Salvaje Nº7

FAMILE A MI R A N DA – BA N E – COLD CAV E – LES TR UC S EM YA – N U E VA VU LCA N O – G R I TO – P I T ER PONX EL E CTROZO M BI ES – M A N I F I ESTO S K A JA ZZ – LOR I

EDITORIAL El reloj suena en la mañana, nos despierta y la rutina comienza de nuevo enmarcandonos el nuevo día.

Tantas horas de estudio/trabajo, tantas horas de descanso, tantas horas de comer, tantas horas para divertirte, tantas horas para dormir, tanto dinero por el que vivir. Llega una vez al año (si tenemos suerte) un momento de “libertad” que esperamos con ansias, que soñamos y del cual hablamos todo el tiempo, que nos va a “recargar las energías”, que nos hará felices. Llegan las vacaciones... ese momento en donde supuestamente lo dedicamos a nosotros, ese momento falso en que se supone no formamos parte de la máquina y nos deja tranquilos, hasta nos olvidamos de su existencia. Esas vacaciones que hacen olvidarnos de que la mierda continúa todos los días, de que las vacaciones salen de un dinero que juntaste durante el año, o del crédito que pediste; esas vacaciones que nos hacen pensar que “está todo bien” cuando en realidad las cosas siguen estando mal.

Vacaciones en el capital es comprar el cuento de la felicidad en cómodas cuotas y sacar fotos a todo aquello maravilloso que vemos (para mostrar a otros lo feliz que somos por unos pocos días); esas vacaciones que nos obligan a determinar momentos de esclavitud para tener momentos de consumidores esclavos.

No decimos que no disfrutemos, claro que podemos salir a viajar, ¡vayamos a donde queramos (podamos)! y cuanto más podamos descansar mejor, necesitamos hacerlo; solo ser cautelosos... el capitalismo no toma vacaciones ni feriados.

Salvaje.

{ SALVAJE Revista Nº7 } PORTADA >

Nicolás Sagredo https://www.flickr.com/photos/desligamiento/ http://navaja.org/ EDITORES > Walo y Ofe DISEÑO > Ofe columnistas >

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Lita Lazo Coppa - Gary Go - Lau Molina - Felipe Rubilar entrevistadores /as>

Ex Pectador - Ricardo Maurtua - Salvaje - Philippe Arama Javier Martínez - Miguel Spallone - Felipe Arriagada Reseñas >

Cristobal Moya - Cristobal Loader - El Flakelismo Mapachestudio - Arnoldo de Villanueva - Viejo topo Rojas Krustie - Andrés Infante - Charly Suárez Mención ESPECIAL > Pablo Delcielo - Barril Jl

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SALVADO MI VIDA Por Juanito Trueno https://www.facebook.com/RockyVinilos

THE CRAMPS

Bad Music For Bad People – (IRS 1984)

Esta una vida confusa, ridícula y morbosa. Y The Cramps es la banda sonora perfecta para vivir, bailar, llorar y joderse. Particularmente este disco, que es un compilado (maquinación marquetera de su sello) famoso por su carátula amarilla. Una recopilación de la primera época de los Calambres, que incluye temas de sus discos Songs That The Lord Taught Us, Gravest Hits y Psychedelic Jungle.

En total sólo cinco temas propios y el resto covers rockabilly de los ´50s de artistas tan pantanosos y mongolos como Hasil Adkins (She said). Un poco más de 31 minutos de duración, tiempo más que suficiente para los cerebros retorcidos que gozamos con temas que suenan exactamente igual y con tambores primitivos y guitarras crudas e inexactas, que rara vez escapan de los dos acordes.

Los Calambres eran oscuros, sobre todo en este disco, eran enfermos, tenían sentido del humor y explotaban con una sensualidad única el absurdo y el horror.

Siempre les encontré más de réptil a ellos que al mismo Iggy.

Lux Interior, cantante carismático, sudoroso y fallecido en 2009, siempre daba unos shows tremendos. Y escuchar su voz en estos once temas sonando todos iguales puede aburrir a muchos, pero para mi esa es la gracia de The Cramps. Un poco parecido a la gracia que tuvieron los cuatro primeros discos de Ramones, a quienes telonearon en 1976.

El cuento es que en este disco ellos ponían la “mala música” pero no eran la “mala gente” a la que le cantaban. El título estaba cargado de ponzoña y

burlas al estilo de vida americano de los ´80s; el trabajo de mierda en un lugar de mierda con un jefe y un sueldo de mierda, para en la noche volver a casa a vivir una vida de mierda. A una vida circular o cuadrada donde nadie es feliz y nadie hace nada por romper el descontento o mejor dicho la aparente seguridad.

Este disco es un baile en la mierda del aburrimiento, de una vida desdibujada y de la falta de agallas para abrirse paso a codazos y salir del pantano. Y eso al final es cómico.

Porque es triste, y no vale la pena vivir triste. Entonces lo mejor es reírse y bailar.

Asqueroso pero real.

“New Kind Of Kick” Life is short Filled with stuff Don’t know what for I ain’t had enough I’ve learned all I know By the age of nine But I could better myself If I could only find Some new kind of kick Something I ain’t had Some new kind of buzz I wanna go hog mad

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LOS DISCOS QUE HAN

C·R·Ó·N·I·C·A

RIP OFF Por MegaWimpy

“Fenomenología del fanzine en Chile”, “notas para una historia del fanzine en Chile”, hablar de la aparición y expansión del arte del fanzine en tal “región” da para trabajos de envergadura, especialmente en campos de investigación como la historiografía, la sociología y los estudios culturales.

No estoy al tanto de si ya existen estudios sobre el tema, pero es muy probable de que haya varios en otros países, sobretodo USA. Me imagino que es cosa de googlear con pericia, ojalá en inglés, para que los resultados nos aturdan su tanto.

De lo que puedo y prefiero hablar, es de mi experiencia con el tema. Es un fenómeno donde observe tal nivel de proliferación, de fugacidad y de pluralidad, que prefiero no agotarlo reduciendo su descripción a categorías que lo sinteticen. Como actor de una época intensa en la difusión del fanzine en Chile, creo que el punto de vista de la existencia misma en un momento de tal universo contracultural, deja algunas pistas, ciertas huellas, minúsculas pero, al menos, sin clausurar una “historia oficial” del asunto. Por lo demás, sancionar forjadores e historizar iniciativas como esas, sólo deja en el camino espectadores y animitas, un paisaje triste para una época donde la moda es escapar hacia una representación ingenua del pasado.

El contexto en que comencé un fanzine fue el de los intercambios entre fanáticos de la música dicha “underground” durante los últimos años de la década de los ochenta. Los primeros que vi estaban asociados al rock Metal, genéricamente denominado Thrash, aunque a muchos les molestará la denominación y buscarán asociarse a alguna etiqueta más rebuscada.

A mí me llamaba la atención la iconografía Punk, tendencia de la que poco o nada encontrabas fanzines en Chile – tal vez en Santiago, pero muy poco en provincia.

Como no me considero el iniciador de nada,

fui uno más que se sumó al arte del fanzine, como me gusta llamarlo. Llegaron a mis manos de distintos tipos, los primeros nacionales, luego de otros lugares de Latinoamérica y, por último, los facturados en Europa o USA. No recuerdo en absoluto el nombre del primerísimo pero sí sus páginas: hoja de carta doblada (tipo folleto), fotocopiada, columnas de texto tipiadas a máquina de escribir, algunas fotos borrosas entre el texto. Enfocada en la música Thrash, lo que recuerdo haber visto eran entrevistas a: Oxyzor (Chile ¿?), At War, Sodom, Savage Thrust, entre otros.

Fotografía, dibujos y tipografía monstruosa para los nombres de las bandas, eran la combinatoria perfecta para hechizar a los aficionados.

Blowing Thrash, Insanity, Bestial Conspiracy, Thrash Comics, entre muchas otras, me procuraron un prototipo del particular medio de información musical. Mucha información, preciosa para los ansiosos consumidores de una subcultura a la que muy poco acceso se tenía en un país donde las mercancías exóticas eran reservadas a los pocos hijos de papá. La fotocopia, la radiograbadora de casetes, los pocos programas de radio, amigos, contactos y pen pals, daban la posibilidad de acceder a contenidos a quienes no podían pagar el alto precio de los formatos originales (disco de vinil, casetes, magazines, poleras, incluso anillos y cinturones).

A continuación de las entrevistas o reportes a bandas u otros, los mismos sujetos dejaban su dirección postal, donde invitaban al lector interesado a contactar por mayor información. Un detalle que me sorprendía cuando los referentes del circuito rock oficial hacían pensar que los músicos eran inaccesibles, sin tiempo ni dirección fija, protagonistas de un cuento donde la gran masa de fans no era más que magma. Mainstream y fans, eso debía quedar en entredicho. La misma palabrucha “fan” dejaba mal sabor al decir “fanzine”, por lo que varios conocidos preferían decir ‘zine.

El otro formato escrito que se complementaba con el fanzine, sin perder su fuerza y potencial propio, era el flyer. Hoy es un término común para quienes promocionan fiestas y buscan descuentos.

Hace 25 años no era esa la connotación. Estaban los panfletos asociados a la propaganda política, de los que siempre te encontrabas alguno en esa época de

Dado que me obsesionaba con conocer más y más de las tendencias contraculturales a que he aludido, en un entorno donde lo que menos había eran fuentes de información, cuando vi las direcciones postales en flyers y zines, me puse a escribir cartas.

No teníamos nada de dinero en mi casa y enviar cartas o encomiendas a otros países, nunca fue barato.

Pero las sumas necesarias las

conseguía. Amigos de generación invertían en drogas o cerveza lo poco que tenían, pero a mí me ganaban las ansias de cartearme.

Nunca olvidaré mi primera carta a Sodom (Alemania), con mal inglés, sin flyers, con un relato infantil y lastimoso. No me contestaron, y más cartas tontas enviadas hice y tampoco respondidas.

Con el tiempo alcancé una mayor identidad underground, que nunca me pareció legítima, pero que era bastante elogiada. Era una virtud reconocerse en una línea y casi despreciar lo demás: por ejemplo, “sólo death metal, nada más” – fanzines estrictamente cerrados a una línea. Los disidentes se autoproclamaron “Open Mind” (como los primeros proto grunge o los que bailaban Faith No More en la Quinta Vergara), una etiqueta penosa y snob. Me reclame del grind – noise – crust. Y seguía con las cartas.

Con más definición y en un medio donde esas corrientes sonoras no eran populares, las cartas comenzaban a funcionar. Muchos flyers, contactos en todo Chile y en el extranjero. Encomiendas con discos, fotografías, nuevos amigos locales, confrontación de ideas, crónicas, etc. Me decidí por hacer mi propio fanzine, con las cosas que había recibido, con las secciones que se me antojaban, armando casetes que recopilaban bandas locales a pedido de pen pals que escribían desde muy lejos.

No alcanzaba a responder todo; por tiempo, por dinero. Según creo, debo haber contado unos 200 fanzines a nivel nacional durante el año 1990.

En esos años estaba en la escuela, la que todos sabemos del tiempo que nos quita. Pero mi mundo arrancaba con el fanzine.

Por encima de la revistita amateur, una fuente de vivencias imborrable.

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dictadura y protesta. Pero el flyer que se insertaba en el borde de las páginas del fanzine o venía junto a la esquela de correspondencia, integraba dibujos, fotografía, tipografías delirantes y algún texto que impresionará o capturara a las almas gemelas donde fuera que se encontraran. Todo en una hojita de deseables 10 x 15 cms. Algo así como tarjetas de presentación o publicidad para bandas, fanzines, tape traders (tipos que querían intercambiar música), entre otros.

ENTREVISTA

EEUU

https://www.facebook.com/banecentral · Entrevista por Javier Martínez & Philippe Arama· Fotografía por Gary Go

Bane, banda insigne del hardcore de los 90’s realizó su gira de despedida por latinoamérica y nos visitó en Noviembre del año pasado (2014).

Durante el concierto, pudimos realizarle una pequeña entrevista al carismático Aaron Bedard.

BANE

dijimos “vamos a despedirnos a todos lados”. A Japón, Austria, el sudeste Asiático etc. y con eso ocuparemos la mayoría del próximo año (2015).

Hay una gran diferencia. En Norteamérica uno puede ser más autosuficiente porque hay mayor conocimiento del terreno y su gente. Mientras más lo haces, más familiarizado y cómodo estás girando en el lugar, creando lazos y redes de contacto a lo largo del camino. Hemos estado haciendo esto desde 1998.

4. J: ¿En este tour planean tocar en lugares por primera vez?

Al venir acá te sientes un poquito perdido, ¿sabes?. No entiendes el idioma ni como funcionan las cosas entonces realmente necesitas a alguien ahí apoyándote. Nunca hemos venido solos, siempre ha sido con la ayuda de personas guiándonos y ayudándonos para hacerlo posible.

2. J: Ustedes han venido a Chile (y a Sudamérica) tres veces, entonces ya deben tener una percepción de la gente, su energía y el cariño mutuo. ¿Cómo ven todo eso a nivel de intensidad y apreciación?

Siento que la vibra de esta última gira ha sido la más eléctrica, definitivamente. Al anunciar que es nuestra última gira le adjuntamos un toque de emoción distinto a las otras veces. Quizás hay personas que recién nos empezaron a escuchar y esperan harto de nosotros y a eso se les suman los ya que nos vieron antes. El entusiasmo demostrado ahora ha superado por mucho las otras dos veces, ha sido el mejor tour.

Para nosotros era muy importante el venir de nuevo a lugares como este para el adiós. Estaban al principio de nuestra lista, teníamos que venir aquí. La gente ha venido a despedirnos y ha sido increíble. Son tan agradecidos y tienen corazones tan honestos y aman el hardcore de forma muy profunda y apasionada.

3. Ph: ¿Las giras anteriores fueron mundiales o americanas?

Hemos estado girando constantemente desde el 2008, hemos ido a casi todos lados excepto Rusia. La forma de hacerlo es, por ejemplo, armar la gira europea, volver a casa por un mes; después girar en Estados Unidos, de vuelta a casa por un par de meses y luego el sudeste de Asia. Nunca hemos hecho una gira mundial de 3 meses por ejemplo.

Creemos que la razón por la que la banda se ha mantenido durante tanto tiempo es porque nuestra vida hogareña es igual de importante que nuestra banda. De haber convertido esto en una profesión, estando lejos de casa por unos 8 meses al año jamás hubiese sobrevivido. Entonces esta no es gira mundial. Lanzamos “Don’t Wait Up” y

Vamos a tocar en dos lugares donde nunca antes hemos estado. Pasado mañana iremos a Ecuador por primera vez y luego, el lunes, a Panamá. También pudimos ir a Brasilia y Blumenau por primera vez. Nos despertamos temprano, caminamos por la selva y fuimos a las cataratas de Blumenau por ese cerro que es más empinado que la mierda. Fue increíble.

5. J: ¿Podrías decirnos un poco sobre el romanticismo que mencionaste en el escenario respecto a la cultura latina?

Siento que los jóvenes latinos tienen corazones realmente grandes y apasionados. Hemos estado en España, México, recorrido las calles de Italia y me da la impresión que existe mucha pasión. Que no tienen miedo de mostrar lo que sienten de forma muy profunda y eso siempre ha sido una directriz para BANE. Es algo que siempre hemos hecho valientemente, habiendo tanta gente haciéndose los cool, los duros y rudos. Así se ha dado con nosotros naturalmente, sin miedo a llorar, admitir cosas, sentir y expresarlo todo.

6. Ph: Uno a veces al viajar conoce bandas y se encariña. ¿Qué bandas de Sudamérica te gustan o recuerdas bien?

Me gusta harto Reconcile. Eso es porque hicimos varias tocatas juntos y los pudimos conocer y escuchar bien, día y noche. También una banda de aquí llamada Remission que suenan como Verbal Assault, me encantan. Nunca los vi en vivo ni pudimos tocar juntos pero mi amigo Andrew Truss me los mostró cuando estábamos grabando “Don’t Wait Up” y me dijo que le pusiera oreja. (Salen risas al decirle que canto ahí). También tocamos en Brasil con una banda youth crew que se llama Dedication y buenísimos también, te derrite la cara la energía. La banda que tocó antes de nosotros (En Mi Defensa) también estuvo excelente.

7. J: ¿Y cuál es tu banda favorita de toda la vida?

Mi banda hardcore favorita de todos los tiempos es BURN, a full. Es complicado igual porque con Minor Threat los escuchas y piensas “¿cómo no es mi banda favorita?” o escuchas a los Beatles y pasa lo mismo. Pero BURN tenían algo muy especial en vivo, dentro de lo poco que hicieron.

Eso sí tenían mucha onda chaka y los demás, rara y especial.

7 Salvaje Revista

1. J: ¿Qué se siente armar un tour ustedes mismos versus que te armen una gira en otro continente a través de un sello grande como Seven Eight Life?

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8 · Tercera parte · Por Rubén ·

Orfeo; la escucha.

“Somos muy felices, como no serlo, si tenemos la oportunidad de entregarnos por entero, sin ningún tipo de reservas, a lo más noble, la causa más noble, que es la libertad y la vida.”

- Raúl Pellegrin, 1985.

Los hombres no saben morir porque no han sabido vivir, porque no han sabido oír lo sintiente, no han sabido disponerse a la escucha; así terminaba la segunda parte de “Mousiké”. Entonces: ¿Qué es aquello sintiente que el hombre no ha sabido oír? ¿Cuál es esa escucha que reclama una disposición urgente? Se hace necesario, entregarnos a la figura de Orfeo, como el sonido ramificador dispuesto a la re-unión de todo lo que es.

Orfeo es el héroe mítico que unió para la posteridad, el canto con el sonido de la lira. Su música encantaba a todos los que la oían, no sólo seres humanos, si no también animales, plantas, e incluso, las fuerzas de la naturaleza. La música dentro del mito órfico es una potencia mágica y oscura que subvierte las leyes naturales y que puede reconciliar los principios opuestos sobre los que se rige la naturaleza; vida y muerte, mal y bien, belleza y fealdad. Reconciliación que refiere a la armonía como unidad de elementos en tensión y en contrariedad, y no desde un carácter como ausencia de conflicto. Así, estas antinomias llegan a anularse a otras en el canto ejecutado por Orfeo, quien canta y acompaña su canto con los sonidos procedentes de la lira. Desde sus orígenes, la facultad de hechizo atribuida a la música por los antiguos griegos deriva, sin embargo, de dos elementos diferentes, aun cuando ambos se hayan dado siempre totalmente fundidos: la palabra y la música, la poesía y el sonido. De esta forma, como en ocasiones anteriores hemos mencionado, la música se consideró también fuerza oscura que amenazaba el orden de la comunidad, por lo tanto el mito órfico expresa esta amenaza, en cuanto no se opone al deleite musical, sino que lo profundiza y acentúa. Su canto procura un placer mágico que puede transmutarse en encantamiento y forzar a los seres que lo sigan como si hubiesen sido abductos por un poder superior. El sonido sientente de Orfeo evoca un re-unir resonante cuyo eco nos pone en relación desbordando la quietud metafísica del ruido, aquella que basta a los hombres con quedar a salvo ante cualquier riesgo que exija una donación a la existencia. El sonido atrayente que ataca los sentidos produciendo una dislocación de quien escucha, porque el hombre no agudiza el oído para captar la resonancia musical. Tal cual los brazos de Ulises atados al mástil para resguardarse ante el cantar incesante de Las Sirenas.

Ulises, en la Odisea de Homero, exige a sus marineros taparse los oídos con un bloque de cera y remar vigorosamente para evitar la atracción y la fuerza del sonido vociferante de las Musas o Sirenas que nos presentan la experiencia pura del afuera. Pudo oír el canto, pero no pudo escuchar el cantar de su canto, pues, Ulises, engaña la voluntad del riesgo, queriendo estar a salvo en el instante del cual estratega las condiciones para escapar de la muerte, ordenado a la tripulación remar sin oír y también a atarlo para refugiar las fronteras sensoriales del hombre; planteándose el presente desde una confianza al porvenir suponiendo tener resuelta el sentido de la existencia. La metafísica tiene en su intimidad a que se configure la experiencia del capital como su escrita resolución. Es por ello que el lugar de los hombres para con el Ser y el mundo pareciera resuelto; historia

humana: progreso-evolución-porvenir. Escuchar es aguzar el oído, un entender-decir de lo que suena y resuena en cuanto a aquello que no podemos representar desde el orden visible. Lo sonoro arrebata la forma, otorgándole vibraciones que expanden sus posibilidades de aproximación, porque la presencia visual se encuentra disponible con anterioridad a los ojos, mientras que la presencia sonora se presenta, irrumpe; comporta un ataque. Podemos oír lo que vemos, pero no podemos ver lo que escuchamos. Ahí la mundanidad de Ulises quien no pudo escuchar el decir del canto de Las Sirenas, ya que el sujeto de la mira está siempre dado bajo las mantas de su punto de vista por la luz de los faros, mientras que el sujeto de la escucha siempre está sonando en los claroscuros de la luna. Pero, en el rebote del sonido que se abre y se cierra en lo sensible, sólo lo sujeto es un sujeto de un sentido, porque el único sujeto que hay es el que resuena, es decir, da respuesta a un impulso que lo invita a una convocatoria de sentido murmullante y distorsionante de sí. Un grito que nos seduce como un pensamiento que nos exige llegar al borde de sí mismos, acercando el vacío, yendo a ese vacío para hacer surgir sus límites desde su exterior.

Contrariamente a Ulises, Orfeo va a buscar la mirada de la presencia oculta, en tanto que nuevamente pinta nuestras acuarelas, pero, esta vez, desde la leyenda que lo hace participar de las aventuras de los argonautas, donde la médula espinal es el relato del descenso a los infiernos en busca de su amada Eurídice, a la que pierde definitivamente por volver su vista hacia ella, contra lo que le había sido mandando, cuando ya se encontraba en el camino de regreso del más allá. Orfeo ve la mirada abierta de la muerte arrojado en la escucha de un lenguaje sin sujeto asignable. Un rostro sin expresión y sin ojos. Un otro por sí mismo, sufriendo las consecuencias de haber destapado los velos. Sin lamentaciones, pues, ese pequeño instante, es su segundo de gloria que designa lo indecible; una mirada que abre los parpados a destiempo, sin nombre y sin lugar. Porque todo su desgarro por aquello ausente es todo su rechazo por lo presente.

Ahí la gestualidad estético política de la leyenda órfica, la cual comprende que en la mera nuda vida sólo con ocasión del dolor se piensa lo más urgente; lo existenciario de la existencia como afirmación subversiva donde lo que salva consiste en poner en riesgo; lo esencial. ¿Y qué es lo esencial? Lo esencial es arriesgarse ante lo esencial. La esencia del pensar es el canto que llama. Una estética política que valoriza todo lo que el mundo desprecia; la muerte, el dolor, el sinsentido y el sufrimiento, como sinónimo de grandeza. Puesto que no hay calculabilidad del fin, se actúa con arreglo a su principio; la belleza que funda a la acción. Rilke en sus Sonetos a Orfeo exclama: “No temáis las penas sufrir; a la tierra / devolvedle el peso de la gravedad. / Graves son los montes, graves son los mares”. La belleza de quienes han fundado su vida ahí.

Estar a la escucha es ponerse en movimiento; danza y resonancia originan ritmos, frecuencias, pulsos. Todo el eco plural y diferencial puesto en marcha por las fuerzas vivas, ubica al cuerpo como un cuerpo sonoro remitido en la posibilidad de su levantamiento; la posibilidad pura de la resonancia inquietante.

Es así como Dionisos se instala desde ese disfraz que agencia un cuerpo para poder ser lo que uno es. Lo dionisiaco no tiene forma, está en todas partes al mismo tiempo, danzando (se). Dionisos enmascarado, queriendo apoderarse del espacio público quiere afirmar la existencia. Dionisos, manteniéndose oculto, puede tocar nuestras miradas. (Continúa…)

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CHILE

Salvaje Revista

E NT R E V I S T A

De Reween Piter Ponx se podría decía que hace rap, pero esta definición le queda corta. Reween / Piter Ponx mezcla distintos géneros que refrescan este estilo, con letras duras, divertidas y directas pero con contenido.

Hablamos con él sobre el tiempo que lleva haciendo música y lo que lo motiva a hacerla, sobre punk y rap, sobre su sello Skeletorz Records y el ‘hazlo tú mismo’.

www.facebook.com/reween.piterponx Entrevista por Salvaje

1.- ¿Cómo nace Piter Ponx y muere de alguna forma Reween?

En realidad yo siempre he hecho lo mismo, solo ha cambiado un poco los colores de la pintura pero en el fondo es igual, quizás mas sofisticado o más tosco pero igual; el tema del renacimiento del personaje partió simplemente porque en un momento nació la intención de integrar cosas mas explorativas a lo que hacía con ‘Karma En Agonía’ o mas simbólico que lo que hacía en ‘Legua York’. Existen diferencias pero hay cosas que rescaté de ahí como sacarme la idea del Rapero bacán.

Entonces lo que hice con Piter Ponx, en realidad fue hacer un tema con Karma en Agonía que se llamo así, “Piter Ponx” y fue en un momento donde me puse a beber más, a drogarme más, a confundirme más, entonces veía los otros temas y como que no calzaban con lo que estaba escribiendo en ese tiempo y continué con el nombre que calzaba mas con esa idea y al final me quedé con el otro camino.

2.- ¿Piter Ponx mantiene una relación política con las letras?

Si. Mira… me paso algo extraño, cuando partí con Legua York o participé en ‘HipHoplogía’ y en una serie de redes y colectivos, yo por siempre delante del contenido he buscado lo estético, porque lo estético es el contenido, o como dicen por ahí el contenido es la forma o al revés. Existía en esos espacios un discurso que escuchaba mil veces y que me terminó aburriendo.

Por ejemplo, una vez estaba con el Subverso y le dije “mira weon, yo quiero hacer un tema pal pan con chancho” y me dijo “igual está bien, pero igual raro”, porque en el fondo había un momento que se tenía una ansiedad por decir cosas que

claramente no se estaban diciendo, se dijeron, pero en algún momento el lenguaje se agotó. Esa es la re invención que trato de hacer, un lenguaje agotado de lo explícito en cuanto a lo musical y estético, en los dos sentidos, este lenguaje renovarlo y volverlo a donde estaba antes, en esa ondulación o frecuencia constante que genera la música.

3.- Existen referentes fuera del rap en tu música, esto es poco común, ¿por qué los ocupas?

Partió sin quererlo, personalmente crecí con música, mi hermano era profesor de música y fue un cantautor de los últimos de la dictadura, luego no pudo seguir en la música así que se dedicó a vender cassettes y en el año 94 tenía una tienda en el centro; él fue quien desde muy chico me instruyó en lo musical, me mostraba música que luego pude ir conociendo.

Esto mismo pasó con mis amigos del barrio, compartía con un amigo metalero y comenzamos a escuchar las cosas que nos pasaba o compartíamos, escuchaba Obituary; en ese mismo tiempo yo pololeaba con una Punk, desde chico escuchábamos de todo con el grupo de amigos, no existía esa segmentación, claro después nos terminamos creyendo punkys y terminamos diciendo “no somos raperos pero rapeamos”. Eso quizá era en respuesta a la mierda que en ojos de nosotros se comenzó a repetir y se comenzó a generar una fórmula que se repitió en ella misma mil veces. Por suerte, y por el azar, todos los del grupo teníamos eso de no tener prejuicios a escuchar música y después eso se hacía transversal porque buscábamos sampler en otras cosas distintas a las que se ocupan habitualmente, estábamos escuchando algo con un amigo y pensabas, bueno esto sirve para un sampler y terminabas escuchando el disco entero.

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4.- El no tener prejuicios ayudó a que el sonido creciera…

Mira lo voy a decir así, en un momento en donde el movimiento estudiantil estaba más visible y fuerte en la TV (porque siempre ha existido, solo que se veía más en esos medios), que fue una generación de cabros que escuchaban de todo, los cabros que estaban en el colegio; son esos cabros los que llegan a tocatas con poleras de Slayer, o cabros piola, fue lo que comienza a generar en la música nuevas formas de hacerla y escucharla, porque se va entendiendo más o enriqueciendo más. En el fondo ese es el Rap, los productores de Rap gringo escuchaban de todo y así tiene que ser.

5.- ¿Cómo influenció HipHoplogía y esos tiempos en que se generaron tocatas con otros estilos, abriendo el HipHop? Fue interesante ese fenómeno, porque fueron las primeras instancias que se hicieron tocatas con bandas de otros estilos, como cuando tocamos con ‘Mal Gobierno’ en “La Perrera”, fue ese año en que murió el joven comunero mapuche, Alex Lemún; hicimos esa tocata en ese lugar con la carga simbólica que tiene, mas allá de lo artístico sino con esa carga política que tiene, compartiendo con bandas de otros estilos y teniendo un foco en común mas allá de lo meramente musical. Recuerdo que en ese mismo tiempo tocamos con distintos estilos, que antes no se daba, que incluso la gente se tenía mala. Pero claro para que pasara todo esto se debía educar la oreja, por que esta se afina o se comienza a descifrar lo que se escucha, comienzas a escuchar la melodía, comienzas a entender lo que estás escuchando. Por esto es bueno comenzar a juntarse con otras personas que escuchan otras cosas porque te va ayudando a educar la oreja y eso a la larga va generando cosas más interesantes.

