2016 Virtuosos de Praga

III Concierto Ciclo Sinfรณnico 2016

VIRTUOSOS DE PRAGA

Temporada

2016

VIRTUOSOS DE PRAGA República Checa ^

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OldRich VlCek, director Miriam Rodriguez Brüllová, guitarra Christina Johnston, soprano

1907

2016

III Concierto del Ciclo Sinfónico 2016 Martes 14 de junio, 2016 – Gran Teatro Nacional

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Auspiciadores: 1X

La energía que mueve tu Mundo

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Contrucción de la caja de color institucional.

La energía que mueve tu Mundo

En la versión de logotipo sin slogan, se mantiene la caja desarrollada al inicio pero con el logotipo centrado en sus dos ejes.

Media partners:

Agradecimientos:

Queridos amigos, socios y abonados:

Bienvenidos a esta nueva velada musical. Luego de haber disfrutado de los magníficos conciertos de la Siberian State Symphony Orchestra y de la Basel Chamber Orchestra junto a Daniel Hope, nos complace presentar el tercer concierto de nuestro IV Ciclo Sinfónico, que este año cuenta con el valioso apoyo del Ministerio de Cultura y el Gran Teatro Nacional.

La agrupación que nos visita esta noche es la orquesta de cámara Virtuosos de Praga, con el maestro Oldrich VIcek en la dirección y como solistas: la notable soprano Christina Johnston y la prestigiosa guitarrista Miriam Rodriguez Brüllová. Esta mundialmente reconocida orquesta fue fundada en 1976. La lista de solistas con los que la agrupación ha tenido el placer de tocar incluye nombres de reconocidas figuras como Plácido Domingo, Barbara Hendricks, Igor Oistrakh, Sergej Krylov, entre otros. Se presenta con frecuencia en el festival de música Primavera de Praga, y es orquesta residente del International Music Festival Pontes. ^

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El cuarto concierto del ciclo será el 10 de setiembre con el regreso del afamado chelista Mischa Maisky como solista de la agrupación Tel Aviv Soloist. De esta manera la Sociedad Filarmónica de Lima da continuidad a la celebración de un centésimo noveno aniversario con una magnifica programación, paralela a la tradicional Temporada de Abono que se desarrolla en el Auditorio Santa Úrsula y que reúne a músicos y conjuntos de excelente trayectoria musical.

Me complace recordarles también que, el lunes 15 de agosto tendremos, fuera de abono, en este mismo escenario nuestro Concierto Extraordinario a cargo de la legendaria Orquesta Filarmónica de Israel, dirigida por el maestro Zubin Mehta. Una cita imperdible con la que festejaremos los 109 años de ininterrumpida vida institucional.

Como siempre renovamos nuestra gratitud a cada uno de ustedes amigos, socios y abonados por su grata presencia y, a todas las empresas e instituciones que apoyan nuestra labor. Como ustedes bien saben la labor constante de promoción de la buena música sólo es posible llevarla a cabo gracias a la colaboración de personas e instituciones sensibles que desean contribuir con el desarrollo cultural del país.

Salomón Lerner Febres Presidente Sociedad Filarmónica de Lima

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Sociedad Filarmónica de Lima CONSEJO DIRECTIVO

PRESIDENTE Salomón Lerner Febres VICEPRESIDENTE Jorge Caillaux Zazzali PRESIDENTE HONORARIO Heriberto Ascher DIRECTORES Muriel Clemens de Briceño Federico De Cárdenas Carlos Gatti Harold Gardener Nissim Mayo Margot Moscoso de Pinasco Teresa Ortiz de Zevallos Fred Reich ADMINISTRACIÓN María del Pilar Flores Dioses Denice Guevara Cavero María Alejandra Carrillo Fídel ASISTENTE TÉCNICO Ernesto Quino Villena

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García de Rizo Patrón, Lola

Wu, Juan

Gardener, Harold

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Virtuosos de Praga Fundada en 1986, esta orquesta de cámara está liderada por el director y extraordinario violinista Oldřich Vlček, y es considerada actualmente como una de las agrupaciones musicales checas de más prestigio a nivel internacional.

La orquesta cuenta con un amplio repertorio, con obras de Vejvanovský, Mozart, Mysliveček, Bach, Haydn, Beethoven, Mozart, Mendelssohn-Bartholdy, Rossini, Stravinski, Grieg, Roussel, Elgar, así como obras de compositores contemporáneos.

Debido a su gran calidad, la orquesta ha sido dirigida por maestros como V. Neumann, A. Rahbari, Ch. Benda, N. Athinaios, P. Schreier, P. Meyer H. Griffiths, H. Rilling, J. Swoboda etc. Desde 2000, el italiano Alfonso Scarano es su principal director invitado.

La lista de solistas con los que la orquesta ha tenido el placer de tocar incluye nombres de la talla de Plácido Domingo, José Cura, Barbara Hendricks, Mstislav Rostropovich, Igor Oistrakh, Pavel Kogan, Mario Brunello, Sergej Krylov, Alexander Toradze y Marina Vyskvorkina, por mencionar algunos.

Los Virtuosos de Praga colaboran a menudo con destacados coros checos, como Prague Philharmonic Choir o Prague Chamber Choir, con los que se presenta conjuntamente para interpretar obras como La Creación de Haydn, El Mesías de Händel, Acis y Galatea, La misa de Bach y La pasión según San Juan, etc.

La orquesta ha grabado más de 200 discos los cuales han sido producidos por diversos sellos como Supraphon, Orfeo, Discover, Claves y Koch International, y se ha hecho merecedora de dos discos de platino de Supraphon por las grabaciones más exitosas en el campo de la música clásica.

Cada año la orquesta programa de 10 a 15 conciertos en Praga, cerca de 30 en la República Checa y Eslovaquia, y acepta alrededor de 40 a 50 invitaciones para tocar en Europa (Alemania, Italia, España, Grecia, Austria, Bélgica, Holanda, Francia) Japón, Australia, EE.UU. y América Latina. La orquesta es invitada habitual del festival Primavera de Praga, y es orquesta residente del International Music Festival PONTES.

