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FLEETWOOD MAC
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PD: El cambio es un curso natural de la vida.
MAX OLVERA
Editor SABOTAGE MAGAZINE
jefe de información rocco portillo rocco@sabotagemagazine.com.mx
columnistas elán nena mounstro corrección de estilo paulina farías diseño daniel padilla fotografía x/o oyuki aceves colaboradores eunice victorino rodrigo prieto marc sander luis palmeros magalie torres viri flores rafael martínez web master mariela martínez mariela@sabotagemagazine.com.mx
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*FE DE ERRATAS: Nos gusta creer que nuestros errores sirven como una herramienta para demostrar nuestra característica humana, pero la verdad es que en algunas ocaciones solo somos distraídos, ésta fe de erratas es la madre de las fe de erratas. Es nuestro pequeño intento por no cometer errores. Borrón y cuenta nueva.
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legales Sabotage Magazine, Año 2, No. 18, es una publicación mensual editada por Editorial Happy Freaks, S.A. de C.V. Villahermosa No. 10 int. 1, Col. Hipódromo Condesa, Del. Cuauhtémoc, C.P. 06140, Tel. 62857538, sabotage@sabotagemagazine.com.mx Editor responsable: Maximiliano Hugo Olvera García. Reserva de Derechos al Uso Exclusivo: en trámite. Registro de marca: folio: 0206452, Impresa por Suache Asesores Litográficos S.A. de C.V.: Cerrada Sur 103 No.635 Colonia Sector Popular, Iztapalapa, 09060 México D.F. Distribuidor: Comercializadora GBN S.A. de C.V. Calz. de Tlalpan No. 572, Dpto. C 302, Col. Moderna, Del. Benito Juárez, C.P. 03510, México D.F. Este número se terminó de imprimir el 28 de junio de 2013.Las opiniones expresadas por los autores no necesariamente reflejan la postura del editor de la publicación. Queda estrictamente prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos e imágenes de la publicación sin previa autorización de Sabotage Magazine.
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a lealtad es un valor que nos enseñan en la infancia la vemos en películas y la escuchamos en historias y esto implica que tenemos que serle fiel a alguien o a sí mismo. Con el paso del tiempo este valor a se va deteriorando y olvidando, ya sea porque crecemos y nos damos cuenta que podemos estar por arriba de las personas a las que les tenemos que ser files o por que buscamos nuestras propias convicciones para satisfacer nuestros egos, naturalmente la lealtad nos hace pertenecer y participar dentro de grupos sociales, por ejemplo en las escuelas, cuando te juntabas con un grupo de amigos y conoces otros dejas de serle leal a ese grupo y de esta manera es como se van haciendo nuevos bandos en las escuelas, los chicos con los que te juntabas ahora ya no son tus amigos , la música que te encantaba antes ya no es la que escuchas ahora , cambias por completo. Pero creo que lo único que no tiene porqué cambiar son los valores, por eso que Sabotage Magazine seguirá entregando mes con mes las secciones que tanto les gustan intentando no cambiar radicalmente para que ustedes encuentren siempre la información más actualizada y fresca. Esta edición tiene una variación en contenidos clásicos que son entrañables para chicos y grandes también contiene descuentos en tiendas y una cámara de regalo, que gustoso mandó uno de nuestros anunciantes así es que les dejo en sus manos este número que espero disfruten como lo disfrutamos nosotros.
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THE TIMES ARE CHANGING
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sigur rós
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WITH A LITTLE HELP FROM MY FRIENDS BRAD ELTERMAN
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iempre han existido clubs exclusivos, no aptos para los mortales como nosotros. En 1976 en Los Angeles, On The Rox era el mas exclusivo de todos. Sólo entraban miembros, que necesitaban presentarse a través de un interfon. Sin embargo, las celebridades internacionales tenían una llave especial para entrar al lugar. Un amigo del fotógrafo Brad Elterman le informó que Ringo estaba en la lista de invitados para un íntimo concierto de Bob Marley. Nadie esperaba que llegara con John Lennon y Yoko.
GACETILLA
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ADELE MIEMBRO DE LA ORDEN DEL IMPERIO BRITÁNICO
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Gracias a sus aportaciones artísticas al mundo de la música, la cantante Adele recibió la condecoración del MBE, Miembro de la Orden del Imperio Británico, que se le otorga a los ciudadanos más destacados de Inglaterra. Estas medallas son entregadas como parte de los festejos anuales del cumpleaños oficial de la soberana la reina Isabel II. Este reconocimiento se le suma a la lista de premios que ya tiene la intérprete, varios Grammys y un Oscar por la banda sonora de la última película del agente James Bond.
FALLECE
ARTURO VEGA Vega, el artista detrás del icónico logo de la banda de punk Ramones, falleció el pasado 8 de junio, a los 65 años de edad. Vega, procedente de Chihuahua, vivía cerca del bar CBGB en Bowery, lugar en donde conoció a la banda e incluso dejó que Joey y Dee Dee vivieran con él antes del lanzamiento del primer álbum de Ramones. Además del logotipo del águila con una rama de manzano, un bate de béisbol, la frase “Hey ho! Let’s go!” y el nombre de los músicos, diseñó varias de las portadas de sus álbumes y todo tipo de accesorios, carteles y camisetas a lo largo de más de veinte años.
S A Í B A ¿S ?
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REEDITARAN THE AEROPLANES FILES HIGH La recopilación de The Smashing Pumpkins, titulada The Aeroplane Files High lanzada en 1996, será reeditada por EMI y estará disponible a partir del próximo 23 de julio. El paquete incluirá los sencillos del disco Mellon Collie and The Infinite Sadness, 33 versiones remasterizadas de los tracks originales, 90 demos, grabaciones en vivo, un disco extra con versiones en vivo de la gira Mellon Collie (1996) y un DVD que documenta un concierto en Francia, así como un libro de 46 hojas con anotaciones de Billy Corgan y David Wild.
Prince Rogers Nelson, el nombre completo de Prince, es la herencia del antiguo conjunto de jazz de su padre Prince Rogers Trio.
ONE BIG DAY El One Big Holiday es un evento que se llevará a cabo en la Riviera Ma y a , d el 26 a l 30 d e e n e ro del 2014, el cual contará con la participación de la banda My Morning Jacket, quienes darán tres presentaciones totalmente únicas, y una fiesta que promete muchas sorpresas. Además incluirá otras actividades como excursiones, noches temáticas, catas de tequila, entre otras. El evento tendrá un cupo limitado de 2500 personas.
En los 50’s a Little Richard le disgustaba que Jimi Hendrix robara la atención de los fanáticos y los medios, por lo que decidió echarlo de la banda.
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GACETILLA
VUELVEN PET SHOP BOYS El dúo británico conformado por Neil Tennant y Chris Lowe regresará a la escena musical con el álbum Electric, que estará a la venta a partir del próximo 15 de julio. Este nuevo material discográfico fue producido por Stuart Price y contará con ocho nuevas canciones, además de un cover de la canción The Last To Die de Bruce Springsteen.
SPRINGSTEEN & 1 El documental que retrata la relación e importancia de Bruce Springsteen “The Boss” en la vida de sus fanáticos, se estrenará el próximo 22 de julio. El filme fue dirigido por Baillie Walsh en colaboración con Ridley Scott, y contiene música y actuaciones de dicho compositor, así como material inédito de los conciertos de Bruce alrededor del mundo, además de testimonios hechos y enviados por los mismos seguidores del músico.
Este 27 de agosto saldrá a la venta una colección titulada Made In California, la cual contendrá seis CD’s que abarcan siete horas y media de música, distribuidas en 60 canciones originales, demos, tomas alternativas, además de una gran variedad de conciertos, actuaciones en televisión, radio, y temas inéditos como Goin’ To The Beach, California Feelin’, y You’ve Lost That Lovin’ Feeling. Además de mezclas a capela de From The Vaults, entre otras cosas.
NO AGE PRESENTA AN OBJECT El dúo conformado por Randy Randall y Dean Spunt, No Age, lanzará el próximo 20 de agosto An Object su tercer material discográfico. El álbum cuenta con 11 temas y fue grabado en Los Ángeles, California junto al colaborador frecuente del dúo Facundo Bermúdez. El arte del disco fue creado por los mismos músicos junto al diseñador Brian Roettinger.
El vocalista de The Who, Roger Daltrey, fue expulsado de la banda por tres días en 1965 tras una pelea con Keith Moon, ya que el primero se atrevió a tirar sus drogas por el inodoro argumentando que estaban afectando su desempeño.
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ues sí; era predecible pero nadie pudiera haber sabido exactamente cómo ni cuándo sucedería, y yo menos. Lo más probable es que ya te enteraste de Spotify. Seré sincera, la primera vez que escuché acerca de “Spotify” confiaba en que era algo interesante y que en “su eventualidad” llegaría a crecer mucho más; estaba intentando entender mejor cómo funcionaba y de qué exactamente se trataba, pero no le presté tanta atención porque antes de que existiera este “nuevo” monstruo, para mi gusto “NADA podía ser mejor que iTunes”. Al final superó todas mis expectativas, pues ahora por lo que antes pagábamos por UN solo disco en iTunes, podemos escuchar TODOS los discos que queramos al mes (si tienes el servicio “Spotify Premium”); o si prefieres puedes escuchar música de todo tipo, GRATIS, desde una computadora. (Cabe mencionar que hasta ahora he buscado a propósito discos súper difíciles de encontrar y he encontrado todos.) Les voy a resumir la pequeña joya que se ha vuelto Spotify para todos los que, como yo, somos adictos a la música: • Playlists infinitos que puedes escuchar mientras estés en línea o cuando no estás conectado. • No hay preocupaciones de gigabytes ni miedo a que tu “smar tphone” o computadora exploten por falta de espacio. • La calidad de toda la música es excelente. • Spotify Radio, en el que das click a un género que prefieras y escoge por ti un playlist. (Gran herramienta para encontrar música nueva.) Ah! y un correo semanal en el que te avisan de nuevos lanzamientos y sugerencias. Estoy sorprendida de lo mucho que ha crecido esta nueva adicción, y sigo ansiosa por ver cómo seguirá evolucionando. Debo admitir que muero por saber qué harán nuestros amigos de Apple para volver a ganarse el lugar que tenían antes de que existiera Spotify. Una batalla que no será fácil, ya que Spotify se ha ganado el respeto del público desde su lanzamiento y ha crecido considerablemente en los últimos meses. Definitivamente es un tiempo emocionante para la música... Así o más chulo?
