Rui Calçada Bastos

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Working with and in the cities that he traveled to or lived in (Macau, Shanghai, Paris, Lisbon, Berlin, Los Angeles, Rio de Janeiro) Calçada Bastos focuses on urban landscapes, objects, shapes and situations that would perhaps be overlooked at first glance.

Working with photography, video, sculpture and drawing, he explores his themes poetically, confronting the viewer with a self-referential view. In a real and metaphorical sense, the reflections, duplications and confrontations constitute variations on a leitmotiv that runs through Rui Calçada Bastos’s videos, photographs and installations dealing with self and other, inner and outer, here and there.

Rui Calçada Bastos

Trabalhando com as cidades e nas cidades por onde passou ou onde habitou (Macau, Shanghai, Paris, Lisboa, Berlim, Los Angeles, Rio de Janeiro), Calçada Bastos centra-se em paisagens, objectos, formas e situações urbanas que poderiam passar desapercebidas a um primeiro olhar. Trabalhando com fotografia, vídeo, escultura e desenho, o artista explora os seus temas poeticamente, confrontando o observador com uma perspectiva auto-referencial. Num sentido tão real como metafórico, as reflexões, duplicações e confrontações são variantes de um leitmotiv que atravessa os vídeos, fotografias e instalações que abordam o eu e o outro, o interior e o exterior, o aqui e o ali.

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Índice / Index

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O Mundo na Mão João Pinharanda

The World in Your Hand João Pinharanda

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A Gentileza da Rua ou O Olho É Um Caçador Solitário / A obra de Rui Calçada Bastos Sabrina van der Ley

A Gentileza da Rua or The Eye Is a Lonely Hunter / The work of Rui Calçada Bastos Sabrina van der Ley

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Legendas Biografias

Captions Biographies

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O Mundo na Mão

The World in Your Hand

O trabalho de Rui Calçada Bastos obriga-nos a considerar o mundo como uma realidade próxima embora misteriosa e inesperada. Neste sentido aproxima-nos de alguma poesia contemporânea que lida com palavras comuns, imagens planas, situações totalmente vulgares fazendo que a exposição dessa banalidade, a sucessão de episódios sem qualquer grandiloquência, drama ou lirismo se torne, exactamente, o palco de exposição das emoções (hoje) possíveis, e possa ser, afinal, o lugar onde se revelam as possibilidades de abertura ou de afundamento dos seres.

O real que Rui Calçada Bastos regista parece próximo – porque nenhum segredo parece esconder as imagens que nos apresenta; elas são aquilo que são, sem a adição de qualquer elemento do que, em linguagem comum, entendemos por beleza; são pormenores de um mundo urbano e sempre incompleto (porque em movimento perpétuo, porque nunca terminado, porque já em desagregação).

Mas quanto mais banais nos (a)parecem essas imagens, mais obscuras resultam, mais se inverte ou se desdobra o seu significado. É nisso que consiste o resvalar ou o desvio que referimos; marcado, por vezes, por jogos visuais de decifração e adivinhação dos sinais de reconhecimento do real, por jogos de simetria e desmultiplicação de imagens mas garantindo, também, pequenas narrativas abertas que, partindo de registos instantâneos e sem significado inicial, vão ganhando espessura à medida que se olham, que se relacionam com ou-

The work of Rui Calçada Bastos compels us to approach the world as a reality that is close to us, but remains mysterious and unexpected. In that sense, it is close to a certain contemporary poetry that deals with common words, flat images, and utterly trivial situations. The exhibiting of that triviality, the succession of episodes devoid of any grandiloquence, drama or lyricism becomes precisely the stage for displaying the emotions that are possible today, as well as the place where the possibilities for the openness or the foundering of beings are ultimately revealed.

The reality that Rui Calçada Bastos records seems close because no secret lurks behind the images that the artist presents; they are what they are, without the addition of any element of what common language would define as beauty. They are the details of an urban, ever unfinished world (because it is in perpetual motion, always incomplete and already in a process of disaggregation).

However, the more trivial these images may appear, the more obscure they become, the more their meaning is inverted or unfolded. That is the nature of the shift or detour that we have mentioned, which is at times marked by visual games of deciphering and guessing of the signs for the recognition of reality; games of symmetry and de-multiplying of images, which also propose small open narratives based on recordings that are instantaneous and without an initial meaning but acquire thickness as they are taken in, as they establish relationships with other images recorded/installed

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Walking Distance, (8 Nov. 2016 – 16 Jan. 2017), maat – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia / Fundação edp Lisboa / Lisbon

tras imagens registadas/colocadas antes ou depois ou ao lado de… Vejamos alguns dos aspectos desse processo de transformação do que é banal em individual, do que é chão em lírico.

Nas suas numerosas viagens (de estadas prolongadas ou curtas passagens) pelo mundo (de Oriente a Ocidente) Rui Calçada Bastos vai coleccionando imagens, fixas ou em movimento, de objectos abandonados (por inúteis ou esquecidos na voragem do consumo), de pequenas cenas de um quotidiano urbano automatizado ou de um mundo arcaico e perdido, pormenores (que impedem leituras/visões de conjunto) de construções ou de cenários paisagísticos (mais abertos mas sempre em incompletude); vai registando sons, a que atribui valor de banda sonora e/ou de comentário verbal às imagens; finalmente, recolhe alguns daqueles elementos banais conferindo-lhes papéis escultóricos, com estatuto de objets trouvés, e/ou recompondo-os segundo as lógicas de uma instalação site specific ou mais generalista. Mas vai também coleccionando relações humanas cujos efeitos emocionais, subtilmente, insinua na sua obra.

O artista regista o seu percurso no mundo que é, para ele, uma unidade fragmentada mas coerente. Porém, o percurso construído (que nos é devolvido através das imagens seleccionadas para cada exposição ou publicação), feito de episódios programados/encenados ou, maioritariamente, de acasos, é real, não é fictício. À sua ambição de tudo registar, que se percebe existir no seu trabalho, ele impõe dois tipos de limites: um tem que ver com as fronteiras dos seus próprios interesses temáticos-visuais (a cidade, as paisagens, as pessoas, os seus vestígios); o outro tem que ver com a metodologia de apresentação dos resultados. Esta exposição1 revela esses dois níveis de forma transparente: primeiro, Rui Calçada Bastos opta por apresentar sempre registos fragmentários – torna assim possível, no processo de montagem de

before, after or by their side… Let us look into some aspects of this process that turns the trivial into the individual, the flat into the lyrical.

In his numerous travels, (consisting both of prolonged stays or brief sojourns in regions of the world, both East and West), Rui Calçada Bastos collects static or moving images of abandoned objects (no longer of use or merely forgotten in the vortex of consumerism), small scenes of an automated, urban everyday life, or of an archaic and bygone world, details (which prevent readings/visions of the whole) of constructions or landscape scenes (more open but always incomplete); he records sounds, which acquire the value of soundtracks and/or verbal commentaries to the images; and he also collects some of those trivial elements to give them a sculptural role, the status of objets trouvés, and/or to recompose them according to the logics of site specific (or more generalist) installations. But he also collects human relations, whose emotional effects the artist subtly insinuates into his oeuvre.

The artist records his trajectory in the world, which for him is a fragmented albeit coherent unity. Consisting of programmed/ staged episodes or, most of all, randomness, this trajectory (which is returned to us in the images selected for each exhibition or publication), is real instead of fictional. Apparent in his work, the ambition to record everything is bound by two types of limits: one has to do with his own thematic-visuals interests (cities, landscapes, people, their traces); the other is linked to the methodology for presenting the results.

This exhibition1 exposes these two levels transparently: firstly, Rui Calçada Bastos chooses to present recordings that are always fragmentary – thus enabling, in the course of preparing each exhibition, successive interferences, hesitations, additions or deletions, and the obliteration of images (or memories of images) belonging to the same family or to closely related families;

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cada exposição, sucessivas interferências, hesitações, acrescentos ou rasura e obliteração de imagens (ou memórias de imagens) da mesma família ou de famílias próximas; depois fotografa, filma e/ou regista sons de coisas e cenas, segundo estratégias de composição que uma retórica clássica consideraria banais, informes, incompletas, sem regra. Parece acrescentar, assim, argumentos e elementos ao território dos que se negam a procurar/encontrar um sentido no/para o que os rodeia, nomeadamente que se negam a construir quer um discurso ético, quer poético, a combater o niilismo e a sugerir uma alternativa humanista.

Porém, para olhar e para se apropriar do mundo o motor de busca que Rui Calçada Bastos mais utiliza é gerido por regras que prolongam (para além da herança básica que o modernismo dele herda) alguns dos pressupostos do romantismo histórico: subjectivismo e individualismo; paixão e estranheza. O primeiro par, de que resulta (ou tem como instrumento de estilo) o fragmento discursivo, revela-se na enunciação do segundo par, ou seja, na obsessão com certas temáticas ou poéticas: a deslocação perpétua e a inexorabilidade do tempo escoado, ou seja, a Viagem como marca de um desenraizamento essencial; o Outro como objecto de curiosidade, de conquista e de entrega; o Amor como ideal inalcançável.

Rui Calçada Bastos está no centro de todos os trabalhos: o que é e o que nos dá a ver é o que o seu olhar subjectivo selecciona e enquadra e o que serve os seus propósitos. No entanto, não se trata de cumprir uma tarefa de ilustração nem das temáticas, nem do clima psicológico que lhes dá sentido. Trata-se mesmo, nas obras mais amadurecidas, de atingir essa realidade evitando a ilustração, desviando a nossa atenção quer dos factos banais que terão conduzido às imagens, quer das acções que elas possam provocar, quer do clima neutro que delas se desprende. Isto, porque o artista se vê e se move no espaço desse (seu) mun-

then, he photographs, films and/or records sounds of things and situations according to composition strategies that a classical rhetoric would consider banal, formless, incomplete or devoid of rules. In doing so, he seems to offer arguments and elements to the camp of those who refuse to seek/find a meaning in/for what surrounds them, namely by refusing to build an ethical or poetical discourse, to combat nihilism and to propose a humanist alternative.

