Salvaje Nº3

EDITORIAL

{ SALVAJE Revista Nº3 } PORTADA > Dimitri Manos Violentas de Ojoporojo Estudio

http://ojoporojo.cl/estudio/ EDITORES > Walo y Ofe

La música forma una parte importante de lo que somos; escuchamos sonidos que nos parecen placenteros y no necesariamente los relacionamos con música, pero eso son: nos acompaña el sonido de un pájaro en las mañanas, nos pone alertas el sonido fuerte y estridente de un choque de automóviles, el llanto de un niño, el grito de un orgasmo… todo lo que compone un sonido nos comunica algo, nos hace recordar o evocar una emoción, con eso logramos oler, sentir, mirar, abrazar algo que se perdió en el tiempo y lo podemos llamar constantemente. Cuando esos sonidos se articulan en un lenguaje concreto los llamamos música, y esa música nos mueve, nos hace sonreír, nos hace odiar, llorar, saltar… y esos sonidos, eso que llamamos música, es lo que compartimos con muchos y muchas otros y otras, esos sonidos son los sonidos del salvaje, porque aún nos llaman, porque aún nos piden volver a estar en conjunto, volver a la comunidad, no como un primitivo sino como un conjunto, abandonar el átomo y abrazar el todo… ríe, que el quiebre está a la vuelta de la esquina.

Salvaje.

DISEÑO > Ofe COLABORADOR > Rodrigo Vallejos columnistas >

Juanito Trueno - El Loco - María Magdalena Isaac Cornejo Guaico - Felipe Arriagada Raúl Olvido - Wladimir Stepniak - Wilder Ricardo Vargas - Michel Leroy - MegaWimpy Fotógrafos/as>

Claudia Herrera - Gary Go - Catalina Guaico Lita Lazo Coppa entrevistadores >

Tristán - Ex Pectador - Ariel Muñóz - Cuervo Raúl Olvido Reseñas >

Ex Pectador - Pablo Espinoza - Andrés Infante Roberto Carmona - Pablo Durán -Rogelio Krustie Cristobal Moya

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OCÉANOS IMPOSIBLES Introducción a la Vanguardia Sonora Peruana Segunda Parte Por Wilder Gonzáles Agreda

(Comienza en el 2do número de Salvaje)

La década pasada, probablemente amparada por el “manifiesto evolutivo de Crisálida Sónica” (Hákim de Merv dixit), vio un renacer de las expresiones musicales de avanzada y de colectivos y sellos ad hoc. Ya no solo se creaba desde Lima sino también desde ciudades como La Oroya o Arequipa en donde colectivos como Chip Musik y Asimtria, hoy también Noxa Records, propagaban su diferencia metamusical por todo lo alto.

Incluso Trujillo tuvo en el recordado acto Delay Tambor un digno representante de la electrónica más inquieta.

Así, durante los dos miles, disfrutamos de actos de música espacial como Eric Ravina/Human Beam –quien luego fundaría los colectivos A.c.i.d. y Cuarso (Cultura, Arte y Sociedad)-, Altiplano, Colores En Espiral, Audiogalaxia, Solar o XTREDAN; de generosos del ruido y el asalto guitarrero como Liquidarlo Celuloide –integrantes del destacado sello Buh Records quienes hoy en día toman Lima vía festivales, eventos y conciertos con saludable frecuencia -, Fiorella 16, Jab Lemur, PARURO (seudónimo de Daniel Caballero, un ex Hipnoascensión que desde el 2002 se dedica al reciclaje de aparatos electrónicos y empleo de chatarra tecnológica con los que genera magmas de ruidismo electrónico), Gabriel Castillo, Rolando Apolo, Azucena Kántrix y TRIAC. Debido a la democratización de las tecnologías, símbolo de los tiempos que corren, los cultores de los sonidos electrónicos han aumentado de forma exponencial v. g. Ionaxs, Ida –propulsor de una genial organización con epicentro en el centro de la ciudad: La Casa Ida-, MDPLD, Alcaloide, El Paso, No God, Semilla Galáctica, aTmo, Vía 149, Elegante, El Hombre Topo, Tica,

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Theremyn_4, Omar Lavalle, Jardín, Rapapay, Quilluya, etc. En los campos del rock de avanzada, la música etérea y el folk lisérgico existen también talentosos exponentes como Pilotocopiloto, Nahunoise/Avida, Puna, Ertiub, Norvasc, Transparente, Las Vacas de Wisconsin, Pez Plátano, Zetangas, Panyoba, Viajeros, LUNIK, Martelenor, I Am Genko, Leche Plus, Itsutsu , RAYOBAC, etc.

Del pelotón de francotiradores peruanos residiendo en Europa y Estados Unidos destacan Christian Galarreta –ruidista rimense fundador del avezado sello experimental Aloardí y factótum del acto de post pop SAJJRA, quien ha participado en conciertos y festivales junto a otros genios como Damo Suzuki de Can, Ilpo Vaisänen de Pan Sonic, Machinefabriek, Anton Mobin, etc. -, Erik Bullón (ex Insumisión que construye desde Irlanda sugerentes composiciones de dark ambient ominoso), Tomás Tello –experimentador sonoro formado en la cantera de Raúl Jardín con quien ha fundado el sello Andesground- y Rómulo

Del Castillo, quien ya desde los años 90s y con el usamericano Josh Kay, publicaba bajo los nombres de Soul Oddity y Phoenicia hipnotizante intelligent music en disqueras tan prestigiosas como Astralwerks y Warp. Hoy Rómulo conduce el sello Schematic, donde diversos magos de la electrónica contemporánea han legado documentos históricos, y sorprende cada cierto tiempo con enjundiosas novedades vía su proyecto solista Takeshi Muto.

La década actual ha encontrado a la movida peruana en general más consolidada. Ello se refleja también en la escena alternativa de vanguardia. Algunos nombres a tomar en cuenta, por lo logrado hasta hoy y el ingenio que proyectan, son: Ale Hop (cerebro del grupo pop Las Amigas de Nadie y de quien hemos escuchado algunas incursiones en la electrónica notables), Dengue Dengue Dengue!, principales exponentes de la llamada nu cumbia, dumbia o cumbia dub, Eva & John –banda de talento encomiable en el trabajo de melodías de terciopelo + noise guitarrero-, Brayan Buckt, un enamorado del krautrock setentero y el folk espacial, y el jovencísimo Sad Animals o lo que es lo mismo Aaron Saavedra, adolescente de 18 años quien ha lanzado el pasado Enero su segundo EP, “A Friend”, en el sello norteamericano (y mexicano) Indian Gold Records.

Aaron muestra notables dotes para esculpir hermosas piezas de ambient digital plenas de desolación e hipnotismo. Sin duda le espera un futuro portentoso.

Pese a todo lo expuesto hasta estás líneas sería un sacrilegio no resaltar la inventiva en el campo del sonido transgresor realizada y legada por nuestros más antiguos antepasados. En el Templo de Chavín de Huántar se construyó un oráculo sonoro -según los investigadores del Center for Computer Research in Music and Acoustics de la Universidad de Stanford, el sabio Luis Lumbreras et al.- el cual unía vía diversos conductos las corrientes de dos ríos. Así instrumentalizando las galerías del Templo construidas con la idea de amplificar el sonido de tales aguas –¿algunos podrían atreverse a decir ruido?- los chavín generaban un efecto imponente, probablemente amparado también por la ingesta de plantas sagradas como era lo usual en los albores de la Humanidad. Además de esto tenemos el trabajo realizado por los investigadores que conforman el ensamble WAYLLA KEPA -del Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú- quienes con el exclusivo concurso de huacos diversos, flautas

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y demás aparatos pre-colombinos replicados logran, cuando lo desean, producir sonidos no convencionales sorprendentemente sintéticos que fácilmente podrían provenir de discos como el “Silver Apples of the Moon” de Morton Subotnick o el “Hymnen” de Stockhausen. ¿Inventaron sin saberlo nuestros antepasados el arte sonoro, el ruidismo, el ambient y demás sonidos de avanzada hace miles de años en las místicas alturas y simas de nuestros andes, en los llanos de la costa o entre la salvaje y bulliciosa vegetación del monte amazónico? Lo que importa, el sonido, está ahí intacto y puro para el que quiera…

Quizás esta historia y escena jamás salgan en tu revista favorita de los Sábados o en los programas de TV internacionales pero, no lo dudes, rebosa de éxtasis, radiaciones transparentes y “sueños aerostáticos” – como diría la recordada dupla Silvania. El poco eco sistemal y mass mediático otorgado a estos artistas no debería extrañarnos, después de todo “algunos han nacido póstumamente”.

http://peruavantgarde.blogspot.com

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LOS DISCOS QUE HAN

SALVADO MI VIDA Por Juanito Trueno

Ratos de Porao Brasil (1989)

Ha sido imposible no escuchar este disco en mitad de la fibre mundialera.

Brasil es la obra maestra de Ratos de Porao. Por fin Joao Gordo y compañía grababan con una producción de lujo y se aprecia una evolución técnica evidente, asunto que no me importa tanto, pero que es un hecho.

Creo que era enero de 1997. Gira de estudios a Brasil. Mientras mis compañeros de curso competían por quien conseguía un mejor bronceado, yo perdía el tiempo averigüando dónde estaban las disquerías más cercanas al hotel.

Un tipo que trabajaba en la recepción me preguntó qué estilo de música buscaba.

Le mencioné cuatro bandas: Sepultura, Raimundos, Garatos Podres y Ratos de Porao ¡Aún no conocía a Cólera ni a Lobotomía! A los pocos minutos tenía en mis manos un mapa de Camboriú con las disquerías recomendadas.

Con una caipiroska en el estómago y otra en la mano me armé de valor y escapé del mediocre control docente.

Tenía treinta minutos para encontrar la tienda, los discos y volver al hotel, ya que íríamos a conocer un jardín Botánico o algo así. Si no llegaba a tirmpo me iban a pillar y tendría que comerme los sermones y sanciones de rigor. .

Tuve suerte. Encontré al tiro la tienda. Compré la discografía de Sepultura, hasta el Chaos AD. Los tres primeros de Raimundos y cuatro cedés de Ratos; Feijoada Accidente?-Brasil, Ao Vivo, Just another crime in Massacreland y Brasil.

Años después pasé por una época de estúpidez máxima y cambié o vendí todos los de Sepultura y regalé uno de Raimundos (los otros dos están juntando polvo en el clóset), pero conservé los de RDP. Aún los tengo y aún los escucho, sobre todo el Brasil.

Este disco tiene un montón de cosas únicas en la disografía de Ratos y que significaron un giro en la música de la banda. Las canciones son mucho más rápidas y más pesadas. Por primera vez desarrollan, a mi juicio, un crossover de la más alta calidad.

Pero lo que más me gusta de este disco es que me hizo cuestionar por primera vez toda la tontera que rodea al fútbol y de como los gobiernos, los partidos políticos, publicistas, grandes tiendas y un montón de gente lo utilizan para mantener el circo, sedando y engordando a la masa incauta. Sólo es cosa de ver la tapa del disco, obra del artista de cómic Marcatti.

Hoy (el día que terminé de escribir esta columna) llegó la Selección Chilena de Fútbol de su aventura mundialera y Bachelet retrasó el comienzo de su gira a Estados Unidos sólo para sacarse fotos con Sánchez, Vidal, Medel y Sampaoli. A mi me gusta el fútbol, y bacán que pueda alegrarle la vida a alguien, pero de verdad no entiendo como funcionan estas cosas. Prefiero caminar con audífonos puestos.

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Entrevista y fotografías por Salvaje

ZAT ZAT es un grupo Chileno/ Argentino que juega con la experimentación y la improvisación, con cortes extraños que llevan el espíritu del FreeJazz al HC. Si bien muchos temas de esta banda son instrumentales o sus letras son muy breves o abstractas, ZAT se preocupa de dejar en claro en todos lados sus ideales políticos. Ahora están radicados en Chile y piensan seguir componiendo, experimentando, jugando, viviendo.

A > Nos gustaría que nos contaras sobre la historia de ZAT. ZAT se formó el 2010, con Rosio [NdT: la primera bajista de la banda] y con Criss [Costa Rica, Disputa, Altercados]y la primera vez que tocamos fue en Santiago, en Bar Pero la primera vez que tocamos como banda formal, fue con Lovey Dovies, en Buenos Aires, donde también tocó Ártico, tocaron ellos y Mofa; esa fue la primera formación donde tocábamos con Álvaro Fuentes que tocaba en Formatos Breves (Concepción), pero luego volvió a Chile y al poco tiempo después conocimos a Santi, él había escuchado Costa Rica, una banda en la que yo había tocado y me contactó para pedirme un disco de esa banda. Un día le conté de que nos habíamos quedado sin baterista y él me dijo que

tocaba batería cuando chico y bueno... le pasé los temas que grabamos con Álvaro, que eran los de “Noches de Bombas”, le dije que los sacara y que nos juntáramos a ensayar… llegamos a ensayar y se sabía todos los temas, y tocaba muy bien, entonces fue: ¡Listo!¡sigamos tocando!. Con Santi grabamos un Split con Clima Bajo Tierra y Taia.

Punto a parte, esos dos discos, el “Noche de Bombas” y el Split que nombre recién, no los contamos porque no nos gustan como quedaron grabados, ni los temas; luego de eso grabamos “Oleadas” el 2010, después “Emblemas Que Triunfan Abandonados” y ahora el Split con Fusibles, pero el proceso constante fue cuando dejó de tocar Rosio; creo que desde ahí fue cuando comenzó a ser realmente ZAT; a ella le molestaba improvisar y eso nos limitaba mucho, cuando ensayábamos solos

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Santi era muy divertido, componíamos mucho y luego no podíamos seguir tocándolo con ella. Luego de eso pasaría mucha gente por ZAT: tocó Sebastián de “Fuego Camina Conmigo”, Puig de “Ostende” y después tocó Rodrigo que ahora toca batería en “Escupen Serpientes” y con él grabamos “Emblemas”.

B > ¿Cómo fue la composición de ese disco, Emblemas?

Para mí en sonido es un disco de mierda, pero en composición creo que es uno de los mejores discos que grabamos,; en ese tiempo estábamos todo el día ensayando, nos levantábamos a las 10 de la mañana y algunas veces estábamos tocando hasta las 1 de la madrugada, sólo por diversión. En ese tiempo vivía con Rodrigo en un centro cultural en un barrio bien violento de Buenos Aires; el lugar era muy bueno, grabábamos bandas de cumbia de los vecinos del barrio y ensayábamos nosotros, además había una peluquería comunitaria y la gente se organizaba en torno a ese lugar. Vivir ahí, tener esa experiencia, tener el estudio y sala de ensayo al alcance de la mano es lo que siempre quise, fue excelente. Logramos una fluidez de componer que se generó desde el cariño, desde juntarnos a comer, conversar, de cosas simples y muy lindas. Ese disco es muy raro, se compuso de una manera muy extraña, con cortes extraños que conformaban el momento en el que estábamos.

C > ¿Pero luego volvió a cambiar la formación?

Si, Rodrigo se fue a Uruguay así que con Santi nos pusimos a tocar solos los dos, lo cual fue muy fácil. Ahí nos dimos cuenta de que ZAT siempre fuimos nosotros, que recordábamos temas que habíamos sacado en algún momento en algún ensayo y que teníamos perdidos, nos mirábamos y decíamos ‘bueno, toquémosla’ y salía con mucha fluidez de inmediato. Teníamos un lenguaje común, sabíamos donde iban los cortes al mirarnos o inventábamos unos en ese momento. Fueron dos veces que tocamos en vivo y fue genial… luego de esto comenzó a tocar Fede que es el hermano de Santi, con quien habíamos viajado a Uruguay y nos ayudó mucho en esa gira. Fede toca muy bien el bajo y también existió de inmediato una gran conexión entre los tres, grabamos el Split con Fusibles y para mí este es el tope de lo que es ZAT hoy en día, que es la música que nos sale ahora y que nace de eso, desde la improvisación, donde los temas se iban para distintos lados sin que yo o Santi pudieran determinar como sonarían antes de presentarlos en el ensayo.

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D > Luego vuelves a Chile y Santi se queda en Argentina ¿Por qué seguir con ZAT? Con Santi siempre nos juntábamos y conversábamos sobre lo que sentíamos que ZAT como espacio de creación debía ser, el estar en constante movimiento, donde siempre entendimos los roles que tenía cada cual; por ejemplo, yo era el que generaba los contactos, armaba fechas y Santi estaba encargado del arte de la banda, aparte de que los dos componíamos. “Ediciones Incendiarias” éramos los dos. De hecho cuando Santi deja de tocar para mí fue como la muerte, era como terminar con una novia, de hecho cuando nos juntamos a conversar sobre eso fue en un Café y me dice de que él quería seguir tocando, pero quería continuar con sus proyectos y sentía que me estaba cortando las alas porque ZAT se estaba transformando en algo muy serio con lo que no podía cumplir, no le podía dedicar el tiempo que se merecía, pero quería que siguiera el proyecto que para él era muy importante. Fue duro en un comienzo, de hecho cuando comenzó a tocar Puig la batería, llegó un momento en que dije que no podía seguir con ZAT, no podía componer… sentía que era traicionarme a mí mismo tocar con otra persona un proyecto que era de Santi y mio. Luego conocí a mi compañera, nos embarazamos y volví a Santiago, pero antes de volver Santi me dijo que este proyecto debía continuar, que debía seguir para que yo creciera, que era tanto por mí como por él, sigo, en el pacto que tenemos como amigos, compañeros, cómplices.

E > ¿Cómo es este nuevo ZAT? Este Zat es muy distinto, partiendo por quienes lo componen, está Alonso que toca en “La Bestia De Geuvadan” y Gaspar de “Luxemburgo”. A Alonso lo conocía, a Gaspar no, pero mis amigos me dijeron de que él era una buena persona, que era comprometido y congeniamos de inmediato en ZAT, y con Alonso siempre quisimos hacer una banda y bueno... lo logramos. Claro es distinto, porque tiene que ver con cada uno de ellos; este ZAT es mucho más prolijo, más estructurado, como mucho más “digerible”, ya no tiene esos cortes tan extraños del ZAT anterior, es como mucho mas Emo, mucho más lineal, aunque sigue con la experimentación. Es otro momento.

F > En ZAT hay una gran importancia al discurso, el que se manifiesta desde lo estético hasta las letras, ¿Qué hay sobre eso?

Eso nace de las conversaciones que teníamos con Santi, del hecho de colectivizar la canción, que no

significa una sola cosa, que puede tener muchas lecturas y que igual es un poco sinvergüenza poner tu lectura por sobre el otro pero igual esta bueno plantear donde esta uno y mostrar esa plataforma, es decir ‘esto es para nosotros; fíjate tú que es para ti’ y ojalá que esto te provoque, algo bueno o malo, esa es la idea. Nosotros partimos sin razonar mucho lo que escribíamos sino más bien de una escritura algo automática, inconsciente de cuan coherente era. Igual creo que las canciones no tienen una sola lectura, sería muy simple decir que éstas solo tuvieran que ver con música y eso lo aprendí del punk, en como esto le da un significado mucho mayor a los temas, por más que nosotros no hagamos musicalmente punk tiene que ver con eso.

Todo esto que nace de ZAT parte y muere ahí, es un afán de explicar todo, de generar contenido en todo.

G > ¿Nos puedes hablar del vinilo que están lanzando?

