¿En algún momento pensaste que quizá la banda iba a pasar a un segundo plano en vuestras vidas?

“No. Todos somos muy abiertos a la

hacer es seguir viajando en tu tiempo libre... No puedes parar quieto.

“Simplemente me he dado cuenta de que me gusta viajar. No es que me pase nada raro, pero me gusta ir de aventuras. Mi novia lo entiende totalmente porque también ama las motos, y a veces viajamos juntos y otras no. Ir de viaje solo en moto es muy interesante. No es que huya de mi vida, es que quiero que esto sea mi vida”.

ANGELUS APATRIDA

¡RODARÁN CABEZAS! VIENDO LAS NOTICIAS, LEYENDO LOS PERIÓDICOS, ESCUCHANDO HABLAR A LOS POLÍTICOS, ¿QUIÉN NO HA DESEADO MONTAR UNA GUILLOTINA Y EMPEZAR A CORTAR CABEZAS? ANGELUS APATRIDA HAN CANALIZADO TODA SU INDIGNACIÓN Y RABIA ACUMULADA PARA GRABAR CABARET DE LA GUILLOTINE , UN ÁLBUM QUE CORTA COMO LA MÁS AFILADA DE LAS CUCHILLAS. TEXTO: KARLES SASTRE FOTOS: DR

N GE LUS APA TRI DA , AUNQUE A ALGUNOS TODAVÍA LES C UESTE ADMITI RLO, HAN

sido unos pioneros dentro de la escena metal estatal. Su memorable Give ‘Em War, su posterior fichaje por un sello discográfico como Century Media, o el hito de alcanzar el número 2 de las listas de ventas en España con su anterior Hidden Evolution, les proyectaron a la primera división y les permitió codearse con las bandas más consagradas del planeta y llevar su thrash metal por continentes lejanos. Esto que ahora puede sonar normal o incluso cotidiano era, hasta hace poco menos de diez años, una auténtica quimera. Instalados ya en esta privilegiada posición muchos pensarán que los manchegos han bajado la guardia o que se han acomodado. Quien lo afirme poco conoce a Guillermo Izquierdo (voz, guitarra), David G. Álvarez (guitarra), José J. Izquierdo (bajo) y Víctor Valera (batería), ya que tres años después de su aclamado Hidden Evolution, vuelven a la carga con un nuevo proyectil bajo el brazo y con más ganas que nunca de seguir demostrando que, si alguien quiere destronarlos, deberá pelear con fuerza puesto que ellos no van a ceder fácilmente. Su sexto disco Cabaret De La Guillotine (Century Media) es, como su nombre indica, una declaración de principios sobre la situación política y social que, por desgracia, nos ha tocado vivir en estos días oscuros. Ellos siguen igual de firmes y convencidos de que su música es su mejor arma para luchar contra ello igual que lo

estaban cuando empezaron a escribir canciones en su Albacete natal hace 18 años. Y con esta misma actitud e ilusión afrontan el inminente lanzamiento, tal y como nos lo cuenta, en una extensa e interesante charla que bien podría haber ocupado todo un número de la revista, el propio Guillermo. Con una generosa gira europea por delante y su presencia ya confirmada en festivales como Viña Rock, Download Madrid o Resurrection Fest, este nuevo capítulo no puede empezar mejor. Preparados para la salida del

los inicios, que quizá no la habíamos perdido, pero que la verdad es que sí que nos habíamos ido por otros derroteros que nos apetecían más en esos momentos y ahora hemos vuelto a mezclar ese sonido nuestro tan power thrash que nos identificaba cuando empezamos. Y con ‘Downfall Of The Nation’ hemos vuelto, yo diría, al groove que nos salió en Give ‘Em War, por ejemplo. Pero hay que escucharlo al completo porque creo que cada canción se complementa con la otra y al final dices ‘joder, qué disco más redondo’”.

disco y con ganas, supongo. GUILLERMO IZQUIERDO “¡Muchí-

Ahí estaríamos de acuerdo, y

simas! La verdad es que sí, porque con los lanzamientos previos ya hemos visto que la gente está un poco alborotada y se están haciendo mogollón de especulaciones. Las reacciones están siendo buenísimas, la gente ha visto que ha habido una evolución en estos tres años desde Hidden Evolution bastante tocha, cosa natural en una banda cuando pasas tanto tiempo sin sacar material nuevo y es normal que este álbum nuevo eclipse todo lo hecho anteriormente. También hay gente haciendo especulaciones sobre si hemos cambiado un poco de estilo, que si vamos por aquí o por allá… y nosotros nos partimos el culo, la verdad (risas), porque el disco es cojonudo y hay que escucharlo en conjunto, y estamos con unas ganas terribles de que la gente lo escuche entero. Los singles que hemos sacado son buenos, obviamente, ‘Sharpen The Guillotine’ es un tema súper heavy que tiene la esencia de Angelus de

eso que hay canciones como

‘Farewell’, que quizás sea lo más diferente que habéis grabado hasta la fecha, pero que me parece un puto temazo.

“Sí, a ver, este tipo de canciones es algo que nos ha molado siempre. No hay que olvidar nunca que Angelus viene del heavy metal más clásico, nosotros siempre hemos sido una banda que ha reivindicado el heavy metal, aunque se nos haya catalogado como banda de thrash o speed, cosa de la que estamos orgullosos y que reivindicamos por actitud y por la música, pero no olvidemos que tenemos esa vena heavy que es realmente lo que somos. Nosotros hemos crecido escuchando canciones de este tipo, no hablo de baladas heavies como las que hacían Scorpions y tal, y hemos tardado seis discos en sacar un tema de este estilo. Pero no es algo que haya venido ahora, esto es algo que queríamos hacer desde el principio. Desde nuestro primer disco hemos querido

tener nuestra balada, por así decirlo. Igual que queríamos tener nuestra ‘Ride The Lightning’, queríamos tener nuestra ‘Fade To Black’ o nuestra ‘Cemetery Gates’. Lo que pasa es que, por unas cosas o por otras, nunca hemos sido capaces de hacer una canción así. No sé si porque siempre hemos sido un poco burros (risas) o porque a lo mejor no nos salía el sentimiento adecuado. Muchas veces hemos empezado a hacer una canción que iba con esa mentalidad y después ha acabado siendo una canción súper trallera. Por ejemplo, ‘Blood On The Snow’ empezó con la intención de ser una balada y al final acabó siendo un trallazo. O ‘Free Your Soul’, con la que nos pasó tres cuartos de lo mismo y que se convirtió en una canción thrash old school. Esta vez hemos ido hasta el final de una manera más natural y la estructura salió fácilmente. Y quizá influyó también que el sentimiento que nos había faltado otras veces, nos salió de una forma más sencilla porque le queríamos dedicar el tema a un buen amigo que había fallecido”. Sinceramente creo que es algo que se puede apreciar escuchándola y aunque sí que es verdad que no tiene nada que ver con el tono del disco, lo cierto es que no canta. Porque la temática es mucho más agresiva, con mucha rabia y mala leche.

“Desde siempre hemos sido una banda que hemos utilizado la música para posicionarnos o denunciar lo que no nos gusta de esta sociedad. Estamos un poco cansados, la verdad, porque desde Give ‘Em War con temas como ‘Corruption’ ya nos mo-

jamos políticamente, ¡pero eso era en 2007 y seguimos igual! El concepto del disco, la guillotina y eso, nos parecía una buena manera de quejarnos. Obviamente somos una banda que está en contra de la pena de muerte o la cadena perpetua, como una parte de la sociedad parece que reclama ahora, pero la guillotina nos parecía una imagen muy potente y contundente para mostrar lo que pensamos. Aunque sabemos que esto nos pueda costar seguidores o críticas porque siempre hay el típico cateto cerrado de mente, incluso en la escena metalera, que te reprocha que te posiciones a favor o en contra de cualquier cosa, diciendo que no se puede mezclar la música con la política. ¡La política lo envuelve todo! Es muy flipante que gente que escucha a Napalm Death, por ejemplo, te diga cosas así, pero bueno, estamos acostumbrados y no nos afecta. Siempre nos hemos definido cuando nos lo han pedido, ya sea para apoyar la huelga feminista, para dar visibilidad al colectivo LGTBI o para otras movidas. Y lo seguiremos haciendo aunque haya gente que no le guste porque lo que está claro es que Angelus siempre, desde los primeros discos, hemos mantenido este discurso, y si hay gente que aún hoy no lo entiende, está claro que no nos conoce tanto como cree”. Pues la cosa está calentita ahora mismo, sobre todo con la libertad de expresión, las condenas a los raperos, a los titiriteros, etcétera.

“Claro, pero nosotros por ejemplo colgamos un mensaje de apoyo a

“OBVIAMENTE SOMOS UNA BANDA QUE ESTÁ EN CONTRA DE LA PENA DE MUERTE O LA CADENA PERPETUA, COMO UNA PARTE DE LA SOCIEDAD PARECE QUE RECLAMA AHORA, PERO LA GUILLOTINA NOS PARECÍA UNA IMAGEN MUY POTENTE Y CONTUNDENTE PARA MOSTRAR LO QUE PENSAMOS” GUILLERMO IZQUIERDO

Valtònyc y Hasél en nuestro muro de Facebook y algunos enseguida nos lo empezaron a recriminar. Es otro de los ‘inconvenientes’ de las redes sociales, que cualquiera puede darte un dislike o insultarte sólo por eso. Nunca entenderé que haya gente que pueda perder el tiempo de esa manera. Si no te gusta lo que digo, pasa de mí, pero no des la brasa.

Nosotros seguiremos haciendo y diciendo lo que queramos, sin duda”. ¿Os plantearíais incluso participar, si surgiera, en algún proyecto dentro del metal como han hecho algunos raperos con el tema colectivo ‘Los Borbones Son Unos Ladrones’?

“Por supuesto. Aunque antes debe-

ríamos conocer bien a fondo cómo está montado, quién lo organiza y con qué finalidad. Y sobre todo que no se utilizara por ningún partido político. De hecho, ya lo hicimos cuando nuestros hermanos de Crisix nos lo pidieron en el tema ‘Five As One’, y sin duda lo volveríamos a hacer”. Cambiando de tema, y volviendo al disco, tengo la sensación de que habéis querido trabajar más a fondo las partes vocales, porque suenan increíblemente bien. ¿Es así?

“Pues de una manera intencionada, no. Pero hay un hecho, en estos últimos tres años, que seguro que ha influenciado en mi voz, y es que ¡he dejado de fumar! (Risas) Yo no me di cuenta de cómo me había afectado en mi modo de cantar hasta que me escuché grabado en el estudio e incluso le comenté a Daniel (Cardoso, encargado de las mezclas –ndr.) si había modificado algunas partes con el Auto-Tune y me dijo que no, que no le había añadido ni quitado nada. Nosotros siempre hemos cuidado las partes vocales, buscando combinar voces más limpias o claras con otras partes más guturales o graves, pero ahora me doy cuenta de que soy capaz de llegar a puntos más agudos y claros. Y creo que en directo también se podrá apreciar porque hemos empezado a ensayar y es increíble cómo puedo cantar ahora y los matices que puedo dar. O sea, que si se aprecia, ha surgido todo de un modo natural”. Pues felicidades, por dejar de fumar y por sus consecuencias

positivas para la banda (risas). Y la gira arranca ya mismo, ¿no?

“Pues sí. Arrancamos el 28 de abril en el Viña Rock para calentar motores. Y el 4 de mayo, el mismo día del lanzamiento del disco, en Essen, ciudad emblemática dentro de la escena europea thrash, en la mítica sala Turock, que nos hace mucha ilusión, empezará el grueso de la gira de presentación con Skeletal Remains y Trallery. Después seguiremos por toda Europa, Bélgica, República Checa, Polonia… para acabar este mini tour en Barcelona y Valencia. De ahí ya nos iremos a los festivales de verano. Estaremos en el Resu, en el Download y en algunos más. Más adelante irán saliendo otras fechas porque creo que hasta diciembre estaremos liados. Y el año que viene más, seguro”. Hablando de directos, ¿cómo ha quedado el disco y DVD que grabasteis en Madrid y Barcelona? ¿Saldrá en algún momento?

“Sí. Lo que pasa es que, como desde el principio fue un proyecto sólo de la banda, ya que no intervenía Century Media, la verdad es que por una cosa u otra se ha ido retrasando. Somos muy detallistas y perfeccionistas y no estábamos muy contentos con la edición del vídeo y algunas partes del audio y nos tenemos que poner a ello en algún momento. La verdad es que ahora que me lo has recordado, empiezo a estresarme porque veo que aún nos queda curro pendiente (risas). Y ahora mismo, con la salida del nuevo disco, estos últimos meses también hemos estado muy liados, la verdad. En algún momento saldrá seguro. Haremos solamente

mil copias, como estaba previsto, y será una pieza de coleccionista para nuestros fans”. Tuve la suerte de asistir al de Barcelona y lo cierto es que se notaba la comunión total entre público y banda.

“Sí, ¡nosotros también lo notamos! Y en el de Madrid también, y por eso precisamente lo queremos hacer bien. Pero saldrá, tranquilos (risas)”. Echando la vista atrás y cerca de cumplir 18 años como grupo, ¿te esperabas haber llegado hasta donde lo habéis hecho?

“Yo particularmente, y creo que el resto del grupo también, he intentado siempre vivir el presente, más que pensar dónde estaré dentro de cinco años. Y eso lo he hecho desde el principio. Cuando montamos la banda nuestra principal ilusión era tocar en alguna sala de Albacete. Cuando logramos eso, grabamos la primera demo y después fuimos a tocar a Valencia, por ejemplo. Después ya vino Give ‘Em War y todo se aceleró. Tuvimos que luchar para romper un contrato discográfico que nosotros creíamos que era claramente abusivo y mucha gente nos dijo que estábamos locos, que no lo hiciéramos porque eso nos iba a perjudicar en nuestra carrera. Luchamos más de un año y lo logramos. Y después ya vino Century Media, un sello que para nosotros era mítico, y que nos ofreció la posibilidad de salir fuera y ver cómo se trabajaba en el extranjero. De eso también aprendimos un montón y nos ha servido mucho para ser mejores músicos. De lo que me siento más orgulloso, y no quiero

“ESTÁ CLARO QUE ESTÁBAMOS EN EL MOMENTO JUSTO EN EL SITIO ADECUADO Y FUIMOS NOSOTROS COMO PODÍA HABER SIDO CUALQUIER OTRO. PERO LO APROVECHAMOS PARA APRENDER Y CAMBIAR LA MENTALIDAD DE LA ESCENA METALERA ESTATAL” GUILLERMO IZQUIERDO

sonar presuntuoso o arrogante, que se me entienda bien, es de haber sido los ‘elegidos’. Está claro que estábamos en el momento justo en el sitio adecuado y fuimos nosotros como podía haber sido cualquier otro. Pero lo aprovechamos para aprender y cambiar la mentalidad de la escena metalera estatal. Abrimos la puerta por la que después han pasado muchas otras bandas que se han beneficiado de ello y eso me lo han reconocido incluso grupos más antiguos que el nuestro, que siempre nos han tratado con mucho

respeto por ese motivo. A mí eso me hace sentir muy orgulloso, la verdad. Hombre, también la satisfacción de poder ir de gira con Slayer o Megadeth u otras bandas que nosotros teníamos como referencia. Poder conocer a Max Cavalera y tomarnos unas birras en su bus porque resulta que su bajista actual, Mike, ahora es un muy buen amigo. O que Dave Lombardo te muestre unos pasos de salsa porque está aprendiéndola a bailar (risas). Todo lo que nos ha ido ocurriendo ha pasado de un modo natural y aunque nosotros teníamos

muy claro lo que queríamos desde el principio, siempre hemos ido paso a paso. Y así es como va a seguir siendo. Por suerte ahora nos podemos dedicar a esto de un modo profesional y que sea nuestro modo de vida. Aunque como ya sabrán la mayoría de autónomos de este país, esto significa vivir en precario y sufrir para llegar a fin de mes (risas)”.

TURNSTILE

ROMPIENDO REGLAS

TURNSTILE AMAN TANTO EL HARDCORE QUE EN SU SEGUNDO DISCO TIME & SPACE HAN DECIDIDO ROMPER LAS REGLAS DEL ESTILO PARA DEVOLVERLE SU ESPÍRITU MÁS LIBRE. Y SI ESO SIGNIFICA QUE LO PUBLIQUE UNA MULTINACIONAL O COLABORAR CON DIPLO, PUES QUE ASÍ SEA. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

TURNSTILE LES HAN B A S TA D O L O S 2 5 MINUTOS QUE DURA SU SEGUNDO ÁLBUM PARA

poner en evidencia que un estilo, a menudo tan encorsetado como el hardcore, todavía puede resultar fresco y original. Por un lado, Time & Space contiene la rapidez y fiereza que se le supone a cualquier banda del género, pero por otro también ofrece momentos más ligeros en los que juegan con el R&B, el hip hop, el rock alternativo y la electrónica, con la presencia del cotizado productor de EDM Diplo en el tema ‘Right To Be’. El quinteto de Baltimore formado por Brendan Yates (voz), Brady Ebert (guitarra), Pat McCrory (guitarra), Franz Lyons (bajo) y Daniel Fang (batería), creado en 2010, ya llamó la atención dentro de la escena por su exuberante energía cuando publicó su debut Nonstop Feeling cinco años más tarde, pero ha sido gracias a Time & Space, que ha sido lanzado por Roadrunner, que la banda ha conseguido una exposición parecida a la que Code Orange, con quienes comparten sello y productor, Will Yip, alcanzaron el año pasado dentro del mundo del metal. En el próximo Resurrection Fest tendremos la oportunidad de comprobar cómo suenan sus nuevos temas en directo, pero antes contactamos con su vocalista para que nos contara su filosofía de vida.

Hola Brendan, ¿cómo lo llevas? BRENDAN YATES “Acabamos de

llegar hace dos días de Australia y aún voy con el horario cambiado. Me paso el día durmiendo por culpa del jet lag (risas). La semana que viene empezaremos la gira por Estados Unidos y pensamos estar tocando hasta finales de año. Aburrido no estoy (risas)”. En Time & Space habéis experimentado con vuestro sonido. ¿Era la idea que teníais para Turnstile desde un principio? ¿Que no fuera simplemente una banda de hardcore al uso?

“Ha sido una evolución natural. Nos hemos ido sintiendo más cómodos escribiendo canciones, y como músicos tocando cosas distintas. En realidad, nos sentimos más cómodos como banda en general. Dependiendo de cada momento vas a escribir de manera distinta, distinta música, distintas letras, nuevas influencias… pero es una progresión completamente orgánica”. Antes de Turnstile, habías tenido experiencias en otras bandas como One Step Too Many o Trapped Under Ice. ¿Cómo crees que todas ellas ayudaron a moldear lo que es Turnstile?

“Creo que nos ayudó muchísimo. Trapped Under Ice fue la primera banda que me permitió girar por el 35

mundo y ver que la vida es distinta fuera de la pequeña burbuja en la que me crié. Incluso en un concierto hardcore puedes ver esas diferencias entre distintas ciudades, escenas, culturas… Y también me hizo entender que una banda no tiene por qué estar atada a una rutina. Creo que tocar en otros grupos me hizo dar cuenta de lo importante que es llevar las riendas de tu propio destino. No tienes por qué coger todas las giras que te ofrecen. Es importante que sólo toques cuando realmente signifique algo positivo para ti. Si quieres dar 250 conciertos al año está bien, y si quieres dar sólo tres, también. Lo importante es que todos sean algo especial para ti, que signifiquen algo”. ¿Por qué crees que Turnstile han tenido una repercusión mucho mayor desde el principio?

“Bueno, durante los dos primeros años tampoco pudimos tocar mucho porque estábamos muy ocupados. Daniel tiene como siete bandas y yo estaba girando con Trapped Under Ice. Pero cuando nos tomamos un descanso con ese grupo, empezamos a tocar más y creo que eso marcó la diferencia. Pero realmente no sabría decirte por qué nuestra música ha conectado más”.

sicos anulan el ser ellos mismos por querer encajar en una idea predeterminada. Pero cada canción que escribas tiene que representar quién eres. Tienes que tener libertad creativa. Al fin y al cabo, el hardcore tiene que ser una plataforma para expresar quién eres. Creo que llevar esa libertad al máximo tiene que ser el objetivo. Nos encanta la música cañera, y tocamos duro y rápido, pero no es un fin en sí mismo. Por eso también tenemos melodías y groove, es con lo que nos sentimos cómodos. Como te decía, es completamente natural. No intentamos proyectar algo que no somos”.

propia visión de las cosas y tienes que aceptarlas. También el simple hecho de escribir canciones me ha ayudado. En el momento en que escribo una canción me siento muy conectado a la situación que estoy describiendo, y aunque pueda parecer algo pequeño mirado a gran escala, para mí es muy importante. Porque cuando luego salimos y la tocamos y veo que conecta con otra gente, le da una dimensión mucho mayor. Tener un vehículo para eso es genial. Creo que todo el mundo debería tener una manera de sacar lo que tiene dentro”. ¿Creciste escuchando hardcore o

¿Os veis yendo todavía más le-

fue algo que te llegó después?

jos en el próximo disco?

“Yo crecí escuchando el rock alternativo de los 90 que sonaba en la radio. Luego, cuando tenía 14 años, descubrí el hardcore. Pero desde luego la influencia del rock alternativo siempre va a estar ahí”.

“Sí, claro. Las posibilidades son infinitas. Cuando nos pongamos a juntar ideas para el próximo disco, lo haremos con una mentalidad totalmente abierta. Allá donde estemos musicalmente es hacia donde iremos. Yo espero que cada disco sea diferente. Creo que ir progresando es súper positivo, tanto como banda que como personas. No me gustan los grupos que repiten cada vez el mismo disco, no me gusta estar encasillado”. ¿Podrías señalar algo concreto en lo que esta banda te haya

Soy un gran fan de Jane’s Addiction y no he podido evitar pensar en ellos al escuchar ‘Can’t Get Away’. ¿Fue deliberado?

“La verdad es que no. Soy fan de Ritual De Lo Habitual y me gusta el grupo. Creo que el tener grooves y melodías va a provocar ese tipo de comparaciones, pero no me molesta en absoluto”.

¿Queríais recuperar el espíritu

ayudado a progresar a nivel

más aventurero que quizá sí te-

personal en los dos últimos

Volviendo a lo de antes, ¿cómo

nían las bandas de hardcore en

años?

descubriste el hardcore? ¿Fue

los 80?

“Creo que me ha ayudado a ser mucho más abierto. Especialmente viajar y conocer a gente distinta y tener experiencias distintas, me ha hecho ver que nadie es mejor que nadie. Todo el mundo tiene su

por ti mismo, a través de un

“Sí, desde luego. Creo que lo importante es que los individuos que forman un grupo sean lo que le dé su personalidad, no el intentar encajar en un molde. Creo que muchos mú-

hermano mayor…?

“Fue por un tipo que se mudó al final de la calle donde vivía. Era mayor que yo, tenía tatuajes y yo pensaba que era súper guay. Empe-

“CREO QUE TODO EL MUNDO DEBERÍA TENER UNA MANERA DE SACAR LO QUE TIENE DENTRO” BRENDAN YATES

zó a montar conciertos de hardcore y fue ahí donde conocí a Mike, el tío de Trapped Under Ice. Yo había escuchado algo de hardcore, a Madball, cuando tenía 12 años, pero no había conectado conmigo. Me sonaba demasiado loco, terrorífico, no entendía lo que era, ni a qué género pertenecía, pero me molaba (risas). Así que en un par de años ese tío me introdujo a un montón de bandas y por fin entendí lo que era el hardcore”.

Feeling, pero en ese momento no conocíamos a la gente que trabajaba ahí y decidimos esperar un poco porque no nos sentíamos del todo cómodos. Pero en los dos últimos años, nos hicimos buenos amigos suyos, fuimos a conciertos, hablamos mucho, hasta el punto en que creímos que pudiera funcionar. Tienen un equipo que son capaces de llevar a cabo cualquier idea que tengamos, como con los vídeos, el diseño, y en general, ayudarnos a crecer”.

con un productor multimillonario. Él también estaba muy ilusionado con trabajar con nosotros”. ¿Y cómo contactasteis con Diplo?

“También le conocíamos de antes. Es un tío guay. Teníamos esa canción en la que queríamos unos sonidos un poco locos y se la mandamos. Hizo un par de cosas y nos encantó cómo quedaron. Fue muy fácil. Mola que quisiera ayudarnos”. Pues nada más, os veremos en

¿Cómo fue vuestro fichaje por

¿Fueron ellos quienes os propu-

el Resurrection Fest.

Roadrunner? Puede chocar que

sieron al productor Will Yip?

estéis con ellos.

“No, ya le conocíamos de antes. Hay otras bandas de nuestro círculo que han trabajado con él, así que éramos amigos. Fue muy emocionante grabar con él. Prefiero trabajar con alguien cercano que

“Sí, va a ser genial tocar con Kiss (risas). Será la primera vez que los vea”.

“Por ahora ha ido genial. Nos han ayudado mucho. Nos han dado libertad total para que hiciésemos lo que quisiéramos. Nos quisieron fichar antes de que sacáramos Nonstop

TESSERACT

MÁS QUE PALABRAS CONSIDERADA UNA DE LAS BANDAS PIONERAS DEL DJENT, TESSERACT REAPARECEN CON UN DISCO CUYO CONCEPTO ES TAN COMPLEJO COMO SU PROPIA MÚSICA. EN SONDER , LOS BRITÁNICOS UNEN TÉCNICA Y EMOCIÓN CON SU PARTICULAR ESTILO. TEXTO: ALBA RODRIGO FOTOS: DR

UÁNTAS VECES HAS NECESITADO EXPRESAR UN SENTIMIENTO SIN CONSEGUIR

encontrar las palabras adecuadas que se acerquen a esa sensación. Y no por falta de vocabulario, sino porque hay cosas que las palabras no pueden decir. Cuántas de esas veces te has refugiado en la música mientras la abstracción es la luz que lo discierne todo. Pero antes de darte por vencido, quizás John Koenig tenga algo para ti en su Dictionary Of Obscure Sorrows (Diccionario De Los Dolores Oscuros), en el que desarrolla emociones y sentimientos que experimentamos pero que no tienen un nombre concreto. Repasándolo, encontramos el concepto de ‘sonder’, lo que él define como “la comprensión de que cada persona que te cruzas vive una vida tan vívida y compleja como la tuya -poblada de sus propias ambiciones, amigos, rutinas, preocupaciones y locura heredada-, una historia épica que continúa invisiblemente alrededor, como un hormiguero que se extiende a gran profundidad con elaborados pasadizos hacia miles de otras vidas que nunca sabrás que existieron, en las que puede que aparezcas sólo una vez, como un extra bebiendo café al fondo, como un borrón de tráfico pasando por la autopista, como una ventana que se ilumina al atardecer”. Una idea compleja con la que Tesseract han encontrado la palabra exacta que buscaban. Sonder (Kscope) expresa su visión en torno a la sociedad distópica en la que vivimos, inmersos en

nuestro ego y en donde la vanidad se ve premiada a través de corazones virtuales y puños alzados irracionales. Afortunadamente, el quinteto de Milton Keynes formado por Daniel Tompkins (voz), Alec Kahney (guitarra), James Monteith (guitarra), Amos Williams (bajo) y Jay Postones (batería), alberga un gran rayo de esperanza, algo que complementa con su música experimental y progresiva. Para aclarar toda la complejidad del asunto hablamos con Williams, también autor del arte gráfico que plasma el misticismo de esta sensación.

por todo el mundo, conoces a personas que son muy únicas y especiales. Cuando estás encima del escenario ves que todos quieren formar parte de ello, y te das cuenta de que realmente todos formamos parte de lo mismo, de lo fútil que resulta hablar sobre nuestras diferencias, de tener que estar separados los unos de los otros por fronteras. Así que Sonder consigue expresar realmente esta idea en su totalidad”. ¿Entonces tuvisteis claro que

Sonder era vuestra única elección para el título del disco o

Para este álbum os habéis ins-

barajasteis otros conceptos?

pirado en el Dictionary Of Ob-

“No, nunca hubo otro título. Es algo que siempre tuvimos en la cabeza desde hace tiempo. Queríamos hablar de toda esta idea y ‘sonder’ era la única palabra que tenía ese sentido dramático que queríamos expresar”.

scure Sorrows de John Koenig. ¿Cómo lo descubristeis y qué os llevó a trabajar en torno a su concepto de ‘sonder’? AMOS WILLIAMS “Fue hace unos

años. Daniel (Tompkins) estaba buscando formas en las que expresarse y fue cuando llegó al mismo punto que, como poeta, llegó John Koenig en su momento. Y es que se encontró con que el léxico existente no es lo suficientemente preciso como para expresar ciertos sentimientos o emociones. Fue entonces cuando encontró el Dictionary Of Obscure Sorrows, de donde obtuvo estas palabras que estaba necesitando. La palabra ‘sonder’ parecía resumir todo el concepto que tenía en la cabeza: como si fuésemos un enjambre de mentes que formamos parte de un colectivo y que, a primera vista, parece que vayamos por separado, pero que en realidad formamos una unión única. Cuando viajas

En torno a ese dramatismo, resulta curioso que antes de los años 30 la literatura acostumbraba a hablar mucho sobre las utopías y, en cambio, a partir de ahí aparecieron los discursos sobre las sociedades distópicas. En este caso muchas de las ideas a las que te estás refiriendo me recuerdan al trabajo de George Orwell en 1984 o al Brave New World de Aldous Huxley.

“Sí, yo nunca consideré a Tesseract un grupo oscuro y deprimente. Con nuestro arte siempre intentamos crear algo positivo, algo que afecte al lado bueno de la humanidad. De todos modos, también

“LA PALABRA ‘SONDER’ PARECÍA RESUMIR TODO EL CONCEPTO QUE TENÍA EN LA CABEZA: COMO SI FUÉSEMOS UN ENJAMBRE DE MENTES QUE FORMAMOS PARTE DE UN COLECTIVO Y QUE, A PRIMERA VISTA, PARECE QUE VAYAMOS POR SEPARADO, PERO QUE EN REALIDAD FORMAMOS UNA UNIÓN ÚNICA” AMOS WILLIAMS

somos conscientes de las distopías y la rabia, pero queremos seguir creyendo que, desde que la humanidad aterrizásemos en este espacio oscuro, siempre hemos existido por el colectivo y no por el individualismo. Apreciamos los trabajos literarios y los autores que hablan de ese tipo de sociedad, pero no creo que debamos centrarnos en

ese lado deprimente de la humanidad. No es nuestro mundo todavía, creo que debemos centrarnos en la parte más positiva”.

primero que nos llega es la música. Y teniendo este disco melodías más luminosas, cuando me he sumergido en el punto de partida me he dado cuenta de

La verdad es que me ha sor-

que las letras son mucho más

prendido todo este concepto ya

oscuras de lo que podrían pare-

que, sobre todo para la gente

cer a priori.

que no tenemos el inglés como

“Bueno, partimos de la tristeza y la melancolía, pero creo que siempre

nuestra lengua materna, lo

es algo que tienes que usar para volver a levantarte y poder luchar contra ellas. En este disco ‘King’ es un buen ejemplo. La conclusión principal es que, pase lo que pase, hay que continuar luchando. Puedes mostrarte escéptico ante las cosas, pero siempre mirando hacia delante”. Pues quedémonos con esa idea, entonces.