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Oldřich Vlček Estudió violín y dirección en la Academia de Arte de Praga. Desde 1980 se desempeñó como concertino y director de la Orquesta de Cámara de Praga. En 1990 restableció la nueva orquesta de cámara Virtuosos de Praga, que fundó en 1976.

En 2001 fundó y desde entonces dirige la nueva State Theatre Prague orchestra – Amadé, que es un anexo de la Orquesta del Teatro Nacional de Praga. A partir de 2004 se convirtió en uno de los principales directores del Teatro Nacional de Praga.

Desde el inicio de su carrera profesional alterna su actividad como solista con su rol de director de orquesta. Como solista, ha trabajado con Plácido Domingo, Josef Suk, Antonio Meneses, Barbra Hendricks, Igor Oistrach, Pavel Kogan, Peter Schreier, Christian Benda, Sir Charles Mackerras y Mstislav Rostropovich. Bajo su dirección se han grabado más de 200 discos para los sellos Supraphon, Orfeo, Discover, Claves, Koch International y ha recibido dos discos de platino de Supraphon.

Además de la Orquesta de Cámara de Praga, Virtuosos de Praga y Orquesta de Praga Amadé, dirige otras orquestas como Florence Sinfonietta, Milano Classica, Seoul Symphony Orchestra, Toronto Philharmonia, Festival Orchestra Pontes, Slovak Philharmonic, Slovak Radio Symphony Orchestra, Orchestra of Prague Opera House, Częstochowa Philharmonic, entre otras.

Es fundador del International Music Festival Pontes.

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Miriam Rodriguez Brüllová Estudió en el Conservatorio Estatal de Bratislava. Después de obtener su licenciatura en interpretación y pedagogía en la Academia de Artes Escénicas en Bratislava estudió con el guitarrista y pedagogo Alvaro Pierri en la Universidad de Quebec en Montreal y en la Universidad Laval en Quebec, donde obtuvo una maestría en interpretación (2001). En 2003 completó sus estudios como estudiante de postgrado en la Universität für Musik und Darstellende Kunst de Viena.

Miriam ha participado en varios concursos de guitarra en Eslovaquia, Viena (Austria), Kutná Hora (República Checa) y Weikersheim (Alemania), donde ganó importantes premios. En dos oportunidades (1999 y 2000) ha ganado una beca como la mejor participante de la clase maestra en el festival internacional Joventuts Musicals de Torroella de Montgrí en España.

Ha actuado como solista con la Jerusalem Symphony Orchestra, Brandenburgisches Staatsorchester, Orchestra Sinfonica di Roma, Slovak Radio Symphony Orchestra, Slovak State Philharmonic, Orquesta Filarmónica de Bogotá, Universal Symphony Orchestra Seoul, North Czech Philharmonic, Cappella Istropolitana, West Bohemian Symphony Orchestra, entre otras.

Ha tocado en importantes salas de conciertos como Prague Rudolfinum, Berlin Konzerthaus, Seoul Art Center, Auditorium Conciliazione de Roma, Teatro Filarmonico Verona y otros. En 2005 creó el festival internacional Bratislava Chamber Guitar, del cual es directora artística. Durante varios años fue contratada por la Universität für Musik und Darstellende Kunst de Viena. Ahora ejerce la docencia en el Conservatorio de Bratislava.

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Christina Johnston Fue becada en la Guildhall School of Music and Drama, en 2006. Durante esa etapa actuó en varias producciones y conciertos que van desde Cavalleria Rusticana de Mascagni al Réquiem de Verdi y Candida de Bernstein.

Se ha presentado con diferentes directores y ha asistido a clases maestras con Dame Kiri Te Kanawa, Renee Flemming, Emma Kirby e Yvonne Kenny. Asimismo, ha participado en diversos certámenes musicales, incluyendo el International Mozart Competition, donde obtuvo el tercer lugar; el International Antonin Dvorak Vocal Competition y la National Performing Arts Competition, donde llegó hasta la final.

Se trasladó a Praga, donde actualmente estudia bajo la dirección del maestro Jiri Kotouc, de Jelena Noskova, correpetidora de la Ópera Estatal de Praga y de Richard Hein, director de la Ópera Estatal de Praga. Ha colaborado en diversos proyectos con el compositor checo Robert Jisa, siendo el último de ellos el réquiem Illumination Voices, incluido en el álbum Libro Egipcio de los Muertos.

Interpretó el rol de Olimpia en Los cuentos de Hoffman de Offenbach, en el Kazan Opera House de Rusia y fue una de las cantantes solistas en el festival The Art for life de Praga. Recientemente hizo su debut en La flauta mágica de Mozart como la Reina de la noche, dirigida por Richard Hein en la Ópera Estatal de Praga. En 2013, mientras trabajaba en su nuevo disco, asumió el rol de Adele en El Murciélago de Strauss y al año siguiente fue elegida para interpretar el papel de Zerlina en la ópera Don Giovanni de Mozart.

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III Concierto del Ciclo Sinfónico 2016 >> Martes

14 de junio, 8:00 p.m. - Gran Teatro Nacional >>

Programa

P. I. CHAIKOVSKI (1840 – 1893)

Intermedio

Serenata para cuerdas, op. 48 Pezzo in forma di sonatina Tempo di valse Elegie. Larghetto elegiaco Finale (Tema russo)

L. BOCCHERINI (1743 – 1805) Fandango Tercer movimiento del Quinteto para cuerdas en re mayor Nº 4, G. 448

A. VIVALDI (1678 – 1741)

W. A. MOZART (1756 – 1791)

Concierto en re mayor para guitarra y cuerdas RV 93 Allegro giusto Largo Allegro

Der Hölle Rache Aria de la ópera La flauta mágica

G. F. HÄNDEL (1685 – 1759) Let the bright seraphim Aria del oratorio Samson, HWV 57

A. DVOŘÁK (1841 - 1904) Serenata para cuerdas en mi mayor, op. 22 Moderato Tempo di valse Scherzo vivace Larghetto Finale. Allegro vivace

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Piotr Ilich

CHAIKOVSKI (1840 – 1893) P.I. Chaikovski nació el 7 de mayo de 1840 en Votkinsk, pequeña ciudad rusa ubicada en la zona de los Urales, en la actual República de Udmurtia integrada a Rusia. Perteneció a una familia acomodada con antepasados de diversas nacionalidades (alemanes, franceses, polacoucranianos).