Instead, to look at the world and appropriate it, Rui Calçada Bastos often resorts to a search engine governed by rules that extend some of the premises of historical romanticism (beyond the basic legacy that modernism inherited from it): subjectivism and individualism; passion and strangeness. The first pair, which is a result of the discursive fragment (or resorts to it as a stylistic tool), is revealed in the enunciation of the second pair, i.e., in the obsession with poetic themes or forms: perpetual displacement and the inexorable passing of time, which is to say, travelling as a mark of an essential uprooting; the Other as object of curiosity, conquest or surrender; love as an unattainable ideal.

Rui Calçada Bastos is at the centre of every work: what he shows is what his subjective gaze selects and frames to serve his purposes. However, the task is not one of illustrating the themes or the psychological mood that provides them with meaning. In his most matured pieces, the aim is to attain to that reality while avoiding the illustrative, shifting our attention away from the trivial facts that might have led to the images, from the actions they might provoke, and from the neutral mood they exude. This is due to the fact that the artist sees himself and moves within the space of this world (of his) driven by passion and amorous impulses (towards people or aesthetically relevant situations).

Those impulses lead him into the territories of the mysterious and the unexpected, thus

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do por paixão e por impulsos amorosos (que tanto podem ser dirigidos a pessoas como a situações esteticamente relevantes).

São esses impulsos que o conduzem a territórios de mistério e inesperado assim confirmando o valor simbólico acrescentado de imagens que começámos por considerar banais. O conhecimento de si é procurado no conhecimento do Outro; e porque o território do Outro, do que é diferente, é sempre estranho, é essa mesma estranheza que (o/nos) atrai e repele, segundo ritmos impossíveis de estabelecer e de regular quer na vida quer na obra de arte.

Uma particularidade deste romantismo contemporâneo, do Love map totalizador que a ambição desta obra persegue, é surgir a Cidade não-ideal(izada) e os seus elementos (construções, habitantes) onde antes estava a Natureza idealizada. O que vemos (mesmo no que podia ser a paisagem «pura» de uma montanha do Tibete) é olhado através de uma lente que tudo recoloca num contexto urbano, sob uma lógica urbana – com Rui Calçada Bastos, viajamos sempre em cidades.

O discurso que suporta todo o processo (quer de viagem quer de registo de viagem) é eminentemente sensitivo: visual, sonoro.

A atitude artística de Rui Calçada Bastos é a de um predador e a de um construtor de objectos visuais (em que pode reunir imagem fixa ou em movimento, objecto e/ou som – música/ruído/palavra), não é a de um mero voyeur. O artista rouba, não se limita a observar; junta partes inesperadas da realidade, não se limita a classificá-las e a guardá-las em arquivos; e compõe, com esses fragmentos, microficções que percebemos manterem, afinal, fortes laços com as circunstâncias factuais em que os recolheu, com as circunstâncias subjectivas da sua própria vida: derivam de memórias emotivas pouco claras que vamos descodificando, revelam a consciência estética que tem de certas realidades desconsideradas, resultam de exercícios de associação

confirming the symbolic added value of images that may at first be seen as trivial.

Knowledge of oneself is sought in the knowledge of the Other; and, because the territory of otherness and difference is always strange, it is that very strangeness which attracts and repels (the artist/the viewer) following rhythms that are impossible to establish and regulate both in life and in art.

A particular feature of this contemporary romanticism, of the totalizing Love map, which the ambition of this work pursues, is the appearance of the non-ideal(ized) City and its elements (constructions, inhabitants) where idealized Nature used to stand. What we see (even in what could have been the ‘pure’ landscape of a mountain in Tibet) is seen through a lens that subsumes everything under an urban context, an urban logic – with Rui Calçada Bastos, we always travel in cities.

The discourse supporting the entire process (of both travelling and recording) is eminently sensorial: visual, aural.

Rui Calçada Bastos’ artistic stance is that of a predator and builder of visual objects (which bring together fixed or moving images, objects and/or sound – music/ noise/word), instead of a mere voyeur.

The artist steals instead of merely observing; he brings together unexpected parts of reality instead of merely classifying or archiving them; with those fragments he composes micro-fictions that are, after all, firmly anchored to the factual circumstances in which they were collected and to the subjective circumstances of his own life: they are derivations of unclear emotional memories that we gradually decode, revealing the artist’s aesthetical awareness of often disregarded realities and resulting from exercises in formal and thematic association in which he plays with images that are distant from one another in time and space and whose origins are different… Through these various bridging solutions, i.e., juxtaposi-

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formal e temática que pratica jogando com imagens espaçadas no tempo, afastadas no espaço, diversas nas origens… Através destas várias soluções de ponte, sobreposição, curto-circuito de sentidos, o artista cria condições para supormos que o seu trabalho não resulta de um conjunto de episódios dispersos e vertiginosos, mas os fragmentos de tempo e lugar que nos apresenta são determinados por uma unidade poética de acção, longa e complexa.

Na apresentação das suas fotografias em exposição ou em livro não é, para o artista, fundamental distinguir os lugares das suas recolhas visuais (ou também sonoras): quase todas são peças «Untitled / Sem título». Isso não é contraditório com o facto de Rui Calçada Bastos revelar, em subtítulo, os locais exactos das tomadas de vista.

Porque, ao dar ao espectador essas pistas de identificação, este pode constatar mais facilmente a contradição entre a individualização biográfica (um lugar específico/ uma data precisa: uma imagem irrepetível) e a sua uniformização – como se nada individualizasse um lugar/um tempo e tudo se equivalesse.

Não se trata de confirmar a teoria de não-lugar (Marc Augé) mas de introduzir a ideia de um lugar-único, mesmo de uma espécie de lugar-qualquer: trata-se, afinal, de aplanar diferenças. Registando lugares sem individualização possível, ou indiferenciando os lugares de origem das imagens e materiais que usa, o artista parece estar, simplesmente, a tentar universalizar o seu trabalho. Mas Rui Calçada Bastos não o faz coincidindo com a corrente dominante de recolha massificada e consumo massificado de imagens; antes recolhe imagens marginais ao sistema que domina, hoje em dia, as regras dos itinerários turísticos e das imagens partilhadas. As imagens de Rui Calçada Bastos são, assim, imagens de outros-lugares, de lugares-anónimos (ou tornados anónimos) dentro desse sistema de lugares-dominantes. São, por vezes,

tion, short-circuiting of meanings, the artist creates the conditions for us to surmise that his work is not the consequence of a set of disparate and vertiginous episodes, but that the fragments of time and place he lays out before us are determined by a long, complex poetical unity of action.

When presenting his photographs (in exhibitions or publications) the artist does not feel a crucial need to distinguish the places of his visual (or sound) collecting: almost all the pieces are ‘Untitled’.

This does not contradict the fact that, in their subtitles, Rui Calçada Bastos discloses the exact locations where he captured them. Indeed, by disclosing those identifying clues to the spectators, it becomes easier to realize the contradiction between biographical individualization (a specific place/a precise date: an unrepeatable image) and their equalizing – as if there was nothing to individualize a place/time and everything would be equivalent.

It is not a matter of verifying non-place theory (Marc Augé), but of introducing the idea of unique-place, a sort of whatever-place even: a matter, in fact, of levelling out the differences. By recording places that cannot be individualized, or by voiding the differences between the original places of the images and materials that he uses, the artist seems simply to engage in an attempt to universalize his work. But, in this process, Rui Calçada Bastos’ work does not coincide with the prevailing trend of mass collecting and mass consuming of images; rather, he collects images that are marginal to the current mainstream of tourism itineraries and shared images. Rui Calçada Bastos’ images are, therefore, images of other-places, of anonymous-places (or places that are rendered anonymous) within that system of dominant-places. Sometimes they are constituted by glamour-less details of those illustrious places; at other times they depict the backyards, the backstage, the hidden corners of those very places.

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pormenores, sem qualquer glamour, desses lugares estrelados; são, outras vezes, as traseiras, os bastidores, os cantos escondidos desses mesmos lugares.

A lógica da recolha de Rui Calçada Bastos aponta para a criação de um lugar-contínuo, testemunho inverso de uma civilização global. Esse objectivo de trabalho percebe-se claramente nas montagens das suas exposições onde as questões de escala desempenham um papel decisivo de imagem para imagem (unificando o pequeno e o grande, a proximidade e a distância, o fora e o dentro). Devemos considerar, com a mesma importância e significado, a correspondente uniformização dos tempos desses lugares: a chamada de atenção para um tempo-único, um tempo-anónimo, um tempo-contínuo.

Vejamos: fotografias de uns ténis novos destruídos numa só noite de dança numa discoteca, marcas horizontais de sinalização de trânsito desregradamente sobrepostas, ou marcas de consolidação do alcatrão das ruas, ou inexpressivos nós de fios eléctricos na cidade, ou uma entrada de um edifício de estacionamento, ou um muro descascado sobre uma paisagem de mar que mal se percebe existir, ou um bloco de cimento branco riscado por rodados de carros, por exemplo; mas também a marcação numa parede, pelo pó dos anos em que esteve pendurado, de um enorme terço decorativo desaparecido com o desfazer do quarto de uma velha proprietária, ou o «desenho» das fissuras de uma escada construída do lado de lá de uma outra parede. O distanciamento ou esfriamento destas imagens é alcançado através do acelerado desaparecimento da figuração humana, substituída por dominantes cenários urbanos esvaziados ou tomados em close-up, interiores e exteriores, paisagens ou arquitecturas sabotadas. Porém, a insinuação de uma história pessoal não heroicizada introduz um factor de aproximação: o artista esteve naqueles lugares, naquele

The logic of Rui Calçada Bastos’ collecting points to the creation of a continuous-place, the inverted testimony of a global civilization. This goal is clearly perceived in the installation of his exhibitions, in which matters of scale play a decisive role from image to image (unifying the small and the large, proximity and distance, the inside and the outside). We should consider, with the same importance and meaning, the concomitant levelling out of the times of these places, as the artist draws attention to a single-time, an anonymous-time, a continuous-time.