“Sí, sí... ahora vivimos en un mundo en el que ocurren bastantes situaciones de mierda, y además, nos las encontramos por todas partes. Las leemos en la prensa, las vemos en la televisión y en las redes sociales... ya apenas leemos noticias buenas. Pero supongo que eso es porque quizás no resulta tan excitante leer buenas noticias, la gente no lo encuentra igual de interesante. Por suerte, creo que nosotros hemos encontrado la manera de canalizar todo ello a través de nuestra música y nuestro artwork”.

que cada persona, cuando se pone a observarlo, enseguida se hace diferentes preguntas. Y mi objetivo era ése, que la gente al ver nuestra portada rápidamente les vinieran preguntas a la cabeza y les despertase la imaginación. Encontré que la forma más fácil de representar el concepto de colectividad, de ser parte de algo mayor, era con una imagen icónica. Quería que ese lenguaje tuviese la capacidad de expresar todo lo que somos, todo lo que pasa y todo lo que seremos, y que de un solo vistazo pudieses capturar ese sentido. De hecho, resulta interesante que ya me hayan llegado opiniones positivas de todo ello sin que todavía hayamos lanzado Sonder, lo que demuestra que es algo que va más allá de la música. Aunque a su vez es un poco bizarro, porque ya he visto hasta tatuajes, y resulta algo extraño que la gente impregne su piel con algo que has hecho tú”. Eso es que puedes estar orgulloso de tu trabajo y de que

cada disco supone un reto, igual que pasa con la música. Es algo a lo que le damos muchas vueltas y esperamos poder seguir haciéndolo en un futuro”. Volviendo otra vez a la cuestión más musical de Sonder, he de decir que en las dos primeras escuchas me recordó mucho más a vuestros dos primeros discos que al anterior Polaris. ¿Crees que de alguna manera habéis vuelto a vuestras raíces?

“No estoy muy seguro de eso... creo que en este álbum quizás hacemos una música más oscura y melancólica, pero creo que es una cuestión que está más relacionada con forzarnos a salir de nuestra zona de confort. Con Polaris nos forzamos a sacar unas partes más melódicas, pero ahora con Sonder nos hemos centrado en que la música sea algo más compacto y no en que, por ejemplo, la línea del bajo sea más o menos técnica. Trabajamos las canciones como una unidad en sí”.

Ahora que mencionas el art-

la gente lo quiera llevar como

work, quería hablar contigo so-

parte de ellos mismos.

Sí, creo que el sonido que ha-

bre eso ya que tú eres el autor.

“Por supuesto, me hace muy feliz que para la gente sea algo tan significativo, está claro”.

béis conseguido para este ál-

¿Cómo afrontaste la manera de expresar qué es Sonder de forma artística? En la portada

bum es más complejo y mucho más compacto que en vuestro anterior trabajo. Quizás la esta-

vemos una especie de ondas y

Además, me parece un con-

bilidad con la que contáis ahora

círculos...

cepto bastante complejo como

mismo en la banda también

“Sí, es algo que se me ocurrió mientras le estaba dando vueltas al concepto de Sonder. Quería encontrar un diseño que fuese muy, muy simple, pero que a su vez realmente afectase a la conciencia de la persona que se pusiera ante él. Lo que me fascina del arte es

para expresarlo de forma mini-

haya influido en ello, ¿no?

malista y, a su vez, mantener la

“Sí... aunque creo que más bien se trata de cómo nos sentimos nosotros ahora mismo. También es verdad que ahora es cuando llevamos más tiempo manteniendo a las mismas personas en la banda, pero también toda la gente que hay de-

continuidad con las otras portadas de Tesseract.

“Absolutamente. Por eso cada vez que pensamos en un nuevo disco nos preguntamos cómo lo haremos en el siguiente. El artwork de

TESSERACT

trás nuestro, y que no se ve, ha sido más estable durante estos últimos cuatro, cinco años. Me refiero al management, la discográfica...”. Y para este disco, ¿ha cambiado vuestra forma de escribir las canciones?

“Bueno, estuvimos separados una buena temporada. Personalmente estuve viviendo en Asia un tiempo y hace poco que he vuelto, así que ha sido difícil el poder reunirnos durante este tiempo. Encontramos la manera de componer de forma que compartíamos nuestras propias ideas, no como ideas sueltas, sino como bloques. De este modo todos reaccionábamos a esas ideas, y de esas reacciones venían otras reacciones nuevas que facilitaban la creación de una sinergia que nos ha hecho trabajar en conjunto. Es una fórmula que creo que nos ha funcionado bastante bien, y por eso espero que el feedback sea bueno, para ver cómo evoluciona”.

que sacas es lo que te representa en ese momento. Así que resulta complicado hacerlo cuando todavía estás muy implicado con el disco anterior. Cuando lanzas nuevo material tiene que ser lo mejor de ti, si no ya no lo sacas. Por ejemplo, para este álbum finalmente cortamos unos 10 minutos de música. Lo importante es que al final estés satisfecho con el resultado, y no lo que dura o deja de durar”. ¿Crees que además es positivo para vuestro público actual el hecho de sacar discos de progresivo de menor duración?

Algo que también me ha llamado la atención es que Sonder es el álbum más corto de toda vuestra discografía, con 36 minutos en total. Precisamente el otro día estuve escuchando el nuevo disco de Between The Buried And Me y también me

“Quizás a priori sí que hace que los discos sean más accesibles, aunque nosotros a este álbum le hemos dado más prioridad a la calidad que a la cantidad. Pero si esto sirve para que los artistas puedan sacar nuevos discos cada dos años, me parece algo positivo”.

sorprendió que sólo durase me-

My Friend, luego vino el Resurrection Fest, y este año estaréis en el Download Festival de Madrid... pero desgraciadamente, no os vemos girando por salas desde que vinisteis en 2013 con Protest The Hero, ¡y ya ha pasado demasiado tiempo! ¿Cuándo os podremos ver de nuevo en este formato por aquí?

“Ojalá que no pase mucho tiempo, ya que realmente disfrutamos mucho con los conciertos que hemos hecho allí. Pero parece que en España y Portugal las promotoras no están tan interesadas en Tesseract. No es por elección propia, ¡créeme! Para nosotros se nos hace muy extraño no girar por estos países. Pero realmente, espero que tocar en el Download Festival este verano haga que los promotores se interesen por nosotros y poder hacer una gira europea como se merece”. Pues esperamos poder veros

dia hora...

¿Cuál es la canción con la que

muy pronto por aquí en salas.

“Creo que lo que realmente es útil para la carrera de una banda es que el mensaje que lances lo sepa recoger la gente. Tenemos que sacar un disco cada dos, tres años, algo que se hace muy difícil cuando estás de gira, porque el material

crees que disfrutarás más to-

“Gracias, de verdad que ojalá sea así, porque sería muy guay y tenemos muchas ganas”.

cando en directo?

“No lo sé... aunque si tuviese que quedarme con una sería ‘Juno’”. Hace cuatro años os vimos actuando en el festival Be Prog!

â&#x20AC;&#x2DC;77

FUTURO BRILLANTE

’77 HACE AÑOS QUE QUIEREN DESPRENDERSE DEL SAMBENITO DE SER LOS AC/DC DE BARCELONA. NO PORQUE RENIEGUEN DE SU PASADO, NI MUCHO MENOS, SINO PORQUE ESTÁN CONVENCIDOS DE QUE SON MUCHO MÁS QUE ESO. SU QUINTO DISCO DE ESTUDIO, BRIGHT GLOOM , ES LA CONFIRMACIÓN DE QUE YA NADA PUEDE PARARLOS EN SU PROPÓSITO. TEXTO: KARLES SASTRE FOTOS: DR

IRAR PARA ADELANTE UN GRUPO DE ROCK NUNCA ES FÁCIL.

Hay que dedicarle muchas horas, ser perseverante e intentar no desfallecer pese a las muchas adversidades que se van presentando. Y si te ha tocado hacerlo en este rincón del mundo, muchas veces es una auténtica quimera. Llegar a grabar un disco y tocar mucho en directo son los requisitos mínimos. Esa parte hace tiempo que ’77 superaron con creces. Afianzados como una de las bandas de referencia dentro del panorama estatal, e incluso europeo, el siguiente paso lógico en su carrera era demostrarnos que no son sólo unos clones de su grupo australiano favorito. Si con su anterior trabajo, Nothing’s Gonna Stop Us, ya lo dejaron bastante claro, su quinto disco Bright Gloom (Century Media) debe alejarlos de algo que, sin ninguna duda, nunca fueron: una simple banda tributo. La personalidad arrolladora y enérgica que desprenden los hermanos Valeta, Armand (voz, guitarra) y LG (guitarra), demuestra que, pese a las adversidades que se han encontrado por el camino (cambios de formación incluidos; el último es el fichaje de Dani Martín como nuevo bajista), en esa lucha entre

pesimismo y lucidez que marca la tónica del álbum, la parte más radiante ha vencido al lado oscuro por goleada. Pero mejor que nos lo cuenten ellos... A dos semanas del lanzamiento del disco, supongo que ya estáis con muchas ganas de que acabe la promoción, de que salga y, sobre todo, de poder defenderlo en directo, ¿no? ARMAND VALETA “Hombre, pues

sí, la verdad. La espera se está haciendo un poco larga porque notamos que hay mucha expectativa. A toda la gente que ha escuchado el disco le ha molado mucho y en todas las entrevistas que hemos hecho estos últimos días el comentario que más hemos oído es sobre el giro que le hemos dado al grupo, el rollo más oscuro que desprende y tal. Es algo que parece que a todos ha sorprendido, pero para bien, y eso nos da un poco de confianza de cara a la salida del álbum. Hoy mismo estrenamos el vídeo de ‘Last Chance’, el primero de este álbum, o sea que sí, con muchas ganas de que todo empiece a rodar, de tocar en directo…”. Pues no voy a ser nada original porque estoy muy de acuerdo con los comentarios sobre el 45

disco. Me parece acojonante

me gustaría destacar del

lo que habéis logrado con él.

álbum: uno, la apuesta por

Y una de las cosas que más me

grabarlo de forma totalmente

gusta es ese matiz más oscuro,

analógica en plena época di-

más Sabbath, que habéis logra-

gital, y el otro, la elección en

do. Supongo que los bolos que

la producción de alguien, en

hicisteis tocando entero su ál-

principio, tan alejado del gru-

bum Paranoid habrán influido

po como Raül Fernández ‘Re-

en ello, ¿no?

free’, que ha grabado a gente

ARMAND “Pues sí, sin duda. Tú lo

como Kiko Veneno o Christina

has dicho, a raíz de la propuesta de Acaraperro y de los conciertos en la sala Rocksound, algo seguro que se nos quedó en la memoria. El hecho de tener que trabajar individualmente, cada uno con su instrumento, para luego ponerlo en común como grupo y así poder defender el disco en directo, nos hizo descubrir algo, la verdad. Y como nos obsesionamos tanto con esa historia, cuando llegó la hora de hacer los nuevos temas o de seguir trabajando en algunos que ya teníamos hechos, todo esto nos llevó a ese lado más oscuro, con esos riffs y esas voces con el sello Sabbath que tanto nos fliparon. Y en vez de pensar que ése no era el camino, que nos estábamos alejando del sonido del grupo o que quizá sonaba demasiado diferente de los que habíamos hecho hasta ahora, nos pareció que no, que era justo lo contrario. Yo creo que mantenemos la esencia, lo que somos, pero con una evolución que se hace palpable. Y una vez terminado, con las letras y tal, todo en conjunto ha quedado brutal. Realmente estamos muy satisfechos con el resultado”.

Rosenvinge.

Aparte de ese giro en el sonido hay dos aspectos que también

LG VALETA “La idea de trabajar

con Raül realmente no salió de nosotros. Ni siquiera nos conocíamos personalmente y tampoco conocíamos mucho su trabajo como músico o productor, la verdad. Pero a nuestro mánager se le ocurrió esta idea porque sí que lo conocía personalmente y pensó que podría ser una buena simbiosis optar por un productor que viene de un mundo no opuesto, pero sí muy diferente del nuestro, para darle un aire más fresco o diferente a nuestro sonido. No sé, a veces estas cosas funcionan. Nos reunimos con él un par de veces y hablamos básicamente de música porque nuestra mayor inquietud era saber si nos entenderíamos. Charlamos sobre gustos musicales, de discos y sus sonidos, de técnicas de grabación, y nos dimos cuenta de que teníamos muchas más cosas en común de las que nos pensábamos en un principio. Poco a poco nos fuimos convenciendo más y dijimos ‘vamos a por ello, a ver qué pasa’. A medida que le fuimos enseñando los temas, respetó mucho el trabajo que habíamos hecho y solamente nos iba corrigiendo pequeñas cosas desde su visión de productor, algo que no

nos había pasado hasta entonces, sobre todo a la hora de tratar las voces. Incluso a la hora de la mezcla trabajamos con un reverb o un delay diferente en cada canción, cosas que Raül tiene muy claras como productor y que a nosotros como banda, una vez ya ves que suena bien, sólo quieres grabar y olvidarte. Y lo bueno es que, con respecto a esa idea de buscar un sonido más analógico, él también estaba en esa onda y hubo mucha sintonía. Lo único que no tenía claro era si mezclar en cinta, en analógico, tal y como queríamos nosotros, era una buena idea. Pero insistimos mucho y al final respetó nuestra decisión. La verdad es que nos lo pasamos de puta madre en el estudio mezclando los tres, o sea que guay (risas)”. Y a nivel de las letras también observo una evolución respecto a los demás. Quizás en el anterior ya se pudo ver, pero creo que en éste es muy evidente una apuesta por temáticas más

universales un poco alejadas del ‘birras, chicas y rock’n’roll’, ¿no? ARMAND “(Risas) ¡Sí! Estos días co-

mentamos bastante entre nosotros que anteriormente solíamos cantar sobre eso que comentas o incluso de vivencias personales más que de otros temas. De la misma manera que buscamos un cambio en nuestro sonido, nada radical, por supuesto, y nos salió de un modo no premeditado y muy natural, respecto a las letras nos pasó exactamente lo mismo. Supongo que el mismo acto de madurar o crecer hace que empiecen a preocuparte otras cosas. Y el estado del mundo, ya sea aquí o en cualquier otra parte, hace que llegue un punto que no puedas quedarte pasivo o neutral. Y escribir sobre ello siempre es una buena catarsis para denunciar las cosas que te putean, te rayan o te molestan. El otro día hacíamos la broma de que en este álbum ’77 han salido a la calle (risas). Hemos abierto la puerta, hemos visto el mundo, y en el mundo ocurren

cosas. Hemos decidido hablar de un modo general, sin enfocarnos en aspectos muy concretos y sin personalizar mucho para que cada uno haga la lectura que quiera y saque sus propias conclusiones, porque eso es justo lo que nos gusta. Pero nos hemos atrevido a hablar, no sólo de política, sino de temas tan actuales como el bullying o la violencia de género. Nos hemos abierto en ese aspecto, ya que si estás consiguiendo un sonido más oscuro en tu música, es lógico que las letras también lo hagan, ¿no? No puedes sonar sombrío o perturbador y hablar de arcoíris y unicornios (risas)”.

potente y la verdad es que estamos súper contentos de que todo el mundo lo destaque, y eso es gracias al trabajo de Pol Abran de Branca Studio. Teníamos muy claro que él se iba a encargar de todo el diseño del álbum, y una vez acabado se lo pasamos todo, las canciones, las letras, etc. y lo dejamos en sus manos. Nos comentó que le iría dando vueltas al tema y que nos avisaría. Nosotros teníamos otro concepto bastante diferente y se lo comentamos, a lo que él nos respondió con un mail y un archivo adjunto diciéndonos: “Yo he hecho esto”. Y la verdad es que al principio no estábamos muy convencidos y seguíamos con nuestra idea, así que lo consultamos con todo el mundo, management, sello, familia y amigos, y todos de manera unánime se quedaron con la monja, por lo que lo vimos muy claro. Se acabó de perfilar y una vez teníamos el diseño definitivo, nos dimos cuenta de que ligaba perfectamente con ese concepto del disco, esa dualidad entre oscuridad y luz que transmite perfectamente el hábito de la monja y un disco de un grupo de rock. Y eso es muy buena cosa porque un álbum, antes que nada, entra visualmente, sobre todo en los tiempos que estamos”.

Otro apecto que me encanta es la dualidad del trabajo, no sólo

Y después está el título para

en el título, sino en la portada,

acabar de atarlo todo.

con esa imagen tan potente y

ARMAND “Bueno, el título surgió

a la vez tan contradictoria de

cuando ya teníamos perfilados todos los temas para entrar a grabar. Nos dimos cuenta de que unas canciones tenían un sonido más pesado y unas letras más oscuras y, en cambio, había otras que eran

una monja apretando contra su pecho un disco de rock. ARMAND “Creo que es algo que

nos han preguntado en cada entrevista porque es una imagen muy

“AQUÍ AÚN HOY EXISTE LA CREENCIA DE QUE SER MÚSICO NO ES UN TRABAJO. SE VE COMO UN HOBBY, ALGO BOHEMIO, COMO QUE SOMOS UN POCO CANTAMAÑANAS”

LG VALETA

más rockanroleras, más alegres y que se parecían a lo que habíamos hecho hasta ahora. Una vez en el estudio a la hora de resolver el orden, el tracklist, nos costaba decidirnos por cómo había que hacerlo. Ahí fue como resolvimos dividirlo en dos partes, una cara, por así decirlo, más oscura, más pesada, y otra cara más brillante y ligera. Lo de ‘bright ’ ya lo teníamos claro, pero la otra nos causaba más problemas. Que si Light And Shadows, que si Black And White, porque somos muy fans de Queen y nos recordaba a su segundo disco... 48

empezamos a darle vueltas y una vez más nuestro mánager llegó un día y nos dijo: ‘Se me ha ocurrido Bright Gloom’. Y nos encantó porque era corto, tenía fuerza y era fácil de recordar”. Éste es vuestro segundo disco ya con Century Media, una compañía con mucho alcance y muchos medios de cara a la promoción y la distribución. ¿Qué tal, os tratan bien, estáis contentos en una discográfica tan grande? LG “Sí. Cualquier grupo que em-

pieza lo primero que desea es tener un contrato discográfico con una compañía lo más grande posible para poder llegar a cuanta más gente mejor. Empezamos con Listenable, que fueron los primeros que apostaron por nosotros, y siempre les estaremos muy agradecidos, ya que la primera es siempre la más difícil. Pero comparado con Century obviamente ves que es un ente mucho más grande que lo abarca todo a nivel mundial y que te permite tener una mejor distribución, una mejor coordinación a la hora de decidir

las cosas, cuándo sacar el disco, los singles, la gira, etc. Notas que todo está más organizado. Aunque en contrapartida eso supone una mayor burocratización, y algunas veces, todo es más fastidioso a la hora de decidir algo. De todas maneras, es un poco pronto para hacer balance porque, como ya hemos explicado algunas veces, cuando firmamos con ellos justo antes de sacar el disco anterior, fue cuando Sony absorbió a Century Media y eso creó problemas internos en la empresa que afectaron a la promoción del álbum. Si a eso le sumamos que Maiden, Motörhead, Slayer y muchos otros pesos pesados de la música sacaron sus trabajos por esas fechas, todo junto hizo que la cosa no acabase de ir muy bien para nosotros. Fue una época bastante extraña para hacer una valoración exacta de lo que significaba estar en un barco tan grande. Ahora las cosas han ido mucho mejor en cuanto a la atención, la promoción y todo lo demás, por lo que estamos muy satisfechos. Y que dure (risas)”.

de Century Media, nos esperaron y nos dieron tiempo para buscar a los sustitutos y empezar a grabar el disco. Y ni siquiera habíamos firmado el contrato. Eso nos dio mucha tranquilidad, la verdad. Y realmente, tampoco nos costó tanto encontrar a Andy (Cobo, batería) y Guillem (Martínez, bajo). Ensayaron con nosotros un par de semanas y rápidamente nos tuvimos que ir de gira porque teníamos ya unos compromisos adquiridos. Fueron unos meses de locura y estrés que por suerte ya quedaron atrás. Y mira, justo antes de grabar este disco Guillem decidió irse, pero por suerte no fue tan traumático porque enseguida se lo propusimos a Dani, que aparte de ser amigo es súper fan de la banda y aceptó sin dudarlo. Ahora nos sentimos plenamente afianzados con la formación actual”. El nombre del grupo viene marcado por el año de lanzamiento del Let There Be Rock de AC/ DC, trabajo que vosotros consideráis que marca un antes y un después en la historia del rock.

También esa época coincidió

Pero escuchando este álbum e

con la salida del grupo de la

incluso viendo la estética de la

sección rítmica que os había

ropa y las fotos, observo como

acompañado hasta entonces,

una evolución hacia atrás...

cosa que supongo que lo acabó

¿Vais a ser ahora ’67?

de complicar todo un poco más.

ARMAND “(Risas) Pues no lo ha-

ARMAND “Claro, claro. Fue un

bíamos pensado, la verdad. Puede ser que a medida que vamos creciendo quizás regresemos a nuestras raíces, a nuestra parte más primitiva, por así decirlo. Cuando éramos pequeños en casa lo que escuchábamos principalmente era música de los 60 y principios de los 70... por lo tanto, como no sea por

periodo muy complicado. Normalmente lo es cuando se va un miembro del grupo, imagínate cuando son dos en una banda de cuatro. Hubo mucho debate interno sobre lo que debíamos hacer o no, pero por suerte, y eso es algo que siempre le agradeceremos a la gente

eso, no se me ocurre ninguna otra cosa (risas)”. ¿Tenéis la sensación de que se os reconoce más fuera que en casa, o es algo que ya no os importa demasiado? ARMAND “Tenemos esa sensación

y, al mismo tiempo, ya no nos importa mucho. Ya sabemos cómo funcionan las cosas aquí. Ser un grupo que canta en inglés, dependiendo de la zona donde vayas, todavía hoy crea cierta reticencia. Nos siguen preguntando por qué no cantamos en castellano, aunque eso cada vez nos ocurre menos, también hay que decirlo. Creo que es algo cultural. En otros países europeos nadie cuestiona que los grupos canten en inglés porque es lo normal. Y también hay más educación musical, hay más hábito de ir a los bolos y pagar lo que te pidan y más costumbre de comprar discos y no tanto de descargárselos. Creo que es porque se respeta mucho a la figura del músico, incluso a nivel institucional”. LG “Aquí aún hoy existe la creencia de que ser músico no es un trabajo. Se ve como un hobby, algo bohemio, como que somos un poco cantamañanas (risas). Cuesta todavía que te tomen en serio y que entiendan que esto es un trabajo y que es normal que exijas profesionalidad. Aquí sólo se considera músico de verdad a Julio Iglesias o a Raphael. El resto somos unos viva la vida (risas)”.

UNDEROATH

HIJOS PRÃ&#x201C;DIGOS

OCHO AÑOS DESPUÉS DE SU ÚLTIMO DISCO, Y TRAS HABER SUPERADO UNA GRAVE CRISIS, UNDEROATH REAPARECEN EN ESCENA CON ERASE ME . LEJOS DE BORRAR SU PASADO, SU NUEVA OBRA DEMUESTRA QUE LA BANDA TODAVÍA OPTA A TENER UN LARGO FUTURO POR DELANTE. TEXTO: JORGE FRETES FOTOS: DR

MEDIADOS DE L A PASADA DÉC ADA , UNDEROATH PARECÍAN IMPARABLES. Cada

disco que publicaban era más popular que el anterior y su quinto álbum Define The Great Line, editado en 2006, fue todo un éxito entre el público -alcanzó el número 2 de las listas americanas- y la crítica. Algunos incluso los llamaban ‘los Radiohead del metalcore’ por su incursión en terrenos más ambientales y electrónicos. Pero como pasa tantas veces, su propulsión a la fama también comportó la apertura de grietas internas. En su caso, todavía más profundas por la contradicción entre su imagen de banda cristiana y el comportamiento hedonista, propio de unos chavales jóvenes que pasan su mayor tiempo en la carretera, de algunos de sus miembros. La salida en 2010 de su batería, cantante y miembro fundador Aaron Gillespie en 2010, fue un primer aviso. Y aunque el grupo lanzó un nuevo disco, sin él, ese mismo año, el también exitoso Ø (Disambiguation), la espiral negativa en la que habían entrado les llevó a ofrecer una gira de despedida en 2013, en la que contarían de nuevo con Gillespie. Pese a que aquello parecía un punto final, sólo un par de años más tarde, el grupo de Florida volvería con su formación más célebre -Spencer Chamberlain (voz), Tim McTague (guitarra), James Smith (guitarra), Chris Dudley (teclados, samplers), Grant Brandell (bajo) y el propio Gillespie- para ofrecer una gira de reunión que incluiría tramos con A Day To Remember y Bring Me The Horizon. Y así es como, con las heridas curadas, la banda se

ha sentido con fuerzas para reactivarse plenamente y grabar un nuevo álbum, Erase Me (Fearless), en el que han aparcado la experimentación en favor de un enfoque más directo. Este verano por fin podremos ver a Underoath en directo, en el festival Download Madrid. AARON GILLESPIE “Es verdad,

estamos muy emocionados por ir, será la primera vez que tocaremos en España”. ¿No se te hace raro que nunca hubierais tocado aquí? La banda lleva en activo desde 1997 y habéis hecho muchas giras europeas…

“Sí, nunca hemos tocado. Es algo raro (risas)”. Para quitarnos esta tontería de inicio, me gustaría hablar del tema de la religión que siempre aparece cuando se habla de Underoath. Con el primer single de este álbum ha habido bastante controversia porque utilizáis la palabra ‘fuck’, lo que ha puesto a vuestros fans cristianos en pie de guerra. La canción le gusta a casi todo el mundo, pero una palabra ha creado mucha polémica... No me lo explico, ya en 2009 dejasteis muy claro que ya

demasiadas cosas ocurriendo ahora mismo como para que la gente se cabree porque en una canción digamos ‘fuck’, es una total tontería. Si usamos esa palabra es porque pensamos que era importante en ese contexto. Hay una diferencia en decir ‘tengo un montón de jodidas facturas que pagar a final de mes’ que decir ‘contemplo una serie de pagos que realizar’. ¿Cuál crees que trasmite mejor el mensaje? Por supuesto que la primera, y aunque la gente no lo crea, no usaríamos esa palabra si no creyéramos que fuera necesario. No usamos la palabra ‘fuck’ para estar de moda, o ser más cool, o para cabrear a la gente. No sé si el sello pensó que sería una palabra que nos pondría en boca de todos, no lo sé, pero para nosotros viene de algo honesto. No pensamos en a cuánta gente podríamos cabrear usándola, ése no es el carácter del grupo. Yo he decidido simplemente girar la cabeza y no prestar atención... Hay tanta mierda ocurriendo ahora mismo en el mundo, y armamos este escándalo por una sola palabra... Hace poco hubo una matanza de niños en una escuela aquí, en Estados Unidos, el simple hecho de que Donald Trump sea nuestro presidente. Creo que tenemos asuntos mucho más importantes de los que ocuparnos que de una simple palabra”.

no os considerabais una banda cristiana. ¿Por qué crees que la

Como decía antes, en 2009 lan-

gente sigue cabreada con este

zasteis un comunicado indicando

asunto? Estamos en 2018.

que Underoath ya no eran una

“No lo sé, pero pienso mucho en este tema. En nuestro país, en Norteamérica, tenemos muchos problemas más importantes que esto. Tenemos a un idiota como presidente, hay

banda cristiana y que no queríais que se la considerase como tal. Para ti personalmente, ¿fue Underoath una banda realmente cristiana o simplemente una

UNDEROATH

banda de rock formada por personas con creencia cristiana? No sé si el rock cristiano existe como tal…

“La verdad es que dependiendo del momento, tendrías una respuesta diferente de cada integrante de la banda, porque éste es el gran dilema de Underoath. Algunos en el grupo dirán exactamente lo que tú has dicho, otros creen firmemente que se trata de una banda cristiana, pero depende de cómo lo mires. Cuando eres joven y tienes ciertas creencias, tiendes a pensar que todo el mundo debe tener tus mismas creencias, todos los que te rodean y todos tus amigos. Ahora, para nosotros, es diferente, hemos crecido y tenemos un flujo diferente, una onda distinta. Sabemos que cada uno puede pensar de manera diferente y seguir siendo tu amigo... En realidad, no sabría cómo responderte a esta pregunta”. Habéis mencionado muchas veces que, en la actualidad, Underoath sois lo más felices y sanos que habéis sido nunca. Sin embargo, en 2013 la banda hizo un parón. ¿Qué pasó? ¿No era una banda feliz y sana en ese momento?

“Bueno, mira, yo dejé la banda en 2010, decidí marcharme, y me llamaron para realizar unos conciertos de despedida en la última gira... Creo que fue sobre enero de 2013. En ese momento no era una situación saludable ni feliz para mí, ni física ni emocionalmente. La gente crece, madura, y nosotros maduramos juntos, tanto como banda que como personas, así que creo que era el

momento de que nos tomásemos un tiempo aparte unos de otros... Al menos es lo que yo sentía y como pensaba entonces”. Fue justo en ese parón cuando te fuiste de gira como batería de Paramore. ¿Fue una especie de vía de escape a todo lo que estaba pasando? ¿Hacer otras cosas, probar algo diferente?