Desde pequeño mostró interés y habilidad para la música. A los 7 años inició sus lecciones de piano y a los 10 empezó su labor como compositor. En 1850 sus padres lo enviaron a la Escuela Imperial de Jurisprudencia de San Petersburgo a fin de que se preparara para ser funcionario. Como consecuencia de ello, en 1859 asumió labores en el Ministerio de Justicia. Sin embargo, en 1863 dejó el puesto para dedicarse más a la música, a la que no había abandonado totalmente durante los años anteriores, pues luego de la muerte de su madre (1854) y de las repercusiones traumáticas que ello generó, su padre asumió el costo de las clases privadas de piano que tomó con Rudolph Kündingen. En 1861 se convirtió en discípulo de armonía de Nikolai Zaremba en la Sociedad Musical Rusa. Poco después ingresó al recién abierto Conservatorio de San Petersburgo. Allí tomó clases de composición e instrumentación con Anton Rubinstein. 1865 fue un año especial para el músico: se produjo la primera presentación pública de una obra suya (Danzas características), debutó como director de orquesta en la interpretación de su Obertura en fa mayor y se graduó en el Conservatorio. La vida sentimental del músico fue complicada y poco feliz, lo que dejó profunda

huella en su personalidad y su obra. En 1877, tras una larga travesía por Europa, contrajo matrimonio con su antigua estudiante Antonina Miliukova.

La pareja se disolvió en menos de un año, lo que llevó al compositor a una crisis emocional y a una estancia en Suiza. Mientras su reputación crecía, las interpretaciones de sus obras se multiplicaron cuando empezó a dirigirlas él mismo, a mediados de la década de 1880. Para ese año todas sus óperas y obras orquestales ya habían sido presentadas.

La Serenata para cuerdas op. 48, en do mayor, se estrenó el 21 de noviembre de 1880 en un concierto privado en el Conservatorio de Moscú. Si bien el autor había dudado respecto a si debería componer un quinteto de cuerdas o una sinfonía, finalmente se decidió por la orquesta de cuerdas.

En la partitura de la obra Chaikovski escribió: “Cuanto más numerosos sean los integrantes de la orquesta de cuerdas, más corresponderá al deseo del autor”. La obra, que se enmarca en la tradición del género de las serenatas y los divertimentos vieneses e italianos del siglo XVIII, está cargada del espíritu del siglo XIX y también pone en evidencia las raíces rusas del autor.

La obra consta de cuatro movimientos. El primero, en compás de 6/8, Pezzo in forma di sonatina, se inicia con una introducción intensa cargada de emoción en tempo Andante non troppo, a la cual sigue un Allegro moderato construido con tres temas. La pieza concluye con una vuelta al Andante y termina en potente cuádruple forte.

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El segundo movimiento es un vals, compás de 3/4, en la tonalidad de sol mayor. Esta elegante pieza, que lleva como indicación en la partitura la expresión “dolce e molto grazioso”, culmina en triple piano. La parte intermedia del vals está en modo menor y modula repetidamente.

Elegía, Larghetto elegiaco, en compás de 3/4 y tonalidad de re mayor, es una pieza muy intensa, tanto en su inicio meditativo como en el arrobador lirismo de la parte central. A lo largo de este movimiento, que recuerda por momentos al estilo de la música de ballet de Chaikovski, se suceden diversos tiempos: Larghetto, Poco più animato, Larghetto. En los últimos compases se pasa de la dinámica piano a niveles de intensidad cada vez más tenues, pianissimo (pp) triple piano (ppp) y, al fin, cuádruple piano (pppp).

El cuarto movimiento, Finale – Tema russo, en compás de 2/4 y tonalidad de do mayor, empieza con una introducción en Andante, a la cual sigue un Allegro con spirito, ambos inspirados en temas populares rusos muy contrastantes entre sí. En el Allegro con spirito se presentan algunos cambios de tempo, pues, intercalado en el vivaz ritmo, asoma por veintisiete compases un Molto meno mosso (mucho menos movido) que evoca al tenso inicio de la obra. Luego se retoma el tempo rápido anterior, el cual, hacia el final de la pieza, se vuelve Più mosso (más movido) y fuerte.

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Antonio

VIVALDI (1678 – 1741) Durante mucho tiempo se ha discutido sobre la fecha de nacimiento de Antonio Vivaldi en la ciudad de Venecia. Las investigaciones de Eric Paul, quien halló la partida de bautismo, han llevado a establecer el 4 de marzo de 1678 como el día de su alumbramiento. La educación musical de Vivaldi comenzó con su padre, quien era un destacado violinista, según consta en una guía de Venecia publicada en 1713. Antonio era el mayor de 7 hermanos y se dedicó a la vida religiosa. Como tenía el cabello rojizo lo llamaban il prete rosso (el cura pelirrojo). Desde 1703 mantuvo relación con el Ospedale della Pietà, orfanato para niñas donde por unos 36 años, con ciertas interrupciones, cumplió destacada labor como músico. En 1740 se estableció en Viena, donde murió en extrema pobreza el 28 de julio del año 1741. Compuso muchas obras en diversos géneros (música sacra, óperas, obras corales, conciertos).