But let us take a closer look: photos of a new pair of sneakers ruined in the course of a single night of dancing at a club, of horizontal road marks haphazardly juxtaposed, of asphalt consolidation marks, of inexpressive knots of urban electric wiring, of the entrance into a car park building, of a peeling wall over the sea (which is barely perceived) or of a white block of concrete scuffed by car tires; but also the imprint of a huge decorative rosary left on a wall, over the years, in the bedroom of an old tenant, the ‘drawing’ left by a staircase structure on the other side of a wall. The distancing or the cooling-down effect of these images is obtained through the accelerated disappearance of the human figure, replaced by dominating urban sceneries that are emptied or captured in close-ups, by interiors and exteriors, by sabotaged landscapes or architectures. However, as a personal, non-heroic history insinuates itself, it introduces a proximity factor: the artist was in those places, at that time; he took possession, saw, used, collected those objects and those images; there, he lived through episodes of biographical merit.

It is within that regime of fatality, that fall into the trivial and the irrelevant, that this subjectivist rupture emerges and, simultaneously, guides his method of collecting and associating his images/sounds, as much as it should guide our own reading.

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tempo; possuiu, viu, usou, recolheu aqueles objectos e aquelas imagens; viveu ali algum episódio biografável. É dentro desse regime de fatalidade, dessa queda para o banal e para o irrelevante que se situa esta ruptura subjectivista que, paralelamente, orienta a sua recolha e modos de associação das suas imagens/sons e deve orientar a nossa leitura. Podemos recolocar as suas obras (individual ou colectivamente consideradas) noutro nível de compreensão: ou seja, a tentativa de instaurar a continuidade (do) banal na dimensão do que é anódino vai a par (através da questão autobiográfica) da tentativa de instaurar a dimensão do que é pessoal e intransmissível. Na obra inicial (vídeos e fotografias) Rui Calçada Bastos encarnava as personagens das suas microficções. Nunca se tratou de fazer um auto-retrato mas de montar e encadear um conjunto de cenas de um teatro em que o artista encarnava personagens (máscaras) diversas embora movendo-se num mesmo clima emotivo. Nas obras actuais a imagem «real» (o retrato) dessa presença do autor na obra (que sempre foi esquiva e tornada genérica pela iluminação, pela fragmentação dos planos sobre o corpo, pelos enquadramentos, etc.) vai desaparecendo ou tornando-se apenas na presença de uma sombra rápida.

Fotografias ou vídeos recentes resultam da encenação de imagens, som ambiente, palavras lidas de/por outras personagens ou de encontros de rua (registando pessoas ignorantes do facto de estarem a ser sugadas para dentro da obra ou reagindo a essa acção de apropriação da sua individualidade). Mas, enquanto as imagens fotográficas vão tendendo para uma, cada vez mais evidente, banalização/abstractização, nos vídeos o lugar do texto cresce e deriva em direcção a uma vertente literária-narrativa (If you’re going through hell, keep going, 2011 e Le spectateur éternel, 2016) garantida não apenas pelo uso de textos literários ou com

We could dislocate his works (considered individually or in the whole) into another level of understanding, i.e., the attempt to establish the continuity of the trivial within the dimension of the anodyne goes hand in hand (via the autobiographical question) with the attempt to establish the dimension of the personal and non-transmissible.

In his early work (videos and photographs) Rui Calçada Bastos incarnated the characters of his micro-fictions. For him it was never a matter of creating a self-portrait, but a matter of staging a set of acts in a play in which the artist took on different personas (masks) while moving in the same emotive climate. In his current works the ‘real’ image (the portrait) of that presence of the author in the work (which was always elusive and made generic by lighting, by the fragmented approaches to, and the framing of, the body, etc.) gradually vanishes or becomes just the presence of a fleeting shadow.

Recent photographs or videos ensue from the staging of images, ambient sound, words by other characters, or read by other characters, encounters on the street (to record people who are either oblivious to the fact that they are being sucked into his work or react to the appropriation of their individuality). However, while the photographic images lean towards an increasingly clear trivialization/abstraction, in the videos the place of the text grows and drifts towards a literary-narrative aspect (If you’re going through hell, keep going, 2011 and Le spectateur éternel, 2016) that is ensured not only by the use of literary, or literarily treated, texts. These works depend on the tension generated around the relationship between image and language, as each element seems to move in different directions only to converge in the expression of a cold violence, a subtle lyricism or the irruption of a romantic revival, bodies that are alien to the reality from which Rui Calçada Bastos starts and constitute identity marks of his art.

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Xavier de Maistre, Voyage autour de ma chambre (1794).

tratamento literário. Estas obras vivem muito da tensão criada em torno das relações entre imagem e linguagem, cada elemento parecendo seguir numa direcção diversa mas convergindo, afinal, na expressão de uma violência fria, num subtil lirismo ou numa irrupção de revivalismo romântico, corpos estranhos à realidade de onde Rui Calçada Bastos parte e marcas de identidade da sua arte.

Consideremos em mais pormenor duas obras bem diversas desta exposição: Love map e Le spectateur éternel, ambas de 2016, embora a primeira retome uma versão original de 2003. Nada mais genérico e banal do que um mapa turístico de cidade copiado de uma das edições mais consumidas e que consultamos enquanto caminhamos. Aumentado à escala em que se encontra, ocupando uma parede de 3 × 7 metros, perde esse estatuto vulgar e manipulável e passa para a ordem da arte mural. Porém, o facto de a sua malha agregar seis cidades europeias, cujas ruas se cruzam e cujos rios desaguam uns nos outros, torna a obra ainda mais significativa. Finalmente, sabendo que essas seis cidades são lugares de seis diferentes e sucessivos encontros amorosos do artista, transpomos o banal e a uniformização que Rui Calçada Bastos deseja e para os quais vimos chamando a atenção, e somos introduzidos numa realidade subjectiva, individualizante, emocional. O vídeo começa logo mais próximo desta meta de subjectivismo e de revivalismo românticos: por um lado, faz-nos regressar ao clima (luminotecnia, ritmo de montagem, etc.) de obras iniciais (não faltando a figuração do próprio autor); por outro, recorre à subtilíssima montagem de um dos textos fundadores do romantismo2 figurando um homem que, preso no seu quarto, viaja pelo mundo exterior e interior a partir dos estímulos banais de tudo o que o rodeia; finalmente, esse quarto (ou quartos de uma só casa) e a cidade que dele se avista é assombrado pela veloz

Let us look closely into two very different pieces in his exhibition: Love map and Le spectateur éternel, both from 2016 (although the former is based on an original version of 2003). Hardly anything could be more generic and trivial than a city tourist map, which we consult as we walk, copied from one of the most common editions.

Blown up to the size of a (3 × 7 metres) wall, it looses that trivial status and transits into the order of mural art. However, the fact that its grid blends together six European cities, whose streets intersect and whose rivers flow into each other, imparts an even greater significance to this work. Finally, aware that these six cities were the stage for six successive love affairs in the life of the artist, we move beyond the trivial and the uniform – Rui Calçada Bastos’ goal, as we have been pointing out – to reach a subjective, individualizing, emotional reality.

As for the video piece, it starts immediately closer to this romantic subjectivist and revivalist goal: on the one hand, it brings us back to the atmosphere (lighting, editing rhythm, etc.) of earlier works (complete with the presence of the author himself); on the other, it resorts to the most subtle editing of one of the founding texts of romanticism2 in its depicting of a man locked in his room while travelling in the inner and outer world by responding to the trivial stimuli of his surroundings; finally, that room (or rooms of a single house), and the city that is seen from, is haunted by the swift shadow of departing or arriving airplanes. This takes place in a soundproofed space; the voice that is heard, as it reads the text in the French original, sounds as if it is echoing in the protagonist’s head. We have to reach the projection space to realize that the quick steps on the wooden floorboards, heard on the wall of Love map, belong to the same man – trapped and free, surrounded and boundless.

It is clear that the artist constructs (while pursuing it) a double illusion: the

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sombra dos aviões partindo ou chegando do mundo. Tudo se passa num espaço insonorizado, a voz que se ouve, lendo o texto no seu original francês, soa como dentro da cabeça do protagonista. Temos de chegar a este espaço de projecção para perceber que os passos rápidos sobre um soalho de madeira que se ouvem na parede do Love map são os do mesmo homem – preso e livre, cercado e sem limites.

Já percebemos que o artista incorpora (ao mesmo tempo que persegue) uma dupla ilusão: a ilusão de possuir um desejo, tão forte que lhe garante a capacidade de poder ter o mundo na mão3; e a ilusão de que, uma vez activado tal desejo, o mundo passe a ser um quarto em volta do qual viaja.

O mundo, já vimos, é oferecido aos observadores através do registo de sucessivas e banais imagens, de pequenos episódios, de acumuladas paixões, cujo encadeamento quer visual quer ficcional se faz num registo cumulativo e eufórico. Porém, o mundo de Rui Calçada Bastos revela-se também o contrário de tudo isto: como lugar de permanente incerteza, como lugar impossível de abarcar; e, assim, como lugar de infinita melancolia, como lugar que, resistindo a toda a conquista, o obriga a ancorar o seu desejo na memória (das imagens) que dele regista – percebe-se esse drama, a impossibilidade de ter (de conseguir ser através do ver), na sucessão vertiginosa de novos registos (sujeitos ao mesmo tema) que domina, desde sempre, o trabalho de Rui Calçada Bastos.