“No, para mí fue sólo un trabajo más. Ya no estaba en Underoath, unos amigos me llamaron para ver si quería tocar la batería con ellos, y yo necesitaba un trabajo. La verdad es que funcionó bastante bien, aprendí muchísimo esos años con Paramore. Fui tachando uno a uno mi lista de salas y sitios favoritos para tocar en todo mundo, y sobre todo me lo pasé genial. No lo vi como una vía de escape, aunque ahora que lo pienso, en esos momentos pensaba que no volvería a tocar nunca más (risas)”.

y para mí el tocar con ellos tampoco fue algo muy diferente, aunque sí ves las cosas de otra manera. Sé que Paramore son enormes, lo sentí todos esos años, pero no me hizo cambiar mi punto de vista sobre el negocio musical o cómo funcionan las bandas en general. Lo bueno de ellos es que son una banda muy honesta, y que sobre todo son muy buenos en lo que hacen. No creo que lo haya pasado mal en ningún momento, no borraría ninguna situación ni recuerdo de todo el tiempo que estuve con ellos. Era un buen trabajo (risas)”. Empecemos a hablar del nuevo disco. En Erase Me hay patrones de batería que marcan la diferencia respecto al resto de temas del catálogo de Underoath. Por ejemplo, en la canción ‘Sink With Me’ haces cosas bastante raras, al menos para quien esté acostumbrado a vuestro soni-

Tocar con una banda del tamaño

do... ¿Te pusiste como desafío

de Paramore, en esos sitios a los

hacer algo diferente o simple-

que Underoath aún no habían

mente estabas aburrido de to-

accedido, y para tanto público,

car siempre lo mismo?

¿te hizo ver las cosas de modo

“No sé, creo que mi manera de trabajar es la de hacer patrones de batería que complementen de manera correcta a la canción. No

diferente?

“No, en realidad sólo había tocado con otra banda antes de Underoath

“PARA NOSOTROS ES EL DISCO MÁS AUTÉNTICO DE UNDEROATH” AARON GILLESPIE

soy un batería para bateristas, no sé si me entiendes... No intento hacer algo muy técnico ni nada parecido, sólo intento hacer lo que creo que le quedará mejor a la canción. Tocar la batería 18 horas al día, hacer cosas de jazz y todo eso está genial, pero no es lo que yo hago a diario. Soy una persona a la que le gustan las canciones, ya está, y hago lo que sea necesario para que una canción sea buena”.

la idea detrás de Erase Me?

“No sé, has mencionado dos canciones del disco y no creo que ningún disco se pueda juzgar sólo por dos piezas. No pienso en Erase Me como nada en concreto, no lo juzgo, sólo queríamos hacer el mejor disco posible, y ahora mismo, en esta nueva etapa, es el mejor álbum que pudimos grabar. Para nosotros es el disco más auténtico de Underoath”. ¿Dirías que es como exponer

es honesto, y de verdad creo que este disco es lo más honesto que hemos grabado nunca. Estas letras reflejan mucho nuestro presente, lo que somos ahora. Sí, están basadas en cosas reales que hemos pasado. Aquí no hemos intentado complacer al resto de la banda, ni al público, en realidad, a nadie. Me emociona mucho hablar de Erase Me porque siento que era lo que necesitábamos, refleja quiénes somos ahora y lo podemos enseñar al mundo sin ningún miedo”.

Hay otras canciones como

vuestras vidas al público? En ‘It

‘ihateit’ o ‘Wake Me’ más orien-

Has To Start Somewhere’, la can-

tadas al rock que quizás al post

ción que abre el disco, hay una

El disco tiene once canciones, y

hardcore, al screamo, o como

frase que dice “Me convertiste

casi todas rondan los 3 minutos.

quieras llamarlo. Hay muchas

en el monstruo que soy hoy”.

La canción más larga es ‘I Gave

bandas que han empezado con

¿Hay algo de ficción en las letras

Up’, la última, y dura unos 4 mi-

un estilo marcado y han ido mu-

o está todo basado en experien-

nutos. En total, 40 minutos. ¿Que-

tando a algo cercano al rock,

cias personales?

ríais que los nuevos Underoath

mira a Parkway Drive. ¿Era ésa

“Para mí el mejor arte es aquel que

fueran más pegadizos?

“No sabría decirte, no es que hayamos seguido alguna norma para hacer Erase Me. No estoy en un punto de mi vida donde me planteo si un disco tiene que ser de una de manera u otra, no tuvimos la conversación de ‘hey, vamos a hacer un disco corto y pegadizo’. Hicimos el álbum que nos apetecía hacer, y resultó que las canciones tenían casi todas 3 minutos, no pensamos en ningún momento en hacer alguna de 8 minutos. Queríamos hacer el trabajo que fuese correcto para nosotros, y para Underoath éste es el álbum”.

que tienen una agencia creativa, hacen diseños para varios proyectos, y por primera vez en Underoath le hemos dejado este apartado a terceros. Lo que hicimos fue traer a estos amigos al estudio antes de que el disco estuviese terminado, les enseñamos las canciones y les pedimos que reflejasen lo que pensaban sobre ellas. Nos encantó lo que hicieron, sólo hicimos un pequeño cambio para el resultado final, pero todo fue rodado”. Hace diez ó 15 años Underoath lo estaban petando, pero tam-

“Si hay algo que lamento con Underoath es la manera en la que nos tratamos los unos a los otros en el pasado. También lamento mucho haberle puesto una etiqueta a nuestra banda durante tanto tiempo, pero eso es todo, no lamento haber escrito una canción o un disco, ni nada parecido. Lamento la manera en la que antes nos juzgábamos entre nosotros mismos, la manera en la que juzgábamos a la gente simplemente porque creíamos que éramos una banda cristiana y que la gente debía pensar como nosotros. Lamento ese tipo de cosas”.

Imagino que sí teníais más o

bién es porque la escena estaba

menos algunas ideas ordenadas

subiendo de popularidad muy

antes de entrar al estudio a gra-

rápidamente. Muchas bandas

Dices que querías enfocarte más

barlas con Matt Squire, conocido

de entonces ya no existen o

en el presente... ¿Encuentras in-

por su trabajo con Panic! At The

sólo han hecho una gira de re-

teresante la música que se hace

Disco. ¿Es Matt de esos producto-

unión para tocar un disco que

hoy día? ¿Las nuevas bandas

res que te hacen cambiar de idea

grabaron hace más de una

que están saliendo, los nuevos

una vez estás grabando? ¿O se

década. También la gente que

estilos, o quizás prefieres las

quedaron intactas las ideas para

va esas giras muchas veces lo

cosas que escuchabas cuando

las canciones de Erase Me?

hace porque es la música que

eras adolescente?

“Empezamos a escribir bastante antes de entrar al estudio, creo que fue unos 18 meses antes cuando Spencer y yo empezamos a componer este disco. Tuvimos mucho tiempo para prepararlo, para cambiar cosas, para ver qué funcionaba y qué no, y es lo que hizo que el álbum no suene forzado. No creo que Matt haya tenido ningún impacto en que el disco haya terminado sonando así”.

escuchaban entonces, pero no

“Es una pregunta de doble filo. Creo que muchos periodistas intentan hacer esa pregunta a gente del mundillo para cabrear a alguien y conseguir un titular. Me cabrea cuando leo a bandas, especialmente aquéllas que ya llevan mucho tiempo, rajar de otras que están empezando sólo por hacer algo diferente. No es como yo me siento, pero sí te puedo decir que no soy muy fan de la música que se hace ahora en el estilo o el género en el cual nos han encasillado. Dicho esto tengo que decir que hay música muy buena que se hace ahora mismo, no sólo en nuestro estilo. Hay bandas excelentes, ya sea hardcore, metalcore, emo, rock o

La portada de Erase Me es bas-

la que escuchan ahora. ¿Hasta qué punto la nostalgia forma parte de Underoath?

“No sé, no me gusta pensar en ese tipo de cosas porque estoy más interesado en el presente, en lo que está pasando ahora mismo. Creo que si pienso en lo que fuimos antes o lo que hicimos hace unos años… sólo el pensarlo me puede meter en problemas, así que prefiero no pensar mucho en ello”.

tante sencilla, imagino que en parte refleja lo directo que pue-

¿Estás en paz con todas las de-

de resultar el disco. Creo que

cisiones que se han tomado en

esta vez tuvisteis poco que ver

la banda desde el principio de

con su diseño.

tu carrera o hay algo con lo que

“Tenemos unos cuantos amigos

no estás del todo cómodo?

“SI HAY ALGO QUE LAMENTO CON UNDEROATH ES LA MANERA EN LA QUE NOS TRATAMOS LOS UNOS A LOS OTROS EN EL PASADO. TAMBIÉN LAMENTO MUCHO HABERLE PUESTO UNA ETIQUETA A NUESTRA BANDA DURANTE TANTO TIEMPO” AARON GILLESPIE

como quieras llamarlo. Lo gracioso es que yo no escucho ese tipo de bandas, y en realidad nunca lo he hecho, así que me mantengo muy alejando de hablar mierda de otros grupos, en esta escena. Hay malos grupos en todos los géneros, creo que en lugar de apuñalarnos entre nosotros tendríamos que apoyarnos. Mucha gente también habla mal de Underoath, nosotros intentamos alejarnos de eso”.

todo mucho más accesible e instantáneo. Cuando Underoath empezamos no era así, tenías que luchar mucho para conseguir llegar hasta un sitio. Creo que el reconocimiento hoy en día es mucho más fácil para ciertas bandas, les llega antes”. Cuando fuisteis a Australia en la gira anterior la banda telonera fue Sleepmakeswaves, que es una banda de post rock. En cier-

lo siento como algo muy honesto. Puede llegar a ser una música muy emotiva, a mí me llega bastante y creo que va acorde con los tiempos que estamos viviendo. No sé si con Underoath, pero me veo haciendo este tipo de música. No nos veo haciendo algo que no queremos hacer, hacemos lo que sentimos que esté bien, no queremos ser esa banda predecible donde la gente sabe exactamente qué tienen que hacer o a qué sonar”.

Bueno, la pregunta la podrías

tas entrevistas también mencio-

ver desde otra perspectiva:

naste a Caspian, otra formación

Hay bandas que aunque no

alguien que esté leyendo esta

de post rock. A mí me flipa mu-

se ponen límites, saben lo que

entrevista podría descubrir ban-

cho el género, ¿y a ti? ¿Es algo

pueden hacer y lo que no. ¿Ha

das gracias a que las mencio-

que te mola pero que no ves

llegado Underoath a su pico

nas, bandas actuales que quizás

adecuado para practicarlo con

creativo o todavía la gente pue-

no sean tan populares.

Underoath?

de esperar que hagáis algo to-

“Sí, es verdad. En los tiempos que vivimos las reglas del juego han cambiado, ahora tienes todo mucho más al alcance de la mano,

“Me flipan ese tipo de bandas, me gustan mucho. Me gusta todo lo que sea real, todo lo que sienta real, y el post rock ahora mismo

talmente loco e inesperado?

“Nuestra máxima siempre ha sido hacer lo que queramos hacer, y creo que nunca hemos querido

hacer el mismo disco dos veces. Como cualquier banda queremos seguir siempre evolucionando, me asusta pensar que podemos repetirnos y grabar el mismo álbum. No creo que hayamos llegado a ese pico”. El título Erase Me podría interpretarse como un deseo de

tas cosas de ciertos lugares, y si encuentras lo que buscas en la música, no te separes de ello. Es una de las cosas más bellas de la música, eso y el hecho de que puedes hacer tuya una canción nuestra. Mucha gente ha acudido a nosotros buscando ayuda, muchas en momentos de desesperación, y esperamos poder haber sido útiles”.

borrar vuestro pasado. ¿Cómo debe interpretarse?

Aparte de Underoath, también

“En realidad es una parte de la letra de la canción ‘ihateit’. Nos gustaba cómo sonaba para el título del álbum, creo que representa el sentimiento general que trasmiten estas canciones. Todo lo que piensas, todo en lo que crees, puede llegar a destruirse algún día... Eso es lo que queríamos reflejar. La gente puede pensar que esté relacionado al hecho de que queremos borrar nuestro pasado, pero eso es lo bonito de la música: que la gente lo puede relacionar a lo que crea más conveniente. Para algunas personas puede significar algo y para otras, otra cosa. Para mí es algo más artístico si te empuja a pensar en algo así y que te veas reflejado en el disco”.

tienes tu proyecto en solitario y esa banda, The Almost, con la que dejaste de grabar y tocar en directo hace ya unos años.

“Como The Almost dejamos de lanzar canciones hace unos cinco años, aunque ahora lo hago con mi propio nombre. Si te soy sincero, creo que seguiremos haciendo cosas, no es algo que descarto”. ¿Y cuál es la idea para la nueva gira de Underoath? En la anterior, el Rebirth Tour, tocasteis dos discos al completo, They’re

Only Chasing Safety y Define The Great Line. Imagino que esta vez intentarás meter al menos cuatro o cinco canciones quéis Erase Me entero...

muchos fans jóvenes que bus-

“No podemos salir y tocar sólo canciones nuevas, te aseguro que no es lo que la gente quiere. Pero estoy seguro de que meteremos al menos tres o cuatro temas nuevos en esta gira. No sé cómo será nuestro setlist en España, pero al ser en un festival, podrían ser 30 minutos o una hora, no lo sé todavía. Por desgracia esta información la recibimos siempre a última hora”.

tomaban como si la música que hacía Underoath tuviese algo que les fuese a sanar de lo que estuviesen padeciendo. ¿Crees que en cierta manera vuestra música es una especie de cura para ciertas personas?

“Hay personas que necesitan cier-

su última edición que se celebrará este verano. Este festival ha formado parte de la vida de muchas personas.

“Será algo emocionante, el Warped Tour fue algo fundamental para nosotros en nuestros primeros años y nos ayudó bastante. Para Underoath es un honor ser elegidos para tocar la última vez que se lleva a cabo, es toda una institución. Echaremos mucho de menos el Warped Tour, teníamos que volver, está claro”. Ya para terminar: mucho se ha hablado y escrito sobre Underoath, casi todo relacionado con vuestras creencias personales en lugar de la música que hacéis. ¿Qué ha sido lo más estúpido que se ha dicho de vosotros?

Antes de la separación había

canciones, buscaban consejo. Lo

mar parte del Warped Tour en

¿Piensas volver a resucitarla?

nuevas, porque no creo que to-

caban cierta guía en vuestras

También será algo grande for-

“Oh, ni siquiera puedo acordarme de toda la mierda que nos han tirado encima (risas). Han sido muchos años donde se ha dicho de todo sobre Underoath, desde alegaciones a rumores, que no sé ni siquiera por dónde empezar. Nunca me ha cabreado, casi siempre me he reído. Ahora tengo 35 años, me importa una mierda lo que la gente diga sobre nosotros. Por supuesto que me gustaría que a nuestros fans les gustase nuestra música, lo que hacemos ahora, pero llega un momento en donde tienes que ser tú mismo”.

DISCO DEL MES

E Reverence (EPITAPH) METAL

xiste un patrón que varias bandas que consiguen el éxito masivo, entendiéndose éste como algo positivo, han seguido, y es que a pesar de lograr una base leal de seguidores en un subgénero (véase Trivium o Mastodon), deciden poco a poco pegarse más a lo clásico del género. Es lo que ha pasado con Parkway Drive de manera progresiva a partir de Atlas (2012), y que se materializó de manera bastante palpable en el anterior Ire (2015). El combo australiano no juega a volver a sus raíces,

PARKWAY DRIVE

sabe perfectamente que ya no pueden ser la banda que fueron en Horizons o Deep Blue, pero es que el cambio les sienta de muerte y ellos parecen disfrutarlo. Muchas voces de protesta los situaban de manera despectiva como a unos nuevos Five Finger Death Punch, pero mientras éstos rozan por momentos el ridículo, ellos defienden un material como el que encontramos en Reverence con corazón y talento, apelando no sólo a su base leal de fans que han ido creciendo con ellos, y no sólo en edad, a lo largo del

camino, sino a toda una generación de mentes abiertas en lo referente a lo musical. Donde antes sólo había hardcore y metalcore, hoy en día hay metal más clásico, unos patrones mucho más melódicos, ganchos previsibles, pero no por ello menos disfrutables, y hasta momentos de experimentación, siempre sin salirse mucho de lo que quieren ser y están convirtiéndose: una banda que moviliza y apela al gran público de diferentes géneros. En diez años será muy difícil tener a un cabeza

de cartel con la popularidad de los de antaño, pero Parkway Drive van camino de convertirse en justo eso: una banda que juega a tocar varios palos y a posicionarse alto en los festivales. No es que no hayan avisado, y si buscabas en este álbum algo de aquéllos que habían grabado ‘Carrion’, quizás lo más cercano que encuentres sea el que fuera el primer adelanto ‘Wishing Wells’. Si detestaste ese gran single ‘Vice Grip’ del anterior álbum, aquí te golpearán de lleno muros sonoros como los de ‘Absolute Power’ o ‘I Hope You Rot’. El cambio viene más por el lado sonoro, ya que las letras siguen teniendo ese carácter semipoético que tanto atrajo en el principio,

describe a estos nuevos Parkway Drive es energía y riffs poderosos. Para quienes siempre buscan tener una banda diferente en cada disco, que no se pierdan ese spoken word final en ‘The Colour Of Leaving’ o la parte más teatral que consiguen alcanzar en ‘Shadow Boxing’. Cánticos, temas que se pegan y te acompañan todo el día, melodías de guitarra (ojito al trabajo de Luke Kilpatrick en este álbum) que puedes tararear, el amigo perfecto para salir a correr o descargar toda la adrenalina que llevas dentro. Por su planteamiento más simple, podría perfectamente ser su Black Album, y puede que por momentos extrañemos el despliegue demoledor

“DONDE ANTES SÓLO HABÍA HARDCORE Y METALCORE, HOY EN DÍA HAY METAL MÁS CLÁSICO, UNOS PATRONES MUCHO MÁS MELÓDICOS, GANCHOS PREVISIBLES, PERO NO POR ELLO MENOS DISFRUTABLES”

con un mensaje más optimista que derrotista, aunque es bastante visible que es un disco ‘cabreado’. La producción sigue favoreciendo el uso de la voz y las guitarras por encima del resto, aunque es de agradecer que el bajo de Jia O’Connor reciba un mejor trato que en el predecesor. Lo principal es sonar gordo sin parecer artificial. En ‘Prey’ o ‘In Blood’ vemos que intentan y consiguen emular todo aquello con lo que se habrán criado en los 90 dentro del metal alternativo pero si algo

de Ben Gordon tras la batería, pero con temazos como ‘Cemetery Bloom’ se lo perdonamos. Winston McCall, el mejor de la banda aquí, prometía un álbum más agresivo que Ire... y ha cumplido con creces, pero lo mejor de todo es que la sensación que da el disco al acabar estas diez canciones es la de una banda que se siente cómoda haciendo lo que hace sin tener que rendir cuentas por un cambio que era inevitable. ¿Se han vuelto más mainstream? Sí, pero con calidad. JORGE FRETES

NOTHING, NOWHERE.

HAS DE SABER...

FORMACIÓN: Joe

Mulherin (voz, guitarra, bajo, teclados,

programación) Joe Mulherin AFINES A: Lil Peep, 6ix9nie, Brennan Savage PÁGINA WEB: www.nothingnowhere.net PRODUCIDO POR:

R Ruiner (DCD2/FUELED BY RAMEN) EMO RAP

uiner, el segundo álbum de nothing,nowhere., alias de Joe Mulherin, aparece apenas seis meses después de su debut Reaper con el empuje promocional del sello Fueled By Ramen. Hay que reconocer que su propuesta es llamativa y representa muy bien el tiempo en el que vivimos, con el hip hop siendo el estilo más escuchado en el mundo según un estudio reciente, y miles de millennials enganchados a fármacos cada vez más potentes. La música de nothing,nowhere. podría tomarse como la banda sonora de un joven deprimido en el siglo XXI, con beats de hip

hop minimalistas sonando a través de unos auriculares, mientras los sentimientos intentan salir a la superficie, pero quedan apagados por el efecto de las pastillas. Y quizá ése sea el mayor problema de esta nueva colección de canciones, que lejos de emocionarte o lograr que empatices con el autor, simplemente resulta agradable al oído. ‘reminiscer’ cuenta con un estribillo que parece salido de un disco de This Wild Life, ‘better’ apuesta por un gancho a lo M83 mientras Mulherin rapea sobre el aislamiento que provoca la fama, y ‘sinker’ tiene una melodía pegadiza a lo Twenty One Pilots.

Quizá los mejores temas sean ‘hammer’ y ‘changer’, en los que suena como Eminem rapeando encima de un arpegio a lo Mineral. ¿Estamos ante una nueva estrella? Todavía es pronto para decirlo, pero la muerte por sobredosis de Lil Peep, con sólo 21 años, el pasado octubre, ha dejado a Mulherin como cara más visible de este nuevo género bautizado como emo rap, a pesar de que en las fotos insista en tapársela. Una actitud que resume perfectamente esa contradicción, entre desear algo y estar preparado para que se haga realidad, que parece nutrir sus rimas. JORDI MEYA

HABLAMOS CON... JOE MULHERIN Ruiner aparece sólo unos pocos meses después de tu anterior disco. ¿Los planeaste como obras complementarias o para ti son dos proyectos distintos?

“Sabía que quería hacer dos partes de un mismo trabajo. La idea era tener algo parecido al yin y el yang. Reaper era un poco más pulido y teatral y quería que Ruiner fuera más minimalista; simplemente que la música ocurriera y fuera un poco más crudo”. Empezaste nothing,nowhere. por tu cuenta. ¿Cómo aprendiste a tocar tantos instrumentos y las técnicas de grabación? ¿Procedes de una familia musical?

“Aprendí a tocar la guitarra con 12 años y poco después aprendí a grabar con el ordenador. Cuando volvía a

casa de la escuela, empecé a probar como funcionaba GarageBand y cómo grabar. Casi todo lo he aprendido de internet. Nadie en mi familia es músico, yo soy la oveja negra. Me interesa la música desde joven, pero por suerte mi familia me apoya”. ¿Te ha cambiado el tocar en directo tu manera de componer o grabar?

“Es una pregunta interesante. Sinceramente, sí lo ha hecho. Ahora compongo de manera muy distinta porque sé que tendré que tocar estos temas en directo. He aprendido cómo reacciona el público y cómo crear un setlist. Algunos de mis temas antiguos eran muy difíciles de tocar con un grupo en directo, aunque disfrutaba del desafío. Pero no creo que nunca vuelva a escribir cada canción con una afinación de guitarra distinta (risas)”.

¿Cómo reaccionaste cuando Pete Wentz te ofreció un contrato para su sello DCD2?

“Me quedé en shock. Recuerdo que mi mánager me dijo que a Pete Wentz le gustaba mi música, pero no me lo creí hasta que un día me llamó. Pero fue súper amable y tuvimos una gran charla. Siempre es genial cuando alguien que admiras resulta ser buena persona”. ¿Cómo llevas la locura que implica estar en este negocio?

“Me lo tomo día a día. A veces puede ser muy loco, y puedes agobiarte con las expectativas de los demás y las tuyas propias. A veces desconecto el teléfono y simplemente desaparezco, y me voy a caminar por la montaña. Pero al final me siento feliz de hacer música y tener una carrera”. (MARC LÓPEZ)

THE LONGSHOT Love Is For Losers (CRUSH MUSIC) PUNK ROCK

ás que una necesidad artística, da la impresión que Billy Joe Armstrong se ha sacado de la manga a The Longshot como una necesidad vital. Visto lo que podemos encontrar en este Love Is For Losers, el debut del cuarteto editado por sorpresa, en ningún momento vamos a encontrar nada que no hayamos escuchado en algún momento dentro de la carrera de Green Day y, es más, uno tiene la impresión de que Armstrong no ha pretendido salirse del guión establecido ni por casualidad. Seguramente

82 62

su liberación venga por el hecho de volver a escribir un disco de punk rock sin ninguna pretensión, fuera de las expectativas que siempre genera su banda principal. Imaginemos que por un momento volvemos a algún punto intermedio entre Nimrod y Warning, y ahí es donde podemos ubicar a este Love Is For Losers: lejos de las obras conceptuales, de los discos en tres partes… acercándose a todo eso que eran Green Day en sus inicios. Las canciones tienen su gancho -‘The Last Time’, ‘Chasing A Ghost’ o ‘Kill Your Friends’ tienen ese estilo inconfundible suyo-, pero uno tiene la impresión de que ha hecho los temas casi sin pensar, tirando de ese oficio y talento que le sobra, y que a poco de que le hubiese echado ganas de matar, esto podría haber sido un gran álbum. Que la versión de ‘Goodbye To Romance’ de Ozzy Osbourne pasada por el filtro de The Beatles del White Album sea lo que más llama la atención lo dice todo sobre las intenciones de este más que coqueto álbum. RICHARD ROYUELA

ANGELUS APATRIDA

Cabaret De La Guillotine (CENTURY MEDIA) THRASH METAL

uando Clockwork se publicó en 2010, parecía una broma que un grupo de thrash de Albacete fichase por uno de los sellos metaleros más importantes de Europa. Ocho años y un par de discos más tarde, el chiste se ha convertido en algo muy serio y la relación entre Angelus Apatrida y Century Media está más que consolidada, siendo Cabaret De La Guillotine una de las prioridades de la discográfica germana esta primavera. Por su parte, la situación social y política de España se hace latente en todos los

aspectos de esta nueva entrega. Mientras que en Hidden Evolution supieron poner inteligentemente el foco en las melodías, esta vez apuestan por la tralla sin cuartel. Es cierto que nada más comenzar con ‘Sharping The Guillotine’ ya nos ofrecen un estribillo para alzar el puño en alto, pero sólo hace falta escuchar el impacto que producen ‘Ministry Of God’ y ‘The Hum’ con esas guitarras asesinas o una ‘Downfall Of The Nation’ que presenta un riff inicial salido del Far Beyond Driven, para darse cuenta de que Guillermo ha sacado toda su mala hostia a pasear, amén de su catálogo de registros vocales. La segunda mitad esconde alguna que otra sorpresa en ‘Martyrs Of Chicago’ y ‘The Die Is Cast’, con dos de los coros más accesibles que hayan firmado, y que junto a ‘Farewell’ (un medio tiempo hasta ahora inédito en ellos) siguen dando muestras de que los tienen bien puestos para ir en la dirección que les salga de los mismísimos. Y ahora, díganme: ¿Cuántas bandas de metal actual son capaces de marcarse un sexto trabajo como éste? Pues eso. GONZALO PUEBLA

KURT BAKER COMBO Let’s Go Wild (WICKED COOL) POWER POP, ROCK’N’ROLL

esde que hace cinco años Kurt Baker de The Leftovers se instalara en Madrid y fundara su nueva banda reclutando a Jorge Colldan (guitarra), Juancho López (bajo) y Sam Malakiam (batería), el músico de Pórtland ha ido creándose un nombre dentro del circuito gracias a sus conciertos (capturado en el directo Muy Mola Live) y un notable debut, In Orbit, publicado por Wicked Cool Records, el sello de Steve Van Zandt, en 2016. Su segundo álbum supone una confirmación de las buenas sensaciones de aquél, con una docena de canciones en las que vuelve a conjurar la esencia del power pop y el rock garajero de los 70 y 80. Como si se tratara de un jukebox con temas inéditos de Elvis Costello, Joe Jackson, The Rubinoos o The

Romantics, Kurt Baker y sus compañeros nos ofrecen un nutrido surtido de riffs y melodías que te levantan el ánimo y te dan ganas de sacar a bailar a esa chica tan guapa que está en la barra. Con una producción más cruda a cargo de Paco Loco, Let’s Go Wild presenta un sonido más parecido al que el Combo tiene en directo. Entre los temas más inmediatos, aunque casi todos lo son, destacan la inicial ‘So Lonely’, ‘Don’t Say I Didn’t Warn You’ o ‘Sick Of Waiting’, con estribillos redondos. La banda también hace aflorar su vena más glam en ‘Gotta Move It’ y la instrumental ‘Let’s Go Wild’, con un rollo a lo Gary Glitter. ¡Que siga la fiesta! JORDI MEYA

B THE LAWRENCE ARMS

We Are The Champions Of The World (FAT WRECK) PUNK ROCK

ajo un título claramente irónico, The Lawrence Arms muestran orgullosos su evolución desde A Guided Tour Of Chicago, un debut publicado en 1999. Fat Wreck Chords, el sello con el que editaron la mitad de sus trabajos, acaso los más recordados (The Greatest Story Ever Told y Oh! Calcutta!), lanza ahora un curioso greatest hits con 29 canciones. Y digo curioso porque el trío de Chicago, si bien se ha ganado el respeto de la comunidad punk rock, no se caracteriza precisamente por parir grandes éxitos, si entendemos que eso debería traducirse en vender varios millones de discos y gozar de una gran popularidad. En We Are The Champions Of The World encontramos una representación de sus seis largos y de algunos

C A PERFECT CIRCLE Eat The Elephant (BMG) ROCK

atorce años no pasan sin hacer mella en cualquier grupo, incluso aunque éste permanezca inactivo. Ni Maynard James Keenan ni Billy Howerdel son ajenos a esta regla, y es por ello que el retorno de A Perfect Circle tiene tanto de familiar como de novedoso. Teniendo en cuenta lo abierto que siempre fue su sonido no debería sorprendernos, pero lo cierto es que en Eat The Elephant encontramos elementos que, aunque ya fuesen utilizados anteriormente, aquí se presentan dando un toque refrescante. La propia ‘Eat The Elephant’ nos da la

EPs, “un mosaico de la historia de la banda”, según explican en el libreto. Este nuevo trabajo es ideal para los fans de Jawbreaker y Alkaline Trio, por citar dos bandas afines, que todavía tenían pendiente darles una oportunidad, pero obviamente, este disco hará las delicias de sus seguidores más acérrimos. Y es que incluye unas interesantes explicaciones sobre el proceso creativo, significado y recuerdos en

general de cada uno de los temas escogidos y, sobre todo, cinco temas inéditos, en algunos casos paridos hace casi una década. Estos temas extra debieron ser descartados en su momento porque no encajaban conceptual o líricamente en los álbumes, pues cortes como ‘The Rabbit And The Rooster’ y ‘Black Snow’ tienen nivel suficiente para salir en cualquiera de sus discos previos.

bienvenida por medio de un ritmo amable, con el piano en primera línea y un Maynard cantando con una sensibilidad no tan habitual en él cuando lo hace con Tool o en Puscifer. Algo que se repite en ‘Disillusioned’, el siguiente corte, aunque con más nervio y una parte central verdaderamente sobrecogedora en lo que es una crítica a la sobreexposición que sufrimos frente a las nuevas tecnologías. ‘So Long, And Thanks For All The Fish’ también continúa ese alegato contra los tiempos actuales sin caer en lo panfletario con una letra genial y que,

por otro lado, es lo más cercano que A Perfect Circle han estado nunca de hacer una canción pop con un resultado de lo más satisfactorio. Igual de liberadas de cualquier complejo nos encontramos con el toque pseudo industrial de ‘Hourglass’ o el experimento que es ‘Get The Lead Out’, más cercano a un remix que otra cosa. Y aunque dicho así pueda descolocar a muchos, la esencia de ese rock tan oscuro como elegante pemanece intacta en ‘TalkTalk’, ‘By And Down The River’, ‘Feathers’ y ‘The Contrarian’. Un equilibrio perfecto.

