Salvaje Nº1

EDITORIAL

¿Por qué no?

Nos gusta ir a shows, escuchamos vinilos y amamos la música.

A nuestros amigos y amigas también les gusta la música, muchos de ellos tocan en bandas, escriben sobre música, hacen reviews, graban discos o diseñan el arte de ellos, coleccionan vinilos, tienen cassettes, andan con los audífonos puestos todo el día o ponen música a penas llegan a casa; saben que escuchar cuando están tristes y que reproducir cuando fue un buen día o hay algo que celebrar.

Podemos hacer algo con todo esto... ¿por qué no?.

Podemos hacer algo bueno con todo esto si lo hacemos bien y entre todos.

A nosotros se nos ocurrió hacer una revista que hable de todo lo que significa la música, de las bandas y discos que nos gustan, de los temas que escuchamos según como nos sentimos o de los sonidos que nos conmueven. Invitamos a nuestros amigos a que colaboraran con lo que ellos quisieran y nos pusimos a diseñar una publicación que lo uniera todo. Hace poco le pusimos nombre, se llamará Salvaje (y eso se lo explicaremos después).

Ahora queremos darles la bienvenida a todos y todas, a que cooperen, participen, envíen sus ideas y a que lean la revista que saldrá una vez al mes en formato digital por ahora, pero esperamos profundamente poder tenerla impresa algún día.

Bienvenidos a SALVAJE Revista.

{ SALVAJE Revista Nº1 } EDITORES > Walo y Ofe. columnistas > Dr. Vinilius - Matías Espinoza - Juanito Trueno - El Loco - Isaac Cornejo Guaico - Felipe Arriagada - Wladimir Stepniak. entrevistadores > Juanito Trueno - Tristán e Isolda - Gian - Lita Lazo Coppa.

Reseñas > Andrés Infante - Rogelio Krustie - Ex Pectator - Pablo Durán - Selektor chicken/Radio Chimba Sound Fotógrafos> Gary Go - Lita lazo Coppa - Gian - Juanjo Uribe Durán - Isolda

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Sharon jones & The Dap-Kings “Give The People What They Want” - Daptone Records, 2014.

Reseñas del Dr. Vinilius

Hace ya varios años que vivimos sumergidos entre diversas oleadas de nostalgia musical que se van sucediendo y solapando constantemente, logrando que los ‘revivals’ sean muy apreciados por el público y estén a la orden del día en diversos estilos.

No se trata de una exclusividad de las fiestas ‘Kitch’ ni de un aislado capricho de algún productor, y bandas como Cerebral Ballzy, Pissed Jeans, Municipal Waste o Thrash Talk dan cuenta de que este revisionismo musical se ha afianzado en géneros tan espontáneos como el Hardcore, el Punk y el Thrash. Entre los géneros musicales que se han visto revitalizados en los últimos años probablemente sea necesario dedicarle unos cuántos párrafos aparte al auge del Neo-Soul, que ha traído de vuelta sonidos y músicos que parecían ya perdidos u olvidados entre los recuerdos de los años 60s. Aquí el caso de Amy Winehouse es claramente

el más bullado, pero el ‘revival’ Soul abarca hoy un número bastante abultado de artistas.

Uno de los agentes más notables en este auge del retro-Soul es la casa Daptone Records, fundada en Nueva York hacia el año 2000 y que vino a sumarse con enorme ímpetu al trabajo que ya estaban haciendo sellos como Desco, Soul Fire o Truth & Soul. Además de fundar los Dap-Kings –banda que se hizo mundialmente conocida apoyando los shows y el segundo disco de Winehouse tras su primera gira norteamericana- los creadores de Daptone han hecho un enorme trabajo buscando a ciertos cantantes Soul que no tuvieron una buena oportunidad durante su juventud, pero cuyo potencial han sabido valorar y recuperar 40 años más tarde editando algunos de los mejores discos de neo-soul de la última década. Es el caso del gran Charles Bradley y también de nuestra querida Sharon Jones, una ex trabajadora del sistema penitenciario estadounidense cuya poderosa voz y energía explosiva merecían trascender las rejas de la

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prisión para llegar a los grandes escenarios. Allí arriba ha estado durante los últimos años, entregándolo todo y dando verdaderas lecciones de compromiso en sus enérgicos shows.

‘Give The People What They Want’ es el quinto LP de Sharon Jones & The Dap-Kings y tal vez sea el mejor desde que lanzaran su genial ‘100 Days, 100 Nights’ en 2007. Con cada disco editado la banda ha ido ganando en confianza y afiatamiento, por lo que su sonido ha pasado de ser ‘intenso’ a ser realmente ‘poderoso’. El disco comienza de la mejor manera posible con sus dos sencillos ‘Retreat!’, una furibunda y hermosa declaración de principios, y ‘Stranger to My Happiness’, una tonada coral llena de bailable ritmo a-go-go liderado por un saxo bajo muy bien interpretado (ambos videos valen la pena). El tercer tema es ‘We Get Along’, un tema romanticón que recuerda un poco al gran Stevie Wonder y que con sorprendente facilidad logra transportarnos a los años dorados de Motown, algo que a este humilde servidor le parece bastante bien. Luego viene ‘You’ll Be Lonely’, uno de los mejores temas del disco, en el que una guitarra bien playera y unos bronces por todo lo alto consiguen relajar y emocionar por partes iguales, como ocurre con los mejores temas Soul de todos los tiempos. El último tema del lado A es ‘Now I See’, tema un poco más ‘serio’ en el que el bajo toma un protagonismo interesante, y que le da una salida con distinción a esta primera cara.

El lado B comienza con ‘Making Up And Breaking Up’, un tema romántico, más jazzero tal vez, que recuerda un poco a las Marvelettes, aunque también es uno de los puntos más bajos del disco. En todo caso este bache se compenza rápidamente porque de ahí en adelante el disco ‘se escucha solo’. El séptimo tema ‘Get Up And Get Out’ es un ‘hit’ al más puro estilo del gran Smokey Robinson en sus buenos tiempos. Un clásico instantáneo. Luego, ‘Long Time, Wrong Time’ es otro temazo, que al ritmo de las palmas también consigue revivir el espíritu Motown y que merece ser escuchado bajo tu influencia favorita. Hit. El noveno tema es ‘People Don’t Get What They Deserve’, un apurado swing con unos geniales coros estridentes que cuesta un poco seguir al principio, pero luego se te queda pegado en la mente, así como ocurría -creo yo- con los alaridos del gran James Brown. Finalmente,

‘Slow Down, Love’ es una balada de gran factura, llena de arreglos sutiles que pone un elegante broche de oro al disco...una belleza.

Mención aparte merecen, junto a la vocalista, los músicos de los Dap-Kings Bosco Mann, Homer Steinweiss y Cochema Gastelum, que además de sus interpretaciones compusieron todos los temas del disco, consiguiendo sin duda un gran trabajo. Es una verdadera lástima lo de Sharon Jones y el cáncer, pero resulta muy inspirador verla aún sobre los escenarios llena de energía y optimismo, irradiando amor y sobre todo mucho Soul a todos sus espectadores, que se han multiplicado rápidamente en los últimos años. Todo gracias al esfuerzo de la gente detrás de Daptone, uno de mis sellos favoritos hoy en día, recomendado para todos ustedes. Salud!

http://www.7pulgadas.cl/

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Pequeños apuntes sobre el vinilo en Chile Matías Espinosa

El disco de vinilo nació a fines de los años 40 en Estados Unidos, fabricado por la empresa Columbia Records este formato tuvo como particularidad un “microsurco” en su superficie (la ranura por la que se desliza la aguja), tecnología que apuntaba directamente a mejorar la calidad acústica del formato, buscando una mayor fidelidad del sonido respecto a su antecesor, el disco de acetato de 78 rpm.

Además de ser fabricado de un nuevo material plástico llamado vinilyte (de ahí el apelativo que todos conocemos como vinilo) este nuevo formato de 12 pulgadas permitió un mayor espectro de grabación y un tamaño más atractivo que el anterior sobre genérico (reinante en los antiguos singles de 7”). Gracias a este formato se comenzó a trabajar en la carátula como parte del arte de un álbum, es decir que de cierta forma lo volvió un producto más atractivo comercialmente y al mismo tiempo un producto con mayor valor cultural.

Notable por ejemplo es en Chile el trabajo de los hermanos Larrea y su diseño de caratulas dentro del movimiento cultural “La Nueva Canción Chilena”.

La llegada del disco larga duración -o long play- a nuestro país no fue sino hasta 1953, posicionándose rápidamente frente al anterior formato de 78 rpm como un producto comercialmente activo en un mercado creciente. Desde mediados de la década de los 50 y hasta comienzos de los años 60 en Santiago reinaron las noches bohemias al son de orquestas que, como la Huambaly y la Ritmo y Juventud, mantuvieron el ritmo de bailes y fiestas. Existía entonces un dominio de ritmos como el bolero, el jazz, el mambo o el chachachá dentro de los cuales los músicos locales se movían. En Santiago locales como la Confiteria y Boite Goyescas o el Restaurant Nuria acogían y mantenían

estas presentaciones. Al mismo tiempo los discos de artistas nacionales comenzaban a ser fabricados y editados en Chile, abriendo paso a nuevos actores en la industria musical, donde roles como productores y “busca talentos” comienzan a ser fundamentales en el desarrollo del mercado musical.

Al son del nuevo formato la producción y venta de distintos tipos de reproductores de discos comienzan a proliferar, tanto en estilo como en precio, siendo el que mayor incidencia tuvo en la industria discográfica, y particularmente en el naciente mercado juvenil, el pick-up, o reproductor portátil.

Los reproductores de long play portátiles marcan un hito fundamental en el consumo y prácticas culturales de ese momento, el hecho de que el tocadiscos fuera portátil aportaba a la aparición de un nuevo consumidor, el joven como un nuevo actor en el mercado cultural.

A principios de los años 50 en un hogar promedio de nuestro país existía un solo reproductor de discos en el living, probablemente un enorme mueble, siendo un lugar simbólico de uso familiar, o dicho de otra forma, un lugar donde se escuchaban los discos de los padres.

Con la llegada de los nuevos reproductores portátiles este lugar de escucha se traslada a las habitaciones de los jóvenes o a improvisadas fiestas, comienza cierta “independencia” y conciencia de la juventud como actor de mercado, ¡ahora se puede escuchar música en todas partes!

Junto con esto nuevos ritmos y referentes culturales que comienzan a aparecer, los jóvenes comienzan a sentirse parte de fenómenos como el rock and roll y más masivamente con fenómenos populares como “La Nueva Ola”.

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Salvaje Revista La autonomía de poder escuchar la música bajo un concepto de experiencia personal, o básicamente la posibilidad de decidir que escuchar, es un hecho que marca sin duda todo lo que hoy conocemos como mercado juvenil, o industria musical para jóvenes.

El viejo reproductor de discos es ahora reemplazado por reproductores portátiles, que facilitaban la escucha privada y social de una juventud en alza en cuanto a consumo cultural pero también en cuanto a la visión de mundo (no por nada los militares chilenos quemaron miles de discos y prohibieron la escucha de “cierta” música).

La aparición del reproductor portátil, en el caso de Chile, marca un punto fundamental en el desarrollo de cultura de masas, pero lo que es más importante, marca un hito fundacional en lo que podríamos llamar “la historia de la experiencia musical”, que en su modelo contemporáneo incluiría personal estéreos, discmans y reproductores mp3. De alguna manera desde este punto se comienza a entender una relación individual con la música, sobre todo imaginando los primero gramófonos que se fabricaron sonando en plazas públicas cerca del 1900. Quizás, a modo de cierre, podríamos decir que desde que se inventó la música grabada y su reproducción, la relación entre el hombre y la música nunca volvió a ser la misma.

LOS DISCOS QUE HAN SALVADO MI VIDA Por Juanito Trueno

Esta columna es un manifiesto.

Mi manifiesto. Porque se que hay discos que salvan vidas.

Han salvado la mía y he visto como han salvado la de otros. Incluso la de quienes no lo merecían.

A partir de hoy la escribiré regularmente, siempre que los amigos de Salvaje lo permitan.

Pero en esta oportunidad me limitaré a explicar porqué decidí hacerlo.

Son varias razones.

1. Porque el espiritú díspara.

Y hay que dejarlo.

2. Porque existe una sensación de ahogo que, irónicamente, se respira.

Y los discos ayudan a acabar con ella.

3. Porque sigo creyendo que en los discos hay respuestas.

O al menos calma.

4. Porque tengo insomnio.

Y los discos de Morphine me ayudan a dormir.

5. Porque paso 18 o 19 horas al día pensando, hablando, tocando, e incluso, vendiendo música. Si. Por culpa de los discos duermo poco y mal.

Pero sigo vivo.

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ENTREVISTA Nader Cabezas y su disco Esfinges.

Entrevista por Tristán e Isolda

Nader cabezas es una persona y es un grupo, es tanto un individuo que compone su música como una comunión de músicos que van conformando sus álbumes; su música es depresiva, melancólica, oscura o rescata ese “bailar la pena” tan característico de las bandas post punk de los 80’s. Cuenta con cuatro discos / Día blanco (2009), Caminos, barrios y gente (2011), El hijo del monstruo (2012), Esfinges (2013)/, los cuales pueden ser descargados por internet, sin costo alguno y siempre sus discos han sido así, tan solo el último fue editado de forma física, pero aún se mantiene con un coste bajo y fiel a la lógica del Hazlo tú mismo.

1 > Primero que todo, nos gustaría que te presentes.

Me llamo Nader Cabezas, tengo 36 años. Desde el 2009, he sacado cuatro discos. Mi último disco está dedicado a Raúl Ruiz.

2 > Sabemos que vienes del sur de Chile, que tus comienzos musicales y tus primeros discos vienen de ahí; sentimos que existe cierta relación con estos discos y lo que influye psicogeográficamente el lugar en ellos: discos tristes, sombríos, eclécticos; y lo último que tienes publicado, que si bien no deja de ser oscuro, es algo más movido, ¿Nos puedes hablar de esto?

En Curicó las estaciones del año están más marcadas. El verano es mucho más caluroso y el invierno mucho más frío. Por eso nadie sale en invierno, las calles están vacías y silenciosas. Bruma,

olor a leña, algún borracho gritando a lo lejos. Tiene su encanto, supongo. Ahora que lo pienso, Curicó en mapudungún es Aguas Negras. Humedad y oscuridad. Eso se me debe haber pegado sin darme cuenta. El invierno es mi época más productiva, me siento más a gusto.

3 > Hemos visto diferentes formaciones de bandas que tocan contigo, es por esto que nos gustaría saber ¿Cómo es el proceso de composición de los temas, participas solo, lo construyen en conjunto?

Siempre compongo los temas. Comienzo por la música y luego les agrego letra, que es la parte más difícil. Cuesta mucho escribir algo que no se haya dicho. Pero tampoco hay que caer en la tontera de pensar que lo que uno dice no lo ha dicho nadie. Si piensas eso no sabes nada de música ni

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de poesía. No se debe confundir honestidad con cinismo. Hoy en día el proceso está cambiando, porque tengo compañeros de banda que están muy compenetrados y ponen de lo suyo en el sonido. Me reconforta mucho, porque hay retroalimentación y son unos tipos bastante honestos, dicen las cosas de frente. A mí me cuesta más eso, soy más oblicuo. Soy mejor escribiendo que hablando, lejos.

4 > Tus discos pueden ser bajados gratuitamente por internet. Es más, el disco “Esfinges” pudo ser descargado antes de que apareciera la copia física.

Además de esto tocas en distintas partes, a bajo costo e incluso gratis, con bandas que no necesariamente suenen igual a lo que haces, con diferente calidad de amplificación, ¿Esta actitud, que parece ser muy HTM, es una decisión consiente en cómo trabajar con tu música?