João Pinharanda

illusion of possessing a desire so strong as to ensure him the possibility of having the world in his hand3; and the illusion that, once that the desire is activated, the world will become a room around which he travels. As we have seen, the world is offered to the spectators through the recording of successive and trivial images, brief episodes, accumulated passions, whose visual and fictional sequencing is cumulative and euphoric. However, Rui Calçada Bastos’ world also reveals itself as the opposite of all this: as a place of permanent uncertainty, as a place that is impossible to fully encompass and, therefore, as a place of endless melancholy, a place that resists all conquest, forcing the artist to anchor his desire in the memory (of the images) that he records; the drama is clear, i.e., the impossibility of having (of being able to be through seeing), in the vertiginous succession of new impressions (subject to the same theme), that has always prevailed in the work of Rui Calçada Bastos.

3.

O Mundo na Mão, enciclopédia popular publicada por Arthur Brandão & C.ª , Lisboa (sd). / [The World in Your Hand], a popular encyclopaedia published in Portuguese

by Arthur Brandão & C.ª, Lisbon (undated).

Barrocalvo do Douro 28 Out. / Oct. 2016

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A Gentileza da Rua ou O Olho É Um Caçador Solitário / A obra de Rui Calçada Bastos

A Gentileza da Rua or The Eye Is a Lonely Hunter / The work of Rui Calçada Bastos

O mais recente trabalho de Rui Calçada Bastos, o filme Le spectateur éternel [O eterno espectador] (2016), é quase uma súmula da sua obra até ao momento.

Nele se incluem, simultaneamente, a noção de viagem e o reconhecimento das raízes.

Após anos de viagem, ou de constante desenraizamento, o artista regressou a Lisboa, a sua cidade natal. Tendo chegado, não consegue, ainda assim, evitar o impulso que orientara os seus trabalhos desde o início, transformando o desenraizamento numa virtude. Depois de incessantes deslocações, decide, finalmente, permanecer em casa, aventurando-se numa viagem no interior do seu quarto. Nunca vemos o habitante que deambula, mas a lente da câmara mostra-nos que os seus olhos se aprazem com as sensações do quarto, do cadeirão, dos jogos reflexivos causados pelo movimento do sol nas paredes, fazendo que só ocasionalmente se aventure até à janela para contemplar as fugazes sombras lançadas sobre as fachadas das casas vizinhas pelos aviões que passam. Trata-se de um tipo de viagem que deixou para trás.

Este desenvolvimento condicionado de uma viagem num espaço confinado recorda-nos que todo o viajar é, essencialmente, um viajar da mente, do espírito e da alma, que por vezes se movem com o nosso corpo e, noutros casos, são deixados para trás; mas aqui também somos lembrados de que sempre buscamos um lugar de pertença. Por esse motivo, não nos surpreende que o artista se apodere do mundo que está à mão recorrendo a um livro intitulado,

The latest work of Rui Calçada Bastos, the film Le spectateur éternel (2016), is almost like a summing up of his work until now. It includes travelling and the acknowledgement of home at the same time. After years of extensive travel or constant displacement, he has returned to his hometown of Lisbon. While having arrived, he cannot escape the very impulse, which has been guiding his works since the beginning, making a virtue out of homelessness. Having always been on the move, he finally decides to stay at home and ventures on a journey in the confines of his room. We never see the wandering inhabitant, but the lens of the camera shows us that his eyes take delight in the sensations of the room, the armchair, the play of reflections of the moving sun on the walls and only occasionally venturing to the window, contemplating the fleeting shadows cast by passing airplanes over the facades of the neighbouring houses. A kind of travel that he has left behind.

This arrested development of a journey in confined space is a reminder that all travelling is in essence a travelling of the mind, the spirit and the soul, which sometimes move with our bodies and, in other instances, are left behind; but it is also a reminder that we always search for a place to belong. Perhaps it is no wonder that he therefore arrests the world at hand in form of a book titled, precisely, O Mundo na Mão [The World in Your Hand], inserted into a wall, never to be read, placed high up and out of reach.

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precisamente, O Mundo na Mão, que insere numa parede, para nunca ser lido, colocado alto e fora de alcance.

Como se não estivesse certo da sua chegada, faz uma escultura com caixotes usados em mudanças empilhados uns sobre os outros num trolley de modo a formar uma coluna, em equilíbrio precário, do chão ao tecto. Nesta peça, a busca pelo equilíbrio tenta estabilizar o espaço que a rodeia e a sua própria chegada.

Num certo sentido, faz lembrar a sua peça vídeo Studio contents [Conteúdo de atelier] (2005) e a série fotográfica All I had [Tudo o que tinha] (2002–2012), dois trabalhos que registavam o empacotar e condensar de tudo o que o seu atelier, numa das suas residências temporárias, continha à época. Todavia, desta vez, o observador não vê nem ouve nada a respeito de quaisquer haveres, sendo deixado na incerteza sobre se os caixotes de mudança se encontram cheios ou vazios, numa contínua chegada ou partida.

De que modo pertencemos? Será possível pertencer? E quais os métodos para aí chegar? Em vez de uma aventura longínqua, alguém decide viajar no seu próprio quarto.

Anota os mais ínfimos pormenores, regozijando-se no aqui, no presente, na sua luz, nas suas sombras e pequenas irregularidades, nas formas de todas as coisas familiares e circundantes, que se transformam em objectos de maravilha num lugar encantado mas desprovido de opulência.

Os temas do vagabundear nómada e do viajar em busca de pertença constituem ideias recorrentes na obra de Calçada Bastos. Outros temas de fundo são o uso de reflexos e sombras, da passagem do tempo ou do seu oposto, a imobilidade, assim como um interesse por abordagens pictóricas, escultóricas ou de animação de desenhos.

Mas um dos temas cruciais em anos recentes é um fascínio pelo quotidiano, pelas coisas curiosas e pelos incidentes

As if unsure about his arrival, he makes a sculpture of moving boxes stapled on top of each other on a trolley, forming a precarious column reaching from floor to ceiling, just about balancing in place. Its search for equilibrium attempts to stabilize its very surroundings and its own arrival. In a way it is reminiscent of his video work Studio contents (2005) and the photographic series All I had (2002–2012), works that recorded the packing and condensing of everything in his then current studio at one of his temporary homesteads. Only this time, the viewer does not see or hear about any belongings and is left uncertain of whether the moving boxes are empty or filled, continuously arriving or departing.

How does one belong? Is it possible to belong? And what are the methods to get there? Instead of venturing far off, someone decides to travel in his own room. He takes notice of the most minute detail, cherishing the here, the present, its light, shadows and small irregularities, the shapes of everything familiar around, which become wondrous objects in an enchanted albeit unglamorous place.

The issue of nomadic wandering and travelling in a quest to belong are recurrent themes in Calçada Bastos’ work.

Other leitmotifs are the employment of reflections and shadows, the passing of time or its opposite, the standstill as well as an interest in painterly, sculptural approaches or animated drawings.

One of the most important themes in recent years is a fascination with the everyday, curious things and incidents that occur and freely available anywhere around the city ready to be picked up by the obsessive wanderer. Two exemplary works are the series Events – Life in a bush of ghosts (2008–2009) and, a few years later, the work Passagem de nível [Level crossing] (2014).

The video and photographs from the Events series, which combines sometimes comical but also mysterious sights from

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Events, 2008–2009 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 57.7 × 83.5 cm

que ocorrem e se encontram livremente disponíveis por toda a parte numa cidade, prontos a serem apropriados pelo vagabundo obsessivo. Dois trabalhos são disto exemplo: a série Events – Life in a bush of ghosts [Eventos – A vida num bosque de fantasmas] (2008–2009) e, realizada poucos anos depois, a peça Passagem de nível (2014).

O vídeo e fotografias da série Events, que combina perspectivas por vezes cómicas, mas também misteriosas, de Berlim, Lisboa e Macau, mostram um recipiente de plástico descartado rolando pela rua, água escorrendo pelo passeio e criando um desenho, as sombras da luz do sol caindo sobre a gravilha coadas pela folhagem de uma árvore. Durante alguns segundos, a câmara segue um saco de plástico vermelho movendo-se na rua agitado pelo vento. As pessoas passam pelo objecto sem realmente o notarem, mas sem nunca o pisarem, fazendo-o apenas dar mais uma pirueta, para que possa continuar a sua dança silenciosa.

Os objectos registados nesta série parecem ser animados por fantasmas invisíveis, dando à luz todo um mundo inanimado.

A rua, e as suas oferendas ilimitadas, são o atelier de Rui Calçada Bastos. O artista inala, condensa, monta e cria colagens a partir dos ínfimos tesouros da cidade, o que nos pode deixar algo embaraçados face à nossa habitual falta de atenção para com a gentileza da rua e todas as maravilhas que nos estão disponíveis na deriva urbana quotidiana se nos colocássemos no estado mental do artista, usando do discernimento e infinita curiosidade do seu

Berlin, Lisbon and Macau, show a discarded plastic cup rolling in the street, water running on the sidewalk creating a drawing, the shadows the sunlight casts on the gravel through the leaves of a tree. For a few seconds the camera follows a red plastic bag flowing around in the streets tossed about by the wind. People pass it without actually registering it but never really stepping on it, they just give it another turn, so it can continue its silent dance. The objects recorded in this series seem to be moved around by invisible ghosts that awaken the inanimate world to life.

The street and its unlimited offerings are the studio of Rui Calçada Bastos.

