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Contenido

No. 284, abril 2022

30.

Al ver a Elvis Presley en un

programa en televisión a una edad temprana, Tobby Scott decidió tocar la guitarra y el piano. A mediados de los setenta comenzó a producir y grabar a varias bandas locales y a trabajar en varios estudios de grabación, hasta que conoció a Bruce Springsteen, con quien trabajó durante

38

años,

álbumes

tan

memorables

produciendo como

“Born in The U.S.A.”.

Por Nizarindani Sopeña

6. Detrás del micrófono

18. Universo sonoro

56. Un encuentro con

Combo Movox, apuesta sonora combativa

Conversaciones sobre el arte de arreglar (Parte 1)

Jonathan De la Peña: dedicación total

Por Mario Santos

Por Juan Carlos Flores

42. Clásicos de la ingeniería en audio Consolas analógicas y ecualizadores clásicos

22. Columna invitada

Por Néstor Iencenella

El sonido de la armónica en el estudio Por Ferrer León

26. Educación

44. Tecnología y producción musical Yamaha: una historia de innovación en teclados Por Salvador Govea

Centro de Creadores Musicales, estudios validados

36. Primer lugar Concurso Reseña musical

48. Educación Universidad Anáhuac: el entretenimiento es algo serio Además

/ Plataforma escríbele.com La Novena, Beethoven, mi padre y mis alegrías Por Rafael Torres Meyer

10. Nuevos productos 52. Notas del Medio 58. Avances sound:check Xpo. ¡El show continuará!

Foto de portada: Cortesía Toby Scott

La industria de la música y el espectáculo

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sound:check

EL SHOW DEBE CONTINUAR Domingo

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Lunes

4

Martes

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REGISTRO EXPO VIRTUAL

abril

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SoundcheckXpo

E DI TOR I AL DIRECTORIO Dirección Jorge Urbano

Editora y copywriter Nizarindani Sopeña

Diseño

P

Héctor Barrera

arece que no ha pasado tanto tiempo y estamos a dos años de que la Industria de la Música y el Espectáculo tuvo un giro completamente inesperado; algo que nunca nos hubiéramos imaginado pasó y todos tuvimos que reinventarnos, pensar en muchas otras formas de continuar y trabajar, más de lo que hubiéramos imaginado, para

salir de una crisis que hasta ahora parece que se va resolviendo.

En Musitech Ediciones y Eventos todos estos meses han sido vertiginosos; no nos quedamos atrás y pensamos en múltiples soluciones para salir airosos del paro que significó una contingencia sanitaria mundial en todas las áreas de la economía, de la que el medio de la producción de espectáculos no se libró y que de hecho apenas está viendo una salida.

Staff Editorial Marisol Pacheco

Administración Beatriz Camacho Daniel Villavicencio Fabiola Nájera

Ventas y Mercadotecnia Claudia Pérez

Content Marketing Natalia Urbano

Digital Marketing Chief Edith García

Por supuesto, esto significó que nuestra querida sound:check Xpo no pudiera realizarse durante dos años y que no fuera sino hasta ahora que podemos decir que hemos regresado.

Con gran felicidad, el evento más importante de esta Industria, no sólo en México, sino en Latinoamérica, vuelve a invitarlos para que juntos reactivemos nuestro gremio. Los días 3, 4 y 5 de este mes, el World Trade Center Ciudad de México abrirá sus puertas para que nos volvamos a ver y seamos testigos de los más de once mil metros cuadrados de exhibición, 320 marcas de diversas latitudes, más de 200 stands, 9 salas demo, 6 salas de capacitación y un auditorio que el evento tiene para todos los visitantes.

Telemarketing José Luis Careaga

Corresponsal Guadalajara Juan Carlos Flores

Internet www.soundcheck.com.mx info@musitech.com.mx

Teléfono (55) 5240 1202

Tres masterclasses se llevarán a cabo durante estos días, conjugando experiencia y juventud en las pláticas de Ely Guerra, Toby Scott (ingeniero y productor de Bruce Springsteen durante 38 años), y Paulina Villarreal, baterista de la banda The Warning, así como un programa de capacitación y actualización muy completo en todas las áreas de nuestro interés.

Además, sound:check Xpo evoluciona y en una muestra de expansión para todo el mundo, tendrá una edición virtual, en la que se podrá tener contacto con expositores y se podrá hacer el tan necesario networking, ofreciendo un evento híbrido al que se podrá acceder desde www.soundcheckexpo.com.mx, sitio donde pueden registrarse también al evento presencial.

Revista mensual. Año 24, No. 283.

Editor responsable: Jorge Raúl Urbano Calva.

Número de Reserva al Título de Derecho de Autor: En tramite. ISSN: 1665-8949. Distribuido por medios propios. Editado por Musitech Ediciones y Eventos, Jinetes 47, Fracc. Las Arboledas, C.P. 54026, Tlalnepantla, Edo. de México. Miembro de la Cámara Nacional de la Industria Editorial Mexicana No. 3327.

Hecho en México con orgullo.

Ya estamos listos para vernos y darnos cuenta, una vez más, de que la Industria de la Música y el Espectáculo es nuestra razón de ser. ¡Los esperamos con todo el gusto para seguirnos reactivando!

Orgulloso miembro

Nizarindani Sopeña twitter: @soundandvision7 Instagram: Nixsopena

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Detrás del micrófono

Combo Movox, apuesta sonora combativa

F

ormado por Zaira Franco y Rafael González (Baraja, Botellita de Jerez, el Sr. González y Los cuates de la chamba), Combo Movox es la aventura a dúo en la que el músico atiende nuevamente su faceta como productor, en sociedad con Leo Granados para las tareas de grabación y mezcla.

Creatividad en tándem Combo Movox concibe canciones combativas y amorosas con arreglos que invitan al baile y el disfrute, entre guiños que mezclan rock, funk y reggae; el Sr. González habla de cómo surgió todo: “A Zaira Franco la conocí en un concierto de Fratta donde fue como invitada; hicimos buena química en términos musicales y admiré su forma de cantar. Pasaron los años y un día le pedí que armáramos algo juntos para moverme de ser el frontman y pasarme a una posición de organización, composición y producción, con ella como frontgirl. Se lo propuse y le enseñé cuatro canciones que le gustaron y así salió el primer EP, a finales del 2018, aunque se empezaron a promover en 2019”.

En la segunda mitad de 2019 se inició la grabación de nuevos temas en Área 51, un espacio del estudio de Leo equipado para mezclar en 5.1 (conocido antes como Subsónico y hoy Imagen Sónica) donde Leo y Rafa han trabajado desde los años 90. “Esas canciones habían tenido un trabajo a la distancia, como el bajo de Fratta y los teclados de Eduardo, que vive en Tepoztlan, y la voz y la batería las capturamos hasta entrar al estudio. Además de ellos, están Santiago Ortiz en la batería (Mon Laferte y Jenny and the Mexicats), Iker Moranchel en

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Detrás del micrófono

“La decisión de lo que se hace en el home studio o en el estudio profesional es la parte que como músico y compositor balanceo, porque ya estoy produciendo desde el momento en que compongo y pienso en procesos para definir cómo quiero que suenen las cosas”. Rafa González. la guitarra (Macario, Rabia, Tributo a David Bowie junto a Alfonso André) y también fue ingeniero de sala con Botellita de Jerez”, señala Rafa.

“Ahora se trabaja más en ese formato híbrido porque ha cambiado todo, una parte la hicimos en estudio usando micros como el U87 para grabar voces que los hemos usado toda la vida y en todas las producciones. Lo que ocurre es que hoy es raro quien no tiene sus interfaces y la compu, cada quien graba como puede y ya luego vamos al estudio a hacer cosas muy específicas”, añade Leo. Para Rafa, el criterio como productor se basa en la relación calidad y lo que haces para bajar costos, algo que hoy permite la tecnología: “Esa decisión de qué vamos a ir a hacer al estudio y qué en estudios personales es la parte que como músico y compositor debo balancear, porque ya estás produciendo desde el momento en que estás componiendo y pensando en procesos para definir cómo quieres que suenen las cosas”.

Esa tarea la realiza principalmente en Pro Tools (grabación y edición de audio) y para secuenciar, Reason, más sus teclados: “Un MS2000 de Korg, un piano Yamaha y un Casio que me resultó muy práctico porque es muy ligero, tiene buena calidad de sonidos y percusiones, es el que uso en vivo. Tengo una cabina con ciertas condiciones controladas para grabar, pero con partes como los coros voy al estudio para que se haga con un buen micrófono”, señala Rafa.

Las cosas que se grabaron en el estudio también se mezclaron allá y de esa labor, el dúo creativo relata: “Jugamos muchos con las mezclas para recrear un espacio mediante efectos y los planos que les vas a dar. Nos gusta generar espacios imposibles, combinar algo muy seco con algo muy espaciado, cosas que en la realidad no sucederían, pero que en el terreno de las grabaciones y los discos son muy sabrosas cuando las escuchas y que es una forma de creatividad”, afirma Rafa.

Relación de antaño con la tecnología Rafa y Leo fueron de los primeros en usar Pro Tools y actualmente, en el estudio tienen preamplificadores API, AMEC, Universal Audio.

“Tenemos micrófonos Neumann U87, Sennheiser 421 y tengo mi propio subkick que ya se ha convertido en el sello de mi sonido.

Para Combo Movox grabamos la sección de metales y la batería en una área grande de afuera y con la pura reverb del cuarto sonó muy bien. Rafa grabó sus congas y quedaron sonando más seco, así que tenemos el reverb natural de la batería y los metales y otras cosas que están secas y luego la voz doblada y con delay, lo que nos deja jugar, como dice Rafa, con los espacios imposibles a la hora de mezclar”, comenta Leo Granados.

Leo Granados Sr. González

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Detrás del micrófono

“La voz de Zaira se grabó con el U87, pero cuando vamos a hacer doblajes puedo tener uno o dos micros diferentes, por ejemplo, un SM58 de Shure y un D112 de AKG que no sería el principal para una voz, pero para los doblajes funciona muy bien, para obtener diferentes texturas. Y lo mismo aplicamos con los amplificadores de guitarra, lo que funciona muy bien, porque es fácil diferenciarlos en la mezcla. Desde la captura ya puedes ir dando diferenciación en el sonido”, detalla Leo. La mezcla tuvo dos momentos, pues se realizaron dos bloques de grabación, como comparte Rafa: “En las canciones más recientes, la hicimos casi saliendo de grabar para no perder inercia de todo el proceso. Hay mucho trabajo que hago de post producción para llegar a la mezcla: afino voces, pongo cosas a tiempo cuando no lo están, detalles que sí elaboro para que la mezcla fluya”.

Por su parte, durante la mezcla, Leo atiende la limpieza de audios y edición de ítems como tambores, batería y las correcciones: “luego nos juntamos para mezclar con algunos criterios y tengo oportunidad de hacer propuestas. Hay un tiempo que yo trabajo solo y después llega Rafa a ver cómo se escucha. Tendemos a mezclar muy grave las bases rítmicas y, cuando hacemos mastering -que lo hace Felipe Kobeh en el estudio-, ya tiene un punto de partida muy claro. Normalmente cuando estoy mezclando, tengo un plugin masterizador y lo prendo y apago para ver cómo se traduce. Al llegar al estudio a escuchar la master es justo lo que me imaginé; la mezcla se abrió a cómo venía originalmente”.

Un factor a destacar de la forma en que se grabó una parte de percusión fue el ensamble de cajones que se hizo en los estudios del TEC de Monterrey, parte de las experiencias que los alumnos reciben como práctica real en las clases que ahí imparte Leo: “Rafa quería hacer un ensamble de cajones

Zaira Franco grande, grabamos ocho y quería hacerlo en sección. Lo hicimos en el TEC porque puedo llevar invitados y los chicos adquieren experiencias reales de trabajo. Se armó un semicírculo de los cajones y todos están doble o triplemente microfoneados, de modo que llegaron a 110 canales, aunque al principio y iba a ser algo sencillo”, apunta Leo.

Con el regreso a los escenarios en una presentación del proyecto en el Foro Hilvana en la capital del país el mes pasado, Combo Movox suma su propuesta a la dinámica de entrega por sencillos, acompañándolos de material visual que termine de dar contexto al momento de cada canción. Rafa y Leo concluyen: “Hay un interés por escuchar con calidad; hubo una especie de valle después de los años noventa por todo lo que trajo el mp3 y lo digital, pero hoy me parece que hay más disposición para escuchar la música con mayor calidad. Los melómanos existen y quieren escuchar bien”.

Bien, Combo Movox es para ustedes.

Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

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Nuevos Productos ESTUDIO

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Nuevos Productos EScenario

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Nuevos Productos DJ

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Martin Versión 5.3.0 del software Controlador del sistema P3 Incluye más de 30 actualizaciones y mejoras significativas para toda la familia de controladores del sistema Martin P3. Presenta una larga lista de nuevas funciones que benefician a los productos más nuevos, como MAC Aura PXL, MAC Ultra y VDO Atomic Bold, así como a los productos clásicos de Martin, incluidos VDO Sceptron, Exterior PixLine y VDO Fatron.

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Nuevos Productos Backline

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Hermes Music. Tel. 55 5002 2200 www.hermes-music.com.mx www.presonus.com

Gibson Guitarra acústica SJ-200 Elvis Presley era propietario y usuario frecuente de múltiples guitarras acústicas Gibson SJ-200 y esta nueva versión se basa en una guitarra que le regalaron al Rey del Rock and Roll en una sesión de grabación en el Estudio B de RCA en Nashville a mediados de la década de 1960. Usó la guitarra para numerosas presentaciones en vivo y Elvis se la regaló a su ayudante y amigo cercano Marty Lacker en Graceland en 1976. Tiene un fondo, aros y mástil de arce y las incrustaciones de nácar, además de estar equipada con una pastilla LR Baggs VTC. Se incluye un estuche rígido.

Eusica. Tel. 551991 2887 eusica.mx www.gibson.com

Orange Pedal para guitarra Guitar Butler Diseñado para dar a los guitarristas un servicio integral a su cadena de señal, este pedal puede utilizarse de forma independiente o como parte de un equipo. Es ideal para los músicos que buscan obtener tonos de preamplificador de su pedalera directamente en una combinación de amplificador de potencia y gabinete de altavoz o en un sistema de PA y ha sido creado para facilitar la colocación de los pedales en la parte delantera; tiene controles de medios y delanteros superiores en su pila de tonos y el control preciso que ofrece su ecualizador agrega más calidez.

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Por Mario Santos*

Universo sonoro

Conversaciones sobre el arte de arreglar (Parte 1)

C

uando tuve veinte años, soñé con la idea de estudiar en Berklee College of Music. Existían otras opciones similares, como la Manhattan School of Music, e incluso la célebre Julliard, en el caso también muy probable de decidirme por estudiar y dedicarme a la música de concierto. Sin embargo, el destino fue tajante conmigo en ese momento cuando, debido a una severa devaluación que se produjo en México en aquellos años, perdí la alternativa de estudiar en el extranjero. Muchos años después, gracias a una oportunidad y porque la vida parece ser a veces una rueda que gira de manera impredecible, llegué a Berklee a capacitarme en distintas áreas como docente y administrativo académico.

El destino me indicó una vez más que si Berklee tenía algún capítulo en mi vida, sería de esta forma y no como había yo creído muchos años antes.

Aprendizajes de gran valor Un día, estando ahí, busqué con especial dedicación a un señor llamado Ken Pullig, uno de los pioneros en el desarrollo de las materias de arreglo en Berklee, a quien yo conocía no en

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La industria de la música y el espectáculo

persona, pero sí por haber leído sus métodos; años atrás, yo había estudiado unos apuntes que conformaban sus principios de arreglo para Big Band con un trombonista americano llamado John Hager, que vivía en la Ciudad de México. Estas clases con John Hager sucedieron en un singular salón de clase: una famosa cafetería junto al Sindicato de Músicos; mi pupitre era una mesa cubierta con dos manteles de papel que mostraban ofertas de unas enchiladas verdes o un pay de limón con café por 23 mil pesos (hay que recordar que en esos tiempos en México no se le habían quitado tres ceros al viejo peso).

Sin internet, en esas épocas era muy difícil encontrar información. Estos apuntes que me fueron dados como fotocopias por mi maestro John, estaban diseñados como un cuaderno de trabajo, con ejemplos musicales escritos a mano sobre un pentagrama y los textos con una máquina de escribir, con el típico y viejo estilo gráfico que después se llamó font Courier 12, gracias a uno de los pasatiempos favoritos de Steve Jobs, que era la caligrafía. En esos viejos apuntes, ya amarillos por el tiempo y que aún conservo, aprendí a analizar las notas Dr. Krápula

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Universo sonoro

que forman una melodía, partiendo de los conceptos básicos de la improvisación en el jazz. Ken Pullig mencionaba que en toda creación melódica, acompañada por una armonía, las notas se clasificaban en ciertas categorías que él describía ahí, te enseñaba a armonizarlas y a distribuirlas en la sección de metales, estudiando igualmente pequeñas fórmulas melódicas típicas del lenguaje improvisado del jazz. Ahí comprendí la formación básica de los acordes y sus extensiones llamadas tensiones, que ya usaba yo de manera empírica en la música popular. Así, estudié los principios de la instrumentación y logré analizar también un par de arreglos completos de este gran músico.

Lo que nunca había podido preguntarle a nadie era lo siguiente: ¿Qué sucede en la cabeza de un músico y cómo concibe un arreglo, composición o idea musical en la cabeza, a reserva de las técnicas que utiliza para orquestarlas? Aquella vez que lo tuve frente a mí, habiéndole ya contado que hacía años conocía su método, le disparé la pregunta. Sentado en su escritorio como un respetable chairman del departamento de arranging, Pullig me contestó en inglés sonriendo: “No tengo idea, mis métodos describen una parte teórica del proceso, que aún siendo muy técnica y concreta, nunca es igual; la otra parte, que es la fuente de donde se me ocurren las cosas que escribo,

son un misterio para mí”. Con esta respuesta y no habiendo escuchado lo que yo quería, me puse a trabajar, investigar y experimentar solo.

Estar del otro lado Hoy, después de varios años de trabajo en la materia, me enfrento en las distintas pláticas, diplomados y clases que doy, a la misma pregunta, pero ahora soy yo a quien muchas personas le exigen responderla. Siempre mantengo en mi mente la objetividad para entender que una cosa es la música que escribo por encargo, donde hay necesidades específicas, algunas o la mayoría no determinadas por mí, donde hay que cumplir y satisfacer necesidades específicas para tener éxito en la tarea, y otra muy diferente es escribir para mí, por la simple necesidad de componer y arreglar, donde la tarea está determinada por mis propias necesidades, mis caprichos estéticos, mis búsquedas expresivas y mis propias limitaciones.

Para encontrar una coherencia en esto, describiré poco a poco las ideas generales que sigo al componer música y escribir un arreglo, teniendo por entendido que jamás pueden considerarse como reglas y que existen otros factores como parte del proceso que definitivamente no puedo explicar.

En esos viejos apuntes, ya amarillos por el tiempo y que aún conservo, aprendí a analizar las notas que forman una melodía, partiendo de los conceptos básicos de la improvisación en el jazz.

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Universo sonoro

La música se manifiesta por medio de fenómenos sonoros; un compositor crea algo partiendo de una necesidad interna de expresarlo y utiliza ciertas herramientas musicales para obtener un resultado determinado que lo satisface. A través del tiempo, los músicos han intentado proponer el control de estos procesos creativos a través de reglas, técnicas y observaciones, con el objeto de que al aplicarlas, una persona que aprende estos principios logre obtener un resultado musical coherente, estético y satisfactorio, por lo menos para el compositor. La música es una representación sonora y abstracta de una idea, de una emoción determinada, es un reflejo del pensamiento musical del compositor y sus emociones.

Las reglas son un cuerpo de conocimientos que a muchos se nos antoja no seguir: a quienes tenemos alma de piratas, a quienes nos aburre el sentido común y sobre todo porque parece más sencillo no seguirlas. Sin embargo, yo prefiero en primer lugar llamar a las reglas criterios; así no parecerá un delito decidir un día no seguirlos, porque como en todo arte, no existen leyes absolutas que puedan dictarnos el camino creativo. Estos criterios ayudan a tener un punto de partida, y esa es para mí una de las condiciones mas importantes, pero no la única, para comenzar a crear algo.

Es músico, pianista, compositor y productor musical mexicano con 35 años de experiencia en el medio musical contemporáneo. Ganador de un Latin Grammy como productor musical, ha sido director y arreglista en múltiples proyectos y con diversos artistas: Natalia Lafourcade, Café Tacvba, Filippa Giordano, Gustavo Dudamel, Eugenia León, Cecilia Toussaint y Fernando de la Mora, entre otros. Ha sido compositor para diversos proyectos de cine, teatro y danza y es fundador de CCM Centro de Creadores Musicales, pedagogo, conferencista e importante impulsor de la educación musical en México.

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Columna invitada

Por Ferrer León*

El sonido de la armónica en el estudio

L

a armónica es un instrumento musical bastante conocido gracias a su participación en géneros como el blues, rock, folk, country, jazz o música clásica; sin embargo, en nuestra cultura musical no cuenta con la misma popularidad que tiene una guitarra o un piano, y debido a ello, existe un gran desconocimiento acerca de la amplia aplicación con la que cuenta, ya que es posible utilizarlo en virtualmente cualquier género musical.

De gran versatilidad Gracias a esta característica, a través del tiempo se han desarrollado diferentes técnicas para obtener una amplia gama en el sonido de la armónica, las cuales han ido evolucionando al punto de contar con tantas combinaciones posibles como se puede imaginar. Por ello decidí compartir algunas de las técnicas generales que comúnmente se utilizan en el estudio de grabación, con la finalidad de ampliar el panorama de sus posibilidades sonoras.

Antes de comenzar con los aspectos técnicos, quisiera mencionar que en el desarrollo de este articulo fui muy bien acompañado y me fue posible conocer más a profundidad los aspectos sonoros muy específicos que prefieren los profesionales de este instrumentos, así que, en conjunto con mi experiencia, obtuve un panorama muy completo que deseo sea de utilidad.

En primera instancia, nos visitó en AntenaStudio Ángel Vera, armonicista profesional en España, quien cuenta con una muy amplia experiencia y además es fundador de la escuela de armónica en línea mas importante de habla hispana: Harpvard. En su reciente gira por Latinoamérica, titulada “Soplatour 2022”, nos visitó para realizar algunas grabaciones para producciones del país ibérico y de Ciudad de México, así como para participar en una live session. Ángel es muy flexible al buscar su sonido en el estudio y prefiere trabajar con amplificación de bulbos y micrófonos tipo bullet, aunque está siempre abierto a las posibilidades de emulación de los plug ins y micrófonos de condensador en soporte, además de que gusta de grabar con su micrófono bullet Hohner Ángel Vera sound:check

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La industria de la música y el espectáculo

Columna invitada

Los bullet, micrófonos dinámicos muy conocidos entre los armonicistas, no se prestan para trabajar con este sonido en todos los géneros musicales, pero también pueden usarse micrófonos de condensador en un soporte, dando muy buenos resultados en estudio

HB52 Harp Blaster, dispositivo de mano para armónica que se encierra en las manos junto al instrumento, dando un sonido muy cerrado y presente, ya que la proximidad siempre será extremadamente corta y similar en todos los pasajes.

Los bullet, micrófonos dinámicos muy conocidos entre los armonicistas, no se prestan para trabajar con este sonido en todos los géneros musicales, pero también pueden usarse micrófonos de condensador en un soporte, dando muy buenos resultados en estudio. El bullet es muy utilizado en el blues, mientras que en el jazz, pop o clásico, es más utilizado el micrófono de condensador en un soporte.

Por otro lado, es de vital importancia tener en cuenta los aspectos distintivos del instrumento en sí mismo, ya que una armónica cuenta con un rango de frecuencia que oscila entre los 65 Hz y hasta los 15 Khz, donde el rango de las fundamentales se encuentra alrededor de los 65 Hz y los 2.93 kHz, dejando el rango de los armónicos alrededor de los 131 Hz y hasta los 15 Khz, información vital para saber con qué tipo de micrófono trabajar, ya que éste será la condición necesaria para cubrir el espectro general del instrumento y con la selección de la microfonía indicada es posible capturar el sonido completo de la armónica en sus 3 octavas.

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Columna invitada

A tomar en cuenta Lo recomendable, refiriéndonos al patrón polar del micrófono, será un cardioide, debido a que el instrumento en sí mismo, suele tener un registro alto. En este tipo de microfonía se puede sacar provecho del efecto de proximidad, fenómeno que incrementa las bajas frecuencias de la fuente cuando la cercanía al dispositivo es mucha y de esa manera es posible obtener un sonido con más “cuerpo”. Aunque es un método muy utilizado, también cuenta con algunas desventajas; por ejemplo, al tener el micrófono cubierto con las manos y muy cerca del instrumento, también se hace muy sensible a los sonidos de la garganta u otros artefactos sonoros, además de que el trémolo de mano o el wah wah, efectos realizados con las manos por los armonicistas, no son tan expresivos, ya que la microfonía se encuentra justo por la parte interior y no por fuera, que es por donde realmente se perciben mejor este tipo de técnicas. Es por ello que la microfonía depende mucho del estilo que se persiga en cada producción.