Siempre me ha gustado que la gente pueda acceder a las cosas de manera gratuita. Antes uno grababa una canción de la radio y a nadie se le ocurría cobrar por algo así. Supongo que algo de eso sobrevive al descargar un disco de internet. Además se difunde más rápidamente. Lo de tocar dónde y con quién tiene que ver con que a veces me invitan amigos y acepto. Cuando es entre amigos, no me preocupa tanto el tipo de lugar y la amplificación. Me gusta ponerme a prueba, lo veo como un entrenamiento.

La otra vez tocamos en un bar muy taquilla, con mucha gente. Les gustó mucho, alguien prometió entrevista, qué se yo. Nos sentimos muy bien. A la semana siguiente estábamos tocando en otro lugar menos hype y gratis. No llegaron más de quince personas, con suerte. Eso sirve mucho para tener los pies en la tierra, para no creerse el cuento. Lo disfrutamos igual.

5 > Hay un fuerte contenido lírico en tus letras, de una gran profundidad en cuanto a lo que sientes y se expresa de una manera muy particular, son letras que se notan trabajadas, con algo que decir, ¿Por qué existe esa necesidad de contar algo? y ¿Qué es eso que quieres contar?

La letra de un tema es la parte más difícil. Nunca tengo una idea clara de lo que voy a escribir, espero que se me ocurra algo, en un sueño o andando en bicicleta.

Parto con un par de líneas, escribo, borroneo, borro.

Comienzo de nuevo, dejo solo una línea. Me gusta tomar frases vacías y aparentemente sin sentido, que significan algo en el contexto de un tema. Por ejemplo “lo que algún día fue no vuelve a ser”, si

se lee así, parece ser una frase obvia y tonta. Pero si le pongo algunos acordes, con cierta entonación, adquiere otra dimensión. Ahí es cuando aparece la otra voz. Pero en mi caso, todo eso sucede a partir de la música. Es la música la que llama a las palabras, haciendo una analogía con lo que dice Ruiz, primero la imagen luego la historia.

6 > Nos puedes contar ¿cómo se concretó el sacar el disco físico de “Esfinges” y por qué este llamativo nombre?

En la edición física de Esfinges tuvo mucho que ver Pancho, nuestro guitarrista. Yo tengo poco tiempo y me puse muy flojo, entonces llegó este loco y comenzó a agujonear por ese lado. Dijo, “oye hay buen material aquí, hay que hacer discos”. Mucha gente me preguntaba y yo siempre pateaba el asunto.

Pensaba “Para qué quieren copias físicas si hay descarga gratuita, el formato físico está obsoleto” y ese tipo de pelotudeces. Excusas, al final. Cuesta harto pelear solo y el orgullo a veces no es el mejor aliado.

El nombre “Esfinges” apareció por un poema que escribí hace mucho tiempo, cuando estaba en la universidad. Era una imagen de esfinges echadas en las montañas, con una puesta de sol. Desde “La historia sin fin” que las esfinges me habían llamado la atención. En esa película el protagonista luchaba contra la nada, que es algo que hacemos todos los días, porque nos enfrentamos a significados vacíos, al vaciamiento de los símbolos. Por eso las esfinges.

7 > Para cerrar, ¿Podrías contarnos de tus nuevos planes?, ¿Algo qué quieras decir al final?.

Siempre estoy trabajando en algo. Desde fuera, puede que dé la impresión de que soy muy prolífico pero no es así. Tengo muy poca vida social, así que es perfectamente posible que me quede un sábado hasta las 2 de la mañana trabajando en una canción, canalizando la misantropía, jaja. Ahora estoy muy feliz porque creo que encontré mi banda, un par de tipos con los que me llevo muy bien y que –como yo- se toman el asunto muy en serio. Tenemos experiencias comunes, como haber perdido personas muy queridas. Todos somos un poco huérfanos y eso nos une. El plan es grabar otro disco este año, espero que tengamos novedades en primavera. https://soundcloud.com/nader-cabezas

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ENTREVISTA Punkora y su última gira.

Entrevista y fotografías por Gian

Fuimos hasta el estado pequeño-burgués Ñuñoino, específicamente a la Batuta, para aprovechar de agarrar con el vuelo del viaje a los amigos de Punkora quienes terminaron una Gira por latinoamérica, no exenta de polémicas y buenas experiencias.

Nos topamos en la plaza con Víctor, Baterista de Punkora con quien compartimos un par de cervezas al ritmo del taquilleo nocturno.

¿Qué paises tuvieron el honor de recibir a Punkora entre sus tabernas y tugurios nocturnos?

Bueno, la gira fue por Colombia y Venezuela, principalmente. Allí estuvo el fuerte de la gira. El resto de paises como Ecuador y Argentina fue como para aprovechar el viaje de vuelta. ¿Cómo es la movida Punk en Latinoamérica?

El punk en Venezuela, Colombia y Ecuador, es como en Chile en los 90. Igual de violento, nihilista y drogadicto, streetpunk, chaos uk. Aquí somos hardcore, no somos punk. Allá tocan con baterías lentas, tu pa, tu pa tupa, tu pa, y son muy buenos músicos, pero no quieren tocar otra cosa si no es punk.

¿Cuál les gustó más?

Venezuela, lejos. Las personas, el contexto político de Venezuela propicia que puedas conversar en la calle con cualquier persona de política, teoría política. Fui a comprar cigarros y me dieron una charla de media hora acerca de los efectos que provocaba el tabaco, socialmente, y que el tabaco (Tabaquerías) son un invento del capitalismo.

Lo mismo con la droga, está satanizada, por la disciplina revolucionaria. Nos costó 3 días encontrar un porro. Ellos lo toman como algo contrarevolucionario. El trabajo político está presente en todas las personas, en todos lados están trabajando políticamente por algo.

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¿Pero eso tiene que ver con un consenso social o es parte de un adoctrinamiento desde el aparataje estatal?

La frontera entre el consenso social y el adoctrinamiento del Estado es muy delgada. Por ejemplo, hay un canal de televisión que pasan propaganda política todo el día. ¿Es sutil?

Antes de Chávez era un país industrializado y productor de alimentos (exportador) (sic) ahora se centra en diamantes, petróleo y oro, es más pragmática, descuidaron la producción interna y a la gente, porque cuando tiene hambre la gente desconoce el color político, por eso sale a la calle, si no es que estén en contra de Chávez algunos. Si hasta los anarquistas hablaban bien de él, jajajajaja anarquistas hablando bien del estado.

¡NO!, al choque weon, marcha por la paz en contra del fascismo, el imperialismo es el diablo, ese corte.

CARACAS EN LA CALLE

¿Y la movida opositora de Venezuela, como la viste?

Caracas fue la cagá. Tocamos en una plaza, se avisó ese mismo día, teníamos una fecha en un bar, pero estaba en un barrio antichavista. Pasó la policía y estableció que ningún evento público estaba autorizado para ese barrio.

Cuático. El intervencionismo se nota en las marchas que culminan con actos apoteósicos, pero no hay militares. Se han apoderado de la sensación de desabastecimiento y crisis para ganar terreno, pero las barricadas eran tres ladrillos parados.

Nos bajamos en Mérida y pateamos las barricadas y pasamos. Ahora me doy cuenta que eso mismo hizo la chilena, corrió unas barricadas para poder pasar y la asesinaron, le pegaron un balazo. Ella hizo lo mismo, la diferencia es que cuando lo hicimos habían tres capuchas y dos viejas con ollas. Como te dije, no eran mas de tres hueones y cuicos por lo demás.

El 2002 le intentaron hacer un golpe a Chávez, los milicos, desde los mandos medios hacia arriba.

Intervinieron el ejército, entonces ¿Qué es lo que hizo el partido?, Sacó a todos los mandos medios, desde sargentos hacia arriba, los sacó a todos, el ejercito es Chavista, intervenido para que sea así.

Johny Castro, el vocalista de @patia-no, se emocionó caleta cuando fuimos a tocar a Caricuao (su pueblo natal, anexado a Caracas). Ese día fue el de la tocata del barrio antichavista y como se canceló, la dueña del bar se movió con unos permisos bolivarianos y nos tomamos una plaza. Se llenó, como 500 personas a lo sumo y no es hueveo, hasta llegó un piño de Maracaibo, viajando 12 horas pa ir a vernos, nos siguieron por todas las fechas. Tocamos 3 veces en Caracas.

Fuimos a Mérida, no pudimos tocar. Estaba en estado de sitio, hasta el internet estaba bloqueado. ¿Colectivos político-musicales?

Johny Castro tiene un museo en su casa, vinilos de todo el mundo y material anarquista. Cacha que nos quedamos en la casa de Nelson Garrido, un

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fotógrafo anarquista cincuentón. Aprovechamos de llevarle material a todos ellos y nos recibieron como en casa. Caracas fue un sueño fraterno, realmente nos sentimos en casa.

Y colombia ¿Cuántas fechas?

Tuvimos dos fechas en Colombia, una en Bogotá; barrio bohemio de Bogotá, peleas callejeras, cuchillazos, vendían cocaina en la barra del bar. Yo participé en la escena panki de La Palmilla en El Cortijo (95-00), me recordó mucho esa escena, onda los weones aspirando neoprén afuera de la tocata, pero allá jalaban, porque es lo que hay.

El organizador de la tocata tuvo que coimear (mojar) a la policía dos veces en la noche. Onda “Les cancelamos la tocata o nos pasan 80 dólares” (100.000 pesos). Cuando llegamos a Bogotá nos recibió Juan y Vero, les conseguimos una tocata a los T.A.M y después nos fuimos caminando como 40 weones en la calle, tomando, jajaja. Igual Colombia es cuático, es violento. ¿Es facho, igual uno cacha al tiro, si de partida la prensa es facha, la opinion pública tiende a serlo?

Esto es facho (Indicando a la plaza ñuñoa), organización de la ornamentación burguesa, si te fijai las plazas en Chile son de paseo, tú tienes que transitar, un paisajismo burgués. En Colombia o Venezuela son parques, tú te quedas, dejan que la gente se concentre. La derecha tiene miedo de que

la gente se concentre, se una.

Nosotros pasamos a Colombia (Cúcuta) desde Venezuela por un paso clandestino porque estaba cerrada la frontera, derrepente ibamos en un taxi transfugo por unos campos de arroz y el taxista nos dijo: “estamos en Colombia; podríamos haber secuestrado una niña, le dabamos cloroformo y vendíamos sus órganos jajajaja” (sic). http://punkora.wordpress.com/

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Me lleva por cien? · El Loco ·

Malamente asesorado y alentado por mi padre a olvidar ­anhelos universitarios, me pasé la enseñanza media esquivando los interminables horarios que me ofrecía la revolucionaria e ­ ducación industrial.

El liceo/fábrica funcionaba enviando a los más reverentes de sus empleados a enseñarnos a ser sus obreros y nos ofrecía las herramientas necesarias para aprender el oficio que luego d ­esempeñaríamos agradecidos en sus fábricas.

Para no distraer el camino hacia nuestro destino laboral, la educación como formalmente la conocemos, era limitada sólo a lo exclusivamente necesario para tener en los diplomas la palabra “Liceo”. Se evitaba la propia curiosidad de las ciencias, nos enseñaban de la Historia de Chile mirando “programas culturales”, las artes consistían en realizar afiches de seguridad industrial y en el consejo de curso servía para aprender de homofobia. Mi f­amilia se mostraba en absoluto de acuerdo con este panorama y consideraba una excelente idea esta “cuestión industrial”.

Pero era asquerosa la wea; días enteros sin ver el sol en oscuros talleres, profesores/ patrones ufanándose de haber sido ­humillados en sus inicios y ­satisfechos por ser los que ahora humillan, pero lo peor de todo: alumnos cómplices de esta jerarquía que se “anotaban su p ­ orotito” asistiendo a trabajar el fin de semana a casa del profe.

Estaban, en la pirámide, entre el profe y tú.

No iba nunca a la wea de Liceo.

Me pasaba el día recorriendo Santiago, mirando discos y guitarras, escuchando 2 Minutos, Fiskales, Miserables, Flema, etc.

Me paseaba por la vitrinas del ­Eurocentro y Portal Lyon tragando fanzines, comprando demos o el k7 “con la foto de la carátula” de la Polla records. En fin, ­ empezaba a relacionarme con el mundillo punk. ¿Por qué ir al L ­ iceo? ¿A aprender qué? ¿A agachar la cabeza y a prestar el culo?

No me resultó aprender esa wea Pasó el tiempo, terminó el ­ Liceo. Mandé a la mierda la práctica de 3 meses que me daría el derecho a tener el oficio que me otorgaron. No tenía idea que ser o hacer pero sabía que nada tenía que ver con lo que aprendí esos 4 años.

Si tenía que ver con lo que leí en los libros que tenían mis amigos en los colectivos, o las ideas que discutimos en alguna plaza, colegio, casa o lo que fuera “nuestra sede ese día”. Asambleas, marchas, porotadas, funas o la cerveza en la vereda fueron sin duda experiencias más educativas que soldar pupitres para colegio. Aprendí más en el punk y del punk que en cualquier otro lugar; podía aprender desde anarquismo hasta afinar una guitarra, p ­asando por cocina vegetariana, serigrafía, pararse el pelo con jabón, coser tu ropa, dadaísmo, etc. Habían poetas, ­ bailarines, borrachos, ­homosexuales,­ cineastas, ­drugs-free, junkies, dealers, ciegos, skinheads, tipos ­ con nombres extranjeros, expatriados, etc.; hasta técnicos en construcciones metálicas arrepentidos. Todos en el mismo ­lugar.

Me costó aprender a afinar la guitarra pero cuando aprendí no la solté y es lo que hago hasta hoy, con un pequeño estudio de grabación, con pequeñas tocatas. Hago discos, grabo canciones.

El punk es mi copiloto.

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Fue un accidente, lo juro. por Isaac Cornejo Guaico >

Esto que te voy a contar es un secreto. Así que le cambiaré los lugares y los nombres, los voy a mover unos kilómetros al sur para confundir, unos grados hacia el poniente para mezclar.

Hace unos tres años atrás, sin trabajo y sin un peso, me fui a visitar a mi madre a Rancagua, con el propósito de comer como la gente, asaltar su despensa y así tener algo que comer en el departamento vacío en el que vivía por entonces en las Torres San Borja.

Una vez en la casa de mi madre, salí a dar una vuelta, con la única compañía que tenía y que no requería que gastara un peso, mi pendrive con la discografía de Tool; es que en ese tiempo andaba pegao escuchando el Lateralus. Mientras caminaba me encontré con amigos que hace mucho no veía, quienes amablemente me invitaron a unas chelas y yo agradecido acepté, que no se diga que soy ingrato. Para qué redundar, nos tomamos varias chelas, unos vinos, y apareció más gente, amigos y desconocidos. De pronto surgió la habitual idea de ir a tomar al Cerro San Juan de Machalí. Aún era temprano, así que fuimos. Para quien no conozca el Cerro San Juan , sólo diré que tiene una zona de camping, un sector con unos restaurantes, una laguna con botes (ignoro si aún existen), en Septiembre hay fondas, sirve de paseo de domingo; en fin, el resto es un cerro como cualquier otro, hay senderos que te guían más arriba, lugares abiertos a quien quiera caminar por ellos, nosotros subimos por los senderos un poco más arriba, hasta llegar a una zona plana ideal para un grupo de unas quince personas. Así que ahí estábamos, tomando cerveza, salieron unas garrafas, porros y por unos parlantes sonó durante horas el mismo disco: Sister de Sonic Youth. Nadie más andaba con música, yo no pasé el pendrive porque siempre pierdo las weás y la música en esos días era mi única compañía, no me iba a arriesgar a perderla también.

Así que sonaba y sonaba el mismo disco, a mí me gusta el Sister, pero tanto rato me tenía chato. Luego de unas horas estábamos todos curaos, algunos comenzaron a irse. De pronto ya estaba oscuro. Quedábamos unas cinco personas, pregunté por dónde había que bajar para salir del cerro y así volver por donde habíamos llegado. Guardé esa información importante y seguí tomando. Sin saber qué hora sería, de pronto estaba sólo con un tipo más, nunca supe su nombre, pero de alguna parte lo conocía. Y seguía sonando el Sister.

