IV Concierto Ciclo Sinfónico 2016
MISCHA MAISKY
© Hideki Shiozawa
Tel Aviv Soloists
Temporada
2016
Mischa Maisky Chelo
Tel Aviv Soloists Israel Barak Tal, director
1907
2016
IV Concierto del Ciclo Sinfónico 2016 Sábado 10 de setiembre, 2016 – Gran Teatro Nacional
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Auspiciadores: 1X
La energía que mueve tu Mundo
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Contrucción de la caja de color institucional.
La energía que mueve tu Mundo
En la versión de logotipo sin slogan, se mantiene la caja desarrollada al inicio pero con el logotipo centrado en sus dos ejes.
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Agradecimientos:
Queridos amigos,
socios y abonados:
Bienvenidos al IV Ciclo Sinfónico en el Gran Teatro Nacional y a esta nueva cita musical, la cuarta y última de este ciclo. Luego de haber disfrutado de la magnífica presentación de la Orquesta Filarmónica de Israel bajo la batuta del maestro Zubin Mehta, como parte de las celebraciones por el aniversario 109 de nuestra institución, ahora presentamos al notable chelista letón Mischa Maisky invitado por segunda vez por nuestra institución, al lado de la prestigiosa orquesta Tel Aviv Soloist, dirigida por su fundador Barak Tal. Aún queda en nuestra recuerdo el maravilloso recital de Mischa Maisky en el 2013 acompañado del joven pianista Sergio Tiempo. Ahora tendremos la ocasión de gozar de otro magnífico repertorio en el que Maisky hará gala de su talento como solista ejecutando el Nocturno en do menor para chelo y orquesta de Chaikovski; Kol Nidrei para chelo y orquesta de Bruch y el maravilloso Concierto para chelo y orquesta Nº 1 en do mayor de Haydn. Ahora que concluimos la cuarta edición del Ciclo Sinfónico, que forma parte de nuestra Temporada 2016, es una ocasión más para renovar nuestra gratitud a cada uno de ustedes amigos, socios y abonados por su grata presencia y, a todas las empresas e instituciones que fielmente apoyan nuestra labor. Como ustedes bien saben la tarea constante de promoción de la buena música sólo es posible llevar a cabo gracias a la colaboración de personas e instituciones sensibles que desean contribuir con el desarrollo cultural del país. Hasta pronto.
Salomón Lerner Febres Presidente Sociedad Filarmónica de Lima
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Sociedad Filarmónica de Lima CONSEJO DIRECTIVO
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“Como Rostropovich, la interpretación de Maisky tiene que ver con el corazón y el alma.”
©Bernard Rosenberg
Julian Lloyd Webber, The Guardian
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Mischa Maisky Se distingue por ser el único violonchelista en el mundo que tuvo la oportunidad de estudiar con Mstislav Rostropovich y Gregor Piatigorsky. Rostropovich lo definió como “uno de los talentos más extraordinarios de la nueva generación de violonchelistas. Su forma de tocar combina poesía y delicadez exquisita, con gran temperamento y técnica brillante.” Nacido en Letonia, educado en Rusia y después de su repatriación a Israel, Mischa Maisky ha sido recibido con mucho entusiasmo en ciudades como Londres, París, Berlín, Viena, Nueva York y Tokio, así como en los más importantes escenarios del mundo. Maisky se considera como un ciudadano del mundo: «Toco en un chelo italiano, con arcos franceses y alemanes, cuerdas austriacas y alemanas. Mis seis hijos nacieron en cuatro diferentes países, mi segunda esposa es mitad ceilanés mitad italiana; conduzco un coche japonés, llevo un reloj suizo, un collar indio y me siento como en casa en cualquier lugar en el que la gente aprecie y disfrute con la música clásica». Como artista exclusivo del sello Deutsche Grammophon durante los últimos 30 años, ha realizado más de 35 grabaciones con orquestas como la Filarmónica de Viena, de Israel y de Berlín, así como la Sinfónica de Londres, L’Orchestre de Paris, Orpheus Chamber Orchestra y la Orquesta de Cámara de Europa, entre otras. Uno de los hechos más destacados de su carrera musical tuvo lugar en el año 2000, cuando dedicó una gira mundial al gran compositor J. S. Bach, que incluyó más de 100 conciertos. Y con el fin de expresar su profunda admiración por este compositor, Maisky grabó por tercera vez las Suites para violonchelo solo de Bach. Sus discos han sido recibidos también con el entusiasmo unánime de la crítica mundial siendo premiados en cinco ocasiones con el prestigioso Record Academy Prize de Tokio, Echo Deutscher Schallplattenpreis, Grand Prix du Disque de París y Diapason d’Or del Año, sin olvidar varias nominaciones a los premios Grammy. Considerado un músico de clase mundial e invitado habitual de los más grandes festivales internacionales, ha colaborado con renombrados directores como Leonard Bernstein, Charles Dutoit, Carlo Maria Giulini, Lorin Maazel, Zubin Mehta, Riccardo Muti, James Levine, Vladimir Ashkenazy, Giuseppe Sinopoli, Daniel Barenboim, Valery Gergiev y Gustavo Dudamel; y ha compartido proyectos y escenarios con artistas como Martha Argerich, Radu Lupu, Nelson Freire, Evgeny Kissin, Lang Lang, Peter Serkin, Gidon Kremer, Yuri Bashmet, Vadim Repin, Maxim Vengerov, Joshua Bell, Julian Rachlin y Janine Jansen, por mencionar solo algunos.