He inhales, condenses, assembles, and creates collages out of the little wonders of the city. It leaves us embarrassed that we usually are not paying attention to the kindness of the street and all the marvels and amusements that lie in wait for us in the everyday urban drift, had we just the state of mind of the artist and his discerning and endlessly curious eye. Like a kid in a candy shop, Calçada Bastos takes delight in finding what others have left behind or fleeting moments that were just waiting for him to be used as the materials for his work.

‘Each little event is an infinity of possibilities’, the artist once said.

Soundscape Passagem de nível (2014), like its predecessor, records objects and scenes but at a slower pace and from a more poetic approach. The full screen shots focus on occurrences of unclear origin or setting.

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Passagem de nível, 2014 Projecção vídeo, 16:9, cor, som, 8’28’’ / Video projection, 16:9, colour, sound, 8’28’’ / Som / Sound: Tiago Miranda Vista da exposição / Exhibition view: mace – Museu de Arte Contemporânea de Elvas

olhar. Tal como uma criança numa loja de doces, Calçada Bastos apraz-se na descoberta daquilo em que outros não repararam, ou nos fugazes momentos que parecem apenas esperar que ele os torne em materiais de trabalho. Nas palavras do artista: «Cada pequeno evento é uma infinidade de possibilidades.»

Paisagem sonora Tal como o seu predecessor, Passagem de nível (2014) regista objectos e cenas, embora a um ritmo mais lento e a partir de uma abordagem mais poética. Os planos abertos centram-se em ocorrências de origem ou localização incertas. A hipnótica banda sonora, composta pelo músico português Tiago Miranda, acentua a sensação de experimentarmos situações excepcionais, que nos deixam espantados face às formas misteriosas que asseguram o funcionamento do mundo. O vídeo mostra um telão publicitário, anunciando um empreendimento de novos condomínios, movendo-se quase imperceptivelmente ao vento, vagens de sementes de álamo dançando na brisa, granizo caindo e saltando no chão e chuvisco sobre asfalto, numa cena semelhante a outra na série. As gotas, que a princípio apenas pontuam a superfície, acabam, com o tempo, por se condensar num plano monocromático. Toda uma história da pintura moderna, do pontilhismo ao abstraccionismo minimalista. A água escorrendo de várias poças sobre aquilo que parece asfalto vermelho, mas também poderia ser uma

The mesmerizing soundtrack composed by the Portuguese musician Tiago Miranda underlines the feeling that we are experiencing exceptional situations, which leave us amazed at the mysterious ways that keep the world turning around. The video shows a banner advertising new condominiums ever so slightly moving in the wind, pods of poplar seeds dancing in the breeze, hail falling down on the ground and bouncing back once again, the drizzle of rain on the asphalt in a scene similar to another in the Events series. These drops, at first only dotting the surface, condense over time into a monochrome plane. A history of modern painting from pointillism to minimal abstraction. The water running out of several puddles across what seems to be red tarmac but could also be a painted façade creates an abstract painting in slow motion, which reflects only fragmented images of its surroundings. In all instances, we cannot be sure if we can trust our eyes or if we are victims of subtle illusions. And it seems almost like a sacrilege to give away the secrets of Calçada Bastos’ works because it might strip them of the sense of wonder they instil.

Paying closer attention, we notice that these kind of recurring elements in Calçada Bastos’ work at times create paintings, drawings or sculptures. The artist, who works with photography and film, uses these techniques to allude to the illusions created in traditional forms of art, translating them into the illusion created by the moving image.

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Sem título / Untitled (Palm Springs), 2011 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 110 × 150 cm

fachada pintada, cria uma pintura abstracta em câmara lenta, que apenas reflecte imagens fragmentadas das suas redondezas.

Em todos estes casos, nunca estamos certos de poder confiar nos nossos olhos, nem se somos vítimas de subtis ilusões. E parece quase sacrílego denunciar os segredos dos trabalhos de Calçada Bastos, pois podemos despi-los do sentido de encantamento que instilam.

Um olhar mais atento revela que este tipo de elementos recorrentes na obra de Calçada Bastos criam, por vezes, pinturas, desenhos ou esculturas. O artista, que trabalha com fotografia e filme, usa estas técnicas para aludir às ilusões criadas pelas formas artísticas tradicionais, traduzindo-as para a ilusão criada pela imagem em movimento.

Na série Interruptions and imperfections [Interrupções e imperfeições] (2014) vemos que a força que aqui move a composição das fotografias assenta na grande escala e num fascínio pelo desenvolvimento da linha. Caminhando pela cidade, o artista recolhe estes desenhos acidentais feitos por carris de transportes eléctricos ou sinalética de estrada que, misteriosamente, deslizaram para fora do seu lugar. O olhar observador lançado por Calçada Bastos sobre estas espantosas gentilezas detecta estes «erros» e encontra-lhes um lugar no seu trabalho, tornando-as preciosas precisamente por causa das suas imperfeições. Untitled – Palm Springs [Sem título – Palm Springs] (2011) é também uma espécie de predecessor:

In the series Interruptions and imperfections (2014) we see that here the driving force for the composition of the photographs is drawing on the large scale and a fascination with the development of the line. Walking the city, the artist collects these accidental drawings made of tram tracks or disrupted road markings that have mysteriously glided out of place. Calçada Bastos’ observing glance of astonished kindness picks up these ‘mistakes’ and finds places for them in his work, making them precious precisely because of their imperfections. Untitled – Palm Springs (2011) is a kind of predecessor: a boldly swung line of freshly laid road asphalt, which leads nowhere. The end of a journey but the location of an extraordinary vantage point.

Another conundrum is the photography series Untitled (2013), which shows inexplicable gestures of hands and arms of more than one person gripping one another. The photos do not provide context, no faces are shown and part of a body is visible in only one case. Stripped of this necessary information, we are inclined to think that we are witnesses to the ritualized gestures of an unknown martial art when in fact it is quite the opposite, a sequence of grips which have been designed for life saving actions, but as depicted in the photographs these gestures take a more sculptural approach which deliberately refuses giving away their secret.

But there is something else, the equally recurrent employment of reflections and

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Last evidence of the drowning of the one left with thoughts of dissolution and gloom, 2005 Projecção vídeo, 16:9, p/b, som, 3’30’’, loop / Video projection, 16:9, b/w, sound, 3’30’’, loop Vista da exposição / Exhibition view: Galerie Sans-Titre, Bruxelas / Brussels

uma ousada linha de asfalto acabado de assentar numa estrada, que conduz a nenhures. O fim de uma viagem, mas também a localização de um privilegiado ponto de observação.

Um outro enigma é a série fotográfica Untitled [Sem título] (2013), que mostra inexplicáveis gestos de mãos e braços de várias pessoas agarrando outras. As fotografias não oferecem qualquer contexto; não são mostrados rostos e só num caso se vê parte de um corpo. Roubados desta informação necessária, inclinamo-nos a pensar que somos testemunhas dos gestos ritualizados de uma arte marcial desconhecida, quando de facto do oposto se trata: a sequência é de gestos destinados a salvar vidas. Porém, tal como representados nas imagens, estes gestos assumem uma abordagem mais escultórica, que, deliberadamente, recusa revelar o seu segredo.

Mas há algo mais: o uso também recorrente de jogos de reflexos e sombras na obra de Calçada Bastos. Estes são, de igual modo, tradicionalmente associados à pintura, em particular na dramática luz do chiaroscuro barroco.

Como já aqui referimos, estas luzes são um tema central em muitos dos seus trabalhos, surgindo proeminentemente, e entre outros, no vídeo Last evidence of the drowning of the one left with thoughts of dissolution and gloom [A última prova do afogamento daquele deixado com pensamentos de dissolução e penumbra] (2005). Do nada

shadow play in Calçada Bastos’ work.

These as well are traditionally associated with painting, not least with the dramatic lighting of the Baroque chiaroscuro.

As mentioned above, these shadows are a leitmotif for many of his works, featuring prominently, and amongst others, in the video Last evidence of the drowning of the one left with thoughts of dissolution and gloom (2005). Out of nothing appears the mere hint of the shadow of a person standing on the edge of the water. Without ever taking a clear form or being recognizable, this shadow slowly dissolves into starry reflections of the sun appearing on the water’s surface that eventually take over the screen as the background image fades into black.

So even if there is an allusion to painting we might connote at first with the shadows and reflections, here they are employed by the artist instead to investigate his very own techniques and analyze their possibilities. The blending over, merging, fading in and out, overexposure and the combination of analog images and digitally manipulated images are of course photography’s and video’s or film’s foremost characteristics.

A prominent example for this investigation is the video All that glitters (2010).

Filmed in black and white, we see how a hand slowly pours silver bromide crystals onto a sheet of paper creating a mesmerizing image of glittering reflections.

While these glittering crystals cover the paper surface ever more densely, the ana-

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All that glitters, 2010 Monitor vídeo, 4:3, p/b, som, 2’24’’ / Video monitor, 4:3, b/w, sound, 2’24’’

surge a mera sugestão da sombra de alguém à beira da água. Sem nunca tomar uma forma definida ou se tornar reconhecível, esta sombra dissolve-se lentamente em estrelados reflexos solares surgindo na superfície da água e gradualmente ocupando o ecrã até a imagem de fundo se desvanecer no negro.

Mesmo que inicialmente haja uma alusão à pintura que conotemos com as sombras e reflexos, aqui, estes são empregados pelo artista para, ao invés, investigar as suas próprias técnicas e analisar as suas possibilidades. O misturar, fundir, fade out e fade in, sobreexposição e combinar de imagens analógicas com imagens manipuladas digitalmente são, claramente, as características mais evidentes da fotografia, do filme e do vídeo.