Soy honesto al decir que no me puedo acordar cómo partió todo, pero empezamos a discutir, puras weás, no recuerdo bien, pero el hecho es que nos ofrecimos combos. El

weón me tiró vino, unos empujones... una pelea ridícula, dos weones muy flacos, raja curaos, en plena oscuridad, intentando encontrarse para tratar de conectar un débil puñete. Y nada. Hasta que nos encontramos, lo agarré y empujé con fuerza. Sin saber que estábamos cerca de un pequeño barranco, lo vi caer. Lo escuché golpearse contra las piedras durante toda una eternidad. A pesar de la oscuridad total sé que lo vi caer.

Hasta que llegó al fondo del pequeño precipicio. Luego silencio. Ni el Sister se escuchaba. Me quedé un par de minutos escuchando y ni un sólo quejido surgió del fondo oscuro que se había tragado al socio, nada. Miré a mi alrededor, ubiqué el camino para volver y comencé a bajar el cerro. Llegué a la plaza de Machalí con los audífonos puestos, pero sin poner play. Tomé la micro, llegué a Rancagua, me bajé en la Alameda. Caminé hasta la casa de mi madre, exhausto y curao me dormí.

Al otro día comenzó mi calvario. Puse una radio local, necesitaba saber si habían encontrado algún cuerpo en el cerro, compré el diario de allá, El Rancagüino, estuve escuchando la radio todo el día y nada. Al día siguiente lo mismo. No encontré a ninguno de mis amigos. Pasaron tres días y nada. Volví a Santiago, enfermo de la guata, de los nervios. Iba todos los días a un ciber a leer las noticias de Rancagua y nada. Maldito por esa rutina durante un mes. Dos meses. No fue sino hasta el tercer mes, cuando tuve que ir a Rancagua otra vez, cagao de miedo, que quedé peor. La rutina fue similar. Una vez en la casa de mi madre, salí a caminar. Inmediatamente me encontré con alguien que estuvo aquella vez. Me demoré media hora en llegar al tema: “Te acordai la otra vez que carreteamos en el cerro?”

Media hora más para poder preguntar por mi víctima, muy tangencialmente, preguntando primero por casi todos los que andaban ese día, mil vueltas para que me diga, “ese loco? ni idea, anda desaparecido hace mucho tiempo, la verdad es que no se sabe nada de él desde ese carrete, aunque yo con ellos no carreteo”. Esa fue mi única esperanza. Que, en realidad, él no supiera que el tipo estaba bien en su casa viendo Morandé con Compañía, que no sabía nada porque en realidad no era su amigo.

No encontré a nadie más con quien hablar. Todo se me oscureció, como aquel día en el cerro. Un mes después de diarrea, de insomnio, de no tener apetito, de sufrir cada vez que sonaba Sonic Youth, me enteré que el socio se había ido esa misma semana a trabajar al norte. Rin rin se fue pal Norte todo machucado, que se cayó en el cerro fue lo que dijo, curao, que no se acordaba de nada, dijo.

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ENTREVISTA Dejalosangrar | Concierto Lanzamiento Vol. 1

Entrevista por Juanito Trueno Fotografías por Juanjo Uribe Durán

Lugar: Sala Master Universidad de Chile

El pasado jueves 06 de marzo fuimos al lanzamiento de Dejalosangrar. Querímos hacer la entrevista en caliente. La idea era hacerla antes del concierto para saber más acerca de este disco y de este evento, pero no se pudo. Lo dejamos para el final, pero sabíamos que el poco tiempo podía jugar en contra de una buena conversación. Así que propusimos hacerla unos días después. El lugar elegido fue su sala de ensayo, cuartel general del trío formado por Hernán Polanco (Guitarra), Rodrigo Robles (Bajo) y Jorge Habach (Batería).

Primera Parte: El coágulo

¿Cuéntenos de qué forma comenzó a gestarse este disco?

Rock instrumental es poco para definir a Dejalosangrar. Hay más. Hay doom, hay punk, hay rock, hay metal, hay hardcore. Todo fluye pesado, fuerte y a veces lento, como latente. Uno sabe que algo va a pasar. Y la gracia es que ese efecto se produce tanto en vivo, como en el disco, que es lo que en esta ocasión nos convoca.

Hernán: A principios de 2011, después de varios cambios de formación, llegó Jorge a la banda y comenzamos a componer. Ahí nos proyectamos para grabar lo antes posible. Teníamos la intención de grabar en análogo y se registraron 6 temas en vivo. Ya en Septiembre de ese mismo año lo teníamos terminado.

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Posteriormente, en 2012, buscamos una fábrica de vinilos. Y ahí nos pasó de todo. Primero lo mandamos a hacer a una empresa en Estados Unidos donde echaron a perder el master. Cada tema al comenzar tenía dos segundos menos. Claro, ellos nunca lo reconocieron, pero para nosotros era evidente.

Rodrigo: Al final fue todo una discusión por mail hasta que decidimos no hacerlo con ellos. Y esto fue mucho tiempo después, estoy hablando de principios de 2013. Teníamos tres opciones. Hacerlo con la versión de los cortes. Hacer otro master, enviárselos y hacer todo de nuevo. Incluso pagarles otra vez. La tercera alternativa era mandarlos a la mierda.

Esa última era la opción menos conveniente en términos económiccos, pero no queríamos ni podíamos hacer un disco con una pífia. Sentíamos que había que cuidar la calidad del disco y además mantener nuestra dignidad como banda.

Jorge: Pagamos el noviciado. Pero aprendimos. ¿Y finalmente qué ocurrió? ¿Cómo lo sacaron adelante?

nos enviaron los discos por barco, el Puerto se paralizó. Paro indefinido. Así que un lunes en la mañana partímos mi viejo y yo a Valparaíso hasta que los sacamos de la aduana.

Rodrigo: Después tuvimos problemas con la imprenta para la impresión del insert, donde perdimos varias semanas más.

Jorge: Y entremedio nos robaron los papeles para la SCD, donde había que hacer trámites. Y si bien no era algo complejo, nuestro problema era el tiempo. Ir a pedir de nuevo esos papeles nos tomaba dos o tres semanas.

Segunda Parte: Que corra la sangre ¿Y cuando comienza a concretarse el lanzamiento del disco?

Rodrigo: Un mes antes del lanzamiento recién nos juntamos a armar los discos. Ponerle la bolsita, el insert, el cd, el poster. Todo. Ese fue el el proceso final. Y para eso vinieron varios amigos a ayudarnos a quienes les agradecemos.

Hernán: Iván Daguer de Yelowmoon Records nos recomendó contactar a Erika Records y ellos se portaron la raja.

Y el lanzamiento propiamente tal en la Sala Master ¿Cómo se gestó?

Rodrigo: Entre medio pasaron varias cosas. Nosotros no tenemos mucho tiempo, en general, lo que hace que los procesos de demoren más de lo normal. Te hablo de la carátula, de ir a buscar el master, el insert, etc.

Jorge: Sabíamos que era una sala de conciertos.

Entre varias anécdotas que demoraron todo el proceso está la pérdida del master, el que hubo que volver a remasterizar y que afortunadamente quedó mucho mejor. Incluso el sonido es distinto al del cd que viene con el vinilo, ya que fue grabado a partir del primer master, en cambio el vinilo es el resultado de la última masterización.

El proceso fue tan largo, imagínate, desde el 2011.

Incluso durante un tiempo dejamos de hablar del disco porque todo era súper lento. Era un tema que estaba a punto de generar problemas al interior de la banda. Estábamos agotados. Queríamos hacerla rápido pero no teníamos tiempo.

Hernán: En Erika Records se portaron la raja.

Cumplieron con todo lo que prometieron, los test pressing llegaron dentro de los plazos, pero cuando

Rodrigo: Siempre quisimos hacerlo en ese lugar. Nos parecía bonito, formal.

Rodrigo: Nos hicieron el contacto con el tipo de la radio Universidad de Chile y él nos dio la opción de que el recital saliera en vivo por el programa El Zócalo y para eso debíamos tocar un jueves. ¿Y cómo fue la experiencia? ¿Qué comentarios recibieron?

Hernán: La gente nos comentó que sonó bien.

Fuerte y potente. Pero nosotros no sabíamos como sonábamos. La sala es muy “sorda”, así que no nos dábamos cuenta qué era lo que escuchaba el público.

Yo tengo a Jorge al lado pero con los amplificadores no tengo como escuchar la batería. Uno siente que suena pero realmente no sabía cómo estaba sonando.

Rodrigo: Tuvimos la suerte de que César Ascencio, de Bolchevique Records, trabajó con nosotros y nos ayudó, así que él hizo que todo funcionara muy bien.

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Salvaje Revista La entrada al lanzamiento iba con una promoción junto al vinilo, pero quienes no pudieron asistir al recital ¿Cómo los podrán conseguir?

Hernán: El disco lo editamos y produjimos nosotros.

Pero también recibimos la ayuda y apoyo de Bolchevique Records, Polilla Records y Yellow Moon Records.

Jorge: Bolchevique lo distribuirá en tiendas independientes. Yellow Moon y Polilla Records lo venderán directamente. También se podrá conseguir en algunas tiendas del Eurocentro y directammente con nosotros.

Rodrigo: Si alguien no nos conoce, puede contactarnos. Viene a un ensayo o nos ponemos de acuerdo y se lleva el disco. Conversamos, etc. Todo simple. Hay varias formas de conseguir el vinilo.

Y ya para ir cerrando ¿Qué se viene en el futuro de Dejalosangrar?

Hernán: -Mirando al resto de la banda- ¿Lo contamos?

Rodrigo: Sí, démosle.

Hernán: Nuestra idea es reinvertir siempre. Con lo que tenemos del lanzamiento vamos a entrar a grabar en abril para grabar un 7”. Queremos mantener la máquina andando y ya estamos ajustando los último detalles. Por suerte ya tenemos el apoyo de varios sellos. La idea es editar siempre en vinilo. Así que a mediado de este año debería salir ese disco.

Jorge: Queremos aprovechar el vuelo para hacer eso.

Y además este año queremos ir a lugares donde la gente no sepa quiénes somos. Queremos que nos vea otra gente, además de nuestros amigos. Salir del circuito habitual.

Nota del entrevistador: La conversción con Dejalosangrar

fue mucho más extensa de lo que se aparece aquí. Hay una buena cantidad de anécdotas que no aparecen. Pero sobre

todo hay una parte, que daría para un capítulo entero, que

refleja el profesionalismo y la seriedad con la que trabajan,

sin preocuparse demasiado de lo que opine el resto y sin hacer mucho ruido. Sin pirotecnia. Me hubiese gustado que eso saliera, pero tuve que elegir. Espero haber sido justo.

https://soundcloud.com/dejalosangrar

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ENTREVISTA 608 Z: Comenzando de nuevo

Esntrevista por Juanito Trueno Fotografías por Lita Lazo Coppa

El pasado Jueves 13 de marzo, estuvimos en el lanzamiento del nuevo disco de 608Z, “Comenzar de Nuevo”. 608Z es una banda de punk melódico que lleva más de 16 años tocando, comenzando en el ya mítico Cimarrón junto con una gran camada de bandas que luego irían formando la escena que conocemos hoy. Antes de comenzar con su presentación, nos juntamos a tomar algunas cervezas en un bar y conversar sobre la historia de la banda, sus proyectos y lo que es el nuevo disco... éste fue el resultado.

Al grano. 608Z es una banda con una larga trayectoria, así que cuéntennos con qué se van a encontrar sus seguidores en “Comenzar de nuevo”, su nuevo disco.

Macarena: Mira básicamente el cambio que hicimos en el último tiempo es que nos pusimos a cantar el Abuelo y yo, esto le dio un nuevo enfoque a la banda, le dio un toque más variado, en el cual hay un poco más de violencia y un poco más de ternura en los temas, eso también hace más entretenido el disco; creo que con eso vamos a sorprender a la gente en este nuevo disco.

Abuelo: Claro, a medida que fueron pasando los años la banda también maduró y los temas prácticamente son muy nuevos, y a la vez maduramos nosotros, y nos volcámos a temas un poco más políticos, sociales; como siempre también tenemos un poco de skate, yo diría que es un disco más adulto por decirlo de alguna forma.

Desde el punto de vista de la producción, grabación y resultado final -a nuestro juicio- hay un gran avance en términos de sonido respecto a Leprox, su disco anterior. ¿Cómo fue la grabación del disco, concuerdan con nuestra visión?

Macarena: Si, absolutamente, decidimos justamente profesionalizar el sonido de la banda y comenzar a tocar mejor y ponerle un poco más de esfuerzo, más dinero, pero obviamente todo auntogestionado, con eso logramos contactar al Roy de Eterna Inocencia, quien fue como el quinto integrante de la banda para lograr esto. Cuando hablamos con él una de las cosas que nos pidió fue grabar todos al mismo tiempo, eso es mucho más complejo que por pistas y eso ya marca una mejora en el sonido que te da un ambiente que un disco cualquiera no tiene, le da mucho más fuerza, entonces básicamente el Roy nos ayudó mucho a mejorar la calidad del sonido, lo grabamos en un estudio profesional con equipos

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que graban las bandas que nos gustan a nosotros, entonces invertimos un montón para mejorar el sonido y nos agrada mucho que se note.

Como nos contaban, “Comenzar de nuevo” contó con la colaboración de Roy de Entrena Inocencia. Cuéntennos ¿Cómo se dio la posibilidad de trabajar juntos?

que es el patín, nosotros los que andamos en skate y demostramos lo que es la vida de un skater, eso se ve reflejado en el álbum. Rescatamos un tema del primer disco que en esa época no nos quedó como queríamos y lo rescatamos para grabarlo mejor ¿Cuál es su tema favorito del disco y por qué?

Macarena: Lo que hicimos fue que empezamos a pensar en mejorar el sonido y pensamos en qué hacer, pensamos en varias posibilidades para esto y un día en el Facebook del Roy aparece que está haciendo discos y dijimos: “buena, Eterna Inocencia nos gusta cómo suena, son más o menos contemporáneos, dale”. Al comienzo la comunicación fue super lenta pero de a poco nos comenzamos a poner de acuerdo a lo que queríamos hacer. Se dio la coincidencia de que tocamos juntos lo que sirvió para tener el feeling, y coordinamos en hacer algo más profesional; él estaba buscando hacer lo mismo con sus servicios, así que ganamos los dos. El vino para acá y grabamos en un estudio la música y las voces las fuimos a grabar a la playa y él se llevó todas las cosas y las mezcló en su estudio en Buenos Aires.

Abuelo: Para mi es Patina y destruye porque he patinado toda mi vida y básicamente refleja lo que siento por el skate, creo que ahí puse la estampa de todo lo que había querido decir durante mi vida, lo hice ahora y estoy orgulloso de mi tema.

¿Cuántos temas componen “Comenzar de nuevo” y cuáles son las principales temáticas?

¿Qué van a ofrecer hoy a sus seguidores?

Abuelo: El disco tiene 11 temas y las principales temáticas tienen que ver con que el disco se puso un poco más político, más social, un poco más empático y también habla de cómo nos sentimos nosotros, de las cosas que nos afectan de cómo es la sociedad hoy en día, también hacemos un guiño a lo

Macarena: A mí la verdad que los temas que más me gustaron fueron los antiguos y como quedaron grabados, pero también por la fuerza, el peso con que quedó y la sorpresa, un tema que se llama “Acción Directa” que era bien a lo Dead Kennedys y como que en un momento era un tema súper pesado, que costaba escucharlo, pero con la post producción logramos darle más aire y quedó un tema súper potente y con un letra en relación al tema medio ambiental, que es super bueno.