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Barak Tal Fundador y director musical del ensemble Tel Aviv Soloists, ha dirigido orquestas en las principales salas de conciertos del mundo, como el Carnegie Hall de Nueva York, Konzerthaus de Viena, y el Mann Auditorium de Tel-Aviv. Ha colaborado con muchos solistas internacionales como los violinistas Maxim Vengerov, Ida Haendel, Patricia Kopatchinskaja e Ilya Gringolts, la violista Tabea Zimmermann, el contratenor Andreas Scholl, el barítono Klaus Mertens, los violonchelistas Sol Gabetta, Alexander Huelshoff y Amit Peled, los pianistas Itamar Golan, Ian Fountain, Boris Berman y Alexander Gavrylyuk, los clarinetistas Giora Feidman y Chen Halevi, y el fagotista Sergio Azzolini. Como director invitado, Barak Tal ha actuado con la Orquesta Filarmónica de Israel, Orquesta Sinfónica de Moscú (Rusia), Wroclaw Philharmonic Orchestra (Polonia), Vaasa City Orchestra (Finlandia), Sinfonietta Cracovia (Polonia) y Neue Philharmonie Westfalen (Alemania), entre otras. Ha sido director principal invitado de la Israel Young Philharmonic Orchestra, director musical de la Haifa Youth Symphony Orchestra y Matan Symphony Orchestra; y director asistente de la Israel Northern Symphony. Es destinatario de los premios más importantes de Israel como el Oedoen Partos Award (2006) por su excepcional interpretación de una composición israelí, otorgado por el Ministerio de Cultura de Israel, y del Rosenblum Award (2007) concedido por la Municipalidad de Tel-Aviv. Es además receptor de becas y ayudas de la America-Israel Cultural Foundation. Ha realizado cursos de maestría en Europa con directores como Kurt Mazur, Neeme Jarvi, Jorma Panula, Vladimir Ponkin y Zsolt Nagy. Se graduó en la Academia de Música de Jerusalén, en la Escuela de Música Buchman-Mehta, así como en la Universidad de Tel Aviv, donde estudió dirección orquestal con el profesor Mendi Rodan y Evgeny Zirlin.
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Tel Aviv Soloists De lejos, la mejor orquesta de cámara de Israel. The Jerusalem Post
Fundado en 2001 por su actual director Barak Tal, el ensemble los Solistas de Tel Aviv se ha presentado con artistas de renombre internacional, como los violinistas Maxim Vengerov e Ida Haendel, la violista Tabea Zimmermann, el contratenor Andreas Scholl, el barítono Klau Mertens, los clarinetistas Giora Feidman y Chen Halevi, los pianistas Itamar Golan, Ian Fountain y Boris Berman y el contrabajista Sergio Azzolini. Sus conciertos han sido recibidos con entusiasmo tanto por el público como por la crítica especializada. “Un nivel de interpretación digno del Carnegie Hall”, ha señalado Ara Guzelimian, asesora artística del Carnegie Hall. La agrupación ha actuado en las principales salas de conciertos del mundo, como el Konzerthaus de Viena y el Carnegie Hall de Nueva York, así como en los principales festivales internacionales, como Interlaken Classics (Suiza) y el Festival Arthur Rubinstein (Israel). La orquesta de cámara Tel Aviv Soloists ha recibido un premio a la excelencia de la Fundación Buchman-Heyman, y subvenciones de la America-Israel Cultural Foundation y The Rich Foundation. Está conformada por 30 de los mejores músicos jóvenes de Israel, varios de ellos miembros de los más destacados grupos de cámara israelíes, jóvenes solistas y ganadores de diferentes concursos. Este elenco fue formado a partir del deseo de crear una orquesta de cámara profesional integrada por jóvenes músicos del más alto nivel. Actualmente es considerada como la voz fresca y vibrante de la música clásica israelí.