LUIS BENAVIDES

GONZALO PUEBLA

BLACK FOXXES Reiði

(SPINEFARM) ROCK ALTERNATIVO

unque Reiði es ‘rabia’ en islandés, el segundo trabajo de los británicos Black Foxxes es mucho más que un disco enérgico y colérico. Los nuevos temas del trío de Exeter transitan por diferentes estados de ánimo: de la melancolía introspectiva de la inicial ‘Breathe’ a la desesperanza de ‘Am I Losing It’ pasando por la rebelde ‘JOY’. Dos años después de un alucinante debut como el rotundo I’m Not Well, entre el grunge de Pearl Jam y el rock alternativo de Manchester Orchestra, Black Foxxes superan la siempre difícil prueba del

segundo disco con su obra más completa y personal. En la primera parte de Reiði, Mark, Tristan y Ant concentran los temas con más gancho del disco, con momentos de absoluta inspiración melódica como ‘Manic In Me’, el mejor tema del disco y posiblemente de su carrera, y ‘Saela’, un corte tan dulce como potente. Sólo por estas dos preciosas canciones ya merece la pena hacerse con este disco, un punto de inflexión seguro en la carrera de esta joven banda. El resto de álbum depara igualmente grandes momentos, aunque quizá no tan inmediatos. En la segunda parte del disco, a partir de la sentida ’Oh, It Had To Be You’, el trabajo adquiere un tono mucho más sofisticado e incluso sombrío, con piezas intensas como ‘Flowers’, un ejercicio shoegazero no muy alejado de las coordenadas post punk, y la deslumbrante ‘Take Me Home’, un tierno medio tiempo con un cantante dando el do de pecho y postulándose como una de las voces más privilegiadas del Reino Unido. LUIS BENAVIDES

THE FEVER 333

Made An America (ROADRUNNER) ROCK ALTERNATIVO

i hace un año la inesperada disolución de letlive. nos dejaba un regusto amargo, la rápida vuelta a la actividad de su frontman Jason Butler nos tranquilizaba. Fue en julio cuando The Fever 333, en los que también militan Stephen Harrison, exguitarrista de The Chariot, y Aric Improta, exbatería de Night Verses, debutaban ni más ni menos que en el párking de una tienda de donuts en Los Ángeles. Una primera señal de que el trío quiere seguir el espíritu libre que ya tenían letlive.; sin emabrgo este primer álbum presenta más diferencias que similitudes

respecto a sus bandas anteriores. Podría decirse que The Fever 333 han aparcado su vertiente más hardcore (aunque en la parte acelerada de ‘Hunting Season’ se nota de dónde vienen) para ofrecer algo que pretende recoger el testigo de Rage Against The Machine con un potente rap rock. Los dos primeros temas, ‘Made An America’ y ‘We’re Coming In’, siguen una estructura y una temática parecida a los cortes de RATM, con su ataque frontal a la brutalidad policial. La influencia del hip hop sigue presente en ‘(The First Stone) Changes’ en la que colabora el rapero Yellawolf o en la más experimental ‘POV’, dominada por unos densos graves. Pese a su radicalidad, se aprecia una voluntad de llegar a un público más amplio del que pudieran gozar letlive. o The Chariot con algún estribillo melódico como el de ‘Soul’d Me Out’ o ‘Walking In My Shoes’, o el hecho de que hayan escogido al hitmaker John Feldmann como productor. Prometedor. JORDI MEYA

PENNYWISE

Never Gonna Die (EPITAPH) HARDCORE MELÓDICO, PUNK ROCK

i obviamos el sobresaliente All Or Nothing con Zoli Téglás de Ignite a las voces y aquel Yesterdays donde recuperaban canciones inéditas compuestas por su malogrado bajista Jason Thirsk años atrás, resulta que Never Gonna Die es la primera prueba de vida creativa de los de Hermosa Beach en diez años. Una década que, a pesar de sus constantes idas y venidas en la demarcación de vocalista, parece que no ha hecho sino acrecentar todavía más el estatus que tienen Pennywise como banda legendaria dentro del hardcore melódico. Algo a lo que debería contribuir este duodécimo trabajo de

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estudio. Si existía algún tipo de expectación o duda ante cómo sonarían los californianos tras el regreso de Jim Lindberg a sus filas, éstas se disuelven cual azucarillo en un café a la que empieza a sonar el corte que da título a su nueva obra. La misma fórmula de siempre, pero esta vez con un extra de inspiración. La suficiente para dar con títulos tan buenos como los de ‘We Set Fire’, ‘Goodbye Bad Times’, ‘All The Ways U Can Die’ y ‘Won’t Give Up The Fight’, que a buen seguro encontrarán un hueco en el repertorio de su próxima gira. Todo aquí desprende cierto aroma old school, sin necesidad de acudir a una producción excesivamente pulcra y con la mentalidad positiva y actitud combativa de toda la vida. Soy el primero al que le hubiera gustado ver hasta dónde hubieran sido capaces de llegar de haber continuado con Zoli, pero Pennywise han dado lo mejor de sí mismos para estar a la altura de lo que su propio nombre les exige, entregando el que seguramente sea su mejor disco desde Land Of The Free?. Casi nada. GONZALO PUEBLA

THIRTY SECONDS TO MARS America

(INTERSCOPE) POP ROCK ELECTRÓNICO

stoy convencido de que, si Thirty Seconds To Mars siguen apareciendo en esta revista, es más por lo que un día fueron que por lo que ahora mismo tienen por ofrecer. Reconozco que nunca me gustaron demasiado, ni siquiera sus primeros discos de rock alternativo con toques futuristas y estética emo, y siempre me cargó la actitud mesiánica de Jared Leto, aunque me parezca un gran actor, pero nunca imaginé que escuchar un nuevo disco suyo pudiera suponer semejante tortura. Su quinto álbum, pomposamente titulado America, representa todo

aquello que me disgusta de muchos grupos actuales. Y no es porque se sumen a la lista de bandas de rock que abandonan las guitarras en favor de la electrónica, no soy tan cerrado como para pensar así, sino porque creo que el único motivo por el que lo hacen es para competir en las radios con los artistas de pop y R&B. Seguro que Leto tiene un argumentario con el que justificar que se trata de una evolución que responde a sus inquietudes artísticas y ganas de evolucionar -y quizá hasta lo piense de verdad-, pero a mí no me la cuela. Si de verdad quisiera crecer y experimentar no haría temas tan insulsos como ‘Great Wide Open’ o ‘Dwan Will Rise’, o ficharía colaboradores como A$AP Rocky y Halsey. Supuestamente el álbum pretende ser una crítica políticosocial sobre su país, pero acaba sonando tan inofensivo como la música que suena en los anuncios de perfumes… o One More Light de Linkin Park. Sólo la acústica ‘Remedy’ cantada por el batería Shannon Leto (relegado a un segundo plano en un álbum lleno de bases) desprende un poco de humanidad. DAVID GARCELL

THE DAMNED Evil Spirits

(SEARCH AND DESTROY/SPINEFARM) ROCK

usicalmente, el primer disco en diez años de los veteranos The Damned, difícilmente podría calificarse de punk. A nivel superficial, estas nuevas canciones carecen de la rapidez, energía y rabia que se le presupone al género, pero si uno se molesta en escuchar lo que cuentan, está claro que el espíritu rebelde e inconformista sigue ahí. A sus 60 años, estos músicos siguen sintiéndose desajustados con la sociedad que les rodea y han decidido grabar un disco que temáticamente está dedicado casi en exclusiva a los peligros de las nuevas tecnologías

como armas de control. “Confiamos en nuestros amos para vigilarnos día y noche. ¿Verdad? ¿Verdad?”, canta Dave Vanian, quien conserva su magnífica voz, en ‘We’re So Nice’, un tema de rock clásico que recuerda a The Kinks. Resulta curioso que, para contextualizar unas letras tan ligadas al presente, The Damned hayan viajado atrás en el tiempo, posiblemente a su adolescencia antes de la explosión punk del 77 a la que ellos contribuyeron, para encontrar sus referentes musicales. ‘Evil Spirits’ o ‘Shadow Evocation’ acuden al garaje y la psicodelia de los 60, al igual que el órgano Farsifa de ‘Procrastination’, mientras ‘Look Left’ es una balada que podría haber cantado Neil Diamond. Las inclinaciones más góticas que siempre ha tenido el grupo también aparecen en ‘Standing On The Edge Of Tomorrow’ o ‘I Don’t Care’, pero la producción, casi orquestal, de Tony Visconti, contribuye a potenciar sobre todo ese aire clásico que desprenden las canciones. Inesperadamente satisfactorio. JORDI MEYA

THE BREEDERS All Nerve (4AD) ROCK

ualquiera que viera a The Breeders haciendo aguas en aquella gira en la que revisaban de cabo a rabo Last Splash, no creo que haya estado contando los minutos esperando la edición de este álbum, el primero que edita en un cuarto de siglo la formación que grabó uno de los álbumes más populares e influyentes del rock alternativo de los 90. Sin esperar nada, tan sólo hace falta una escucha de All Nerve para darse cuenta de que The Breeders se han tomado en serio este retorno. No diremos que parece que no hayan pasado 25

años entre disco y disco, pero sí que es cierto que, pese a encontrarnos una banda más madura, que en contraprestación ha perdido algo de aquella frescura y aire amateur que los hicieron irrestibles, la esencia de The Breeders se puede encontrar en cada segundo del álbum. El inicio enérgico y juguetón con ‘Nervous Mary’ y ‘Wait In The Car’ puede hacernos pensar que estamos ante una segunda parte de Last Splash, pero el tercer tema, ‘All Nerve’, es el que empieza a marcar la pauta del álbum. Canciones de tempo lento, introspectivas y con algo más de músculo del que estábamos acostumbrados, como ‘Walking With A Killer’, ‘Dawn: Making An Effort’ o esa curiosa versión de ‘Archangel’s Thunderbird’ de Amon Duul II, impensable hace unos años, conforman el cuerpo central de un álbum que no sé si podrá asomar la cabeza en el panorama musical de 2018, pero que será complicado que decepcione a aquellos que estén dispuesto a dejarse llevar por el encanto de The Breeders. RICHARD ROYUELA

TOUNDRA Vortex

(INSIDE OUT) ROCK INSTRUMENTAL

iempre he pensado que formar parte de una banda instrumental es mucho más difícil que de una convencional. Al fin y al cabo, los humanos estamos acostumbrados a comunicarnos principalmente a través del lenguaje (para eso lo inventamos), y aunque muchas veces no entendamos lo que cantan algunos grupos, la voz suele transmitirnos de manera directa algún tipo de emoción. Es obvio que la música, a fin de cuentas otro tipo de lenguaje, también transmite emociones y sensaciones, pero por otra parte, nuestro cerebro está preparado

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para proporcionarnos placer a través de la repetición, de ahí que la estructura tradicional de estrofas y estribillos funcione tan bien. En ese sentido, el reto de una banda como Toundra es doble: no tienen cantante y sus temas discurren, de principio a fin, siempre avanzando. Después de cuatro discos, hasta hubiera sido lógico que llegara un agotamiento de ideas. No es el caso. Posiblemente la experiencia de Exquirla, junto a Niño De Elche, les haya oxigenado, porque en Vortex el cuarteto suena con una fuerza inusitada imposible de alcanzar si no estás con las pilas a tope. Escuchando las partes más explosivas de ‘Cobra’, ‘Kingston Falls’ o ‘Mojave’ (en la que sorprenden integrando el tecleo de una máquina de escribir al ritmo) he sentido la misma potencia que recordaba las primeras veces que los vi en directo. En la delicada ‘Cartavio’ he visualizado la belleza. Aunque mi corte favorito llega justo al final, con ‘Cruce Oeste’, una auténtica maravilla que recoge en 7 minutos toda su grandeza. JORDI MEYA

CANCER BATS

The Spark That Moves (BAT SKULL) HARDCORE, METAL

e acuerdo, Cancer Bats no son Beyoncé, ni Radiohead, pero para sus seguidores -más de los que parecen, menos de los que merecen-, el lanzamiento por sorpresa de su sexto álbum el pasado 20 de abril fue todo un regalazo. Aún más, cuando una vez escuchado te das cuenta de que se trata de uno de sus mejores trabajos. Honestamente, yo era de los que pensaba que los canadienses iban a presentarnos un disco en el que profundizarían en la línea más doom de temas como ‘Beelzebub’ del anterior Searching For Zero, teniendo en

cuenta el éxito de su alter ego Bat Sabbath, o en todo caso, que la balanza de sus influencias iba a decantarse por el metal o el stoner. Pero mira por dónde, su vena punk ha ganado la batalla. Naturalmente, teniendo como guitarrista a Scott Middleton siempre van a aparecer algunos riffs metálicos y su técnica les permite complicar los arreglos a su antojo, pero digamos que con un disco así te es más fácil imaginar a Cancer Bats girando con Converge que con Gojira. Aquí nos encontramos a una banda de lo más enchufada sirviendo sucios himnos como ‘Gatekeeper’, ‘We Run Free’, ‘Bed Of Nails’ o ‘Rattlesnake’, con un Liam Cormier pletórico que saca todo el provecho a sus distintos registros vocales. Mención especial merece el último corte ‘Winterpeg’, con una gran colaboración de Chris Hannah de Propagandhi en su cambio de ritmo. Como si fuera una montaña rusa que siempre va hacia abajo, deslizarse por The Spark That Moves te invita a levantar los brazos, gritar y pasarlo de muerte mientras te meas en los pantalones. JORDI MEYA

PERRO

Trópico Lumpen (MIEL DE MOSCAS) INDIE ROCK

espués del prometedor Tiene Bacalao, Tiene Melodía y del exitoso Estudias, Navajas, los murcianos Perro dan otra vuelta de tuerca a su propuesta entre el indie y el post punk con Trópico Lumpen. Sin descolgarse demasiado, pues repiten ilustrador, Cohete Fernández, que algún día nos tendrá que explicar su obsesión por los cuerpos descabezados, y también productor, Hans Krüger de Montreal Studios. Musicalmente, el cuarteto avanza fiel a su instinto y entrega un tercer largo instrumentalmente intenso, por momentos hipnótico. Trópico Lumpen fluye en

dirección contraria a los estribillos inmediatos. Las letras juegan un papel meramente funcional, una pieza más en el engranaje de un disco rítmico, casi tribal, con dos baterías endiabladas y perfectamente sincronizadas. Se podría decir que faltan himnos generacionales como aquellos ‘La Reina De Inglaterra’, ‘Ediciones Reptiliano’ y ‘OLRAIT’; los Perro del 2018 están por otras cosas. En Trópico Lumpen disfrutan atacando algunos de los temas más frenéticos de la banda hasta la fecha: ’Sin Ser Yo Nada De Eso’, ‘El Sereno’, ‘Pickle Rick’ y ‘Cronobeicons’. Aquí tampoco se cortan un pelo a la hora de aparcar las guitarras y juguetear con sintetizadores. El resultado son piezas de kraut rock muy ochentas como ‘Supercampeones’, la instrumental ‘Disco Mascota’ y la lenta ‘Ese Tu Frescor’, en las que el nombre del australiano Joe Carra (King Gizzard And The Lizard Wizard, Courtney Barnett), responsable del mastering, les viene como anillo al dedo. LUIS BENAVIDES

ASH

Islands (INFECTIOUS/PIAS) ROCK

ay algo reconfortante en ponerte un nuevo disco de Ash y que suene exactamente como esperas que lo haga un disco de Ash. Llámalo familiaridad, llámalo síndrome de Peter Pan, pero el trío norirlandés sabe cómo devolverte a aquel lugar y tiempo en el que los escuchaste por primera vez con ‘Kung Fu’ o ‘Girl From Mars’. A pesar de que sus componentes ya han cumplido los 40, su música sigue transmitiendo esa efervescencia y desazón juvenil de sus inicios. Compuesto en distintas islas (por lo visto, incluida Mallorca) después

de una complicada ruptura sentimental del frontman Tim Wheeler, su séptimo álbum tiene la incomprensión ante un amor que se termina sin saber por qué como tema principal. Y pese a que se nota que el cantante ha estado de bajona en temas como la acústica ‘Don’t Need Your Love’, con arreglos de cuerda incluidos, el lamento blues de ‘Did Your Love Burn Out?’, donde se acercan un poco a The Black Keys, o la final y melancólica ‘Incoming Waves’, Islands ofrece un puñado de esas melodías luminosas en las que son especialistas. El inicio con ‘True Story’, ‘Annabel’ y la punkpopera ‘Buzzkill’, en la que cuentan con Damian O’Neill y Mickey Bradley de The Undertones en los coros, es irresistible, y las buenas vibraciones se prolongan en un temazo pop como ‘All That I Have Left’, la más bailable ‘Confessions In The Pool’, ‘Silver Suit’ o ‘Is It True’. No es como ellos aseguran su mejor disco, pero su instinto para calzar buenos estribillos sigue ahí. Y que dure. JORDI MEYA

CONCURSO POP-ROCK LEHIAKETA

INSCRIPCIONES: del 2 al 31 de Mayo

POP ROCK

METAL

URBAN

www.bilbaogazte.bilbao.eus • 94 415 13 06 • bilborock@bilbao.eus

CANE HILL

HAS DE SABER...

FORMACIÓN: Elijah Witt

(voz), James Barnett (guitarra), Ryan Henriquez (bajo), Devin Clark (batería) PRODUCIDO POR: Drew Fulk AFINES A: Korn, Beartooth, Wage War PÁGINA WEB: www.wearecanehill.com

A Too Far Gone (RISE) METAL ALTERNATIVO

penas año y medio después de haber publicado su debut Smile, Cane Hill vuelven al ataque con su segundo disco. A pesar de que entonces recibieron buenas críticas, se les achacó un sonido demasiado apegado al nu metal, algo que, absurdamente, ellos intentaban negar, pero que se nota que aquí han intentado remediar. Al menos en parte. Es indudable que la influencia chandalera sigue ahí -temas como ‘It Follows’ o ‘Scumbag’ recuerdan de inmediato a Korn y Slipknot, o en el caso de la más melódica ‘Lord Of Flies’, a Stone Sour- pero también que el cuarteto de

Nueva Orleáns ha conseguido introducir algunos giros propios con el fin de ganar más personalidad. Por ejemplo, en ‘Singing In The Swamp’ logran transitar por terrenos más cercanos a Alice In Chains sin que chirríe, y los solos a cargo de James Barnett, con ecos de Jerry Cantrell o Dimebag Darrell, reciben un protagonismo que difícilmente se escuchaba en el metal de los 90, reflejando una mentalidad más old school. Por su parte, Elijah Witt se muestra como un cantante apasionado y con poderío, capaz de introducir partes pegadizas sin renunciar a su estilo agresivo. Ya sea con-

tando sus problemas con las drogas, la muerte o arengando un alegato antinazi como ‘Scumbag’, se percibe que Witt da todo lo que tiene. Con tantos grupos de metal buscando a la desesperada el estribillo radiofónico, se agradece enormemente que Cane Hill conserven su fiereza a lo largo de casi todo el recorrido con trallazos como ‘Too Far Gone’ o ‘Hateful’. La final ‘The End’, apoyada sobre una poderosa batería y una ambientación más oscura, aunque melódica, podría ser una vía a explorar más en el futuro. Todavía no están ahí, pero Cane Hill van en el buen camino. DAVID GARCELL

HABLAMOS CON... ELIJAH WITT En Too Far Gone la banda ha dado un gran paso adelante. ¿Cómo habéis conseguido crecer tanto en tan poco tiempo?

“Muchas gracias, nosotros pensamos igual. Intentamos ir lo más lejos posible y tener un montón de experiencias en poco más de un año. También hubo problemas emocionales y mentales que nos forzaron a crecer. Cuando vives en la carretera y nunca estás en casa, tiendes a catapultarte hacia una existencia que cambia tu perspectiva y altera tus ideas de realidad y humanidad”. La muerte juega un papel muy importante en este disco. ¿Te estás refiriendo a eso?

“Sí. Demasiados familiares fallecieron cuando estábamos de gira. Demasiadas veces no pudimos despedirnos. Demasiadas veces estuvimos a pun-

to de morir nosotros mismos”. La formación está empezando a generar ruido. ¿Sientes que eso os está cambiando también?

Me han gustado especialmente los solos de guitarra. No suele ser una prioridad para grupos de vuestro estilo…

“La verdad es que no estamos notando ninguna diferencia. Nosotros nos dedicamos a tocar. Simplemente estamos felices de que haya gente a la que le importemos”.

“James le dedicó mucho más tiempo porque teníamos más tiempo disponible en el estudio. Si supiera cuáles son sus trucos, te los contaría, pero sus habilidades son un misterio para todos nosotros”.

Grabar un disco puede ser algo muy excitante o una pesadilla. ¿Qué fue en vuestro caso?

Nueva Orleáns tiene una gran tradición de grupos duros. ¿Os sentís parte de ese linaje?

“No creo que puedas hacer un buen disco sin que sea las dos cosas. Este proceso se supone que tiene que ser una tortura hermosa. No importa el estilo que hagas, cuando se trata de tu arte y volcar tus emociones, nunca va a ser fácil. Y no creo que deba serlo”.

“No lo sé. Me gustaría que se nos recordara como una buena banda salida de la escena metal de Nueva Orleáns. La élite de los grupos de aquí genera mucho respeto. Dudo que nosotros lo tengamos, pero quizá algún día lo consigamos”. (DAVID GARCELL)

E MEMORIAM

The Silent Vigil (NUCLEAR BLAST) DEATH METAL

ste naufragio se le podría achacar a Nuclear Blast, esa inmensa factoría especializada en neutralizar el talento de casi todas las formaciones que ficha, pero no, sería el recurso fácil, pues lo cierto es que no hay explicación lógica que nos permita comprender la escandalosa mediocridad que resulta ser The Silent Vigil, el segundo álbum de Memoriam. For The Fallen estuvo muy bien, se trató de un feliz reencuentro con Karl Willetts o Andrew Whale de Bolt Thrower con peña de Benediction, Cerebral Fix o Sacrilege, y haciendo lo que mejor saben hacer, pero parece que para este segundo round, que apenas nos llega un año después de su debut en largo, se les haya licuado la creatividad. ‘Soulless Parasite’ no sirve para nada, es un

C EELS

The Deconstruction (PIAS/EWORKS) POP ROCK

omo es bien sabido, más que una banda al uso, Eels es el proyecto de E, el seudónimo del singular Mark Oliver Everett, un auténtico genio marcado por la tragedia. Su padre falleció por un fallo cardíaco, un cáncer se llevó a su madre unos años después y su hermana Liz se suicidó. El lado más siniestro de la vida ha estado siempre presente de alguna manera en las canciones de Everett desde aquel pelotazo titulado ‘Novocaine For The Soul’, incluido en su debut Beautiful Freak, y sobre todo en el inabarcable Electro-Shock Blues, considerado por muchos su disco culmen. Justo

tema de apertura de una calidad ínfima. Riffs de saldo, de quinceañero, con Willetts evidenciando que su voz pasó a mejor vida ya de aquí hasta el final del trabajo. ‘Nothing Remains’ es insustancial, y ‘From The Flames’ es movidita pero sigue siendo alarmantemente sencilla, por mucho que se pueda contar entre lo mejorcito del pack y que nos recuerde remotamente a la antigua gloria de estos músicos. ‘The Silent Vigil’ tiene una

parte central interesante, pero da la sensación de estar inconclusa, y por su parte, ‘Bleed The Same’ es realmente la única canción a la altura de lo que este cuarteto significa, la única realmente destacable aquí. Del resto, sólo ‘As Bridges Burn’ consigue captar nuestra atención, aunque esté mascadísima. Si su tercera obra sigue por este camino, mejor pensar en retirarse antes que echar por tierra carreras, hasta ahora, inmaculadas.

dos décadas después de ese todavía recordado segundo disco, Eels publica su duodécimo trabajo, The Deconstruction. El título sugiere el desmontaje de un legado, de un discurso y una manera de hacer habitual. En otras palabras, un nuevo comienzo basado en la autocrítica. Quizá eso explicaría la profusión de samples y teclados y, sobre todo, el mensaje positivo que recorre buena parte del álbum. “Si hay algo que podemos controlar realmente es cómo vemos las cosas”, explica Everett en la curiosa nota de prensa que acompaña el disco, donde nos insta a ser optimistas en “un mundo

desastroso”. Un disco así, con preciosos arreglos de cuerda y coros celestiales, sólo podía ser grabado en Los Feliz, el barrio de moda en Los Ángeles. Bromas aparte, la vida parece sonreír por fin a Everett. La alegría pop de ’Today Is The Day’ y la tierna nana de 48 segundos que es ‘Archie Goodnight’ son dos buenos ejemplos. The Deconstruction cuenta con la participación de colaboradores habituales como Koool G Murder (alter ego de Kelly Logsdon), P-Boo (nacido Mike Sawitzke) y la bautizada como The Deconstruction Orchestra & Choir.

PAU NAVARRA

LUIS BENAVIDES

FLASHBACK Flashback

(AUTOEDITADO) PUNK ROCK

n enero de 2016 los asturianos F.Side ponían punto final a su carrera dejando tras de sí un recorrido de más de diez años, dos discos y una gira suramericana. No obstante, su amor incondicional por el hardcore melódico sigue latiendo demasiado fuerte como para que algunos de sus componentes abandonen las ganas de seguir haciendo ruido. Es el caso de Tiby y Mawy, quienes no tardaron demasiado en sumar fuerzas junto a Tomi, Jose y Fon, procedentes de The Rises, All My Fault y Redada, y que un año

después de su fundación nos presentan su primer disco homónimo. Con Bad Religion, Pennywise y Rise Against como principales influencias, no es demasiado complicado imaginarse los derroteros por los que transitan estas nuevas composiciones, ya que en realidad podríamos decir que recogen el testigo justo donde lo dejaron F.Side. Esto significa que nos vamos a encontrar ritmos de tupa-tupa a destajo, coros melódicos de la vieja escuela californiana y riffs de tres acordes sin mayores complicaciones. La temática de sus letras gira en torno a la denuncia de la corrupción política (‘Carroñeros’), la autosuperación personal (‘Otra Realidad’) o la crítica al conformismo de la sociedad y el consumismo (‘Mucho Por Hacer’, ‘Fin De Mes’). Nada nuevo que no hayamos escuchado miles de veces, aunque consiguen firmar algún tema bastante logrado como ‘Depende De Ti’ y la cover final del ‘Sister Golden Hair’ de America al más puro estilo Me First And The Gimme Gimmes tiene su encanto. GONZALO PUEBLA

THE LAST GANG

Keep Them Counting (FAT WRECK CHORDS) PUNK ROCK

f inales del pasado año, Fat Wreck anunciaba el fichaje de los californianos The Last Gang y la publicación de un 7’’, Sing For Your Supper, con dos temas a modo de aperitivo. Unos pocos meses después lanzan el presente Keem Them Counting, su esperado largo debut. La historia de la banda fundada por la cantante y guitarra Brenna Red, aunque intermitente, se remonta a 2004. A pesar de los constantes cambios de formación y de dejarlo en un par de ocasiones, The Last Gang han publicado un puñado

de meritorias referencias de manera totalmente DIY. Siempre fueron por libre, hasta que se cruzó Cameron Webb (NoFx, Alkaline Trio) en su camino. El solicitadísimo productor se quedó prendado de su ultramelódica revisión del punk del 77 y les ofreció grabar en sus estudios. La voz rasgada de Brenna puede recordar a la jefa Brody Dalle de The Distillers en ciertos momentos (escuchad ‘Strange Fruit’ y ‘Karla’), pero instrumentalmente estos chavales de la mítica escena de Orange County están más cerca de los Rancid más fiesteros (‘Sing For Your Supper’, ’Blood Drunk’, ‘Identity’). Aunque la mano de Webb es evidente si comparamos este Keep Them Counting con sus trabajos previos (Save Ferris y No Doubt matarían por sacar ahora una pieza de ska pop como ‘Salvation For Wolves’), The Last Gang no han perdido ni una pizca de fuerza o credibilidad. Ni demasiado producido ni demasiado sucio; en Keep Them Counting están en su punto. Muy recomendable. LUIS BENAVIDES

E KOP

Revolta (ROCK DE KASBA) CROSSOVER METAL

s en los tiempos más oscuros cuando surgen las alianzas más insospechadas, y así, gracias a su unión con los hermanos Garcia, Santi y Víctor, KOP han logrado el mejor sonido que les recuerdo. Pero no sólo hay que alabar esta producción, porque sin el toque mucho más punk rocker de sus nuevas composiciones, esta apuesta por la sinceridad sónica no habría cuajado del todo. Juanra y compañía mandan a la mierda a esta nueva corriente de artistas que sostiene que no necesariamente uno crea mejores discos desde el dolor o la rabia, pues es precisamente fruto de la aberrante ofensiva represiva que el Estado autoritario español está lanzando contra Catalunya que ellos han sacado lo mejor de sí mismos. ‘Revolta’ te traslada instantáneamente al universo KOP, pero pronto

D DEAD BRONCO

Driven By Frustration (ROOTS UNION) ROCK AMERICANO

ead Bronco estaban muy bien considerados y perfectamente establecidos en ese outlaw country del que fueron pioneros aquí. Por eso, pocos entendimos que tras un trabajo tan sólido como Bedriden Hellbound, decidieran dejarlo. Pero Matt Horan, cantante y alma del combo, es un culo inquieto. Rehízo la banda, compuso un nuevo repertorio a todo trapo y ha conseguido grabar un nuevo trabajo que ha sorprendido a todo el mundo. El country sigue estando muy presente, pero bien diluido entre arrebatos de punk, de

su coro melódico te muestra que esta vez las cosas irán por otros derroteros… Marta de The Capaces, Pimen de Milenrama, Momo de Violets, Triki de Los Tronchos y Carla Uyn son las protagonistas de ‘3 Voltes Rebels’, un alegato feminista más que necesario que recupera su vena nu metal sobre una base netamente punk, como en ‘Rosa De Foc’, y tras ella llegamos a la que, para mí, es la pieza más redonda: ‘Ingovernables’.