Es un Split con Fusibles, una banda donde toca un amigo, Lou Baumann que tocó también en el último tiempo de “Jersey Killers” y que toca actualmente en “Quemacoches”, quienes llevan más de 13 años tocando; una banda increíble y muy cuidadosa en todo, desde su arte, con quien tocaban, las cosas que hacían. Siempre tocaban en su provincia, en San Miguel y hacían un movida reactivando lo experimental desde lo punk, con un discurso muy sólido, es una banda que admiro mucho. En fin, hicimos el trabajo de crear este vinilo junto con Pablo de Amendment Records, quien se dedicó más a la parte ‘administrativa’ de sacar el vinilo: llenar los formularios para enviarlo a Chile o llevarlo a la fábrica en EEUU, por ejemplo, y yo hice la parte más ‘logística’ como contactar los sellos y demás. Fue mucho trabajo. Además contacté a un gran amigo que es Pablo del cielo que hizo un hermoso inserto para el vinilo. Entonces va salir por diez sellos de Perú, Argentina, Chile, EEUU, Brasil y España.

H > ¿Qué es lo que se viene para ZAT? Se viene el lanzamiento del disco en varios lugares: Santiago, Valparaíso, Chillán, Concepción, Talca, en Noviembre Antofagasta y en Octubre vamos a grabar de nuevo para sacar un 7” pulgadas que editaremos el próximo año.

I > ¿Alguna palabra final?

Gracias a Salvaje por hacer este tipo de cosas.

http://loszats.bandcamp.com

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Entrevista por Raúl Olvido Fotografías de Claudia Herrera

HOMBRE PEZ Hombre pez es un ente que se viene gestando desde hace años en Ecuador, fecundado por Sebastían Game en los tiempos que tocaba en la banda de Indie Rock de Medellín llamada Biorn Borg, ahora se encuentra en Chile tocando con este extraño personaje que trata de torcer la realidad.

// Me gustaría comenzar preguntando sobre los orígenes del concepto de Hombre Pez y tus orígenes musicales en particular.

Hombre pez: Yo comencé con este proyecto incluso un poco antes de partir con Biorn Borg en el 2008, antes de eso ya tenía ciertas ideas, ciertas canciones que tengo y que no he grabado, es un proyecto que ha estado desde siempre; siendo pequeño ya tenía esta sensación del mundo y de las cosas que están pasando, esa sensación de que hay algo que decir sobre lo real, pero la idea es llevarlo a situaciones que se comprendan, es decir, que no sea una puteada sin sentido.

Es un proyecto que ha tenido muchas mutaciones hasta hoy, yo comencé cuando chico, tenía en ese tiempo más rabia y entonces el enfoque correspondía mucho más a eso, por ejemplo me pintaba con manchas en la cara, una propuesta menos estética, más sucia, así como también el sonido correspondía a eso. Después entré a Biorn Borg y deée botado el proyecto.

// ¿Me puedes contextualizar un poco sobre Biorn Borg?

Biorn Borg era una banda que yo tenía en Ecuador, que partió como una banda de rock independiente, aunque siempre lo fuimos, llegamos a tener una difusión y una repercusión bastante grande, nos fue bien dentro del medio independiente. Claro, nunca fuimos una carita del POP ni nada por el estilo, pero hicimos varias cosas que en Ecuador no habían pasado; en ese sentido fue un trabajo que nos exigió ser mucho solo eso, por mucho tiempo, a pesar de que todos teníamos proyectos alternativos para sustentarnos la comida, pero finalmente por cosas personales, por las relaciones entre la gente que compone la banda, por objetivos económicos de unos y otros integrantes, la banda se disolvió.

Justo antes de disolvernos yo quise retomar lo de Hombre Pez y en ese momento comencé a crear de

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manera más solida la idea de lo estético: en Quito justo antes de venirme hice un par de tocatas donde estaba súper fuerte la idea estética, hice una instalación con 200 muñecas ahorcadas, pintadas y yo ya con el maquillaje, con la propuesta que Hombre Pez era este ser extraño, este personaje que es como una obra musical/teatral donde yo dirijo y actúo. Bueno y después de esto me vine a Santiago, se terminó la banda y como en un impulso, de estar aburrido, de verme como atrapado, viendo que posibilidades tenia allá, si bien era como conocido y tenía las posibilidades de seguir haciendo algunas cosas, me daba lata porque el medio allá es muy chico y me sentí como carente de propuestas, no sentía que lo mío encajaba mucho en lo que estaba pasando ahí.

// ¿Por qué decides venirte a Chile?

Porque yo siempre tuve una relación con Chile, viví acá en mi adolescencia unos años, ahí era compañero del Matías Cena y por eso el compañerismo que tengo con él vine de antes, siempre nos seguimos el rastro, siempre se mantuvo el contacto del uno con el otro; entonces salió la posibilidad de venirme, eso sumado que acá tengo familia y ciertas cosas que me dan algunas comodidades. Entonces, al Matías fue a la primera persona que le escribí para contactarme con gente y él me facilitó mucho lo de conocer personas de estos lados. Yo llegué y al tiro me armé de una banda con dos músicos que eran de los Fictions, que era la banda que tenía el Matías. Ahí comencé de nuevo con la propuesta, armando los temas, solidificando bien el sonido de la banda como del trío de rock; ahora pasa que existe mucho sintetizador, mucho maquillaje musical y en ese sentido yo quería una propuesta que sea mucho más “Roots” por decirlo de algún modo.

Siempre me gustó este formato, quizás por lo fanático de Nirvana que soy. Bueno al llegar comenzamos con Francisco y Matiías Ordenes, y nos dedicamos a armar el proyecto. Francisco por sobre todo me ha apoyado mucho, en muchos ámbitos, como en el económico para que el proyecto se sustente, él cree en el proyecto y hoy por hoy es parte importante en lo que es el desarrollo logístico, es un apoyo importante en la ejecución de las cosas que se me ocurren para Hombre Pez.

// ¿Por qué el nombre de hombre pez?

El nombre se basa en una canción que se llama así. por un lado siempre me ha gustado el surrealismo, también visualmente Jorodowsky, esto fue creando una narrativa del personaje, una construcción que tenga una historia, un trasfondo… Hombre pez es una dualidad, es un ser que puede respirar dentro y fuera del agua. Esto para mi genera angustia, no puede estar

dentro ni fuera del agua, ambas cosas lo atormentan.

Una inconformidad existencial constante, que refleja las carencias de esta generación. Somos obsoletos, nuestra generación entre los 80tas y los 90tas siento que no logra comprender ni a nuestros antecesores ni a los sucesores, estamos en el limbo, por ejemplo con la tecnología, la generación anterior a nosotros se les presenta esto mas tardío y les cuesta poder ocuparla, en cambio la que viene de nosotros nos superan con creces. Políticamente en los 80tas pasaban muchas cosas que eran muy complejas, que nos entregaban señales ambiguas, a mi como ecuatoriano me tocó vivir la guerra con Perú, en el ‘94 pasó lo mismo, una inestabilidad política súper grande, entonces existía una cierta inocencia política, la gente creía que lo que pasaba era lo real, que estaba bien lo que estaba pasando, además era súper peligroso cuestionarlo ya que había mucha coerción. Las generaciones nacidas de los 80tas crecimos con este miedo al poder, cosa que no pasa con las generaciones actuales. En ese sentido Hombre pez en sus letras, en el concepto, es lo que somos, una generación que no les compró el cuento pero que se lo hicieorn tragar igual. Tratamos de reflejar los traumas de nuestra generación, a través de puteadas y nihilismo. Somos un experimento fallido.

// ¿Cómo ha estado la recepción del disco?

Ha tenido buena recepción en las redes sociales… lo lanzamos de manera muy independiente, sólo a través de mi facebook, ahora estoy tratando de enviarlo a nichos en donde podría tener una mayor difusión, a diferentes sellos de diferentes países, no con el afán de ser parte de esos sellos sino como que ellos puedan distribuir. La intención para mí es que sea de esta forma porque no me interesa cumplir con los cánones de cómo funciona la industria musical ya que para mí no funciona.

Yo creo que existe un decaimiento de las bandas como una propuesta solida de lo artístico en lo general, donde se creaba un imaginario completo del artista, ahora eso no pasa ya que bajas el disco y si no te gusta lo borras, antes hacer eso era más complejo, costaba deshacerse de un disco. Para que hoy resulte algo de eso se tiene que mostrar una propuesta sólida que vuelva a generar este imaginario del artista. Para mí es super importante retomar ese recurso POP, de por ejemplo salir pintado, con un vestuario en particular y que Hombre Pez se piense no sólo por la música, sino por todo el concepto que viene detrás, por imagen, por estética, por propuesta teatral, por un universo de cosas que pasan. Mi objetivo es que la música sea pegajosa, pero tirar una imagen de algo más chocante, que pervierta un poco ese sonido más digerible.

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// ¿Cuál es el siguiente paso de Hombre Pez? Bueno, yo ahora pretendo tocar y difundir el disco lo más posible, sacar copias físicas para vender en las tocatas. No existe nada muy claro de lo que pasa en ese sentido, pero estamos comenzando a mover un poco todo es; ahora en junio me voy a hacer una gira por Ecuador, donde existe gente que está interesada en esto por lo que fue Biorn Borg, espero que exista harta difusión de esto allá.

También estoy en contacto con gente de Colombia, y estoy a la espera de que esto termine generando más tocatas; y para cuando volvamos tocar mucho antes de comenzar a grabar el segundo disco que ya está compuesto.

Como el proyecto tiene mucho tiempo, tengo una cantidad bastante grande de temas, la idea es ir creando nuevos y reciclar algunos antiguos, en la medida de cómo me vaya sintiendo y lo que me toque vivir, dándome la libertad de hacer lo que quiera.

// ¿Algo que quieras agregar?

Pienso que también Hombre Pez tiene una parte media ocultista, hay un tema que se llama “Los Astros” que habla de un cierto encuentro con cosas extrañas… bueno, no se… también se vienen a la mente algunos videos que son súper importantes para ir creando ese imaginario del personaje… el próximo video trata del tema que te hablaba recién, en donde Hombre Pez siga con esa imagen de monstruo pero como un sacerdote que guía una procesión, bueno ahí lo verán… en el fondo es una manera de llevar la cotidianidad hacia un imaginario retorcido, pero con imágenes que son reales, con imágenes de cosas que existen pero que no las configuramos de esa forma.

http://quiebre.bandcamp.com

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Me lleva por cien? · El Loco ·

Nos fuimos a meter al parque O’Higgins con la ridícula intención de sabotear, con nuestro papel kraft pintarrajeado, la parada militar.

Con esta ambiciosa idea convencimos al Movimiento Unificado de Minorías Sexuales (MUMS) que nos apoyara y como colaborador facilitara sus instalaciones para coordinar el asalto y toma de la elipse. También llego gente del SERPAJ* con su agrupación de objetores de conciencia que con la misma efectividad combatía los males menos consensuados de nuestra sociedad.

Hicimos varias reuniones para coordinar no sé qué y tampoco de qué forma, pero algo teníamos claro: si éramos todos oprimidos podíamos dar el mismo caldo juntos, incluso más diverso y colorido.

En ese contexto de reuniones me lleve varias sorpresas, que en realidad, no debieron haberme sorprendido tanto.

En un momento el apoyo por parte del MUMS se vio amenazado por los homosexuales conservadores UDI que pertenecían a la agrupación.

A diferencia de éstos, a algunos les gustó tanto la idea que se abalanzaron sobre uno de nuestros compañeros azuzando a éste a descubrir nuevas sensaciones, ante lo cual se sintió extrañamente “oprimido”.

El asunto es que nos juntamos en el metro parque O’higgins, no más de 50 personas (¡cacha weon, somos caleta!) y enfilamos con nuestro gritos hacia el parque mismo. A la clase trabajadora ambulante del sanguche de poto y la bilz no le gustó na’ la weaita y nos convidaron a irnos a la mierda. Como nuestra misión era noble, más noble que la indolencia que provoco en aquellos el capital, seguimos intentando por la parte del pueblito.

Debo reconocer que yo quería entrar. Me había dedicado a pregonar acerca de esta

maravillosa idea: llegué temprano, pinté carteles, divulgué los gritos, etc. pero a uno de los intelectuales ya se le había ocurrido hacer algo mejor (obvio) así que se puso a putear y forcejear con la policía. Aseguraba que previamente había conseguido, con un amigo de un amigo, que llegara la tele. Si, la misma que da el mundial, pero esta vez venía a mostrarle al mundo que teníamos razón.

Sería todo, después de la alharaca del caballero éste nos salieron a buscar a los palos. Yo y otro de los míos alcanzamos a colarnos por la otra entrada del parque y nos sacaron a huascasos como en el rodeo. Muy chileno todo.

Afuera estaba la caga, un montón de tipos presos y el guanaco persiguiéndonos hasta las afueras del Teatro Caupolicán. Se pusieron tan quisquillosos los pacos que en realidad parecía un operativo mayor con el fin de mantener el statu quo. Pero nosotros no poníamos en peligro nada, excepto nuestra integridad.

Como siempre, tuvimos que ir afuera de no sé cuál comisaria a buscar a los amigos.

El intelectual zafó de los primeros así que no tuvo acceso a las instalaciones que carabineros nos ofreció. Hablaron de “pasarlos a fiscalía” por un jarro para calentar leche que, cual Cóndor Rojas, recibió un oficial en su rostro.

Pasamos todo el día en la cuneta esperando, como las veces anteriores y las que siguieron.

Fácilmente ya han pasado unos 10 años.

El intelectual todavía es muy influyente, los homosexuales votaron por Piñera y a uno de mis amigos lo fue a buscar su padre en una camioneta 4x4 que desde su pick-up erigía flamante una enorme bandera Chilena. *: Servicio de Paz y Justicia.

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Entrevista por Walo Fotografías de Lita Lazo Coppa y Ofe

VEGAN BUNKER Marta es la “dueña” de Vegan Bunker, quien además de chef, fue integrante de To feel alive.

Hace años viajó a Brasil y poco después de volver abrió su propio restaurant vegano, el cual está hecho con cariño y donde donde además de vender comida, se realizan talleres de distintos tipos, como gastronómicos o de género. En junio de este año se cambia de local a Barrio Italia, donde es un oasis dentro de un lugar donde prima la gastronomía cárnica. | ¿Cómo empezó tu interés en la cocina?

Siempre he tenido una relación con la cocina, porque nací en una familia que cocinaba mucho y fueron mis abuelos quienes me criaron, los que siempre tuvieron una preocupación por la comida, por alimentarte bien.

Mi abuelo era cocinero y hacía de su casa un restaurant, a falta de poder tener uno. Extendía el almuerzo como a veinte personas, decoraba las mesas y se dedicaba a atender poniendo muchos detalles en ello. | ¿Hay una relación de amor con tu cocina?

Para mi es una relación amor odio, más que nada porque para mí es un trabajo y cualquier trabajo es una mierda, sólo que ésta es más fácil de oler, porque hago la comida que me gusta sin explotación animal de por medio, me divierto y estoy rodeada por la gente que quiero.

Pienso también que la comida es bastante emocional,

no hablando holísticamente, pero si levantas enojado y cocina, lo transmites, al igual que cuando estas nervioso o ansioso y se nota. Además siempre hay algo se social en la comida, la mejor manera de convocar gente es con algo de comida de por medio. | ¿Cómo se mezcló la música con la comida?

Por necesidad yo creo. En las tokatas ibas a llevar una distro, a disfrutar un show o a comer, porque no almorzabas y sabías que habría comida, donde además estarían tus amigos y compartías toda la tarde. Así que empecé vendiendo hamburguesas de soya – las cuales ahora odio casi – en los shows y se propagó eso de que una chica cocinaba bien, además de la fama que hacían quienes fueron mis pololos con el típico ‘oye, mi polola cocina super bien’, entonces en las reuniones o cuando venían bandas de otros lados, Marta era la que le cocinaba a todo el mundo. Después vendí chocolates,

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que era Chocoveggie en ese entonces y de ahí empecé a trabajar en Arte Vegetal que fue como una vitrina, en donde se extendió del hardcore hacia cualquiera que fuera a comprar. Luego me fui a Brasil y también compartí con gente del hardcore o straight que tenían restaurant, donde aprendí mucho más de la cocina vegana con gente que tenía mucha experiencia en ella sin ser necesariamente chefs. | ¿Cómo coló en ti la experiencia de vivir en Brasil?

Bueno, es distinto ser extranjero. Fue un montón de cosas ser inmigrante, desde aprender otro idioma para poder defenderte, ser mina, ser rara, ser cola, ser masculina, ser nadie hasta tocar en una banda o ser la mina que cocina bacán. Llegué conociendo muy poca gente, pero siempre desde los nexos del hardcore, lo cual agradeceré siempre; incluso me invitaron a trabajar en el Vegacy, donde siempre quise estar y el cual fue mi primer trabajo en restaurant; ahí limpiaría los baños con tal de aprender cómo funcionaba un restaurante vegano de principio a fin, pero me pusieron de inmediato en la cocina y eso fue lo mejor. Después me fui a Vegan Pride que es una tienda de comida y productos veganos y luego me fui a una gastronomía más alta al Loving Hut, que es como una red de cocina vegana internacional que incluso tiene hoteles, donde adquirí muchísima experiencia. De ahí en adelante ya no era la mina buena onda que cocinaba en tokatas, fui Marta González Chef y más que para mí, eso le importa mucho a la gente que ama la burocracia y los títulos. | También estuviste en un canal de cocina vegana. ¿Cómo fue eso?

Era un canal independiente de gente vegetariana, donde cocinaba y hablaba de gastronomía sin más pretensiones que esa. Eran recetas online, y era extraño porque casi siempre el mundo culinario está marcada por lo masculino, en donde los chefs son los únicos que pueden ‘seducirte’ para que prepares tal o cual cosa; junto con eso, lo que creo que en verdad me importaba, era que estando lejos, mi abuelita podría verme cocinar y eso la pondría muy contenta. Ella ha sido la mejor y sabía que la alegraría verme en todas esas cosas, como revistas o periódicos. | ¿Cómo nace el Vegan Bunker?

Todas mis casas han sido mis bunkers. Lo chistoso es que algunas personas lo confunden con la disco Bunker y no es lo mismo, o un poco si, jajajaja. Para mí es un refugio, es mi casa y está todo lo que me gusta, desde

la comida hasta la decoración. Y como en cualquier hogar hay gente bienvenida y otra que no. Además, parte también como la necesidad de generar un negocio familiar, porque mi vieja no tiene estudios y es mayor, y quise ayudar a mi abuela quien tiene una enfermedad, junto con hacerme cargo de los animales que adopto a los cuales hay que alimentar y cuidar. Acá también trabajan amigos que lo necesitan, por ejemplo. Hay talleres o comparto con otras cooperativas como Viveg, por ejemplo. Este no es solo mi restaurant, es un montón de cosas y ser una cara visible es algo molesto, de hecho esa asociación de ‘vegano buena onda’ me apesta y que por ser la cocinera todo el mundo te conozca, es algo incómodo. Por otro lado, no soy predicadora de nada, todos somos grandes y sabemos que matar animales es horrible, y no hablo de que esté mal desde un punto de vista moral, no es lo mío, pero yo encuentro que es pa’ la caga y nadie me convencerá de lo contrario. | ¿Cómo ha sido enfrentar todo esto?

Habían días en los que me despertaba y sentía que lo primero que tenía que hacer era rendir cuentas sobre dinero y otras weas, y me di cuenta que la gente que más dice odiar la plata, es la que más se preocupa de ella. Entonces llevar adelante el Vegan Bunker significó hacer las cosas a mi manera y a la de nadie más, no porque fuera la única o ‘la’ manera de hacerlas, pero era mía, y mientras funcione bien para mí y para la gente que trabaja conmigo, lo demás da lo mismo; trato de gerenciar este restaurant en base a un montón de otras experiencias que no han sido positivas pero que me han servido para aprender lo que quiero o no hacer.

La verdad es que acá se nota el ambiente familiar y no como la construcción típica patriartal, sino como una comunidad. Donde la comida es un bálsamo que permite unir a varias personas.