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IV Concierto del Ciclo Sinfónico 2016 >> Sábado
10 de setiembre, 8:00 p.m. - Gran Teatro Nacional >>
Programa
W.A. MOZART (1756-1791) Sinfonía Nº 41 en do mayor “Júpiter” Allegro vivace Andante cantabile Menuetto (Allegretto) Molto Allegro P.I. CHAIKOVSKI (1840-1893) Nocturno en do menor para chelo y orquesta M. BRUCH (1838-1920) Kol Nidrei para chelo y orquesta, op. 47 Intermedio
S. PROKOFIEV (1891-1953) Sinfonía Clásica, op. 25 Allegro Larghetto Gavotta: Non troppo allegro Finale: Molto vivace J. HAYDN (1732-1809) Concierto para chelo y orquesta Nº 1 en do mayor Moderato Adagio Allegro molto
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Wolfgang Amadeus
MOZART (1756 – 1791) Wolfgang Amadeus Mozart nació en Salzburgo, Austria, el 27 de enero de 1756. Fue el hijo menor de Ana María Pertl y de Leopold Mozart, un músico que prestaba servicios en la corte del Príncipe-arzobispo de Salzburgo. Desde muy niño, Wolfgang mostró su condición de genio musical pues era capaz de interpretar obras leídas a primera vista, de improvisar y de componer. Consciente de que su hijo era un niño prodigio, Leopold lo llevó de gira por diversas ciudades europeas en las que Wolfgang impresionó a los aristócratas por su habilidad para tocar el clavecín y otros instrumentos. Sus presentaciones públicas empezaron con un concierto en la Universidad de Salzburgo realizado en setiembre de 1761, es decir, cuando tenía cinco años de edad. En enero de 1762, pocas semanas antes de cumplir los seis años, Wolfgang se presentó con su hermana Nannerl en Múnich ante el príncipe elector de Baviera. Unos meses después (setiembre de 1762), toda la familia emprendió un viaje más largo que la llevó a Passau, Linz, Viena y Bratislava. En Viena los hermanos Mozart tocaron para la emperatriz María Teresa y alcanzaron un éxito notable en diversos salones aristocráticos. Los viajes continuaron en los años siguientes pues Leopold supo sacar el máximo provecho de las presentaciones de sus hijos. Múnich, Augsburgo, Mannheim, Maguncia, Frankfurt, Coblenza, Aquisgrán fueron ciudades visitadas por los Mozart, cuyos pobladores tuvieron el privilegio de escuchar a los precoces y talentosos músicos que se dirigían a París. El éxito en Francia fue notable: pasaron dos semanas en Versalles, donde tocaron para Luis XV en varias oportunidades. En París, el niño Wolfgang publicó cuatro sonatas para clave. Se trataba del caso
insólito de un compositor que a tan temprana edad (siete años, dice el texto de la publicación de las sonatas) viera impresas obras suyas (eran las obras K. 6,7, 8 y 9). Los éxitos continuaron en Londres con conciertos ante el rey Jorge III y la reina Sophie Charlotte, conocedores y amantes de la música, y con difíciles pruebas musicales a las que se sometió Wolfgang, quien las venció con solvencia inexplicable en un niño. Por aquellos tiempos, el joven músico inició la creación de sinfonías y obras vocales. Después de haber pasado quince meses en Londres, los Mozart fueron a los Países Bajos, donde también permanecieron varios meses. Volvieron a París y luego emprendieron el lento regreso a Salzburgo, ciudad a la que llegaron a fines de noviembre de 1766, tras haber estado en Dijon, Lyon, Ginebra, Lausana, Berna, Zúrich, Augsburgo y Múnich. El viaje había tomado más de tres años, durante los cuales el niño Wolfgang había ampliado sus horizontes vitales y musicales. Si bien su padre fue su único maestro, el contacto con artistas de otros lugares resultó muy provechoso para el niño, quien empezó a forjarse una voz propia en el terreno de la composición. En la estancia en Londres había conocido a Johann Christian Bach, de quien recibió una fuerte impresión e influencia. Los tres viajes que posteriormente realizó a Italia dejaron en él nuevas enseñanzas. Muy útiles le fueron los contactos con Sammartini y, en especial, el Padre Martini, con el cual trabajó el contrapunto. El interés del joven Mozart por la ópera se acrecentó por esa época y obras suyas de ese género se estrenaron con éxito en Milán en 1771 (Ascanio en Alba) y en 1772 (Lucio Silla).