Es muy bueno lo que pasa, que estamos en un momento en donde las barreras se comenzaron a diluir y hablamos de la música y no “de las músicas”.

6.- ¿Cómo fue el momento en que se generó “Sniff al Weso”?

Fue súper interesante lo que paso con Sniff al Weso o con Natural Banda, creo que de un momento a otro nos encontrábamos con gente que no era raperos, era extraño porque nosotros éramos cabros que se juntaban en una plaza en San Joaquín, no sabemos de dónde alguien en algún momento le llegó con el disco y comenzó a pasarlo, tanto que en algún momento habían tipos metaleros o hardcore o lo que sea que decían “Yo no escucho Rap, a mi me gusta solo Natural Banda o Sniff al Weso”. En el fondo es lo que sin querer logramos, algo que al final todos quieren, que lo que hagas no lo escuchen solo un tipo de personas que escuchan solo un tipo de estilo.

7.- ¿Nos puedes contar sobre el sello Skeletorz Rcs? Lo más cómico es que muchas veces para la mayoría hablar de que tienes un sello, es como “¿Ha, donde tienes las oficinas?”

y es como “Mira, aquí en mi pieza”. Claro, el sello comenzó en mi pieza, cuando vivía con mis Papas; por ejemplo, yo tengo un Hermano que tiene un retraso psicomotor y mi hermano cada vez que quería entrar a la pieza golpeaba la puerta (porque le encanta el Rap) y muchas de las grabaciones del sello aparecen los gritos de mi hermano atrás o grabaciones en donde mi hermano entraba a la pieza, se reía o se ponía a gritar y eso está en muchas grabaciones. Entonces, el sello partió como un espacio físico donde nos juntábamos a grabar y después más que nada era para unir lo que hacíamos; además siempre nos cambiamos el nombre, para molestar al público, para que pierdan la pista de las bandas, es el ejercicio inverso en vez de tratar de hacernos famosos era escondernos con otros nombres, creo que era Frank Zappa el que decía que la diferencia entre la música de masas y el underground, era que en la música de masas la música llega a la gente y en el Under la gente llega a la música. Nos gusta pasarlo bien y eso va creando un cierto espíritu en lo que hacemos, se genera cosas que son paralelas a lo que hacemos pero que le da involuntariamente una personalidad, que tiene más que ver con algo que hacíamos de manera fortuita, no es nada pensado o planeado, es porque nos enojábamos con alguno de los de la banda o alguien no estaba en la parada de algo y hacíamos otra banda no más, le cambiamos el nombre y listo. Recuerdo que Jorge Teillier decía “El weveo como método de lucha”, y eso es lo que hacemos, pasarlo bien haciendo las cosas y ese es nuestro método de lucha. Yo hace tiempo que abandoné la idea del enemigo único, a veces el enemigo puede ser uno mismo, pero la idea es wear tanto al intelectual como al que se cree gánster.

8.- ¿Qué es lo que se viene?

Estamos sacando un disco de Karma en Agonía, también terminamos hace poco un video de ‘The Rocka’ que es un proyecto que tenemos con Rob Paranoid, el disco también salió hace poco en formato físico. Igual primero sacamos el disco para descarga porque al final la idea es que la gente lo escuche, el disco es un objeto no más y por eso el que lo va a comprar es porque lo quiere y porque lo queremos, al final existe una relación con la gente que es cariñosa, siento que somos una comunidad, porque hay gente que se siente parte y eso igual es bacán.

También sacaremos el disco de Bloody Venon Crew (BVC), cuando los cabros estuvieron en Francia sacaron un EP que se llamó “Fenómeno Venom”, en ese tiempo escribieron caleta y hay como una cola que quedó de ese EP más cosas nuevas y que saldrá con unas colaboraciones con gente de allá y de acá, lo más pronto posible. También sacaremos un nuevo Mixtape que será como una especie de Sniff Al Weso pero todos mezclados en ese formato. Aparte está la idea de sacar un disco con mis bases para descarga libre. Ah y un disco del Fredy que se está preparando hace rato pero que va a salir luego.

9.- ¿Algo que te faltó por decir?

Una idea que tenemos es que con Skeletorz queremos hacer un fanzine que va a ser con dibujos, recortes, fotos, ideas bizarras.

Sacado por todos, porque todos dibujamos y la idea es que sea de regalo.

TRACK 4: EL HOMBRE DE LOS PERROS.

Si la vida fuera un disco de Dead Kennedys. { Parte I } Por Anastacio Crustaceo

TRACK 1: LA YUTA. Y acá vienen otra vez, como en aquellos años cuando nos sorprendieron haciendo la cimarra en el parque O’higgins y nos robaron los pitos, o como esa vez en la Plaza Brasil cuando llegaron por asalto y se llevaron nuestras botellas en la cabina y en la 3a aparecieron unas latas como prueba de nuestro delito. Y acá van de nuevo, pidiendo favores sexuales a las chiquillas de San Camilo, macheteando copete a cuanta botillería de extranjero, o comiendo a expensas de los restaurantes de comida china esparcidos por las calles capitalinas. Allá van ellos, los nobles guardianes, el orden y patria, cafichando, robando y extorsionando, cual doméstico desgraciado caminando y tirando las manos, para luego llegar a su guarida a recibir la humillación de su superior y luego desquitarse con su pareja neurótica en su “inmaculado” hogar…

TRACK 2: BORRACHO Y EXCITADO. Miércoles, 11 de la noche, Barrio Bellavista, Pilsen y más Pilsen, pitos, saques y más pilsen, una piscola, 5 de la mañana del Jueves, pelea en una esquina y despertar borracho bajo un semáforo, aún ebrio. Continúo a tumbos bajando hacia la Alameda. Recuerdo un número telefónico, una llamada salvadora, una llamada que me saque de esto, una patraña que jamás te dirá que no. Llego, subo por el ascensor, manchado de sangre, con olor a callejón, me recibe con un cómplice beso y una mirada lastimera, me acaricia, me doy una ducha, la trato de cortejar pero no resulta, esta noche no, demasiado borracho y golpeado para follar.

TRACK 3: FASCISMO VERDE SOBRE TODO… Monsanto, comida orgánica y recogiendo huevos de gallinas libres en la parcelita del Cajón. Come bien, come sano, come según lo dicta tu benefactor corazón, paga tus productos sin huella de carbono con tu tarjeta de crédito y procura no sobre pasar tu línea de sobregiro. Acá está el nuevo candidato, sus promesas por tu lindo país. Nuevamente los ofrecimientos llegando. Alto Maipo, Pascualama, Ventana y todo sigue así, un lindo país cubierto de mierda, una linda carátula para la próxima cumbre ecológica, firmando tratos, acuerdos y pagares, somos eso, un porcentaje más en su cuenta de ahorro, y te quedas ahí, reclamando frente a tu compu, a tu Smartphone, a tu televisor.

Pero te mantienes tranquilo porque nada afecta a tu estilo de vida, tu asqueroso estilo de vida…

Desde Balmaceda bajo con mis acompañantes, mis cuatro cómplices caninos, caminando pausadamente, bajando, observando y siendo testigo de cada una de los acontecimientos que observamos, un cartereo, una estafa, un tipo aplicándose al pepito paga doble y un ejecutivo asaltando a mano armada a un obrero mientras firma un nuevo crédito hipotecario. Soy el testigo de tus crímenes, ese personaje sucio y desagradable que mea y caga en la puerta de tu iglesia, somos (mis perros y yo) la mancha indecente de tu ciudad, aquella mancha que te molesta, pero sigo caminando, continúo mi andar, mi historia, escrita con tinta invisible en las veredas de tu peculiar ciudad, y acá vamos de nuevo atentando contra tu moral y escupiendo como cada día invisible a tus ojos…

TRACK 5: EN LA MIRA. Y ahí está ella, la joven extraña, nunca quiso ser como los demás, no bailaba acorde a la coreografía del programa de TV, no le agradaba nuestra ropa y siempre se comportaba de manera extraña en los recreos, andaba siempre sola, leyendo, y a ratos esbozaba una sonrisa irónica, en su mirada se notaba que planeaba algo, venganza quizás. Era ella, la chica rara, el fenómeno del colegio, la burla constante, el objetivo de los golpes; el tic-tac final de la bomba de tiempo que estallará.

TRACK 6: CADENA PERPETUA. 12 años de enseñanza, 8 de primaria y 4 de secundaria, a eso agreguémosle 5 más de pre grado y 2 más de post grado, todo para qué, para seguir caminando, cabeza gacha, buscando la luz al final del túnel, alcanzar las aspiraciones que me inculcaron desde los 6 años de edad, una profesión, una salida del basural de donde aprendí a caminar, y el costo?, como decía una banda ochentera: QUE IMPORTA EL COSTO. Solo algo endeudado por más de 15 años, pagando 3 veces la carrera estudiada, mi vida por tu sueño, mi vida encadenada por un sueño plástico repleto de frustraciones.

TRACK 7: EL JOVENCILLO Y SU ARTEFACTO. Si no funciona le disparo, lo más grave que podría pasar es una multa en el juzgado de policía local.

TRACK 8: VACACIONES EN WALLMAPU. Y parte de nuevo, una y otra vez la misma historia de hace más de 200 años, esta historia teñida de sangre y violaciones día a día.

Agencia de viajes ANI le ofrece para esta temporada una inspiradora y fructífera estancia en la novena región, dentro de las actividades ofrecidas en nuestro pack turístico está la tortura a menores de edad, violaciones a mujeres (sin importar la edad claro está, lo importante es satisfacer sus más oscuros placeres), persecuciones, montajes y un sinfín de aventuras llenas de magia y diversión, llame ahora, llame ya, si compra el pack turístico dentro de los próximos minutos se lleva gratis un poster de tamaño natural de Hernán Trizano.

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dame conveniencia o dame muerte

Entrevista por Salvaje · Fotografía por Lau Molina

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http://www.myspace.com/elektrozombies

E NT R E V I S T A

CHILE

Electrozombies es una banda que pasa por sonidos oscuros como el doom, crust y sludge. Han sacado 2 Lps y 2 dicos compartidos y van por un último disco. Llevan tocando más de 10 años en los cuales han girado tres veces por Europa y compartido escenario con bandas como Doom, Mob 47, Los Crudos y muchas más.

Conversamos con ellos y nos contaron parte de su historia.

Por qué hacer Electrozombies?

Comegato: El año dos mil dos partimos, porque teníamos instrumentos por Quinta Normal en una casona grande.

Teníamos el espacio porque Marcela también tenía otra banda, entonces ensayaban ahí, pero no ensayaban nunca… jaja.

Paola: Claro, entonces yo me aproveché y empecé a tocar con Marcela sola, pero yo tampoco sabía tocar, entonces decía que ojalá no se enteren que estamos ocupando sus instrumentos.

Y el “Come” un día llegó y nos dice que deberíamos hacer algo entre nosotros, y llevó su bajo, ya que ni siquiera teníamos guitarra; era el bajo de Marcela más el bajo de Comegato y empezamos a tocar a dos bajos y batería.

Comegato: Después grabamos dos demos, uno el 2005 y otro el 2006, que todavía era una búsqueda musical de la banda, donde no teníamos todo muy claro. Lo que sí teníamos claro, es que tenía que ser algo que no tuviera nada que ver con Yajaira, ni menos lo que tenía que ver con la otra banda de Marcela, que fuera algo diferente. Pero no lo teníamos en cuenta hasta que empezamos a escuchar las grabaciones. Hicimos unos cds, lo repartimos a amigos, y el 2006, “care raja”, con un demos nos fuimos a tocar a Europa por un mes. Hicimos como doce o quince conciertos. Juntamos las lucas, nos endeudamos para poder pagar los pasajes y nos fuimos. Esa experiencia nos influenció harto para cachar el sonido y todo. Comprendimos que nuestra movida era más intensa, extrema. Entonces comenzamos a ponerle velocidad, manejamos mejor los instrumentos…

Comegato: El 2002 era puro webeo, era solo entretenernos, pero ya el 2003, recién, tuvimos el primer concierto en vivo y ya teníamos un pequeño repertorio de temas y queríamos tocar lento; lo que queríamos era hacer una banda más doméstica, una cosa lenta y densa, como primera intención, que después fue mutando con el tiempo.

Paola: Ahí fue cuando empezamos a meter lucas para los instrumentos. Dimos cuenta que deberíamos sonar mejor y comprometernos con el proyecto.

Paola: También por las capacidades mías, imagínate, era la primera vez que tocaba, entonces tampoco me podían exigir mucho respecto a rapidez o técnica. Al principio era todo “al peo”, ni con intenciones de. Hasta que un día nos juntamos con el Panzón que fue a la casa y dijo que nos grabaría. Grabamos, y a Panzón le gustó mucho, quedó súper pegado y después nos invitaron a tocar. Estamos hablando del año 2004.

Comegato: Sí, que en general todas las grabaciones de nosotros han ido mutando, pero el cambio más evidente fue al principio cuando pasamos de esos demos, donde todavía las voces era más melódicas, y no era tan guturales. En Europa nos dimos cuenta que nuestra música tenía más aceptación allá que acá, y con esas influencias grabamos nuestros primer disco que fue el “He Visto”, el año 2008. De ahí para adelante está más claro el sonido, el camino y la manera de cantar. Ahí parte más

Claro, se ha visto una evolución del sonido, como algo que empezó desde Doom a pasar ya a algo más Crust…

Cómo se generaron esos splits…

Comegato: Por el hecho de ir a tocar allá, nos conocieron vía myspace. Prendieron con la idea, giramos juntos y terminamos acordando compartir un disco. Cutter, nos apoyaron mucho.

En la forma de trabajo, la ideología, había muchos puntos de encuentros. Pudimos trabajar en conjunto sin tener una similitud musical y eso estuvo bien. Cutter es una banda de noise que sus presentaciones es como ir al teatro, y nosotros somos una banda de “fucking metal punk”, pero así y todo se interesaron en nuestra propuesta al igual que la banda alemana.

Hasta el día de hoy con ambas bandas somos amigos.

Creo que hay un dejo que es político en Electrozombies que se ve en la vida de ustedes, que no es puro discurso…

Comegato: Es que se ve reflejado con cada uno de nosotros. El “He Visto” tiene letras más políticas, el “Skull Of Chaos” tiene letras nihilistas, pero tampoco es algo dirigido, sino más bien espontáneo…

Paola: Yo creo que con el tiempo una se va dando cuenta que tiene una postura en el mundo, que es inherente al ser humano; viene contigo. Viajas a otro país y te das cuentas que sí eres extranjero, entonces ya tienes la conciencia que en otro país no eres la misma persona que en Chile. Si nos hubiésemos quedado sin Visa, hubiéramos terminado como los extranjeros de acá de forma ilegal. Conoces tanta gente que están en la misma que tú, que se quedaron porque fueron a tocar e hicieron familias.

Te das cuenta, que con las ideas debes ser muy cauto porque si no pasas como un “saco wea”. Mientras uno va envejeciendo se va dando cuenta. Al principio claro, “odio todo”, que es muy de los adolescentes, pero con los años, ya con trabajo, con historia familiar, te vas forjando…

Comegato: Claro, la cosa política siempre va a estar presente porque también nosotros pertenecemos a una generación que creció en una época de mierda. Entonces la gente que vivió después está un poco más liberada de eso, pero nosotros

vivimos esa wea en la calle, en esa época. Entonces siempre las letras van a estar marcadas, quizás no tan directamente, pero hay un dejo claro de aquello, y siempre va a estar presentes en nosotros, ya que nos marcó como algo indivisible a cada uno…

Paola: Tiene que ser bien claro tu postura política, no se puede andar entre medias tintas por el mundo, en el fondo es así; aunque uno no sea anarquista, ni religiosa… pero hay una postura que va más allá de eso, que es un poco desde donde estás parado; con los que vives, con los que convives, con los que te juntas, donde te juntas, y que tipo de música haces…

Entonces tienes que ser fiel a eso.

Comegato: Es peligroso también cuando las cosas empiezan a transformase en sectas, que solo terminan destruyéndolas.

Se crean modas y estereotipos. Cuando se transforman en modas ciertas tendencias, es mejor no seguir en eso, hacer algo distinto.

En ese momento de decir “ya, no somos crust” te da puertas para crear nuevas cosas…

Comegato; Claro, en este momento queremos tocar la wea que nos gusta. Y tampoco es tan complicado mezclar el death metal con punk…

Paola: Es darte la oportunidad de jugar un poco con la música.

No es ponerse un traje o un nombre o decir “nosotros tocamos este tipo de música, y somos de tal sector…”

Comegato: Claro, las etiquetas en torno a nuestra música han venido de afuera, nosotros nunca nos hemos etiquetado con algún estilo, por ejemplo cuando fuimos a Europa nos pusieron “Slludge Crust”... jaja. O como el Claudio del Bar Uno que nos puso “Efecto Zombie”...jaja. Solo es algo rabioso y que sea molesto. Hacer del metal una amenaza, que sea peligroso.

Aunque nosotros no seamos metaleros. Las chiquillas vienen del punk, del underground de los ochenta. Yo tengo solamente el espíritu del deathmetal cavernario de fanzine con actitud punk. Eso es lo que traro de rescatar en la música; con bajas afinaciones y más extremo para que suenan acorde al 2014, ya no con afinaciones ochenteras. Ese es más que nada “el concepto estilístico”. Y tampoco nos etiquetamos con ninguna ideología política en particular, entendemos y nos influenciamos de muchas fuentes de inspiración, en lo musical y en lo lírico.

Qué es lo que se viene para la banda…

La gira al sur entre el quince y el diecinueve de enero. Y el “Skull Of Chaos” debería estar llegando ya a Chile en formato LP. Eso más que nada, lo que es real. Los planes es hacer una gira Europea nueva junto al disco nuevo, donde en Suecia hay gente que quiere editarnos…

Algo más que quieran decir…

Paola: Vamos a seguir haciendo esto por el tiempo que podamos…

Comegato: Somos la tercera edad del Crust.. jajaja. Mientras no estemos en una silla de ruedas van a tener que seguir soportándonos. Y bueno, gracias por el tiempo y el espacio en el proyecto Salvaje.

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coherente la idea que queríamos. El 2008 y el 2009, además, viajamos de nuevo a Europa, donde tuvimos la oportunidad de hacer dos splits. Primero fue con Cutter; banda de Barcelona experimental de noise, la otra banda fue una alemana. Se empezó a mover mucho la cosa, salíamos en muchos compilados.

Seguimos creando y grabamos nuestro segundo disco; “Skull Of Chaos”. Para nosotros, este disco es distinto, tiene más metal, más crust, y es mucho más rápido, pero también tiene temas lentos. En general es un disco influenciado también por las bandas viejas de punk de Suecia, Firlandia, con un poco de death metal antiguo sudamericano. “Skull Of Chaos” es nuestro último trabajo grabado hasta el momento y justamente ahora está siendo editado en formato vinilo en Alemania por el sello punk underground “Angry Boys”, eso nos tiene contentos.

Hemos podido mantener la banda y seguir adelante. Tocar para los amigos… Ahora, luego de haber estado tres veces en Europa, donde en la última ocasión tocamos más de cien veces, hoy, estamos a las puertas de grabar un disco nuevo, considerando que nuestro último disco fue lanzado el año 2012.

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FEM FEST 10 Aﾃ前S Entrevista por Salvaje ﾂｷ Fotografﾃｭas por Lau Molina

2.- ¿Por qué crear una organización como FemFest?

Porque FemFest como organización se convierte en la respuesta a varias necesidades, a la falta de espacio, a los escenarios inexistentes para bandas de mujeres, a la manera típica de organización.

Es la respuesta a la necesidad de crear una autonomía en el espacio creativo de la música, donde hasta ese momento (año 2004) era un lugar absolutamente de chicos, existían pocas chicas tocando y más pocas eran las bandas que se constituían en su mayoría de mujeres. Ese espacio tan masculino, en cada una de nosotras generó su propia experiencia, y, en base a esto, nuestra idea fue no depender de otras bandas, ni productoras, ni sellos y poder desarrollar y mostrar nuestro trabajo sin discriminación, y con la mayor libertad posible albergadas en conceptos que atraviesan la Coordinadora, como lo es la autogestión y la horizontalidad a la hora de gestionar, organizar y tomar decisiones.

3.- FemFest lleva 10 años de vida, ¿Nos pueden contar los mayores logros y dolores?

Uno de los mayores logros es haber creado un circuito, una vitrina para las bandas que son más de 40 las que han pasado por FemFest, haber generado desde la horizontalidad lazos afectivos sin ánimos de lucro, el haber podido descentralizar FemFest llegando a otras comunas como Cerro Navia y regiones como Temuco y Concepción.

Cárcel de Mujeres de San Miguel ha sido una experiencia única, a través de la música hemos mostrado una manera de expresión, un nuevo lenguaje, nos hemos nutrido de esta experiencia y esperamos que para aquellas mujeres privadas de libertad sea lo mismo.

FemFest es una coordinadora que autogestiona la participación de la mujer en el rock y diversas expresiones artísticas a través del trabajo colaborativo sin jerarquías y desde la autonomía, y nos conformamos porque nos vimos en la necesidad de abrirnos un espacio frente a la discriminación y falta de espacios para tocar.

Nuestro mayor dolor es haber perdido a nuestra compañera Hija de Perra que nos acompañó desde el primer festival, ella se transformó en nuestra animadora oficial, con quién además crecimos, aprendimos y surgió una bella amistad.

4.- ¿Cuáles son las bandas que conforman el colectivo?

Son varias las bandas que han sido parte de la Coordinadora, actualmente y sólo para nombrar algunas, podemos mencionar a: Vaso de leche, Horregias, Odessa, Espejos Muertos, Ellas No, Flores Marchitas (Concepción), Segundo Patio (Temuco), solistas como Paulina Villacura, performistas como Irina la Loca, y así se han sumado no sólo bandas, sino que personas y diversas artistas y organizaciones que conforman, han conformado y seguirán siendo parte de la Coordinadora FemFest, fotógrafas, diseñadoras, actrices, etc.

Más allá de dar una base de datos queremos que quede claro que somos un circuito en constante movimiento.

5.- ¿Por qué es necesario continuar con el colectivo?

Porque la Coordinadora es un espacio de libertad y organización, donde se implementan ideas, donde se hace política, donde se le devuelve la dignidad al medio y no al fin. Es necesario continuar porque aún los espacios públicos son mínimos, las restricciones para tocar son mayores, porque no hay difusión de nuestra música en las radios, porque aún existe discriminación, porque aún hay homofobia, porque los sellos siguen lucrando con la música, por que ocupamos los espacios de la

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1.- ¿Qué es y por qué se conforma FemFest?

manera que nos parezca, porque somos capaces de apropiarnos de nuestras construcciones, porque es necesario entender y vivir conceptos como la colaboratividad. Podemos hacer ruido bajo nuestras formas, haciendo alianzas en lugares donde se trabaje desde ese mismo prisma, donde el éxito o el fracaso no nos alcanzan.

6.- ¿Qué historias les gustaría contarles a las generaciones que vienen?

Solo traspasar la experiencia de lo gratificante que es el trabajo en colectivo, que 10 años trabajando en quipo reafirma la amistad, el amor, la lucha y el esfuerzo. Que es importante crear historias propias. La Historia siempre ha estado escrita por un sector y es necesario romper con esa lógica.

7.- ¿Cuáles son los proyectos que se vienen?

Por el momento seguir con el ciclo en Cárcel de Mujeres; el 12 de Diciembre celebrar los 10 años en Concepción, también estaremos pronto en Cañete y en otras comunas de la región Metropolitana. Lanzaremos pronto el disco compilado de estos 10 años y para el año que viene ya tendremos noticias claras del documental Coordinadora FemFest.

Dentro de las próximas semanas también estará habilitada nuestra página Web, por el momento puedes encontrar información de nosotras buscándonos como femfestchile en todas las redes sociales, twitter, facebook, fanpage, soundcloud y tumblr.

E NT R E V I S T A

ESPAÑA

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Entrevista por ExPectador · Fotografía por Nueva Vulcano

Es un cuarteto español que desde el 2004 ha tocando dentro del circuito Indie; su música nos recuerda al Schoegaze de bandas inglesas, pero es un poco más que ruido entre medio de voces melódicas, son letras que juegan con la dulzura y la rabia. Nos cuentan sobre sus inicios, de como crean música y de lo que para ellos es la independencia musical, entre otras cosas.

Siempre nos han gustado los grupos de punk melancólico, las películas trágicómicas y las novelas tristes, pero no hay que dejarse llevar por la bajuna (...)

1.- Comencemos la entrevista hablando sobre cómo se gesta Nueva Vulcano, en qué año y cómo se conocieron.

Nuestro primer show fue el 11 de julio de 2004 en el Sidecar de Barcelona. Wences y yo, nos conocimos en la Escuela Sant Felip Neri a los 6 años, en una pequeña plaza con el mismo nombre que os recomendamos visitar cuando vengáis a Barcelona, cerca de la Catedral.

Conocimos a Albert en algún concierto, era poco discreto entonces tanto en sus opiniones como aporreando su batería en el grupo Moon Men.

Albert conduce, Wences graba a la primera, yo escribo las letras.

3.- Cuéntennos que hacen fuera de tocar en Nueva Vulcano y cuáles son sus proyectos.

Wences es diseñador gráfico y pincha y programa djs en el susodicho Sidecar en el centro de Barcelona, Albert lleva junto a su hermano el sello y promotora de conciertos La Castanya. Yo he estado programando conciertos en un bareto en Gràcia llamado Heliogàbal durante 10 años y ahora parece que lo iré dejando para cocinar y servir en nuestro flamante Snack-Bar llamado Cap Verd. Tanto a Albert como a mí nos gusta ir a jugar baloncesto un día a la semana. Wences es más de fumar cigarrillos.

4.- En sus primeros discos hablan sobre el desgaste, los monstruos en sus vidas, letras más trágicas y oscuras, y existe un cambio enorme ya en “Los Peces de Colores” que contiene letras que hablan de la ilusión, de bailar, en cierto modo un escenario más optimista y alegre. Entendemos que son diferentes momentos en sus vidas en relación a la composición, pero ustedes, ¿a qué atribuirían este cambio?

Siempre nos han gustado los grupos de punk melancólico, las películas trágico-cómicas y las novelas tristes, pero no hay que dejarse llevar por la bajuna. Llegó un momento en que quisimos dejar de hablar de nuestros defectos, coincidiendo con la fuerte crisis económica y con el declive total del concepto de ciudad moderna. En este cuarto disco habrá, me temo, mucha autocrítica, pero también reafirmación y ganas de celebrar.

5.- En su vídeo “El Día de Mañana” aparecen cocinando, momento importante para nosotros como Salvaje, ya que en nuestras reuniones suele ser nuestra comunión, nuestro momento de complicidad, nuestro rincón favorito… Aparte de sus giras y horas de ensayo, ¿cuál es el rincón favorito de Nueva Vulcano?

Si fuéramos de otro país con una escena rock más vertebrado y sólido seríamos sin duda mucho mejor grupo. Pero lo bueno que tiene ser de aquí es la comida y la diversidad gastronómica y cultural que hay en un espacio relativamente reducido. Pueden ver nuestras peripecias culinarias en el libro de fotografías de Alberto

Polo Hasta la boya y volver, que viene a ser como una guía de Casas de Comidas del Estado encubierta de rock.

Citaremos El Pescador en el puerto de l’Ampolla de Mar donde se le ofrece al músico un menú cerrado especial con mejillones al vapor, calamares, ensalada y arroz negro, una asequible maravilla.

6.- Propiedad intelectual, copyright, mercaderes de la música. Háblennos un poco de la política de Nueva Vulcano ante estos puntos.

Todas nuestras canciones están registradas, así es como trabaja nuestro sello discográfico y por ahora eso no va a cambiar.

7.- ¿Cómo se dio que New Raemon tocara una de sus canciones incluida en “Los Peces de Colores”?

Ya había hecho una de nuestra anterior single llamada Mano Izquierda, así que no nos vino de nuevo. También es bonito oír las canciones entonadas por Ramón, que sí sabe cantar.

8.- ¿Cómo es la relación con BCORE en una edición de Nueva Vulcano? ¿Se involucran plenamente, o BCORE es quien maneja todos los detalles?

Hacemos lo que queremos y a Jordi BCore suele parecerle bien. Compartimos afinidades y vecinaje desde hace 20 años. El año que viene el sello hará 25, y pensamos celebrarlo por todo lo alto.

9.- “Todo por el Bien Común”; su ultimo 7” son dos canciones que me parecen geniales, un sonido prolijo e inspirador, sus singles siempre dan anuncio a un pronto larga duración y este 7” ya fue editado hace un par de meses… ¿Qué es lo que se viene para Nueva Vulcano?

Muchísimas gracias. Estamos ahora mismo grabando el cuarto disco y va a seguir la onda del último single: melodía con alguna nota fea y trote desatado. Y hits, por supuesto.

10.- Estas últimas líneas son de ustedes, digan lo que deseen.