Bueno, la comida tiene dos caras, así como puede ser un bálsamo benigno, también puede matarte, es un arma muy poderosa. Si un día yo me levanto enojada y quiero intoxicar gente, también lo puedo hacer. Yo siento que la comida más que nada es confianza y quizás esa confianza es la que se nota. Además de que la gente ha confiado en que viene a comer a un restaurant vegano y no habrán sorpresas desagradables, porque va desde el garzón que sabe responder cualquier duda acerca de la comida hasta las cosas que compramos y tenemos para todo el local.

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| ¿Qué significa para ti el veganismo?

Me di cuenta hace tiempo que mi visión del veganismo no era la única, que no existe una manera de veganismo, igual que con el straight edge y que son un montón de cosas, no solo tu forma de vivir. Yo solía llevarme mucho por etiquetas. Yo no solo amo cocinar, también me gusta bailar por ejemplo y a veces sentía que me complicaba por eso, porque es raro que un punky o un hardcore guste de bailar por ejemplo y solemos responder a identidades calzadas. Eso pasó con el veganismo también, trato de llevarlo a cabo de la mejor manera posible según como yo lo veo. | ¿Has plasmado algo de política también en este espacio?

Si, obvio que si. A mí los únicos amarillos que me caen bien, son Los Simpsons. Para mi esto se trata de ser honesta y saber que no todas vamos para el mismo lado. Acá, como dice en la entrada, hay cosas que no son bienvenidas y no nos interesa ser buena onda con todo el mundo, porque si viene un homofóbico e insulta alguno de mis amigos que trabaja acá, no voy a decirle a mi amigo que lo deje pasar, al contrario, la persona que lo insultó tendrá que retirarse y no volverá a entrar y así con cualquier otra conducta que nos parezca que atenta contra nosotros y este espacio. Además, si hay

algo que se plasma acá, es la autonomía de hacer las cosas a nuestro modo, desde cocinar hasta armar una repisa y eso también es una manera de posicionarse. | ¿Cómo es la percepción de la gente hacia el Vegan Bunker?

Para quienes vienen a compartir y a pasar un buen rato, me parece que entendieron de que se trataba, pero ha habido gente que llega en la parada de ‘cliente’ y quieren que la atiendas y eres para un empleado más.

Para nosotras, esa gente está equivocada. Acá no vienes a comer comida rápida, al contrario, queremos que te quedes y te tomes todo el tiempo que quieras en comer y disfrutarlo o pasarla bien con quienes estas compartiendo. Éste es un restaurant, pero no está basado en ninguna leí ‘gastronómica’, por lo que procuramos deconstruirlo a diario. | ¿Cuáles son los planes a futuro del Bunker?

Yo espero que el Bunker no me mate. No quiero que me aburra y cierre pronto. Me gustaría que se generaran un montón de cosas más en este espacio pero todas a su propio ritmo. De todos modos, no espero que dure tantos años, me gustaría viajar y hacer otras cosas, no quiero jubilar en esto y llegar a odiar lo que tanto me gusta que es cocinar. No tiene que dejar de ser interesante para mi.

Quiero que todos los días existan razones para continuar en esto.

http://www.facebook.com/VeganBunker

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Los nuevecitos Parte 2

Sé que el Juanito llegó a odiar al Henry, que se creía una estrella del rock y que vivía menospreciando la música de los demás, diciendo que “Santiago está lleno de tocatas con bandas pencas con 3 temas charchas” - cosas por el estilo -, sintiéndose parte de una escena única, líder de la única escena posible; ese tipo de cosas que pone a los demás en una posición en la que hasta ser espectador te hace sentir indigno de su luz. Sólo diré lo que vi, lo que escuché directamente, por lo tanto, no voy a olvidar que el Juanito me dijo, “Oye, ayúdame a secuestrar a este culiao, lo tengo todo planeado”. No le dije nada, lo sé, lo recuerdo bien. Lo dejé hablar y que explicara su plan. Era tan básico como disparatado: “Simple, lo pillamos en la calle y lo llevamos a mi departamento. Una vez ahí, le sacamos la chucha al culiao”.

- ¡¿Ese es tu plan?! - Me reí en su cara- ¿Pero Juanito, weón, qué chucha estás pensando? Si es por eso, mejor lo invitas a tomar, le buscas el odio y se agarran a combos.

- No po weon!! Eso no tiene gracia. En primer lugar porque ya pasó y, en segundo lugar, porque la idea es que el Henry se cague de miedo. El miedo a la muerte, al olvido, a la soledad encerrado en algún lugar.

- Claro, lo vas a encerrar en tu departamento, le vas a llevar desayuno a la cama, van a ver películas juntitos en la cama... admite que lo amas y ahórrate problemas y la paja de hacer planes malos y absurdos.

- Na’ que ver weon.

- Bien mala tu idea, Juanito. Bien mala.

Ahí quedó la conversación, no le di mayor importancia y me olvidé del asunto, porque la idea, digámoslo, era bien mala. Sin embargo, Juanito no se detuvo ahí. No lo volví a ver hasta unos tres meses después para su cumpleaños.

Muchos invitados, bien regado el carrete, todo el mundo pasándolo bien. A eso de la medianoche noche llegó a saludarlo el Henry. Nulo alboroto provocó su llegada, venía acompañado de una chica-chica, algo gorda que, se dijo en esa noche, cantaba ópera. Nadie de los presente pudo asegurar haberla escuchado cantar, se hacía llamar Clementina y, se supone, iba a cantar para el nuevo disco en el que trabajaban Los Nuevecitos.

La fiesta continuó. El Henry se veía incómodo, sentado en un amplio sillón de mimbre, a un lado la Clementina al otro unas muchachas que no recuerdo, estaba callado, mirando a todos a su alrededor, sin opinar sobre nada y tomando cerveza en silencio. Según me explicó Juanito en la cocina, mientras sacábamos hielo, esa era una pose que el Henry asumía, cuando no conocía a nadie; “lo hace para llamar la atención”, me dijo.

por Isaac Cornejo Guaico >

A las pocas horas comenzó a irse todo el mundo. Luego, a eso de las cuatro de la mañana, sólo estaba el Juanito, el Henry, la Clementina (que dormía en el sillón de mimbre) y yo. Juanito comenzó a mostrarle unos temas, que en realidad eran míos, diciéndole que eran suyos. El Henry los escuchó respetuosamente, luego se unió a cantar. Todo bien, todo bonito, hasta que al Juanito se le despertó el demonio. El Juanito me mira sigilosamente, a las espaldas del Henry y con gestos me dice “Ahora weón, ahora”, como dando la señal para hacer estallar la bomba debajo del puente por el que va pasando el dictador; luego en la puerta del baño me reclama “Ya po weón, lo tenemos listo.

Saquémosle la chucha a este culiao. Pa’ qué te correteai “. Me rio, y parece no entender que la idea no sólo es mala sino que además aweoná. Va a pasar una hora más, insistiendo con la mirada, tapándome a gestos. Luego, sin aguantar más la posibilidad de que el Henry se le escape, nos invita a todos a subir a la azotea del edificio de 30 pisos en el que estábamos. El Henry acepta inmediatamente, la Clementina sigue durmiendo y no se da por enterada de nada. Tomamos el ascensor y el Henry es el único que habla. Está emocionado, le gusta mirar Santiago desde las alturas dice. “Una vez en la azotea, el Henry es el primero en caminar hacia el borde. Al oído el Juanito me dice: Ahora weón, le sacamos la chucha y lo dejamos amarrado aquí”. “¿Amarrado?” - Le pregunto, “¿Y con qué si se puede saber?” - le vuelvo a preguntar. No sé de dónde el Juanito saca una soga. Me cago de la risa, a lo lejos se escucha al Henry hablando no sé qué. Le digo al Juanito que me pase la soga y que él vaya y lo “reduzca”. Pero el weón quiere que yo lo haga. Me niego, “La idea es tuya weón” - le digo. Le quito la soga y Juanito se dirige hacia el Henry. Creo que lo va a empujar. No alcanza a llegar a su lado, cuando aparece el conserje del edificio y nos pide que bajemos, que no se puede subir de noche, que los vecinos reclaman... Qué se yo. Debemos bajar. En el ascensor el Henry nos da las gracias por el paseo. El Juanito me mira de reojo como reclamando. Nadie habla del asunto hasta el día siguiente. El Juanito me reclama que dejamos pasar una oportunidad de oro, “Ándate a la chucha culiao, la idea es tuya y es mala, convéncete, asúmelo”.

La última vez que me habló del asunto fue hace dos semanas. Salimos de una tocata y pasábamos frente a la casa del Henry y el Juanito me dice “Aquí vive este culiao, un día deberíamos venir, tocar el timbre, cuando abra la puerta, nos abalanzamos sobre él, le ponemos una bolsa en la cabeza, puede ser un saco de arpillera, y una vez controlado, le damos unas patadas en el suelo. Una vez listo eso, lo sacamos y lo vamos a botar lo más lejos posible”. “Estai loco weón” - le digo y me rio, a lo que él responde “Un día de estos se va a perder el Henry, ese día acuérdate de mí y cágate de la risa”.

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E N T R E V I S TA

Entrevista por Walo Fotografías de Gary Go

PONY! Pony! En una banda de punk rock de Perú, pero su sonido puede estar más cercano a las bandas Indie más ruidosas de los 90tas. Claro, porque lo de Pony! es la actitud, es como hacen las cosas, como dan todo cuando tocan en vivo; sus letras hablan de sus ideales sin tener catálogos de comportamiento o ser tan directas.

Hace poco estuvieron en Chile en el marco de la gira ‘Cuántas veces? tour 2014’, que además les permitió viajar por Argentina y el resto de Perú.

1 > Una pregunta que es inevitable hacerla, ¿Por qué nombran a la banda PONY!, incluído ese signo de exclamación?

Cuando empezamos la banda Eduardo y yo (Rix) no teníamos definido ser una banda, solo éramos dos amigos haciendo música, pero cuando llegó la oportunidad del primer concierto, no teníamos nombre y al escuchar lo que teníamos, que no era mucho, sentí que era algo como que entre tierno y rabioso… yo me acordaba de los ponyes que había montado de niño porque me daban miedo los caballos, y se me ocurrió Pony, el signo de exclamación es por influencia de Giraffes? Giraffes!, una banda de math rock estadounidense de la década pasada. Creo que no tocamos en ese concierto, pero el nombre quedó, y bueno así nos gustó también, jaja.

2 > Ustedes llevan editados 2 Eps y un Lp en muy poco tiempo, siendo el último editado con sellos de distintos países, ¿Nos pueden contar cómo se dio esta posibilidad?

En realidad son 3 Eps, el primero que salió a los meses de nacer como banda que se llamó “Seis”, luego sacamos un Ep de acústicos y un Ep más que salió en tape en Estados Unidos, también un split con una banda de acá de Lima, Animal del Monte, que ya no existe, y un single.

Bueno todos esos Eps y producciones se daban porque no encontrábamos una ilación coherente para un disco.

Cuando Eduardo volvió de viaje de Estados Unidos nos juntamos a tocar nuevamente, empezamos a componer rapidísimo, en 2 semanas teníamos 10 canciones y 3 antiguas que merecían ser mejor grabadas puesto que tenían bastante que ver con todo lo que sentíamos y así nació el LP.

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Sobre las ediciones, se fueron dando de a poco. Nosotros tenemos un sello junto a un amigo, Garzo, cantante de Plug Plug, Metamorphosis, Los Huaycos y otras geniales bandas, llamado Magnetic Fever Records, con él salió la propuesta de hacer un disco de manera más elaborada, disco de fábrica y todo eso, también los amigos de Cuaderno Roto y La Flor Records, que es un sello con que tenemos bastante amistad. Luego era inevitable que Carlos, de Entes Anómicos, que es peruano y vive en Alemania, también se animara y también los chicos de Amor Fizz, que tienen a Sin Odio, así poco a poco hemos podido lograr la edición de 500 copias, que para nosotros es bastante, y creo que para cualquier banda independiente.

3 > Es extraño para una banda que genera un sonido más bien melódico estar conformada por dos integrantes, ¿Cómo es el proceso creativo al enfrentarse de esta forma a los temas?

La idea de dos siempre fue mía, Eduardo recién se acostumbró a ello. Hubo amigos que se probaron en el bajo, pero no salía bien. Creo que nosotros estamos bastante bien así. Para componer cada uno da una idea, es decir, a veces yo vengo con un riff y le digo “Eduardo sígueme” y él me sigue o al revés. Las letras sí las hago con frases que apunto en un cuadernito o que se me ocurren media hora antes de grabar. Siempre ha sido así, nos funciona bien, ahora es más, hay unas canciones que están grabadas de esa forma, y falta ponerles letra solamente, creo que lo haré igual el mismo día de la grabación, me pondré a cuadrar con una hojita y un lapicero.

4 > Pony! es una banda donde hay un acento en sus letras en lo más emotivo, en general tratando temas de desamor, ¿Por qué este tema es tan recurrente para ustedes?

No sé si es desamor en general, en realidad yo soy una persona bastante obsesionada con el tema de las pérdidas, pero no amorosas en sí, sino personales, emocionales. En los últimos 20 años mi familia se ha reducido a mi mamá y a mi hermano y no tengo nada más. A veces he hecho canciones que son “de amor” pero no son precisamente para nadie, son canciones que pienso hubiese hecho alguien para otra persona, y me pongo a pensar qué cosa hubiese dicho. En realidad tratamos de tener una compensación entre melodías alegres y quizás una letra que no lo es tanto, nos divierte bastante eso, también hay canciones que hablan sobre el odio que sentimos a algunas cosas, como el sexismo, el abuso, la homofobia, aunque no lo decimos claramente, pero siempre tratamos de estar en contra de abominaciones como las que mencioné. Hace poco tocamos en un evento en contra del genocidio de Bagua, perpetrado durante el gobierno de Alan García, quisieron sabotearlo pero no se pudo. Fue hermoso.

5 > Están a punto de comenzar una gira por Argentina, Perú y Chile, ¿Qué esperan de ésta?

Empezó en Trujillo y fue lindo, la gente se sabía las canciones, poguearon con respeto, fue algo que no esperábamos.

Tocaremos bastante según veo; yo esperamos conocer personas, bandas que compartan lo que nosotros queremos expresar, el amor por la música, el amor por algo, que si bien materialmente no es muy retribuido, es algo que a nosotros nos llena demasiado. Esperamos compartir experiencias de las escenas de cada ciudad, yo particularmente quisiera entrevistar a las bandas, promotores, diseñadores de cada ciudad, me interesaría hasta hacer un pequeño documental, no sé si me dé el tiempo, pero eso me haría sentirme bastante contento.

6 > Se suele decir que existe una gran hermandad entre las bandas de punk, ¿Lo han sentido así?

No sé. Hace poco tocamos en un show de una banda que admiramos bastante y tocó otra banda, que se burlaba de nosotros, quizás por el nombre, quizás porque no éramos “suficientemente punk” para ellos, no lo sé, claro que ellos no saben que nosotros programamos nuestras fechas, hacemos nuestros propios polos/remeras/camisetas, producimos nuestros videos, discos. Para nosotros el DIY no es una etiqueta, es una forma de hacer las cosas, preferimos hechos y no palabras, y bueno esa vez fue chistoso, porque particularmente no nos importaba mucho. Pero sí hay bandas con las que tenemos bastante afinidad y colaboramos entre nosotros pero no sé si ellos se consideren punk aunque gustan del “punk”. Nosotros no sé si seamos punk, para mí Nirvana era punk, y para otros no lo es. Hace poco unos “punk” de mohicano y toda esa cosa, con correas de púas nos robaron una camiseta y los dejamos ir, obviamente para mí eso no fue punk, pero en fin, no podemos hacer nada contra eso, hay muchas cosas que deben cambiar, pero no pensamos llorar por eso, tratamos de hacerlo y punto. Hace poco acá en Lima, Saga Falabella sacó una línea de ropa “punk” y fue chistoso, algunos acá como que se ofendieron, pero particularmente me cagué de risa.

7 > En el nuevo LP hay un tema con Garzo de Metarmorphosis, una vieja banda de punk de Perú, ¿Cómo se dio esta colaboración y qué significo esto para ustedes?

Yo conozco a Garzo cuando él empezaba con su banda Plug Plug y yo tenía otra de post rock/noise, pero yo lo había escuchado con Metamorphosis desde que yo tenía 12 o 13 años, y para mí es una banda que ha influenciado bastante lo que pueda hacer musicalmente y obviamente que con los años nos hemos vuelto amigos y formamos el sello Magnetic Fever. Justo esa canción “Pancho

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Trujillo” fue pensada para una colaboración y pensé inmediatamente en su tono de voz, la grabó desde San Francisco en Estados Unidos y quedó, realmente es una canción que disfruto escuchar porque es como un logro personal que he cumplido.

De todas maneras muchos coincidirán en esto, pero hay una escena de bandas peruanas Post Metamorphosis, que han tenido influencia directa de ellos, son varias que me cansaría de mencionarlas.

Para mí está en el top 5 de bandas definitivas nacidas en el Perú, sin duda.

8 > ¿Nos pueden recomendar bandas de su ciudad o que les parezcan interesantes?

De hecho de Trujillo está Fiesta Bizarra. De Ilo Kali Iuga y en Arequipa Tony Danza y Nousvlid, eso es en provincias. Ya en Lima hay un sinfín de bandas: Buh, Cecimonster vs Donka, Los Hijos del Culto, Eva y John, Plug Plug, El mundo de Pecval, Cocaína, Sparx, The Satellite, Juan Sáyago, Poncho Negro, Ciudad Papel, Los Mortero, Mundaka y hay tantas que sería demasiado mencionarlas a todas.

9 > ¿Cuáles son sus planes a futuro?

Después de la gira, tocar en Lima cuanto se pueda, luego presentar nuestro split con Amor Fizz, y hacer un split con Raised By Zebras que es otro dúo en el que canta Garzo y toca guitarra, a fin de año; quizás ir a Ecuador y Colombia en Septiembre u Octubre y nos gustaría conocer más lugares, ir componiendo el segundo disco, también hacer más videos, y hacer algo por nuestra ciudad. Pensamos hacer conciertos de una entrada que cubra los gastos básicos de equipos y un libro para donar a bibliotecas comunitarias, es algo que vi que harán en Chillán y me parece increíble, digno de copiar y eso haré en Lima de todas maneras.

10 > Aquí pueden decir lo que ustedes quieran Gracias amigxs por la entrevista, es bastante interesante como las fronteras van desapareciendo y nos damos cuenta que el pueblo latinoamericano es uno solo. De por sí esperamos estar tocando con ustedes y poder compartir con todxs, esperamos puedan ir a los conciertos a vernos y a todas las bandas que son geniales, según he estado escuchando. Cientos de Abrazos!!

http://ponyvil.bandcamp.com

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E N T R E V I S TA VeganRecords es un sello de Argentina que fue fundado en el 2005, quienes han editado y coeditado bandas de todo el mundo manteniendo la idea del HTM. Su director, Alejandro, toca en Mil Caras y Las palabras queman, banda con la que tocará junto a Gorilla Biscuits en Diciembre.

1 // Cuéntanos un poco sobre ti y a lo que te dedicas.

Hola, mi nombre es Alejandro, tengo 32 años, soy actor y dirijo un sello hardcore en Argentina 2 // Hace poco estuviste de gira nuevamente por Chile junto a Mil Caras y Tryout (Col). ¿Con qué sensación te quedas tras esta nueva visita?

El tour de Chile 2014 fue distinto al resto, no sé si fue “mejor” pero para mí tuvo un verdadero significado.

Uno cuando hace este tipo de viajes deja muchas cosas pendientes, gasta dinero y le pone mucha voluntad y predisposición a todo. Personalmente en éste tuve la suerte de hacer otras cosas que las típicas de los tours de bandas. Pude asistir a 2 lugares donde me sentí bien, mal y sentí que no existo y que mis problemas me hacen sentir un imbécil por llamarlos problemas.

Uno de los puntos más altos fue ir a trabajar de voluntario al hospital veterinario que funciona en una escuela en Valparaíso, donde están trabajando con perros y gatos que fueron víctimas del incendio.