Um exemplo proeminente desta investigação é o vídeo All that glitters [Tudo o que brilha] (2010). Filmado a preto-e-branco, mostra uma mão que verte lentamente cristais de brometo de prata numa folha de papel, criando uma hipnótica imagem de reflexos fulgentes. Enquanto estes cristais fulgentes cobrem com cada vez mais densidade a superfície do papel, o reflexo analógico funde-se quase imperceptivelmente com o olho na estática tremeluzente da imagem digital, que tenta em vão conseguir o mesmo tipo de fascínio da sua irmã analógica. O brometo de prata decompõe-se quando exposto à luz, preservando assim uma imagem fotográfica, mas neste caso

logue reflection merges almost unnoticeably to the eye into the white noise flickering of the digital image attempting in vain to achieve the same kind of fascination as its analog sibling. Silver bromide decomposes when exposed to light and, as a result, preserves a photographic image, but in this case it dissolves into a digital simulation that leaves no image at all.

Snow dust (2013) consists of entirely analog still images, which arouse a sense of wonder in us by simple means. The title’s connotation to star dust is inevitable.

These miraculous exploded stars are the result of snowballs cast onto a frozen lake surface, reminding us once more of the magic in the most minute.

In opposition to earlier films, such as The mirror suitcase man (2004) or the four chapters of Quadrifoglio (2002–2001), the newer videos do not suggest any kind of narrative, however fragmented they may have been in these two early examples. The new videos have a timeless feel to them. Each shot stands for itself and appears more like an animated photograph.

Similarly, Dismantle (2014), a single shot video focusing on the dismantling of a scaffolding, does not show a narrative; the natural surround sound is blended with an electronic version and returns to the actual sound fading in and out. The task of dismantling is not completed in the video.

Instead, we see an ongoing dance of bodies and material in motion. But time stands

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The mirror suitcase man, 1991 Super8 transferido para vídeo, 4:3, p/b, som, 4’20’’ / Super8 film transferred to video, 4:3, b/w, sound, 4’20’’ Som / Sound: Tiago Miranda

Quadrifoglio (Personally like everyone else), 2000 Vídeo, 4:3, p/b, som, 1’10’’ / Video, 4:3, b/w, sound, 1’10’’

a substância dissolve-se numa simulação digital que não deixa qualquer imagem.

Snow dust [Pó de neve] (2013) consiste inteiramente de fotogramas analógicos, que despertam, por meios simples, um sentido de maravilhamento em nós. A conotação do título com o pó estelar é inevitável.

Estas estrelas milagrosamente detonadas resultam do lançamento de bolas de neve contra a superfície gelada de um lago, lembrando-nos, mais uma vez, da magia presente nas mais ínfimas coisas.

Por oposição a filmes mais antigos, tais como The mirror suitcase man [O homem da mala de espelho] (2004) ou os quatro capítulos de Quadrifoglio (2002–2001), os vídeos mais recentes não sugerem qualquer narrativa, por muito fragmentados que fossem já aqueles dos exemplos anteriores. Nos novos vídeos dão uma impressão de intemporalidade.

still in spite of the ceaseless action executed and observed.

Bothways (2006), filmed in black and white, shows an empty train compartment and a window. Only once, in a dark sequence as the train passes through a tunnel, do we see the apparition of a person in the compartment again only reflected in the window. However, more puzzling is that we do not see a progressive journey with the landscape changing as the train proceeds.

We are presented with the reflections of landscapes passing both backward and forward in the two parts of the window, suggesting that the journey is cancelling its potential progress.

On the other hand, the photographic series Between green and red (2013) documents the passing of time by the vine leaves on the sidewall of a house, the seasonal changes of the vegetation, from full blaz-

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Dismantle, 2014 Monitor vídeo, 16:9, cor, som, 6’35’’, loop / Video monitor, 16:9, colour, sound, 6’35’’, loop

Bothways, 2006 Projecção vídeo, 16:9, p/b, som, 2’02’’, loop / Video projection, 16:9, b/w, sound, 2’02’’, loop

Os planos são autónomos e assemelham-se mais a fotografias animadas.

Do mesmo modo, Dismantle [Desmantelar] (2014), um vídeo em plano único do desmantelar de um andaime, não apresenta uma narrativa; o som ambiente natural é misturado com uma versão electrónica para de novo regressar ao som real que vai emergindo e desvanecendo. A tarefa de desmantelar não é concluída no vídeo. Vemos, ao invés, o desenrolar de uma dança de corpos e materiais em movimento. No entanto, o tempo imobiliza-se, apesar da incessante acção executada e observada.

Bothways [Nos dois sentidos] (2006), filmado a preto-e-branco, mostra um compartimento de comboio vazio e uma

ing red and green over brownish autumn foliage to the naked stems of wintertime.

There is a painterly approach in this play of colour and a person clothed in red running through the winter photograph suggests the beginning of the next seasonal cycle.

The passing of time in the sense of carpe diem is a main aspect of the melancholic black and white series Par terre (2012). It depicts items left behind after a dismantled flea market in Brussels. We see discarded objects, broken glasses, frames and plates, single archival and playing cards, a painting of a vanitas still life and old books with marks of shoes and tires. Traces of the lives of strangers, lost memories and ghosts from a past forever unknown.

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Ghost, 2014 Gesso, madeira / Plaster, wood Dimensões variáveis / Dimensions variable Vista da exposição / Exhibition view: mace – Museu de Arte Contemporânea de Elvas

janela. Apenas uma vez, numa sequência escura em que o comboio atravessa um túnel, vemos uma pessoa aparecer no compartimento, mas, mais uma vez, apenas reflectida na janela. No entanto, o mais intrigante é não vermos uma viagem progressiva, com uma paisagem mudando à medida que o comboio prossegue.

O que nos é apresentado são os reflexos das paisagens passando, para trás e para a frente, nas duas partes da janela, sugerindo que a viagem vai cancelando o seu potencial progresso.

Por outro lado, a série fotográfica Between green and red [Entre verde e vermelho] (2013) documenta o efeito da passagem do tempo nas folhas de uma trepadeira crescendo numa empena, de um pujante vermelho e verde até à folhagem acastanhada do Outono e aos galhos nus do Inverno. Há, neste jogo de cor, uma abordagem pictórica e a presença de uma pessoa vestida de vermelho atravessando a fotografia do Inverno sugere o início do ciclo sazonal seguinte.

A more subtle monument to memory and the passing of time is the sculpture and photograph Ghost (2014–2015), consisting only of a simple line, a found drawing on a wall, left by a now lost staircase: again a journey that can no longer be taken, a mere reminder of those who have travelled up and down on it.

This takes us back to the film Le spectateur éternel, a journey without a departure, one of staying to belong, and in that the quintessential journey through the delights and wonders of the everyday.

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A passagem do tempo, no sentido de carpe diem, é um aspecto central da melancólica série a preto-e-branco Par terre (2012), que retrata artigos abandonados após o levantamento de um mercado de objectos usados em Bruxelas. Vemos coisas descartadas, vidros partidos, molduras e pratos, fichas de arquivo e cartas de jogar, uma pintura de uma caveira e velhos livros com marcas de sapatos e pneus.

Vestígios da vida de estranhos, memórias perdidas e espectros de um passado para sempre desconhecido.

Um monumento mais subtil à memória e à passagem do tempo é a escultura e fotografia Ghost [Fantasma] (2014–2015), consistindo apenas de uma simples linha, um desenho encontrado numa parede deixado por uma escada desaparecida: uma vez mais, uma viagem que já não pode ser empreendida, um mero lembrete daqueles que por ela subiram e desceram.

E isto traz-nos de volta ao filme Le spectateur éternel, uma viagem sem partida, um permanecer para pertencer, a viagem quintessencial pelas delícias e espantos do quotidiano.

Sabrina van der Ley

Oslo Dez. / Dec. 2016

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[pp. 4–5] Sem título (Ladakh, Tibete Indiano / Untitled (Ladakh, Indian Tibet), 1991 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 23.9 × 35 cm [pp. 18–19] Love map, 2016 Vinil autocolante, altifalantes, amplificador, sequenciador, leitor e cabos audio / Adhesive vinyl, woofers, audio amplifier, sequencer, player and cables [pp. 20–29] Walking distance, 2016 Vista da exposição / Exhibition view: maat – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia, Lisboa / Lisbon [pp. 30–31] O mundo na mão, 2016 Livro / Book 18.5 × 5 × 5.5 cm [p. 45] Maria’s club, 2003 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 148 × 186 cm [pp. 46–47] Interruptions and imperfections #2, #4, #1, #3, #6, #5, 2014–2016 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 165 × 110 cm Vista da exposição / Exhibition view: Museu do Neo-Realismo, Vila Franca de Xira, Portugal [p. 48] Interruptions and imperfections #7, 2015 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 165 × 110 cm [p. 49] Interruptions and imperfections #8, 2015 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 165 × 110 cm [pp. 50–51] Spectateur éternel, 2016 Projecção vídeo, 16:9, p/b, som, 5’50’’, loop / Video projection,16:9,

b/w, sound, 5’50’’, loop Voz / Voice: Jonathan Sullam Edição / Editing: Sandro Aguilar e / and Rui Calçada Bastos Vista da exposição / Exhibition view: maat – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia, Lisboa / Lisbon [p. 53] Sem título / Untitled (São Paulo), 2005 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 103 × 110 cm [p. 54] Sem título / Untitled (Los Angeles), 2011 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 110 × 165 cm [p. 55] Sem título (Açores) / Untitled (Azores), 2015 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 106 × 159 cm [pp. 56–57] Sem título / Untitled, 2016 Caixas de cartão, carrinho de armazém / Cardboard boxes, warehouse trolley Dimensões variáveis / Dimensions variable Vista da exposição / Exhibition view: maat – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia, Lisboa / Lisbon [p. 59] Ghost #3, 2016 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 189 × 150 cm [pp. 60–61] Ghost #1, 2015 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 148 × 186 cm [pp. 62–63] Forças diametralmente opostas, 2015 Ecrã plasma, 16:9, p/b, s/ som, 3’03’’, loop Ecrã plasma, 16:9, cor, s/ som, 1’44’’, loop Projecção vídeo, 16:9,