Estuvimos a punto de pillar un avión destinación Chile gracias a la gente de Celadores y finalmente no cuajó, ganas no nos faltan, esperamos hacer posible este sueño realidad el próximo año.

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2.- Albert, Wences y Artur; tres personas con historias diferentes, con mundos propios que se unen ¿Cómo es el universo de Nueva Vulcano a la hora de componer y/o viajar? ¿Hay roles en la banda?

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Alta Fidelidad Unos cuantos apuntes sobre cine por Felipe Arriagada

Empanada de pino: ‘Wincy, transformismo, punk y el cine lado B’

La cinematografía chilena contemporánea contiene una serie de elementos que la vuelven característica, los cuales no siempre resultan ser positivos; durante años se ha acusado al cine chileno de ser fome, de ser arribista, de tratar siempre los mismos temas y de tener a chicos bien de barrios acomodados interpretando a jóvenes de poblaciones que no hacen nada más que hablar y acostarse con la famosilla de turno, actrices que suelen ser puestas como objetos de goce y satisfacción de los protagonistas de la cinta. Si vamos al cine post dictadura, podemos mencionar obras como ‘Johnny cien pesos’, ‘Taxi para tres’,’ Gringuito ’y ’Caluga o menta’, las cuales transcurren en la población pero no tienen en sus filas a gente de población. Si avanzamos en el tiempo, se nos cruzan obras como ‘Mala leche’ o ‘El chacotero sentimental’ y cuando uno/a ve eso lo primero que puede pensar es : “algo anda mal en el cine chileno”.

No fueron pocos los que intentaron darle solución a este tema, la creciente oferta de institutos y universidades que desde mediados de los 90 empezaron a ofrecer la carrera de Cine como una alternativa en el variopinto académico,

Ahí es cuando aparecen las películas sobre la clase media hechas por gente de clase media donde el gran problema… es ser de clase media y no encontrarle sentido al mundo, esto principalmente por que lograba una identificación con el público globalizado que tiene las mismas preocupaciones en cualquier parte del mundo, como adquirir el nuevo i-phone antes de que sea fin de mes.

De todos modos, no busco generalizar, ya que la cinematografía chilena no son solo las 10 ó 15 películas comentadas por El Mercurio a fin de año dentro de sus recuentos de “lo mejor de”, si no que son alrededor de 100 películas anuales, entre documentales, largos y cortometrajes, las que están dando vueltas en festivales y páginas de libre distribución, las cuales terminan haciendo el trabajo que los antiguos distribuidores y encargados de salas aún no entienden, el de ser un exhibidor de obras artísticas, nos solo de productos realizados en serie por un grupo de personas con apellidos extranjeros.

Es dentro de esta cinematografía “alternativa”, o de protesta frente a la hegemonía de la estética formal, que aparece la obra de “Wincy” y principalmente su largometraje ‘Empanada de pino’. Wincy (o mejor dicho Edwin Oyarce) es, a modo de orientación para el lector, un realizador chileno egresado de la Escuela de Cine de Chile que desde su debut a la fecha ha trabajado con el transformista y performer local Victor Hugo Perez conocido por su nombre artístico “Hija de Perra”.

‘Empanada de pino’ es una película bizarra por donde se le mire: su protagonista es un transformista de maquillaje grotesco y pechos falsos de excesivo tamaño, la banda sonora está interpretada entre otros por Lilits, Kanibales surf combo y Vodoo zombie. La fotografía es precaria y comete errores de principiante durante los 88 minutos que dura la película, sin tomar en cuenta las escenas mal iluminadas, la utilización de un blanco y negro que se transforma en una imagen ultra quemada o en una imagen sin ninguna información a ratos y el resto de los personajes son casi tan excéntricos como su protagonista, performers con nombres como ‘Irina la loca’

o simplemente ‘Perdida’, y actores amateurs que están muy lejos de ser talentos en brutos descubiertos por el joven Wincy, por el contrario, todas las interpretaciones son forzadas, exageradas y derechamente malas.

Con esta introducción cualquiera esperaría una conclusión de que se trata de una mala película, pero no, para quien escribe es una buena película, interesante, entretenida y por sobre todo valiente, llena de referencias al gore y al cine clase B que logra darle un aliento y un respiro a una cinematografía local que se ha caracterizado por su “pacatería” y su arribismo intelectual a la hora de hacer arte.

Videoflims, su distribuidora internacional, la presenta de esta forma: “Hija de Perra y su esclava sexual, la prostituta llamada Perdida, comercializan “empanadas de pino”, hechas con trozos de carne humana molida, en un pequeño mercado de Santiago, Chile. Este macabro accionar tendrá el objeto de intentar revivir a su esposo muerto, Caballo, mediante el sacrificio humano, previo arreglo de pleitesía con el demonio Zapanala.”

Al verla uno puede darse cuenta que no es más que eso, dejando de lado cada pretensión que pudiese existir, logra cerrar la serie de trabajos que habían comenzado con el cortometraje “Yo: la peor de todas”, realizado por el cineasta en sus años de juventud y con HDP como su protagonista.

Personalmente, para mí no hay placer más grande que empezar a ver una película y que comience a sonar una línea de bajo y una batería punk que anuncia que lo que viene no es más que una película hecha por el deseo de querer hacer cine sin impresionar a nadie; eso es la esencia de esta revista y de esta columna y es lo que nos permite seguir escribiendo.

A modo de cierre hay que aclarar que esta nota (lejos de ser lo que desde un principio se planteó para esta columna), es a la vez un homenaje a la ya fallecida de Hija de Perra y que debió haber sido escrita durante el mes de su partida, pero nunca es tarde para brindar un saludo a alguien con quien muchos compartimos.

A quien le interese dejo el link de la película completa en internet, para que así el lector pueda verla y entender porque ha llegado a ser considerada de culto en el circuito under y alternativo local: http://goo.gl/FusysR

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permitieron el desarrollo de una nueva camada de directores y artistas que plantearon alternativas dentro del cine chileno, las cuales generaron que un arte alicaído y vilipendiado a nivel local encontrara un nicho de comodidad que le permitiera crecer tanto en el plano artístico local como en su reconocimiento internacional.

{ EEUU }

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ENTREVISTA

“Tell me why am I even listening when you’ve never said a thing I want to hear”

h t t p : //cold c ave.net/site/ · E ntrevis t a por Fel i pe A rri ag ada

American Nightmare/Give Up The Ghost es una de las bandas más influyentes de la oleada del hardcore punk de finales de los 90s en Boston. Wes Eisold, su vocalista, pasó por una serie de proyectos cercanos al hardcore punk, entre ellos las bandas noise core ‘Some girls’ y ‘XO skeletons’, hasta formar durante el año 2007 Cold Cave, un proyecto solista más cercano a la música electrónica que a las bandas de las que había sido parte anteriormente. A menos de un mes de haber terminado su gira por Europa con Nine Inch Nails y en medio de los shows de reunión de American nightmare/Give up the ghost, se dio el tiempo de respondernos la siguiente entrevista.

Creo que he ido envejeciendo dignamente, gran parte de ese espíritu sigue en mí y nunca se irá; es algo que nunca podrá partir porque mis puntos de vista nunca se basaron en las ideas de otra persona. Es solo como calzo en el mundo y sucede que siempre he pensado que el mundo anda mal. Nunca quise seguir el camino de nadie y aún hoy en día me mantengo con esa idea 2- Hace poco terminaste una gira por Europa con NIN (Nine Inch Nails) y cada vez tus canciones son tocadas por más radios afuera de EEUU, ¿Cuál es el siguiente paso en tu carrera?. Crees que este tour confirma la fama que tiene Cold Cave o para ti solamente es una buena anécdota para contarle a tus amigos...

Definitivamente es más conocido después del tour. Toqué ante un público que nunca había escuchado a Cold Cave hasta ese tour. Eso no necesariamente cambio nada por un lado, sigo haciendo lo que tengo que hacer. Estoy escribiendo música ahora, como lo he hecho siempre. Fue genial irme de tour con ellos. Aprendí un montón.

3- ¿Qué relación tienes con el sello Deathwish? Es raro imaginarte fuera de un ambiente hardcore punk, pero al mismo tiempo tu música tiene un sentido totalmente distinto. ¿Cómo se dio este cambio desde el hardcore punk y el noisecore al dark wave?

La relación con Deathwish es una relación personal. Los conozco desde que empezamos con AN(American Nightmare), tal vez desde antes incluso. Quería sacar un single con ellos con canciones que yo sentía que tenían que ver con la línea editorial del sello tanto en su temática como en su sonido.

Para mí la música es un asunto secundario. Es más importante de dónde vienes, el alma que hay en eso. Empecé con Cold Cave porque quería hacer música para mí, hecha por mí. La música es el simplemente lo que me salió en ese momento no era un sonido que estuviese muy de moda. No tenía idea de lo que estaba haciendo, solamente sabía que tenía que hacer algo.

4- ¿Existe la posibilidad de verte de nuevo en alguna banda como ‘XO skeletons’ o ‘Some girls’, o ya le cerraste la puerta definitivamente a ese tipo de música? Si tu respuesta es sí… ¿por qué tomaste esa decisión?

NO… ‘XO’ evolucionó en Cold Cave. Es punk, es electrónica, sin importarle nada en el mundo. Cold Cave solamente es más oscuro, mas personal, más marginal mientras que a ‘Some girls’ siempre lo sentí como un proyecto paralelo de cierta forma (lo mismo sentía con XO). AN y Cold Cave son proyectos

más personales… de todas maneras, estoy orgulloso de todas las bandas en las que he estado.

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5- ¿Cuánto ha cambiado para ti la escena musical desde el primer disco de AN hasta el lanzamiento de tu último trabajo con Cold Cave?

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1- Primero que todo: ¿Quién es Wes Eisold en estos días? ¿Cuánto del punk de la juventud aún vive y como eso se manifiesta en tu vida actual?

Existen más bandas, más opiniones, no sé. Cuando empezamos con AN queríamos evitar cualquier escena, con Cold Cave también. No me importan muchos las escenas en general.

Me gustan ciertas personas, ciertas bandas, solamente eso.

Soy más bien individualista y una escena es una comunidad y hay cosas positivas y negativas en eso. Nunca me sentí muy cómodo perteneciendo o comprometiéndome con algo 6- ¿Escuchas música Hardcore punk hoy en día? ¿Alguna banda o proyecto solista que nos puedas presentar? Puede ser del género que tú desees.

Lo hago, en su mayoría bandas que me influenciaron cuando era más joven. Escucho música todo el día. ¿Qué canción deberían escuchar? 39 clocks-Psycho beat.

7- Hicieron un tour de reunión con AN, ¿Qué opinión te deja ese tour? ¿Notaste alguna diferencia entre los chicos que iban a los conciertos en los primeros años de AN con respecto a los que fueron a estos “shows reunión”?

Hemos hechos algunos shows de manera esporádica, pero no un tour. Me gusta moverme a mi propio ritmo. Creo que el público que iba a ver a AN es de la misma forma a los que han ido en los últimos shows; apasionados y sinceros. AN siempre atrajo a un variado tipo de público y de cierta forma sigue siendo así. Amo a la gente que asiste a mis shows la verdad.

8- ¿Alguna probabilidad de tener un nuevo disco de Give up the Ghost?

No lo sé, no podría decir sí o no.

9- ¿Visitarás en algún momento esta parte de América? ¿Alguno de tus proyectos ha tenido alguna propuesta concreta?

Estoy listo para ir. Nunca he estado en Chile y me encantaría hacerlo. Mis referencias y conocimientos vienen principalmente de los libros de Bolaño. Me encantaría verlas por mi mismo 10 - ¿Algo que quieras agregar?

Gracias por la entrevista. Espero tocar en Chile alguna vez.

Gracias a todos los que apoyan a los verdaderos músicos y artistas. No se preocupen por lo que piense el resto. Confíen en sus instintos.

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‘La resistencia nunca fue un estado popular. La resistencia siempre estuvo ligada al desafío de la vida; de no morir tratando de sobrevivir, de querer seguir funcionando a pesar del absurdo de todo esto.

Nuestra política es clara, es seguir soñando hasta el final.’

- Barcos&Túneles · 2014. http://www.flickr.com/photos/abrazos/

¿Cómo empieza Abrazo Ediciones?

Camilo: Abrazo era una idea que tenía con un amigo de Concepción, y teníamos una distro que se llamaba ‘Discultura’, organizábamos tokatas y teníamos fanzines de ilustradores; paralelamente a eso, con Camila trabajábamos juntos haciendo ilustraciones también.

Fue complicado mantener las cosas con mi amigo por una cosa de tiempo pero con Camila las cosas se fueron dando muy bien y ‘Abrazo Ediciones’ calzaba perfecto con lo que hacíamos. Todo pasó a finales del 2011, en Talcahuano. ¿Cómo ha ido mutando este proyecto?

Camila: Todo nace de una necesidad, sin planearlo demasiado, más bien de la mano de la experimentación; un tiempo quisimos pintar tazas y eso hicimos, luego quisimos hacer otras cosas y dejamos otras.

Yo no solo dibujo ni estoy todo el día dibujando; escribo, tomo fotos, entonces vamos generando formatos en base a lo que queremos o necesitamos crear. También va cambiando porque somos personas las que estamos detrás de esos fanzines, por lo que le damos vida y mucho cariño a lo que hacemos, procurando nunca limitarnos.

Camilo: Toda la vida nos han gustado los fanzines, crecimos con ellos, de hecho yo tengo un montón, los colecciono; por lo que nos gusta mucho experimentar con ellos y no tener límites para crear. Les tenemos mucho cariño, incluso a esa manera de adquirir conocimiento que significa un fanzine en una feria en una tokata. Y claro, muta en cuanto a lo que se nos ocurre, como pintar tazas de té o teteras porque nos gusta el té, pero jamás se me ocurriría, por ejemplo, hacer carcasas para celulares, jaajajaja.

Hay una notoria estética ‘punk’ en los dibujos que hacen… ¿cómo ha influenciado la música en lo que hacen?

Camila: Yo creo que en todo, la mayoría de las cosas han llegado a una por medio de la música o ha ayudado a reforzarlas. Incluso, yo desde Talcahuano y Camilo en Osorno, tuvimos esa conexión con la música, como con los libros o las películas. No sé, a mí el punk me salvó la vida, siempre lo digo; generó una manera de ver las cosas muy afín a

Entrevista por Salvaje

lo que pensaba incluso antes de conocer ese tipo de música o manera de hacer las cosas.

Camilo: muchos de nuestros personajes tienen parches o hacen referencia a las cosas que nos gustan, como bandas o música; es parte de nosotros y no podemos dejarlo de lado. Hasta tuvimos bandas o ayudándoles con gráficas, afiches, en los discos y eso nos encanta. ¿Y por qué hacer fanzines? Podría ser cualquier otra cosa…

Camila: No se, que difícil…

Camilo: Cuando chicos tuvimos experiencias laborales nefastas, eran una mierda…

Camila: A mí me echaban, no calzaba con la lógica empleadorempleada. Entonces después nos dimos cuenta que no era lo que queríamos hacer, pero tampoco se nos ocurrió que viviríamos de esto o qué harías una ‘industria’ de los fanzines, jajajja. Entonces empezamos a hacerlos, los vendíamos en la calle, nos quedaban monedas y derrepente nos alcanzaba para pagar el arriendo y ahí fue como… ‘Listo, esto es, ni ahí con hacer otra wea’. Funcionó.

Camilo: Ha tomado un ritmo super propio. Nos planteamos como una Editorial, peor es una idea que trasciende a murales, fanzines, a cualquier soporte. Para mi ilustrar es bacán pero no es ‘mi vida’, no es una disciplina, no sé, un ninja puede tener una disciplina y que eso sea su vida, pero no la ilustración.

Camila: Yo no soy estricta, no paso todo el día dibujando, por lo que todo lo que ocurre sucede de manera natural. La gente con la que nos juntamos hace millones de cosas, pero porque les gusta y porque les nace y no están dentro de .

Camilo: Hay quienes necesitan cuadrarse y ser parte de la escena de la ilustración, cuadrarse y eso es una tontera. Es tan común tener que ser parte de algo y pertenecer a un círculo. No nos interesa eso, sin embargo a veces la gente piensa en ilustradores de por acá y nombran a ‘Abrazo Ediciones’, pero es porque toca, por añadidura, porque quizás se reconoce dentro de algo o nace de la gente, pero no

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Hace poco conversamos con Abrazo Ediciones.

Estuvieron en Santiago para una de las ferias de ilustradores en las que han participado y nos contaron sobre su trabajo, de vivir en el sur y como ha influido en lo que hacen, del ‘hazlo tú misma/o’ como un significado real en el cotidiano y de como la música penetra en la vida,entre un montón de otras cosas.

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es nuestra intención; por ejemplo, cuando piensas en comida vegana al tiro te acuerdas de ‘Viveg’ o el ‘Vegan Bunker’, pero no creo que los chiquillos estén pensando todo el tiempo en ser reconocidos como cocinas veganas dentro de una escena de lo vegano, simplemente se conocen por lo que hacen. La idea es romper con las chapas o los catálogos.

Camila: Al final, y como para redondear, hacemos esto porque nos gusta y nos ayuda a pagar las cuentas y a mantener a Simón… ese gato se lleva todas nuestras ganancias, jajajaj. ¿Qué piensan del ‘Hazlo tú mismo/a’?

Camila: Es chistoso, porque yo siempre fui la ‘niña de las manualidades’, mi familia me decía que iba a hacer la típica vieja de la tiendita de muñecos de soft, jajajaja; estaba todo el tiempo haciendo cosas y derrepente apareció el punk, el HTM y fue como…. ‘oh, esta es la wea, así se llama lo que hago siempre’, jajajaja. Y no es que me encasillara ni nada, pero identificaba mi elección con algo más concreto, el hecho de vivir de una manera o en base a hacer las cosas por mí misma.

Camilo: En el fondo hay un montón de gente que hace todo por ellos mismos y no tiene idea que eso es HTM. Nosotros mismos en el sur, acarreando los equipos en las tokatas, sacando fotocopias, consiguiendo resolver las cosas desde nuestras posibilidades, era la manera de hacerlo siempre sin darnos cuenta. Y es bacán poder darnos cuenta que eso se mantiene y la gente sigue haciendo las cosas, es gratificante, y se siente bien.

Camila: Por ejemplo, estuvimos en la Furia del libro hace poco y aún cuando hay libros muy lindos están ligados a editoriales que coartan la creatividad con formatos estrictos o imprimiendo cosas que se venden nada más, como cuando una banda ya no gusta de uno de sus discos pero la disquera los saca porque a la gente le gusta y se vende.

Además, esta todo lo que somos en el HTM, en nuestros fanzines, es sumamente visceral; los cocemos, cortamos, plisando, corcheteamos y todo lo demás, entonces no es un producto es algo propio.

Camilo: El HTM significa un riesgo, un reto muchas veces, y te toca hacer de todo. Si quisiéramos solo vender dibujaríamos gatos todo el tiempo, porque obvio que todos amamos a los gatos, jajaja, pero tocamos temas que pueden no ser tan agradables como la pena o la rabia y que la gente trata de evitar; a eso nos referimos con hacerlo a nuestra manera, dentro de posibilidades muy amplias e ir contra la corriente. ¿Qué es lo que dice ‘Abrazo Ediciones’? Resulta ser un trabajo político sin ser necesariamente panfletario…

Camilo: Intentamos que así sea. Es que nosotros no andamos dando discursos cada vez que hablamos, pero cuando conversamos de la gente tiramos línea de lo que pensamos.

Camila: Los fanzines son para mí la existencia de la resistencia…

Camilo: Por ejemplo, hay un fanzine, ‘Hacia el bosque’, que de primer momento la gente cree que es una historia de amor con dos personajes que son animales, pero si te detienes a analizarlo te das cuenta que incluye una crítica a la sociedad y al cómo vivimos, a la manera en la que nos relacionamos, habla de reciclar comida y hacer las cosas uno mismo; y no todos se dan cuenta de eso, ni siquiera le da una segunda lectura, pero por suerte hay quienes si lo hacen, por ejemplo, una vez Mauricio Redolés pescó un fanzine y dijo ‘Ah,

ustedes son anarquistas’, y nos sacó el mando rollo poh, jajaja.

Camila: Usamos pequeños guiños igual, como cuando una señora ve un fanzine y lee algunas palabras con ‘x’ y nos dice que está mal escrito, entonces le hablamos sobre el binarismo sexual y lo que pensamos al respecto y la señora va y dice ‘Ah, entonces es algo político’ y lo entiende. Es como utilizar distintas herramientas para hablar y expresarnos.

Camilo: Pasa por ejemplo cuando solo escuchas punk o solo escuchas hardcore y las cosas no te gustan porque no lucen como todas esas bandas. Hay muchas gente que no luce ‘punk’ que hace cosas muy lúcidas respecto a mejorar la manera en que vivimos y resulta ser gente interesante. Es más, hay quienes no se juntan con gente que no sea igual a ellas.

Camila: Claro, hoy en día que alguien me diga que es vegano, vegetariano o hcpunk no me dice mucho, hay gente llena de parches y que resulta ser muy machista, facista o sacoweas. Las etiquetas no hablan más allá de lo que una persona es. ¿Cómo crean en conjunto?

Camilo: Se dio naturalmente… de una u otra manera hemos ido congeniando. Por ejemplo ‘Sístole y Diástole’, fue un proyecto que salió de ideas personales y que resultó en una unión muy linda; esa vez estábamos ambos dibujando en un lugar distinto de la casa y cuando mi padre (que durante esos días nos visitaba) vio ambos trabajos, se dio cuenta que tenían coincidencias entre si y se parecían, así fue como nacieron esos dos fanzines. Colaboramos constantemente en las ideas del otro.

Camila: Hay como una línea imaginaria que va uniendo nuestras ideas y generando nuevos proyectos. ¿Cómo influyen sus origines en lo que hacen?

Camila: Como ya decía, somos de Osorno y Talcahuano y eso ha permeado mucho lo que hacemos. Al menos yo vengo de un puerto muerto, que sufrió de un saqueo económico que dejó a la ciudad en una nostalgia permanente, además del frío o la lluvia. Entonces venimos con una melancolía que sin duda está en nuestros dibujos.

Camilo: Claro, hasta la manera de hacer las cosas resulta mucho más difícil en esos lugares y eso genera una resiliencia frente a otro tipo de adversidades; de ahí en adelante podemos sobreponernos a muchas cosas. Nos forjó una vida agreste incluso cuando armábamos tokatas y teníamos que conseguirnos ampli en Conce. Más aún, en el uso del blanco y negro, también ligado a que los fanzines casi siempre eran fotocopias sin color, tiene que ver con la austeridad o más bien con la sencillez de usar solo un lápiz para mostrar todo. ¿Qué se viene para Abrazo Ediciones?

Camila: La verdad nunca planeamos nada, pero tenemos un par de ideas en la mente que sería genial que resultaran, pero las mantendremos en secreto, jajaja.

Camilo: Y viajar, seguir experimentando con los fanzines, hay tantos papeles y formatos, de seguro hay mucho que no hemos hecho aún.

Además, claro, esperamos que el proyecto en secreto funcione.

por María Magdalena / Ilustraciones de Pablo Delcielo Primeras predicciones realizadas en un secreto y espiritual ritual: Vino, cerveza, drogas, rock, sexo, lo usual.

Donde se produce el contacto psíquico con músicos y escritores muertos que dan las respuestas a esta humilde vidente.

ARIES: ¿Necesita respuestas? Está buscando

en el lugar equivocado. Las respuestas a todas sus preguntas están en las tapitas de los yogurts y en las publicidades de las calles. Así que chupe tapitas y mire hacia arriba. Recomendación para este mes: Fugazi / The Argument.

TAURO: Le dicen “¡Hola!, Me llamo Antonix” y ya jura que se enamoraron de usted. Baje el ego Tauro, si tampoco es tan guapx. Es un ser humano común y corriente. Igual de corriente que los cigarros Philip Morris.

Recomendación para este mes: Eskorbuto/ Esquizofrenia.

GÉMINIS: El viaje que realizará este verano será clave para su futuro. Conocerá a aquellxs que modificarán su forma de ver la vida y le abrirán nuevos caminos. Ahhhhh no tiene vacaciones? Bueno, el metro sigue siendo un lugar interesante para conocer gente.

Recomendación para este mes: Manu Chao/ Próxima estación Esperanza.

CÁNCER: Todxs hemos cometido estupideces en la vida, pero Cáncer ya es suficiente. Trate que este verano sea tranquilo y con buenas energías. Sino terminará siendo una historia más de 1000 maneras de morir. Recomendación para este mes: Britney Spears / Oops! ... I Did It Again.

LEO: ¿Insiste en conocer al amor de su vida por internet? ¿Ha agregado hasta al compañeritx de primero básico? ¿Badoo es su página de inicio? Deje ese tipo de prácticas y vuelva a la vieja escuela. Este verano es suyo.

Recomendación para este mes: Los Pericos / Mystic Love.

Advertencia: Si no escucha el disco recomendado del mes, todas las fuerzas del mal caerán sobre usted y toda la banda de amigxs borrachxs que tiene. Se lo digo con cariño.

VIRGO: Es usted un hipocondriacx. No está

enfermo y si lo está es de la cabeza. Si le dan jaquecas no es por un tumor, es una resaca. Si le duelen las rodillas, no es por acumulación de líquidos es por la caída afuera del bar el otro día. Recomendación para este mes: Christina y los Subterráneos/ Que me parta un rayo.

LIBRA: Dicen que los primeros 12 días del año equivalen a los 12 meses del mismo.

Así que si terminó dado vuelta hasta el 2 de enero, imagínese cómo será este verano. Solo preocúpese de reaccionar el día 3, porque o sino marzo se lo comerá vivo. Recomendación para este mes: Chumbawamba / Shhh.

ESCORPIO: Este verano será de tentaciones.

El demonio se encargará de cruzarse con usted en cada esquina. Tomará diversas formas, podría ser su mejor amigx, su ex chicx o ese perro que lo mira fijamente. Aléjese de eso.

Vuelva a la pureza que siempre le caracterizó.

Solo depende de usted pasar esta prueba del Señor. Recomendación para este mes: La Polla Records/ Ellos dicen mierda, nosotros amén.

SAGITARIO: ¿Su aguinaldo de fin de año fue una miseria? ¿Le alcanzó con suerte para una Pilsen de litro? No se deprima al resto le fue peor. Algunxs recibieron un pan de pascua duro y sin frutas y otrxs Cola de mono sin alcohol. Recuerde que siempre hay alguien peor que nosotrxs. Recomendación para este mes: Molotov / Apocalypshit.

CAPRICORNIO: Por más que deteste estar de cumpleaños, todxs sabemos que le encanta que Google lx salude en su día y que le manden mensajitos repetidos en Facebook. Así que no se haga de rogar y vuelva a actualizar la fecha de su cumpleaños. Recomendación para este mes: Modeselektor/ Happy Birthday.

ACUARIO: Las ideas le fluyen como río Maipo sin hidroeléctrica. No las deje escapar, ande con una libretita para anotar todo, que su memoria es frágil por tanta droga que se ha metido. Pero eso no altera sus procesos creativos, al contrario los elevan aún más.

Solo los debe recordar y luego concretar.

Recomendación para este mes: Víctor Jara / Canto Libre.

PISCIS: ¿Ha estado pasando por

momentos difíciles? ¿Todo le ha salido como la mierda? Se acabó la mala racha, durante este verano brillará por su suerte. Cómprese un raspe y se ganará 200 pesos. Tómese un helado Centella y le saldrá vale otro. La vida le vuelve a sonreír, sea feliz. Recomendación para este mes: Mogwai /Happy songs for happy people.

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Especial Verano Naranja PAPAPAPÁ

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FESTIVIDADES / El Loco Durante las festividades de fin de año, que es cuando escribo esto, siempre me pongo de un ánimo apático y retraído.

Quizás porque nunca fueron fiestas muy alegres para mí en lo espiritual (?), familiar o material. Ni siquiera en la banalidad de la borrachera me consideraba celebrando.

Más bien evadiendo el mal día.

Cuando era niño o faltaba mi padre o faltaba mi madre, ya de adolescente el que faltaba era yo porque no se me permitía el ingreso de reunión a la casa del patriarca, la casa de la familia.

Se entiende entonces que en la familia todos propugnaban ser férreos defensores de las costumbres más oxidadamente patrioteras, católicas y carnívoras.

Yo con un mohikano bien peinado, y mis antojadizas costumbres culinarias, los insultaba con solo ser.

Y es que hay que tener cuidado con las familias, en toda su estructura de costumbres y nombres y aficiones y talentos y oficios etc. se encuentra la primera forma hegemónica, la primera cárcel de la que uno es preso.

Y el éxito de tu sobrevivencia en esta cárcel es hacer y cometer los mismos errores , ejecutándolos ó celebrándolos.

El padre fanático del fútbol quiere un hijo futbolero.

La madre conectada al capricho de la moda quiere una hija modelo (solo por poner un plan de ejemplos). Y el que no honra a estos se convierte en un huérfano de expectativas. Un marginal dentro del clan.

Luego de haber crecido entre inquietos niños con padres ausentes, conseguí educarme durante mi adolescencia con lo que considere adecuado para mí.

Un híbrido de ideas libertarias, punk y alcohol.