La aportación de Hodei de Arkada Social le queda de vicio, y sin apenas metal consiguen hincharte el pecho al seguir de pie pese a sus delitos inventados, porrazos y terrorismo uniformado. Como suele pasar con los EPs, el ‘problema’ es que Revolta son sólo seis temas… 20 minutos más de música y quizás KOP habrían logrado su obra más completa desde Internacionalista.

psychobilly, de metal, de bluegrass montañés y de un oscuro hillbilly que dotan al disco de una personalidad tan heterogénea como retorcida. Un auténtico amasijo de música de raíces que viene del País Vasco, pero que bien podría proceder de algún pueblucho del profundo Sur americano. El futuro no hace tanto tan incierto se les presume ahora esplendoroso, fichados por Roots Union, inmersos en una larga gira europea, está además confirmada su presencia en el Muddy Root Music Festival yanqui... era por tanto menester que no fallaran con su

nueva colección de temas, y os puedo jurar que no lo han hecho. Desde los aires tradicionales de la deliciosa ‘Floating Down River’ hasta el ataque punk contra violadores y demás chusma de ‘Scumbag’, los temas van hilvanándose de manera perfecta sonando igual de poderosos en cosas tan suicidas como ‘I Hate You’ o ‘Devil’s Road’, tan sumamente tenebrosas como ‘Driven By Frustration’ o tan luminosas como ‘Miss Carriage’. El señor Horan se ha inventado una nueva etiqueta para definirlos: ‘sludge americana’. Pues no va nada desencaminado...

PAU NAVARRA

ANDRÉS MARTÍNEZ

THE NEW PROJECT Humans

(AUTOEDITADO) ROCK ALTERNATIVO

s cierto que cada vez cuesta menos nombrar buenos estudios y sellos independientes con los que trabajar aquí, pero aun con todo, todavía hay quienes prefieren guisárselo y comérselo todo ellos solitos, y obteniendo estupendos resultados. Ejemplo de ello son Carlos, Alex y César, quienes a finales de 2015 se decidieron a dar forma una nueva banda bajo el acertado y sencillo nombre de The New Project tras finiquitar sus anteriores andanzas en otros grupos de la capital. Lo primero que llama la atención de su debut es que uno no sabe muy bien si tomarse

Humans como un disco disfrazado de EP o viceversa, porque el contenido de esta media hora queda lejos de ser una mera primera toma de contacto. Escuchando temas tan directos como ‘Alone’, ‘Better’ o ‘Wrong Way’ (dedicado a uno de los garitos predilectos del barrio de Malasaña), es fácil intuir la importancia que tienen nombres tan recurrentes dentro del mundo alternativo como Biffy Clyro o los primeros Muse en su manera de entender la música. Pero estos chicos no se conforman con recrear lo que hacen sus ídolos, sino que saben trabajar bien cada canción con interesantes arreglos y buenos desarrollos que suelen culminar en potentes riffs. Su lado más melódico florece en ocasiones como la sentida ‘Thanks To You’, siempre creando un contraste con juegos entre varias voces para aportar mayor dinamismo. Evidentemente tienen un margen de mejora enorme, pero mostrando semejante colección de ideas, The New Project empiezan su andadura con el pie correcto. GONZALO PUEBLA

GRAVEYARD Back To The Mausoleum (WAR ANTHEM) DEATH METAL

l espíritu que embarga Back To The Mausoleum, el nuevo EP de nuestros Graveyard, debería reinar en cualquier lanzamiento extremo que se precie. Es el de la autenticidad, el de mirar al pasado mientras se sigue avanzando, y claro, todo ello sin renunciar a los principios fundacionales de un grupo. En su caso, la birra, el death metal, y luego la birra. Así, para celebrar sus diez años de existencia, el combo regresó al House Of Death/ Mountains Of Madness, o lo que es lo mismo, a ese garaje mugriento en las montañas de Castelldefels donde perpetraron su

primera demo Into The Mausoleum. Como en aquella ocasión, este EP fue escrito, ensayado y grabado allí en un tiempo récord, para que luego su guitarrista Javi Félez lo rematara con solos, las voces y demás en sus Moontower Studios. Los catalanes venían de su álbum más barroco y elaborado, …For Thine Is The Darkness, y algo de eso hay en la misteriosa intro ‘Scorched Earth’, el arreglo del inicio de ‘And The Shadow Came’ o la atmósfera de la final ‘An Epiphany Of Retribution’. A través de ‘Craving Cries I Breath’ e ‘In Contemplation’ también demuestran que, ya sea improvisando, borrachos o centrados, lo de parir temazos lo tienen más que integrado en el ADN tras una década en la brecha. Muy fan de la voz de Julkarn, normal que sigan tirando de él para el estudio, y qué decir del currazo que se ha pegado Matt ‘Putrid’ Carr con la portada… Graveyard son una de esas bandas que, si no apoyas, es porque simplemente te corroe la envidia. PAU NAVARRA

LED ZEPPELIN How The West Was Won (ATLANTIC) HARD ROCK

orprendentemente, aun perteneciendo a la era dorada del rock’n’roll, Led Zeppelin no llegaron a tener un doble en directo incontestable como sí tenían otros compañeros de generación. De acuerdo, The Songs Remains The Same tenía momentos de auténtica magia, pero no era representativo de la grandeza de una banda considerada por una amplia mayoría como la mejor de todos los tiempos. Fue el mismo Jimmy Page quien, rebuscando material para la confección del mastodóntico DVD aparecido en 2003, dio con estas cintas pertenecientes

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a sendos conciertos ofrecidos en junio de 1972. No somos pocos los que pensamos en How The West Was Won como el mejor álbum en vivo de su carrera. El repertorio es sencillamente abrumador, y el estado del grupo, inmejorable. En aquellos años no tenían rival -quizás sólo los Who podían competir con ellos-, y lo que aquí se puede escuchar es a una banda reinando por todo lo alto, perfectamente ensamblada y en un estado de gracia total. Todos y cada uno de nosotros tendrá su momento preferido y yo recuerdo perfectamente la impresión causada la primera vez que escuché ese inicio a toda mecha con ‘Inmigrant Song’ y ‘Heartbreaker’, o esos más de 20 minutos de un ‘Danzed And Confused’ absolutamente sublime. Esta reedición no nos trae nada nuevo, pero es igual: aprovechémoslo como una ocasión única para desempolvarlo de nuevo o, mejor aún, redescubrir la magnitud e importancia de unas canciones ya eternas. ANDRÉS MARTÍNEZ

PÁNICO AL MIEDO Formador

(VARIOS SELLOS) DEATH THRASH

s imposible hablar del disco debut de estos catalanes sin mencionar las espléndidas cartas de recomendación que atesora dicho trabajo. Para empezar, la producción y mezclas a cargo de Juan Urteaga (Testament, Machine Head, Exodus…) en California. Seguidamente, la masterización a cargo del gran Jens Bogren (Amon Amarth, Paradise Lost, Kreator…). ¿Más? Pues sí, la colaboración en dos temas de dos miembros de la mítica banda Death como son James Murphy (que también pasó por Obituary y Testament, entre otros) y Bobby Koelble. Y para rematar, por si no fuera

suficiente, han contado con el genial Ed Repka para que les diseñara todo el artwork y la portada. Repka, entre otras muchas cosas, es el responsable de haber creado una de las mascotas más famosas de la historia del metal: Vic Rattlehead de Megadeth. Ante este despliegue de medios un servidor podría lamentar que las expectativas estuvieran demasiado altas y que una vez empezase a sonar la música todo se fuera al traste... Pues no, amiguitos. Todo lo expuesto anteriormente se reafirma y se agranda al escuchar el rodillo sónico que se abate sobre tus oídos cuando arranca el corte que da título al álbum. Golpe a golpe van noqueándote a base de unos riffs poderosos y abrumadores envueltos en un intenso groove que te teletransporta sin pestañear a la época dorada de los Morrisound Studios. Lo que estos animales de Manlleu logran en ‘La Fuente’, ‘Cebos Vivos’ o ‘Asfixiar Con Verbo’ es básicamente que a tu mente vengan bandas como Obituary o Death de una manera nítida. Su futuro se me antoja brillante. ¡Larga vida al Formador! KARLES SASTRE

DEDICACIÓN Demo ‘16 (CRUZADE) HARDCORE

ucho ojo con esta gente que llega desde Buenos Aires y mucho oído a su demo de presentación. Son sólo cuatro temas (el primero, titulado ‘#POGOMALIGNO’, es una instrumental para ir caldeando el pit), pero en poco más de 10 minutos tienen tiempo de sobras para demostrar lo que se traen entre manos: New York hardcore de la nueva escuela que remite a referentes internacionales (Cro-Mags, Expire, Killing Time) o, si buscamos más cerca de casa, a bandas de la escena levantina (Ownfight, Oppugno,

AnneO, Fuerza De Lucha). Lo que me gusta de verdad de esta demo, aparte de que está editada en vinilo por primera vez, es que la voz de Samk se entiende (a pesar de la contundencia sonora de sus tres compañeros), con lo que consiguen trasmitir con claridad su mensaje de superación personal. Por ejemplo, en ‘#EPMEEP’ canta “No necesito suerte, toda mi vida tuve que luchar. Eso me hizo fuerte. Una nueva oportunidad, resurgir, vivir. El pasado se entierra” y en ‘#SOLO (ERRORES)’ nos cuenta que “Abandonarlo todo puede hacerlo cualquiera, pero vivir requiere fuerzas. Yo sigo acá, vivo para arreglar todo lo que hice mal. Los errores son experiencias y las experiencias sirven para sobrevivir”. Verdades como puños y canciones pesadas y metálicas en las que estos argentinos ralentizan los ritmos lo justo para resultar duros sin caer en el tedio ni en el aburrimiento. Buena carta de presentación en formato 7” para estos boludos de Dedicación, a los que seguiré la pista. Yo de ti haría lo mismo. JORDIAN FO

JETBONE

Come Out And Play (BMG) ROCK

a empezamos a estar algo cansados de tanto salvador del rock’n’roll con sabor a refrito de otras épocas. Y que nadie me malinterprete, no tengo nada en contra de las bandas que trabajan su sonido a través de las influencias de los maestros del pasado, pero los buenos resultados han de ser refrendados con buenas canciones. Si no, corres el peligro de ser una fotocopia cutre y sin gracia de algo que décadas atrás sí que fue brillante. Los suecos Jetbone se me antojan prometedores, pero muy poco originales. Cuando suenan a Stones, parecen clones. Cuando

se meten en la piel de Faces, lo mismo, y cuando pretenden desmarcarse con algo más moderno, se quedan en un terreno de nadie que seguramente tirará para atrás a cualquier fan del classic rock, ése del que pretenden ser abanderados. Una vez recuperados de ese simplón single con aires a los Primal Scream más stonianos con el que abren, nos estampan ‘Are Yoy Ready?’, otro de esos cortes comerciales con estribillo enganchoso pero falto de sustancia. Quizás el súper contrato firmado con Sony tenga algo que ver, porque en su debut sonaban mucho más orgánicos y convincentes, mientras que ahora se muestran terriblemente previsibles y con exceso de azúcar. Tan sólo cuando se dejan de tonterías y van directos al grano consiguen algo positivo. ‘Chickadee’ por ejemplo suena robusta y contundente, y en ‘Don’t Hold Me Back’ se dejan llevar con ese rock sencillo y festivo que no cambiará el mundo, pero que es capaz de ponerte del revés un viernes noche. Poca cosa para tanto bombo. ANDRÉS MARTÍNEZ

FEST

diseño: ponlo.es

MAYO 2018

22:30

6€|8€

EL ALTAR DEL HOLOCAUSTO

LOS MAJUELOS DJ´S AQUÍ TE PUEDES RENDIR DJ’S 10 € | 12 €

22:30

AATHMA TRONO DE SANGRE BONES OF MINERVA 15 € | 18 €

22:30

HAMLET SINAIA AGAINST THE WAVES

WURLITZER BALLROOM C/TRES CRUCES 12 VENTA DE ENTRADAS:

AT THE GATES

To Drink From The Night Itself (CENTURY MEDIA) DEATH METAL MELÓDICO

ensándolo en perspectiva, el regreso discográfico en 2014 de At The Gates, después de 19 años de silencio, con At War With Reality fue un pequeño milagro. Era difícil imaginar que, tras tanto tiempo, la banda pudiese ofrecer algo que no empañase su propio legado, pero la formación sueca lo consiguió. En teoría ofrecer una digna continuación debería haber sido relativamente fácil, pero en esta vida nada lo es, y el segundo álbum tras su retorno, llega marcado por la salida del grupo del guitarrista Anders Bjöler, uno de sus fundadores y compositores principales.

74 88

Pero si algo debería tranquilizar a sus fans es la buena labor ejercida por el vocalista Tomas Lindberg en su otra banda The Lurking Fear, en la que también milita el batería Adrian Erlandsson, y de la cual han fichado al guitarrista Jonas Stalhammar. Su debut fue todo un viaje a sus raíces death metaleras, y si bien el elemento melódico está más presente en At The Gates, algo de aquello ha quedado. To Drink From The Night Itself suena más producido que aquél, pero al contrario que In Flames, la banda no hace concesiones para intentar llegar a más público. Los riffs son pesados, el groove, poderoso, y Lindberg canta con mala leche, incluso con alguna cadencia hardcore. Es en sus característicos fraseos de guitarra donde reside el único aspecto ‘amable’ de sus canciones. Trallazos como ‘Palace Of Lepers’ o ‘Seas Of Starvation’ son letales, pero incluso cuando bajan un poco el ritmo, como en ‘Daggers Of Black Haze’ o ‘The Colours Of The Beast’, siguen sonando devastadores. DAVID GARCELL

KYLE CRAFT

Full Circle Nightmare (SUB POP/POPSTOCK!) ROCK

rreverente, malcarado y con un ácido sentido del humor, este joven de Louisiana nos robó el corazón con un debut tan robusto como Doll Of Highland (2016) donde rememoraba los tiempos del glam fusionándolos con el carácter del Dylan más guerrero. Su vuelta, lo confirma como uno de los artistas más interesantes del panorama actual. El tipo tiene un talento especial para componer y lo mismo escribe una melodía que se te pega como una lapa que un texto cargado de fina ironía, es el compositor total, porque como él mismo sentencia: “Que adore el glam rock y las estructuras sencillas, no

quita que no pueda ser capaz de escribir buenas letras. De hecho, creo que como letrista tengo una responsabilidad con mi público y le doy la misma importancia a lo que canto que a lo que toco”. Escuchando el tema de apertura, ‘Fever Dream Girl’, nos viene a la cabeza el espíritu de Marc Bolan con ese riff matador y esa melodía embaucadora, pero el paso adelante ha sido tan grande que nuestro hombre no sólo se ha quedado en su pop cristalino con aires glitter. En ‘Exile Rag’, por ejemplo, se mete en terrenos country y sale airoso gracias de nuevo a esa facilidad para deleitarnos con melodías absolutamente deliciosas. ‘Heartbreak Junky’ también es maravillosa con ese aire a lo Ian Hunter y en ‘Belmont’ se desmelena con uno de esos pepinazos de rock´n´roll garagero con gusto por Faces, Stones o aquellos olvidados Soft Boys. Seguramente no estará entre las listas de lo mejor del año, pero es más que evidente que este será un disco al que recurriremos de manera habitual. Dejad ya el luto por Bowie y descubridlo, os sorprenderá. ANDRÉS MARTÍNEZ

LORDS OF ALTAMONT The Wild Sounds Of Lords Of Altamont (HEAVY PSYCH SOUNDS) ROCK, PSICODELIA

eamos claros, Lords Of Altamont nunca fueron conocidos por grabar discos sólidos. Su empaque se demostraba sobre el escenario donde se convertían en una sucia y diabólica maquina de high energy que transitaba a toda velocidad entre el punk, la psicodelia y el heavy blues de principios de los 70. ¿Discos imprescindibles? Me atrevería a decir que no tenían ninguno, sus canciones eran meras excusas que servían para que destripasen sus instrumentos en aquellas caóticas veladas cargadas de sudor y electricidad. Ahora vuelven después de

unos años de paréntesis y podemos decir que nada ha cambiado. Balazos como ‘Death On The Highway’, ‘Like A Bird’ o ‘Death On The Highway’ funcionarán a las mil maravillas sobre las tablas, pero en el plato de tu estéreo las escucharás con interés un par de veces y rápidamente pasarás a cosas más brillantes. Por favor, que nadie me malinterprete, en ningún caso estoy diciendo que este sea un retorno fallido. El disco si no eres muy exigente, suena que atruena, visceral, salvaje y feroz como pocos, pero sus riffs los hemos escuchado ya muchas veces y apenas existe sorpresa ninguna. De lo que no hay duda es que Jake Cavaliere ha vuelto en plena forma, el tipo se desgañita, y siempre he pensado que su órgano debería tomar más protagonismo entre la maraña de guitarras de un Dani Sindaco que toca su SG de una manera ultra maniaca. Hubo quien vio en ellos unos dignos sucesores de aquellos primeros Hellacopters, pero no, lo suyo era mucho más modesto aunque también muy gratificante. ANDRÉS MARTÍNEZ

VUELO 505

No Hay Historias De Fracaso (EL DROMEDARIO) POP ROCK

esde Logroño, y con el apoyo de El Dromedario Records, llegan Vuelo 505 con su segundo álbum bajo el ala. Dos años y medio después de su debut Turbulencias, el cuarteto vuelve con su sonido en el que combinan influencias del pop rock español y el rock clásico británico. Las primeras se aprecian en la voz, para mi gusto excesivamente amable, y las melodías de Rubén González, y una producción muy ortodoxa a cargo de Kolibrí Díaz (Marea) lista para sonar en Rock FM, a lado de

Fito y Los Fitipaldis, Los Rodríguez o La Fuga a los que se acercan en ‘Las Arrugas De Mi Voz’. Las segundas, sobre todo en esos licks de guitarra inspirados en Mark Knopfler y Eric Clapton. Buenos ejemplos de ellos son temas como ‘Me Asustan Las Despedidas’ o ‘Desaprender Lo Aprendido’, con un inicio 100% Dire Straits. No se puede negar que el grupo sabe escribir buenas canciones (‘Fuera De La Pecera’ o la acústica ‘Un Rastro De Migas’), pero es una pena que cuando se meten en terrenos más stonianos como ‘La Ley Del Escaparate’ o ‘Con El Viento A Favor’, con apoyo de teclas y todo, no se atrevan a ser un poco más macarras y sucios. Pero Vuelo 505 optan siempre por la pulcritud. Con una propuesta así, y un single como ‘Una Casa En Ruinas’ en la que cuentan con la colaboración de Pau Donés, Vuelo 505 tanto puede tirarse toda su vida tocando en garitos como petarlo a lo grande y llenar plazas de toros. Así es este país. FERNANDO GÓMEZ

WILD ANIMALS

GRITANDO EN ARMONÍA DESDE LOS SÓTANOS DE MADRID A LOS DE TOKIO, LA MÚSICA DE WILD ANIMALS SIGUE GANANDO ADEPTOS ENTRE QUIENES BUSCAN CANCIONES CON NERVIO Y CORAZÓN. SU NUEVO ÁLBUM THE HOAX ESTÁ REPLETO DE ELLAS. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

HORA MISMO, A JAMIE RUIZ GREEN, VOCALISTA Y GUITARRA DE WILD A N I M A L S , N O L E A P E T E C E escuchar el se-

gundo álbum de la banda, ni de coña. No es que le disguste cómo ha quedado The Hoax (BCore/La Agonía De Vivir), sino que desde que compuso muchas de sus canciones con una acústica en el balcón de su casa, hasta ensayarlas, grabarlas, mezclarlas y masterizarlas, las ha oído tantas veces que está saturado. Entiendo su reacción, pero os aseguro que después de haberlo escuchado tropecientas veces desde que me mandaran la copia de avance, sigo disfrutando de su perfecta amalgama de energía punk y melodías pop como el primer día. Incluso más.

El trío afincado en Madrid, que completan Fon (bajista) y Paula (batería, voz) -y no al revés, como por error escribí en la reseña del Disco del Mes, en el anterior número- han creado la perfecta continuación a Basements: Music To Fight Hypocrisy aparecido hace un par de años. Su debut les llevó a tocar en un montón de sitios y a conocer un montón de gente, experiencias y amistades que pueblan los versos de sus nuevos temas. Si nada falla, para el tercero, o el próximo de Jamie 4 President, su otra banda, Jamie todavía va a tener muchas más cosas que contar. Aunque como queda claro durante nuestra charla, la magia de Wild Animals es, indiscutiblemente, cosa de tres. Por curiosidad, ¿cómo acabasteis Paula, Fon y tú tocando juntos? JAMIE RUIZ GREEN “Paula y yo nos

conocemos de hace bastantes años de Málaga. Yo tenía una banda que se llamaba Notes To Myself, en la que tocaba Pablo, el batería de Jamie 4 President, y que es el primo de Paula. Ella es más joven que nosotros, pero llegó un momento en el que montó un grupo que se llamaba Allfits del palo nuestro y dimos bastantes bolos juntos. Ella se mudó a Madrid más o menos el mismo año que nosotros, y a través de esto conocí a Fon. Y por allá 2014, ellos dos querían hacer un grupo con influencias 90’s y tal, Paula me lo propuso y quedamos para ensayar. Y el primer día hicimos un tema, ‘Weird Faces’, que está en el primer EP… Y de ahí hasta ahora (risas)”. O sea que, a nivel musical, fue

un amor a primera vista.

“Sí. Yo con Paula compartía gustos, pero nunca había tocado con ella. Y a Fon le asociaba más con el hardcore y el screamo, que es lo que saca con su sello (La Agonía De Vivir -ndr.), pero también le gustan cosas más indies. Quizá de ahí salió la mezcla”. ¿Os sorprendió la repercusión

que sacamos, con el fin de salir a tocar. Después de eso, decidimos dar un pasito más y grabar con Santi (Garcia), que nos había escrito porque le había llegado el EP y le había gustado. Sacamos Basements y empezamos a tocar a muerte. La verdad es que nunca pensamos en si iba a tener o no repercusión. Simplemente fuimos tocando y vimos que gustaba”.

que tuvo Basements y las oportunidades que os salieron?

Y de cara a The Hoax, ¿el plan-

“Cuando hicimos el grupo todos teníamos claro que queríamos tocar a saco. El primer EP lo grabamos cuando llevábamos apenas seis meses, con los siete primeros temas

teamiento fue el mismo de grabar cuando tuvierais suficientes temas para un disco o hubo un poco más de criba?

“Para mí hay una diferencia clara

dado, pero quizás también es más excitante empezar de cero y no saber cómo acabará.

“Las dos cosas tienen sus pros y sus contras. A mí me mola el no saber por dónde van a salir las cosas. Con Basements era la primera vez que grababa con Santi, pero me imaginaba más o menos que iba a sonar así. Pero en éste nos llevamos más sorpresas. Igual canciones que tú no veías destacables, destacan, y otras que pensabas que iban a ser el hit, casi no entran en el disco”. ¿Cuál sería la que más te ha sorprendido para bien?

“NO QUEREMOS SER FUGAZI, PERO TAMPOCO UN GRUPO QUE VENDA SU ALMA AL DIABLO” JAMIE RUIZ GREEN

entre Basements y The Hoax: en Basements todas las canciones las habíamos tocado en directo antes de ir a grabar y teníamos claro el orden y todo. Para el nuevo, igual suena raro, pero había algo más de presión porque Basements lo había escuchado algo de peña y había que hacer un disco guay (risas). Y esta vez antes de ir a grabar con Santi sólo habíamos tocado tres temas como mucho. Hicimos un montón de canciones, hay ideas que se quedaron en el camino, hay un par temas que se quedaron fuera que van a ir a un split que sacará Fon con La Agonía De Vivir. Que por cierto, el tema que se llama ‘The Hoax’ no

está en el disco, que es un hoax en sí, un poco de cachondeo (risas). Creo que nos hemos currado un poco más las composiciones, los arreglos, pensamos más en harmonías de voz. Grabamos la batería en Cal Pau, buscando un sonido más abierto. Quizá ha estado todo más pensado, sin salir de lo que es guitarra, bajo y batería, porque no hay ningún otro elemento, no hay teclado… Por eso igual las canciones de Basements son más rápidas porque íbamos con el chip del directo y éstas son un pelín más pausadas”. ¿Y es mejor o peor no haberlas tocado antes? Igual vas más ro-

“Pues ‘Science Fiction’, que la hemos sacado de primer single. En la primera etapa de composición la llamábamos ‘La Samiam’ por el riff (risas). A Paula no le convencía el tema, hasta que cerramos el estribillo y metimos el cambio. A mí me molaba, pero era una más. Pero Santi, que nos había pedido una demo, ni que fuera cutre grabada en el local, se acordaba de ella. A él le había llamado la atención e iba a fuego con ‘Science Fiction’ para que fuera el single”. ¿El disco de Jamie 4 President lo habías ya terminado cuando os pusisteis con The Hoax o fueron procesos en paralelo?

“No, ya lo había terminado. El disco de Jamie, fuimos a grabarlo Pablo y yo en septiembre de 2016 y salió en septiembre de 2017. Ese capítulo de composición ya lo había cerrado y me centré en el nuevo de Wild Animals. Lo que me pilló de lleno fue de conciertos con Jamie”.

¿Y te es fácil cambiar de chip de una banda a otra?

“(Risas) Hay pocas veces en las que he dudado. Pero de ‘Elevator Boy’ de Basements hice dos versiones al principio, una más medio tiempo que podía encajar con Jamie, y una más punk que hicimos con Wild Animals. De hecho, grabando The Heartbreak Campaign, Pablo y yo grabamos una versión de ‘Elevator Boy’, con un cambio muy Weezer en medio que no está en la otra, pero había algo que no funcionaba y al final Santi dijo ‘mira tío, es que es la misma puta canción’ (Risas), y al final se quedó fuera. Pero sé más o menos lo que puede ir para uno y para otro. Y además están Paula y Fon, que también guían el camino”. Una de las cosas que más me han gustado de The Hoax son las letras. Pero por un lado parecen muy pensadas, y por otro completamente espontáneas. ¿Cuál es tu método?

“Pues has dado en el clavo. Las letras las hacemos entre los tres. En éste sólo hay una que hizo Fon entera, en la que luego yo sólo le corregí algunas cosas, que es la de ‘Connection’. A ellos les mola involucrarse en las letras y además, tienen cierto rollo político que a mí no me resulta tan fácil porque me puede oler a Rage Against The Machine (risas), que no es malo, pero a mí de natural me salen otras cosas. Lo que normalmente hacemos es sentarnos con la melodía hecha y la estructura básica y plantearnos de qué queremos hablar. Lo que más nos cuesta es empezar, pero una vez tenemos la primera frase, luego va rodado. En-

tonces a partir de una idea clara, somos más espontáneos. Sobre todo, las más fáciles son las que salen a partir de experiencias que hemos vivido como ‘All My Friends Are Far Away’ o ‘Lost In Translation’, ésas salen casi del tirón. Y hay otras que nos costaron más, y de hecho, dos las acabamos en el piso en Sant Feliu como ‘A Pocket Full Of Fears’ y ‘Screaming In Harmony’”. A través de las canciones se nota que gracias al grupo habéis hecho un montón de amigos. Ya no lo llamaría una escena, sino relaciones personales con gente muy distinta.

“Sí, totalmente. En el DIY del que formamos parte es todo muy cercano y hemos hecho muchos colegas. Ellos te echan un cable, tú les echas otro, y quizá son gente que igual ves una vez al año, pero es una de las cosas positivas de todo eso. El disco va a salir por primera vez en Estados Unidos, a través de un sello DIY de Los Ángeles, y básicamente salió porque hace un año tocamos en un festi en Alemania, donde también tocaba Jeff Rosenstock, y aunque el concierto no salió demasiado bien, al día siguiente nos vino el tío todo flipado de que le había parecido brutal. Mantuvimos el contacto con él y gracias a eso nos echó un cable buscando un sello para editar el disco en Estados Unidos y salió lo de Lauren Records. Le vamos a estar siempre súper agradecidos.”

Myself era guitarrista y hacía segundas voces, quizá cantaba un tema o dos como mucho, pero al final he acabado cantando la mayor parte de los temas en mis otros grupos. Yo creo que le pasa a todo el mundo. Quizá no a los cantantes de puta madre, pero a los demás… Yo por eso antes siempre me doblaba la voz porque pareces menos tú y te quita un poco los fallos. Pero al cabrón de Santi no le gusta, y no me deja. Es guay porque es más puro, pero te cuesta más escucharte. Y a Paula, ni te cuento. A Paula casi la he tenido que hipnotizar para que cante y lo hace de puta madre, pero dice que parece una niña chica, que es una mierda (risas). Para mí debería cantar más, pero poco a poco”. En ‘Everybody Loves You When You’re Dead’ hacéis una referencia a un grupo sin decir el nombre. ¿Es Hüsker Dü? ¿Te inspiró el tema la muerte de Grant Hart?

“Sí, fue por Grant Hart, bien visto (risas). Hüsker Dü es una banda en la que coincidimos los tres. Esa canción era en general sobre los músicos que, aunque no sean para las masas y no tenga la repercusión de un Lemmy o un David Bowie, significan mucho para ti”. También se toca, indirectamente, el tema de la adulación a los artistas, aunque en sus vidas personales puedan ser mala gente. Si por ejemplo descu-

¿Qué es lo que menos te gusta

brieras que Bob Mould es un

de lo que haces una vez escu-

asesino de niños, ¿te dejaría de

chas tus discos?

gustar su música?