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THE BEACH BOYS
SPOTIFY POR : ELÁN
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DISCOS
DISCOS
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DISCO DEL MES SIGUR RÓS KVEIKUR
por: Luis Palmeros
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pesar de su portada y sencillos, Kveikur no es el disco más pesado del trío islandés, sino el más accesible. Suenan cómodos sin sonar monótonos, exponen desde su sonido más agresivo hasta su encanto más pop. Es el disco más terrenal de una banda que siempre había operado desde otro plano. Las estructuras son más fáciles de relacionar con el pop o el rock, aunque no deja de ser un sonido sombrío. La salida de Kjartan (teclista) significa menos arreglos clásicos y de profundidad, pero encuentran un nuevo sentido de textura. Kveikur es un acierto en muchos sentidos, pero lo más contundente es la accesibilidad para los novatos y la suficiente experimentación como para satisfacer a los conocedores.
SURFER BLOOD PYTHONS
por: Andrea Paz
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Después de 3 años de su debut, la banda de Florida regresa con un material más estructurado y producido pero no por eso con menos fuerza. Continúan bajo la línea de un rock veraniego pero al mismo tiempo de garaje que a veces pareciera ser un post-punk con destellos menos adolescentes. Atrapa desde el primer momento, sí, pero el material en conjunto no es uno de esos que se pueda colar a lo mejor del año y tampoco es decepcionante aunque vale la pena llegar al final. Prom Song sin duda puede ser uno de los sencillos que enganchen adeptos. No hay muchos rastros de lo que fue Twin Peaks o Swim, Pythons quizá es un ejemplo de que a veces la madurez ya no es divertida.
DISCLOSURE SETTLE
por: Luis Palmeros
Los hermanos ingleses no pasan de los 22 años, pero entienden las debilidades y fortalezas de las carpas de electrónica alrededor del mundo, Settle es la cura. Su debut llena el espacio que dejó RAM de Daft Punk, es el mejor disco de dance/pop del año. El álbum emula el clímax de una fiesta: la combinación de escalofríos, adrenalina y excitación. Settle también es excelente en los audífonos, su impecable producción provoca una experiencia igual de estimulante sin tener que bañarte o manchar la camisa. Derrocha clase con su feminidad y arreglos que contrastan con las tendencias híper-masculinas de la escena electrónica en el mundo. Éste es el debut más incluyente en años.
UE? Q S A ¿SABÍ
Es algo muy común escuchar la trágica historia de aquella estrella musical que murió por sobredosis, bueno el rock cuenta con más de 40 de estos sucesos.
El álbum con el que el conjunto The Cure debutó, llamado Killing An Arab, generó gran controversia, lo curioso es que está basado en la novela El Extranjero de Albert Camus.
por: Andrea Paz
MILES KANE DON’T FORGET WHO YOU ARE
Al señor Kane le ha llegado la hora de tomar identidad propia, se ha safado casi por completo de los aires de The Last Shadow Puppets. Este segundo disco si bien sigue teniendo reminiscencias noventeras (quizá por la influencia que siempre ha tenido de Noel Gallagher), es rítmico desde el primer track, es beatlesco y nostálgico. Es un material bien balanceado, no explota en ningún momento pero bien puede repetirse más de una vez por completo. Out Of Control es la pieza que lo coloca como –ahora sí– un gran músico, sin pretensiones, propositivo y natural, que habla por sí solo y que sobre todo habla por él como nunca antes.
por: Luis Palmeros
J. COLE BORN SINNER
Jermaine Cole es una promesa en desarrollo. En este segundo álbum trabaja con excesiva ambición y altas expectativas que cumplir, el resultado es un disco muy fácil de disfrutar; ni más, ni menos. La característica principal de Cole en Born Sinner no son las “perras” o el dinero, sino el amor que le tiene al Hip Hop y a sus ídolos, su sonido remite a las primeras producciones de Kanye West (cuando se dedicaba a complacer, no a crear arte sublime). Con una producción de primer mundo y un flow suave, Cole presume varias joyas en este gran álbum. Aunque no es un clásico o disco del año, es una afirmación que fortalece los fundamentos de J. Cole como promesa.
NoFm-Radio escuchas radio por internet
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BEADY EYE BE
Flink Of The Finger hace que pongas atención y comiences a creer que tal vez el hermano menor de los Gallagher por fin logró espantar a sus fantasmas del pasado. Lamentablemente, él es el primero en recordarnos a Oasis, no atreviéndose a experimentar un poco más y darle una personalidad propia a la banda. Siempre quedándose a medio riff o a dos rimas de hacer grandes canciones que lograran abrirle un lugar a Beady Eye en nuestros corazones. Hay momentos que son pequeñas muestras de genialidad pero se van rápidamente. Lo que más se reprocha es que pudo ser mucho más y se queda a la mitad.
@nofm_radio
por: Rocco Portillo
NO FM RADIO.COM
PORTUGAL. THE MAN EVIL FRIENDS
¿Quién es diabólico en esta historia? ¿Quién representa al pecado y a la diversión? El pop. Potugal. The Man hace su disco más experimental y a la vez el más conciso y directo de su carrera, mucho de ello gracias a la mano de Danger (creador de exitos) Mouse. Es experimental porque por primera vez se meten de un clavado a la alberca del pop sin perder ni un gramo de credibilidad en el camino. El quinteto de Alaska entrega con Evil Friends un material que resume su trayectoria para conseguir nuevos adeptos y se revitaliza para los fieles creyentes. Evil Friends es el disco que tal vez los ponga en el mapa para algunos pero, más importante, es en donde la banda se da la libertad de pecar y eso se agradece.
6274-8323
por: Rocco Portillo
TODO MENOS MIEDO
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LIBROS
EL DIVÁN
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por: Eunice Victorino
LAS BATALLAS EN EL DESIERTO JOSÉ EMILIO PACHECO
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EL FAVORITO
arlos, protagonista de “Las Batallas en el Desierto”, recuerda su infancia en el México de los años cuarenta. Los recuerdos que son evocados por el Carlos adulto, a pesar de ser lejanos incluso para el propio protagonista, no son más que signos que marcaron la identidad de cualquier mexicano. Desde el recuento de los problemas que trajo el sexenio de Miguel Alemán, hasta la forma que la Colonia Roma en el Distrito Federal se convirtió en hogar para los migrantes recién llegados de todas partes del mundo, la influencia de Estados Unidos palpables en los nuevos hábitos de consumo que colocaban en las mesas mexicanas las botellas de ketchup. Pero sobre todo, es una historia acerca del primer amor, un amor imposible que vive sólo en el recuerdo de Carlos, en quien hizo honda huella, tal como suele suceder con el primer amor. SANGRE EN EL OJO LINA MERUANE
EL CLÁSICO
NOVEDADES
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La protagonista de esta historia es Lina Meruane, quien basó la novela en la experiencia propia de perder temporalmente el sentido de la vista. El accidente oftalmológico que ciega a Lina ocurre mientras se encuentra en un punto decisivo en su vida, la mudanza de Santiago de Chile a la ciudad de Nueva York. El relato transmite efectivamente la frustración resultado de tener que adaptarse, de tratar de conciliar los otros sentidos que han sido agudizados con la memoria de una imagen. Más allá de los problemas cotidianos que supone la pérdida de un sentido, la nueva situación propone a Lina retos que involucran la relación amorosa que sostiene. La vulnerabilidad y dependencia que trae a la relación amorosa la ceguera de uno de los cónyuges obliga a ambos a replantear las preguntas que originaron la relación que sostienen. MIRE AL PAJARITO KURT VONNEGUT Esta colección de cuentos inéditos de Vonnegut, resultó un recordatorio de la gran pérdida que significó para la literatura la muerte del escritor estadounidense. Los catorce cuentos reunidos en “Mire al pajarito” resultan perfectas viñetas de la vida en Estados Unidos después de la Segunda Guerra Mundial; Vonnegut relata con el humor que le caracterizó al final de su carrera, las historias de genios de preparatoria, oficinistas rechazados y donjuanes de poca monta quienes luchan con las nuevas tecnologías y los nuevos límites morales de una sociedad al borde de un cambio. Aunque las historias van desde el romance hasta el misterio, cada una contiene el distintivo estilo ácido, irónico y satírico que caracteriza a Kurt Vonnegut LA VIDA ES UN SUEÑO PEDRO CALDERÓN DE LA BARCA Del Barroco español, surge “La vida es sueño” como una de las joyas de esta corriente literaria, al contener uno de los monólogos más famosos del teatro en el cuál la naturaleza misma de la vida es cuestionada. Es el mejor ejemplo de las características oníricas y fugaces de la vida, ideas que están profundamente ligadas con la concepción ideológica de la época. Calderón de la Barca juega con la línea que divide la realidad, la ilusión y la percepción humana con un lenguaje de gran belleza y nos hereda una de las obras teatrales más importantes de la literatura universal.