Estas compulsiones me llevaron a involucrarme en lo que yo consideraba la lucha contra lo que se me había impuesto como moral o realidad. La visión del bien y del mal que mostraba mi familia, y por ende la sociedad, no me importaba.

Después del episodio de la gorda Sonia (ver números anteriores) mi madre, quien siempre tenía algo mejor que hacer que estar con sus hijos, acudió a mi padre. Éste, un obrero especializado en la faenas de construcción de carreteras que me veía tarde mal y nunca. Ninguno de los dos en realidad me conocía.

El objetivo de esta alianza era enrielar mis caprichos rebeldes y conseguir conformarme con la norma para que mis inquietudes dejaran de ser problemas legales para ambos. Para estos menesteres concordaron que mi problema era psiquiátrico y decidieron conseguir a un avezado profesional de la reforma moral.

A veces me pregunto qué hubiera pasado si hubieran tomado alguno de mis libros, zines o escuchar algún disco de los que llevaba siempre conmigo. Que hubiera pasado si se hubieran dado el tiempo de conocer quién era, que quería y sobre todo, que no quería y por qué. Pero entiendo que hubiera sido en vano, las familias son así: un peligro y tu discrepancia es una traición y la traición por lo general paga la pena más grande.

Me llevaron donde un doctor en psiquiatría que se ufanaba de haber salido de un colegio católico; tan grande era su admiración por su alma mater que cenaba una vez al mes con los curas de su amado rebaño.

Estaba perdido, lo que dijera era simplemente grotesco. El tipo representaba la norma hacia la cual quería llevarme mi improvisada familia y mis ideas antiestado, iglesia, patrón eran simplemente abominables. El desprecio por sus ideas era el descontrol, el repudio a la esporádica aprensión familiar era la comprobación de mi estado interdicto o también un episodio hipomaniaco.

Me ingresaron a una clínica con el objetivo supremo de salvarme la vida. Tal vez me equivoqué en declamar que prefería la muerte antes de parecerme a alguno de ellos, antes de servir fielmente a quienes los habían convertido en idiotas, a vivir sus oscuras vidas.

Muy romántico todo pero solo me sirvió para que violaran mis derechos, los derechos de una persona de 20 años, un adulto.

Fui internado por no ser funcional y homogeneizado, por no adaptarme a su enferma sociedad. Esa donde ellos son “los normales”.

Tengan cuidado con padres o madres, tíos o abuelos. Sean cautos con lo que les cuenta o dicen a aquellos que te tratan de llevar al “buen camino” o “te entienden pero...”.

Pueden transformarse en el peor episodio de sus vidas.

La gente mediocre no gusta que cuestiones sus desagradables costumbres, sus horripilantes vidas.

POESía

Textos de Teo. Ilustración de Barril Jl.

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Fuera de casa / ¿qué casa?

Las mañanas de verano son igual de inoportunas en el sur y en el norte.

El sol no respeta las horas de sueño y la fiesta pasa en vela -noches blancas.

La mirada de Kath me recibe y acoge; en este momento me doy cuenta de que no soy viejo ni joven:

soy transitorio Berlin es un lugar de paso y esconde más amor que postal parisina.

Me muevo entre lados de restos de muro que una vez caído creó una ciudad de fantasmas vivísimos.

Esta podría ser mi casa .

Extraña sensación la de no entender nada.

Todo lo solucionan los números.

Kath se mueve como si los rayos del sol le marcaran los pasos.

Kath se desviste como si la lluvia volviera a las nubes despavorida, por el terror que es este manicomio: situación TierraNO somos ni de acá ni de allá.

Esta tampoco es mi casa.

Escribir sin ninguna esperanza de futu ro,

sin miedo al olvido absoluto Escribir sin miedo al engaño ni a la cohe rencia, Incluso sin miedo a la memoria.

Miedo a la memoria como si sola fuera a recordar u olvidar algo que se pudiese olvidar, en esos ámbitos solo se considera al tiempo y casi nunca al espacio o al revés. Engañado s, al punto de creer que algo de lo que dijimos en algún momento reco rdado por siempre fue lo preciso o lo correcto. La pieza que le faltaba al rompecabezas, la última palabra que suena en la noch e, sabiendo que las noches son una y duran todo el día en todo el mun do y fuera de él.

Siempre es de noche y por eso despertam os en cuanto sale un poco el sol, solo para escondernos de la noche, porque siempre es de noche.

La mentira cayó en las manos de quienes la nombraron y terminaron creyéndola, engañados por sí mismos, como si la hubiesen olvidado alguna vez.

La mentira es y punto, siempre más tranp arente que la verdad, esa media hermana puta que se los comi ó a todos para tenerlos como perros a sus pies, lejos de la mesa de oro y sillas de reve lador espanto.

La verdad y la memoria como un padre-ma dre absolutos y la vulnerabilidad inevitable de los siste mas.

1 vez + inadmisibles son los sueños que nos comen los ojos, como a las cervezas los amantes como a los deseos los niños.

El barro no es una simple mezcla, es una sensación de vida pegada al pantalón y a los zapatos -en el mejor de los casos, a las manos y a la caraNunca se rechaza una lluvia ni por el frío de la calle.

Los viajes te pueden dar una impresión del movimiento absurdamente absoluto.

Nada se pierde con intentar el amor una vez más.

La mierda es la mierda y punto, otro que pierda la vida viviendo una miseria facilona, nosotros nos deberíam os negar.

Estoy sentado en los pies de cualquier cama, una cama de clavos como todas y a la vez celda de los momentos muertos, tratando de escribir una canc ión que parezca una película porno. Todo ,en esas habitaciones, es lumi noso, excitante, húmedo y sin más que imágenes sueltas.

Todos los espectadores saben cómo term inaran las escenas y cuáles serán los clímax y quien obtendrá la mejo r marca y la mejor parte.

La sociedad al igual que la película porn o es burda, prototípica, uniformadora y pedante. Sólo se piensa en los fines y se confabulan los medios. Cualquier esfuerzo por cambiar o mejorar eso es vano. Sólo la abyección de lo establecido podría servi r. La destrucción absoluta de las estructuras superficiales, para deve lar la mentira de las profundas.

Qué miedos nos retienen aún al canibalism o, es lo que nos queda por descubrir, que nada nos queda por imita r.

La revolución ha acabado es hora de incen diar sus restos y vomitar sus cenizas -“otra vez”.

Vacío 360º

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Talca HardCorePunk Tres horas al sur de Santiago

se encuentra una ciudad perdida en el tiempo, donde la información la cultura y las ideas llegan tarde y desfiguradas.

Aquí la iniciativa propia es fundamental o podrían pasar años sin que ocurra nada dentro del panorama cultural en la ciudad, este hoyo de tradiciones campesinas y conservadurismo cristiano lleva por nombre TALCA.

por Nicole Orellana

Si las distancias geográficas y la realidad política tardaron la llegada del Hardcore punk, más o menos unos 10 años a Chile, a esta ciudad fueron ni más ni menos que 20. Si bien la escena punk ya venía hace un tiempo desarrollándose, estaba muy segregada y marcada por la violencia entre los mismos punks, impidiendo que se forjara un verdadera comunidad.

La venida de BBK en enero del 2003 marcó una influencia para las primeras bandas Hardcore melódicas de la ciudad, como Vacío 360° (2002) y Flip Out (2004), las cuales tenían letras sobre la cotidianeidad, relaciones humanas o amor.

Estas tocatas se hacían en liceos o en casas de los mismos integrantes de las bandas.

Durante el 2005 se presentaron S.I.A, Bodcat, My Holiday, entre otras, marcando más el Hardcore melódico acá y separándose de forma casi definitiva de la movida Punk “destroy”. Este mismo año, el “movimiento” Hardcore Punk que se estaba forjando, logró concretarse con bandas que vinieron a Talca como Marcel Duchamp y Fuerza de Voluntad, las cuales tenían posiciones políticas definidas y letras claras, dándole un giro a lo existía hasta el momento. Con la venida de FDV, el Straight Edge se masificó, aunque hay que considerar que ya habían – varias - personas que se sentían identificados con esta lógica. Este mismo año Vacío 360° cambia su música y las temáticas de sus letras, radicalizándolas, esto sería la antesala que marcaría la escena para siempre. También

toca por primera vez Trisomía 21 (banda que más tarde se convertiría en Nuestras Memorias) influenciados en su comienzo por Los Crudos, Limp Wrist y Migra violenta.

Desde el 2006 hasta el 2008, la contracultura se vio más viva que nunca, el círculo de a poco se ampliaba, alejándose del número limitado de personas que tocaba y sus respectivos amigos, forjándose de forma clara el movimiento Hardcore Punk. Durante ese tiempo, 2008 especificamente, las tocatas fueron recurrentes, llegando a organizarse 3 ó 4 veces al mes y las bandas locales como TCH, Desterrados, Identidad (única banda sxe de la ciudad), Voces de Cambio (más tarde La Traición de la Pólvora), Reason e Insurrección tocaban con regularidad, lograron sacar demos y organizar sus propias tocatas, apelando siempre a la autogestión, al hazlo tú mismo y al posicionamiento critico frente a la realidad. Acá comenzaba una nueva generación que marcaría a fondo los lazos y el movimiento que permanece hasta hoy.

Varias bandas siguieron tocando, pero durante el año 2009 se vio una caída en el número de personas que era parte de la “escena”. Bandas como Nuestras Memorias, La Traición de la pólvora, Abolición (formada por ex integrantes de Reason) y el Tiempo Voló (primera banda dentro de la “escena” con una voz femenina) mostraron un crecimiento y una madurez en el sonido e ideas; este fue el año donde toda la influencia anterior declinó y se produjo un cambio generacional rotundo. Mientras que en el transcurso del año 2010-2011, las últimas bandas nombradas siguieron activas y tocando mucho, aunque ya el número de tocatas, en comparación a los años anteriores, era baja. Como hito importante, en el 2011 se reúne Reason y a finales del mismo año toca por primera vez Morir en el Intento. A principios del 2012 debuta Hell Gates, algo más parecido a Ceremony, cambiando un poco el rumbo de lo que que había hasta entonces

(lamentablemente esta banda tocó muy pocas veces) y Desiertos, más moderno.

Casi finalizando el 2012, 6 y 7 de Octubre para ser más específicos, se organiza por primera vez el Furia Festival, 14 bandas durante un fin de semana entero; diversión y Hardcore Punk. Nunca se volverían a los años de oro (2007-2008), pero esa fecha fue un comienzo prometedor para lo que se venía más adelante.

El año 2013, Nuestras Memorias y La traición de la Pólvora seguían tocando en cuanta tocata se organizara, y se disfrutaban igual o más que muchas de las bandas que venían desde afuera (bueno, en realidad acá le hemos dado el aguante a todas las bandas –por igual-, apañándolas y apoyándolas siempre). En Abril debuta Rehusar (segunda banda de la ciudad con una voz femenina) quebrando un poco con lo que había y volviendo al Hardcore Punk clásico. Según las estadísticas, el 2013 fue el año que menos hubieron tocatas, diríamos que no más de 5 o 6, dentro de ellas la segunda versión del Furia, siguiendo la tradición; sábado y domingo y 14 bandas.

En marzo del 2014, Vacío 360° hace un show reunión, lo que convocó a “grandes y chicos”, llenando de nostalgia a unos pocos, pero para –muchos- otros fue una tocata más. Durante lo que va del año, que ya casi termina, La traición de la Pólvora y Rehusar han tocado con regularidad, NM ya no tanto como antes, pero las tres bandas fueron parte del tercer año consecutivo – y más bonito – del Furia, instancia que también se utilizó para la despedida de la banda local, Abolición. El nivel de organización y participación del festival fue inmenso, 9 bandas por día, mucha gente de todas partes del país y también de afuera, una feria hermosa y sobre todo diversión. Quedamos con el corazón gordito y una sonrisa pegada en la cara después que termino todo. La autogestión, el apoyo muto, la solidaridad y el hazlo tú mismo no habían estado antes tan presentes. Esta línea del tiempo termina con el debut de Contra Ellos, el 9 de noviembre del 2014.

Reason

LTDLP

Talca, aun fea, cochina y fome, está situada en el mapa de la región chilena como una ciudad de parada ‘obligada’ para tocar y esta situación fue el decante de un proceso que si bien tardó, fue muy fructífero.

Hardcore Punk en Talca hay para rato.

Nuestras Memorias

E NT R E V I S T A

CHILE

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www.manifiestoskajazz.com · Entrevista por Alejandro Flores · Fotografía de Felipe Rubilar

Entrevistados: Polo García (Saxofonista), Víctor Jiménez (tecladista) Tomás “Patagonia Dub” (productor musical)

Para introducirnos en el mundo de Manifiesto SkaJazz es necesario comenzar por un poco de historia ¿cuándo, por qué y dónde nace la banda?

Polo: Si miramos hacia atrás, te hablo de los años 90, no se concebían bandas instrumentales, sino más bien bandas que tenían un líder o vocalista. Dentro de la movida punk o ska había bandas legendarias como Santiago Rebelde, Santo Barrio, Los revolucionarios, donde todas tenían un cantante.

Mi experiencia se inicia con Santiago Rebelde donde toqué y descubrí otra música. Me encantó Skatalites, música más tradicional y antigua. Pasó el tiempo y Santiago Rebelde se dio un receso, entonces quedé con una frustración muy grande, ya que quería seguir con el ska - fuera con ellos o no- entonces nació la idea de crear una orquesta instrumental donde el centro de la mecánica de la banda fueran los músicos y la colectividad, sin la necesidad de un rostro. Y fue a fines de los 90 que conocí a Víctor Jiménez (actual tecladista de Manifiesto) y también la posibilidad de conocer otros músicos y mezclar estos ingredientes.

Víctor Jiménez: para complementar lo que dice Polo…en términos personales pensaba “me gusta el dibujo, el inglés y la música” pasó que me quedé con ésta última. Siempre me gustó el Regge de cabro chico, escuché sobre todo Bob Marley y algo

de ska, sonidos de los cuales me enamoré, entonces ya más grande se dio la mano para poder interpretar los sonidos que conocí de mi niñez. Comencé a tocar con Quique Neira, conocí al Polo y se dio esto tan rico de poder estar con gente amiga.

Así que comenzamos a tocar como banda tributo a Skatalites y desarrollamos un lenguaje entre nosotros, un criterio y luego a otra etapa que fue componer nuestros propio temas. …Entonces ustedes realizaron un viaje por toda la cultura más tradicional de los sonidos jamaiquinos Polo: claro, yo lo veo como una escuela. Porque no todos los músicos que se reunieron para formar Manifiesto tocaban ska, venían del jazz, del rock, blues, etc. fuimos aunando estilos y buscamos llegar a la esencia del repertorio ska.

Por supuesto, y desde que aúnan criterios ¿cómo es que logran establecer nexos con la movida ska en Santiago?

Polo: Todo fue muy a pulso. También entramos en la era de facebook así que utilizamos esas plataformas que están más a la mano; también tocamos bastante en vivo que es donde te das a conocer y posibilitas que se genere una movida. Recuerdo que tocamos en el teatro Caupolicán en un festival que hubo y ahí conocimos a nuestro productor musical que es Tomás (Patagonia Dub) donde establecimos el contacto. Él se interesó en el proyecto de tirar a Manifiesto para arriba.

Víctor: nos sorprendió la recepción de la gente, porque creíamos que estábamos saliendo del cascarón hacia el camino correcto. Creo que se produce una especie de enamoramiento con estos sonidos.

Polo: creo que un manifiesto no se da sólo en la política, sino en el arte y otras formas, entonces lo que representa el concepto es como una entrega, pienso que es bajo la tónica de decir “así nos gusta, así nos sale esta música”, no pretendemos ser el manifiesto de los demás, es una declaración como banda.

O sea si buscamos los orígenes de algún desahogo lo podemos encontrar en la música que proviene de África que nosotros interpretamos y podemos establecer ciertos paralelos.

Hablemos de la aparición de su primer disco, que tengo entendido fue grabado en el año 2012 y pos producido el 2013…

Polo: Claro, el disco parte como una necesidad en el medio, porque tienes que tener tu trabajo para poder tirar la banda para adelante y difundir. Y eso lo sumamos a nuestro encuentro con Tomás que le gustó nuestra propuesta y comenzamos a trabajar en conjunto. Él es importante para la salida del disco, porque comienza a trabajar el sonido de forma análoga (a la antigua), entonces también estamos haciendo un trabajo de reconstrucción histórica junto a Tomás, porque se mezcla con el concepto sonoro antiguo.

Tomás (Patagonia Dub): sacar el disco fue bastante pega porque está todo mezclado análogo, lo que significa que salen por pistas separadas y tienes que sacar el master que queda, material que después no puedes retocar, o sea no podis volver atrás y bajar una guitarra, es difícil trabajar así pero es un desafío bonito. La grabación fue en vivo y la mezcla se intentó no retocar, ecualizamos y listo. En términos personales, me gustó caleta Manifiesto cuando los vi porque en realidad mi hermano escucha punk rock y me nutrí de esa escuela que es lo que comentaban los chiquillos con la movida noventera, donde habían muchas bandas parecidas unas de otras y cuando aparecen los cabros es algo diferente, porque es instrumental.

Como anécdota, a mi me había salido una pega en Brasil a trabajar en un estudio bien pro, con buenos procesadores y eso, entonces la mezcla la hice allá y los cabros me enviaron las pistas y de forma bien clandestina terminé el disco, digo eso porque tenía un jefe que el loco estaba metido en el estudio todo el día, entonces no tenía tiempo para terminar el disco de Manifiesto, así que sacrifiqué caleta de cosas porque lo terminé en la noche cuando el loco se iba a acostar y yo me quedaba jugando con las máquinas.

Siempre me ha intrigado el proceso compositivo de las bandas, teniendo en cuenta que los ensayos son parte de una intimidad grupal, como manejan esto para llegar a que una idea tome forma…

Polo: El tema de la composición es más individual, el trabajo colectivo se da en la interpretación y en los arreglos.

Víctor: para mi es bastante amplio, trabajamos con partituras y creo que nadie se niega a inventar algo, pasa también que en

los ensayos a veces gana la mayoría y te sumas a esa decisión.

Tratamos también de dejar de lado los temas de egocentrismos algo que se vive mucho en las bandas.

Polo: agreguemos a eso que manejamos distintos tiempo, una parte para la producción musical que es donde se define la sonoridad de la banda y la otra para componer, que es donde cada personaje muestra alguna idea. Creo que es ahí donde está el espacio de libertad y motivación para que cada uno plasme sus inquietudes.

Hablemos de los temas del disco, claramente hay una alusión a Víctor Jara con Manifiesto y por otra parte la inclusión de una voz femenina en dos temas…

Polo: lo que pasa es que siempre hemos tocado versiones de otros temas, en un primer momento tocamos “La gotita”, “Quizás, quizás” junto a nuestra vocalista Italia Neira.

Víctor: pasa que tuvimos varios vocalistas, pero la voz de una mujer tiene otro encanto provoca un enamoramiento distinto.

Si lo traducimos al disco, el tema Lejos le quedó bastante completo y bonito, más Rocksteady además el tema está dedicado a un amigo músico que falleció. El otro tema que canta Italia es Soledad, que es más bien una volada de ella.

Polo: La voz femenina creo que funciona en el ska, y en el caso nuestro eso también se traduce en vivo, la energía y simpleza de Italia es maravillosa. A eso agreguemos que Tomás nos acompaña como sonidista en nuestras presentaciones, en ese sentido nos sentimos privilegiados porque suena igual al disco.

Consideremos que no siempre tenemos los recursos necesarios, porque en el fondo debemos saber movernos también en la precariedad. ¿Cómo va la distribución del disco?

Polo: ha sido lento y difícil porque para eso también se necesita bastante recurso, ya sea publicidad, realizar conciertos, etc. No tenemos una productora que nos auspicie.

Víctor: lo nuestro es pura Autogestión…el disco nació del bolsillo de cada uno y de nuestras propias energías. Por ejemplo el disco lo consigues en las tokatas o escribiéndonos, algo bien rudimentario.

Polo: Lo bueno de esto es que se produce un intercambio de opiniones con la gente que gusta de nuestra música. Para nosotros no es un negocio. Sacamos 500 copias y poco a poco se distribuyen, lo que nos da ánimo para querer hacer un video y nuestro lanzamiento oficial que estamos al debe. Cerramos el 2014 con disco en mano y ahí termina este capítulo.

Algo que decir al final de nuestra conversación…

Polo: muchas gracias por el interés a nuestra banda y dejarlos invitados a que nos escriban para conseguir el disco e intercambiar opiniones…

Víctor: Buena vibra para todos ustedes y que disfruten de nuestra música, honesta y sencilla.

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Un Manifiesto es una declaración de principios, un desahogo quizás… ¿Qué significa Manifiesto para ustedes?

E NT R E V I S T A

COLOMBIA

Salvaje Revista

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http://www.gritohardcore.com/ · Entrevista por Salvaje

Grito es una banda hardcore de Medellín (Colombia) que comenzó a tocar en 1999, en este tiempo han compartido con muchas bandas de su ciudad natal y de Sudamérica, sacado una seguidilla de demos y un larga duración. Sus letras hablan de experiencias personales que se hacen políticas, de cosas que ven y sienten sobre el mundo. Conversamos con ellos en el marco de su visita a Chile previa a su participación en el SELR de Brasil.

Cómo se conforma la banda y por qué…

David: Nosotros empezamos la banda en mil novecientos noventa y nueve. Los integrantes actuales de Grito son Manzano Gallego, Felipe López, Carlos Julio, y yo Javi Bermúdez. En septiembre y octubre de 1999 se hizo la primera alienación, en el 2000 entro el baterista que esta hasta ahora, pasaron unos cambios el 2004 donde salió el guitarrista y bajista y entró el actual que es Felipe López. De ahí que estamos los cuatro. La clave es que tenemos mucha amistad y empatía. Nos conocemos mucho.

hasta los versos con más sentimientos.

Manzano: Sí, porque nosotros consideramos que la amistad es el núcleo de esta banda, y en realidad lo experimentamos cuando suceden este tipo de giras. Conocer más aun al otro, porque la gente creo que es salir y tocar, pero no, es vivir un día día, aceptar al otro. Eso es lo fundamental y nos ayuda a mantenernos como banda. Sabemos cuáles son los gustos de cada uno y que podemos aportar en la banda.

Javi: Es una familia que nos conocemos mucho y eso da fruto tanto fuera de la banda como lo musical.

Cómo se mantiene el Hazlo Tú Mismo después de catorce años…

Entonces Grito lleva cerca de 15 años tocando. ¿Cómo ven la escena en su ciudad desde cuando comenzaron hasta hoy?

David:: Cuando comenzamos éramos muy poquitos, muchos adolescente, pero no era mala. Había una escena punk del ´86.

En Medellín se vivió una historia punk muy larga, pero en el hardcore no hubo mucho en influencias del hardcore de New York o de Boston, que era lo que nosotros nos gustaban. Ahora, las diferencias, los gustos; hay casos subgéneros de hardcore, que tienen sus propias movidas. Se diversificó. En Bogotá había una escena muy fuerte que era paralela a nosotros, desde el ‘96.

Bandas como Exigencia, Ataque en contra, Pitbull, por ejemplo.

En Medellín nosotros empezamos nuestra propia movida.

Manzano: En Medellín somos muy conocidos casi todos.

Se dividió un poco, pero no en amistad, si no en gustos musicales. Finalmente para mi es negativo, en cierto sentido, pero también es inevitable, porque los gustos son gustos, y las corrientes llevan gente de acuerdo a donde crees que son.

Tratatamos nosotros como banda, de invitar a otros géneros, de preguntar porque unas bandas no tocan con otras, y uno lo encuentra medio ridículo porque finalmente somos la misma mierda, gente que nos gusta la música y vamos a disfrutar.

Han sacado tres demos y un disco, qué es lo que quieren transmitir en este recorrido…

David:: Creo que honestidad. Honestidad lo que pensamos, honestidad lo que vivimos. No pretendemos ser nadie más que nosotros.

Manzano: Honestidad o realidad, porque muchas de nuestras canciones es la realidad que vivimos o percibimos, esa realidad habla de un amigo, familia, problemas, de una conducta social, de una conducta política, de leyes que se imponen en Colombia o en el mundo, todo. Lo que vivimos tratamos de contarlo. No tratamos de imponer, simplemente contamos como lo percibimos o como nos parece…

Contar algo personal también se hace político…

Manzano: Exacto, lo político es poder contar las ideas…

David: Nosotros tenemos ideas políticas claras, desde la personalidad de nosotros que somos tranquilos. No pretendemos generar un discurso, jugamos del punk directo

Manzano: Nosotros lo vivimos desde como lo mantenemos porque en realidad nadie nos regala nada. Estamos llegando a una conclusión después de las giras; las bandas se mantienen cuando no hay shows, no hay donde grabar. Ese hazlo tú mismo es ahí donde ensayar, es ahí donde tocar. Hemos tocado hasta en festivales grandes, no somos tampoco súper undergrounds, vamos desde arriba abajo, pero con la idea clara de que a nosotros nadie nos ha regalando nada. Sacamos nuestras poleras, discos para buscar que la banda se mantenga y persista…

David:: Es la clave también para estar acá, para seguir catorce años, nosotros nos encargamos de esto, porque si le damos las riendas de la banda a un manager o algo así, seguramente ya esto sea otra cosa.

Manzano: Muchos esperan otras cosas, nosotros somos felices cargando nuestros instrumentos, quedándonos donde amigos.

Nos anima así por ejemplo, hacer esta gira a Sudamérica; cuando vimos a los amigos lloraban de vernos, eso es emocionante, esos se construye desde una amistad. Que alguien te espere en un terminal y te diga después de nueve años “por fin te vuelvo a ver”, es algo que no se compra, se vive y es gratificante.

Qué viene para la banda ahora…

David:: Terminamos la gira y este año pensamos seguir componiendo, hay muchas ideas y tenemos que llegar a concretarlas. Un nuevo disco y hacer muchas más cosas.

Manzano: Con esta gira se lograron nuevos contactos y nos estará ayudando ‘Sin fronteras Discos’, lo cual nos permitirá dar un paso más. Ahora se viene Brasil y esperamos allá lograr también contactos para seguir como amigos y que la banda siga expandiéndose…

Algo que quieran decir…

David:: Brutal la revista. Estas revistas o zines son muy bonitos porque alimentan y nos gusta, hacen parte desde lo que acá hablamos. Compartir el htm, compartir las entrevistas con los chicos de las bandas, nos llena de gratificación y orgullo porque se fijan en nosotros. Bacano que estén en esa onda, es brutal para nosotros.

Manzano: Sí, no son de ego, es gratificante porque valoran el trabajo que uno hace dejando de lado muchas cosas. Estos espacios son buenos porque es algo que a nosotros nos devuelve la energía para poder seguir. Lo pasamos muy bien en Chile.

Saludos para todos y sigan apoyando los zines, revistas, porque acá nadie se va a ser rico, es simplemente para mantener esto vivo. Muchas gracias.

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La Amistad en la banda se construye como tal…

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Crónica Seven Eight Life Recording Fest 2014 · BRASIL

Viernes 05 de diciembre: Declive (Chile) – Futuro – Guast! @ Morfeus Club, São Paulo.

Sábado 06 de diciembre: Judge (New York City) – CIV (New York) – Live By The Fist – 562 (Chile) – Remission (Chile) – Last Warning – Grito (Colombia) @ Clash Club, São Paulo Domingo 07 de diciembre: Gorilla Biscuits (New York City) – Inspire – Las Palabras Queman (Argentina) – En Mi Defensa (Chile) – Days of Sunday – Nunca Inverno – Dead End @ Clash Club, São Paulo

El viernes 05 de diciembre São Paulo amaneció entre nubes y soles, como precediendo la tormenta venidera.

Aquel día Declive fue la primera banda nacional en presentarse para la primera fecha del festival. La ciudad rumeaba desde su Avenida Paulista hasta todas las gotas de lluvia cuando comenzó a tocar Guast!, banda local con influencias notorias a Black Flag, abrieron las tres jornadas mientras empezaba a llegar el público, donde ya a habían unas cincuenta personas. Fue interesante que el público avisara lo que en las siguientes dos fechas continuaría, pues, habían personas de Chile, Argentina, Colombia y Brasil compartiendo y disfrutando de las bandas. Luego, ponen sus pies en el escenario Futuro (ex B.U.S.H) que

sonaba en los bordes de Dag Nasty, nos pareció realmente buena. Para finalizar el primer día, siendo las 21:30 hora local, Declive fue la banda encargada de cerrar, presentándose con Tomás de Mano de Obra de reemplazo en la batería.

Comenzaron leyendo un poema en portugués de Oswald de Andrade, poeta local de la primera época vanguardista de Brasil. Esta fue la primera vez que Declive tocaba fuera del país, por tanto el público fue a conocerlos teniendo una excelente acogida. El sonido fue bastante bueno, Declive demostró la actitud y energía que ya nos tiene acostumbrados.

Cerraron la jornada con “Wolfpack” de DYS, momento que prendió gargantas en el público local.