Cuando trabajamos con amplificador en el estudio, se deben considerar también otros factores de relevancia; por ejemplo: normalmente el tipo de amplificación que se utiliza para las armónicas es muy similar al de guitarra; de hecho, muchos armonicistas utilizan amplificadores de guitarra para este fin, pueden utilizar bulbos para generar la distorsión, o hay algunos que prefieren usar pedales de distorsión en su cadena sonora. Algo importante a considerar es que los amplificadores de guitarra suelen atenuar los agudos naturalmente, de tal manera que se puede compensar muy bien la parte en la que los armónicos del instrumento suelen brillar más, dando un tono no tan irritante.

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Si estamos trabajando con amplificador, lo común es microfonearlo igual que una guitarra, buscando siempre la mejor posición del micrófono, que nos permita conseguir lo que se está buscando: un sonido más cálido o más brillante y demás.

Hay ocasiones en las que la combinación de varios micrófonos enriquecen aun más la señal de la armónica; por ejemplo, al colocar un micrófono al frente de la bocina del amplificador, otro en la parte trasera y uno más a la distancia para hacer la función del micrófono ambiental, tendremos un sonido muy completo al ajustar las fases y mezclarlos, ya que nos permite manipular todo el espectro por separado y de esa manera manejar cada rango de manera independiente y a voluntad.

En cuanto a los efectos más convencionales a usar en la armónica, suelen ser un poco de compresión y ecualización, cuidando principalmente obtener más cuerpo y controlar el rango de los agudos, para evitar que éste sea irritante. La distorsión, la reverberación y un delay SlapBack suelen ser de los más empleados, aunque no está demás experimentar con cualquier otro que se les ocurra, como octavadores, chorus, flanger y otros, con la finalidad de ampliar las posibilidades sonoras.

Para complementar, en una conversación exclusiva para este artículo con el Maestro Rafa Salgado, “Wea”, armonicista de El Tri y que ha colaborado con artistas como Enrique Bunbury, Miguel Ríos, Moderatto, Cuca, Emmanuel y Billy Branch, entre muchos otros de talla internacional, comenta que su manera preferida de producir la armónica en el estudio es a través del amplificador. Entre sus preferidos (dependiendo del género),

Columna invitada

En cuanto a los efectos más convencionales a usar en la armónica, suelen ser un poco de compresión y ecualización, cuidando principalmente obtener más cuerpo y controlar el rango de los agudos, para evitar que éste sea irritante. están los Mesa Boogie Mark 3 y Mark 5, el clásico Fender Twin y el Orange, así como los micrófonos Beyerdynamic M88 y sus propios efectos reverb, Mako Delay analógico y distorsión MXR. El Maestro Wea cuenta con una colección impresionante de armónicas en tonalidades especiales que le permiten jugar con los colores y acomodar su gran estilo a diferentes géneros musicales. Gracias a ello, en las producciones en las que ha participado, queda de manifiesto su sello y buen gusto musical.

Esperamos que estas generalidades les sean útiles y experimenten por ustedes mismos la armónica en el estudio, además de que consigan enriquecer su producción con un sonido perfecto de este pequeño, pero poderoso instrumento, y no duden en compartirnos su experiencia. ¡Hasta la próxima!

*Es productor musical, ingeniero en audio y músico y cuenta con 25 años de trayectoria en diversas áreas de la producción, participando en diferentes proyectos dentro y fuera de México, que abarcan música regional, pop, jazz, rock y orquestas sinfónicas, así como música para empresas y soundtracks. También está a cargo de la producción de audio en la Dirección de Innovación de la Secretaría de Educación Pública. Es miembro votante de los Latin Grammy y cuenta con su propio estudio de grabación, AntenaStudio, en Guadalajara, Jalisco. Pueden encontrarlo en: ferrer@antenastudio. com y www.antenastudio.com

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Educación

Centro de Creadores Musicales, estudios validados

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Fotos: Alfonzo Gómez

on poco más de seis años de existencia, el Centro de Creadores Musicales (CCM) fundado por Mario Santos, añade un peldaño a su misión de ser un lugar formativo de vanguardia al cumplir con la Certificación de Validez Oficial por parte de la Secretaria de Educación Pública para sus licenciaturas.

“Luego de dos años de buscarlo, el reconocimiento y la validación oficial de estudios por parte de la Secretaría de Educación Pública (SEP) nos permitirá dar un título con validez oficial que certifica haber cursado un proceso y plan de estudios que para mí era importante tener, porque me parece que el oficio de ser músico se percibe en la sociedad como un hobbie, cuando en realidad hay todo un camino de estudio que nos avala para obtener un título, algo que se percibe favorable”, reflexiona el músico, compositor, educador y arreglista.

Foto: Jaime Fernández

Un profesional para un campo laboral de amplio espectro El CCM cuenta con la licenciatura en Composición Aplicada, donde no se trata solamente de convertir a los estudiantes en excelente instrumentistas, sino de tener también conocimientos en composición, creación y producción, ligados a la tecnología y cómo se está haciendo ahora la música, como destaca Mario: “Las licenciaturas están en constante actualización y que pueden brindar un amplio espectro de cómo incursionar en la industria musical, por ejemplo, tenemos una materia de periodismo musical, considerando la posibilidad de que un alumno pueda desarrollarse en el ámbito de la crítica o de armar un podcast donde haga análisis de música”.

“Un músico no solo es alguien que toca el piano; esencialmente sí, pero actualmente puede componer la música de una obra de teatro o la cortinilla de alguna serie de Netflix, de una película o un spot publicitario, porque también tiene las herramientas tecnológicas para grabar, mandar a un cliente la muestra de lo que está componiendo, invitar a músicos que sean parte de lo que está produciendo o en el caso de que sea música electrónica, que tenga todo lo necesario para poderlo hacer. Es una carrera integral y llena de información”.

Mario Santos

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Educación

Matrícula docente Además del plan de estudios, la contraparte de vanguardia de las carreras impartidas en el CCM es su cuerpo magisterial, profesores que se ocupan por el proceso de aprendizaje y el desarrollo humano: “En CCM no tenemos sólo buenos músicos que son maestros, sino gente con una visión humanista y la importancia de dar respeto a las muy diversas manifestaciones artísticas que cada alumno tiene. Hemos ido reclutando la planta de profesores que siempre quise tener, que hace que los estudiantes se cuestionen por qué están haciendo lo que están haciendo, además de prepararlos en la materia que cada uno imparte”.

ámbitos, con las herramientas tecnológicas propicias. “Hay una buena cantidad de materias que se dan en los estudios que tiene Sala de Audio; contamos con un programa de apoyo profesional, cuya idea es producir un tema desde cero, asignando incluso presupuestos. Estamos colaborando con un sello discográfico donde se sube la música de nuestros alumnos; la ventaja que tenemos es darles la oportunidad de contar con un estudio profesional para cubrir todo el camino de la creación a la difusión en plataformas de su obra. Sala de Audio ha sido clave en eso y es un acierto tener su apoyo y la visión de su líder, Salvador Tercero”, señala Mario.

Ventajas: instalaciones En alianza con Sala de Audio, en la colonia Juárez del Centro de Ciudad de México, CCM cuenta con espacio para compartir salas equipadas para grabar, hacer prácticas y coexistir en un ambiente que propicia la creatividad musical en distintos

Programas y estímulos Además de coexistir con Sala de Audio para las tareas de producción en estudio de grabación, CCM cuenta con otros programas que vinculan a su comunidad con la de la industria cinematográfica, de contenidos en línea, teatro y más, como

Salvador Tercero

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Educación

“La idea de nuestra escuela no es imponerle a los alumnos mi deseo, sueño o utopía, sino que logren las propias”. enlista el compositor y pianista: “La dinámica es que se asigna un presupuesto y los directores nos permiten encausar a nuestros alumnos con su productora para darle talento que realice un trabajo profesional, brindándoles nuestra guía y respaldo como institución, para lograr un control de calidad.

Ambas partes se sienten cobijadas porque está la escuela detrás respondiendo por sus alumnos y apoyándolos”.

“También trabajamos con orquestas como la Orquesta Juvenil de Toluca, con la que haremos una orquestación para el Museo Soumaya con un programa musical que combina temas de videojuegos y cine, del que se supervisaron las orquestaciones y mandamos el trabajo para que se ensaye y se escuche en un espectáculo que ocurrirá a finales de este mes. Como esa orquesta hay otras con las que nos estamos vinculando en otros estados del país. También tenemos alianzas con empresas de distintos ámbitos, con quienes armamos ciclos de conciertos donde se presentan los ensambles que se están armando en la escuela; un club de escucha de discos bizarros que coordina el profesor Federico Sánchez y en diciembre armamos un festival cultural”.

A esto se suman estímulos por excelencia académica y becas, además de la oferta en línea que con la crisis sanitaria se consolidó como una opción que complementa las opciones para ser parte de este proyecto educativo. “A todos nos tomó por sorpresa y nos obligó a organizarnos; por ejemplo, los contenidos con los que se imparten las clases presenciales, pues debías prever subir todo el material didáctico a plataformas

Algunas materias de la Licenciatura en Composición Aplicada y Producción Musical Teoría musical Introducción a las estaciones de audio digital Instrucción instrumental Introducción a lastécnicas de grabación Taller de música para cortometraje Dirección musical digitales. Si bien la vida no se vive a través de las pantallas, es un hecho que pueden coexistir lo presencial y la virtualidad en un proyecto educativo como éste, así que lo mantendremos para ciertas materias o cursos que impartamos”.

Convencido de que la educación abre posibilidades para tener éxito, Mario Santos y su proyecto educativo CCM, cumplen con la visión de tener un espacio que ayuda a la sociedad a tener personas artistas capaces de decidir con mayor conciencia lo que desean y así construir su propia utopia: “Con esto quiero decir que la idea de nuestra escuela no es imponerle a los alumnos mi deseo, sueño o utopía, sino que logren las propias.

Para que haya en el futuro inmediato más artistas músicos que sepan y hagan lo que les gusta y eso mejore el acervo cultural de nuestro país, necesitamos artistas sólidos y coherentes que nos ayuden a tener una mejor comunidad artística. Para eso hacemos lo que hacemos en CCM”, concluye el educador.

Entrevista: Nizarindani Sopeña / Redacción: Marisol Pacheco

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Por Nizarindani Sopeña

Toby Scott, bastión del sonido de Bruce Springsteen

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una edad temprana, al ver a Elvis Presley en un programa en televisión en vivo, este futuro ingeniero de audio decidió tocar la guitarra y el piano y luego se unió a una banda de rock como bajista. A mediados de los años setenta se especializó en Música en la universidad mientras continuaba tocando en bandas y luego en un trío de guitarra acústica. Durante este periodo comenzó a administrar, producir y grabar a varias bandas locales, por lo que pronto creó un estudio casero.

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Toby Scott

Toby supo estar en el momento y el lugar correcto y a finales de los setenta conoció al músico con el que desarrollaría una carrera extraordinaria: Bruce Springsteen, con quien colaboró hasta 2017. La experiencia y conocimientos de Toby estarán presencialmente en sound:check Xpo, el evento más importante de la Industria de la Música y el Espectáculo en México y Latinoamérica, el próximo lunes 4 de abril, junto al ex Presidente de la Audio Engineering Society (AES), John Krivit.

Un chico de Santa Bárbara Toby comenzó como músico al final de los años sesenta e inicios de los setenta: “Después de haber grabado mi propio demo, llevarlo a una compañía disquera y ser cordialmente rechazado, disfruté grabando otros demos en diferentes estudios y me di cuenta de que quería hacer eso”, inicia Toby.

“En casa grabé en una máquina de cinta de dos tracks -una Teac 3300-, por tres o cuatro años, y una vez que cambié de giro hacia la carrera de audio, viviendo en Santa Bárbara, California, encontré la primera escuela de audio en mi vida. Se llamaba Recording Institute Of America, me inscribí y tomé el primer curso: se trataba de una sesión a la semana por tres horas, por seis semanas; eso era todo, y había otros 25 chicos en la clase. Yo lo tomé muy bien, y cuando acabó, la escuela ofreció una clase avanzada, por lo que me emocioné. Había solo siete alumnos, lo tomé y creo que por la segunda semana del curso, pensé que todo estaba muy bien, pero que en otras cuatro semanas todos estaríamos buscando trabajo, así que preparé mi currículum y me fui a una docena de estudios en Hollywood para buscar trabajo de una vez. Así obtuve un trabajo en un estudio cruzando la calle de donde tomaba clases. Iba a mi trabajo en la mañana, cruzaba la calle, iba a la clase por tres horas y regresaba a trabajar”, recuerda.