A propósito de los conciertos, género en el que destacó A. Vivaldi por la cantidad y la calidad de las composiciones, L. Fuà escribió hace algunas décadas lo siguiente: “fueron editados 78 [...] por la casa de Étienne Roger y Michel Le Cène, en Ámsterdam; y más de trescientos conciertos inéditos se encuentran en las colecciones Foà y Giordano, de la Biblioteca Nacional de Turín. Vivaldi, liberándose de los moldes preestablecidos, adopta definitivamente la división en tres tiempos: un ‘Adagio’ central entre dos tiempos ‘vivaci’, dando a cada uno de ellos fisonomía propia y particular, correspondiente a tres diversos momentos espirituales, por lo que

su contraposición no sólo es formal, sino, sobre todo, sentimental. La individualidad, ya rítmica, ya temática, de los diversos tiempos le coloca en franca superioridad frente a su predecesor Corelli. Respecto al conjunto instrumental, a los tres instrumentos solistas (violines primero y segundo y violonchelo) que constituyen el ‘concertino’, se une, alterna con ellos o se contrapone el conjunto de los instrumentos de cuerda que forman el ‘concerto grosso’ y que, además de los instrumentos ya citados, contiene la viola. En Vivaldi, el contraste entre ‘concertino’ y ‘concerto grosso’ no es un fin en sí mismo, sino un objetivo puramente ornamental aunque suscitado por un motivo enteramente interior, de dinámica contraposición de sentimientos. Con Vivaldi, el estilo sinfónico, que en el sentido más moderno de la palabra alcanzará su máxima perfección con Beethoven, se puede decir que está ya virtualmente alcanzado. Los tiempos ‘allegro’ poseen una viveza, una naturalidad y una construcción arquitectónica que llevan a Vivaldi mucho más allá de Haydn y de Mozart, hasta los umbrales de aquel romanticismo que desemboca en Beethoven. Con todo, la modernidad de concepción de Vivaldi se advierte, principalmente, en los ‘adagi’, ricos de expresión y de dramatismo, en donde la línea del canto se prolonga y se levanta en magnífico empuje ascendente. Entre los más sugestivos y profundamente musicales están el Concierto en la menor para dos violines e instrumentos de arco y el en sol menor (el segundo de la colección L’Estro armonico). Prueba luminosísima de la

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fama que Vivaldi ganó rápidamente con sus conciertos, más en el extranjero que en Italia, es que J. S. Bach transcribió sus conciertos: tres para órgano, seis para clavicémbalo y uno para cuatro clavicémbalos, aunque fuese imponiendo alguna vez su propia personalidad y ‘floreando’, según la costumbre de la época, la melodía original. Sin conocer a Bach, Vivaldi se acerca a él con su técnica, la claridad de su diseño nítido y su capacidad constructiva; y si la música de Bach se muestra más concentrada, más densa de pensamiento, en la de Vivaldi palpita más humanidad, y tiene una transparencia, una delineación más netamente latinas”.1 En lo que se refiere a la arquitectura de los conciertos, José Luis Pérez de Arteaga ha escrito lo siguiente: “El primer movimiento puede iniciarse con una introducción lenta, a voluntad del compositor, que Vivaldi emplea en contadas oportunidades. A continuación, el movimiento se descompone en tiempo de Allegro en una sucesión de ritornellos y solos. Llamando A al ritornello y B al solo, una secuencia típica vivaldiana sería A-B-A-B-A-B-A-B-A; esto es, 5 ritornellos y 4 solos. El material empleado en todos los ritornellos se deriva siempre del primero de los mismos; el empleado en cada solo acostumbra ser diferente.

Los ritornellos son interpretados por el ripieno o tutti, en oposición a los solos, confiados a los solistas. En Vivaldi el ritornello nunca es un tema, a la manera clásico-romántica, sino un conjunto de breves motivos, muchas veces simples diseños.

La música de los solos puede adoptar tres alternativas: 1) libre improvisación del solista sin relaciones temáticas con el ritornello; 2) material temático tomado del ritornello (caso poco frecuente); 3) material temático absolutamente nuevo. En Vivaldi el solo cumple dos funciones básicas: demostrar la capacidad técnica e inventiva del solista y modular de una tonalidad a otra. En cuanto al movimiento lento, Vivaldi suele adoptar fórmulas mucho más variadas que las que emplea para los tiempos extremos. Formalmente, los movimientos intermedios del concierto vivaldiano adoptan esquemas propios de arietta, pastorale, 1 En González Porto - Bompiani. Diccionario Literario. Barcelona: Montaner y Simón, 1959. Tomo III, pp. 380 – 1.

chacona, siciliana y ritmos típicos de danza. Las formas más recurridas son las siciliana y chacona.

Son los movimientos lentos de Vivaldi los más bellos y apasionantes de toda su contribución al campo del concierto: el tiempo lento permite a Vivaldi concentrarse exclusivamente en el desarrollo de una melodía.

Por lo que se refiere al último movimiento, su estructura es paralela a la del primer movimiento, siguiendo por lo general la misma secuencia de ritornellos y solos y derivándose, en ocasiones, su material temático del mismo movimiento inicial, lo que obliga a conferir a Vivaldi el título de pionero en lo que al uso de la forma cíclica concierne.

Hay una característica nueva, con todo, y es que Vivaldi dedica sus últimos movimientos a probar los recursos técnicos de sus solistas, haciéndolos pasar por pruebas de virtuosismo escalofriantes.

Y esto no sólo en el terreno del violín, donde él mismo era un consumado maestro, sino también en el campo de los instrumentos de viento. El concierto para flauta II cardellino exige un instrumentista que respire por branquias, y algo parecido se podría decir del Concierto para fagot en mi menor. En la parcela exclusiva de la cuerda, Vivaldi se permite diabluras técnicas que lo emparientan a un siglo de distancia con Niccolò Paganini; así sus Bariolage (alternancia veloz de dos notas en dos o más cuerdas); Funken (parecido al anterior y consistente en trémolos sobre notas distanciadas); Vögelchen (trinos sobre las notas sobreagudas); Scordatura (cambios anormales en la afinación del instrumento); o Raketen (secuencias en fusas y semifusas).