En esa ex escuela estuve paseando perros, aprendiendo sobre esa realidad y trabajando en un depósito por la madrugada, fueron unas horas hermosas, de mucho frio pero que me dejaron un recuerdo inolvidable. El otro punto fuerte del viaje fue haber asistido a la audiencia de Puente Alto en Santiago, donde pronto se juzgaría a Victor Hugo Montoya (digo juzgaría porque esto fue unos días antes de su liberación).

En la audiencia puede enterarme un poco más sobre la detención de Victor y pude conocer a su familia en persona. Yo había tenido contacto con ellos y por suerte pude darles un abrazo y conocerlos un poco más.

Entrevista por Ariel Muñóz

Vegan Records http://veganrecords.com.ar/ http://veganrecords.bandcamp.com/

Por suerte y como corresponde, Victor fue liberado sin cargos y ya está en su casa, gozando de su libertad.

Aparte de esto estuve recorriendo regiones donde tocamos con MIL CARAS como Concepción y Talca, lugares que ya conocía de las veces anteriores que fui a Chile. Siempre es bueno viajar hacia ahí porque tengo fuertes lazos con muchas personas que conocí gracias al hardcore. Y en el sentido global de la experiencia fue grata, conocí otras personas y pude ver a viejos amigos.

Mi plan es viajar 2 veces por año a Chile y pasarla siempre bien, compartiendo historias y buenos momentos 3 // El llevar un sello/banda te abre las puertas para conocer una gran cantidad de gente, pero ¿Cómo es tu relación particularmente con Chile? ¿Crees que existe alguna diferencia con el resto de países de Latinoamérica?

Un poco de esto respondí en la pregunta anterior, pero puedo redondear la idea diciendo que gracias al sello tuve la suerte de conocer varios países de Sudamérica, conocer sus costumbres, la gente que hace movidas en distintas ciudades y también conocer muchas personas que conocía solo de nombre o por internet- Esta era digital te permite entablar relaciones con gente que no sabes si existe, solo lo comprobás cuando viajas, así que creo que todo lo que me pasa a mí, le debe pasar a mucha gente.

Con Chile tengo una relación grande. Me gusta mucho el país y me gusta mucho más su gente, siempre me recibieron de la mejor manera, siempre se brindaron completamente y eso hace sentirte bien. Creo que esto tiene que ver mucho con esa conciencia hc punk de intercambio cultural y de experiencias.

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4 // Llevas bastante tiempo ligado en esto del hardcore. ¿Cómo crees que se van cargando las energías para no decaer y mandar todo al carajo?

Estoy en el hardcore desde el año 96 asistiendo a shows, en el 2000 empecé a tocar y en el 2005 armé el sello, creo que pase por todas las etapas.

La etapa de amor ciego para con el hc y la escena, la etapa del odio a todo y a todos, la etapa de estar cansado, la etapa de no parar de hacer cosas y la etapa de tomarme las cosas con calma.

Hay veces que tengo ganas de no ser quien soy, en el sentido que no quiero estar TAAAAAN metido en todo para poder desligarme un poco de algunas cosas, pero es la que me toca, entonces ya que estoy metido, lo voy a hacer bien o al menos intentarlo.

No sé cuál es la clave, creo que sí, es importante hacer las cosas que a uno lo hace sentir bien. En mi caso aportando algo con Vegan Records, con mis bandas. Eso es lo que me retribuye lo que doy y vuelve en ese sentido de satisfacción.

5 // Actualmente con Vegan Rex y Mil caras ¿En qué estás? ¿Qué futuros proyectos se vienen en camino?

Vegan Records está tan activo como hace unos años. Desde el 2011 tengo un promedio de 15 lanzamientos anuales. Este año voy a sacar 20 seguro. Estamos en Junio y ya edité 6 bandas/ discos.

Mi idea es aportar todo lo que ingrese para seguir llevando adelante las ideas que deben ser difundidas. Por eso existe Vegan.

El futuro está acá, eso es, seguir haciendo cosas día a día para que todos los días haya cosas nuevas, esa es mi idea con el sello, con la banda, con mi vida. No pienso tanto las cosas, soy más intuitivo y hago. A veces pierdo y a veces también (jajaj no, es chiste) 6 // ¿Cómo vez la movida hardcore en Argentina? ¿Crees que se diferencia mucho a la de otros lados de Sudamérica?

La veo muy parecida al resto de los países. Todos nos vestimos, escuchamos y caminamos de la misma manera. Lo único que cambia es el escenario.

Creo que en un punto estamos algo sujetos a un estereotipo, pero mientras éste estereotipo, más

allá de su contradicción tenga una premisa, está perfecto.

La diferencia que noto es que en algunos países va más gente a los shows, en otros van menos. Pero Argentina siempre tuvo buenas bandas y no creo que este sea el momento de la excepción. Siempre hay sorpresas y siempre vamos a tener algo para dar.

7 // Para ir finalizando. En Diciembre tocas junto a Gorilla Biscuit con tu otra banda: Las Palabras Queman. ¿Qué tal la invitación, cómo nace, qué esperan, etc.? Sin duda esa semana será una fiesta para Brazil y el hc latinoamericano.

La invitación fue una sorpresa. Nos enteramos casi 2 meses antes de la promoción de los shows, por eso estábamos ansiosos.

Tenemos muchas ganas de viajar y tocar en Brasil, como también ir a otros países de Sudamérica.

Creemos que la experiencia será inolvidable. Tocar con GB no pasa todos los días, así que esperamos Diciembre con entusiasmo y muy agradecidos.

8 // Estas líneas son para ti, escribe lo que gustes.

Gracias por tomarme en cuenta para la entrevista.

Gracias a todxs lxs que apoyan nuestras movidas y a los que siguen defendiendo sus ideas!!!

Go Vegan Straight Edge!!!

Ale.

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E N T R E V I S TA

Entrevista por Salvaje Fotografías de Catalina Guaico

+ ESCALERAS + La honestidad como camino Escaleras es una banda de post HC con muchas texturas en sus temas y sonidos, quienes con solo un demo y un split llamaron la atención de muchas personas, las que los invitaron a girar por Chile. Poseen letras personales que son potenciadas por la fuerza de sus interpretaciones; son un sentimiento, una invitación a acompañarlos por el camino que han decidido seguir.

1 + ¿Nos podrían contar quiénes y qué tocan en Escaleras?

Horacio: Yo soy Horacio toco la guitarra y grito.

Tony: Soy Tony y toco la batería.

Yael: Yo soy Yael, el esclavo de Horacio y Tony, toco el bajo y canto.

2 + A parte de escaleras, ¿Qué hace cada uno fuera de tocar en la banda?

Horacio: Yo trabajo en una metalúrgica, estudio historia y comencé en el conservatorio hace poco, me dedico a eso y a mi familia.

Tony: Soy docente, estudié plástica, doy clases en primaria y secundaria, aparte de eso soy ilustrador y trabajo en eso también.

Yael: Yo también hace poco me recibí de profesor de artes visuales, y bueno, siempre me dedique a la pintura, el dibujo y el grabado, trato de mandar obras para concursos, exposiciones, moverme lo más posible en eso y desde el año pasado estoy en un local de tatuajes y consiguiendo la posibilidad de trabajar.

3 + Existe una relación muy grande con lo plástico y por otro lado con la construcción histórica en la banda, ¿cómo se manifiesta esto?

Tony: Para mí se manifiesta en las emociones; la furia, la alegría, la tristeza, la vida misma que sube y que baja, la tranquilidad y los gritos, es algo que está en constante movimiento, el arte, la historia del ser humano, eso una mezcla de muchas emociones, para mí eso es Escaleras.

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Salvaje Revista 4 + ¿Qué los mueve a generar esta gira? ¿Por qué viajar?

Horacio: Para mí es mostrar lo que somos, aquello que nos mueve, esto que hacemos es lo que nos constituye a diario. Es esto lo que somos. Somos Escaleras.

Tony: Es lo que de alguna forma queremos mostrarle a los demás, lo que somos, lo que tenemos. Simplemente surgió la idea de viajar, porque hay mucha gente que en otros lugares siente esa misma inquietud, esas mismas ganas de decir cosas, entonces surge del conversar con personas que viven de este lado de la cordillera, los que nos invitan a hablar, a expresar lo que queremos decir.

Yael: Yo me di cuenta hace poco, como cuando se presenta el arte o la música, uno como que se vende, presta el alma a eso, entonces las cosas surgen solas, el viajar se fue dando sólo… cuando tú te entregas al arte, y éste te mueve, te trae, te hace viajar y si uno se entrega a eso, lo demás se da y entonces cumplimos la función que nos dicta el arte.

5 + A veces se considera al Hazlo tú mismo como un peso, ¿Qué piensan de esto?

Horacio: Yo no lo veo como un peso, lo veo como un sacrificio que tiene sus frutos, la parte del disfrute se da cuando te pones a ver todo eso que dejaste atrás, o todo eso que tuviste que hacer para poder lograr algo como esto. Entonces ese esfuerzo logra generar ese círculo perfecto. Claro a la larga uno se cansa, ¿Qué se yo? Pero estas son cosas de la vida misma, pero ese sacrificio hace que esto sea lindo, si fuera algo fácil creo que no lo haríamos.

Es lindo ver que hablas con gente de otros lados, otros países y la gente te pide ir, y que eso se transforme en una instancia es más bello aun, eso fue lo que pasó con esta gira y me encantaría que pasara cada vez más. Claro, también está eso de que llegada cierta edad esto cuesta un poco más, es más complejo y eso quizás genera cierto peso, el trabajo, la familia. Ya no eres un pibe de 18 años que no tiene tantas responsabilidades, pero bueno, es lo que nos gusta hacer.

Tony: Nosotros, por lo menos lo que hablamos antes de la gira, es que sentimos mucho apoyo por parte de mucha gente, esto hace que ese peso se aliviane. Notamos una comunión de

ideas, de gente totalmente diferente, de distintos lados, de hecho vamos a hacer tres fechas en tres ciudades distintas y son tres organizaciones independientes de las otras. A diferencia de lo que estamos acostumbrados en Argentina, recitales tan amplios con gente totalmente distinta, nos pone muy contentos.

Para mí vivir esta experiencia es algo muy importante, es un paso gigante en mi vida. Quizás para otras personas si le cuento esto les puede parecer estúpido; porque te hace gastar plata, te vas a un país que no conoces, que no sabes lo que te va a pasar. Pero para mí esto es lo que me llena, lo que considero importante, hoy mi vida esta plena, eso es lo que me gustaría decir. Esta unión de personas que pensamos y sentimos igual. De hecho los chicos que nos invitaron a tocar, hicieron un compilado con bandas de toda Latinoamérica, donde nos incluyeron a nosotros y compartimos ese sentir con bandas de Perú, México, no sé de distintos lados, es eso lo que me generan ganas de seguir, este compartir con gente de distintos lados, donde no existen fronteras, me hace sentir con mucha energía, me pone más pilas. Esto me hace sentir más grande, hoy camino con las cosas, me pesan, me duela la espalda, pero llego aquí y me dan ganas de darlo todo.

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Yael: La idea general es que la gente se anime a empezar a hacer cosas, creo que a veces no te aceptan y te consideran un loco, pero es porque la gente no se anima o no ha hecho algo que sea de forma independiente y creo que si se animaran a hacer las cosas así podría haber un gran cambio. Somos un pequeño grupo que está todo el tiempo rompiendo las pelotas, si se agranda esta masa puede haber otro pensamiento, mas independiente, comenzar a pensar por uno mismo, la gente tiene miedo de romper eso, de animarse a hacer las cosas distintas.

6 + ¿Qué los llama a insistir con un proyecto como Escaleras?

Tony: Yo opto por este camino ya que me hacer sentir más cómodo. Acá se genera que exista gente con gustos parecidos a los que tienes y eso es muy lindo. Es compartir con quienes sienten lo mismo.

Horacio: Para mí es hacer esto porque me siento vivo, creo que si lo dejara de hacer me faltaría una parte muy importante de lo que soy. Y esa inquietud que ciento de poder compartir lo que hago con gente de diferentes lugares, es porque sientes esa calidez, eso más humano que no te entregan otras esferas o cuesta mucho más que pase.

7 + Luego de un largo tiempo de estar componiendo, creando discursos, diciendo cosas ¿Qué queda por decir? ¿Qué queda por tocar?

Horacio: Bueno, nosotros llevamos mucho tiempo tocando juntos, ya vamos casi por los trece años que lo hacemos en diferentes proyectos. Mis inquietudes, ya que para mi decir algo es una inquietud, tiene que ver con lo que uno quiere decir en ese momento y eso que quiero decir tiene una cierta linealidad, puesto que también tengo un pasado, vengo de algún lado; por lo tanto lo que quiero decir tiene que ver con la honestidad, no voy a contar de algo que no soy, soy esto, me levanto todos los días a las seis de mañana, vivo en un barrio con calle de tierra, eso soy. Y lo que es la música es algo del momento, es lo que estas escuchando en ese momento, quizás en algún momento te pinta una cosa y vas cambiando según tu visión de ese momento, pero creo que lo importante es que decides hacer en cuanto a tu consecuencia y eso está por fuera de lo que puedas tocar o escuchar en algún momento.

De hecho generalmente en la banda que formamos, tratamos de crear un núcleo humano sólido, de esa forma la música queda por fuera de eso, incluso en algunos momentos esto nos trajo algunos problemas, pero somos así, nuestra fortaleza es esa, ese es nuestro mensaje.

8 + ¿Qué es Escaleras?

Yael: Escaleras para mí son emociones que están en el momento; nos llevamos bien, nos llevamos mal, hay fechas que nos gustan, hay fechas que no, es la emoción del momento que te va llevando, hoy estamos en Chile mañana no sabemos dónde.

Horacio: Para mi Escaleras es caminar, en subida, en bajadas, seguir caminando sin importar hacia donde te lleva esa escalera.

9 + ¿Algo más que quieran decir?

Tony: Que nos sentimos muy bien hoy tocando, muy cómodos, que existe gente loca en Santiago como en Buenos Aires.

Yael: Agradecer a todos los que nos ayudaron a hacer posible esta gira, a la gente que nos estuvo bancando, mostrando cosas, compartiendo con nosotros, la verdad que eso lo valoro mucho.

Horacio: Dar las gracias a la gente que se tomó el tiempo de tomarte y decirte: ‘Mira esto es lo que hay, caminemos un rato’; la gente que se tomó ese tiempo de mostrarte lo suyo. http://somosescaleras.bandcamp.com/

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Alta Fidelidad Unos cuantos apuntes sobre cine por Felipe Arriagada

El cine salvaje

o la sociedad actual a través de la pantalla { Parte II } El cine misógino de finales del 70 y mediados de los 80 Nuevamente en Salvaje nos hacemos cargo de intentar generar una discusión o un diálogo entre el lector/espectador y la industria cultural hegemónica representada en uno de sus principales caballitos de batalla: el cine.

Hay películas que han sido siempre parte de nuestras vidas, ya sea porque fueron populares en su momento y se han transformado en clásicos instantáneos o por que han sido re descubierta años después por algún crítico revisionista que ha logrado desempolvar antiguas cintas para encontrarles puntos positivos a una obra destrozada en su momento.

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Hoy, en estas líneas, hay un poco de ambos, pero no tanto por el audiovisual en sí (pieza importante en este análisis), si no por la época en que se filmaron las dos obras que servirán para desarrollar la idea planteada en el título de esta columna: la popular Grease(1978) y Sixteen Candles(1984) una obra menor (al menos para el público local) de John Hughes, responsable también de “The breakfast club”, obra que ha adquirido el rotulo de clásico con el paso de los años.

El revisionismo histórico contemporáneo: los maravillosos años 80.

Si mencionamos un década que haya sido revisada y re interpretada durante los últimos años es imposible no pensar de manera inmediata en los años 80; una época oscura y nefasta en la gran mayoría de los países occidentales, pero que ha sido utilizada como slogan en varias radios y espectáculos de moda locales e internacionales, llegando a ocupar epítetos como “la mejor época de nuestras vidas”, cosa que para cualquiera que haya vivido o que haya escuchado las anécdotas de los mayores sobre estos años sabrá que es una época negra en que la cultura fue utilizada a nivel mundial para entregar los valores que se consideraban necesarios para construir una sociedad de bien, basada en la familia, la religión y el capitalismo como su principal camino al bienestar social.

Claro que hubieron respuestas contestatarias y anti sistémicas, que intentaban hacer frente a las dictaduras en latinoamérica y a la nefasta administración Reagan1 , pero no hablaremos de ellas por ahora.

El por qué no se hace referencia de manera inmediata a la industria y a la contracultura latinoamericana es porque partimos de la base que los medios de masa han tenido siempre un poder hegemónico al controlar la cadena de producción artística moderna y contemporánea al cual nos referiremos en esta serie de ensayo como el “modelo comercial capitalista de producción artística”, el cual ha tenido a estados unidos como su meca y mentor desde el inicio de la modernidad.

Como ya mencioné anteriormente, hablar del cine de los 80 en la actualidad es hablar de un cine falso, un cine que, si bien sigue con la dinámica de propaganda que se implementó desde su origen2 ha cambiado el discurso, que mientras sigue ocupándose como propaganda política comienza también a ser un cine que busca entretener a los jóvenes y a la vez delinear cuales son los puntos que uno tiene que seguir para ser un joven “americano”, modelo que a la vez serviría como molde para cualquier joven occidental de los 80’s al ser replicado y copiado en todas las obras

audiovisuales que se filmaban en la época3.

Para crear este modelo de joven americano se recurrió a los principales elementos de la cultura contemporánea: actores jóvenes y guapos, estereotipos y locaciones cercanas al espectador. El colegio fue entonces el escenario ideal para empezar a escribir una nueva generación dentro del cine; que esperamos no confundir con los escolares del cine de los 70’s, ni con los forajidos de los 60’s, pues acá las historias transcurrían en las instituciones en sí.

La música también era un hito importante a la hora de crear este imaginario colectivo; bandas pop, roqueros rebeldes y enamorados, punks no político… de todo se podía escuchar en las películas de la época.

Es en este punto donde la crónica se vuelve, al menos para quien escribe, perversa, por lo menos en la “historia oficial del cine comercial”, esa que deja de lado las experiencias de vanguardias de la época o se les asimila para que pierdan todo su potencial político y de protesta.

La imagen necesita una manera de pensar que no se aleje de los valores clásicos de la sociedad americana y acá es donde la manipulación comienza a actuar, los jóvenes pueden ser rebeldes, gritarles a sus padres incluso ser algo punks, pero en el futuro son y serán trabajadores y padres, los hombres y las mujeres felices amantes y dueñas de casa que pondrán sus posibilidades de prosperar y ser algo en la valoración que estos machos o estos nuevos galanes tengan sobre ella; el cine comercial es y ha sido machista, aunque el revisionismo y las buenas intenciones intente demostrar lo contrario .

Créame querido lector que no es mi intención golpearlo con este dato sobre el cine de la época y escapar sin hacerme cargo, pero así como la vida es corta, también lo es este espacio, en el siguiente número -si quiere leerlo- encontrará con más detalle el por qué de esta aseveración; de momento le invito a revisar las obras mencionadas y a ser parte también de la futura discusión.

1. Véase American hardcore: the story of american punk rock 1980-1986 para tener una referencia sobre esta época desde el punk yankee.

2. Para desarrollar más este concepto los invito a leer “Cine contra espectáculo” de Jean-louis Comolli.

3. En caso de que al lector le interese puede leer las críticas de Glauber Rocha al cine latinoamericano que copia hasta en su más mínimo elemento al cine yankee.