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John Krivit

“Conocí a Bruce en 1978 y fue una reunión muy rápida, cuando tuve participación en el álbum ‘Darkness on the Edge of Town’.

En 1980 mezclé el álbum ‘The River’ y además nos convertimos en buenos amigos”.

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Toby Scott

Clover Studios era el lugar en el que Toby trabajaba cruzando la calle hacia la escuela. “En ese tiempo”, recuerda, “me interesaba mucho saber quiénes hacían los discos y dónde se grababan, así que cuando decidí buscar trabajo, hice una lista de los diez estudios favoritos donde me gustaría trabajar. Clover estaba en el quinto lugar y se trataba de un lugar pequeño, con un solo cuarto, pero habían hecho trabajos realmente bueno, con figuras como Linda Ronstadt, James Taylor, Neil Sedaka y muchos otros”. El equipo que Toby recuerda de ese estudio en ese tiempo era su consola personalizada: “Creo que fue la primera consola transformerless y de la que había solo dos, la de Clover y otra en la propiedad de The Beach Boys en Santa Mónica. Estuve tres o cuatro meses trabajando en esta consola y después hubo un cambio hacia la API 2824, que era un equipo más pequeño, de 24 faders y una sección de monitores”.

Al pasar de los años, Toby tuvo muchos aprendizajes y hacia 1978 comenzó su relación con uno de los íconos de la música de los Estados Unidos: Bruce Springsteen.

“Así es”, recuerda Toby, “lo conocí en 1978 y fue una reunión muy rápida, cuando tuve participación en el álbum ‘Darkness on the Edge of Town’. En 1980 mezclé el álbum ‘The River’ y además nos convertimos en buenos amigos. Posteriormente, a través del productor Chuck Plotkin, cuando Bruce estaba de gira, me preguntaron si podía hacer grabaciones en vivo, así que conseguimos un camión, giramos por cinco o seis distintas ciudades y grabé la gira”.

Después de haber lanzado el disco “Nebraska”, en el que Toby transfirió las grabaciones que había hecho Bruce en su portaestudio, el músico decidió trasladarse a Nueva York, concretamente al estudio Hit Factory, para continuar con otro trabajo discográfico. Toby había mezclado el álbum “On the Line”, de Gary US Bonds, en marzo de 1982, para el cual Bruce Springsteen había escrito siete canciones, coproducidas con Steven Van Zandt, y se le pidió que volara a Nueva York para mezclar el primer álbum de Steven, “Men Without Women”, además de comenzar a grabar el séptimo álbum de Bruce.

“Desde el mediodía hasta las seis de la tarde trabajaba en Hit Factory, mezclando a Steve, y desde las siete hasta la una de la mañana grabando con Bruce en The Power Station”, recuerda.

“El segundo día de la sesión empezamos con la primera canción, llamada ‘Born in the USA’. Creo que empecé la imagen del sonido en mi mente, combinando el sonido de los instrumentos, algunos efectos, reverbs y ecos”.

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Toby Scott

Así comenzó la historia de uno de los discos más importantes en la historia musical de la Unión Americana: “El segundo día de la sesión empezamos con la primera canción, llamada ‘Born in the USA’. Creo que empecé la imagen del sonido en mi mente, combinando el sonido de los instrumentos, algunos efectos, reverbs y ecos. Ese fue el comienzo de ese sonido explosivo. Estuvimos en The Power Station hasta fines de julio de 1982 y después regresamos a Los Ángeles.

En febrero de 1983, Bruce decidió hacer más grabaciones para el disco y regresamos a Nueva York, esta vez en Hit Factory. Después tomamos un descanso y regresamos a este estudio para seguir trabajando hasta mayo de 1984 y completar el disco”.

The Hit Factory El concepto Studio in a Box Para ese entonces (1987), Toby era el responsable del audio de Bruce Springsteen tanto en el estudio como en vivo.

“Había empezado a grabar los shows desde la gira de ‘The River’, y para el tour de ‘Tunnel of Love’ grabamos en cuatro o cinco ciudades distintas, mientras que para ‘Born In The USA’ grabamos en cuatro o cinco ciudades también, en lugares como el Madison Square Garden durante 10 fechas, aproximadamente. Por eso tenía conocimiento de las facturas y las cuentas por pagar, advirtiendo que el costo era muchísimo. No se trataba sólo del transporte y el equipo, sino el staff que se llamaba”, recuerda Toby.

La conexión entre Bruce y Toby en el trabajo sonoro iba más allá del estudio de grabación o los escenarios: “Creo que tenemos personalidades similares; nos ocurrieron cosas parecidas, como que por primera vez que vimos a Elvis Presley en la televisión nos pareció grandioso y así empezamos a tocar guitarra por él, yo me uní a distintas bandas en high school y después formé otras, así que cuando nos juntamos para ‘The River’ en 1980 éramos dos personas de la misma edad que disfrutábamos las mismas cosas. Habiendo trabajado en Clover Studio con diferentes personas muy famosas, nunca me vi superado por esta posición. En otras palabras, cuando conocí a Bruce nos tratamos como dos personas comunes y corrientes y la pasábamos muy bien.

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Entre “Born In The USA” y “Tunnel of Love”, se lanzó el álbum “Live/1975-85”, que fue transferido a multitrack digital en una máquina Sony. Ahí surgió la idea de hacer un estudio móvil, así que diseñé cajas adicionales, encontré la consola Amek Angela, con 62 entradas y monitoreo en línea, además de que tenía un perfil muy delgado, útil para transportarse. Diseñé racks con reverbs, efectos especiales, gates, grabadores de cinta de dos tracks y amplificadores de potencia y los puse juntos, así que lo llamé Studio in a Box. Lo transportábamos todo en veinte cajas. Nos tomaba dos o tres horas hacer el set up, desde descargar el camión y hacer el line check”, menciona. En 1994, el Studio in a Box cambió la consola Angela por una Euphonix CS2000. Continuaron usando este equipo, tanto en gira como en casa, hasta 2009.

Euphonix CS2000

Toby Scott

Además de Bruce, Toby ha trabajado en el estudio con bandas y músicos como Bob Dylan, Natalie Merchant, Steve Perry, Bette Midler, Blue Öyster Cult, Tommy Tutone y Little Steven & The Disciples Of Soul.

La actualidad En 2017, Toby Scott dejó de colaborar con Bruce Springsteen y se dedica a su trabajo en el estudio Cabin 6, que instaló en su lugar de residencia en el estado de Montana. “Después de esta extraordinaria etapa con Bruce, he trabajado con géneros muy distintos, como country, western, ópera, jazz, pop y bluegrass.

Grabo a la orquesta sinfónica local y para eso cuento con un sistema básico de Pro Tools con 16 canales, un preamplificador Focusrite ISA 828 MkII y no ocupo ningún equipo outboard.

Me gusta tener la grabación lo más pura posible y tener el micrófono correcto en el lugar correcto. Cuando mezclo uso un mínimo de efectos, como reverb o eco y uso plugins muy buenos. Sigo usando los monitores Yamaha NS-10M y unos Auratone y tengo micrófonos de listón y dinámicos de Rode o Royer, entre otros”.

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El cambio entre tecnologías Desde sus inicios, Toby Scott estuvo ha estado en pro del sonido de alta fidelidad. En los tiempos de Clover Studio, teníamos muchos equipos que sonaban muy bien y siempre teníamos lo más avanzado en tecnología; incluso ya había un ingeniero que manejaba computadoras y en 1980 visitó el NAB Show, para encontrar un sistema de grabación de alta fidelidad, y regresó con la máquina Sony 16800. que era el prototipo de la 1610 y que se convirtió en la 1630, un estándar en la masterización estéreo, así que la instalamos en el estudio, hicimos algunas mezclas, la escuché yo, Chuck Plotkin, Bruce y su productor y manager Jon Landau y todos estuvieron de acuerdo en que sonaba grandiosa, aunque sólo había tres en el mundo: una en Japón, otra en Nueva York, otra con Barbra Streisand y la que teníamos nosotros. La usamos más o menos un mes, hasta que Sony finalmente lanzó su primera producción y con ella hicimos el disco The River. Esta fue mi primera introducción a la tecnología digital, y a principios de los noventa apareció Pro Tools, aunque en ese momento no me gustaba el sonido digital, de forma que busqué otro equipo y encontré la Euphonix R1, que tenía un mecanismo remoto que lucía como el de una grabadora de 24 tracks, pero lo mejor era que grababa a 96k 24 Bit. La transición me llevó un poco de tiempo, pero ahora trabajo completamente con Pro Tools”.

Cabe mencionar que Cabin 6 es un estudio sin ánimos de lucro y aunque en 2020 las cosas cambiaron, Toby ya se encontraba trabajando unos meses después. Todas sus experiencias son gustosamente compartidas por él en sesiones para todos los interesados, y es así como podremos escucharlo y verlo en la plática “Multitrack de ‘Born in the USA”, en la próxima sound:check Xpo, a llevarse a cabo los próximos 3, 4 y 5 de abril. ¡No se pierdan esta oportunidad!

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Por Rafael Torres Meyer

Crédito: Marco Ayala

Primer lugar Concurso Reseña musical/Plataforma escríbele.com

La Novena, Beethoven, mi padre y mis alegrías

A

penas levantó la batuta Marco Parisotto, apenas sonó la primera nota del allegro ma non troppo y La Novena completa —aquella que yo creía desconocer—, comenzó a resonar en mi cabeza. Nota a nota comencé a reconocer las texturas que abstraían a mi padre. Ahí estaba él, ausente del mundo, sumergido en sus planos, reclinado sobre su restirador, deslizando uno de sus estilógrafos con suavidad, pero con firmeza, casi imitando los movimientos de una batuta, sobre la alargada regla paralela, esa misma cuyos biseles, por mi poca pericia y entendederas, me llevaron a estropear pliegos y pliegos de albanene durante la preparatoria.

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Conozco las tonadas de los cuatro audaces movimientos de La Novena; me emocioné. Entonces los gestos de los músicos, las pequeñas batallas entre oboes y flautas, los solos de contrabajo, el contrapunto de los violines, los acentos de las percusiones, la fuerza con que arremetieron los arcos a los chelos, el romanticismo de las violas, la profundidad de los fagots y la sonoridad victoriosa de los metales me hicieron comprender lo que mi padre, en su ensimismamiento, jamás me enseñó: La Novena es a la vez tempestad y emoción; no es un canto de alegría, sino una guerra por la libertad.

Primer lugar Concurso Reseña musical/Plataforma escríbele.com

Hacia 1770, en la Prusia de la dinastía de los Hohenzollern, surgió un movimiento literario opuesto a la Ilustración.

Johann Georg Hamann, Johann Gottfried von Herder y Johann Wolfgang von Goethe, entre muchos otros autores, comenzaron a combatir con emociones el falso racionalismo que proclamaba la existencia de un Dios que todo lo creaba.

La rebeldía que nació en las letras pronto se trasladó a otras manifestaciones artísticas, como la plástica y la música. Pero el mecenazgo que mantenían los poderes eclesiásticos y monárquicos les censuraba. Así fue como comenzó una gran batalla por las libertades del hombre, en la cual los artistas luchaban por su derecho a reflejar en sus obras el malestar social de la época, las grandes diferencias sociales y la hipocresía moral entre las clases más altas.

En el medio de esta rebelión estética –denominada justamente Sturm und Drang (tormenta e ímpetu) debido al título de una pieza teatral compuesta por Friedrich Maximilian Klinger—, surgió un poema que pronto se convertiría en himno para la humanidad: An die Freude, de Friederich Schiller. Fueron los versos de Schiller los que inspiraron a Ludwig van Beethoven a componer una sinfonía distinta con la que rompió, además de los paradigmas sociales, la estructura musical predominante de la época, con la cual aún ahora conmueve al más duro de los corazones.

El desafío de don Ludwig, el primordial, era el de incorporar las letras de Schiller a una sinfonía. No fue sencillo. El poema elegido era ya de por sí controversial. Según relatos de la época, el título que eligió Schiller originalmente era Ode an die Freiheit, que se traduce como “Oda a la Libertad”.

Algunos historiadores aseguran que la obra fue censurada y que para garantizar su publicación, se le pidió al autor sustituir la palabra Freiheit (libertad) por la de Freude (alegría), no sólo en el título, sino en toda la obra. Otros aseguran que ya por la época revolucionaria, algunos estudiantes la cantaban como himno, utilizando las notas de La Marsellesa, y que fueron ellos quienes sustituyeron la palabra para “ampliar su significado: aunque el destino del hombre es la libertad, el desarrollo completo de ese destino debe desembocar en la alegría”, como lo señalan Nuria C. Arocas, José Antonio Calañas y Ana R. Calero en el libro Friederich Schiller. Estudios sobre la Recepción Literaria e Interdisciplinaria de su Obra.