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Nikon y Sabotage Magazine te regalan una cámara fotográfica Coolpix S800c de 16 megapixeles con GPS y Wi-Fi integrado. Busca las bases en nuestras redes sociales a partir del 1 de Julio. @sabotage_mag fb/sabotagemagazine
TEATRO
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1er ACTO HOMBRE VERTIENTE
Plaza Condesa Corta Temporada: del 09 al 28 de julio Hombre Vertiente es una experiencia sensorial que envuelve al espectador en un viaje a través de diversos mundos imaginarios. Un mundo donde los personajes caerán del cielo para luchar contra la fuerza del agua. En este performance se narra la odisea de un ser que lucha por descubrirse a sí mismo mientras viaja a través de mundos creados por su propia mente. Esta obra cuenta con las actuaciones de Ignacio De Santis, Eugenia Di Marco y Diego Echegoyen entre otros, bajo la impecable dirección de Pichón Baldinu, considerado uno de los directores más originales y arriesgados de la escena argentina y el ganador del premio Tony en más de una ocasión. Martes a sábado 21:00 y domingos 17:00
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DIARIO DE UN LOCO Foro Cultural Chapultepec Un funcionario de la burocracia ucraniana del siglo XIX nos va mostrando, a través de las anotaciones en su diario íntimo, cómo en medio de la rutina de su trabajo y las pequeñas humillaciones cotidianas surgen en su mente extrañas ideas. Lunes 20:30
HARD CANDY Teatro Helénico Heyley, de 16 años, conoce por internet a Jeff, un fotógrafo de 35 años. Heyley accede a verlo en su casa y cuando él ya siente que seducirá a la inocente niña, cae adormecido por el somnífero que ella le ha dado sin que se percatara. Viernes 19:00 y 21:15, sábados 18:00 y 20:30 y domingos 18:00
EL FINAL Teatro El Granero Un anciano que ha sido expulsado de la institución de beneficencia donde había vivido por años inicia el camino rumbo a El Final. ¿Quién es? ¿Por qué está solo? ¿Está loco? ¿De dónde viene? ¿A dónde va? ¿Cómo llegó ahí? Lunes y martes 20:00
MARY POPPINS Centro Cultural Telmex La niñera más famosa de la pantalla grande llega ahora al teatro con un musical completamente en vivo y con una súper producción respaldada por Disney y Cameron Mackintosh, además de poder ver en el escenario a una Poppins más humana y cantando de manera entrañable encarnada por la actriz Bianca Marroquín. Una obra que chicos y grandes no deben perderse. Juéves 20:00, viernes y sábados 17:00 y 20:30, y domingos 13:00 y 17:30
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CINE
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QUE NUNCA FALTE…
por: Rodrigo Prieto
Por: La Nena Mounstro Ese día en particular donde te sientes mal de algo, desde un simple dolorcito de estómago hasta un fin del mundo porque tu novio te dejó. Suponiendo que no eres el típico llorón que todos los días dices que te vas a morir de algo, todos en esta vida tenemos derecho a sentirnos fatal un día. ¡Ah, pero no! Nadie nos deja ser el peor ni un día, hasta para eso los demás se pelean. Nunca falta el “yosoymejorquetúentodo” hasta para los peores momentos. Siempre hay alguien que te arrebata ese momento de gloria en donde creías que hoy era el peor día de tu vida. Siempre hay alguien que te arrebata ese día, tú día de la queja extrema. Ya ni para ser el peor hay lugar. No digas que te duele el estómago porque te dirán que eso no es nada, que a ellos los operaron ayer para quitarles quince centímetros de intestino. No puedes traer el ojo irritado porque ellos tienen conjuntivitis y hasta perro lazarillo tienen. No digas que te duele la cabeza porque ellos tienen un tumor inoperable y no sabes las migrañas que le causa. Lo tuyo nunca es nada comparado a su vida miserable. Jamás se te ocurra decir que anoche no dormiste bien porque ellos te dirán que llevan despiertos ocho días seguidos. Nadie les gana en estrés, en insomnio, en dolor, en malos días, en corazones rotos. Nunca podrán darte palabras de ánimo porque SIEMPRE querrán estar peor que tú. SIEMPRE. Que nunca falte el atrofiado que tiene una vida peor que la tuya. Mira, pedazo de conchudo, déjame vivir en el infierno aunque sea una semana, déjame tener un día de furia, una noche en la que creo que me voy a morir. Ya sabemos que eres un despojo humano y que hasta para ser el peor, quieres ser el mejor. Pero por favor, deja a los demás sentirse basuras por un minuto. Y si nos quieres ganar en todo, mejor ya muérete.
Los directores Pierre Coffin y Chris Renaud regresan con uno de los supervillanos consentidos del público junto con los afamados minions. Gru, a quien da vida Steve Carell, es reclutado por la liga de antivillanos para acabar con un nuevo enemigo que amenaza la ciudad. Para completar un divertido elenco, la cinta cuenta con las participaciones de Russell Brand y Steve Coogan, entre otros.
THE LONE RANGER (EL LLANERO SOLITARIO) El habitual colaborador de Johnny Depp y realizador de las tres primeras cintas de Pirates of the Caribbean, Gore Verbinsky, trae la historia del profundamente espiritual nativo-americano Tonto (Depp). Junto a su compañero de ruta y aventuras, aparentemente opuesto, John Reid (Armie Hammer), terminarían por convertirse en leyendas de la justicia. Helena Bonham Carter y Joaquín Cosío forman parte del elenco.
THE WOLVERINE (WOLVERINE: INMORTAL) Esta vez la historia es en la época actual, particularmente en Japón, territorio desconocido para Wolverine (Hugh Jackman), donde deberá enfrentarse con su principal enemigo en una lucha a muerte. En la batalla tendrá que superar sus limitaciones físicas así como las de carácter emocional. Esta batalla interior lo convertirá en un mutante de poder inimaginable. La película dirigida por James Mangold (Girl Interrupted, Walk The Line) promete una entrega con mayor desarrollo del personaje.
FEAR AND LOATHING IN LAS VEGAS
DVD Y BLU-RAY
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DESPICALBE ME 2 (MI VILLANO FAVORITO 2)
Basada en la obra de Hunter S. Thompson, el imaginativo director Terry Gilliam trae esta road movie sobre la búsqueda del sueño americano de Raoul Durke (Johnny Depp) y su abogado el Dr. Gonzo (Benicio Del Toro), al cual no podrían llegar sin la ayuda de todas las sustancias que se encuentren en el camino, todo convenientemente almacenado en el convertible conocido como “The Red Shark”, el cual los llevará por una carretera muy sensorial.
IT MIGHT GET LOUD Este documental nos muestra a tres grandes manipuladores de la guitarra eléctrica cuyas contribuciones a la historia de la música han sido de gran influencia: Jimmy Page, Jack White y The Edge. Con puertas abiertas a su gran pasión, la música, exponen sus sensaciones, miedos y hasta experimentos a lo largo de su trayectoria para obtener nuevos sonidos y satisfacer hasta el punto de las lágrimas al público que abarrota arenas, plazas y estadios.
MÁQUINA DEL TIEMPO
1 de julio
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1961: Nace Diana, Princesa de Gales. (Lady Di)
2 de julio
1874: en Filadelfia (Estados Unidos) se abre el primer zoológico público
JULIO
1566: Muere Nostradamus, profeta francés
1946: El bikini se presenta en sociedad por primera vez, creado por el francés Louis Réard 1996: La oveja Dolly se convierte en el primer mamífero clonado 1889: Nace Jean Cocteau, poeta, novelista, dramaturgo, pintor, diseñador, crítico y cineasta francés
1882: En Londres se realiza el primer torneo de tennis Wimbledon. 1789: Inicia la Revolución Francesa con la toma de la Bastilla en París 1995: Una semana después de haberlo creado le dan nombre al formato de audio como MP3 1955: Inauguran Disneyland en Anaheim, California 1928: Asesinan a Álvaro Obregón en la ciudad de México
1969: El hombre llega a la luna
1964: Nace Chris Cornell, front man de bandas como Soundgarden, Audioslave y Temple Of The Dog 1741: Muere Antonio Vivaldi, compositor italiano 1954: Nace Hugo Chávez, presidente venezolano
17
20 de julio
1956: Nace el actor Tom Hanks
28 de julio
1810: Comienza la guerra de Independencia de Venezuela
9 de julio
1916: Primer partido de fútbol por la Copa América entre las selecciones de Uruguay y Chile 1883: Nace Franz Kafka, escritor checo, autor de La metamorfosis y El proceso, entre otras obras literarias 1971: Muere Jim Morrison, cantante, poeta y vocalista de The Doors
14 de julio
5 de julio
3 de julio
1915: Muere en París Porfirio Díaz
soundtrack
La música está en el tuétano de todas las existencias humanas.”
JULIO PATÁN por: Andrea Paz Fotografía: Sol Sours
Existen personas que están tan sumergidas en la literatura, en la cultura, el arte y sus nuevas vertientes que nos hacen pensar que sus tendencias musicales son todo un enigma, y sí, pero el trasfondo de eso nos deja saber que de lo terrenal se desprenden peculiares soundtracks de vida como en el caso de Julio Patán.
ESTAS FOTOS FUERON TOMADAS CON LA CÁMARA EOS 5D MARK III
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ntremos en contexto: Si él pudiera viajar en el tiempo lo haría a la década de los 80’s, para así presenciar alguno de los conciertos que terminaron por formar esa pequeña obra maestra de Tom Waits llamada Big Time, o a uno de Led Zeppelin en los momentos de The Song Remains The Same... Julio es escritor y conductor de radio y televisión, su padre también es escritor y profesor en la facultad de filosofía y letras inglesas al igual que su madre, digamos que trae el gen intelectual. Los gustos musicales adquiridos marcaron su vida, en su casa se escuchaba música clásica como Beethoven, “en casa siempre nos repetían que en la música está Beethoven y todos los demás”. También se escuchaba a Elvis, por supuesto, y por influencia de su padre a The Kinks que aunque estaba un poco negado al rock, la banda londinense sí era de su preferencia. Julio cree que esa cercanía puede ser debido a un alumno de la facultad, en realidad nunca lo ha sabido.