Abuelo: Hoy le vamos a mostrar todo lo que es la trayectoria del grupo, vamos a rescatar temas del Leprox, del Otro Día Más y del Comenzar De Nuevo, mostrar lo que más nos gusta de esos discos, ojalá lo más rápido posible, mostrar más fuerza, porque el disco nuevo queda como una “pata’ en el hocico” y queremos mostrar eso en el escenario.

Salvaje Revista Macarena: Creo que lo importante que queremos mostrar es que somos una banda que toca mejor en vivo que en los discos, que nos gusta tocar, que nos tenemos que obligar a grabar porque por nosotros solo tocaríamos en vivo, lo que queremos mostrar es que estamos tocando en vivo y estamos tocando mucho mejor que hace un año atrás y eso es lo que queremos hacer. ¿Algunas sorpresas, invitados especiales?

Abuelo: Bueno ahora el Matías (antiguo bajista) se fue a viajar por el mundo, tenemos un bajista que nos va a parchar durante esta fecha que es de Suburban Radikal, en las fechas anteriores nos apañaron gente de Lili Champ y de Juguete Enfermo, esa es la gente que hemos tenido de invitados y que nos ha ayudado mientras que no está Matías. ¿Cómo ha sido el recibimiento de “Cambios”, primer single del disco?

Abuelo: Yo creo que súper bueno porque demuestra el proceso de la grabación que para nosotros fue muy importante, porque es primera vez que grabamos un disco profesional y fue como todo el proceso de producción, en realidad fueron muchos meses trabajando para el disco y el día en que se grabó el video clip ejecutando todo el trabajo que veníamos desarrollado todo un año, entonces es súper importante porque no fue un solo día, fue el fruto de todo el trabajo que llevamos produciendo para poder tener estos resultados. El recibimiento ha sido bueno y esperamos que el disco completo sea así de acogido porque para nosotros todos los temas son hit, no hay ninguno que sobre y muchos que faltan porque serán los del disco siguiente. ¿Cuáles son los próximos pasos para 608z? Por ahí sabemos que... ¿hay una gira Europea a mitad de año?

Macarena: Ya es oficial, ya compramos los pasajes esta semana así que el 17 de julio nos vamos y nuestra primera parada es Madrid, luego estamos aun definiendo las fechas, porque no teníamos confirmados los pasajes y no queríamos asegurar nada pero van a ser 6 semanas y va a ser una experiencia de la vida, es como el resumen de todo lo que hemos hecho hasta acá, es como la cosecha de todo este trabajo. Aun no cerramos bien el circuito pero si tenemos algunos contactos en Barcelona, Valencia, Francia, Italia; de INHUMANO Recs nos dieron algunos contactos en Suiza y

Suecia, entonces la idea es darse la vuelta por arriba y volver a Madrid, todavía no lo cerramos bien, pero va y básicamente nosotros nos vamos porque queremos vivir la experiencia, lo mismo que tocar, nosotros no lo hacemos porque queremos ser famosos es por nos gusta. Imagínate salir a tocar por seis semanas en una camioneta por países que no conoces, pucha... increíble es como para contarle a los nietos si es que llegamos a tener (risas). Bueno y allá nos encontraremos con Matías en Madrid, así que estaremos todos desde la primera fecha.

Para finalizar: ¿dónde se podrá conseguir el disco y a qué valor?

Abuelo: Mira, el disco hoy en el lanzamiento, lo queremos lanzar a precio costo que son dos mil pesos, aún no sabemos a cuanto saldrá a público pero creo que lo mismo, a lo más 500 pesos más, siempre la gente que lo distribuye le pone un poquito más para ganar algo, en realidad el disco es para darse a conocer y mostrar el trabajo.

Macarena: Creo que lo vamos a distribuir en los lugares típicos; Audioslam, Mixtape Lovers, Sarri Sarri, bueno eso.

http://608z.bandcamp.com/

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Alta Fidelidad Unos cuantos apuntes sobre cine por Felipe Arriagada

HER:

Una mirada al futuro desde un pasado imperfecto Bailemos al compás de la desgracia, recojamos nuestras valijas e iniciemos el viaje compañera, que los que nos espera es incierto como las olas del mar, sonriendo, nos vamos perdiendo, pudriendo; a no oigo tu voz, si no en la brisa triste, melancólica que resuena en las murallas de esta oficina hostil, qué es nuestro amor si no que la ausencia de todo. ¿Qué es ella, si no la voz que hace de mis rutinas un pequeño instante de alegría? Me recuerda que el estar solo es una falacia, así como no hay nada más falso que el estar acompañado.

HER (Spike Jonze), es en teoría una película romántica; el argumento es simple: Theodore (Joaquin Phoenix) un hombre cuarentón, divorciado, que vive en una sociedad que en el papel parece perfecta, tiene un trabajo tranquilo, una buena situación económica, lo único que altera su mundo es el haberse separado recientemente de su esposa; paradójicamente su trabajo consiste en redactar y escribir cartas de amor y buenos deseos simplemente conociendo pequeños detalles de la vida de sus clientes, quien, consumido en el negativismo, decide comprar un nuevo sistema operativo para su computador que se promociona como el primer programa con inteligencia artificial (con la voz de Scarleth Johanson) el cual se autodenominara “Samantha”, a medida que se desarrolla la trama, el solitario Theodore y el sistema operativo se irán “enamorando” el uno del otro hasta llegar a establecer una relación sentimental, la cual es posible gracias a que la máquina toma conciencia de que, al ser un ser inteligente, es capaz de comprender lo que el

humano conoce como amor, pero el sentimiento que provoca es uno totalmente distinto. Si uno obvia las comparaciones lógicas que emergen en la relación clásica del cine romántico de chico conoce chica y se enamoran, se encontrará con una película que tiene un transfondo social y filosófico mucho mayor, donde queda patente una visión sobre un futuro clásico y estitizado, donde al parecer el exitismo ha ido sumergiendo a las personas en la más profunda soledad, las cuales no logran comprometerse realmente con otro si no es por medio de un intermediario.

Tal vez una lectura apocalíptica de la dependencia que ha significado la masificación de las redes sociales como medio de contacto en la era contemporánea.

ALO, ¿ESTAS AHÍ?, SOLO QUERIA ESCUCHARTE ANTES DE DORMIR No es extraño encontrarse en la actualidad con parejas que han construido su relación a distancia, ya sea por algún tema laboral que han tenido que alejarse o simplemente porque se han conocido por alguna red social y han logrado comprometerse a tal nivel que a la escritura diaria de correo o a una conversación por skype le llaman relación, ahora, en qué podría diferenciarse esto con la relación entre un humano y su computadora -con inteligencia artificial-, ¿qué es lo que podría definir el amor?; acá es cuando vuelvo a una idea original que dejé en el poema que da inicio a esta crítica, qué es el amor actualmente si no que el sentir que se extraña a otro, que hay un uno que es distinto a mi pero que logra entenderme y de tal forma hace de mi yo, un YO nuevo, mejorado que se cree capaz de lograr cosas que estando solo no sería capaz de ninguna forma. La relación que logran Theodore y Samantha es eso, uno, el ser humano consiente encuentra en la maquina su mujer perfecta y “ella”, el sistema operativo, logra configurar y actualizarse a tal punto de poder entender este sentimiento tan propio del ser humano como lo es el amor consiente, llegando a tal punto de querer sentir al otro pero, con la imposibilidad de hacerlo dada la inexistencia de su ser como algo de carne y hueso.

Si bien la historia de amor entre un ente y un ser humano no es nuevo en el cine, el tratamiento que le da Spike Jonze (director de películas como Where the Wild Things Are y Being John Malkovich, de videos musicales como Beastie Boys: Sabotage y R.E.M. Parallel, entre otros) es totalmente novedoso, al sumergir a ambos protagonistas en un ambiente de soledad y melancolía constante del hombre perfeccionista es solo capaz de amar a un sistema operativo que se configura de manera personalizada para él y de la maquina que nunca logrará ser más que una conciencia sin la posibilidad de evolucionar en ningún momento para igualarse con su “enamorado”, pero es esta distancia tangible lo que los logra unir ya que al ser uno la réplica psicológica

del otro se vuelve patente el egocentrismo del habitante de esta sociedad pseudo perfecta.

Este egocentrismo y apatía emocional mencionado en el punto anterior es para mí el segundo gran tema de la película, por si no ha quedado claro ELLA es la réplica de EL , una conciencia moldeada a la imagen y semejanza, una soledad complementando a otra soledad haciéndole creer que es un distinto con la finalidad de rellenar el vacío que ha dejado una ELLA(o un yo) distinto, esto es un argumento que se ve también en el trabajo de Theodore, el es escritor, pero no de libros ni poemas si no que de cartas, con las pequeñas referencias que le dan sus clientes escribe las mas lindas historias de amor y las envía como si fuesen cartas “escritas a mano “, aunque como es una película futuristas las cartas se escriben desde un computador, pero ¿a quien le está escribiendo si no es a el mismo? Sus cartas, ya sean de amor o desamor están dirigidas a SU ex esposa (Rooney Mara) quien aparece en un constante flashback, donde vemos a otro Theodore, más feliz y mas ilusionado pero que tal como menciona ella incapaz de entender que “ella al ser humana nunca será perfecta, que podrá equivocarse” y que el motivo de su separación fue –“nunca ser la imagen perfecta que Theodore buscaba” Todo este universo va armonizado con una melodía trágica y melancólica que caracteriza a ARCADE FIRE, la banda responsable del OST siguió con la línea que caracteriza a sus trabajos propios y replicó la idea de la ausencia que trabajaron en su debut “FUNERAL”(2003), así como la soledad del suburbio norteamericano en su futurista y apocalíptico “THE SUBURBS”(2010) y el desamor e incertidumbre que inspira a “ NEON BIBLE”(2006) y a su último álbum “REFLEKTOR ”(2013); tal vez esta complicidad que se da entre imagen y banda sonora, se logró producto de la colaboración que han tenido desde hace ya unos años la banda con el director de la película, quien ya había trabajado con ellos en la realización del cortometraje “SCENE FROM THE SUBURBS” (2011) inspirado en el disco del mismo nombre.

Her es en síntesis una película perfecta, que cuida cada uno de los detalles, construye un futuro totalmente factible, donde la tecnología a encerrado cada vez más al hombre en sí mismo, donde las relaciones se dan mayoritariamente por medio de la tecnología, donde la inteligencia artificial logra ser mejor compañía que la inteligencia real de otro (¿existirá algo mas solitario que eso?) y que está sumergida en un constante clima de soledad y melancolía gracias a la banda sonora que tiene la particularidad de construir, con instrumentos y sonidos de un pasado imperfecto, una mirada a un futuro cercano.

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ENTREVISTA Paper · http://pppaperrr.com Entrevista por Tristán e Isolda.

Paper es un artista gráfico de Coquimbo que está muy ligado a la música, durante mucho tiempo fue vocalista de una interesante banda Power Violence llamada Crujido, en ella se hizo cargo del arte junto con Blopa, otro de los integrantes de la banda, con el cual ha seguido trabajando en diferentes proyectos fuera de lo musical. Además de esto Paper ha publicado en diferentes fanzines, diseñado poleras para Niebla,diseñado poleras y afiches de bandas hardcore punk, junto con participar en diferentes ferias de ilustraciones.

1 > Para comenzar nos gustaria saber ¿Cómo comienzas a acercarte a la ilustración?

5 > La música, el sk8, el porno, el trash, creemos que son temas que se repiten dentro de tus ilustraciones.

Todos cuando cabros chicos dibujamos y yo solamente no dejé de hacerlo, además conocí el DIY que influyó en que siguiera haciendo cosas.

Es mi mundo, cuando estoy cerca de estas cosas es donde realmente no me siento “alejado de la realidad” como siempre suelo llamarlo. Me gusta dibujar estas cosas feas y carentes de normalidad, se que ya es algo trillado para algunos pero me gustan y no me interesa innovar.

2 > En general en tus dibujos tocas temas que, si bien tienen un estilo muy sucio, son pop, ¿Hay alguna intención en esto?

Claro, la gente que ve mis dibujos se impacta más al ver un Mickey acribillado que al ver un ratón cualquiera; es más, por eso, siempre he tratado que detesten o les cause un poco de rechazo mis dibujos.

3 > Tus dibujos presentan un humor muy negro, ¿Hay un afán de criticar en ellos?

Me gusta mucho Internet, navegar por páginas medias pitias y el Cine B, lo que han influenciado que tenga ese humor; la crítica siempre está porque es algo común en mi día a día, no es algo que piense y lo haga.

4 > Sabemos que durante mucho tiempo tocaste en una banda “power violence” llamada CRUJIDO, ¿cómo esto fue influenciando en tu forma de dibujar?

Estar metido en este submundo del hc punk, participar en tokatas, hizo que me pidieran muchos afiches. En los comienzos agarraba dibujos de otros lados y les chantaba el texto pero de a poco fui aprendiendo a digitalizar mis ilustraciones. Si no estuviera metio en el punk claramente hubiera dibujado otras cosas, el punk me cagó/salvó la vida.

6 > Tus dibujos son serigrafiados en ropa, con la marca NIEBLA, ¿Nos puedes contar de esto?

Niebla es de mi amiguito Blopa y como siempre nos hemos apañao mutuamente, todo el tiempo me pide dibujos para estamparlos, muy pronto se estrenará la nueva colección junto con un video que estará muy bonito.

7 > Sigues constantemente apareciendo en fanzine, pins o los haces tú mismo. ¿Se mantiene aún un espiritu punk en tus trabajos?

Si, hahaha, la mayoría de las cosas en las que salgo son hechas por mi; pretendo vivir de esto así que me muestro harto o eso intento.

8 > ¿Dónde has presentado tus trabajos y dónde se pueden ver en estos momentos?

Si me preguntai por lugares físicos me mandai a la chucha porque han sido super poco pero colaboro harto con marcas independientes y cosas por el estilo, hace poco pase unos dibujos para MOV que es una revista de arte-skate, también colaboré con la marca Saves y dibujé unas tablas para ALL que saldrán a fines de junio.

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ENTREVISTA Asamblea Internacional del Fuego

Entrevista por Tristán e Isolda Fotografías por Gary Go e Isolda

Asamblea Internacional del Fuego es una banda de rock, punk, hardcore o emo, como ustedes prefieran catalogarla, con más de 12 años de actividad donde han grabado tres discos y están pronto a sacar el cuarto.

Con una historia llena de aventuras, viajes, cambios de integrantes, recesos prolongados… en general lo que le toca vivir a cualquier banda que lleve un tiempo respetable creando un lenguaje determinado. Acá conversamos con ellos, escuchamos partes del nuevo disco que tiene una sonoridad mucho más rápida, más que nada una continuidad de lo que es “Lo Que Hablaron Las Animas en el Camino”, grabado y producidos por ellos mismos en los estudios de su guitarrista, hablamos de los próximas reediciones en vinilos de dos de sus discos anteriores y de lo que ha significado ser parte de la banda.

i >¿Cuáles son las diferencias que existen entre el último disco y los anteriores luego de un tiempo tan prolongado de receso? Y ¿Cómo se enfrentan al proceso de composición luego ese tiempo?

Emilio: Creo que los cuatro discos son súper diferentes, pero éste es particularmente distinto a los otros, en tanto nos pilla con un tiempo de receso y los primeros son discos más urgentes, ¿Has visto cuando tienes la necesidad de hacer algo?, ¿Cuándo te pilla con la vorágine de la juventud? Estas más cabro, tienes más disponibilidad de tiempo, creo que por ese lado entre los primeros discos existe cierto grado de conexión y este viene después de un tiempo

en el que retomamos la tarea de la composición, y al tomar nuevamente esta tarea, con sus pros y contras, nos damos cuenta que pierdes un poco el training, pero bueno… es parte de lo que nos toca. Claro por ahí los primeros son más hermanados y este es quizás más adulto. No me refiero a ser maduro, si no mas grande como grupo y como banda.