Cualesquiera que sea la realidad, cuando Beethoven conoció el poema en 1793, el texto ya había sido cambiado, pero el espíritu libertario y combativo del mismo permanecía.

Libertad, igualdad y fraternidad De mi padre y de tres de sus mejores amigos –Benjamín, José Luis y Arturo— aprendí que hay una sola cosa que nos hace diferentes de los animales: la fraternidad. Me formé bajo la tutela de ellos cuatro y con los preceptos de los Amigos del Bosque. Más que prender fogatas, anudar cuerdas y plantar una tienda de campaña, el conocimiento que me heredaron fue emocional: la amistad puede derribar cualquier barrera.

Mientras escucho el segundo movimiento y veo revolotear el recortado copete de Parisotto, recuerdo a mis amigos.

Algunos de ellos heredados por mis tutores, como El Chato, Chizwiz y Boris, como El Negro, como Benjamín y Claudio, como tantos de quienes han pasado por la Asociación Escultista de marras. También a otros como Haram, Manuel, Martha, Jessica, El Cursi, El Mostro, Alonso, Toño y quienes se han ido incorporando en el camino.

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Crédito: Norm Rieckenbrauck

Primer lugar Concurso Reseña musical/Plataforma escríbele.com

Uno de los libros favoritos y de los pocos que solía recomendar mi progenitor era El Manantial, escrito en 1943 por Ayn Rand. En este se narran las peripecias de un joven arquitecto, Howard Roark, que lucha por romper los convencionalismos estéticos de la época. A su manera, mi padre batallaba consigo mismo y contra la educación conservadora que le habían impuesto sus padres, para romper su propio molde y encontrar en la arquitectura un lenguaje nuevo, diferente, que distinguiera su obra, por poco trascendente que resultara.

Así nacieron sus construcciones de agudos ángulos y formas geométricas irregulares. Un estilo que sólo encontró visibilidad en el diseño del edificio que todavía hoy alberga a la Alianza Francesa de Guadalajara; también en otras que nunca llegaron a realizarse, como una casa-habitación inspirada en las formas de un caracol.

Mi padre buscaba proyectar con formas distintas pero funcionales, para encontrarse a sí mismo: buscaba “la libertad

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Crédito: El Informador

De pronto me veo yo también entusiasmado, agitando mi cabeza como el director, revoloteando mi propio copete, aun más ralo que el de quien sostiene la batuta, pues por fin entiendo la libertad por la que también luchaba mi padre cuando atacaba con tinta y pasión un pedazo de papel. Voy a utilizar las palabras de Matías Rivas porque expresan mejor mi descubrimiento: la libertad que buscaba Beethoven y la que encontró mi padre en sus notas “no es cualquiera, sino que es, en primera instancia, libertad para crear”.

para ser y, finalmente, la libertad para vivir y relacionarse con los demás”, como escribe Rivas de don Ludwig y, como ese mismo autor señala, esa es la relación entre la libertad y la fraternidad. Eso es lo que le inspiraba La Novena.

Alegría, bella chispa divina.

Nada conmueve tanto como el tercer movimiento. Sus notas fueron las precursoras del romanticismo alemán y se puede apreciar en la expresión de Parisotto. Mientras conduce esta parte, el cuerpo del director se

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Crédito: Facebook Orquesta Filarmónica de Jalisco

Primer lugar Concurso Reseña musical/Plataforma escríbele.com

mece casi con ternura, la mano izquierda pegada al corazón, la derecha ondeando la batuta casi como siguiendo el movimiento que provoca el viento en un campo sembrado con flores.

No puedo evitar aprisionar entre mis dedos la mano de Isis, quien se reclina en mi hombro y me hace notar cuán enamorado estoy, de ella y de mis tres hijos. La mayor alegría, la chispa divina de la que habla Schiller en sus versos, es la del amor incondicional, aquel que se profesa a otros sin esperar nada a cambio.

“Quien haya alcanzado la fortuna / de poseer la amistad de un amigo / quien haya conquistado a una mujer deleitable / una su júbilo al nuestro”, los versos de Schiller me ponen contento.

Como ya dije, cuento con amigos insuperables y conquisté a una mujer sabrosísima; por si fuera poco, tengo tres vástagos maravillosos. Soy digno, entonces, de compartir el júbilo de quienes luchan por la libertad.

equivocada de los versos de Schiller: “escucha hermano la canción de la alegría”, gritamos arremedando al roquero Miguel Ríos. Me doy cuenta de que la melodía que seguíamos entonces es muy distinta de la que ahora resuena en el Degollado.

Tres sordos resoplidos al contrafagot anticipan las notas más conocidas por la humanidad. Es el cuarto movimiento, el que ha estremecido al mundo entero, y ya el coro ha comenzado a cantar los versos en alemán.

La Filarmónica, que suena impecable, me emociona, porque de nuevo me trae al estudio de mi padre. Yo me asomo apenas por la puerta de cristal templado enmarcada con madera de pino laqueada al natural, sin tinturas, como a él le gustaba. Su cuerpo entero se agita mientras dibuja. Es ajeno a mi presencia y a la de los tres dibujantes que le asisten. Está luchando, está librando una batalla sin cuartel por su derecho a crear con libertad y supongo, de pronto, que no se ha dado cuenta de que su creación, una de las tres más importantes de su vida, lo espía divertido.

La memoria juega de nuevo sus travesuras. Esta vez me veo a bordo de un auto destartalado circulando las también destartaladas calles de Puerto Vallarta. Me acompañan Haram, El Negro y Gavilanes –quien hoy también nos falta— y vamos todos hasta el cepillo de borrachos. En tan mal estado estamos, que malentonamos a todo pulmón la traducción al español

Entonces me despiertan los aplausos, los de un teatro que se viene abajo y los míos propios. Grito frenético un solo “¡bravo!”, como tú lo harías, y luego le digo a Isis que en ese momento, a mi lado, me conminas a estrechar la mano del director, diciéndome: “todavía debe estar caliente”, como me lo dijiste tantas veces.

Que siga entonces sonando el tercer movimiento mientras yo sostengo tu mano, amor, que no puedo estar más alegre, divina.

Si ___ Do Re Re Do Si La Sol Sol La Si Si.

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Clásicos de la ingeniería en audio

Por Néstor Iencenella*

Consolas analógicas y ecualizadores (clásicos),

recibiendo y ajustando la señal

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n esta ocasión, en los clásicos de la ingeniería en audio analizaremos las marcas y modelos que más han sido utilizados en la industria musical.

Consolas o channel strips EMI REDD y TG Entre 1959 y 1968 se fabricaron varios modelos de estas consolas y quizás los más conocidos sean los de Abbey Road, pero en realidad, EMI envió a sus estudios de todo el mundo (sí, por aquellos años las compañías discográficas tenían estudios de grabación), equipos de este tipo, así que pueden encontrar una en Argentina y otra en África. Con ligeros cambios, todas tienen este clásico sonido con unos medios de mucha claridad, propio de varios discos de The Beatles, así como los primeros álbumes de Pink Floyd.

Si desean hacerse de este sonido, existen muchas emulaciones en el mercado.

No tiene nada extraño, pero suena increíble, y uno de los tantos secretos de su fabricación era que compraban componentes, los medían para revisar si su valor era exacto y con ellos fabricaban estas consolas, que actualmente se siguen utilizando. Podemos decir que si se sube el gain, muchas cosas mágicas suceden.

Al igual que con las EMI REDD y TG, están disponibles excelentes emulaciones.

SSL 4000 E o G series Salieron al mercado en 1979 y nada fue igual. Esta consola se hizo con base en muchas entrevistas con los mejores ingenieros de su época; tenía innovaciones y prestaciones que aún hoy se siguen utilizando, ya que se fabricó con un riguroso estándar de calidad.

Neve 1073 Dicen que la primera de estas consolas se lanzó en 1970 y formó parte de las consolas Neve de la serie 80 8048, 8058 y 8068, con un sonido legendario y una calidad de fabricación que aún hoy sorprende.

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The Greenhouse Recording Studio

Durante los ochenta y noventa fue una de las consolas estrella y muchos de nuestros artistas favoritos suenan mediante ella.

Clásicos de la ingeniería en audio

API Estas consolas fueron lanzadas en 1969, pero se hicieron muy populares durante la década de los setenta. Gracias a su sonido impecable y muy versátil, se adapta a todos los géneros de música, incluso en la actualidad. Aún se siguen fabricando y tienen procesadores únicos como sus preamps, ecualizadores y compresores, amén de que existen excelentes emulaciones de muchas marcas.

Manley Massive Passive Este equipo salió al mercado en 1998 y rápidamente se convirtió en el estándar de muchos estudios de masterización en todo el mundo. Con él, prácticamente lo que se haga suena bien; es increíble cómo se adapta a todas necesidades y es el arma secreta de muchos ingenieros de masterización.

Hay excelentes emulaciones también y gracias a esta gran compañía se sigue fabricando en hardware.

Ecualizadores, ajustando el equilibrio Al inicio, estos equipos eran pasivos y poseían un limitado rango de ajustes, hasta que Pultec presentó en 1951 el EQP1A, un ecualizador activo y con varios valores a elegir para realzar o atenuar las frecuencias del material sonoro. Desde ese momento, el desarrollo de los ecualizadores ha evolucionado rápidamente, estos son los que más se han utilizado en la industria de la grabación.

Pultec EQP-1 Ollie Summerland y Gene Espiga lanzaron este ecualizador que todavía tiene mucho para expresar. ¿Qué podemos decir de este clásico que no se haya dicho ya? Suena bien en todo y sirve tanto para la ecualización de instrumentos individuales como para un master bus o masterización. Parece simple, pero es más complejo de lo que se cree, ya que juega con los incrementos y atenuaciones a la vez y se pueden lograr resultados fantásticos.

Hay excelentes emulaciones de plug ins, por suerte, y muchos fabricantes como Tube-Tech lo siguen fabricando en hardware.

Chandler Curve Bender EMI TG 12345 Diseñado por Wade Goeke y el ingeniero de Abbey Road, Peter Cobbin, este hermoso ecualizador emula el sonido de las viejas consolas EMI TG y es una herramienta diseñada para masterización, aunque es tan preciso que sirve para cualquier necesidad. Existen excelentes emulaciones en plug ins también.

API 550 Ya hablamos del clásico sonido de las consolas API: adaptable y dulce, y este ecualizador es un clásico justamente por eso: por la manera en la que se adapta a las necesidades, ya sea de ecualización individual o para mezcla y masterización. Por supuesto, están disponibles muchas buenas emulaciones de plug ins de él.

Focusrite Isomorphic EQ - 315 A Blue Series Este ecualizador Clase A con claras influencias de Neve añade unos graves cálidos y permite profundizar en detalles dignos de un master bus o en masterización.

FabFilter Pro Q 3 Es increíble que en esta lista de clásicos aparezca un ecualizador que solo existe en plug in y no en hardware. Es muy amado por muchos ingenieros de mezcla y de masterización; su gran visualización, su sonido imperceptible, su excelente trabajo en modo Mid Side y su increíble capacidad de incluir filtros Brickwall y ecualización dinámica, hacen que se gane un lugar entre mucho hardware.

Weiss EQ 1 Este ecualizador digital, pero de hardware, rápidamente se incorporó en muchos estudios de masterización del mundo.

Al parecer, la tecnología digital no es tan mala como parece; la fase lineal, que es una de las tantas bondades del mundo digital, nos brinda ecualizadores como estos, con una excelente fabricación y calidad de conversión, algo que pocas veces se tiene en cuenta.

Recientemente, la empresa de plug ins Softube ha emulado varios de sus productos.

Siempre es interesante saber la historia de los equipos que preferimos y cómo han evolucionado. ¡Nos leemos en la siguiente columna!

Músico, compositor, productor musical e ingeniero en audio.

Especialista en Mezcla y Mastering. Imparte cursos privados online y en universidades sobre Ingeniería en audio, Producción musical y Desarrollo de la creatividad. Es profesor de Técnicas de mezcla y mastering en REC Música y SAE Institute México.