La Naturaleza habló, Judge llegaba y el diluvio envolvía a seiscientos cuerpos. Judge, dejó caer el primer relámpago cuando “Take Me Away” bailaba con la lluvia, y granizos revotaban con fuerza cuando “Bringin’ It Down” golpeó São Paulo. Fue la selva amazónica que rugía por cada nota de John “Porcell”, por cada bombo de Sammy Siegler, por cado grito de Mike Ferraro. Cuando “New York Crew” empezaba a sentirse, São Paulo Hardcore se tomaba el escenario coreando incansablemente “São Paulo Crew”. “Fed Up” y “Warriors” (Blitz) cerraban las nubes rojas para culminar con un himno de todos los tiempos, cantando sin paraguas por Civ (GB), por Mike, por Porcell, por Walter, por el espíritu, por todas y por todos, cantando en la tormenta “Break Down The Walls”.

El tercer y último día del festival fue un día histórico para el Hardcore Punk Sudamericano, por la cantidad de personas no sólo de Brasil, por el buen ambiente, y por la fuerza rimbombante que Gorilla Biscuits hizo emanar por casi una hora. La primera banda en deleitarnos fue Dead End (SP), con presencia femenina en el bajo y en la voz. Mostraron un “Youthcrew revival” bien hecho; buenos cortes, buenos “sing along” y rabia expresada. Tocaron “What Remains” de Mouthpiece. Luego, se presentó Nunca Inverno (Santa Catarina), con un vocalista que al parecer venía recién llegando de Cancún. Ellos tocaron un hardcore melódico, comenzando a agitar al público que ya casi llenaba el local.

Después fue el turno de Days Of Sunday (SP), banda hardcore con letras interesantes que hablan de la realidad socio política de São Paulo. El público coreaba sus canciones demostrando una gran energía en escena. Tocaron la canción que Turning

Point realiza de Ignition; “Anxiety Asking”, del cual participó Germán de Remission en la batería. A continuación un elefante se proyectaba en el escenario, era la señal para que En Mi Defensa demostrará toda la solidez que por años viene entregando. Así fue, sonaron increíble, y tuvieron una buena acogida considerando que desde el dos mil seis no pisaban tierras paulistas. Abrieron con “Just How Much” de Chain Of Strength, sonaron todos sus clásicos junto a las canciones de su último disco “Silencios”. El turno siguiente fue de Las Palabras Queman, banda argentina con miembros de Sudarshana y Enquirer. Recordó en muchos pasajes a Shelter y a Better Than A Thousand. Su vocalista animaba reiteradamente al público a cantar sus canciones. El sonido fue bueno. Consecutivamente, cuando Inspire empezaba a realizar sus primeros acordes, el Clash Club se encontraba repleto. Inspire es una banda de hardcore clásico de São Paulo con miembros de Point Of No Return y Good Intentions. Se notó la experiencia de sus integrantes, pues la presentación fue la mejor de todas las bandas locales del festival. Y finalmente llegó el momento, sonaron las trompetas, las trompetas que traen a los gorilas a interrumpir la salvaje selva del Brasil asesino y voraz, ese que oculta la sangre de sus niños y esconde los ojos cansados de su extrema pobreza.

Finalmente Gorilla Biscuits irrumpe desde los grandes árboles y baja a recordarnos que el hardcore vive desde un modo de ser en el mundo, al tocar tantos himnos donde cada letra significa.

“New Direction” caminaba y Clash Club se caía a pedazos, “Good Intentions” corría y descansaba una alegría tremenda en todos los rostros presentes. “Things We Say”, “High Hopes”, “Time Flies”, “Hold Your Ground”, “Start Today”, “Cats And Dogs, “Competiton”, fueron entre otras obras de arte, el mayor estruendo producido en esas tierras, mucho más que todo el ruido del último mundial de fútbol. Sudamérica cantaba desde sus tripas, momento en que agradeces al sentir el hardcore punk como un lugar donde ideas, conceptos, experiencias, sensibilidades, amistades y sonidos hacen conexión con la vida. De esta forma el “set list” transitaba, para que de pronto, los integrantes de la vieja banda straight edge de New York, Project X, pisaran el escenario; “N.D”, “The Youth” “Kid Hard” y “Slam”. Porcell (“Slam”), el “cabeza de palo” mayor del hardcore mundial entregaba toda la intensidad cuando explotó el local al sonar de forma recorrida “Straight Edge Revenge” “Cross Me” y “Dance Floor Justice”. Esta última canción fue claramente una danza, pero una danza selvática, una danza que sin duda fue uno de los instantes más altos de aquél memorable día. Cabe destacar que Gorilla Biscuits tocó canciones de bandas representativas de la primera oleada hardcore de Washington D.C y Boston, al traernos clásicos de Minor Threat y SSD. Para finalizar, aparece el cantante de Sepultura quien participó de “New York Crew”, composición traída por segunda vez al festival, ahora junto a los integrantes de Judge, para que también nuevamente los paulistas corrigieran a “Sao Paulo Crew”. El sudor pedía más sudor, buscando revivir viejos clásicos tocado por aquellos que crearon tantos clásicos para los libros de historia. Todos pedían “As One”, y luego de que Civ se pusiera la camiseta del Palmeiras el espectro de Ray Beez se manifiesta. Terminaba así el rito sagrado de la selva.

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El día dos del festival comenzó cuando bandas y amigos (Remission, En Mi Defensa, Declive) esperábamos en el hostel para ir a comer a un bello lugar vegan, todo pagado por la organización. El Brasil caluroso empezó a golpearnos las cabezas, la temperatura avanzaba y no quería retroceder. Llegamos al Clash Club y ya había presencia de público esperando la abertura de las puertas. La feria estuvo bonita, pues, las bandas nacionales teníamos un gran lugar para vender nuestro material. Luego de presentarse Grito (Colombia) y Last Warning, Remission pisaban por tercera vez un escenario en São Paulo, teniendo muchos seguidores.

Remission encendió la jornada con un alto sonido, tocaron sus clásicos y adelantaron lo que será su nuevo disco. La siguiente banda fue 562, tercera banda chilena participante del festival, comenzaron motivando al público presentando una lista de canciones correspondientes a sus dos discos. A continuación, Live By The Fist fue la banda local que demostró años dentro de su circuito, desaforaron el Clash Club como antecediendo lo que vendría prontamente, porque la tormenta se avecinaba al terminar la aurora. Así el primer rayo estuvo a cargo de CIV, trayendo en sus espaldas a grandes truenos de la New York Crew de fines de los ochenta. Sonaron extraordinariamente; sus músicos reflejaban experiencia y esencia dentro del hardcore punk. El Clash Club se agitaba en magnitudes como invocando desde sus trópicos hacia una total tempestad de sus cielos.

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2014: El año que rompimos todo c -Vincent Vega - El gran galgo Por Ernesto Pasarisa

Esta es mi primera nota para Salvaje. Desde ahora me dedicaré a acercarles lo que está sucediendo en la escena musical uruguaya. Me pareció adecuado comenzar el año con lo que considero fueron los mejores lanzamientos independientes del 2014.

Por suerte cada vez son más y mejores los artistas independientes que salen en la región. Hace unos años dejé de prestarle atención a lo que sucedía en los lanzamientos mundiales. Suena un tanto chauvinista, puede ser, pero encuentro mucho más cercana y por ende más mía la música que se está realizando por estas latitudes. Sea en inglés, español, francés o chino. No es el idioma en que se canta lo que importa, es un instrumento más y elegir español o francés es como elegir una guitarra folk de cuerdas de acero o una guitarra criolla. Ambas tienen lo suyo, sus pro y sus contras.

Lo importante de la música de éstas latitudes es la cercanía, la forma de grabar, producir y todo el esfuerzo que todos los que estamos en la vuelta conocemos de primera mano. Sin más aquí los mejores discos uruguayos del año que pasó.

Probablemente el disco del año. Si Montevideo fuese un poco más justo éste disco debería ser de escucha obligatoria para cualquier persona que quisiera entender como se hace para aprehender las raíces del folk, blues y los comienzos del rock and roll. Hablar de las melodías de Vincent Vega no es descubrir nada, siempre ha sido el punto alto de la banda pero a diferencia de su disco anterior en El Gran Galgo lo que se lleva todos los premios es la orquestación de las canciones. Hay un buen gusto y una elegancia en la forma en que fueron instrumentadas que solamente puede despertar admiración ante el trabajo mejor logrado de la banda. https://vincentvegauy.bandcamp.com d -Matador - Matador Si bien es un EP es algo muy raro de ver en la vuelta actualmente. Se podría decir que es folk pero realmente es folklore y canción tribal. Con un trabajo de guitarra de grandes arpegios y un revival de la canción primitiva Matador intenta rescatar esa postura espiritual de la canción. Hacía falta algo así. https://matador-uy.bandcamp.com/

a - Hijo Agrio - Jabalismo

e - PCE - Jonathan Sánchez

Nadie puede discutir que el 2014 en Montevideo fue el año de Hijo Agrio. Una banda muy joven llegados del interior del país y que fueron capaces de crear su propio universo. Un universo donde conviven el noise pop, el metal, el hardcore y la psicodelia. Las potentes bases de bajo son los cimientos sobre los cuales la batería y los aullidos de la guitarra construyen castillos deformes y nos trasladan al otro lado del espejo. La belleza en la deformidad y el mosh ante el acople. https://hijoagrio.bandcamp.com/album/jabalismo

Jonathan Sánchez es un registro pictórico de una ciudad en tinieblas, Montevideo, que se trasviste a la noche, sale a la calle y patea veredas esquivando las luces. Música de varios niveles, capas sonoras, letras sobre finales y dolor. Ruidos, salsa, hardcore, latin beat, metal y un cover de Fernando Cabrera. La belleza en la deformidad con un trabajo de producción envidiable. https://powerchocolatinexperimento.bandcamp.com/

b - ¿Lobo Está? - El ciervo que ladra

Quedan pocos sobrevivientes dignos de los 90. La gran mayoría se han ido rejuntando en proyectos bastante tristes para sacar un peso, llegando al caso extremo de dos señores grandes tocando canciones de fogón. The Algun Dios son un poco más jóvenes que ellos pero aun así es una de las bandas con mayor trayectoria en el under montevideano. Más jóvenes que los sobrevivientes de los 90 pero más sabios. Largaron éste año su nuevo disco, Aero, que nos muestra porque más que músicos los Algún Dios son arquitectos sonoros. Aparte de esto, en un mundo justo, Si Berlín sonaría en todas las radios del mundo. https://thealgundios.bandcamp.com/

Fiel seguidor del estilo que supo imponer La Foca años atrás, ¿Lobo Está?, es una de las pocas bandas actuales capaz de manejar con tanta gracia la melancolía sin sonar forzada. Con una gran base melódica y fuertes influencias del indie folk, los relatos de sus canciones son atravesados por la ciencia ficción, el dolor, las ausencias y lo inevitable de crecer. Es muy difícil intentar encerrar la melancolía de una ausencia en una canción. Casi como intentar captar a la última luciérnaga en un tachito antes de que termine el verano. Éste disco lo logra y con creces. https://loboesta.bandcamp.com/album/el-ciervo-que-ladra

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f -The Algun Dios - Aero

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CHILE / ESPAÑA

ENTREVISTA Salvaje Revista

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Familea Miranda Es una banda que lleva una historia compartida; comenzaron en Santiago (Chile) luego de la disolución de distintas bandas (como Niño Símbolo y Supersordo) para luego seguir su camino en Barcelona (España). Siempre con un sonido arriesgado, que mezcla de manera, consciente o no, el sonido latinoamericano con el rock indie. En su paso por estas tierras nos juntamos a conversar con esta longeva banda.

http://miranada.bandcamp.com/ Entrevista por Salvaje · Fotografías de Lita Lazo Coppa

1.- Después de tantos años ¿Por qué tocar en Familea Miranda?

Katafu: Es difícil de decir yo creo.

Alex Ferré: Por necesidad.

Katafu: sí, por necesidad… en mi caso después de haber tocado en Supersordo, que justo se acabó cuando yo me había enterado de que me gustaba tocar y que me quería dedicar a la música, a tener una banda; pero con Supersordo todo había sido muy irracional, había ocurrido todo como “locura de juventud” y terminó de una forma bastante traumática; así que estuve como un año en que no hice nada. Después de eso me puse a tocar con amigos, entre ellos al Julio de “Disturbio Menor”, que había conocido hace unos años atrás, pero justo él se estaba desligando del hardcore y quería hacer otras cosas y en ese momentos el Giorgio (baterista de Supersordo) quería seguir tocando un rato más y entre los tres

hicimos algo, esa banda fue “Niño Símbolo” que no duró mucho, más que nada porque el Giorgio se dio cuenta de que no quería saber más del rock durante un buen tiempo y se puso a hacer música electrónica con un proyecto que tenia llamado “Cáncer”.

Con el Julio que ya éramos bien amigos, incluso llegamos a vivir juntos, nos arrendamos una casa en Rondizzoni y comenzamos a ensayar con otro amigo, comenzamos a improvisar, a beber y fumar marihuana y estar horas de horas haciendo eso, esta banda se llamó “Agencia Chilena del Espacio”. Cuando las dos movidas se acabaron, seguíamos con el espíritu de juntarnos a improvisar y entremedio el Julio sale de los ensayos, yo me quedo con el colega que fue el primer batero de Familea, entremedio entra el Gomberoff que era un viejo amigo nuestro, que también se une a improvisar con nosotros, después llega El Cabro Perro (QEPD), que era el guitarrista de los Políticos Muertos y otro par de amigos, uno que tocaba el teclado y otro que tocaba la trompeta, pero todo con ese espíritu de hacer las cosas como libres y creo que de a poco la cosa se fue ordenando, quedamos como Quinteto en un momento, nos fuimos de gira a Europa y al volver la cosa se volvió a estructurar, quedamos como cuarteto y luego como trío, ese formato se mantiene hasta ahora y para mi es el mejor.

Salvaje Revista

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2.- Siento que Familea Miranda es una especie de collage de mixturas musicales, las que se van re inventando cada vez que aparece un disco nuevo… ¿por qué se da esto?

Katafu: A mí me pasa todo lo contrario, si algo se parece o es igual a otra cosa lo más probable es que lo deje fuera… pero no va más allá de eso, sigue siendo muy bruta la wea.

Katafu: Por lo que te decía, al principio la movida era improvisar.

Con Supersordo improvisamos muy poco pero luego de eso teníamos la necesidad de hacerlo, era más una inquietud que una confianza de lo que íbamos ha hacer era bueno; yo no soy músico, entonces mi aproximación a la música es más bien bruta, pero no sé si influenciados por la marihuana o que, estábamos todas esas horas improvisando, entonces no caíamos en ningún estilo musical determinado, por eso a mí me da risa cuando al principio nos decían que éramos una banda postrock y nos comparaban con bandas como Tortoise y yo decía “esa gente sabe tocar y nosotros solo jipiábamos” , por ahí va que cada trozo del collage lo traía cada uno, no sé.

5.- Eso habla un poco de autenticidad en la banda…

3.- Como en las voces que se nota ese tono medio de Folklore sudamericano…

Alex Ferré: Yo creo que eso salió sin querer.

Katafu: Si, yo creo que eso salió bastante sin querer. Lo digo porque yo no escuché Folklore sino que hasta los 30; cuando chico yo no escuché a Victor Jara, Violeta Parra, ni Quilapayun, ni ninguna de las bandas icónicas del Folklore Chileno, pero resulta que al momento de cantar aparece esto, puede ser la entonación o la forma de cantar, pero es algo bastante accidental. Recién ahora, después de mucho tiempo, escuche mi primer disco de Victor Jara, pero en su momento fue espontáneo. Quizás Gomberoff tiene más esa tradición, de hecho él estudio música, también supongo que la movida de cantar en español fue una opción (así como cantar en inglés para otras bandas es una opción)… a mi me han dicho que canto como Pancho Sazo de Congreso y yo no sé si reventarle la cara o agradecer.

4.- La banda ya ha editado 4 discos, en el transcurso de estos 15 años… ¿cómo va la búsqueda de encontrar un sonido que va dando un sello particular a cada uno de ellos?.

Alex Ferré: Yo creo que es improvisado también, con los integrantes de la banda ha salido lo que ha salido, improvisando en el local… yo hace poco que estoy en la banda, pero lo hemos hecho así. Cada uno con su sonoridad, ha aportado lo que ha podido, es bastante accidental.

Katafu: Yo creo que siempre ha sido así… los discos tiene sonidos distintos por las condiciones técnicas del momento, ha influido el equipo que teníamos en el momento, las cuerdas, las ganas que teníamos cada uno, la gente que tocaba en la banda en los distintos momentos… pero yo me doy cuenta de que no hay una búsqueda consiente, creo que lo único que puedo decir con respecto a lo que nos preguntas es que si creo que tenemos un filtro bastante estricto con respecto a que lo que hacemos no se parezca a otra cosa, pero es lo único que podría definir como la búsqueda…

Alex: Pero igual eso es súper relativo, al final nos sale lo que nos sale… quizás hay un ritmo más claro que pueda parecer un blues y no lo vamos a tocar así, intentamos darle una vueltecita, poner la guindilla de algo para que suene como blues, pero no hay una intensión, eso sale…

Katafu: Yo creo que alguien que conoce de música va a decir, estos weones han repetido el mismo tema en todos los discos y solo han cambiado el orden de las notas… que también puede ser, yo creo que tampoco nosotros hemos descubierto la rueda.

Alex: Yo creo que no tiene mucho parecido un disco con el otro, siempre está el punto Familea Miranda y tal… pero el disco que hemos hecho ahora no tiene que ver con los otros…

Katafu: Claro, pero ahí está el factor humano… la gente que está, de lo que trae Alex pal disco nuevo, o la persona que estaba antes, no se… pero es curioso porque hay bandas que les gusta el garaje rock y le da lo mismo que se parezca a los Ramones, a los Shadows o a los Sonics, pero a mí como que me aburrió de que la cosa se parezca a algo… tampoco me atrevería a decir que la banda es tan original, hay cosas inconscientes, un día se puede ocurrir una idea genial pero resulta que no te das cuenta escuchaste una banda de garaje desconocida de Texas y te quedó dando vuelta un Riff y piensas que se te ocurrió a ti.

6.- ¿Cómo ven el trabajo del HTM? Katafu: Es curioso porque yo la primera vez que escuche sobre el HTM o el DIY fue en los 80tas pero eso ya se venía haciendo desde mucho antes, en el Punk recién se habló de esto cuando la gente se dio cuenta de que nadie iba a venir a hacer las cosas por ellos, y en el caso de ahora yo creo que nosotros estamos metidos en eso por necesidad… al principio, yo creo que porque éramos demasiados pesados o pelotudos, nadie nos invitaba a tocar, entonces un poco inspirados por las cosas buenas que vimos de la gira del 2001 en Europa, dijimos bueno lo mejor será de que nosotros invitemos a las bandas a tocar y hagamos nosotros las tocatas, nunca estuvimos interesados de que viniera algún sello, ni manager, ni nada… y por ahí nos metimos en este camino de trabajo hasta este momento. Es un trabajo más duro y quizá más largo, pero en algún momento ira a pagar… yo a ratos pienso que seguimos machacando y machacando.

Alex: Yo creo que lo hacemos de corazón, de necesidad, porque quieres tocar y te gusta, quieres hacerlo y sientes eso… hay gente que lo hace por pose o que se yo, y espera que en 3 años ó 4 vivir de ello, pero ese no es nuestro caso.

Katafu: Claro, lo otro es que de repente tocábamos en lugares donde el batería se caía a pedazos o tocábamos con amplificadores del porte de una caja de fósforos y dijimos “bueno en vez de estar quejándonos como unas abuelas hagamos las cosas nosotros, nosotros vemos donde nos metemos, nosotros vemos como hacer las cosas”. Pero nosotros el tema del control ha sido importante, saber donde nos metemos y que mejor que tener el dominio de eso.

7.- ¿Por qué deciden radicarse en Barcelona?

Katafu: Yo creo que la intención queda en la Primera gira, aunque

8.- ¿Qué busca sacar en este momento Familea Miranda?

Katafu: Sacar un disco nuevo.

Alex: Disfrutar de los conciertos, mostrar la banda entre más gente diferente mejor.

Katafu: A mí me encantaría tocar en pueblos pequeños, hacer giras por lugares en Chile y de que ojalá que en cada sitio exista alguien que te quiera escuchar, que le interese la música, eso… me encantaría que fuera más global.

Alex: La idea de mostrar tu música en todos lados, en lugares donde no necesariamente conocen tu banda. Como en Rancagua que se hizo una tocata con mucho amor, cocinaron y comimos todos juntos, cosas así.

9.- ¿Qué se viene para Familea Miranda?

Katafu: Grabamos el disco nuevo que son 9 canciones.

Alex: Son 7 nuevas, una que sale en “Dramones” y otra que sale en el compilado con Picore, las dos las hicimos diferentes.

Katafu: El disco lo grabamos en Marzo, pero por cosas de vida, de paternidad, de trabajo, no hemos podido terminarlo. Lo vamos a editar en vinilo, porque pensamos que es un bonito formato.

Alex: Yo creo que sonara muy distinto a todo lo demás que se venía haciendo con la banda. Un sonido más natural, más de directo, no tan producido.

Katafu: Yo creo que es un disco que podemos tocar entero en vivo.

10.- ¿Algo qué les quede por decir?

Alex: Que la gente visite Miranada.com, hay discos para descargar.

Katafu: Es la página de nuestro sello, que lo teníamos medio en broma, pero que ahí está todo lo que hemos sacado, hay otras bandas también… aparte esta el miranada.bacamp.com donde está el disco de La Floripondio que ayudamos a sacar, el de Taller Dejao que editamos el 2005, aparte de lo de Sheila y Parmesano.

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ya sabíamos algo por los Fiskales Ad Hoc y por La Floripondio que habían girado antes… yo creo que más que nada es por el contraste, yo antes de la gira lo más lejos que había salido de mi casa fue a Brasil y por el viaje de estudios y lo que vimos en el 2001 fue que había un circuito de Okupas, Bares o Discotecas que aparte de dejarte tocar te daban un plato de comida, te entregaban un cajón de cerveza, te decían “Chiquillos aquí pueden dormir” y eso en Chile nadie te lo daba, entonces con eso quede muy impresionado, seguramente tiene que ver con dinero pero también tiene que ver con tradición de contracultura, de resistencia… incluso en ese tiempo conocimos una banda metalera que se llama Undercroft que se quedaron ahí de forma ilegal y nos decían “¿para qué van a volver?”, en ese tiempo aun teníamos cosas que nos amarraban a Chile, relaciones, trabajos, cosas que hacer y volvimos, pero el contraste de cuando volví a mi casa en Independencia, me comencé a preguntar qué hacia acá, si allá la cosa era importante para alguien más que nosotros, que lo pase muy bien durante tres meses y me di cuenta de que el viajar te abre la cabeza un montón… entonces nos tomó 5 años dar el paso, volvimos el 2003 a Europa y luego en el 2006 fue “ahora o nunca”, Gomberoff se fue casado con su novia y se fueron a vivir a España, que eso fue súper casual, nosotros nos queríamos ir a vivir a otro lado, pero un momento no se por qué se dio ir para allá y nos fuimos, yo renuncié a un trabajo que tenía muy bien pagado y partimos. Yo no me quede en Barcelona y me fui a Buenos aires por cosas sentimentales, me quede un año ahí y volví a Barcelona, y desde ahí comenzamos a trabajar con la banda como es hoy… pero fue un proceso duro el de cortar vínculos y dejar todo para comenzar algo de cero en otro lugar.

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NERDS - Charlie

Es de noche, hace calor y recibo en casa a los amigos de Quiebre, de pronto el Sider (vocalista de dicha banda) saca su tabla de skate y veo que era una santa cruz con un diseño de Jimbo Phillips, inmediatamente vino a mi mente ‘Ohhhhhh: columna, Salvaje, cabrxs, punk, etc...’

El Pareciera que les cuento una historia de mi vida, pero algo así comienza cuando hablamos de Jimbo Phillips… resulta que este vejete (perdón por herir susceptibilidades) es un tipo que ha hecho una cantidad de material increíble en relación al skate y el punk de los noventa. Él es hijo del que fuese director de arte de la marca de skate Santa Cruz en el año 1975, Jim Phillips, el cual hizo los diseños de tablas y creador de la “Screaming hand” que sería el icono de Santa Cruz desde el año 1973 (ahora incluso venden en tiendas las calcetas con esta mano – son hermosas -): esa mano azul, con una boca gritando de manera descontrolada y llamando la atención por un estilo particular con colores fuertes, predominando el azul y el negro, mucho más bizarro si queremos llamarlo de alguna forma para el diseño de la época que aún tenía mucho de “buena onda” pero vamos al grano, ¿Qué carajo tiene que ver con el punk o cómo llega ahí?

Jimbo hereda esta pasión por el dibujo y ya desde el año 1988 comienza trabajando para algunas marcas de skate y

de diseño; ya había hecho un aporte en la escena de California ayudando a hacer algunos afiches y diseñando portadas para discos compilatorios. Pero no llegaría a ser ligado de lleno hasta el año 1993 cuando Fat Wreck lanzaba el disco “The Daily Grind” de ‘No Use For A Name’ (uno de mis favoritos porque es rápido), cuyo diseño corresponde a un chico lanzando un diario desde su bicicleta en un suburbio de California, distinguiéndose en él un trabajo más elaborado en comparación a otras portadas de punk que eran más simples, por no decir aburridas; en donde, si nos fijamos sale este hombre con cara negra de calavera arrojando una bomba el cual sería casi un icono de ‘No Use For A Name’ al menos por un largo tiempo: “Bio Mag”, el cual a su vez, es el nombre de primer tema de este disco (ojo que en la acera de la vereda esta rayado el nombre de Jimbo por si lo andan buscando mientras leen esto). ( 1 ) Luego, durante el mismo año en el llamado ‘Bio-Mag Nor-Cal Tour’, un tour que se pegaron por California norte San Francisco, Jimbo se manda uno de sus mejores afiches donde dibuja a Milo, la calavera de Social Distortion, Misfits, All, la vaca del Liberal Animation de Nofx, Corrosion of Conformity y hasta a Circle Jerks.

En él podemos ver a Bio Mag quemando vinilos como si fuesen wafles (acá los coleccionistas de vinilos pueden llorar un poquito) y lanzándoselos a estos hambrientos iconos punk del 90’.

Y como sabemos que a nuestro buen Fat Wreck le gusta explotar un poquito a la gente, en el año 1995 volvería a poner a cargo del arte del disco a Jimbo, en el mítico ‘Leche con Carne’ de No Use For A Name, donde nuevamente sale Bio Mag dentro del refrigerador tomándose una leche (que es rara porque es el símbolo de Pepsi), con un trozo de carne, y en una esquina del refrigerador sale el nombre de Jimbo Phillips. Como podemos darnos cuenta, Jimbo consigue crear un personaje que por más que No Use for A Name haya dejado atrás en sus otros discos, es el más icónico de la banda. ( 2 )

Posterior a esta época dorada del punk de California, podemos ver que Jimbo siguió colaborando haciendo afiches para conciertos, apoyando a Warped Tour, y claro, no dejando de lado su labor como artista en Santa Cruz, pero siempre muy ligado a las bandas punk skate de California como Good Riddance, Pennywisse, Pulley, Nofx (como dato para que visiten, escuchen y se diviertan, adjunto el link de su página en donde pueden ver todo su material http://www.jimbophillips.com y lo importante es que esta todo para libre descarga, es decir “es de los nuestrxs”).

/ Dato curioso que Tony Hawk lanzó un juego llamado American Wasteland en el año 2005, y la banda sonora una vez más incluía temas muy muy buenos que eran covers hechos por bandas punk como Rise Against, Alkaline Trio, Saves The Day, etc… (mi favorito Thursday - “Ever Fallen in Love originalmente de Buzzcocks) y es Jimbo quien hace la portada de este soundtrack replicando la clásica imagen de Elvis Presley de su disco homónimo del año 1956 (que sería replicado primero por The Clash en ‘London Calling’ donde se quiebra una guitarra), pero esta vez Jimbo juega con esto poniendo a un chico quebrando su tabla de skate. ( 3 ) /

ALEMANIA

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E NT R E V I S T A

les trucs soundcloud.com/letrucs · Entrevista por Aliza Metz

En la siguiente entrevista les presentamos “Les Trucs”, un colectivo musical de Frankfurt am Main en Alemania. A Charlotte y Toben les fascina experimentar con la música electrónica a través de sintetizadores y otro equipo electrónico con lo cual crean una furiosa mezcla de diferentes estilos de música que se juntan en un estilo muy propio y particular. Electrónica experimental, nintendo-core, noise, musical? Es difícil describir su música pero no es necesario tampoco. Lo importante es lo que pasa en el escenario y alrededor cuando “Les Trucs” entran a la escena. Ahí van diez preguntas a “Les Trucs”:

1. ¿Por qué se llaman “les Trucs” y quiénes son “les Trucs”?

3. ¿Cómo encontraron su estilo particular y cómo describirían su música? ¿Qué les inspira?

“Les Trucs” es un colectivo de personas y aparatos de Frankfurt/M compuesto de dos personas y diversos objetos electrónicos. Por una parte elegimos ese lindo nombre francés porque queríamos evitar el feo alemán. Por otra parte “Truc” significa algo que así no existe en alemán. Es una palabra que puede reemplazar todo. Objetos, cosas, acontecimientos.