Desde el punto de vista de la escritura son varias las características observables en Vivaldi. En primer lugar, cabe destacar que los temas básicos de sus composiciones son de una sencillez franciscana. Normalmente el músico construye sus motivos a partir del arpegiado (ya sea en forma literal o por inversión) de las notas del acorde base.

En segundo lugar, su escritura se adscribe explícitamente a la corriente, moderna en su época, de la melodía con acompañamiento, alejada de la polifonía tanto sacra como profana. Sin embargo, esto no le impide practicar en sus composiciones corales (e incluso en sus sinfonías) amplios ejerci-

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cios contrapuntísticos. Como tercera característica, citemos su armonía, que es tonal, aunque con sabrosos ejemplos de índole experimental, por ejemplo la Sonata al Santo Sepulcro. Un cuarto aspecto interesante, ya mencionado antes, es su inventiva melódica, desarrollada en su mayor parte en las cantilenas de sus movimientos lentos”.2 Vivaldi compuso una gran cantidad de obras de diversos géneros: música para orquesta, para conjuntos de cámara, para voz, para coros, para el teatro. De sus centenares de conciertos para solistas y orquesta, publicó algunas series reunidas en grupos. De 1711 data la colección denominada L’estro armonico (op. 3) que reúne doce conciertos. Poco después dio a conocer una nueva colección de doce conciertos, La stravaganza (op.4). A estos siguieron nuevas series publicadas como op. 6 (seis conciertos para violín) y opus 7 (dos libros de seis conciertos cada uno). El opus 8, conocido bajo el título Il cimento dell’armonia e dell’invenzione, en el cual están incluidas las famosas Cuatro estaciones (Primavera, Verano, Otoño e Invierno), también comprende dos libros de seis conciertos cada uno, al igual que el opus 9 (La cetra). Seis conciertos para flauta integran el opus 10, mientras el opus 11 comprende cinco para violín y uno para oboe, y el opus 12 (publicado hacia 1729 – 30) está constituido por seis para violín y orquesta.

Como muchas obras de Vivaldi quedaron inéditas en manuscritos conservados en archivos y aquellos se fueron descubriendo y divulgando conforme crecía el interés en la obra del músico veneciano, después de un largo período de olvido, varios estudiosos del siglo XX elaboraron catálogos de la enorme obra de A. Vivaldi. Así surgieron los de M. Rinaldi (1945), M. Pincherle (1948), A. Fanna (1968) y P. Ryom. El RV (Ryom Verzeichnis) fue publicado en 1974. No se basa en un criterio cronológico, sino en el género musical, los instrumentos para los cuales la obra fue creada y la tonalidad empleada en la composición.

El catálogo Ryom registra más de 800 entradas correspondientes a obras de este fecundo compositor veneciano.

2 En Enciclopedia Salvat de los Grandes Compositores. Pamplona: Salvat, 1984. Tomo I, p. 103.

Michael Talbot clasificó los centenares de conciertos de A. Vivaldi en seis grandes grupos. El primero de estos grupos incluye a 329 destinados a instrumento solista, cuerdas y bajo continuo; el segundo comprende a 45 conciertos para dos instrumentos solistas, cuerdas y continuo; el tercero, a 34 conciertos para tres o más solistas, cuerdas y continuo; el cuarto, a 4 conciertos para uno o más solistas acompañados por dos orquestas de cuerdas; el quinto, a 22 conciertos para tres o más solistas y continuo; el sexto, a 44 para orquesta de cuerdas y continuo, sin solista.3 Por la década de 1730 a 1740, Vivaldi compuso en Bohemia el Concierto en re mayor para laúd y cuerdas RV 93, uno de los cuatro que creó para esa combinación. Esta obra, que se suele interpretar en guitarra, en lugar del laúd, comprende tres movimientos. El primero, en tempo Allegro, y compás de 4/4, está construido a partir de un ritornelo muy vital. Se desenvuelve a lo largo de 51 compases, aunque hay partes que se repiten. A lo largo de esta pieza aparecen varias secciones que presentan pasajes con momentos líricos en los cuales la tonalidad de re mayor se alterna con la tonalidad de re menor. El segundo movimiento, también en compás de 4/4, es un tempo Largo en el que el solista interpreta frases de hondo sentimiento con un acompañamiento discreto de la orquesta: esta apoya con acordes lentos y prolongados. A esta breve, pero intensa pieza, sigue como tercer movimiento un Allegro en re mayor y compás de 12/8 con cierto aire de tarantela muy dinámica y en la que el instrumento solista destaca por su dinamismo.

3 Ver Guide de la musique Symphonique. Librairie Arthème Fayard, 1986, p. 835.

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Georg Friedrich

HAENDEL (1685 - 1759) G.F. Haendel nació en Halle el 23 de febrero de 1685, el mismo año en que nacieron Domenico Scarlatti y Johann Sebastian Bach. Fue hijo de un cirujano-barbero y chambelán de la corte Saxe-Wissenfels, lo que le permitió obtener una buena formación académica. Su padre se opuso a que realizara estudios musicales y a que fuera un profesional de dicha arte. A pesar de las reticencias de su padre, se inició en el cultivo de la música en su ciudad natal, donde actuó como organista de la catedral. Para complacer a su padre cursó estudios de derecho, que luego abandonó cuando aquel padre murió. En 1703, a los 18 años, partió para Hamburgo, centro cultural muy importante de la Alemania septentrional. Allí, en 1704, actuó como violinista y clavecinista de la Ópera y se inclinó a la composición de óperas. A partir de 1706, visitó Italia, la cual ejerció notable influencia en la obra del compositor alemán. Fue a Florencia, donde compuso decenas de cantatas. Luego de una estancia en Roma y Nápoles y de una corta temporada en Alemania, en 1712 inició su periodo inglés, en el que desarrolló la etapa más importante y productiva de su carrera musical. En Londres alcanzó entonces un notable éxito con su ópera Rinaldo. Posteriormente fue a Hannover donde tomó contacto con el príncipe elector que luego pasaría a ser rey de Inglaterra con el nombre de Jorge I en 1714. Durante varios años se dedicó a la composición de óperas. A partir de 1740 se orientó al oratorio, entre los cuales está su famoso El Mesías, obra que alcanzó éxito extraordinario en su estreno en 1742 en Dublín. El 14 de abril de 1759 este notable compositor murió en Londres.