Las notas de Bob Dylan y sobre todo de The Beatles también resonaban en su casa. “Cuando descubrí a los Beatles con una antología que se llama Oldies But Goldies fue un claro parteaguas en mi forma de entender la música. Todo siempre nos cambia la vida de una u otra forma, sólo que no nos damos cuenta. Los Beatles tienen el significado perfecto de un clásico, conectan con todas las generaciones y bajo diferentes contextos les encuentras algo diferente cada vez, esto aplica tanto a la música como la pintura o la literatura. Los clásicos se van actualizando por sí mismos con cada generación, se va leyendo, viendo o escuchando de diferentes maneras y siempre encanta. Es simplemente el resultado de la brillantez y el talento.” Después de haber estudiado filosofía (lo cual le fue algo insoportable), comenzó a escribir para tranquilizar a sus padres sobre su vocación profesional, publicar incidentalmente para el periódico –ahora desaparecido- El Nacional, fue un alivio. Lo demás ha sido un camino natural, saltando a otras revistas y suplementos donde trabajó como editor por muchos años. Ahora además de dar clases, hace otras tantas cosas en paralelo. Para cuando todo ser humano llega a esa edad en la que quiere tener una banda de rock, él comenzaba a salir solo a la vida nocturna y la sociedad comenzaba a abrírsele, esto coincide con una notable vitalidad del rock mexicano, brotan espacios como Rockotitlan que fue toda una institución, el Look en donde llegó a tocar Jane’s Addiction, el Rock Stock, Tutti Frutti, y un lugar llamado Bar 9, un bar gay que tenía algunos días de convivencia plural y cuyo lugar –según el escritor– debería tener una investigación histórica, ya que de ahí salieron artistas visuales, revistas y, obviamente, mucha música; incluso tocaron los Caifanes antes de ser famosos. Todos estos fueron como una especie de CBGB mexicano. Estos acontecimientos en la vida de Julio, como el esplendor del Rock en tu idioma y los medios de comunicación abriéndose a estas propuestas, dejan una huella imborrable en su forma de ver la ciudad y su contexto social, como
en su más reciente obra “Conspiraciones”, que si tuviera un soundtrack sería el siguiente: para la parte del tema extraterrestre Kraftwerk porque tiene un tono clásico y antiguo; para la derecha Norteamericana, Tom Waits por ser un gran retratista satírico de la vida urbana decadente americana que fundamentalmente es de donde salen este tipo de movimientos; para la conspiración judía, a manera de homenaje, elegiría a Mahler y en los momentos desagradables y estridentes a Wagner (del que habla con bastante frecuencia aunque no le gusta, pero aprecia su incomparable genialidad musical); para cuando habla sobre los masones, él mismo dice: “No sé, hay rumores de que Beethoven lo fue, se dicen muchos nombres que quizá lo fueron pero no hay forma de saberlo, también se ha mencionado a Mozart como parte de sociedades secretas.” A pesar de su influencia beethoveniana, Julio también nos cuenta algo de su experiencia hacia el connato del canto nuevo y el folklor, que no le gustaban en lo absoluto, pero lo estaba viviendo y por tanto había que prestarle atención a la escena. Aquel momento era el del último coletazo del post marxismo setentero y principios de los ochentas, era entonces cuando quizá la sociedad se sentía un poco obligada a escuchar esa trova cubana. “Recuerdo un concierto de Silvio y Pablo en el Auditorio, creo que también estaba Amaury Pérez. Mis amigos se emocionaban y me decían que eso era lo que tenía que escuchar porque para ellos era como una revelación, pero me aburrió muchísimo y me sigue aburriendo la trova cubana.” Su visión sobre la ruptura de la escena nacional también es algo particular. “En Estados Unidos y Reino Unido estaban Elvis y Little Richard, de ellos hasta hoy hay una continuidad, se generó una industria, espacios y formas de convivencia. Desde el siglo XX hasta el presente la música impacta fuertemente en las formas de socializar. Woodstock transformó la manera en la que usamos el mundo, pero esto sucedió en sociedades democráticas. México, como sabemos, tuvo un gran periodo gris y se escuchaba la música más clásica, y se veía al Mariachi como la encarnación de los valores. La represión de los 70’s conllevó a la clandestinidad, a los hoyos funkies que vivían en una permitida ilegalidad, porque obviamente había una plena complicidad de muchas autoridades. El rock mexicano se desarrolla en una especie de periferia. Se hizo un esfuerzo muy importante con Avándaro, en definitiva pone en el mainstream a ese mundo subterráneo.” Por lo pronto, mientras sigue escribiendo nuevos proyectos, busca música con manifestaciones menos pretensiosas, música que ya esté muy dentro de su mente para que lo deje trabajar en paz. Y aunque aún sigue escuchando a The Beatles, ahora lo hace junto a sus hijos cuando van en el coche, siempre encontrándoles un significado especial y diferente.
EL TOP DE JULIO PATÁN 1. The Beatles 2. Tom Waits 3. Talking Heads
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soundtrack
“Sí, aparentemente nuestra música es un conjunto de lágrimas doradas que caen del cielo, o algo así. (Risas) Es definitivamente fantástico que la gente aprecie lo que estamos haciendo. Hay un capítulo en el libro de Tommy Lee en donde se describe a sí mismo tirado en el piso en posición fetal escuchando a Sigur Rós. Un amigo suyo llega y le apaga la música. (Risas)”
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por: Luis Palmeros Fotografías: Cortesía de Terrícolas Imbéciles
veintI dos
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ay diferentes tipos de ll a n t o, s e n o t a n p o r l a s diferentes combinaciones de temperatura,estado de ánimo, peso y cantidad de lágrimas. He llorado frío, he llorado con acalorada impotencia, he derramado lágrimas que cargan todo el peso de mi mundo y he llorado con Sigur Rós. El último, no es un lamento, sino un estado de híperconciencia, es cálido pero no hierve; es frío al mismo tiempo, pero sólo para contrarrestar la calidez. Es un perpetuo estado de shock ocasionado por los bruscos pero más placenteros cambios de temperatura. El llanto de los islandeses no es un estado de realidad, sino una extensión de la misma. Heima (At Home)
Islandia, hogar del trío , despide un aura muy particular. Por medio de la música y el cine los acercamientos a esta isla europea son visiones específicas de terceras partes, pero todas comparten cierto exotismo, paz y espiritualidad; como un cliché tepozteco. Si ignoramos a la primera obvia referencia islandesa en la música que es Björk, Sigur Rós es el causal del incontrolable anhelo new age de querer vivir en Islandia. 1
Hace poco la banda hizo una aparición estelar en Los Simpson. Aparte de ser simpsonizados por unos cuantos segundos, crearon música original para el episodio, y sí, suena exactamente a ellos. En “The Saga of Carl” (nombre del episodio) uno de los amigos con los que Homero se emborracha, Carl, huye a Islandia con dinero que no le pertenece. Homero, Moe y Lenny lo persiguen y…
bueno, es irrelevante, el punto es que ya en Islandia los personajes amarillos se duermen y se pierden de una noche con gnomos, magia y una aurora boreal. Es gracioso, porque es cierto; vemos tanto a Islandia y a Sigur Rós como estos símbolos etéreos inamovibles, cuando en realidad son sólo un país y un grupo de personas que disfrutan de una buena fiesta al igual que Homero. Si Jónsi, Georg y Orri leyeran el inicio y el final de este texto se reirían, porque así son, les gusta el metal, ponerse borrachos y reírse, no son autoridades que guardan los secretos sagrados de la humanidad mientras derraman oro de sus ojos y flotan cruzados de piernas. Pero esa es la magia en el sonido de Sigur Rós, se siente trascendental sin ser inhumano, es de los sonidos más humanos en la actualidad. Inni (Within) Los paisajes sonoros de Sigur Rós cargan con muchas etiquetas: postrock, dream pop, post-angel, ambient, perfection wave, etc. Estas etiquetas no son más que referencias para adentrarse en su universo. 2
Son artistas con una obra única. Su discografía es un cuerpo, uno que difícilmente podremos entender en su totalidad hasta que llegue el tan temido final del proyecto. El año pasado presentaron Valtari, un sexto álbum de estudio criticado por su glaciar movimiento, por ser su faceta más tenue, pero este año le pertenece a Kveikur. Tonos oscuros, sonidos apocalípticos y
1 Sigur Rós dejó de ser un cuarteto con la partida de Kjartan Sveinsson a inicios del año. 2 Un par de esos “géneros” me los acabo de inventar, pero ¿de verdad pueden adivinar cuáles?
estruendosos preparados para estremecer a un estadio completo, una nueva cara que no hubiera apabullado a este grado si no se tuviera a Valtari como precedente. Son polos opuestos que funcionan uno con el otro y los dos te quiebran y dejan de rodillas como sólo Sigur Rós sabe. En realidad no mucho ha cambiado, sí, quizás lo pensamos en demasía, es un movimiento lógico. Nos han acercado al cielo, ahora nos acercan a otro lugar menos esperanzador; aunque la catarsis emocional que conlleva sigue siendo la misma. No tomarse demasiado en serio es de vida o muerte en este conjunto, es más, se han alejado conscientemente de la perfección cristalina que los rodea. En su proyecto audiovisual de 2011, Inni, los islandeses estuvieron a punto de descartar el DVD por esto, porque era muy frágil y bello (aunque ellos se refirieron a este primer corte como limpio y aburrido), al final se decidieron por una estética rasposa y, en sus palabras, “shitty”. Transfirieron ese primer corte a una película de 16 milímetros y emplearon filtros inusuales, como cristal. El no tomarse en serio les ayuda a no tener un plan en específico. Por más delineada que parezca su trayectoria en retrospectiva, el trío nunca entró al estudio con un plan finamente trazado y estructurado; al contrario, es un proceso emocional y orgánico. A pesar de que han reiterado esto en muchas ocasiones, también enfatizan la extrema atención a los detalles, son meticulosos y creen que si una parte microscópica está mal acomodada en sus piezas, todo el sonido falla.
Los dos canales primordiales para acoger estos sonidos son el visual y el en vivo. La experiencia Sigur Rós está altamente abierta a la autointerpretación y el trío celebró esto con The Valtari Mystery Film Experiment. Dieciséis videos realizados por diferentes directores inspirados en la nueva música del grupo, hoy Valtari. El resultado es espectacular, cada video tiene una estética individual, y por si fuera poco, el último filme del proyecto, el dieciseisavo, fue dirigido por Floria Sigismondi.3 El segundo canal, es el en vivo. Toda esta lectura de la esencia del tr ío islandés viene irremediablemente de la experiencia de verlos en directo. Hay un antes y un después de Sigur Rós en vivo. Sí, es una expresión desgastada, pero si con alguien aplica al 100% es con ellos. Sus shows son una experiencia envolvente que llega a un punto casi metafísico.