Debido al uso inflacionario de esa palabra entre los franceses tenemos la impresión que todos hablan de nosotros cuando permanecemos en Francia.

Como ya hemos dicho queríamos hacer cosas buenas y empezamos por tratar de dejar todo que encontramos malo.

Por eso somos dos personas para evitar el conjunto de la banda clásica. Ya es muy bueno no tener un baterista sin polera en el escenario. El escenario no nos gusta tampoco. Por eso nos emplazamos con una mesa en el medio de la sala. Si ya nos encontramos en el medio de la sala también nos gusta usar el espacio ahí. Y así empezamos a usar un casco/mochila con micrófono y diferentes efectos y luz en el cuerpo. Describir la música no es nuestra intención. Eso lo harás tu mejor.

2. ¿Cómo se conocieron y empezaron a tocar juntos? ¿Cómo se desarolló “Les Trucs” como proyecto musical?

Nos conocimos por coincidencia. En una calle. O en una sala.

Ya no nos recordamos exactamente. Después decidimos muy pronto y muy indiscreto de hacer música buena porque a nosotros nos gusta la música buena.

Nos inspiran muchas cosas. Por ejemplo el internet. O Rüdiger Nehberg. O la superficie de objetos. Sintetizadores trasladan esa inspiración en sonido y música. Son muy creativos.

4. ¿De qué hablan sus canciones? ¿Qué quieren transportar a través de su música?

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Nuestras canciones hablan muy simplemente de cosas que nos interesan y rodean. No seguimos una agenda política muy concreta pero creemos en una dimensión política de estética y forma musical.

5. ¿Cual fue el mejor concierto y cómo tiene que ser una buena performance para ustedes?

Buenos conciertos hay muchos. Mayormente son lugares muy especiales. En un puerto en Francia al lado de un submarino nuclear, en un campo de vino o un bar de jazz en Kobe dónde el único espectador era el dueño del bar. Ese ejemplo muestra que no es la cantidad de personas que lo hace un buen concierto sino el comportamiento de la gente respecto a lo que hacemos y viceversa es decisivo.

6. ¿Cuál fue la experiencia más graciosa en una gira?

Gin Tonic.

7. Charlotte dijo una vez en un concierto que les gustan los sintetizadores. ¿Por qué les fascinan? ¿También les construyan ustedes y qué les parece importante respecto a eso?

Los sintetizadores nos interesan por sus oportunidades. No hay otro “instrumento” que se puede tocar de manera tan diversa.

Con la invención de los sintetizadores y productores de sonidos electrónicos nació la promesa de poder hacer la música del futuro. Lamentablemente el futuro esta espigado en el presente engorroso. Que por otra parte significa que las promesas no cobradas, utópicas del pasado tienen que estar escondido en alguna parte de estos aparatos.

Para construir los sintetizadores nos falta el tiempo y un poco el interés. Otra gente sabe mejor hacer eso. A nosotros nos fascina mucho más usarlos y entenderlos.

8. También de vez en cuando tocan disfrazados y parte de sus conciertos parece montado. ¿Qué es parte de la performance y qué es parte de la técnica. Hay partes

que están planeados y otros que están improvisados?

Nuestros conciertos se componen tanto de partes completamente compuestos con coreografía como de improvisación libre y acciones impulsados.

La base consiste de canciones que por gran parte están tocado por secuenciadores, computadores de batería y sintetizadores mismos. Así ya no tenemos que hacer mucho y podemos tomar el tiempo y el espacio para hacer otras cosas. Modulación, hacer gala de nuestros talentos tecno-musicales, danza de expresión.

De vez en cuando invitamos un coro o inventamos un escenario que nos autoriza de disfrazarnos.

9. Su nuevo disco se llama “El musical” y una canción se trata del musical “cats”. ¿Qué significa eso?

Francamente somos muy fans del musical. En ningún otro medio se muestran banalidades en un estilo tan estético, empático y fuerte de expresión. Es la más consecuente forma de producción de bienes culturales en los condiciones dados. Y sin embargo o por eso mismo es visto como falso o vergonzoso.

Y por eso nos servimos de ese medio.

Pero respecto al musical de “cats” tenemos que decepcionarte.

La canción “I like cats” no se trata del musical “cats” sino de la mirada desconocida, una noción de afuera. “I like cats looking at me!”

10. ¿Cómo van a seguir? ¿Han planeado ya más canciones/ discos/ videos?

En noviembre el label vienés “Fettkakao” un 7” de nosotros.

En esa se va a tratar del romance de la realidad capitalista y el patrimonio situacionista y la curiosidad de la palabra autenticidad. Además estamos trabajando en un performance utópico-futurista (junto a nuestro amigo Jonathan Penca) que se llama “Kristallo”, una nueva obra de teatro y un nuevo disco con el punto principal “carne”.

PERÚ

ENTREVISTA Salvaje Revista

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LöRI es un proyecto compuesto por miembros de ‘Angkor Wat’ y ‘Procrastinación 1 yo 0’, bandas del sello limeño La Flor Records, y que ha sorprendido por ser de las pocas bandas locales que tienen una edición en vinilo (Split con Yusuke). Sajid Ñopo fundador del proyecto (y miembro de La Flor Records) nos cuenta las experiencias de poder realizar ediciones con bandas a pesar de la distancia y su visión de las nuevas escenas que Lima muestra en estos días.

A } La banda empezó con el nombre de ‘Lori Berenson’, estadounidense perteneciente al Movimiento Revolucionario Tupac Amaru (MRTA), de clara influencia de guerrilla subversiva. ¿Hubo alguna connotación política para elegir el nombre en ese momento? ¿El ahora solo usar parte del nombre se debe a cierto intento de represión o cuál fue el motivo principal?

Fue algo medio raro. Era un tipo de etiqueta fea que se usó en su momento para dar miedo y caer mal a todos (jaja). Pero en realidad nosotros no comulgamos con las ideas del MRTA, ya que estas mismas fueron las causantes de las épocas mas sangrientas en los 80’s y comienzos de 90’s.

B } Algo que me pareció interesante fue que ustedes empezaron a tocar paralelamente a lo que era ‘Angkor Wat’, pero el sonido difería bastante a la banda mencionada. ¿Cómo lograr esto? Y Si partimos del hecho en que los “estilos” de ambas bandas son parecidos y que meses después Angkor dejaría de tocar. ¿Dirías que Lori nació como un reemplazo de ‘Angkor Wat’?

Löri eran muchas ideas que tenía pero no encajaban ni en ‘Angkor Wat’ ni en ‘Procrastinación 1 yo 0’ (“P1Y0” - banda en

http://lorilori.bandcamp.com/ Entrevista por Ricardo Maurtua

la que también tocamos con Omar). El proyecto salió de Omar, probando notas y así nació en primer tema de Löri (el primero del primer EP). Después le avisamos a Hota (ex vocalista de Löri y Angkor Wat) para hacer un proyecto no tan violento y más intenso, él aceptó y comenzamos a componer.

Löri comenzó a tocar cuando Angkor Wat estaba en su última etapa, pero la idea no era reemplazar su posición, era algo alterno a nosotros que debía ser plasmado de una forma y no solo quedar en ideas.

C } Ustedes empezaron con un cantante y sin bajo. Actualmente la banda es un cuarteto y tiene otro cantante. ¿Cómo compararías el sonido de la antigua formación con el de la nueva?

Para seguir de manera secuencial la historia, después del primer ep y nuestro Split con ‘Escaleras’ (Argentina), seguimos buscando otro sonido para la banda y es así como nos pudimos contactar con Hugo, él se acopló a la banda y encajó de manera perfecta. Posterior a eso grabamos el Split con Yusuke (todavía con Hota en la voz). Tocamos un par de shows como cuarteto,

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pero por cosas personales. Hota dio un paso a la costado y es así como hablamos con Víctor (alías Nochi) para que cante, él ya había escuchado la banda y muy gustoso aceptó. Ahora ya venimos tocando varios shows con el Nochi en la voz y cada día somos más amigos, muy a la paralela de tocar o ensayar; solemos salir a tomarnos unas cervezas o comer algo y reírnos de las cosas que vivimos. Yo pienso que eso es muy bueno para la banda ya que esta se vuelve más sólida y compacta.

F } ¿Cómo ven la escena en Lima actualmente? En los últimos 3 años ha florecido una generación interesante de chicos que van a los conciertos HTM, escuchan bandas locales independientes y se identifican con ellas, que no comulgan con la escena “comercial” de Lima. Esto era impensable hasta hace unos años. ¿Cómo crees que Internet ayudó en esto? ¿Crees que existe una argolla, en Lima, entre bandas?

D } La banda no solo se concentra en el screamo, sino que tiene ciertos elementos del noise y el shoegaze, incluso las capas de delay y de reverberización hacen que en vivo algunas melodías se pierdan y formen una bruma hermosa de ruido, ante esto… ¿Ruido es arte?

Lo que se está armando en Lima es súper interesante, hay bandas de diferentes géneros y es bueno porque refresca a los oyentes con cosas nuevas. El internet ha sido pieza importante en los últimos años para nutrirte de lo nuevo y encontrar mucho de lo que pasó en años anteriores, eso te ayuda, en el caso de los músicos, a tener muchas más recursos la hora de componer algo.

En verdad nosotros no nos encasillamos en un género, aportamos y complementamos nuestras influencias y lo convertimos en algo concreto. Ahorita Löri tiene un sonido más pesado al que se tenía en el primer ep; quien sabe… quizás solo sea un etapa y después esto cambie, pero nos divertimos con lo que hacemos.

Respecto al “Noise”, hasta la melodía más suave o placentera es ruido, cada persona lo percibe de manera diferente y es ahí donde nacen las preferencias sonoras. Para mí la manifestación de este ruido de manera armónica, conjugada o quizás de manera disonante y no secuencial hecha por una persona o un grupo de personas para expresar algo es arte.

E } Tienen dos splits editados, incluso un vinilo ¿Cómo se dieron los contactos? ¿De qué manera coordinan detalles de la edición, llámese arte, cantidad de temas, etc?

Ambos splits se han hecho de una forma muy especial de manera de demostrar que las fronteras no existen, con un poco de amistad y buena onda se llegan a realizar estas bellas ediciones compartidas, ya sea por un par o más bandas que hacen y piensan lo mismo en diferentes puntos de este pequeño planeta.

El primer Split con Escaleras contiene 5 temas (3 temas por parte de Löri y dos temas por parte de Escaleras); pudimos contactarnos con Horacio (vocalista de la banda), conversando se propuso la idea de un Split y esta producción no demoró mucho en salir. Cuando viajamos a Argentina el año pasado para el tour “Tus Buenos Aires” de P1Y0 tuvimos la oportunidad de conocer a Horacio y con un fuerte abrazo le alcanzamos algunas copias del Split que editamos con ‘La flor records’. La persona encargada del arte en esta edición fue Paulo Contreras (P1Y0).

El segundo Split y última producción por parte de nosotros fue un 12” con Yusuke (3 temas por parte de Yusuke y 3 temas por parte Löri). Ryan Hill guitarrista de Yusuke me propuso la idea de realizar un Split con Angkor Wat y Yusuke; para ese entonces Angkor Wat dejó de estar activo y le propuse que el Split sea con un proyecto nuevo que teníamos con Hota (Löri), él escucho la banda, me dijo que sería genial concretar esta producción, se puso en contacto con los sellos: Friendly otter, La agonía de vivir, Zegema beach y Off cloud nine, quienes nos pudieron ayudar a la realización del Split en formato vinilo que tiene un bonito arte serigrafíado en el side b.

La argolla es mucho más notoria y repudiable en los conciertos que mueven masas ya que en esos conciertos las bandas chicas que son muy buenas podían dejar de ser escuchadas por un público reducido; felizmente hay casos como el “Lima Vive Rock” que dejó de lado esto y dio espacio a bandas de diferentes escenas, algunas ya con trayectoria y no tan conocidas a darse un espacio a un público diferente.

G } ¿Qué planes tiene la banda a futuro? Suele pasar que muchas bandas en Lima nacen y mueren a los meses después de un pequeño “hype”. ¿Han planeado algo a largo plazo con la banda?

Creo que nosotros nunca hemos tenido el Hype, no tocamos mucho por cosas de la vida pero sí creo que hemos producido bastante en tan poco tiempo, ahora estamos componiendo para un disco de larga duración. También nos gustaría salir de Lima y quién sabe, en un futuro fuera del país a disfrutar de lo que hacemos y pasarla bien.

H } ¿Algunas propuestas de su ciudad o de otras ciudades de Perú que puedan recomendar?.

De forma general, bandas para recomendar son y de diferentes géneros: La Ira de Dios, Sistemas de Aniquilación, Un Viejo Arcoíris, Nousvlid, Fiesta Bizarra, Reciklaje y Ávida.

{ En verdad no creo que exista una escena } I } Para terminar ¿podrías definir tu concepto de “Escena”?

En verdad no creo que exista una escena o algo estático que siempre permanecerá ahí; en Lima, por consiguiente, existen gustos diferentes de cada persona que hace que se muevan a ver a una banda u otra de un determinado genero, ya que siempre las caras no son las mismas en los shows: las generaciones pasan, muchos dejan de ir, los chicos que dejan de ser chicos y bajan a un concierto; además salen nuevas opciones musicales a su vez, así que no para mi existen los gustos que te hacen moverte de un lado a otro.

Gracias de antemano por el espacio.

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ARGENTINA

Jesús. Entrevista a

emyaviera.bandcamp.com Entrevista por Miguel Spallone

Emya es una banda particularmente conmovedora. Son de La Plata, Buenos Aires, Argentina, tocan hace 11 años y hace algunos días lanzaron la segunda parte de Viera, una trilogía que comenzaron en 2012. Su sonido oscila entre el post rock y el skramz en la vena de Pianos Become The Teeth, Envy, Heaven In Her Arms, etc. Sus letras tratan la superación individual, los dilemas espirituales de la especie y sus formas de enfrentarlos; una de ellas reza: “Por alguna razón son siempre los mismos sueños/ soy un pequeño niño en un bosque en llamas/ (…) el fuego lo ha consumido todo/ ven y vamos a ver como vuelan las aves”. Sepan quienes son.

1. Hace pocos días lanzaron la segunda parte de la trilogía Viera ¿Dónde grabaron y cómo fue la experiencia?

La grabación del disco la hicimos en “Federazión del Viento”; el disco se grabó en dos periodos: el primero fue a finales del 2012 y principios del 2013; ahí se grabó todo lo que son los instrumentos y en julio de 2014 grabamos las voces. Fue todo muy rápido. En la primera parte los temas estaban frescos, a mi gusto podríamos haberlos laburado un poco más, pero teníamos la necesidad de registrar ese tiempo de la banda ya que nuestro encargado de la sección rítmica emprendería un viaje de 11 meses en enero de 2013, así que el tiempo nos corría. Recuerdo que fue un tiempo hermoso, en lo personal a mí me encanta el tiempo de grabación, es un tiempo que estamos todo el día juntos en el estudio y fortalece la amistad y hermandad.

2. ¿Por qué organizar la obra como trilogía? ¿Cuál es el concepto que representa “Viera” para ustedes?

Creo que el sacar discos cortos en la actualidad favorece la difusión y la escucha, más que nada por el tipo de canciones que hacemos, y dividir el disco en 3 partes nos ayuda a darle el tiempo que cada uno precisa; desde la escucha por parte de las personas que se cargan el disco al mp3, hasta nosotros que vamos masticando y digiriendo los temas. “Viera” es un viaje.

3. ¿Ya está compuesta la tercer parte? ¿Existe alguna fecha estimada para su lanzamiento?

No está nada cerrado, pero tenemos algunas ideas dando vuelta.

Lo que sí creo es que va a ser un final, lo que termine esta etapa en Emya.

4. ¿En qué están inspiradas sus canciones? ¿Sostienen algún credo religioso en particular?

Nuestras canciones están inspiradas en lo que vivimos. No sostenemos ningún credo en particular. Lo que sí, mantenemos una relación plena con Jesús, no el Cristo que nos vendieron por la tele. Sino con la persona viva de Jesús.

5. ¿Qué piensan de la intromisión de la iglesia en las libertades individuales? Para ustedes ¿el aborto debe ser legal o debe estar penalizado? ¿Cuál es tu concepto de iglesia? ¿Qué es iglesia? ¿Quién es la iglesia? de eso depende mi respuesta.

6. En la plata existe una escena muy rica, cuéntennos como es el circuito por allá.

Es como una gran familia, hay bandas muy ricas en lo musical.

Gente que está buscando generar espacios para hacer toques constantemente, desde livings hasta sótanos, hasta nuevos centros culturales. Es una ciudad hermosa.

7. ¿Cuáles son sus otras bandas? ¿Llevan alguna actividad paralela relativa a Emya?

Sí. Tocamos en “Para establecer un río” y en “Blien vesne”.

8. Top 3 pelis// Top 3 libros Pelis: Forest Gump; the Kite Runner; Anvil. Libros: El evangelio de Juan; mi Planta de Naranja Lima; Caminos Olvidados.

9. ¿Estudiantes o Gimnasia?

Pacifico cabildo.

Columna

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Los Wichís en Tartagal

Fotografía y texto Por TOM ROAD

Deben haber hecho unos 35 grados ese día.

Me encontraba a 6 kilómetros de Tartagal, en una comunidad habitada mayoritariamente por Wichís, una de las tantas etnias indígenas que habitan entre Argentina, Bolivia y Paraguay.

Me preguntaron si acaso no sentía calor, a lo que contesto afirmativamente.

Noto una sonrisa en la cara de aquel señor que me señala que en la zona pueden haber hasta 50 grados o más. Claro, me advertía porque se notaba rápidamente que yo no había vivido nunca en el noreste argentino; no sabía lo que es pasar la vida soportando calores intensos y al mismo tiempo enormes lluvias. Así se mostraba la naturaleza en aquel lugar subtropical.

Pero al parecer, su verdadero problema no era ese, el calor y las lluvias son parte de la naturaleza y son algo inevitable. El problema es enfrentar una tormenta bajo un plástico con un colchón mojado albergando a tu compañera y tus tres o cuatro hijos. El problema es sentirse débil frente al calor porque tu alimentación no ha sido la adecuada desde tu niñez, porque básicamente te han negado el pan y el agua toda la vida. El calor y la lluvia pasaban de ser fenómenos naturales a ser problemas socio-existenciales.

Ante mí, estaba un amigo que me había hecho visitando a una comunidad desalojada por la policía, con su suegro, un anciano sabio y sereno con una mirada que oscilaba entre la picardía y la tranquilidad propia del aborigen.

Mientras soplaba el viento, un par de jóvenes tocaban cumbia por ahí, los niños pasaban y un grupo de hombres y mujeres jugaba al volleyball, nuestras conversaciones oscilaban entre el clima del lugar y el fenómeno del mestizaje, cuestión que me sigue dando vueltas.

Junto al clima y los rigores de la pobreza, debe ser el tema más recurrente en las comunidades de la zona.

Seguramente todos los lectores que fueron a la escuela recordarán como nos explicaban el “descubrimiento de América”; aquel mítico viaje de aventureros que descubrieron un continente nuevo y quisieron encontrarse con sus habitantes para mostrarles la senda del progreso, la fe y el trabajo. Y como no todos entendían, había que tomar ciertas medidas extremas “por el bien del aborigen” y un sin fin de lo que hoy sería mera palabrería. “Es por tu bien”, la linda palabrería de los carceleros y policías argumentando su existencia.

Explicar el origen del mestizaje americano quizá no sea tan complejo como se cree, es que ha sido en gran parte fruto de la violación y el abuso de parte de quienes se creían vencedores. Primero fueron los españoles y luego los patriotas que “descolonizaron” el continente.

Ser indígena hoy, pienso, equivale a ser prisionero de un gran campo de refugiados. Quienes han logrado vivir más allá de las fronteras de aquellas reducciones, lo han hecho teniendo que renunciar a gran parte de su ser, engrosando la difusa masa del proletariado o sobreviviendo en las cloacas del sistema.

La historia del pueblo Wichí en la Argentina, junto con sus hermanos de otras etnias, no es producto de una adaptación pacífica a un terreno hostil. Por el contrario, su historia está marcada por el constante desplazamiento forzoso.

Cuentan los ancianos que sus familias se asentaron en Tartagal luego de que fueran desplazados por los ejércitos de Bolivia y Paraguay a principios del siglo XX. Cuentan también, que a pesar de ser un pueblo recolector y cazador, muchas veces debían trabajar cortando árboles y así poder subsistir económicamente, porque la vida del hombre blanco necesita dinero: en otras palabras, debían cabar su propia tumba para poder sobrevivir.

Amargas contradicciones de esta vida, pienso. Aplazar la muerte cortando el monte por unas cuantas monedas parecía más viable que dejar morir a los tuyos en la inanición, aunque no tener lo que da el monte te jugara una pésima pasada en el futuro.

Los días que pasé visitando a los Wichís serán un episodio imposible de borrar, a pesar de lo breve de la experiencia.

Nunca olvidaré la forma libre con que se toman la vida, su conciencia de sentirse parte de una larga cadena de antepasados, la calidez de las relaciones humanas, las risas cómplices y su idioma tan diferente al nuestro.

Nunca olvidaré tampoco como los siguen desalojando de un sitio y de otro en nombre de la propiedad privada, la ley, el orden y el progreso. Nunca olvidaré porque hacerlo sería ayudar a sepultar la experiencia viva de un pueblo que aún subsiste con parámetros diferentes a la acumulación de riquezas.

Nunca olvidaré el haber estado en el funeral de Ana Pérez, una mujer muerta días después de ser despojada de su terruño, nunca olvidaré tampoco la pequeña marcha reclamando justicia y territorio, aunque lo que más me llamaba la atención era la indiferencia de los transeúntes que paseaban por el centro de Tartagal.

Creo que tampoco podré olvidar la frialdad con que el criollo trata al indígena, o que varias de las escuelas de las provincias de Salta y Jujuy se llamen “Campaña del Desierto” o “General Julio Rocca”, monumentos cotidianos a la injusticia momentáneamente vencedora.

A veces mi mente viaja buscando explicaciones, y el único consuelo que encuentra es saber que todo lo que les está pasando a los hermanos Wichí (y a todos los oprimidos por el capitalismo y el Estado), no es más que fruto de una realidad histórica concreta que, pese a mostrarse muy fuerte, aún no ha podido barrer con todas las rebeldías del género humano, y probablemente no pueda hacerlo jamás. Solamente en aquellas desobediencias vive la esperanza.

La hora de los invisibles

Por Marcelo Gómez “Algo está pasando, algo huele mal.”

- Dekiruza

Algunos punk siguen haciendo música punk. Algunos punk se pusieron a hacer cumbia -lo que en el día de hoy es, quizás, casi la única manera de poder sobrevivir de la música de una manera ligeramente digna-. Otros se pusieron a hacer trova, más bien trova punk, y siguen viviendo en okupas y reciclando verduras, y siguen teniendo rabia y sintetizando o aunando a los géneros a través de una arroba; algunos siguen siendo punk.

Y puede ser que la forma en que conocí a este tipo, o a su música, explique en parte cómo se difunde o cómo se atomiza: fue mi mejor amigo, él me pasó el disco, más bien la carpeta con los archivos mp3 dentro –es chistoso seguir hablando de discos-, y él lo escuchó por su mejor amiga, que parece haber sido la mejor amiga del tipo en cuestión. Ella era de San Antonio y el tipo igual, de ese puerto, de esa casi ciudad que parece haber nacido –para mi- con el grupo de rap Conflicto Urbano o –para la mayoría- con Chinoy, aunque todos piensen que es de Valparaíso; ese pueblo que –dicen que- al forastero acoge, regurgita y vomita, como me pasó a mí, pero esa es otra historia.

En San Antonio están pasando cosas.

Y mucho más que el lento movimiento de los lobos marinos y los pelícanos esperando por un bocado. Mucho más que las pausadas grúas moviendo la economía del país. Porque algunos han burlado esa apatía y esa violencia por omisión, tanto institucional como empresarial –pensando en cómo el negocio privado de la IM y la exportación se ha tomado esas tierras sin ninguna consideración, afectando la calidad de vida de la gente, y también, comprobando

cómo el gobierno no ha tomado medidas paliativas, por último, en una población arrasada por los retazos del progreso-. Y así han aparecido lugares de inflexión, se han reconvertido espacios abandonados en espacios de crítica y de suspicacia; de resistencia. Parece que en San Antonio se cuece un movimiento cultural potente, forjado a puro pulso y autogestión. Y por ahí aparece este tipo, Pato Patín, el hombre que en verdad parece que mantuviera un kilo de cianuro bajo la lengua, como reza su tema “Cianuro”, incluido en el escueto pero desgarrador EP, ‘Sobre el alambre’ (2010), su primera producción.

Pato Patín representa otra capa del panorama musical chileno, que está muy lejos de la nueva trova chilena, de la nueva cumbia chilena y de todo lo supuestamente nuevo que se cocina actualmente; de todo lo neo que nos ha acostumbrado al discurso político o “conciente” o ligeramente irreverente, que se nos ha tornado tan usual que pareciera ya no calentar a nadie, ni revolucionar a nadie, e incluso, ser lo políticamente correcto. Pero no nos desviemos: al escuchar a Pato Patín pareciera estar escuchando a alguien de muy lejos de aquí, a alguien de muy lejos de todas partes, pero muy cercano a nuestros dolores y a nuestras pequeñas alegrías: a un desterrado, a un apátrida. Y si la trova punk cuenta con innumerables ejemplos en España, como Producto Interior Bruto, Paso a Paso o Pandemia, aquí Pato Patin es definitivamente el representante más fiel de esta combativa música. Porque sí, es ideológico –no de esa ideología ambigua donde calzan casi todas las banderas y todos los escenarios-, pero no a primera vista, tiene crítica social pero no pierde el misterio, no es explícito como el punk más frontal, pero es violento y hasta emo y hasta postula una poesía difícil de rastrear.

Tras su debut, el sanantonino registró en 2012 un split junto a Diego Discordia,

donde aporta cuatro canciones, confirmando una inquietante lucidez, mezcla entre melancolía, hermosa rabia, pasión desbordante e incluso inocencia, pero una inocencia que no tiene nada que ver con la estupidez sino que con la convicción moral, con la confusión ética: con la humanidad perdida. Y es que Pato Patín no aspira llenar el galpón Victor Jara ni postular a algún fondo del DIRAC para tocar en Europa. Pato Patín hace música por una angustiante necesidad; agarra la guitarra y grita por lo que le pasa adentro y por lo que pasa afuera (que hace ruido en lo que le pasa adentro). Y así, como si nada, sus temas corren en pendrives de liceanos, universitarios, trabajadores, cesantes, anarquistas, hipsters y fauna culturosa varia; y sus visitas en YouTube suben como la espuma mientras la mayoría de las bandas emergentes se desviven sugiriendo sus páginas de Facebook, enviando mails a los sitios de música, haciendo lobby como locos y dejando sus maquetas en la Radio Uno sin obtener respuesta.

Con Pato Patin pienso en un cúmulo de artistas que –como él- trabaja en la sombra, que hace música sin tanta ambición de “profesionalizar el oficio”; de recibir la cajita de navidad en la SCD, de usar los pitutos para anunciar sus presentaciones en los sitios onderos donde anuncia Adidas o de simplemente llevar la música a un punto digerible, que no sea peligroso ni moleste a nadie y quepa en todas partes, incluyéndose en las carpetas de las munis para sus eventos culturales. Hay gente que no aspira a esos espacios de validación y crea sus propios circuitos y el público los valida, así como –tirando líneas hacia la contingencia- también están los que no participan en ningún partido político tradicional de soporte legislativo, pero participan desde otro lado, desde un lado más invisible, desde un lado brutalmente real.

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Cuento

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LOS GOLPES El músico chileno, ex integrante del popular conjunto “Los Golpes”, desarrolló una importante carrera solista. A mediados de 1985, contrae matrimonio con quien ha sido señalada como la “causa de la separación de Los Golpes”, la artista peruana Yolanda O. Con afán rupturista, montan lo que para muchos fue la obra de arte más radical y avezada de los años 80: luego de contraer matrimonio, estuvieron en la cama durante un mes. La única entrevista que concedieron a la prensa, la hicieron en la cama blanca de una habitación de paredes blancas con muebles blancos y cortinas blancas, lo que permitía un contraste muy potente con la piel de ellos, marcadamente morena.

Llamaron a su obra, “un moreno en la nieve es un blanco perfecto”, en clara alusión a la influencia norteamericana en los conflictos sociales de América latina. Su llamado es claro, “nosotros, los latinoamericanos somos hermanos. No podemos permitir que otros decidan nuestro destino. Pedimos el fin de las dictaduras mantenidas con capitales norteamericanos”. Mucho se dijo a cerca de los enemigos que habían ganado.

Pero esta historia comienza antes, cuando Juan L. rechaza la invitación a ser parte de los jóvenes líderes del Cerro Chacarillas, quienes con su presencia apoyarían el gobierno de Pinochet. Sin agradecer por la invitación, simplemente dijo que no.