“Probablemente la voz. En Notes To

“Ya, es una movida eso. A mí creo

A mí también me chocó porque no conozco a ningún fan de verdad de Cranberries. ‘Never Forget’ me ha parecido la canción más personal. He deducido una relación complicada con tu padre

WILD ANIMALS

que no me ha pasado, pero me imagino que los fans de Lostprophets tienen que haber flipado (risas). Es un ejemplo muy extremo y a mí nunca me gustaron. El tema está claro sobre lo que va. A los tres nos da mucho coraje que cuando se muere alguien, sea quien sea del rock, ves que en las redes sociales enseguida los tratan de genios. Y piensas ‘pero si tú nunca has escuchado a este puto grupo’. Un ejemplo muy claro fue cuando hace poco murió Dolores de Cranberries; salieron fans de Cranberries por todos lados. Nunca le tuve manía al grupo, sólo a ‘Zombie’, pero fue una cosa exagerada”.

señó a tocar el riff de ‘Smoke On The Water’, fue lo primero que aprendí. El segundo párrafo es de Fon. Le dije que me dijera algo guay que hubieran hecho sus padres y que le hubiera marcado. Y me contó que, en un momento económico no muy bueno, le pagaron un viaje a París con su clase. Y el último es de Paula, de cuando iba a un cámping con su madre. Y en el estribillo decimos que los roles cambian conforme te haces mayor”.

o con tu madre, pero no sé si quieres hablar de ello.

Es que al cantarlo todo tú, pa-

“No hay problema. Para mí es más fácil hablar de cosas personales, Fon suele ser más político y Paula está más en medio. Ésa es un poco la dinámica del grupo. Fon y yo nos llevamos de puta madre, pero Paula es el pegamento. En este tema en concreto Paula quería hablar sobre cómo va cambiando la relación con tus padres, ellos cuidaron de ti y luego tú poco a poco tienes que ir cuidando de ellos. Ésta nos costó un poco empezarla, pero decidimos que lo mejor era que cada uno se llevase un párrafo y luego que el estribillo fuera más general. El primero es básicamente mi experiencia porque mi madre me compró mi primera guitarra y mi padre me en-

rece que todo sea tu historia, y pensé que ahí había mucha miga.

“(Risas) Es lo suyo, que parezca creíble”. Aunque venís del mundo DIY, potencialmente vuestra música podría gustar a un montón de gente. ¿Os gustaría que el grupo creciese aunque significara meteros en un circuito menos under-

ground o queréis preservar eso a toda costa?

“Evidentemente nos gusta este círculo, nos sentimos cómodos, y creemos que defiende valores muy guays. Personalmente, cuando me he acercado un poco, ya no al

mainstream, sino al indie español, he visto cosas que me echan para atrás. Hay mucho postureo, mucho vender humo, y no me gusta. Pero a la vez, no tenemos ningún problema en llegar a más gente. El que diga que no quiere llegar a más gente es mentira, porque ¿para qué haces música? Nosotros empezamos a sacar discos con BCore, que aunque sea una indie, funciona un poco como un negocio en algún aspecto, es un sello legit, digamos. Y si nos proponen tocar en el Primavera Sound, tocaríamos. Pero hay otras cosas que no nos molan demasiado como tocar en sitios patrocinados por marcas que no nos gustan. Si podemos elegir entre hacerlo y no hacerlo, es guay. Paula es muy fan de Sleater-Kinney, y lo puso de ejemplo de grupo que toca en todos lados, en el programa de Letterman, en todos los festis, pero han mantenido su espíritu y su credibilidad indie. Con eso quiero decir que no queremos ser Fugazi, pero tampoco un grupo que venda su alma al diablo”.

VIVEN

N A R G A L A Í S E V A R T

AL IGUAL QUE MUCHAS DE LAS GRANDES PRODUCCIONES CINEMATOGRÁFICAS, VIVEN HAN APOSTADO POR UNA PRECUELA PARA DAR CONTINUIDAD A UN FANTÁSTICO PRIMER TRABAJO COMO LO FUE EL SOLITARIO. LA ÚNICA DIFERENCIA CON RESPECTO A LA MAYORÍA DE PELÍCULAS QUE NOS LLEGAN DE HOLLYWOOD ES QUE SU SEGUNDO DISCO SÍ ESTÁ A LA ALTURA DE LO ESPERADO. TEXTO: GONZALO PUEBLA FOTOS: ÀLEX MAS

RAÍZ DE L A SEPARACIÓN DE SU ANTERIOR GRUPO,

The Black Rose Road, Rubén (voz y guitarra) y Eloi Martínez (batería), ambos hermanos, pusieron en marcha Viven. Un proyecto que, junto a las incorporaciones de Juli Ferré a la guitarra y Carlos Aranda al bajo, sorprendió a propios y extraños en 2014 con un primer intento tan original como lo fue El Solitario. Aquella obra suponía todo un viaje a golpe de rock alternativo y stoner donde se narraba la historia de un indio nativo americano vagando por el desierto en busca de venganza contra aquéllos que habían destruido su poblado. A la potente base musical se unían instrumentos como el banjo, el dobro, teclados o trompetas, formando un discurso perfectamente articulado y casi inusual para tratarse de un debut. Tras foguearse en una intensa gira durante los siguientes cuatro años donde llegaron a compartir escenario con Minor Empires, Graveyard o Triggerfinger, Viven regresan en 2018 con un nuevo plástico en el que una vez más ponen sobre la mesa toda su ambición. Las Tripas Y El Lodo (coeditado entre varias casas discográficas como The Braves, Pundonor, Radix y Godbox) no sólo mejora lo mostra-

do anteriormente, sino que añade nuevos recursos como el paso al castellano, dotándoles de una mayor épica en la narrativa. Y es que este segundo trabajo, supervisado por el omnipresente Santi Garcia, nos cuenta la historia previa a El Solitario. Un salto atrás en el tiempo y, de la misma manera, un paso adelante que Rubén y Carlos tuvieron a bien de comentarnos. ¿Cómo ha sido la grabación de

Las Tripas Y El Lodo? RUBÉN MARTÍNEZ “El Solitario

lo grabamos nosotros mismos en el local y pedimos a Santi Garcia que se encargase de la mezcla y a su hermano Víctor del master. Estamos contentos de cómo suena, pero nos quedamos con la espinita de saber cómo sería encarar la grabación completa con ellos. Y así ha sido. El disco se ha grabado con Santi en Ultramarinos Costa Brava salvo las voces, que por una desincronización de calendario las grabamos con Jorge Mur en Ax Studio. Para la mezcla y el master repetimos la fórmula de El Solitario”.

una opción que nunca había descartado y que siempre había mirado con una mezcla de inquietud y recelo. Ya para El Solitario me lo planteé, pero imagino que en ese momento no fui lo suficientemente valiente. Dar el paso a cantar en la lengua en la que todos tus conocidos van a poder opinar asusta y te hace exponerte mucho más. Después de 15 años acomodado en el inglés he de reconocer que da vértigo. Pese a lo ya dicho, la decisión la tomamos con bastante naturalidad. Ya teníamos compuestas cuatro letras en inglés y nos pusimos como objetivo adaptar una y probarla en el local para ver qué sensaciones nos daba y contrariamente a lo esperado, nos flipó. Yo personalmente me sentí súper cómodo cantando ‘Coronas De Laurel’. La suerte estaba echada”. CARLOS ARANDA “La verdad es que a mucha gente cercana a nosotros la idea les impactó, pero en cuanto pudieron escuchar alguna cosa nos dieron la razón, y eso nos dio mucha seguridad”. Pregunta para Rubén: a la hora

Desde el primer momento se

de encarar las melodías del

nota que éste es un trabajo

álbum, ¿el pasar al castellano

completamente diferente al an-

te ha hecho cambiar algo la

terior, empezando por el obvio

manera de cantar? Yo noto que

cambio de idioma. ¿A qué se

aquí hay un estilo más heavy o

debe?

épico, por así decirlo. No sé si

RUBÉN “Cantar en castellano era

me explico...

RUBÉN “El castellano tiene para mí

partir escenario con otras bandas, formar otros proyectos musicales, colaborar en proyectos de amigos, cambiar de trabajo, pareja, amigos... ¿Cómo puede una banda querer sonar igual durante años? ¡Qué aburrimiento, por Dios! No ha habido ninguna decisión en cuanto al tipo de disco que queríamos hacer. Cuando compusimos El Solitario partíamos de unos temas que mi hermano y yo habíamos compuesto en casa, incluso con ideas que habíamos hecho para The Black Rose Road. Para Las Tripas Y El Lodo todo nace del local, con Juli y Carlos aportando desde el principio y haciendo que los temas evolucionen en la cabeza y el estómago de toda la banda. Eso aporta a los temas nuevos colores tanto en estructura como sonoridad”. CARLOS “El Solitario se compuso sin pretender sonar de una u otra forma, y este disco se ha compuesto de la misma manera. Lo que ha cambiado de uno a otro tal vez sea el contexto. Cuando se empezó a gestar El Solitario se hizo con guitarras acústicas, en un ambiente más íntimo. Las Tripas Y El Lodo en cambio se ha construido en el local de ensayo, en un ambiente más ruidoso, en un esfuerzo más colectivo y con alguna cerveza que otra (risas)”.

RUBÉN “Tengo que confesar que

que habéis conservado algunos

Escuchando con atención, he

El Solitario tenía como hilo con-

recursos como eran los arreglos

detectado la voz de Kantz de

ductor la historia de un indio

acústicos. ¿Esta vez queríais

Tenpel, De La Cuna A La Tumba

americano que vagaba a través

alejaros del estar encasillados

y Delobos en el tema ‘Debes

del desierto en busca de ven-

dentro del stoner?

Mandar’. ¿Cómo surgió esta co-

ganza. ¿Es Las Tripas Y El Lodo

RUBÉN “Una banda es en cada mo-

laboración? ¿Hay alguna inter-

otro disco conceptual? Y en caso

mento la suma del crecimiento de sus miembros. Todo influye. Com-

vención más en otras canciones

afirmativo, ¿de qué trata?

del disco?

RUBÉN “Correcto. Las Tripas Y El

algunos factores de complejidad añadidos al inglés. Es un idioma mucho más percutivo, las consonantes son más explosivas y te marcan la métrica de los versos. Además, la longitud de las palabras es mucho mayor en promedio. En inglés suele ser bastante sencillo rellenar un verso con un monosílabo que queda magnífico. En castellano, jódete y reescribe el verso. Este hecho a su vez conlleva que tengas que preocuparte por la sílaba tónica de la palabra. Odio cuando, por meter una palabra en un verso, el cantante se ve obligado a cambiar la tónica de ésta. Es cutre y feo. Respecto a lo que comentas sobre el estilo, tengo que decir que discrepo. No creo que sea más heavy. Desde mi punto de vista creo que tienen un aire bastante más pop que las de El Solitario, pero puede que eso les dé un punto épico nuevo. No sé... Me flipan ABBA. Además, cuando estuvimos trabajando las voces en preproducción, una de las premisas es que no sonasen demasiado rotas salvo en momentos concretos. Creo que de algún modo se ha conseguido”. Otro aspecto que se nota es que

Las Tripas Y El Lodo es un álbum más libre de etiquetas en com-

no lo conocía hasta hace un par de años, que Carlos me pasó el primero trabajo de De La Cuna A La Tumba. No sé dónde he estado todos estos años y por qué tenía la cabeza metida en el culo, pero es así. El disco me flipó y Carlos, que ya seguía a Kantz desde Coilbox y Tenpel, le envió El Solitario y algo de merchandising en plan ‘queremos ser tus amigos’. Habíamos hablado entre nosotros que sería guay tener alguna colaboración en el disco, y Víctor de Ànteros me puso en contacto con Kantz y la cosa salió fácil. A él le gusta participar de manera activa en la composición para colaborar y yo tenía una parte de ‘Debes Mandar’ donde mi mente estaba en blanco, así que le pasé el marrón y me devolvió esa maravilla, de la que al final salió hasta el nombre del tema. Un honor. En ‘Alabarda’ colabora Adam Vives de Soul Aside y Madee echándonos un cable con las segundas voces. Con Soul Aside hicimos un mini tour de dos fechas por Euskadi en 2016 y surgió el amor entre las dos bandas. Desde entonces hemos hecho varias fechas más juntos y solemos vernos a menudo, de manera que la colaboración de Adam era algo que inevitablemente no podía faltar”.

paración con El Solitario, aun-

“UNA BANDA ES EN CADA MOMENTO LA SUMA DEL CRECIMIENTO DE SUS MIEMBROS. TODO INFLUYE” RUBÉN MARTÍNEZ

Lodo es otro disco conceptual que narra la historia previa a El Solitario. Es una precuela. Los conceptos en los que navega la historia son la ambición, la codicia, la ira y el ansia de poder. Planteamos los pensamientos de un personaje únicamente movido por su ascenso y enriquecimiento personal. Tras conseguir llegar a lo más alto, envejece junto a sus demonios y acabará siendo devorado por otros que son quien él mismo fuera en algún momento. En El Solitario hablábamos de un personaje al que

el hombre blanco arrebataba todo lo que tenía y lo obliga a deambular por un infierno en vida. Con Las Tripas Y El Lodo se da la vuelta al concepto. Cada uno nos creamos nuestros infiernos y hemos de vivir con ellos. También hay un mensaje entre líneas de crítica al nuevo mundo que vivimos, a la velocidad, a la divinización corporativa y la falta de criterio y contemplación personal”. CARLOS “Usando también una historia hemos querido dar nuestro punto de vista sobre una vida

que nos ha tocado vivir y con la que no estamos conformes. A fin de cuentas, todo lo que le pasa al protagonista del disco son procesos en los que nos hemos visto involucrados. Y en un mundo en el que el objetivo de los individuos es acaparar poder y dinero cueste lo que cueste, el desenlace sólo puede ser trágico”.

GODSMACK

A PRUEBA DE BALAS COINCIDIENDO CON EL 20 ANIVERSARIO DE SU DEBUT, GODSMACK REAPARECEN CON UN NUEVO ÁLBUM. CON WHEN LEGENDS RISE , LA BANDA DE BOSTON BUSCA OFRECER NUEVOS TRUCOS PARA REJUVENECER SU SONIDO. TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: DR

EGÚN L A MITOLOGÍA GRIEGA , EL AVE FÉNIX ADQUIERE UNA NUEVA VIDA A TRAVÉS DE LEVANTARSE DE L AS

cenizas de su predecesor. En su séptimo álbum, Godsmack han cogido ese concepto para tomar un nuevo impulso tras 23 años de carrera y más de 20 millones de copias vendidas en el camino. Pero antes, Sully Erna (voz, guitarra), Tony Rombola (guitarra), Robbie Merrill (bajo) y Shannon Larkin (batería) decidieron tomarse un descanso tras terminar la gira de su anterior álbum 1000hp. Durante ese

tiempo, Erna publicó su segundo disco en solitario, mientras Rombola y Larkin formaron el proyecto The Apocalypse Blues Revue. Esas aventuras ‘extramatrimoniales’ les animaron a abrirse a trabajar con nuevos colaboradores como John Feldmann (Blink-182, The Used), Erik Ron (Panic! At The Disco, Saosin) o Clint Lowery, guitarrista de Sevendust, una vez se pusieron a confeccionar el séptimo álbum de la banda, y quizá por ello When Legends Rise (Spinefarm) se decanta por su vertiente más comercial, algo que el propio Erna admite que, quizá, les haga perder alguno de sus primeros fans.

“NO QUERÍA HACER OTRA VEZ EL MISMO DISCO PORQUE MI VIDA ESTÁ EN OTRA FASE. YA NO SOY EL CHICO ENFADADO QUE GRABÓ LOS PRIMEROS DISCOS” SULLY ERNA Después de vuestro último disco

1000hp os tomasteis un largo descanso. ¿Crees que era necesario para la supervivencia del grupo? SULLY ERNA “Siempre es bueno

tomarse un respiro y despejar la mente. Y también te ayuda a apreciar más lo que tienes. En un primer momento el plan era sacar el disco el año pasado, pero no quisimos forzar las cosas. Necesitábamos un poco más de tiempo”. ¿El título When Legends Rise debe interpretarse como que os veis a vosotros mismos como unas leyendas?

“No, no, para nada. Me alegro de

102

que lo preguntes porque no quiero que la gente piense que nos las damos de algo que no somos. El título se refiere a tocar fondo y levantarse, como el fénix renaciendo de las cenizas. Es la misma metáfora”. ¿Consideras When Legends Rise un disco de retorno o simplemente otro más de Godsmack?

“Para nosotros es un renacimiento. No nos hemos alejado del todo de lo que es Godsmack, éste sigue siendo un disco de rock duro, pero hemos introducido nuevas cosas, es un poco más melódico y eso lo hace único dentro de nuestra discografía. Creo que nos servirá para

llegar a un público más amplio”. ¿Fuiste tú el que propiciaste esta dirección más melódica?

“No me gusta explicar quién es responsable de cada idea, pero en este caso fui yo el que inició este concepto de abrirnos un poco. No quería hacer otra vez el mismo disco porque mi vida está en otra fase. Ya no soy el chico enfadado que grabó los primeros discos. He evolucionado como persona y también lo he hecho como compositor, así que mi música tiene que reflejar todo eso. Puede ser que este sonido nos haga perder algunos fans, pero seguro que también nos hará ganar de nue-

vos. Si pierdes uno, pero ganas veinte, merece la pena el riesgo”.

“Sí, todo mi trabajo en solitario me ha ayudado a crecer como compositor. No hablo de la música en sí, sino del enfoque como compositor. Cuando hice mi último disco trabajé con músicos que venían del country, del jazz, del blues, y eso hizo que la música fuera muy excitante para mí. Así que intenté incorporar ese enfoque en lo que hacemos con Godsmack y creo que funcionó muy bien”.

por qué cargar con los problemas de los demás. Soy un tío generoso y todo el mundo se me acerca para pedir ayuda, e intento hacerlo, pero al final la mierda de los demás me acaba consumiendo y soy yo el que acaba en la mierda. Tenía que marcar una línea y separarme de toda esa gente que me consumía. Necesitaba liberarme y eso pasaba por no sentirme responsable de todo lo que ocurre en mi entorno. Así que este disco trata sobre hacer limpieza, reconstruirte y convertirte en alguien más fuerte de lo que nunca has sido. Como te he comentado ya antes, es un renacimiento”.

¿Por eso invitasteis a gente

Me imagino que cuando estás

como John Feldmann o Erik Ron

en un grupo de éxito, te salen

a componer con vosotros?

‘amigos’ por todas partes.

“Sí. Son tíos con mucho talento y lo pasé genial trabajando con ellos. Nos divertimos mucho. Escribí ‘When Legends Rise’ con Feldmann y ‘Take It To The Edge’ con Erik Ron. También compusimos con Clint de Sevendust ‘Eye Of The Storm’, así que fue una buena mezcla entre material que traje yo, material de la banda y gente externa”.

“Prefiero no pensar que es así. Para mí simplemente era cuestión de pasar página con ciertas cosas. A veces entras en un círculo vicioso y te estancas intentando solucionar los mismos problemas año tras año. En algún momento, o bien aceptas que tu vida va a ser así siempre, o sueltas lastre y empiezas de cero. Todo el mundo tiene que ser responsable de sus propias vidas y solucionar sus problemas, no puedes esperar que otro lo haga por ti. Pero por suerte, no todo el mundo a mi alrededor es así. Tengo a gente a la que quiero mucho y que conozco desde hace 25 años, pero quería evolucionar y que la gente a mi alrededor hiciera lo mismo, no frenarme”.

¿Crees que hacer tu último álbum en solitario Hometown Life te animó a abrirte también?

Previamente a este álbum pasaste por una intensa ruptura, según tú mismo la has descrito. ¿Dirías que las letras están marcadas por esa circunstancia?

“No fue la ruptura en sí, sino que pasar por eso me hizo abrir los ojos respecto a un montón de cosas, un problema más grande por el que estaba pasando. Necesitaba eliminar toda la negatividad que me rodeaba y sentir que no tenía

de madurez.

“Desde luego. La edad, la experiencia, son básicas para poder madurar”. Háblame del último tema, ‘Eye Of The Storm’. Es una balada, algo poco común en vosotros.

“Como te decía, el disco es sobre renacer, y esa canción es sobre el momento en el que te despiertas y ves que estás inmerso en la tormenta. Tienes que coger fuerzas y tirar adelante para salir de ahí. Es un poco la misma idea de ‘Bulletproof’, tienes que protegerte a ti mismo y resistir por mucho que te arrojen cosas. Las letras son muy metafóricas. Y sí, es una balada bastante épica. La veo como nuestra ‘November Rain’ (risas)”. En ‘Unforgettable’ contáis con un coro de niños. ¿Cómo fue la experiencia de grabar con ellos?

“Fue mi momento favorito de toda la grabación. También es mi canción favorita del disco. Me encanta tratar con niños e intentar ayudarles a que encuentren un buen camino. Yo me crié en la calle y la música fue lo que me sacó de allí, así que poder compartir lo que hago con niños interesados en la música fue genial”. La banda lleva más de veinte años en activo y habéis visto muchos cambios tanto en las tendencias musicales como en la industria. ¿Te sientes afortunado de haber sobrevivido a

Supongo que responsabilizarte

todo eso?

de tus problemas es una señal

“¡Desde luego! Hemos tenido una

103

“SOY UN TÍO GENEROSO Y TODO EL MUNDO SE ME ACERCA PARA PEDIR AYUDA, E INTENTO HACERLO, PERO AL FINAL LA MIERDA DE LOS DEMÁS ME ACABA CONSUMIENDO Y SOY YO EL QUE ACABA EN LA MIERDA” SULLY ERNA

carrera genial, y si miro atrás, hemos tenido malos momentos, pero la mayoría han sido geniales. No cambiaría nada”. ¿Cuál dirías que ha sido el momento más alto y el más bajo de vuestra carrera?

“Por suerte hemos tenido muchos momentos altos (risas). Quizá el más alto sea ahora, porque des-

104

pués de veinte años hay gente a la que le sigue importando esta banda. También cuando sacamos nuestro primer álbum fue un momento álgido. O la gira mundial que hicimos con Metallica. Y quizá los más bajos fueron cuando la banda se estaba autodestruyendo por culpa de las drogas, el alcohol, los egos… estuvimos muy cerca de separarnos. Fueron momentos

terroríficos, la verdad”. Parece que todo gran grupo pasa por ese momento de crisis en que está a punto de desaparecer. ¿Crees que es una parte inevitable? ¿El éxito lo distorsiona todo?

“Es lo mismo que un matrimonio, pero con otras tres personas. Tienes que lidiar con pasar de ser

adaptarte y aprender a tolerarte el uno al otro y quererte. Saber diferenciar las cosas que no son importantes de las que lo son y darte cuenta que lo más importante es la relación y el amor y el respeto que te tienes”.

que la gente tenga que llegar a esos extremos y desaparezca de nuestras vidas sin haber podido dar todo lo que podían. Pero no conozco sus circunstancias”. Antes mencionabas vuestra gira con Metallica, que hicisteis en

Hablando de eso, ¿cómo te

2004. ¿Fue importante para vo-

ha afectado estar en el grupo

sotros en ese momento tener su

a la hora de relacionarte con

respaldo? Porque mucha gente

mujeres? ¿Te has llegado a

os criticaba precisamente por

preguntar si estaban contigo

sonar demasiado a Metallica…

por ti o sólo porque eras el

“Es difícil. Tener una relación es la parte más difícil de estar en un grupo. Supongo que a los actores y las actrices les pasa lo mismo, o a la gente que viaja mucho y está mucho tiempo fuera de casa. Necesitas a una persona que esté dispuesta a aceptar tu estilo de vida, y tú también tienes que demostrar que eres leal y que se puede confiar en ti. Para que funcione, las dos partes tienen que trabajar duro”.

“Sí, fue importante. Pero nunca intentamos copiar a Metallica. Yo nací con esta voz y a veces suena muy parecida a la de James Hetfield, por la fuerza y algunas cosas características. Pero es la voz que me dio Dios, nunca intenté imitarle. Entiendo que se nos comparara, pero hay mucha gente peor a la que te comparen (risas). Girar con ellos y que el propio James Hetfield viniera al camerino para felicitarnos por habernos ganado cada noche a su público fue genial. Fue fantástico tener su apoyo”.

Supongo que hay muchas ten-

Desde 2014, el 6 de agosto es

taciones…

oficialmente el Día de Gods-

cantante de Godsmack?

una persona normal a ser alguien bajo los focos y todas las responsabilidades que conlleva. Eso te puede alterar la mente. Tienes que ajustarte y aprender. Y al igual que un matrimonio, hay baches y dificultades. Puedes casarte con una tía que esté súper buena, y te vas a vivir con ella, pero llega un día en que te molesta que no tape la pasta de dientes (risas). Tienes que

“Sí, pero más que las tentaciones, es una cuestión de confianza. Necesitas tener valores y tener muy claro cuál es tu compromiso. Si no, es imposible”. Cuando ocurre alguna tragedia como la de Chester Bennington o Chris Cornell, ¿lo ves como

mack en Boston. ¿Cómo se celebra? ¿Os invitan a una recepción en el ayuntamiento o cómo va?

“Ese día es simplemente una manera de reconocer nuestros logros. Pero te aseguro que no me han retirado ninguna multa gracias a eso (risas)”.

una señal de alarma para ti mismo?

“Ya, ya… Para mí es simplemente triste. Algunos de esos tíos eran amigos nuestros. Es una pena 105

BALMOG

A L B E I N LA

EN VACVVM , BALMOG NOS ARROJAN A LA NADA DE UNA FORMA MAGISTRAL, DEMOSTRANDO POR QUÉ SON UNA DE NUESTRAS BANDAS EXTREMAS MÁS APLAUDIDAS DENTRO Y FUERA DEL ESTADO. RASGAMOS SU MANTO DE TINIEBLA PARA QUE NOS EXPLIQUEN CÓMO HAN CREADO UNA OBRA TAN PORTENTOSA Y CUÁLES SON LOS PRINCIPIOS QUE LES ALIMENTAN. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

L TÓPICO DE ESA GALIZA GRIS DONDE PUEDES PASAR

semanas sin ver el sol, postrado ante la pesadumbre que dicta un techo de nubes impenetrable que va rociando la tierra de las meigas cuando se le antoja, puede llegar a ser realmente cargante para las formaciones de allí, pero sigue siendo bastante ilustrativo para que los demás tratemos de dar explicación a por qué formaciones como los históricos Xerión, Lóstregos, Marthyrium u obviamente Balmog, suenan como suenan. El cantante y guitarrista Balc, que es integrante de estas dos últimas, seguro que está harto de contestar entrevistas donde se le pregunta sobre ello, pero para los forasteros, no deja de ser recurrente el tratar de comparar su fastidioso clima con la hermosa tormenta que junto a Morg (bajo) y Virus (batería) son capaces de enarbolar bajo la bandera de Balmog. Donde todos estaremos de acuerdo es en encumbrar a su nuevo álbum Vacvvm como a una de las mejores piezas de black metal que hayan salido de este país, algo que, sumado al intratable nivel en directo de los de Soutomaior, les convierte en un referente obligado para cualquier fan del black más genuino. Ya es imposible hablar de lo mejor que se esté fraguando en

estos momentos dentro del estilo sin que el nombre de Balmog salga rápidamente a la palestra. Tras 15 años en la brecha, parece que por fin Balmog tienen el reconocimiento que se merecen, pero ha costado lo suyo… ¿A qué lo achacas? También es cierto que vuestro primer álbum no llegó hasta 2012… BALC “Mmm… No sé si tenemos el

reconocimiento o no que merecemos, realmente me cuesta mucho saber qué estatus tenemos a día de hoy, supongo que en parte debido a que en estos años todo ha ido hacia adelante pero a un paso aceptable. En las últimas semanas me han llegado comentarios de gente conocida en el que nos dan la enhorabuena por lo que le está sucediendo a la banda y la repercusión que está teniendo, pero sinceramente, más allá de un aumento del trabajo, no hay un cambio sustancial, algo que por otro lado nos gusta. Continuamos siendo una banda asentada en los principios del underground y con un funcionamiento basado en esas ideas, nada ha cambiado en cuanto a este punto. No nos estamos haciendo de oro, seguimos montando nuestras propias giras, haciendo de tour managers, runners, bookers, dealers, haciendo kilómetros, olien-

do mal, con resacas infinitas encima, durmiendo noches encima del propio escenario… Está claro que ahora es un pelín más fácil todo debido a que hay más gente siguiéndonos, pero todo esto ha sido fruto del curro que nos hemos pegado durante muchos años, de haber hecho intercambios, de montar bolos a otras bandas, escribir miles de líneas para zines, webzines y revistas, pegarnos kilometradas espectaculares y cumplir como cabrones delante de los promotores… eso es Balmog. Nos hemos labrado una imagen de grupo serio, profesional, a pesar de no ser profesionales, y ser sobre todo honestos. Con toda sinceridad, creo que en cada momento Balmog ha merecido lo que obtuvo, ni más ni menos. Las cosas podrían haber salido mejor si hubiésemos obrado de otro modo en algún momento, pero también podrían haber salido peor. Nos gusta el camino que hemos seguido y nos sentimos cómodos y orgullosos del momento en el que está la banda”. Para Vacvvm se han repartido los formatos el sello alemán War Anthem Records y el madrileño BlackSeed Productions. Igual no os gusta que se sepa, pero sé que ya para el anterior podríais haber fichado por War Anthem y 107

“NUNCA PAGAREMOS POR ENTRAR EN UN FESTIVAL O TOUR, PREFERIMOS GASTAR ESA PASTA EN DROGAS, ALCOHOL Y DISCOS” BALC

os mantuvisteis firmes en vuestro acuerdo con BlackSeed. Seguro que no queréis alardear de ello, pero me parece interesante que se sepa que aún existen bandas con sentido de la lealtad, que no se les va la cabeza por intentar subir un peldaño más.

“No pasa nada, se puede desvelar, ya ha pasado el tiempo, así que no es algo que nos preocupe. Cuando grabamos Svmma Fide movimos el material por varios sellos, BlackSeed era obviamente una opción ya que habíamos trabajado con ellos en la edición en CD del primer álbum, así que sabíamos cómo trabajaban y la absoluta devoción que tenían hacia la banda. Nos gustaron sus condiciones y aceptamos la edición de ese álbum por el sello tanto en vinilo como en CD. Poco después llegó una posible oferta de War Anthem que sobre todo nos abriría puertas a muchas cosas, pero decidimos rechazarla. Lo que nos va a quedar después de que esta puta mierda 108

de bestia desaparezca será la honestidad, y no quisimos renunciar a ella. Teníamos un acuerdo verbal con BlackSeed, era nuestra palabra, y eso estaba por encima de todo. Hemos hecho alguna más de éstas con las que cualquier banda se llevaría las manos a la cabeza, pero es en lo que creemos. Sin esto, no nos queda nada. Probablemente los tiempos se hubiesen acelerado para el grupo en muchos aspectos si hubiésemos tomado determinadas decisiones, pero es lo que hay. Si tuviésemos mánager, nos mataría”. Sois ya unos habituales en los escenarios europeos, el pasado año incluso tocasteis en el festival Under The Black Sun. Imagino que con War Anthem detrás, y lo más importante, su campaña de promo, ese interés habrá ido en aumento… ¿Habéis notado algo de eso?