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Tecnología y producción musical

Por Salvador Govea

Yamaha: una historia de innovación en teclados

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uando en 1983 Yamaha lanzó al mercado el sintetizador DX7, causó un gran desconcierto entre los músicos tecladistas y no fue por ser uno de los primeros sintetizadores digitales, sino por la forma usada para producir su sonido, que era completamente extraña en concepto, parámetro y terminología, para aquellos acostumbrados a los instrumentos analógicos. En ese momento, la mayoría de los sintetizadores analógicos comerciales trabajaban mediante síntesis sustractiva: partían de un sonido rico en componentes armónicos, que pasaba por un filtro que sustraía un conjunto de los mismos para crear una gran variedad de distintos espectros sonoros. Por lo anterior, las formas de onda básicas disponibles en estos sintetizadores eran la triangular, la diente de sierra, la cuadrada y el pulso, además de un generador de ruido. En contraste, la única forma de onda disponible en el DX7 es la senoidal, que se caracteriza

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por tener un sólo componente –una sola frecuencia, sin más armónicos–. Sin embargo, a través del proceso que describiremos a continuación, las combinaciones de senoidales podían resultar en complejos espectros sonoros, ricos también en componentes armónicos –como cualquiera de las formas de onda de los sintetizadores analógicos– y en inarmónicos –como el generador de ruido de los anteriores instrumentos.

Descubrimientos para el futuro Esta nueva forma de síntesis de sonido, llamada síntesis por frecuencia modulada (FM), o modulación de frecuencia, fue descubierta y desarrollada por el compositor e investigador John Chowning. Se puede escuchar el resultado de esta técnica en sus obras electroacústicas “Sabelithe” (1964), la primera obra en el mundo que utilizó la generación de sonido con frecuencia modulada; “Turenas” (1972), “Stria” (1976) y

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“Phoné” (1981). También es posible leer su propia exposición de la FM en su fundamental artículo de 1973, llamado “La síntesis de espectros de audio complejos por medio de la modulación de frecuencia”, publicado en la revista de la AES (Audio Engineering Society).

Se cuenta que John Chowning estaba trabajando con osciladores digitales y que al querer añadir vibrato a sus sonidos, accidentalmente moduló la frecuencia de un oscilador de una manera más rápida y amplia de lo que deseaba, descubriendo en ese momento que el resultado no era un vibrato, sino un timbre diferente que no había escuchado hasta entonces.

Eso es lo que ocurre cuando en el LFO, que se supone que es un oscilador de baja frecuencia, se incrementa su frecuencia hasta entrar en el rango audible del ser humano, provocando que aparezcan una serie de componentes armónicos y no armónicos que no existían originalmente en el sonido, y ésta es la explicación de que un sintetizador basado en FM funcione únicamente con simples ondas senoidales para crear, mediante la modulación de una a otra, espectros sonoros complejos.

El trabajo sobre la FM desarrollado por Chowning en la Universidad de Stanford fue ofrecido a varias compañías como Hammond y Wurlitzer, pero no les interesó. Tiempo después, en 1973, la licencia de este descubrimiento fue adquirida por Yamaha, la que empezó a desarrollar prototipos de órganos y sintetizadores basados en la frecuencia modulada.

Para entender la modulación de frecuencia es muy útil partir del ejemplo del vibrato. Si se observa con cuidado la interpretación de un violonchelista, se notará que la mano izquierda del mismo –la que se mueve sobre el diapasón del instrumento–, en las notas de larga duración, realiza un pequeño movimiento de vaivén sobre algún punto de la cuerda, vaivén que produce que la afinación de esa nota suba y baje en un pequeño rango, dándole al sonido una calidez y expresividad que los oyentes pueden reconocer de inmediato. Este resultado sonoro se llama vibrato y puede definirse como la variación cíclica –en un pequeño intervalo alrededor de un punto central– de la frecuencia de un sonido. Este pequeño cambio de la frecuencia que está haciendo el chelista es una modulación de la frecuencia de la nota.

En el caso de un sintetizador, un tecladista puede estar interpretando en el mismo con un timbre de onda cuadrada, pero si desea que éste suene con vibrato tiene que usar un oscilador adicional, denominado Low Frequency Oscillator (LFO), que vibra a una velocidad muy baja para el oído humano (recordemos que el límite inferior de nuestra escucha está alrededor de las 20 vibraciones por segundo), por lo que no se puede escuchar aisladamente, sino que se percibe cuando este oscilador modifica –o modula– la frecuencia del oscilador principal y produce en cada nota tocada un vibrato –cuyas características dependerán de la frecuencia y amplitud del oscilador LFO.

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Antes que en el DX7, la síntesis por FM se utilizó en los teclados GS1 y GS2, los que pese a tener gran calidad de sonido, tenían el inconveniente de no ser programables –esto es, que el usuario no podía modificar los elementos constituyentes de los sonidos–, además de ser muy caros, grandes y voluminosos –su mueble era como el de un pequeño piano de cola–. El DX7 fue una gran respuesta que alivió las deficiencias de los teclados GS y muy rápidamente superó comercialmente a sus predecesores.

Diseños que se vuelven clásicos Si los anteriores sintetizadores analógicos contaban con una perilla o switch para modificar cada uno de los elementos que conformaban un timbre específico (o patch), la cantidad de parámetros necesarios para crear un sonido en el DX7 hacía imposible seguir con ese diseño, por lo que la programación de los sonidos del instrumento se logró con una serie de botones de membrana, un control deslizable para ingresar los datos

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y una pantalla de LCD con dos líneas de 16 caracteres, una forma de programar que hoy es muy común, pero que en aquel tiempo era nueva.

El DX7 cuenta con seis osciladores que producen únicamente ondas senoidales. Cada oscilador u operador (operator), como se les llama en el DX7, puede ser usado para modular (en este caso, se le llama modulador) o para ser modulado (nombrándolo como portador). Estos seis operadores pueden configurarse de varias maneras: pueden ser tres parejas consistentes, cada una de un portador con su modulador, o un portador puede ser afectado por dos moduladores, o se pueden arreglar los seis como portadores, lo que no produciría síntesis por FM porque no hay modulación, sino una simple síntesis aditiva. A cada arreglo o configuración de operadores se le llama algoritmo y todos estos están predefinidos de fábrica. EL DX7 cuenta con seis operadores y 32 algoritmos, al igual que el DX1 y por otro lado, el DX9 y el DX21 tienen cuatro operadores y ocho algoritmos.

Aunque ninguno tuvo el éxito comercial del DX7, se lanzaron al mercado varios sintetizadores más dentro de la serie DX. El DX100 se caracterizaba por tener miniteclas y, por lo tanto, un precio reducido; el DX11 fue único en ofrecer en sus operadores otras formas de onda aparte de la senoidal; el DX21 venía con efecto de Chorus incluido, era multitímbrico a 2 partes y tenía la función de teclado en split. También apareció un DX7 sin teclado –en forma de módulo–, con el nombre de TX7. El mismo DX7 tuvo más adelante varias mejoras que se materializaron en los sintetizadores DX7II-D, el DX7II-FD y el DX7S.

Otras características importantes del DX7 son su extensión de 61 teclas con velocity y aftertouch, 32 patches –expandible a 64 con un cartucho de memoria ROM–, 16 voces de polifonía –lo que permite tocar un acorde de hasta 16 sonidos–, y sus puertos MIDI, el protocolo de comunicación que recién se había inventado.

Si bien la década de los ochenta fue el escenario de desarrollo de los sintetizadores Yamaha serie DX, su éxito comercial, su utilización por una gran cantidad de músicos, así como ser fundamental en el sonido de numerosos hits y estilos musicales, hicieron del DX7 todo un clásico de los instrumentos de teclado.

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Educación

Universidad Anáhuac: el entretenimiento es algo serio

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esde la aparición del ser humano, el entretenimiento ha sido parte esencial de su vida y desarrollo. A lo largo de la historia, esta actividad ha transitado por diversas etapas de evolución, que van desde los medios análogos hasta los servicios en streaming; de los conciertos masivos a los festivales musicales; de los parques temáticos a la realidad virtual; de la museografía conservadora al arte inmersivo; de las videoconsolas de primera generación a los videojuegos free to play. Actualmente, la humanidad entera tiene una gran exposición a la oferta de entretenimiento global y la profesionalización de este quehacer es cada vez más un asunto de estudio serio, lo que asegura que quienes lo realizan cuenten con herramientas actuales y de alto nivel.

Innovación para la excelencia A doce años de su apertura, la Licenciatura en Dirección de Empresas de Entretenimiento de la Universidad Anáhuac contiene uno de los programas más reconocidos en México en el rubro gracias a su calidad académica. En el encuentro con la

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Maestra Giselle Escalante Castillo, Coordinadora de esta carrera, se explica cómo la Universidad Anáhuac se encarga de formar profesionales de excelencia en esta Industria.

“El programa de esta Licenciatura es muy innovador”, comienza la Maestra Escalante; “siempre con la mirada puesta en la profesionalización de quienes estarán al frente de todo tipo de proyectos de entretenimiento. El plan de estudios 2025, cuya primera generación entró en agosto de 2020, tiene una visión hacia el futuro, con las áreas con las que nació en 2010, pero con actualizaciones en rubros como la música, que ha tenido grandes modificaciones en su manera de distribuirse. Por otro lado, hay una segunda área que se enfoca en las empresas editoriales, entendiendo esto como el contenido que se vierte en libros impresos o electrónicos y que además, actualmente tiene una salida muy interesante, como foros colaborativos de los que surgen otros proyectos. Nuestros alumnos tienen esa visión para saber cómo funciona esta área y hacia dónde vamos”.

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“Hay una tercera área muy importante, en la que además México tiene una trayectoria muy grande, que es la de dramaturgia y artes escénicas, con vertientes como un performance o un monólogo, hasta obras más complejas que se transmiten vía streaming”, menciona la Maestra Escalante.

“Otro de los rubros que abarca la Licenciatura en Dirección de Empresas de Entretenimiento es el desarrollo de la carrera de las figuras públicas, desde políticos, deportistas o cantantes, para generar sus identidades y saber cómo se trabajan las marcas personales y cómo se administran. Además, el plan de estudios abarca todo lo relacionado con los eventos masivos, corporativos y sociales, porque estos se han sofisticado en los últimos tiempos. Otra área apasionante es la de nuevos medios y videojuegos. México, para Latinoamérica, es ese lugar donde se puede encontrar -sobre todo en Guadalajara y Ciudad de México-, empresas que desarrollan videojuegos, aplicaciones y más, que se diseñan para el mercado del entretenimiento, pero que también se desarrollan para capacitación, eSports y actividades cotidianas”.

La Maestra Escalante comenta que lo anterior comenzó en los inicios de la Licenciatura en 2010 y que para 2016 se integraron otras materias: “Las hemos llamado regionales, donde las carreras se han abierto a otros campus en ciudades como Puebla, Cancún y Querétaro. En el caso del campus Norte de Ciudad de México fuimos pioneros, mientras que en lo regional, ha estado más en la cuestión de cómo informar a nuestros estudiantes en la forma de cómo hacer negocios en la Industria, ya que en México también vamos a encontrar estadios que se convierten en espacios para conciertos. Lo segundo tiene que ver con la producción de sus eventos, haciéndolos rentables y consiguiendo desde grupos de inversionistas hasta patrocinios.

Estos son aspectos que en el plan 2025 nos fortalecen”.

De esta manera, todas estas áreas se han integrado para beneficio de los alumnos: “Además, se han sumado rubros como parques temáticos, administración de recintos y producción de eventos, y se ha robustecido con nuestro concepto llamado minor -conjunto de asignaturas profesionales de una carrera que se ponen al alcance de los estudiantes de otra carrera, de tal manera que les permitan ampliar su visión y adquirir nuevos conocimientos para trabajar en áreas distintas de la suya-, que pueden ser en producción de eventos y administración de empresas del entretenimiento, gracias a que en nuestras instalaciones contamos con instalaciones de primer nivel, como un foro de 300 metros cuadrados, un estudio de grabación 5.1, equipo de producción, una pantalla LED que también utilizamos como escenografía o monitores para eventos masivos que hacemos nosotros, como la Semana de la Industria del Entretenimiento, de la que este este año haremos la edición número doce, así como una pasarela”.

Dichos eventos sirven para que los chicos ocupen ese equipo, lo monten y tengan experiencia antes de salir, lo que es muy útil. “Justo por eso tenemos estas instalaciones y ahora estamos

Maestra Giselle Escalante Castillo La industria de la música y el espectáculo

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Educación

por recibir una donación muy importante de la empresa inglesa Vicom, que donará todo un laboratorio de análisis de movimiento e inteligencia artificial, con la consigna de ser la primera universidad en capacitar a las personas, profesores, alumnos y las empresas que quieran, de una manera totalmente gratis, para educar en inteligencia artificial, no sólo en el entretenimiento, sino en la medicina, la arquitectura, el diseño o la ingeniería”.