Una bofetada en la cara de todo el régimen dictatorial, el que contaba con la popularidad que su presencia le daría a Pinochet. Otras “anécdotas” se recuerdan, como la vez que escupió al senador Jaime Guzmán en el set de televisión del programa “A esta hora se improvisa”, acusándolo de justificar la tortura y desaparición de cientos de compatriotas. El senador le responde de forma muy calmada, como es su manera habitual de debatir: “todos esos marxistas que usted dice están desaparecidos, se sabe que se han ido de vacaciones a Cuba. Se nota que usted está muy nervioso. Siga el ejemplo de ellos

por Isaac Cornejo Guaico >

y tómese un año sabático en esas lindas playas”. Acto seguido Juan L. le escupió la cara. Con la misma calma, el senador sacó un pañuelo, limpió su imperturbable rostro y mostró una mueca terrible, interpretada como una sonrisa, según sus cercanos. Se fueron inmediatamente a comerciales. Juan L. fue invitado a dejar el set.

Manuel Campos asesinó a Juan L. a la salida del City Hotel de Santiago. No se trata de un fanático obsesionado con su música.

No hablamos de que se vistiera igual, que ocupara su mismo estilo en el pelo largo.

No se trata de que usara la misma barba.

Ni que usara sus ya característicos lentes de marco redondo, que se han convertido en un símbolo en todo el cono sur. No se trata de eso. Lo esperó a la salida del City Hotel, junto a una multitud de fans que, al igual que él, esperaban para verlo. Cuando Juan L. llega al hotel por la mañana, Campos no pudo acercarse. Tuvo que esperar toda la mañana para verlo salir otra vez. Esta vez no le fue difícil acercarse e incluso lograr que Juan L. le firmara un cassette suyo que Campos llevó con esa intención. En una demostración de buena voluntad y cercanía con su fanaticada, Juan L. aceptó y le autografió el cassette, el último LP que recién había publicado junto a su esposa Yolanda O., “Fantasías Bizarras”.

Un disco lleno de referencias explícitas contra la dictadura de Pinochet, un enérgico llamado a la paz, a la expulsión de los yankis de america latina, pero que la crítica aun estaba estancada debatiendo respecto de las nuevas y extrañas composiciones musicales que hasta la fecha jamás se habían escuchado en el mundo. A eso de las cinco de la tarde, Juan L. regresa al City Hotel, ya no hay tantas personas, Campos logra dispararle cinco tiros, de los cuales cuatro le dieron en la espalda.

Juan L. fue asesinado a la salida del City Hotel de Santiago. A lo mejor nadie se va a acordar de esto en treinta años más.

REVIEW | DOCUMENTAL

FOO FIGHTERS ‘Sonic Highways’ Andrés Infante | infme.org | mixtapelovers.com

Hablar de los Foo Fighters (FF) es bacán, es entretenido, Dave Grohl debe ser de los personajes más carismáticos dentro de la industria musical actual, y da la impresión de que tuviera cuerda para mucho rato y eso lo hace rentable para cualquier compañía disquera, lo más seguro es que Grohl con el dinero que ha ganado con la banda y su imagen, no tenga la necesidad de explorar nada nuevo, nada original, pero no, yo creo que eso es lo atractivo de la banda, por lo menos para mí, de repente hay canciones que no me gustan del todo, pero averiguas un poco el contexto y la cosa se pone mucho más interesante, a ver, me explico; Los FF hace rato que vienen caracterizándose por darle una vuelta más a sus proyectos y lograr de manera original nuevos resultados, ya lo hizo Grohl cuando grabó completamente solo el disco debut de la banda, o como en ‘Wasting Light’ que lo grabaron en el garaje de Dave y de manera análoga, o cuando en el documental ‘Sound City’ (dirigido por Grohl), en donde como una consola creaba grabaciones únicas y con la cual se grabaron grandes discos en la historia de la música, Dave compra dicha consola para seguir usando su magia y que no quedara en el olvido.

Podría estar escribiendo y escribiendo situaciones en las cuales creo que no tiene ningún sentido si eres músico, ganas dinero y lo gastas en mierdas innecesarias, yo no soy quien para meterme en el bolsillo de nadie, cada uno tienen el derecho a gastar su dinero en lo que quiera, pero encuentro bacán que este tipo la use en proyectos entretenidos.

Llegamos al 2014, y la banda acaba de estrenar ‘Sonic Highways’, cuando me enteré del nuevo disco me senté a esperar que apareciera información sobre él, estaba seguro que algo estaban planeando, no me equivoqué, el disco el cual contiene 8 canciones vienen de la mano del canal HBO, el cual una vez que el disco se puso en venta, estrenaron una serie de 8 capítulos, los cuales corresponden a cada una de las canciones del disco nuevo, y la cosa no termina ahí. Cada canción corresponde a una ciudad en la cual aparte de contar su relación con dicho lugar, hablar de la historia y legado musical de la ciudad, invitando a muchos personajes, después de todo eso, compondrán y grabarán la canción y todo el proceso quedaría registrado en estos 8 capítulos para la TV.

Puede gustarte o no la banda, puede caerte bien o mal el ex Nirvana, pero es imposible que te dejen indiferente este tipo de cosas, hay millones de cosas que criticarle a Grohl, por ejemplo; me molesta un poco que sea entrevistado en cuanto documental nuevo que sale, es como; ‘Metamos a Dave Grohl, total, a todos les cae bien y le sube el pelo’, lo otro que me carga un poco es que en relación a lo anterior, como que todas las respuestas son iguales, todo le cambió la vida, aunque igual es divertido escucharlo.

En ‘Sonic Highways’ la cosa es entretenida de principio a fin, el disco, el octavo trabajo de la banda, (ya dijimos que eran 8 canciones) uno no comprende la relación que tienen hasta que ves los capítulos del documental (ya dijimos que eran 8 capítulos), están muy bien hechos, uno siente que va aprendiendo, porque no se trata solo de la banda (para eso tenemos ‘Back & Forth’ que es el documental sobre la historia de los FF), sino de su conexión con la ciudad, con la historia del lugar, para quienes disfrutan de la música, es un divertido paseo por la historia, ritmos y cultura tan ampliamente diversa que existe en algunas ciudades del país del norte.

Vamos a desmembrar cada capítulo, porque así es más entretenido.

‘Después de hacer Sound City, me di cuenta de que la pareja formada por la música y el documental funciona bien, porque las historias dan sustancia y profundidad a la canción, lo que hace que la conexión emocional sea más fuerte. Así que pensé, ‘Quiero hacer esto de nuevo, pero en lugar de entrar en un estudio y contar su historia, quiero viajar a través de Estados Unidos y contar su historia.’

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Capítulo #1: Chicago | ‘Something for Nothing’

Capítulo #3: Nashville | ‘Congregation’

Chicago ha sido la meca de muchos, importantes y diversos artistas como Cheap Trick, Etta James, Smashing Pumpkins, Herbie Hancock, Chicago & Kanye West. Este episodio narra la evolución musical de la ciudad desde el Blues de Buddy Guy & Muddy Waters en los años 50 y 60, al medio oeste de Cheap Trick en los años 70 y el Punk Rock de Naked Raygun en los años 80. En los estudios Electrical Audio, la banda se contacta con su dueño, Steve Albini, un ícono musical en Chicago y fundador de Big Black y Shellac, quien también produjo y grabó el tercer álbum de Nirvana ‘In Utero’. Más tarde, se les unirían Rick Nielsen de Cheap Trick para grabar ‘Something For Nothing’, la primera canción de Sonic Highways.

Nashville, cuna del country por excelencia, hogar del Grand Ole Opry, el Bluebird Café y artistas legendarios como Johnny Cash, Kenny Rogers, Lady Antebellum, Billy Ray Cyrus, Tammy Wynette, The Civil Wars, Dolly Parton, Jack White, Garth Brooks, Taylor Swift y la banda de Zac Brown. La banda aterriza en Nashville (Tennessee) y Dave conversa con Dolly Parton, Tony Joe White, Willie Nelson, Emmylou Harris y el productor Tony Brown para hablar de los orígenes del country y su tremenda influencia en muchos éxitos de la música Pop posterior, mientras se preparan para grabar la tercera canción de Sonic Highways (‘Congregation’) junto al virtuoso Zac Brown en los estudios Southern Ground.

Capítulo #2: Washington D.C. | ‘The Feast and the Famine’

“Las experiencias que tuve en esta ciudad, desde que tenía 14 años, establecieron las bases para mi vida como músico” Es conocida la relación de Grohl y de varios de los miembros de la banda, con el Punk Rock, con el Hardcore. El baterista creció en los suburbios de la ciudad, iniciando su carrera en la influyente escena Hardcore, tocando con bandas locales como Drain Bramage y Scream antes de aparecer Nirvana en el horizonte.

Entonces, obviamente en este capítulo nos encontramos con la créme de la créme, los patrones de todo lo que conocemos dentro del Punk Rock, nos encontramos con un interesante y didáctico (como siempre) Ian MacKaye hablando de Dischord Records, también encontramos a los Bad Brains, quizás ya los hemos escuchado antes en otros documentales, pero siempre es un gusto verlos en la actualidad.

“La comunidad, el apoyo, el amor que había en la escena musical de D.C.; los llevo en todo lo que hago ahora. La forma en que Foo Fighters trabaja ahora, como una familia y tratamos de que todos reciban ese tratamiento”.

Al igual que en el primer capítulo y en todos los que vendrán, se muestra la riqueza de la historia musical de Washington, en donde además aparecen invitados como Big Tony Fisher de Trouble Funk (Que buena banda) y el mismo Ian MacKaye presenciando el ensayo. Es realmente conmovedor como le prestan atención cuando responde algunas preguntas relacionadas a la industria musical o de la enorme cantidad de discos que ha vendido Dischord de manera independiente, un lujo de capítulo.

“Desde los orígenes del Jazz y el Blues al nacimiento del Hip Hop y el Punk y las revoluciones culturales que las propiciaron, he desgranado el árbol genealógico de la música americana y expuesto sus raíces en busca de inspiración para el próximo álbum de Foo Fighters.”

Este capítulo es demasiado hermoso, personalmente me encanta el Blues, la música Country y conocer algo de sus inicios fue realmente una linda experiencia, me hubiese gustado que este capítulo durara mucho más de los cuarenta y tantos minutos que dura, pero deja la curiosidad para investigar y conocer más sobre Nashville y su música.

Capítulo #4: Austin | ‘What Did I Do? / God as My Witness’ Mientras se preparan para grabar su cuarto tema del disco en el histórico Austin City Limits Studio, Grohl habla con Terry Lickona, productor ejecutivo de la serie “Austin City Limits” que durante 40 años ha ofrecido actuaciones de artistas como Willie Nelson, Johnny Cash, Radiohead, Beck o el mismo Grohl, tanto en Foo Fighters como en Them Crooked Vultures.

Dave habla, además, con el guitarrista Gary Clark Jr. sobre el impacto de la comercialización en la música y se sumerge en las raíces de la escena musical de Austin (Texas): desde el Blues de Jimmie Vaughan, pasando por el rock psicodélico inaugurado por Roky Erickson y los 13th Floor Elevators, hasta el Punk de bandas como Scratch Acid y los Big Boys.

(CONTINÚA EN EL PRÓXIMO NÚMERO)

by Rogelio Krustie

08 NOV. 2014 BLOOM BAR Otro sábado en la Concepción Metropolitana; con una agradable temperatura nos lanzamos a participar de este show prometedor, el Bar del convite no lo conocía, debo decir que está bien ubicado pero que es extremadamente pequeño para un show con mediana convocatoria, la amplificación cumple con las exigencias mínimas (supongo que no se necesitaba más), por el espacio rectangular similar a un vagón de tren o a una micro larga y porque cada banda llevaba lo suyo. Demás está decir que la puntualidad no nos caracteriza para nada.

Abre el show una banda relativamente nueva en escena pero con un trabajo bastante bien pensado, IDIOMA DE LOS LIBROS (http://idiomadeloslibros.bandcamp.com/), la banda se mueve por las imaginarias fronteras del Post Hardcore? Emotional Hardcore? Emopunk?. Con letras personales bastante interesantes que hablan de los sentimientos y frustraciones enfrentados a la ciudad/ entorno u otras que se plantean la posición frente a la comunidad siempre desde la crítica; se nota que hay una buena lectura de fondo.

El trabajo de las cuerdas está bastante sólido, quizás, sólo quizás, le deberían dedicar un poco más de tiempo a las bases rítmicas asentadas en los cueros, a ratos sentí cierta distancia con el resto de la banda; los nervios, la celeridad, la ansiedad, quién sabe, no juzgo aquello.

Musicalmente me gustó la banda, mucho, la puesta en escena va bien (respecto de la restricción de espacio) y la entrega a la asistencia fue lo mejor, pasión, pasión, pasión… me gusta la poética en el Hardcore, es una buena forma de liberar nuestras frustraciones. Si ve un cartel con esta banda NO LO DUDE Y ASISTA!!!

Es el turno de otra banda relativamente nueva, que incluye a ex – miembros de XMartirX, a miembros activos de Un Nuevo Comienzo y Rehusar (Talca), hablo de QUIEBRE (http://quiebre.bandcamp.com/) quienes montan este show antes de irse a girar por algunas

ciudades de Chile y parte de Argentina. Quiebre ya tenía el camino un poco pavimentado en esta presentación con algunas anteriores en que destacaron bastante; decir que trabajan el hardcore punk con una mirada bastante “moderna” en línea de bandas como Verse o Title Fight, no sé, me gusta la pasión que pusieron en el show, el aguante de los/as amigos/as y la convicción al momento de mostrar su trabajo, estructuralmente la música está súper bien trabajada (se nota que se conocen hace bastante), con bases armónicas coherentes y bases rítmicas sincronizadas como reloj suizo; de las letras me enteré al momento, hay cosas muy personales, como una dedicatoria especial y así mismo una suerte de crítica desde la urbanidad y su acecho voraz a la naturaleza, no se si significarán la continuidad de las bandas que mencioné (XMartirX principalmente) porque el trabajo musical me suena un poco a eso con un poco más de frescura dicho sea de paso. Dignos para Revelation Recs.

Y finalmente una banda empoderada, tanto por los componentes y sus historias individuales como por su bagaje sobre las tablas, hablo de TENEMOS EXPLOSIVOS (http://tenemosexplosivosoficial.bandcamp.com/) creo que es su segunda presentación por estos lares y creo además que si no fuiste, sólo sentirás rencor contra los/as que te la cuenten. Una presentación redonda, sin fugas de ninguna especie, la banda en su mejor momento, el trabajo musical es lejos lo mejor que he escuchado el último tiempo por cuanto al maridaje de armónicos/arpegios y armónicos/bases con el trabajo de las bases rítmicas de bajo/percusión, de la voz y su parafraseo nada que decir, notable!, hay trabajo de la banda para sus presentaciones en vivo, cada detalle está salvado, por lo que te vas a la segura con ellos; creo que quienes asistimos esa tarde nos regresamos con una sonrisa tatuada de ver y escuchar, de participar a pesar de lo estrecho del espacio de una tocata redonda, dónde se compartió con amigos, se bebió buenas heladas y por sobre todo, se disfrutó el trabajo de buenas bandas.

Fin de transmisiones desde la bioregión del Bío Bío.

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45 RPM Por Ricardo Vargas

Serge Gainsbourg

«Mi vida es un triángulo de alcohol, gitanes y mujeres»

Segunda Parte

Con esa sentencia definía su vida, y el siguiente disco en lanzar estaba inspirado en una femina. Llamada Melody Nelson, nada más que un alter ego inventado para Jane Birkin. Ambas eran inglesas y bastante más jóvenes que Serge.

Histoire de Melody Nelson (1971) es un disco conceptual, que va revelándonos la relación entre una quinceañera inglesa y un francés maduro. En siete canciones se narra el inicio de este romance, la consumación sexual y el trágico desenlace de esté. La muerte de Melody en un accidente aéreo.

Todo bajo una exquisita mezcla de orquestación y banda de rock. Sonidos de órgano, un sugerente bajo y los riff de guitarra tímidos pero sin dejar de amenazar. Forman la niebla en la que Serge aparece cigarro en mano para mascar su desgracia.

Una historia de principio a fin leal a la torcida visión de la vida, amor y sexo de su autor.

Había que matar a Melody.

Perdida la virginidad, el ideal de belleza, la candidez de la juventud, debería morir. Para que esas cualidades vivan aunque sean como recuerdo y no se corrompan.

Este experimento no detuvo al fumador empedernido de Gitanes, pero si casi lo hace uno de los dos incidentes que marcarían el devenir de los próximos años. Meses después de salido Histoire de Melody Nelson, Serge y Jane fueron padres de una niña de nombre Charlotte. Obviamente ante el nacimiento de su primogénita el padre no cabía en su felicidad. Sin que eso le quitara tiempo para colaborar con un puñado de temas para la película Sex Shop.

En 1973 Serge Gainsbourg sufre un ataque al corazón, teniendo apenas 45 años el ritmo frenético de trabajo y su voracidad hacía el alcohol y tabaco le pasaban la factura.

Este tipo de situaciones extremas nos puede retratar a alguien crudamente. Serge al ver que la manta de la camilla del hospital donde lo trasladarían no era de su agrado, medio muerto se dio ánimo para ir a buscar una acorde a sus parámetros estéticos y de paso esconder en ella alrededor de diez cajetillas de Gitane.

Serge, permaneció tres días en el hospital, obviamente a su salida el personal encontró varios frascos (de los remedios que le suministraron con nicotina) , el olor lo disimulaba rociando su habitación con colonia. Una vez en casa, indignado por la poca atención que la prensa le dio a su tragedia, telefoneo a France - Soir para brindar una entrevista exclusiva.

Luego de contar su tragedia al mundo y dejar en claro que no dejaría el placer del buen Gitane sin filtro, Gainsbourg se centró en realizar su siguiente disco Vu de l´ extérieur (1973) titulo que hace alusión a la parte posterior y con algo de maldad claramente se refiere al trasero. El disco ahonda en temas escatológicos, desde los pedos “Des vents des pets des poums”, “Titicaca” donde anhela hundirse en las fecas y tetas de una exótica mujer y en “Sensuelle et san suite” Lanza loas al culo de una dama, pero al penetrarla se lamenta debido a que recuerda el poseso fisiológico que protagoniza esa zona. Serge se daba espacio, entre tanta mierda (literalmente), de incluir una pequeña joya para a su hija Charlotte “La poupée que fait”.

Las feministas tacharon el disco de misógeno, la crítica dijo que era una cachetada en el culo por parte de un genio.

Y Serge en una entrevista con motivo del lanzamiento explicaba” El amor es sucio; cuánto más sucio, más bonito.

Es una aproximación a lo sublime”.

Luego de su particular aproximación a lo sublime, Serge escarbo en la experiencia más decidora de su infancia y juventud: la ocupación Nazi. El disco ocupa los clichés básicos del rock más primigenio a lo Chuck Berry para bajo el particular y negro sentido del humor de Gainsbourg exorcizar sus traumas y fantasmas.

Rock Araund The Bunker, no fue comprendido, ya que abordar el tema de la ocupación Nazi en Francia, aunque haya sido con un toque de humor... Seguía sacando ronchas.

Casi a la par de esto Serge se embarca en un particular proyecto el guión y realización de una película. La trama giraba en torno a una pareja de camioneros homosexuales que conocen a Johnny , una joven que se hace pasar por hombre, (papel interpretado por Jane Birkin). Uno de los camioneros la sodomiza sin sospechar de su verdadera condición esto despierta la ira asesina de su pareja.

Serge rodó la película en dos meses, Je t´aime, moi non plus, fue el nombre del filme y la crítica fue implacable en tachar el material digno del tacho de basura. Francois Truffaut defendió el film, recomendando en un programa “No se molesten en ir a ver mi película, vean la de Gainsbourg. La suya sí que es una obra de arte”.

Pese al escándalo y mala respuesta ante la película.

Gainsbourg no soltó la cámara y comenzó a filmar anuncios televisivos. Desde detergentes hasta el jabón Lux, fueron captados por la peculiar mirada del compositor.

El esteta de Serge Gainsbourg, fue a visitar una galería de arte cerca de su casa en la rue de Verneuil, todo sucedia normal hasta que se topó con una escultura bautizada con el nombre “L´homme a tete de chou”. La escultura era literalmente eso un hombre con una cabeza de coliflor. La obseción de Gainsbourg con dicha obra fue tal, que además de adquirirla bautizaría con es nombre a su próximo disco.

Una vez más Serge transformaba a una mujer en objeto de sus deseos y desgracias. Esta vez una muchacha morena que trabaja en una peluquería de nombre Marilou es el motivo en el que gira el disco y desata el amor de un periodista maduro que se enamora y enloquece hasta asesinarla , luego de dorprenderla teniendo sexo con unos músicos de rock. “L ` homme de la tete de chou” es uno de los trabajos más completos de Serge y del que han fagocitado bandas como Air. Sí en Inglaterra los conservadores y derechistas se escandalizaban con el punk y con un cuarteto de nombre Sex Pistols que se mofaban del himno patrio. Un par de años despues (1979) Gainsbourg sorprendería introduciendo el reggae a Francia de forma traumática ya que agarraría nada más que La Mersellesa para vestirla con atuendos jamaicanos. con el respectivo escándalo.

Gainsbourg fue amenazado por veteranos de la guerra de Argelia, llegando incluso a amenazar de colocar bombas en los hoteles que se hospedaría, un par de veces esas amenazas se tradujeron en desalojos.

El clímax de esto fue cuando Serge salio solo a canta La Marsellesa ante los es veteranos, enseñándoles el puño en alto. Así Serge estaba en el ambito que le acomodaba y se manejaba con total naturalidad. La polémica.

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En su época no alcanzo la fama que con el tiempo goza actualmente. Es citado por músicos y prensa como disco influyente y muchos fans lo apuntan como el mejor de Serge.

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C OLUM N A

Comunización y crítica radical del valor Primera parte: ¿qué es la corriente comunizadora? - por Kishogaki

de Marx y Bakunin había dividido al movimiento obrero en un ala marxista y una anarquista. A fines de los años sesenta algunos grupos se propusieron dejar atrás esas experiencias, situándolas en su contexto histórico y haciendo la crítica de sus aspectos más ideológicos.

El concepto de comunización sintetiza un conjunto de discusiones teóricas que varios grupos e individuos vienen desarrollando desde hace unos cuarenta años, sobre todo en Europa. Uno de los ejes en torno a los que se articula este movimiento, es la superación de lo que ellos llaman “programatismo”: la noción dominante en el movimiento social del siglo veinte según la cual el comunismo sólo sería posible tras un largo período de transición. El carácter revolucionario de esta transición quedaría asegurado por la aplicación de un programa ad-hoc.

Así, por ejemplo, la revista Invariance –fundada por Jacques Camatte tras su ruptura con el Partido Comunista Internacionalista de Amadeo Bordiga– hizo un replanteamiento radical de las nociones de organización y de militancia, rompiendo con una tradición fuertemente arraigada en el marxismo político. Camatte tuvo asimismo un papel fundamental en la recuperación de textos que la intelligentzia bolchevique había excomulgado del canon marxista, como el Sexto Capítulo Inédito de El Capital o los escritos “antropológicos” de Marx acerca de Rusia. A partir de esas lecturas Camatte profundizó la crítica de algunas concepciones clave del leninismo, como su noción de partido y su periodización del modo de producción capitalista. Por su parte, el grupo y revista Le Mouvement Communiste – quienes se habían desprendido de Pouvoir Ouvrier y que más tarde centraron su actividad en la librería La Vieille Taupe– hizo también una gran labor al rescatar textos olvidados de consejistas como Herman Gorter y Anton Pannekoek, de anarquistas como André Prudhommeaux, y de formaciones radicales como los Groupes Ouvriers Communistes, Réveil communiste, Spartacus, etc. No obstante, Le Mouvement Communiste más que reivindicar el consejismo germanoholandés o la izquierda comunista italiana, lo que hizo fue un balance de todo ese período histórico, extendiendo su crítica incluso al consejismo tardío de los sesenta, expresado por grupos como Socialisme ou Barbarie y la Internacional Situacionista.

Desde el punto de vista de la comunización, es la propia dinámica de la lucha de clases la que terminó quitándole al programatismo cualquier connotación revolucionaria que pudiera haber tenido en otra época. El antiguo movimiento revolucionario tomaba como punto de partida la afirmación de la clase trabajadora como polo positivo de la sociedad, frente a su opuesto, el Capital. Por eso los intentos de los proletarios por negar su propia condición y su dependencia respecto del Capital –por ejemplo rehusándose a trabajar, o accediendo directamente a los productos sin la mediación del dinero– aparecían como obstáculos entorpecedores de la “política revolucionaria”. A medida que el proletariado se revela como inseparable del Capital, formando ambos parte de una misma dinámica social alienada, ya no es posible reconocer ninguna cualidad revolucionaria a la autoafirmación de los proletarios como proletarios, ni a ninguna política que busque esa afirmación (a través del sindicalismo o de la construcción de un “sujeto popular”, por ejemplo). Toda “política revolucionaria” que afirme la positividad del trabajo o de cualquier otra relación alienada dentro de este sistema, se revela así tarde o temprano como un modo de perpetuar las lógicas de fondo del Capital: valor, mercancía, trabajo, salario, Estado.

La perspectiva de la comunización hunde sus raíces en la ultraizquierda clásica (el consejismo germano-holandés y la izquierda comunista italiana), en algunas tendencias radicales del anarquismo y en la actividad de ciertos grupos (Internationale Situationniste, Socialisme ou Barbarie, Information et Correspondance Ouvrier, Solidarity) que en los sesenta se plantearon superar la escisión que en la época

El objetivo de estos grupos era producir una síntesis superadora de las experiencias pasadas y también una apertura hacia nuevas posibilidades. Para ello tuvieron que separar el grano de la paja, reivindicando del movimiento revolucionario del pasado sus aspectos más vivos (por ejemplo el rechazo al trabajo y al burocratismo, o la acción directa entendida como auto-actividad) y dejando atrás las ilusiones residuales del período anterior (como el militantismo sacrificial, el culto al progreso y la reducción de la actividad revolucionaria a un asunto de “táctica y estrategia”). En medio de esa animada renovación teórica, el concepto de comunización surgió como una bisagra capaz de articular el balance crítico de todo ese período histórico. { Continúa en el próximo número }

RESEÑAS PRÓJIMO BIL

ANTIMASA

por Cristobal Loader.

h t t p : / / p r o j i m o b i l . b a n d c a m p. c o m / a l b u m / a n t i m a s a Esta Antimasa, el último trabajo de Prójimo Bil, nos muestra un lado aun mas oscuro de su música, lo cual se ve claramente reflejado desde la portada. A primera escucha se puede notar un cambio en relación a los discos anteriores, el uso de los teclados le da una onda bastante atmosférica y sucia, sobretodo en ‘Soles inmóviles’, la canción que abre el disco. Le sigue ‘Taladro’, una corta canción que perfectamente podría ser de una banda Punk, pero que toma otro rumbo al ser solo la voz acompañada de un par de guitarras también bastante sucias. ‘Casi fin del mundo’ es un puente en el medio del disco, en el que podemos escuchar una melodía de teclado súper reventada y desordenada, acompañada de la voz de Michelle Bachellet haciendo un llamado a la calma en el día del 27F, una canción que funciona perfectamente para darle un aire aun mas melancólico, oscuro y cinematográfico a todo. ‘En paz’, a mi gusto la mejor canción del disco, tiene una onda medio post guerra nuclear bien triste, me imagino a la gente ahí buscando entre los escombros (esto es una percepción netamente musical) pero con una letra un poco mas “esperanzadora” que el resto de las canciones. ‘Naufragio’ cierra todo con otra triste y cruda canción que también se apoya en la guitarra, “ el amor naufragando sobre un cuerpo muerto”. Así ‘Antimasa’, es un pequeño disco, perfecto para disfrutar en un viaje solitario y no recomendado para poner en un cumpleaños.

Daughter Schizophrenia

revolte

por Rojas Krustie!.

h t t p : / / r e v o l t e . b a n d c a m p . c o m / h t t p s : / / w w w. fa c e b o o k . c o m / R e v o lt e B a n d a El álbum editado hace unas pocas semanas aún es una versión digital, perfectamente masterizado se nota que pusieron bien el oído en su trabajo, guitarras afiladas y trabajadas en los armónicos clásicos de las bandas “emoviolence” europeas, se vienen de inmediato las bandas alemanas, francesas e italianas de los noventas (Louise Cyphre, Tristan tzara o Kobra Khan, Anomie, Mihai Eidrich, La Quiete o Raein), en términos de estructura el álbum dura exactos 11:02 minutos, llevándose casi la mitad del tiempo el último tema en piano “Jamás, Jamás reintegrado ni enfermo”, del que creo sea una alusión, como lado B, a un viejo tema de su disco “Corbatas Cortantes, Ciudades Malditas” del año 2013.

En la mezcla se nota la impronta de sumar los bajos al componente armónico más que al rítmico como una buena fórmula para elaborar la cadencia de desesperación y calma unísona del Hardcore Emotivo, creo que la poética de REVOLTE se hace cada vez más madura apoyados por la fuerza compositiva que el fiato da a una banda, innegable es el trabajo tanto en las estructuras clásicas de la composición como en los textos quizás te den buenas ganas de darle más de una vez al Play.