“Mira, aquí nadie da nada por nada. Lo cierto es que para nosotros es

algo más fácil encontrar conciertos, pero Balmog estamos a día de hoy trabajando sin agencia o apoyo de management, y así es realmente complicado entrar en determinados circuitos como tours o festivales, ésa es la realidad. A día de hoy hay bandas españolas y del resto de Europa que están pagando a promotores para entrar en giras y festivales. Si haces cálculos, hasta es probable que a esas bandas les salga a cuenta cubriendo pasta con merch, pero joder, es que a nosotros no se nos pasa por la puta cabeza, tío. Nunca pagaremos por entrar en un festival o tour, preferimos gastar esa pasta en drogas, alcohol y discos. Supongo que así nos va. Creo que ahora mismo estamos en un punto en el que nos tomamos la banda de un modo absolutamente profesional en el sentido de cumplir lo que acordamos y en cómo estamos manejando internamente la banda, pero al mismo tiempo, nos gusta seguir con ese vínculo con el underground, mante-

ner ciertos principios y no claudicar ante la golosina fácil que al final es un puto trozo de mierda. No esperamos que nadie nos vaya a buscar ahora lo que es difícil de conseguir si no entras en determinado juego, pero sí es cierto que ciertas puertas se nos están abriendo, pero ante todo, siempre va a estar el curro que nos peguemos nosotros. Este año tenemos pensado hacer sobre veinte, 30 conciertos, y en casi todos ellos hacemos todo el booking nosotros, así que ya ves, Do It Yourself. Tampoco vamos a negar que la campaña de promoción que está haciendo War Anthem es absolutamente brutal, a un nivel que nunca pensamos que llegaría, y eso también va a hacer que tarde o temprano haya un resultado a nivel de directos, pero bueno, el tiempo dirá”. Vuestro reciente Via Crucis Tour

que ahora mismo hay ciertos focos calientes como Granada, Málaga, Oviedo o Murcia, lugares en donde habitualmente no hay nada y cuando hay algo, la gente se apunta a un bombardeo. Pero es que después tocas en Albacete y metes cien personas, y tocas en Madrid y metes 70, cosa que también sorprende. Galiza, Catalunya y Euskadi, dentro de unos límites, parece que son los lugares que han conseguido asentar algo a lo largo del tiempo, pero por ejemplo pienso en lo que fue Santander y lo que es hoy, y no lo acabo de entender. Quizás el problema de la escena estatal sea éste, el de la imprevisibilidad, y eso es un auténtico peligro si te planteas profesionalizar o semi profesionalizar una banda, ya que te puedes pegar una hostia de cojones. En nuestro caso, actuamos como profesionales pero nos manejamos como putos punks”.

por el Estado junto a Graveyard ha ido la mar de bien… El norte

Javi Bastard de Graveyard,

suele responder ante las buenas

Körgull The Exterminator, Lux

propuestas, pero de la misma

Divina y un largo etcétera fue

forma, ¿crees que algo está cam-

vuestro segundo guitarra en

biando por estos lares, ni que

esta gira… ¿Seguro que no aca-

sea un poquito?

bará siendo el cuarto miembro

“Tengo una sensación contradictoria. Por un lado, tours como éste te hacen pensar que la cosa funciona, hemos metido unas 500 personas en cinco días en ciudades medianas, pequeñas e incluso pueblos, así que no está nada mal. La respuesta ha sido fantástica. Pero al mismo tiempo, veo que no hay un relevo generacional en los conciertos y que poco a poco ciudades como Madrid o Barcelona se está quemando mucho, aunque lo cierto es que en nuestro último concierto en Barcelona la cosa salió también genial. Creo

de Balmog? Como tiene pocas bandas, el colega…

“La decisión de que Javi participase en el tour estaba clara. Él nos grabó los dos últimos discos, así que controla perfectamente cómo funciona Balmog, cómo nos movemos y manejamos con los instrumentos, y eso es esencial para tocar en grupo, sobre todo cuando entra un nuevo miembro. Si a esto le añadimos que Javi es un músico soberbio y que además en la furgoneta en la que íbamos Graveyard y Balmog no entraba nadie más, lo explica todo,

¿no? La verdad es que fue muy sencillo trabajar con él, se vino un par de días por Galicia y clavó el setlist. La idea es hacer algún concierto más con él, no renunciar tampoco al trío en determinadas ocasiones y, seguramente, buscar un candidato más próximo. Ya veremos”. En el nuevo álbum hay arreglos y momentos complicados de llevar al directo, como en el caso de la tremenda ‘Hodegetria’ o las cuerdas de ‘Vigil Of The Blinds’… Supongo que ésa es otra de las razones por las que Javi os acompañó sobre las tablas… ¿Erais conscientes de ello mientras componíais o simplemente salió así?

“Muy buena pregunta. Hubo un momento en la composición del disco en la que planteamos esta cuestión, es decir, ¿evitamos arreglos y complicaciones para poder llevar esto al directo o hacemos realmente el disco que tenemos en mente? Obviamente optamos por lo segundo, no quisimos condicionar la composición con este aspecto. Ya Svmma Fide es muy complicado de respetar en directo, pero con Vacvvm aumenta la dificultad, así que bueno, es probable que de un modo u otro, Balmog vaya a tener una formación de cuarteto para el directo en el futuro. Otra curiosidad, y ya estoy destripando demasiado a Balmog, es que muchas de las melodías, incluso diría que la mayoría, fueron compuestas sin una guitarra en la mano. Son melodías creadas primero con la cabeza y trasladadas después al mástil. La idea está bien, pero plantea muchas dificultades a nivel técnico. Hay acordes realmente complicados que 109

“SEGUIMOS A RAJATABLA LOS CLICHÉS DEL VIEJO BLACK Y DEATH METAL, EL PUNK Y HEAVY METAL, ASÍ QUE NO PUEDE FALLAR” BALC

recuerdo que hace año y medio no era capaz de tocar… imagínate tocar y cantar al mismo tiempo. Si a esto le añadimos que las líneas vocales se hacen a posteriori y de forma totalmente independiente a las guitarras, el nivel de complicación que tienen los temas es relativamente alto, o por lo menos, para mí, que prefiero escuchar a Scorpions y hacer solos con la mano izquierda sobre el frío cristal de una botella de Estrella Galicia antes que estar buscando tutoriales en YouTube acerca de cómo mejorar mi técnica. Pero la premisa era básica: no ponernos límites. No sabemos si habrá o no más trabajos de Balmog, así que teníamos que intentar hacerlo lo mejor posible. Desde un punto de vista espiritual era incluso necesario no anclarnos en lo tedioso y abrir y enseñar nuestras capacidades artísticas como una vagina putrefacta”. Escuchando Vacvvm, tengo la sensación de que tenéis tan bien

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integrada vuestra propuesta que todo eso ya os sale de forma natural, esa oscuridad, esas disonancias, esos ecos… No es por desmerecer, pero quizá no os resulta un esfuerzo desmedido crear esos temazos porque sólo os tenéis que dejar ir, sin darle demasiado a la almendra, aunque sin duda habéis ido a mucho más. ¿Estoy en lo cierto?

“Creo que este disco es el más complejo que hemos grabado, pero al mismo tiempo, ha sido el más fácil de componer, es contradictorio pero ha sido así. Pienso que ahora mismo estamos en un punto compositivo perfecto, hemos logrado mezclar la crudeza, la espontaneidad del principio, con cierto nivel de control derivado de la experiencia. De algún modo lo primero está en los riffs y las melodías, mientras que lo segundo está más concentrado en el aspecto compositivo. Curiosamente, es en este último aspecto más

reflexivo en el que realmente nos hemos parado más, la premisa básica ha sido reducir al máximo y evitar complicaciones. Para cualquiera que haya compuesto o creado algo con cierta pretensión artística ha pasado por este punto: ser más sintético y tratar de reducir al máximo lo que tienes en la cabeza, eso es realmente lo más complejo. Después esas entrañas puras y básicas se pueden adornar con arreglos, pero la materia prima debe ser pura. Hablando en plata, cuando uno compone algo tienen la sensación o bien de que todo suena de puta madre o que suena a mierda. Lo primero es lo más peligroso, la clave para nosotros está en tener la capacidad de ser crítico y desechar cosas que a priori parecen buenas ideas. Quitar riffs y reducir todo a la materia prima. Después hay tiempo de adornar y enriquecer, pero hay que partir de algo básico. Éste es el punto en el que está Balmog a nivel compositivo, y si bien

ahora mismo es algo más fácil, el camino hasta aquí fue complejo. Las comeduras de coco han ido más encaminadas a conseguir un conjunto homogéneo, con un nexo común y un acabado general creíble a nivel musical, ahí sí que hubo grandes comeduras de tarro”.

doom en la tradición de Candlemass o Trouble. Es un tema que en gran medida define la actitud del disco y, sobre todo, nos define a nosotros como banda, centrados claramente en al black metal pero sin apartar esas influencias de otros estilos incluso no vinculados al metal como la psicodelia o el post punk”.

Necromorbus es ya una capital ineludible para grabar black

Me gustaría entrar un poco en

metal, ¿pero en qué dirías que

el terreno de las letras, que me

se nota más su buena mano en

contaras qué inspira Vacvvm y

el master?

dentro de qué terrenos se desa-

“A nosotros lo que nos aporta desde un punto de vista técnico es brillo, solidez, empaque y profundidad, o aligerando, que suene de puta madre y sientas que la sangre te hierve como lava”.

rrolla la lírica.

La recta final con ‘Come To The Pulpit’, ‘Gignesthai’ y ‘…Sed Semper Vivit Occisus’, con ese fragmento tan épico en su parte central, es simplemente imponente. ¿Tuvisteis claro que debían cerrar a lo grande?

“Por supuesto era algo premeditado, entraba dentro de esa idea que te comentaba antes de tratar de crear un disco en conjunto, pensado en cada una de las claves que debía poseer el álbum y en dónde se debían situar. En este caso, pensamos que el disco debía tener en general un aspecto muy directo y salvaje, al estilo de Svmma Fide, con temas directos a la yugular, pero también creíamos que era interesante incluir un par de temas más extensos y ‘…Sed Semper Vivit Occisus’ es el caso. Un tema algo más largo, rápido, pero al mismo tiempo, con un nivel de tensión muy alto marcado por esas partes lentas, absolutamente

“Ya desde el primer disco nos interesaba el concepto de arte total, es decir, tratar de conseguir un conjunto sólido no sólo a nivel musical, sino conceptual, visual y sobre todo lírico. Las letras de Vacvvm se centran en el concepto de vacío como principio y fin de todo, no como un elemento en oposición a la existencia. De algún modo, con este disco rechazamos el concepto judeocristiano e islámico de Bien/Mal, Dios/Diablo, como elementos pertenecientes a una suerte de eterna dicotomía. La tesis del álbum es la aceptación de eso como un todo, no como algo que debemos discriminar. El concepto de vacío de algún modo nos ayuda a hilvanar todo eso como algo con capacidad de crear y destruir al mismo tiempo. Por otro lado, en el disco seguimos utilizando referencias claras a la teología, la religión, sobre todo las religiones monoteístas, diferentes corriente metafísicas y ocultistas. Escarbar en las numerosas sectas que existen dentro del Islam o el judeocristianismo ha sido uno de los ejercicios más interesantes. El fundamentalismo ciego e irracional sigue siendo algo que nos obsesiona

y nos atrae. También hemos incluido algunos pasajes que nos interesaban del Septem Sermones Ad Mortuos. De todos modos, no pretendemos hacer proselitismo. No tenemos pretensiones pseudo filosóficas. Tan sólo queremos indagar en el pensamiento humano y en cómo a lo largo de historia se ha intentado dar respuesta a la realidad. No nos ponemos ningún límite y siempre hay una obsesión extrema y constante por los aspectos más oscuros del ser humano ya que, por lo general, son un elemento tabú y no aceptado por los principios asentados como paradigmas éticos y religiosos, y a nosotros no nos da miedo afrontar eso, tan sólo respeto”. Como acabas de demostrar, una de las cosas que marcan la diferencia es que sois una banda creíble, y más aún sobre el escenario. Quiero decir, al igual que Darkened Nocturn Slaughtercult, no se os ve impostados o jugando a ser malotes. Sois un grupo de black metal para verdaderos amantes del género, y por eso a vuestro lado tanto tontaina intentando plasmar el mismo efecto de forma forzada queda retratado, por no decir que en ridículo.

“Nuestra idea ha sido siempre llevar una imagen acorde con la música y el planteamiento conceptual de la banda, es así de sencillo. Seguimos obviamente a rajatabla los clichés del viejo black y death metal, el punk y heavy metal, así que no puede fallar”.

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EL CONCIERTO DEL MES BY:

TRIVIUM

8 DE ABRIL DE 2018 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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POWER TRIP

omo tantos otros grupos de su generación, Trivium todavía no han logrado romper ese techo de cristal que les permita salir del circuito de salas medianas. Y si no lo han conseguido después de ocho discos, posiblemente ya nunca lo hagan. Pese a eso, la banda de Florida ha conseguido con sus dos últimos álbumes enganchar a una nueva generación de fans, y eso les permitió firmar un sold out en su enésima visita a Barcelona. Si bien en sus últimas obras Trivium han dado un giro más comercial a su música, se agradece que en esta gira optaran por rodearse de grupos más extremos formando un paquete más que atractivo. Para empezar los galeses Venom Prison, quienes consiguieron cierta notoriedad con su debut Animus hace un par de años y un death metal con estética hardcore. En directo la atención recae en la vocalista Larissa Stupar, capaz de soltar unas voces guturales de aúpa, y la movilidad de sus compañeros. Su set fue corto, pero intenso, aunque su repertorio todavía no está a la altura de su

contundencia. Un problema que no padecen Power Trip... Para mí, los grandes triunfadores de la noche. Los de Dallas llegaban con su último trabajo Nightmare Logic coronado como uno de los mejores discos de 2017, y lo defendieron como jefazos encima de las tablas. La precisión mecánica de sus guitarras thrasheras nos abrió en canal con las iniciales ‘Soul Sacrifice’ y ‘Executioner’s Tax (Swing Of The Axe)’ y el cantante Riley Gale, con su pinta de currar en una gasolinera de mala muerte, dispone de ese carisma loser que genera una conexión total con el público. La ametralladora tejana disparó temas como ‘Crucifixation’, ‘Murdere’s Row’, que Gale contó estar dedicada a Terminator 2, y la brutal ‘Firing Squad’ con crudeza y técnica a partes iguales, provocando la locura en la pista. La ovación que recibieron tras sus poco más de 40 minutos hace presagiar que ya están listos para volver por su cuenta. A Trivium les bastó tirar la intro de ‘Run To The Hills’ de Iron Maiden para que el público se rindiera a sus pies. Pese a ser domingo, la gente

parecía haber reservado fuerzas para saltar y corear cada uno de los temas. Empezando con ‘The Sin And The Sentence’, que da título a su último disco, y magnificado por un juego de luces digno de una arena, el cuarteto prosiguió con su particular visión del metal en la que caben pasajes melódicos, voces guturales ahora casi en exclusiva a cargo del guitarrista Corey Beaulieu, y vertiginosos solos. ‘Throes Of Perdition’, recuperada de Shogun, dio paso a la rapidísima ‘Betrayer’, en la que su nuevo batería Alex Bent pudo lucirse a gusto. De ahí, viaje a sus inicios con ‘Ascendancy’ y vuelta al presente con ‘Server The Hand’. Pero a pesar de contar ya con un extenso catálogo, a Trivium todavía les cuesta que mi atención no empiece a disminuir pasados unos cuantos temas, y ¿cuántas veces necesitamos ver a Matt Heaffy sacar la lengua? Pese a eso, la comunión con sus fans no decayó y en la poderosa recta final que fue de ‘Beyond Oblivion’ a ‘In Waves’ constatamos que, en un universo paralelo, Trivium podrían haber sido tan grandes como apuntaban. 113

THIRTY SECONDS TO MARS 11 ABRIL DE 2018 WIZINK CENTER, MADRID

TEXTO: RO SÁNCHEZ FOTOS: NADIA NATARIO (BARCELONA)

o que esperas cuando vas a un concierto de Thirty Seconds To Mars es ser partícipe, o al menos testigo, de lo que desde fuera siempre ha parecido una religión. En el culto Echelon, con su simbología, su ídolo y sus discípulos, las epifanías llegan con cada disco y la comunión con cada directo. Pero en el concierto de Madrid no pude sentir ningún dios: sólo paladear la hostia. Jared Leto se ha hecho un Monolith Tour a su medida. El escenario es un rectángulo construido adrede para sus baños de masas, cuando apura cada centímetro de la plataforma para acercarse a las primeras filas o cuando sube a los fans a ella. El menor de los Leto es el protagonista: ha dejado la batería de su hermano Shannon inmóvil y al fondo, y no hay Tomo Miličević que le dispute el espacio después de que se anunciara –a menos de un mes del comienzo de la gira– que el guitarrista no estaría presente en el tour mundial de la banda para la presentación de America, álbum que ya se ha ganado el título de disco más exitoso de Thirty

Seconds To Mars en las listas sólo en su primera semana. Pero aún más atrás que la batería de Shannon y también mucho más abajo, apenas asomando sus ojos por encima de la plataforma, están los músicos que ni se ven ni se nombran. Bajo, teclados y guitarra que intentan cubrir la ausencia de Miličević desde la omnipresencia que te da sonar por la PA pero sin aparecer en la escena. El egocentrismo de Jared Leto no puede abarcar el público a los dos lados del cuadrilátero, y no compartir plano con su banda –ni siquiera con su hermano, relegado a ser actor de reparto– significa hacerlo con la inmensidad y el vacío en un escenario que, en realidad, no era tan grande. La capacidad vocal que se sabe impecable de Jared Leto desafina en varias ocasiones o se niega a alcanzar los tonos agudos de ‘The Kill’ o ‘Search And Destroy’. La esencia de canciones como ‘Hurricane’ o ‘Night Of The Hunter’, que en estudio suenan sensuales y provocativas, se pierde en la cara sonriente que el cantante intenta colocar delante de cada uno de

los presentes con una actitud Disney. Apenas hay rastro del disco protagonista, pero sí mucho de LOVE LUST FAITH + DREAMS y hasta una versión completa de ‘Stay’ de Rihanna, su interpretación más sincera. Durante ‘Walk On Water’ salió al escenario un Pablo López desorientado, al que Leto se refirió como “vuestro héroe local” sin caer en cuenta de lo desacertado de la expresión. Pero de lo que más se resiente la banda en los conciertos es de un Jared Leto sin fuerzas ni esfuerzos por cantar. Busca tanto la interacción y la conexión con los presentes que la escena se vuelve compasiva y forzada. Thirty Seconds To Mars lo tienen todo: hits suficientes para dar directos sin tregua, buenos músicos, carisma y los medios para convertir en creyentes a los más escépticos. Por eso cuesta entender por qué la banda deja que todas las expectativas que tanta molestia se toman en generar previamente se desvanezcan en cuanto la caja negra que forma parte del escenario se eleva y les muestra. Como si hubiera cajones que es mejor no abrir. 115

MACHINE HEAD 7 DE ABRIL DE 2018 RAZZMATAZZ, BARCELONA

TEXTO: ALBA RODRIGO FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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on su reciente Catharsis todavía generando polémica entre sus seguidores, llegó el turno de que Machine Head lo defendieran en directo a través de la gira más extensa que jamás hayan hecho por nuestro territorio: cinco conciertos en total, ya que cancelaron el de Valencia (junto a otras fechas europeas) debido al estado de salud de Robb Flynn. Todo un reto para los californianos, puesto que el formato An Evening With Machine Head supone casi tres horas de tocar a pelo, sin teloneros ni invitados especiales. En su paso por Barcelona, la batería de Dave McClain presidía el escenario desde lo alto del escenario de Razzmatazz. Una sala que, como bien mencionarían en uno de los muchos discursos de Flynn, les ha visto crecer desde que la pisaran por primera vez como teloneros de Slayer. Consiguiendo un sold out en el último momento, y con

la presencia de fotógrafos en el foso como algo exclusivo, las luces se apagaron puntuales y la banda abrió su espectáculo con la clásica ‘Imperium’. Pese a que hasta la cuarta canción el sonido no se asentó, sin duda la primera hora de concierto fue la más intensa y virtuosa. Pudimos disfrutar de temas tan potentes como ‘Beautiful Morning’, ‘The Blood, The Sweet, The Tears’ o ‘Clenching The Fists Of Dissent’ con toda la banda derrochando una energía arrolladora y contagiosa. La mayor parte de las miradas, como viene siendo habitual, se centraban en Robb Flynn, quien hizo y deshizo con el público todo lo que quiso, reclamando manos al aire y circle pits continuamente. Hasta aquí todo prometía, pero conforme la velada transcurría la cosa fue bajando del nivel esperado. Phil Demmel nos brindó un solo de guitarra de tres notas insulso y con el que se rompía la atmósfera de la velada. A eso se

sumaron los mítines interminables de Flynn y la poco acertada selección de canciones. Si bien es cierto que hicieron un buen repaso a toda su discografía tocando los temas que todos esperábamos oír, hubo varios momentos que juntaron canciones muy similares y lentas que restaban dinamismo a su actuación. La traca final fueron unos bises cargantes, únicamente salvables por ‘Aesthetics Of Hate’ y el momento final con ‘Halo’ y su explosión de humo y confeti. Pero para entonces la voz de Robb se notaba muy resentida y al resto se les veía cansados. En su cruzada por crear una banda épica y grabar a fuego su legado en la historia de la música, Machine Head se han venido arriba con este formato sin tenerlo todo de su parte. Ni Catharsis es su álbum más destacable, ni Robb Flynn está en su mejor momento vocal, ni tres horas de concierto se digieren así como así. 117

ROGER WATERS 14 DE ABRIL DE 2018 PALAU SANT JORDI, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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eniendo en cuenta que la última gira de Pink Floyd tuvo lugar hace 24 años, no es extraño que tanto David Gilmour como Roger Waters quieran rentabilizar el catálogo de su antigua banda cada vez que salen a la carretera. Waters, “el genio creativo” de la banda, como él mismo se anunciaba en la gira In The Flesh en 1999, ha sido el que más provecho le ha sacado con giras temáticas dedicadas a The Dark Side Of The Moon y The Wall, y si bien su nuevo tour llegaba tras la publicación en junio de su quinto disco en solitario Is This Life We Really Want?, su nombre Us + Them apelaba directamente al imaginario de Pink Floyd. A sus 74 años, Waters ha declarado que posiblemente ésta sea la última gira que haga de esta envergadura, y de ser así, ha decidido hacerlo por la puerta grande. Dividido en dos mitades separadas por una pausa de 20 minutos, el concierto fue a partes iguales una invitación a la nostalgia, una reflexión crítica sobre el presente y un espectáculo audiovisual de primera clase. Arropado por una banda de ocho

músicos y dos coristas, entre los que destacan los guitarristas Dave Kilminster, hijo de Lemmy de Motörhead, y Jonathan Wilson, quien cubrió notablemente las partes vocales de Gilmour, y el batería Joey Waronker (Beck, R.E.M.), Waters recrea con excelencia y precisión canciones como ‘Breathe’, ‘Time’, ‘The Great Gig In The Sky’ o una poderosa ‘Welcome To The Machine’, durante la cual se proyectaron en la inmensa pantalla LED que delimitaba el fondo del escenario animaciones que ya usaban Pink Floyd en los 70. Tras tres temas de su última obra, que parecieron casi una justificación de su vigencia como artista, sacó la artillería con hits como ‘Wish You Were Here’ y las partes 2 y 3 de ‘Another Brick In The Wall’, contextualizada con el Brexit, y una coreografía por parte de un grupo de niños un tanto forzada, antes del intermedio. Pero Waters todavía tenía muchos más conejos por sacar de su chistera en la segunda mitad. O más bien cerdos. La fábrica de la portada de Animals sería edificada, con chimeneas humeantes y todo, mediante una serie de

pantallas colgantes desplegadas longitudinalmente sobre la pista del Palau Sant Jordi. De ese álbum de 1977 sonarían ‘Dogs’ y ‘Pigs (Three Different Ones)’, en la que aparecería un cerdo volador con la cara de Trump en un costado que recorrió todo el pabellón y algunas de las frases más infames del presidente proyectadas en las pantallas con un mensaje final, “Trump, eres gilipollas”, que arrancó una gran ovación. El tono más político siguió con ‘Money’ (con imágenes de Rajoy, Merkel o Putin) y ‘Us And Them’ (con hincapié en el conflicto palestino; cuatro días antes había participado en el acto Totes Amb Palestina en Barcelona). ‘Brain Damage’ y ‘Eclipse’ servirían para que la pirámide y el prisma de The Dark Side Of The Moon se recreara a base de rayos láser, dejándonos a todos con la boca abierta. Una acústica ‘Mother’ y la inevitable ‘Comfortably Numb’ pondrían el punto final a un espectáculo impecable... Si bien no pude evitar pensar, como cada vez que he visto a Waters, que tras tantos años renegando de Pink Floyd, ha sucumbido a ese poder del dinero que tanto critica. 119

IMMOLATION 27 DE MARZO DE 2018 SALA BÓVEDA, BARCELONA TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: CARLES RODRÍGUEZ

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FULL OF HELL

s curiosa la disparidad de opiniones y actitudes que puede despertar, a priori, un cartel tan interesante como el que Immolation nos ofrecieron para presentar Atonement. En primer lugar, los más cerriles no estaban dispuestos a darle ni una oportunidad a la nueva escuela de grindcore y powerviolence que Full Of Hell abanderan. Luego, claro, también había ciertos fans de los autores de Trumpeting Ecstasy haciendo notar lo poco que les interesa el metal extremo de toda la vida, y en medio, como siempre, había los que disfrutaron de las cuatro formaciones que nos zarandearon a placer. Pronto, muy pronto, los encorbatados a la par que ensangrentados Omophagia nos sorprendieron con su brutal death de pulida factura. Con ese trigger martilleando en primer plano, los suizos emplearon más que bien su último concierto en esta gira con ese trallón nítido que recordó a unos Hour Of Penance.

Nada mal para empezar la velada a tope y con la sonrisa que nos pintó en la cara su simpático cantante Beni, pero lo de Monument Of Misanthropy fue todavía mejor. Con su nuevo EP Capital Punisher bajo el brazo, ése es precisamente el papel que desempeñaron sobre las tablas. El cantante George Wilfinger y su ominoso gutural parecían el monstruo de la portada, y el guitarrista Jean-Pierre Battesti expandió la misma mortandad. Boca abierta y aplausos más que merecidos. Había incluso nervios por ver por fin a Full Of Hell desplegando su odio en nuestros escenarios, pero a decir verdad, me decepcionaron un poco. Trasladando todo el foco de atención a su cantante Dylan Walker, que se volvía loco con cada interpretación en una agonía para nada fingida, el resto de sus compañeros parecían resignados a tocar sin demasiada pasión. Su batería Dave Bland golpea los parches como si le fuera la vida en ello, pero los excesivos parones

entre tema y tema lastraron el ritmo del show, intercalando además unos samples bastante inofensivos. Están un poco verdes en directo y deberían tocar su repertorio de seguido si aspiran a pulverizarnos, pero dada su juventud, siguen contando con toda nuestra confianza. Un bolo de Immolation rara vez decepciona, y ver de nuevo a Robert Vigna blandir su guitarra para descuartizar el aire con su mástil ya es de por sí un espectáculo. Con Ross Dolan comandando con autoridad a la histórica banda de death metal de Nueva York, desde que sonaron las disonancias de ‘The Distorting Light’ ya no pararon de golpear con temas de todas sus épocas, con grandes momentos como ‘Father, You’re Not A Father’ o esa ‘Swarm Of Terror’ de su primer álbum. Su sonido fue mejorable y eso provocó algunos tramos monótonos, pero nadie mostró disconformidad ante su enésima demostración de fuerza. 121

INSOMNIUM 6 DE ABRIL DE 2018 RAZZMATAZZ 2, BARCELONA TEXTO: JORDI MEYA FOTOS: ERIC ALTIMIS

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TRIBULATION

acía tiempo que no me encontraba en la situación de que me apeteciera más ver a un telonero que a la banda principal. Quienes siguen esta revista ya sabrán lo mucho que nos gustan Tribulation, y dado que no me acerqué a verlos en su reciente visita con Arch Enemy, ésta iba a ser la primera oportunidad de escuchar los temas de Down Below en directo. De su nuevo disco escogieron ‘Lady Death’ para abrir su set, y aunque no contaron con el mejor sonido, de inmediato se hizo evidente que Tribulation son algo especial. A ratos, la base musical te recuerda más a Sisters Of Mercy, o incluso Héroes Del Silencio, que a cualquier banda de metal, y el contraste entre la sensibilidad femenina, expuesta a través del vestuario y los sinuosos movimientos del guitarrista Jonathan Hultén, y la diabólica voz de Johannes Andersson, crea una tensión hipnotizante. También hay algo de

punk en su actitud. La constante presencia de humo acaba por crear la sensación de estar asistiendo a un ritual oculto. Pese a no disponer de demasiado tiempo, el grupo hizo un pequeño repaso a toda su trayectoria interpretando temas del anterior The Children Of The Night (‘Melancholia’, ‘In The Dreams Of The Dead’, ‘Strange Gateways Beckon’) y de The Formulas Of Death (‘Randa’, la instrumental ‘Ultra Silvam’). Vista la magnífica respuesta, es obligado que vuelvan ya como cabezas de cartel. Pero esa noche, esa posición la ocupaban Insomnium. Los finlandeses han optado en esta gira por algo que casi ningún grupo se atreve a hacer: interpretar íntegramente su último disco. Es una apuesta arriesgada, pero digna de aplaudir. Y fue así como el grupo fue desgranando las siete partes en las que está dividida Winter’s Gate. Quizá para que la atención del público se centrara exclusivamente

en la música y sintiera las distintas subidas y bajadas de intensidad, el cuarteto actuó prácticamente a oscuras, apenas iluminado por tenues luces azules, durante 40 minutos. Durante ellos, Insomnium demostraron estar cada vez más cerca de Enslaved, con algunos pasajes más melódicos y oníricos dentro de su death progresivo que estalló en la épica final de ‘Part 7’. En la segunda parte caerían algunos de sus temas más representativos y una puesta en escena más habitual a la de cualquier concierto. El cantante y bajista Niilo Savänen se mostró muy efusivo y la fuerza de ‘The Primaveral Dark’, ‘Weather The Storm’ o ‘Mortal Share’ encontró su contrapartida en las más contenidas ‘While We Sleep’ o ‘Down With The Sun’, dando fe de su versatilidad como músicos. Puede que no tengan tanto nombre como otras formaciones, pero Insomium ya pueden mirar de tú a tú a cualquiera de sus coetáneos. 123

DE GIRA

MONSTER MAGNET

11 DE MAYO SANTANA 27 (BILBAO) 12 DE MAYO KRISTONFEST - LA RIVIERA (MADRID)

onster Magnet regresan a nuestro país para actuar en Bilbao y encabezar la séptima edición del festival Kristonfest en Madrid, en el que también participan High On Fire, Elder, Church Of Misery y Conan. Contactamos con su líder Dave Wyndorf para conocer las motivaciones detrás de su nuevo álbum Mindfucker. Mindfucker está obteniendo muy buenas críticas, sobre todo por parte de quienes prefieren la versión más rockera del grupo. ¿Tenías claro el ir en esa dirección más directa? DAVE WYNDORF “Sí, en cierta

manera Mindfucker es una reacción a la melancolía psicodélica de mis dos últimos discos, en especial del anterior The Last Patrol. Está

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bien pegarte un viaje, pero para mí era la hora de volver a rockear. Quería recuperar la excitación y la inmediatez del rock que escuchaba cuando crecía”. De hecho, es tu disco más Detroit.