Juanjo: En cuanto a la composición, claro que ha sido diferente, una porque los temas nuevos los comenzamos a crear con Josemi, que tiene otra forma de tocar, distinta al antiguo bajista de los otros discos, además no estaba Juan, había otro batero, entonces en ese sentido ha funcionado un poco a

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tirones. Pero es distinto con Fernando, yo sé cómo toca la guitarra, entonces nos acoplamos súper bien, en ese sentido armónicamente no fue ningún problema, lo más complejo fue en la rítmica porque veníamos con otro sentido de esto, ya que Juan es un tipo que toca súper encima de los tiempos y pa’ delante todo el rato y el Leo, el baterista que nos acompañó durante un tiempo, tendía a tirar todo para atrás, entonces ahí había como un tira y afloja.

Fernando: Yo creo que cada persona que ha pasado por Asamblea, impone un sello personal en el proceso de la banda y creo que es importante darle valor a ellos. Cada persona que ha pasado es importante, refiriéndome a los bateristas, ahora volvimos con Juan, pero antes estábamos con Leo y creo que él también fue importante porque nos dio el puntapié inicial para comenzar nuevamente con el proceso de la composición y creo que apoyó mucho en este proceso creativo. Ahora volver con Juan para mi es parte de retomar el espíritu inicial de la banda, yo creo que estamos en una etapa de renacer, con él estamos volviendo a un proceso de creación que espero sea tan fructífero como fue cuando partimos juntos, yo imagino que nos va encaminar a otra sonoridad y deseo sea bastante interesante en la madurez, en la composición de la banda. En cuanto al nuevo disco, yo creo que cada disco responde a situaciones súper particulares en cuanto a lo que estábamos siendo o escuchando; este disco nuevo responde a algo en particular que es que éramos un grupo de personas distintas al que somos ahora, donde teníamos un baterista que tenía otras experiencias e influencia, yo estaba con una idea fija de componer y durante ese proceso de creación me fui dando cuenta de que no podía ser solo mi idea, sino que se va a juntar con el proceso y experiencia de los otros y se va construyendo algo distinto. Nunca ha habido una idea de que cada disco tiene un estilo en particular, eso siempre va mutando. ii >Podríamos decir que los cambios que han enfrentado como banda, han influenciado en cierta forma la creación del nuevo disco, pero ¿Cómo afectan los cambios de la vida de ustedes en el proceso de creación?

Juanjo: Siento que los ha retrasado bastante, si bien en un comienzo comenzamos muy rápido a crear temas nuevos, con el tiempo pasaron muchas cosas.

El Emilio fue Papá, después yo iba a ser Papá, el Josemi trabaja en las noches en la pizzería con su

viejo, entonces puede venir durante el día pero no puede venir Fernando, entonces tenemos un choque de horarios súper potente y esto nos restringe el tiempo que tenemos para juntarnos. Nos juntamos un día a la semana durante 3 ó 4 horas y tratamos de que sean muy productivas.

Emilio: Pensando en la pregunta anterior cuando te decía que los tres primeros discos son hermanados, que se llevan por súper poco tiempo, esos discos tienen más candor, con un grado mayor de ingenuidad incluso en las relaciones que se generan. Hoy por hoy es todo más pesado y no me refiero a la música, sino a que todo está más cargado. Ha pasado mucho tiempo, nuestro rango de experiencia ha subido un montón, hemos pasado muchas situaciones juntos, buenas y malas, entonces nos tenemos que hacer cargo de esta historia; esa historia que cuenta que nosotros nos hemos ido, hemos vuelto, estamos más viejos, ha pasado mucha agua bajo el puente, somos Padres y ya no podemos estar mirándonos el ombligo todo el día, por lo tanto hay cosas que ya no me desvelan como antes. Estas experiencias van conformando lo que vamos construyendo como Asamblea para nosotros. iii >Profundizando más sobre el tema de los cambios, en el momento de contar o cantar sobre algo, pensando en que este candor ya no es el mismo, que ya hay ciertas cosas a las cuales ya cantaste ¿Cómo vuelves a escribir una canción? ¿Cómo cantar algo que no se ha contado? ¿Qué queda por cantar?

Emilio: El otro día con el Juanjo estábamos conversando y le decía que yo en estos momentos no puedo escribir de manera lineal, no puedo seguir el orden de principio, desarrollo y final.

Tienen sentido pero no son cosas que obedecen a la literalidad, tiene una idea fuerza, existen dos cosas o tres cosas. A veces me sorprende cuando alguien se me acerca y me dice: esa letra habla de tal cosa y yo le digo no, en realidad no quería decir eso, pero igual está bien, uno tiene que ser súper respetuoso porque cuando uno escribe algo ya no te pertenece, le pertenece al imaginario colectivo de las personas, a las que construyen esto también. Asamblea incluye más personas y tiene una comunión con ellas.

Por otro lado, yo en Asamblea tengo un grado de libertad súper grande, de hecho la pega que hago yo solo la comparto con los cabros al final, pero ellos siempre han sido muy respetuosos y nunca se han metido en la movida de las letras, ya que tienen un

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grado de confianza muy grande para conmigo. En comparación con el trabajo de ellos que es más bien colectivo y en eso entro muy poco. iv >Hablando de las personas que llegan a las tocatas ¿Cómo es el enfrentarse a un nuevo público que no era el que los vio en el momento en que tocaban los discos anteriores y cómo estas personas comienzan a reinterpretar las temáticas de las canciones, cómo las apropian y le dan un nuevo sentido y cómo ustedes se hacen cargo de esto?

Emilio: Por un lado yo creo que ahora es más amplio, antes estabas pensado “por favor que llegue gente” y ahora no, sabes que va a llegar una cantidad más grande de gente. Sabes que hay una respuesta. Sé que conozco un montón de gente que compartió esa instancia primera de Asamblea, pero hay gente nueva que llega y es eso lo que implica lo colectivo que es hacer un grupo y me hago cargo hasta cierto punto. Insisto, uno cuando hace esto y crea cosas ya no te pertenece por completo y le pertenece también al colectivo que se la apropia, entonces existe la libertad de que uno lo lea de distintas formas, y claro uno tiene que tener cierta exigencia política, no puedes echarte al bolsillo las cosas que dijiste, tener cierta coherencia con lo que has expresado y uno tiene esa responsabilidad. Pese a esto, creo que uno con los años se va curtiendo y claro ya no se cautiva con estas grandes cosas que tienen que ver con esa arrogancia sana de la juventud. Hoy por hoy, creo que uno se vuelve un poco más humilde. Yo antes tenía la certeza de que podía cambiar algo, ahora ya no la tengo tanto. Mi gran grado de lealtad es con los cariños que tengo con amigos que han participado y participan en la construcción de estos colectivos, porque insisto, esto no obedece sólo a la banda es algo mucho más grande y claro por ahí va la cosa.

Juanjo: Claro, ahora va harta gente más chica, que está pegada en temas que ya nosotros tenemos claros y que ya no son tema. Y sí, puedes tener tema de conversación con ellos, pero cuando tienes 15 ó 17 años suele pasar que estas súper cerrado en tu tema y no dejas ver otro punto de vista y claro esto crea una brecha, en realidad es por esto que al final terminas hablando con los amigos que llegan a las tocatas, porque te reconoces en un proceso similar.

En el fondo somos un par de locos que nos gusta hacer música y en realidad no hay más pretensión que esa, yo ya no quiero hacer un himno de lucha, quiero compartir con mis amigos. Lo más importante

para mí es eso, hacer música con los chiquillos independiente de lo venga después porque eso está fuera del control de uno.

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En general en las letras o la gráfica de Asamblea existen referentes latinoamericanos, tanto como referentes políticos mezclados con experiencias personales, ¿Esto se mantiene en el nuevo disco?

Emilio: Creo que desde siempre lo que uno hace tiene que obedecer obligatoriamente a tu contexto, por ejemplo nunca ha sido de mi gusto los grupos que canten en una lengua en la cual no piensan porque se me hace que es solo en beneficio de la sonoridad de la letra, claro es algo totalmente válido pero a mi resulta muy curioso y me hace ruido, porque para mí es importante y bajo esta lógica uno vuelca las historias que tiene, sus referentes y eso en Asamblea es primordial; hoy lo hago mucho más porque creo que hay que homenajear; las partes gráficas, los lugares geográficos donde yo pertenezco, mi historia. En mi casa yo no escuchaba Bad Brains, escuchaba Quilapayun y yo obedezco a esa historia y ésta es estricta e inseparable, no hay doble lectura, aquí es así. Esta es mi historia y soy parte de ella, es por esto que no somos una banda política, es

que nuestra historia es en sí misma política, indisolublemente pertenecemos a un lugar geográfico que se llama Santiago y en ese lugar pasan determinadas cosas, este es mi imaginario y desde ahí saco mi experiencia, esto es muy importante para mí, yo he vivido en otros lugares y esta historia me pena siempre.

Me parece hacer bien los guiños a esto, una cita y el que la lea bien y el que no, no pues. Yo creo que esto ha ido de menos a más, desde el principio en el primer disco en que lo hice sólo en un tema en donde hice un guiño a Te recuerdo Amanda, luego el disco rojo tiene más sobre eso y ya en el blanco tiene mucho más de eso, para llegar ahora a un guiño constante a esa realidad que nos alimenta en donde hay escritores, música, lugares, olores, comidas; es entender que uno obedece a esos imaginarios, nosotros no existimos sin esos lugares.

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vi > Y en cuanto a la gráfica, ¿Cómo estos referentes se van conformando?

Emilio: Yo no soy gráfico, pero creo que con el pasar del tiempo hemos afinado lo que queremos, para terminar diciendo, bueno esto si nos gusta, esto hace cuenta de ir creando un lenguaje y eso es lo bonito de hacer un grupo. Esto es importante el crear idioma en conjunto en donde existen cosas que tienen cabida y otras que no, que ni siquiera me atrevería a proponerlo. Se va creando de colectivamente y con un alto de grado de espontaneidad, sin significancias mayores; por ejemplo, un día vamos caminando con el Fernando por el persa Bio bio y nos encontramos la bandera que ponemos en todos los shows y dijimos: -Bueno, esta buena, comprémosla, y no tiene un mayor significado que ese.

Fernando: Yo creo que la gráfica es una cosa súper espontánea, inconscientemente teníamos claro que no podía ser algo que cayera en lo obvio, tratar de buscar algo que esté fuera de los patrones normales estéticos del circuito en donde nos manejamos y que tiene que ver con esa idea de buscar la propia identidad. La idea está en no tener un preconcepto, porque si tú te fijas en las gráficas de los discos son bien distintos unos de otros, aunque siempre buscábamos la sobriedad.

Josemi: Pese a que yo no estaba cuando se crearon los discos anteriores, encuentro que el Lalo (NdE: Lalo es el antiguo bajista de la banda) tenía un sello que era identificable, que claro es una estética que responde a la banda pero que también era muy de él; eso se ha mantenido, porque si bien he sido yo el que ha seguido con el trabajo de la gráfica he tratado de mantenerlo un poco, es un referente; él construyo una gráfica que debe continuar, no solo por respeto, sino que porque es algo que va más allá de él, es por la banda.

Juanjo: La familia del Lalo es de escultores y el padre es alguien connotado, entonces había una idea pal’ disco rojo en que cada nombre de canción iba a tener un dibujo en lápiz que era lo que representaba cada canción, dibujado por el papá del Lalo, y había varios súper interesantes. La estrella del vigilante me acuerdo que era súper bonito, caballo también era súper bueno; están en la página ya que hubiera sido demasiado incluirlos en el disco, pero a lo que me refiero es que a ese nivel eran las ideas que habían.

Emilio: Había una movida que se da por necesidad, ya que no siempre tenía que ver con lo que uno intencionaba sino con las carencias. No había dinero para hacer una carátula o un afiche con muchos colores, entonces ¿cómo lo haces? Estás obligado a trabajar con esa idea de diseño respecto a cuanto tienes para lograrlo. Yo en ese tiempo tenía un pequeño taller de diseño, en donde sacamos algunas cosas, yo recuerdo que me decía que tenía que resolverlo en menos cosas, entonces lo hacíamos en papel Kraft, ahí ya teníamos un color, la tinta daba otro y listo. No es una sola cosa planeada hay un recurso forzado que es la carencia del dinero.

vii >Nos llama la atención esa introducción

que tienen en varios idiomas que pusieron cuando volvieron a tocar con Emilio, ¿De qué se trata?

Juanjo: Mi lectura es que en eso contamos de alguna forma la historia de la banda, el Emilio estuvo mucho tiempo en Europa, el Lalo se quedó allá, y al ponerlo en diferentes idiomas en el fondo muestra como la banda traspasó ciertas fronteras, tocando o con la música solamente, responde a que da lo mismo en el idioma en que se diga.

viii > Sabemos sobre un cover que han hecho a la banda de punk argentina Todos Tus Muertos, que van incluído en el nuevo disco ¿Qué nos pueden contar sobre eso?

Emilio: Fue complejo lo de pensar en hacer un cover, porque nosotros no escuchamos la misma música, nunca nos hemos sentado a decir, bueno Asamblea es tal o cual estilo. Somos un montón de personas con diferentes gustos musicales que confluyen en este recipiente que es Asamblea. Hicimos el tema “El Espejo”, del primer disco de Todos Tus muertos; es básicamente un tema muy simple pero que lo cambiamos entero y sigue siendo simple, más que nada lo elegimos porque tiene una letra muy potente.

Juanjo: Si, fue súper difícil ponerse de acuerdo para hacer un cover y claro ahora hicimos este tema, pero la primera reacción al proponer hacer un cover no fue de gran entusiasmo y cuando hablamos de

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hacerlo de Todos Tus Muertos fue más que nada porque Emilio nos mandó el tema y lo escuchamos y claro son dos notas, punk poh’, y Fernando y Josemi comenzaron a dibujar la base y luego todos nos fuimos versionando; lo hicimos totalmente distinto, si bien se conserva el espíritu del tema, lo cambiamos mucho.

“click” (metrónomo) y eso nos va ayudar harto, así que habrán acentuaciones distintas inevitablemente, de hecho el fin de semana pasado estuvimos tocando los temas así y cambiándolo, Juan logró dibujar unas cosas entremedio que lograron subir el nivel de la canción, así que confío que tendremos un gran resultado.

ix >Dentro de los nuevos proyectos de la banda está la decisión de reeditar el disco “Columnas”, ¿Por qué este disco?

xi >Por último ¿Algo más que quieran decir?

Juanjo: Es que no fue una decisión, fue un regalo del universo (risas).

Emilio: Fue algo bonito, uno tiene que dimensionar las cosas y ser agradecido. Alguien me mandan un mensaje diciendo que si nos acordábamos él, nos recuerda de una fecha que no pudimos hacer en Europa, era un chico que la organizaba y me dice “se cumplen 10 años desde que salió columnas”, ¡yo no manejaba ese dato!, y me dice que fue un disco súper importante para él y me propone sacarlo. Lo lindo de esto es que es un acto de amor, porque en realidad no es una buena apuesta, ya que la lógica es sacar el disco nuevo. Pero él nos apaña en el disco nuevo y además sacar el otro disco. Es algo precioso que alguien te diga esto, es lindo, no tengo otra palabra para graficar esto, de que para alguien tenga tal grado de significancia algo que tú hiciste. x >Pasando a la última pregunta, ¿Cómo será el formato del disco nuevo, cuándo saldrá?

Juanjo: En realidad nos hemos puesto fechas y no se han cumplido, así que en realidad estamos trabajando libres, sin presiones, el disco estará listo cuando esté listo. Aunque tenemos ya mucho avanzado, lo que nos atrasa es que como está Juan de vuelta queremos grabar las baterías de nuevo y esto es una apuesta que al parecer no se ha hecho antes, ya que a los más avezados que les hemos peguntado nos han dicho: ¿Pero cómo van a hacer eso? ¡Eso no se puede!.

Josemi: Claro es que es complejo el tener todo grabado y grabar las baterías al final, eso suele no hacerse, el Juan está obligado a respetar obligatoriamente la estructura.