p/b, s/ som, 3’30’’, loop / Plasma screen, 16:9, b/w, silent, 3’03’’, loop Plasma screen, 16:9, colour, silent, 1’44’’, loop Video projection, 16:9, b/w, silent, 3’30’’, loop Vista da exposição / Exhibition view: Sala Projecto Fidalga, São Paulo [pp. 64–65] Soundscape or attempt to reproduce the sound of the day before, 2007 Impressão jacto de tinta, 120 × 120 cm, carrinho de armazém, coluna áudio, leitor de dvd, monitor vídeo, 4:3, cor, som, 2’20’’, loop, cabos; 95 × 36 × 46 cm / Inkjet print, 120 × 120 cm, trolley, speaker, dvd player, video monitor, 4:3, colour, sound, 2’20’’, loop, cables; 95 × 36 × 46 cm [p. 67] Between green and red, 2013 12 × Impressão jacto de tinta / 12 × Inkjet print 30 × 30 cm (cada / each) [pp. 68–69] Snow dust, 2013 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 60 × 100 cm (cada / each) [pp. 70–71] Sem título (Mãos) / Untitled (Hands), 2013 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 67 × 100 cm (cada / each) [pp. 72–73] American sunset, 2011 Impressão jacto de tinta, 82.5 × 112 cm, banco de madeira, 200 metros de arame farpado / Inkjet print, 82.5 × 112 cm, wooden bench, 200 meters of barbed wire Dimensões variáveis / Dimensions variable Vista da exposição / Exhibition view: Vera Cortês Art Agency, Lisboa / Lisbon

[pp. 74–75] Par terre, 2016 15 × Impressão jacto de tinta / 15 × Inkjet print 46 × 70 cm (cada / each) Vista da exposição / Exhibition view: Museu Afro Brasil, São Paulo [pp. 76–77] Par terre, 2013 15 × Impressão jacto de tinta / 15 × Inkjet print 46 × 70 cm (cada / each) (Selecção / Selection) [p. 78] Sem título / Untitled, 2011 Janela, tinta preta, madeira / Window, black paint, wood Dimensões variáveis / Dimensions variable Vista da exposição / Exhibition view: Invaliden1 Galerie, Berlim / Berlin [p. 79] If you’re going through hell, keep going, 2015 Projecção vídeo, 16:9, cor, som, 3’55’, loop / Video projection, 16:9, colour, sound, 3’55’’, loop Colaboração entre / Collaboration between: Rui Calçada Bastos e / and Patrick Findeis Vozes / Voices: Cláudia de Serpa Soares, Jeff Woods e / and Jared Gradinger [pp. 80–81] All I had – Berlin, 2010 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 80 × 110 cm All I had – Lisbon, 2004 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 80 × 110 cm All I had – Berlin, 2003 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 100 × 120 cm All I had – Paris, 2002 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 80 × 110 cm

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[p. 82] Cabin fever, 2009 Impressão jacto de tinta, estrutura de madeira / Inkjet print, wooden structure 140 × 78.5 cm (cada / each) Dimensões variáveis / Dimensions variable Vista da exposição / Exhibition view: Appleton Square Lisboa / Lisbon [p. 83] Cabin fever, 2009 8 × Impressão jacto de tinta / 8 × Inkjet print 140 × 78.5 cm (cada / each) (Selecção / Selection) [p. 85] Pattern, 2008 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 103 × 142 cm

[p. 91] Sem título / Untitled, 2008 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 103 × 142 cm [p. 93] I am, 2006 Impressão jacto de tinta, 22 × 31.5 cm, dois capuzes, duas colunas áudio, leitor de cd, som, loop, 37 × 50 × 30 cm / Inkjet print, 22 × 31.5 cm Two hoods, two speakers, cd player, sound, loop, 37 × 50 × 30 cm Vista da exposição / Exhibition view: Vera Cortês Art Agency, Lisboa / Lisbon

[pp. 86–87] Sem título (Díptico) / Untitled (Dyptich), 2008 2 × Impressão jacto de tinta / 2 × Inkjet print 110 × 150 cm (cada / each)

[p. 94] Overexposed, 2003 Capuz, coluna áudio, leitor de cd, luz fluorescente circular, som, loop, 45 × 32 × 27 cm / Hood, speaker, cd player, circular fluorescent light, sound, loop, 45 × 32 × 27 cm Voz / Voice: Wassili Zygouris

[p. 88] Sem título / Untitled, 2008 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 103 × 142 cm

[pp. 96–97; 99] Jump series, 2006 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 67 × 99.5 cm (cada / each)

[p. 89] Pause, 1995 Performance, dois monitores vídeo, 4:3, c/ imagens em still, estrutura de paletes de madeira, saco-cama, presença do artista durante cinco horas por dia / Performance, two video monitors, 4:3, w/ still images, wooden pallets structure, sleeping bag, presence of the artist five hours a day

[pp. 100–101] Studio contents, 2005 Projecção vídeo, 4:3, p/b, som, 4’47’’, loop / Video projection, 4:3, b/w, sound, 4’47’’, loop Voz / Voice: Wassili Zygouris

Vista da exposição / Exhibition view: Boqueirão da Praia da Galé, Lisboa / Lisbon

Vista da exposição / Exhibition view: Fundação Calouste Gulbenkian, Lisboa / Lisbon [p. 102] The mirror suitcase man (Berlin series), 2004 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 85 × 110 cm (cada / each) (Selecção / Selection)

[p. 103] The mirror suitcase man (Lisbon series), 2005 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 140 × 170 cm (cada / each) (Selecção / Selection) [pp. 104–105] Work table, or able to pick up on the previous year, 2002–2003 Duas lâmpadas fluorescentes, dois cavaletes, letras vinil pretas, doze cassetes vhs, cabos, 103 × 115 × 124 cm / Two fluorescent lights, two wooden trestles, black vinyl lettersets, twelve vhs tapes, cables, 103 × 115 × 124 cm

[pp. 114–115] Ten years looking forward to see you, 1989–1999 Duas projecções vídeo sincronizadas, 4:3, p/b, s/ som, 15’57’’, loop / Two synchronized video projections, 4:3, b/w, silent, 15’57’’, loop Vista da exposição / Exhibition view: Galeria Lino António, Lisboa / Lisbon

[pp. 106–107] Left (L)overs, 2004 Projecção vídeo, 4:3, cor, som, 1’30’’, loop / Video projection, 4:3, colour, sound, 1’30’’, loop [pp. 108–109] Studio accident, 2003 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 100 × 120 cm [pp. 110–111] Casting thoughts, 2000 Projecção vídeo, 4:3, p/b, som, 46’’, loop / Video projection, 4:3, b/w, sound, 46’’, loop Edição de som / Sound editing: Rui Viana e / and Fernando Fadigas Vista da exposição / Exhibition view: cav – Centro de Artes Visuais, Coimbra, Portugal [pp. 112–113] Loneliness comes from one, 2003 Lâmpada fluorescente, dois sobretudos, letras vinil pretas, 196 × 158 × 10 cm / Fluorescent light, two raincoats, black vinyl lettersets 196 × 158 × 10 cm

[p. 90] Ambitious #1, 2007 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 110 × 110 cm

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Rui Calçada Bastos (Lisboa, Portugal, 1971)

(Lisbon, Portugal, 1971)

Estudou Pintura na Escolas de Belas-Artes do Porto e de Lisboa, assim como Artes Visuais no Centro de Arte e Comunicação Visual – Ar.Co, em Lisboa.

Após uma estada em Paris, na Cité international des Arts, mudou-se para Berlim em 2002 para efectuar uma residência artística na Kunstlerhaus Bethanien. Em 2004, Calçada Bastos recebeu o prémio Arbeitstipendium der Senatsverweltung fur Wissenschaft, Forschung und Kultur em Berlim.

Em 2005, em colaboração com os artistas Sergio Belinchón, Santiago Ydañez, Paul Ekaitz e Antonio Mesones, fundou a galeria Invaliden1, um espaço gerido por artistas em Berlim.

Até 2015, Invaliden1 apresentou e expôs obras de cerca de cem artistas contemporâneos de todo o mundo.

He studied Painting at the Porto School of Fine Arts and the Lisbon School of Fine Arts, and Visual Arts at the Centre for Art and Visual Communication – Ar.Co, in Lisbon.

After a stay in Paris, at Cité international des Arts, he moved to Berlin in 2002 for a residency at Kunstlerhaus Bethanien. In 2004, Calçada Bastos was awarded the Arbeitstipendium der Senatsverweltung fur Wissenschaft, Forschung und Kultur in Berlin.

In 2005, together with artists Sergio Belinchón, Santiago Ydañez, Paul Ekaitz and Antonio Mesones, he co-founded the artist-run space Invaliden1 in Berlin. Until 2015, Invaliden1 presented and exhibited the work of almost a hundred contemporary artists from around the world.