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ENTREVISTA

Gary Go

https://www.flickr.com/photos/caminare/

Entrevista por Walo · Fotografías de Gary Go

Gary go! Es un fotógrafo que lleva muchos años apuntando su lente a las bandas HC Punk de la escena santiaguina. Con un estilo inconfundible logra retratar la potencia y fuerzas de las bandas en vivo, ya que en el escenario no es un fotógrafo más, se mueve junto con las bandas, se confunde con su sonido, se hace uno y de esta forma logra mostrar la emoción que se siente en una tocata HC.

1.- ¿Me puedes contar sobre tu vida y cómo llegas a la fotografía?

Desde pequeño que tenía rollo con la música y la imagen. Cuando escuchaba música me imaginaba los vídeos, a medida que fui creciendo veía muchos video clips. Quería estudiar cine pero después cambié por diseño. Al final cuando salí del Lord Cochrane quería estudiar arte, en verdad no tenía mucha idea que quería o que podía hacer. Saqué mal puntaje para entrar a la U y no tenía dinero para estudiar en una privada, así que no sabía que cresta hacer. Cuando un amigo se metió a estudiar foto a un CFT me dijo “¿Por qué no te metes también?”. Me inscribí sin saber mucho que onda (todo esto ya bien tarde como a los 21).

Al año siguiente entré a trabajar en mantención en un hospital. A los 23 me inscribí en un diplomado de foto en la U de Chile, el cual amplió mi visión de lo que podía ser la fotografía aportando bastante en ese momento de mi vida. Pero estaba esa necesidad de “ser fotógrafo”. A los 25 estaba trabajando en otro hospital y se me dio la opción de entrar al técnico vespertino del Arcos, el cual no terminé porque al final de ese mismo año me echaron de la pega y no tuve plata para continuar el año siguiente. Me dio la weá y me fui al año siguiente con los cabros de En mi defensa a Brasil y Argentina. De vuelta armé un book y me puse a buscar pega. Encontré trabajo en un estudio de fotografía de moda y así empezó mi vida como fotógrafo remunerado, ya bien tarde por lo demás (a los 27). Igual nunca terminé “formalmente” nada, hahaha.

2.- Siento que la fotografía conforma una parte muy importante en tu historia de vida, ¿cómo va cambiando contigo tu forma de hacer las fotos?

Hay una frase muy buena que dijo Sebastião Salgado “Uno no fotografía con sus ojos, sino con su cultura”, supongo que va por ahí la cosa. Uno va creciendo, tus gustos van cambiando, vas aprendiendo más técnicas, cambias tu equipo fotográfico, etc.

Supongo que todo eso influye un poco, imagínate que tienes una idea pero no tienes los materiales ni los recursos para hacerlo; cuando logras tener estos recursos también está esa instancia de adaptación/ aprendizaje en que va cambiando tu forma de enfrentar la fotografía, los tiempos y cuánto te involucras con tal o cual cosa. Todo este proceso puede dar resultados inesperados, desde una idea inicial puedes ir descubriendo otras formas de ver que pueden ir abriendo distintos caminos.

3.-Algo que siempre me ha llamado la atención de tus fotos es como capturas lo que se siente en el momento con las bandas, ¿me podrías contar cómo logras esta conexión? ¿Sabes por qué he sacado tantos años fotografías de hc punk? Porque es algo que me pertenece, es parte de mi cultura, de mis ideales, de lo que soy en gran medida. Porque me siento cómodo y muchas veces la paso bien. El fotografiar en la línea que divide el escenario del público te permite captar esa simbiosis y reciprocidad que difícilmente se da en otro tipo de escenas. No retrato artistas, creo que retrato situaciones.

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Fuerza de voluntad Youth of today Bane 108 Have heart Distancia

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4.- ¿El haber estado tocando en bandas te ha potenciado la forma en que miras desde el lente?

No, creo que no. Solo que de repente me paso de balsa y me pongo al lado de la gente o al medio del escenario y disparo desde ahí, ya que entiendo que en el hc punk no somos artistas ni ídolos, somos todos lo mismo. Trato de molestar lo menos posible, pero de igual modo sé que cinco personas sacando fotos en un escenario molestan bastante.

5.- ¿Cómo se han traspasado los ideales políticos o estilo de vida que llevas desde el hardcore a la fotografía?

A ver, en el momento que fotografío tal o cual banda en el hc punk la idea muchas veces es mostrar la reciprocidad entre banda y público, o sea, el mismo grito, el mismo desahogo, la misma voz. Además de mucha energía, saltos y expresiones varias. Esa dinámica la he llevado a otro tipo de escenarios que me han tocado cubrir, desde Kid Cudi hasta Alex Anwandter. Muchas veces sin darme cuenta término haciendo imágenes similares a las de cualquier tocata cuando los músicos se acercan al público.

Eso mismo me hizo cuestionarme y querer cambiar un poco el switch con respecto a este momento, ir probando otras formas de registro. Por otro lado desde una perspectiva ideológica es difícil no cuestionarse todo en todo momento. Desde para quién estás trabajando, hasta el uso que se le dará a tu trabajo.

Muchas veces este cuestionamiento te imposibilita, hasta el tema de auto-promocionarse complica mucho, pero de igual forma necesitas trabajar y muchas veces lo paso bien. De todos modos es un tema que aún no resuelvo del todo.

6.- ¿Para ti la fotografía es un arte? ¿Por qué?

Supongo. Es un medio de expresión y como en todo medio de expresión tu eres el canal de transmisión de lo que sientes a tu alrededor. Solo que en la fotografía es más inmediato, desde mi perspectiva “recepcionas” y lo expresas de forma inmediata. Para mí esa es la diferencia con las otras artes, en uno de los sentidos de la fotografía, ya que existen muchas formas de expresión de ésta. Con la foto documental o de conciertos pasa más o menos eso, no así con la foto contemporánea u otras que son de más largo proceso. Creo que la fotografía ha cambiado mucho con los años, influye el contexto social, político y cultural en que te envuelvas y va de la mano también con el avance tecnológico del momento. El arte en la fotografía también puede llegar a ser azaroso y casual, imagínate cuántas imágenes se toman en el mundo, cuántas hechas por profesionales y cuántas son valoradas como “arte” en verdad, mientras existen “aficionados” que pueden llegar a ser apreciados como artistas sin la necesidad de ser esa su intención. Al final es un reflejo de ti mismo más que de lo que fotografías, es en ese reflejo propio donde se separa el acto mecánico y aparece el autor.

Salvaje Revista 7.- ¿Has logrado fotografiar alguna banda que te haya marcado?

Creo que no, en general no soy para nada melómano. Me mueven más las vibraciones o lo que se produce con la gente más que una u otra banda. Va por otro lado creo yo. Aunque me gustó mucho cuando los chicos de 108 me pidieron hacer una sesión de foto y la hicimos de vuelta del show de Santa Rosa, afuera de la casa de Charly. Muy buena onda la gente, nada pretenciosa. Creo que Youth of today también me pareció grato, ya que es una banda que suelo escuchar.

8.- ¿Nos puedes contar dos anécdotas en tu relación con la fotografía? (uno de una mala experiencia y otro de una muy buena) La primera vez que vino Sick of it all fui al show con Pelluco y Fernando (Asamblea). La cosa es que fui sin dinero y había una barrera de pacos en la esquina del teatro Novedades que no dejaban pasar a nadie sin entrada.

Justo un canal de tv estaba entrando y yo me quería colar con ellos, fue cuando los pacos me pararon y me preguntaron que a qué iba y me pidieron la entrada. En ese momento un grupo de gente que estaba en la misma empezó a presionar y el paco que me había pedido la entrada sacó la luma.

Extrañamente el paco pasó por mi lado y se fue donde ellos, aproveché el momento y corrí hasta la entrada. En ese instante salió Lagarto y dejó entrar a todos los que estábamos ahí. Después él, muy buena onda, me pasó su credencial y me subí al escenario a sacar fotos jajaja. No la podía creer, de estar sin ni uno y con cero opción de entrar a, por esas cosas fortuitas de la vida, terminar ahí en el escenario sacándoles fotos a S.O.I.A., banda que me marcó en los 90’s.

Una mala… mmm tengo varias. No sé, que usen la foto sin pedirla, preguntarte, sin siquiera darte el crédito de ésta es bastante molesto, ya que para mi gusto debería ser algo recíproco. También gente que quiere que les mandes todas las fotos que sacaste y pretenden que uno esté ahí mandando toda la noche fotos para no sé qué, si las fueran a usar para algo se entendería más. Bueno, por eso he tenido un par de encontrones sobre todo me ha pasado con bandas de afuera.

9.- ¿Dónde podemos encontrar tu trabajo?

Tengo pendiente una página web. Soy una persona media enredada para esas cosas, pero ya va a salir. Por mientras tengo cuentas en: · www.flickr.com/caminare; · caminare.tumblr.com; · www.facebook.com/GaryGophotography 10.- ¿Algo más que nos quieras decir?

Muchas gracias por interesarse en mi trabajo y espero que les vaya muy bien en este nuevo proyecto.

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MÚSICA MUTANTE, PARA GENTE MÚTANTE Parte 1

* esta serie ira desarrollándose a partir de tres perspectivas, que parecieran ser inconexas, pero se ligan medularmente

PERSPECTIVA MASIVA Remontémonos a fines de los noventa, el furor comercial del rock alternativo, después del suicido de Cobain, decae como una especie de desilusión tanto intima (los sesos de Cobain) como cultural, una época en que el underground devino fetiche mercantil, devino estética publicitaria, y de ahí, devino negocio… un excelente y rentable negocio, donde las mega corporaciones podían invertir a ganador, y además abarcar publico nuevo… conquistar al enemigo. El sello de Guns and Roses, edita la banda Nirvana, banda que compartía escenario con Melvins, o que incluso colaboraba con monstruosidades extrañísimas como el Earth de aquellos años… digamos que el icono de la empresa, nació en las tierras de un ambiente de odio a lo empresarial… digamos odio, sin reparo. Talvez Nirvana jamás debió firmar con Geffen, ese fue el suicidio.

PERSPECTIVA CERCANA Santiago y Chile, a fines de los noventa, tuvo un especie de bajón creativo en la escena musical, salvo excepciones, la mayoría concedía sonido a la radio o a una escena icónica; aunque ensayaran horas y horas, igual se acomodaban creativamente. Ya cruzado el milenio, a comienzos del dos mil, una explosión de gallardía creativa surgió, como es usual, bajo la auto-denominación experimental. FOBIA, Cumshot Records (antes de la mutación seudo-fascista post-Hector Llanquín), Productora Mutante, Jacobino Discos… y quien escribe bajo el incipiente Templo Sagital (derivado del entonces cuarteto de rock experimental Festin Sagital), producen conciertos y registros memorables de proyectos de sonido único e incondicionado como son y eran: Rizomathic Youth, oJO, Diablo, Namm (en sus incios mas disonantes), Asa de Lippes (pre-Megajoy), Colectivo NO, Neurotransmisor, Leonardo Ahumada, Maje Fotum, La Bandas, etc… conciertos desquiciados, donde todos nos diluíamos en un asombro dionisiaco… como un virus que se propaga, surgieron mas y mas bandas, salvajes y autenticas en sus intenciones… Frente la plaza brasil estaba el espacio Taller Sol, donde dieron acogida por años a conciertos semanales de un surtido extrañísimo de aventuras sonoras de Santiago. Buenos tiempo, de intenso asombro.

LAS ANTORCHAS VIRTUALES Y SUS CONSECUENCIAS CONCRETAS Básicamente, en esos días, no sólo compartía con mis compañeros coterráneos, sino también, en el incipiente acceso comunicativo que era Internet, desarrolle amistades y congenio, con numerosos músicos o agitadores del mundo,

por Michel Leroy

entre ellos: Evan Aranson de Nave (Via Injection Records), con quien compartíamos u anarquismo extremo, que implicaba la desmercantelización radical de la música (Creative Commons), Thorsten Wald de Hotel Encore, quien lleva décadas grabando música de dominio publico, Aaron Moore y Nick Mott de Volcano the Bear, de los cuales el segundo nos facilitó una pintura para la caratula virtual del primer disco de Festín Sagital, Pharmakon, el que dejamos para descarga gratuita, las cuales a la fecha han llegado a mas de cinco mil. Pharmakon también lo editamos en un tiraje cd-r limitado de 40 copias, en un sencillo jewelcase, y copias fueron enviadas a distintos sellos que “podrían eventualmente” interesarse en nuestra extraña y poco comercial música… Internet como una ventanilla monstruosa en la cual encontrar y mostrar música, se volvió la posibilidad de realizar contactos y trueques con seres que de otro modo, permanecerían ocultos de por vida. Con una curiosidad voraz, recurrí a diversas vías, para la búsqueda de todo lo que se sacudiera de la reglas estéticas de la “buena música”… y hubiera expresión por sobre ego.

Rastreando rarezas de Legendary Pink Dots, llegué a un sello de Portland Oregon, llamado Beta-Lactam Ring Records, que con una sencilla pagina blanco y negro, destacaba del resto de los sellos pues era más generoso en sus muestras mp3 (epoca prerapidshare), dando incluso acceso a discos entero para descarga gratuita, ahí conocí bandas y solistas deslumbrantes como: La STPO, Martjin de Kleer, Volcano the Bear, Nurse With Wound, Legendary Pink Dots, Aranos, Reynols, Tony Conrad, Stimulus, Earthmonkey… etc, la mayoría amigos online en la actualidad, toda gente muy accesible y sencilla. Pues bien, BLRR. COM se convirtió en una página muy visitada por mí… en esos días sin acceso a la posibilidad de encargar, por lo menos lograba apreciar estos extraños y cautivantes mp3s… obviamente envie copias de Pharmakon a BLRR, y derrepente, sin previo aviso de ningún tipo, agrega en su catalogo de distribución a Pharmakon, y aparte un derivado mega-experimental llamado Esternocleidomastleoideo…

BANDA SONORA PARA ESTA HISTORIA • Nirvana - Bleach/In Utero • Earth – Phase 3: Thrones and Dominions • Colectivo NO – Harte Cago • Asa de Lippes – Armonia Universal • Ryzomathic Youth – Audio Gestalt • Un Festín Sagital – Pharmakon/Esternocleidomastleoideo • Compilado FOBIA • La STPO – 86-90 • Tony Conrad/Edward Ka-Spel - split • Aranos – Whilst your Gaiety Melts • Nurse With Wound – She and Me Fall in Free Death • Legendary Pink Dots – Kollaboris • Girlfriends – Geert

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E N T R E V I S TA

Entrevista por Ex Pectador Fotografías de Quemacoches

QUEMACOCHES Quemacoches, quienes ya tienen editado tres EPs a lo largo de sus 2 años de carrera, pronto visitarán Chile. Han sido una bocanada de aire fresco para la ya repetitiva escena Punk, con integrantes de Venice, Alerce y con ensambles paralelos como Fusibles, 451 y otros proyectos solistas folk. Su sonido es más cercano al rock and roll, que con temáticas divertidas pero no insulsas han dejado en claro sus intenciones.

RESPONDEN LOU BAUMANN y DIEGO CASALVES 1 // Comencemos con algo simple y para que los conozcamos, ¿Cuándo y cómo nace Quemacoches?

Cuéntennos de su historia hasta hoy en día.

Casalves: Quemacoches nace hace un poco más de un año y medio, estaba tocando en proyectos indie rock, y de repente sentí la necesidad de volver al comienzo de todo, y cantar en castellano. Lo molesté bastante a Lou, para que me ayude a grabar un disco punk rock con las canciones que se me habían ocurrido y otras que se me estaban ocurriendo en la cabeza, finalmente Lou accede a ayudarme a grabar violas y trae al batero de Fusibles (su otra banda.

Es así que fuimos y grabamos sin saber del todo las canciones, improvisamos en el estudio, incluso el

baterista aprendió las canciones en el momento. Ese día fue realmente mágico. Volvimos todos a tener 15 años y yéndonos a casa, Lou me dice que quería tocar fijo en la banda. Yo tenía en vista un bajista que sería perfecto, lo había visto tocar en una banda a lo Codeine, Capsule, Dischord, ni idea tenía si este loco tocaba punk o si le gustaba el hardcore, pero sabía que tenía que ser él, así que hice correr el rumor que él iba a tocar en Quemacoches y a los días el loco se comunicó conmigo cara a cara y me dijo, “Así que voy a tocar en Quemacoches?, pásame los temas al menos, así sé que toco! ok?”. Y así fue, que Lozi Lozano entró a la banda. Después de unas idas y venidas y complicaciones de bateristas, Ariel García llegó a la banda y se consolidó la banda tal cual sigue hasta hoy.

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2 // Fuera de los recitales, de las movidas estrictamente relacionadas con la banda, ¿Qué hacen de su cotidiano, qué les gusta comer, por ejemplo?.

Lou Baumann: Yo por mi parte toco en otros proyectos, Fusibles y mis temas como solista, Diseño artes de discos y flyers, remeras, tapas de libros y mucho más, realizo collages, dibujos, pinturas, zines, un pequeño sello y distro, organizo recis y exposiciones fuera de los márgenes comerciales.

Me encanta hacer cosas gráficas, es mi pasión junto con la música y mi familia, trabajo de lo que venga cuando necesito el dinero, soy padre y realizo todas las actividades de la casa aparte de trabajar; al igual que mi compañera, estoy con mis hijos influenciándolos para que sean molestos en la sociedad y políticamente incorrectos. Amo cocinar, me encanta la pizza como a una tortuga ninja pero también amo las verduras salteadas y el risotto (mi especialidad).

Casalves: Me la paso grabando canciones en mi habitación con una portaestudio, soy muy fan del cine, más que nada generacional y veo muchas pelis. También hago cortos e intento hacer cine independiente. Me gusta mucho el cine. Hago mil cosas para sobrevivir, casi todo relacionado al arte.

Pinto dibujos, hago exposiciones. También me gusta mucho salir a andar en skate, aunque debido, a mi edad y mi estado físico, después el cuerpo me lo demande con dolores extraños. Me gusta comer más que cocinar y cuando cocino soy un desastre de desprolijidad y dejo la cocina re sucia, así que evitan que lo haga. Me gusta mucho el agua tónica y visitar a mis amigos cuando ya me siento muy encerrado en mi bunker de Constitución.

3 // ¿Por qué la necesidad de seguir insistiendo en tocar punk?

Lou Baumann: Yo creo que tengo una insistencia por tocar en sí, música que a mí me guste, que sea genuina con contenido conceptual y si se puede que genere algo receptivamente, ya sea en ideología o en sentimientos, que sea una herramienta para construir un lugar más sustentable, un entorno, influenciar y causar cambios en nuestra vida cotidiana, de a poco y de forma autogestionada, aprender día a día, creciendo y compartiendo con los demás, y creo que por ende eso es ser punk para mí, más allá de un estilo musical, una forma de vida, si es a favor de la libertad artística, humana, animal y social. Y con esto insistir, es simplemente la consecuencia de una forma de vida.

Casalves: Nosotros somos pibes que amamos la música, tocar el estilo que sea, experimentar... te sorprenderías de saber la cantidad de estilos de música que escucho. Vos nos conoces y sabes lo melómanos que somos, y sabes que con nosotros siempre pudiste hablar en tu idioma melómano.

Pero así y todo, nuestras mayores influencias en lo personal, más que en lo musical fueron el hardcore y el punk. Creo que son un pilar muy importante en la personalidad que tengo hoy. Insisto en el punk porque es lo más genuino que sale dentro de mí, al componer una canción es la manera más fuerte de expresión que tengo frente al mundo, la manera más sincera. El punk es mi herramienta de comunicación favorita.

4 // ¿En qué momento se dieron cuenta que tocar en una banda iba en serio?