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En 1773, de vuelta a Salzburgo, empezó Wolfgang Mozart a trabajar en la corte del nuevo Príncipe-arzobispo, Hieronymus von Colloredo, con el cual nunca mantuvo relaciones muy armoniosas. Nuevos viajes lo llevaron a Múnich, Viena, Augsburgo y Mannheim, ciudades en las que se sentía libre de su tiránico empleador de Salzburgo. En 1778 se dirigió a París cargado de esperanza en compañía de su madre. Sin embargo, esta murió sorpresivamente, lo que sumió a Wolfgang en una seria crisis ahondada por la indiferencia de quienes de niño lo habían tratado con tanta benevolencia. Vuelto a Salzburgo en 1779, obtuvo el puesto de organista de la corte de su antiguo amo. Pronto las tensiones se agudizaron tanto, que el joven músico decidió trasladarse a Viena (1781). En 1782, sin el consentimiento de su padre, quien había desempeñado por años un papel importante en el rumbo de la vida de Wolfgang, este se casó en Viena con Constanze Weber. Dos años después, encontró en el movimiento francmasónico la acogida de la que no había disfrutado durante los años de profundo aislamiento en el que se encontraba como artista, según ha hecho notar Alfred Einstein en su famoso libro sobre Mozart.1 En los años siguientes, a pesar de la creación de grandes obras maestras, algunas de las cuales lograron impresionante acogida, como las óperas Las Bodas de Fígaro y Don Giovanni, en sus estrenos en 1786 y 1787 en la generosa ciudad de Praga, la vida de Mozart se volvió difícil. Una economía precaria y una salud cada vez más deteriorada lo hicieron padecer intensamente hasta el momento de su muerte, la que se produjo en Viena en la noche del 4 al 5 de diciembre de 1791, cuando este genio contaba solo 35 años. Aunque su vida fue breve, la obra de Mozart es amplísima y abarca una gran variedad de géneros: óperas, música sacra, sinfonías, conciertos para instrumento solista y acompañamiento de orquesta, abundante música de cámara, obras corales, canciones, etc.
1 Alfred Einstein. Mozart. Buenos Aires: Espasa Calpe Argentina, 1948, p.96.
En un período lleno de dificultades, económicas y personales, Mozart compuso en menos de dos meses sus tres últimas sinfonías, las extraordinarias identificadas como N° 39, en mi bemol mayor (K. 543), la N° 40, en sol menor (K. 550) y la N° 41, en do mayor (K. 551). Si bien su ópera Don Giovanni (K. 527) había alcanzado éxito en Praga en 1787, en Viena no había sucedido lo mismo. Era el año de 1788 y el compositor se veía en la necesidad de recurrir a Puchberg, su amigo y compañero de logia, para solicitarle préstamos de dinero para sobrevivir. A fines de junio del referido año, Mozart completa la Sinfonía N° 39, un mes después culmina la N° 40 y el 10 de agosto acaba el extraordinario y poderoso monumento que es la N° 41, modelo de equilibrio y proporción. Sobre estas tres últimas sinfonías de Mozart, Jacinto Torres ha escrito. “Son obras de una expresividad, dramatismo y densidad nunca alcanzados hasta entonces y que, por una de esas crueles burlas del destino, probablemente jamás llegaron a interpretarse en vida de su autor. Más que en la innovación de las formas, el genio de Mozart se manifiesta en los contenidos, que hacen de estas tres piezas la más plena culminación de su obra sinfónica y, en general, de la sinfonía clásica”.2 La Sinfonía 41 en do mayor (K. 551), llamada “Júpiter” por el empresario Johann Peter Salomon, fue escrita para orquesta que comprende cuerdas, flauta, oboes, fagotes, cornos, trompetas y timbales. Está constituida por cuatro movimientos, el primero de los cuales es un Allegro vivace, en do mayor y compás de 4/4. En el comienzo dos llamadas de aire heroico de toda la orquesta son respondidas en dinámica piano y con dulzura por las cuerdas. La sucesión entre llamada fuerte y respuesta dulce se repite. Luego viene el tema principal de la forma sonata con una dinámica y fuerte intervención de toda la orquesta. Después de un silencio, en el compás 56 entra un segundo tema, dulce y cantabile en dinámica piano presentado inicialmente por las cuerdas. Luego se van asociando los vientos hasta desembocar en un tercer tema inicialmente punteado y que va transformando su carácter: luego de un 2 En Enciclopedia Salvat de los Grandes Compositores. Pamplona, Salvat S.A. de Ediciones, 1984. p. 309.