Absolutamente Recomendados!!!

Salvaje Revista

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RESEÑAS Salvaje Revista

56 los punsetes

lpiv

juanita y los feos

nueva numancia por Cristobal M.

El mundo no se acabó (o no se ha acabado hasta el momento de firmar esta reseña) y nosotros, estúpidos mortales, tenemos que seguir viviendo, pagando cuentas y tomando chela. Es como un mundo post apocalíptico sin el apocalipsis, como una comedia negra, pero sin el humor. Y así, con cinismo, acidez y (afortunadamente) con un humor más que oscuro ven la luz (o las tinieblas) los nuevos trabajos de dos de las bandas hispanoparlantes más interesantes que han salido en los últimos años.

Por su lado, Juanita y los feos lanzan su tercer disco largo en mayo del 2014 titulado “Nueva Numancia” en deshonor al barrio madrileño de Vallecas (nombre también de la primera canción), donde la mayoría de la banda vive. Según mi intensa investigación en wikipedia y otros sitios de interés, es un barrio de lo más pintoresco y modesto que hay y si bien hay una rica actividad cultural y de autogestión (tiene su propia radio y canal de tv) es un barrio pobre. Y como sucede con barrios como La Victoria o la Villa Olímpica por acá, el ideal de un sitio “cool” está en los ojos de quien no tiene que vivir ahí ni soportar el polvo y la miseria, como canta la bella Juanita en el nombrado primer corte.

Este aire de desolación y amargura recorre toda la entrega, como un fantasma que va sembrando la desesperanza y la idea de que no hay futuro. Pero claro, el envase de este panorama tan escabroso es un estupendo collage de punk, glam, new wave de la new wave e indie ochentero, aderezado con las maravillosas vocalizaciones de Juanita y que en conjunto logran un estilo tan único como inigualable. Lo extraño y lo bizarro se vuelve hermoso con la varita mágica de el quinteto, que en 30 minutos o menos logra escupir 12 temas que no escatiman en fuerza, agilidad y sobre todo en letras que van desde ataques desesperados de desamor (“Me arrancaría los ojos”, “Cien puñaladas”), ludopatía marginal (“No debería”) hasta palabreos varios (“En la casa de tu madre”, “Se ha acabado”). Difícil escoger una canción favorita en este, el mejor disco de los feos en sus ya 10 años de historia.

Mientras tanto, en el cuartel de los superamigos, el también quinteto español con vocalista femenina al frente, nos lanza en el caracho su pertinente entrega 2014, con más desenfado e irreverencia que nunca (o eso me ha parecido hasta el momento). Tras “Una montaña es una montaña” del 2012, que parecía trasladar a Los Punsetes a parajes mucho más sofsticados del espectro sónico, los chicos hacen un “retroceso metódico” para lograr un disco que se remite a aquel hermoso ep titulado “Maqueta rosa” del 2004, en donde la crudeza y las letras extrañas pero certeras se daban cita en un festín de shoegaze primitivo y disonancia pop, fórmula que es revisada acá con 10 años de diferencia y de maceración de ideas. Alejándose de la producción más pulcra que caracterizaba al disco anterior, la banda le hace el

quite a lo que sería el paso más lógico dentro del escalafón a la fama y lanzan un primer single titulado “Me gusta que me pegues”, el cual, acompañado de un video realizado por sus colaboradores habituales, quienes ahora también son su casa productora, Canada, dándonos un cornete punk en la cara. Concebida como una “novelty song” con guitarras multiefectadas y un ritmo frenético, Ariadna (la vocalista) vuelve a hacer de las suyas con una letra que va en contra de todo lo que nos han enseñado en la escuela en cuanto a la violencia contra la mujer y asume un papel similar al de Luci en Pepi, Luci, Bom... de Almodóvar, demostrando que el lado grotesco de la vida es mucho más divertido... en la fantasía de las artes, claro. El resto de la obra confirma que el grupo ha encontrado su lugar dentro de un universo musical cada vez más amplio y pedregoso y, al igual que sus coterraneos de Juanita y los feos, han logrado un sonido único e irrepetible, por más que las referencias estén ahí; “Opinión de mierda” tiene una exquisita resonancia a los Pale Saints, en una mezcla de buen y mal gusto y una letra que se caga en la leche.

“Museo de historia natural” rinde tributo a la Venus Negra mientras que en “Falso documental” hacen gloria de su carrera de audivisualistas. Es de esperar que algún día vengan a visitarnos (lo mismo los Juanita), ojalá un día no tan lejano, aprovechando que ambas agrupaciones están en su mejor momento. Soñar no cuesta nada.

RESEÑAS The Blueberries

the west

por Arnoldo de Villanueva.

h t t p s : / / t h e b l u e b e r r i e s . b a n d c a m p. c o m / a l b u m / t h e - w e s t De Uruguay se muy poco, para mi se resume en ‘Hablan Por La Espalda’, Mujica y la legalización de la Marihuana; como pueden leer solo cliches que manejan los sujetos medios. Con esto quiero declarar mi total ignorancia de lo que pasa por esas tierras y fue por esto que me alegre mucho cuando llegó a mi correo un mensaje de una banda de esos lados y me alegró mucho mas cuando me di cuenta de que era gente con la que compartíamos muchas cosas en común.

Bluberries (Uruguay) me recuerda al rock psicodélico inglés, que definitivamente hace un guiño inconfundible a la experimentación de los Beatles y de sus hijos, sobrinos y nietos que han sabido indagar en sus sonidos. Los Blueberries en the West, han elegido con pinzas sus referentes en la larga familia de este rock and roll, y volcado con muy buen gusto toda esa larga historia en 10 temas, que sudan y respiran elegancia. Eso si, siento que los momentos mas altos de esta banda son las experimentaciones con la voz e instrumentos en donde tergiversan a su referentes buscando nuevas formas de lectura. “El Oeste, The West. The truth is out there, ese es el lugar. No acá. Esta ciudad no ofrece más que fábricas de falsos dioses. En el oeste es distinto, ellos saben, saben la verdad.”

joe lemat por Arnoldo de Villanueva.

En realidad no se si este disco encuentre su lugar aqui o en una reseña de libros de poesia, es que este disco esta entre los dos. Creo un limbo donde cobijarse, un lugar donde esconderse entre esos dos formatos. Es un disco muy intimo que va desnudando al autor, que parece haber tenido la necesidad de soltar estas ideas y sentimientos antes de que le estallaran en la cara. Son 15 poemas relatados por su autor, poemas fuertes que desgarran, que me recuerdan a los libros para ciegos que vi alguna vez en la biblioteca. Que a base de sonidos crean las imagenes que fueron forjadas en algun lugar del alma. / Contacto: Joelemat@gmail.com

cuco

cuco

por Arnoldo de Villanueva.

h t t p : / / c u c o m u s i c a . b a n d c a m p . c o m / El Cuco, el fantasma, el Peek a boo, nos atormentó desde pequeños, nos acechó desde los armarios, se escondió bajo nuestras camas, movió las cortinas y nos hizo gritar por ayuda.

Cuco (Argentina) es música del pavor, que me generó un miedo y una extrañeza que esta vez me llaóo la atención, así como cuando vez esas películas de terror perversas que te hacen caminar por lugares extraños; Cuco es algo así como la banda sonora de Begotten, Freaks o El Doctor Caligari.

A este disco es imposible de catalogarlo en un estilo musical determinado, es libertad pura que transita por lugares horribles, tenebrosos, pesadillescos, que en espíritu me recuerda a ‘Los Residentes’ o a ‘Renaldo And The Loaf’. Pero Cuco nos habla de lo horrible de nuestras vidas “Un hombre fuerte él y ella prepara la cena./ Él escribirá la ley y ella tendrá hijos aunque no los quiera./ Maquinalmente están preparándonos para repetirnos./ Prueba error.” No es necesario para ellos buscar lo espeluznante en cuentos de viejas, el espanto esta aquí y ahora. Cuco además viene en un muy lindo empaque, un envase de metal que contiene todo este mundo

Salvaje Revista

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RESEÑAS Salvaje Revista

58 DELS

Petals have fallen (Big Dada, 2014) por El Flackelismo

En noviembre del 2014 y a través del sello británico Big Dada, Kieren Gallear alias Dels edita su segundo disco “Petals have fallen”, un disco que llama la atención por lo bien logrado de sus producciones y la atmosfera que envuelve al disco.

Al escuchar por primera vez el disco y adentrarte en la atmosfera que propone Dels lo primero que piensas es que el invierno, un pucho y una larga caminata serian el complemento perfecto para la escucha. Petals have fallen se sustenta en instrumentales muy bien tratadas en donde existen colaboraciones de otros productores pero los retoques finales son todos realizados por Knew (Productor ejecutivo) y Dels. El disco logra su cometido al combinar las instrumentales con los raps de Kieren, rimas que no temen transitar por variados temas yendo desde los desafíos a otros MC´s pasando por la ironía y las declaraciones de amor.

Al hablar del disco de Dels no se puede dejar de lado la importancia del sello Big Dada y los varios lanzamientos que ha realizado durante sus años de vida, en donde nos podemos encontrar con grupos como Antipop Consortium, Roots Manuva o cLOUDDEAD, por nombrar algunos.

assopro

ep

por Arnoldo de Villanueva.

h t t p : / / a ss o p r o . b a n d c a m p . c o m / r e l e a s e s Lo que se llama Post Rock o música instrumental ha tenido una explosión enorme que fue creando un género que se llenó de lugares comunes, se repiten una y otra vez bandas similares llenando un sin fin de clones de otras bandas (bueno esto pasa con todos los géneros), por eso es tan refrescante escuchar una banda con identidad, que utilizan bien sus citas y guiños pero que los mezclan con sonoridades distintas; esto pasa con Assopro (Brasil) que nos llaman y mezclan sonidos propios de la música brasileña con sus referentes anglosajones, es música para viajar por una playa desierta en un hermoso verano melancólico.

THE ANOMALYS

S/t

por Arnoldo de Villanueva.

h t t p : / / t h e a n o m a l y s . b a n d c a m p . c o m / Antes de que el Punk fuera institucionalizado y trasformado en una estÉtica determinada que se pudiera consumir, existÍa lo que determinaba a los inadaptados, frecuentemente rockeros rebeldes que tocaban rápido, andaban en peleas y tenían una actitud salvaje para vivir. Desde ahí llamaría Punk a Anomalys (Alemania), rescatando ese espíritu insolente, tocando de manera frenética en antros de mala muerte, sin grandes técnicas y generando un rock and roll fuerte y duro para bailar entremedio de botellas de alcohol. The Anomalys es música de garage, esa que nunca llenará estadios y no saldrá en multi tiendas ya que si aparece ahí se muere como tal, se contradice y se apaga. La rabia se baila en 9 tracks.

RESEÑAS DIE SCHWARZEN SCHATE / los diskolos

split

por Sebastían.

Tengo la particularidad de ponerme contento cada vez que veo una producción independiente nueva o se me dibuja una sonrisa al ir a algún recital y encontrar una feria que la realice la banda que toca ese día.

Volver de un recital con un disco o un fanzine es una de las cosas más gratificantes que te pueden pasar, más que nada porque volves con algo que sabes que vas a disfrutar el resto de la semana y no muere en el recuerdo de aquella noche.

No solo la satisfacción de volver a casa con algo en las manos, sino encontrarme con que una banda local había editado un Split con una banda alemana. La particularidad es que no solo es un Split, sino que fue editado en vinilo, con todo el esfuerzo y laburo que esto ocasiona. Por estas tierras es un laburo increíble poder editar en este formato, no solo por lo económico, sino también por el hecho de tener que meterlos en el país y que no te cobren una multa o queden varados en la aduana gracias a la gran gestión del gobierno argentino con el tema de las importaciones.

Un puñado de sellos se unieron para dar a luz este trabajo de una banda Argentina y una banda Alemana. Por un lado los DIE SCHWARZEN SCHATE, desplegando un hc punk con grandes influencias del punk ingles de los 80s, por momentos me suena a CONFLICT, GBH, más o menos en esa onda, pero con un sonido más actual, rápidos, agresivos con 7 temas sin respiro, bien de la vieja escuela. Uno de los temas es un cover de LOS DISCKOLOS, en alemán se llama AKTZEPTIER DIE POLIZEI NICHT ALS AUTORITAT. Un sonido muy bueno, una banda muy pareja que suena realmente muy bien.

Del otro lado del disco nos topamos con los chicos de LOS DISCKOLOS, nuevo material grabado para esta ocasión, también 7 temas con un gran sonido, letras excelentes y temas muy bien elaborados, una banda que viene tocando hace un par de años, sonido compacto y con un gran gusto por el punk rock. Influencias del punk ingles pero del 77, con influencias de los violadores si tenemos que mencionar alguna influencia latina. Lo mismo que sus colegas europeos, los chicos también ejecutaron y versionaron un tema de los DIE SCHWARZEN SCHATE en castellano, titulado AHORA LLEGAN LOS AÑOS. Un disco excelente, un Split muy bueno, con un arte muy bueno. Insert con letras, fotos, del lado de LOS DISCKOLOS con las letras en inglés y castellano todo en un muy cuidado collage recorta y pega, bien prolijo y caótico a la vez. Del lado de DIE SCHWARZEN SCHATE solo las letras en inglés y un diseño muy sobrio. Este disco también fue editado en CD, un disco para no dejar pasar, mas allá de la edición, las dos bandas son muy buenas y tienen un gran disco para compartir.

cuello

mi brazo que te sobre por Arnoldo de Villanueva.

h t t p : / / c u e l l o . b a n d c a m p. c o m / a l b u m / m i - b r a z o - q u e - t e - s o b r e Hace años que el indie español me llama la atencion, hay algo en ese sonido que canta en nuestra lengua que me tira de manera incontrolable. creo que esa premisa es necesaria antes de seguir leyendo lo que expondré de esta banda, ya que tiene que ver con esa búsqueda constante de un sonido determinado.

Cuello (España) es una banda muy creativa que a base de repetir rifs de guitarras, jugar con bases rítmicas o experimentar en los cortes, logra crear un ambiente envolvente que te hace, a la segunda escuchada, corear los temas y mover el cuerpo. Las letras son introspectivas y hablan de algo que todos hemos sentido, pero que ellos desde una forma particular la expresan o en otros momentos no logras determinar bien lo que se esta diciendo, pero logras sentir una extraña conexión. En “Mi brazo Que Te Sobre” los Cuello dejan muy en claro que lo que va con ellos es la experimentación bailable y gritarte en la cara “lo que me digas tu da igual”.

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60 “This split won’t pay the bills”

4way split con Mudhill, Josh Making Songs, Twelve Street y Lorne Sello: Sleepy Rat Records - Curitiba, Brasil - 2014 Formato: Digital y libre descarga. https://sleepyratrec.bandcamp.com/releases por Charly Suárez. .

Grata sorpresa enterarme de este lanzamiento. Generalmente los encuentros accidentales son más atractivos musicalmente hablando, existe el factor sorpresa y este claramente fue el caso.

Un amigo x de Brasil divulgaba por redes sociales, el primer lanzamiento del sello independiente Sleepy Rat Records, con sedes en la hermosa ciudad de Curitiba, Brasil. Y debo ser honesto al decir que, este lanzamiento, me voló la cabeza un buen rato.

“This split won’t pay the bills” es un split de 4 bandas independientes de diferentes ciudades de Brasil, algunas con años recorridos y otras nuevas que debutaban en este proyecto, cada una con una propuesta atractiva que le entrega dinamismo al disco como proyecto conjunto. En palabras simples, se hace divertido el disco en la medida que avanza cada canción. Valoro el hecho que sea para descarga libre por internet, empatizo con esa lectura de la música basada en la sustentabilidad de manera práctica y en sincronía con los tiempos en términos de accesibilidad. Pero esas son harinas de otros costales, vamos a lo nuestro.

El disco arranca con Mudhill, desde el inmenso Sao Paulo.

“Fathers, father” y “Regret and Regret” son las canciones encargadas de abrir este split.

Recuerdo haber escuchado el primer coro y sentí explotar mi cabeza remontándome a años gloriosos de camisas a cuadros, espinillas y pogos fomes. Grunge-punk? si, y muy bien tocado, con muchos guiños a Superchunk, Sugar o Nada Surf y todo ese sonido noventero que no fue tan famoso como Nirvana en los años noventa. Sin embargo, ambos temas tienen mucha onda y son super orejas, con mucha identidad. Ex miembros de interesantes proyectos como Shed y Fire Driven. En su bandcamp pueden encontrar un ep de 4 temas también para libre descarga, altamente recomendable también. En estos momentos preparan lo que sería su primer LP y claramente estaremos atentos a ese lanzamiento, seguro van a seguir la senda hitera de sus dos primeros discos. Escuchen Mudhill en https://mudhill.bandcamp.com/ Luego es el turno de Josh Making Songs, ellos son de Curitiba, y es una banda que entrega las siguientes 2 canciones “Youth days are over” y “Free fall”. Estos chicos ya derechamente se adentran en lo que es el emo-rock con harto punk, beats super

rockeros y partes más lentas medias noventeras, bastante interesantes y con harta identidad. Algunas referencias podrían ser Samiam, Seaweed o el Hot Water Music más antiguo, de sonido más crudo y directo. En su bandcamp también pueden encontrar más trabajos de estos chicos, en este momento están preparando un LP y aquí estamos bastante ansiosos por escuchar ese material. Escuchen Josh Making Songs en https:// joshmakingsongs.bandcamp.com Siguiendo con el orden establecido en el disco, llega Twelve Street, desde la alejadísima ciudad de Sâo Luis de Maranhâo, en el norte de Brasil. Estos cabros aportan con dos canciones de super alta factura como son “About us” y “Long time Ago”.

Me sorprendió gratamente la calidad de la grabación, todo con mucho cuerpo y bien definido. Al escuchar estos chicos se me vienen a la mente inmediatamente Dinosaur Jr., Yo la tengo y Hüsker dü, todo en una licuadora, con solos de guitarras eternos y llenos de fuzz. En lo personal me gustan las bandas así, con riffs bien rasgueados y más cercanos al college rock o rock alternativo. “Long time ago” es a mi parecer la canción que más define el sonido de Twelve Street, un tremendo y super interesante proyecto independiente desde el norte de Brasil.

Escucha Twelve Street en https://twelvestreet.bandcamp.com/ Y para finalizar el disco, quizás la banda que se aleja un poco del patrón de sonido de las bandas anteriores. Lorne es una banda de Porto Alegre y la verdad es que está de puta madre. Hace bastante tiempo no escuchaba bandas que tuviesen ese grado de intensidad, ingenio y crudeza que escasea mucho en estos tiempos y que resulta muy atractivo a la hora de escuchar una banda nueva. Post hardcore, emo, guiños a Jawbox, This day forward y hasta Thursday, con voces gritadas y cantadas, muy ondero y técnico, con mucha originalidad en la creación. Dos tremendos hitazos para finalizar este trabajo bastante simple, honesto y de abundante calidad. “9 cordas” y “Flor e Pá” son las canciones de Lorne que cierran con broche de oro este splitazo del debutante sello Sleepy Rat Records, y en lo personal espero con ansias nuevos lanzamientos, con este split me dan cuenta del buen gusto que poseen por la música, siempre desde una plataforma honesta, simple y lo más importante, de mucha calidad. Escucha Lorne en https://lornepoa.bandcamp.com/ 9 de 10 en mis calificaciones.

RESEÑAS el purpurado de charol

S/T

por Cristobal Loader.

h t t p : / / e l p u r p u r a d o d e c h a r o l . b a n d c a m p. c o m / Primer larga duración de esta banda santiaguina después de un EP editado el 2013, el disco sigue mas o menos en la misma línea musical; una especie de proto-punk rock psicodélico, murallas de guitarras distorsionadas, una base rítmica bien constante y casi robótica, una voz bien rocker con harto reberb, todo esto sumado a un sintetizador que va surfeando la ola sonora dando un ambiente más atmosférico y marcianesco propio del space rock. Clasificar al Purpurado como una banda de shoegaze es un poco pobre (ahora a cualquier banda con guitarras distorsionadas la tildan así) y creo que lo de ellos va por el lado mas punk, al escucharlos no puedo dejar de pensar en bandas como Skywave y sus hijos, Stooges en cocaína y lsd al mismo tiempo y eso.

La banda canta en inglés y las letras casi ni se entienden con la cantidad de reberb que tiene la voz encima, importa?, nah … esta vez la voz es un instrumento mas y funciona. Escuche por ahí que lo grabaron ellos mismos en su sala de ensayo y la verdad es que suena re bien.

desperfecto

demo 2013

por Arnoldo de Villanueva.

h t t p : / / d e s p e r f e c t o . b a n d c a m p . c o m / Un desperfecto es un deterioro que sufre algo. Lo común es temer o rechazar ese desperfecto, pues la meta es ser “cada vez mejor” y encontrar la perfección, es así como se nos obligó a pensar de que en algún momento seremos perfectos y el ideal se debe conseguir a toda costa. Desperfecto no tiene miedo a decontruir esto, a mostrar la mierda en la que vivimos y demostrar que lo único que esta mal es como nos estamos manejando como sociedad “Perdiste la convicción y el fracaso es renunciar/ Si dejaste de luchar, renunciar es tu fracaso”. Esta es una banda de Punk Rock con fuertes reminiscencias 80teras, van directo a lo que nos tienen que decir sin adornar mucho el mensaje y eso es su principal fuerte. ¡Faltan bandas como desperfecto! .

los calambres

los calambres

por Arnoldo de Villanueva.

h t t p : / / l o sc a l a m b r e s . b a n d c a m p . c o m / r e l e a s e s Los calambres musculares se presentan cuando un músculo se tensiona (contrae) sin que uno trate de hacerlo. El músculo se tensiona y no se relaja.

Calambres (Argentina) es un duo que nos hace tensionar y no soltar, habitar en el sonido oscuro del Garage lleno de arañas de rincón que en cualquier momento saltará sobre nosotros y nos dejará con una necrosis en el oído; un lugar perdido en los 60tas donde tu abuelo dejó películas de terror de serie b, discos de surf y revistas de ciencia ficción. Cada tema de Los Calambres es acompañado por una pequeña intro pavorosa que da la sensación de que en cualquier momento aparecerá Elvira y nos introdicira a un nuevo cuento de terror y suspenso, las primeras palabras serán “Cuando en un cráneo roto / La cerveza se sirvió / Con lápidas de mesas / Y ataúdes de sillón.” . Hay que destacar en el disco los covers de “El féretro” que le hacen a la banda ‘Todos Tus Muertos’, Autosuficiencia de la banda de culto Parálisis Permanente y el ya grabado muchas veces “Quiero ser tu perro” de los Stooges.

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RESEÑAS Salvaje Revista

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LA FRUSTRACIÓN DETRÁS DE LA VIÑETA por Camilo Tapia

En el año 2002, Frank Miller entrevistó durante tres días a Will Eisner. Por supuesto, de lo único que hablaron fue de cómics. Todo estaba planeado para concebir un libro de no ficción en el que el padre de la novela gráfica y uno de sus más retorcidos exponentes cercenaran el género. Sin embargo, debido a las desorbitantes horas de grabación, el libro se publicó cuatro años después de ese encuentro, unos meses después de que el splash page de la vida de Eisner acabara de rotularse. Hasta esa fecha, el creador de The Spiritnunca dejó de hacer cómics y, con todos esos años en la industria, era una especie de almanaque biológico de la cartografía de la historieta norteamericana. El viejo Eisner había visto la historia del género frente a sus ojos porque, al fin y al cabo, era su propia historia.

En la mitad de Eisner/Miller, el resultado textual de la transcripción a esa entrevista, Will Eisner le dice a Frank Miller que el problema privativo de la industria del cómic es esa mentalidad esclavista que tiene hacia los dibujantes, esa expropiación de creatividad que ejerció por más de medio siglo sobre importantes artistas. De ahí en adelante, el diálogo que llevaban transmutará su temática académico genérico y se deformará en un pelambre poblacional sobre la historia del cómic. Aparecerán nombres y situaciones descabelladas, puñaladas por la espalda, actitudes cobardes de próceres de la historieta, la figura de Jack Kirby como el gran perdedor, editores contratados por la mafia y, como resultado de todo, la infinita frustración de los dibujantes. Eisner parecerá más un opinólogo de la farándula que un estudioso del medio. A pesar de esto, el viejo Will Eisner no mentía, solo retrataba elmaking off de la viñeta, algo tan real y escabroso como macabro: la injusta condena de los dibujantes al olvido. Y al leer la segunda parte de Eisner/Miller, es inevitable no pensar en la novela gráfica que desentrañó con ironía ilustrada estas situaciones: Pussey! de Daniel Clowes.

Hace más de veinte años que Clowes viene saturando el género del cómic, desde que cimentó su obra de los desechos del underground. Con el tiempo, se ha vuelto un referente inapelable para comprender el desarrollo del medio. Pussey!, una de sus producciones más piola, es una radiografía medular al sórdido funcionamiento del dispositivo editorial. A través de un conjunto de

historias autoconclusivas, esta narración gráfica exhibe los momentos substanciales de la vida de Dan Pussey, un nerd crónico que ha hecho de los cómics su paradigma existencial. Dibujante profesional, fanático patológico e inadaptado sociosexual, Pussey revolotea entre el aparente reconocimiento de sus pares y el desarraigo de una sociedad que no comprende su fanatización. A todas luces, es un perdedor. Una particularidad que se intensificará cuando la editorial que lo exaltó a la popularidad lo tire al vacío de la frustración.

Pussey! revela el canibalismo competitivo que se esconde detrás de las viñetas, esa carnicería industrial que nadie ve por las rotulaciones y el entintado. Clowes utiliza el género para denunciar a las editoriales que fructifican con el género. Por ello, sus personajes son una alegoría bien ajustada al fragmento de la realidad que hay en la producción de toda historieta. Pero también, está esa manía del autor de Eigthball de delinear el fracaso, de cincelar el pozo de la degradación humana. Porque Pussey!, aparte de aludir al funcionamiento de los engranajes de la maquinaria editorial, encarna la aniquilación desmoralizadora y la decepción de esos dibujantes de los que hablaba el viejo Will Eisner. Dibujantes reales que se resignaron a subsistir en los contornos de una corporación que no los beneficiaba, solo para desarrollar lo que realmente los apasionaba en sus miserables vidas. [ Link de descarga Pussey!: http://goo.gl/1F2jfj ]

RESEÑAS

Es Fedra es un cómic hermoso que cuenta la relación entre dos hermanos distanciados por una gran diferencia de edad, pero unidos por un poderoso vinculo fraternal… o algo así.

Realmente es de esos cómics raros sin historia ni dirección aparente que seguramente a nadie le gustan, pero que vuelve bellos esos espacios de la vida donde no pasa absolutamente nada… o poco. La relación entre Fedra y Nino se muestra a través de pequeños “slices of life” (pedacitos de vida en gringolandés) llenos de fantasía y viñeteo loco al más puro estilo de Chris Ware o My Little Nemo pero con ese tono cotidiano y casi emo que recuerdan las películas uruguayas 25 Watts y Whisky de Pablo Stoll y Juan Pablo Rebela. por Mapachestudios

Realizado por la pulentísima MACO, quien hace unos años publicó su libro medio autobiográfico “Aloha” por la Editorial Periférica. De momento, Fedra se puede leer online en el sitio de cómic “Marche un cuadrito”. Ellos empezaron a publicarlo a fines del 2011 prometiendose a si mismos que todos los viernes subían una página, pero de pronto se empezó a demorar y quien sabe como avance. Hoy el cómic lleva 70 páginas y ni siquiera sabemos donde, como, ni cuando va a terminar (ojalá no termine en tragedia), pero con lo que hay uno queda feliz y contento porque es súper demasiado bueno. Definitivamente el cómic favorito para llenarse de amor y alegría en un día triste.

Para leerlo visita la siguiente dirección y busca por ahí: http://marcheuncuadrito.blogspot.com

black holE

charles burns

por Mapachestudios

Charles Burns entinta como los dioses y este cómic es una fokin pieza maestra. Jóvenes escolares y universitarios en el Seattle de los 70, deben enfrentarse a un virus de transmisión sexual que los transforma en un extraño tipo de mutantes que sufre del inmediato rechazo de sus pares. Con un tono oscuro y bastante terrorífico se presenta una historia coral y romántica que explora distintos temas adolescentes en torno a la sexualidad, las drogas, el rocanrol y la terrible transformación hacia la adultez. Definitivamente un excelente cómic si te gustan las historias sórdidas y oscuras pero con un emotivo toque humano. El trazo particular de Charles Burns llega a su máximo apogeo, con escenas surrealistas, viñeteos experimentosos y un gore muy elegante. Black Hole fue realizada entre los años 1995-2005 y hoy es un exitazo. Se ha traducido a varios idiomas y hasta llevan tiempo tratando de hacer una adaptación al cine.

Hay edición impresa en castellano gracias a la editorial La Cúpula y no es para nada difícil encontrarlo digital por internet. Si te gusta el cine de David Cronenberg, lee este cómic hoy mismo, es mortal. : )

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fedra

maco

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