Lou Baumann: Que linda pregunta, yo me di cuenta desde chico por suerte, siempre me lo tom´de en serio, desde que grababa solo para mí, inventando tapas... eso era muy serio para mí, muy íntimo; después toqué en muchas bandas que armé o que se armaron y siempre fue con un compromiso fuerte, como que respeto mucho la música y sus proyectos, si no puedo comprometerme con el proyecto no me meto, o cuando sé que no doy lo que necesitan me aparto, así como en otros aspectos también de la vida. Mi primera banda fue grabada artesanalmente fue con mi hermano y mi primo, las primeras baterías eran un fuentón (de esos de lavar ropa) y una lata de galletitas, y no miento, criolla y yo me lo tomaba en serio, más importante que ir a bailar o jugar al fútbol, cuando otros se iban a hacer otras cosas después de ensayar, yo me quedaba grabando o armando tapas o flyers, mi único trabajo full time es la música y el arte.

Casalves: Tal cual le paso a Lou, me paso a mí... creo que no quería morir en la cotidianeidad de la pequeña ciudad en la que vivía, y siempre me involucré muy fuerte en la música, para viajar y conocer gente de todos los lugares que sintieran lo que yo sentía.

Siempre supe que tocar en una banda iba en serio para mí, no sé cómo explicarlo, solo sé que siempre lo supe. Aunque a veces reniegue de lo difícil que es que otras personas y muchos seres queridos se preocupen por mí al no entender esta decisión de vivir esta vida no convencional ¡EN SERIO!.

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5 // ¿Qué actividades cotidianas creen hacer en sus vidas acorde a sus ideas en relación al punk que los hacen ser “consecuente” ante ellas?

Lou Baumann: Mi forma de vida es respetuosa de mis ideas totalmente, y eso llevado al nivel familiar, tratando de enseñarles a mis guachines las cosas que pienso y ellos enseñándome otras a mí, aprendiendo de la convivencia con mi compañera de muchos años, a vivir contra corriente. Mi primer cambio radical fue hacerme vegetariano, no tomar alcohol ni fumar (lo cual no logré mantener), el boicot, instruirme con ideas libertarias. Si, sigo siendo vegetariano desde los 15 años, creo que todo eso es muy consecuente con respecto a lo que pensamos, a pesar de haber estado muchos años trabajando en fábricas o supermercados para tener un estatus de vida “respetable” para mi familia, me di cuenta que no sirve de nada; quiero que mis hijos sepan qué quieren hacer con sus gustos e ideas y que lo puedan concretar, eso me haría sentir un tipo bien pagado en la vida; no tenemos plasmas ni autos ni lujos, pero esas cosas a la tumba no te las llevas, las alegrías y recuerdos hermosos de una vida larga y bien vivida creo que, quizás si quedan muy grabados en la piel; no sé si es punk, pero sí creo que es consecuente, nos importa mucho el respeto, la comunicación, las vivencias... es algo que aplico a diario como padre, explicar el otro lado de la cuestión, de la que nadie, ninguna institución les va a hablar, esa tarea te mantiene harto ocupado.

Casalves: A una pregunta tan simple, una respuesta bien simple. Hago todos los días de mi vida lo que creo y quiero, sin importar lo que esta sociedad espera que yo haga para ser un hombre de bien.

Intento empatizar y compartir proyectos colectivos.

Todo lo que hago en mi vida tiene que ver con vivir la libertad de la manera más fuerte posible, con mis errores y aciertos, siempre atento y aprendiendo de todo. Soy autodidacta por naturaleza y me cuestiono a mí mismo TODO EL TIEMPO. 6 // Tienen un par de cassettes singles que incluyen 2 canciones en algunos, ¿Por qué editar discos en ese formato?

Lou Baumann: Yo creo que el formato de edición de un grupo independiente y autogestionado siempre tiene que ser el más barato y fácil de difundir, esa es la cuestión, acá en los 90 el vinilo llegaba, muchos lo sentían a fetiche pero en realidad en USA era barato y en Europa también, al igual que el cassette, era la opción de los punks, los hc, los indies, sin mucha estructura. Para mí hoy es una resistencia a no olvidar de que esos formatos van contra las nuevas modas tecnológicas, son óptimos para la escucha y los reproductores hoy día son obsoletos o eso te quieren hacer creer. Si pegás un grabador viejo en una casa de chatarra, grabas cassettes, los repartis y tenés una distro. Ir a imprentas y fabricar los discos no es tan caro, nosotros lo hacemos, junto con distintos sellos cooperativamente, para que se

// ¿En qué banda les hubiera encantado tocar?

Lou Baumann: Uff... a mí en Minor Threat.

Casalves: Toco en la banda que más me gusta. Jajaja.

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hagan más distros por intercambio y al carajo con el comercio por distribuir y fabricar, si se puede descargar gratis mejor y eso no mata la edición física, lo que mata es el producto consumible descartable.

de Chile muy pronto!. Estamos también registrando de manera fílmica todo lo que pasa en Quemacoches, lo cual esperamos se vuelva un film épico, alguna vez de este año, jajaja.

7 // ¿Qué viaje sueña con hacer Quemacoches y por qué?

10 // Estas últimas palabras son de ustedes.

Lou Baumann: Yo sueño con viajar con la banda, donde sea, a provincias que no sean Buenos Aires; las escenas son muy bastardeadas con eso del centralismo porteño, el público y las bandas de las periferias son el motor de toda la industria, imagínate, así que como dijo nuestro batero un día: “primero lleguemos a San Miguel” (barrio donde ocurrió todo lo primero nuestro). Hoy, primero me encantaría seguir viajando por las provincias todas, después los países limítrofes y luego los más lejanos, no sé, todos y eso sí es un sueño.

Lou Baumann: Aunque sea típico agradezco el espacio, respeto mucho lo independiente y me que nunca dejaran de apoyar zines, revistas, colectivos, distros, sellos, ciclos, cooperativas, lugares independientes autogestionados, libertarios, anticapitalistas; que creen conciencias nuevas de cambios para el bien del mundo y de las personas, si te gusta algo hacelo.

Hacete valer, toma las herramientas y créalo por vos mismo/a , buena vida salud y libertad.

Casalves: Tal cual,, “Primero lleguemos a San Miguel”... a mí, mi sueño es ese, tocar en todo el mundo, obvio!.. Pero me ceba mucho la idea de girar por todo Latinoamérica, conocer todas las bandas y chicos haciendo cosas de manera autogestionada, en las provincias más lejanas de aquí y de países de Latinoamérica. Luego todo lo demás.

8 // ¿Qué motiva a Quemacoches?

Lou Baumann: A mí me motiva el cambio, el crecimiento, el aprendizaje, compartir, música, arte, lugares, gente, revolucionar nuestro entorno es una motivación de vivir.

Casalves: Lo mismo! gracias. Disfruten la vida. No se enrosquen en pelotudeces. no se rindan! salud y libertad!.

// Auto pregúntense algo y respóndanse.

Lou Baumann: ¿Por qué sigo? Por amor y convicción.

Casalves: ¿Estas emocionado de que pronto vas a conocer Chile? Si! la verdad estoy muy entusiasmado y me gustaría mucho poder conocer y tomar algo con Pato Patín.

Casalves: Conocer y mantener contacto con todas las personas y lugares donde exista la posibilidad de intercambios contra culturales. Lograr todo lo que el mainstream nos dice a las bandas autogestionadas que no podemos lograr sin entregarles el culo. Eso para mí es el éxito y la mejor venganza contra los que intentan centralizar el arte y la cultura.

9 // Cuéntennos lo nuevo que se viene de Quemacoches, proyectos, viajes, etc.

Casalves: La re-edición de nuestro agotado disco Puro veneno, conjuntamente por 16 sellos independientes regados por todas las provincias. También acabamos de grabar canciones nuevas para nuestro Cd split con Morbo (banda de Perú) que seguro verá la luz en agosto. Y bueno, en este momento empezamos nuestra primera gira que va durar desde Junio hasta Octubre más o menos. Que nos llevará a tocar a las provincias de Argentina e incluso a algunas ciudades

http://quemacoches.bandcamp.com/

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E N T R E V I S TA

Entrevista por Cuervo Fotografías de Gary Go

E P I FA N Í A Una fría tarde dominguera de Mayo, fui a reunirme con los cabros de Epifanía en la tocata que marcó el cierre de su gira “La ruta del Asco – Tour 2014” por Argentina y Brasil, en la cual los chicos estuvieron presentándose en Mendoza, Rosario, La plata, Bs As, Río, Sao Paulo y muchos otros lugares. Hablamos de todo: del punk, de la sociedad, de nuestras ideas como humanos. La verdad, fue un momento muy grato con gente muy sencilla y hermanable.

> Bueno, vamos a empezar con la típica pregunta para empezar es…

Franco.- ¿Cuáles son sus colores favoritos? > Jajaja, no. Cuéntennos un poco de la banda. ¿Cómo nace Epifanía? Sus influencias y hablen un poco de la movida en Quilpué.

Franco.- La banda se activó en el año 2008. Con Diego (vocal y guitarra) somos amigos de toda la vida, por lo que ya habíamos tocado antes. De hecho, yo sólo he tocado con él. El grupo ya venía tocando mucho… antes tuvimos una banda que se llamaba Candy, en

Valparaíso, luego de eso hicimos Epifanía. La banda en sí, está activa desde el 2008, pero lo que nosotros consideramos que es Epifanía ya lleva 4 años, desde que entró Julio (bajista y segunda voz). > Y el primer disco de Epifanía es del 2010. { “La ciudad de las flores secas” } Franco.- Sí, nosotros decimos que ese es una especie de disco compilado, porque son puras cosas que hacíamos cuando éramos más chicos con Candy, y sobre todo de nuestra última etapa ahí, donde empezamos a escuchar más Screamo; bandas como Saetia, Orchid, bandas que en ese momento nos

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volaron y quisimos hacer algo más parecido a eso.

Por ello nos resultó una mezcla rara, algo muy punk, medio emo…

Julio.- Es que la misma escena en que nos movíamos era muy punky (Quilpué, Valparaiso). Ahora no pasa tanto, por alguna razón extraña. El ambiente era diferente. Y la vida misma fue la que nos tiró abajo esas ideas, esa escuela, esa actitud punk. > Y desde “La ciudad de las flores secas” (2010) hasta el siguiente disco (“Estructura de lo negativo” 2013) hay un proceso de tres años. ¿Cómo se va formando este disco? ¿Ustedes cómo lo van gestando?

Franco.- Por las cosas de la vida, con Diego nos hicimos muchos amigos y amigas en Quilpué, por un colectivo animalista en el que estuvimos participando un tiempo por esa época. Ahí conocimos a Julio. Nos empezamos a juntar, nos hicimos amigos. Empezamos a ir más a Quilpué (con Diego somos de Forestal, unos cerros más allá de Quilpué) Julio tenía otra banda, que se disolvió y se dio que nosotros teníamos un bajista que nos ayudó mucho, pero tenía otras prioridades y nosotros también, queríamos seguir con la banda, él no quiso y ahí entró Julio como decisión espontánea, porque tuvo que aprender a tocar bajo…

Julio.- Fue como un experimento. Yo había tenido un accidente y no pude ir a ensayar más. Ahí el Diego iba a mi casa y me enseñaba a tocar, porque estaba recién aprendiendo. Ahí estaba todo, en la cuna y empezaron a salir canciones Franco.- Ahí nació la idea de hacer nuevas canciones.

No teníamos nada, hasta que el Diego empezó a sacar y sacar nuevos temas.

Diego.- Eso fue súper espontáneo en el “Estructura”.

Como que salía un tema tras otro en muy poco tiempo. Después fue cosa de pulirlo.

Franco.- Las letras también salieron de manera sucesiva y espontánea. Creamos un concepto del disco. Las canciones empezaron a salir y salir… bueno, la banda no es muy masiva, no la conoce mucha gente; no es que movemos público y la gente corea nuestras canciones. La poca gente que nos conocía pensaba que la banda estaba muerta, cuando en realidad estaba más viva que nunca: ensayábamos todas las semanas, dos veces; trabajábamos en el disco, el cual lo grabamos y luego lo re-grabamos.

Además, hicimos canciones que se nos iban de las manos… estábamos aprendiendo a tocar ¡y no sabíamos tocar nuestras canciones!

Julio.- A veces nos salían bien, a veces, en las tocatas, como el hoyo. En otra tocata éramos una mierda.

Era una hueá muy extraña… ¡Hicimos música que no podíamos tocar!

Franco.- Y claro, estábamos ensayando tanto que en un momento las cosas empezaron a salir a nuestro gusto. Ahí ya nos empezamos a preparar una especie de presentación en las tocatas [nota del entrevistador: en este reci tocaron alrededor de media hora sin parar] En ese tiempo tocábamos poco, pero estábamos muy activos en lo que era el disco; ensayando, ensayando, ensayando. Pero pasó que el disco no nos gustaba como estaba sonando, porque una cosa es crearla y otra es que con el tiempo vas dándole forma. Es como hacer un truco en skate: haces un truco y un año después es distinto, lo dominas mejor. Entonces nos nació la idea de que era mejor grabar el disco de nuevo. Ahí participó harta gente, los de siempre, otros/as que fueron sumándose en el camino.

Hasta que logramos sacar el disco. Le dimos un fin, que básicamente era el hecho de representar la negatividad, algo así como un NO positivo, como un rechazo a las posibilidades impuestas, al horizonte.

La persona ciudadana, autómata, asume que más allá hay algo, que puede ser lo que sea, pero es algo al azar, un horizonte incierto. Para nosotros la negatividad es romper con ese paradigma de ese horizonte. Intentamos ir más allá diciendo: No, no aceptando la vida como viene, sino como uno puede tomarla, hacer las cosas de esa manera y esa es la intención del disco. En parte es un disco muy vivencial por el hecho de que en esa época estábamos hecho mierda como persona y el hecho de tener la banda nos hacía seguir siendo amigos, cada uno tiene sus problemas. Yo tengo una hija, Diego tiene una hija, Julio…

Julio tiene sus problemas.

Bueno, el trabajo, los estudios, el tiempo pasa y estas mismas mierdas ciudadanas van alejando a las personas, el hecho de tener este grupo nos hizo continuar con esta amistad.

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> ¿Y la banda a su vez se iba apoyando en lo que era la movida en Quilpué, Valparaíso?

Julio.- Más en Valparaíso. En Quilpué no tocamos tanto. Pero toda la gente de Quilpué viaja a las tocatas de Valpo. Allá el Roboto de Los Crustáceos siempre nos invita a tocar. Él nos ha gestionado las últimas fechas allá.

Franco.- Y bueno, la temática con la que fue agarrando el disco le empezó a dar más vida a la banda. Ya llevamos un buen tiempo tocando estos temas. Esto para nosotros es el cierre simbólico del “Estructura”, porque ahora llegamos de cabeza a trabajar en el nuevo disco.

Julio.- Ya no queremos ni ensayar este disco.

Queremos meternos de lleno a hacer uno nuevo. > Cuéntennos un poco de este tour. ¿Cómo nace? ¿De dónde nacen las gestiones? ¿Ya conocían gente en Argentina, Brasil?

Julio.- El tour lo pensamos hace tiempo. El Franco siempre decía “vamos a Argentina, vamos a Argentina” y con Diego por alguna razón nos íbamos en los no sé, en los tal vez. Es que queríamos tener el disco y luego empezar a proyectarnos otras cosas.

Franco.- Yo creo que la gira básicamente nace por el hecho de que un proyecto creativo tiene que viajar, no puede quedarse estático, o la gente no lo va a conocer. Imagínate que la gente en Brasil no conoce ni a Los Fabulosos Cadillacs y nos van a conocer a nosotros. Tuvimos que ir nosotros para que conocieran a la banda. Además, tiene que ver con

nuestras expectativas y motivaciones personales, en cuanto a conocer, divertirse, pero también con romper con los esquemas de la vida.

Por ejemplo, nosotros rechazamos los estudios [institucionalizados], abogamos siempre por el método autodidacta; tratamos de alejarnos lo más posible de lo que tenga que ver con los trabajos apatronados; tratamos de hacer dinero de manera X. Entonces, para nosotros esto era seguir con nuestro proyecto de vida de liberación total de las imposiciones urbanas. Este viaje fue súper simbólico en cuanto a eso. Además, esto era una prueba de fuego para la banda en todos los sentidos: estar en tu ciudad, ir a tocar y después volver a tu casa, no es lo mismo que lo que pueda pasar en una situación como en una gira; es una situación en la que tenemos que estar día y noche juntos y cuando uno toma un proyecto con seriedad, a pesar de que las personas puedan ser amigos, uno tiene que ver cómo va a ser la convivencia, cómo va a ser la dinámica entre todos, los quehaceres, el apoyo emocional, etc., entonces para mí, era una prueba de convivencia con mis amigos, de enfrentarme a la situación, a los lugares, de romper mis propios mitos, de la gente, del aquí y allá… y eso ha sido la gira, conocer gente, compartir. > Todo esto de manera autogestionada.

Julio.- Sí. Hacíamos arreglos para que nos pasaran parte del dinero de las entradas para seguir en la gira. En Brasil viajamos gratis. > Y cómo han visto lo que es la movida pank, el DIY, las okupas, ya sea Argentina o Brasil.

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Diego.- Yo creo que Buenos Aires es más pank, en su raíz, en su arquitectura social. Más que Brasil o Chile inclusive. En Brasil es más relajado: allá todos pagan el metro, andan tranquilos, como que nadie cuestiona. Acá es más truquero, como que a la gente no le importa nada, no alcanzan a salir del metro y ya tienen el cigarrillo prendido. Es otra actitud. Siendo sincero, eché un poco de menos ver un poco más de pank en Brasil, pero igual, anduvimos viajando 1 mes y hay mucho por conocer. Y el DIY está súper vivo, por eso estamos acá.

Franco.- Claro. Y la gente que no lo cree así es porque no sale de su casa; viven en un metro cuadrado todo el tiempo y lo único que hacen es pensar que afuera está todo mal y que ellos están bien, y está todo perdido por culpa de la humanidad, y blablablá…

Julio.- Hay humanos bacanes.

Franco.- Hay humanos increíbles. Hay una confianza infinita; una red conspirativa enorme del ‘Hazlo tÚ mismo’ y de personas que ocupan la música como el motor de su vida y que confían plenamente en otra persona que vive de la misma manera. Imagínate que a nosotros nos dejaban en sus casas solos.

[En referencia a quienes los alojaron durante la gira] Completamente solos, por días. Y nos invitaban a comer a su mesa y dormir en su cama y eso que no nos habían visto nunca. Todo sin pedirnos nada más a cambio que nuestras historias, nuestra compañía. ¿Y eso cómo puede pasar en un mundo donde la música, el pank, el Hazlo tú mismo está tan perdido?

En el lugar más podrido puedes encontrar a una

persona hermosa y eso lo descubrimos en este viaje. > Bueno y vamos cerrando. Acá termina la gira, ya se van a Chile en unos días. ¿Qué piensan hacer?

Julio.- Nos vamos a pelear en el bus y se acaba la banda.

Franco.- Nos vamos a enamorar los 3 de la misma mujer.

Diego.- Tenemos un importante regalo para la humanidad: un disco nuevo, jajaja. Queremos ponerle más y más seriedad a esto. Tenemos una creación pequeña y queremos que crezca.

Franco.- El viaje sirvió mucho para consolidar a la banda y darnos cuenta que queremos hacer esto por mucho tiempo más. Llegando a Chile las expectativas están puestas en la posibilidad de editar el “Estructura de lo negativo” en vinilo y empezar ya el nuevo disco, que esperamos esté listo de aquí a un año más. Luego ir de gira… México, no sé, da igual.

Salir de nuevo. > Algunas palabras finales Saludos, mensajes, slogan…

El Estado es el terrorista.

Franco.- Gracias por entrevistarnos. > No, muchas gracias a ustedes por el tiempo.

Julio.- Si acá tenemos tiempo de sobra ¿mañana qué hacís? http://epifania.bandcamp.com

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Cuento // Adiós al Corazón ó como se derrumban los sueños en noches de invierno

Por Wladimir Stepniak {aka Alvaro González}

Otra noche más y hace frio acá, la botella esta vacía y el bar ya cerró.