“Gracias. Cuando era un chaval el rock de Detroit era el que más me gustaba. Era muy auténtico y real, y peligroso. En cierta manera es una vuelta a mis raíces. Todavía es una música que me pone a cien. Para mí Detroit entre 1971 y 1973 era el centro del universo con Alice Cooper, MC5, Stooges… Duró muy poco, pero dejó una huella imborrable en mí. Creo que ese sonido siempre ha formado parte de Monster Magnet, pero esta vez quería situarlo en un primer plano. Bueno, más que un sonido,

buscaba una actitud”. El álbum está también conectado a una banda como MC5 por su trasfondo político…

“Sí, de todos modos, MC5 eran anarquistas, yo no. Yo quería hacer un disco de sexo, drogas y rock’n’roll, pero entonces todo se complicó (risas). Empecé a escribir el disco el 20 de enero de 2016, el día que empezó el mandato de Trump (risas). Así que quería escribir letras divertidas, pero me salían letras políticas. Parecían una columna política del New York Times. Así que decidí dejarlo unos días para ver si me pasaba el cabreo, y cuando volví a ponerme a ello, intenté hacer algo más personal, más atado a la música, pero aun así, la política está ahí, ni que sea a través de metáforas,

AGENDA MAYO

dobles sentidos y demás”. ¿Te has vuelto más pesimista?

“No sé… Creo que cada cierto tiempo la gente estúpida llega al poder. Ahora estamos en uno de esos momentos. Tenemos lo que nos merecemos. La gente en América es muy vaga. Sólo la mitad van a votar y dejamos que los malos dirijan el cotarro. Para mí el problema no es Donald Trump, sino que alguien como él haya llegado a presidente. Si no hubiera sido él, sería otro. Pero lo que más miedo me da es que la estupidez se haya generalizado. A estas alturas de mi vida, esperaba que el mundo fuera mejor, pero estamos atrapados en una revolución tecnológica y todos somos esclavos de ella. Por eso me mantengo alejado de las redes sociales”. La verdad es que no cuadraría mucho con la imagen de Monster Magnet verte colgando qué habéis desayunado…

“(Risas) La gente de la industria estaría encantada con que contara cada pedo que me tiro. Creen que juega en nuestra contra no formar parte de eso, pero me niego a exponerme tanto. Si te soy sincero, tampoco creo que le interesase a nadie. ¡Tengo 61 años! Lo que me fastidia es ver a tantos músicos dedicarle tantas horas a estar conectado a las redes. Seguramente, si se centrasen simplemente en hacer música, harían algo bastante mejor. También está el problema de que los grupos sacan discos para poder salir de gira y ganar algo de pasta. Poco importa si el disco es bueno o no”. Después de 30 años, ¿qué te hace seguir con el grupo?

“Es lo que hago y creo que cada vez lo hago mejor. Soy un tío creativo y estar en un grupo me permite componer, cantar, producir, actuar, hacer vídeos. Necesito hacer algo así o me estallaría la cabeza. Y para qué lo voy a negar, también alimenta mi ego (risas). También creo que no hay otra banda como nosotros que mezcle psicodelia y rock garajero, alguien tiene que mantener el espíritu de bandas de los 60 y los 70 todavía vivo. Es nuestra misión y se lo debemos a toda la gente que nos ha seguido todos estos años”. (DAVID GARCELL)

AVON 2 San Sebastián, 3 Barcelona, 4 Orihuela, 5 La Rioja, 6 Vigo, 7 Gijón, 8 Bilbao BARBE-Q-BARBIES... 8 Barcelona, 9 Valencia, 10 Castellón, 11 Lleida, 12 Madrid BISHOPS GREEN 3 Vitoria, 4 Badalona, 5 Móstoles BRYDE 17 Barcelona, 18 Madrid BULLET 11 Madrid, 12 Barcelona CHURCH OF MISERY 11 Barcelona, 12 Madrid DEGIAL 10 Bilbao, 12 Madrid, 13 Barcelona FEED THE RHINO 3 Barcelona, 4 Madrid, 5 Bilbao THE FLATLINERS 2 Oviedo, 3 Madrid, 4 Castellón, 5 Badalona GOD IS AN ASTRONAUT 9 Barcelona, 10 Madrid HONEYMOON DISEASE + DEATH ALLEY 10 San Sebastián, 11 Barcelona ISLAND 4 Madrid, 5 Barcelona KITTY, DAISY AND LEWIS 12 Barcelona, 13 Madrid LEFT LANE CRUISER 15 Barcelona, 17 Valencia, 18 Madrid, 19 Zaragoza LITTLE BIG 11 Madrid, 12 Barcelona ROGER WATERS 24-25 Madrid RUSSKAJA 9 Barcelona, 10 Valencia, 11 Madrid, 12 Villava SCHONWALD 23 Barcelona, 24 Zaragoza SKID ROW 25 Bilbao, 26 Barcelona, 27 Madrid SLEEPING WITH SIRENS 30 Barcelona, 31 Madrid THE VAMPS 24 Madrid, 25 Barcelona VENEREA 16 Oviedo, 17 Madrid, 18 Castellón, 19 Badalona

FIGURAS COLATERALES

PESE A HABER INTERPUESTO UN RECURSO ANTE EL TRIBUNAL SUPREMO, EL RAPERO PABLO HASÉL TIENE CLARO QUE INGRESARÁ EN PRISIÓN. NO CREE QUE VIVAMOS EN UNA DEMOCRACIA, MUCHO MENOS QUE HAYA SEPARACIÓN DE PODERES, PERO AFRONTA SU SITUACIÓN CON UNA ENTEREZA ADMIRABLE. TEXTO: PAU NAVARRA FOTOS: DR

RAS PASAR LA TARDE DEL JUEVES SANTO DEBATIENDO CON ÉL EN SU LLEIDA NATAL, SALGO

de allí con dos ideas claras: que nunca había conocido a nadie con unas convicciones tan férreas, y que pronto pasará a ser el enésimo preso político de esta España criminal, ignominiosa y represiva.

próximos meses, puede ser de aquí a pocas semanas o medio año, y en cuanto lo haga y ratifique la condena, que casi seguro que va a pasar, pues entonces ya pondrán una fecha para mi entrada en prisión, e igual, por tener antecedentes, me viene a buscar directamente la policía y me lleva a la cárcel. Es cuestión de meses”.

esos famosos 64 tweets y la canción ‘Juan Carlos El Bobón’. Una cosa que me dejó perplejo es que, durante un periodo de tiempo concreto, investigaron tus tweets, y en 1.915 de ellos, me chocó mucho que lo que habían encontrado para intentar argumentar tus delitos era una palabra como ‘Bilbo’, que viene a ser Bilbao, ‘monarquía’. Po-

Antes que nada, me gustaría

Lo que es jodido es que ya es

drías ser una persona obsesiva,

que me explicaras si han decre-

la segunda condena, y como ya

soltar 20.000 veces la palabra

tado ya tu ingreso en prisión, si

superas los dos años…

‘monarquía’ en Twitter, ¿y te

ya sabes cuándo vas a perder

“Se suma a los dos años de antecedentes y, a nada que me condenaran a un año, ya entraría, pero es que me han condenado a tres, y sumados son cinco”.

vendrían a buscar? ¿Es un delito

la libertad. PABLO HASÉL “No, porque se ha

hecho el recurso al Tribunal Supremo y hasta que no se pronuncie, no es la sentencia firme. Pero el Supremo se va a pronunciar en los 126

Esta vez te han juzgado por

decir 20.000 veces ‘Bilbo’, en euskera? Eso me dejó alucinado de la sentencia, en serio.

“Bueno, de hecho, en la primera condena de dos años, hay mucha gente que se cree que sólo había

frases explícitas a favor, por ejemplo, de la lucha armada, pero también las había que habían marcado como delito, y había una que decía “Sigue la represión de Andalucía a Euskal Herria”. Es decir, el simple hecho de mencionar ‘Euskal Herria’, ya era como lo que estás diciendo de ‘Bilbo’, lo pondrían en el buscador o lo que fuera, y eso aparecía como delito. Incluso decir, por ejemplo, “José Ortín, siempre seguirás en nuestra mente”, ¿no? José Ortín era un preso político comunista (y miembro de GRAPO que en 1995 secuestró a Publio Cordón, empresario del que nunca se ha esclarecido su asesinato, y que murió en la cárcel en 2009 –ndr.), y por el hecho de decir que seguirá en mi mente, eso era delito. Quieren controlar hasta lo que tú tienes en la cabeza, tus sentimientos… todo, absolutamente todo”. Es que en el último auto del juez Llarena para procesar a los presos políticos catalanes ya habla incluso de futuribles. Esto ya no es ni la guerra preventiva de Bush, esto ya es meterte directamente en el cerebro de personas que muchas de ellas ya están en la cárcel, además.

“Sí, de hecho, en recientes interrogatorios, por ejemplo a un compañero que le piden cárcel por hacer documentales, uno sobre la represión, etcétera, y también le preguntaban este tipo de cosas que comentas: futuribles, que cuáles eran sus intenciones… A mí la fiscal, de forma explícita, me dijo que soy peligroso porque muevo a mucha gente e incito a la movilización

social. Que incitar a la movilización social es ilegal…”. Así, ¿el derecho a la manifestación ya es ilegal ahora mismo?

“Realmente, en la práctica, lo es, porque en muchas manifestaciones, o te multan o te abren la cabeza. Si eso es derecho a manifestación…”.

cia Nacional, en mi último turno de palabra, denuncié que eso era como la Inquisición, que por contar una serie de hechos probados van a por ti”. Ahora mismo estamos en Semana Santa… ¿Me puedes contar dónde se encuentra hoy el Rey emérito?

Hoy he vuelto a escuchar la can-

“En Arabia Saudí”.

ción de ‘Juan Carlos El Bobón’, y creo que sólo enumeras ver-

¿Y qué hace allí? ¿Crees que

dades. Si tienes una ideología

está trabajando?

afín, son verdades como puños,

“No, desde luego no. Pero bueno, que hoy mismo en la televisión pública, cómo aparecía la Legión con el Cristo en hombros… el nacionalcatolicismo de Franco de toda la vida, pagado con dinero público, claro”.

una detrás de otra. Una cosa muy distinta es el gusto de cada uno, pero yo creo que dices la verdad.

“Y además, probada. Ellos, cuando condenan, te acusan de injurias, pero la sentencia en ningún momento demuestra que lo que decimos sea falso. Sobre la monarquía, sobre la policía… Es decir, te condenan porque les molesta que lo cuentes, no porque sea falso. En el juicio se dieron pruebas de que lo que yo estaba diciendo de la monarquía, la policía y demás, pues que está probado. Independientemente de la ideología que uno tenga, eso está probado. Que han vendido armas a Arabia Saudí, eso lo ha reconocido el propio Estado. Que se ha comprado el silencio de las amantes del Rey con dinero público, lo ha reconocido el propio Estado, el CNI, ha aparecido en numerosos programas nada sospechosos de revolucionarios como Sálvame. Pero claro, si lo digo yo, que soy comunista, pues jode más que si lo dice Sálvame, ¿no? Literalmente, contar hechos objetivos es delito, y por eso yo, en la Audien-

En este país hay una cierta libertad de expresión, en claro retroceso, pero también hay unas líneas rojas. No diría que es una dictadura al 100%, igual es una dictablanda a la turca, a lo Putin quizás, pero si te metes con el Rey o dices cualquier cosa sobre ETA, sabes que van a ir a por ti. Ésa es la línea roja total.

“Yo te voy a argumentar por qué no hay libertad de expresión. Es físicamente imposible que vayan a por todos, es decir: tú puedes ahora mismo criticar a la monarquía y que no vayan a por ti, y entonces tú poder pensar ‘bueno, tengo libertad de expresión porque no han venido a por mí’, pero es que no pueden ir a por todos, así que basta el hecho de que tú, al criticar a la monarquía, te arriesgues a esa posibilidad, ese miedo, porque hay 127

parece que no te tienen controlado, que no es violento, pero que sí lo es. Porque hay mucha gente que se lo piensa muy mucho antes de ir a una manifestación por si pierde el empleo, o le sacan 150 euros de ese día, y eso descaradamente ejerce de poder coercitivo ante los derechos de la gente.

mucha gente que se autocensura por ese miedo, y eso es lo que buscan, además, la autocensura, pues basta de que exista esa posibilidad para que tú no tengas libertad de expresión porque no puedes hacerlo tranquilo, existe la posibilidad de que alguien te condene. Es como lo que decía del derecho a manifestación: yo tengo incontables multas por ir a manifestaciones. Es decir, basta el hecho de que una persona vaya a una manifestación sabiendo que la pueden multar para que no haya derecho a manifestación. Para que exista ese derecho tienes que estar tranquilo de que vas a poder manifestarte, expresarte, sin la posibilidad de que te condenen por ello. Respecto a lo de la dictadura, yo creo que sí, que desde luego es una dictadura porque no se respetan ni los derechos ni las libertades más fundamentales. O sea, la libertad de expresión es un derecho muy básico, ¿pero qué derechos se garantizan en este Estado? Ni la vivienda, ni el trabajo digno, ni la sanidad digna… No hay ninguna persona que pueda decir con total 128

seguridad, menos los ricos, claro, que tiene asegurados todos estos derechos”. Es evidente que el Estado ha hecho una deriva muy preocupante en los últimos tiempos… A mí lo que me hace gracia es que hay mucha gente que cree que el fascismo ha desaparecido, que la extrema derecha ya no existe, y lo que siempre les trato de explicar es que ha evolucionado. Así como el capitalismo pudo empezar con Adam Smith, pasar por Keynes, e ir pasando por distintos estadios como el liberalismo, el neoliberalismo, hasta llegar a lo de hoy en día, que yo considero ultraliberalismo, pues el fascismo ha hecho lo mismo. Ha sustituido el garrote vil, que era el miedo que tú tenías a que Franco te asesinara, por hipotecas que no se pueden pagar, alquileres por las nubes, por sueldos miserables cuando tienes tres hijos. Lo que ha hecho es mutar el sistema de control, el sistema represivo hacia el pueblo, de una forma que

“Claro, es lo que decía de que no hay derecho de manifestación, pero sí, el fascismo se adapta a los nuevos tiempos, y a mí, cuando la gente dice ‘no, es que crece la ultraderecha en Europa’… Es que aquí, no sólo la tenemos en el gobierno, que no olvidemos que el partido que nos gobierna fue fundado por un ministro de Franco, sino en el Estado. Esto va más allá del gobierno. La Audiencia Nacional es herencia directa del Tribunal de Orden Público franquista, sólo se cambió el nombre. El juez que a mí me ha condenado a prisión fue militante de la Falange, y eso ya lo dice todo. El juez que mandó a prisión a los titiriteros fue policía con Franco, y torturador, fue policía torturador. Es decir, que realmente fueron reformas superficiales, pero en el fondo, todo sigue igual, el Estado continúa controlado por los mismos. El fascismo se perpetuó en el sentido además de que no hubo ni un solo fascista juzgado, ni uno solo. En Alemania hubo muchos que acabaron ejecutados, o como Hitler, forzados al suicidio, acorralados, u otros que fueron juzgados, y con eso no quiero decir que idealice la ruptura que hubo ahí con el nazismo porque es cierto que hubo muchos nazis que no pagaron, pero hubo algunos que

sí, y en Italia Mussolini acabó colgado, muchos fascistas pagaron, pero es que aquí no. Es que aquí no hubo ni uno solo. Ni uno solo. Los torturadores que lo hacían con Franco lo siguieron haciendo después, como Billy el Niño y demás, o lo que te decía de la Audiencia Nacional. La misma oligarquía que amasó fortunas con Franco se perpetuó en el poder con las mismas fortunas y haciéndose aún más ricos. En resumen, si no hubo ruptura con el fascismo, aquí no hubo ningún paso a una democracia, y así estamos. Para entender el presente es fundamental conocer el pasado. Toda esa gente que no acaba de entender por qué hay tanta represión, pues claro, es que cuando siguen en el poder los herederos del franquismo, pues estamos como estamos”. Eres de los que opinan que aquí, en vez de Transición, hubo ‘Transacción’. Es una buena rima ésa.

“(Risas) Sí, desde luego la Transición fue una farsa por lo que te mencionaba antes: no hubo ruptura con el fascismo y fue un cambio de careta. Fraga, un criminal fascista, un asesino de antifascistas, de la noche a la mañana se empezó a llamar demócrata, y lo peor es que una parte de la izquierda, esa izquierda domesticada, el PCE y demás, aplaudieron y tragaron con eso. Y así están todavía las cunetas, no se ha honrado la memoria de todos los asesinados por el fascismo, y sí es cierto que ahora se ha generalizado mucho la represión, porque yo creo que cada vez hay más personas que se dan cuenta

de que este régimen sólo responde a los intereses de una minoría, y protestan o se organizan para luchar, y el régimen está nervioso, quiere frenar eso con el terror. No es casualidad que aumente la represión, que se generaliza cuando la gente empieza a salir a la calle, la época posterior al 15-M, pero que esto no es nuevo, los presos políticos no empiezan ahora con los catalanes, los ha habido desde el 39, desde la victoria de los fascistas con el golpe. La represión… en el País Vasco se estaban cerrando periódicos torturando a sus periodistas, encarcelando…”.

rebelión, que por cierto, incluso el legislador en 1995 de esa ley, Diego López Garrido, ya expresó que ni por asomo eso se ajusta a lo que Carles Puigdemont y demás han hecho, pero bueno: que un montón de independentistas, que seguramente venían del núcleo convergente y de ERC, o lo que es lo mismo, que nunca habían estado en una manifestación antisistema, denunciaron que cómo era posible que hubiera presos políticos en España en 2017. Y yo alucinaba, porque tíos, ésta es la España que habéis estado votando y apoyando con Pujol

Egunkaria.

toda vuestra vida. Es que eso

“El Egin. Organizaciones políticas no armadas estaban siendo ilegalizadas, encarceladas. Todo esto no es nuevo, a quienes denunciaron la farsa de la Transición, comunistas, anarquistas, independentistas, también los llegaron a asesinar, encarcelar, torturar… Es decir, que todo esto no es nuevo, sí es cierto que se ha generalizado porque ahora llega al punto ridículo de que por un chiste sobre Carrero Blanco o por ponerte una nariz de payaso te acusan de delito de odio, ha llegado a este punto tan enfermizo, pero no ha aparecido ahora”.

siempre ha existido en este Es-

Ésa es una de las cosas que, entre comillas, me hace más gracia, aunque no estemos como para reírnos con ello, claro… pero cuando en 2017 empezó la represión fuerte contra el independentismo catalán inventándose cargos, como que había sido un movimiento violento para justificar el delito de

tado, y no sé cómo ves ese despertar, pero ya era hora de que la gente se enterara de lo que ocurre, ni que sea bajo circunstancias tan terribles como ésta.

“Hay una frase que resume esto, el dicho ése de que ‘quien no se mueve no siente las cadenas’. Ha sido cuando los indepes se han empezado a mover que han sentido las cadenas, que hasta por manis pacíficas te mandan a la cárcel, y a saber cuántos años se pasarán los Jordis, Junqueras y tal, porque se pueden estar ahí hasta 30 años. También ellos, Esquerra Republicana y demás, como tenían su poltrona en el Congreso, se habían creído aquello de que había democracia y tal, pero claro, realmente ellos no eran legales, porque en cuanto han puesto en práctica parte de su programa, sólo parte, porque la independencia no se ha hecho efectiva, aunque se han dado pasos, cuando lo han llevado a la práctica, los han 129

encarcelado. Su programa no era legal, ¿no? Es lo que dicen desde el gobierno y demás, ‘no, ellos tienen libertad para decir que son independentistas, pero no lo lleves a los hechos’. Yo también tengo libertad para leer un libro de Lenin en mi cuarto, puedo ir a una librería y comprarlo, pero si yo llevo a la práctica esas ideas comunistas, voy a tener problemas. Más que las ideas, lo que les molesta es la práctica. Realmente, hubo una parte que sabía lo que estaba pasando, en el País Vasco y etcétera, y que lo callaba, pero sí que había otra parte que, por ingenuidad, creyó que aquí había democracia”. Ahora llegamos a un punto en el que seguramente habría que arrojar más luz, sobre todo para bastante gente del resto del Estado español. Se hizo un bombardeo increíble y es que, sí, hubo una banda terrorista que asesinaba a personas, algo absolutamente deleznable bajo mi punto de vista, que era ETA, pero luego toda la parte de la guerra sucia, todo eso no es muy conocido. El otro día Público sacó un artículo donde se decía que más del 60% de los crímenes de la guerra sucia contra ETA siguen impunes. Es la construcción de un relato de un Estado que es puro, bueno e idílico siendo atacado por la Anti-España porque sí, gratuitamente, todo ello alimentado por los grandes grupos mediáticos como Atresmedia, Mediaset, RTVE… Unos igual quieren destruir el Estado y perpetran actos viles, pero los crímenes hacia

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vascos que incluso sólo pasaban por ahí, esa bazofia y las calumnias de los demás nunca son explicadas.

“Se engañó a la gente diciéndole que en el País Vasco había tanta represión porque había lucha armada, pero hemos visto en Catalunya que, sin ella, también hay una represión brutal. Toda esta farsa que habían vendido de que sin violencia todas las ideas se pueden defender, se pueden llevar a los hechos y tal, era mentira. Hay que tener cuidado también de que, cuando se habla del tema de Euskal Herria y demás, porque ahí entendieron que… iba a decir más que nadie, pero no, porque también en el resto del Estado hubo organizaciones como el PCE(r) (Partido Comunista de España (reconstituido), partido nacido en 1975, vinculado a GRAPO, ilegalizado en 2003 y actualmente en la clandestinidad –ndr.), que entendieron que no había ruptura con el fascismo y que eso había que denunciarlo y combatirlo porque no podía ser que esos genocidas fascistas quedaran en la impunidad, y en el País Vasco entendieron que no había habido esa ruptura y se enfrentaron a esa impunidad. Es decir, que la lucha armada no surge como un capricho, sino como una respuesta a una opresión. Luego habrá mil críticas que hacer a cómo emplearon esa lucha armada, yo discrepo en muchas cosas, pero en otras no… en otras no. Si te cierran la vía pacífica, ¿qué vía te queda? Si te están encarcelando por escribir, si te están apaleando en manifestaciones, si tus familiares asesinados por el fascismo

siguen sin tener justicia, pues yo entiendo que hubiera personas que, si te cierran la vía pacífica, escogieran la otra. Ése es el único camino que están dejando, yo es que no me canso de decirlo: si a nosotros, por hacer conciertos, nos van a encarcelar, si no nos dejan ni desahogarnos con palabras, va a haber gente que va a decir ‘bueno, si por usar las palabras me llevan a la cárcel, yo paso a mayores… yo paso a mayores’”. Y si se inventan los cargos, puede ser aún peor. Igual hay quien dice ‘si se van a inventar que soy violento, por qué no serlo’. Y eso es muy peligroso, y ése es el discurso que han estado vendiendo y que se va a alimentar en cuanto caiga el primer cóctel molotov. A ellos les interesa.

“Claro… Pero yo discrepo. Yo creo que no les interesa. Es decir, les puede interesar las chapuzas que hacía ETA muchas veces donde morían inocentes, que lógicamente jamás apoyaré, eso sí les interesaba porque podían criminalizar a un movimiento con ello, pero yo no creo que les interesara la lucha armada selectiva. La prueba es que, si no, no hubieran acabado con los GRAPO. GRAPO, a diferencia de ETA, eran mucho más selectivos. ¿Por qué acabaron con todos sus comandos si en teoría les interesaba eso? Incluso con ETA… cuando deja la lucha armada estaba muy debilitada. ¿Por qué al principio en Euskal Herria tirar un cóctel molotov podían ser dos años de cárcel, tres, y luego llegaron a 13 años? Por quemar un

“EL JUEZ QUE ME HA CONDENADO A PRISIÓN FUE MILITANTE DE LA FALANGE, Y ESO YA LO DICE TODO” PABLO HASÉL

contenedor, 13 años de cárcel. Eso es que no les interesaba tanto si aumentaron tanto las condenas. Yo creo que lo que al Estado le interesa es que la lucha no escape a su control. Entonces, desde luego, si se empieza a tirar cócteles molotov de forma indiscriminada, sí que le puede interesar, pero si realmente el pueblo unido empleara ciertos métodos de lucha que escaparan a su control, yo no tengo tan claro que eso les interesara”.

2014 tras una larga enfermedad

Lluís Llach se ha hecho inmortal,

–ndr.). Puedo estar de acuerdo

es porque fue suficientemente

o no mientras se defienda pací-

astuto como para burlar la cen-

ficamente, pero lo que observo,

sura y decir lo que decía, pero

tanto en tu caso como en el de

sorteándola. Os veo muy ka-

Valtònyc, es que sabiendo que

mikazes. No sé si con el tiempo

ellos van a ir a por vosotros si

has llegado a pensar que igual

sois tan explícitos, es casi como

te pasaste, no porque no lo

poner uno mismo la cabeza en

pensaras, sino porque te iban a

su guillotina. En primer lugar,

pillar segurísimo con eso.

creo que sois cabezas de turco,

“No, es más, yo por ejemplo… Tú dices que sólo apoyas la lucha pacífica, pero yo defiendo la legitimidad de todos los métodos de lucha. Entonces, hacerlo, implica decir ciertas cosas. Yo no voy a renunciar a apoyar la autodefensa armada. Es decir, yo mismo he

porque cuando os encarcelen, a la mitad del país le va a dar terror twittear según qué co-

Algo por lo que te engancharon

sas. Vosotros sois el ejemplo

en tu condena fue por la defen-

que justifique su miedo, pero al

sa del caso de Isabel Aparicio

mismo tiempo, considero que si

(grapo fallecida en prisión en

una canción como ‘L’Estaca’ de

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sufrido en mis carnes la violencia policial, y si alguien se defiende… El otro día a compañeros míos les abrieron la cabeza los Mossos. Si alguien se defiende de eso, yo no lo voy a condenar”. Pero eso no es la defensa armada de unas ideas, eso es simplemente defenderte de un ataque físico. Es muy diferente. A donde quería ir yo es que, si tú y yo estamos hablando de tú a tú, aunque estemos en las antípodas, yo no me voy a levantar y te voy a dar un guantazo. Eso es lo que quería decir. Otra cosa muy distinta es que venga un mosso y te reviente la cabeza. Puedo entender que alguien se proteja o la líe en la calle.

“Vamos a ver, yo cuando apoyo la lucha armada, la apoyo contra, por ejemplo, si a un político del PP le hacen algo… No hace falta que sea político del PP, a ti te dan una hostia porque con sus propias políticas ya te está agrediendo. Te 132

voy a poner un ejemplo: yo y tantos más sufrimos la violencia diaria de no tener un trabajo, que eso te dificulta la supervivencia, te hace la vida imposible. Pues, si a quien nos hace la vida imposible, y ya no digamos a las familias que son desahuciadas, las guerras imperialistas que apoyan donde se asesinan a muchísimas personas lejos de aquí, que parece que por ser lejos no importan tanto los crímenes… ante esa violencia, yo creo que dar una respuesta es totalmente legítimo y necesario, porque si no, si nosotros sabemos que por sus tribunales van a tener impunidad, porque son los suyos, ¿qué forma hay de hacer justicia? Es lo que te decía antes: no dejan otro camino que la justicia popular por la mano. Volviendo a lo que decías antes, también hay mucha confusión al respecto, y ligado al tema que decía de Catalunya. Mucha gente se cree que sólo te van a reprimir si apoyas la lucha armada. Lo que se decía: en el País Vasco los repri-

mían porque apoyaban la lucha armada. En Catalunya, todo pacífico, ha habido represión. En mi primera condena, sí que es cierto que se centraban más en frases a favor de la lucha armada, pero luego también me condenaron, y eso se sabe menos, porque claro, los medios no lo dicen, por canciones donde no hablaba de eso, donde estaba pidiendo la libertad de comunistas, etcétera. Pero es que en esta última condena, que ha sido mayor que la anterior, si te lees los twits, es por decir que la monarquía vive a todo lujo a costa de la miseria ajena. Entonces, rebajar más eso es no contar lo que está pasando. Yo quiero llamar a las cosas por su nombre, si la policía asesinó a 15 inmigrantes en el Tarajal, ¿yo cómo los llamo? Son asesinos. Si la policía tortura, y lo dice hasta el Tribunal Europeo de Derechos Humanos, son torturadores. Y yo no voy a llamarles, no sé, ‘malos’, si les puedo llamar ‘torturadores’, que es lo que son. A mí me gusta hablar con propiedad, y creo que rebajar más los mensajes sería hacerlo inofensivo, y yo como revolucionario quiero hacer daño al Estado. Y si eso implica pagar un precio, porque en este Estado hasta decir que la monarquía roba es ilegal, pues oye, si quieren enviarme a la cárcel por eso, muy bien. Es eso, el no renunciar y llamar a las cosas por su nombre”.

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