Juanjo: A nuestro favor es que tenemos todo con

Emilio: Me gustaría dar las gracias a ustedes y a la gente en general, ya que hay una retribución que nos permite seguir, si bien nosotros tenemos algo que nos permite seguir haciendo cosas de manera autónoma, siempre se agradece la buena onda y te hace bien, tan sólo, muchas gracias.

http://asambleainternacionaldelfuego.bandcamp.com

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· La tragedia del fetichismo, una historia ficticia sobre nuestra miseria · “Debemos aprender a vivir con nuestras propias debilidades, nuestro odio, y nuestro prejuicio y rechazar los de ellos. “

Por Wladimir Stepniak

/ Penny Rimbaud

Apretó los dientes con fuerza. Frunció el ceño haciendo ese típico gesto suyo, mezcla de berrinche y asesino en serie. Agachó un poco la cabeza dejando su frente por delante, así como cuando los toros se disponen a atacar, como en las corridas donde la bestia sabe que estará muerta pero sigue adelante. Bajó un poco el labio, pensando que con esa mueca perversa estaría en contra de la naturaleza de Dios Padre Todo Poderoso. Tomó el reproductor de música portátil, puso los audífonos, dejó sonar Wolfbrigade a mucho volumen y comenzó la marcha. 1, 2, 3, 4 a paso firme por la avenida; 5, 6, 7, 8 golpeando con fuerza el pavimento. Estaba solo contra toda una ciudad, solo, arrojado sin miramientos en el centro de la urbe. Se encontró de pronto con un policía y maldijo entre dientes, refunfuñando palabras hostiles contra la autoridad, quizás alguna consigna política que leyó en algún libro de anarquismo fotocopiado por alguien que lo vendió en una “feria de fanzines” que lo más probable haya encontrado en internet y que de seguro alguien copi de otra página que podría haber subido el texto de alguna otra fotocopia. Al parecer al policía no le hicieron meya estas palabras que lanzaba como balas, seguramente su limitantes cognitivas asociadas a un heterofascismo patriarcal lo mantenían sordo de los ataques de la radicalidad punk.

Al poco andar y entre varias personas que se topaban en su solitaria marcha, se encontró con un fiel representante de la moral judeo cristiana. Aquel esbirro del opio del pueblo se pavoneaba con su uniforme institucional religioso que por años ha doblegado al pueblo, era el momento ideal para poner en su pendrive el Scum de Napalm Death y golpear de manera desafiante con su hombro el cuerpo de aquel despreciable sujeto, así estos mal nacidos podrán saber cuánto los odiamos.

En este vía crucis de la Posmodernidad, nuestro héroe se encuentra con un muchacho de tatuajes, gorra y polera de Converge, seguramente un tipo que vive en una población muy similar a la de donde proviene nuestro bravo luchador por la libertad; lo mira fijo, de pies a cabeza, y le entrega su desprecio, y en su mente dice de manera enfática “Poser”.

Triste caminar de nuestro Ulises, pobre de nuestro querido cordero que como un tributo al sagrado Dionisio es puesto en un altar para eliminar a los males del mundo; pobre, que en su afán por ser aquel que nos librará del mal se levanta por sobre nosotros y mira con benevolencia y desdén nuestras mortales vidas. Oh Señor, apiádate de nosotros y nuestros errores, danos la bendición de tus parches, de tus posturas anarquistas pasadas por vino tinto, ocupas sucias y descuidadas, danos el camino a seguir y enséñanos como el mercado lo ha tocado todo, que te ha tomado a ti como ejemplo y puesto en el seno de la crítica las mordazas del fetichismo de la mercancía que nos obliga a hablar dentro de un prototipo primermundista. Oh Señor, gracias por hacernos olvidar la teoría crítica y que por sobre ella este cuánto, cómo, dónde y con quién escuchamos música y detestemos a todo aquel que es distinto a nosotros, amén.

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ENTREVISTA Manouche Pizza Club

Entrevista y fotografías por Tristán e Isolda

Bombero Nuñez #290, Local 1 · https://www.facebook.com/manouchepizzaclub

Manouche es una pizzeria familiar que está compuesta por músicos, en ella trabaja Chebi que toca con Matías Cena, Josemi que toca con Asamblea Internacional del Fuego y BBRRAAVVOO, y su Padre que es un guitarrista de Jazz Manouche; por lo tanto la música juega un papel primordial allí.

En las muralla del lugar encuentras imágenes de cantantes o guitarristas, que se va mezclando con una excelente cocina: pizzas con sabores innovadores y carácter, increíbles palos de ajos, limonadas sabrosas y refrescantes cervezas. Manouche no sólo te ofrece una carta tradicional de pizzas, sino que también te acoge con opciones vegetarianas y veganas, siempre acompañado por la buena conversación de su patriarca que se sienta en tu mesa y comparte algo de la historia de la música que le fascina.

Manouche no es sólo una pizzería, es un club.

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Salvaje Revista Primero queremos saber qué es Manouche,es decir que significa el nombre y porque le pusieron así a la pizzería.

Bueno, Manouche de por sí es una tribu gitano-belga y bueno, le pusimos así a la pizzería porque mi padre es un gran fanático de la música Manouche, que es como el jazz gitano-francés. En verdad es un nombre sencillo sin ninguna pretensión, además a nosotros nos gusta la música y todos en la familia tocamos algún instrumento.

Respecto a eso, tú tienes una historia en la música en cuanto a haber sido o ser integrante de distintas bandas, como Bravo Bravo o Asamblea Internacional del Fuego, ¿Cómo mezclas eso con la comida o más bien, como vas desde la música a la cocina?

Bueno, qué puedo decir, siempre me ha gustado cocinar.

La verdad es que la pizzería partió porque a mi viejo le gusta mucho cocinar, por lo tanto, nos lo heredó a mí y a mi hermano, de hecho, también lo hizo con la música. No se si en algún punto esos dos temas se tocan, pero al menos en mi vida si se juntaron. Todos escuchamos música, todos tocamos música y a todos nos gusta cocinar. Ahora, si cocinábamos una pizza o una hamburguesa, eso ya dependía de otras cosas y dentro de todo, lo más práctico para un negocio, pero sin duda la unión música-cocina es algo que viene de la familia más que nada.

Nos percatamos de que el lugar está ambientado con varias fotografías de distintos músicos, que nos imaginamos responde a lo temático de la pizzería en cuanto al jazz Manouche, por ende, ¿Qué de esto se transfiere en las comidas y en el ambiente que se genera acá?

Bien, primero, para quien le interese, cada una de las fotos tiene un pie con el nombre del interprete que allí aparece; siendo dos de los más importantes Django Reinhard y Grappeli, que son unos de los más grandes exponentes del Jazz Manouche, pero también está Billie Holiday y hasta hay una Foto de Miles Davis, pero en realidad son clásicos del jazz que particularmente a nosotros nos gustan o que idealmente tengan algo que ver con la época del Manouche.

¿Es la música Manouche la que suele estar de fondo cuando se come acá?

Claro, tratamos, no se si de promover el Manouche, pero si tratamos de que suene y se conozca porque no mucha gente conoce el estilo, aunque hay gente que ha pasado y reconoce lo que está sonando o alguno de los músicos de las fotografías. Más que nada, es para acercarle la música a la gente, pero obvio que a veces también nos

aburre escuchar Manouche todo el día y cambia los controles ahí el DJ derrepente… podemos escuchar de todo, pero principalmente mucho jazz, pero por ejemplo, a mi me gusta mucho el jazz, pero de estilos distintos a los que le gusta a mi viejo y tratamos de ir mezclándolos para no terminar diciendo “ponte otra cosa”.

Respecto al menú, ¿Qué nos puedes contar sobre él y los nombres de las pizzas?

Bueno, el menú en un principio estuvo siempre pensado en que podía venir mucha gente vegetariana, lo cual para nosotros es super importante, de hecho, mi viejo es vegetariano hace 20 años, yo también lo fui; sabíamos que se necesitaba una buena alternativa vegetariana o vegana, más allá de lo típico, sobre todo cuando derivan de productos congelados o que no son preparados en el minuto. Y bueno, en cuanto a los nombres de las pizzas, en un principio no nos queríamos complicar recordando el nombre de todas, pero tampoco podía ser tan fome por lo que al final todos los nombres tienen algo que ver o con el estilo musical o con los personajes, por ejemplo, Selmer y Maccaferri son dos modelos de guitarras que se utilizan en el jazz Manouche; en el fondo, quisimos que también los nombres complementaran la temática de la pizzería y fuera redondito.

Y claro, respecto a lo primero, éste es uno de los pocos lugares donde te puedes comer una pizza vegetariana o vegana en serio, entonces nos preguntábamos ¿cómo se les había ocurrido incluir ese tipo de pizzas en el menú?

Pasa que al final, la mayoría de mis cercanos son de la escena punk o hardcore, que es donde más conozco gente vegana o vegetariana y es en realidad donde más conozco gente… entonces yo pensé en quienes vendrían al local, y serían mis amigos, mis conocidos y la mayoría o son vegetarianos o veganos y si no son ellos, sus amigos si lo son, ni modo… no podría haber concebido un local de comida sin tener una opción para ellos, ni cagando… si esa es la gracia.

En cuanto a eso, hablando del público que viene a la pizzería, ¿Cuáles eran sus expectativas en un principio en cuanto a la gente que iba a venir y cómo eso ha ido cambiado o se ha mantenido en el tiempo que lleva el local?

Las expectativas era, como decía, nuestros amigos y conocidos principalmente, quienes en un 90% están dentro del hard core punk, esas eran mis expectativas al menos… que vendrían “los cabros”, y bueno, se ha mantenido y también se ha hecho popular entre los vecinos, y nos hemos dado cuenta que el estilo Manouche, será que ahora se ha hecho más popular o

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estará de moda, pero atrae a la gente que va pasando, reconocen la música y eso es extraño, no era algo que esperábamos que pasará, de hecho pensábamos que tendríamos que estar explicando todo el tiempo quien era Django Reinhard y contándole la historia a todo el mundo qué es el Manouche e incluso cómo se pronuncia o cómo se escribe; pero eso, se cumplieron las expectativas y además nos ha sorprendido mucho que despegara, de cierta forma.

Además de que acá se pueden comer pizzas con doble mozzarella y con salsa de tomates casera, está la limonada con albahaca y los particulares palos de ajo, ¿Qué nos puedes contar de éstas recetas, de dónde vienen o cómo se les ocurrieron?

Bueno, la limonada no la inventamos acá… pero o era con albahaca o jengibre y éste último era mucha pega, entonces como las pizzas ya tenían albahaca, quedó; además era para ponerle algo más que limón y agua, para darle más valor, para que fuera distinta y para que valiera la pena cobrar o pagar la luca y media; por otro lado es menos fome que tomar agua y más práctico que preparar jugos, pero además, es una alternativa a los veganos o los straight edge que no toman ni alcohol ni ciertas bebidas. Ahora, los palitos fue algo que probé hace tiempo y quise replicar, pero con otra receta que fuimos experimentando, entonces se nos ocurrió ponerle queso, por ejemplo, primero se lo pusimos a la masa y no funcionó, después pensamos en como incorporar el ajo para que se sintiera realmente el sabor; y así, quisimos tener algo distinto nada más.

Y de las pizzas, ¿Cuál es la más popular, qué ingredientes tiene y por qué crees que la piden más?

No llevamos un registro de la que más piden, pero sin duda una de las que más sale es la Solitude (tomate, champiñones, aceitunas y cebolla caramelizada), además de las vegan, de hecho, las veganas salen tanto como cualquier otra vegetariana o con carne; ahora, me sorprende que salga tanto la Solitude, porque en sus ingredientes tiene cebolla caramelizada la cual no nos parecía tan popular, pero al parecer le ha gustado mucho a la gente y se ha convertido en la pizza estrella.

Ahora, lo que nos gusta del lugar, es que nos sentimos como en casa y se nota el ambiente familiar, ¿Nos podrías contar un poco sobre cómo se conforma este negocio y de quién fue la idea?

La pizzería es de mi papá, quien es el dueño y también trabaja acá junto a mi hermano y yo Cuento corto, mi viejo era profe, lo echaron de la pega y después de 30 años trabajando tuvo una buena indemnización, entonces un día le preguntamos: - ¿Qué vas a hacer con esa plata? ¿Te la vas a gastar?, ¿Te vas a ir a vivir al campo o vas a poner un negocio?, porque puedes gastarla o hacer que se multiplique. Y bueno, apostamos por la pizzería, lo cual fue sin duda un piscinazo, porque podríamos haberlo pensado mejor y haber cometido menos errores, los cuales hay siempre y en todas las cosas, pero los solucionamos y así funciona, si al final cagándola se aprende… caleta. La verdad es que acá el trabajo es super horizontal, tomamos las decisiones entre los tres y además trabajamos con un primo, por lo que tratamos de manejar las cosas de la mejor manera posible siempre, ninguno está por sobre el otro ni se cree más el cuento.

En cuanto a preguntas eso es todo, ¿Pero quisieras decir algo más?

Nada, solo agradecerles por el interés y dejar a todo el mundo invitado a pasar, para escuchar un poco de jazz, comerse unas pizzas y tomarse una cerveza o una limonada tranquilo.

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ENTREVISTA Mi nombre es Dolores! y su disco Así es

Entrevista y fotografías por Lita Lazo Coppa

http://mned.bandcamp.com

Siempre he admirado a la gente valiente. Debe ser porque a mí me falta una cuota de estoicismo, así que termino creyendo más en esos que llevan a acciones sus palabras. Mal que mal, toda palabra dicha suena mejor si termina ocurriendo o siendo cierta. Para ser valiente por cierto, no se puede hacer nada a medias ni con cuentagotas, existe valentía sólo en cosas enteras y tangibles que brillan por si solas de tanta presencia…

Ahí voy.

“Asi es” como MiNombreEsDolores!, proyecto solista de Matias Hidalgo (608-z, Syndie, Möreno) creado en 2011, logra concretar lo que se propone y antes de irse lanza su Ep “Así es”. Toma su baby tylor y parte a tocar por el mundo. Hablé con él cuando estaba en Melbourne Australia, sentado en la calle robando internet de un locutorio, ¿qué mejor?.

1 > ¿Por qué decidiste sacar tu disco sólo en formato digital?

El disco, como objeto, es algo que siempre he cuidado mucho. Me gusta tener todos mis discos, ya sean K7 o Cd (aún no logro el vinilo) en formato físico. Es como la “obra terminada”. Luego de haber editado 10 discos en mi vida, es primera vez que lanzo algo en digital. Estoy tocando fuera de Chile y ya es un tema el viajar con una guitarra, imagínate con una maleta con discos. Es por eso, porque hoy en día nadie compra Cds y es un cacho andarlos paseando por todas partes.

Lo hice en digital porque lo terminé de grabar en Santiago y a los tres días ya estaba en Nueva Zelanda, de hecho las correcciones del master fueron por internet. Lo lancé en Auckland hace unos días y he tenido muy buena onda con la gente que lo ha descargado. Todo gracias a MIXTAPELOVERS. COM 2 > Con tu viaje ¿Has descubierto que tu música puede estar en cualquier parte?

Definitivamente. La música ya es un lenguaje universal por sí sola. Lo que me he dado cuenta es que me falta demasiado por aprender. Es increíble ver las cosas que pasan en la calle; todos son muy buenos!. He ido a un par de locales a ver cosas en vivo ¡y son tremendos músicos! He conocido a mucha gente ligada a la música y he absorbido lo que más he podido de su técnica y su forma de verla. Luego trato de aplicar algunas cosas en lo mío. En cuanto a las tocatas, para el público, es interesante ver a un tipo que habla en inglés, que canta en español y que se tira al piso jurando

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bien personal el asunto y si alguien me quiere escuchar, tanto mejor. Nunca me ha importado mucho si hay público o no, siempre el foco esta en ir mejorando lo que hago, no si hay o no público.