La obra de Haendel es abundante: más de cuarenta óperas, más de treinta oratorios, numerosas cantatas, abundantes canciones, música de iglesia y una respetable cantidad de música instrumental. Su obra es un importante ejemplo de fusión de las grandes escuelas europeas, en la cual confluyen las tradiciones italiana, alemana, francesa e inglesa. Además de óperas, oratorios y cantatas, Haendel creó abundante música instrumental, obras para el culto religioso, etc.

Sansón (HWV 57) es un oratorio sagrado en tres actos que se estrenó en Londres en 1743. Este largo e intenso oratorio, una de las mejores obras de Haendel, está construido sobre un libreto de Newburgh Hamilton basado en Samson Agonistes de John Milton, quien se inspiró en el Libro de los Jueces de la Biblia. El aria Let the bright Seraphim para voz de soprano es muy virtuosística y emplea un obbligato de trompeta.

Es la última pieza para voz solista y orquesta del oratorio, pues aparece antes de un coro final que cierra el tercer acto y el oratorio.

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Luigi

BOCCHERINI (1743 - 1805) Luigi Rodolfo Boccherini nació el 19 de febrero de 1743 en la ciudad italiana de Lucca. Perteneció a una familia de artistas y desde pequeño recibió clases de violonchelo de su padre, quien, además, tocaba el contrabajo. A los 13 años fue enviado a Roma, donde continuó sus estudios de violonchelo y fue introducido en la composición.

En 1757, luego de terminar sus estudios en la Basílica de San Pedro, viajó con su padre a Viena, donde ambos fueron empleados en el Teatro Imperial. En 1760 publicó su Op. 1: Seis tríos para dos violines y violonchelo. En 1764 volvió a su país natal y decidió emprender una gira con su recién formado cuarteto de cuerdas. Este estaba constituido por él como violonchelista, los violinistas Pietro Nardini y Filippo Manfredi y el violista Giovanni Maria Cambini. Su repertorio incluía principalmente obras del mismo Boccherini y de Haydn, músico a quien admiraba y que influyó en gran medida en su estilo. El cuarteto llegó a París en 1767 y se presentó en la famosa serie de conciertos Concert Spirituel. Boccherini demostró su virtuosismo como intérprete y publicó sus obras, en su mayoría cuartetos y tríos de cuerdas, con lo cual su fama se incrementó. Entonces, el compositor recibió una invitación para trasladarse a Madrid. En dicha ciudad se instaló en 1769, bajo la protección del Infante Luis Antonio de Borbón, hermano del rey Carlos III de España. Se dedicó entonces a escribir música de cámara, cuartetos y quintetos para cuerda, entre otros. Desde 1785, año en que falleció el Infante, hasta 1797, trabajó componiendo para la corte de Federico Guillermo II de Prusia. Tras la muerte de este último, Boccherini encontró la protección del embajador

Lucien Bonaparte, hermano de Napoleón. No obstante, angustiado por la pérdida de sus hijas y su esposa, y enfrentando dificultades económicas, Boccherini vivió una etapa muy difícil. Falleció en Madrid el 28 de mayo de 1805.

Boccherini fue autor de un drama musical, La Clementina; 20 sinfonías; una suite para gran orquesta; cuatro conciertos para violonchelo; 91 cuartetos de cuerdas; 112 quintetos para dos violines, viola y dos violonchelos; 48 tríos para dos violines y violonchelo; 18 quintetos para flauta u oboe y cuarteto de cuerdas; 16 sextetos para varios instrumentos; 12 quintetos para dos violines, dos violas y violonchelo, 21 sonatas para piano y violín y muchas otras obras más.

En 1798, Boccherini tomó los dos primeros movimientos de su Quinteto para dos violines, viola y dos violonchelos (1771), invirtió el orden y les agregó los movimientos iniciales de su Quinteto de 1788. Con esta fusión elaboró una pieza para guitarra y cuarteto de cuerdas: el Quinteto para cuerdas en re mayor N° 4, G. 448.

El Fandango constituye el tercer movimiento de dicha obra, concebida por encargo del marqués de Benavent. Este noble de Cataluña solicitó a Boccherini algunas piezas de cámara que incluyeran a la guitarra, de modo que pudiese lucir su talento con dicho instrumento. Posteriormente, se han elaborado diversos arreglos para conjuntos de cuerdas. El Fandango se desarrolla con una introducción en tempo Grave assai, compás de 4/4 y tonalidad de re mayor. Sin solución de continuidad se pasa al alegre y popular Fandango, el cual cambia a compás de 3/4 y modula

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hacia re menor. Para componer esta danza ligera, rápida y de ritmo peculiar, Boccherini probablemente se inspiró en las interpretaciones del monje guitarrista conocido como “Padre Basilio”. La cadencia de este baile español se repite, mientras los instrumentos se intercalan en la melodía con cada vez mayor velocidad hasta el final.

Según Adelaїde de Place “… con Muzio Clementi (1752-1832)… Boccherini fue el más grande compositor de música instrumental de su generación, y, tras Haydn y Mozart, el más grande compositor de música de cámara de su tiempo”.1

1 En Guide de la musique de chambre. Librairie Arthème Fayard, 1989. p. 132

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Wolfgang Amadeus

MOZART (1756 – 1791) Wolfgang Amadeus Mozart nació en Salzburgo, Austria, el 27 de enero de 1756. Fue el hijo menor de Ana María Pertl y de Leopold Mozart, un músico que prestaba servicios en la corte del Príncipe-arzobispo de Salzburgo. Desde muy niño, Wolfgang mostró su condición de genio musical pues era capaz de interpretar obras leídas a primera vista, de improvisar y de componer.