En donde más les queda la etiqueta de post-rock es en vivo, ya que el género en sí, está manufacturado para conciertos. Edifican poco a poco, la sangre empieza a hervir, llega al punto de ebullición y, de ahí, el espíritu se quiebra o se libera para dejarse llevar por completo. Cada uno de los temas es una inmersión distinta, toquen lo que toquen, sin importar la duración del set, día o noche, sin visuales o con visuales, con calor o frío. Ver la práctica de la guitarra con arco4 en directo es, por sí sola, im-pre-sionan-te. Suena como el lamento de una ballena moribunda. Ambos canales tienen efectos postexperiencia, ecos que dejan algún tipo de marca, unas más aparentes que otras. Este texto es un eco, una resonancia que se manifiesta en papel impreso, en algo tangible; con olor y sabor (aunque no es el más agradable para el paladar). Zumbidos eternos que se pueden manifestar de cualquier manera: en conversación, tinta, pensamientos, sentimientos, creación
de arte o apreciación de la misma. Este escrito es una expresión del zumbido con el cual espero quedarme para siempre. Epílogo En el cortometraje de Svefn-G-Englar, de su segundo álbum (Ágætis byrjun, 1999), un grupo de personas con síndrome de Down hacen una coreografía, los movimientos son pacíficos y las mantas que cubren sus cuerpos no podrían ser más blancas. Ese video siempre ha definido a Sigur Rós para mí. Estas personas discapacitadas con una copia extra del cromosoma 21 pisan el pasto color esmeralda como ángeles, su cromosoma extra luce como el cromosoma del ángel. Ese es el divino efecto ocasionado por los islandeses, hacen de una realidad algo más, algo reconfortante, que cobra importancia, un pequeño pedazo de cielo al alcance de todos, sin importar colores, idiomas o genética. Sigur Rós no es mi banda favorita, sino mi parte favorita de la vida.
Fotografía: Lilja Birgisdóttir
Nunca queremos que nuestra música llegue con una respuesta emocional preprogramada. No queremos decirle a nadie cómo sentirse y qué llevarse. Con estos filmes literalmente no tenemos idea de lo que van a presentar los directores. Ninguno de ellos sabe lo que están haciendo los demás, así que ojalá sea interesante.”
3 Floria Sigismondi ha dirigido videos para Björk, David Bowie, Marilyn Manson, Leonard Cohen, y más. En 2010 escribió y dirigió The Runaways. 4 La guitarra con arco es un método para tocar guitarra en el que se usa el arco, accesorio para frotar las cuerdas de instrumentos como el violín.
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Með Suð Í Eyrum Við Spilum Endalaust (With a Buzz In Our Ears We Play Endlessly)
EL SONIDO LOS ENCONTRÓ EN EL CAMINO por: Luis Palmeros Fotografías: Cortesía de Universal Music
A los seis días de comenzar la gira promocional para Save Rock and Roll, Patrick Stump, vocalista de Fall Out Boy, se toma unos minutos para platicar con nosotros. Desmayos, libertad creativa, Rock and Roll, The Clash, Blondie, Ray Charles y un largo etcétera.
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SB: ¿Qué tan difícil fue reconectarse creativamente con el grupo después de un descanso tan largo? PS: Fue interesante porque no fue tanto reconectarse sino crear nuevas conexiones. Creo que muchas de las maneras en las que hicimos nuestros álbumes anteriores no eran sustentables, o saludables. Todavía había mucha tensión al hacer este disco, siempre que haces arte con alguien será difícil, pero no fue tan personal, fue más pelear con los obstáculos alrededor de nosotros, ese fue el desafío. SB: Han expandido su sonido, FOB podría ir a cualquier parte. ¿Todavía necesitas un desahogo creativo como solista, o viertes todo en FOB? PS: Es una gran pregunta. Ya no siento que sea tan necesario; siento que los proyectos de solista están ahí para sacar todo lo que no puedes en otra parte, y creo que ahora hay mucha más libertad para ir a donde queramos y creo que así debe ser. Digo, no creo que hagamos un disco R&B. (Risas) SB: El título de este disco, Save Rock And Roll, ha sido un poco controversial, ¿qué defines como “rock and roll” y qué quieren salvar? PS: Creo que el Rock and Roll es una idea, un sentimiento que necesita ser rescatado de la estricta definición de lo que es. Y es frustrante que se haya convertido en esta cosa estrictamente definida de chamarras de mezclilla y motocicletas, pelo largo y barba, guitarras pesadas, todas estas cosas. Pero cuando ves los orígenes del Rock and Roll y su linaje, hay muchísimas ideas afuera de eso. No es sólo 1975… SB: ¿Es como rescatar el espíritu del Rock and Roll? PS: Exacto. Cuando vi a The Clash tocar Rock The Casbah y a Blondie haciendo Disco, eso fue Rock and Roll para mí. Creo que era un tiempo muy similar al de ahora, donde la gente estaba muy clavada con las etiquetas, y ellos tuvieron la audacia de tocar eso, como para señalar lo estúpido que era. Había un mensaje detrás ¿sabes? Creo que eso es Rock and Roll, eso es lo que estamos diciendo, esa actitud debe regresar, la gente necesita aceptar que están demasiado ocupados forzando el Rock and Roll hacia esa idea que recuerdan de cuando eran niños. Hay mucha gente haciendo discos interesentes, sorprendentes y alocados en este momento, sólo que no necesariamente se ven y suenan como la gente piensa. SB: Vienen de un origen Punk-Rock y han expandido sus horizontes hacia este espíritu del Rock and Roll sin el estereotipo del género, ¿este cambio fue intencional o se dio con el tiempo? PS: Sí, es gradual pero esto pasa con cualquier banda,
cuando empiezas dices “ok, estas son las cosas que nos gustan, esto es lo que hacemos” y montas esta persona, inventas una idea de ti mismo. Ray Charles cuando empezó quería ser Nat King Cole e intentó sonar como él. NOFX cuando empezaron querían sonar como una banda de Punk en específico, no recuerdo cuál, no sé, no quiero equivocarme… Pero tienes estas ideas al inicio y mientras caminas pierdes esa persona y te encuentras a ti mismo. Creo que por eso es fácil ver nuestro primer disco y decir “eso suena a…”. Pete escribía algo y se frenaba, todos estábamos muy asustados de hacer cosas que fueran naturales para nosotros. Mientras más tiempo llevamos como banda, más desaparecen esas cosas. Es muy interesante cuando tocamos en vivo, porque tocamos canciones de todos nuestros discos, y cuando mezclas todo tiene absoluto sentido, se siente como una banda, como una carrera. Si ves fotos es más dramático el cambio, pero tiene sentido cuando llegas a la raíz de todo. SB: Están acostumbrados a las colaboraciones, pero en este disco tienen invitados eclécticos: Courtney Love, Big Sean, Elton John y Foxes. ¿Cómo fue trabajar con estos artistas tan diferentes y cómo escogieron un artista en específico para cada canción? PS: Esa es una gran pregunta, me encanta el último punto. Creo que a veces en la industria hay esta idea de usar los invitados para vender discos y llamar la atención, pero es una idea terrible porque el hecho de tener un invitado no garantiza que quede con la canción. Nosotros teníamos una idea clara y consciente de con quien queríamos trabajar, teníamos una canción específica que necesitaba de un invitado específico. Por ejemplo, si Elton no hubiera hecho Save Rock And Roll no hubiéramos conseguido a ninguna otra persona. Lo mismo con Courtney Love. Creo que estábamos buscando lo que encajara con la música, es increíble estar en un lugar donde podemos hacer esto, tener a Elton John en nuestro disco es increíble, poder trabajar con Big Sean es increíble. Al mismo tiempo, cuando invitamos a Foxes al disco no era un nombre que la gente hubiera escuchado, pero la disquera nos apoyó y eso es increíble. SB: Ésta es la última pregunta, han pasado diez años desde su primer álbum, desde entonces la industria musical y los medios de consumo han cambiado mucho, y ustedes son parte de esta transición, ¿cómo han afrontado estos cambios? PS: Creo que los cambios son buenos, al principio fue difícil, confuso sin duda. Éramos lo suficientemente viejos en ese entonces para haber visto estas diferentes eras. Ahora, creo que muchas bandas emergentes nunca tendrán que autocensurar sus videos para que los pasen en TRL (Total Request Live), o incluso mandar demos físicos a las disqueras. Hoy ya no tienes que salir, todo está en línea. Creo que los cambios nos han permitido muchas cosas, creo que varias personas ven los cambios desde una perspectiva vieja y no intentan ver lo bien que está todo ahora. Hay artistas y gente de negocios más joven que no ven lo importante que fueron algunos de los viejos modos. Los videos siempre serán importantes, igual la música, la relación con los fans y con las estaciones de radio. Al final del día el factor primordial es la calidad.
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abotage Magazine: ¿Cómo están reaccionando los fans con su regreso a los escenarios? En Twitter varios fans se han desmayado. Patrick Stump: (Risas) Sí, eso fue estúpido, caí redondo. Unos chicos decían que han habido muchos desmayos, y yo contesté: ah! necesitan más agua. Entonces lo comenté en Twitter y todos me contestaron “se están desmayando porque están felices de verte”, y entonces me sentí como un idiota, sólo me preocupaba por su hidratación.
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por: Rocco Portillo Fotografías: Cortesía de Terrícolas Imbéciles
Ese disco debería venir con una leyenda de precaución, algo así como: “No apto para corazones frágiles”. Ese disco tiene la misma tristeza y ansiedad que siempre ha caracterizado a The National, pero ahora la manera en que te aborda es diferente, es más directa y envolvente que antes, como su título lo indica: el problema te encontrará… si se lo permites.