4 > ¿Quedaste conforme con tu disco nuevo?

Si, porque es bien honesto. De eso se trataba, es un segundo disco. El primero lo hice estando medio depre en mi casa con el computador, ni siquiera interface de audio así noma, con el micrófono del notebook. En el segundo quería hacerlo de manera profesional. En un estudio pro, con consola pro y micrófonos pro. Las canciones ya tenían un tiempo y más me demoré en el proceso de cantarlas para que no sonara tan desafinado.

En este disco invité a grabar las baterías a Pancho Rebollo ¡Él es seco! Y luego grabé las líneas de bajo, las guitarras, arreglos y vocales. Agotador tocar todos los instrumentos, súper intenso. En sólo 4 días se terminó el disco completo.

Quedó honesto, se siente eso de “un weón tocando sus temas”. Era lo que quería de este disco. Y sí, me duele la guata cuando lo escucho porque siento que pudo haber quedado mejor. Creo que es el mal de todo músico. El mejor disco… ¡es el próximo!... jaja!

5 > ¿Qué quieres expresar con tus letras y música?

que está tocando en un estadio música punk con una mini guitarra de palo. Ja!. Se me han acercado, luego del show diciéndome: “oye, se me pararon los pelos al verte tocando tan intensamente…”. Creo que mi deformación de bajista punkrocker es lo que más destacaba.

3 > ¿Qué esperas de Mned!?

Todo. MiNombreEsDolores!, más que un proyecto musical con ambiciones de popularidad, es un proyecto de vida.

Para mi cantar es algo que he buscado toda mi vida, la independencia que te da el saber tocar guitarra y cantar a la vez, es algo que he buscado por siempre. Toda mi vida he tenido bandas, por primera vez soy solista y me siento muy cómodo en este formato. Aunque se hecha de menos el caos de banda. Ja!.

Mi ambición con este proyecto es muy personal, es más bien desarrollarme como músico, saber hacer canciones, aprender a cantar y con eso también lidiar con la inseguridad, frustraciones e incluso al punto de estar más conectado con mi cuerpo. MNED! Para mi es eso y espero seguir creciendo como persona y músico con el tiempo. Es

En cuanto a las letras se podría decir que trato de que sean cosas verdaderas. Cosas que realmente siento o he vivido.

Le tengo mucho respeto a las letras, me crié escuchando punk rock y las letras es lo más importante en ese estilo, al menos de las bandas que me gustaban, así que es súper importante que las letras digan lo que siento. No quiere decir que sean fáciles de entender para todos, me refiero a que sean honestas. Hay mucha ambigüedad entre la música y la letra. Muchas veces me sale el Morrisey que llevo dentro y de una melodía bien arriba y pegote, sale una letra de lo más oscura. Un poco es jugar con eso también.

6 > ¿Qué se viene para Mned!?

Seguir tocando en vivo. Para mi es eso, vivo en vivo. Ya estoy haciendo temas para el próximo disco, tengo varias ideas y me gustaría ver qué pasa si le meto arreglos distintos esta vez. Seguiré tocando por Australia, Asia y Europa ¡donde sea!. Ojalá materializar el disco “Así Es” en formato 7”, ¡seria lo más!.

7 > ¿Qué es para ti MiNombreEsDolores!?

Lo que te decía antes, Todo.

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8 > ¿Cómo a sido la experiencia de tocar en otra parte? ¿Qué cosas coinciden o no con tocar acá?

El tocar en otra parte, y quizás el tocar en otro idioma, te juega una doble. Por un lado es “atractivo” para un inglés escuchar canciones en español, pero a su vez “el coro” del tema te la juega en contra. No se si me explico. Pasa que las canciones gustan y he tenido súper buenos comentarios pero nadie se acuerda del coro porque nadie lo puede cantar... jaja!.

La sensación es la raja, imagínate que llego solo a un lugar en donde no conoces a nadie, en donde nunca has estado y llega gente a verte actuar. Es súper desafiante y tienes que estar concentrado, pero a la vez y ya cuando vas en el segundo tema, te relajas y te das cuenta de que hay que disfrutarlo al máximo para que también el público lo disfrute. Si te vez relajado y pasándola bien tocando tus temas... seguro la gente también lo hará. ¿De coincidencias?... bueno son personas, así que hay de todo como en todas partes. Lo que no coincide y en Chile parece que no coincidiera nunca, es que cada vez que toco pagan y te dan comida y cerveza. En Chilito muchas veces no te dan ni las gracias.

9 > ¿Para dónde te mueves ahora y seguirás tocando?

El plan es tocar en cada país donde me mueva. Lo más posible y donde sea. Nueva Zelanda fue increíble y se dio bacán. Ahora estoy en Australia, en Melbourne (una ciudad increíble) y ya hice contactos. Esta ciudad es súper movida en términos culturales así que también muy ocupada y hay que agendar con tiempo. Vamos a ver que resulta. Luego me muevo al sudeste asiático en donde ya contacté a un tipo que toca mucho en vivo... por ahí saldrá algo también, y así... con muchas ideas y ganas de que resulte. De eso se trata... de disfrutarlo al máximo.

10 > Palabras finales. ¡¡Dar las gracias!!. Sobre todo a Mixtapelovers que se la juegan siempre por apoyar desinteresadamente. Se pasan, ¡de verdad!. Hace años atrás me dijeron “si eres músico en Chile, eres músico en cualquier parte del mundo”....bueno es muy cierto, la escuela fue tan dura que ahora a puro disfrutar y aprender. Voy a seguir haciendo temas para que esto no pare nunca. ¡Besos a todos!

Puedes descargar el disco de MNED! en:

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RECORD LABEL REVIEW Jade Tree Records Andrés Infante | infme.org | mixtapelovers.com ‘That reminds me of you make me a Mixtape that makes me yours, Don’t leave out Hüsker Dü, Put something on that The Cars did in 1982, It makes me yours.’

The Promise Ring ‘Make Me a Mixtape’ Electric Pink EP | Jade Tree Records - 2000

En Agosto de 1991 yo tenía 9 años y en lo único que pensaba era en que llegara el fin de semana para que mi papá me llevara al estadio, o me fuera a buscar al colegio en la semana para ir al mismo lugar y para que le tirara la misma talla al paco que me revisaba la mochila antes de entrar, ‘mira, te van a hacer las tareas’, bueno, mientras el país en ese tiempo pasaba por una bonanza futbolística popular y una democracia con gusto a leche, en Wilmington, Delaware, dos amigos estaban comenzando algo, quizás nada muy importante dentro de la historia de la industria de la música tradicional, a la cual no le debe ni haber dado cosquillas que Darren Walters y Tim Owen fundaran Jade Tree, la verdad es que recién

con internet en el cuerpo los sellos independientes pudieron hacer pasar algunas rabias a la poderosa industria de la música, pero bueno, eso es materia pasada y este texto se trata de (para mí) uno de los sellos independientes más influyentes de los últimos tiempos, estamos hablando de Jade Tree Records (JTR).

Ya mencioné que JTR fue fundada por dos amigos, los cuales venían de otros sellos independientes, Walters con Hi-Impact Records y Owen con Axtion Packed Records, eran básicamente dos sellos Hardcore y Straigth Edge, y el motivo fundamental para crear JTR era publicar y promocionar bandas de la zona

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donde vivían, pero que no necesariamente fueran en la línea de sus anteriores sellos, así fue como editaron a bandas más melódicas, experimentales, emo (cuando no daba vergüenza pronunciar ni escribir esta palabra, creo que JTR fue la cuna de toda esa camada de bandas que le dieron ese gustito especial al emo, el de los 90s, ese que gritaba, pero que era completamente Punk, DIY y sin pretensiones de ser la basura comercial que transformaron algunas bandas en años posteriores), el sello fue la gracia o la novedad en el barrio, así que era cuestión de tiempo para que el negocio comenzara a expandirse hacia otras localidades.

Creo que a JTR solo le faltó fichar a The Get Up Kids y Jawbreaker y hubiese sido la perfección, porque encuentras los primeros discos de The Promise Ring, Jets to Brazil, Cap´n Jazz, Owls, Lifetime, The Loved Ones, Texas is The Reason y un largo, pero muy largo etcétera, para mí, la mitad de las bandas que más me influenciaron a fines de la década de los 90s, fueron las que pasaron por Jade Tree, marcando definitivamente un antes y un después dentro de la música independiente, con discos que se preocupaban, aparte de sonar bien, de verse bien, no cabe duda que todas las bandas Indie Rock, Hardcore y Punk de ahora, de alguna u otra manera deben de estar influenciados por JTR, sino, deberían darse con una piedra en el hocico por mal agradecidos.

El punto negativo de Jade Tree puede ser eran/son demasiados dispersos con el tema de la distribución, yo creo que si ellos se dedicaran al 100% en distribuir sus cosas, serían millonarios, pero parece que prefieren delegar ese tipo de funciones a otros, como

Merchnow, que deben tener uno de los Shipping más caros en la historia del mundo mundial.

En Mixtape Lovers en el 2011 hice un mix (obvio) que se llamó ‘Jade Tree Super Greatest Hits’, son 33 canciones (nada que ver con el número de los mineros), de un 99% de las bandas que pertenecen al sello o que han realizado algún trabajo específico con ellos, también el sello realizó en conjunto algunos compilados y samplers, pero los que fueron exclusivamente de ellos se llamaron ‘Location is Everything’ y fueron dos volúmenes. (Al final del texto los respectivos links de descarga de esto que estoy hablando y de regalo un sampler más).

Después de un largo trabajo de investigación y en mi afán obsesivo de coleccionar samplers y compilados y gracias a Discogs encontré la información necesaria para encontrar las canciones correspondientes a los compilados de Jade Tree, creo que la mejor manera de conocer bandas nuevas o antiguas, como también la mejor manera de conocer los ‘Record Labels’ que admiras por el motivo que sea, son sus compilados, la mayoría de las bandas que conozco ha sido así, siempre he querido tener el trabajo de pertenecer a un sello y ser la persona que elige las canciones que van en los compilados, darles el orden y todo, por eso es que creamos Mixtape Lovers, que ahora se nos haya ido al carajo con tantas cosas que tenemos que hacer no significa que dejemos de juntar canciones y compartirlas, al igual como nace Salvaje, al igual que este par de amigos que crearon el sello, al igual que muchas cosas que nos gustan y que admiramos, está creado para un beneficio, que es hacer las cosas uno mismo y lo más importante, compartirlas.

Links de Descarga: Jade Tree Super Greatest Hits (Mixtape) | https://mega.co.nz/#!mB0jhaoL!DdPHOXK5XM08D4CNDtUvi4o2B4Ei4CsqSvXu7JeDl3M

Location is Everything – 2002 – Vol#1 | https://mega.co.nz/#!3FUyBSKb!2NHT8-y9qAsoOknd18BXRa8Ln2SQKSjNOxCtXm0NIFY

Location is Everything – 2004 – Vol#2 | https://mega.co.nz/#!rNNkSBoJ!-K6PfumM6aWExAfGI4CQoElk3OZ8e5Uob8sRcFRsbho

Jade Tree + Touch & Go - Exclusive Emusic Sampler | https://mega.co.nz/#!fVtlyTpK!q3q__CdWZAJQVDhAWXjB7A8T3Hvb8rC_Ic7G6w3kxQA

Jadetree.com

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REVIEWS A | Into the Marshlands http://thou.bandcamp.com/album/heathen

“Flee the dying fortress of civilization, besieged on all sides by wild nature…”

Escuchar un nuevo disco, de una banda poco fogueada en términos de mainstream, es todo un desafío. Más aún si te has hecho una imagen previa de lo esperable, en la natural evolución de las composiciones o en la madurez que pueda alcanzar el texto/lírica que complementa todo álbum. Este desafío es doble cuando se trata de textos en un idioma distinto al tuyo, porque a razón de la literalidad debes encontrar el sentido o la intencionalidad del mismo, y a veces sucede que al escuchar un tema en particular te impresionas, basado sólo en los aspectos estéticos de la música, pero aumenta ésta, la sorpresa, cuando vas descubriendo el manto oculto de los textos/ lírica, más aún cuando estos lindan en los derroteros de tu experiencia personal.

“Into the Marshlands” incluída en el álbum Heathen (Gilead Media, 2014) de la banda THOU representa a cabalidad lo antes mencionado, su traducción literal es algo así como “En las Marismas” y en la lógica del sentido común bien podría ser “En el Humedal o Mallín”, la cosa es que en su sentido más amplio es un llamado a mirar a la Madre Tierra (Naturaleza) como el origen y desarrollo de nuestra felicidad, no así la Ciudad, tomada también en una suerte de concepto de lo inerte, de la que no nos queda otra salida que escapar y regresar al seno de nuestra Madre, de la que fuimos destetados a la fuerza, obligándonos a vivir entre sus lindos y cuidados jardines, entre el cemento y el sinsentido de lo utilitario. “…Flee the dying fortress of civilization…” Escapar, huir, arrancar tal y como lo hicimos una vez (huida personal de la urbe) para regresar al estado natural de convivencia, inmunizarse contra la estructura que suele encerrarte, significa además volver a mirar a la Tierra/naturaleza como un cuerpo del que brota la vida, la fuerza para vivir, la médula ósea de la existencia, el corazón de la vitalidad, la sangre palpitante del mundo…”We must return to the womb, to the heart of vitality, wherein lies the strenght, the marrow, the pulsating blood…”

Pocas veces un tema/canción/poema llega a representar fielmente tus ideas, tus emociones, tus rabias, pocos se transforman en el canto que es el Propio dentro de los mallines.

Fin de Transmisión desde los Bosques de la Bioregión Patagonia. | Rogelio / Krustie!

b | Col.lapse - Enfosat LP http://collapse1.bandcamp.com/ (Amendment Records/Can’t Keep Us Down) http://amendment-records.com http://cantkeepusdownbcn.wordpress.com Col.lapse es una banda hardcore punk de Barcelona que se formó después de la ruptura de Cinder y han vuelto a grabar otro LP, el segundo ya después de su primer gran disco llamado Mínima Esperança el cual fue editado por Bcore. Enfosat, su nuevo disco fue lanzado y dado a conocer en octubre del 2013 , recién hace pocas semanas ya está disponible en LP gracias a Can’t Keep Us Down y Amendment Records lo puedes conseguir desde YA. A primera impresión Col.lapse me recuerda a Dag Nasty y cumplen la función muy bien, aunque igualmente no podemos quitar méritos y ser enfáticos en referirnos a su audáz manera de componer.

Me viene a la cabeza también la consecuencia de DC y su revolution summer en el hardcore de los 80’s, trayendo todo una melancolía sonora a la rudeza del hardcore firme y como un golpe en la cabeza. Algo que me encanta en el hardcore es que pueda llegar a tener estas diferentes directrices en la composición y no solo ser la cara ruda de dos notas sino más bien algo elavorado y con mucha preocupación a la hora de interpretar . El que las canciones, tanto en su primer LP como en éste, estén cantadas en Catalán le dan un plus que me encanta, mucha delicadeza. Enfosat cuenta con ocho canciones demoledoras, comienza con “ Altre Cop” que enseguida muestran su tonalidad aferrima de ser los Dag Nasty pero en el 2014, y me refiero a los Dag Nasty porque no tienen nada que envidiar a esta banda de DC, su ejecución es prolija y envidiable. Continua “No T’ha Servit de Res” y arranca la velocidad con arpegios entonados a una pasividad sonora, sin caer en el hardcore melódico que tanto desprecio me provoca. Las canciones continúan sin ser un peso sino más bien algo liviano, bastante lineal sin ser tediosas, un disco sorprendente que provoca una diferencia y a la vez concordancia con su gran primer LP.

c | Waterglass - S/T LP http://waterglasshc.bandcamp.com/ (Amendment Records) Waterglass es una banda de Santiago de Chile que toca hace ya un tiempo largo, pero que más bien han pasado desapercibidos, en relación a lanzamientos este sería su primer gran lanzamiento. Pero en relación a recitales han tocado con muy buenas bandas en Chile y Argentina, con grupos locales e internacionales.