Consciente de que su hijo era un niño prodigio, Leopold lo llevó de gira por diversas ciudades europeas en las que Wolfgang impresionó a los aristócratas por su habilidad para tocar el clavecín y otros instrumentos. Sus presentaciones públicas empezaron con un concierto en la Universidad de Salzburgo realizado en setiembre de 1761, es decir, cuando tenía cinco años de edad. En enero de 1762, pocas semanas antes de cumplir los seis años, Wolfgang se presentó con su hermana Nannerl en Múnich ante el príncipe elector de Baviera. Unos meses después (setiembre de 1762), toda la familia emprendió un viaje más largo que la llevó a Passau, Linz, Viena y Bratislava. En Viena los hermanos Mozart tocaron para la emperatriz María Teresa y alcanzaron un éxito notable en diversos salones aristocráticos. Los viajes continuaron en los años siguientes pues Leopold supo sacar el máximo provecho de las presentaciones de sus hijos. Múnich, Augsburgo, Mannheim, Maguncia, Frankfurt, Coblenza, Aquisgrán fueron ciudades visitadas por los Mozart, cuyos pobladores tuvieron el privilegio de escuchar a los precoces y talentosos músicos que se dirigían a París. El éxito en Francia fue notable: pasaron dos semanas en Versalles, donde tocaron para Luis XV en varias oportunidades. En París, el niño

Wolfgang publicó cuatro sonatas para clave. Se trataba del caso insólito de un compositor que a tan temprana edad (siete años, dice el texto de la publicación de las sonatas) viera impresas obras suyas (eran las obras K. 6,7, 8 y 9).

Los éxitos continuaron en Londres con conciertos ante el rey Jorge III y la reina Sophie Charlotte, conocedores y amantes de la música, y con difíciles pruebas musicales a las que se sometió Wolfgang, quien las venció con solvencia inexplicable en un niño. Por aquellos tiempos, el joven músico inició la creación de sinfonías y obras vocales. Después de haber pasado quince meses en Londres, los Mozart fueron a los Países Bajos, donde también permanecieron varios meses. Volvieron a París y luego emprendieron el lento regreso a Salzburgo, ciudad a la que llegaron a fines de noviembre de 1766, tras haber estado en Dijon, Lyon, Ginebra, Lausana, Berna, Zúrich, Augsburgo y Múnich. El viaje había tomado más de tres años, durante los cuales el niño Wolfgang había ampliado sus horizontes vitales y musicales. Si bien su padre fue su único maestro, el contacto con artistas de otros lugares resultó muy provechoso para el niño, quien empezó a forjarse una voz propia en el terreno de la composición. En la estancia en Londres había conocido a Johann Christian Bach, de quien recibió una fuerte impresión e influencia. Los tres viajes que posteriormente realizó a Italia dejaron en él nuevas enseñanzas. Muy útiles le fueron los contactos con Sammartini y, en especial, el Padre Martini, con el cual trabajó el contrapunto. El interés del joven Mozart por la ópera se acrecentó

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por esa época y obras suyas de ese género se estrenaron con éxito en Milán en 1771 (Ascanio en Alba) y en 1772 (Lucio Silla).

En 1773, de vuelta a Salzburgo, empezó Wolfgang Mozart a trabajar en la corte del nuevo Príncipe-arzobispo, Hieronymus von Colloredo, con el cual nunca mantuvo relaciones muy armoniosas.

Nuevos viajes lo llevaron a Múnich, Viena, Augsburgo y Mannheim, ciudades en las que se sentía libre de su tiránico empleador de Salzburgo. En 1778 se dirigió a París cargado de esperanza en compañía de su madre. Sin embargo, esta murió sorpresivamente, lo que sumió a Wolfgang en una crisis seria ahondada por la indiferencia de quienes de niño lo habían tratado con tanta benevolencia. Vuelto a Salzburgo en 1789, obtuvo el puesto de organista de la corte de su antiguo amo. Pronto las tensiones se agudizaron tanto, que el joven músico decidió trasladarse a Viena (1781).

En 1782, sin el consentimiento de su padre, quien había desempeñado por años un papel importante en el rumbo de la vida de Wolfgang, este se casó en Viena con Constanze Weber. Dos años después, encontró en el movimiento francmasónico la acogida de la que no había disfrutado durante los años de profundo aislamiento en el que se encontraba como artista, según ha hecho notar Alfred Einstein en su famoso libro sobre Mozart.1

orquesta, abundante música de cámara, obras corales, canciones, etc. W.A. Mozart se inició en la composición de óperas cuando era adolescente. En este género cultivado a lo largo de su breve vida, alcanzó algunos de sus mayores logros artísticos, como Las bodas de Fígaro (estrenada en 1786), Don Giovanni (estrenada en 1787), Cosí fan tutte (estrenada en 1790) y La flauta mágica. Esta última se presentó por primera vez el 30 de setiembre de 1791, muy poco tiempo antes de la muerte del compositor. Dicha obra, con texto alemán de Emanuel Schikaneder, es un Singspiel constituido por dos actos que, en conjunto incluyen una obertura y 21 números. El 14 de estos, y que forma parte del segundo acto, es una brillante aria entonada por la Reina de la Noche que empieza su canto con las palabras Der Hölle Rache kocht in meinem Herzen (La venganza del infierno hierve en mi corazón), las cuales muestran el apasionamiento de dicha soberana. Según señala Alfred Einstein, “después de la época de tolerancia, bajo (el emperador) José II, para con los “hermanos” (masones), se había iniciado, bajo Leopoldo II, la reacción, y comenzaron nuevamente las persecuciones secretas y las represiones. La Reina de la Noche era María Teresa, madre de Leopoldo… La flauta mágica era una obra de rebelión, de consuelo y de esperanza. Sarastro (el rival de la Reina de la Noche) y sus sacerdotes son los representantes de esta esperanza en la victoria de la Luz, de la Humanidad, de la Fraternidad de los humanos”.1

En los años siguientes, a pesar de la creación de grandes obras maestras, algunas de las cuales lograron impresionante acogida, como las óperas Las Bodas de Fígaro y Don Giovanni, en sus estrenos en 1786 y 1787 en la generosa ciudad de Praga, la vida de Mozart se volvió difícil. Una economía precaria y una salud cada vez más deteriorada lo hicieron padecer intensamente hasta el momento de su muerte, la que se produjo en Viena en la noche del 4 al 5 de diciembre de 1791, cuando este genio contaba solo 35 años.