Es ese momento de placer que brinda llorar sin reparos durante horas, ese analgésico natural que brindan las lágrimas, esa aparente fortaleza que se tiene cuando se ha perdido todo; es desde ahí que Matt Berninger canta. Por eso es un disco no apto para corazones frágiles, porque quieras o no te llevará hacia un punto obscuro, en el cual si no estas suficientemente entrenado puedes perderte. Es para aquellos que pueden encontrar un extraño placer en la melancolía. Para aquellos que aunque estén solteros, cantan canciones tristes con sentimiento, imaginando historias de desamor, celos y pasión por puro gusto. Un hombre con el corazón roto no podría aguantar la tristeza que presenta esta banda en sus canciones, podrían parecerle algo demasiado real para sentirse identificado. Un hombre con el corazón roto buscaría refugio en gente como Morrissey que le canta a la tristeza desde una perspectiva general y escondida entre metáforas. The National es para aquellos que están listos para tocar fondo, pero que están sumergiéndose por voluntad propia. Es para masoquistas de las grandes ligas, no para aquellos que presumen estar tristes. Alguien muy acertadamente me comentó: “Cuando alguien está verdaderamente triste no grita, guarda silencio”, y es una verdad que hemos visto muchas veces en la cultura popular. A mediados de la década pasada, había todos estos pubertos diciendo que estaban tristes, con sus flecos y playeras de rayas llegaron a gritar y anunciarse como personas deprimidas. Nadie de ellos realmente lo estaba, la tristeza era un juego que querían jugar pero para el que no estaban capacitados, ni emocional ni mentalmente. Con el paso del tiempo sus flecos desparecieron por casquetes cortos y los pantalones ajustados se cambiaron por uniformes que siguieran los lineamentos de las empresas para las que ahora trabajan. La tristeza era para ellos sólo parte de una moda juvenil. The National es para aquellos que saben sufrir en silencio y que lo hacen como un ejercicio espiritual que no necesita ser presumido.
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The National es una agrupación formada por dos pares de hermanos y un vocalista. En este 2013 son todo menos una banda joven, llevan más de diez años juntos y han aprendido a vivir entre las sombras durante mucho tiempo. Así como James Murphy de LCD Soundsystem, Matt Berninger es un hombre al que la fama le llegó ya que tenía varios años encima. Atrás está el buscar un regocijo en las drogas y las fiestas, la felicidad se ha transformado en una meta totalmente diferente, incluso
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have only two emotIons, careful fear and dead devotIon.”
ha dicho que prefiere estar en su patio trasero con su esposa y una copa de vino que en el after de alguno de sus conciertos. Con el tiempo todos vamos llegando a la misma conclusión, dándonos cuenta que la tristeza no es tan bellamente adornada como la de un joven rockstar tocando fondo.
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l sexto disco de The National ya tenía un lugar en el corazón de sus fans antes de que saliera y era porque sabían lo que iban a recibir. No es una banda que cambie radicalmente de sonido, aunque siempre que se preparan para crear uno nuevo ese es su objetivo. Lo que The National te brinda es una experiencia, lo hace muy bien.
La melancolía ahora se ha convertido en una amiga para Matt Berninger, la ha acompañado muchos años y ahora la utiliza como lienzo para sus desgarradoras letras, ya no para exaltar sus experiencias, sino también como parte de una ambientación a muchos personajes que, como él, encuentran mejor refugio en una nublada tarde que yendo en un convertible a toda velocidad bajo los rayos del sol. Con High Violet, su disco anterior, The National tuvo por primera vez un reconocimiento casi universal, uno que se ganaron gracias a sacar un disco sólido tras otro; no es que High Violet fuera significativamente mejor a The Boxer, era que después de una carrera tan estable, era tan sólo cuestión de tiempo para que finalmente explotaran. Lo mismo le pasó a The Black Keys, quienes demostraron que esa ruta es un arma de doble filo, pues cuando la proyección crece, las expectativas también, incluso las de los mismos fans. Inevitablemente el siguiente trabajo pasa por un escrutinio digno de un laboratorio, los ojos del mundo los observan. Un proceso del cual la banda de Cincinnati sale victoriosa, como Arcade Fire que ahora cuentan con el cobijo de los críticos y una exposición a miles de oídos que están dispuestos a perderse entre los melancólicos rumbos de su música. Como dice la letra de la interpolesca Graceless: “There is a science in walking through windows”.
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FLEETWOOD MAC por: Magalie Torres
Fotografías: Cortesía de Warner
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CUANDO EL AMOR DURA POCO Y EL DESAMOR TODA LA VIDA
Fotografía: Herbert W. Worthington
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on tanta tecnología uno ya puede manipular y simular que cantas bien o que eres un músico extraordinario, sólo hace falta dar un click para arreglar esa voz desafinada, y otro click más para hacer que la batería suene más brillante. Hoy, cualquiera puede hacer música perfecta pero: ¿Cómo conservamos el elemento humano? ¿Cómo hacemos que la música siga sonando como si la tocara gente que no es perfecta y que tiene alma?” Esto se pregunta Dave Grohl en Sound City, esto me pregunto yo misma.
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“Well, just remember: A heroe is so hard to find” No siempre se vive de la música. No todos cuentan con el placer de ser elegidos para vivir la vida que siempre han querido. Lindsey, Stevie, John, Mick y Christine a pesar de que convivieron con la fatalidad, el amor, el desastre, y que estuvieron amenazados por la destrucción y las separaciones, siempre hubo una necedad y un destino que los mantuvo unidos. Desde sus inicios en 1968, Fleetwood Mac fue una banda que estuvo destinada a la oscuridad y al abandono. Peter Green, fundador y creador de la banda, abandonó a sus amigos después de dos años de estar en gira. Decidió unirse al Highfish Kommune. Ahí conoció el LSD, las malas compañías y, literal, se quedó en el viaje. Un genio del tipo Syd Barret que no pudo con el mundo real y escogió quedarse en las sombras. Tiempo después Green fue diagnosticado con esquizofrenia. Muchos músicos pasaron por suplentes, ninguno llenó el vacío dejado por Green. Christine McVie en una espiral de enamoramiento que sólo da la juventud se casa con John McVie y se une a la banda. Es una de las mejores letristas que el mundo ha dado y fue la columna vertebral de Fleetwood Mac. Con todos los desastres pisándoles los talones, se mudan de Inglaterra a EU y ahí reescriben la historia, así inicia la segunda parte de la agrupación. Conocen a los Buckingham-Nicks, otro par de adolescentes enamorados que hacían música juntos. Cuánto amor había en los 70’s. De ser una banda de blues, cambian abruptamente a ser una banda de soft-rock. Ahora, no sólo tenían a una letrista, tenían tres. “…Dreams unwind, love’s a state of mind…” Todo lo que empieza o se reescribe es fresco, es nuevo. Los fans radicales y anarquistas de Fleetwood Mac nunca perdonarán la transcición del blues al rock, una que sin embargo les dio fama e inmortalidad. Para mí todo es una exageración. Cada época tiene su encanto. Pocas veces el destino y el universo se alinean para que tanta gente excepcional se reúna, que todos coincidan en un lugar, en un momento y en un estudio de grabación. El primer disco de Fleetwood Mac, de nombre homónimo, fue muy sencillo de hacer. Todo era nuevo, todos estaban llenos de amor, embotados de sueños y con la oportunidad en el
corazón. Grabaron el disco y cruzaron los dedos deseando que todo explotara. Con Buckingham y Nicks llevando la responsabilidad de adueñarse del escenario, el grupo rápidamente se convirtió en una bomba. Todo era singular. Dos mujeres y tres hombres que sabían hacer armonías, que jugaban con las voces al mismo tiempo que imprimían un sello único lleno de sombras. Nadie ha podido escribir desde la esperanza, el amor, la lejanía o el daño como Chris McVie lo hizo. Nadie ha podido escribir desde el desamor, la soledad y la desesperación como Lindsey Buckingham lo hizo. Y no hay un corazón tan roto como el de Stevie Nicks. Lo que caracterizó a Fleetwood fue la mutabilidad y versatilidad que tenían para pasar de una voz a otra. De un sentimiento tan inofensivo y soñador como en Landslide y esa voz tan suave de Nicks, a uno tan desolado como Storms o uno tan salvaje como Rhiannon. De Don’t Stop con una Chris cantando desde el piano, sonriente y llena de vitalidad, hasta un Songbird donde el escenario se apagaba y sólo quedaba ella haciendo llorar hasta a sus propios compañeros. De un desamparo como en I’m So Afraid de Buckingham, hasta Big Love donde le brillaban los ojos. Para terminar con Chain o Tusk donde había una detonación de sonidos y todos sonreían. Qué caos. Cuántas opciones había entonces, cuánta gente con ganas de cambiar el mundo y hacer historia. También era la época de Jethro Tull, Cream, The Who, Genesis, Elton John, Pink Floyd. Era el período de la diversidad, del amor libre, de la creatividad y también de la destrucción. Muchos nacieron en los 70’s y otros tantos vivieron esos años pero para no contarlos. “…Damn your love, damn your lies, break the silence, damn the dark, damn the light…” Fleetwood Mac tiene una de las historias de amor y desastre más tóxicas de la música. Creo que por eso me gusta tanto, sí por su música, pero el morbo que provocan las historias personales y el espanto humano que a todos nos envuelve, me lleva a otro lugar. Pronto llegó Rumors uno de los discos más vendidos de la historia y considerado como obra maestra de pies a cabeza. Y lo es. Pero el éxito no venía sólo, los siete jinetes del Apocalipsis le acompañaban. Destrucción, drogas, celos, infidelidades, traiciones y oscuridad, todo lo anterior velado por esos momentos en los que te das cuenta que el amor no lo puede todo. Que paisaje tan desolador.
EL ORGULLO BRITÁNICO DE LA GENERACIÓN DIGITAL por: Marc Sander Fotografías: Cortesía de Sony Music
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Bloodshake Aunque el nombre Peace apenas se asoma en los blogs especializados, la banda se creó en el 2009 con el nombre November and The Criminal, bajo el cual publicaron un EP homónimo en marzo de 2010. En octubre del mismo año el grupo renació como Peace, luego de que una foto conmemorativa del final de la segunda Guerra Mundial con este mismo título los conmoviera fuertemente. Peace es, probablemente, el nombre menos “googleable” en toda la historia, pero al cuarteto no parece importarle. A principios del año pasado, Peace fue nombrada por NME como una de las bandas a seguir durante 2012. En abril del mismo año, la banda sacó a la venta su primer sencillo Follow Baby en un vinyl de 7 pulgadas, la distribución se limitó a 500 copias. Es una de las agrupaciones que aboga por la utilización del vinyl como formato vigente y del disco como artículo de colección, entregando ediciones especiales; práctica que siempre es bien recibida por los melómanos en todo el mundo. Durante el verano salieron de gira con Palma Violets, Miles Kane, Django Django, The Vaccines y Mistery Jets; y para otoño la banda lanzaba un EP con cuatro canciones llamado Delicious, con exitosos cortes como Bloodshake y California Daze.