Un poco cansado, un poco aburrido, un poco borracho con ganas de pelear.

/ 2 Minutos · Lejos

Ya estaba cansado de toda la mierda que tenía en sus hombros, llevaba meses en un proyecto que no funcionaba, que cada vez que pensaba que estaba avanzando era solo la confirmación de que no había salida, de que lo que se presentaba como algo hermoso para afuera era sólo la manifestación de que caminaba hacia atrás y de espaldas, sin mirar, a su suerte, pensando contantemente que se golpearía con un poste, caería en un hoyo, golpearía una persona o terminaría con la cabeza sangrando luego de ser golpeado por un automóvil. Así era su vida ahora y no sabía cómo salir de ella, ya había apostado mucho por esto, había puesto muchas ganas de que resultara, se había creado un ideal de lo que él era, había dejado atrás sus años de rebeldía, sus mozos años de locura desenfrenada, para caer en este pantano de vida tranquila y mediocre; comer, trabajar, follar en días hábiles, dormir… así se repetía una y otra vez su hermoso sueño que lo hacía despertar sudado durante las noches de invierno.

Qué más daba, ¿los amigos?¿su futuro?¿la revolución social?. Nada, todo estaba sumido en un espacio inocuo de una aventura para niños de Warner TV… Recordó su pasado cuando junto con unos amigos consolidaron un colectivo anarquista el cual logró sacar más de 10 publicaciones, planearon a base de una lectura rígida los pasos a seguir como clase explotada, armaron conciertos, se manifestaron en marchas, hablaron de grandes batallas que nadie más miraba, fueron capaces de escribir de una manera tan precisa que los únicos que los entendían eran los doctos, mientras que en la población, en la calle, lo que sonaba era un reggaeton duro y puro que batallaba con sus discursos rimbombantes.

Ahora solo estaba ahí, marcando el paso, con dolores corporales, con problemas al cagar, con canas, con ideas suicidas que nunca logaría concretar.

Esperando que pasara algo, que una cosa extraña moviera toda esta mierda que arrastraba hace ya tantos años… por eso tomó lo últimos ahorros que tenía, que más que ahorros eran los últimos pesos que le había entregado ella, esa que lo acompañaba, que tenía una actitud de engaño constante, que marcaba el paso a un ritmo más lento o más rápido, dependiendo del momento en que se la encontraba.

Y viajó por la calle, paró en una botillería, compró lo que podía comprar y se dirigió a la fiesta que un amigo le había comentado que podía llegar, el cual lo increpó por ser tan dominado por su patética existencia actual.

Lo demás es borroso, recuerda pastillas, recuerda un polvo en su nariz, bailes, unos besos, algunos fluidos y un despertar horroroso en un lugar desconocido de Santiago. Se levantó cansado. Tomó parte de su recompensa; unos cuantos pesos sueltos que tuvo que recoger entre lo que quedaba de la noche anterior, una cerveza que resistió la furia de la fiesta, un cigarro a medio fumar. Aquel día era soleado, la feria estaba fuera de la casa, llena de colores y olores, gritos, personas, sabores, que en ese momento les parecieron detestables... nada peor que encontrarse con humanos cuando es lo que más odias de ti mismo... tocó su bolsillo izquierdo y jugó con su navaja; - Hoy será un gran día - dijo en voz alta. Hoy se teñirá de negro la mañana, pensó.

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RECORD LABEL REVIEW

Fat Wreck Chords Andrés Infante | infme.org | mixtapelovers.com

“When did punk rock become so safe?”

Well , you’ll excuse me if I laugh in your face While I itemize your receipts And PowerPoint your balance sheets”

Propagandhi ! · ‘Rock for sustainable capitalism’ Potemkin City Limits - LP - 2005 | Fat Wreck Chords!

Mayor información: http://fatwreck.com http://afatwreck.com (Documental)

Yo pensaba que escribir sobre las cosas que me gustan o que admiro, me sería mucho más fácil, pero con 38 de fiebre todo se pone aún más complicado, sobretodo cuando tengo que escribir de mi sello favorito de toda la vida, obviamente quiero hacer un buen trabajo, pero bueno, después de esta pequeña advertencia, les digo que probablemente en algunos pasajes de este texto ignore la palabra ‘objetividad’, pero bueh, ya está.

En 1990 Fat Mike (FM) junto a su esposa Erin (ahora separados, pero siguen siendo ambos los dueños y jefes de todo el negocio), decidieron fundar Fat Wreck Chords, uno de los sellos independientes Punk más populares, rentables y activos en la actualidad, éticamente también en su catálogo es el lugar donde puedes encontrar discos a muy bajos precios, realizan ventas de garage con bandas en vivo (igual que nosotros en Mixtape Lovers, nos copiaron).

FM desde la adolescencia ligado al Punk Rock necesitaba una manera concreta de darles una mano a todas las bandas con las que habían compartido en conciertos y giras, pero no se concretó hasta la salida del primer CD de NoFX (The P.M.R.C. Can Suck On This), después fue cosa de tiempo, los primogénitos en fichar en el sello fueron Lagwagon, luego No Use For A Name y después ya se nos fue al carajo todo,

claro que estaban partiendo y no fue hasta mediados de la década de los 90’s cuando el negocio comenzó a ser rentable, tuvieron esa gloriosa época dorada del Punk Rock de su lado.

El apoyo y trabajo que le brindó al sello Erin fue indispensable para que el negocio siguiera adelante, debido a que FM tenía millones de compromisos con la banda y había que pagar facturas, tratos, etc, etc. así que Mike, date con una piedra en el hocico.

Durante la primera etapa del sello, la ayuda que les prestó Epitaph, también fue fundamental, FM de hecho trabajó con ellos, en los tiempos en que Bad Religion sacaba ‘No Control’ y lo dejaron usar su lista de mailing así como contactos con las distintas distribuidoras.

Con los años y para que Fat siga siendo un sello exclusivamente Punk, esta gente ha abierto algunas sub-divisiones del sello, como ‘Honest Don’s’ para grupos que no mantienen la filosofía Punk tan al hueso, sino que grupos más Pop o proyectos alternativos de distintos mienbros de bandas Fat, por ejemplo Bad Astronaut, de Joey Cape de Lagwagon.

También está ‘Pink & Black’, creación de Erin, en la cual se encarga de promover el Rock femenino y que se ocupe de las chicas que no encuentran lugar en los sellos ‘mainstream’.

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Encontré en un fanzine antiguo unas palabras de FM en donde describe un poco la filosofía del sello, es del 2003, pero da lo mismo:

“Yo no sé lo que dicen o hacen otros sellos independientes, pero puedo asegurarte que Fat es realmente, en todos los sentidos, un sello alternativo, Siempre he querido y he hecho todo lo posible para que Fat sea un sello diferente a la industria discográfica oficial.

En general, la industria discográfica está plagada de hijos de puta, más o menos codiciosos, que no tienen nada que hacer ni con la música ni con la gente. La escena independiente también está llena de esa gente, siempre me he preocupado más de las relaciones con las personas que del dinero, en este ámbito también y eso creo que es lo que precisamente lo que se desprende de la manera en que siempre hemos llevado nuestros negocios.

Fat aunque muchos lo ignoren, actúa de manera diferente a los otros sellos, incluso a los independientes, para empezar, aquí en Fat siempre hemos pedido a los grupos que firmaran un contrato con nosotros por un solo disco, como máximo, 2 como mucho, según el caso, de este modo, los grupos, ya sea porque no se sientan a gusto con nosotros o porque reciban una propuesta mejor, pueden irse cuando quieran, la mayoría de los sellos ‘grandes’ los obligan a firmar por al menos 7 discos!, y algunos sellos independientes no son menos, ya que imponen contratos de una duración mínima de 3 o 4 discos, lo que no es poco.

Fat comparte completamente beneficios con la gente que trabaja en el sello y a finales de año damos ‘extras’ a la mayoría de nuestros grupos. Además pagamos los ‘royalties’ más altos que nunca he visto, a excepción de Epitaph, y nosotros somos el único sello que no obstaculiza el lanzamiento de discos de nuestros grupos con otros sellos, aunque se trate de competencia potencial, siempre hemos ofrecido toda nuestra ayuda a algún grupo o miembro que quiera formar su propio sello como pasó con Joey de Lagwagon con ‘My Records’, con Chris y Jord de Propagandhi con G7 Records, o Russ de Good Ridance, por citar algunos ejemplos, dicho de otro modo, nunca hemos buscado ganar dinero a costa de otros y menos aún ponerles trabas.

Ya se trate de chicos que compran discos, grupos o distribuidoras, siempre hemos intentado hacer lo correcto antes que aprovecharnos de la situación como otros lo hacen. En el fondo, tener muchos amigos vale más que un fajo de billetes, esa ha sido siempre la filosofía de Fat y es la razón por la que creé este sello”’

Es raro leer a FM hablando en serio, pero cuando se le pregunta por el sello, es otra persona, me imagino que debe ser un tipo más antipático que la mierda, debe tener su aparato reproductor gastado de tanta gente que le ha dado de lengüetazos, pero aún así, independiente de todo lo que se pueda decir de él, de su banda, de sus proyectos, de que ahora se crea joven pololeando con una Dominatrix, que sea un adicto, y un largo etcétera, pero hay que reconocer cuando las cosas se hacen de manera sincera, tengas plata o no, a nadie que haga un negocio le gusta perder plata y cada uno tiene la capacidad de gastarla en lo que quiera.

En algún lugar de la costa de Los Angeles, se está realizando un documental sobre el sello y su historia, lo mejor de todo, es que Fat no tiene nada que ver con esto, sino que son fans haciendo y tratando de contar la historia de su sello favorito, increíble.

Actualmente el sello se encuentra más activo que nunca, llenándonos de nuevas bandas buenas, para los que nos sigue gustando el Punk Rock y vamos!, hagamos las cosas que nos gustan con sentido del humor, se van a poner viejos y arrugados.

‘Eso es lo divertido de las drogas y el alcohol, hacen que todo sea emocionante. Si toco sobrio sería como tener un puto trabajo. Espero nunca sentir eso: percibir que NoFX es un trabajo. Con un poco de cocaína y cerveza puedes pasarlo bien hasta en la cárcel’ - Fat Mike

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45 RPM Por Ricardo Vargas

Everything went black es una recopilación de outtakes y ensayos. Abarca el periodo desde 1978 a 1981. Editado originalmente como L.P. doble cada cara del disco apunta a resumir la etapa con los frontman que tuvo el combo durante ese periodo: Keith Morris, Ron Chavo Reyes y Dez Cadena. El primero extrañamente presentado como Johnny “Bob” Goldstein.

El disco fue publicado en medio de un “negro” periodo (valga la redundancia) para la banda de las cuatro barras. La demanda presentada por Unicorn Records quien actuaría como distribuidor del primer larga duración del combo.

Cosa que no se atrevió a hacer efectiva ante el incendiario material que manejaba en Damaged en ese entonces el quinteto. Desgasto y consumió el tiempo y el nulo dinero que manejaban.

Durante ese impasse, la banda se vio impedida de usar su nombre. Por ende el primer tiraje del vinilo anuncia en la portada a los integrantes de la banda. Corría 1983.

El gesto de ponerse a revisar el closet, era despedir y poner término definitivo a una primera etapa.

Una banda sonando furiosa, acelerada, con un sarcástico sentido del humor y nihilista búsqueda de juerga. Imagen que no calzaba mucho con el halo más serio que imponía en el escenario la figura hipertrofiada de su nuevo vocalista: Henry Rollins y en los sonidos más complejos que salían de Ginn, quien asimilaba rápidamente la influencia del free jazz más avant garde. De alguna forma, también se buscaba mantener el “nombre de la banda” a flote y viva.

La portada del disco, obra de Raymond Pettibon.

Hermano menor, del fundador de Black Flag, Greg Ginn. Esta muestra una tijera de sastre abierta y sostenida por unas manos. Llega a ser amenazante y tenebrosa la simple imagen del dibujo. Tal como el contenido del vinilo.

En la contraportada, adornan la información, un par de afiches, hechos por Pettibon. En los que Black Flag hace de cabeza de cartel, todos monocromáticos con crudas y enigmáticas viñetas.

Los trazos de Pettibon eran el perfecto ornamento para la ponzoñosa música de Black Flag. Tomas en bruto y urgentes.

Lo valioso de este disco, además de ser de autoría de Black Flag es que podemos apreciar tres tomas de Gimmie Gimmie Gimmie cantada por los tres vocalistas. Cada uno puede escoger su favorita. Conocida es la subdivisión entre los fans de las cuatro barras por el mejor vocalista. Las opiniones apuntan principalmente a Rollins y Morris, de atrás les pelean Cadena y Reyes.

Los tres con su particular su estilo: Keith Morris es un Demonio de Tasmania, con micrófono. Reyes más cercano a un Darby Crash “ordenado” y Cadena con su descuidado estilo gutural. Todos ayudaron a centrar la leyenda de Black Flag dentro de la escena Punk.

Volviendo al material, están las siempre incendiarias Depression y Police Story. Más la protesta al hastío laboral de Clocked ´in, tanto en las gargantas de Chavo y Morris.

Canción mítica, ya que fue el debut de Rollins como frontman. Gentileza de Dez Cadena, quien aceptó la petición de este a tomar el micrófono en un recital.

Por su parte Cadena da lo mejor de sí, en las sentidas versiones de Damaged. Desgarra su garganta sobre la lacerante base instrumental e invita a una orgía de guitarras en la particular versión del clásico Loui Loui de Richard Berry.

El rescatar estas tomas, además de esbozar sonrisas en todos los fanáticos de la Bandera Negra, sirvió como ejercicio de exorcismo. Cerrar un periodo marcado por problemas judiciales con sellos. Los con la policía sería un karma que los seguiría acompañando. Y despedir a la banda que sonaba como una versión de los Ramones, pero iracundos de verdad, descontrolados y en speed.

Finaliza esta labor arqueológica, la última cara del vinilo. Que ofrece alrededor de 15 minutos de publicidades de conciertos de Black Flag y la pandilla SST emitidas en radios college.

Estos dan testimonio, en parte, de cómo se dio vida a la estética y praxis del Hazlo Tú Mismo de la Banda y Sello que marcaron con sangre y sudor el underground de los 80.

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REVIEWS Spiritualized

Sweet Heart Sweet Light por Pablo Espinoza

Las drogas y el espacio han sido los grandes temas de Jason Pierce (alias J. Spaceman), el inglés fundador de Spacemen 3 y Spiritualized. Spacemen 3 se formó en 1982 y se disolvió a comienzos de los 90; Spiritualized surgió de sus cenizas y lanzó, el 2012, Sweet Heart Sweet Light, su séptimo disco. Sobre las drogas y el espacio, son bastante decidores los nombres de los álbumes de estas bandas. Spacemen 3 llamó a una de sus maquetas Taking drugs to make music to take drugs to (1990) y el disco más aclamado de Spiritualized es el etéreo Ladies and gentlemen we are floating in space (1997), que incluía un packaging que imitaba un medicamento: “Spiritualized se usa para tratar el corazón y el alma”, decían las instrucciones.

Podríamos dividir Sweet Heart Sweet Light en dos. Por un lado, encontramos canciones convencionales, como “Hey little girl”, “Too late” y “Freedom”, cercanas a Los Beatles; y por otro lado, hay temas más extensos y experimentales, con los que los seguidores de Spiritualized estarán más familiarizados. En este segundo grupo están “Hey Jane”, “Get what you deserve” y “Headin for the top now”; canciones monótonas, que cuentan con las desganadas vocales de Pierce, influenciadas evidentemente por Velvet Underground y The Stooges. En pocas palabras, un disco variado que no decae. Su originalidad está principalmente en los arreglos, donde se combinan las guitarras distorsionadas con música orquestada y coros góspel.

La influencia del góspel (música religiosa que surgió de las iglesias afroamericanas) se ve también en las letras de Spiritualized. “Ayúdame Señor, ayúdame Jesús, porque me siento solo y cansado”, dice la letra de “So long you pretty thing”. Pierce se declara no religioso, pero sí muy interesado en la música espiritual. Todas las letras de Sweet Heart Sweet Light son, en general, bastante melancólicas. “A veces deseo estar muerto, porque sólo los vivos pueden sentir el dolor”, dice en “Hey little girl”. La portada de este disco es un enigmático “Huh?”. Una referencia al estado mental en el que se encontraba Pierce mientras mezclaba el disco, debido al tratamiento que recibía para combatir un problema al hígado del que ya está recuperado. Sweet Heart Sweet Light, finalmente, es un álbum de rock and roll particular, muy

ALMENARA

Desestructurando lo Aprendido

por Pablo Durán

Esta muy buena banda de la V Región de Valparaíso nos entrega un nuevo EP de 3 canciones, con un sonido muy bueno y funcional al estilo de música de la banda que es un hardcore punk muy matizado, con estructuras musicales muy interesantes en las dos primeras canciones sobre todo, dejando de lado el verso-coro clásico.

El sonido de esta producción es de buena calidad, puntos extras además por la al parecer completa autoproducción de la grabación y post producción. Las baterías suenan muy bien, y junto con la voz son protagonistas a lo largo del EP. Generalmente, no soy fan de las partes ‘habladas’ en las bandas, pero en este caso quedan muy bien, al igual que los coros en “Marcel, Revienta!”, la canción que cierra el disco.

En definitiva es un EP que a Almenara deberían dejar contentos. Si bien, es un disco bastante corto, creo que deja con ganas de escuchar lo que me imagino la banda estará presentando en un futuro cercano. Junto a Epifanía, creo que son de las bandas más interesantes que he escuchado de Valpo en el último tiempo.

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REVIEWS Escalofrío

http://escalofrio.bandcamp.com/album/demo-2

por Rogelio (krustie!)

Escalofrío está formado por ex miembros de Sin Orden, con un sonido que esperamos de una banda latina en U$A. La diferencia más evidente es la dualidad de vocalista chico/chica que los hace distintos; ¿en qué?, en la precisión, el trabajo vocal no es al azar, está casi cronometrado, además de dotar de armonía a bases de punk rápido de ejecución y sucio de sonido/distorsión (así como nos gusta).

Este Demo Tape dura algo más de 8 minutos lo que lo hace provocativamente adictivo, le das una y otra vez hasta que terminas aburriéndote o bien escuchando cada uno de los acordes que llevan los casi 10 tracks. Diría que se trata de un trabajo absolutamente profesional para ser/soportar un demo, por ejemplo, la base rítmica de la batería no te deja indiferente, porque va llena de cortes, pedal cañero como dicen y muchos golpes de hi-hat en sus bordes… estos jóvenes son energía de esa que corre por las venas de la américa morena.

Quasimoto

Unseen

por Roberto Carmona

Al finalizar la década de los noventa, la golden era del rap, donde los egos y las figuras de los MC´s estaban muchas veces por sobre la música, hace su aparición un misterioso personaje venido desde el espacio, rimando de manera irónica, sideral con humor y sobre pistas con samples cósmicos y jazzy que a simple escucha podrían parecer mal cortados, bombos y cajas que parecieran estar a destiempo, una voz chillona y burlesca te recuerda que hay algo que no has visto ni escuchado aún, Lord Quas ha entrado en escena.

Quasimoto es uno de los tantos alias del multi-intrumentista, MC, Productor y DJ de california Madlib (Otis Jackson Jr.) que antes de lanzar Unseen por Stones Throw ya contaba con algunos trabajos a su haber con el grupo LootPack (Sound Pieces: da antidote, Stones Throw 1999) donde oficiaba de MC y productor de este combo Californiano conformado junto a Wildchild y Dj Romes; fue en este disco donde comienza la aparición de la mítica figura de Quasimoto con los featuring en los temas Answers y 20 questions.