Ahora más que nunca, la práctica hace al maestro En suma, todo esto otorga al alumno de esta Licenciatura un perfil integral y listo para ocupar lugares preponderantes en la Industria del Espectáculo. La Maestra Escalante añade: “Al ser una carrera que implica que la práctica antes de salir sea un valor agregado, no nos limitamos en sólo las materias teóricas, sino que además, tenemos una vinculación muy ardua con las distintas empresas involucradas en este medio. Trabajamos con Zignia Live y con la Arena Ciudad De México. Siempre estaremos agradecidos, en particular con Francisco Paz Botello, director de producción de este recinto, porque gracias a él hemos podido llevar voluntariado a eventos como el concierto de Katy Perry.

Fueron sesenta alumnos quienes estuvieron en esa producción, participando del montaje y Paco nos comentó que fue muy útil que los voluntarios fueran totalmente bilingües. Después de eso hemos cambiado la historia de muchos productores, porque porque les estamos ahorrando la traducción y eliminando muchas dudas en estos procesos”.

“Otra de las empresas con las que hemos colaborado mucho es OCESA en el área de teatro y los eventos o festivales, donde los alumnos ya conocen la nomenclatura del medio, son bilingües y tienen la cultura del servicio al cliente.

Guillermo Parra -Director de Eventos Internacionales de OCESA-, nos ha comentado que es muy bueno saber que existe esta posibilidad y que están trayendo a los alumnos

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Licenciatura en Dirección de Empresas de Entretenimiento/Equipos Audio Set de micrófonos de uso múltiple Wharfedale DM3 Micrófono para aplicaciones vocales en escenario AKG D5, P55, WM5450 D5 Micrófono drum set AKG Rythm set Micrófono de mano Electro-Voice ELX115P Altavoces amplificados Electro-Voice ELX112P Mezcladora Behringer XENYX Pantalla LED RGB-P4 1024X640 R Iluminación Luminarias Coemar LUCOECO9096L, LUCOEDO91601, PAR LITE RGB Sistema de color Coemar LEDko Fullspectrum Interfaz para control Sunlite Óptica para LEDkos Coemar Stand para luces Hercules que en un futuro pueden trabajar ahí, así como las agencias de management, tanto Westwood como Seitrack, que los han integrado también como practicantes, colaborando de una forma muy responsable”.

La Maestra Escalante señala que la Dirección de Empresas de Entretenimiento participa desde hace cinco años con la International Association of Amusement Parks and Attractions (IAAPA), que agrupa a todos los parques temáticos en Europa, Asia, Latinoamérica y Estados Unidos: “Hemos llevado a alumnos que trabajan como ambassadors y obtienen una capacitación internacional.

Nos sentimos muy bien con los comentarios porque se ha logrado identificar un perfil de participantes mexicanos.

Finalmente, está también Billboard, donde el año pasado empezamos. Hemos tocado puertas para que se les abra un espacio a nuestros alumnos, porque la Industria estaba cerrada sólo a los profesionales y hoy, en espacios como la Feria Internacional de la Música para Profesionales (FIMPRO), Monitor Latino o sound:check Xpo, hemos estado tanto en la parte técnica del montaje de los stands, como en grandes conferencias y master classes.

En la docencia, los mejores El programa académico de esta Licenciatura está relacionado con el área que tiene que ver con el carácter de negocio, el aspecto histórico y temas de marketing, planes de negocio, contabilidad y estrategias de rentabilidad, además de la parte jurídica y saber acerca de los derechos de las obras y saber cómo hacer planes contingentes, cómo pedir estudios de mercado, leernos e interpretarlos. La Universidad Anáhuac tiene una formación en liderazgo y hay materias que están muy enfocadas en esa cuestión, que también atiende a temas de sustentabilidad, ética y responsabilidad social”.

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“Al respecto de los profesores, esta Licenciatura exige ciertos requisitos, como un grado superior al que imparten -en este caso maestría-, pero también valoramos que los años de experiencia hacen las veces de este grado y más. Hemos tenido la presencia de figuras como Arturo Velasco (ex director musical en Televisa), Alejandro Uribe (director escénico y dramaturgo, Q.E.P.D), Ana Lorena Martínez (ex label manager de Universal Music y que hoy está en Spotify), Robbie Lear (ex director de EMI Music), Benjamín Salcedo (director de Rolling Stone), Anna Reinisch, (marketing de Mix Up) y Marco Chacón (doctor en derechos de autor), entre otros. Por otro lado, hemos contactado a los profesionales que regresan a México con estudios en Berklee College of Music, Full Sail University o la Universidad Autónoma de Berlín. Uno de los más programas de intercambio más exitosos que tenemos es el de Disney y el de la Universidad Autónoma de Barcelona, en áreas como la gestión cultural.

La Universidad Anáhuac se despliega como una alternativa extraordinaria para profesionalizar los procesos que involucra la Industria del Entretenimiento y a sus miembros, porque en nuestro país aún tienen mucho que dar.

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Notas del medio

Casio: creatividad y contribución para hacer música La filosofía de Casio es creatividad y contribución, y es bajo ese fundamento que la empresa ha desarrollado desde hace sesenta años productos que innovan y son patente de la firma.

Con una amplia gama de productos y una presencia en nuestro país de más de treinta años, el momento que la marca vive para su división de instrumentos musicales, teclados y pianos digitales, es promisorio, y de ello nos da parte Alfredo Cano Hernández, Director de la División de Productos de Consumo de Casio México.

El bien creativo “Casio es una empresa en constante evolución, que no ha dejado de lado el contacto de beneficio social, lo que quiere decir que siempre desarrollará productos que traigan beneficio.

Y en un momento tan particular como el que estamos viviendo en el mundo, la crisis trajo una oportunidad para la división de MI (Musical Instruments): muchas familias optaron por invertir en la compra de un teclado o un piano, en lugar de otros aparatos electrónicos, porque con estos instrumentos, tanto niños como adultos podían ocupar su tiempo y eso detonó una gran creatividad y desarrollo; son instrumentos a los que les conectas los audífonos y listo, no molestan a los demás. Esto es muy gratificante, porque nos ha permitido que la gente aprenda más de la marca”, expone el directivo con más de veinte años dando a conocer la diversidad de los productos de la compañía.

Alfredo Cano Innovación, su ADN Casio es una marca que ha logrado la miniaturización de componentes y eso la ha llevado hoy a presentar nuevas líneas y diseños de sus teclados y pianos digitales, como detalla Alfredo Cano: “En esta constante evolución

Alexander Acha y Casio: dupla creativa todo terreno “Mi relación con Casio ha sido de muchos años y llegó un momento en que ellos me buscaron. Sus teclados y pianos tienen un gran sonido, me gusta mucho la sensibilidad de las teclas porque es cercana a la de pianos de concierto. Son sumamente intuitivos y sus galerías de sonidos muy fieles y variadas. En mi caso, que no sólo hago canciones para mí, sino para muchos otros proyectos como productor o arreglista, parto de esos sonidos para hacer maquetas y otras cosas. Me es muy fácil hacer, por ejemplo, las partes que harán las guitarras con esos recursos y luego grabarlas ya en un estudio. Recién hice el score y soundtrack de algunas películas como “Qué DesPadre” que ya salió a las pantallas de cine, y Casio fue de gran ayuda.

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Notas del medio

y la filosofía que mencionaba al principio, estamos lanzando una nueva gama de productos que es la línea CDP (Compact Digital Piano), que con cuerpos muy esbeltos, se han incorporado nuevas tecnologías con gran sensibilidad al toque de la tecla, un sonido con una nueva fuente que inspira a tener sonidos emulados de piano de concierto sin tantos botones, sino más intuitivos y de fácil programación. A eso le está apostando Casio hoy, a ir a este nuevo tamaño de instrumento, pero con más beneficio sonoro y musical”.

“Esta evolución en el sonido también le ha permitido a la marca ir hacia otros estadíos, ya no solo en el principiante, sino que estamos logrando cautivar a gente más profesional en el ámbito musical. Estamos en camino para aparecer mucho más en los escenarios y actualmente estamos más presentes en el estudio casero o donde hace producción el músico profesional. Suelen arrancar la creatividad en espacios pequeños y nuestros instrumentos son ideales para eso, haciéndonos aliados de grandes músicos y profesionales”.

Más embajadores Casio Miguel Almaguer Jano Jazz Emmanuel Coss Sergio Vela Pamela Fajardo David García Isaac Aik Morsa Mario Patrón David Barandela Lizzi Ceniceros Ana Gabriela Luka Cayum

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Notas del medio Lanzamientos, para crear donde sea y cuando sea Piano Digital PX-S3100 Cumpliendo un tamaño estándar en sus teclas y de octavas, ofrece “En Casio, el cliente encontrará calidad, prestigio y servicio, si así lo llegase a requerir, gracias a que el índice de fallas es muy bajo: del .02 por ciento, lo que significa que solo veinte de cada diez mil equipos se van a descomponer. Así se logra una confianza con el consumidor”.

sonidos sampleados que permitir el sonido y la vibración de un piano de gran concierto. Es un Privia portátil que combina tecnología, sonido de calidad y un diseño elegante, y puede servir tanto para jóvenes o adultos que apenas están aprendiendo a tocar, como para profesionales. Cuenta con sonidos más realistas, sistemas de altavoces mejorados y nuevas posibilidades de audio y MIDI Bluetooth.

Línea Casiotone CT-S500 Ideal para compositores y tecladistas que buscan un teclado todo terreno para practicar en casa, ensayar con la banda, un concierto, una producción o la creación de música propia y que se pueda llevar a cualquier lugar.

CT-S1000V Es perfecto para creadores de música que quieren imprimir su expresión musical con calidad de sonido incorporando voces. Cuentan con 800 sonidos AiX, 243 ritmos, sección de efectos digitales y función de sampleo para crear tonos propios a partir de una grabación o un fragmento de audio; añade síntesis vocal (una galería de 100 Lo que cambió también con este boom fue la manera de comprar. “Afortunadamente, tanto el canal de MI como el retail o mercado tradicional, comercializadores tradicionales evolucionaron o estaban en la evolución del e-commerce y a través de eso fue que se hizo toda esta comercialización y cadena de suministro para llegar al usuario final.

Se tuvieron que adaptar muchas cosas, tanto por parte de nosotros como de los canales; hicimos lo propio en cuanto a mejores desarrollos en nuestro micro sitio, como complementar con contenidos enriquecidos para que el usuario sepa qué va a comprar y ofrecer información precisa que ayude a la gente a conocer estos productos”. Casio va firme por este camino, en el que seguramente encontrarán muchos más interesados en su oferta.

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tonos vocales para el uso de frases robóticas, coros o arreglos de voz) con la que los usuarios también pueden crear sus propios tonos vocales mediante la aplicación Casio Lyric Creator.

Serie CDP-S La gama de pianos digitales pensada para estudiantes, maestros de música y pianistas que toquen en espacios íntimos o reducidos, o que practiquen en academias en las que haya poco espacio. Los modelos CDP-S110, CDP-S160 y CDP-S360, combinan un excelente sonido, gran portabilidad y una calidad sobresaliente. Además de un precio asequible, que es común en todos los productos de la marca.

Por Juan Carlos Flores

Un encuentro con

Jonathan De la Peña: dedicación total

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onathan Manuel De la Peña González, ingeniero de sala y de sistemas, emprendedor empresarial y consultor, no obstante su juventud, tiene un envidiable currículum en el mundo del audio en todas sus facetas. Nacido en Guadalajara, ha manejado su breve, pero tupida carrera desde esta ciudad y ha cultivado férreas amistades y alianzas con colegas de la vieja y nueva guardia. Jonas, así conocido cariñosamente en el medio, nos narra sus inicios: “Mi madre, ya fallecida, era ama de casa y mi padre repara cámaras mecánicas fotográficas y de cine. Siempre en casa en las fiestas familiares era común que llegara un tío con amigos artistas y la guitarra, así que siempre le tuve un amor a la música interpretada en vivo”.

Fiel a su vocación “A los 14 años tenía un sonido y en la primaria sonorizaba las fiestas y kermesses. Con esto ganaba dinero y eso me hizo un niño feliz, con sus propios ingresos”, recuerda Jonathan. Pronto, el incipiente equipo le quedó chico. “Un día me tocó ver una producción ya en forma. Había consolas Midas XL4 y XL200, además de bastantes racks de periferia. Ahí me cambió el chip y me di cuenta de que quería más botones y estar más involucrado. Empecé la preparatoria y terminándola, al día siguiente empecé a trabajar de planta con una empresa muy conocida en Guadalajara, que se llama Star Producciones, de la familia Domínguez. El parteaguas para empezar a tener credibilidad fue en el Teatro Degollado, con el Ballet Folklórico de Colima, de Rafael Zamarripa. Ellos traían una escena que usaban en la consola de su teatro de origen y el operador no sabía cómo implementarla. Finalmente hice la operación completa y corrí todo el show. El Maestro Zamarripa felicitó mucho a Don Manuel Domínguez y desde entonces me empezó a tomar más en serio como operador”.