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Lovesick Después de generar una considerable fama entre los medios especializado, la disquera transnacional Columbia tuvo la visión de llevarlos a sus filas y apoyarlos financieramente en la producción de un LP. El 25 de marzo del 2013 llegó el estreno del tan esperado álbum debut In Love, conformado por material totalmente inédito. A la semana de su estreno, con casi diez mil copias vendidas, se coló al número 16 de la lista de popularidad británica. La espera de casi un año valió la pena, In Love es un sólido primer disco. Un concepto bien definido a lo largo de las diez canciones que lo conforman. La voz de Harrison Koisser funge como guía en un psicodélico viaje que te atrapa desde la primera escuchada. Los hermanos Koisser son compositores natos, tienen esta angustia juvenil que le otorga a cada acorde una sonoridad fresca, sin perder la irreverencia típica del adolescente británico. En este disco no hay lugar para pretensiones, sólo para guitarras nadando en mares de reverberación y melosas letras cobijadas por sencillas melodías. El disco es una honesta reinterpretación del sonido y estética de los años sesentas con un twist del siglo XXI. In Love es muy ecléctico pero cuenta con una peculiar sonoridad que da congruencia al álbum y permite que fluya como una entidad y no como aislados destellos de genialidad. Hay momentos en los que el folk roza con guitarras mathrockeras que bien podríamos escuchar en Don Caballero o Battles. En su breve historia, a Peace nunca le ha importado romper paradigmas. Los géneros musicales son obsoletos como concepto y ellos lo han entendido mejor que ninguna otra banda. ¿Qué género tocan? ¡Qué más da! Suenan a lo que siempre han sido y a lo que quieren ser; muestran una honestidad y congruencia envidiables. Lovesick, Follow Baby y Wraith se desprendieron como sencillos
y tuvieron una buena respuesta en las estaciones radiofónicas inglesas. Esto no sorprende, las tres canciones cuentan con un coro sumamente pegajoso y duran menos de cuatro minutos, por lo que son ideales para ser programadas continuamente en la radio. El futuro inmediato Durante este verano, Peace emprenderá un ambicioso tour por festivales europeos y asiáticos, entre los que destacan Glastonbury, Reading y Leeds. Durante el otoño tienen además un par de fechas en Nueva York y en la lluviosa costa oeste de Vancouver. Además, para nuestro regocijo, visitarán la ciudad de México para presentarse el día sábado 12 de octubre en el festival Corona Capital. Perdérselos sería un grave error. Peace está catalogado como uno de los mejores actos en vivo de la actualidad y con la experiencia adquirida en estos casi dos años de tour, sonarán aún mejor. Harrison Koisser cuenta con uno de esos espíritus creativos incansables, tengo por seguro que pronto escucharemos nueva música producto de su genio, ya sea bajo el cobijo de sus compañeros de banda o experimentando con nuevos espectros sonoros en algún proyecto alterno. De cualquier forma, el cuarteto está listo para tomar la estafeta del rock británico. Talento, agallas y humildad, Peace parece tener el paquete completo. Si continúan por este camino en un futuro no muy lejano llegarán muy lejos. Y sí, la reina Isabel II debería estar orgullosa, la mejor música se sigue haciendo en el Reino Unido.
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LIFE IS SHORT, SO DON’T BE SHY por: Rocco Portillo
Fotografías: Cortesía de Sony Music
La batería anuncia una entrada magistral, y cuando los instrumentos de viento se añaden a la mezcla pareciera que estamos frente a la entrada de un príncipe: alfombra roja, guardias, fanfarrias y todos los estereotipos incluidos. Un hombre engreído baja del carruaje con la cabeza en alto, lleva lentes obscuros, ya no es ningún joven, detrás del cristal están las pocas arrugas de un ser humano de cuarenta años. Detrás de él bajan sus hombres de confianza. El príncipe es déspota y camina con seguridad, no es agradable pero la entrada musical es tan enaltecedora que por un segundo crees en él, su presencia te pesa y la gente lo aclama con vehemencia. Quién sabe, quizá después de todo el hermano menor será el que gane esta batalla. Flick oF the Finger, la primera canción de BE, segundo material de Beady Eye, da esa ilusión. Es una lástima que el príncipe maldito no tenga los argumentos para quedarse con la corona.
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l hablar de Liam siempre estará ese elefante en la sala, ese fantasma que lo perseguirá por el resto de sus días, esa persona que sirve de parámetro para todo lo que hace. Y no es que uno quiera meter siempre al mayor de los Gallagher cuando se habla de Beady Eye, lo que pasa es que el mismo Liam es quien saca su pasado a la luz, no sólo en la entrevistas, también en su trabajo musical. En el nuevo álbum de Beady Eye esta Don’t Bother Me, una canción que sin nada de sutileza se refiere a su hermano mayor: “Did you shoot your gun/Always in the sun/ with your Number One...”. 1
Como todos saben, en un reino lejano, hubo un tiempo en que los dos hermanos lideraban el territorio. Los Gallagher eran amos y señores de la escena musical, con el tiempo se enfrentaron a grandes enemigos y perdieron algunas batallas (véase Blur), pero lo más importante que se perdió fue la hermandad que alguna vez los hizo grandes. Mientras Noel brillaba por su creatividad, Liam se fue convirtiendo en uno de los ejemplos psicológicos más estereotipados del la psicología básica, el del hermano que siente recelo por su hermano mayor. Como Abel y Caín, los dos hermanos más egocéntricos y problemáticos de la música terminarían enfrentándose a muerte. La historia marcó que no podrían seguir juntos y Noel dejo atrás el reino, inmediatamente convirtiéndose en un tesoro nacional y demostrando frente al publico y la critica que él era uno de los mejores valores de Oasis. Liam junto con Andy Bell y Gem Archer se enfrentaron al primer round discográfico con Different Gear, Still Speeding perdiendo debido a la energía inocente que no supieron condensar frente a un más consciente y menos voluble Noel.
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Liam y sus fieles comandantes se retiraron del campo de batalla y buscaron guía en un inusual hechicero llamado David Sitek, quien aparte de su trabajo con TV On The Radio, le ha dado un toque especial a gente como los Yeah Yeah Yeahs. Esta colaboración provocaba emoción en unos cuantos y curiosidad en muchos más. Quizá el hermano menor podría ganar el segundo round de esta guerra fraternal. Hay momentos en los que parece cierto, canciones de BE demuestran lo mejor de la banda cuando no se esfuerzan tanto por demostrar su calidad, sin embargo, y aunque él diga lo contrario, Liam siempre está demasiad consciente y preocupado por la recepción que su trabajo tendrá. En las entrevistas siempre habla y da juicios polémicos sin pensarlo dos veces, lo que le ha generado muchos detractores, pero siempre habrá que reconocerle la fidelidad a esa arrogancia que lo caracteriza. Ojala hubieran creado BE con la misma despreocupación con la que su vocalista habla en las entrevistas. En temas como Flick Of The Finger y I’m Just Saying, Beady Eye logra grandes cosas, y es precisamente porque son momentos en los Liam suena a Liam y no a la copia barata de Lennon –momentos que marcan los puntos más bajos de su carrera. La gran decepción de Beady Eye es, que aunque siempre han
dicho que buscan una identidad propia, continúan regresando a personificar los modelos que tan bien conocen. No permiten que gente como Sitek los lleve a nuevos territorios y los haga brillar. Liam, Bell y Archer son los primeros en regresar a las formulas tradicionales, y por ende el fantasma de Oasis regresa. Los trucos de David Sitek terminan por perderse en el fondo, en un segundo plano muy desenfocado. Oasis siempre fue esa banda que se ama o se odia sin puntos medios, para los Gallagher todo siempre fue blanco o negro, no existía una escala de grises. Después de su separación fue fácil para sus detractores desvirtuar a Liam y a duras penas reconocer el valor de Noel. Todo esto gracias a que Liam se puso en una situación en la que sería fácil juzgarlo. Ahora sin su hermano, el trío tenía mucho que demostrar. No es que BE sea un disco malo, para nada, las composiciones de Bell y Archer son grandes aportaciones. Face The Crowd es una canción que emociona por su furia, y Liam canta con una fuerza infinitamente mayor a la que escuchamos en los últimos dos discos de su anterior banda. El dilema está en los detalles, Beady Eye se queda cerca de hacer clásicos pero no termina de lograrlo, son pocas las letras que pasan de las rimas obvias y juveniles; lo mismo sucede con los riffs, están cerca de lograrlo pero hay una cautela que le quita todo el magnetismo a las canciones. ¿No hubiera sido increíble que con este material Beady Eye dejara al mundo con la boca cerrada? ¿Qué dejara a Oasis como parte del pasado y sólo pudiéramos hablar de ellos por ser una gran propuesta? ¿Qué Liam con este disco lograra validar su lugar entre los grandes vocalistas y dejaran de verlo como el hermano menor? 3
Muy tristemente en el round dos Beady Eye ya mostró sus cartas y no sorprenden. El As bajo la manga son las canciones que se encuentran en las ediciones de lujo, Back After A Break y Girls In Uniform. Éstas son verdaderas joyas y no hay justificación para su exclusión del material. Es en estas canciones en donde se muestra el lado vulnerable de los artistas, y aunque tienen toda la capacidad de recordarnos a la banda que hizo What’s The Story? (Morning Glory), brillan por ser auténticas. Oasis siempre pendulaba en los extremos, o eran geniales o tenían momentos deplorables, y ese es el defecto de Beady Eye, ellos son toda la gama de grises, nunca llegan alcanzan el blanco o el negro. Cuando los arrebatos se quedan en berrinche y no hay consecuencias, cualquier discusión pierde importancia. Los Gallagher fueron reyes en su momento y fueron ellos los que le quitaron el valor a la corona. Irónicamente son demasiado parecidos a la verdadera nobleza, tienen un lugar honorario pero no serán tomados en cuenta para las decisiones importantes. Era el momento de brillar como fuegos artificiales en el cielo o simplemente explotar destructivamente, nada estalló y todo quedó en una triste fumarola, es una lástima. I’m just saying.