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silencio asoma un pasaje de aire operístico hasta el final de la exposición. El desarrollo, después de cuatro acordes, parte del empleo del último tema de la exposición y lo presenta con gran vitalidad. A continuación asoman pasajes contrapuntísticos, modulaciones, cromatismos que otorgan a la pieza un carácter muy dramático. La reexposición trae algunas diferencias en la presentación de los temas respecto a la exposición. La pieza se cierra con una fanfarria que da un particular aire de triunfo a la coda. El segundo movimiento es un Andante cantabile en tonalidad de fa mayor y compás de 3/4. Este movimiento nostálgico se toca con sordina en las cuerdas. El primer tema, entonado inicialmente por los violines pasa luego a las cuerdas bajas acompañadas por cornos y fagotes mientras los violines interpretan fusas sinuosas. Un segundo tema en la oscura tonalidad de re menor incrementa la tensión con la aparición de algunas síncopas. Poco a poco se abre paso un tercer tema, según Michel Parouty, “aéreo e impalpable, con su diseño tan tenue de sextillos”.3 En el desarrollo asoma el segundo tema con aire lastimero. La vuelta del tercer tema genera un clima apacible entre cuerdas y vientos. La recapitulación reexpone los temas con todo su dramatismo. Una bella coda cierra el movimiento en un clima sereno y en dinámica pianissimo.
mado por toda la orquesta. Poco después empieza la fuga con la aparición de un segundo tema que se combina con el anterior. Luego asoma un tercer tema en sol. Modulaciones enriquecen esta pieza de marcado y exquisito carácter contrapuntístico cargada de tensiones e inquietud dramáticas. La forma de esta magistral pieza fugada es la propia de la sonata clásica con exposición, desarrollo y reexposición que culmina con una imponente coda que, según Michel Parouty, presenta “una rara perfección [que] va a llevar a la cumbre a la fuerza imperiosa que anima a cada tema y hace vibrar a todo este movimiento”.4 La Sinfonía 41 de Mozart cautiva al oyente y lo hace vivir una experiencia apoteósica.
Menuetto, Allegretto, en compás de 3/4 y tonalidad de do mayor es el tercer movimiento, el cual incluye un Trio. El menuetto, elegante, se inicia con una línea melódica de los primeros violines, a los cuales acompañan los segundos violines con apoyo esporádico de otros instrumentos. Luego suena toda la orquesta y se van incorporando modulaciones armónicas en el tema y pasajes contrapuntísticos. El Trio contrasta con lo anterior por su carácter inocente y menos tenso. Finalmente vuelve el Menuetto. El último movimiento. Finale, Molto Allegro en compás de 2/2 y tonalidad de do mayor está construido en forma de un admirable fugato. Los violines presentan un tema que luego es procla3 En La Musique Symphonique. Librairie Arthème Fayard, 1986. p. 522.