En este recorrido de aprendizaje, Jonathan reconoció sus aptitudes y detectó una carencia en las grandes producciones de la ciudad: “Tuve la fortuna de que cuando entré con los Domínguez, justamente un mes antes, acababan de comprar unas consolas Venue Profile de Avid, que pedían prácticamente todos los tours internacionales.

Gracias a estas consolas viajé y pude ver cómo trabajaban muchas otras empresas. Para esto, yo ya sabía desarmarlas, cargarles sistema operativo y darles mantenimiento, al punto de que los ingenieros me llamaban a mí para pedir información. Me di cuenta de que había un hueco en Guadalajara de gente que hiciera sistemas y decidí

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Un encuentro con

especializarme en el tema. Cuando salí de Star Producciones, esta experiencia e información me dio mucho trabajo y sigue siendo uno de mis papeles predominantes”.

El recorrido sobre los escenarios continuó para Jonas: Con el tiempo me hice amigo de grandes ingenieros de México y de varias partes del mundo, como José Luis Doblado, Mauricio Ramírez “Magú”, Luis Pinzón y muchos otros. Estuve trabajando muchísimo con Liz Gil y con Eva Escobedo en todos los festivales de Cumbre Tajín, en el Festival de la Salsa y el Carnaval de Veracruz. Fue un proceso bastante chido, satisfactorio y que sobre todo me permitió conocer formas de trabajar de una gran cantidad de ingenieros”.

Destacados de Jonathan de la Peña Sistemas de la Visita del Papa Francisco a Ciudad Juárez Sistemas para Cumbre Tajín Monitores para Pepe Aguilar Monitores para Edith Márquez Sistemas para el Corona Capital Sistemas para Auditorio Telmex FOH para el Encuentro Internacional del Mariachi y la Charrería Desde hace seis años, Jonathan es socio de la empresa DB Production Services, al lado de Charly Haro y Rodolfo “Rudolph” González. “Nos hemos especializado sobre todo en la renta de equipo de touring support: consolas, microfonía, in ears e inalámbricos. Tenemos todo lo que una banda necesita para un show, que se puede llevar en el avión, por eso no tenemos altavoces. Este emprendimiento me ha llevado hacer cosas muy interesantes en muchos festivales tapatíos y hemos tenido muchas aventuras en esa oficina”.

Jonathan hace reflexiones finales sobre la acústica y sobre el camino andado: “Aunque los oídos están en la cabeza, utilizamos todo el cuerpo para percibir las sensaciones auditivas. A final de cuentas el cuerpo es un resonador. No me da vergüenza decir que la única vez que fui a un psiquiatra, fue cuando fui a un show y no sentía esa emoción y ese nervio y me dije que algo estaba mal. Después de un tratamiento volví a tener esos nervios bonitos que se sienten en cada espectáculo.

Siempre he dicho que el día que ya no sienta ese nervio por hacer el show, me retiro. Es un estrés que a veces ya no se siente a un cierto nivel, pero que se vuelve adictivo”, concluye.

Los hitos La esencia de la primera experiencia es algo presente en la carrera de Jonathan: “La primera vez que mezclé a Pepe Aguilar fue muy satisfactoria para mí y fue cuando percibí que había logrado un buen nivel”. Actualmente, Jonathan actualmente realiza los shows de toda la familia Aguilar. “También tuve la fortuna, gracias a la invitación de Rodrigo López, de haber estado encargado de los sistemas de audio para la visita del Papa Francisco, en Ciudad Juárez y ser responsable de un audio para 600 mil personas”.

Otra faceta del experto es la de consultor y emprendedor: “En la primera área, he hecho varias cosas, sobre todo el diseño de audio del Auditorio Telmex. También para visualizar las inversiones de compra, con el Conjunto Santander de Artes Escénicas ayudé en parte de la consultoría para depurar los contratos de compra y actualizarlos para invertir de una manera inteligente, con el mayor rendimiento de equipos.

Esas consultorías son las que gracias a mi experiencia me han invitado a trabajar en muchos proyectos buenísimos”.

La dedicación de profesionales como Jonathan siempre brindará frutos por el bien de la Industria; no hay duda de que lo que siempre estará bien detrás del escenario, se reflejará en la tarima.

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Avances sound:check Xpo

¡El show continuará!

M

ás de dos años han pasado desde que sound:check Xpo tuvo que esperar para ofrecer de nuevo todas las opciones que los profesionales de la Industria de la Música y el Espectáculo requieren para realizar el show de sus sueños, en áreas como audio, iluminación, video, backline y escenarios, entre otras, en la que será su edición número 18, los próximos 3, 4 y 5 de abril.

El tiempo ayudó y sound:check Xpo evolucionó para convertirse, por primera vez, en un evento híbrido, que se realizará en un formato tanto presencial (en el World Trade Center Ciudad de México) como virtual, al que se podrá acceder desde el sitio web www.soundcheckexpo.com.mx los mismos días que el evento presencial y donde se podrá ingresar a las actividades de los expositores, concertar citas virtuales y preguntar sobre promociones, planeadas para un exitoso regreso a los escenarios, con más de once mil metros cuadrados de exhibición, 320 marcas de diversas latitudes, más de 200 stands, 9 salas demo, 6 salas de capacitación y un auditorio La Sala Mexica del WTC será el espacio del piso de exhibición y las Salas Demo estarán abiertas para conocer más de cerca los equipos que hasta allá llegarán, además de contar con una enorme cantidad de actividades para enriquecer la experiencia de los visitantes.

Auditorio Harman Sound:check Xpo ofrecerá esta ocasión tres masterclasses, donde la experiencia y la juventud estarán presentes: · Ely Guerra, cantante y compositora mexicana. “Más allá del performance”. · Toby Scott, ingeniero de audio y productor discográfico que colaboró por 38 años con Bruce Springsteen y que estará acompañado por John Krivit (expresidente de la Audio Engineering Society). “Multitrack de Born in The USA”. ·Paulina Villarreal, baterista de The Warning. “Procesos de batería”.

Jornada educativa Se ubicará en el Mezzanine del WTC y constará de las sesiones llamadas Tendencias de audio, video e iluminación, De músico a músico, Soundgirls y Avixa.

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Tendencias de audio, video e iluminación Patrocinador técnico: Castelein Certificación Dante, 2a Edición, nivel 1, 2 y 3 (Temas más importantes). Miguel García.

Gerente de Entrenamiento Técnico de Audinate.

Presentada por Audinate.

L-ISA, Sonido Inmersivo Hiperrealista. Ing. Juan Tovar Fuentes. Asesor de audio en vivo para Vari Internacional.

Presentada por Vari Internacional.

Deconstruyendo y entendiendo un rider enfocado a microfonía ·Elohim Corona. Baterista de Moderatto ·Martín Villegas. Production y Stage Manager. ·Héctor “Chango” Álvarez. Ingeniero de audio en vivo.

Ely Guerra

Montaje de una sala Atmos con monitores Neumann ·Alan Saucedo. Productor, ingeniero de grabación y compositor.

Ganador de 2 Grammys y 5 Latin Grammys. ·Vicente Sanfuentes. Productor, escritor DJ y músico. ·Dano Martínez. Músico, productor e ingeniero de audio Presentadas por Sennheiser.

Diseño de estudios de grabación –Del sueño a la realidad.

Sergio Molho. Socio y Director de Proyectos de WSDG. Presentada por WSDG. Produciendo… el cambio.

Francisco Pazbotello. Director de Producción Zignia Live.

Presentada por Zignia Live.

Distribución de señal y aplicación de redes en sistemas Toby Scott de iluminación. Héctor Rojo. Líder Soporte Técnico de Obsidian Control Systems para México, América Central y América del Sur / Luis Rojo. Soporte Técnico de ONYX y Elation Professional México, operador y programador de iluminación.

Presentada por Elation.

Nuevas plataformas para el control de luminarias MagicQ. José Alberto García Ramírez. Capacitador y Técnico de soporte para Chamsys.

Presentada por Chamsys / Vari Internacional.

Los riesgos dentro de una producción. Ricardo Carrillo González. Director General de LCI Corporativo / Enrique Torres González. Gerente Comercial de LCI Seguros..

Presentado por LCI. Mesa Redonda – Mejores prácticas para coordinación de RF Pravda Garza/Mike Tapia. Desarrollo de Mercado, Representaciones de Audio Chacho Peniche Especialista de Marca, , Representaciones de Audio Gustavo Zarco Especialista de Marca, Representaciones de Audio

Rubén Álvarez Desarrollador de Mercado para Shure en América Latina Manuel Tapia Gerente de Soporte Técnico Representaciones de Audio Presentado por Shure/ Representaciones de Audio De músico a músico Presentado por Centro de Creadores Musicales Creando mi proyecto musical.

Federico Sánchez/Agustín Ayala/ Rodrigo Galindo

Paulina Villarreal

CCM propuesta educativa única en México. Mario Santos.

Director de CCM. Produciendo mi proyecto musical. Memo Gil. Ingeniero de audio, productor.

Composición para cine, series y cortometrajes. Josefa De Velazco/José Luis Esquivel Promoviendo mi proyecto musical. Mónica Ibarra Soundgirls/Sala de prensa WTC Presentadas por Backline Producciones/Goro Goro Immersive Lab/Meridian/Sennheiser/3BH/Colegio de Música, Audio y Producción/Meditation Dealer Sesión de mentoras. Post-production/Film. Lía Pérez/Maluz Orozco/Alitzel Díaz. Live entertainment. Reyna Canto/María José Maulen/Carolina Anton/Jannet Mejía/Yor Hernández.

Composición. Valley of AV/Cecy Leos/Grtsch.

Shows: Yukari/Carmen Ruiz/Tere Estrada/Chingona Sound System/Sols/Grtsch.

Networking. Red de convivencia entre mujeres de la Industria.

Avixa Taller de Terminación de Cables. Sergio Enrique Gaitán Serrano.

Taller de Diseño de Centrado en el Usuario. Sergio Enrique Gaitán Serrano. ¡Vivamos este regreso juntos! Tanto en su edición presencial como virtual, sound:check Xpo los espera para la reactivación de la Industria de la Música y el Espectáculo los próximos 3, 4 y 5 de abril. Pueden registrarse en www.soundcheckexpo.com.mx

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Índice de Anunciantes 33

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ADJ Elation Lighting t. 728 282 7070 ventas@elationlighting.com www. elationlighting.com ALLEN&HEATH t. 55 3300 4550 Representaciones de Audio www.rda.com.mx AVID Vari Internacional t. 55 9183 2700 ventaspa@varinter.com.mx CASIO Gonher t. 55 9152 4614 administracion.ventas01@gonher.mx www.gonher.com.mx

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CASIO www.casiomusic.mx

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CCM Centro de Creadores Musicales www.centrocreadoresmusicales.com

09

CHAUVET t. 728 690 2010 Chauvet México www.chauvetdj.com

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EVANS Gonher t. 55 9152 4614 administracion.ventas01@gonher.mx www.gonher.com.mx

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GORO GORO gorogoroimmersivelabs@gmail.com

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GRUPO GCC t. 55 6607 5989

35

IEA MASTERING ieamastering@gmail.com

21 51

KÖNIG & MEYER t. 55 3300 4550 Representaciones de Audio www.rda.com.mx

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KONLED Gonher t. 55 9152 4614 info@gonherpro.mx www.gonherpro.mx

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MAAAC organizacionhql@gmail.com

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NEUTIK Vari Internacional t. 55 9183 2700 ventaspa@varinter.com.mx

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NUX / D´ADDRARIO / BLACKSTAR Gonher t. 55 9152 4614 administracion.ventas01@gonher.mx www.gonher.com.mx

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SENNHEISER sennlatam@sennheiser.com www.sennheiser.com

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SHURE t. 55 3300 4550 Representaciones de Audio www.rda.com.mx

3F

SOUND:CHECK MAGAZINE Musitech Ediciones y Eventos t. 55 5240 1202 info@musitech.com.mx www.soundcheck.com.mx

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SPECTOR Gonher t. 55 9152 4614 administracion.ventas01@gonher.mx www.gonher.com.mx

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STRAND Strand Lighting mario.de.jesus.torres@signify.com www.strandlighting.com

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TORAYITA FILMS t. 55 5109 0181 torayita@torayitafilms.com www.torayitafilms.com

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TUAUDIO www.tuaudio.com

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VOL Vari Internacional t. 55 9183 2700 ventaspa@varinter.com.mx

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