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REVIEWS Como ya estamos acostumbrados, Amendment Records nos entrega una edición hermosa, preocupados de los detalles con una portada poco común dentro de lo que solemos ver en el hardcore, y eso me encanta; desapegarse de esos clichés absurdos que amerita casi de manera trascendental el aburrido hardcore y su institución que poco nos entrega cuando no sale de sus esquemas de representación, esa voz inaudible junto a la necesidad de ser solo apariencia. El arte del disco es hermoso, el universo, el cielo, mil estrellas abriéndonos paso a dialogar con su música.

Letras llamativas y con un juego de palabras muy divertido, pero que puede caer en una contradicción por su ambigüedad de elegir cantar en inglés o español, lo cual podemos comprender ya que es casi una recopilación de las canciones que han compuesto en sus inicios como ahora último. Las canciones en español me parecen con más fuerza, más coraje a la hora de interpretarlas ¿será por qué puedo percibirlas con más claridad en relación a la música? Un poco contradictorio de mi parte, ya que escucho mucha música cantada en inglés, pero quizás es lo que esperaba en esta banda, una fluidez mayor en las letras. Cuando las escucho en inglés me parecen un tanto forzadas.

La voz de Kifo, su vocalista, me es muy simpática y agradable, y marca una diferencia en ese aspecto.

Canciones que salen de lo común del hardcore, donde los jugadores principales son las delicadas guitarras con tintes melódicos, pero en momentos con una fuerza desgarradora que me recuerda a Falling Forward pero más moderno, quizás mucha influencia de Chamberlain, también, pero todas estas comparaciones igualmente no me logran dejar contento ya que cuando me hace recordar a estas bandas comienza un ritmo más rápido, con cortes que pueden caer a algo más como Lifetime, Kid Dynamite o más bien aquellas bandas que después del 2000 editó Jade Tree Records. Amelie Laur es un quiebre en el disco, guitarras que al principio parecen aludir a un Snapcase en End Transmission con una voz más lineal.

Un disco con muchos cambios, con una propuesta que quiebra con el enfoque del hardcore en sí, pero a su vez funcional a él, cumpliendo su rango pero en una línea delgada de mandar todo a la mierda siendo ellos mismos detrás de dos guitarras, un bajo, una bateria y una voz.

Muy recomendado para aquellos que dicen que el hardcore es siempre lo mismo. Estos son los nuevos sonidos, éstas son las ansias por querer que el engranaje no sea el mismo de siempre.

d | CUZCOS - Cuzcos 7” http://cuzcos.bandcamp.com/ (Los infelices noventas records) Cuzcos es un dúo integrado por Natalia Gonzalia (Batería) y Cristiano Monga (Bajo/voz) quienes hoy en día viven en Buenos Aires, después de estar residiendo durante un tiempo largo en Barcelona.

Cuzcos es una banda llamativa. Ya sólo desde el momento en que te enteras que son un dúo -por favor, dejen ese mal gusto, que al hablar sobre un dúo imaginan a los detestables y vomitivos The White Stripes-. Recuerdo haber visto un video de Cuzcos en BalconyTV, una serie de presentaciones de bandas en un Balcón como lo dice su nombre y me encantó su magia, pero la voz aún no me solía agradar hasta el momento de escucharlos en vivo y así entender todo, su energía, su suavidad, su rabia y sensualidad plasmada en letras que hablan de prender fuego al trabajo y sus símbolos institucionales. ¿Qué belleza no?

Cuzcos me hace imaginar como si The Screamers entre su post punk oscuro hubieran dejado los sintetizadores de lado e involucrarán un bajo reemplazándolos, post punk oscuro que no llega a ser dark, sino más bien “post punk mala onda” que te envuelve como un trance constante y provocador, una nota repetitiva por un largo momento da pie a los golpes frenéticos, cambios de ritmos, cortes, viajes entre disonancias provocando un lenguaje heróico, minimalista, tosco, agresivo y sensual.

Este 7” contiene cuatro canciones de las cuales “Cicatrices” es mi favorita. Su composición es similar entre una y otra pero que en ni un momento te hace dejar de golpear con tu pie el suelo, deseoso de más. Post punk seco, directo que me hace recordar a Gang of Four en su disco Enternainment! pero claro, sin sus guitarras locas. También me vienen a la cabeza la primera oleada de bandas del No Wave como Del-Byzanteens, Mars, Teenage Jesus & the Jerks, Theoretical Girls, pero bueno basta de etiquetas, los doctores deberían dejar de recetarlas (o quizás sería mejor asesinarlos). Este disco fue grabado y mezclado en mayo del 2009 y masterizado en junio del 2012, editado por Los infelices noventas records.

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REVIEWS e | The Saddest Landscape Exit Wounded EP (2013) (TopsHelf Records)

f | VV/AA Nao somos os primeiros, nao seremos os últimos COMPILADO LP

The Saddest Landscape es una banda emo, post hardcore, screamo de Boston, Massachusetts, aunque sus miembros viven en diferentes lugares del Noreste de EE.UU. La banda se inició en 2002 y ya en el 2004 quedó inactiva por sus problemas de distancia, pero igualmente nunca oficialmente se separaron. Durante este tiempo, los dos miembros restantes (Andy y Aaron, el cantante / guitarrista y baterista respectivamente) formaron otra banda llamada Her Breath On Glass.

Veamos... el concepto de éste disco es lo que para mí es, en esencia, el hardcore-punk. Supongamos que 12 bandas de la misma ciudad se juntan para un proyecto discográfico común, arriendan un estudio que es de un chico de la misma movida punk local, y lo mezclan y masterizan en el estudio del guitarrista de una de las bandas participantes.

Por si fuera poco, la parte gráfica del asunto está a cargo de otro integrante de una de las bandas que colaboran con su música para el compilado. Todo ésto de manera muy profesional por cierto y en un tiempo muy reducido.

Alrededor del 2008/09, escogieron seguir con The Saddest Landscape , aunque con dos miembros diferentes a lo que era la formacion original. Desde entonces, se han unido al sello Topshelf Records, grabaron un montón de EPs y discos nuevos y volvieron a las giras por EE.UU y Europa.

The Saddest Landscape son conocidos por ser notoriamente influenciados por City Of Caterpillar, Portraits Of Past, Funeral Diner, Neil Perry, Saetia, Indian Summer y Rites Of Spring. A pesar de esto, tienen un sonido muy distintivo que ha prevalecido a lo largo de su existencia (no de una manera terriblemente repetitiva sin embargo). Ellos hacen un excelente uso de la fórmula clásica: partes tranquilas y melódicas, arpegios de guitarra y explosiones de octavas y ruido.

A veces encuentran maneras de cambiar esta fórmula y logran mantener mi interés sobre ellos, aunque hace muchos años que no los escuchaba les perdi la huella en el 2004 con su disco Lift Your Burdens High For This Is Where We Cross. Con este disco recién volvi a retomar la búsqueda de todo lo que habían grabado después de eso y me pareció interesante su cambio de sonido que es más bien sutil. No estoy acostumbrado a reencontrarme con bandas emo nuevas, no son de mi agrado pero este disco me pareció uno de los pocos que tienen un sonido mas digerible, reconocible y sin que cada canción me parezca una marcha fúnebre con las mismas partes iguales a todas las bandas de este “estilo”.

Lo que molesta de este disco y de la banda en sí es su estética tan “lamentosa” junto a sus letras tan lloronas, prefiero escuchar a Miguel Bosé.

B · C · D · E | Ex Pectador

“Nao somos os primeiros, nao seremos os ultimos” es todo ésto antes descrito y mucho más. De hecho, tener el resultado de todo ese proceso en mis manos me da una emoción tremenda, y a la vez, siento que ésta producción tiene un valor incalculable.

Las bandas además son todas muy variadas, van desde el excelente y pulcro punk rock de Futuro, Veneno Lento y Gattopardo, pasando por el hardcore punk más melódico de los veteranos O Inimigo, y Days of Sunday -cada banda ofreciendo diferentes variantes en el género-, el metal punk de Urutu, el fastcore de los también experimentados La Revancha, el hardcore tradicional de Final Round, Sentenced y Direct Shot, hasta el hardcore más pesado de Still X Strong y The Only Way. Cabe dar también, muchos créditos al trabajo gráfico que consiste en una tapa normal de LP más un booklet, que es casi como un fanzine, en el cual cada página corresponde a la información de una banda con sus letras en inglés y portugués, más un muy pensado manifiesto en la primera página de donde desprendemos el espíritu de éste compilado: “Y esto no se trata del viejo y moribundo slogan de “unión de la escena”. No es un agrupamiento artificial hecho solo para el disco, sino personas que de hecho tocan juntas y viven experiencias reales una al lado de las otras, venciendo el sectarismo y las barreras estéticas e ideológicas como una práctica común” Como documento histórico, siento que el compilado cumple el objetivo con creces, a pesar de que en mi visita a Sâo Paulo en Enero del presente, constaté de que hay muchas bandas nuevas y por cierto muy buenas, que por razones obvias no aparecen acá.

Esperemos que haya una segunda entrega de éste recopilación en algún futuro, así como esperamos que idea tan buenas como ésta se lleven a cabo en otras latitudes.

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REVIEWS g | BEYOND FREQUENCY Man Alone With Himself LP http://beyondfrequency.bandcamp.com (Prejuizo Records) prejuizorecords@gmail.com Interesante proyecto desde Curitiba, Brasil incluyendo al guitarrista y al baterista de Colligere. BF toca lo que la mayoría llama post-rock, o sea música instrumental altamente atmósferica sin o con muy poca presencia de voces. Al clásico trinomio de bajo, guitarra y batería, se suman pianos en “Forgiveness” y saxos y trombones en “Shadows of existence”.

Debo decir que me tomó por sorpresa encontrarme con ésta banda. Habla muy bien de la escena de Brasil que siempre está abierta a nuevos sonidos y no hay miedo de que éste tipo de bandas fluyan por los conductos de la escena punk. El punk es más que música, no? El manifiesto incluído en el inserto del LP da clara muestra de ello: el hecho de incluir un ensayo sobre si la música instrumental nos puede decir algo o no, es un detalle genial.

Referencias para ésta banda podrían ser Explosions In The Sky o This Will Destroy You, aunque las comparaciones casi siempre quedan a medio camino.

BF realizan su propia versión del estilo transmitiendo mucho a través de melodías perfectamente compuestas junto a matemáticos ritmos de percusión, logrando crear un ambiente sumamente pacífico y ameno a los oídos.

Los samples de voces en medio de las canciones también son un bonito detalle que en mi opinión suman bastante al EP en sí.

Felicidades a Prejuizo Records por éste excelente lanzamiento.

h | DECLIVE - Demo 2013 http://declive.bandcamp.com (Independiente) Hay una tendencia en las bandas chilenas de llamar “EP” a producciones que muchas veces no dan el ancho. Declive trae la palabra DEMO de vuelta, lo cual encuentro genial. Y eso, que éste demo cuenta con una producción de muy buena calidad y podría ser fácilmente un EP con todas sus letras.

Quiero aclarar que no es necesario gastarse cientos de miles de pesos para poder grabar algo que suene bien, se necesitan ganas y algunos contactos -gente que siempre esta dispuesta a ayudar, por cierto-. El presupuesto de las personas que estamos en ésta movida siempre es muy limitado, pero se puede lograr un buen sonido y una buena presentación para un disco como es el caso de éste demo.

Tal cómo dije en un review anterior, ciertas bandas de hardcore más tradicional necesitan esa chispa, estructuras y voces que marquen la diferencia.

Declive, es en mi opinión y con diferencia, la mejor banda de éste estilo que ha salido en Santiago desde hace varios años. Musical y líricamente se ve una solidéz que se extrañaba en bandas de éste estilo.

Este demo cuenta con seis canciones, más una intro que es uno de los puntos más altos de ésta entrega. Hardcore punk que te puede recordar a bandas como Negative Approach con quiebres a la SSD en “Des-en-canto”, a unos primeros Youth Of Today en la intro de “Antígona” y de nuevo a SSD en “Un Cuerpo: una escalera”.

Cabe señalar que ésta banda en vivo, pone una cantidad de energía impresionante lo cual hace llamar la atención de inmediato. No estamos hablando de coreografías insípidas, sino que de aquella energía espontánea que fluye cuando se toca este estilo y cuando se disfruta haciendo música sea el estilo que fuere.

Puntos extras también por la portada que es una imagen de una escena muy caraterística del clásico film de Luis Buñuel, “Un perro andaluz”. Posiblemente, la música de Declive daría una sensación similar a la que daría dicha escena a una persona “normal”.

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REVIEWS i | DAYS OF SUNDAY - S/t LP http://daysofsunday.bandcamp.com/ (True Spirit Records / Barmy Army Discos) truespiritrecords@hotmail.com DOS se autodenomina una banda de hardcore marginal y éste disco está dedicado al pueblo negro que vive en la periferia de Sâo Paulo. Pues, que mejor manera de canalizar esa marginalidad que con música buena e inteligente.

El sonido de DOS es un poco difícil de describir. Es hardcore con mucha melodía, con unos arreglos de guitarra bastante originales como en “Porque não posso caminhar nas ruas sem ser questionado?”. En general, puedo escuchar referencias musicales de bandas como Dag Nasty, Leatherface o incluso del primer CD de Colligere en “Com as propias pernas”. Sin embargo, los arreglos de guitarra son lo que hacen única y especial a esta banda, así que créditos extra por eso.

Las letras tienen especial dedicatoria a los más oprimidos, como en “Suor em vão, a tristeza da reintegraçao de posse” que trata de la ocupación de espacios abandonados, en “Por que não posso caminhar nas ruas sem ser questionado?” cuyo título es elocuente, o en “São Paulo” dedicado a las personas marginadas que se dedican a la “pixaçao” (contracultura que mediante un estilo único de graffiti se dedica a “marcar” edificios desocupados en Sao Paulo y otras ciudades de Brasil con consignas políticas).

En consecuencia, un disco redondo, que fluye muy bien a pesar de que es variado en cuanto a cambios de ritmo entre canciones. Yo lo recomiendo 100% a aquellos que quieran escuchar hardcore punk bien hecho y con identidad. Quizá el único detalle que no me gustó es lo exageradamente limpio de la grabación, pero con múltiples escuchadas es algo que dejas de lado.

F · G · H · I | Pablo Durán

j | TOOTS AND THE MAYTALS – Just like that LP MANGO RECORDS / Jamaica 1980 Cuando escuchas por primera vez el disco “Just like that” de los Toots and the maytals te sientes tan familiarizado con él que no lo entiendes como disco nuevo, sino como sonidos que toman sentido en la cabeza, canciones que forman parte de algo que ya conocías. Quizás (sin duda) tiene mucho que ver en esto el hecho de que los dos primeros temas “Let’s get it together” y “Chatty chatty” han sido versionados por Los pericos y Kortatu respectivamente, lo cual te inspira la sensación de conocer el álbum completo y de haberlo escuchado durante toda tu vida sin haberte dado cuenta.

El sonido es sólido y muy claro, muy distante a los primeros álbums de ska de los 60s, pues claro, estamos en 1980… a lo que me refiero es que los viejos cantantes y grupos de los 60 que aún tocaban a esas alturas del partido, estaban ya haciendo música muy distinta en Jamaica, creo que en algo debe haber influído la segunda ola del ska en Inglaterra, que venía ya alborotando a las nuevas generaciones de fanáticos desde hace ya un par de años, (y no sólo en UK), dispuetos a adquirir el long play de una banda que a esas alturas era un clásico.

El Just like that LP no puede quedar fuera de la maleta, es casi un comodín en la selección. Completo. Hay un ska instrumental, con sonidos de aves maravilloso y un tema llamado “Dilly Dally” que hace bailar hasta a la más tiesa de las metaleras, póngale play!. | Selektor Chicken / Radio Chimba Sound

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