4 Ibídem p. 523.
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Piotr Ilich
CHAIKOVSKI (1840 – 1893) P. I. Chaikovski nació el 7 de mayo de 1840 en Votkinsk, pequeña ciudad rusa ubicada en la zona de los Urales, en la actual República de Udmurtia integrada a Rusia. Perteneció a una familia acomodada con antepasados de diversas nacionalidades (alemanes, franceses, polaco-ucranianos). Desde pequeño mostró interés y habilidad para la música. A los 7 años inició sus lecciones de piano y a los 10 empezó su labor como compositor. En 1850 sus padres lo enviaron a la Escuela Imperial de Jurisprudencia de San Petersburgo a fin de que se preparara para ser funcionario. Como consecuencia de ello, en 1859 asumió labores en el Ministerio de Justicia. Sin embargo, en 1863 dejó el puesto para dedicarse más a la música, a la que no había abandonado totalmente durante los años anteriores, pues luego de la muerte de su madre (1854) y de las repercusiones traumáticas que ello generó, su padre asumió el costo de las clases privadas de piano que tomó con Rudolph Kündingen. En 1861 se convirtió en discípulo de armonía de Nikolai Zaremba en la Sociedad Musical Rusa. Poco después ingresó al recién abierto Conservatorio de San Petersburgo. Allí tomó clases de composición e instrumentación con Anton Rubinstein. 1865 fue un año especial para el músico: se produjo la primera presentación pública de una obra suya (Danzas características), debutó como director de orquesta en la interpretación de su Obertura en fa mayor y se graduó en el Conservatorio. La vida sentimental del músico fue complicada y poco feliz, lo que dejó profunda huella
en su personalidad y su obra. En 1877, tras una larga travesía por Europa, contrajo matrimonio con su antigua estudiante Antonina Miliukova. La pareja se disolvió en menos de un año, lo que llevó al compositor a una crisis emocional y a una estancia en Suiza. Mientras su reputación crecía, las interpretaciones de sus obras se multiplicaron cuando empezó a dirigirlas él mismo, a mediados de la década de 1880. Para ese año todas sus óperas y obras orquestales ya habían sido presentadas. Entre las obras de Chaikovski para violonchelo y orquesta se encuentra una versión de una de las Seis piezas para piano opus 19 compuestas en 1873. Se trata de la cuarta de la colección, titulada Nocturno y que el músico había dedicado a Monika Terminskaya. La pieza para violonchelo y orquesta fue presentada en marzo de 1888. Se trata de una adaptación en la que se incluyeron cambio de tonalidad y algunos ornamentos adecuados para la interpretación en el violonchelo. La orquesta que acompaña al instrumento principal incluye flautas, oboes, clarinetes, fagotes, cornos y los diversos grupos de cuerdas. La pieza, que comprende tres partes, se inicia en tempo Andante y compás de 4/4. Más adelante el tempo se aviva (Più mosso) y el compás cambia a 3/4. Finalmente se regresa al tempo inicial y al compás de 4/4, pero ahora se perciben algunas novedades en el tratamiento del emotivo tema que da origen a la obra. Cabe destacar la cálida presencia del violonchelo en esta delicada pieza de carácter sentimental y cantable.
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Max
BRUCH (1838 – 1920) Max Bruch nació en la ciudad alemana de Colonia el 6 de enero de 1838 y murió en Berlín el 2 de octubre de 1920. Hijo de un inspector de policía y de una soprano, desde niño mostró interés por la música y talento para cultivarla. Durante un tiempo estudió con la guía de su madre. Aún adolescente compuso una sinfonía y un cuarteto de cuerdas, lo que le valió obtener un premio de la Fundación Mozart de la ciudad de Fráncfort del Meno en 1852. Tuvo como maestros a Hiller y Reinecke y, más adelante, a Hauptmann y Rietz. En 1858 actuó como profesor, tarea que cumplió hasta 1861. Desempeñó labores como director de orquesta y de coros en varias ciudades: Mannheim, Coblenza, Berlín, Breslau. Hacia 1870 trabajó como profesor de música en Berlín y a partir de 1880 vivió en Liverpool. Allí asumió la función de director de orquesta durante tres años. En 1883 regresó a Alemania, donde actuó como director de orquesta en Breslau hasta 1890 y como director del departamento de composición de la Berlín Hochscule desde 1892. Durante sus últimos años se dedicó a la composición musical siguiendo una tendencia más bien tradicional ajena a las innovaciones que empezaban a darse en el mundo de las artes. Si bien este autor cultivó diversos géneros musicales y en vida logró diversas distinciones, entre ellas de la Universidad de Cambridge, de la Academia Francesa y del Gobierno Prusiano, su fama decayó al punto que solo su hermoso concierto para violín y orquesta op. 26 se escucha con cierta frecuencia. Su obra comprende óperas, muchas obras para
coro y orquesta, canciones, composiciones instrumentales, sinfonías, conciertos y música de cámara. Bruch se sintió muy atraído por los temas folclóricos de diverso origen y compuso obras a partir de ellos. Melodías celtas, escocesas, suecas, judías, etc. le sirvieron de inspiración para crear una buena cantidad de obras. Tal es el caso de Kol Nidrei, pieza para violonchelo y orquesta basada en melodías hebreas. Kol Nidrei, op. 47 fue acabada en 1880, durante la estancia del autor en Liverpool, pero fue publicada en 1881 en Berlín. Kol Nidrei (Todos los votos) es una oración judía del servicio de la tarde en la celebración religiosa del Yom Kipur (Día de la Expiación). Según dice Fançois-René Tranchefort a propósito de esta obra: “se trata, para hablar con propiedad, de variaciones sobre motivos populares judíos, – el conjunto – Adagio – no estando desprovisto ni de fervoroso lirismo ni de poesía: el violonchelo parece “orar” en sus notas más cálidas”.1