O trabalho de Rui Calçada Bastos foi exposto em:

Rui Calçada Bastos’ work has been exhibited at:

maat – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia / Fundação edp (Lisboa); Nasjonalmuseet for kunst, arkitektur og design (Oslo, Noruega); Yerba Buena Center for the Arts (São Francisco, eua); Kunstlerhaus Bethanien (Berlim); Beijing Art World Museum (Pequim); Centre d’Art Contemporain La Villa du Parc (Annemasse, França); Fundación Marcelino Botín (Santander, Espanha); Fundação Oriente (Lisboa); Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa); ccb – Centro Cultural de Belém (Lisboa); Museu da Electricidade – Fundação edp (Lisboa); Bergen Kunsthall (Bergen, Noruega); dam – Daejeon Museum of Art (Daejeon, Coreia do Sul); National Museum of Singapore (Singapura); mam – Museu de Arte Moderna (Rio de Janeiro, Brasil); Laboratorio Arte Alameda (Cidade do México); cgac – Centro Galego de Arte Contemporánea (Santiago de Compostela, Espanha); Museu Afro Brasil (São Paulo, Brasil); mas – Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria (Espanha); Node – Center for Curatorial Studies (Berlim); Arquipélago – Centro de Artes Contemporâneas (Açores, Portugal); moca – Museum of Contemporary Art (Los Angeles, eua); Kunstverein Arnsberg (Arnsberg, Alemanha); Espace Photographique Contretype (Bruxelas); Carpe Diem Arte e Pesquisa (Lisboa); Appleton Square (Lisboa).

maat – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia / Fundação edp (Lisbon); Nasjonalmuseet for kunst, arkitektur og design (Oslo, Norway); Yerba Buena Center for the Arts (San Francisco, usa); Kunstlerhaus Bethanien (Berlin); Beijing Art World Museum (Beijing); Centre d’Art Contemporain La Villa du Parc (Annemasse, France); Fundación Marcelino Botín (Santander, Spain); Fundação Oriente (Lisbon); Fundação Calouste Gulbenkian (Lisbon); ccb – Centro Cultural de Belém (Lisbon); Museu da Electricidade – Fundação edp (Lisbon); Bergen Kunsthall (Bergen, Norway); dam – Daejeon Museum of Art (Daejeon, Republic of Korea); National Museum of Singapore (Singapore); mam – Museu de Arte Moderna (Rio de Janeiro, Brazil); Laboratorio Arte Alameda (Mexico City); cgac – Centro Galego de Arte Contemporánea (Santiago de Compostela, Spain); Museu Afro Brasil (São Paulo, Brazil); mas – Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria (Spain); Node – Center for Curatorial Studies (Berlin); Arquipélago – Centro de Artes Contemporâneas (Azores, Portugal); moca – Museum of Contemporary Art (Los Angeles, usa); Kunstverein Arnsberg (Arnsberg, Germany); Espace Photographique Contretype (Brussels); Carpe Diem Art and Research (Lisbon); Appleton Square (Lisbon).

O seu trabalho está representado internacionalmente em diversas colecções públicas e privadas, tais como: · nbk – Neuer Berliner Kunstverein (Alemanha) · Instituto Figueiredo Ferraz (Brasil) · ivam – Instituto Valenciano de Arte Moderna (Espanha) · Fundação Calouste Gulbenkian (Portugal) · cgac – Centro Galego de Arte Contemporánea (Espanha) · mas – Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria (Espanha) · Susanne & Werner Peyer Collection (Suíça) · Plancius Collection (Países Baixos) · Colecção de Arte Fundação edp (Portugal) · Colecção António Cachola (Portugal) · Centro de Artes Visuais (Portugal) · Colecção Fundação plmj (Portugal) · Colecção de Fotografia Contemporânea Novo Banco (Portugal) · Fundação Oriente (Portugal) · Colecção de Arte Contemporânea Arquipélago (Portugal) · Colecção Ordóñez-Falcon (Espanha) · Colecção Julião Sarmento (Portugal) · Colecção Alfredo Hertzog da Silva (Brasil) · Colecção José Carlos Santana Pinto (Portugal) · Colecção Figueiredo Ribeiro (Portugal)

His work is represented in public and private collections worldwide such as: · nbk – Neuer Berliner Kunstverein (Germany) · Instituto Figueiredo Ferraz (Brazil) · ivam – Instituto Valenciano de Arte Moderna (Spain) · Fundação Calouste Gulbenkian (Portugal) · cgac – Centro Galego de Arte Contemporánea (Spain) · mas – Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Santander y Cantabria (Spain) · Susanne & Werner Peyer Collection (Switzerland) · Plancius Collection (Holland) · edp Foundation Art Collection (Portugal) · António Cachola Collection (Portugal) · Centro de Artes Visuais (Portugal) · plmj Foundation Collection (Portugal) · Novo Banco Contemporary Photography Collection (Portugal) · Fundação Oriente (Portugal) · Arquipélago Contemporary Art Collection (Portugal) · Ordóñez-Falcon Collection (Spain) · Julião Sarmento Collection (Portugal) · Alfredo Hertzog da Silva Collection (Brazil) · José Carlos Santana Pinto Collection (Portugal) · Figueiredo Ribeiro Collection (Portugal)

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João Pinharanda (Maputo, Moçambique, 1957)

(Maputo, Mozambique 1957)

Historiador, crítico de arte e comissário. Presidente da secção portuguesa da aica (2007–2010); director do Museu de Arte Contemporânea de Elvas – Colecção António Cachola (2007–2010) e programador da Fundação edp (2001–2015).

Conselheiro cultural da Embaixada de Portugal em França e Director do Centro Cultural Português / Camões em Paris (desde 2015). Curador da representação portuguesa na Bienal de Veneza 2017.

Art historian, critic and curator. President of the Portuguese section of aica (2007–2010); director of the Elvas Museum of Contemporary Art – António Cachola Collection (2007–2010) and programmer for edp Foundation (2001–2015). Cultural attaché to the Portuguese Embassy in France and Director of the Portuguese / Camões Cultural Centre in Paris (since 2015).

Curator of the Portuguese representation at the Venice Biennale 2017.

Sabrina van der Ley (Colónia, Alemanha, 1967)

(Cologne, Germany, 1967)

Curadora da Hoffmann Collection (1997). Curadora Principal de Arte Contemporânea da Hamburger Kunsthalle’s Gallery of Contemporary Art (2008–2011). Directora de Arte Contemporânea do Museu Nacional de Arte, Arquitectura e Design de Oslo (desde 2011).

Curator of the Hoffmann Collection (1997). Chief Curator of Contemporary Art at Hamburger Kunsthalle’s Gallery of Contemporary Art (2008–2011). Current Director of Contemporary Art, The National Museum of Art, Architecture and Design, Oslo (since 2011).

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Publicado em parceria com a Fundação Carmona e Costa por ocasião da exposição Walking Distance, de Rui Calçada Bastos, na Sala Cinzeiro 8 (8 Nov. 2016 – 16 Jan. 2017), no maat – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia / Fundação edp, com curadoria de João Pinharanda / Published in a partnership with Carmona e Costa Foundation on the occasion of Rui Calçada Bastos’ show Walking Distance at Room Ashpit 8 (8 Nov. 2016 – 16 Jan. 2017), maat – Museum of Art, Architecture and Technology / edp Foundation. An exhibition curated by João Pinharanda

Edição / Edition © Rui Calçada Bastos · maat – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia / Fundação edp · Fundação Carmona e Costa · Sistema Solar / Documenta isbn 978-989-8834-50-8 Coordenação editorial / Editorial coordination Mariana Melo

Agradecimentos / Acknowledgements Ana Anacleto, Sergio Belinchón, Manuel Costa Cabral, Nuno Ferreira de Carvalho, Pedro Gadanho, Maria da Graça Carmona e Costa, Sabrina van der Ley, Bruno Lopes, João M. Machado, Manuela Martins, Mariana Melo, Rui Cascais Parada, João Pinharanda, Manuel Rosa

Textos / Texts © Os autores / © The authors Revisão / Proofreading Helena Roldão Tradução / Translation Rui Cascais Parada Design gráfico / Graphic design João M. Machado Fotografia / Photography Sergio Belinchón (pp. 22–27; 30–31; 56–57) Bruno Lopes (pp. 18–21; 28–29: maat – Museu de Arte, Arquitetura e Tecnologia, Lisboa / Lisbon; p.72) Albert Meyer (pp. 36; 42) Mariana Viegas (p. 89) Capa / Cover Rui Calçada Bastos Even all the hairs of your head are all numbered, 2014 Impressão jacto de tinta / Inkjet print 105 × 150 cm Contracapa / Back cover Berlim / Berlin, 2003 Fotografia / Photography: Antonio de la Rosa Distribuição / Distribution Documenta Impressão e encadernação / Printing and binding Gráfica Maiadouro Tiragem / Print run 1500 exemplares / copies Depósito legal / Legal deposit xxxxxx

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Working with and in the cities that he traveled to or lived in (Macau, Shanghai, Paris, Lisbon, Berlin, Los Angeles, Rio de Janeiro) Calçada Bastos focuses on urban landscapes, objects, shapes and situations that would perhaps be overlooked at first glance.

Working with photography, video, sculpture and drawing, he explores his themes poetically, confronting the viewer with a self-referential view. In a real and metaphorical sense, the reflections, duplications and confrontations constitute variations on a leitmotiv that runs through Rui Calçada Bastos’s videos, photographs and installations dealing with self and other, inner and outer, here and there.

Rui Calçada Bastos

Trabalhando com as cidades e nas cidades por onde passou ou onde habitou (Macau, Shanghai, Paris, Lisboa, Berlim, Los Angeles, Rio de Janeiro), Calçada Bastos centra-se em paisagens, objectos, formas e situações urbanas que poderiam passar desapercebidas a um primeiro olhar. Trabalhando com fotografia, vídeo, escultura e desenho, o artista explora os seus temas poeticamente, confrontando o observador com uma perspectiva auto-referencial. Num sentido tão real como metafórico, as reflexões, duplicações e confrontações são variantes de um leitmotiv que atravessa os vídeos, fotografias e instalações que abordam o eu e o outro, o interior e o exterior, o aqui e o ali.

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