Corría el año 2000, el año del supuesto caos tecnológico mundial (Y2K) y hace su aparición el cerdo amarillo con su ladrillo en mano, ese ladrillo era uno de los discos (a mi parecer) más importantes del rap de la década del 2000, Quasimoto – Unseen, disco que saca del centro la figura personal del rapper y crea una caricatura de este, además de proponer un estilo en la producción de instrumentales, samples de los grandes del jazz, de sonidos cósmicos, algunas veces acompañados de instrumentos, bajos estremecedores, la voz particular y caricaturesca de Quas y los rapeos de Madlib (siempre dejando en claro que son dos personajes diferentes) además de un ejercicio estético que atraviesa todo el disco, la sensación de una composición sucia, llena de detalles no depurados, samples mal cortados, bombos y cajas que te dejan la sensación de que están a destiempo, todo esto a propósito. En relación a las letras del disco podemos encontrarnos con las diferentes historias picarescas de Lord Quas en la tierra, como otras en la que presenta sus respetos a la vieja escuela del hip hop y a los grandes del jazz. No olvides nunca de dónde vienes.

Desmenuzar el disco canción a canción es un ejercicio entretenidísimo, sin embargo recomiendo que cada uno lo haga, ira sacando sus propias conclusiones. Solo decir que éste comienza con una seria advertencia… esto llega para cambiar todo, no bajes la guardia “Ladies & Gentlman, Wellcome To Violence”.

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REVIEWS tirapiedras

EP CD

por ExPectador

Tirapiedras es una banda de Buenos Aires, Argentina, con ex integrantes de Flores del Sol, Amoeba y Ártico. Este es el primer disco lanzado por la banda, ep que contiene siete canciones llenas de furia, una base constante que en momentos te pega golpes que te aturden irremediablemente, abrazados de cortes y disonancias que me dan ganas de querer quemarlo todo. Bajo, Guitarra y Batería en completa conexión que me recuerdan a las bellezas disonantes de SST como Saccharine Trust, Saint Vitus, The Stains, Bl’ast y claro Black Flag en la época de ‘In my head’. El vocalista da el tono diferente a la banda que, dándole varias vueltas, me agrada bastante; no estaba acostumbrado a una voz en momentos muy de “cancha” o voces cantadas en el punk “mala onda” que hace Tirapiedras, pero debe ser porque esperaba algo más podrido y letras que hablaran de quemar la ciudad, matar al presidente (aunque igualmente las ganas no se quitan, por suerte). Espero ansioso su próximo disco...

El disco esta auto-editado por la banda y lo puedes conseguir escribiéndoles a su página de Facebook. https://www.facebook.com/pages/Tirapiedras-Tirapiedras/180380002147751 http://tirapiedras.bandcamp.com

Alvvays

s/t (Polyvinyl - 2014)

por Cristobal Moya

La idea de un fantasma o de un espectro es principalmente atemorizante. Y semi transparente. La gracia de las psicofonías es que son dificiles de entender, el ruido y la confusión es lo que las hace tan perturbantes y a la vez atrayentes. El pop de ensueño del disco debut de los canadienses Alvvays calza casi perfecto con esta descripción. Sus canciones llenas de guitarras reverberantes parecen venir de otro plano dimensional, y la voz dulce de Molly parece estar enviandonos un mensaje desde otro planeta. Y es que sus letras parecen contrastar con un envoltorio que llama a lo etéreo y a una reflexión en la que no caben los chistes, hablando de las vicisitudes de la edad adulta desde una perspectiva tan patética y derrotista que solo puede ser tomada con humor (“Has estudiado las deudas a pagar y no vas a arriesgar la manutención /.../ hey, hey Archie, cásate conmigo”).

A ratos Alvvays parecen flotar demasiado alto. Sin embargo es sólo cosa de dejarse llevar, las leyes en el aire son distintas y nuestros nuevos amigos parecen saberlo muy bien. La ola de bandas que han traído como revival el pop más independiente y subterraneo de finales de los 80 y principios y mediados de los 90 no decepciona para nada.

Las nubes de shoegaze, pop eléctrico y reverberaciones rosa son una fórmula que no tiene desperdicio y se agradece que las nuevas bandas saqueen esas tumbas en lugar de seguir chupándole la energía a sonidos tan gastados como las explosiones Nirvanescas por ejemplo (leave Kurt alone!). En ese sentido los de Toronto saben bien como cocinar su torta y ganar al menos un listón de premio. Alcanzan a tener el suficiente peso como para volar por sobre el resto, sin convertirse en ese tipo de bandas que de tan eterea se vuelve del todo invisible e imperceptible (me cuesta creer que alguien quiera que Slowdive vuelva a tocar), pero aún así sonar como si viniesen en un plato espacial a llevarnos a nuestro planeta de origen. Decididamente cargados hacia el azúcar y el hielo, esta opción los diferencia del resto de las bandas que suenan mucho más cercanas y cálidas, situándolos en aquel lugar extraño, que parece no estar en ningún lado, pero que al mismo tiempo es muy familiar, como un sueño inexplicable, pero muy recurrente. Si hay vida más allá de la muerte, ojalá este sea su sonido.

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REVIEWS Los Alamos

Luces Blancas

por ExPectador

Los Alamos es una banda de Buenos Aires, Argentina. Genios indiscutibles que durante más de diez años (comenzaron en el 2003) nos han entregado discos inspiradores, “No se menciona la soga en casa del ahorcado” fue su primer trabajo el cual escuché hasta quemar mis tímpanos con dulzura. Los Álamos son reconocidos en muchos países ya que han compartido escenarios con Yeah Yeah Yeahs (USA), Daft Punk (Fr), Amparanoia (Es), Devendra Banhart (USA) y los Dead Brothers (Suiza).

Luces Blancas el tercer trabajo discográfico de Los Alamos (quinto si contamos el álbum que grabaron en vivo en Suiza más el EP del 2006), el cual fue Grabado en vivo en dos días por Gonzalo Rainoldi, masterizado por Denis Blackham (Led Zeppelin, The Who) y fue escrito por toda la banda en tan solo una semana. Su nuevo trabajo, como ya escuchamos en “El fino arte de la venganza” (2008) posee tintes mucho mas rockeros pero igualmente involucrando el folk que tan bien logran enfrentar con audacia. Frescos, novedosos siempre, folk, country, blues, pero con una fuerza rockera como una aplanadora. Antes del 2010 realizaron una extensa gira por Europa para después separarse, lo que me hizo perder las esperanzas de poder escuchar otro disco de esta genial agrupación, pero Luces Blancas me cerró la boca, canciones como “Me llaman así” o el comienzo delicado con “Devorados por el fuego” me llaman a una tarde donde el sol, exprimir un buen jugo de naranja-plátano y sentarme en un buen posa-culo sean el paso perfecto a disfrutar de esta excitación tremenda, claro, moviendo el pie sin parar.

Si aun no escuchaste el disco corre a darle con todo!

METAMORPHOSIS

S/t 7´

por Pablo Durán

Primer registro en vinilo de los veteranos de Metamorphosis de Lima, una banda que lleva metiendo ruido desde 1996. Este 7’’ cuenta con 4 canciones grabadas en 2012 pero que pertenecen a¬ distintas etapas de la banda. Dos son más recientes, y el otro par son canciones de sus primeros años.

Recuerdo haber visto a Metamorphosis en vivo en Santiago el año 2003, en el show despedida de Entrefuego, y recuerdo haberme sorprendido gratamente por su sonido que en ese recital me pareció un buena mezcla de hardcore con sonidos más en la onda Fugazi.

‘Metamorphosis’ es una canción clásica hardcore punk con voces rasgadas o ‘podri’ como dirían mis amigos argentinos, con geniales riffs MUY punkrock y solos que hacen recordar al hardcore 80tero. ‘Hombre Nuevo’ tiene bastante más melodía manteniendo la velocidad y la agresividad, dualidad la cual logran muy bien a lo largo del disco. Con ‘No vamos a rendirnos’ bajan sólo un poco las revoluciones, para dar paso a un otro altamente conmovedor repitiendo en coro la frase que da nombre a la canción. Para terminar, ‘Zombie People’ es el único tema cantado en inglés, con un acento muy simpático por cierto. Acá dan rienda suelta al sonido que yo recordaba de ellos en aquella tocata: un hardcore punk más melódico con partes más ‘loquitas’ rayando en el post-hardcore.

Metamorphosis es una banda que mezcla estilos pero lo hace de buena manera casi siempre, y eso los hace entretenidos y a la vez, impredecibles, lo cual para mi siempre es una virtud. El único punto bajo de esta producción es el arte en sí, que si bien cuenta con un dibujo de tapa genial, no trae las letras y la calidad del papel de impresión deja bastante

Salvaje Revista C·R·Ó·N·I·C·A

RIP OFF Por MegaWimpy

Detenerse a pensar sobre las causas de que ciertas melodías o cadencias se repitan en nuestras cabezas, es de las pocas brisas reflexivas que quedan a disposición del consumidor cultural. Porque la música que se apodero de nuestros paisajes mentales la elegimos y nos eligió. Y siempre que el tema acosa, la explicación que hace The Residents de la estructura de la canción pop aparece con su halo desolador: “• 1: La música pop es, en general, una repetición de dos tipos de frases musicales y líricas, el verso y el coro.

• 2: Estos elementos suelen repetirse tres veces en una canción de tres minutos, del tipo usualmente encontrado entre “los 40 principales” (canciones top de la radio).

• 3: Recorte su grueso y la canción pop es tan sólo de un minuto. De esta manera, los discos de música pueden tener sus propios “40 principales”, de veinte minutos por lado.

• 4: Un minuto es también la duración de la mayoría de los comerciales, y por lo tanto de sus correspondientes jingles.

• 5: Los Jingles son la música de América. • Conclusión: Este disco compacto es genial en reproducción aleatoria. Para convertir los jingles en música pop, programa cada canción para que se repita tres veces.”

(Commercial Album, 1980).

El argumento de los legendarios vanguardistas es, por lo menos, desengañador.

Sin embargo, después de tenerlo en cuenta y escuchar el disco al que está asociada, las preferencias musicales no pueden ser abandonadas. La esencia comercial de las canciones que animaban un primer entusiasmo anti pop, la pasamos por alto y nos relegamos a la experiencia misma de escuchar los queridos pero ingenuos discos anti pop. En el plano sonoro, el soundtrack del control social es difícil de resistir.

Valga la meditación para señalar el marco donde se inscribe mi persistente pasión por sonidos tan desprestigiados como el crust, el grind y el noise. Al respecto, siempre he creído que fueron mis condiciones históricas y sociales las que me llevaron a identificarme con tales estilos. Por contraste, nunca he olvidado el momento en que un autoproclamado admirador de Pink Floyd, la banda de los hombres maduros y sensibles, me preguntó por mis preferencias musicales y sugirió una tesis “psicológica” sobre éstas.

El punto es que mi temprana aproximación a la llamada “música extrema” o “ruido”, partió por el antagonismo, mejor dicho, por la negación. No me gustaba la música bailable ni romántica, nada asociado a círculos de prestigio basados en lo que todos escuchan, ni a subculturas o contraculturas, a veces tan bien definidas, que terminaban repitiendo los mismos parámetros de la “cultura” dominante.

No digo que pudiese escapar a la inminente domesticación de una época realmente subsumida por el capital, pero por lo menos me alejaba del sospechoso gregarismo. Hablo de fines de los años ’80.

Entre las afinidades posibles que podían aproximarme a lo que mi gusto sonoro idealizaba, cabían el death metal, el hardcore medio thrash (DRI, SOD, entre otros) o también el punk rock, que por “rock” me sonaba demasiado meloso y naíf. Pero ninguna de estas propuestas me convencía. Se fueron definiendo preferencias en negativo: nada que fuera

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asociado a las tendencias mencionadas, ninguna tenía lo que buscaba. Quizás esta situación es la que empuja a hacer las cosas por uno mismo, empezando por formar una banda musical propia. O seguir buscando.

La figura que me había formado de lo que quería escuchar, era algo así como una criatura hecha de un poco de punk, de death metal y de hardcore. Cuando digo “punk”, pienso en un siete pulgadas compartido entre The Exploited y Anti Pasti, que por azar llego a mis manos. Los últimos se transformaron en mi referente de punk, por lo menos para inmunizarlo de aquel que sólo evocaba fiestas bailables o peleas con cadenas.

Del death metal, también debía desgajar lo que no me interesaba. De la música metalera siempre me irritaron los punteos virtuosos o los riff depurados.

A fines del ’88 un disco como “Leprosy” de Death, se convertía en clásico, una pieza que nunca más olvidé. Ya tenía en esa misma carpeta a Venom, Blasphemy, Slayer, Sodom y Kreator. Después vendrá el sonido Earache Records o discos como la compilación “Satan’s Revenge II”, que realmente me reenfocaron. Pero no dejaba de incomodarme el asunto de los punteos y los riff.

El hardcore me resultaba sugerente. Sin embargo, las bandas que coqueteaban con el thrash no me gustaban mucho: C.O.C., D.R.I., S.O.D., M.O.D., etc. Demasiada sigla, realismo, seriedad, voz de hombre rudo estilo B. Milano, la verdad que muchos amigos las recomendaban pero no me calzaban.

Escuché bandas de NY u otras asociadas a la historia del hardcore punk en sí mismo, pero – sin querer asentar un criterio nacional – el sonido U.S.A. no me terminaba de convencer. Debo agregar a esto que la recepción de hardcore punk en Valparaíso, la ciudad donde viví estos años, se inclinó mucho más por Europa.

Desde Inglaterra vendrá el sonido que finalmente me convence. Fue un disco. Circulaban en cassete compilaciones muy mal grabadas, donde escuche a Lip Cream, Rose Rose y GISM, los grandiosos japoneses que desde esa época convertí en mitos sonoros. Pero el disco que me abrió las puertas del crust fue la compilación “Digging in water” del imprescindible sello Manic Ears. Disorder, Chaos UK, Ripcord, Extreme Noise Terror, Electro Hippies, entre otros, todos en un solo disco. Las gráficas, el sonido, las letras, todo venía a barrer con el escenario previo, que se desmoronaba en su insoportable convencionalidad.

Según recuerdo, el noise, el grind, lo industrial, se sumaran al nuevo panorama musical. ¿Cómo?.

Salvaje Revista Esto no es una crónica Yo la tengo · Jueves 05 de junio 2014/19 hrs.

Teatro Vorterix · Buenos Aires · Argentina

Emilia en el país del ácido azul Por María Magdalena

Emilia no nació en Buenos Aires, tampoco en Argentina. Está claro que nació en un país, en un estado/nación, aunque no le agrade recordarlo. No tiene DNI, ni quiere tenerlo. Está de paso, lo ve como una transición. Aunque ha transcurrido tiempo, sigue acá, experimentado todo. Buscando países dentro de un mismo país, en que no le pidan identificación y pueda moverse sin policías internos.

Así llegó al país del ácido azul, el día 5 de junio, una noche de otoño, cuando por providencias de la vida, terminó viendo a Yo la tengo. Emilia escucha la banda hace años, conoce sus discos y su estilo. Sabía que tocaban esa noche en el Teatro Vorterix, conocía el valor de la entrada y cómo obtenerla previamente. Absolutamente todo, pero no quería seguir el camino que siguen todxs. Optó por perderse, como lo hace habitualmente en la ciudad. Pero al parecer la suerte de algunxs está echada, por más que Emilia se arroje al mundo y quiera sentarse frente a la nada. Ella debía estar ahí y vivir la travesía en manos de Yo la Tengo.

Toda la hilera de acontecimientos previos, entre que Emilia llegara afuera del teatro por error, pusiera la mitad de un ácido Avatar bajo su lengua y se hallara minutos después dentro del lugar. Son parte de un cuento fantástico de Edgar Allan Poe, pasados en cámara lenta, filmados en blanco y negro por los hermanos Lumière, con personajes parecidos a los de Freaks, pero sin circo y sin pan.

Lo importante es Emilia en el concierto y el descubrimiento del país del ácido azul.

Lo importante es Yo la tengo.

El Vorterix es un teatro antiguo, probablemente con una historia concreta que muy pocos deben saber. Pero, que desde hace unos años cuando se reinauguró, ha servido como una radio permanente, como espacio para distintos espectáculos y como una plataforma visual. Lo explican así sus múltiples pantallas, que bombardeaban el lugar cuando Emilia entró por la puerta principal.

El teatro posee un segundo piso, dos escaleras de un estilo muy clásico llevan a él. Lo primero que vio Emilia al subirlas fue una lámpara de lágrimas muy grande. Siempre le han sorprendido, como símbolo burgués y porque siempre se cuestionó que a veces no vale la pena derrochar mil lágrimas por obtener un poco de luz.

Antes de Yo la tengo, se presentó una banda con un nombre muy particular: Atrás hay truenos. El nombre de la banda fue lo único que le gustó a Emilia, porque más de alguna vez ha sentido que los truenos la acompañan. Razón por la cual y probablemente producto del inicio del viaje, miró atrás de ella más de alguna vez.

Los truenos acabaron, y comenzó lo que nunca esperó, porque no lo buscó, solo pasó. Emilia entraba al país del ácido azul, invitada por Ira Kaplan, Georgia Hubley y James McNew. El primer tema fue Stupid Things del disco Fade. Me hablan a mí, pensó. Bajó corriendo las escaleras, no había nadie que la detuviera. Se abrió paso entre la multitud que iba tomando el ritmo de a poco. Fue fácil avanzar, se deslizaba entre la gente.

Cuando llegó adelante, ya sonaba Five-Cornered Drone, que la tranquilizó hasta que su corazón aceleró un poco los latidos con Autumn Sweater. A veces no hay nada que decir, pensó, en este otoño de la vida.

Miró a su alrededor y todxs mantenían un silencio apasionado.

Se callaban entre ellxs, de una manera casi escolar. Quieta, quieta, debes quedarte quieta, se repetía a sí misma. Aunque fue inevitable no bailar con Mr. Tough. Era momento de ocupar el espacio y pretender que todo puede estar bien.

Kaplan jugaba con los años, y pasaba de I Am Not Afraid of You and I Will Beat Your Ass del 2006, retrocediendo a Fakebook en 1990, y luego a Fade en el presente. Una máquina del tiempo con una perfecta armonía. Emilia los miraba fijamente y admiraba ese ensamble ideal de diferencias, del hecho de estar 30 años juntos. Tener la capacidad de intercambiar roles, instrumentos y transmitir belleza, que se activaba aún más con los químicos que agudizaban todos sus sentidos.

Habitar este país que pronto se volvió azul, la hizo caer en Ohm, sin no antes pasar por el desorden de Sugarcube. Puro ruido y distorsión directo al cerebro, que no se agotaba de los destellos que provenían de cada rincón del teatro. El momento más alto de la noche. Lo que quieras de mí, lo tienes, gritó Emilia entre el bello caosmos.

Se fueron la primera vez con Pass the Hatchet, I Think I’m Goodkind, para luego volver con la paz de Our way to fall. Los susurros de Ira la conmovían, le hablaba al oído y no la dejaba ir. Pero el final se acercaba junto a Somebody’s in Love, cover de Sun Ra y un juego de voces al unísono.

Abandonaron otra vez el escenario, varios de los asistentes ya se habían retirado al fondo del lugar. Pero lxs más entusiastas, a pesar del cansancio de los cuerpos, seguían exigiendo un último final. Ese final vino con el cover de Daniel Johnston, Speeding motorcycle. Emilia comprendió que era momento de cruzar la frontera e irse a un nuevo país. Después de dos horas que duró el viaje, era tiempo de cerrar el pacto, de agradecer a los guías espirituales que a punta de guitarras distorsionadas y voces apacibles la llevaron a conocer el país del ácido rock.

No hay fisuras ni espacios vacíos junto a Yo la tengo. Tampoco hay listas de canciones ideales, todo en sí funciona a un ritmo específico, elegido por ellxs mismxs. Es verdad, ellxs la tienen. ¿Qué tienen? Pregúntale a Emilia.

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