Aunque su vida fue breve, la obra de Mozart es amplísima y abarca una gran variedad de géneros: óperas, música sacra, sinfonías, conciertos para instrumento solista y acompañamiento de

1 Alfred Einstein. Mozart. Buenos Aires: Espasa Calpe Argentina, 1948. p. 464.

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Antonin^

DVORÁK (1841 – 1904) Nacido el 8 de setiembre de 1841 en Nelahozeves, Bohemia, en la actualidad República Checa, Dvorák pertenece a uno de los florecimientos nacionalistas de la música en Europa, perfilado en el esfuerzo que realizaron algunos músicos checos para afirmar y singularizar el carácter de sus cantos populares frente a la música alemana predominante en su país durante siglos.

En este movimiento artístico, Dvorák se vincula gloriosamente a la labor de Bedrich Smetana, con quien constituye la avanzada de una escuela musical de las más interesantes. A los 16 años dejó la provincia para ir a Praga desafiando las circunstancias más adversas. Sin dinero ni protectores que le facilitaran sus estudios, pero amparado en sus excepcionales aptitudes, ingresó como violinista en una pequeña orquesta, al mismo tiempo que tomaba lecciones en la escuela de organistas. Después de algunos años, alcanzó la protección de Smetana, director de la Ópera Nacional Checa, quien difundió las primeras obras del joven instrumentista, las que le dieron un rápido renombre. Como consecuencia de ello, el gobierno le destinó una renta vitalicia con la que se puso a salvo de las restricciones económicas que tanto habían amargado su primera juventud. Más adelante, Dvorák llegó a desempeñar la función de director del Conservatorio de Nueva York por tres años.

Entonces entró en contacto con la música popular de América del Norte, principalmente con el folclore negro del que tanto partido habría de sacar en algunas composiciones. Regresó a su país natal y falleció en Praga el 1 de mayo de 1904. ^

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Dvorák compuso ocho óperas, nueve sinfonías, música para piano, lieder, coros y otras obras de casi todos los géneros musicales. Especialmente notable es la habilidad con que maneja los timbres de la orquesta. Si bien en sus primeras obras se percibe la influencia de Smetana, Liszt y Wagner, en las siguientes se puede observar el desarrollo de un estilo bastante personal que conjuga lo clásico y lo moderno, lo culto y el folclore checo.

Entre sus obras de cámara, destacan el sexteto op. 48, los tríos Op. 65 y op. 80, el quinteto op.

81 y sus numerosos cuartetos de cuerdas.

1875 fue un año especialmente fructífero para este gran autor checo: nació su primer hijo y empezaba a ser reconocido como compositor.

Recibió en Viena un generoso sueldo por parte de una comisión conformada por músicos como Brahms. Gracias a este ingreso, pudo componer su Sinfonía N°5, así como numerosas obras de cámara.

La Serenata para cuerdas en mi mayor, op.

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Se estrenó en Praga el 10 de diciembre de 1876, bajo la dirección de Adolf Cech y una orquesta integrada por miembros de las orquestas del Teatro Alemán y del Teatro Checo. La obra se inicia en la tonalidad de mi mayor y tempo Moderato en compás de 4/4. Los violines y los violonchelos presentan el tema principal, mientras las violas marcan un ritmo de corcheas. Luego, el movimiento modula hacia sol mayor y se desarrolla un nuevo tema que se asemeja a una danza

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llena de delicados ritmos punteados. Finalmente, se retorna a mi mayor y al tema principal.

El segundo movimiento, Tempo di Valse, en modo menor y compás de 3/4, es un vals dulce y nostálgico que recuerda a Chopin. Tiene una parte central, Trio, en re bemol mayor. El tercer movimiento es un vivaz Scherzo en fa mayor y compás de 2/4, cuyo único tema se desarrolla en diferentes tiempos. Esta pieza, luego de modular, vuelve a la tonalidad de fa mayor y concluye con una coda.

Larghetto, en compás de 2/4, cuarto movimiento, es la sección en la que afloran las emociones más profundas de la serenata. Esta es una pieza con aire de nocturno que presenta una melodía pausada y romántica, con reapariciones del tema del Tempo di Valse. En la parte central de esta pieza aparecen 21 compases en tiempo un poco más movido, a los que sigue una vuelta al tempo lento inicial.

En el quinto y último movimiento, Finale, en compás de 2/4, asoman reminiscencias de los anteriores en tempo Allegro vivace. Esta animada parte, que evoca el espíritu de una danza bohemia, en un momento cambia tanto de compás, pasa a 4/4, como de tempo, se vuelve moderato. Luego de 15 compases, la pieza se cierra con una coda de 35 compases en ritmo de 2/4 y tempo presto que culmina con tres acordes en mi mayor.

Carlos Gatti Murriel Profesor del Departamento de Humanidades de la Universidad del Pacífico y del Departamento de Humanidades de la PUCP.

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AVI AVITAL

VENICE BAROQUE ORCHESTRA “Avital se aproxima a la música de Vivaldi como si se tratara de un clásico del rock, y por momentos se siente como si su mandolina fuera a estallar en llamas.

Es algo emocionante. . .”

Classic FM (Londres)

Jueves 23 de junio

7:45 p.m. Auditorio Santa Úrsula

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