1 En Guide de la musique symphonique. Librairie Arthème Fayard, 1986. p. 143.
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Sergéi Sergéyevich
PROKÓFIEV (1891 – 1953) Prokófiev nació en Sontsovka, actual Ucrania, el 23 de abril de 1891 en tiempos en que esos territorios integraban el Imperio Ruso. Desde niño recibió clases de música de su madre. A los nueve años completó algunas creaciones musicales suyas. En 1904 inició estudios en el Conservatorio de San Petersburgo, en el que le enseñaron maestros como Liadov y Rimski-Korsakov. Desde 1918 hasta 1933 vivió fuera de su patria, la que se había convertido en la Unión Soviética. Al regresar a su país experimentó los rigores del control estatal de la creación artística, el cual prohibía todo tipo de obra que considerara ajena a los cánones estéticos del realismo socialista. Esto lo obligó a modificar su estilo y pasar al cultivo de formas más clásicas. El músico falleció el 5 de marzo de 1953, el mismo día en que murió José Stalin, quien manejó con mano férrea durante casi 30 años a la Unión Soviética. Prokófiev compuso obras musicales de diversos géneros: conciertos para piano y orquesta, para violín y orquesta, obras para violonchelo y orquesta, suites, óperas, música de cámara, música instrumental, música para ballet, cantatas, sonatas, etc. Sus sinfonías alcanzan el número de siete. La primera de ellas es la op. 25, en re mayor, conocida como “La Clásica”. Esta fue elaborada en 1917 y estrenada en 1918 en Petrogrado bajo la dirección del compositor. Admirador de los clásicos, se decidió a componer una obra que reviviera los moldes de las obras de los compositores del siglo XVIII. Lo que logró no fue un producto arcaizante. La Sinfonía Clásica
consta de cuatro movimientos que recuerdan a las formas antiguas, pero elaboradas con un lenguaje musical original. Según Enrique Pérez Adrián, “Prokófiev compuso esta sinfonía casi polemizando con quienes le acusaban de maquinismo futurista, de iconoclasta, de radicalismo revolucionario (la violenta Suite Escita está fechada sólo dos años antes) y de refugiarse en lo nuevo a toda costa, porque era incapaz de obtener resultados originales con los medios habituales. Por ello volcó en esta composición toda su capacidad de fino humorismo, de vertiginosa alegría, de despreocupada utilización de motivos de danza galante, sin renunciar, como sucede en el segundo movimiento, a un velo de nostalgia entre líneas tras los pliegues de una irónica sonrisa”.1 La obra está concebida para una orquesta que incluye 2 flautas, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trombas, 2 cornos, timbales y cuerdas. El primer movimiento es un Allegro en re mayor cuyo primer tema está en compás de 2/2. Tal tema, sumamente vital, se inicia a partir de las notas de un arpegio, tal como a menudo hacían los compositores vieneses. A ese tema lo sigue uno segundo lleno de espíritu en el que destacan los picados del violín y las notas en staccato del fagot. Un original desarrollo contrasta pasajes de cuerdas graves con cuerdas agudas y presenta osadas armonías en los metales. El movimiento se cierra con la reexposición, la cual culmina con brío y en dinámica fortissimo. 1 En Enciclopedia Salvat de los Grandes Compositores. Pamplona, Salvat, 1986. p. 244.