1 A.K.A. Noel Gallagher. 2 No que hubiera mucha duda. 3 Siempre habrá gusto en que alguien en quien no se tiene ninguna expectativa sorprenda y deje calados a todos esos haters, y tenía la ilusión de que Liam lo lograra.
el álbum
MÖTLEY CRÜE
SHOUT AT THE DEVIL
cincuenta y dos
Por: Luis Palmeros
el álbum
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Estas cuatro figuras de acción nunca rompieron personaje. Tommy Lee sufre de hipersexualidad, se viralizó un video que grabó con Pamela Anderson en una lancha, los dos con las bocas ocupadas, y probablemente no le pese mucho que ese video sea uno de los pornos caseros más famosos de la historia. Vince Neil se sometió a cirugía plástica y triunfó en el irreal mundo de los realities. Nikki Sixx editó una autobiografía titulada The Heroin Diaries y literalmente regresó de entre los muertos. Mick Mars, bueno, siempre fue el más callado, pero seguro apesta a alcohol y malas decisiones. Como grupo, son el estatuto de cómo llevar la vida plástica de un metalero fresa en los ochentas. Qué miedo dormir a su lado, de preferencia acostarse boca arriba y ponerse un tapabocas. Su segundo LP fue el que los sacó de los callejones orinados en los que probablemente vivían. Mötley Crüe se convirtió en MÖTLEY CRÜE, los héroes de Sunset Strip. Shout At The Devil no es ni su mejor, ni su peor trabajo, pero es el testimonio perfecto para demostrar lo que era la escena Glam metal de Los Ángeles. Metal hecho pop, motocicletas, prostitutas, maquillaje, brillantina, extensiones de pelo; una explosión de excesos hechos música. La aguda y rasposa voz de Vince Neil fusionada con riffs que generan el mismo efecto dramático del hielo seco (cortesía de Mick Mars) es la fortaleza del sonido Crüe. Tommy Lee y Nikki Sixx lo espesan con coros e instrumentación pero, como en toda esa escena, las estrellas son el vocalista y el guitarrista. Las letras en Shout At The Devil, Looks That Kill y Ten Seconds To Love son himnos de bar redneck pasadas las cervezas y las 2 de la mañana. Canciones como Red Hot son prueba de la indeleble raíz punk, no importa qué tan pervertido y diluido esté el mensaje. Shout At The Devil fue un disco sumamente influyente para una escena que murió con el nacimiento del grunge. Un álbum multi-platino que puso a la venta absolutamente toda una escena a precio barato, para una generación que todavía compraba discos. Fue (a lo que coloquialmente nos referimos) una ganga.
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l amor es más complicado que el sexo. El primero requiere sobriedad física y espiritual, su concepto se debe desenmarañar y entender, mientras que el segundo sólo requiere la habilidad de bajarte los pantalones o el cierre sin verte torpe. Mötley Crüe es un conjunto de gringos hedonistas con nulo autorrespeto, y mucho menos respeto al amor o el satanismo. Nombran su disco Shout At The Devil, adornan su acto con pentagramas invertidos y listo. Llaman la atención y “ofenden” de un jalón tanto a la comunidad cristiana, como a la satanista, y son tan gringos, que no les importa. Ellos son pura acción sin premeditación, son trágicos personajes de la baja cultura norteamericana. Y ¿por qué vale la pena recordar a esta banda? Porque, a riesgo de parecer un “forever”, ya no los hacen así.
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UN PEDACITO DE
HUNGRÍA EN POLANCO por: Mariela Martínez
Fotografía: Oyuki Aceves y X/O
Sólo unos cuantos pasos son necesarios para trasladarnos en el tiempo y el espacio, al cruzar una puerta hacemos la transición entre la bulliciosa, moderna y cosmopolita zona de Polanco a una típica cafetería del siglo pasado en Budapest.
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l lugar? Café Budapest Cukrászda, también conocido simplemente como Café Budapest, es una repostería y cafetería que representa un pedacito de los recuerdos de Monika Biringer y su madre Gabriela Biringer en donde quisieron plasmar sus raíces familiares y traer las recetas tradicionales de Hungría para los habitantes de la Cd. de México. Como dato cultural Cukrászda significa “lugar del azúcar” en húngaro y es el término que se utiliza para decir “pastelería” en aquel país. Ubicado en el corazón de la concept store Common People, propiedad de Monika, el Café Budapest ofrece principalmente postres. En el menú podemos encontrar desde el típico Strudel de manzana pasando por las especialidades como el Zserbó y Dobos que son pasteles típicos de Hungría, Isler que es una rosca de avellana y chocolate, galletas de almendra llamadas Keks, Linzer, Almás Pite –una especie de pie de manzana–, el famoso Sacher (pastel de chocolate) y algunos snacks salados como el quiche de cebolla y los pretzels preparados con granos gruesos de sal. También podrán encontrar postres de temporada y mermeladas artesanales. Cabe destacar que cada uno de los postres son preparados por la misma Gabriela Biringer, por lo cual tienen ese toque hogareño que también se hace presente cuando ella atiende personalmente a los clientes.
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Todos estas ricas delicias las puedes acompañar con un café veracruzano, específicamente de Coatepec, o con un té importado, seleccionado por la primera tea sommelier de México Leticia Sáenz. Cada detalle del Café Budapest fue cuidadosamente planeado, la decoración del lugar está íntimamente ligada a la familia Biringer. Alejandro Martínez, mejor conocido como “Chispa” en la industria cinematográfica, fue el encargado de ambientar el Café; gracias a su talento podrás sentarte a disfrutar de las delicias que el lugar ofrece en hermosos muebles vintage, ya sea adentro o en el balcón con vista al parque Lincoln. En las paredes podrás ver fotografías de la familia que datan de principios del siglo XX, incluso algunos elementos de la decoración son objetos personales de la familia, como juegos de té o café, un reloj o un violín. Cada esquina de esta peculiar cafetería te espera con un detalle de nostalgia. La señora Gabriela Biringer convivió durante mucho tiempo con Alejandro preparándole postres y mostrándole la historia familiar para que él pudiera entender la esencia del Café Budapest. La música también tiene un lugar especial, podrás sentarte a escuchar música húngara o música gitana mientras disfrutas de un té para que en cualquier momento puedas perder la noción del tiempo. Si estás en busca de un lugar “cheap and chic”, definitivamente debes pasar a probar las delicias del Café Budapest Cukrászda. Aquí el presente rinde tributo al pasado.
Dirección: Emilio Castelar 149 PA Col. Polanco
Horarios: Martes a Sábado de 11:00 a 21:00 Domingo de 11:00 a 20:00
Consumo apróximado por persona: De $100 a $150 Tel. 5281 0800
R.i.p
BRIAN JONES MAJESTIES REQUEST por: Elán
sesenta y cuatro
It’s wet from all the guitar players crying.”
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o hay forma de contar la vida de nadie en unos cuantos párrafos; ni palabras que nos ayuden a entender por qué han ocurrido ciertas tragedias (musicalmente hablando) que han paralizado nuestras vidas tantas veces. El sentimiento de prender la televisión o leer el periódico, y enterarte que tu cantante o músico favorito ha fallecido... A todos nos ha pasado. Es un sentimiento de completa soledad e impotencia. El primer instante es de shock. La noticia se percibe primeramente como una broma pesada, hasta que te das cuenta de que es todo menos una broma. Y de pronto tu mundo se congela. Te da miedo, porque esos que tanto nos han hecho creer y llenado de esperanza a través de su música, nos demuestran también lo común que se ha vuelto la muerte. En varias ocasiones he llegado a pensar que todas las tragedias de los últimos 40 años en el mundo de la música (para no irme más lejos) son lecciones de las cuales vamos desaprendiendo generación tras generación. Unos menos encubiertos que otros, la “modita” de decir que “ya aprendimos” de los excesos, de “no tener límites”, y aún así seguimos tentando al diablo, pues el rock and roll siempre ha sido y será un juego de fuego; lleno de retos, de ego, de melancolías, de confusiones, de creernos genios no comprendidos, de todas esas lástimas que nos encanta que nos tengan, los dilemas y los vacíos, las confusiones, EL DRAMA... Lewis Brian Hopkins Jones, mejor conocido como Brian Jones, miembro fundador de una de las bandas más importantes de la historia del rock and roll, creó junto al tecladista Ian Stewart, el cantante Mick Jagger y el guitarrista Keith Richards una banda llamada The Rolling Stones. Y el mundo jamás volvió a ser el mismo.
Brian, nació en Cheltenham, Inglaterra el 28 de febrero de 1942, y vivió una vida de la cual muchos podríamos sentir envidia y decepción al mismo tiempo. Me las olía que leyendo muchas cosas acerca de la vida de Brian me iba a topar con muchas otras cosas negativas, pesimistas, muchas cosas que parecerían parte de una feria de quejas, reproches y prejuicios. Que “si embarazó a una niña de 14”, que “si se metió sentimentalmente con una de las mujeres de Richards y que por eso hubo tanta fricción entre ellos”, que “si fue o no fue una persona importante para Jagger”, “que si murió por un ataque de asma mientras nadaba en su piscina”, “que si jamás se ha sabido a ciencia cierta la causa de su muerte”, tantas dudas me quedan. Esa es la realidad. Mi propósito, después de haber escrito todo esto, es dejar claro que después de morirnos cualquiera puede minimizar las cosas que hicimos en vida y pintarlas de negro después de morir. Reconozco también que esto tampoco es la típica biografía acerca de Brian Jones. No sé qué sintió unos segundos antes de morir. No sé qué pasó por su cabeza o su memoria; ni quién habrá sido su último recuerdo; ¿habrá sido una persona o alguna canción? ¿O silencio? Lo que sé es que Brian Jones fue una de las razones por las cuales existe una banda que no solamente cambió mi vida, sino la de miles y millones de personas en este planeta, y que quizá sin Brian, no existiría. En su libro Stone Alone, Bill Wyman opina que “Si alguna vez un hombre vivió genuinamente la vida del rock and roll y caracterizó a los Rolling Stones en todos sus aspectos, mucho antes de que los cinco asumieran un estilo, ese fue Brian Jones.” Con eso me quedo.
28/02/1942-03/07/1969