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El segundo movimiento es un bello Larghetto en compás de 3/4 con cierto aire de minué. El tema delicado tocado por el violín asoma sobre un tinglado rítmico iniciado antes. Este tema regresa con su gracia en dos oportunidades acompañado de contrapuntos que se alternan con otros pasajes de acordes en staccato. La pieza termina en una atmósfera muy delicada que contrasta con el fuerte y rítmico inicio del tercer movimiento, una Gavota breve en ritmo de 4/4 y que responde a la estructura formal tripartita A-B-A. En la parte B destaca la presencia de las maderas. El movimiento final, en compás de 2/2, sigue la forma rondó-sonata y se presenta como una efervescente pieza de gran virtuosismo orquestal, sobre todo en el tratamiento de las maderas, en especial de la flauta solista. En esta pieza que presenta tres temas se puede percibir la presencia del espíritu popular ruso asumido por una brillante orquestación. La obra concluye con intervenciones alternadas de las maderas y las cuerdas.
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Franz Joseph
HAYDN (1732-1809) Franz Joseph Haydn nació cerca de Viena, en la pequeña localidad de Rohrau, el 31 de marzo de 1732. Era el segundo de los doce hijos de Mathias Haydn y Anna Maria Koller, ambos servidores del conde de Harrach. Como los padres de Franz Joseph se percataron de la disposición del niño para la música, lo enviaron a los seis años a Hainburg, a casa de un pariente, donde tuvo la oportunidad de empezar su educación. En 1740 se mudó a Viena, donde, gracias a su buena voz, integró un coro. Allí continuó su formación musical durante varios años en medio de dificultades que le exigieron, a partir de 1749, desempeñar diferentes tareas como profesor, músico callejero e incluso siervo. Los avances de sus conocimientos en el campo de la composición y el nombre que con esfuerzo iba adquiriendo, le permitieron conseguir el apoyo de la nobleza. Después de haber servido a varios aristócratas, llegó a la esplendorosa e ilustrada corte de los Esterházy, donde permaneció casi tres décadas. En 1791, luego de haber culminado sus compromisos con dicha noble familia, viajó a Londres, donde fue recibido triunfalmente. En dicha ciudad británica estuvo por segunda vez entre 1794 y 1795. Durante las dos temporadas que pasó allí, compuso algunas de sus obras más importantes, entre las que destacan dos series de seis sinfonías cada una. En 1795 volvió a Viena, donde pasó el resto de sus días. Allí falleció el 31 de mayo de 1809, tras una vida relativamente larga durante la cual no se desplazó por muchos lugares. Su labor como creador musical fue especialmente fecunda. A lo largo de su vida compuso obras de los más variados géneros: óperas, dramas, oberturas, más de cien
sinfonías, cuartetos, tríos, un sexteto, quintetos, música para piano, para vientos, sonatas para violín y piano, canciones, oratorios, conciertos, etc. Para sus contemporáneos, él fue nada menos que el “inventor” de dos de los géneros instrumentales que la posteridad acabaría considerando como piedras angulares de la música occidental: la sinfonía y el cuarteto de cuerdas. Entre los varios conciertos para instrumento solista y orquesta compuestos por J. Haydn, figuran algunos para violonchelo y orquesta, en concreto son tres; pero se duda de la paternidad de uno de ellos, el escrito en re mayor. El Concierto para violonchelo y orquesta número 1 en do mayor ocupa un lugar especial entre la obra de Haydn. Su manuscrito estuvo perdido durante mucho tiempo y fue reencontrado en el Museo Nacional de Praga en 1961 como parte de los documentos de la colección de un antiguo aristócrata europeo. Así volvió a la vida de los escenarios esta importante obra compuesta probablemente entre 1761 y 1765, la que se ha vuelto una de las favoritas de su género. Haydn la dedicó a Joseph Weigl, virtuoso violonchelista de la orquesta del palacio de los Esterházy. Esta obra exige al solista que posea particulares dotes virtuosísticas para interpretarla. El concierto está construido en tres hermosos movimientos. El primero es un Moderato en do mayor y compás de 4/4, amplio, que se inicia con solemnidad y va adquiriendo variados matices, ora delicados, ora intensos. En él, lo cantabile
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alterna con pasajes virtuosísticos. Una cadenza se presenta hacia el final de la pieza. El segundo movimiento es un Adagio en fa mayor y compás de 2/4 que se inicia con aire cantante y sereno; pero se vuelve más intenso conforme avanza la composición. El finale, Allegro molto, en do mayor y compás de 4/4 es una pieza extraordinaria llena de ardor e ímpetu que envuelven al oyente.
Carlos Gatti Murriel Profesor del Departamento de Humanidades de la Universidad del Pacífico y del Departamento de Humanidades de la PUCP.
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